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Trixie Mattel / One Stone

Por
Pablo Tocino
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Podríamos hablar mucho sobre qué es el drag y cuáles son sus fundamentos teóricos, pero lo que está claro es que el común de los mortales tiene una imagen muy nítida cuando se habla de una drag queen: se le vienen a la cabeza imágenes graciosas y alegres. La infancia y adolescencia de las drag queens no suelen, en cambio, estar llenas de imágenes graciosas y alegres. Y en ese contraste, en esa capacidad para sacar vitalismo de un trauma, para sacar belleza de la mierda, es donde reside uno de los mayores poderes de esto. Bien lo sabe Brian Firkus, que, tras años de lidiar con un violento padrastro que le llamaba “trixie” cada vez que tenía un comportamiento considerado femenino, decidió reapropiarse de ese “insulto” y no permitir nunca más que fuese usado como tal.

Trixie Mattel se dio a conocer en la séptima temporada de ‘RuPaul’s Drag Race’: ahí la ganadora fue Violet Chachki (de la que hemos hablado en la web por su colaboración con Allie X), pero la popularidad post-concurso que alcanzó gracias a su show junto a Katya le llevó a aparecer en ‘American Horror Story’ y a sacar un primer disco, ‘Two Birds’. Su continuación llega ahora, coincidiendo con dos momentos también alegres para ella: el regreso de Brian McCook (Katya) tras recuperarse de sus adicciones y, por supuesto, la coronación de Trixie como ganadora en la tercera edición del ‘All Stars’ de RuPaul.

Los que ya escucharon ‘Two Birds’ no se sorprenderán; los que no, puede que quisieran un ‘One Stone’ lleno de mamarracheo y salgan decepcionados. Lo que ofrece Trixie es, como lo que ofrecía Adore Delano en ‘Whatever’, muy distinto al arquetipo de música que en el inconsciente colectivo se tiene como esperable de una drag-queen: country. Algo así como si Kika Lorace se arrancase por fandangos. Pero aquí es donde entra en juego la personalidad que se le crea a cada personaje drag: Trixie aprovecha para hablarnos de su infancia, de sus raíces, de su hermana (“I know that you think you’re growing / but you’re just tall” canta en ‘Little Sister’) y, claro, de amor. De nuevo con el productor Brandon James Gwinn, Trixie presenta una pequeña colección de canciones donde el country domina, pero donde también hay espacio para sonidos más folk en la balada ‘The Well’, e incluso se aprecia una cierta querencia popera en ‘Break Your Heart’ que no hubiese desentonado en el ‘One of the Boys’ de los inicios de Katy Perry -ahora impensable, claro-.

‘Moving Parts’ es uno de los cortes más destacados, y se entiende que haya sido la carta de presentación de este segundo trabajo, ya que es quizás el que mejor representa lo que encontramos en él: sirve como unión en cuanto a mensaje, a sonido y a todo lo que Trixie puede ofrecer en el resto de los temas. Mucho más intimista es ‘Red Side of the Moon’, y esto le sienta estupendamente a la historia de amor (¿secreto?) de una chica por otra que se desgrana a lo largo de la canción, probablemente la más Brandi Carlile del álbum. No en vano, Trixie cita a la autora de ‘Bear Creek’ como una de sus influencias, junto a Kacey Musgrave o Dolly Parton. ‘One Stone’ es, por tanto, un disco simpático, mejorable en cuanto a letras y melodías, pero que demuestra que Trixie Mattel se desenvuelve estupendamente en el country (a su voz le sienta especialmente bien este estilo) y que, aunque ‘Anus‘ sea un petardazo, una drag-queen no está limitada a un patrón concreto a la hora de sacar música.

Calificación: 5,8/10
Lo mejor: ‘Red Side of the Moon’, ‘The Well’, ‘Moving Parts’
Te gustará si te gusta: ‘RuPaul Drag’s Race’, Brandi Carlile, Shania Twain, ‘Joanne’ canción, Kacey Musgraves, Vance Joy, John Cameron Mitchell cantando ‘Sugar Daddy’. O el último de Miley.
Escúchalo: Spotify

Jesús Ordovás defiende el carácter obrero de la Movida, habla de la heroína y critica ‘Cachitos’ en una entrevista histórica

Por
Sebas E. Alonso
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Jot Down publica esta semana una entrevista histórica con Jesús Ordovás, de esas que lleva más de media hora leer, pero absolutamente enriquecedoras. El ex locutor de Radio 3, cadena con la que ha terminado muy mal, comienza hablando de su infancia marcada por el maltrato de los curas y la violencia de su barrio en Madrid (más tarde narra el día que recibió una puñalada en Valencia que le dejó en coma) para terminar reconociendo, algo vagamente, que le gusta el trap: «Creo que es un gran cambio de paradigma. Ha llegado el final de una época y empieza otra. Eso está clarísimo. Algunos ya hemos acabado y ahora le toca a otra generación… y eso me encanta». Foto: Facebook Jesús Ordovás.

Pero lo mejor es lo que queda en medio, desde la educación de escuchar ‘Vuelo 605’ de Ángel Álvarez hasta su pasión por Bob Dylan, cómo sobrevivió en Londres o Estados Unidos, lo poco que le gustaban Dúo Dinámico o Mecano («es que no tiene nada que ver la inteligencia de las canciones de Alaska con las de Mecano»), o la defensa de Vainica Doble, Pau Riba, Hilario Camacho, las canciones de Triana, Solera o CRAG. Sus favoritos parecen claros («Radio Futura hicieron el mejor rock español de los ochenta, aunque habría que meter ahí a Gabinete Caligari y Siniestro Total») y ricas son las anécdotas sobre el festival de León en el que Nico fue abucheada o el fracaso de cierta gira por España de Lou Reed.

A colación de este último y su consumo de heroína, Jesús Ordovás habla del consumo de drogas, afirmando que «la heroína ha sido lo más asesino que ha habido en la historia del rock» y poniendo como ejemplo la carrera de Antonio Vega. «Para salir a una actuación se pasaba una hora hasta que le hacía efecto lo que se había tomado. Estuvo muchos años atrapado por la heroína. Y a nadie que se pincha heroína le gusta contarlo. Carlos Berlanga nunca lo reconoció. Y otros muchos nombres que no quiero dar nunca lo han admitido. Manolo Tena fue uno de los pocos que lo reconoció públicamente».

También es llamativa su posición en contra de que la Movida fuera un nido de pijos, en oposición a lo que se ha dicho en los últimos años, situando como excepciones a Dinarama y a Bernardo Bonezzi: «Los grupos que yo conocí y a los que yo apoyaba era gente que no tenía ni para un bonobús. Radio Futura no tenían ni un duro. Eran todos de clases medias y de clases medias bajas. (…) Vale, había tres tíos de clase alta, pero ellos no eran los cinco mil grupos que había. PVP, Manolo Uvi, Los Secretos, ninguno de estos grupos era rico. Era gente de clase media. Gabinete Caligari eran de Diego de León. Yo vivía en el Barrio de la Concepción. Burning eran de La Elipa. Aviador Dro eran de Prosperidad, un barrio de clase media, clase media baja en alguna zona. Es ridículo decir que esta gente no sabía lo que era un barrio. Es crear una falsa diatriba, un falso relato». Continúa después: «Almodóvar era un pobre, pobre, pobre. Cuando llegó a Madrid en 1969 vino con una mano delate y otra detrás. Vivía en una puta pensión. Se tuvo que ir a trabajar a la Telefónica y cobraría el equivalente actual a ochocientos euros. Era un puto pobre. Nunca tuvo dinero», indica elogiando también la originalidad de McNamara.

Ordovás habla de la muerte del prescriptor musical, pues afirma que su último descubrimiento para el mundo fueron Los Planetas («ahora tengo las mismas posibilidades de descubrir algo que cualquiera que abra internet»), y critica el programa ‘Cachitos’ por no hacer un uso adecuado del archivo de RTVE: «Cachitos creo que es una vergüenza el uso tan chabacano y ridículo que hacen del archivo tan fantástico que hay en Televisión Española. Un archivo riquísimo desde los años sesenta hasta hoy, lo sé porque lo utilicé para hacer los episodios de la Historia de la música pop española con canciones de Los Salvajes, Lone Star, Los Brincos… canciones que no están en YouTube. Y sin embargo, que esas canciones, lo mejor que ha dado la música pop en nuestro país, se usen para hacer gracias en ese programa, cuyo fin no sea más que retener a la gente viéndolo, me parece de lo más irresponsable. Creo que Televisión Española está faltado a su obligación de hacer programas culturales honestos y con sentido».

Melendi es número 1 en la lista de ventas; IZAL, en la de streaming

Por
ACM
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La lista española vuelve a dejar una curiosidad respecto a la tabla de ventas y la de streaming. Melendi ha hecho el disco más vendido esta semana en España, ‘Ahora’, el que incluye la cachonda ‘Lo nuestro fue muy top’; sin embargo, ‘Autoterapia‘ de IZAL es el disco número uno en streaming. En definitiva, la gente que ha comprado discos esta semana, ha comprado el disco de Melendi, y la gente que ha escuchado discos esta semana, ha escuchado el disco de IZAL. Inversamente, IZAL son top 2 en ventas y Melendi es top 2 en streaming.

