Las mejores canciones del momento: julio 2017

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24 julio, 2017

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John Grant ha colaborado en ‘Music for People in Trouble’, el nuevo disco de la noruega Susanne Sundfør, que se publica el 25 de de agosto. Los fans de Grant no le oirán hasta el final del álbum, pues canta en su canción de cierre, ‘Mountaineers’, que se acaba de estrenar y es el segundo adelanto oficial del disco tras la escalofriante ‘Undercover’.

En relación a la dimensión espiritual que al parecer esconde el disco, por ejemplo en títulos como ‘Mantra’ o ‘Reincarnation’, ‘Mountaineers’ arranca con lo que parece una invocación de Grant a Sundfør, que emerge a través de las sombras para iluminar al autor de ‘Pale Green Ghosts’ con su luz, y que termina apropiándose de la canción para inferirle toda la energía posible, sirviéndose de un órgano. Una colaboración en definitiva de resultado nada convencional, que más que un dueto parece el encuentro entre un hombre y Dios en mitad de una montaña.

‘Music for People in Trouble’ será el sexto disco de Sundfør tras ‘Ten Love Songs’, que a su vez sucedía a sus sonadas colaboraciones con M83 (‘Oblivion’) y Röyksopp (‘Running to the Sea’). John Grant es el único “featuring” del álbum, que a su vez contiene un tema de similar título a una canción de este, ‘No One Believes In Love Anymore’.

10 joyas no tan obvias de Low Festival 2017

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24 julio, 2017

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Analizados ya los nombres imperdibles de Low Festival, que este año se celebra los días 28, 29 y 30 de julio en Benidorm, procedemos a hacer un repaso a su línea pequeña: esos nombres no tan obvios o no tan famosos fuera o dentro de nuestro país, que sin embargo representan parte de la música más prometedora que se está haciendo actualmente, y en los que vale la pena detenerse.

Monserrat

Los alicantinos Monserrat publican nuevo disco, ‘Navega’, el próximo mes de octubre, un disco que se ha producido gracias al “crowdfunding” y que se espera como agua de mayo tras la sorpresa que supuso su álbum debut, un disco de “pop bonito” entre los Beach Boys, los Brincos y La Buena Vida, que nos dejó joyas como ‘Canción de otoño’.

One Path

Junto con C. Tangana, Dellafuente y Bejo, Javier Bilbao, conocido como One Path, es uno de los raperos y productores de hip-hop españoles más prometedores actualmente: lo demostró en su disco de 2016 ‘Siempre parriba’ y este año en un EP homónimo con claras influencias del R&B comercial, como se percibe en ‘No hay quien te pare’.

Las Odio

Las Odio han publicado este año ‘Futuras esposas’, un disco de punk-rock que sale en plena ola feminista, y muy necesario por esto mismo, pero que se incrusta en un contexto social mayor, haciendo por ejemplo crítica de ciertas actitudes “hipster” a través de un inteligente humor irónico que alimenta sus pegadizas canciones.

Golden Dawn Arkestra

Como seres venidos de otros mundos se presentan Golden Dawn Arkestra en el escenario. 19 personas son las que conforman este grupo de Austin cuyo origen se filtra en la calidad fronteriza de sus canciones, notable por ejemplo en ‘Afropocalypse’, que contienen a su vez un punto de free jazz o space music.

FM Belfast

Uno de los grupos islandeses más internacionales, FM Belfast prepara estos días nuevo disco, el que ha de dar continuación a ‘Brighter Days’: el grupo se especializa en pop electrónico con un punto descarado y petardo, en la línea de !!! o CSS.

Gilmer Galibard

El canario Gilmer Galibard es uno de los recientes fichajes de Turbo, el sello de Tiga, al que ha llegado motivado por el impulso de sus producciones de tecno oscuro, como ‘Lost Tapes’ o ‘Stoner’s Paradise’, que conjugan ritmos urgentes con ambientaciones lúgubres y frías. Para dejarse llevar.

Biznaga

Volvemos a incluir a Biznaga en un artículo de joyas no tan obvias de Low Festival porque el grupo de Madrid se ha superado claramente en su segundo disco, ‘Sentido del espectáculo’, en el que vuelve a recoger el testigo de grupos como Parálisis Permanente para canalizar rabia social a través de canciones que se clavan cual bala en el cerebro.

RRUCCULLA

Uno de los nombres más inclasificables surgidos de la escena independiente vasca, RRUCCULLA, el proyecto de la joven Izaskun, de Barakaldo, sorprende y fascina a partes iguales en su fusión de electrónica, free jazz, el hip hop abstracto y psicodelia, elocuentemente materializada en ‘Early Sound Sketches’, de título autoconsciente, pero de contenido más prometedor de lo que da a entender.

Lígula

En un cartel lleno de punk visceral como el producido por VULK o Depilada hay que destacar propuestas más melódicas como la de Lígula, recientes ganadores del concurso de talentos Sona La Dipu junto a Meridian Response, que facturan un pop-rock melancólico y emotivo, materializado memorablemente en su primer disco.

Roosevelt

El recorrido por festivales españoles del alemán Marius Lauber está siendo digno de ver, pero es que su proyecto, Roosevelt, trae un debut memorable, un disco de electropop ochentero para la generación post-‘Drive’ y que cuenta con temas tan certeros como ‘Wait Up’ o ‘Fever’ que parecen rescatados de un baúl de singles perdidos de la época.

El tecno no electrónico existe: conoce a Cabaret Contemporain

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24 julio, 2017

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Una guitarra, una batería, un piano y dos bajos: estos son los instrumentos que componen Cabaret Contemporain, un quinteto de París que se especializa en hacer música electrónica… sin instrumentos electrónicos. Su estilo principal es el “tecno acústico”. Si suena bien, o como mínimo interesante, igual de atractivo es su disco homónimo, publicado en 2016, que contiene temas como ‘Une des deux’ o ‘Map’ por sonido identificables con el trabajo de James Holden o Four Tet, pero que al replicar fórmulas del tecno remiten también a gente tipo Battles.

El pasado mes de mayo el grupo publicó un nuevo single ‘Satellite’, que incluye dos canciones, ‘Chili’ y ‘Sissi’. Ambas se sirven de instrumentos acústicos para crear ritmos y atmósferas propios del house, el deep techno o el ambient, sin embargo ‘Chili’ contiene un pulso más robusto, oscuro y amenazador, mientras ‘Sissi’ anima los BPM para explorar ritmos más ligeros. Explorando en su debut, pocos adivinarían que el in crescendo de ‘Les biches’ no pertenece a una canción tecno y las texturas mecánicas de ‘Une des deux’ podrían recordar al trabajo de Matthew Herbert.

El grupo presentará este single y por supuesto su disco en la Sala Apolo de Barcelona el próximo 17 de diciembre. Las entradas están a la venta a un precio de 12 euros + gastos anticipada, 5 euros + gastos para socios Apolo 113, 10 euros + gastos para socios de TR3SC y 15 euros en taquilla. Os dejamos con el videoclip para la bailable ‘Sissi’, protagonizado por un adorable gato.

