Tame Impala actúan este sábado 23 de marzo en el famoso Saturday Night Live, donde solo podían presentar nueva música. El próximo verano se cumplirán cuatro años de ‘Currents‘, su último álbum de estudio, y siendo público que estaba ultimando un nuevo trabajo, parecía un hecho que el grupo de Kevin Parker mostraría al menos un tema nuevo en los días previos a esta presentación. Y así ha sido. En la madrugada de este viernes ha llegado al fin a las plataformas ‘Patience’, su primer avance. [Fotografía exterior: Matt Sav.]
Por más que ‘Currents’ nos sorprendiera, ‘Patience’ vuelve a tener algo sorpresivo: es un medio tiempo con hechuras disco –onda ‘Random Access Memories’–, basada en un piano que invoca al house primigenio, y en la que, como es habitual, los bajos –reales y sintetizados– se convierten en un elemento fundamental, tomando el protagonismo de unas guitarras que, si están, no son perceptibles. Tan fundamentales como esas percusiones latinas que adornan la canción y la hacen sonar fresca, en un equilibrio de lo sintético y lo orgánico que, como es frecuente en este caso, pide buenos auriculares para su total disfrute.
La melodía entonada por Parker con su voz tenue evoca a un final de verano, potenciado porque su letra habla de estaciones que se marchan, llamando a aprovechar cada momento de la vida, si bien lo más impresionate de ‘Paatience’ es cómo, otra vez, Parker construye un monumento musical alrededor de lo que parece una idea sencilla, con sonidos que vienen y se van, envolviendo la canción hasta un final coral. Habrá quien se atreva a decir que no será un grower tamaño ‘The Less I Know The Better’ o ‘Let It Happen’ –canción del año 2015 para nuestra web–.
Los autores de ‘Currents’ tienen programados numerosos conciertos por Estados Unidos, Europa y América Latina a lo largo de 2019, entre ellos en el festival Primavera Sound de Barcelona, donde son cabeza de cartel. Recientemente han sido confirmados en Coachella.
En los últimos tiempos, Kevin Parker -que se acaba de casar- ha colaborado con Theophilus London -en un single notable llamado ‘Only You‘ que ha pasado por nuestra sección “La canción del día”- y Zhu, en este caso en la bailable ‘My Life‘.
Son las 00:01h del viernes 22 de marzo y ha llegado el momento que los fans de La Casa Azul llevan (llevamos) años esperando: se publica ‘La gran esfera‘. Un disco cuya gestación ha estado llena de vicisitudes que el propio Guille Milkyway nos ha explicado en una entrevista pero que, por fin, es una realidad. Lo cierto es que, a pesar de lo dramático que me he puesto, Elefant ha ido adelantando las copias físicas y digitales a los compradores en preventa del disco esta mismas semana. Por no hablar de que, a estas alturas, ya conocíamos más de la mitad del álbum entre singles como ‘Podría ser peor’, ‘A T A R A X I A’, ‘El momento’ y ‘Nunca nadie pudo volar’, e interpretaciones en directo donde ya había deslizado ‘Gran esfera’ o ‘El colapso gravitacional’.
Una de las que no habíamos podido escuchar hasta la salida del disco era ‘El final del amor eterno’, la segunda canción del disco que, de todos los temas adelantados, es el que más coincide con esa rebaja de BPMs que él percibe claramente en el álbum, pudiendo definirlo como una suerte de medio tiempo. Medio tiempo que, además, muestra un poso italo-disco palpable pese a esos trucos de producción contemporánea que venía introduciendo, y que sobre todo brilla por su melodía ultratrabajada, marca de la casa, en la que puede verse (o yo lo veo, al menos) un deje a rumba similar al de ‘Yo también’.
Esta canción es, de manera oficial, el 5º single de ‘La gran esfera’, elevado a esa categoría al ser objeto de un videoclip oficial de gran factura, obra de Juanma Carrillo, realizador habitual en los trabajos visuales de La Bien Querida y que ya colaboró con La Casa Azul en ‘A T A R A X I A‘.
En esta ocasión Carrillo nos presenta una pieza llena de simbolismo, con esa querencia hacia el cine de temática sobrenatural frecuente en su obra, si bien esta vez la aplica precisamente a narrar todo lo contrario, los efectos de la rutina y la cotidianidad en distintos tipos de amores que, asume Guille –que aparece en el vídeo, y por partida doble–, no son tan eternos como alguna vez parecieron. Sin embargo, con esa nueva perspectiva que dice haber adquirido, el clip culmina mostrando esos finales como nuevos principios. En las próximas horas publicaremos nuestra crítica de ‘La gran esfera’.
La nueva película de Almodóvar llega este viernes a los cines envuelta en un considerable hype por varios motivos. Las críticas de ‘Dolor y gloria’ están siendo espectaculares, incluso a Carlos Boyero le han gustado «más de un par de cosas», y todo parece indicar que el director va a recuperarse del mal funcionamiento en taquilla de ‘Julieta’ o al menos de las malas críticas recibidas por ‘Los amantes pasajeros’ y ‘Los abrazos rotos’. En este artículo analizamos las 5 razones.
Es su mejor película de temática gay
No me atrevo a decir que ‘Dolor y Gloria’ es la película que Almodóvar debía al público gay, en primer lugar porque el director nos ha dado tanto a lo largo de los últimos 40 años que no nos debe nada. En todo caso, al contrario. Y en segundo, porque obviamente ha sido un pionero en el reflejo de la transexualidad, el travestismo o las relaciones de pareja homosexuales en innumerables ocasiones. Y sin embargo, el cine de Almodóvar sin duda ha pasado a la historia por ser un cine de mujeres en general heterosexuales, de «chicas Almodóvar», como se ve perfectamente en las que se consideran por unanimidad todas sus obras maestras: ‘Qué he hecho yo para merecer esto’, ‘Mujeres al borde de un ataque de nervios’ o ‘Volver’. Con todo lo que me gustó ‘La ley del deseo’ o la primera parte de ‘La mala educación’, nunca el director me había emocionado tanto tratando el tema de la homosexualidad como en ‘Dolor y gloria’. O quizá debería decir bisexualidad, a favor de la que esta película rompe una lanza muy clara. Almodóvar vuelve al pueblo y a su infancia para enfrentarse a sus primeros deseos y al despertar sexual en la que puede ser la escena más homoerótica de toda su filmografía. Después, noquea al espectador cuando le hace consciente de un momento absolutamente terrible en la vida de cualquier adolescente, gay o no, pero sobre todo -sí- homosexual: ese en el que has de apartar a tus padres de tu camino para poder soportarte y ser tú mismo, probablemente por miedo a que rechacen lo que eres. Almodóvar sabe transmitir la universalidad de este sentimiento (si yo entendí ‘Leolo’, el mundo podrá comprender esto) a través de un reparto soberbio en el que Antonio Banderas está tan creíble que a veces ni siquiera te acuerdas de que es él. Eventualmente, que Almodóvar haya hecho esta película en este momento, hasta es una estrategia comercial excelente: lo primero es reconquistar a tu público de base, y de ahí poder pasar al resto.
El juego con la autoficción
Lo que más me gusta de las películas de Almodóvar no es que las disfrute estéticamente como un enano, que por supuesto (ojo a la gráfica y a la cabecera de Juan Gatti, un tanto Bowie circa ‘The Next Day’); ni tampoco la retahíla de frases para la historia que ha dejado su brutal personalidad como guionista. Es el modo de entrelazar historias estructuralmente, en los mejores casos uniendo generaciones incluso a modo de justicia poética como se ve muy especialmente en ‘Volver’. ‘Dolor y gloria’ es otra película que utiliza el paso del tiempo para contarnos varias historias, en este caso jugando con la filmografía y la biografía del propio director. Celoso de su vida privada, rara vez hemos intuido a Almodóvar en una cosa tan tonta como sufriendo por amor o llevando una espinita clavada en su corazoncito durante décadas. Aunque el relato esté ficcionado según las entrevistas que está ofreciendo, ‘Dolor y gloria’ sí se enfrenta a esa faceta de su vida, además incorporando píldoras sobre la historia del cine, el propio y el ajeno. La referencia a los 32 años exactos que han pasado en la cinta del estreno de «Sabor» no es baladí (echen cuentas), y el momento en el que ha resuelto visualmente la incorporación de la autoficción/metaficción, aun siendo muy sencillo, es espectacular. No en vano «no me gusta la autoficción» es una de las frases estrella de esta película.
El retrato de los actores y el nivel de detalle
‘Dolor y gloria’ es, como casi todas las películas de Almodóvar, un film que pide un segundo visionado. Hay guiños a su filmografía, la elección de cierta canción de Dinarama no es casual, hay una foto en un marco que resulta fundamental al final de la película y hasta un guiño al #MeToo a través de una pintada callejera. Lo más significativo parecen las referencias a sus actores. En este viaje a su propio pasado, Almodóvar no parece haber pasado por alto lo que se ha hablado de su dirección de actores en su carrera. Sobre todo de Carmen Maura y de Eusebio Poncela (de nuevo, los «32 años»). El retrato que se hace de los actores en general no puede ser más claro en su relación amor/odio. El personaje de Asier Etxeandia se mueve entre lo atractivo y lo grotesco, únicamente pensando en la heroína, en su ego, en su obra, y en hacer él, él y él su mejor monólogo. Eso sí, cuando llega el momento de subirse al escenario, sabe callar todas las bocas. ‘Dolor y gloria’ deja así un original retrato, bastante equilibrado, de la tortuosa relación entre director y actores, como pocos se han hecho a lo largo de la historia del cine.
La contención de Almodóvar en las entrevistas
A nadie se le escapa que la promoción de ‘Julieta’ estuvo absolutamente marcada por la aparición de Pedro en el listado de personajes públicos involucrados en el escándalo de los Papeles de Panamá. El director está siendo muy precavido en las entrevistas evitando dejar cualquier tipo de titular político para que la generación Twitter no se le tire encima. Esta ha sido su respuesta durante una entrevista sobre la situación política actual en El Español: «Durante el montón de entrevistas que hice para los Goya, hora y media, sólo me hicieron una pregunta de tipo político y salió en todos los medios. Y eso quiere decir algo. Yo claro que tengo ideas de todo lo que ocurre, de las elecciones, del procés, de la ultraderecha… hay muchos temas, pero estoy en mi propia campaña, que es hablar de la película. Y no me da miedo ni corte, pero este tema fagocitaría todas las preguntas que me habéis hecho, y sé que no depende de vosotros, como no dependen los titulares, pero trato de defender mi tiempo para hablar de mi película, porque no es que estemos de elecciones, es que ni sabemos hasta cuándo vamos a estar, porque parece que va para largo. Sólo digo que la gente vaya mayoritariamente a votar». ¿Un jefe de prensa ha hecho su trabajo? Pues lo habéis adivinado, el titular de la entrevista fue político, en concreto «Nunca imaginé que la libertad de expresión estaría más en peligro hoy que en los 80».
¿Y qué pasa con Rosalía?
Desde el principio se ha sabido que la aparición de Rosalía en la película de Almodóvar es fugaz, pero no pasa inadvertida. La cantante tiene 2,5 millones de oyentes mensuales en Spotify y ha vendido 50.000 copias de su disco ‘El mal querer’ en España. Que los seguidores que han gastado 20 euros en su disco se gasten 10 en ir a las salas para presenciar su escena no va a hacer ningún daño, teniendo en cuenta los paupérrimos resultados de ‘Julieta’ en España (no llegó a los 400.000 espectadores). De hecho algunas críticas están apuntando a su participación como un «reclamo publicitario», si bien la escena de las lavanderas es fundamental, pues resulta el primer contacto con las artes, en concreto con la música, del personaje principal, que no olvidemos termina siendo un director de cine hipersensible y enfermizo.
Este viernes 22 de marzo llega al fin ‘La Gran Esfera’, el nuevo disco de La Casa Azul. Gestado en los últimos 6 años, el cuarto álbum de estudio de Guille Milkyway es en sus palabras un “disco de transición” que retrata los últimos años de su vida a nivel personal y profesional. El músico catalán llegó a desechar un álbum entero antes de dar con la fórmula perfecta para presentar el trabajo que hoy tenemos entre manos, en tanto alternaba la composición de esta obra con su trabajo con Fangoria o en Operación Triunfo 2017. JENESAISPOP ha tenido la oportunidad de hablar con él en un hotel de Barcelona sobre ‘La Gran Esfera’ y también sobre su trabajo con Nacho y Alaska, sobre Operación Triunfo, sobre Eurovisión o sobre su futuro, en una charla apasionada y honesta.
