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Drake acusa a Megan Thee Stallion de mentir sobre ser disparada y esta responde

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Drake ha lanzado hoy ‘Her Loss’, su esperado álbum colaborativo con 21 Savage, y además de tirarle beef al marido de Serena Williams y a Kanye West, le ha dedicado una desafortunada barra a Megan Thee Stallion sobre su incidente con Tory Lanez en 2020. Tan desafortunada ha sido que la rapera de Texas se ha visto obligada a responderle con varios tweets.

El verso en cuestión está sacado de la novena canción del LP, ‘Circo Loco’, y en él Drake exclama: «Esta zorra miente sobre ser disparada, pero sigue siendo una semental» («This bitch lie ’bout getting shot but she still a stallion»). En julio de 2020, Megan aseguró que Tory Lanez le disparó en el pie después de una fiesta, pero el rapero negó los hechos. El caso se resolverá en un juicio el 28 de este mes.

Nueve minutos después del lanzamiento de ‘Her Loss’ la rapera llevó a Twitter sus pensamientos sobre el verso en el que Drake le acusa de mentir sobre ser disparada. «Sé que soy muy popular, pero tenéis que dejar de poner mi nombre en teorías conspiranoicas de mierda en vuestros versos». En otro tweet, Megan empezó a tomarse el asunto con más seriedad: «Dejad de usar mi tiroteo para ganar fama… ¡¿Desde cuándo coño es guay bromear sobre mujeres siendo disparadas?!»

En el mismo mensaje, la artista detrás de ‘Traumazine’ habló de forma más general sobre los raperos masculinos, criticando como estos «están listos para boicotear zapatos y ropa pero se cagan en una mujer negra cuando dice que uno de vuestros colegas la maltrató». En un tercer tweet, Megan avisó de que todo cambiará «cuando los putos hechos salgan a la luz» y le pidió a sus fans que recordasen «a todos vuestros raperos favoritos que apoyaron al tipo que disparó a una mujer».

En el último mensaje, Megan Thee Stallion abordó el hecho de que desde el tiroteo ha tenido que defenderse constantemente de personas acusándola de haberse inventado todo. «Me defiendo y ya estoy haciendo demasiado… esto nunca acaba y no ocurría hasta que dije que había sido disparada».

5 canciones de Migos que definieron las carreras de Takeoff, Quavo y Offset

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La muerte de Takeoff, de nombre real Kirshnik Khari Ball, ha dejado de luto al mundo del hip-hop y no es para menos. Solamente en 2022 han muerto otros seis raperos a punta de pistola, y todos recordamos las trágicas pérdidas de artistas tan talentosos como Pop Smoke, Nipsey Hussle o XXXTentacion.

Con tan solo 28 años, Takeoff había conseguido labrarse un gran nombre en la industria junto a Offset y Quavo, su tío, como parte de Migos, pero es que además en los últimos años se había empezado a hablar de él como el mejor miembro del grupo por su inigualable flow, energía y carisma natural. Indiscutible prueba de ello es el L.A. Leakers Freestyle que realizó el año pasado junto a sus compañeros de Migos a raíz del lanzamiento de ‘Culture III’. Si no sabes de qué hablo, no pierdas más el tiempo.

La devastadora noticia viene con doble filo. Si existía alguna posibilidad de que Migos se reuniesen otra vez, esa posibilidad está ahora extinta. Por esto mismo, y en honor a la memoria de Takeoff, hemos elaborado una lista de cinco canciones de Migos que creemos que hacen el perfecto equilibrio entre calidad y relevancia.

‘Cross The Country’ (2014)
Migos estaban en la cima del mundo en 2014. Su single debut, ‘Versace’ (2013), les valió su primera vez en el Billboard Hot 100 (#99) a raíz de un remix con Drake. Por si esto fuera poco, ‘Versace’ es considerada la responsable de popularizar los triplets, el particular flow de Migos, en el hip hop mainstream de los 2010s. Fue tal el impacto que posteriormente se empezó a llamar a este tipo de cadencia «el flow de ‘Versace'» o «el flow de Migos».