Los músicos explotan y se unen contra el fraude de la “rueda” y piden una refundación de la SGAE

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24 julio, 2017

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Vetusta Morla, Izal, Zahara, Miss Cafeina, Tote King, Nacho Vegas, M-Clan, Vega, Adrián Costa, Novedades Carminha o Rayden son varios de los músicos que hablan hoy con El País para denunciar el fraude la de “rueda”, una trama recién descubierta por la Policía Nacional por la cual varios miembros de la SGAE y cadenas de televisión han recaudado conjuntamente millones de euros a través de la emisión, en programas nocturnos o de madrugada, de música basura o con “falsos arreglos” (como composiciones de dominio público modificadas ligeramente), emisión que a su vez ha generado derechos de propiedad intelectual para los “testaferros y empresas editoriales” que las han registrado a su nombre, muchos de ellos directivos y gestores de la SGAE.

La investigación de la trama ha desvelado que en 2015 el 70% de los ingresos de la SGAE por emisión de música en televisión procedió de programas nocturnos que solo ve un 1% de la población: teniendo en cuenta, como recuerda El País, que la música supone el 80% de los ingresos de la SGAE, se intuye que una gran parte de estos ingresos procede de música falsa que no escucha nadie y que ha beneficiado económicamente sobre todo a empresarios que no son músicos ni se dedican a la música. Vega por ejemplo realiza una interesante analogía: “La SGAE es como un banco que ha defraudado a sus clientes pero con el agravante que son sus compañeros”.

Un uso tramposo e inmoral de la música realizado desde una “mafia” de empresarios de la música y la televisión, que estos músicos y muchos otros buscan combatir pidiendo una refundación de la SGAE, pues creen que la entidad que debería ampararles ha colaborado activamente con un sistema corrupto que ha enriquecido a empresarios inmoralmente, mientras parte del gremio musical continúa en una situación precaria. Estos músicos sin embargo no descartan abandonar la sociedad y crear una nueva, pues sin músicos no hay SGAE. Piden además, y de manera importante, la participación del Ministerio de Cultura.

Mayores monstruos acechan a Hawkins en el emocionante nuevo tráiler de ‘Stranger Things’

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24 julio, 2017

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La segunda temporada de ‘Stranger Things’ se estrena en Netflix finalmente el viernes 27 de octubre, solo unos días antes de Halloween. De hecho para cuando llegue Halloween es posible que muchos fans de la serie se hayan inspirado en esta nueva temporada para sus disfraces, teniendo en cuenta además que la historia arranca en esta festividad, con los niños disfrazados de ‘Cazafantasmas’.

Así vestidos vemos a los niños de Hawkins en el tráiler oficial de la segunda temporada de ‘Stranger Things’ estrenado este fin de semana en el Comic Con de San Diego. El tráiler presenta primero a los niños jugando a ‘Dragon’s Lair’, un popular videojuego que se estrenó en 1983, precisamente un año antes del año que está basada esta segunda temporada, y no tarda en revelar que los misterios que cambiaron sus vidas en la primera no solo continúan acechándoles sino que además ahora lo harán en mayor forma.

El tráiler es emocionante, pero se guarda las novedades reales para cuando se estrene la serie: no se revelan en él personajes nuevos (que los habrá, como se ha confirmado) ni tampoco se hace guiño a ninguna subtrama nueva. Como curiosidad, el adelanto incluye una banda sonora que reconocerás al instante, ‘Thriller’ de Michael Jackson, una canción estrenada en 1982 que sin embargo se ha convertido en emblema eterno de la noche de Halloween.

Coldplay / Kaleidoscope EP

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24 julio, 2017

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Coldplay publican este verano un EP que no está tan vinculado a su último disco ‘A Head Full of Dreams‘ como cabría esperar. Con uno de los temas presentados en el día del 40º cumpleaños de Chris Martin (‘Hypnotised’), suena más bien como un compendio retrospectivo de todas las vertientes que hemos conocido de la banda británica. Aquí hay lugar para el amor, para la autoayuda, para la política, para el piano, para la pista de baile, para el hip-hop, para el intimismo y mínimamente para la experimentación.

La mejor canción no por casualidad abre el EP. ‘All I Can Think About Is You‘ es su clásica canción épica, que tras un inicio más tranquilo, topa con un piano 100% Coldplay en lo que supone un emocionante crescendo. Y sin embargo, tampoco es que muestre a la banda de Chris Martin de lo más inspirada. ‘All I Can Think About Is You’ no pasará a la historia del grupo, pues no deja de ser más que una composición que suma la guitarra de ‘Lazarus’ de David Bowie a la base de ‘Teardrop’ de Massive Attack con el mencionado truco pianístico ya visto mil veces en Coldplay y un desarrollo un tanto Pink Floyd.

‘Miracles (Someone Special)’ es la canción de autoayuda. Sus guitarras son funky y sus intenciones son tan buenas que, si en la primera estrofa los ídolos a emular son Mahatma Gandhi, Muhammad Ali y Nelson Mandela, la segunda nos muestra la cuota femenina con Amelia Mary Earhart, Juana de Arco, Rosa Parks y Santa Teresa de Calcuta. Sin embargo, hay algo en ella -y es al margen del featuring de Big Sean- que la hace sonar totalmente inacabada. El carácter desbocado -muy comedido- de guitarra y desarrollo de la siguiente, ‘A L I E N S‘, no está mal, pero como canción benéfica a favor de los refugiados carece de toda imaginación, con un estribillo que reza simplemente «Just an alien» y una letra con frases del tipo «los niños lloran sólo si tú quieres». Y el disco se cierra con ‘Hypnotised’, algo así como la versión kitsch de ‘O’, el precioso tema a piano que cerraba el infravalorado, sencillo pero muy tierno ‘Ghost Stories‘.

Pero si algo termina de quitar el sentido a ‘Kaleidoscope’ no es su popurrí inconexo o las referencias al pasado, sino esa versión en directo de ‘Something Just Like This’, el mayor hit de Coldplay en Spotify gracias a la colaboración con Chainsmokers. Como si Paralophone, sello de Coldplay, hubiera pedido los permisos para incluir la grabación original a Columbia, sello de Chainsmokers, y estos hubieran respondido «ni de coña», los de Chris Martin se han sacado de la manga una versión «Tokyo Remix» que convierte lo que debería ser la canción estrella del EP en la más inaudible. La composición no es que fuera muy buena, pero es que en esta versión es imposible no querer pasarla. ¿Cuántas veces estás dispuesto a escuchar «arigato gozaimasu» en boca de Chris Martin? Yo ninguna más.

‘Kaleidoscope’ parece querer mostrarnos cuán versátiles son estos Coldplay que, en 2017, siguen arrasando las radios con todo lo que tocan como ya quisieran U2, pero por diferentes razones lo que nos muestra es lo cerca que están de perder parte de su identidad y de su credibilidad con este «todo vale».

Calificación: 4,5/10
Lo mejor: ‘All I Can Think About Is You’
Te gustará si te gustan: Travis y Big Sean lo mismo que Brian Eno (que colabora en ‘A L I E N S’
Escúchalo: Spotify

5 razones por las que ‘Fargo’ es (por tercera vez) una de las mejores series del año

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Joric

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23 julio, 2017

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Después de tres años y treinta episodios memorables, ‘Fargo’ ha llegado a su fin… ¿definitivo? Su creador, Noah Hawley, ha confirmado que está hasta arriba de trabajo (tiene pendiente la segunda temporada de ‘Legion’ y dos películas como director) y no piensa ponerse con la cuarta temporada de la serie –si es que se pone- hasta dentro de, como mínimo, tres años. Al ritmo que va la ficción televisiva, ¿le esperarán?

