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Slayyyter / STARFUCKER

“En el instituto me apasionaban las popstars que eran iconos de los maricas. Mis amigos y yo íbamos a ver a Marina and the Diamonds y yo decía que si algún día hacía música, querría ser ese tipo de artista, alguien que hace música para los clubs y espacios maricas. Además, hablo su lenguaje, soy 100% una niña de Internet, y entiendo la cultura del meme”. Estas declaraciones de Catherine Grace Garner pueden dar pereza, pero no parecen ser ninguna mentira y, desde luego, significan que ha entendido bastante bien su propio personaje (aunque se intuye desde el mismo momento en que decide dar a ese personaje el nombre de Slayyyter).

La estadounidense dejó la universidad después de que las canciones que subía a Soundcloud le fuesen consiguiendo una pequeña base de fans en Twitter, y acabó ganando cierto nombre con el pequeño éxito de ‘Mine’. Así, sacó una mixtape homónima en 2019, aunque fue una de las artistas perjudicadas por la pandemia, y su debut largo, ‘Troubled Paradise’, tuvo que esperar a mediados de 2021. Pero, aunque su gran salto no haya llegado todavía, Slayyyter ha seguido sacando temazos como ‘Throatzillaaa’ o ‘Daddy AF’ (que llegó a ser el tema principal de la peli ‘Bodies Bodies Bodies’), ejerció de telonera de Tove Lo en Estados Unidos, y ahora publica un segundo álbum de estudio mucho mejor que el primero. ‘STARFUCKER’ puede, ahora sí, acercarle al gran público, o al menos a un nicho similar al que se fue consiguiendo Charli XCX.

La autora de ‘Gone’ es precisamente una de las influencias de Slayyyter, que para este disco dice no haber escuchado mucho pop “más allá de Kylie y Madonna”, sino techno alemán y post-punk de los 80, además de Justice, Peaches y, ojo, Kavinsky. Eso en cuanto a referencias musicales concretas, porque las dos principales influencias que ha comentado en entrevistas son Brian de Palma e ‘Instinto Básico’, en cuanto a la forma en que retratan Los Ángeles: “Hollywood es glamouroso y sucio, y quería encontrar la manera de reflejar eso en un sonido”, ha comentado, agradeciendo a su ex que le descubriese las películas del director de ‘Vestida para matar’.

Ese sonido es en general una combinación deliciosa de synthwave e hyperpop, a la que ayudan la presencia en la producción de Jordan Palmer (detrás de temazos de Allie X o Carly), el dúo Valley Girl (Caroline Polachek, RAYE), Chris Lyon (Rina Sawayama, Aluna George), Owen Jackson (Gia Woods), Vaughn Oliver (Poppy, Yelle) y, sobre todo, Aaron Joseph, que os sonará de ‘TURN OFF THE LIGHT‘, el EP halloweenesco de Kim Petras.

Y es que es inevitable acordarse de la alemana, pero para bien; ‘STARFUCKER’ no recuerda a su último disco (o disco “de debut”), sino más bien a temazos como ‘Boo! Bitch!’ o ‘There Will Be Blood’. Esa energía está presente mientras Slayyyter suelta cosas como “he lives for love and I live for drama” (‘Miss Belladonna’), “thank God I sold my sould / glitter, smoke and rock and roll (…) Terry Richardson just called me up / that freak is takin’ my pic tonight” (‘I love Hollywood!’), “fuck me on the dancefloor” (‘Erotic Electronic’) o “Hollywood turned me into a hoe” (‘Plastic’). En momentos más flojos puede recordar a Ava Max (‘Girl like me’, ‘Rhinestone Heart’), pero en general el disco tiene como referencia más a Petras, Dorian Electra o a la Britney de ‘Femme Fatale’ (‘My Body’ o el preestribillo de ‘Memories of you’ especialmente).

‘STARFUCKER’ ofrece una experiencia de alto nivel, gamberra (el propio vídeo de ‘Erotic Electronic’ es ella paseando en bolas por Hollywood) y muy divertida, desde el potente inicio con ‘I Love Hollywood!’, highlights como la mencionada ‘Erotic Electronic’, ‘Miss Belladonna’, la mamarrachada hyperpop de ‘Purrr’ (¿con guiño a LVL1?), o la más Kavinsky de todas, ‘Tear Me Open’, donde Slayyyter ofrece lo más cercano a una balada justo antes de cerrar con la estupenda ‘Out of Time’ (“she hates herself but if they all love her then she don’t mind”). Si te gusta el pop oscurillo y no la conoces, ya estás tardando en ponerte esto.

El fenómeno ‘Si No Estás’ entra en la lista de Singles España

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El número 1 de esta semana en Singles España se lo vuelven a apuntar Mora y Saiko, que con ‘Reina’ aseguran ya un mes en lo más alto de la lista con su acumulación de cuatro semanas consecutivas.

Además, el granadino se hace con la mayor entrada de la semana gracias a ‘Te Mentí’, su colaboración con Ozuna, que debuta en el 31. Su fin de gira en Granada la semana pasada también ha provocado la subida de algunas de las 9 canciones que tiene en la lista. ‘Polaris (Remix)’ se sitúa en el 5, ‘Antidepresivos’ sube hasta el puesto 19, ‘Cosas que no te dije’ asciende hasta el 24 y ‘Supernova’ se mantiene en el 28.

Por otro lado, los argentinos Nathy Peluso y Tiago PZK logran meter en el top 50 su tema ‘Ella Tiene’. La artista vuelve a optar por la bachata tras el éxito de ‘Ateo’ con C. Tangana hace dos años. La canción, de momento, parece estar funcionando en España mejor que en Argentina.

Justo una posición por debajo -en el 51 de momento- hace presencia en la lista Iñigo Quintero con ‘Si No Estás’. La canción está siendo todo un éxito en nuestro país y acaba de alcanzar su peak en Spotify España llegando hasta el puesto 3, tan solo por detrás de ‘Buenas’ y ‘Reina’ y siendo la única que no es de reggaeton. Pese a su lanzamiento en 2022, su viralización en TikTok le está dando cientos de miles de reproducciones diarias.

Sebastián Yatra también mete su nuevo single en la lista. Aunque le está costando despegar más que a ‘Vagabundo’, su tema ‘Energía Bacana’ alcanza la posición 59. La canción, muy pop y fiel a su estilo, presenta un videoclip protagonizado por la influencer Georgina Rodríguez.

En las últimas posiciones, debutan Natos y Waor con su ‘Montecarlo’ en el 81. Más abajo en el 87 entra Dei V con ‘Quién Es Dei V?’, tema urbano que huele a éxito tras su rápido ascenso en los últimos días en las principales plataformas musicales. Bennett con ‘Vois Sur Ton Chemin’ se va al puesto 92 y ‘Los Perros’ de Arde Bogotá cierra las entradas con su posición 95.





La película del Eras Tour de Taylor Swift llegará a España

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La gira de Taylor Swift no solo recorrerá el mundo a través de estadios (visitará nuestro país el próximo 30 de mayo con un espectáculo en el Santiago Bernabéu). Tras su paso por Estados Unidos y México, la artista ha anunciado que su concierto también llegará a los cines de más de 100 países el 13 de octubre. Y, entre ellos, se encuentra España.

Si bien la idea inicial era estrenar la película tan solo en América del Norte, por donde ya ha pasado la gira, las enormes cifras que se predecían de taquilla han cambiado los planes de la autora de ‘Midnights’. Ahora, la película del The Eras Tour tendrá un lanzamiento global el 13 de octubre. Según Deadline, se proyectaba un fin de semana de apertura con recaudaciones en torno a los 100 y 125 millones de dólares. Su estreno mundial ampliará considerablemente la cifra.

‘The Eras Tour Film’ tendrá una duración de casi tres horas y mostrará la grabación de uno de los seis conciertos que Taylor Swift dio en el SoFi Stadium de Los Angeles. Fue su última parada por Estados Unidos y en el concierto final anunció ‘1989 (Taylor’s Version)’, que saldrá dos semanas después del estreno de la película.

Además, Taylor Swift ha dejado un pequeño guiño en el precio de las entradas, que costarán 13,13€ en nuestro país. En Estados Unidos, el precio es de 19,89€. Por otro lado, desde su anuncio ha provocado que algunos de los títulos más importantes que se estrenaban ese día cambiasen su fecha de estreno, como fue el caso de ‘El exorcista: Creyente’, que pasó del 13 al 6 de octubre.

«El Eras Tour ha sido la experiencia más significativa y emocionante de mi vida y estoy encantada de contaros que pronto llegará a la gran pantalla», escribía la artista en redes sociales. «Outfits de las eras, pulseras de la amistad, canto y baile asegurados».


Mitski, Ralphie Choo, Thirty Seconds to Mars… entre lo más vendido en España

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Mora recupera el número 1 en España con ‘Estrella’, tras el paréntesis ‘GUTS’ de Olivia Rodrigo, que pasa al puesto 2. La entrada más fuerte es la de Antonio José con ‘El pacto’, que llega al número 3 (la misma posición que ocupa en vinilos).

