BANKS cancela parte de su gira europea, incluyendo sus fechas en Barcelona y Madrid

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12 octubre, 2017

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El remix de ‘Mi gente’ de J Balvin con Willy William y Beyoncé ha subido del puesto 21 al 3 en Billboard Hot 100, la lista de éxitos de Estados Unidos -la más importante del mundo-. ‘Despacito’ de Luis Fonsi y Daddy Yankee con Justin Bieber sigue en el top 10. Esto significa que, por primera vez en la historia de Billboard, dos canciones cantadas en un idioma que no es el inglés, en este caso, el español, aparecen en el top 10 de la lista. La estrategia, como se esperaba, ha funcionado de maravilla. El siguiente hito es que consiga el top 1 como hizo ‘Despacito’.

Billboard tiene a buena cuenta recordar que esta no es ni de lejos la primera vez que dos artistas latinos aparecen simultáneamente en el top 10 de Billboard. Sin embargo, artistas como Ricky Martin, Jennifer López o Enrique Iglesias han llegado a lo más alto de esta lista gracias a las versiones en inglés de sus éxitos latinos (‘Livin’ La Vida Loca’) o con canciones enteramente cantadas en inglés (‘If You Had My Love’). Sin ir más lejos, Iglesias fue número uno en 1999 en Estados Unidos con ‘Bailamos’, que como recordarás, pese a su título, estaba sobre todo cantada en inglés.

‘Mi gente’, como ‘Despacito’, ya era un gran éxito en todo el mundo, incluido Estados Unidos, antes de sumársele Beyoncé, pero como el hit de Luis Fonsi, el tema ha requerido un colaborador anglosajón para auparlo al top 10. Se veía venir. ¿Qué éxito latino será el siguiente en continuar con la estrategia? ¿Qué artista anglosajón se apuntará al “boom” latino actual?

Por cierto, este es el primer top 3 de Beyoncé en Estados Unidos desde ‘Drunk in Love’, que de hecho fue número 2, aunque la artista ha conseguido otros top 10 recientemente, como ‘Formation’ (10). ‘Despacito’ suma además otro récord, pues acaba de superar los 4 mil millones de visualizaciones en Youtube. ¿Cuánta gente en todo el mundo está “pinchando” esta canción en fiestas desde el visor de Google?

Chester Bennington de Linkin Park, alegre y entusiasmado en el Carpool Karaoke que grabó antes de morir

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12 octubre, 2017

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Linkin Park grabaron un Carpool Karaoke exclusivo para Apple Music antes de morir su vocalista y líder, Chester Bennington. Se acompañaron del actor Ken Jeong (en los “carpools” para Apple Music no aparece James Corden, sino que los músicos suelen conducir junto a otras personalidades destacadas de la cultura popular).

Hoy, el grupo ha compartido este episodio gratuitamente a través de su cuenta de Facebook, dedicándoselo a la memoria del fallecido cantante, que se quitaba la vida este verano. En el episodio, Chester se muestra absolutamente vital y divertido cantando temas de Linkin Park o ‘Hey Ya!’ de Outkast o enseñando a Jeong a “cantar gritando”. El grupo y Jeong cantan también en un karaoke en el interior de una limusina.

Linkin Park publicaban un vídeo en homenaje a Chester el pasado mes de septiembre para su tema ‘One More Light’, el que titulaba su último disco. Por su parte, la viuda de Bennington publicaba una emotiva carta. El grupo, por cierto, ha vuelto al estudio a propósito del concierto homenaje al fallecido artista que prepara para el 27 de octubre en Los Ángeles. En el concierto participarán miembros de Bring Me The Horizon, System of a Down o Korn.

Home from the #dunhilllinks and back to “work!” Good to be back with the guys

Una publicación compartida de Phoenix (@phoenixlp) el 10 de Oct de 2017 a la(s) 4:16 PDT

Jorge Drexler / Salvavidas de hielo

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12 octubre, 2017

Jorge Drexler prosigue con su -por mucho que a algunos les cueste creerlo– interesante carrera, que en su caso no se limita a los parámetros habituales del entorno cantautor y ahora expone un nueva imaginativa idea. ’Salvavidas de hielo’, el disco que publica este otoño, ha sido grabado únicamente con guitarras. Y claro, no se ha ceñido ni mucho menos a hacer canciones acústicas, intimistas y melosas. Drexler es también un talentoso músico y productor y, sin que el disco se aleje en ningún momento de lo asequible, constituye un variado y original experimento.

’Salvavidas de hielo’ entra a la primera como gran parte de la discografía de este ganador de un Oscar. Pero es de lo más reseñable que el álbum, partiendo de su concepto, no se haya ceñido al sentimentalismo (bien entendido) del corte titular, que cierra con la compañía de Natalia Lafourcade. Antes de él y tirando solo de guitarra y complementos (las cuerdas, la caja de madera, la piel de un banjo, el metal de un dobro), podemos atender a una canción de elegantes ritmos latinos como ‘Estalactitas’, a medio camino entre la melancolía de fin de verano (esos “na-na-na”) y el baile; a una pequeña bossa junto a Julieta Venegas llamada ‘Abracadabras’ en la que emergen unos deliciosos silbidos de banda sonora sixties; a un tema de áspero rhythm and blues como es ‘Asilo’; a una respuesta a Sabina por la vía de Chavela Vargas como es ‘Pongamos que hablo de Martínez’; y muy especialmente a la fascinante ‘Silencio’, que, por acordes y estilo podrían cantar perfectamente los Single más teatrales. Hace muchas cosquillas su juego de guitarras, ecos, desarrollos y por supuesto… silencios.

De la misma manera que Jorge Drexler tiene corazón para las texturas más suaves del folk y la bossa y para otras más rugosas, también lo tiene para la canción social. Si ‘Asilo’ junto a Mon Laferte puede ser una canción abierta a interpretaciones, no lo es tanto el tema que abre el álbum, ‘Movimiento’, con frases tan expresas sobre la inmigración -posiblemente sobre la nueva política al respecto de Estados Unidos- como “somos padres, hijos, nietos y bisnietos de inmigrantes”, “somos una especie en viaje / no tenemos pertenencias sino equipaje” o, la mejor: “es más mío lo que sueño que lo que toco / yo no soy de aquí… pero tú tampoco”.