Te damos cinco razones que, junto a las que expusimos para la segunda temporada (que también valen para esta), colocan nuevamente a ‘Fargo’ como una de las mejores series del año (y eso a pesar del controvertido y algo insatisfactorio final).

1. Noah Hawley maneja nuestras expectativas como un mago. Después de ver ‘Fargo’, el noventa por ciento de las ficciones te parecerán previsibles, convencionales y formularias. Hawley hace más regates en un capítulo que Messi en toda una liga. Nunca sabes por dónde te van a venir los tiros. Pero una cosa es segura: sus giros de guión y sus contorsiones estilísticas son siempre sorprendentes e imaginativas, pero nunca caprichosas. O casi: ese final…

2. El malo es antológico. Ya lo eran el asesino a sueldo de la primera temporada y el implacable indio de la segunda. Pero V.M. Varga es insuperable. David Thewlis, que este año hace doblete con el supervillano de ‘Wonder Woman’, compone un personaje lleno de matices, tan repugnante (esa dentadura, esa manera de comer), como atrayente. Su elocuencia (tiene peroratas que hubiera firmado el mismísimo Tarantino), inteligencia, astucia y malicia le convierten en el gran personaje de este año.

3. Los detalles que caracterizan a los personajes. Es uno de los rasgos distintivos de la serie. Desde el protagonista hasta casi el último figurante, todos tienen, en mayor o menor medida, una cualidad, una peculiaridad, un hábito, un signo diferenciador que les singulariza. Pero Hawley no solo utiliza estos detalles como elemento caracterizador, sino que les saca un enorme partido dramático. El mejor ejemplo de esto es lo que le ocurre a la jefa de policía Gloria Burgle (fabulosa Carrie Coon). Su incapacidad para ser detectada por los sensores de movimiento (puertas automáticas, secadores) es una de las metáforas más imaginativas que yo he visto sobre la invisibilidad laboral, la inseguridad personal y el menosprecio por razones de género.

4. Las muertes. En ‘Fargo’ se muere mucho y de muy diversas formas. La irrupción del mal, del caos, en un entorno pacífico y ordenado es el catalizador dramático que hace avanzar la acción de la serie. Y las muertes son su combustible. La inventiva en este sentido es constante. Las hay crueles, estúpidas, inesperadas, fortuitas, extrañas y, una de ellas, la que cierra el primer episodio, digna de un tebeo de Mortadelo y Filemón.

5. Los guiños y conexiones con otras temporadas y con la película original. No hace falta haber visto ningún ‘Fargo’ para disfrutar de cualquier ‘Fargo’. Son historias independientes ambientadas en periodos históricos distintos (la tercera es la más contemporánea). Pero sí es recomendable haberlas visto si quieres añadir una capa más de diversión y significado. La aparición de un personaje (aquí sale uno de la primera formando un dúo memorable con la femme fatale Nikki Swango), una referencia, una rima visual o un simple guiño es el equivalente a encontrarte un trozo de avellana o pistacho en el helado. Y cuando suena el tema principal de la película de los Coen, la experiencia ya es directamente proustiana. 8,7.

El thriller asiático de Joe Crepúsculo

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23 julio, 2017

Aunque algunos hemos imaginado tanto un vídeo veraniego de ‘Pisciburguer’ que casi creemos haberlo visto, Joe Crepúsculo, que recientemente triunfara en el FIB, ha decidido ponerse serio y estrenar un vídeo para ‘Rosas en el mar’, a ojos de Spotify la canción favorita del público de su último disco ‘Disco duro’ tras el single ‘Música para adultos’. La balada escrita por su músico Aaron Rux y traducida al castellano por Bárbara Mingo y Joe cuenta con vídeo dirigido por Emilio R. Germán (Desigual, Springfield, La Banda Municipal del Polo Norte, el propio Crepus en ‘Mi fábrica de baile’) y se define como “un pequeño thriller con tintes asiáticos”.

En el vídeo, aunque aparece Crepus, también vemos a los personajes ejerciendo un karaoke de esta canción en algunas partes, mientras el amor, el deseo y los celos tejen los hilos del destino de los protagonistas, que parecen enfrentarse a un trágico desenlace que no llega a producirse… ¿o quizá sí?

Otra novedad reciente de Joe Crepúsculo ha sido la nueva versión de ‘Toda esta energía’ para ‘Colossal‘, la nueva película de Nacho Vigalondo con Anne Hathaway. La versión original aparecía en el disco ‘Chill Out’, pero se ha vuelto a grabar y a cantar con la producción de Sergio Pérez de Svper. Os dejamos con ella, con el nuevo vídeo y también con las próximas fechas de la gira de Crepus:

14 AGOSTO
Fiestas San Lorenzo, Huesca

24-25 AGOSTO
MUWI Rioja Festival

26 AGOSTO
Vive Nigrán

2 SEPTIEMBRE
Festival Ebrovisión

8 SEPTIEMBRE
Sala Dabadaba, Donosti

30 SEPTIEMBRE
Festival Trueno Rayo, Valencia

Aphex Twin no puede parar de crear y compartir

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23 julio, 2017

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Puede que Aphex Twin no haya publicado disco largo desde ‘Syro‘ en 2014, pero eso no significa que esté precisamente inactivo. Cuando no está vendiendo un maxi misterioso en Field Day, como sucedía el pasado mes de junio, aparece un vinilo suyo en una tienda de Michigan; cuando no colabora con Korg en una pista nueva tan accesible como ‘korg funk 5’ (con voces de su hijo) le da por subir su música a su web, como acaba de suceder.

Discogs es, por supuesto, una buena manera de ir compilando por dónde va el Tajo y ahí podemos comprobar en el apartado «miscelánea», cómo ‘korg funk 5’ forma parte del proyecto ‘Korg Trax+Tunings for falling asleep’, o cómo la experimental y finalmente ambiental ‘choirDrilll’ es una de las canciones nuevas que realmente se han dado a conocer en esta última tanda de su web, que incluye un extra de ‘Syro’, entre muchas otras cosas como las canciones de ‘Orphans’ con Luke Vibert. Discogs nos confirma que el EP de Field Day es conocido simplemente como ‘London 03.06.17’, mientras el de la tienda de Michigan incluye ‘3 Gerald Remix’ y la machacona ’24 TSIM 2′, en verdad conocidas hace tiempo por Soundcloud.

A diferencia de lo que sucedía el año pasado con el ‘Cheetah EP’, estas nuevas canciones post-‘Syro’ no están siendo subidas a Spotify, pero como decimos algunas de ellas se pueden escuchar con comodidad desde su página web, han sido subidas a Youtube (atentos a este inmenso perfil) o aparecen en Soundcloud.

Open.
Come in…https://t.co/xOC2Melx19

— Aphex Twin (@AphexTwin) July 20, 2017

Justin Bieber no puede actuar en China por su «comportamiento inadecuado»

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23 julio, 2017

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Aunque parezca mentira, la gira de presentación del excelente ‘Purpose’ continúa y el disco será presentado en nuevos conciertos en Estados Unidos y Canadá desde finales de julio a principios de septiembre (con teloneros como Migos, Vic Mensa, Kehlani o Martin Garrix), y finalmente visitando Japón, Hong Kong, Indonesia y Filipinas en septiembre y octubre. El país que Bieber no visitará será China y alguien ha preguntado por qué en la web de la Oficina de Cultura del país.