Si la que está en esta lista es ‘Cross The Country’ y no ‘Versace’, es por que esta última fue tan influyente que no ha envejecido muy bien, incluso si en 2013 no había nada que se le pareciese. Takeoff despega la canción con un verso que hoy en día sigue erigiéndose como uno de los mejores durante su tiempo con Migos. La grandeza de este tema radica en la energía cruda que desprendían los tres miembros cuando empezaron y en el buen ejemplo que es esta canción de ello. Además, el beat no suena tan anticuado, para ser 2014.

‘T-Shirt’ (2017)
En retrospectiva, ‘Culture’ es ampliamente considerado como uno de los mejores discos de trap de la historia. Estribillos ultrapegadizos, flows empapados de carisma, beats psicodélicos y adlibs por un tubo son todos los elementos que hicieron de este disco un punto de referencia en el hip hop de finales de los 2010s. Una de las canciones más memorables del LP, y una de las más exitosas del grupo, es ‘T-Shirt’, que alcanzó el Top 20 del Billboard Hot 100.

En ‘T-Shirt’, Takeoff despliega una de las participaciones más relevantes de su trabajo con Migos, llevando a cabo el refrán y el genial principal verso de la canción, que marca el tono del resto del tema. Digo que es el verso principal porque los versos restantes de Quavo y Offset tienen un tamaño muy reducido en comparación y, básicamente, son una extensión de todos los temas que ya cubre Takeoff en su parte. Esta canción ya tiene cinco años, que en el mundo del trap significa una eternidad, y sigue sin pasar de moda.

‘Stir Fry’ (2017)
‘Culture II’, con una tediosa duración de 1 hora y 46 minutos (24 canciones), no se caracterizaba precisamente por tener el enfoque de su predecesor. Aun así, no fue mal recibido por la crítica y sus singles fueron todos grandes éxitos. El mayor de estos fue ‘MotorSport’, que debutó en el número 6 del Billboard Hot 100 y significó la primera y última colaboración de Nicki Minaj y Cardi B en la misma canción.

Aunque podríamos haber incluido aquí tanto ‘Narcos’ como ‘Walk It Talk It’, finalmente nos decantamos por ‘Stir Fry’. Producida por Pharrell Williams y con uno de los beats más inusuales de toda la discografía de Migos, este tema fue originalmente creado en 2008 para una canción de T.I. que nunca vio la luz. Según Quavo, “Pharrell dijo que había estado esperando para este momento”.

‘Avalanche’ (2021)
‘Avalanche’ es un gran ejemplo de dejar lo mejor para el final. En una canción estructurada como una sucesión de tres versos, uno por cada miembro, sin estribillo y con un beat que es puro funk nostálgico de los Temptations; Takeoff brilla con fuerza sobre sus dos compañeros en el último verso del tema, y eso que Offset no se lo pone nada fácil. La dificultad y excelencia de su performance resaltan mucho más en el Tiny Desk que realizó el grupo por la salida de ‘Culture III’.

A mediados de 2021, Migos estaba de capa caída. No había tanto hype por una nueva entrega de ‘Culture’ y lo que les había hecho únicos en un momento dado ahora les estaba convirtiendo en redundantes. En menos de un año, Offset dejaría el grupo y Quavo y Takeoff pasarían a formar un nuevo dúo, Unc & Phew.

‘Two Infinity Links’ (2022)
El último proyecto lanzado durante la vida de Takeoff es ‘Only Built For Infinity Links’, un álbum colaborativo en el que Takeoff y Quavo emulan el clásico ‘Only Built For Cuban Linx’ de Raekwon y Ghostface Killah mientras intentan dejar atrás la larga sombra de Migos. Lanzado hace prácticamente un mes, este disco contiene las mejores actuaciones de la carrera de Takeoff, lo cual hace todavía más triste que ya no esté con nosotros.