A esta sensación contribuye ese emerger de la percusión en la propia guitarra y los coros -de los que no abusa pese al concepto del álbum- acentuando el toque social de la composición. Y es que Jorge Drexler ha vuelto a demostrar que es un hombre de detalles. A la empatía que genera la entrañable canción dedicada a todas las formas de vieja y nueva ’Telefonía’ (“perdona que insista en elogiar las telecomunicaciones aunque todos creen que han inventado algo / y siguen siendo las mismas las canciones”), hay que sumar el lirismo de ‘Despedir a los glaciares’ o la buena secuencia de un álbum en el que apenas ‘Mandato’ y ‘Quimera’ palidecen un poquito junto al resto.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Silencio’, ‘Abracadabras’, ‘Estalactitas’, ‘Telefonía’
Te gustará si te gustan: Kiko Veneno, Chavela Vargas, Joaquín Sabina, Juana Molina

Mabel detalla su “mixtape”, que incluye versión de Drake, y comparte ‘Begging’

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12 octubre, 2017

Mabel, una de las promesas del pop británico de los últimos años gracias a canciones como ‘Finders Keppers’ o ‘Thinking of You’, entre el dancehall y el R&B contemporáneo, y quien además resulta ser hija de la rapera Neneh Cherry, publica su nueva “mixtape”, ‘Ivy to Roses’, este viernes 13 de octubre. ‘Finders Keppers’, su canción más escuchada en Spotify, se incluye en la colección, así como ‘Begging’, que se acaba de estrenar.

Acorde al estilo de ‘Finders Keepers’, ‘Begging’ se sirve de un pegadizo “riddim” dancehall y una de melodía dramática para contarnos una historia de desamor sobre un hombre inseguro que no se decide a expresar sus sentimientos por Mabel. “Has estado absorto en ti mismo durante meses, no me has podido querer ni una sola vez, y ahora intentas que me quede”, canta la artista, “así que quiero verte de rodillas, quiero verte suplicar”.

Curiosamente, ‘Ivy to Roses’ incluirá una versión de uno de los reyes del dancehall contemporáneo, Drake, concretamente de su reciente éxito ‘Passionfruit’. ¿Será la manera de Mabel de reconocer a Drake como una de sus mayores influencias?

‘Ivy to Roses’:

01 Come Over
02 Begging
03 Finders Keppers (feat. Kojo Funds)
04 Ivy
05 Low Key
06 Roses
07 Weapon
08 Passionfruit
09 Finders Keepers (feat. Kojo Funds, Burna Boy & Don-E) [Remix]

Negrísimo sobre rosa: buen debut de Miguel Ángel Blanca en el cómic

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Mireia Pería

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12 octubre, 2017

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Miguel Ángel Blanca, además de ser la muy reconocible voz de Manos de Topo y tocar el bajo en los extintos Salvaje Montoya, también es guionista, cortometrajista o autor de documentales (co-dirigió ‘Un lloc on caure mort’, premio In-Edit 2014). Decidido a ampliar aún más su paleta de labores, se estrena ahora como autor de cómic en ‘La importancia de ser rosa’, con los dibujos de Tinta Fina (el nombre artístico de la ilustradora Núria Inés). Al igual que Juanjo Sáez (que se encarga del acertado prólogo), a mí también me horrorizó la manera de cantar de Miguel Ángel la primera vez que escuché a Manos de Topo y… Bueno, tampoco os voy a engañar. A día de hoy, continuo horrorizada. Pero -volviendo al prólogo-, cómo bien señala de nuevo Sáez, el valor de la banda recae sobre todo en sus letras. Y ahí nadie le puede negar a Blanca talento; talento a la hora de abordar el mundo de las relaciones personales, sus miedos, humillaciones e incertezas. Definitivamente, Blanca es mejor perpetrador de historias que cantante. Y este relato gráfico (demasiado breve para ser llamado “novela”) es un buen ejemplo.

‘La importancia de ser rosa’ es un cuento surrealista, sensual y cruel sobre la monotonía como refugio ante la incertidumbre y la parálisis vital que esta produce. Pero también habla de cómo la seguridad en exceso nos aplasta y cómo los instintos primarios acaban abriéndose paso de la manera más salvaje. En forma de monólogo interior, nos explica el periplo de su protagonista, un joven tímido y apocado que carece de nombre propio. Vive atenazado por costumbres estrictas, pero acaba lanzándose, no se sabe muy bien si queriendo o sin querer, por el camino del delirio. En su recorrido hay personas animalizadas y animales antropomorfos, femmes fatales tiernas y vulnerables, anhelos sentimentales, vouyerismo.

Pero Blanca también va soltando sutiles mamporros a ciertas conductas sociales bastante abundantes en el mundo real. Aquí reciben tanto el intelectual “enrollado” de izquierdas que deja de serlo en cuanto le tocan lo suyo como el conformista pasivo o los que sufren de ese afán de tener que resultar epatante cada vez que abren la boca. Los estupendos dibujos de Tinta Fina hacen del trazo grueso y la oscuridad su bandera, con un uso limitado pero revelador del rosa del título. Son deliberadamente toscos, muy expresivos (y expresionistas), un poco al estilo de José Muñoz (el dibujante de ‘Alack Sinner’) y resultan el reflejo gráfico perfecto del guión de Blanca. Y, aunque el libro se haga corto y peque de ser un tanto deslavazado, la obsesión y la ternura de la historia lo convierten en un cómic con momentos fascinantes y hace que deseemos más. Y es precisamente esta capacidad de sugerir, de no recargar los detalles y dejarlo todo en manos de en la sensibilidad del lector, su triunfo. 7,4

Chenoa habla sobre OT, Bisbal, su famoso chándal… en El Hormiguero

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12 octubre, 2017

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Chenoa ha visitado el plató de El Hormiguero para presentar su nuevo libro, ‘Defectos perfectos’, en el que repasa su trayectoria musical y su vida personal, lo que por supuesto incluye su relación con David Bisbal en la Academia de Operación Triunfo, que ha dejado algún pasaje medio polémico como la naturaleza de la ruptura entre ambos.

Chenoa ha hablado con Motos sobre el día en que atendió a los medios en chándal para hablar sobre su ruptura con Bisbal, que daría lugar a un momento icónico de la historia del pop español. La cantante ha dicho que salió tal cual por la presión que ejercían vecinos y amigos aquel día para que atendiera a la prensa “porque si no no podían vivir”, y que cada vez que se ve en esa situación “me dan ganas de achuchar a esa mujer”. Ha indicado que el chándal costó seis euros.

La cantante de ‘El centro de mi amor’ ha insistido también en que su libro tiene “otras 100 páginas” más allá del capítulo sobre David Bisbal, aunque es a él a quien se dedica gran parte de la entrevista, por supuesto también a los inicios de su relación con Chenoa, que nos sitúan en una litera de Operación Triunfo, donde Chenoa le dio su primer beso al cantante, con él medio dormido.

La canción del día: Porches expresa una intrigante quietud en su tierna balada de amor ‘Country’

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12 octubre, 2017

Porches, el proyecto de synth-pop melancólico de Aaron Maine, a través del cual se publicaba ‘Pool’, uno de los debuts destacados de 2016, vuelve con nuevo disco próximamente, del que de momento no se han compartido detalles más que su primer sencillo, ‘Country’, que ya puede escucharse y cuenta con coros de Dev Hynes (Blood Orange) y Bryndon Cook (Starchild & the New Romantic).