El número 1 en vinilos en verdad es para la edición 20º aniversario de ‘Estados de Ánimo’ de El Canto del Loco, que llega al puesto 6 en la lista general que engloba LP’s, CD’s y streaming.

Thirty Seconds to Mars son puesto 35 en España con ‘It’s the End of the World But It’s a Beautiful Day’. El álbum ha sido número 20 en Reino Unido y número 76 en el Billboard 200 de Estados Unidos. Los públicos más fieles a los hermanos Leto son Suiza (top 7), Australia (top 9), Alemania (top 16) y Austria (top 17).

‘The Land Is Inhospitable and So Are We’ de Mitski es puesto 43 en España. En la sublista de vinilos llega hasta la 7ª posición. En España se iguala más o menos el número 41 conseguido por el disco anterior. En Reino Unido este nuevo álbum de Mitski es top 4, lo cual supone la mejor marca de su carrera, superando el número 6 conseguido por ‘Laurel Hell’. En Estados Unidos no se puede decir lo mismo y el nuevo disco de Mitski es top 12 frente al top 5 del anterior.


Continuando con el repaso a nuestro país, ‘Supernova’ de Ralphie Choo es número 48, lo cual tiene mérito si recordamos que él no tiene el apoyo de la edición vinilo como otras entradas del top 100.

Además, la revelación Julieta llega al número 91 con ‘5AM’. El álbum se divide en 3 partes, la segunda de las cuales incluye la recomendada ’T’enxules’.

Otras entradas de la semana son ‘Papel de burbujas’ de Xavibo en el puesto 25, ‘Revamped’ de Demi Lovato en el puesto 27, ‘Silence Between Songs’ de Madison Beer en el puesto 46 y ‘Who’s Next: Life House’ de The Who en el número 77.

La Oreja de Van Gogh actuarán en SanSan 2024

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La Oreja de Van Gogh es el gran nombre que cierra la programación de SanSan, conocido por ser el primer gran festival del año, que volverá a celebrarse en Benicàssim los días 28, 29 y 30 de marzo de 2024.

La confirmación de La Oreja en SanSan recuerda a la de Dani Martín en este mismo festival, o a la de Raphael en Sonorama, y vuelve a recordar que las líneas divisorias entre indie y mainstream ya no tienen sentido en 2023.

La Oreja, uno de los grupos de POP españoles más vendedores e importantes de la historia, inicia su etapa festivalera, mientras prepara el que será su siguiente álbum de estudio, el que suceda a ‘Un susurro en la tormenta‘ (2020). Así lo ha hecho saber en redes: «Tras un verano con los nuestros y de espaldas al mundo, seguimos escribiendo nuevas canciones para nuestro próximo disco. Mientras tanto volveremos a salir de gira por España a partir de primavera. Van a ser conciertos muy especial para nosotros porque la mayoría serán en los mejores festivales del país, algo nuevo para nosotros. Nos apetece mucho tocar frente a un público que no es exclusivamente el nuestro y celebrar los más de 25 años que llevamos juntos compartiendo escenario con las mejores bandas y artistas, muchos de ellos amigos».

El cartel de SanSan ya incluía headliners como Amaral, Two Door Cinema Club, Viva Suecia o Vetusta Morla y otros nombres indispensables como La Casa Azul, Fuel Fandango, Ginebras, Iván Ferreiro, Travis Birds, Natalia Lacunza o Depedro.

Este mes de mayo, JENESAISPOP ha repasado la carrera de La Oreja de Van Gogh en un podcast especial que ha contado con la participación de Esnorquel, co-presentador de ‘¿Puedo hablar?’. El episodio está disponible en Ivoox y Spotify.

Celia Becks transforma ‘La Fiesta’ y publica disco

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Conocerás a Celia Becks por sus colaboraciones con Chica Sobresalto (‘La monogamia’) o Nena Daconte (‘Tu canción’). Pero a Celia ya la habías escuchado aunque no supieras su nombre: ella fue bajista de La La Love You desde 2013 hasta 2023 y es por tanto una de las instrumentistas acreditadas en ‘El fin del mundo’, el gran himno indie de la década, que acaba de rebasar los 100 millones de reproducciones en Spotify y está certificado con tres Discos de Platino.

En solitario, Celia Becks ha entregado temas en distintos estilos, alternando el pop-rock onda La Oreja de Van Gogh (‘La herida’) con el electropop (‘Deberes de terapia’). En 2020 publicó ‘La fiesta’, un tema influido por el synth-pop y el cosmic disco que hablaba sobre salud mental. «Hay demonios que no puedo evitar porque han crecido conmigo», cantaba. Después, el estribillo «sé que no lo vas a entender» podía ser tan decidido como los de su banda originaria.

‘La Fiesta’ es uno de los temas incluidos en el primer disco largo de Celia Becks, que sale hoy 27 de septiembre bajo el título de ‘Ve a terapia’, y que se ha podido pre-guardar vía OneRPM. Pero la versión de ‘La Fiesta’ que aparecerá en el álbum será «2.0», un remix que viene con colaboración.

‘La Fiesta 2.0’ transforma el espíritu future disco de la versión original y le da una vuelta más complicada y ambiciosa, incorporando trazos de dubstep cósmico, trap y future bass. Acompañada del rapero revelación Liz Forte, Celia Becks imagina la misma fiesta pero de diferente manera.

Con una duración que no alcanza los tres minutos, ‘La Fiesta 2.0’ podría sonar como la canción que Celia Becks exponga en Benidorm Fest. La artista ha confirmado que se presentará al certamen y ha declarado que «sencillamente Eurovisión es lo mejor». Claro que -quizá- tendría más sentido que Celia Becks presentara una canción cantada completamente en solitario y que no se haya estrenado antes de lo que marcan los plazos.


Soulwax anuncian conciertos en Madrid y Barcelona

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Soulwax está preparando un nuevo espectáculo en vivo que contará con una banda completa y que pasará por España. El dúo formado por los hermanos David y Stephen Dewaele visitará la sala La Riviera de Madrid el 23 de enero de 2024 y la sala Razzmatazz de Barcelona el 24 de enero de 2024. Las entradas estarán a la venta a partir del 29 de septiembre a las 10.00 horas.

La última vez que Soulwax llevó su laboratorio sónico al escenario fue a principios de 2020, según Setlist.fm. Antes, sus últimos directos databan de 2018. Los hermanos sí han seguido pinchando en festivales a través de su proyecto 2manydjs.

Durante su carrera, Soulwax no han dejado de ampliar las fronteras de la música hacia territorios nuevos e innovadores. Además de una banda, son DJ (2manydjs), un sello discográfico (DEEWEE) y el sistema de sonido Despacio, un proyecto conjunto con James Murphy de LCD Soundsystem.

Desde 1996, Soulwax ha publicado cuatro álbumes de estudio: ‘Leave the Story Untold’ (1996), ‘Much Against Everyone’s Advice’ (1998), ‘Any Minute Now’ (2004) y ‘From Deewee‘ (2017). ‘Closer to Paradise’, un proyecto de música y entrevistas, estaba dedicado a Ibiza.

boygenius anuncian nuevo EP, ‘The Rest’

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boygenius ha dado la sorpresa anunciando nuevo EP. ‘The Rest’ saldrá el 13 de octubre conteniendo un repertorio de apenas cuatro cortes, presumiblemente desechados de la edición final de ‘The Record‘, el debut largo de boygenius publicado hace unos meses.

De momento, el trío ha dado a conocer el título de uno de los temas incluidos en ‘The Rest’, el primero, ‘Black Hole’. «El resto», por alguna razón, se mantienen en el más estricto secreto. Durante su gira actual, boygenius ha estado tocando una canción inédita, ‘Boyfriends’, que podría o no aparecer en el nuevo proyecto. ‘The Rest’ saldrá en varios formatos: digital, vinilo y CD.

El supergrupo formado por Phoebe Bridgers, Lucy Dacus y Julien Baker se dio a conocer en 2018 con el lanzamiento de un primer epé que obtuvo grandes críticas. Aquel epé homónimo -puntuado con un 8 sobre 10 en este medio- dio el pistoletazo de salida a la exitosa carrera de boygenius y allanó el terreno para que ‘The Record’ entrara en el número 1 de la lista de éxitos británica y en el 4 de la estadounidense (en España la cumbre de ‘The Record’ fue el puesto 40).

Estos días, boygenius ha seguido promocionando el contenido de ‘The Record’ lanzando un vídeo animado para el tema ‘Cool About It’. Lauren Tsai lo ha dirigido.

Por otro lado, Lucy Dacus ha sido noticia por lanzar un zasca a Matty Healy que ha llevado al cantante de The 1975 a desactivar su cuenta de X. El origen del desencuentro ha sido una broma capacitista expresada por Healy en esta red social. «Le he dicho a Lucy Dacus que voy a montar un grupo llamado Girlretard», escribía Healy aludiendo al nombre de boygenius. «Pero no sé de ella muy a menudo», indicaba el artista. Dacus, entonces, respondía indirectamente en su cuenta personal: «No sabes de mí nunca». Healy escribía «estas cosas nunca salen bien» antes de desactivar su cuenta, aparentemente arrepentido.