Amaia Romero vuelve a triunfar en la tabla y el disco que recopila las canciones que ha cantado en Operación Triunfo entra directo al top 3 de ventas, un par de puestos por encima de su pareja Alfred García y varios por delante de Ruth Lorenzo, que es top 9 con ‘Loveaholic‘. La diferencia en la tabla de ventas y streaming es mayor en cuanto a los resultados de Amaia Romero y Ruth Lorenzo, ya que sus discos son top 64 y top 73 en streaming, respectivamente.

Algunas entradas interesantes en la lista de ventas son ‘Firepowers’ de Judas Priest (top 6), la reedición de ‘Camino Soria’ de Gabinete Caligari (top 19), ‘Both Sides of the Sky’ de Jimi Hendrix (top 19) y ‘Violence’ de Editors (top 29). En streaming se produce la curiosa entrada de dos raperos muy famosos en Estados Unidos, Logic con ‘Bobby Tarantino II’ (top 29) y Lil Yachty con ‘Lil Boat 2’ (top 71).

Beyoncé y Jay-Z graban un vídeo ¿y nueva música? en Jamaica

Por
Jordi Bardají
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Este verano, Beyoncé y Jay-Z emprenderán una gira mundial conjunta, ‘On the Run II’, la continuación de su primer tour conjunto de 2014, que llegará al Estadi Olímpic de Barcelona el 11 de julio, y para la que las entradas ya están disponibles.

Hemos conjeturado con el posible contenido de esta nueva gira, analizando qué trajo la anterior para intentar descubrir qué ofrecerá la siguiente. Sin embargo, es posible que ‘On the Run II’ no vaya a reciclar las giras anteriores de Beyoncé y Jay-Z por separado como hizo la anterior, y que ambos presenten un disco en conjunto. Este es el rumor que persiste en redes sociales desde hace semanas.

Y ahora el rumor vuelve a ampliarse, pues Beyoncé y Jay-Z se encuentran grabando un vídeo en Jamaica, como puede verse en las fotos hechas por los fans que ya han inundado las redes sociales, y que muestran a Bey-Z en una moto, o a Beyoncé sola delante de una peluquería. No se sabe cuál es el fin de este nuevo vídeo, pero Jamaica Observer cita una fuente según la cual la autora de ‘Lemonade‘ y el autor de ‘4:44‘ aprovecharán su estancia en el país caribeño para “grabar canciones nuevas y vídeos”, por lo que es posible que ese rumoreado disco conjunto vaya a ser una realidad. O quizá, simplemente, estén grabando un single o dos.

Los «me gusta» en Facebook a Björk, Marilyn Manson y los Smiths, en el escándalo de Cambridge Analytica

Por
Sebas E. Alonso
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El acceso de la compañía Cambridge Analytica a los datos de 50 millones de usuarios en Facebook sin su consentimiento ha propiciado el mayor escándalo que se recuerda en esta red social. Al parecer, se llegó a esos usuarios a través de 270.000 voluntarios que decidieron abrir sus perfiles con fines experimentales, todo ello para condicionar el voto en las elecciones presidenciales que al final ganó Donald Trump. Sin cortarse un pelo, Cambridge Analytica anuncia en su web que se ve capaz de condicionar el voto: “encontramos a tus votantes y los llevamos a la acción”. Y es que su hallazgo es que no orienta la publicidad de Facebook solo seleccionando en base a sexo o edad, como permite Facebook a cualquier hijo de vecino, sino que incluye datos psicológicos. Bruselas ha pedido la comparecencia de Mark Zuckerberg, y solo en las primeras horas Facebook ha bajado un 12% en Bolsa.

El estudio se basaba en una aplicación de Facebook llamada myPersonality que incluía 100 preguntas, llevando a la medida de cuán extrovertida, neurótica, conciliadora, polémica o abierta es una persona. Muchos de los que respondieron consintieron el acceso a su Facebook -y por extensión a datos de sus amigos y amigos de sus amigos, etc-, permitiendo el acceso a datos aunque no hubieras contestado el test de 100 preguntas.

Cambridge Analytica se basó en estudios de los investigadores de la Universidad de Stanford y Cambridge, que trabajaron una tabla que publica New York Times y que revela que aquellos usuarios que le han dado “me gusta” a Tom Waits, Björk, Dalí o La Naranja Mecánica, son más abiertos que los fans de Luke Bryan o Cheryl Cole. Se concluye que los fans de Gucci Mane son más extrovertidos que los de Nightwish, que los seguidores de la Biblia son más conciliadores que los que oyen a Marilyn Manson, a Rammstein, Placebo o Judas Priest, y -esta es mi favorita- se sitúa como más neuróticos u obsesivos a los fans de los Smiths, Marilyn Manson o Placebo que a los fans del fútbol.

En base al resultado, cada persona es catalogada y recibe en su muro una serie de noticias para condicionar su voto en la sección de anuncios, y se concluye que, cuando una persona da 10 “me gusta”, se la puede conocer mejor que a un compañero de trabajo; con 70 “me gusta” mejor que a un amigo o compañero de piso; con 150 “me gusta” mejor que a un miembro cercano de tu familia; y con 300 “me gusta” más que a tu pareja. La eficiencia del estudio ha sido cuestionada y Facebook ya ha prescindido de Cambridge Analytica en sus páginas, pero lo seguro es que el Gran Hermano y más allá llegaron hace rato para quedarse.

Lil Dicky es viral global gracias a Chris Brown… y a un vídeo zafio y racista con invitados estrella

Por
Jordi Bardají
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Lil Dicky es David Andrew Burd, un rapero de Pensilvania que se está haciendo conocido en Estados Unidos por sus raps cómicos en los que ridiculiza los estereotipos del hip-hop y también en los que se ríe de sí mismo. Tiene temas titulados ‘White Dude’ y ‘Professional Rapper’ (él mismo se hace llamar “pequeña pollita”) y su último single, ‘Freaky Friday’, es una colaboración con Chris Brown que ahora mismo es número uno en virales de Spotify. Esto se debe sobre todo a su cómico videoclip, estrenado el pasado 15 de marzo, que se acerca a las 40 millones de visualizaciones y en el que Lil Dicky hace un homenaje a ‘Ponte en mi lugar’, la famosa película de Lindsay Lohan y Jamie Lee Curtis en la que ambas se intercambian los cuerpos por error, y que en inglés se titula, de hecho, ‘Freaky Friday’.

El vídeo de Lil Dicky empieza con el rapero comiendo en un restaurante chino. Después de pedir una recomendación de menú al camarero, que responde con un “sí”, como si no hablara inglés y no hubiera entendido la pregunta de Lil Dicky, el rapero es interrumpido por un fan que explica a su pareja que Lil Dicky no es exactamente un rapero, sino un rapero de broma, “de los que rapean sobre su pequeña polla y esas cosas”. Desilusionado, Lil Dicky observa en el televisor un videoclip de Chris Brown, y desea en voz alta poder ser un rapero tan “cool” como él, capaz de “bailar” y de llenar su cuerpo de tatuajes. Es entonces cuando el camarero chino, que hasta hace un minuto no había entendido a Lil Dicky, le concede el deseo de ser Chris Brown con la ayuda de sus poderes mágicos. Lil Dicky y Chris Brown han intercambiado sus cuerpos.

‘Freaky Friday’ transcurre de “gracia” en “gracia”. En primer lugar, Lil Dicky se despierta, en su mansión, en el cuerpo de Chris Brown y celebra su nueva fama, su nueva agenda de “putillas” y el hecho de poder decir “nigga” sin parar al ser negro. Hay un momento en que una horda de fans hacen fotos al pene de “Chris Brown” (que él define como la “polla de sus sueños”) y otro en el que el cantante agarra una pistola guardada en una estantería. Por su parte, Chris Brown se encuentra que, en el cuerpo de Lil Dicky, ya no es famoso, por lo que puede ir por la calle sin que nadie le critique por “ser negro” o por su “pasado controvertido”, y además sigue teniendo problemas de ira, ya que en una escena, recibe una llamada telefónica de su madre y este le cuelga lanzando el móvil al suelo y gritando “déjame en paz, zorra”. Al final, el intercambio de cuerpos va tan mal que Lil Dicky y Chris Brown terminan convirtiéndose en otras personas famosas, que de hecho aparecen en el vídeo, dando la sorpresa.