Para romper el hielo voy a empezar preguntándote por el concierto a piano y voz que ibas a hacer en la fiesta por el 10º aniversario de JENESAISPOP y que hubiste de cancelar por un problema de salud. ¿Cuándo vas a hacerlo?
Cuando queráis. Ahora es mejor momento para el grupo, la estructura de la banda está más asentada. También te digo que el problema que tuve de los ojos [NdE: un desprendimiento de retina] lo voy a arrastrar toda mi vida, así que puede pasar que cancele otra vez [ríe]. Pero fue una lástima que se cancelara el concierto, me apetecía mucho hacerlo. Está pendiente.
‘La gran esfera’ sale 7 años después de ‘La Polinesia Meridional’, casi 8. Llegaste a desechar un disco entero.
Había un disco ya terminado a finales de 2013; luego por temas personales, y porque yo estaba metido en otras cosas, hubo un parón de un año. Cuando recuperé el disco no me sentía identificado con las canciones. Entonces me puse a grabar otro disco desde cero, intentando dar vueltas sobre la misma idea conceptual de ‘La gran esfera’. Volví a tener un parón provocado por el desprendimiento de retina que padecí, y entonces tomé la decisión de coger canciones de aquí y de allá e intentar volver a grabarlas. Eso fue desastroso. Por un tema técnico y estilístico sobre todo, juntar ambos discos fue como hacer un encaje de bolillos.
¿Tan diferentes eran ambos trabajos?
Eran diferentes a nivel técnico. Ahora me siento más seguro en el estudio. Y a nivel estilístico, en el momento de abordar el disco de nuevo, había cosas que en ese momento me interesaban que ya no estaban presentes en el otro. Así que, a partir del lanzamiento de ‘Podría ser peor’, tomé una última decisión, o bien hacer un disco nuevo -ya tenía muchas canciones y había estado grabando mucho- o bien hacer un resumen de lo que habían sido los últimos 8 años. Y esto último es lo que decidí hacer. Eso ha implicado guardar en un cajoncito durante unos meses 4 o 5 canciones que ya están grabadas, que podría haber metido en ‘La gran esfera’ pero entonces se habría hecho un disco largo; pero que iré sacando, porque representan el momento exacto del grupo.
«Actualmente La Casa Azul no tiene mucho que ver con algunas canciones que hay en el disco, aunque me siento igualmente orgulloso de él. Por eso lo llamo un “disco de transición”»
¿Qué canciones has rescatado para el álbum final?
Del disco de 2013 he recuperado las tres últimas: ‘Hasta perder el control’, ‘Saturno (Todo vuela)’ y ‘Gran esfera’. Luego ‘El colapso gravitacional’ es producto de esa remodelación fallida que he mencionado, y el resto son canciones de última generación, de los últimos 2 años.
Tú lo has llamado un disco de transición, que es un concepto que usamos mucho los periodistas cuando describimos un disco poco enfocado, que parece coger ideas de un trabajo anterior, pero a la vez abrir nuevas vías. Me sorprende que tú mismo lo llames así. ¿Tú cuando escuchas ‘La gran esfera’, escuchas un disco de transición, como destartalado?
Llamo ‘La gran esfera’ un disco de transición porque es un viaje. Ahora mismo sé lo que va a pasar con La Casa Azul en los próximos meses y actualmente el proyecto no tiene mucho que ver con algunas canciones que hay en el disco, aunque me siento igualmente orgulloso de él. Yo mismo he decidido que ‘La gran esfera’ no quede un disco puramente “La Casa Azul 2018-2019”, y dentro de 10 años me gustará ver que esto es un disco de transición.
Y esta transición te llevará en el futuro a publicar singles sueltos en lugar de álbumes.
Es el movimiento natural que me apetece hacer. Es más inmediato. Quiero evitar esos vacíos que no aportan nada. Mi inclinación artística es dar salida, porque [pasar años trabajando en un proyecto] no es sostenible. Me apetece lanzar singles que uno tras otro ilustren muy bien el momento exacto del grupo, cosa que con ‘La gran esfera’ es un poco mas difícil.
Muchas canciones del disco hablan sobre el “fin del amor”, te muestran aterrado ante la “rutina”… En JNSP, hace unos años fuiste tajante: el amor se acaba. ¿Sigues pensando lo mismo? ¿Qué pasa con el amor a un amigo, por ejemplo, o a un hijo? ¿O te refieres únicamente al amor romántico? ¿No crees que el amor [romántico], más bien, se transforma?
Me voy a desdecir de esas palabras porque, contra todo pronóstico, después de esta caída cantada y absoluta, y después de haber dilatado tanto la llegada del disco, me he dado cuenta de que sigo con la misma persona. Sin embargo, yo creo que la historia de la humanidad prueba que el amor romántico se acaba; te diría incluso que debe haber literatura científica alrededor de esto. Pero hay una parte dentro del amor romántico que hay que tener en cuenta, y es la decisión de ser sincero contigo mismo y ver lo que quieres y lo que necesitas como persona [en ese momento]. E igual que yo ahora necesito unos “beats” más bajos en mis canciones, menos BPM, también me doy cuenta que, en lo personal, me pasa lo mismo. Quizá el problema es que nos aferramos a una idea…
Las letras del disco hablan un poco de eso, la idea idealizada del amor. Pero en ‘El colapso gravitacional’ hablas de sentir el peso de la realidad, de empezar a reconocer las cosas tal y como son.
Estos son los dos elementos clave del disco. En ‘La gran esfera’ hay una visión de la vida naif e infantil que siempre ha estado presente en la historia del grupo. Esta incapacidad de gestionar la realidad me produce una desazón que me interesa describir [en mis canciones]. Por otro lado, ha sido en este último año y medio cuando he empezado a ver bastante luz alrededor de todo. Yo toda la vida he sentido el peso del mundo encima y ahora he aprendido a quitar trascendencia a las cosas.
«Estar en un sello pequeño conlleva cierta comodidad, trabajar con Fangoria me ha quitado límites creativamente»
Dices que ahora necesitas canciones más lentas, pero yo oigo un disco bastante enérgico y revolucionado.
Me sorprende porque la sensación que yo tengo es que es un disco más reposado, y creo que esto se debe no tanto a la rapidez de los beats sino a que sigue habiendo en él una incontinencia sonora, a nivel de composición, producción, incluso conceptualmente… Ese lenguaje natural de La Casa Azul sigue estando ahí, pero siento que todo eso lo he rebajado. Cuando empezamos a ensayar con el grupo nuevo hace 1 año o 2, de golpe me di cuenta que tengo que bajar mucho los BPM para poder tocar las canciones. Tiene que ver con mi momento vital. Yo ya soy un señor, una persona mayor [ríe]. Cuando veo que se percibe que el disco es enérgico, me doy cuenta que quizá sigo siendo capaz de mantener ese pulso y esa energía un poco infantil de siempre, pero no solo a través de la aceleración, sino también de la incontinencia, el desprejuicio, el hecho de mezclar en un disco cosas diferentes, de seguir haciendo estribillos, canciones que explotan, con subidones.
¿Cómo ha influido en La Casa Azul trabajar con Fangoria? ¿Te han terminado exprimiendo mucho las sesiones con el grupo de cara a tu propio proyecto?
A nivel de tiempo he hecho muchas cosas que no me han dejado espacio para dedicarme al grupo, sobre todo teniendo en cuenta que yo trabajo solo en el estudio y que suelo perder el tiempo en otras cosas. Pero a nivel puramente práctico para La Casa Azul, trabajar con Fangoria ha tenido una aportación clara. Y es que estar en un sello pequeño [como Elefant] conlleva cierta comodidad, te aposentas, porque por ejemplo no tienes que hacer una canción que haya de sonar en la radiofórmula o que tenga que competir con otra cosa.
Te aburres.
Te aburres y no solo eso, te limitas artísticamente. A veces quieres sonar de ciertas maneras, y si no te obligas a intentarlo, puede que acabes frustrado como artista. Con Fangoria, sobre todo a partir del segundo disco, se me exige dar respuesta a ciertas cosas, como que Fangoria tengan que ir a Los 40 a defender un single. Con ellos, de golpe me encontré trabajando mucho durante un año para crecer a nivel técnico, y eso ha sido un alivio. La seguridad que me ha aportado en el estudio saber muchas más cosas me ha quitado límites a nivel creativo.
Muchos artistas indie se quejan precisamente de lo contrario, que cuando se encuentran en una multi descubren que tienen menos libertad.
A mí probablemente me habría pasado igual, la diferencia es que yo no soy Fangoria, por lo tanto lo que hago lo hago desde fuera. Yo sigo estando donde estaba y no tengo ningún tipo de presión, pero ahora soy mucho más “pro” en el estudio, como productor y técnico. Esta es la respuesta que buscaba hace años, cuando me preguntaba si me convenía trabajar en un estudio grande en lugar de en el mío propio, pero a la vez me preocupaba perder mis cosas. La respuesta es estar dos años apretándote un poco, aprendiendo cosas. Ahora estoy mucho más feliz.
«Creo que para Fangoria hacer un disco entero conmigo sería un error; a ellos les favorece que sus discos no tengan un solo productor»
¿Las canciones que has hecho con Fangoria, parten de una maqueta tuya, es algo más en común…?
Es un trabajo muy individual. El trabajo de producción que hago con ellos es parecido al que yo hago para mí solo, es en solitario. Con ellos sobre todo hay trabajo previo de hablar “acerca de”. Hay una negociación. A Nacho por ejemplo no le gusta un efecto en concreto, o Alaska quiere que los beats vayan más rápido de lo que yo quiero.
Entonces tú aportas tu maqueta y ellos la retocan.
Hay conversaciones entre nosotros pero cada vez menos, porque yo les conozco más y ellos confían en mí. Hay una cosa buena en no haber hecho un disco entero con ellos…
Sobre esto te quería preguntar. Ellos han dicho en una entrevista que les gustaría hacer un disco entero contigo, ¿para ti esto no es una opción?
Creo que para ellos hacer un disco entero conmigo sería un error. No lo he hablado con ellos, pero encargarme de solo una parte de su disco me deja más espacio para trabajar de la manera en que yo quiero trabajar, con poco input externo. Así, ellos no tienen tanta necesidad de negociar y se sienten libres porque tienen otras vías [en el disco] para poner cosas que son de su parte pura y dura.
¿Crees que un disco entero de Fangoria sonaría demasiado a La Casa Azul?
Yo no comparto esa idea de que Fangoria suenan a La Casa Azul desde que trabajo con ellos. Sé que hay un sello mío en las canciones que he hecho con ellos, pero yo cuando escribo estas canciones me pongo su mono y pienso a través de su decisión artística. Siempre he pensado que a ellos les favorece que sus discos no tengan un solo productor. El universo Fangoria, quizá yo no lo puedo plasmar en su totalidad. Hay ciertas ideas… ‘¿Quién te has creído que soy?’ a ellos les costaba, no la veían muy Fangoria, porque yo tenía interés en que Alaska fraseara de una forma que no es habitual en ella. Teniendo otras cosas el disco permite que el conjunto siga siendo muy Fangoria. La canción que he hecho con ellos que más puede acercarse a lo que yo puedo entender dentro de un disco de La Casa Azul es ‘Espectacular’. Pero en general yo pienso en Fangoria de manera súper clara a la hora de componer.
«Como productor puedo ver cosas claras para Fangoria que pueden estar lejos de lo que ellos están buscando, pero si sé que estas ideas van a generar mucha incomodidad, yo mismo me autocensuro»
¿Se han quedado muchos temas inacabados de los que has hecho con Nacho y Alaska?
No muchos, hemos ido al grano. Con ellos hay mucha conversación previa, que es algo que no se suele hacer con los productores, sobre todo cuando no existen lugares comunes entre productor y artista que faciliten esa conversación. Pero nosotros sí los tenemos. Con ellos es muy fácil hablar sobre lo que quieren y lo que buscan. No hay equivocación. Sí hay canciones que hemos hecho juntos que están un poco perdidas, pero yo también he sido un poco conservador a la hora de proponer canciones, de decirme a mí mismo “cuando les vaya a presentar cosas, quiero poco jaleo…” y eso artísticamente me ha delimitado un poco.
¿A qué te refieres?
Como productor puedo ver cosas claras para ellos, que pueden estar lejos de lo que ellos están buscando, pero si sé que estas ideas van a generar mucha incomodidad, yo mismo me autocensuro. ‘¿Quién te has creído que soy?’ es la vez que más incomodidad he notado con ellos respecto a lo que yo he presentado.