Ha habido respuesta oficial: «No es adecuado que entren al país artistas que hayan tenido comportamientos inadecuados. Bieber es un joven cantante con mucho talento, pero también polémico, y como figura pública ha tenido una serie de comportamientos poco adecuados en su vida social, tanto en el extranjero como dentro de China», se indica. «Con el fin de regular el orden de las actuaciones y purificar el ambiente de éstas» de momento se impedirá que pueda actuar en este lugar. Sin embargo, se deja la puerta abierta a que lo haga en el futuro: «Esperamos que mientras Justin Bieber madura, pueda continuar mejorando sus palabras y acciones, para así convertirse en un cantante realmente admirado por el público», concluyen, asegurando por tanto que Justin no es «realmente admirado por el público».

Al margen de sus problemas en China, Justin Bieber ha tenido problemas con la justicia en Brasil, Canadá, Estados Unidos y muy especialmente Argentina, país excluido de su gira, pues si lo visita, será detenido con toda seguridad tras haber agredido a un fotógrafo. En cambio, el artista sí ha visitado Chile, Brasil, Perú, Ecuador, Colombia, República Dominicana, Puerto Rico, Panamá o Costa Rica durante marzo y abril de este año.

Giorgio Moroder la lía pinchando ‘Despacito’, EDM y autotroleándose un poco

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23 julio, 2017

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Giorgio Moroder era anoche la gran estrella invitada de las Noches del Botánico en Madrid, precedido de la actuación del dúo Delaporte, que se mostró encantado de telonear al gran icono de la música disco. Formado por la española Sandra Delaporte y el italiano Sergio Salvi, el dúo desplegó un repertorio compuesto por ritmos R&B, dubstep y otras cuasi modernidades electrónicas que en ocasiones es un shock escuchar en castellano. En muchos sentidos parecen una versión actualizada e hispanoitaliana de los primeros Hooverphonic o Kemopetrol. Les acompañó sobre el escenario una piña que forma parte de su iconografía. Su único single en Spotify, ‘Juice’, está en inglés, y su primer EP sale el 22 de septiembre. El 21 de octubre vuelven a tocar en la Sala Arena como parte del ciclo Mad Town.

Pero la estrella de la noche era Giorgio Moroder y el productor la lio prácticamente nada más salir. La cosa ya prometía cuando fue él mismo quien salió junto a su esposa para conectar las proyecciones de su MacBook con la pantalla tras de sí. Al parecer, nadie podía encargarse de tan poco glamouroso cometido de una manera más discreta, o quiso hacerlo él por ahorrarse unos euros. Pinchó «pantalla completa», le dio al «play», desapareció con su mujer y volvió a salir ya él solo para pinchar la primera canción, ‘Love To Love You’, uno de los clásicos que co-escribió junto a Donna Summer y Pete Bellotte. Las proyecciones se componían básicamente de su figura vestida de italo disco y lyric videos para poder corear las canciones. ¡Bien! Sin embargo, la segunda canción que aguardaba era nada menos que una remezcla de la controvertida ‘Despacito’.

El productor ya había avanzado durante una entrevista con JENESAISPOP el día anterior que iba a pinchar el hit de Luis Fonsi y Daddy Yankee, aunque atribuyéndoselo sólo a Justin Bieber. Hubo abucheos, nada realmente escandaloso, pero sí lo suficiente para que Moroder llegase a hacer una pose desafiante o de extrañeza -no sabría decir- con las manos. Tampoco fueron muy bien recibidas las múltiples canciones de Calvin Harris seleccionadas para su sesión: ‘This Is What You Came For’ con Rihanna o ‘How Deep Is Your Love’ con Disciples. Hubo quien optó por sentarse a modo de protesta y quien gritó abiertamente «¡No quiero esto!». De manera paralela a esta performance a mi lado, también hubo quien bailó, pero el ambiente verbenero ya era inevitable. No creo que Moroder pinchara ni una sola mala canción anoche, pero es cierto que quien hubiera acudido esperando una sesión de refinada disco music, solo conocería el agrio camino de la decepción.

Aunque hubo muchos momentos de celebración. Fueron, claro, cuando sonaron sus producciones. ‘Hot Stuff’, ‘Flashdance… What a Feeling’, ‘Scarface (Push It To The Limit)’, ‘The NeverEnding Story’, ‘On the Radio’, ‘Take My Breath Away’… su colección de hitazos es de órdago y especialmente cuando Donna Summer aparecía en las pantallas o se recuperaban imágenes de las bandas sonoras de sus películas, el público se venía muy arriba. A juzgar por la buena reacción cuando seleccionaba alguna producción ajena de los años 70, como fue el caso de la seminal ‘Le Freak’ de Chic, mi sensación es que Giorgio Moroder habría dejado un sabor de boca mucho mejor si hubiera pinchado una selección únicamente de música disco.

Sin embargo, hay que recordar que Moroder manejó siempre cifras millonarias. Lo suyo iba de colocar temas en el top 10 del Billboard Hot 100, vender millones de 12″, producir millones de ingresos en dólares y ganar Oscars así en plural (en serio). Aunque sus producciones fueran vanguardistas e inusualmente avanzadas, no fue una prioridad para él rebuscar en el underground y quizá es más normal que de pinchar algo del siglo XXI eso sea Calvin Harris -un productor muy infravalorado por la crítica, por otra parte- y no un productor nuevo que solo conozca Annie Mac (además, el hip-hop le gusta lo justo). Es curioso que un día tituláramos, medio en broma, que Giorgio Moroder fue el David Guetta de su generación. Enfadamos a unos cuantos lectores, pero ni nosotros vaticinamos cuán en serio íbamos: Moroder pinchó anoche ‘Dangerous’.

Con tiros propios como ’74 is the New 24′ o una ‘I Feel Love’ acortada, como tantas otras, en lo que casi parecía otro ejercicio de autotroleo (¡pero si lo que molaba era que era eterna!), la noche fue llegando a su fin, dejando dos anécdotas más para la historia: la presentación de su colaboración con Daft Punk (contó en perfecto castellano que le llamaron «desde Marte»), «My name is Giovanni Giorgio, but everybody calls me Giorgio», y la final ‘Call Me’, que decidió repetir a modo de bis, con el consentimiento de su mujer, que volvió a salir a escena. Uno más -el hit con Blondie- de los momentos en que Moroder decidió usar el micrófono para entonar temas con su propia voz. Una noche con sus más y sus menos, pero muy divertida, desarrollada en un «marco incomparable» (el Jardín Botánico de la Complu), y en la que si algo no moló, no pasa nada. Él mismo, a sus 77 años, reconoce por ejemplo que su último álbum no estaba a la altura. Ya quisieran muchos su capacidad autocrítica y su legado, que bien le sirve para hacer lo que le dé la real gana. 6.

Muere el actor John Heard de ‘Solo en casa’ y ‘Big’

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23 julio, 2017

Este sábado se ha conocido la noticia de la muerte del actor John Heard, a los 72 años. Así lo confirmaba un oficial de policía del condado de Santa Clara al popular medio Hollywood Reporter, donde se asegura que la causa de su fallecimiento aún está siendo investigada. TMZ indica que fue encontrado en un hotel donde se recuperaba de una operación de espalda, por el personal del mismo.