La primera canción del LP, ‘Two Infinity Links’, es una versión dopada de ‘Avalanche’ construida en torno a un sample de 1969. El tema es dolorosamente breve, pero consigue dejarte con unas ganas tremendas de escuchar el resto del disco. En una escalofriante muestra de foreshadowing, Quavo rapea en su verso la frase «I never wanna see the day I lose my bro to one». 25 días después, Quavo estaba presente en el momento del fallecimiento de Takeoff.

Bonus: ‘Bad and Boujee’ (2016)
‘Bad and Boujee’ era la opción más obvia para colocar en un Top de canciones de Migos. Es, de lejos, su canción más conocida y exitosa, siendo tanto el primer número 1 de la banda como el de Lil Uzi Vert. En su momento, fue todo un fenómeno en Internet. Si no está en la lista es porque Takeoff no participa en ella.

Sin embargo, este hecho nos regaló uno de los intercambios entre artista-periodista más divertidos de la carrera de Migos, involucrando a un DJ Akademiks que no entiende a Takeoff, un Takeoff que está harto de repetirse, un Joe Budden que está harto de Migos y unos Migos que están hartos de Joe Budden. No tiene desperdicio.

‘El Agua’: ¿se puede mezclar a Bad Gyal con el realismo mágico?

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En una entrevista en la que criticaba cómo cierta industria de cine de autor se está volviendo mucho más convencional que algunas series, Elena López Riera se sumaba además a las voces que, como Clara Roquet, ponen de manifiesto las dificultades para dirigir cine si eres de la periferia (“la periferia” as in “ni Madrid ni Barcelona”) y, sobre todo, si no vienes de una familia bien.

Un “elefante en la habitación” de sobra conocido pero del que se está hablando más últimamente, y en el que López Riera opina que empiezan a abrir rendijas con su generación, aunque puntualiza que una cosa es la clase media y otra la más obrera, para la que sigue siendo casi imposible. Y la verdad es que todo esto es clave en una película como ‘El Agua’, donde una de las bazas es la autenticidad, el saber de qué se está hablando y haber podido aprender maneras de contarlo. Su pasión por el cine no viene de asistir a coloquios en filmotecas sino de ver pelis por la tele.

Después de cortos como ‘Pueblo’ o ‘Los que desean’, a sus 40 años (este es otro melón) Elena López Riera ha estrenado su primer largometraje, y lo ha hecho por todo lo alto: en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes, como le ocurrió a ‘Carmen y Lola’, pasando después por el Festival de Toronto y el Festival de San Sebastián. La directora sitúa la acción en su Orihuela natal, donde “el agua” representa muchas cosas. Puede ser un milagro en tanto que es imprescindible para las cosechas, y puede ser una maldición con las desastrosas riadas (la de 2019 les pilló a ella y al coguionista Philippe Azoury en pleno proceso de escritura, influyendo en el resultado final). Te puede poner un plato en la mesa y te puede dejar sin casa y hasta sin vida.

Pero es que esa ambivalencia también está en el amor, la familia, el sexo o tu lugar de procedencia, y en los sentimientos que hacia ellos tiene la protagonista: Ana es una adolescente que vive con su madre y su abuela, y que se debate entre, por un lado, huir de su pueblo, huir de acabar como ellas dos y dejar de ver “todos los días la misma carretera” y, por otro, cuidar de ellas dos y de los sentimientos que le nacen hacia José, el chico que está conociendo. Pero sobre todas esas dudas está también el respeto y el miedo a una nueva tormenta, ya que se dice que, con cada inundación, desaparece una mujer que tiene “el agua dentro”.