‘Country’ es una balada de dos minutos que describe una escena de intimidad tierna entre Aaron y su amante, tan tierna, “blanda y tonta como una canción de country”, describe Porches en un poema escrito para la ocasión. Frases como “estaba tumbado en la cama, me relajaba, y veía el agua correr, de mi boca a la tuya” dan buena cuenta de esa intimidad. A pesar de su brevedad, el tema logra una gran expresividad gracias a su arreglo musical, que arranca con la voz y las autoarmonías de Maine y una guitarra eléctrica, para luego añadir un órgano sintetizado que al final toma el completo protagonismo.

El videoclip de ‘Country’ retrata a Maine subido a una furgoneta que recorre una carretera neoyorquina rodeada de naturaleza, la típica naturaleza estadounidense que da lugar a vídeos de una cinematografía tan bonita y espectacular como este. Sin embargo, sus directores, Nicholas Harwood y el propio Maine, han dotado al vídeo de una intrigante quietud, parecida al sonido de la canción, de modo que lo que parece una simple canción de amor se convierte en algo extraño y ligeramente turbio, muy poco “country”.

Enrique Iglesias cobró 14.000 euros por mensaje en redes sociales sobre su concierto en Santander

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11 octubre, 2017

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El primer y único concierto que Enrique Iglesias ha ofrecido este año en España (y en toda Europa), en El Sardinero de Santander, el pasado 17 de julio, con motivo de las fiestas del Año Jubilar Lebaniego, se saldaba con abucheos y críticas por parte de los presentes, quienes defendían el artista había actuado tarde, que apenas había cantado en directo y que encima abandonó el escenario sin despedirse de su público.

Iglesias “respondía” a las críticas con un tuit en el que agradecía el apoyo a sus “fans de verdad” y un vídeo de su paso por Santander en el que no se hacía mención alguna a los abucheos. Ahora conocemos un posible motivo de esto. Según informa El País, Iglesias cobró “más de 14.000 euros” por publicar este y otros mensajes en sus redes sociales, con el objetivo de promocionar su concierto y también Santander. Ocho mensajes en total que sumaron 115.000 euros y que el cantante publicó “durante y después” del evento -nunca antes- entre Instagram, Twitter y Facebook. Se asume pues que, debido a su coste, estos posts no podían contener mensajes polémicos o negativos.

Desembolsó este dinero Sociedad Año Jubilar, como ha hecho saber esta semana en el Parlamento de Cantabria a petición de Santiago Recio, diputado del Partido Popular en la región, quien ha lamentado, además de la suma, que en los mensajes de Iglesias no se incluyera ninguna referencia al Año Jubilar Lebaniego o el Monasterio de Santo Toribio. Market Insider, la empresa que lleva la promoción en redes sociales de Iglesias, y la Sociedad han defendido que el coste de estos mensajes ha sido el adecuado o incluso “menos de lo esperado” y que al final Cantabria ha ganado económicamente gracias al turismo.

gracias de nuevo Santander! To all my real fans I love you!!!! pic.twitter.com/hmPPan5sGQ

— Enrique Iglesias (@enriqueiglesias) July 19, 2017

Amanitas, cuando las melodías clásicas topan con el post-triphop, el dream pop y el indie

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11 octubre, 2017

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Las chilenas Amanitas llegan hoy a España para desarrollar una gira que las llevará por Madrid (Café la Palma, 11 de octubre), Toledo (Sala Pícaro, 12 de octubre) y dos fechas en Monkey Week viernes y sábado. Su tour forma parte de AIEnRUTa-Latinos, un programa de intercambio de artistas entre España y Chile, en el que también participan Iseo&Dodosound, Cala Vento, Bala y Luma.

Las cinco mujeres tras el proyecto de Amanitas se daban a conocer en 2014 con el tema ‘Aventurar’, que terminaría introduciendo su primer EP ‘Anónima’ editado el año pasado. Su ritmo post-triphop se encontraba con alguna guitarra rock, lo que las podía emparentar con el sonido de gente como Morcheeba, los olvidados Furslide o en nuestro país Boat Beam. Tras realizar una gira por China, el grupo publicaba un nuevo single a finales del año pasado llamado ‘Me desvelo’, que podrían haber escrito perfectamente los últimos Hooverphonic o las Au Revoir Simone más dream pop, recientemente recuperadas por ‘Twin Peaks’. Tras ella y su sensual videoclip, han publicado una interesante nueva canción llamada ‘Tu sonido’.

Este nuevo corte puede abrirles también las puertas de los seguidores tanto del synth-pop, al que evocan los teclados iniciales, como de las melodías más clásicas. Las guitarras pueden decirte Best Coast, pero la melodía Daniela Romo. El disco de Amanitas recibirá el nombre de ‘Amor Celeste Imperial!’ e incluirá tanto ‘Me desvelo’ como ‘Tu sonido’.

10 joyas perdidas en el cartel de Monkey Week 2017

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11 octubre, 2017

Monkey Week Son Estrella Galicia se celebra esta semana en Sevilla con grandes nombres entre sus actuaciones como Swans, Princess Nokia, Rocío Márquez, Ms. Nina, Mueveloreina y otros imperdibles de los que ya os hemos hablado. Sin embargo, si Monkey Week se caracteriza por algo es por predecir la música del futuro, y en ese sentido es igual o incluso más interesante que nos sumerjamos en aquellos talentos de los que no hemos oído hablar tanto. Junto a gente habitual de nuestras páginas como Lowlight, Brigitte Laverne, Los Hermanos Cubero, Terry vs Tori o The Zephyr Bones, entre muchísimos otros, hoy destacamos a estos otros 10 artistas. Más información, en la web oficial, y entradas, en Ticketea.

Escorpio

Una de las características de Monkey Week es que más que un festival es una feria que, a modo de SXSW, permite a ciertos grupos actuar en varios escenarios en distintos momentos. Uno de esos casos es el del trío mallorquín Escorpio, que ha montado su personalidad sobre el sonido ochentero de gente como Golpes Bajos y Décima Víctima, acercándose por tanto también a gente más reciente como Comando Suzie o Extraperlo. No es de extrañar que el proyecto de Toni Cobretti actúe en el Escenario Canada el viernes 13, aunque antes podremos verlos también el jueves 12 en Alameda de Hércules.

Gastmans & Morgan

Otro de los primeros artistas que podremos ver, en concreto este mismo jueves 12 de octubre a eso de las siete de la tarde, es el proyecto del hispano-belga Álvaro Gastmans, procedente de la escena malagueña pero ahora afincado en Sevilla, que publicaba el año pasado ‘bruit en images’ tras haberse dado a conocer al frente de diversos proyectos. En él la chanson heredada de su origen belga se encontraba con la electrónica más psicodélica, a lo que contribuía el buen hacer del norteamericano Drew Morgan. En el disco se reinventaba el repertorio de Gastmans pasándolo por un filtro de synth-pop apocalíptico que además es ayudado por los videoartistas Dori&Grey, a quienes ha inspirado el cine mudo, y la obra de Buñuel o Renoir.