Depeche Mode estrenan el vídeo de ‘My Favorite Stranger’

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La unión creativa entre Depeche Mode y el fotógrafo Anton Corbijn continúa. Después de los videoclips de ‘Ghosts Again’ y ‘Wagging Tongue‘, es el momento de ver el vídeo de ‘My Favorite Stranger’, también dominado por el blanco y negro.

Aunque no era, en principio, uno de nuestros temas favoritos de ‘Memento Mori‘, ‘My Favorite Stranger’ es el nuevo single extraído del largo. Es un corte de post-punk electrónico, elegante como el mismo Dave Gahan cada vez que se sube al escenario, pero guiado por una misteriosa sombra, la que persigue a Gahan a lo largo de la canción.

«Es un extraño perfecto, que roba mi sombra, y va adonde voy yo / Es un extraño perfecto, que posa delante de mi espejo, y pone palabras en mi boca, rotas y amargas / Es un extraño perfecto, una imitación de mí, que menciona mi nombre en las conversaciones». Gahan nos está hablando de él mismo, o de la parte más oscura de su psique.

El vídeo de ‘My Favorite Stranger’ no tiene más misterio que el de presentar a una persona que divaga por la naturaleza o la ciudad. Solo al final se descubre la cara de esta persona que probablemente no es lo que imaginabas.

La gira de ‘Memento Mori’ continuará en 2024 y pasará por España. El 12 y 14 de marzo, Depeche Mode actuarán en el WiZink de Madrid, el 16 lo harán en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 21 de marzo se personarán en el BEC de Bilbao.

Pantera Blue entrega una parodia del autotune sonando clásica

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Pantera Blue es el proyecto de Louiza Hamadi Manoukovksaia. Curtida en el mundo académico, pues es pianista concertista y profesora de piano, Hamadi dio un paso hacia el pop en 2020, en plena pandemia, publicando una insólita adaptación al español de ‘La vie en rose’ de Édith Piaf. Antes del fenómeno Barbie y de ‘Padam Padam’, ahí estaba Pantera Blue dándole una pátina bossa y de bolero al clásico de la chanson que tantos han versionado con más o menos éxito.

De padres argelinos y rusos, pero criada y afincada en Madrid, Pantera Blue publica su primer single original, el neo-soul de ‘Mariposa negra’, y después ‘Olvídalo’, un curioso tema ubicado a medio camino entre el deep-house y el jazz, entre 2020 y 2021, antes de fichar por Mushroom Pillow. Ahí, Pantera Blue parece florecer en una artista mucho más divertida de lo que avecinaban sus primeros lanzamientos.

El título de ‘Envergadura’ ya apuntaba maneras. Un tema dedicado a la «envergadura» no de lo que estáis pensando, sino a la «cultura» de un hombre que es más sexy cuanto más cultivado. En este dembow sapiosexual, a Pantera Blue se le cae la baba con un mozo que «lee arquitectura» y al que le «gusta la pintura»… dándose la «paradoja» de que también «te deja coja».

El reciente single de Pantera Blue puede ser el mejor de todos. De sonido chill y «rosa» aparentemente influido por Kali Uchis, con ecos al pop de los años 50 y 60, lo cual nos lleva directamente a la versión de ‘La vie en rose’, ‘Autotúneame’ parece dos parodias en una, de la canción romántica clásica, y del (ab)uso del autotune en el pop de hoy. Es la Canción Del Día de hoy.

La parodia de ‘Autotunéame’ va tan lejos que su título convierte la palabra «autotune» en un verbo conjugado que adopta un significado sensual. «Autotunéame, ahora que nadie nos ve» parece una rima de Sara Montiel adaptada al siglo XXI, y que es, después, devorada por el propio autotune, en lo que parece la entrada en una relación de dos de una tercera persona a la que nadie ha llamado. El autotune como incordio, desubicado, consciente de sí mismo.




Bad Bunny te da «un preview»… a lo de siempre

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Bad Bunny ha publicado nueva canción esta noche. Después de que en mayo inundara las listas de éxitos con ‘Where She Goes’, el puertorriqueño ha vuelto a las plataformas musicales con ‘Un Preview’, un tema que no llega a los dos minutos de duración, apoyado en el típico beat de reggaetón. Tainy -colaborador habitual de Benito- co-produce ‘Un Preview’ sin romperse demasiado la cabeza en el aspecto creativo. De hecho, la producción es ta minimalista que parece esquelética. Se podría decir que Benito ofrece «un preview»… a lo mismo de siempre. En el videoclip, Bad Bunny interpreta ‘Un Preview’ delante de un caballo de carrusel.

El anuncio de ‘Un Preview’, además, lo ha hecho con un preview que no ha tardado en difundirse en redes sociales. El artista se mantiene ahora en contacto con sus fans a través de su canal de WhatsApp, en el que envía mensajes que pueden leer todos los que se encuentren suscritos al mismo. Es precisamente en ese canal donde ha revelado el lanzamiento de su nuevo single. «Hola hola. Qué tal el dominguito este?», comenzaba escribiendo Bad Bunny en el chat. El misterio duró unas horas, hasta que él mismo volvió a enviar un mensaje con el adelanto de su tema.

El avance solo enseñaba 17 segundos de la canción, en los que se llegaba a escuchar parte del instrumental y el siguiente verso: «Baby, yo sé que cuando te atrevas yo me voy a enamorar». Además, el trozo de canción vino acompañado de una fotografía del cantante, aunque sin especificar si se trata o no de la portada. Queda por descubrir si la canción formará parte de su quinto álbum de estudio, que parece que llegará a finales de este mismo año.

Aitana: «¿Algo es maduro cuando es más alternativo?»

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Aitana da su primer salto mortal esta semana con el lanzamiento de ‘alpha‘. Lejos del pop-rock de ’11 razones’, la cantante ha optado por adaptar los sonidos de los años 90 al pop de hoy. Su inspiración han sido los «one hit wonders» más allá de ‘Saturday Night’, y así reluce en un disco con varias sorpresas tras el acierto que supuso ‘Los Ángeles’.

Junto a «bangers» como ‘En el coche’ y ‘Formentera’, ahora destacan producciones como ‘Pensando en ti’, ’24 Rosas’ o incluso el interludio y la intro. Hablamos con Aitana en una videoentrevista que podéis ver en Youtube, o leer transcrita a continuación.

¿Qué te ha llevado a hacer este disco tan diferente? ¡Es un disco de música electrónica!
Eso son palabras mayores, cualquier persona que haga música puramente electrónica se va a llevar las manos a la cabeza. Es un disco pop, pero es verdad que tiene referencias a algunos sonidos electrónicos. Sobre todo, de los 90. Pensaba en ese «one hit wonder», que no necesariamente conocías al artista, pero la canción te la sabías sí o sí. Había muchas canciones de esas y las he cogido como referencia.

¿Cuál es tu primera noción de esta música de los 90? Porque a mí me pilló con 13 años, pero tú no habías nacido.
Pues la primera es ‘Saturday Night’, ya que es la que más he bailado con mi familia en cada fiesta. Pero también tengo un tío que es DJ y siempre ha pinchado temas de esa época, y los bailábamos.

Ahora hay un revival de este tipo de música. Por ejemplo, David Guetta ha tenido un hit con «I’m Good (Blue)». ¿Estás al tanto de eso?
Sí, sí. Es verdad que está habiendo mucho de eso, y se están cogiendo muchos samples y melodías de las de antes, de esa música de los 90. Hay muchos DJs con los que me gustaría trabajar en un futuro y con los que he hablado, porque me gustaría hacer una reedición de ‘alpha’ donde se puedan hacer algunos remixes. Es un disco que atrae mucho a ese tipo de colaboraciones.

Es muy curioso que hayas hecho este disco con Andrés (Torres) y Mauricio (Rengifo), que los tenía asociados al reggaeton. Por lo menos en los singles.
Yo soy compositora de mis canciones, así que Mauricio y Andrés están para hacer realidad mis sueños mentales de producción musical. Mientras haya siempre una dirección clara… son increíbles trabajando. Pero es cierto que justamente en este disco he trabajado con más productores: BigOne (‘The Killers’), Renzo (‘Luna’) Kuinví (‘Dararí’), que es una productora de Ecuador que vive en Miami increíble, y estoy también trabajando mucho con ella para lo que se viene… También con Mr Naisgai, el de Rauw Alejandro. He trabajado con muchos productores aparte de Mauricio y Andrés, que son con quienes hice todo el disco de ’11 razones’. En ‘alpha’ he trabajado con más gente.

¿Qué te hace confiar en un productor? ¿Tiene que haber una química personal, o a veces te apañas a distancia?
Siempre tiene que ser a nivel personal, porque si no es complicado. A veces no conectas y ya, pero, por lo general, con quienes trabajo creo también más canciones. Vas entrando en ese proceso poco a poco, y eso es lo que es más importante.