Y es en Ana donde está otra de las claves de la película. O, mejor dicho, en Luna Pamiés. La joven actriz no es que sea un descubrimiento, es que es uno de los mayores descubrimientos de nuestro cine en los últimos años, capaz de dar la réplica sin despeinarse nada más y nada menos que a Bárbara Lennie (que interpreta a su madre) y desprendiendo un magnetismo al actuar por el que no es de extrañar que al salir de la sala en San Sebastián se oyesen comentarios comparándola con Zendaya. Pero no hace falta irse fuera: en quien pienso yo es en Berta Socuéllamos y la presencia que tenía en ‘Deprisa, deprisa’ (aunque espero que nuestra sociedad le dé un futuro mejor a Luna).

Tanto ella como su compi Alberto Olmo están magníficos, y no deberían faltarle los papeles de aquí en adelante. Hacer el casting en la propia Orihuela ha sido un acierto, y está conectado con esa parte de la película que es prácticamente un documental: según cuenta López Riera, muchas mujeres se presentaron al casting solo para hablar con alguien, lo que le convenció para convertir eso en declaraciones a cámara contando historias, “a muchas les pedía que saliesen contándome su experiencia y me decían «no puedo, si yo no sé hablar, yo no puedo estar en una peli»… no piensan que su palabra sea legítima para ser escuchada, así que para mí era importante que su palabra estuviese de manera desnuda, por decisión no solo estética sino política”.

Y es que habrá a quien la mezcla de géneros aquí presente no le guste, pero en mi opinión forma parte del encanto de la película: coming of age con los sentimientos a flor de piel, realismo mágico con historias de miedo, costumbrismo y relato generacional que mezcla la desesperanza y la falta de oportunidades con poner ‘Fiebre’ de Bad Gyal en un botellón… todo eso también lo revuelve ‘El Agua’. López Riera defiende, además, que esa mezcla de géneros tiene mucho que ver con la forma de contar historias que tenían las mujeres en los pueblos, historias que se contaban en la cocina y en el patio y con las que ella ve a su propia abuela: “estas mujeres contaban las historias sin ningún tipo de reglas; a veces hay miedo en la industria a mezclar géneros, cuando es algo que está presente en la cultura popular de una manera mucho más viva que en el cine”. No es de extrañar, por tanto, que su siguiente proyecto, ‘Dame Veneno’, trate sobre la primera asociación feminista de España y su conexión con el espiritismo (!).

Deseando ver ese segundo largo, porque ‘El Agua’ puede que en algún momento se pierda al hablar de muchas cosas a la vez, puede incluso que esa mezcla saque de la película a parte del público, pero tiene lo que pocas veces se ve tan claro en una ópera prima: una visión propia y una pasión por retratar la realidad sin limitarse a la realidad. Por mucho que su directora diga que ella no quiere inventar nada sino copiar bien, hay en ‘El Agua’ algo difícil de explicar, algo que tiene más que ver con, precisamente, la magia. Quizás, la del cine.

P!nk apela definitivamente al público infantil en su nuevo single

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P!nk pasa página de su «era» de publicar canciones improvisadas -que duró exactamente una canción– e inicia nueva era de verdad, la que corresponde a su próximo disco. Y lo hace con una canción producida nada menos que por Max Martin y Shellback, tándem al que atribuimos éxitos del pop tales como ’22’ de Taylor Swift, ‘3’ de Britney Spears o ‘So What’ de la propia P!nk.

El nuevo single de P!nk trae un título prácticamente impronunciable por contener un doble negativo. ‘Never Gonna Not Dance Again’ es además una canción abiertamente disco-pop, divertidilla, que contiene sus vientos y sus cencerros, pero que no puede sonar más blanca, más limpia, más inocua e inofensiva. No se parece nada a una «canción de Whitney Houston».

Aún peor, «Never Gonna Not Dance Again Ever Again» recuerda demasiado a ‘Can’t Stop the Feeling’ de Justin Timberlake, para algunos la peor canción de 2016, lo que significa que en realidad parece una canción infantil, como de banda sonora de ‘Trolls’ o ‘Minions’. P!nk, que ha ido tan lejos de sacar una canción con su propia hija, se compromete definitivamente a hacer música para los más peques.