Vera Fauna

Hace escasos días se estrenaba el primer videoclip de Vera Fauna, un grupo sevillano que publicaba este verano su primer EP ‘Relieve’. Sus 5 canciones se mueven entre la psicodelia más pop y los riffs de guitarra más cristalinos y surferos, dejando temas con tanta pegada como ‘Quiebro y nada’ o ‘Planeta rojo’. Actúan también el jueves 12 hacia las 21.00.

Medalla

El jueves en el escenario Jägermusic veremos a Bronquio con Kaixo DJ; el viernes a talentos de los que ya os hemos hablado como Los Voluble, Kaixo, One Path, Rrucculla o Tversky; y el sábado Kelly Kapowsky, The Zephyr Bones, La Plata y Vulk. Cerrarán a eso de las 23.00 este espacio los emergentes Medalla. Se trata del nuevo proyecto de dos ex miembros de The Saurs junto a otros dos colegas de Barcelona, que han debutado este otoño con un disco de 9 canciones editado por El Segell de Primavera Sound. Dicen sin pudor que les define su gusto por los trucos del heavy ochentero y el AOR, pero hits como ‘Montaña cruces’ no se le escaparán a ningún seguidor de Ocean Colour Scene o los primeros Sidonie.

Os amigos dos músicos

Nacidos como banda de acompañamiento de O Neno Elliott (Daniel Alonso), los gallegos Os amigos dos músicos comenzaron después a funcionar como banda independiente, editando en 2016 su debut en Gran Derby Records. Se trata de canciones que ahondan en el folk anglosajón que tanto inspiraba a gente como The La’s o R.E.M. (ningún fan de estos puede ignorar ‘Fóra do meu control’), pero también el folclore propio, rescatando un par de adaptaciones, como la fantástica ‘A banda’, compuesta por Suso Vaamonde sobre letra del poeta Manuel María, y ‘O maio’, un clásico de la música gallega que cantó Luis Emilio Batallán sobre letra de Celso Emilio Ferreiro.

Salto

El sábado 14 de octubre de madrugada será el turno de que Salto presente las canciones de su nuevo disco ‘Far from the Echoes’. Si con temas de su álbum homónimo como ‘Girl’ pudieron meterse en el bolsillo a seguidores del pop sesentero más accesible en la estela de Astrid, con temas nuevos como ‘Hopefully’ tocarán la fibra sensible de los fieles a la canción de hoguera del Nick Drake más acústico. El proyecto de Germán Salto se vincula también con las sonoridades de los Beatles más románticos en canciones como esa ‘Everything’ a piano, y con el indie pop de Teenage Fanclub y Real Estate en la espléndida ‘Home Again’.

Druso

Dice la organización de Monkey Week que «ha nacido un nuevo geniecillo del pop psicodélico», y puede ser cierto tras escuchar el EP de 3 canciones que el gallego Robert Graves ha subido a las plataformas de streaming bajo el nombre de ‘Being Broke as a New Trend’. El single ‘Passing Breeze’ conecta con la vena más lo-fi de los Strokes o sus proyectos paralelos (Little Joy, Albert Hammond Jr), pues ambos beben de influencias sesenteras como The Kinks, The Byrds o The Beatles; así como con otros artistas como Mac DeMarco o Adam Green. ¿No podría haberse titulado un disco de este «estar arruinado como nueva tendencia?». Druso también actúa el sábado 14 en Monkey Week.

Fabian Brusk-Jahn

Otro de los artistas que actuará en 2 ocasiones es Fabian Brusk Jahn, que ha abandonado la escena del punk y el hard-rock escandinavo como vocalista de Death by Armborst para darse a conocer como cantante de folk. Sus EP’s en solitario no tienen nada que ver con la fiereza de ‘In Dreams‘, sino que se sumergen en las ambientaciones intimistas de Elliott Smith, Jeff Tweedy o Eddie Vedder en acústico. Se le podrá ver tanto el viernes 13 como el sábado 14.

The Wheels

Conocidos como «los Beatles mallorquines», The Wheels han publicado este año un segundo disco que no evita las comparaciones con los genios de Liverpool en canciones como ‘Mr Hyde’, que ya ha triunfado en las plataformas de streaming, o ‘Dream On’, que también podríamos relacionar con los Tame Impala más oníricos. Tocan el sábado a la hora de comer, justo antes de lo que promete ser el divertido concierto de Camellos.

La Big Rabia

Mención especial merece la presencia de artistas de Latinoamérica, gente como Amanitas o The Big Rabia, un dúo de Chile formado por Sebastián (Puñete) Orellana e Iván (Vaniv) Molina, últimamente afincado en Sevilla. Su repertorio se debate entre el underground áspero que aportan las guitarras fronterizas y las grabaciones lo-fi con el espaldarazo de las melodías tradicionales. Canciones como ‘No hay demonios’ o ‘Vete ya’ son como clásicos de hace cuatro décadas, solo que aquí aparecen pasadas por un ligero prisma no solo más Calexico sino definitivamente más Bad Seeds, con quienes coincidieron en un Primavera Sound. Su disco homónimo ‘La BIG Rabia’ del año pasado fue producido por Pedro de Dios (Guadalupe Plata). La Monkey les espera tanto jueves como sábado.

La canción del día es semicircular por primera vez gracias a The Go! Team

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11 octubre, 2017

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The Go! Team publican nuevo disco, ‘Semi-Circle’, el 17 de enero a través de Memphis Industries. Es el primer disco del grupo de Ian Parton desde 2015, cuando salió ‘The Scene Between’. The Go! Team ha sido una de las bandas clave de la pasada década tras la edición de su debut, ‘Thunder, Lightning, Strike‘, en 2004, un disco que no podía ser más siglo XXI debido a su fusión de géneros y a su marcado uso de samples.

El nuevo álbum de The Go! Team se presenta con ‘Semicircular Song’, una canción grande, alegre y eufórica para la que el grupo británico ha contado con la participación del coro juvenil de Detroit y que puede añadirse a la lista de canciones de The Go! Team que podrían cantarse en los concursos de animadoras de los institutos (pienso en ‘Grip Like a Vice’ o ‘Bust-Out Brigade’). Es además una canción mucho más pegadiza de lo que pueden sugerir sus voces, que suenan grabadas de manera algo extraña… ¿Se habrá querido potenciar la variedad de instrumentos?

Ian Parton ha dicho que ‘Semicircle Song’ se basa en la “idea de una banda musical de escuela volviéndose loca y tirando las partituras por ahí para ponerse a tocar rompepistas de northern soul o baladas de indie-pop japonés o temazos de hip-hop de la vieja escuela”. También ha apuntado que intentaba “llevar el rollo tecnicolor de una banda de marcha a un lugar más psicodélico” y apropiarse del poderío que suele contener esta música, deshaciéndose del contexto deporitvo o patriota al que suele acompañar.