John Heard es conocido por haber participado en algunas de las películas más televisadas de la historia, como es el caso de ‘Solo en casa’, donde interpretaba al padre de Macaulay Culkin, o ‘Big’. Pero también había aparecido en ‘El informe pelícano’, ‘Corrupción en Miami’ o ‘Modern Family’. Una aparición en ‘Los Soprano’ como detective Vin Makazian le sirvió una nominación en los Emmy de 1999 a la mejor estrella invitada. Hace poco había aparecido en ‘Outsiders’ y la nueva versión de ‘MacGyver’.

Tras curtirse en el mundo del teatro, Heard fue apareciendo en varias películas a finales de los años 70 y principios de los 80. Fue el caso de ‘Cutter’s Way’ o de ‘Cat People’. Fue uno de los secundarios más recurrentes de cine y televisión como muestra su larguísima filmografía.

John Heard se casó con la actriz Margot Kidder en 1979 pero se separaron a los 6 días. Después se casó con Sharon Heard y Lana Pritchard.

Sorpasso: ‘Something Just Like This’ ya es la canción más reproducida de la historia de Coldplay en Spotify

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22 julio, 2017

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El próximo lunes o el próximo martes, ‘Something Just Like This’, el cuestionable tema de Coldplay para el cuestionable disco de debut de The Chainsmokers, superará los 500 millones de reproducciones en Spotify, pero ya es desde hace un par de semanas la canción más reproducida de toda la historia de Coldplay en esta red de streaming. Supera a ‘A Sky Full of Stars’, en segundo lugar en el global de su carrera.

La canción más reproducida del debut de Coldplay en Spotify es ‘Yellow’ con 239 millones de streamings. La del segundo es ‘The Scientist’ con 333 millones. La del tercero, ‘Fix You’ con 284 millones. La del cuarto, ‘Viva la Vida’ con 290 millones. La del quinto, ‘Paradise’ con 256 millones. La del sexto, la mencionada ‘A Sky Full of Stars’ con 426 millones y la del último, ‘Adventure of a Lifetime’, con 389 millones, seguida muy de cerca por su dúo con Beyoncé. Por supuesto, esto no significa que The Chainsmokers hayan dado a Coldplay el mayor éxito de su carrera: antes existían otros sistemas de medición y ciertas canciones han hecho vender a la banda de Chris Martin decenas de millones de copias. Sin embargo, es innegable que les han acercado a nuevas generaciones y que les han dado un pedazo de hit en radios. Exactamente ‘Something Just Like This’ es la primera canción de Coldplay que alcanza el número 1 en las radios pop de Estados Unidos. Su mejor dato era el número 12 de ‘Viva la Vida’.

No es, en cambio, ni parece que vaya a ser el mayor hit de The Chainsmokers. ’Something Just Like This’ sí ha superado a ‘Paris’ y podría alcanzar los 556 millones de streamings de ‘Roses’, pero los 876 millones de ‘Don’t Let Me Down’ y sobre todo los 1.064 millones de streamings de ‘Closer’ parecen inalcanzables.

Cabe destacar que ’Something Just Like This’ es uno de los múltiples hits actuales que no tiene vídeo, lo que afecta a sus datos de Youtube. En Youtube, esta es “sólo” la 4ª canción más reproducida de Coldplay con 550 millones de reproducciones, por detrás de otros temas que sí tienen vídeo, como su colaboración con Beyoncé (770 millones), ‘Paradise’ y ‘Adventure of a Lifetime’.

Lana del Rey / Lust for Life

Por

Pablo Tocino

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22 julio, 2017

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Atar bien un álbum puede parecer una tontería, pero no lo es. Una de las primeras impresiones que surgen tras escuchar el nuevo de Lana del Rey de principio a fin es que supone el mejor atado de su discografía -el mismísimo ‘Born to Die’ terminaba con ‘This Is What Makes Us Girls’ que, sí, era resultona, pero desde luego no estaba al nivel del tema que lo abría. Aquí, en cambio, el lead-single ‘Love’ y ‘Get Free’ son dos de los puntos más destacables del disco para quien esto escribe (y la segunda refleja el concepto de ‘Lust for Life’ más que el corte titular). Pero no son en absoluto los únicos momentos recomendables de un trabajo que tiene intención de gustarles a quienes añoran sus comienzos, a quienes han seguido con gusto su camino y a quienes tenían ganas de verla en otros terrenos. No en vano, se ha rodeado de un equipo en el que se mezcla gente con la que ya ha colaborado (Emile Haynie y Justin Parker, a quienes no veíamos desde la época ‘Born to Die‘, y Rick Nowels, en la producción de todo su material anterior) con nombres totalmente nuevos en su discografía (Max Martin, Benny Blanco, Metro Boomin, Boi-1da), además de los anunciados featurings de Stevie Nicks, The Weeknd, Sean Ono Lennon, A$AP Rocky y Playboi Carti.

A la arriesgada decisión de despachar los dos primeros singles (‘Love’ y la sugerente ‘Lust for Life’ junto a The Weeknd) nada más empezar no le sigue en la secuencia un bajón; más bien nos llevamos una agradable sorpresa con ’13 Beaches’, de la que no esperábamos mucho y resulta ser una de las mejores demostraciones vocales de su carrera. La fama y el amor turbulento, temáticas presentes en todos sus álbumes, son los protagonistas de una canción en la que la cantante se “muere por tener algo real” y, en general, de la primera parte del disco. A través de temas como ‘Cherry’ -ese juego en “and all of my peaches (are ruined (bitch) )”…-, ‘White Mustang’, ‘In My Feelings’ y las ya conocidas colaboraciones con los raperos Playboi Carti (‘Summer Bummer’) y A$AP Rocky (la anterior y ‘Groupie Love’), entendemos a quienes vaticinaban un “regreso a los orígenes” en este nuevo trabajo de la neoyorquina. No, no son los mismos sonidos de ‘Born to Die’, y además en su debut nos hubiese sorprendido muchísimo la Lana empoderada que llama “perdedor” a G-Eazy (¿o no?) en ‘In My Feelings’ y le espeta “who’s tougher tan this bitch? / who’s free-er than me? / you wanna make the switch? / be my guest, baby”. Pero sí que hay cierta similitud en esta primera parte… hasta llegar a la canción que compuso tras su paso por Coachella.

Con ella se inicia una serie de temas donde la autora de ‘Ultraviolence‘ baja los beats y sube las implicaciones políticas, en ocasiones con mayor fortuna (‘When The World Was At War We Kept Dancing’), otras quedándose a medio gas (‘God Bless America – And All The Beautiful Women In It’). Este territorio hasta ahora inexplorado por ella es una de las novedades que presenta este ‘Lust For Life’, junto a las numerosas colaboraciones: de poder presumir de cero featurings en su discografía pasa a ofrecer ¡cinco! en este disco. Había quienes temían un desastre, pero lo cierto es que tanto el de Stevie Nicks (‘Beautiful People Beautiful Problems’) como el momento folkie junto a Sean Ono Lennon (‘Tomorrow Never Came’) son grandes aciertos. Podemos sentir la magia de la vocalista de Fleetwood Mac cuando empieza su parte, y la atmósfera del corte con el hijo de John y Yoko es también un territorio en el que no la habíamos visto. Parece como si, tras el regalo a los nostálgicos de ‘Born To Die’ que supone la primera parte, la cantante haya querido realizar un viaje introspectivo en la segunda, y a la vez retarse a hacer cosas que antes había evitado.