La misma sensación deja el videoclip de ‘Never Gonna Not Dance Again’: todo buen rollito en el supermercado porque a P!nk le pueden quitar todo, menos sus ganas de bailar. Claro que esto donde se puede bailar es en el supermercado o en el coche porque la van a poner en Los 40 Principales, desde luego no en las discotecas, nuestro verdadero refugio del pop más blandito. Ese que P!nk hace ahora contra todo pronóstico… o no. En realidad, ya estábamos curados de espanto.

Dragonette / Twennies

Mucho tiempo después de ‘Hello’, su bombazo con Martin Solveig, Dragonette ya no es el grupo de electropop que recuerdas. La canadiense Martina Sorbara es hoy su única integrante pero, como Nena Daconte, no renuncia al nombre de la banda que le dio a conocer. ‘Twennies’ es un trabajo que Sorbara escribe en solitario, y que reinventa el sonido de Dragonette necesariamente con la ayuda del productor israelí Dan Farber, aunque no siempre por las vías más excitantes.

Este año, Sorbara ha prestado su voz a ‘Slow Song’ de The Knocks, una de las mejores canciones de 2022 para quien esto escribe, por lo que, sobre el papel, que ‘Twennies’ traiga un sonido más orgánico es buena señal. Baterías, guitarras y sintetizadores son los ingredientes principales del repertorio, en canciones destacadas como la inicial ‘Seasick’, que mantiene la sensibilidad melódica de Dragonette, o ‘Hysteria’, que aporta matices más new wave e incluso post-punk, tan coloridos como la cara de Sorbara en la portada del disco.

Los temas estrella de ‘Twennies’ son dos. En primer lugar hay que hablar del power-pop «cheerleader» de ‘New Suit’, que habla sobre «volverse a encontrar a una misma mientras el mundo sacude tu vida». Después destaca especialmente el corte titular, el más electro-pop y disco-house de todos, y que Sorbara dedica a la fama: «cuanto más la tengo, menos la quiero» es su mantra, por si cabe alguna duda de lo que piensa la canadiense sobre la relevancia de Dragonette en 2022.

Estas canciones están bien, pero saben a poco comparadas con las mejores de Dragonette, como las contenidas en su disco ‘Fixin to Thrill’ (2009), y la segunda mitad de ‘Twennies’ sabe a menos todavía. Hay una canción de 54 segundos (‘This is All You Get’) y prevalece un sonido más acústico, también en cortes igualmente anodinos como ‘Stormy’, que remite a los primeros discos de Sorbara previos al nacimiento de Dragonette. Tiene cierta gracia el «sing along» de la final ‘Outie’, que habla de las redes sociales, pero en este disco de 26 minutos se echan de menos cumbres más marcadas.

‘Twennies’ es el primer disco de Dragonette en siete años. También es una especie de nuevo debut para la cantante. Sin embargo, sabe más a regalito para fans. Es un trabajo bien hecho dentro de su modestia, que no eleva demasiado el estatus de Dragonette pero que, al menos, contiene un par de buenos singles. Y siempre es un regalo escuchar la voz de Sorbara. Ojalá le hubiera interesado más continuar por el camino de ‘Slow Song’ aunque solo fuera un poco…

Los temores de Taylor Swift, retratados en ‘Anti-Hero’

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En su célebre ensayo ‘Lo siniestro’ (1919), Freud definía ese término, el «unheimlich», como la aparición de lo extraño, lo perturbador, lo amenazador, en un contexto familiar, cotidiano, íntimo. ‘Anti-Hero’ comienza con un detalle siniestro: el surgimiento de una sustancia extraña cuando Taylor Swift corta la yema de un huevo frito. La diferencia es que aquí esa sensación de inquietud es rápidamente desactivada por el tono humorístico del vídeo.