El vídeo de ‘Freaky Friday’ es la glorificación del humor más zafio e infantil posible (¿tendría tanto éxito un vídeo parecido hecho por mujeres?), pero además su representación estereotipada del camarero chino que no entiende inglés y tiene poderes mágicos es racista. Sin embargo, lo peor del vídeo es que, como producto irónico, es un absoluto fracaso. Lil Dicky trata de reírse de los estereotipos racistas y, sin embargo, termina reforzándolos debido a la carencia total de inteligencia presente en su humor, dando a entender que la ironía justifica cualquier tipo de broma. Al final, Lil Dicky parece el típico rapero blanco con complejo de rapero negro y Chris Brown da verdadera pena en su intento por reírse de su pasado, mientras todo el mundo se acuerda que es culpable de violencia doméstica por agredir a Rihanna en 2009 y que presuntamente llegó a amenazar a una mujer con una pistola en una fiesta. ¿Qué ha pasado por la cabeza de las estrellas que hacen los cameos finales para participar en un vídeo como este que, sin duda, da sentido máximo a la expresión “don’t make stupid people famous”?

Desvelamos portada y tracklist de ‘Justicia universal’, el nuevo disco de Dorian

Por
Sebas E. Alonso
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Dorian desvelan hoy en JENESAISPOP la portada y el tracklist de ‘Justicia universal’, que sale a la venta el próximo 25 de mayo. La portada, que puedes ver bajo estas líneas, es un pegaso mirando al frente en actitud desafiante. Actitud desafiante que podría tener algo que ver con el vídeo de ’Noches blancas’, que presentaba tanto un combate de artes marciales como un partido de béisbol.

La portada de ‘Justicia universal’ es obra de Marina Salazar (No queda tinte), una de las diseñadoras gráficas con más proyección actualmente en Barcelona, quien ha recibido el premio LAUS de la Asociación de Directores de Arte y Diseñadores Gráficos del FAD, y ha colaborado con Dorian en las portadas y el arte de sus discos ‘La velocidad del vacío’ y ‘Diez años y un día‘ (y sobre todo esto último se nota).

El disco incluye el single ‘Noches blancas’ (con guiños a Dostoievski, Radio Futura y Soda Stéreo), pero también el notable tema que daban a conocer el año pasado y que continúa entre los favoritos populares del grupo, ‘Hasta que caiga el sol’. Serán 11 pistas en total, incluyendo títulos tan marca de la casa como ‘Algunos amigos’ y ‘Vicios y defectos’ y otros tan prometedores como ‘Duele’. Foto promocional: Sergi Margalef.

1. Noches blancas
2. Algunos amigos
3. Duele
4. Justicia universal
5. Vicios y defectos
6. Llévame
7. La isla
8. Buenas intenciones
9. Señales
10. Hasta que caiga el sol
11. Cometas

El grupo tiene ya una monstruosa gira anunciada que incluye varios festivales españoles, como el WAM, el FIB o Arenal Sound, pero también muchas fechas en sala (La Riviera, Razzmatazz, Sala Moon…), además de un sinfín de conciertos en Estados Unidos y México. Para algunas de estas fechas las entradas están a la venta en Ticketea.

1 ABR – Tudela – Plaza de los fueros
05 MAY – Murcia – Festival WAM
07 MAY – Chicago – House of blues + Zoé (USA)
09 MAY – Denver – Summit Music Hall + Zoé (USA)
11 MAY – San Francisco – The Masonic + Zoé (USA)
12 MAY – San Diego – House of blues + Zoé (USA)
15 MAY – Anaheim – House of blues + Zoé (USA)
16 MAY – Los Angeles – The Wiltern + Zoé (USA)
19 MAY – Sevilla – Festival Interestelar
08 JUN – Valencia – Festival de les arts
09 JUN – Palencia – Palencia Sonora
14 JUN – San Luís Potosí – El Domo + Zoé (MEX)
15 JUN – León – Velaria de la feria + Zoé (MEX)
16 JUN – Morelia – Plaza de toros + Zoé (MEX)
21 JUN – Puebla – Acrópolis Puebla + Zoé (MEX)
22 JUN – Veracruz – Aud. Benito Juarez + Zoé (MEX)
23 JUN – Xalapa – Gimnasio USBI + Zoé (MEX)
06 JUL – Málaga – Weekend Beach Festival
14 JUL – Alcudia – Plaza de toros
19 JUL – Cádiz – Festival No sin música
20 JUL – Alburquerque – Contempopranea
21 JUL – Benicasim – FIB
04 AGO – Burriana – Arenal Sound
11 AGO – Aranda de Duero – Sonorama
01 SEP – Guadalajara – Festival Gigante
25 OCT – Ciudad de México – Plaza Condesa (MEX)
09 NOV – Madrid – La Riviera
15 NOV – Bilbao – Kafe Antzokia
16 NOV – Pamplona – Zentral
17 NOV – Vitoria – Jimmy Jazz
23 NOV – Barcelona – Razzmatazz
30 NOV – Santiago de Compostela – Capitol
01 DIC – A Coruña – Inn Club
14 DIC – Valencia – Sala Moon
21 DIC – Santader – Escenario Santander

Calpurnia, el grupo de Finn Wolfhard de ‘Stranger Things’, triunfa con ‘City Boy’

Por
Raúl Guillén
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Como supimos a raíz de una serie de vídeos que él mismo subió a Twitter hace meses, el joven actor Finn Wolfhard, que encarna al niño Mike Wheler en ‘Stranger Things‘, es un gran aficionado a la música rock. Pero no solo eso, sino que además tiene su propio grupo que, innegablemente impulsado por su popularidad, parece que podría tener bastante éxito. Calpurnia, que así se llama el grupo, acaba de publicar su primer single, ‘City Boy’, y no les está yendo nada mal. En apenas un par de semanas, la canción supera ampliamente el millón de streamings en Spotify -fue número 1 de su top viral global–, al igual que su vídeo oficial.

‘City Boy’ es una canción que remite a referentes como Mac DeMarco, Velvet Underground o Twin Peaks, a los que han versionado. Precisamente estos últimos se mostraron especialmente impresionados con la adaptación de los chavales, hasta el punto de que su cantante, Cadien Lake, ha producido el EP debut de Calpurnia que verá la luz próximamente. Finn toca la guitarra y canta, y completan la banda Ayla Tesler-Mabe, a la guitarra solista, Malcolm Craig a la batería y Jack Anderson al bajo. Ninguno es mayor de edad, como se puede observar.

Meses atrás, y precisamente atraídos por el gusto musical de Wolfhard –David Bowie, Nirvana, Joy Division o New Order no son nombres que suelan ser citados por muchos chicos de su edad–, mantuvimos una entrevista telefónica con él, poco común. Nos explicó que conocía esa música por sus padres, que su disco favorito es ‘In Utero’ de Nirvana y que el primer disco que recuerda haber escuchado en su vida fue el debut de Weezer. Nada mal para un chaval de 15 años, ¿verdad?

Youtube retira vídeos de cupcakKe por su contenido sexual y luego rectifica

Por
Raúl Guillén
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La desnudez, y los pezones femeninos especialmente, son frecuentemente problemáticos para los usuarios que apuestan por mostrarlos en redes sociales como Facebook o Instagram, pero Youtube, que permite la opción de control parental y calificar los vídeos solo para adultos, también está endureciendo esa política anti-desnudos en los últimos tiempos. Un ejemplo muy cercano es el de el grupo canario Texxcoco, cuyo clip para ‘Velvet Love’ (que estrenábamos en esta web) fue retirado durante horas por mostrar a Adriana, la cantante del grupo, y otro grupo de mujeres mostrando sus pechos desnudos. Horas después rectificaron y el vídeo volvió a ser subido. Algo muy paradójico, cuando el clip pretendía denunciar precisamente la política anti-pezón femenino (los masculinos sí son tolerados) en redes sociales.

Algo similar ha sufrido la rapera norteamericana CupcakKe en las últimas horas. Youtube ha retirado los clips de ‘Deepthroat’ y ‘Duck Duck Goose’ de su plataforma por considerar que excedía sus normas sobre desnudez y contenido sexual, ignorando, al parecer, que se trataba de vídeos musicales. Tras las protestas de la artista y sus fans, ambos volvían a ser públicos horas después. En el primero, y parafraseando el título de la canción, habla (y hace una demostración con un plátano) sin tapujos de hacer mamadas mostrando sus pechos (aunque con los pezones cubiertos), mientras que en ‘Duck Duck Goose’, del que hablamos semanas atrás, juguetea con varios dildos.

cupcakKe publicaba semanas atrás su tercer disco, ‘Ephorize’, que no dudábamos en etiquetar como Disco Recomendado. No solo por la ingeniosa verborrea sexual de sus versos (no se queda ahí, también es comprometida contra la discriminación LGBTI+), sino también porque está repleto de temazos como ‘Crayons’, ‘Exit’ o ‘Fullest’, el salsero tema que lo cierra. Este, precisamente, ha sido objeto de un vídeo oficial recientemente.