Ese viaje introspectivo es especialmente llamativo en las tres últimas canciones, que podrían dar forma a un nuevo ‘Tropico’: a través de ‘Heroin’ (conectando temáticamente con ‘Swan Song’), ‘Change’ (la única 100% acústica) y ‘Get Free’, pasa de querer huir y hacer como que sus problemas no existen -cuando no directamente buscar más problemas- a considerar la posibilidad de dar un golpe de timón, y finalmente verse capaz de hacerlo, aunque no esté aún en ese punto. La referencia a ‘Ride’ en el estribillo de esta última es una respuesta a lo que Lana planteaba en aquel primer single de ‘Paradise’, y la ¿inspiración/copia? de ‘Creep’ -suponemos que en algún momento se pronunciará sobre esto- puede entenderse como homenaje en tanto que la letra del hit de Radiohead no podría estar más alejada del optimismo con el que se cierra el disco. Sea como sea, ese “out of the black / into the blue” te transmite ya desde la primera escucha (y las demás solo lo confirman) que se va a hacer un hueco entre el top de frases que forman parte de su identidad como icono de la cultura pop, como el “I heard that you liked the bad girls honey, is that true?”, el “I am fucking crazy, but I am free” o el “love you more than those bitches before”. Al tiempo.

¿Es una repetición de ‘Born to Die’? No. ¿Los feats acaban comiéndose su personalidad? No (bueno, Stevie Nicks se come a cualquiera, pero eso es excusable). ¿Está libre de altibajos? Pues tampoco lo está. Pero es quizás su trabajo más interesante en cuanto a lo que reúne y las posibilidades que se abren. En su entrevista con Pitchfork de hace unos días, ella hablaba -entre otras muchísimas cosas- de su intención de eliminar de los visuales del tour algo tan identitario en ella como la bandera estadounidense, debido a la presidencia de Trump. Otro cambio más, como el de aparecer en la portada sonriendo por primera vez. Podríamos pensar que no tiene sentido que, tras años de paraísos oscuros, amores ultraviolentos y días muy negros, justo le dé por sonreír en los EEUU de Trump. Pero sí que lo tiene: conecta con su renovada concepción de su música como influencia política, y el interés en transmitir que rendirse ante el contexto, agachar la cabeza y “dejar de bailar cuando hay guerra” no es una opción, que ahora es cuando hay que sacar la alegría y fuerza para luchar.

Más allá de lo político, esto de la alegría no significa que ‘Lust for Life’ sea Lana hablando de lo feliz que es en la casa de la gominola… pero sí tiene, como anuncia desde su título, un concepto vitalista. Un interés en agarrarse a la vida, experimentar activamente todo lo que ésta tiene que ofrecer, y no dejar que las cosas pasen a su alrededor mientras ella está (in)cómodamente adormecida. Como dice en ‘Get Free’, “I had to decide to play someone’s game or live my own life”. Y parece que ha tomado una decisión.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Lust for Life’, ‘Get Free’, ‘Love’, ‘Beautiful People Beautiful Problems’, ‘Tomorrow Never Came’, ’13 Beaches’
Te gustará si te gusta: tanto la Lana de ‘Born To Die’, como la más contemplativa, como la que prueba nuevos caminos. Y si te gusta pensar que no es contradictorio levantar una pancarta en una manifestación mientras las pulseras de festivales cuelgan de tu muñeca.
Escúchalo: Spotify

Gran parodia de una crítica de Arcade Fire en Stereogum… ¿hecha por Arcade Fire?

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22 julio, 2017

Como todos los aficionados a la música saben, Arcade Fire sacan su disco ‘Everything Now’ el próximo viernes 28 de julio. Como todos los aficionados al periodismo musical saben, el popular blog estadounidense Stereogum no tiene una sección de críticas musicales propiamente dicha, pero sí una sección llamada «Premature Evaluation» en la que opinan sólo de discos muy relevantes justo cuando salen o un poco antes.

Misteriosamente, ha aparecido online una web llamada Stereoyum, de diseño clavado a Stereogum, con una sección llamada «Premature Premature Evaluation» en la que se especula cómo será la «Premature Evaluation» del inminente disco de Arcade Fire en Stereogum. El fondo de todo esto es un artículo publicado por Stereogum hace un par de meses en el que decían que le veían mala pinta al nuevo disco de Arcade Fire en base al single ‘Everything Now’. El artículo se llamaba «¿os acordáis de cuando Arcade Fire eran buenos?». Teniendo en cuenta la acidez y el juego de realidad y ficción que se gastan últimamente los autores de ‘Reflektor’, esta web en plan réplica solo puede ser obra de ellos.

El artículo bromea, no siempre con un humor demasiado fino, la verdad, sobre el contenido de la futura crítica de Stereogum, que hablará según ellos de la campaña de márketing del disco, dedicará bastante espacio a la contribución de Daft Punk y hablará de la conexión francófona entre ambas bandas. “Podríamos comparar las cabezas de papel maché de Arcade Fire con los cascos de Daft Punk, argumentando que Arcade Fire son como unos Daft Punk más bobos, menos cool, extremadamente serios y menos bailables, y señalando que la única conexión entre los grupos es un aura francés -un aura vago y difícil de localizar de lo francés, en el caso de Arcade Fire”, dice uno de los textos.

Al final concluyen que a pesar de que el largo no es tan bueno como ‘Funeral’ o ‘The Suburbs’, estará en la lista de lo mejor del año, «entre los puestos 8 y 14, unos puestos por debajo de lo de último de Father John Misty». Destaca también la copia de Stereogum de los discos en «Heavy Rotation» y sobre todo la lista de noticias falsas relacionadas, con «Arcade Fire arruinados por un vídeo sin fin» a la cabeza, en algo parecido a The Hollywood Reporter. Stereogum todavía no ha publicado una respuesta.

Rihanna logra su 9º número 1 en Reino Unido con un poco de trampa

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22 julio, 2017

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‘Despacito’ ya no es el número 1 de las islas británicas después de nueve semanas de liderato. Ahora lo es ‘Wild Thoughts’, la canción en la que DJ Khaled se ha hecho acompañar de Rihanna y Bryson Tiller. Nada de trampa en cuanto a los featurings, pues la mayoría del top 10 contiene alguno, pero sí en cuanto a la metodología.

‘Despacito’ sigue siendo el número 1 en descargas digitales en Reino Unido (25.751) y la canción que más veces ha sido reproducida en streaming esta semana (6.247.293). Sin embargo, la Official Charts Company ha cambiado recientemente las normas para impedir que las listas oficiales, tomadas por el streaming, sean el coñazo que han sido durante el último año: ‘One Dance’ de Drake fue número 1 durante 4 meses y, tras la edición de “Divide” de Ed Sheeran y ‘More Life’ de Drake, ambos ocuparon la mitad de todo el top 75. Así, ahora cada artista solo puede tener 3 temas en lista, pero además se ha cambiado el baremo de streamings y descargas. Ahora cada streaming cuenta menos, e incluso se ha añadido alguna norma más extraña como la que acaba de beneficiar a ‘Wild Thoughts’ en perjuicio de ‘Despacito’. Así, al llevar ‘Despacito’ más de 9 semanas en lista y haber visto descender sus ventas durante 3 semanas, su puntuación se ha visto reducida. De esta manera, se trata de precipitar su caída poco a poco, aunque siga siendo la canción favorita de la audiencia. Se considera por tanto que el tema de DJ Khaled suma 51.000 puntos y el de Luis Fonsi 47.000 cuando este tiene más streamings y más descargas. El debate está abierto: ¿esto es una trampa como una catedral o una norma necesaria para que las listas den paso a nuevos artistas y canciones, como se pretendía? ¿Ambas son correctas?