Pero ellos, si algo les parece bien o mal, te lo dicen sinceramente.
Nacho y Olvido son muy directos y no hay problema con eso, y mira que yo soy hipersensible, cuando alguien habla de mí, todavía me afecta, pero con ellos no hay nada personal, todo responde a lo que ellos buscan.
«Creo que Fangoria tienen que encontrar la manera de volver a tomar la oscuridad como parte de su discurso, pero desde una perspectiva distinta a como la utilizaban hace años, con otro lenguaje más contemporáneo»
Ellos protegen la marca Fangoria.
O como mínimo… lo que que ellos creen que son como grupo, con lo que se sienten cómodos. Yo como productor sí veo que deberían explotar otras cosas.
Crees que son conservadores con su sonido.
A lo mejor soy yo que me autocensuro, porque esto no lo he hablado abiertamente con ellos. Las veces que he hablado aparentemente están a favor. También te digo que yo he fracasado muchas veces como productor por mi poca capacidad de gestionar la negativa. Cuando yo tengo una idea y el artista me dice “no”, eso me frustra tanto que soy incapaz de recuperarme.
Te lo tomas como un ataque a tu ego como músico.
Puede ser. Me decepciona tanto que esa idea no pueda seguir adelante que me frustro.
¿Qué ideas tienes para Fangoria?
Hay varias vías que creo que tendrían que explorar, y sé que estarán de acuerdo. Creo que tienen que encontrar la manera de volver a tomar la oscuridad como parte de su discurso desde una perspectiva distinta a como la utilizaban hace años, con otro lenguaje probablemente más contemporáneo.
Estas canciones últimas son un poco mas oscuras, ¿no?
Por eso te digo que ellos estarían de acuerdo. ¿Cómo hacerlo? Yo tengo ciertas ideas de cómo creo que se debería hacer, pero también me puedo equivocar. Hay otro elemento en Fangoria, que es esta ambivalencia entre lo atemporal suyo y el hecho que consiguen, contra todo pronóstico, mantenerse apegados a la contemporaneidad. Eso no tienen que dejarlo perder. Pero ellos se siguen mostrando inquietos respecto a la cultura pop en el sentido amplio del concepto, a la contemporaneidad, a la efervescencia cultural y musical. Por eso te digo que quizás es una autocensura mía.
Hay cosas de la post-modernidad que son desgracias de nuestra época, pero pontificar que [crear a través de referencias] es un mal de nuestros días es un error»
“Autocensura” suena un poco a eso, a conservar el estilo…
Hay gente que compara canciones y dice que suenan igual la una de la otra, pero cuando las escuchas te das cuenta de que esa apreciación no es real. Hay elementos sutiles en la parte sónica que las diferencia, aunque el enfoque entre ambas sea parecido. El matiz cambia mucho, y eso para mí tiene mucha importancia. Calvin Harris, su single con Dua Lipa, es una cosa muy clásica de house noventero, sin embargo, hay algo ahí que suena estrictamente contemporáneo. Es el matiz. La canción es retro pero esa canción no podría haber sonado así en 1996.
El pop actual se basa en eso, ¿no? En rehacer cosas del pasado. ‘Retromanía’ hablaba de eso, de cómo parece que ahora todos los estilos pasados se reciclan y ya no surge nada nuevo.
En mi opinión eso es un discurso imposible de realizar de manera correcta porque parte de la contemporaneidad. Es muy difícil ser consciente contemporáneamente de que lo que está pasando ahora va a tener una trascendencia en la historia de la música, y esto siempre ha sido así, por ejemplo cuando se pensaba que Elvis era una moda pasajera o que los negros de los años 10 eran un grupo de gente aporreando tambores. Y ha pasado con el hip-hop y pasará con el trap…
Pero tú hablas de trascendencia…
El discurso es rockista, porque hay gente hoy en día que está creando de la nada muchas cosas, aunque esto tampoco es tan cierto, porque ellos siguen teniendo referentes aunque no sean conscientes. Es la criptomnesia como motor creativo. En los años 70 había millones de ejercicios de retro, y en los 60 también. Los Beatles querían imitar a sus grandes héroes del rock n roll y el rhyrhm & blues y les salió mal. Pontificar que [crear a través de referencias] es un mal de nuestros días es un error. Hay cosas de la post-modernidad que son desgracias de nuestra época, pero el discurso sigue sin ser del todo real. Cuando hablemos de la moda del EDM que hubo hace 10 años, estaremos hablando de un sonido que es puramente de nuestra época. El single de Calvin Harris es otro ejemplo.
Seguro que hablaste de todo esto con tus alumnos de Operación Triunfo 2017. Ha sido bastante fuerte lo que pasó con esta edición. Todo un fenómeno. ¿Cómo lo has vivido desde dentro?
Yo vi nacer OT a principios de siglo y siempre he dicho que la selección musical en las galas era muy chula. Me parecía una lástima que esa gente que canta tan bien no aprovechara esa selección para que le aportase algo en su “background”. Y repente me llama Tinet Rubira…
“La falta de referentes no está reñida ni con el talento ni con la capacidad de criterio»
No te lo pensaste.
Le dije que me incomodaba que hubiera cierto foco mediático, pero me dijo que habría cero. Me dijo “es una academia, darás una clase, habla de lo que quieras, lo único que quiero es que no haya ortodoxia, que sea un discurso como el tuyo, desde el no prejuicio, el no dogma”. Y eso es brillante por parte de Gestmusic, porque saben que la juventud actual no va a entender que yo venga a hacer una clase de religión [musical], a hablar de los cuatro pilares de siempre. A mí me interesa igual el reggaetón, con el mismo interés musical e histórico, que el blues o la música disco o el punk.
Y tu viste en OT una oportunidad para enseñar eso.
Siempre hay un poso religioso en ciertas formas de enseñar música que en mi opinión es erróneo. Y para mí OT era una oportunidad con la que poder despertar una curiosidad real en la música. Otra cosa guay fue poder probar, semana tras semana, que el hecho de que algunos de los alumnos no tuvieran referentes no está reñido ni con su talento ni con su capacidad de criterio. La historia de la música está llena de artistas sin referentes que han terminado siendo referentes. No pasa nada si no sabes quién es Freddy Mercury, sigues cantando igual de bien, es más, no saber quién es puede liberarte de ciertos prejuicios.
“Aitana está llevando su carrera como quiere llevarla y tiene personalidad y control artístico sobre las cosas que está haciendo»
¿A cuál de tus alumnos crees que le hizo más ilusión que fueras profe?
Yo percibí ilusión instantánea en Amaia y Alfred. Ella ya me generaba mucha ilusión en los cástings, cuando en los formularios ponía entre sus referentes a Marisol, sabiendo que eso se iba a explotar mediáticamente y que podía jugar en su contra. Amaia emana talento a todos los niveles. Y Aitana, que aparentemente es la contraposición a lo que representa Amaia, creo que está llevando su carrera como quiere llevarla y que tiene personalidad y control artístico sobre las cosas que está haciendo. Para mí es muy gratificante haber participado en ese momento.
¿Cuál de todos ellos crees que tiene más futuro?
Eso depende no solo de ellos, sino también de quién esté a su alrededor. Todos ellos van a tener carreras muy variopintas. Aitana tiene recorrido, y Amaia también, pero a niveles distintos.
Aitana ha sorprendido trabajando con El Guincho, C. Tangana, Pional… Escuchando su primer EP, de repente estos colaboradores pueden desencajar un poco.
Sobre el EP de Aitana hay que tener en cuenta ciertas cosas. Primero la edad: es muy difícil, cuando eres joven, que en tu primer trabajo esté plasmada ya la gran idea de tu propuesta artística. Por otro lado, hay una cosa que pasa bastante en España, más que en el mercado anglosajón, y es que se quiere que un artista del nivel de Aitana esté delimitado. Ella hace “esto”. Pero tú escuchas a Ariana Grande, por ejemplo, y su discografía es variopinta.
Hoy en día los jóvenes entienden el eclecticismo, antes Bisbal hacía Bisbal y Chenoa hacía Chenoa.
Eso mismo, y creo que eso es muy español.
“Juntar a unos cuantos compositores de moda y pensar que de ahí va a salir algo necesariamente mejor es absurdo. Eso es un tema más bien de gestión empresarial, un tema de eficacia y de cómo monetizar el talento que a mí no me interesa»
¿Te han llamado desde Gestmusic o Universal para trabajar en los discos de estos alumnos?
No.
¿Te hubiera gustado?
Depende de quién y de cómo se planteara el proyecto. Ni me lo he planteado, porque yo he sobrevivido haciendo cosas variopintas, pero por separado. Para mí ha sido un éxito que los conciertos de la gira de Operación Triunfo 2017 acabaran con ‘La revolución sexual’. Yo en OT hacía de profesor y casualmente ahí hay una canción mía, pero la mayoría de gente que va a los conciertos no sabe que esa canción es mía y quizá hasta esté viendo mis clases. Relacionar cosas forzosamente te lleva a unas sinergias que no me interesan para nada. Quiero que la gente que va a ver a La Casa Azul le interese por lo que es.
Por otro lado, muchos de ellos juegan a un nivel en la industria en que mucha gente opina sobre lo que se va a hacer, y ahí hay una intromisión artística que a mí me incomoda mucho. Seguro que hay productores que no permiten esa intromisión y son mas herméticos. Entonces es más complicado trabajar…
Tú también trabajas un poco así, en solitario.
El trabajo en equipo está muy guay si es un trabajo en equipo real, pero esto de juntar unos cuantos compositores de moda, y pensar que de ahí va a salir algo necesariamente mejor, eso es absurdo. Eso es un tema más bien de gestión empresarial, un tema de eficacia y de cómo monetizar el talento que a mí no me interesa. Yo no soy capaz de subsistir en ese entorno.
Hablabas antes de ‘La revolución sexual’ y te quería preguntar por Eurovisión. En 2017 dijiste que aún creías en la “parte romántica” de Eurovisión, en el arte de la canción redonda. Vega decía que solo iría a Eurovisión si España se lo toma en serio. ¿Crees que falta eso, seriedad respecto a las canciones que presentamos?
Ese es un problema general de Eurovisión. La evolución del festival ha ido hacia ese camino. Aunque no quita que sea disfrutable como entretenimiento, el festival ha pasado a ser una fábrica de sucedáneos del establishment sonoro del momento. Antes era un lugar donde pasaban cosas y, a lo largo de ese año, había sucedáneos de las cosas que pasaban en Eurovisión. Ahora es al revés. Eso le quita interés musical, y da lugar a un entretenimiento curioso que ha tenido lugar en los últimos años, que es el de intentar adivinar de qué mezcla de canciones conocidas ha salido la canción de Eurovisión. Por otro lado, ahora es más fácil meter algo potente y destacar.
¿No tenemos que cambiar el chip entonces? Las canciones que se han presentado este año eran sucedáneos de muchas cosas, de ‘Lo malo’, Pastora Soler…
También te digo que la gente está muy preparada con el arco para soltar el dedo en cualquier momento.
Ya no es que la canción te recuerde o no a algo en concreto, es que la escuchas y no sientes que sea una buena canción.
¿No tienes la sensación de que en Suecia eso pasa menos? Allí hay como 7 galas antes de Eurovisión con decenas de canciones. Eso forma parte de su poso cultural.
“Yo he decidido no ser partícipe de las grandes estructuras que suponen estar en algo así. Me aportaría hacer algo para Eurovisión si yo tuviera muchas ganas de hacerlo, pero ahora mismo me siento mejor tranquilo»
Bueno, aquí tenemos la cultura de la canción española, de la que eres experto. ¿A ti no te han llamado de Eurovisión para componer?
El año de Operación Triunfo, desde Gestmusic se me animó a presentar una canción. Desde TVE nunca me lo han propuesto. Alguna vez a lo mejor pasará, porque me sigue encantando Eurovisión. Lo que no puede ser es que alguien haga algo para Eurovisión sin sentirse apelado a la idea, porque entonces raro es que lo haga bien.
Ahora parece que hay autores que utilizan Eurovisión para ganar notoriedad.
Eso es un mal terrorífico. Cuando yo traté el tema de Eurovisión en OT, intenté transmitir que es una plataforma para hacer lo que quieras. No hay una “canción eurovisiva”. Eurovisión es lo que tú decidas que ha de ser.
Entonces no consideraste hacer una canción para Eurovisión.