‘Semi-Circle’:

01 Mayday
02 Chain Link Fence
03 Semicircle Song
04 Hey!
05 The Answer’s No – Now What’s the Question?
06 Chico’s Radical Decade
07 All the Way Live
08 If There’s One Thing You Should Know
09 Tangerine / Satsuma / Clementine
10 She’s Got Guns
11 Plans are Like a Dream U Organise
12 Getting Back Up

Princess Nokia / 1992 Deluxe

Por

Raúl Guillén

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11 octubre, 2017

Destiny Frasqueri, más conocida como Princess Nokia (en realidad, ella explica que esto es un proyecto colectivo del cual ella es la voz), es uno de los mayores descubrimientos del rap de los últimos tiempos, pero no esperamos verla, de momento, copar las listas de Billboard. Su discurso –feminista de verdad, implicado en la defensa y normalización de los cuerpos reales, comprometido contra el racismo y el clasismo cotidianos e institucionalizados– está lejos del –teórico, al menos– glamour excesivo de Nicki Minaj o su nueva gran rival, Cardi B. Y también lo está su morfología corporal, a la que dedica su memorable himno ‘Tomboy’: “con mis pequeñas tetas y mi barriga, si me dejaras tomaría a tu hombre y él no me olvidaría; mi cuerpo es pequeño, mi alma pesada”.

Es uno de los numerosos mensajes de empoderamiento –anti-bullying, pro-latino; anti-elitista, pro-barrio; anti-sexista, pro-LGTBIQ– que pueblan el repertorio de esta artista de Harlem y origen italo-portorriqueño, cuya truculenta historia real (que ella misma explicó en un interesante documental) está llena de violencia –cuenta que estuvo a punto de morir dos veces, una de ellas por un disparo–, abuso, soledad, marginación y abandono, pero también de raíces, amistad, inclusión y solidaridad. Es una escritora notable, con unas rimas absolutamente brutales que suenan cortantes como cuchillos y secas como el desierto, pero que no rehúyen la musicalidad y con un flow para caerse de culo.

Tras unas mixtapes previas (‘Metallic Butterfly’ y ‘Honeysuckle’) mucho más orientadas al R&B contemporáneo, la identidad de Princess Nokia estaba perfectamente plasmada en ‘1992’ –referencia a su año de nacimiento–, el EP que lanzó en libre descarga el pasado año y que ahora es objeto de una nueva edición digital y física, extendida con 8 nuevas canciones en una atractiva edición de lujo. Básicamente, se debate en dos facetas: el potente hip hop experimental, agresivo y oscuro –tan amable como esa falsa sonrisa que Destiny luce en su portada–, próximo al queer rap de Mykki Blanco o Zebra Katz en temas brutales como el citado ‘Tomboy’, ‘Kitana’, ‘Brujas’, ‘Excellent’ o ‘Mine’; y, por otra parte, menos sorprendentes guiños al rap old-skool en las –luminosas, por otro lado– ‘Saggy Denim’ o ‘Green Line’.

Y este ‘1992 Deluxe’ se limita, sencillamente, a ampliar ambas vertientes sin que ninguno de los nuevos cortes supere a los que ya conocíamos y que hace valer el lema «menos es más». Pese a todo, ‘G.O.A.T.’, ‘Flava’, ‘Chinese Slippers’ (con ese desarmante estribillo dedicado a cadenas de comida rápida) y ‘Brick City’ están a un nivel alto, no alejado del de la primera mitad. En todo caso, ‘1992 Deluxe’ es un magnífico documento que prueba, de nuevo, que en el underground yanqui existen propuestas más interesantes desde el punto de vista lírico y artístico que en el mainstream. Pero, sobre todo, supone el primer paso firme en la industria musical de una artista que está llamada a dar mucho que hablar. Si has perdido la fe en Azealia Banks –aún tratándose de artistas muy distintas entre sí–, quizá Princess Nokia puede ser para ti.

Princess Nokia actúa hoy 11 de octubre en la sala Mon Live de Madrid (ya agotado), el jueves 12 de octubre en Razzmatazz de Barcelona y el viernes 13 de octubre en el festival Monkey Week de Sevilla.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Tomboy’, ‘Kitana’, ‘Brujas’, ‘Green Line’, ‘Flava’
Te gustará si te gustan: Mykki Blanco, Zebra Katz, la Azealia Banks de 2011
Escúchalo: Spotify

Se viraliza el vídeo en que Princess Nokia lanza sopa caliente a un hombre racista en el metro de Nueva York

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11 octubre, 2017

En las últimas horas se ha hecho viral en Twitter un vídeo grabado en el vagón de un tren del metro de Nueva York en el que un hombre blanco, en evidente estado de embriaguez, espeta insultos racistas a un grupo de viajeros afroamericanos. Durante un punto de la patética escena, el hombre procede a bloquear la salida del vagón y una mujer se enfrenta a él y le lanza sopa caliente encima. Esta mujer ha resultado ser la rapera Princess Nokia, una de las revelaciones internacionales de 2017.

Después de viralizarse el vídeo, Princess Nokia ha explicado el incidente en Twitter. “Este patán intolerante llamó “negratas” a un grupo de chicos en el tren, así que me enfrenté a él y le di una hostia y todo el mundo en el tren me defendió”, ha dicho. “Cuando le pegué, el hombre me llamó “negrata” y todos mis hermanos en el tren se pusieron a mi lado y me reconfortaron. Aunque fue doloroso y humillante, nos mantuvimos unidos y pateamos a este racista asqueroso para que se fuera del tren y pudiéramos viajar en paz. Y sí, le tiré sopa caliente encima en la cara y le pateé en la cara. ¿Algún otro racista por ahí que quiera provocarnos? Lo importante del asunto es que haré lo que sea para defender el honor de mis hermanos y hermanas”.

Princess Nokia actúa hoy 11 de octubre en la sala Arena de Madrid, el jueves 12 de octubre en Razzmatazz de Barcelona y el viernes 13 de octubre en el festival Monkey Week de Sevilla. Presenta su aclamada “mixtape” ‘1992’, que se reeditaba con nuevas canciones el pasado 8 de septiembre. El disco incluye temas como ‘Bruja’, ‘Tomboy’ o ‘Bart Simpson’, que acumulan cientos de miles de streamings y han convertido a Nokia en una gran promesa del hip-hop independiente en Estados Unidos.

New Yorkers kicking racists ass one at a time pic.twitter.com/yRUBD3kXIs

— BallerAlert (@balleralert) October 10, 2017

Miley Cyrus canta en Carpool Karaoke mientras su disco se estrella en listas

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11 octubre, 2017

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Miley Cyrus se ha sentado en el coche de James Corden para una nueva edición de Carpool Karaoke, donde últimamente hemos visto a Foo Fighters o visto a medias (por su exclusividad con Apple Music) a Shakira.