Veo un trabajo de secuenciación en el disco, con una dirección artística muy clara. ¿Cómo te ha venido la idea de empezar con una intro instrumental, que es muy de la música de los 90?
Porque esa música ha sido la referencia para mí en este disco. Era importante contextualizar a la gente con este disco y tener una intro a nivel de sonido. En esa intro de ‘alpha09’ solo sale “Alpha” como letra, no hay más. Solamente a nivel ritmo y producción te vas a ir encontrando lo que es este disco. Y se llama justo así porque a la inversa son los «90». Es como cambiarlo y traerlo a lo que es ahora.

Me gusta mucho que el álbum no acabe en baladas, con esta secuencia de ’24 Rosas’ y ‘Pensando En Ti’, con ‘En El Coche’ en medio. ¿Cómo has desarrollado el final del disco? ¿Estas canciones son también de Andrés y Mauricio?
Justamente ‘Pensando En ti’ y ’24 Rosas’ sí las he hecho con ellos. Hay tres baladas dentro del disco, y yo tenía claro que quería hacer baladas porque me encantan. Y me preguntaba cómo podía hacer para que queden bien dentro de un disco con un concepto tan electrónico. Al final, lo que hemos hecho no es tanto como una balada al uso, que a nivel melódico ’24 Rosas’ puede serlo, sino que a nivel producción tiene más utilización de mi voz como producción y más sintetizadores. ‘Pensando En Ti’ es la más ravera de fondo, pero en cuanto a letra es la más naif. Me gustaba esa contradicción, me parecía muy divertida.

Escuchando el disco me preguntaba qué era lo que quedaba de la Aitana de ‘Arde’, y de repente ha salido “Luna”. ¿Quizá eso sea lo que queda de la Aitana de ‘Arde’?
Es que la Aitana de ‘Arde’ no era yo, porque esa canción no la he hecho yo.

Pero decías que te encantaba.
Me encantaba porque a mí me encanta cantar baladas y sobre todo en Operación Triunfo quería que se luciese mi voz porque al final te valoraban según la voz que tenías. Pero ahora mismo, para mí, lo más importante no es que se luzca mi voz, es la creatividad que tengan mis canciones. ‘Arde’ no me representa a nivel de que no la he escrito yo, y como ahora escribo todas mis canciones no me siento conectada con ‘Arde’ porque no formé parte de la composición. Pero por supuesto que me encantaba cantarla, es una canción muy bonita. Pero no tiene mi sello realmente. Lo que sí puedo decirte es que ‘Vas a Quedarte’ y todas esas canciones que son más baladas sí que se parecen más a ‘Luna’. Eso sí.

«Ahora lo más importante no es que se luzca mi voz, es la creatividad que tengan mis canciones»

Me pregunto si este disco es más divertido de grabar que un pop-rock convencional, pensando en ‘The Killers’, por ejemplo, que empieza como un robot y de repente se transforma en una especie de canción de los años 50. ¿Te has divertido más haciendo este disco o no particularmente?
Me divertí en ambos. En este disco me divertí porque saltaba en el estudio por el tipo de beats que tenía, pero también saltaba mucho en el estudio con las baterías de ’11 razones’. Pienso que es importante divertirte en el proceso de cada disco sin compararlos, porque al final han sido distintos momentos de mi vida y de maduración. Te puedo decir que con ‘alpha’ me divertí mucho porque es lo más reciente que tengo, y sí, fue muy guay ir siempre al estudio y que saliesen cosas tan divertidas.

¿Hay canciones que han cambiado en el proceso de producción o son bastante fieles a lo que eran al principio?
La verdad que todas han nacido tal cual se ven. La que más hemos cambiado fue la de ‘miamor’ con Rels B. Para que cuadrase también con él, sí que tuvo varias versiones esa canción, pero la mayoría son como eran.

De todas las personas posibles haciendo featuring en tu disco, ¿por qué Rels B?
Rels B me encanta. Hace tiempo que hablábamos de hacer algo juntos, él me mandó una canción y yo la grabé, pero al final no acabó de cuajar y llevábamos tiempo intentando hacer algo. Yo le pasé la de ‘miamor’, le gustó e hizo algo súper rápido. Yo quería que, si hubiera colaboraciones, que hay muy pocas, que fuese algo muy orgánico, y así se dio.

«Con ‘Formentera’ nació ‘alpha’, pero yo no me supe dar cuenta»

En el disco están ‘Formentera’ y ‘En El Coche’, canciones bastante antiguas. ¿En aquella época ya tenías el concepto de ‘alpha’ en mente?
La verdad que no, las he puesto porque son canciones mías muy emblemáticas, que no me gustaba que se quedaran fuera de lo que iba a ser mi siguiente disco. Y además que tienen mucho que ver con ‘alpha’. Yo creo que, de alguna forma, con ‘Formentera’ nació ‘alpha’, pero yo no me supe dar cuenta. Fue la primera canción que hice con sonidos más electrónicos, y eso también me parecía bonito.

El componente sexual es súper importante en el disco, pues el sexo forma parte del pop y de este disco en particular. No sé si ves un antes y un después o un avance con respecto a tu carrera pasada… más de vida adulta, de mujer.
Claro, en este disco se habla con menos tapujos, a nivel de que se trata más la sensualidad femenina. Siempre con muchísima elegancia, porque al final es la forma de la que yo te lo contaría. Pero sí es cierto que se quiere generalizar, no lo digo por ti, sino por lo que sale por ahí, y decir, quizá por clickbait, que «Aitana habla de sexo», cuando en realidad hay quince canciones y solo dos hablan de sexo. Que está súper bien y podría hablar mucho más.

«Se dice, quizá por clickbait, que «Aitana habla de sexo», cuando en realidad hay quince canciones y solo dos hablan de sexo»

Pero está el vídeo, que es muy llamativo.
Completamente, y yo lo entiendo, pero al final no es lo que más abarca ‘alpha’. ‘alpha’ abarca muchas cosas: amor, desamor, sensualidad por supuesto porque está en mi día a día y es lo que existe en el día a día de las personas, y más con la que edad que tengo y que tiene la gente de mi alrededor, pero ‘alpha’ no solamente es eso. Alpha es sentirse empoderado y hacer lo que quieras, sentirte bien contando que a veces estás mal, que otras estás bien, contarle a tu amiga cómo estás… Todo ese rollo.

¿Y es un disco más maduro para ti o no tienes prisa por usar esa palabra?
No tengo prisa por utilizarla, no sé si es un disco más maduro. Estoy más madura que cuando tenia 21 años porque cada año aprendo algo nuevo y tengo más experiencia, pero no sé si es un disco más maduro. Tampoco sé quién categoriza que algo sea más maduro o menos maduro. ¿Más maduro es que algo es más alternativo? No sé cómo está esa balanza, así que no te sabría decir.

Salen un par de discos casi a la vez que el tuyo: el de Kylie y el de Romy de The xx, que también es dance como el tuyo.
No los he escuchado.

Kylie Minogue, ¿eh? No la otra.
Por supuesto que sé quién es Kylie Minogue. Me hace ilusión coincidir en día. No lo sabía.

Pero le vas a quitar el número 1.
¡No, hombre, no! Yo admiro a Kylie Minogue. Es la mejor. Los quiero escuchar. ¿Ves? Es que estoy muy fuera de las redes. Me está costando estar al día.

Soy jurado de los premios Rolling Stone. Estás nominada a Promesa Musical.
¡Qué ilusión!

No sé qué nota ponerte de 12 a 1 porque no te veo muy promesa musical exactamente. ¿Qué nota te pondrías?
Ni idea, yo a mí misma no me juzgo. Que lo juzguen otros.

Pero es que llevas muchos años.
Ya, pero es verdad que fuera, en Latinoamérica, estoy empezando. Eso es así.

Has mencionado hacer remixes, ¿alguna de las producciones del disco no te pedía hacer una locura y llevarla a ser una canción larga no tan constreñida a canción de 2 o 3 minutos? Hay canciones cortísimas en este disco.
Hay una canción muy corta, ‘Otra Noche Sin Ti’, porque es un interludio. Para lo que pueda venir me gustaría hacerle una versión extendida porque existe la versión larga de esa canción. Pero en ese momento quería hacerla corta. Y sí, se pueden hacer canciones más largas.

¿Ninguna pedía una locura de ponerte a bailar 7 minutazos?
De momento no, pero quién sabe. Si se une algún DJ que quiere hacer eso puede estar muy interesante.

Es el viejo concepto de remix, ya que ahora mismo un remix es grabar un featuring con alguien, pero antiguamente era llevar la canción más allá.
Literal.

Alicia Keys registra la marca ‘Alicia Teas’

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Pese a que Alicia Keys sea conocida por su música, parece que eso puede llegar a cambiar muy pronto. Según TMZ, la cantante ha solicitado registrar la marca ‘Alicia Teas’, en lo que parece un claro intento por lanzar su propia marca de tés.

Además, TMZ informa de que la empresa de la artista, AK Worldwide, ya ha presentado los documentos necesarios para conseguir el registro, después de que su marido, el productor Swizz Beatz, le regalara unos tés personalizados por su cumpleaños en 2020.