No. Yo me he movido de forma muy naíf por el mundo, haciendo las cosas que me gustan, pero a veces estas cosas se vuelven en tu contra. Yo he decidido no ser partícipe de las grandes estructuras que suponen estar en algo así. Me aportaría hacer algo para Eurovisión si yo tuviera muchas ganas de hacerlo, pero ahora mismo me siento mejor tranquilo. Muchas oportunidades que me han surgido últimamente, las he declinado con un no rotundo para centrarme en La Casa Azul, que ahora es lo que me apetece hacer. Estoy productivo en el estudio y quiero volcarme en el proyecto. Si me pongo a hacer canciones para no se quién, estaría bien pero La Casa Azul volvería a estar arrinconado y no quiero que eso pase otra vez.
Vogue España publica en su número de abril un extenso reportaje dedicado a ‘Dolor y gloria‘, la nueva película de Pedro Almodóvar, que puede ser un éxito por varias razones que hemos analizado. Penélope Cruz, que interpreta a la joven Jacinta en la película (Julieta Serrano interpreta el mismo personaje en su etapa madura), es editora invitada de este reportaje que documenta una paella en casa de Almodóvar y a la que están invitadas, entre otras, la propia Penélope y Rosalía, que posan juntas en este bonito retrato realizado por el fotógrafo Nico Bustos.
Antonio Banderas, protagonista de ‘Dolor y gloria’, también está invitado a la paella y el reportaje documenta que el actor “lanza un gesto de reverencia” a la autora de ‘El mal querer‘ por la que en ese momento ha sido su reciente actuación en los Premios Goya, donde versiona ‘Me quedo contigo’ de Los Chunguitos en una celebrada actuación junto al Coro de L’Orfeó Català. Penélope Cruz replica entonces que “ella no es de este mundo” y que “hay que cuidarla”, emitiendo según el texto un “halo protector que parece ofrecer guía por el arduo sendero de la fama que tan bien domina”. En su escena conjunta interpretan una versión a capella de ‘A tu vera’ de Lola Flores.
Entre los invitados a la paella se encuentran también la veterana actriz Julieta Serrano y Osama Chami, co-organizador de las fiestas Total en Madrid, asistente personal de Pedro, que ya realizaba un cameo en ‘Julieta’. Como es sabido, Rosalía realiza un breve cameo en ‘Dolor y gloria’. Más imágenes de la paella de Almodóvar, en la edición de papel de Vogue España, ya en tiendas.
Russian Red ha confirmado en Instagram que se encuentra trabajando en un nuevo álbum. La noticia parecía bastante lejana hace unos meses, cuando la cantautora madrileña declaraba que se encontraba escribiendo a “a un ritmo distinto” o hace unas semanas, cuando aseguraba que seguiría “cantando y actuando” con la frecuencia que le apeteciese, sin compromisos.
Sin embargo, Lourdes concreta ahora que sí, se encuentra escribiendo un nuevo disco, del que además adelanta el que será parte de su concepto. Estas han sido sus palabras: “Cuando empezó el año tuve la oportunidad de colaborar con un grupo increíble de gente con la intención de componer la música para su performance de baile, y esto me llevó a conectar de nuevo con la idea de escribir canciones por primera vez en cinco años. Me siento bien al estar trabajando en un nuevo álbum. Mi intención es que capture la nostalgia infinita de la que he sido incapaz de escapar desde que nací. El año pasado entendí que, si no me dedicaba a la trágica romántica que hay en mí, lo estaría fingiendo toda la vida. ¡Pronto tendréis novedades sobre esto!”
La autora de ‘Cigarettes’ lanzó un álbum en 2017, si bien de versiones, mientras su último trabajo original de estudio, ‘Agent Cooper‘, se remonta a 2014. Desde entonces, Russian Red se ha mudado a Los Ángeles y las noticias sobre nueva música por su parte han sido escasas. Este verano actúa en el festival Noches del Botánico de Madrid, por lo que cabe preguntarse si alguna de sus canciones nuevas caerá en el repertorio. En cualquier caso, empieza la cuenta atrás para uno de los discos más esperados en el pop nacional.
Virginia Maestro publicó un EP en 2018 llamado ‘Roots’ -mostrando de nuevo su amor por Nashville y por la canción americana- que contenía dos canciones originales -una de ellas en colaboración con la guatemalteca Gaby Moreno- y tres versiones. Sin embargo, hay que remontarse a 2015 para encontrarnos con su último larga duración, ‘Blue Bird‘.
En nuestra crítica del disco destacábamos la balada ‘On and On’ entre los “growers” contenidos en él y precisamente esta canción ha decidido recuperar ahora Maestro en compañía de Coque Malla. Ambos se mantienen fieles a la versión original de esta composición puramente inspirada en la balada country más clásica, en un dueto que llega acompañado de un vídeo grabado por Bernardo Calvo en StudioB. El breve texto informativo publicado junto al vídeo indica que colabora en el tema Amable Rodríguez tocando la guitarra eléctrica. Sobre la versión, Maestro explica: “Escribí ‘On and On’ una noche en un impulso incontrolable. La grabé para Blue Bird. ¿Te imaginas grabarla con Coque Malla? pensé. Y pasó. Y aquí la tenéis. Gracias a todos los que formáis parte”.
Maestro trabaja actualmente en su quinto álbum, que saldrá “pronto” según indica en Twitter y ha sido grabado en Nashville. Por otro lado, Coque Malla vive un dulce momento profesional tras ganar el Goya a Mejor canción original por ‘Este es el momento’, su canción para ‘Campeones’ de Javier Fesser.
En la entrevista, la navarra menciona a Sufjan Stevens -al que ya sonaba ‘Un nuevo lugar’, si bien su riff principal aludía más bien a Portishead, en concreto a su tema ‘The Rip’- y a Vampire Weekend. Aunque de manera más interesante, la cantante cita una canción en concreto, ‘Only You’ de Kanye West con Paul McCartney, por lo que cabe preguntarse si algún tema de su disco contendrá un arreglo de teclado parecido o su tipo de voces manipuladas, o si por el contrario la inspiración será más bien temática (en la meta-canción, Kanye se dirige a su hija North desde la perspectiva de su madre, fallecida en 2007).
Amaia, que acaba de ser confirmada en el BIME, sumando una nueva fecha a su gira de festivales en verano, deja también una pequeña actuación a capela en su charla con Harper’s Baazar. Desde un estudio, Romero versiona ‘Zamba de mi esperanza’, una de las canciones más conocidas del grupo folclórico argentino Los Chalchaleros.
Jameela Jamil además de ser una cotizada actriz y la pareja de James Blake, promueve un movimiento llamado «I Weigh» que pretende ayudar a las personas que sienten que su físico es una losa emocional para ellos. Para ello, entre otras cosas, ha iniciado un ciclo de entrevistas con personas populares que cuentan cómo han tenido que luchar contra prejuicios por su peso y físico. Y el primero de ellos ha sido Sam Smith, que explicó cómo con apenas 12 años se sometió a una liposucción para, infructuosamente, evitar el acoso que sufría por su sobrepeso, que sólo superó con terapia que le ayudó a aceptarse. La entrevista completa puede verse en Instagram.
Sin embargo, lo que más ha dado que hablar de esa charla fue cuando se orientó hacia la sexualidad. Smith, que ya había hablado sobre ello antes, contó que nunca ha sabido si era hombre o mujer, porque a pesar de su físico tenía un lado femenino muy marcado. “No soy hombre o mujer. Creo que floto en algún punto intermedio», dijo. Contó que dejó de llevar ropa masculina cuando tenía 16 años, y vestía con mallas y tacones, «inspirado por Lady Gaga». Así que cuando comenzó a oír hablar de género «no binario» comprendió que ese era su sitio: «»¡Joder!», pensé. «¡Ese soy yo!», dijo a Jamil. La entrevista ha tenido reacciones muy positivas, pero también ha dado rienda suelta a muchos que han decidido cumplir el estereotipo bully y homófobo y mofarse del intérprete de ‘Dancing With a Stranger‘ en las redes sociales.
Entre muchos anónimos, destaca el presentador de televisión Piers Morgan, cuyo amplio historial de polémicas abarca desde Lady Gaga a Lily Allen pasando por Madonna o Ariana Grande. Desde su programa diario Good Morning Britain dijo no entender el sufrimiento de Sam y se burló diciendo que él mismo se identificaba ahora como Sam Smith, así que que le pagaran sus royalties, mientras un colaborador del Daily Mirror aseguraba que Smith lo hace por publicidad, para ganar atención de los medios. Pero no quedó ahí: la propia Jameela contestó a Morgan en Twitter, llamándole «la mayor mancha de mierda de Inglaterra» y «payaso», recordando las ideas tóxicas sobre masculinidad que difunde (se refiere a cuando dudó de la «hombría» de Daniel Craig por llevar a su bebé en un portabebés), para después rematarle llamándole «gigantesco montón de semen». Además de todas sus aptitudes, Jamil tiene buena cabeza para los insultos, no hay duda.
A few months ago, I sat down with @jameelajamil and spoke with her for her incredible @_iweigh movement. I know this sounds dramatic but this interview completely changed my life. Watch in full on my IGTV now (please be kind haha) xx pic.twitter.com/IMDLSUayso
LOL. Of course England’s biggest shit stain has something mean to say about it. He thinks men who carry babies in a comfortable papoose where they can feel your body heat and pulse, aren’t ”manly”. This clown spews constant toxic ideas of “masculinity”👎🏽 https://t.co/FM8yItaHru
Anoche en la Cineteca del Matadero de Madrid tenía lugar una propuesta muy singular al simbólico coste de 4 euros. La idea no podía resultar más atractiva: Asian Dub Foundation acudían de cuerpo presente para interpretar en vivo su revisión de la banda sonora de la película de culto ‘La Haine’ (‘El odio’), una revolución que triunfó en los Premios César de 1996 gracias a su vertiginoso montaje y a la crudeza con que retrataba la brutalidad policial y la violencia vivida en los suburbios de París en aquellos años.
Impresionados por la película de Mathieu Kassovitz, que aparece haciendo un cameo como skinhead, Asian Dub Foundation primero incluyeron una canción llamada ‘La Haine‘ en su disco ‘Enemy of the Enemy’ (2003) y en aquella década reinventaron la banda sonora para un espectáculo que luego fue recuperado en el Barbican Art Center de Londres o en el David Bowie’s London Meltdown Festival, y últimamente han vuelto a sacar de gira. La pertinencia de la película da verdadero miedo, hasta el punto de que por un momento confundes la mención a Le Pen, padre, con una a Le Pen, hija, en los tiempos en que el auge de la ultraderecha en Europa es noticia todos los días incluso en el plano musical y literario.
Si bien la banda sonora original corrió a cargo del colectivo de rap hardcore Assassin, la adaptación de Asian Dub Foundation es totalmente adecuada. La banda especializada en dub y reggae ha creado una música de ritmos violentos, apresurados y étnicos muy bien sincronizada e idónea para los 3 protagonistas inmigrantes que sufren la violencia callejera y las consecuencias de la marginalidad. Especialmente bajos y percusión (y en algunos momentos la guitarra eléctrica) marcan este espectáculo que evidentemente no se sostiene por 4 euros ni con todas las localidades agotadas con antelación, cosa que sucedió.
Sin embargo, no quisieron los astros que el montaje saliera bien y desde el principio el sonido de la película falló, provocando que Asian Dub Foundation tuvieran que interrumpir el show al cabo de menos de 5 minutos. La banda se excusó y también lo hizo un responsable de la sala. Pero tras resolverse el problema, la cinta se volvió a atascar dejando el mismo problema al cabo de pocos segundos: cada vez que había diálogos en la película y había de sonar música en vivo a la vez, el caos se desataba.
Tras una segunda interrupción parecía que la cosa echaba a andar; pero el sonido patinó durante todo el metraje con una pésima ecualización que rozaba lo peligroso para nuestros oídos en los momentos de mayor estruendo en vivo; y presentaba severos problemas para seguir el diálogo de los actores al margen de los subtítulos. No ayudó tampoco mucho la falta de asientos. A alguien se le ocurrió que era buena idea ver una película de pie, la totalidad del público (Pucho de Vetusta Morla incluido, siempre tan interesado por la vida cultural de la ciudad) optó por sentarse en el suelo, y ahí es cuando las hernias y protusiones del respetable treintañero y cuarentón empezaron a hacer mella, convirtiendo la Cineteca en un desfile de movimiento con gente levantándose, sentándose, pisando manos y finalmente desertando que ni el camarote de los hermanos Marx. Una verdadera pena, pues era una de las actividades más apetecibles y por menos, de los tiempos recientes. Os dejamos con un pase normal a modo de resarcimiento. Otra vez será.