Cyrus ha hablado sobre su torpeza al volante, cantado éxitos pasados como ‘Party In the U.S.A.’ o ‘The Climb’ y revelado que iba “totalmente colocada” durante la grabación del videoclip de ‘Wrecking Ball’, aunque no durante su polémica actuación con Robin Thicke en los MTV Video Music Awards de 2013. Tampoco iba fumada cuando escuchó por primera vez ‘Achy Breaky Heart’ de su padre Billy Ray Cyrus, aunque, apunta, “ya me hubiera gustado estarlo”.

La aparición de Cyrus en Carpool Karoake podría o no animar las ventas de su nuevo disco, ‘Younger Now’, que de momento están siendo decepcionantes. El disco ha vendido solo 45.000 copias en Estados Unidos (33.000 de las cuales son físicas) en su primera semana, a años luz de las 270.000 ventas que logró ‘Bangerz’ en el mismo periodo de tiempo, y tras el fracaso del single ‘Younger Now’ no parece que haya mucho material para levantarlo. Debuta en el top 5, mientras en Reino Unido lo hace en el top 8.

Existen varios motivos que explican el desempeño comercial de ‘Younger Now’. Han pasado cuatro añazos desde ‘Bangerz’, una eternidad en el pop, y un tiempo en el cual Cyrus ha hecho de todo para radicalizar su imagen, desde un disco psicodélico con Flaming Lips hasta sesiones de fotos ultra sexualizadas. O puede que, tras la “limpieza” de imagen de esta nueva etapa, simplemente el disco de Miley no sea tan bueno, como refleja su mediocre puntuación en Metacritic.

Termina la gira de Las Bistecs: ¿se puede estirar (más) el chicle del electro-disgusting?

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11 octubre, 2017

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Las Bistecs han anunciado la última “traka” de fechas de su gira ‘Malgusto Tour’, que han presentado este año desde febrero hasta agosto y reanudarán ahora a finales de octubre hasta finales de diciembre. El dúo pasará por varios puntos de la península incluyendo el festival BIME de Bilbao, fecha que ya conocíamos. Podéis ver las nuevas fechas bajo estas líneas.

El fin del ‘Malgusto Tour’ es el punto culminante del fenómeno Las Bistecs y supondrá un punto de inflexión en la carrera del dúo formado por Alba Rihe y Carla Moreno Parmenter. El ascenso del dúo tras el éxito gradual que lograban temas como ‘HDA’ o ‘Señoras bien’ ha demostrado que había mucho más chicle que estirar en su propuesta de la que muchos imaginaban, como quedó claro con el éxito que alcanzó la campaña de “crowdfunding” de su primer disco, como demuestra de hecho la existencia misma de este disco y como ha quedado claro con el éxito de esta extensa gira que incluso ha llegado a cruzar el otro lado del charco.

Después de esta gira, y habida cuenta del impacto que han causado sus singles más populares en los últimos tiempos, solo queda especular con el futuro de Las Bistecs. De momento, la nota de prensa anuncia que el dúo “abandonará los escenarios por un tiempo”. ¿Habrá más clásicos que sumar a su repertorio de “electro-disgusting” o se ha agotado la fórmula? ¿Nos quedará tiempo para mandar al dúo a Eurovisión? ¿Qué depara a Las Bistecs después de Las Bistecs?

Fechas:

21 octubre, Pati de les Dones (Barcelona)
26 de octubre, Universidad de Málaga (Málaga)
28 de octubre, BIME (Bilbao)
17 de noviembre, Club Inn (Coruña)
22 de noviembre, La Riviera (Madrid)
24 de noviembre, Las Armas (Zaragoza)
2 de diciembre, La Pergola (Castellón)
8 de diciembre, Marmaleda (Alicante)
13 de diciembre, Razzmatazz (Barcelona)
16 de diciembre, Sala REM (Murcia)
21 de diciembre, La 3 (Valencia)
22 de diciembre, Sala Albéniz (Gijón)

Delorean dedican su nuevo disco, cantado en euskera, a Mikel Laboa

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11 octubre, 2017

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El 15 de noviembre llega a las tiendas ‘Mikel Laboa’, el nuevo disco de Delorean, el sexto de su carrera, que se describe no obstante como un paréntesis en la carrera el grupo vasco, pues contiene letras cantadas enteramente en euskera y un giro de estilo hacia la introspección, aunque sin abandonar los sintetizadores.

El disco se dedica al cantautor donostiarra Mikel Laboa, uno de los más reconocidos de la cultura vasca, fallecido en 2008, y la nota de prensa lo describe como un “paso adelante en el afán de experimentación de la banda, en su vocación de trazar nuevos caminos y, por qué no, de explorar nuevas emociones”. Continúa: “Se trata de un giro momentáneo en el sonido de Delorean, que en esta ocasión aparcan el indie con matices electrónicos y de baile al que nos tienen acostumbrados para adentrarse en un terreno mucho más personal e introspectivo”.

Efectivamente, el primer avance de ‘Mikel Laboa’, ‘Kantuz’, alberga un estilo más propio de la “new age” clásica que de la emocionante electrónica llena de tensión y explosiones por la que Delorean son reconocidos por discos como ‘Muzik‘ o ‘Apar‘.

El pasado mes de junio, Delorean estrenaban ‘Giro’, el primer single para su nueva serie PHLEX, a través de la cual pretenden publicr “material alternativo, colaboraciones y rarezas”. El single se compone de dos pistas, ‘Giro’ y ‘Haze’, que también os compartimos.

Beyoncé y La Veneno, unidas por la misma bata

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Raúl Guillén

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11 octubre, 2017

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En las últimas horas está corriendo como la pólvora una noticia como poco sorprendente, aunque también entrañable y un poco WTF. Por increíble que parezca, Beyoncé y Cristina Ortiz, más conocida como La Veneno, tienen un grado de separación o menos, porque llevaron puesta la misma prenda. Se trata de una bata del diseñador madrileño Palomo Spain, la cual vistió la diva pop en la sesión de fotos que hizo para dar a conocer a sus gemelos.

En la icónica imagen que publicó el pasado 14 de julio en su Instagram veíamos a Beyoncé sujetando a Rumi y Sir con solo un mes de edad, envuelta en una bata estampada que, como contó el propio Alejandro Gómez Palomo a Vogue, la cantante compró tiempo atrás. “Sólo hay ese en el mundo”, aseguró. Curiosamente, ayer salieron a la luz –las ha presentado su fotógrafo, Matías Uris– unas imágenes en las que La Veneno, a tenor de las palabras de Gómez Palomo, lleva exactamente la misma prenda.