Aunque los tés no sean (de momento) la especialidad de Alicia Keys, no es la primera vez que se embarca en un proyecto ajeno a la música. En 2021 lanzó su propia colección de maquillaje, ‘Keys Soulcare’, pero no con un nombre tan original.

Las redes sociales han empezado a bromear al respecto y algunos usuarios han dado paso a la imaginación… «Alicia Keys registra la marca ‘Alicia Sees’ para lanzar su propia colección de gafas», escribía alguien en Twitter. «Alicia Keys registra la marca ‘Alicia Trees’ para lanzar su propio vivero», escribía otro. Veremos si la artista apunta alguna idea.

Beyoncé y Megan Thee Stallion cantan juntas ‘Savage Remix’

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El Renaissance World Tour continúa dando sorpresas y la última la ha protagonizado Megan Thee Stallion. La artista acudió al concierto que Beyoncé dio en Houston el pasado sábado y regalaron a la audiencia la primera interpretación en directo de ‘Savage Remix’, tema que nunca antes habían cantado juntas.

Desde que se lanzara en 2020, ‘Savage Remix’ no ha parado de dar alegrías a Megan y Beyoncé. La principal fue en 2021, cuando les valió el Grammy a Mejor Canción Rap y ambas salieron a recogerlo al escenario. A partir de entonces, las artistas no han vuelto a coincidir estrictamente por la canción. Hasta este sábado, cuando la cantaron juntas por primera vez.

«¿Tenemos damas y caballeros salvajes esta noche en casa?», preguntaba Beyoncé a la multitud tras cantar su estrofa. «Por favor, un aplauso para Megan Thee Stallion, de Houston», continuaba la autora de ‘Renaissance’ al mismo tiempo que el NGR Stadium rugía y Megan saltaba al escenario.

Aunque el público enloqueció, el inesperado cameo no ha estado libre de controversia. Ese mismo sábado, Megan Thee Stallion tenía previsto actuar como cabeza de cartel en el Global Citizen de Nueva York, un festival benéfico gratuito. Sin embargo, la rapera se vio obligada a retirarse por un «conflicto imprevisto de agenda». Page 6 especula que ese «conflicto» se trataba de su aparición en el Renaissance World Tour.

Muere Terry Kirkman de The Association

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Terry Kirkman, uno de los fundadores del seminal proyecto de folk de los 60 The Association, ha fallecido a los 83 años. Nacido en Kansas, se mudó en los 60 a Los Ángeles, llegando a tocar con gente como Frank Zappa y David Crosby. Tras pasar por una banda multitudinaria en miembros como fue The Men, Terry Kirkman formó The Association junto al guitarrista Jules Alexander. Tuvieron bastante éxito en la segunda mitad de los 60.

Terry Kirkman dejó The Association en 1972, después volvió cuando se reunieron en 1979, y finalmente lo dejaría en 1984, retirándose de la industria musical. Trabajó como consejero de adicciones.

En 1966 The Association sacaron un debut llamado ‘And Then…. Along Comes the Association’, en el que se encontraban los temas ‘Along Comes Mary’ y ‘Cherish’. Este último, escrito por el propio Terry, terminaría inspirando el single de Madonna así llamado incluido en su clásico ‘Like a Prayer’. Entre los artistas que se han sentido influidos por The Association están The Lemon Twigs, y entre quienes los han sampleado, destacan The Avalanches. En ‘Wildflower’ transformaron ‘Everything That Touches You’, también escrita por Kirkman, en 1968, en ‘Harmony’.

Entre los temas más exitosos de The Association que no escribió Terry Kirkman, aunque también pertenecen a la era en que estaba en la banda, hay que destacar ‘Windy’, ‘Never My Love’ o el mencionado ‘Along Comes Mary’.

Kylie Minogue / Tension

Tension

Kylie Minogue llega a su 15º álbum -el 16º si contamos lo de los villancicos– consolidada como la Princesa del Pop que todo el mundo quiere. Adorable desde los tiempos de ‘I Should Be So Lucky’ hasta los del reivindicable ‘DISCO’, pasando por supuesto por ‘Fever’, la cantante ha renacido este verano con un viral que nadie vio venir. Desafiando al gran clásico de Édith Piaf, osó llamarlo ‘Padam Padam‘ y ha salido airosa del reto.

‘Padam Padam’ no es solo una de las canciones del verano, sino del año. Si Kylie ha tendido a ganarnos cantando sobre sexo, cuando no sobre orgías, desde cuartos tan oscuros como en la vida misma, esta vez ha retorcido las ideas. Es esta una canción oscura -sí- pero esta vez en un sentido menos sexual y más endemoniado. Si practica algún tipo de magia -y algo de eso ha hecho sobre nuestros cerebros- sería negra. Esto supone una pequeña reinvención en su carrera, pues Kylie nunca había sonado tan siniestra desde su dueto con Nick Cave para ‘Murder Ballads’, solo que esta vez además ofrece algo pinchable.

El tema ha supuesto también la conquista de nuevas generaciones, a través de su hit más sólido en las listas británicas desde ‘Fever’. Tanto se ha viralizado en TikTok y plataformas como Apple Music, que por primera vez en más de una década, la emisora adolescente Radio One (BBC) se ha visto obligada a sumarse al fenómeno «Padam». Estamos hablando de la que va a ser su 2ª canción más escuchada de toda la historia en plataformas, tan sólo por detrás de ‘Can’t Get You Out Of My Head’, y lograr eso a los 55 años, en solitario, y sin concesiones a moda alguna, tiene todo el mérito del mundo. Ojalá no fuera la excepción, pero bienvenida.

Mejor aún luce el segundo single, el titular ‘Tension’, para alivio de Kylie y sus colaboradores de confianza, Richard «Biff» Stannard y Duck Blackwell, pues ninguno de los tres sino la noruega Ina y su productor Lostboy eran los verdaderos autores de «Padam». Pero ‘Tension’ es un reflejo incluso mejor del pop de 2023, en tanto que cada parte de la canción se entrega de manera natural a un estilo diferente. Ora es un piano-house, ora un electro gélido a lo Britney Spears; y en una estrofa, hasta hay coros afrobeat o jamaicanos. Todo ello, de nuevo, sin sonar desesperado, y de nuevo, sin artistas indeseados a modo de featuring.

El resto de ‘Tension’, en cambio, no presenta ninguna «tensión» en particular, como sí sucedía con estos dos singles que precedían. Las canciones se suceden tan correctas como genéricas, cada una encorsetada en su estilo, sin la ambición de los sencillos de adelanto. Parecen víctimas del efecto Fangoria: una vez segura de los singles, Kylie parece haberse ido de compras, o dormido en los laureles.

‘Hold On to Now’ comienza como un cosmic disco apabullante que luego deriva sin motivo en unas nuevas guitarras a lo New Order. ‘Things We Do For Love’ es una pieza de HIGH-NRGY que sirve de homenaje a los 80, casi tanto como la incursión del saxo en ‘You Still Get Me High’, que parecía una balada pero no; o en ‘Green Light’, un tema de carácter más disco.

Si me lo dicen cuando vi el tracklist no me lo creo, pero en medio de medianías como esta última, se agradece la recuperación de ’10 out of 10′, una macarrada de EDM grabada para Oliver Heldens, que en realidad es fácilmente vinculable a ‘Your Disco Needs You’. Esa parte del álbum necesitaba un tema más coreable, bailable, memorable o inserte aquí su «-able» favorito, y ciertamente acude al rescate de una segunda parte que se termina de perder entre bonus tracks.

Hay cierta gracia en la voluntad coral de ‘Hands’, con esa melodía retro que tan bien le sienta como se vio en el «disco disco», tan Barbie que llega a mencionar a Barbie; también en ‘Story’ o incluso en ‘Vegas High’ anticipando que su residencia en este lugar no va a ser ningún muermo. O hasta en el bonus ‘Somebody to Love’, que como bromean en Popjustice, parece escrito por Carly Rae Jepsen. Es solo que tamaños singles merecían un background mucho más inspirado. Apuntaban a otra cosa «Padam» y «Tension», pero el segundo mejor álbum de Minogue sigue estando entre ‘Light Years’ y ‘X’.

Sugababes brillan en Brava Madrid, el nuevo «Orgullo» de la ciudad

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«¿Algún maricón de Madrid que no haya ido al Brava?», preguntaba alguien en X. «No», obtenía como única respuesta. Brava Madrid ha nacido este fin de semana en la ciudad -bueno, en el Ifema- batiendo un récord de diversidad. Su promotora es The Music Republic, conocida por la organización de Arenal Sound o la última reinvención del FIB, es decir, su especialidad parece comprender las demandas de las generaciones más jóvenes y ofrecerles un festival barato (las entradas de día rondaban los 30 euros). Y una de esas demandas es la diversidad, al menos para una parte de la población muy importante.