Hinds la lían en una estación de esquí de Estados Unidos

Por
Raúl Guillén
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El próximo 6 de abril el grupo madrileño Hinds publica ‘I Don’t Run’, su segundo disco largo tras el exitoso ‘Leave Me Alone’. Producido por Gordon Raphael (The Strokes) y mezclado por Shawn Everett (War On Drugs, The Killers, Perfume Genius) supone una apuesta ambiciosa en su carrera, que por mucho que moleste a sus haters no para de ascender y ganar adeptos. Tras el single ‘New For You’, presentado con un clip que mostraba una pachanga futbolera entre amigas y amigos, ahora llega el vídeo para su segundo avance, ‘The Club’.

Y, quizá casualmente, o quizá no, parecen empeñadas en emplear estética y entornos deportivos en esta etapa. En este caso, las cuatro músicos son filmadas en una estación de esquí –por el personal descrito en los créditos, se diría que se trata de una ubicada en algún lugar de Estados Unidos– en la que se lo pasan pirata, bailando sobre un lago helado, montando en moto de nieve o liándola en la cafetería de la estación, para estupor del resto de visitantes, que no da crédito. Aseguran que hay un «metraje B» muy cachondo, y estamos deseando verlo.

Hinds acaban de pasar, junto con otro buen montón de artistas españoles, por el festival texano SXSW, pero en su caso su periplo por EEUU no termina ahí. Esta semana actúan como teloneras en las presentaciones del nuevo álbum de Albert Hammond Jr en Houston, Atlanta, Birmigham y Nashville, antes de ofrecer varias fechas europeas y regresar en mayo de nuevo a USA. Al final poder verlas en nuestro país va a ser todo un acontecimiento.

En el planeta Azealia Banks, el vídeo de un tema antiguo sirve para promocionar un álbum nuevo

Por
Raúl Guillén
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Desde hace unas semanas, Azealia Banks está generando expectación hacia su nuevo álbum/mixtape, ‘Fantasea Two: The Second Wave’. Tras anunciar lo que parece una suerte de continuación de la mixtape de 2012 de mismo título, se adelantó un no-single oficial titulado ‘Movin’ On Up’ del que nos fascinó especialmente su rapeo y por eso fue Canción del Día. ‘Anna Wintour’, el primer single oficial, se anunció para el pasado domingo (¿?) pero, sencillamente, no está, no ha venido. ¿Sorprendente? No en el Planeta Azealia.

Como tampoco resulta sorprendente ver que, en su lugar, Banks acaba de lanzar un nuevo vídeo para… ¡una canción de su debut de 2014! ‘Soda’, con su estilo próximo a AlunaGeorge y su sample de ‘Me & U’ de Cassie, era una de las canciones más destacadas de ‘Broke With Expensive Taste’, pero nunca tuvo un vídeo oficial que, por lo que vemos, estaba filmado. Ahora llega el montaje definitivo del clip, dirigido por Jahvel Brown y que, por estilo, recuerda al de otro tema de aquel álbum, ‘Heavy Metal and Reflective’.

Como aquel, está ambientado en una zona desértica, si bien en esta ocasión las motos de trial son sustituidas, de manera bastante random, por un batería, mientras que la artista, muy exuberante y con un antifaz pintado sobre su cara, posa y pasea por las rocas. Todo bien, pero… queremos esa ‘Anna Wintour’.

10 planazos musicales en Semana Santa que no te deberías perder

Por
Sebas E. Alonso
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¿Quién no está pensando ya en Semana Santa? Seas estudiante o trabajes, viajes o te quedes en tu ciudad, es el momento de ir concretando qué hacer en tu lugar de destino o cerca de casa. Las giras de conciertos suelen paralizarse bastante en esta época, debido al enorme número de gente que decide desplazarse, pero por supuesto habrá cosas que hacer. Aquí van 10 y esperamos todas vuestras sugerencias en la sección de comentarios. Actualización: el concierto de La Plata en Madrid ha pasado del 31 de marzo al 21 de abril.

SanSan Festival

Sí, en Semana Santa hay festival de música de 3 días y se celebra en Benicàssim. SanSan Festival reunirá a algunos de los grupos favoritos del público indiemainstream, como Lori Meyers, Iván Ferreiro, Sidonie, Viva Suecia, Varry Brava y La M.O.D.A., con nombres a punto de convertirse en algo parecido, como Rufus T. Firefly o Dinero. Los reyes del humor Ojete Calor estarán por allí, así como alguna banda internacional como The Royal Concept. Entre las curiosidades, Celtas Cortos y Elefantes. También actúan The Zombie Kids, Eme DJ, Sexy Zebras, etcétera. Los abonos cuestan 50 euros. Detalles, aquí.

Daydream Festival

Otro festival, en este caso de 2 días, 30 y 31 de marzo, tiene lugar en el Circuito de Cataluña Montmeló. En este caso reúne a talentos de la música electrónica como Martin Solveig y Lost Frequencies en el caso del viernes; y Martin Garrix y Steve Angello en el caso del sábado. El cartel se completa con gente como W&W, Marco Carola, Juris Voorn, Loco Dice, Dubfire, Sunnery James & Ryan Marciano, Nicky Romero, Kungs, Brian Cross, R3hab, Sam Feldt y Mattn, entre muchos otros que puedes consultar en su web. Hace unos días anunciaban que tenían el 88% de los abonos agotados.

La gira de Bob Dylan

Bob Dylan trabaja en Semana Santa, y en concreto lo hará en España, país en el que es muy querido. Es verdad que su tour español, tras pasar este 22 de marzo por Lisboa, comienza esta misma semana por Salamanca y Madrid. Pero también lo es que le toca el mismísimo Viernes Santo en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona y un día después en el mismo recinto. Dylan apenas reposará Jueves Santo y Domingo de Resurrección para después entregarse a tierras italianas. Para algunas fechas aún queda algún tipo de entrada. Detalles, en su web.

La gira de Harry Styles

¿Quién coincidirá con Bob Dylan en Barcelona el Viernes Santo? Nada menos que el que compite con Zayn por ser el One Direction más exitoso. Harry Styles presentará su celebrado primer disco ‘Harry Styles’, más o menos influido por David Bowie, en el Palau Sant Jordi el 30 de marzo y el Sabado Santo (31 de marzo) en el Wizink Center de Madrid. Aún quedan algunas entradas a la venta, aunque no muchas.

MueveloReina, La Pelopony y Kika Lorace, en «Spring Break»

El equipo de Las Cinco vuelve a tomar Razzmatazz al completo el jueves 29 de marzo, en Barcelona víspera de festivo. Su edición “Spring Break” reunirá el concierto de Mueveloreina con las actuaciones de La Pelopony o Kika Lorace, así como una decena de dj’s incluyendo a Juan Paparazzi, Ferdiyei de Somoslas o Muerta Sánchez. Ojo porque la entrada anticipada cuesta solo 6 euros a través de la web de Razzmatazz.

Joy Orbison y Roosevelt, en Apolo

La Sala Apolo evidentemente no se va a ningún sitio de vacaciones y ofrecerá una variada programación durante estos días, como por ejemplo la final del concurso maquetero Bala Perduda este viernes 23 de marzo. Entre los eventos que os recomendamos, destacamos la noche del sábado 31 de marzo, pues Nitsa Club enfrentará entonces a Joy Orbison con Jon K, mientras en la Sala [2] estará nada menos que Roosevelt, uno de los personajes más queridos del mundo synth-pop de los últimos años. Entradas, aquí.

WAS, Solo Astra, Booka Shade… en Razz

Aparte de la mencionada fiesta de Razzmatazz, habrá otras citas imprescindibles en la sala barcelonesa. El martes 27 de marzo hay un concierto “especial escena psicodélica” en la sala 3 que reunirá a Solo Astra con Opatov y Vetviolet. Mientras el viernes se verá al jovencísimo influencer MC Picachu y Booka Shade, el sábado 31 de marzo los protagonistas de la Sala 1 serán los incombustibles WAS (antes We Are Standard).

beGun en Laut

La barcelonesa Sala Laut contará el sábado 31 de marzo con un «Nazca Showcase» que celebrará al sub-sello de la plataforma ibicenca Suruba. El line-up lo conforman Los Suruba, fundadores de ambos sellos; El Búho, artista que ha realizado un EP para Nazca; y el prestigioso beGun.

Vello, Raro, Novo en A Coruña: Papaya

¿Qué se le ha perdido a Papaya, autora de ‘Corazón abierto‘, el sábado 31 de marzo en A Coruña? Llega el turno de su participación en ‘Vello, raro, novo’, un ciclo organizado por el Museo de Arte Contemporáneo, comisariado por la gente de Sinsalaudio. El ciclo trata de potenciar las actuaciones inéditas en la ciudad y en el pasado ha contado con artistas de la talla de Austra y El Último Vecino.