Para regocijo de los seguidores del pop en general y de sus fans en particular, ionnalee anunciaba hace unas semanas el próximo lanzamiento de ‘REMEMBER THE FUTURE’, un nuevo trabajo poco más de un año después –llega al mercado el próximo 31 de mayo– de su primer disco, ‘EVERYONE AFRAID TO BE FORGOTTEN’. La también integrante de iamamiwhoami (junto a Claes Bjorklünd, que colabora también como productor en este proyecto de la cantante, aunque bajo el alias de Barbelle) se une así a la tendencia reciente de publicar dos largos complementarios –o consecuencia uno del otro, según el caso–, que artistas como The 1975, Ariana Grande o Foals están empleando.
El primer adelanto de este nuevo disco ha sido ‘OPEN SEA’, una canción que, si bien en un primer momento no llamaba la atención tanto como uno esperaba, poco a poco ha ido ganándose nuestro favor, revelándose como un himno que consolida a la sueca como una suerte de icono del pop bailable a lo Robyn… si esta fuera un alienígena que hubiera aterrizado en un mundo fantástico de hadas, magia y seres oscuros. Algo parecido retrata el clip oficial de la canción que, en realidad, parece reproducir figuradamente el contenido de su letra: habla sobre un ser que deliberadamente se embarca en un viaje cargado con todas sus posesiones y riquezas que, en su travesía, ponen en riesgo la estabilidad de su nave y, al final, su vida y la de los suyos.
Dándole un contexto real y humano, podría leerse como una metáfora de la Humanidad y su postura destructiva hacia el medio ambiente –simbolizada por esa planta que languidece en el interior de su cápsula–, lo cual la hace espeluznante (especialmente con esa frase «el despreocupado nudo que sabía que no nos sujetaría»). Sin embargo Jonna Lee reveló a Billboard que para ella tiene una implicación más íntima: “la canción habla sobre perderlo todo y estar aturdido antes de reaccionar. Bastante parecido a mis sentimientos hacia el estado del mundo en estos momentos. Lo escríbí tratando de curarme tras un duro trance», explica.
En definitiva, ‘OPEN SEA’ se ha ido revelando como un gran grower, una construcción monumental a base de sintetizadores cimentada en una melodía de corte clásico –a veces evoca a Kate Bush, otras a Fleetwood Mac–, logrando un nuevo himno de Lee. Himno que, además, presentará este fin de semana en un único concierto en Barcelona, en la Sala Razzmatazz –con el interesante Tungorna como telonero–. Es parte de un tour que ionnalee ha conseguido producir gracias a un proyecto de crowdfunding, de manera bastante singular. Como todo lo que envuelve a esta artista.
Escucha las Canciones del Día en la playlist «Las mejores canciones del mes»:
BIME LIVE, la cita festivalera hace rato imprescindible durante el otoño, volverá puntual este año los días 1 y 2 de noviembre al BEC! de Bilbao, donde celebrará su 7ª edición tras la tradicional celebración de conferencias durante la semana.
Hoy se avanzan los primeros artistas de su cartel, y vuelve a tratarse de un cartel de verdadero lujo encabezado por los influyentes Kraftwerk, que volverán a llevar a Bilbao su espectacular montaje en 3D después de triunfar en una gira por los principales museos de arte contemporáneo del mundo, entre los que estuvo precisamente el Guggenheim.
En cuanto al resto de confirmaciones encontramos a Amaia y a Carolina Durante, que suponemos que para entonces ya habrán arrasado con sus sendos debuts en largo; a Mark Lanegan Band, al compositor y programador Aitor Etxebarría, que no suele prodigarse mucho en vivo y finalmente -de momento- Banpiro
Maitaleak, la unión de Mursego y Amorante. El bono de 2 días cuesta 65 euros más gastos, mientras que el bono que incluye las actividades BIME PRO, con conferencias y eventos realizados desde el día 30 de octubre hasta el 1 de noviembre vale 95 euros más gastos incluyendo el pase a todos los conciertos de BIME Live. Os dejamos con el cartel en sí.
En algún momento, allá por 2016 cuando se presentaba al concurso de talentos de Low Festival con su segundo álbum ‘Este es el disco de Penny Necklace’ –el primero cantado en castellano– bajo el brazo, Penny Necklace se presentaba como una banda integrada por cuatro mujeres. Sin embargo, la realidad es que quien siempre estuvo detrás fue la artista franco-española Odette Suárez y, ya cuando publicó en 2017 ‘La luz‘, mostró que el proyecto en realidad gira en torno a ella, con artistas como Julia Hermida (que fue batería fija durante un tiempo) y Víctor Cabezuelo (ambos de Rufus T. Firefly), Brian Hunt y Manuel Cabezalí (Havalina) como colaboradores ocasionales. [Fotografía de Juanjo Marbai.]
Tras aquel ambicioso álbum conceptual que versaba en los colores como metáforas de estados de ánimo, Penny Necklace vuelve este año con una nueva formación –Odette se rodea ahora de tres hombres: Charlie Moreno (Iseo, Alice Wonder), José Sámano y Marco Lipparelli– y un nuevo paso adelante musical en forma de EP. Se titula ‘Sólidos’, se publica el 5 de abril próximo, ha sido producido de nuevo por Víctor Cabezuelo y, como se puede intuir por su título, vuelve a ser un trabajo conceptual en el que «evoluciona desde colores a los materiales y las texturas sonoras (…) en la búsqueda de un lenguaje propio que deleite todos los sentidos».
Por sesuda que suene esa descripción, lo cierto es que Penny Necklace suena en ‘Piedra’, el primer avance de este nuevo trabajo, más pop que nunca. Y, a la vez, más audaz: con ecos de referentes como alt-J, Tame Impala, Jungle o James Blake (expresamente citados en su nota de prensa), Odette da un paso adelante cantando –con su voz anegada por un efecto tipo AutoTune– una melodía infecciosa y elaborada, casi con más pegada en sus versos que en su estribillo… aunque el bucle en el que se convierte su final –atención al minuto 3:12– resulta verdaderamente catártica. Y la poderosa base que perpetran sus músicos resulta un contrapunto perfecto.
Hoy estrenamos en exclusiva en JENESAISPOP el vídeo oficial de ‘Piedra’, un clip dirigido por la propia Suárez que, aunque pueda parecer el clásico vídeo del grupo ejecutando la canción, contiene también mucho simbolismo relacionado con la letra de la canción, con esa piedra que arrastra Odette y sobre la que luego gira para cantar líneas que parecen versar sobre una relación que nace, pero que también puede aplicarse a la creación artística o cualquier otro proyecto que emprendamos. «Esta #Piedra simboliza la voluntad desde el subconsciente. Un espacio minimalista, neutro y blanco, con ideas claras y sinceras que aportan fuerza para crear cosas bonitas y contrarrestar el miedo», dice Odette. En definitiva, se trata de vencer ese peso emocional que evita que seamos valientes y nos hace ser «idiotas».
Este fin de semana se celebra una nueva edición del Madrid Popfest en la Sala Galileo Galilei y los últimos abonos y entradas de día están disponibles en la web del festival. Como sabéis, el pequeño festival autogestionado evita los grandes nombres para rescatar nombres especializados en pop independiente internacional y nacional, con gran protagonismo también de las artistas femeninas. Entre los confirmados están el grupo LGTB+ The Ballet, de quienes quizá recuerdes ‘I Blame Society‘, los franceses The Pirouettes y varios nombres tan indie pop propiamente dicho como Pale Lights, Young Scum o los más punk Martha.
Entre los talentos nacionales despuntan Rusos Blancos, que han compuesto el himno oficial de Madrid Popfest 2019, como el año pasado hicieran Cosmen Adelaida. Se trata de una sintonía sin ningún tipo de desperdicio que, sumergida en el synth-pop de su teclista, Betacam, contiene una delirante pulla a Izal y a Radio 3: «No hay ni un festival al que puedes irte a divertir / en la radio estatal vuelve a sonar Izal / necesitas un lugar feliz / Por eso llega el Popfest». La melodía cuando suena el gancho «Vente arriba, ponte melodías, imposible no pasarlo bien» es un claro homenaje a ‘Happy Hour’ de Housemartins, como los Smiths, uno de los grupos de referencia para casi todas estas bandas. Os dejamos con el calendario y la playlist realizada por una usuaria sobre esta edición.
Viernes (Sala Galileo Galilei)
The Ballet
Luces Negras
Pale Lights
The Pirouettes
Rusos Blancos
Sábado (Nave de Terneras)
Amparito
Belenciana
Guay!
Sábado (Sala Galileo Galilei)
Martha
Neurotic Fiction
Pablo Prisma y las Pirámides
Paracaidistas
Peaness
Young Scum
Recycled J, Jorge Escorial, es de los pocos MCs surgidos del nuevo rap/trap español que está demostrando abiertamente una voluntad de alcanzar a un público más amplio que el limitado a la escena hip hop, ajeno a las peroratas sobre autenticidad y realness. Siendo un rarito criado en el barrio de Carabanchel, con 10 años de intentos por sacar la cabeza en la música a sus espaldas (comenzó siendo aún adolescente en el grupo Cool-N-Groove y luego en la crew La Trupe Chingona), posiblemente suponen un máster en realness. Así que, si ya en su debut largo en solitario ‘Oro rosa’ quería mostrarse como algo más que un rapero, cantando de manera más que solvente con poso soul y R&B –y sin precisar de demasiado autotune–, ‘City Pop’ es un trabajo aún más ambicioso.
También es particularmente unipersonal, ya que, pese a estar firmado al 50% con su productor, Selecta, no hay una sola colaboración de ningún otro artista amigo (como son Natos y Waor, Rels B, los BNMP, Maka o Kaixo, con los que ha colaborado en el pasado). Quizá esté motivado por el hecho de que sus letras son, más allá de los discursos que buscan ostentar sobre los logros personales (que los hay, claro: ahí están ‘Kids’ o ‘Guiness’), más honestas e íntimas de lo que estamos acostumbrados a escuchar en el endogámico mundillo del nuevo pop urbano.
Lo parecen las canciones de amor que dirige a su pareja, la modelo Ana Sotillo, repasa hechos concretos sobre su carrera (‘Bambino’ es la más explícita, con referencias a la estratagema de la ruptura que perpetraron para promocionar ‘Oro Rosa’, pero también abunda por ahí ‘Sorry’). Y, sobre todo, las que dedica a contar sus inicios en el popular barrio madrileño, evitando fabricarse un personaje de delincuente juvenil sino que reconoce haber sido el pardillo objeto de acoso en el colegio por su interés por los cómics y la música –bien retratado en el skit ‘Patito feo’, musicalmente anecdótico con su guiño a ‘El Príncipe de Bel Air’.
Resulta inevitable identificarse con aquel chico de gafas grandes y vestimenta esforzadamente personal (él mismo juega a presentarse así en algunas fotos promocionales del disco y en el clip de ‘Bambino’), que ha sido menospreciado por propios y extraños y, pese a eso, ha logrado convertirse en un artista con una personalidad clara y reconocible, un tesoro estos días. Si hay una táctica inteligente en la “guerra”, esa es convertir tus supuestas debilidades en una ventaja. Por ahí abundan temas como ‘Por la pasta’ Y por ahí iba ya la poderosa ‘Aunque digan que yo’, primer avance de este disco que nos hizo levantar las orejas como lobos hacia este ‘City Pop’ por su visión heterogénea del rap y el pop. Esta, precisamente, es la gran característica que marca este nuevo trabajo de Recycled J: se sitúa en un poco frecuentado pero atractivo punto intermedio entre lo uno y lo otro (aunque no faltan versos ágiles y rocosos, como los de la magnética ‘Guiness’), en un posicionamiento ambicioso que recuerda un poco a la idea que planteó C. Tangana con ‘Ídolo’… sólo que con un presupuesto mucho más modesto, claro.
En ese sentido, casi tiene más mérito lo logrado por Escorial y su Alizzz particular, Selecta, porque la proporción entre inversión y réditos artísticos es notable, consiguiendo un disco fresco, atractivo y moderno que, paradójicamente, se alimenta de electrónica, funk y sonidos latinos clásicos, que les sitúa no sólo junto a artistas de su cuerda como One Path o Cruz Cafuné sino también cerquita de propuestas más eclécticas como Delaporte. Porque Pablo Jiménez –nombre real del joven productor madrileño– da fantástica réplica musical al instinto pop que Recycled demuestra para los ganchos, creando una alianza a la que es difícil resistirse tanto si te interesa el trap/rap/loquesea como si no.