La aparición de unos fantasmas de chichinabo introduce una secuencia que juega con los códigos del cine de terror en forma de comedia. Una escena que termina con otra aparición inesperada: la del doble antagónico, la “anti-heroína”, de la cantante. A partir de esa irrupción, que coincide con el estribillo de la canción, todo lo que vemos funciona como proyección de los temores de Taylor, como representación simbólica de los fantasmas que la atormentaron en el pasado: sobrepeso, inseguridad, sobreexposición pública, abuso del alcohol…

La cantante exorciza sus demonios a través de varias metáforas visuales. Además de los fantasmas, que portan accesorios representativos de su pasado (el sombrero vaquero, las orejas de gato, las gafas floreadas), y el líquido viscoso con purpurina morada, que luego aparecerá también en forma de sangre y vómito (¿alusión a la estética de su etapa ‘Speak Now‘?), está la referencia a ‘Alicia en el país de las maravillas’, muy habitual en sus últimos vídeos.

Pero, sin duda, la parte más sorprendente del videoclip es la del funeral. Una secuencia de casi dos minutos, sin música, donde se recrea la estrofa de la canción en la que se habla de un sueño donde la nuera de la cantante la asesina para quedarse con su dinero. Un interludio satírico en medio de la canción, interpretado por los actores Mary Elizabeth Ellis, John Early y el cómico Mike Birbiglia, que funciona como cesta de easter eggs para fans: los gatos de la foto, el nombre de Kimber (referencia al verdadero nombre de Kim Kardashian), el vestido de la gira Fearless…

Joaquín Sabina saldrá de gira «contra todo pronóstico»

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Joaquín Sabina ha anunciado su primera gira en tres años. Fue en febrero de 2020 -antes de que cerrara todo- cuando Sabina sufrió una caída en pleno concierto en el WiZink Center de Madrid por la que hubo de ser operado de urgencia, y de la que se ha estado recuperando.

Sabina saldrá de gira «contra todo pronóstico» en 2023, pues así se llama la gira que acaba de anunciar y que le llevará de nuevo al WiZink los días 23 y 25 de mayo. Antes visitará el Gran Canaria Arena de Las Palmas de Gran Canaria el 20 de abril, el recinto ferial de Santa Cruz de Tenerife el 22 de abril, el Palacio de Deportes Martín Carpena de Málaga el 5 de mayo y la plaza de toros de Alicante el 10 de mayo. Las entradas salen el 10 de noviembre a las 12.00 horas.

Después de todas estas fechas, Sabina actuará en el Coliseum de A Coruña el 2 de junio, el Trui Son Fusteret de Palma de Mallorca el 10 de junio, la plaza de toros de Valencia el 13 de junio, el Bizkaia Arena Bec! de Bilbao el 23 de junio, la plaza de toros de Murcia el 1 de julio, la plaza de toros de Sevilla el 1 de septiembre, la plaza de toros de Granada el 8 de septiembre, el Navarra Arena de Pamplona el 15 de septiembre y el Palau Sant Jordi de Barcelona el 27 de septiembre. La gira española de ‘Contra todo pronóstico’ concluirá en el Pabellón Príncipe Pío de Zaragoza el 6 de octubre.

Pero, antes que estos conciertos, Sabina tiene fechas confirmadas en América. En marzo día 1 de marzo llegará a Bogotá (Colombia), el 4 a Lima (Perú), el 8 a Santiago (Chile), el 12 y 18 a Buenos Aires (Argentina), y el 1 de abril a Montevideo (Uruguay). Y después de las fechas españolas, Sabina volverá a cruzar el Atlántico para actuar los días 27, 29 y 31 de octubre en Ciudad de México, el 4 de noviembre en Guadalajara, y el 8 de noviembre en Monterrey.