Festival Octubre Ayora (Valencia)

En 2014 se cambió la ubicación de este festival de octubre a Pascua, pero mantiene su simpático nombre más o menos además de cierto sentido del humor, con el que anunciaban a primeros de año su primera confirmación: que Izal no estarían en el festival. Sí pasarán por el escenario el imprescindible Alberto Montero, el grupo revelación Perapertú, el murciano Rey Lobo y el dúo de electrónica Pandormio. La visita a la Casa de la Cultura de Ayora cuesta 5 euros y habrá talleres para niños a partir de las 12 del mediodía por 3 euros. Detalles, aquí. Foto: Patricia Gázquez.


Café Tacvba traerán su arsenal de hits a Madrid y Barcelona este verano

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Sebas E. Alonso
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Café Tacvba son una de las bandas de rock alternativo más importantes de México, conquistando también a público y artistas de otros países como Vega -que versionó ‘Eres’-, Dorian o Gepe. El grupo anuncia hoy que visitará el 28 de julio la sala Barts de Barcelona y el 29 de julio La Riviera de Madrid. Las entradas ya están a la venta en www.livenation.es y www.ticketmaster.es. Esta visita forma parte de su ‘NIU GÜEIS TUR 2018’.

El grupo formado por Zopilote, Meme, Joselo y Quique, tras más de 25 años de carrera, varios Grammys latinos y un Grammy «normal» (mejor disco de rock alternativo por ‘Cuatro caminos’), puede presumir de contar con un repertorio variado que mezcla rock, folk, electrónica o punk. Así, su disco de 2007 ‘SINO’ incluía la maravillosa ‘Quiero ver’ que conecta el pop melódico de los 60 con el aire optimista de ‘The Passenger’ o ‘Walking On Sunshine’, mientras ‘Cómo te extraño mi amor’ y ‘La ingrata’ coquetean con el ska, mientras la última presenta también un punto a ranchera. El álbum que contenía esta, ‘Re’, de 1994, fue considerado uno de los mejores del rock latino de todos los tiempos por la revista Rolling Stone.

‘El baile y el salón’, también de ese largo, es como meter en una batidora una canción de Donosti Sound con una tropical, mientras la balada ‘Eres’ permanece como su mayor hit, acercándose a los 50 millones de reproducciones en Spotify… y suma 264 millones en Youtube. El último disco de Café Tacvba, bajo los mandos de Gustavo Santaolalla, el ganador de un Oscar por la banda sonora de ‘Brokeback Mountain’, recibía el nombre de ‘Jei Beibi’ y salía en 2017.

Hit de ayer: ‘Hurricane Jane’ (2008), Black Kids antes del «backlash» más cruento

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Jaime Cristóbal
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Mientras el mundo se prepara para el supuesto revival definitivo de los 90 (y yo que pensaba que ya había pasado), algunos de nosotros nos adelantamos para sentir una nostalgia inusitada y seguramente prematura por los años dos mil. Quizás porque algo flota el ambiente con la aparición de bizarros nuevos proyectos como Insecure Men y su exotica-pop melancólico, el burbujeante pop de dormitorio de Pi Ja Ma, o -muy especialmente- Superorganism y su pop ultrasaturado con banda intercontinental, mixta y multiedad, que nos recuerda a aquella refrescante nueva oleada 00’s de grupos de parecido popurrismo y sonidos chispeantes, como Cansei de Ser Sexy o los Black Kids.

En 2008 se publicaron los debuts de artistas con propuestas tan heterodoxas y ultrapop como Lykke Li, Little Boots, Ladyhawke, los Ting Tings o Empire Of The Sun, y también despegaron las carreras de Hot Chip o MGMT, lo que convierte a dicho año en uno de los picos máximos del pop de la década pasada. Durante el mismo acaeció también el auge y caída del grupo de Florida que nos ocupa hoy. Los Black Kids se habían dado a conocer con aquella ya mítica demo que contenía ‘I’m Not Gonna Teach Your Boyfriend How To Dance With You’, una explosión de euforia teenager que canalizaba el espíritu del Robert Smith más luminoso y presentaba a un grupo inusual, multirracial, que reciclaba con frescura y gusto guitarras con chorus, sintes, y un espíritu pop efervescente y electrizado. En 2007 JNSP les daba un merecido 9 (y mira que damos pocos), y al año siguiente juzgaba ecuánimemente su LP de debut.

Un debut que contenía seis temas nuevos más las cuatro canciones de la maqueta regrabadas bajo la producción de Bernard Butler, quien hacía un trabajo solvente aunque a ratos restase mucha de la gracia a las canciones originales (siendo ‘I’m Not Gonna Teach…’ el caso más evidente). Algo que no ocurría sin embargo con otra de las canciones más chulas de aquella maqueta inicial: ‘Hurricane Jane’ ganaba en empaque y acabó de hecho siendo el primer single elegido para lanzar el disco.

Se trata de una eficientísima canción de pop con estribillo algo melancólico pero muy pegadizo, perfecto para domingos de resaca con su letra algo intrascendente sobre fines de semana de soledad narcótica: “es viernes por la noche y no tengo a nadie / me tomé algo y me siento como en un combate de kárate / me ha dejado tirado, casi muerto”. La habitual fórmula de sinte y guitarra con reverbs de muelles y gran melodía de la banda llegaba en ‘Hurricane Jane’ a una de sus cumbres… antes del gran efecto rebote.

Porque si 2007 había sido el momento del hype, 2008 fue el año del “backlash”, y de hecho uno de los más cruentos de la historia del pop del siglo XXI. Ya a finales del 07 se empezaba a mascar la tragedia, cuando la misma blogosfera que los había aupado gracias a su maqueta inicial empezaba de la misma manera a sentenciarlos casi a muerte con una casi incomprensible fiereza. Era quizá el momento de cuestionar por parte de los propios blogs la influencia que estaban teniendo en los gustos populares, pero la forma en la que a los Black Kids les tocó pagar el pato sigue resultando pavorosa. Irónicamente, ocurrió justo en el momento en que los blogs empezarían su lento declive, con la aparición en ese eje 2007/08 de Bandcamp y Soundcloud, propiciada por la llegada de mejores conexiones a Internet que hicieron posible los streamings sin cortes (y la explosión de Youtube, que en 2007 consumió tanta banda ancha como todo internet en el año 2000). Poco después, a finales de 2008, Spotify empezaría también su despegue. Esa nueva tesitura haría que gradualmente ya no dependieras de que el bloguero de turno subiera un mp3 a su página para escuchar una canción.

Pero el hachazo más cruel (e injusto) fue el de Pitchfork y su sarcástica crítica sin palabras del disco, con un 3.3/10 que dejaría a la banda en estado terminal. Una catatonia que les impidió abordar su segundo disco sin inseguridades o presiones durante años, y se podría decir que arruinó su prometedora carrera. Todavía una década después, la maldición parece no haber desaparecido: en 2017 salió por fin esa segunda entrega, el disco ‘Rookie’, un álbum más que digno que fue totalmente ignorado por gran parte de la crítica musical (incluidos Pitchfork y nosotros mismos…).

‘Hurricane Jane’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.

Soleá Morente / Ole Lorelei

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Raúl Guillén
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Hace unos días, Soleá Morente subía una imagen en su perfil de Facebook haciendo cuernos con una mano bajo la cual lucía una muñequera con pinchos que le regaló su padre, el maestro Enrique, y que ella define como “su bandera”: “a favor de la evolución, de la traducción de la tradición, de la libertad, del respeto, del Progreso (sic) y absolutamente en contra del corrosivo anquilosamiento que no nos lleva a nada. Ábranse las puertas de la percepción. Viva la escuela de Enrique Morente, quien nos ha enseñado que no hay que tener miedo si antes te has preparado y si de verdad lo sientes”. Una declaración de intenciones perfecta para presentar lo que es su segundo disco en solitario, ‘Ole Lorelei’.

Ya en ‘Tendrá que haber un camino’ Soleá se mostró como una discípula muy especial de esa escuela intangible formada por su padre y cuyos libros de texto son sus descomunales obras, que van mucho más allá del tan traído y llevado ‘Omega’. La mediana de la familia del cantaor –al contrario que su hermana Estrella, primero, y su hermano Kiki, después, más cercanos a lo ortodoxo– se desmarcaba acercándose a la escena pop rock de su ciudad, Granada, colaborando en la grabación y producción con miembros de Los Planetas, Lagartija Nick (ambas bandas conformaban Los Evangelistas, al frente de los que Soleá cantó, homenajeando a su progenitor), Lori Meyers o Pájaro Jack (“toda Graná”, decía ella), y cantando composiciones de La Bien Querida, Jota o David Rodríguez. Con ello demostraba valentía y personalidad, incluso a pesar del riesgo de ser devorada ocasionalmente por los marcados estilos de todos ellos.

En ese sentido, ‘Ole Lorelei’ es muy distinto, puesto que es Soleá la que indiscutiblemente impone su sello a todo el conjunto de canciones que, aun tratadas de maneras muy atrevidas, suenan mucho más cohesionadas que en su primer disco en solitario. Buena parte de la culpa es que han sido gestadas por el mismo equipo creativo, un triunvirato formado por Morente, Alonso Díaz de Napoleón Solo (que produce, arregla y comanda la dirección musical) y Lorena Álvarez (con su carrera en un aparente stand-by, aquí co-escribe varias letras, hace coros y palmas al alimón con toda la familia Morente). Así, estamos ante un disco que se aleja del “ambiente indie”, por decirlo de alguna manera, y toma de todo tipo de palos del pasado y del presente con total naturalidad para acotar un espacio genuino y propio.