Uris cuenta que fueron las últimas fotos de Cristina antes de fallecer –se hicieron para un número de la revista Candy, pero finalmente se optó por otras– y que ha sido muy duro guardarlas todo este tiempo. Ahora serán expuestas en una muestra llamada ‘Bad Taste’ organizada por la galerista (y amiga de Alaska Y Mario) Topacio Fresh en La Térmica, y que también incluye imágenes de Bruce LaBruce, Fabio McNamara y Costus. Fantasía, que diría Soy Una Pringada.

Recordemos que Cristina Ortiz, la mujer que ayudó a hacer mainstream la transexualidad en España, fallecía el pasado 13 de noviembre tras sufrir un golpe en la cabeza en su casa y pasar varios días en coma. Meses atrás se publicaba ‘¡Digo! Ni puta ni santa’, una especie de libro-revista escrita por Valeria Vegas que documentaba las glorias y miserias de La Veneno.

Hace justo un año de estas fotos para CANDY. Quién iba a pensar que eran las últimas y que terminarían colgadas en un museo. Guardarlas durante todo este tiempo ha sido muy duro!!! Pero ya las podeis ver en @latermica #badtaste hasta el 7 de enero junto a obras de Costus, Bruce Labruce o Fabio McNamara. Muchas gracias a @aliciapadron_ por tu cabeza y el pedazo estilismo, a @kleykafe por dejarla guapísima, a @byluisvenegas por regalarnos ese día, a @valeryvegas por traerla a mi casa y @topaciofresh por incluirme en esta expo. Por cierto, SÍ, LA VENENO llevó la bata de @palomospain antes que @beyonce

Una publicación compartida de matiasuris (@matiasuris) el 8 de Oct de 2017 a la(s) 5:18 PDT

Sir Carter and Rumi 1 month today.

Una publicación compartida de Beyoncé (@beyonce) el 13 de Jul de 2017 a la(s) 10:10 PDT

Eminem “reaparece” en los BET de hip-hop para rapear contra Trump

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11 octubre, 2017

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Eminem ha (re)aparecido esta noche en la gala de los premios de hip-hop de la televisión negra americana, los BET Hip-Hop Awards, para ofrecer su “verso en código”, una sección en la gala dedicada a un “freestyle” que es toda una tradición en los premios. Eminem no acudió a la ceremonia sino que realizó un rap desde un aparcamiento de su natal Detroit.

En su rap improvisado, Eminem cargó contra Donald Trump, a quien criticó por su racismo, y habló de las tensiones en Estados Unidos. También lanzó una dardo contra sus fans que apoyen al presidente: “dibujo una línea en la arena: o le apoyas o estás en contra, y si no puedes decidirte entre él o yo, o a quien deberías apoyar, yo te ayudo: “que te jodan”.

El rapero está semi desaparecido de la música desde la publicación de su último disco, ‘The Marshall Matters LP2’, en 2013. Este año ha realizado una pequeña gira por Reino Unido. El autor de ‘Rap God’ trabaja en su próximo disco, como confirmaba el año pasado en Twitter, aunque sus espectaculares cifras de ventas y en streaming serían suficientes para invitarle a retirarse permanentemente.

Don't worry I'm working on an album! Here's something meanwhile. https://t.co/QX3cdpqFD2

— Marshall Mathers (@Eminem) October 19, 2016

Pros y contras de la tercera temporada de ‘Narcos’: ¿queda ”plata o plomo” después de Escobar?

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Joric

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11 octubre, 2017

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El hijueputa de Pablo Escobar ha sido el gran personaje de ficción de estos últimos años. Su presencia en las dos primeras temporadas de ‘Narcos’ enganchaba más que toda la coca que el cartel de Medellín envió a Estados Unidos en los años 80. Su magnetismo era tal, que hasta pasamos por alto que el actor que lo interpreta, el brasileño Wagner Moura, tuviera un acento raruno, poco creíble para un colombiano. Por eso, cuando Netflix anunció la tercera y cuarta temporada de la serie, muchos pusimos la misma cara que el agente Peña cuando fracasa en una redada. ¿Un ‘Narcos’ sin Escobar?

Lo mejor de la tercera temporada de ‘Narcos’

1. Más droga dura. Pues sí, la tercera temporada continúa enganchando como las dos anteriores. ‘Narcos’ sigue funcionando muy bien como thriller de mafiosos y trepidante relato policiaco capaz de dejarte el sofá como si se hubieran afilado las uñas quince gatos. Gracias a su excelente montaje y a una sabia dosificación de la información, los creadores consiguen mantener la misma tensión narrativa que hizo que muchos nos fuéramos a la cama muertos por sobredosis de capítulos.

2. Jorge Salcedo. Es el gran personaje de esta temporada. El agente Peña sigue molando (es la nueva voz en off), Pacho Herrera adquiere una nueva dimensión al descubrirse una faceta importante de su personalidad, Miguel y su hijo son los nuevos reyes de la crueldad, Chepe Santacruz es un irresistible villano de la vieja escuela, y “el navegante” es uno de los mejores sicarios de la serie. Pero Salcedo, interpretado por el actor sueco de origen gallego Matías Varela, es el centro de gravedad de la serie, el personaje a través de cual se articula la trama de los diez capítulos. Todo pasa por él: la acción, los conflictos dramáticos y nuestra empatía.

3. Los caballeros de Cali. El hecho de que el cartel de Cali sea tetracéfalo hace que la narración se expanda en varias direcciones. Se multiplican –para bien- los escenarios, los personajes, las subtramas y los discursos. Quizá la serie haya perdido algo de potencia emocional y capacidad de impacto, pero ha ganado en complejidad narrativa y diversidad de puntos de vista. Hay más plata y menos plomo.

Lo peor de la tercera temporada de ‘Narcos’

1. Algunas interpretaciones son dignas de la peor telenovela. Es un problema de todas las temporadas. Hay actores y, sobre todo, actrices, que parecen sacados directamente de un plató de Televisa. En esta ocasión destacan dos, la pareja formada por el capo Miguel Rodríguez, interpretado por el venezolano Francisco Denis, y su novia María Salazar (Andrea Londo), posiblemente el personaje más flojo y prescindible de toda la serie.

2. La ficción supera la realidad. Uno de los aspectos más destacados de ‘Narcos’ fue la inclusión dentro de la diégesis de imágenes documentales a modo de impactante contraplano, golpes de realidad que te dejaban con la boca abierta. En la tercera temporada esas réplicas documentales apenas aparecen, y se echan un poco de menos. Quizá sea esa la razón por la que los “caballeros de Cali” den mucho menos miedo que el “malparío” de Escobar. 8.