Ya lo demostraban en ‘Tiempo’ y ‘Bambino’, y siguen haciéndolo en auténticos pelotazos que rayan a esa misma altura, como la seductora ‘Sorry’ –a la que sólo cabe afear cierta falta de vocalización, que hace la letra casi incomprensible si no se lee–, el deslumbrante future funk de ‘Otro como yo’ y ‘Muñeco de cera’ (en cuyos arreglos se intuyen guiños al Sonido Caño Roto) o la caliente ’12’. El conjunto de ‘City Pop’ peca de cierta falta de concreción: la emorapera ‘Ángeles caídos’ parece algo fuera del tono del disco, mientras que la semiacústica ‘Cadena’ está por debajo del resto melódicamente, mientras que ‘Intro’, ’Patito feo’ y ‘Ricky Martin’ son simples anécdotas. Pero cuando Recycled J y Selecta se ponen al lío, a lo que mejor saben hacer, vuelan muy, muy alto. Recycled J & Selecta están presentando en directo ‘City Pop’ por todo el país. Este viernes, 22 de marzo, actúan en la Sala La Riviera de Madrid con todo agotado; el sábado lo harán en la Sala Apolo de Barcelona (entradas aún disponibles).
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Bambino’, ‘Aunque digan que yo’, ‘Sorry’, ‘Tiempo’, ‘Guiness’ Te gustará si te gusta: C. Tangana, One Path, Rels B, Delaporte Escúchalo:Spotify
Este jueves 21 de marzo se cumplen 30 años de la publicación de ‘Like a Prayer’, el que a la larga ha sido considerado uno de los discos más relevantes de Madonna y de los 80 en general. Una influencia declarada en artistas como Taylor Swift, quien titulaba ‘1989’ no solo en base a su año de nacimiento, sino a la influencia de la música editada aquel año por gente «como Madonna y Annie Lennox»; y un precedente de los discos de madurez de otros artistas de pop masculinos y femeninos tiempo después. Al frente por supuesto, el tema titular, una de sus grandes obras maestras y sobre el que queda poco que decir aparte de lo que dijimos aquí. En este artículo recordamos otras curiosidades sobre la grabación de este álbum.
Madonna recurre a la autoficción al cumplir 30 años
‘Like a Prayer’ se grabó en otoño de 1988, lo cual quiere decir que Madonna acababa de cumplir 30 años. De la misma manera que ‘Ray of Light’ significó un periodo de madurez y su mayor obra maestra de momento cuando estaba a punto de cumplir los 40, ‘Like a Prayer’ se considera un punto de inflexión en su vida. Ya había dado pasos hacia la madurez con la balada ‘Live to Tell’ o en algunos sentidos en ‘True Blue’, pero aquí Madonna se decidía a hablar de temas personales que hasta entonces le habían dado cierto rubor, por mucho que cueste asociar esta palabra a la cantante. 30 años era la misma edad que tenía su madre cuando falleció como víctima de un cáncer de pecho en 1963 y Madonna le dedica el disco «por enseñarle a rezar», al tiempo que recuerda cómo la perdió a los 5 años (en la balada ‘Promise to Try’), cómo se enfrentó a la religión o al autoritarismo de su padre (‘Oh Father’), o más recientemente cómo había vivido su divorcio de Sean Penn a través de un incidente violento (‘Till Death Do Us Part’). Algunos detalles no son exactamente biográficos, sino que están exagerados en lo que ahora se conoce de manera mucho más masiva como «autoficción», pero sin duda hay un deseo por contar algo más profundo y personal que en álbumes anteriores.
El sacrificio de la comercialidad en favor de lo artístico
Cuesta recordarlo debido a lo monstruoso que fue el éxito de single y disco a nivel mundial: número 1 durante varias semanas en Estados Unidos, Reino Unido o España, multiplatino a nivel global, un icono estético y sonoro de la época, miles de funciones de colegio reproduciendo el vídeo… Pero lo cierto es que ‘Like a Prayer’ vendió la mitad que ‘True Blue’. ¿La razón? Mientras este había contado con 5 hits consecutivos, terminando con el que al final ha sido el más reivindicado y reproducido en el siglo XXI, ‘La Isla Bonita’, ‘Like a Prayer’ no contó con tantos sencillos de éxito. ‘Oh Father’, por ejemplo, interrumpió su racha de 16 hits seguidos en el top 5 de Estados Unidos. Y sin embargo no decepcionó a nadie, pues tanto esta como ‘Dear Jessie’ parecían extraerse como sencillo para dar al álbum un sentido de conjunto, autobiográfico, más que para arrasar por separado. De hecho, ‘Act of Contrition’ y ‘Lovesong’ directamente pueden considerarse sus primeras canciones experimentales.
Un disco casi hecho en 10 días, por solo 2 personas
En contraste al último álbum hasta la fecha realizado por la cantante y al que va a ser el siguiente, gestados cada uno durante un año o incluso algo más de tiempo, ‘Like a Prayer’ fue un álbum en general escrito por tan solo dos personas y en apenas dos semanas. Esas dos personas fueron obviamente Madonna y por otro lado Patrick Leonard, con quien ya había hecho ‘Live to Tell’ y ‘La Isla Bonita’, y a la postre autor de confianza del último Leonard Cohen, con quien por cierto terminó compartiendo después algún coro góspel à la ‘Like a Prayer’. Patrick Leonard declaró tiempo después que escribieron el grueso del álbum en tan solo dos semanas, a razón de una canción al día, y que ‘Like a Prayer’ fue la primera y la base sobre la que se sustentó lo demás. Muchas de las tomas vocales se dejaron tal y como salieron a la primera.
Stephen Bray, la excepción tras ‘Express Yourself’
En un momento dado Madonna dudó entre trabajar mano a mano con Patrick Leonard o con Stephan Bray, con quien también había hecho algún tema del anterior ‘True Blue’, en concreto la propia ‘True Blue’ y la producción de ‘Papa Don’t Preach’. Se decantó por Leonard muy claramente, pero hubo un par de excepciones que de hecho terminaron siendo sencillos del disco. ‘Express Yourself’ es la icónica canción sobre empoderamiento femenino que fue extraída como segundo single, y ‘Keep It Together’ fue el anecdótico sexto sencillo, también con una vena más funky y setentera que no tiene todo el álbum y que se considera más influida por gente como Sly and the Family Stone.
Prince, el capricho precedente de ‘Hung Up’
Una tercera excepción sería Prince, que aportó algunas guitarras no acreditadas fruto de una sesión de improvisación y colabora en un tema llamado ‘Lovesong’ que no fue extraído como sencillo por su desestructura, pero que terminó inspirando 15 años después la letra de ‘Hung Up’, el gran single de «comeback» de Madonna tras su álbum político ‘American Life’. ‘Lovesong’ fue un divertimento para los que fueran dos de los reyes del pop durante los años 80, si bien terminaron el tema por separado porque Madonna tuvo que irse a Los Ángeles y de todas formas no soportaba grabar bajo el frío de Minneapolis. «Me sentía muy miserable y no podía grabar ni trabajar bajo esas circunstancias, a 20 grados bajo cero», indicó en una entrevista con motivo del 25º aniversario de ‘Like a Prayer’.
La apuesta por lo orgánico en el cambio de década
Pese a que Madonna metió sintetizadores en este y otros temas del álbum, llama la atención el sonido orgánico por el que en general se apostó en ‘Like a Prayer’, dejando a los temas con Stephan Bray como los únicos realmente «bailables». Corte titular y ‘Express Yourself’ fueron enseguida remezclados para el recopilatorio ‘The Immaculate Collection’ un año después, porque aquí lo que se primó fue o bien la espontaneidad de la grabación o bien el sentimiento. ‘Promise to Try’ no deja de ser una solemne canción a piano, ‘Oh Father’ cuenta con arreglos de cuerda, la sección de metales es abundante en ‘Express Yourself’ e incluso ‘Till Death Do Us Part’, que puede parecer el tema más electrónico por los teclados, cuenta con una batería completamente vivaz (aparte del sonido de un cristal rompiéndose aludiendo a la escena violenta ya relatada). Mención especial merece la curiosa instrumentación de ‘Like a Prayer’, también con una batería acaparando el estribillo tras las estrofas prácticamente a capella.
La magia de la secuencia
Aunque ‘Like a Prayer’ no está tan bien cohesionado como ‘Erotica’ o ‘Ray of Light’, pues presenta estilos de música muy diversos, sí se logró crear una secuencia mágica y adictiva, incluso a pesar de osar colocar sus 2 mejores canciones en cabeza. Era una estructura completamente distinta a la vista en ‘True Blue’ pero con varios trucos: ‘Promise to Try’ como balada era el cierre perfecto de la cara A, la retro y ahora descrita por la propia Madonna como «cursi» ‘Cherish’ era perfecta para abrir la cara B, y la situación de ‘Oh Father’ detrás de ‘Dear Jessie’ no podía ser más efectiva. De alguna manera resume el disco y por algo suenan totalmente seguidas sin segundo de silencio. ‘Dear Jessie’, inspirada en la hija de Patrick, representa el mundo infantil, y ‘Oh Father’, la irrupción de la vida adulta con la decepción que conllevan la culpa, el maltrato o la pérdida de la inocencia. Restando intensidad, cuando el disco parece cerrarse con otra balada sentida, ‘Spanish Eyes’, aparece un algo llamado ‘Act of Contrition’. Se trata de Madonna reivindicando tontamente su reserva en un restaurante u hotel, una muestra de humor que ha sido constante incluso en sus discos post-‘Ray of Light’, como ‘Music’, ‘MDNA’ o ‘Rebel Heart’, y que personalmente es lo que más he agradecido en toda su discografía: su capacidad para hacerme reír cuando menos me lo esperaba.
Videoclips y gira, pensados en grande
Parte de la falta de aceptación del disco siempre en comparación con ‘True Blue’, su álbum de estudio más vendido, pudo tener que ver con ese paso más allá dado por Madonna en cuanto a su relación con la religión. El álbum estaba influido por su educación católica, el vídeo de ‘Like a Prayer’ y su juego con la imaginería religiosa, un santo negro y hasta una felación según las mentes más perversas (todas), produjo la cancelación de su macrocampaña con Pepsi, una marca gafada a lo grande si recordamos el papel que desempeñó en la carrera de Michael Jackson. A pesar de todo, el vídeo de ‘Like a Prayer’ es uno de sus más recordados, el de ‘Express Yourself’ inspirado en ‘Metropolis’ y dirigido por David Fincher en su momento fue el más caro de la historia, Fincher también se encargó del realizado para ‘Oh Father’, y las presentaciones en vivo en los Premios MTV y en la gira Blonde Ambition Tour están entre las más logradas de toda su historia.
El pelo moreno
No me resisto a comentar, después de la revolución en su Instagram cuando hace poco la vimos portando su primera peluca negra en años, que Madonna presentó ‘Like a Prayer’ de morena. Y que la «Ambición Rubia» ha sido morena en varios momentos fundamentales de su carrera: ‘Like a Prayer’, ‘Frozen’ de ‘Ray of Light’, ‘Rain’ de ‘Erotica’ o ‘American Life’. Unos han sido más exitosos que otros, pero todos han significado un momento favorito para sus fans por diversas razones. De hecho, hay unas declaraciones al respecto de la época en las que llegó a decir: «me encanta el pelo rubio, pero realmente te hace parecer diferente. Tengo la cabeza más asentada cuando llevo el pelo oscuro. Es inexplicable. También me siento más italiana con el pelo moreno».
¿Ni Grammys ni listas del año, en serio?
Es difícil encontrar una mala crítica de ‘Like a Prayer’ online, pues a la larga se ha reconocido como uno de los mejores discos de los 80 e incluso de todos los tiempos. Sin embargo, hay que recordar que las listas del año no fueron en absoluto generosas con él. En los 80 los prejuicios contra el pop y en especial contra el pop femenino eran evidentes y ‘Like a Prayer’ no apareció en la lista de 50 mejores álbumes del año para el NME, ni en la de los 30 mejores discos del año para el ya desaparecido pero entonces carismático Melody Maker, ni en la de álbumes del año para Rolling Stone. Únicamente la revista Q sí lo incluyó en su listado anual, alfabético; pero por ejemplo la revista Spin publicó una agridulce reseña firmada por tres hombres distintos, en la que elogiaban algunos aspectos del álbum o a Madonna como icono, pero denostaban muchos otros. Entre las frases más curiosas de aquella crítica, “el disco es demasiado autobiográfico”, “en el pasado cuando sus canciones trataban problemas al menos se podían bailar”, “no queda nada de la Madonna que creció con Regina, Debbie Gibson y Taylor Dayne” o “Madonna no tiene vida privada, por lo que no puede hacer un disco confesional”. Al margen de esta crítica tan chanante, disco y singles fueron totalmente ninguneados en los Grammys de 1990, pese a que son lo que hoy por hoy podemos entender como totalmente «Grammy material». La única nominación fue para el ingeniero de sonido del álbum, Bill Bottrell, conocido por su trabajo para The Jacksons, Michael Jackson o Electric Light Orchestra, pero que además perdió. Eran otros tiempos para la Academia y aquel año se decantaron por Bonnie Raitt en Disco del Año y Bette Midler en Mejor Canción y Grabación.