Después de toda una vida de festivales con conciertos de The Strokes, The Hives y The Kooks, de Vetusta Morla, Izal y ahora Arde Bogotá, es casi un shock comprobar cómo un festival se centra en talentos femeninos y LGTB+… ¡y funciona! Tras innumerables y aparentemente infundados rumores de cancelación, Brava Madrid colgaba el cartel de «abonos agotados» la semana pasada, poniendo a disposición del público ya solo entradas de día. Estrategia o no, lo cierto es que el Ifema lució lleno para acoger conciertos de artistas no tan fáciles de ver en nuestro país como Sugababes o Mel C. En cuanto a valores nacionales, atención a la línea artística: Samantha Hudson, Algora & La Prohibida, Luna Ki o Fusa Nocta.

Además de una buena organización, correcta diversidad gastronómica y buena disposición de baños, Brava Madrid se anotó el tanto de la diferenciación. Para la jornada de viernes plantearon un DRESSCODE «todo al rosa» que uno ya no sabía si apelaba a ‘Barbie’, al partido de Yolanda Díaz, a la comunidad queer, o a todo al mismo tiempo. Lo que sí sabemos es que supuso que 1) hordas de gente se desplazaran en Metro vestidas de rosa y que 2) tu muro de Instagram se llenara de lo mismo. El sábado la llamada al DRESSCODE era años 2000, quizá en referencia a las cabezas de cartel, ya con desiguales resultados. Hubo quien no se enteró, quien malinterpretó cómo se vestía en los 2000 y hubo quien -como yo- se presentó de rosa el día equivocado. «Pues di que vienes de empalmada», me sugería Juan Sanguino.

La propuesta de Brava Madrid es más una experiencia que trasciende lo artístico. Predominan los playbacks, los sets de 30 minutos o menos por artista, el volumen del escenario principal es escandalosamente bajo… pero la sensación es de diversión máxima. Si alguien pincha ‘Dime’ de Beth en cualquier lado, verás automáticamente a miles de personas entonándola a voz en grito desde una barra o durante un paseo de escenario a escenario; si pones una carpa con un Tarot, se te formará una cola que dividirá en dos todo el recinto. Una pena que no se pudiera grabar las caras de la Policía Nacional a las puertas, viendo todo este mariconerío en un espacio donado por la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento, porque eran para verlas. Sebas E. Alonso.

Uno de los platos fuertes del viernes fue Belén Aguilera, valor al alza del pop español que presentaba su último EP ‘Metanoia’. Pese a que aún no había anochecido, el recinto se llenó de una marea rosa que coreaba las canciones con entusiasmo. El concierto fue resultón y ameno, y Aguilera supo sacar partido de su discreta escenografía con los recursos de que disponía.

Temas como ‘Galgo’ o ‘Antagonista’ sonaron particularmente divertidos y generaron un gran furor entre el público. Una pena que la acústica del escenario no fuese del todo fina: cerca de la torre de sonido -y más atrás, claro- era bastante deficiente y arruinaba considerablemente la experiencia. Tampoco el público general era demasiado respetuoso con no hablar durante las canciones, pero ese ya es otro tema.

En el ámbito internacional, Brava Madrid rescató a Melanie C y MIKA como los grandes atractivos de la jornada. La primera, ex Spice Girl, no se prodiga demasiado por nuestro país, por lo que había curiosidad por ver lo que tenía preparado. Con una escenografía muy simple, sin nada más que ella y sus músicos, la cantante dividió su set en dos secciones: una dedicada a su trabajo en solitario, donde sonaron temas como ‘Never Be the Same Again’ o ‘Northern Star’, y otra, ya al final, a su etapa como Spice Girl, con ‘Spice Up Your Life’, ‘2 Become 1’ y ‘Who Do You Think You Are’. Cerró, eso sí, con ‘I Turn To You’, de su disco en solitario de 1999. El concierto fue algo irregular, levantado en su mayor parte gracias a esa secuencia donde repasó algunos éxitos de la célebre girl-band, que lograron una buena conexión con el público. Más allá de eso, resultó frío y algo exento de garra.

MIKA en cambio, defendió mejor sus canciones con una gran presencia en el escenario, divirtiéndose con el público, lanzando confeti por los aires e incluso metiéndose entre la muchedumbre mientras cantaba. Su show fue enérgico y alegre, con el cantante mostrando sus tablas como artista: buenas interpretaciones vocales, cercanía con su audiencia -a la que se dirigió siempre en un esforzado español- y unos cuantos hits que no decepcionaron en sus versiones en directo. ‘Relax, Take It Easy’ o ‘Grace Kelly’ quizá no son canciones tan recordadas como otras de los 2000, pero sí contienen ese elemento lúdico y hedonista que funciona a las mil maravillas en un ambiente festivalero como el que nos encontrábamos.

Por otro lado, entre los dos artistas anglosajones, pudimos escaparnos un ratito al concierto de Ladilla Rusa, que ofrecieron justo lo que se esperaba de ellos: un show desenfadado y muy divertido que celebraba la España cañí con su flamenquito maquinero característico. Imposible no moverse y darlo todo con temazos como ‘Macauley Culkin’ o ‘Bebo (de bar en peor)’. Fernando García.

El sábado comenzamos la tarde con Lolahol en lo que parece el primer concierto de toda su carrera, al menos según Setlist.fm. El proyecto de Lourdes León ha escogido debutar con un EP de carácter experimental, producido junto a Eartheater, que no es precisamente conocida por sus aspiraciones a las listas de éxito. ‘Lock&Key’, con su ritmo drum&bass antes del revival drum&bass, y ‘Cuntradiction’ no estaban tan mal. Sin embargo, el show devaneó -o más bien divagó- entre el twerking, el ambient y una falta de actitud y de coordinación con dos bailarinas amigas que parece mentira. Ni underground ni pop, el mayor entretenimiento del concierto fue decidir a qué era de Madonna se parecía cada gesto. ¿Tres chicas en chándal? Hard Candy. ¿Caballos proyectados? Confessions Tour, Medellín. ¿Ritmos trip hop? Ray of Light. Es una putada que tu madre lo haya hecho literalmente todo antes que tú, pero la verdad es que la condición de nepobaby de Lourdes no quedó nada disimulada ni mucho menos evita-da cuando su show se vio precedido por un DJ set que incluía canciones como ‘La Isla Bonita’ y ‘Hung Up’. Varias personas en mi entorno coincidieron en denominar el resultado final como «función escolar».

Para consuelo de Lourdes, no muchísimo mejor fue el show de Loreen en solitario, con los mismos problemas de volumen que otros artistas del escenario principal, y con una versión alternativa de ‘Euphoria’ que nadie había pedido. 5 temas interpretó la cantante durante menos de media hora, sin parafernalia, músicos, ni los icónicos bailarines que esperábamos. Lo inaudible del set hizo flaco favor al encanto de pistas como ‘My Heart Is Refusing Me’, tan contundente como un hit de EDM en la versión estudio. Sólo cuando el público pudo intuir algún resquicio de ‘Euphoria’ y al final ‘Tattoo’, ganadora este año de Eurovisión, se levantó el asunto. O al menos los móviles para grabar lo poco que estaba sucediendo.

Beneficiada por lo acogedor de un escenario más pequeño, Luna Ki al menos pudo hacerse entender durante su divertido concierto, bastante lleno de hits, amenizado con proyecciones -algunas tipo lyric video servían mucho de ayuda por el entretenimiento-, algún invitado como featuring y sobre todo una pintona corte de cuatro bailarines dándolo todo y haciendo, puntualmente, vogue. Una pena no haberlo podido disfrutar entero, pues el escenario grande ofrecía una oportunidad única para ver a Sugababes.

Una vez recuperado el nombre de Sugababes tras una batalla campal, Mutya, Keisha y Siobhan saltaron al escenario de Brava Madrid entre una señora humareda. Reivindicaron su legado. Y el de otras Sugababes, por suerte, también.

La primera, en la frente, ‘Push the Button’ abrió el set de manera apoteósica, 5 minutos antes de que ‘Hole in the Head’ evidenciara en tercer lugar que se podía hacer sonar una guitarra acústica en este escenario de Brava Festival que parecía maldito. Con una banda medio oculta en segundo plano, Sugababes dominaron el escenario con elegancia. Lo hicieron sin grandes coreografías, pero con todo el saber estar sobre las tablas que había faltado en otros conciertos del festival.

Incluso sentadas en una banqueta durante baladas como ‘Ugly’ o recurriendo al mismo truco en su macrohit ‘Overload’, Sugababes hicieron alarde de una actitud que se replicaba en las pantallas del festival. Ver el gesto de Siobhan, aquella que llegó a acusar a Keisha de “bully”, perfectamente cómoda en este regreso, era emocionante. Incluso se vio a las chicas darse lo que debía de ser un honesto abrazo. Al fin y al cabo, han pasado casi una década tratando de recuperar el nombre de la banda, operando como Mutya Keisha Siobhan entre 2012 y 2019.

Tras una parte central un tanto más exenta de hits, un tanto más plana, el repertorio se recuperó con un bis en el que sonaron ‘Freak Like Me’, ‘Round Round’ y ‘About You Now’. Tres de sus mayores hits. La euforia de la última se trasladó -ahora sí- al respetable, y aunque hubiera asistentes que desconocieran quiénes fueron Sugababes, ahora que tanto se lleva volver a los 2000, que se vuelven a recuperar modas de hace 20 años, es justo que por fin hayamos podido ver desplegado este arsenal de hits en vivo.