Kaleo: el grupo que toca subido a un iceberg (y que triunfa en todo el mundo)

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10 octubre, 2017

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¿Qué hacen cuatro islandeses perdidos en Texas? En el caso de Kaleo, empezar a saborear las mieles del éxito internacional sonando totalmente americanos. El éxito de ‘Way Down We Go’ ha abierto las puertas del éxito global a este cuarteto de rockeros islandeses compuesto por Jökull Júlíusson (guitarra, voz), Davíð Antonsson (percusión, voz), Daníel Ægir Kristjánsson (bajo) y Rubin Pollock (guitarra), que desde Reykjavík decidieron, allá por 2012, mudarse a Austin con el objetivo de triunfar en la música. Su estilo blues-rock es inconfundiblemente americano, así que parece que su lugar está en Estados Unidos… pero desde luego no solo ahí. ‘Way Down We Go’ ha sido un éxito alternativo en Estados Unidos e incluso ha conseguido colarse en el Billboard Hot 100 (en el número 54), pero también ha triunfado en varios países europeos, entre ellos España, donde el tema ha entrado en el top 15 de lo más radiado y en el top 100 general. Y atendiendo al origen de sus escuchas en Spotify, está claro que Kaleo gusta en todas partes: Madrid es de hecho la quinta ciudad que más escucha al grupo en la plataforma de streaming después de París, Estambul, Sao Paulo y Oslo.

Podría decirse que el éxito reciente de grupos de folk-rock como Mumford and Sons, The Lumineers o incluso el de los islandeses Of Monsters and Men se lo ha puesto fácil a Kaleo para triunfar haciendo lo mismo que ellos, que es rock comercial con influencias del folk y el blues americano, pero también que Kaleo cuentan con potencial comercial suficiente para equipararse a estos grupos tarde o temprano. No hay que subestimar en ese sentido otros temas de su repertorio como el emocionante ‘All the Pretty Girls’ o el sensual ‘Broken Bones’, al que solo le falta un “blues” adjunto a su título y un “featuring” de Tom Waits para convencernos de su pedigrí sureño. Nada mal está tampoco la balada ‘Save Yourself’, que el grupo ha llegado a tocar encima de un iceberg (también ha tocado en el interior de un volcán).

Kaleo dieron sus primeros pasos en 2012, actuando en el conocido festival islandés Iceland Airwaves. Un año después publicarían su debut homónimo, que en 2016 reeditarían internacionalmente bajo el nombre de ‘A/B’, en referencia a las dos caras de un vinilo y a los dos “lados” del estilo del grupo (la primera parte del disco es más rockera y la segunda más tranquila). En ambos casos se incluyó su preciosa versión de la canción tradicional islandesa ‘Vór i Vaklaskógi’ (“primavera en el bosque de Vaglaskógur”), que fue un hit en Islandia en 2013. El tema original es de 1966 y es conocido en Islandia sobre todo por la interpretación de Vilhjálmur Vilhjálmsson.

La reedición del debut de Kaleo, que se grabó principalmente en Nashville (el grupo sabe dónde moverse), pero también en España y Londres, entre otros lugares, nos trae a la actualidad, con el grupo convertido en una gran promesa del rock comercial, algo de lo que da buena cuenta la cantidad de sitios en los que ha sonado su éxito ‘Way Down We Go’: en la película ‘Collateral Beauty’, protagonizada por Will Smith; en series como ‘Anatomía de Grey’, ‘Teen Wolf’ o ‘The Vampire Diaries’ o en el tráiler de la cuarta temporada de ‘Orange is the New Black’.

Y ahora Kaleo vuelve a España, pero no para grabar, sino para presentar este disco: será el 6 de diciembre en La Riviera de Madrid y el 8 de diciembre en la Razzmatazz de Barcelona. Las entradas están a la venta aquí. Una buena oportunidad para averiguar si el directo de Kaleo puede rivalizar también con el de los grupos americanos a los que recuerdan.

Son Lux aciertan con el single de su disco de 2018

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10 octubre, 2017

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Son Lux, autores de ‘Bones‘, entre otros interesantes álbumes, tienen un nuevo disco preparado, pero que saldrá ya el año que viene, en concreto a principios, el 9 de febrero. Y es que no todo el mundo quiere meterse ya en el berenjenal de competir en las tiendas y en las listas del año esta Navidad.

El disco se llama ‘Brighter Wounds’ y retratará el nacimiento del hijo del miembro fundador Ryan Lott, la muerte de una persona cercana a su entorno de cáncer y la elección de Donald Trump como presidente de los Estados Unidos. El primer single del disco ‘Dream State’ es una de las canciones más asequibles de su carrera, pues sí podríamos vincularla con las ambientaciones arty de unos Xiu Xiu, unos Grizzly Bear o unos Wild Beasts, pero esos coros épicos que predominan en el tema son también de lo más accesible que ha grabado Son Lux.

El proyecto de Ryan Lott ha anunciado una gira europea para febrero y marzo del año que viene que al menos de momento no incluye fechas en nuestro país. Os dejamos con el tracklist del disco ‘Brighter Wounds’, que culminará con un tema llamado ‘Resurrection’. ¿Será la que necesita Estados Unidos o más bien un tema sobre la muerte? Las respuestas, ya en 2018.

01 Forty Screams
02 Dream State
03 Labor
04 Slowly
05 The Fool You Need
06 All Directions
07 Aquatic
08 Surrounded
09 Young
10 Resurrection

La canción del día: las «pastillas para follar, dormir, despertar, pensar»… de St Vincent

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10 octubre, 2017

St Vincent publica este viernes 13 de octubre su nuevo disco, muy esperado tras el éxito de su álbum homónimo de 2014. Del largo titulado ‘Masseduction’ ya hemos conocido los singles ‘New York‘ y ‘Los Ageless‘, de suculentos videoclips, y hoy se avanza otro tema llamado ‘Pills’ que también tiene chicha.

La canción, que cuenta con los coros de Cara Delevigne y Jenny Lewis, así como con el saxo del prestigioso Kamasi Washington y la producción de Sounwave, deja muy clara su temática desde su propio nombre. Pero es que además toda su letra es un recitado de las diversas funcionalidades que las pastillas tienen en la sociedad de hoy: de dormir a despertar pasando para pensar o follar. El enumerado de los distintos tipos de pastillas da lugar a una de las canciones más contagiosas de su discografía, si bien la segunda mitad es una outro que podríamos vincular con los Radiohead de ‘OK Computer’, cuando la primera parte de la canción estaba más cerca de los territorios habituales de David Byrne. Y también el hip-hop ha sido una inspiración, pues Sounwave ha trabajado en el último disco de Kendrick Lamar.

Así lo explica St Vincent en un interesante «canción por canción» del disco realizado para Pitchfork y publicado hoy, en el que la cantante ha querido recalcar que, aunque el tema refleja un año de adicciones a las pastillas por su parte, no ha querido aleccionar al público sobre su uso. Incluso a pesar del grave problema que tiene Estados Unidos por la adicción a este tipo de pastillas, cree que señalar con el dedo a los demás no sirve para nada.

Consulta todas las entregas de «La canción del día» aquí.

Sharon Jones lanza un mensaje de esperanza en el primer single de su disco póstumo

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10 octubre, 2017