En cualquier caso, lo seguro es que la canción de Rihanna y DJ Khaled ha gustado y su trayectoria ha sido ascendente. Es el 9º número 1 en Reino Unido para Rihanna, que no lograba ninguno desde ‘The Monster’ junto a Eminem en 2013 (‘Work’ fue doble platino y la 9ª canción más exitosa de todo 2016 en Reino Unido, pero se quedó en el puesto 2); el segundo para DJ Khaled, que lograba el primero con ‘I’m the One‘ hace 3 meses junto a Justin Bieber, entre otros, también extraído de su disco ‘Grateful’; y el primero para Bryson Tiller.

Otra rareza de las listas británicas de la semana es que el EP de Coldplay no ha podido entrar en la lista de álbumes al tener 5 canciones y durar menos de 25 minutos. Habría sido número 4 en la lista de álbumes, pues ha vendido casi 8.000 copias en sus primeros 7 días.

Hit de ayer: Prisencolinensinainciusol

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Jaime Cristóbal

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22 julio, 2017

Si la memoria no me falla, la primera vez que supe de esta canción fue a través de ese “directorio de cosas maravillosas”, el blog geek y cultural Boing Boing. En 2009 hablaban de un bizarro tema italiano cantado en “inglés inventado”, con vídeo incluido. Un simple vistazo aclaraba que se trataba de alguien familiar, Adriano Celentano (muy célebre en Europa pero un desconocido en los EEUU), y una inspección más detallada revelaba además que entre los participantes de esa furibunda coreografía aparecía una joven Raffaella Carrá. La canción era una fenomenal apisonadora para bailar que sonaba extrañamente adelantada a su tiempo.

Originaria de 1972, ‘Prisencolinensinainciusol’ ha vuelto a la actualidad muy recientemente gracias a su inclusión en la nueva temporada de ‘Fargo’, pero es sólo una más de sus múltiples resurrecciones a lo largo de las décadas, sobre todo en Italia, donde Mina, el cantante Bugo o el propio Celentano grabaron nuevas versiones, y djs como Mario Farggetta o los hermanos Visnadi la remezclaron en 1992 y 95. El carácter único de ‘Prisencolin…’ es lo que ha provocado este constante interés: la parte “novelty” la aporta sin duda la letra, ese galimatías angloide que Celentano despliega con su habitual y encantadora “cara dura”, en una interpretación extrañamente precursora del rap. Pero el otro gran gancho está en ese beat hipnótico, entre funk y marcial, con un sonido de batería ”fatback” absolutamente maravilloso y portentosa reverb. De alguna forma -también- precursor del clásico ritmo de la música disco media década antes de su aparición.

En Italia el single fue un gran éxito, pero la escena internacional se perdió este potencial hit. Sin embargo sí llegó a ciertos clubes de Reino Unido a mediados de los 70, donde hasta se hizo popular en algunas sesiones de Northern Soul. Pero realmente fue en 2008, con la remezcla de Greg Wilson -que sacaba chispas a tan seductor beat- cuando la canción empezó a conocerse de verdad fuera de su país y a triunfar en los clubs. El “big bang” de los vídeos musicales en Youtube (hacia 2007-08) acabó de sellar su viralidad, con la feliz aparición de esa euro-locura maravillosa que es el clip.

No hay demasiada información sobre la gestación de la canción: preguntado sobre la misma, Celentano suele limitarse a decir que cantó de la manera que le suena el inglés a alguien que no lo habla y que el mensaje que encierra es “una protesta por la incomunicación en el mundo actual”. Sin embargo, escuchando el single completo se descubre algo interesante: la canción ‘Disc jockey’, que ocupa la cara B, tiene en realidad el mismo ritmo, con algunas variaciones puntuales. Y al llegar el final de esa canción, justo cuando se queda el beat en repetición con la seccion de viento (minuto 4:20), a Celentano le da por hacer un final ad lib cantando casi exactamente igual que en ‘Prisen…’. Mi teoría es que ‘Disc jockey’ iba a ser la cara A (es una canción con estrofas, estribillos, arreglos elaborados) pero que cuando Celentano hizo esa improvisación la cosa cambió. Seguramente alguien en el estudio le vio potencial, hicieron un loop con cintas con el fragmento que interesaba, y el cantante se curró una “letra” más larga, incluyendo ese nuevo estribillo. Grabaron todo, y el resultado fue tan espectacular que pasó inmediatamente a la cara A. Que el origen accidental de este bombazo se titulara precisamente ‘Disc jockey’ no hace sino añadir un extra de poética serendipia.

‘Prisencolinensinainciusol’ sonó en el episodio #279 de Popcasting podcast presentado por Jaime Cristóbal, y disponible en este enlace.

Conoces al director del nuevo vídeo de Cut Copy por El Último Vecino

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22 julio, 2017

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Cut Copy, la banda australiana aún especialmente recordada por la electrónica viajera contenida en discos como ‘In Ghost Colours’ y ‘Zonoscope’, ha abierto una nueva etapa musical en su carrera con un single llamado ‘Airborne’ dominado por unas guitarras disco-funkys.

Sin que esta sea su canción más acelerada, no se esquiva la ambientación electrónica de synth-pop ni del todo las pistas de baile. El medio tiempo tiene desde este fin de semana un nuevo vídeo dirigido por Gerson Aguerri que ha sido rodado en Barcelona y en el que el líder del grupo Dan Whitford se sumerge en la noche para tratar de conseguir algo de comer… cuando se le cruza un extraño personaje. Las cosas se complican en el supermercado, culminando todo en una carretera perdida. Bueno, en realidad no.

Dan Whitford asegura que ‘Airborne’ es una de las canciones “más interesantes y desafiantes” en las que se ha visto envuelto y detalla que el vídeo fue grabado durante la noche de tres días. La escena del camión se filmó después de que pasara 24 horas sin dormir. Como podéis comprobar, los créditos del vídeo en Youtube están llenos de apellidos españoles. Gerson Aguerri ha trabajado anteriormente con Breakbot o El Último Vecino, para quien hizo el vídeo de ‘Tu casa nueva’.

De momento no tenemos fecha para la continuación de ‘Free Your Mind’, que salió hace ya 4 años.

EL ULTIMO VECINO 'Tu Casa Nueva' from Gerson Aguerri on Vimeo.

Culoe de Song visita Barcelona tras adentrarse en el lado oscuro en ‘Aftermath’

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22 julio, 2017

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Esta noche, entre nombres como DJ Yoda, Alicia Carrera, el percusionista y DJ KA-YU y los poperos Capote & Algar, podrás ver en la Sala Razzmatazz de Barcelona a Culoe de Song, uno de los productores y DJ’s más conocidos de la música sudafricana. Nacido hace casi 27 años en Eshowe bajo el nombre de Culolethu Zulu, el artista se daba a conocer con obras como ‘A Giant Leap’ y ‘Elevation’, publicando como álbumes oficiales ‘Exodus’ en 2013 y ‘Washa’ en 2016. A través de canciones de estos discos y de EP’s como ‘Y.O.U.D.’ ha ido afianzando su sonido en torno al deep house con toques de otros estilos, como las cuerdas sintéticas y el piano de la propia ‘Y.O.U.D.’, cercana en momentos puntuales a Jarre o a la Yellow Magic Orchestra; y en otros más al house tribal, como era el caso de las explosivas ‘Woman Woman’ y ‘Make You Move’ de ‘Elevation’, con Ternielle Nelson y Chapell respectivamente. ¿No es ‘Woman Woman’ una pista perfectamente apta para seguidores de Massive Attack, Craig Armstrong y Youssou N’Dour?