La noche terminaría seguramente con un apeteósico concierto de Ojete Calor, que ya han triunfado en plazas más difíciles como el WiZink Center, pero el pavor a quedarme tirado en el Ifema a las 3 de la madrugada me pudo, y abandoné el recinto tras ver el final del set de Fusa Nocta y el principio del de Shangela. Fusa Nocta cierra con bailarines y una línea artística más concreta y definida que en Benidorm Fest, probando que hay mucha gente que aún recuerda ‘Mi familia’; mientras Shangela, con sus performances sobre Chanel y Beyoncé, entretuvo a los devotos de RuPaul. Sí, parece que otra forma de hacer festivales era posible. De hecho, ya hay fechas para Brava 2024: será los días 20 y 21 de septiembre. Sebas E. Alonso.

Rodrigo Cuevas convierte ‘CÓMO YE?!’ en una fiesta bajo la lluvia

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Rodrigo Cuevas ha presentado este viernes su nuevo álbum ‘Manual de Romería’. El sucesor del alabado ‘Manual de Cortejo‘ es una nueva amalgama de tradición astur y vanguardia, que ahora se publica bajo el paraguas de Sony. El álbum se define como «un viaje Atlántico desde Asturias» hacia el mundo y ha contado con la colaboración de Eduardo Cabra, legendario productor de Calle 13 como Visitante. La nota de prensa define el proyecto como «multidisciplinar», «universal y local, actual y antiguo» a lo largo de sus 10 canciones y 4 piezas-interludio.

Por su parte, el llamativo óleo de portada, con varias personas al desnudo, obra de Javier Ruiz Pérez, «representa el gusto por lo clásico y la pasión y el erotismo que Rodrigo Cuevas explicita en cada uno de sus proyectos». ‘Manual de Romería’, que será nuestro «Disco de la Semana», ha venido presentado por títulos como ‘Más Animal‘, que ya fuera nuestra «Canción del Día» hace unos meses. Hoy seleccionamos otra de ellas.

Aunque mi tema favorito de momento es el penúltimo, el de la «Resaca», llamado ‘Matinada’, merece la pena que destaquemos otro de los que sirvieron como avance del álbum. Se trata de ‘Como Yé?!’, que ha despuntado en el especial para RTVE que Rodrigo Cuevas acaba de grabar en el concejo de Piloña, en Asturias.

A lo largo de los 60 minutos de especial, suena la misma ‘Matinada’ (con error al principio de la letra), así como ‘ALLÁ ARRIBITA’ o ‘ROMERÍA’ en esta presentación del disco para RTVE. Pero es ‘CÓMO YÉ?!’ la que se ve profundamente beneficiada de esta presentación. En ese momento durante la grabación del especial se ha puesto a llover, aunque «el tiempo daba bueno», lo que no impide ni que Rodrigo Cuevas haga twerking, ni que el público deje de dar botes. Un hombre lanza un beso al artista y saluda, como símbolo de la alegría que contiene esta pieza que podría haber realizado el Stromae más fiestero. Irónico que hable del «verano de tu vida» y de piscinas.

En la entrevista con Irene Valiente que podéis ver en HQ en la web de RTVE, Rodrigo Cuevas explica qué significa esto de «Cómo yé?!». «Es una expresión que puede querer decir cualquier cosa. Cuando alguien es muy guapo, muy majo o muy atractivo, dices “Cómo ye?”. Y te responden: “ay, sí, cómo yé?”». Podéis uniros a la fiesta a partir del minuto 36 del siguiente vídeo.

«Free Sky Ferreira», la campaña

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Seguimos sin noticias sobre el segundo disco de Sky Ferreira, ‘Masochism’, que tiene que suceder a su álbum de 2013, ‘Night Time My Time‘. Lo último que escuchamos de la artista fue el single ‘Don’t Forget’ hace casi un año y medio.

Este fin de semana, sus fans se han organizado para desplegar una visible campaña bajo el lema ya conocido FREE SKY FERREIRA. Por un lado, un avión ha sobrevolado las oficinas de Capitol Records, desplegando una banderola con el lema. Por otro, otro anuncio ha sido contratado para su exhibición en la mismísima Times Square. El nivel.

Definitivamente va siendo el turno de su sello de mover ficha, pues se desconoce si ella puede siquiera pronunciarse en público. Hace unos meses defendía su derecho a ser una persona “difícil” y a estar “nerviosa” por toda esta situación. Manifestaba: “Estoy en una situación difícil y tengo que ser «difícil» para superarla. Tengo que protegerme a mí y a mi trabajo de alguna forma (…) Si no tengo permitido decir algo sin consecuencias y la gente que se supone que debe hacer su trabajo se niegan a ocuparse de mí… ¿Cómo no voy a ser «difícil»?”

toorai: «Hay algo en los pájaros que nos lleva a lo onírico y espiritual»

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toorai es una joven artista madrileña que nos ha conquistado con temas de R&B y neo-soul a lo James Blake como el estupendo ‘A veces caigo’. El proyecto en solitario de Ruth Cañada repetía en la producción con Sergio Salvi de Delaporte en la más bailable ‘Na me faltaría’, que ha terminado siendo su tema más escuchado, aun siendo el más reciente.

La artista revelación es la nueva invitada de nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, en la que cantantes que darán que hablar en el futuro seleccionan una pasión oculta. Y la suya son los pájaros.

¿Por qué has escogido hablar de pájaros en esta sección?
Relaciono los pájaros con libertad, ligereza y me da mucha envidia que puedan ir por cielo y tierra. También creo que la mayoría de las culturas tienen mitos y leyendas relacionados con aves, es curioso, hay algo de ellas que nos lleva a lo onírico y espiritual.
¿Usas filtros de pájaros o de alas en las redes sociales? ¿Cuál sería tu favorito?
Hay un filtro que te pone alas de alitas de pollo, creo que ese sería mi fav.

¿Qué pájaro te gustaría ser?
El cenzontle es guay, es un ave capaz de imitar casi cualquier sonido, incluso si es artificial. Se le llama el pájaro de las 400 voces.
Las voces de muchas cantantes se han comparado con pájaros, sobre todo femeninas, ¿hay alguna que te recuerde a su sonido en particular?
(risas) 645AR es pájaro 100%. En otro terreno totalmente distinto, las voces de Adrianne Lenker o Nick Drake pueden también acercarse al canto de un pájaro.

El concierto de Björk de Cornucopia se planteó como un show en el que se confundiera el sonido de pájaros con el de sintetizadores. Decía ella que en el show «los pájaros suenan como sintetizadores, los sintetizadores como flautas, y las flautas como pájaros». ¿Te parece particularmente inspirador este concepto? ¿O el sonido de pájaros como elemento instrumental?
Sí que es inspirador. Admiro mucho la manera en la que experimenta e innova Björk, tiene un pensamiento muy ingenioso. Me gusta ver entrevistas suyas. En general, todo lo que desafíe las normas, genere nuevas posibilidades y amplíe el vocabulario musical me resulta interesante.

Tus temas son más bien R&B o tienen texturas muy variadas y complejas, como ‘A veces caigo’, que es mi canción favorita. Si esta canción fuera un pájaro, ¿qué pájaro sería?
Gracias, ¡me encanta saber que es tu canción favorita! Si tuviera que comparar esta canción con un pájaro, diría que sería como un fénix. “A veces caigo” habla de perderse y encontrarse… y el fénix simboliza esa regeneración y resiliencia de la que se habla en la canción.

Si un tema tuyo fuera un pájaro que volara totalmente en libertad, ¿cuál sería?
Creo que ‘Viene y va’ es un tema liberador en cuanto al pensamiento de que nada es permanente, todo es cambiante y lo que hoy es, mañana puede no serlo. En definitiva, que todo viene y va, que es lo que dice la canción.

Los pájaros aparecen de manera explícita en muchísimas letras, como símbolo de libertad, de la magia o del miedo. Por ejemplo, ‘Close to You’ de los Carpenters, en la primera frase, para simbolizar el momento de enamoramiento. ¿Cuál sería tu canción con pájaro favorita?
Me hace gracia que me menciones ‘Close to You’ porque es una canción que me encanta cantar y además me lleva inevitablemente al ‘Close to you’ de Frank Ocean. Favorita me costaría decir, pero ahora mismo me viene la canción de ‘Big Bird’ de Eddie Floyd, ‘Big Bird in a Small Cage’ de Patrick Watson que dice “You put a big bird in a small cage and he’ll sing you a song…” Siempre me ha encantado esa frase y… en estas últimas semanas en mi casa ha sonado ‘Hummingbird’ de James Blake y Metro Boomin.


Los pájaros también han servido de metáfora en el mundo del cine: de ‘Los pájaros’ a ‘Cisne negro’. ¿Algún pájaro favorito en el mundo del cine o peli favorita sobre pájaros?
Nigel en ‘Buscando a Nemo’ es cute y gracioso.