Un espacio artístico en el que el pop convive con el flamenco más reconocible y canónico –las alegrías de Morente ‘Grandes locuras’ y el fandango de Vallejo ‘Por tu querer como un niño’ tapan las bocas que menospreciaban su capacidad para interpretar flamenco clásico– con un pop aflamencado o un flamenco popizado o… algo que en realidad no requiere de etiquetas. Porque martinetes (‘La alondra’, con esas guitarras tan Gualberto de su recta final, evoca a aquellos solemnes inicios de conciertos de su padre, del que toma algunas líneas), tangos (‘Amores’, una adaptación a sus modos de ‘Tienes la cara’ del memorable ‘Sacromonte’) o soleares (‘La misa que yo voy’, un cante por Bernarda de Utrera filtrado con Auto-tune) no solo suenan armónicamente sino que articulan la dinámica del álbum y conectan de manera necesaria los cortes que se enmarcan en un formato de canción pop. Repletos, eso sí, de guiños a bulerías y rumbas que consigue ligar como un todo a ‘Ole Lorelei’.

Y son, para mí de manera evidente, esas canciones compuestas junto a Alonso y Lorena las que brillan y conforman ese espacio único de Soleá, ejemplificado en los temas que ya conocíamos: el que dio origen a esta colaboración, ‘Ya no sólo te veo a ti’ –las semanas han hecho más y más imponente esa colisión entre Las Grecas, Jeanette y el pop actual–, y siguiendo con las igualmente irresistibles ‘Baila conmigo’ –entre otros, Joe Crepúsculo (amigo de Soleá a raíz de sus diversas colaboraciones) sirve esa base bailable– y ‘Olelorelei’, otra maravillosa rumba funk.

La producción de esta última es especialmente crucial en el álbum. Porque su mismo espíritu convergente –caben aires flamencos, pop, funk, jazz y psicodélicos– impregna también ‘Amores’, la preciosa ‘Anoche me preguntabas’ (un eco lúgubre de ‘Ya no sólo…’) y ‘Por qué será’, con esos dramáticos arreglos de cuerda. Todas ellas hacen aflorar, aun resultando totalmente actual y vigente, el recuerdo de la singular producción que Teo Cardalda (Golpes Bajos, Cómplices) realizó para aquel maravilloso primer y único disco del desaparecido Ray Heredia, adalid de aquella amalgama etiquetada como Nuevo Flamenco, a finales de los 80. Un espíritu abierto que recorre todo este disco, muy centrado en lo personal y lo sentimental: sus letras son otro de los grandes hallazgos del disco que, emulando al sonido del álbum, aúnan clásicismo y contemporaneidad. Su, salvo en contados momentos, acentuado intimismo y cierta querencia a la oscuridad no invitan a pensar que esta pueda ser una obra que llegue fácilmente a un público masivo, pero no será porque no lo merezca o pueda. Como inspira su desarmante verso final (“deseo que pase algo, algo gordo de verdad, y me da igual bueno o malo. Puede que esté pasando ya”), ‘Ole Lorelei’ es muy “gordo” y la emancipación artística de Soleá está pasando ya.

El próximo 18 de abril, Soleá Morente y Napoleón Solo presentarán ‘Ole Lorelei’ en el Teatro Lara de Madrid. Las entradas están a la venta en Ticketea.

Calificación: 8,5/10
Temas destacados: ‘Ya no sólo te veo a ti’, ‘Baila conmigo’, ‘Olelorelei’, ‘La alondra’
Te gustará si te gustan: Ray Heredia, La Bien Querida y Joe Crepúsculo
Escúchalo: Spotify

Comunicado sobre la salida de Amaia Romero de ‘El Número 1’ en 2012

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Sebas E. Alonso
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Antes de ganar Operación Triunfo, Amaia Romero participó en ‘El número uno’ de Antena 3 cuando tenía solo 13 años. Por la red han circulado vídeos en los que ya aparece cantando por ejemplo a los Beatles, que al entrar en la Academia defendía como uno de sus grupos favoritos. Noemí Galera ha comentado este fin de semana en S Moda que su salida del programa fue pactada y el mánager de Mónica Naranjo ha declarado que fue esta quien dijo a Tinet Rubira que Amaia no debía estar en un talent show debido a su edad.

Tinet Rubira de la productora Gestmusic ha decidido enviar un comunicado en el que explica lo que pasó: «Amaia pasó el casting de la primera edición de “El Número Uno” con 13 años. Siendo menor de edad, con el consentimiento de sus padres, Gestmusic puso en marcha el riguroso protocolo que vela por la contratación de menores en programas de televisión. Se solicitó permiso a la fiscalía de menores, nos coordinamos con su colegio y se contrató un profesor de apoyo que estaba con ella los dos días a la semana que estaba en Barcelona, los jueves y los viernes. A pesar de este apoyo, las notas de Amaia se resintieron, y al inicio del último trimestre de curso los padres trasladaron su preocupación a la dirección del programa. Para ellos, lo principal eran los estudios de la niña y que no perdiera el curso».

Continúa diciendo el texto: «Los padres de Amaia dejaron claro a la dirección del programa que lo primero eran los estudios y que, si en algún momento era “nominada”, que el jurado no fuera condescendiente con ella por ser menor, que abandonar el programa le supondría un disgusto, pero que era mejor no alargar su permanencia y menos a esas alturas del curso escolar. La dirección del programa trasladó esta preocupación al jurado, que en última instancia tomó con absoluta libertad la decisión que creyó conveniente».

Amaia fue expulsada en la sexta gala del programa tras quedar en la parte baja del ránking de popularidad. Recuerda Bluper que Natalia Jiménez salvó a Alberto, Miguel Bosé salvó a Amaia, David Bustamante salvó a Amaia, Ana Torroja salvó a Alberto, y Mónica Naranjo deshizo el empate salvando a Alberto.

La canción del día: Delaporte elevan sus miras gracias a ‘Un jardín’ y Fama ¡A bailar!

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Raúl Guillén
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Hace unos días presenciábamos un crossover de talent-shows televisivos: Aitana Ocaña y Ana Guerra acudían al plató del nuevo Fama ¡A bailar! (que ahora emite #0) para cantar en directo su hit ‘Lo malo’. Pero su presencia no era solo una manera de promocionar el concurso de bailarines, sino que se ha hecho habitual la presencia de música en vivo mientras los participantes hacen coreografías.

Una de las que se han visto en las últimas semanas fue la de Delaporte, que interpretaron su tema ‘Un jardín’ en el plató, un día después de que el grupo de concursantes y los profesores interpretaran una danza grupal para ella. Esta exposición ha dado visibilidad a una propuesta que, aunque parte de un ámbito independiente (su sello es MadMoonMusic: Nora Norman, Noise Nebula, BambiKina…), ha logrado una repercusión enorme: desde entonces, lleva instalada en el número 1 de la lista de Los 50 más virales de España de Spotify, donde acumula ya más de 300.000 escuchas.

Si alguien no recuerda quiénes son Delaporte, aquí estamos: se trata de un dúo que descubrimos hace unos meses como teloneros de Giorgio Moroder en Madrid, nada menos, y que toma su nombre del apellido real de su cantante y compositora, Sandra Delaporte, y que completa el productor italiano Sergio Salvi. Tras editar el pasado otoño su intersante EP debut, ‘One’, hace solo algunas semanas presentaron lo que supone su inmersión definitiva en lengua castellana, ‘Uno’.

Entre sus 6 atractivas canciones, que se devanean entre la riqueza de Chairlift, la sensualidad de Mueveloreina, el R&B moderno de James Blake o la electrocumbia (versión de la cumbia ‘Cariñito’, que también versionaran tiempo atrás Novedades Carminha), destaca (aunque en dura pugna con el nuevo single, ‘Me encanta‘) la canción que hoy nos ocupa. ‘Un jardín’ es a la vez elegante y salvaje, moderna pero no epatante, magnética y sexy, coronada con ese irresistible estribillo tribal. Un trasfondo perfecto para una letra cuidada y sentida, bonita y no demasiado obvia. Un verdadero acierto que obliga a mirar a Delaporte como posibles abanderados del nuevo pop urbano estatal.

Delaporte presentan ‘Uno’ este jueves, 22 de marzo, en Moby Dick Club de Madrid.

Bad Gyal, definitivamente internacional en el vídeo jamaicano de ‘Candela’

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Sebas E. Alonso
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Bad Gyal estrena hoy el vídeo para el segundo single oficial de su mixtape ‘Worldwide Angel’, correspondiente al tema ‘Candela’. El tema que sucede a ‘Blink’ presenta un vídeo dirigido por Manson y producido por Canada que definitivamente supone la internacionalización de su sonido y de su filosofía.