Nada más empezar ‘Dolor y gloria’, Salvador Mallo, el álter ego que Pedro Almodóvar ha construido a través de Antonio Banderas, reconoce que le ha costado 32 años reconciliarse con ‘Sabor’, uno de los filmes que rodó en los 80. Afirma que después de verlo por primera vez desde que se estrenara hace tres décadas, le parecía bueno. “La película sigue siendo la misma, Salvador”, le responde su secretaria. “Eres tú el que ha cambiado”.
Esto, que parece solo una anécdota, explica mucho sobre la última y bastante cuestionada etapa artística del manchego. Esa en la que muchos se han empeñado en repetir una y otra vez que aquella frescura de la que hacía gala hasta principios de los 90 había desaparecido para ser sustituida por la afectación y el artificio. Como si aquel director que retrató como nadie la España de entonces hubiera perdido el pulso encerrándose en una burbuja donde ya solo tienen cabida su círculo más cercano, referencias snob y, por qué no, también cierto clasismo.
Es bastante posible que después de ‘Dolor y gloria’ más de uno de esos descreídos que se han ido quedando por el camino todo este tiempo vean también con otros ojos el cine más reciente de Pedro. Aunque eso, en el fondo, es lo de menos. Porque no, esta película no va de Almodóvar cerrando cuentas pendientes con su público, sino consigo mismo. Otra cosa es que a la vez que aprende a perdonar sus errores del pasado también lo hagamos nosotros con los nuestros. Y claro, eso duele mucho. Casi tanto como la retahíla de enfermedades que el propio Mallo admite padecer. Claro que esas se alivian con receta. Lo otro, no se supera ni con toda la heroína del mundo.
De ahí que haya especialmente tres secuencias en esta película que resulta imposible visionar sin sentir que vas a colapsar y que, por cierto, tiran por tierra el mito de que Almodóvar solo es bueno dirigiendo a mujeres: el monólogo teatral de Asier Etxeandia, el reencuentro de Banderas con Leonardo Sbaraglia, y sobre todo, la conversación en la terraza de casa con Julieta Serrano. Tres escenas en las que, además, todos los intérpretes siguen a rajatabla algo que Almodóvar cuela en otro diálogo de la película: “Cuando hacéis drama a los actores os encanta llorar, pero los mejores son los que contienen el llanto”. Afortunadamente, eso no va por nosotros.
Pero que nadie se piense que ‘Dolor y gloria’ es un continuo sufrimiento. Al contrario, para aquellos que llevamos toda la vida creciendo con su cine, esta cinta es un verdadero regalo. Primero porque durante todo el metraje aparecen temas, personajes y frases que conectan con su filmografía sin que sientas que ya te lo han contado. Es verdad que en cierto modo se cierra una trilogía que comenzó con ‘La ley del deseo’ y que continuó con ‘La mala educación’. Pero aquí también están los fantasmas de ‘Volver’, las angustias creativas y vitales de ‘La flor de mi secreto’ y, sobre todo, la complejidad formal de ‘Hable con ella’.
De hecho, esta es junto a la película que le valió el Oscar al mejor guion la historia más complicada que jamás ha contado Pedro. Una donde conviven sin necesidad de sus clásicos carteles explicativos distintos espacios temporales y distintos planos de realidad y ficción. Que todos estos capítulos parezcan el mismo demuestra un dominio de la narración cinematográfica al alcance de muy pocos. Que lo consiga desde la sinceridad total, con Almodóvar atreviéndose incluso a mostrar la dirección real en la que vive actualmente en Madrid, ya es un verdadero milagro. 9.
Dinamarca acude al Festival de Eurovisión con una canción llamada ‘Love is Forever’ que suena tan cursi como parece, aunque no en el mal sentido. Leonora interpreta esta composición de Emil Lei, Lisa Cabble y Melanie Wehbe que en principio parece la típica cancioncita feliz con banjo, pero que evoluciona hacia la grandilocuencia de la canción pop clásica de los 60, en concreto de la chanson, pues además la letra incluye frases en francés además de en danés, alemán e inglés, idioma en el que está interpretada en su mayor parte. Esta es la primera canción cantada en varios idiomas que presenta Dinamarca en Eurovisión.
‘Love is Forever’ es cuqui a más no poder, pero suma euforia poco a poco a medida que nos habla sobre la importancia del amor, que es “todo lo que nos queda” en un mundo “en ruinas” en el que parece que no hemos aprendido nada de la “historia”. La letra dice “¿Por qué hacerlo más difícil? El mundo ha tenido suficiente, no te pongas tan político”, aunque sobre todo insiste en que el “amor es para todo el mundo” y no deja pasar la oportunidad de incluir la frase “all we need is love”, en un posible guiño al clásico de los Beatles que tanto parece haber inspirado la canción.
La actuación en vivo de Leonora con ‘Love is Forever’ la sitúa sentada en una silla gigante, como tocando las nubes, y puede dar juego en un festival lleno de drama y pirotecnia. Aunque el cualquier caso, seguirá destacando por encima de varias propuestas la canción, que sin ser espectacular, está bastante bien. De momento va 16ª en las apuestas. Como apunte, la última vez que Dinamarca ganó en Eurovisión fue en 2013, con ‘Only Teardrops’ de Emmelie de Forest.
Calificación: 7/10 En los foros de Eurovisión se dice…: “Divertida canción, da buen rollo” En las casas de apuestas: va 16ª
Fat White Family pasaron recientemente por nuestra sección “estética del videoclip” con su vídeo para ‘Feet’, el primer single del disco que publican el próximo 19 de abril, ‘Serf’s Up!’. El vídeo recordaba en partes a ‘Querelle’, la película de 1982 de Rainer Werner Fassbinder, y los ingleses vuelven a inspirarse en otro artefacto pop icónico en el visual de su nuevo single, ‘Tastes Good with the Money’, en este caso con la ayuda de la cantante, compositora y ahora también directora de videoclips Róisín Murphy, que de hecho ha solido meter referencias de cultura pop en sus propios videoclips: en el de ‘Exploitation’ interpretaba a Blanche de ‘Un tren llamado deseo’ y el vídeo de ‘House of Glass’ era un homenaje a ‘Las margaritas’.
La idea que Murphy ha trasladado a Fat White Family -en su debut como directora para otro artista, por cierto- es la recuperar una de las escenas más míticas de Monty Python, la de la carnicería en el jardín representada en el gag “Salad Days”. El resultado es bastante divertido, aunque Murphy explica en un comunicado que está inspirado en la situación política actual en Reino Unido, si bien sin mencionar explícitamente el Brexit. “La idea de hacer una referencia a Monty Python viene en parte del momento tan absurdo y confuso que estamos viviendo actualmente en Inglaterra”, dice. “Los ingleses riéndose de sí mismos, manteniendo cierta alegría incluso frente a la pérdida de un imperio, cantando mientras el barco se hunde… Todo esto parece muy relevante en este momento. Hay ahora mismo una ambivalencia hacia lo establecido que identifico con la manera irreverente con la que Fat White Family ven el mundo”.
La autora de ‘Take Her Up to Monto‘ asegura que se moría de ganas de trabajar con una banda tan “auténtica” como Fat White Family, y celebra que el resultado de su trabajo con ellos es un vídeo divertido en el que sus integrantes se han dejado llevar por la interpretación y no han tenido miedo de parecer “tontos” o “absurdos”. Tanto en la canción como en el vídeo aparece el cantante Baxter Dury.
La incombustible Mavis Staples, a la que recientemente hemos escuchado en una excelente canción junto a Hozier, está de vuelta con otro álbum más que sucede a obras recientes como ‘Livin’ on a High Note’ (2016) o ‘If All I Was Was Black’ (2017).
El nuevo disco se llama ‘We Get By’, ha sido escrito y producido junto a Ben Harper y saldrá el 10 de mayo a través de Anti. El sencillo de presentación se llama ‘Change’, no puede saber más a rock clásico y alude por supuesto a las «canciones con mensaje» que siempre la han identificado. La portada del álbum es una fotografía de Gordon Parks, el primer fotógrafo afroamericano que entró en el staff de Life Magazine como fotógrafo y también como autor de artículos a mediados de los años 50. Su serie ‘The Restraints: Open and Hidden’ retrató la vida de tres familias, mostrando la segregación racial. El artista fallecía en 2006 pero existe una Fundación con su nombre que de hecho condecoró a Mavis Staples con el premio especial en 2017.
Os dejamos con el tracklist de ‘We Get By’, inaugurado por el tema que desde hoy ya conocemos, y con otros títulos prometedores como ‘Brothers and Sisters’ o finalmente ‘One More Change’. Ben Harper, además de producir, aparece en el corte titular.
01 Change
02 Anytime
03 We Get By [ft. Ben Harper]
04 Brothers and Sisters
05 Heavy on My Mind
06 Sometime
07 Never Needed Anyone
08 Stronger
09 Chance on Me
10 Hard to Leave
11 One More Change
Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Podéis encontrarla al final del artículo. [Foto interior: All La Glory, por Óscar Romero; foto exterior: FAVX, no acreditada.]
El trío de rock, con virulencia hardcore-punk, FAVX ha anunciado la publicación, a finales de 2019, de su álbum debut. Se titula ‘White Room’ y su primer adelanto ‘From Above’ no podía ser más rocoso y, a la vez, magnético, con especial mención para su estupendo clip. Otro potente single publicado estos días es ‘Ya no me importa’ de Melenas, con el medio tiempo ‘Si tú me quieres’ en la cara B, coincidiendo con su periplo por el recién terminado festival tejano SXSW 2019. No sabemos si forma parte de su segundo trabajo, pero ya promete. Los que sí están a punto de lanzar nuevo largo son los sevillanos All La Glory: a diferencia de sus dos primeros trabajos, en ‘Disco Fantasma’ –que publicará Happy Place Records en abril– abrazan la lengua castellana en sus letras, a la vez que sofistican sus influencias de Americana clásica con mayor peso de sintetizadores y claramente orientado al pop. Tanto ‘La noche silenciosa’ como ‘Atacama’ son muy, muy seductores.
En este Sesión de Control destacamos también el inminente lanzamiento del nuevo álbum de Cápsula. El grupo liderado por Martín Guevara y Coni Lisica publica este viernes ‘Bestiarium’, nada menos que su 15º trabajo, lleno de psico-glam-rock. El sábado 23 de marzo lo presentarán en la Sala Moby Dick de Madrid, aproximadamente a la misma hora que estarán haciendo lo propio Oso Leone (solo que en la Sala Apolo de Barcelona, dentro de la programación de CurtCircuit), mostrando el esperado ‘Gallery Love’ que también llega este viernes. También recordamos interesantes discos publicados en las últimas semanas, como el interesantísimo tercer esfuerzo de inclasificable prog-rock-jazz-soul-pop de Los Estanques –otros que actúan el sábado 23, en su caso en la Sala El Sol de la capital–, Her Little Donkey –’Where’s The Glow’ es una nueva colección de elegante jangle-pop de los barceloneses–, Espaldamaceta –en ‘Millor que mai’, José Juan González se decide a cantar íntegramente en catalán, dejando volar su lado más psicodélico– y ‘Carmen’, el debut de los almerienses Compro Oro, que como Derby Motoreta’s Burrito Kachimba mezclan rumba, psicodelia, punk y rock con el mayor de los descaros.
Por último, estas dos últimas semanas nos han llamado la atención dos singles de rap en el más puro sentido de la etiqueta: por un lado, el regreso de Los Chikos del Maíz tras el lapso en su carrera que Nega, Toni El Sucio y Bokah anunciaban a finales de 2016. Y vuelven con el primer single de esta nueva etapa: ’Valerie Solanas (Stop Making Stupid People Famous)’ es una diss-track para “el rapero del momento” –puedes incluir el nombre que más gustes, pero es conocida su animadversión por C. Tangana–, que para ellos lo es con la connivencia interesada de la prensa musical (con citas explícitas). Junto a ellos encontramos a Big Menu, grupo que destaca por hacer hip hop con instrumentación clásica y que por ello ha estado acompañando en directo con asiduidad a Nathy Peluso, además de colaborar con Bejo, Rels B o Pedro Ladroga. Tras publicar el pasado año un disco en directo –su medio natural–, ahora lanzan ‘Guava’, un ágil y atractivo single de rap-soul noventero que sirve para anunciar la gira española que realizarán el próximo mes de abril.