¿Son las palomas las ratas del aire o también te gustan?
No soy nada hater con ellas, de hecho me gustan a nivel simbólico porque mi tía se llama Paloma y además recuerdo escuchar por las mañanas en el salón de la casa de mi infancia el ‘Cucurrucucú’ de Caetano Veloso o ‘Paloma Negra’ de Chavela Vargas.

¿Quién te gusta más: Birds o Birdy?
La verdad que no escucho ninguno de los dos. Diría Donald Byrd.

¿Algún meme de pájaros favorito?

David Guetta suspende su residencia en Ibiza por enfermedad

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David Guetta, lejos de Santander

David Guetta no podrá terminar su residencia veraniega en Ibiza, como planeaba. Este fin de semana su promotora informaba de que el cantante tenía un problema de salud que se lo impediría. Este es el texto del comunicado:

“Después de una temporada increíble en Ibiza, con dos residencias a la semana en los legendarios clubs Ushuaïa y Hï Ibiza, al igual que responsable de uno de los shows del verano con una nueva producción Monolith para 50.000 personas, lo que le ha llevado a sitios como Lollapalooza, Sziget, Main Square, Untold, Creamfields y Sou Manaus en Brasil; el resto de la temporada de David Guetta se va a ver acortada”.

Continúan, al fin, después de un punto y seguido: “Debido al consejo médico de su doctor, David Guetta tendrá que descansar durante al menos dos semanas después de haber contraído un virus la semana pasada”. Entre las fechas suspendidas, atendiendo a su web oficial, entendemos que están las de hoy mismo 25 de septiembre, el 29 de septiembre y el 2 de octubre.

David Guetta añade: “He tenido un verano increíble en Ibiza y por todo el mundo, y siento mucho no tener otra elección que cancelar mis residencias antes de tiempo. Sin emabrgo, ya estoy trabajando en planes increíbles para la temporada de Ibiza de 2024 en Ushuaïa y Hï Ibiza”.

El espectáculo Monolith al que alude el comunicado es el nuevo show de David Guetta, consistente en un -sí- monolito y pantallas LED, según las reseñas de festivales como Creamfields.

Usher actuará en la Super Bowl 2024 y anuncia nuevo álbum

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Después de muchos rumores acerca del artista que actuaría en el descanso de la Super Bowl 2024, Apple Music finalmente ha confirmado que Usher será quien se suba al escenario el próximo año. El cantante de R&B será, por tanto, el encargado de relevar a Rihanna.

El anuncio ha sido acompañado por un vídeo en el que Kim Kardashian llama al propio Usher para comunicarle que actuará en la final de la Super Bowl LVIII, que se llevará a cabo el 11 de febrero en el Allegiant Stadium de Paradise, Nevada. El artista ha ganado 8 Grammys a lo largo de su carrera musical.

«Es el honor de mi vida tachar por fin de mi lista de deseos una actuación en la Super Bowl. No puedo esperar para traer al mundo un espectáculo distinto a todo lo que habéis visto de mí antes. Gracias a los fans y a todos los que habéis hecho posible esta oportunidad. Nos vemos muy pronto», ha expresado el cantante.

Usher también ha aprovechado el anuncio para revelar que su noveno álbum de estudio saldrá el 11 de febrero de 2024, mismo día que su actuación en la Super Bowl. Se titulará ‘Coming Home’ y supondrá su primer trabajo discográfico desde 2016.

Amaia solo necesita voz y piano para brillar en su primer WiZink

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Ainhoa Laucirica

Desde que el 8 de mayo de 2022 diera el pistoletazo de salida a su gira ‘Cuando no sé quién soy’, Amaia Romero ha ido recorriendo España para promocionar su segundo trabajo discográfico. Anoche, esa gira concluía en la que iba a ser su parada más importante: el WiZink Center de Madrid, donde esperaban más de 10.000 personas.

El concierto tendría sorpresas y aumentaría considerablemente su duración con respecto a los del resto del tour, tal y como avanzaba la propia artista al inicio del mismo. Confesaba que su primer WiZink tenía que ser especial, y ese fue el principal objetivo durante sus casi dos horas. Como venía siendo costumbre, el concierto abría con ‘Bienvenidos Al Show’, pero pronto llegarían los cambios. El primero de ellos, dedicado a sus amigas de Pamplona que estaban presentes entre el público, cantando el tema de su primer disco ‘Todos Estos Años’, que reconocía que había tenido bastante abandonado.

En realidad, Amaia regresó en numerosas ocasiones a su álbum debut, ‘Pero No Pasa Nada’. Aparte de las frecuentes ‘El Relámpago’, ‘Nuevo Verano’ (con un pequeño guiño al inicio del otoño) y ‘Quedará En Nuestra Mente’, la artista interpretó la ya mencionada ‘Todos Estos Años’, ‘Nadie Podría Hacerlo’ en acústico y ‘Quiero Que Vengas’.

Por otro lado, Amaia volvió a mostrar que donde realmente se siente cómoda es frente al piano, y fue ahí cuando regaló algunos de los momentos más emotivos del concierto. Repitió el mashup de ‘La Canción Que No Quiero Cantarte’ y ‘Ave María’, volvió a su preciosa versión de ‘Fiebre’ de Bad Gyal y sorprendió con una cover de ‘Piel Canela’ de Eydie Gormé y Los Panchos, que dedicaba a sus padres por su 34 aniversario. Sus trucos de magia al piano terminaron con una maravillosa interpretación de ‘Cuando zarpa el amor’ de Camela.

Además, la que se convirtiera en ganadora de Operación Triunfo en 2017 aprovechó para cantar un trozo de ‘El Árbol’, como ella llama a la canción por ahora sin título que formará parte de la serie ‘La Mesías’, donde debutará como actriz. «Encajaba perfecta con la serie», revelaba al WiZink.

Ainhoa Laucirica

Ainhoa Laucirica
Haciendo alusión a su tema ‘Yo Invito’, Amaia invitó a todos a su concierto final. Rigoberta Bandini cantó junto a Amaia ‘Así Bailaba’, Alizzz apareció para hacer lo propio con ‘Sexo en la playa’ y ‘El Encuentro’, el productor Víctor Martínez se subía al escenario para acompañarla con la guitarra durante ‘Yamaguchi’, Rojuu interpretó con ella ‘Quiero Pero No’ y la extraña ausencia de Aitana durante ‘La Canción Que No Quiero Cantarte’ se suplió con la presencia de Samantha Hudson.

Nadie echó de menos la espectacularidad que hoy día se exige en la mayoría de conciertos. Amaia despidió su gira a lo grande con tan solo su voz, el piano y la guitarra. «Porque sé que al final todo pasa y morirá, quedará en nuestra mente y ya está», cantaba para despedirse de su primer WiZink. Sin embargo, su música quizá perdure más de lo que ella misma cree.

Gracie Abrams encuentra el camino en ‘Where do we go now?’

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Gracie Abrams es una de esas artistas emergentes que entienden más que nadie a las nuevas generaciones. Desde su preciosa ‘I miss you, I’m sorry’ en 2020, que le sirvió como carta de presentación de lo que acabaría definiendo su música desde entonces, la artista ha optado por melodías calmadas y melancólicas en las que ensalzar su composición. Lo hizo en su EP ‘This Is What It Feels Like’ y lo ha vuelto a repetir este año con su primer trabajo discográfico: ‘Good Riddance’.

Dentro de su álbum debut brillan canciones como ‘I know it won’t work’, ‘I should hate you’ o la pista que cierra el disco, ‘Right now’. Sin embargo, uno de sus mayores logros es ‘Where do we go now?’, su segundo single. Bajo la ayuda del productor Aaron Dessner, el tema sigue la estela minimalista que ya caracteriza su música, refugiándose en un pop alternativo que demuestra que, a veces, menos es más.

La canción cuenta las idas y venidas de una relación que no tiene futuro pero que, pese a ello, se sigue haciendo daño con mentiras piadosas que la alejan de la realidad. La cantante reflexiona sobre si merecería o no la pena volverlo a intentar, situando al oyente en mitad de una de esas recaídas. Es precisamente ese punto de la historia el que da sentido al repetitivo «¿A dónde vamos ahora?» del estribillo, en el que Abrams emula esos pensamientos que no te dejan dormir por la noche regresando una y otra vez.

El tema enarbola con orgullo su linealidad y crea una atmósfera perfecta que hace destacar a Gracie Abrams como compositora. «No queda nada aquí / Nuestros mejores años están atrás / Qué forma más brutal de morir / Pero tú siempre la eliges», canta en el segundo verso. Después se romperá en el puente, donde lleva la narrativa más allá y se desahoga terminándolo con un contundente y sincero «Pero te echo de menos».

Aunque ‘Where do we go now?’ acaba sin respuesta y no conocemos a dónde van esta vez los dos amantes de la relación, sí que podemos contemplar el camino al que ha optado dirigirse Gracie Abrams. Y ese camino pasa por una tremenda dedicación hacia sus letras y lo que quiere contar. Parece que, además, también tendrá otras paradas: la artista visitará Barcelona y Madrid el 18 y 20 de octubre con su ‘Good Riddance Tour’.