Su última obra es un EP publicado este mismo año bajo el paraguas del sello berlinés Watergate Records, en el que le escuchamos más contenido. Aquí se encuentran los sonidos oníricos y suntuosos de un The Field (‘Deadman’s Walk’) con los abiertamente bailables. Tanto en esta canción como en la inicialmente oscura ‘Juice’ van emergiendo los sintes o los beats que las acercan a la pista. También destacables son las otras dos canciones, la misteriosa y casi mística ’Aftermath’ y ‘Bang Royales’, esta última con samples vocales que nos recuerdan sus orígenes.

También os dejamos con su remix para Maya Jane Coles, en concreto para ‘Won’t Let You Down’, el tema principal de su último EP. Os recordamos que el artista actúa hoy sábado 22 de julio en Razzmatazz.

Cosas de Huesca: vas por tu pueblo y te encuentras con Jake Gyllenhaal

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21 julio, 2017

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7 años después de que Madonna parara en Burgos a repostar gasolina, sin poder pillar un avión debido a la ceniza de un volcán islandés, y solo uno después de que Harrison Ford y Calista Flockhart, según varios titulares, se pusieran las botas de comer en Segovia y Toledo, otra estrella de Hollywood se ha dejado caer por un lugar perdido de España, aunque en esta ocasión por trabajo. El actor Jake Gyllenhaal, uno de los más famosos del mundo por sus papeles por ejemplo en ‘Donnie Darko’, ‘Brokeback Mountain’, ‘Enemy’ o recientemente ‘Okja’, está grabando en Valle de Tena, Huesca, y lo sabemos porque una persona se ha topado con él por casualidad y se lo ha contado. Cosas de Huesca.

Ha sido el tuitero alex_oros29 la persona que se ha encontrado con Gyllenhaal en su pueblo, pero curiosamente no ha sido él quien ha parado al actor sino a revés, como cuenta el tuitero: “por lo visto está grabando una película por la zona en la que vivo y me ha parado por mi camiseta de los GSW. Es muy agradable”. GSW se refiere a Golden State Warriors, un equipo de baloncesto de California que juega en la NBA.

Lo que no sabemos es si Gyllenhaal ha contado al tuitero sobre su próxima película, ‘Stronger’, que se estrena el 22 de septiembre y narra la historia de superación de una víctima superviviente del atentado de Boston, que dejó 2 víctimas mortales y 282 heridos en 2013. Ha dirigido la cinta David Gordon Green y en su reparto se encuentran también Tatiana Maslany y Clancy Brown.

Esto de que vas por el pueblo y te encuentras con Jake Gyllenhaal #Nightcrawler #PrinceOfPersia #Prisoners #Demolition pic.twitter.com/TpF30DMypu

— Alejandro (@alex_oros29) July 19, 2017

Se viraliza el último videoclip de Linkin Park, subido a Youtube horas antes de la muerte de Chester Bennington

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21 julio, 2017

Ayer a las 18.02, hora peninsular española, es decir, dos horas antes de que se conociera la muerte de Chester Bennington, que ha impactado profundamente a toda una generación, aparecía en el Facebook de su grupo Linkin Park su nuevo videoclip, ‘Talking to Myself’, extraído del disco editado este año.

Lógicamente el vídeo se ha viralizado y en menos de 24 horas es el tercer vídeo más visto en Estados Unidos (el más visto es un vídeo de Linkin Park hablando de cómo la muerte de Chris Cornell había afectado a Chester Bennington). En el videoclip aparecen simplemente imágenes de la gira del grupo, pero acumula ya más de 10 millones de visualizaciones, siendo por otro lado el 8º vídeo más visto en estos momentos en Youtube España, y el videoclip más visto en general ahora mismo de nuestro país.

También están circulando vídeos de las que fueran las últimas actuaciones de Linkin Park, quienes pasaran el mes pasado por el madrileño festival Download, en el que sería uno de sus últimos 10 conciertos. El último de todos tenía lugar el 6 de julio en Birmingham, comenzaba precisamente con ‘Talking to Myself’, incluía ‘In the End’ hacia el final, ‘Numb’ en el bis, y se cerraba definitivamente con ‘Papercut’ y ‘Bleed It Out’. Existen documentos tanto del que fue su último concierto como del show de Madrid.

Próximamente podrá verse el Carpool Karaoke de Apple TV que Linkin Park grabaron hace solo unos días, como ellos mismos informaron en Twitter. Hasta entonces también se está compartiendo especialmente en redes, además de los vídeos de sus hits, la actuación de Chris Cornell y Chester Bennington haciendo ‘Hunger Strike’ de Temple of the Dog en 2008 (los coros de Chester son espectaculares); así como ‘One More Light’ dedicada a Chris Cornell un día después de su muerte, en el programa de Jimmy Kimmel, con Bennington tan emocionado que no puede cantar apropiadamente las dos últimas frases del tema, «Who cares if one more light goes out? / Well I do, Well I do». Este tema, incluido también en su último largo (al que daba nombre), originalmente se escribió para un amigo de la banda que había muerto de cáncer, pero en el show de Jimmy Kimmel quisieron dedicárselo al desaparecido líder de Soundgarden.

Louis Tomlinson estrena vídeo para ‘Back to You’, ¿el mejor primer single de un 1D en solitario?

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21 julio, 2017

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Louis Tomlinson era el único miembro de One Direction que faltaba por sacar single en solitario. Sí, el cantante publicó una canción con Steve Aoki en diciembre, que además fue un hit en Reino Unido, pero era una colaboración. ‘Back to You’ es el verdadero single post-1D de Tomlinson y parece que el cantante se ha reído el último y el mejor.

Donde Zayn ha buscado sonar a Frank Ocean, Harry Styles a Elton John, Liam Payne a Justin Timberlake, Niall Horan al típico cantautor blanquito de folk… ¿qué ha hecho Tomlinson? Probablemente porque nadie esperaba nada de él, el cantante se ha sacado de la manga una canción como mínimo más interesante y difícil de etiquetar. Estamos ante una composición de R&B pop minimalista, donde prima la melodía de un teclado plano que suena como el tono de un teléfono, y que se sirve de un estribillo dramático pero lo suficientemente contenido para que la canción parezca sobre todo relajada y que no se toma demasiado en serio.

Pero también estamos ante una colaboración con la revelación Bebe Rexha, que se come el primer minuto de la canción como si fuera suya. ¿Creían los compositores que nadie se iba a enganchar de cantar Louis primero? El artista siempre ha sido el One Direction con menos talento vocal, pero tampoco puede decirse que cantara mal y en ‘Back to You’ su interpretación es como mínimo digna. El broche final es su vídeo, en el que Tomlinson y Rexha se dejan ver en varias localizaciones, para coincidir en un bar o un campo de fútbol. Como mínimo, no está mal. ¿Será hit?

Ready for the Weekend: Lana del Rey, Helado Negro, Dizzee Rascal, Rusos Blancos, Bvrger, Declan McKenna…

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