Parece que, después de avanzar su primer álbum oficial con ‘bury a friend‘ y ‘wish you were gay’, Billie Eilish ha decidido recuperar como tercer single –o algo así– aquella canción que publicaba el pasado verano y que ha terminado por estar dentro de ‘when we all fall asleep, where do we go?’, que se publica el próximo 29 de marzo y que ya se antoja como uno de los grandes éxitos comerciales de 2019.
Hablamos de ‘you should see me in a crown’, que sin duda encaja musicalmente con el resto de adelantos del disco: Billie y su hermano Finneas O’Donnell disponen un trasfondo de pop oscuro que en su día mi compañero Jordi Bardají definía como un punto medio entre «James Blake y Lorde». La noticia está en que este tema ha sido objeto de un vídeo oficial, que es un trabajo del reputado artista japonés Takeshi Murakami, muy afín al mundo del pop: le hemos visto realizar vídeos para Pharrell Williams y, recientemente, pintar la portada de ‘Kids See Ghost‘, el último disco conjunto de Kanye West y Kid Cudi. El nipón ha transformado a Billie en una fiel recreación manga, aparentando ser una niña inocente… que se transforma en un terrible monstruo. El clip puede verse al completo en Apple Music, de momento en exclusiva, pero hay un avance de 1 minuto en Youtube.
Además de por su álbum, Billie Eilish ha sido noticia en los últimos días por el explosivo anuncio de una colaboración artística con la española Rosalía, si bien aún no se conoce cuándo ni cómo verá la luz. Después de haber actuado por primera vez en España semanas atrás, la norteamericana realizará dos nuevas actuaciones en España a finales de verano: estará en el Poble Espanyol de Barcelona el 2 de septiembre, y en el WiZink Center de Madrid el 3 de septiembre. Las entradas están ya agotadas.
Una nueva película de Quentin Tarantino siempre es un acontecimiento en la cultura pop, y de nuevo lo será ‘Érase una vez en Hollywood’, su noveno film. Y, de cara a su estreno el próximo 26 de julio y tras una semana en la que se habían venido mostrando los primeros fotogramas de la película, se acaba de poner en marcha a pleno rendimiento la maquinaria mercadotécnica con la presentación de su primer tráiler, que además revela un argumento que, fiel a su carrera reciente en películas como ‘Los odiosos ocho‘, ‘Malditos bastardos’ y ‘Django desencadenado’, se sitúa en un contexto histórico pasado.. aunque esta vez no tanto.
Protagonizada por Brad Pitt, Leonardo DiCaprio y Margot Robbie, se sitúa en Los Ángeles, en el convulso verano de 1969, contando la historia del actor en horas bajas Rick Dalton (DiCaprio) que, tras un pequeño éxito televisivo, quiere relanzar su carrera en el cine de acción de la mano de su doble Cliff Booth (Pitt). Con apariciones de personajes históricos del showbusiness de la época como Bruce Lee (Mike Moh) y Sharon Tate (Robbie), el film nos sitúa en una historia que pretende plasmar el fin de la edad dorada de Hollywood.
Aunque una de las cosas que más nos han llamado la atención es la música, uno de los grandes atractivos de la filmografía del director de ‘Pulp Fiction’. Esta vez, tras escuchar los primeros compases de ‘Straight Shooter’ de The Mamas & The Papas, prácticamente todo el clip está protagonizado por ‘Bring A Little Lovin’‘ del grupo español Los Bravos, que en realidad era una versión de los australianos The Easybeats, que el grupo comandado por Mike Kogel convirtió en un hit en Estados Unidos, llegando a entrar en el Billboard Hot 100.
Si bien en algún momento se especuló con que la historia se centraría en los asesinatos instigados por Charles Manson en aquel mismo verano del 69 (obviamente, siendo Tate uno de los personajes, subyace de alguna manera en la trama), el guión parece considerar otros muchos sucesos que acontecieron en aquellos meses en Estados Unidos, como los disturbios de Stonewall o el festival de Woodstock. Aunque, a tenor de lo visto, no rehúye la comedia.
Sónar 2019, que este año tendrá lugar entre los días 18 y 20 de julio debido a la celebración de una feria en Barcelona durante el mes de julio, cierra hoy su cartel con nuevas incorporaciones, entre las que destacan los nuevos artistas para el escenario SonarDôme. Entre ellos están Lorenzo Senni, figura clave de la electrónica experimental y el nuevo trance, junto a su banda Stargate; el dj y productor de Detroit Theo Parrish, que realizará un set especial de 3 horas; la cantante iraní Sevdaliza autora de ‘The Calling‘, recientemente reivindicada por Madonna; y Dellafuente, en un momento de popularidad estupendo gracias a su nuevo dúo con C. Tangana, ‘París’, a punto de ser disco de oro en nuestro país.
También se suman dos artistas al Escenario SonarComplex: Hauschka, pianista y compositor alemán experimental con un nuevo trabajo «inspirado en el sonido básico y puro del piano»; y Push 1 stop & Wiklow, con «un show audiovisual que une algoritmos audio-reactivos con visuales de efecto tridimensional», entre muchos otros que podéis consultar en su web.
Os dejamos con las playlists oficiales y la distribución por días. Jueves Día | 18 Julio
afrodeutsche, aleesha, anger, arca, berlinist presents gris game live, catnapp, cosmic d’alessandro, daito manabe + kamitani lab: dissonant imaginary, daphni, dengue dengue dengue, desert, dj lag, faka, fennesz, j colleran, leon vynehall, lotic: endless power, milan w., nistra, obongjayar, ouchhh + za!: superstrings, petite noir, rejjie snow, ross from friends, sevdaliza – the great hope design, shiva feshareki, slikback, snakehips, titi calor, vōx, 700 Bliss.
Viernes Día | 19 Julio
anna vs june, artwork, bill kouligas, bruce brubaker & max cooper: glassforms, cascales, dellafuente, diego navarro, dj krush, fakethias, ha$lopablito, hibotep, holly herndon, karcelen, k á r y y n, lomepal, lao & wasted fates (n.a.a.f.i.), lorenzo senni – stargate, los voluble: flamenco is not a crime, macromassa, mans o, masego, maya jane coles presents nocturnal sunshine, muqata’a, quiet ensemble – back symphony, sebastian, shelly, sneaks, virgen maria, ylia.
Sábado Día | 20 Julio
actress + young paint live ai/av, alvva, bad gyal, branko, brat star, ca7riel + paco amoroso, camille mandoki, cecilio g, dano, d’valentina, erol alkan, fkj, hamill industries & shelly: audible spectrums, hauschka, jesse baez, katarzia, kelly moran grand piano av live, la diabla, lil moss & friends, lyzza, max cooper live av, membrane / push 1 stop & wiklow, nicola cruz, perel, red axes live, territoire, theo parrish, yakamoto kotzuga.
Viernes Noche | 19 Julio
a$ap rocky, acid arab live, andy c, daniel avery, disclosure dj set, dj koze, dj seinfeld, enry-k, floating points (6h set), four tet, jarreau vandal, jlin, joseph capriati, mall grab, murlo (live av), octavian, peggy gou & palms trax, phran, sho madjozi, tutu, underworld, vince staples.
Sábado Noche | 20 Julio
amelie lens, bad bunny, blawan & dax j, body & soul (6h set), caterina barbieri live av, deena abdelwahed – khonnar live, dixon, dj tennis, fake guido, flava d, haai, kaytranada, lil uzi vert, louie vega & honey dijon, neon chambers (kangding ray + sigha), paul kalkbrenner, rrucculla, saoirse, skepta, $kyhook, waajeed.
Tame Impala actúan este sábado 23 de marzo en el famoso Saturday Night Live, donde solo podían presentar nueva música. El próximo verano se cumplirán cuatro años de ‘Currents‘, su último álbum de estudio, y siendo público que estaba ultimando un nuevo trabajo, parecía un hecho que el grupo de Kevin Parker mostraría al menos un tema nuevo en los días previos a esta presentación. Y así ha sido. En la madrugada de este viernes ha llegado al fin a las plataformas ‘Patience’, su primer avance. [Fotografía exterior: Matt Sav.]
Son las 00:01h del viernes 22 de marzo y ha llegado el momento que los fans de La Casa Azul llevan (llevamos) años esperando: se publica ‘
Este viernes 22 de marzo llega al fin ‘La Gran Esfera’, el nuevo disco de La Casa Azul. Gestado en los últimos 6 años, el cuarto álbum de estudio de Guille Milkyway es en sus palabras un “disco de transición” que retrata los últimos años de su vida a nivel personal y profesional. El músico catalán llegó a desechar un álbum entero antes de dar con la fórmula perfecta para presentar el trabajo que hoy tenemos entre manos, en tanto alternaba la composición de esta obra con su trabajo con Fangoria o en Operación Triunfo 2017. JENESAISPOP ha tenido la oportunidad de hablar con él en un hotel de Barcelona sobre ‘La Gran Esfera’ y también sobre su trabajo con Nacho y Alaska, sobre Operación Triunfo, sobre Eurovisión o sobre su futuro, en una charla apasionada y honesta.
Russian Red ha confirmado en Instagram que se encuentra trabajando en un nuevo álbum. La noticia parecía bastante lejana hace unos meses, cuando la cantautora madrileña 
Virginia Maestro publicó un EP en 2018 llamado ‘Roots’ -mostrando de nuevo su amor por Nashville y por la canción americana- que contenía dos canciones originales -una de ellas en colaboración con la guatemalteca Gaby Moreno- y tres versiones. Sin embargo, hay que remontarse a 2015 para encontrarnos con su último larga duración, ‘
Amaia ultima ya su esperado debut tras trabajar en su segunda parte en Buenos Aires y 
Jameela Jamil además de ser una cotizada actriz y la 
Para regocijo de los seguidores del pop en general y de sus fans en particular, 
En algún momento, allá por 2016 cuando se presentaba al concurso de talentos de Low Festival con su segundo álbum ‘Este es el disco de Penny Necklace’ –el primero cantado en castellano– bajo el brazo, 
Este fin de semana se celebra una nueva edición del Madrid Popfest en la Sala Galileo Galilei y los últimos abonos y entradas de día están disponibles en la 
Este jueves 21 de marzo se cumplen 30 años de la publicación de ‘Like a Prayer’, el que a la larga ha sido considerado uno de los discos más relevantes de Madonna y de los 80 en general. Una influencia declarada en artistas como Taylor Swift, quien titulaba ‘1989’ no solo en base a su año de nacimiento, sino a la influencia de la música editada aquel año por gente «como Madonna y Annie Lennox»; y un precedente de los discos de madurez de otros artistas de pop masculinos y femeninos tiempo después. Al frente por supuesto, el tema titular, una de sus grandes obras maestras y sobre el que queda poco que decir aparte de lo que 
Dinamarca acude al Festival de Eurovisión con una canción llamada ‘Love is Forever’ que suena tan cursi como parece, aunque no en el mal sentido. 
Fat White Family pasaron recientemente por 
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Nueva edición de nuestra sección 
Parece que, después de avanzar su primer álbum oficial con ‘
Una nueva película de Quentin Tarantino siempre es un acontecimiento en la cultura pop, y de nuevo lo será ‘Érase una vez en Hollywood’, su noveno film. Y, de cara a su estreno el próximo 26 de julio y tras una semana en la que se habían venido mostrando los primeros fotogramas de la película, se acaba de poner en marcha a pleno rendimiento la maquinaria mercadotécnica con la presentación de su primer tráiler, que además revela un argumento que, fiel a su carrera reciente en películas como ‘
Sónar 2019, que este año tendrá lugar entre los días 18 y 20 de julio debido a la celebración de una feria en Barcelona durante el mes de julio, cierra hoy su cartel con nuevas incorporaciones, entre las que destacan los nuevos artistas para el escenario SonarDôme. Entre ellos están Lorenzo Senni, figura clave de la electrónica experimental y el nuevo trance, junto a su banda Stargate; el dj y productor de Detroit Theo Parrish, que realizará un set especial de 3 horas; la cantante iraní Sevdaliza autora de ‘