Si en el vídeo de ‘Fiebre’ veíamos calle y gente bailando entre focos caseros, aquí vemos lo mismo: calle y bailes solo que ahora con más presupuesto y desde Jamaica, donde la cantante también ha rodado un minidocumental además de este vídeo. Orquestando movimientos encontramos a Blacka di Danca, que ha creado coreografías para Rihanna, Major Lazer, Diplo o Drake. “Yo no quiero irme pa’ casa” dice muy claramente esa letra, por si a alguien le quedaba alguna duda.

Y es que la cantante se encuentra de gira por el mundo mientras estos temas y vídeos van saliendo a la luz. Acaba de pasar por SXSW y al término de su tour «internationally» estará el día 13 de abril en la Sala Apolo de Barcelona; mientras que el 5 de mayo será la protagonista de Trvmp Club (Sala Ochoymedio). Las entradas para ambos conciertos de Bad Gyal están a la venta en Ticketea desde 12 euros.

Olvida ‘Lo malo’, ‘Duro’… ‘Scooby Doo Pa Pa’ de DJ Kass es la próxima canción del verano

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Jordi Bardají
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Olvida ‘Lo malo’, ‘Duro’, ‘X’, ‘Échame la culpa’… la canción del verano de 2018 apunta a que será ‘Scooby Doo Pa Pa’ de DJ Kass. El “pum pum pum pum pum” de Luis Rosa (así se llama su autor) se ha convertido en un mini fenómeno viral en América Latina en los últimos tres meses de verano, y ahora que empieza el calor en el otro lado del hemisferio, cabe preguntarse si ‘Scooby Doo Pa Pa’ se instalará en España dentro de poco.

Estrenada en septiembre de 2017, el trayecto viral de ‘Scooby Doo Pa Pa’ empezó el 1 de diciembre de aquel año, cuando la “influencer” venezolana Lele Pons colgó un vídeo de ella junto a su colega Inanna bailando la canción, disfrazadas de Daphne y Vilma de ‘Scooby Doo’, respectivamente. De ahí, ‘Scooby Do Pa Pa’ ha ido conquistando al público, que no ha parado de realizar “retos” de baile con la canción o por supuesto también “memes” a su costa, y el tema llegaba a Spotify finalmente el 16 de marzo, hace 4 días. En las redes sociales, el viral se ha expandido sobre todo a través de Lele Pons, pero la gente está escuchando el tema también a través de un remix no oficial de DJ Cobra que suma casi 34 millones de streamings.

Es fácil adivinar por qué ‘Scooby Doo Pa Pa’ ha creado un viral en algunas zonas de América Latina y por qué podría correr la misma suerte en España y quién sabe si en otros países del mundo: sus ganchos “y la cosa suena ra, y el pum pum pum pum pum, scooby doo pa pa” (más que inspirados en ‘Man’s Not Hot’ del cómico inglés Michael Dapaah en su alias Big Shaq) y “pasa la manguera, si no, te va’ a busca’ un problema” no podrían ser más pegadizos, el tema tiene sirenas y además su ritmo de champeta es contundente y perfecto para perrear.

Vamo' alla qu'es viernes! #scoobydoopapa

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Madonna, haz lo que te dé la gana

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Sebas E. Alonso
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En el último número de la revista Shangay se publica una entrevista con Tracey Thorn en la que habla sobre ‘Record‘, feminismo o cómo el público gay la ha convertido en una diva incluso antes de dedicarse a la música. Y merece la pena recuperar su declaración final: su respuesta a la pregunta por las críticas que recibe Madonna en la actualidad, «por seguir defendiendo a su edad todo aquello por lo que ha postulado desde que empezó». Estas son sus palabras: «Me admira que no haya cambiado y que le importe una mierda lo que puedan decir de ella. Siempre se la ha criticado: por el vídeo de ‘Like a Prayer’, por el libro ‘Sex’, por ‘Erotica’… Creo que le sigue poniendo que la pongan verde (risas). Me parece maravilloso que haya sido siempre tan fiel a sus principios. Porque no creo que una mujer tenga que ser ejemplo para las demás, sino que cada una debe hacer las cosas como las siente. Mi manera de pensar es completamente distinta a la de Madonna, pero me encanta que ella actúe tal y como siente. Madonna, sigue siendo como eres, ¡por favor!».

Tracey Thorn, que no es especialmente seguidora de la cantante, si bien sí llegó a escribir una muy recomendable columna de opinión sobre su caída en los premios Brits, ya no es que esté hablando de sororidad, sino de fidelidad a uno mismo y de respeto hacia las decisiones artísticas ajenas. Ni en los peores momentos críticos de David Bowie (gran parte de los 80, los 90 y los 2000), ni en los peores momentos críticos de Michael Jackson, ni en el momento más errático de la carrera de Prince, ni en los años de vacío y extraño silencio de George Michael, se escribieron tal cantidad de columnas en los medios indicando a ninguno de estos artistas lo que tenía que hacer para «salvar su carrera». Una constante en el caso de Madonna en los últimos lustros, que salpica hasta a sus fans.

Pero lo más extraño del caso es que no hay nada que salvar: Madonna continúa ingresando decenas de millones de dólares por gira, no tiene ni remotamente ningún disco tan mal considerado como ‘Invincible’ (51/100) y ni por asomo las peores reseñas de sus álbumes se acercan a las de, por poner un ejemplo recurrente, Charlie Puth (37/100). Sin embargo, la gota que colma el vaso es que incluso sus fans actúen como si así hubiera sido. Al anuncio de su encuentro con Cardi B, los foros de Popjustice y los nuestros se llenaron de páginas y páginas de decepción. De hecho, recientemente el site de «fans» de Madonna DrownedMadonna, se apropiaba de un artículo de Huffington Post en el que un redactor exigía a Madonna que no intentara hacer «ni el nuevo ‘Despacito’, ni el nuevo ‘Shape of You’, ni el nuevo ‘Havana'». Una serie de lugares comunes convertidos en vulgar corriente de opinión que culminaba así: «la gente joven no lo quiere, el público casual no lo quiere y desde luego sus fans no lo quieren». Y esta tuvo bastante gracia, porque Madonna ya insertó los ritmos tropicales en su disco anterior junto a Diplo antes que Ed Sheeran, lleva 30 años coqueteando con la música latina -de ‘La Isla Bonita‘ a ‘Lo que siente la mujer’-, y, para más inri, tiene una hija medio cubana que nació un año antes que la propia Camila Cabello. ¿En serio, cuándo vamos a dejar de indicarle a esta mujer el camino que tiene que seguir?

El discurso paternalista -o maternalista- para indicar a Madonna lo que tiene que hacer o no ha salpicado las mismísimas páginas de The Guardian, donde Laura Snapes, también crítica de Pitchfork, concluía que «Madonna puede no tener otro ‘Ray of Light’ dentro de ella, pero que bueno, al menos lo intente»; y a las nuestras. Si un artículo me arrepiento de haber firmado sobre Madonna fue aquel en el que sugería una serie de productores ideales para reflotar su carrera tras ‘Hard Candy’. Algunos nombres han desarrollado una carrera interesante, como Caribou, y otros no, como Hurts. Y sin embargo, ese no es el quid de la cuestión. El quid de la cuestión es que Madonna haya decidido siempre seguir su camino, y nunca hacer dos veces el mismo disco. Después, nosotros podemos concluir si ha acertado a lo grande (‘Ray of Light’, «Confessions») o si se ha equivocado (‘Bedtime Stories’, ‘American Life’), pero lo seguro es que da la sensación de haber actuado siempre como siente, incluso cuando ella misma dice que no lo ha hecho. No he conseguido comprender sus declaraciones sobre los «campamentos de escritura» (¿quiso pasar más tiempo con Avicii o con Diplo?), pero no me trago que nadie en Interscope (que ni siquiera es su sello en el sentido tradicional de la palabra) la obligara a perpetrar ‘Give Me All Your Luvin», ‘Gang Bang’ o ‘Bitch I’m Madonna’, y esa es la gracia del asunto. Gracias, Tracey, por arrojar un poco de luz en medio de tan predecible meltdown.

Putochinomaricón, con gripe, convence en 15 minutos como invitado de la gran noche de El Último Vecino

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Sebas E. Alonso
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La del viernes 16 de marzo tenía que ser la gran noche de Putochinomaricón y El Último Vecino al compartir cartel en el Ochoymedio de Madrid, y lo fue aunque no con creces y al 100%, si bien por diferentes motivos. Chenta Tsai había de actuar «con gripe» como él mismo narraba tras la segunda canción, teniendo que recortar 10 minutos su actuación. Hasta que la sala no nos informó de esto, no notamos nada más que el hecho de que su show había sido muy corto. Pero tampoco era una marcianada: Putochinomaricón tiene hasta ahora solo media docena de canciones, y de un par de minutos cada una. Sonaron todas las que tenían que sonar, se avanzó alguna nueva, y todas lo hicieron de manera apoteósica. Fotos: Davit Ruiz.

Solo sobre el escenario, en principio apareciendo vestido como de Jason en Viernes 13, Putochinomaricón alternó el control de su reivindicado laptop con proyecciones, voces pre-grabadas en segundo plano y también voces clarísimamente en vivo, hayas leído lo que hayas leído en las redes sociales durante estos días. ‘Tu Puta Vida Nos Da [Un Poco] Igual’ suena en directo tan tronchante como cabía esperar, y promete la coreografiada ‘El Test De La Bravo Y La Superpop’, que será el siguiente single, sonando a medio camino de los Hidrogenesse de ‘Así se baila el siglo XX’ y los de ‘Eres PC eres mac’.

Pero la cumbre del set fue la interpretación de ‘No tengo wifi’ con voguing y aclamación popular ipso facto, dedicada al Ochoymedio porque ciertamente «su señal de wifi es una mierda»; y para terminar ‘Tú no eres activista’ y ‘Gente de mierda’ con dedicatoria a Jose Mota, Pablo Motos y Donald Trump, momento para el cual aquello ya era un fiestón con Putochinomaricón cantando entre las masas. Letras como «emoticono happy / emoticono sad / emoticono angry / menuda sociedad», con bastante más valor del que aparentan, prometen hacérnoslo pasar mejor que muy bien durante sus performances de los próximos meses. 8.

El Último Vecino parecían no poderse creer haber colgado el cartel de «sold-out» en el OchoyMedio de Madrid, con capacidad para entre 1000 y 1200 personas, cuando sus conciertos suelen tener lugar -eventos y festivales aparte- en lugares de capacidad más reducida. Gerard Alegre parecía estar realmente emocionado, e incluso mostró cierta dificultad para expresar con palabras sus sentimientos al respecto, primero agradeciendo al público haber ido creciendo con él durante los últimos 5 años; y después asegurando algo así como que aquello estaba siendo tan bueno que tenía que ser «malo». Solo para después negar con la cabeza en un agitar continuado de nervios y ademanes.

Alegre lo dio todo sobre el escenario, mostrándose como un líder totalmente entregado e histriónico, muy teatral, muy Morrissey, mientras la base rítmica del cuarteto era también muy Smiths, quizá demasiado. Si las guitarras nos llevaron constantemente a Johnny Marr, la batería era también tan importante que de hecho el baterista aparecía elevado en una plataforma, casi como una especie de co-líder muy visual a lo Yelle, con sus visibles pantalones de chandal Adidas y su camiseta blanca de tirantes rollo Abanderado. No dejé de tararear ‘Still Ill’ en toda la noche.

Sin bises ni tonterías, y solo perjudicadas por un par de acoples y un repertorio algo lineal, El Último Vecino presentaron un buen sonido y encajaron antiguos y nuevos hits, desde la inicial ‘Antes de conocerme’ hasta la reciente ‘Donde estás ahora’ pasando por ejemplo por ‘Mi escriba’, aunque sin dejar claros «highlights». Y no, no faltó la versión de La Zowi, soltada hacia la mitad pero, definitivamente, ‘Mi chulo’ ha polarizado a sus fans. 7.

Anier se apunta otro viral con la combativa ‘Escarlata’

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Sebas E. Alonso
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La joven rapera Anier, que muchos conoceréis por temas recientes como ‘Fuego a tregua’ o ‘Carnaza’, ha sacado un single nuevo y ha tardado cero nanosegundos en volver a situarse entre lo más visto de Youtube España, en cuyo top 10 lleva asentado prácticamente 48 horas, desde su lanzamiento, acercándose ya a las 200.000 visualizaciones.

La canción se llama ‘Escarlata’ y la fórmula se repite: una base de hip-hop clásico, un instrumento tradicional contribuyendo a la creación de una melodía pop y, por encima de ambas, la voz de Anier, siempre crítica con su entorno, perceptible en frases de fuerte contenido social que alternan lo naíf con las verdades como puños: «Estoy gritando pero tú mientras agachas la cabeza y obedeces al sistema», «van llorando pero no mueven ni un puto dedo para resolverlo» o «Cada vez que salgo a la calle me enveneno / Niños tristes llorando, mirando para el suelo / Caras largas de currantes en el metro».

También hay espacio, en relación, con la autoafirmación: «No voy a vivir por vuestra mierda de sueldo / Tengo claro que me saco una choza con esto / Si me sale mal sé que me sobrará un huevo / Para buscarme la vida y vivir por cuatro euros (…) Es que la diferencia entre nosotros es esta; Yo sé lo que quiero y tú no sabes una mierda».

Os recordamos que podéis seguir a Anier a través de su Instagram.

Foster the People colocan ‘Sit Next to Me’ en la radio pop americana: ¿el nuevo ‘Pumped Up Kicks’?

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Jordi Bardají
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Foster the People tienen muy difícil, por no decir imposible, repetir el éxito de ‘Pumped Up Kicks’, su hit de 2011 y uno de sus tantos grandes temas, que sorprendió aquel año haciendo “crossover” de las radios alternativas a las generales en Estados Unidos y de ahí llegando a triunfar en todo el mundo, llevando a Foster the People a vender 4 millones de copias de su primer disco.

Pero Mark Foster y compañía tienen una nueva esperanza. ‘Sit Next to Me’, su último single, contenido en el recomendable ‘Sacred Hearts Club‘, está funcionando bastante bien en streaming y ahora mismo es su canción más escuchada en la plataforma solo por detrás de ‘Pumped Up Kicks’, sumando cerca de 37 millones de reproducciones y medio a tiempo de redacción de esta noticia. El tema dobla los streamings del single ‘Doing it For the Money’ y triplica los de ‘Pay the Man’ y además solo va 8 millones de streamings por detrás de ‘Coming of Age’, el single que presentó el segundo disco de Foster the People… publicado en 2014.

Pero además, y de manera más importante, ‘Sit Next to Me’ está asomando la cabeza en la calle y llegando poco a poco a los oídos del público generalista, ya que acaba de colarse entre las 40 canciones más radiadas en las estaciones pop de Estados Unidos (32). Además, es top 1 en el Bubbling Under de Billboard (la lista que recoge las canciones que más están sonando en Estados Unidos pero que todavía no han llegado a la tabla oficial), por lo que podría estar a punto de entrar en el Billboard Hot 100, confirmando el “crossover”.

En streaming también está sonando bastante ‘Ride or Die’ de The Knocks, que incluye la colaboración estrella de Foster the People. El tema electropop acumula ya 1 millón de streamings y medio en Spotify y es actualmente una de las canciones más virales en todo el mundo en la plataforma. También está recibiendo atención un remix de ‘Sit Next to Me’ por Stereotypes.

Recientemente, Portugal. The Man se han hecho un Foster the People con su hitazo ‘Feel it Still’, que por cierto sigue en el top 30 de Estados Unidos más de un año después de su edición, tras ganar un Grammy, y en Reino Unido no solo no ha perdido fuelle, sino que acaba de conocer una nueva cumbre en el top 3. Su single ‘Live in the Moment’ también podría irrumpir pronto en las radios pop americanas, y habrá que estar atento al desempeño de otros temas alternativos como ‘No Roots’ de Alice Merton y ‘broken’ de lovelytheband.

Steven Tyler recuperará los hitazos de Aerosmith en el bicentenario del Teatro Real de Madrid

Por
Jordi Bardají
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Steven Tyler, líder de Aerosmith, actuará en el Universal Music Festival 2018 el próximo 30 de julio, acompañado de la Loving Mary Band de Nashville. El festival celebra los 200 años del Teatro Real de Madrid. Las entradas se ponen a la venta el 27 de marzo, con preventa abierta a partir de hoy 20 de marzo para abonados y amigos del Real. El ex Aerosmith presentará en el Teatro Real un repertorio que comprenderá sus éxitos más conocidos, la mayoría de ellos en Aerosmith (míticos son ‘Dream On’, ‘I Don’t Want to Miss a Thing’, ‘Crazy’, ‘Crying’, ‘Walk this Way’…), así como su último álbum en solitario, ‘We’re All Somebody From Somewhere’, publicado en 2016.

En su directo, Tyler contará con la colaboración del dúo de country compuesto por Ruby Stewart (hija de Rod Stewart) y Alyssa Bonagura (hija de Kathie Ballie y Michael Bonagura de Baillie & the Boys), que telonearán a la estrella del rock.

Con este show, Steven Tyler se suma a la programación del Universal Music Festival 2018, que ya incluye nombres como Gregory Porter (23 de julio), Pablo López (28 de Julio, entradas agotadas) y Pablo Alborán (31 de Julio, entradas agotadas).

Aerosmith anunciaron su separación en 2016, seguido de una gira de despedida, mucho antes de que se pusieran de moda, muy a pesar de Neil Young.

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