Zahara y Natalia Lacunza visitan el universo de ‘PUTA’ en un imperdible remix

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“El día que exista el #MeToo en la música española, no habrá festival que aguante” es uno de los titulares que dejaba Zahara a su paso por el podcast «Revelación o timo» de JENESAISPOP, en el que hablaba largo y tendido sobre ‘REPUTA‘, la versión revisada de ‘PUTA‘ que incluye colaboraciones como las de Rodrigo Cuevas, shego o La Oreja de Van Gogh.

Ahora es Zahara quien aparece en la canción de otra persona. ‘No me querías tanto’ de Natalia Lacunza ya hablaba sobre una relación tóxica, en concreto sobre un «hombre malo» de la industria que pasó por su vida, y Zahara se la lleva al terreno de ‘PUTA’ junto con la co-producción de Martí Pernarnau IV, que convierte la canción original -producida por Pau Riutort- en una bestia de tecno oscuro que recuerda al trabajo de Moderat, y que no puede sonar más elegante.

Pero la remezcla tiene más miga. Afecta especialmente a la letra, que destaca frases concretas con las que se busca subrayar el sentimiento de trauma (la repetición de «quién me arregla a mí», el corte de «no me querías tanto, no me querías»). Y, sobre todo, añade un verso completamente nuevo de Zahara que profundiza en el discurso de ‘PUTA’ y que podría haber sonado en ese disco.

Se trata de un recitado desafiante que habla del abuso y de la violación y hace referencia a hombres que han «metido dedos donde no debían», que mandaron «fotos, DMs» y abrieron «puertas sin que os invitaran a entrar» y que son «cobardes» y no se atreven a «confesar». Zahara les reta: «¿cuántos de aquí van a soltar la mierda que han hecho pasar?» y, al final de su verso, la repetición de la frase «¿cuántos de aquí van a confesar?» pone directamente los pelos de punta.

En redes, Zahara ha explicado que no pensaba cantar en el remix de ‘No me querías tanto’, pero que se «calentó» y no pudo evitar «escribir unas barras». Por su parte, Lacunza ha afirmado que es «muy fuerte para mí» que el remix se haya producido.

Beyoncé se disfraza de anciana y se ríe de la espera por sus vídeos

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Demasiado tarde para incluirla en el especial «10 fotos que no debiste perderte» de Halloween 2022 llega una de las instantáneas más esperadas cada año, la de Beyoncé. La autora de ‘RENAISSANCE‘ y su familia se han disfrazado de la familia de ‘The Proud Family‘, serie animada estadounidense que narraba la vida de una familia humilde afroamericana, y que se emitió originalmente de 2001 a 2005, con sintonía cantada por las propias Destiny’s Child y Solange.

A Jay-Z le ha venido fenomenal disfrazarse del padre de la familia: prácticamente va de sí mismo. Al contrario que Beyoncé, que se ha disfrazado de la abuela Suga Mama, lo cual es gracioso porque Knowles tiene una canción llamada precisamente ‘Suga Mama’. El «mindfuck» viene después cuando descubres que la persona que va disfrazada de Trudy, madre de la familia, también es Beyoncé. Alguien en 2017 adivinó que Beyoncé se podría disfrazar de ‘The Proud Family’ por Halloween, pero no dio en el clavo con los personajes que adoptaría cada integrante de la familia, ni mucho menos que Bey haría doblete.

Y aún no hemos mencionado lo mejor: el disfraz de Beyoncé, a la cantante le ha servido para reírse del asunto de los vídeos de ‘RENAISSANCE’ que no terminan de llegar, y que sus fans siguen esperando como agua de mayo. Se supone que hay una película en camino, pero es noviembre, el disco salió en julio, y siguen sin haber noticias concretas. Parkwood Entertainment, sello de Bey, cree que, para cuando llegue la película, ya estaremos todos más viejos que Suga Mama.

Wolf Alice vuelven por la puerta grande pero con cierto espíritu de debut

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Óscar Gil

Vi por primera vez a Wolf Alice en directo hace 5 años, un 24 de noviembre en una sala muy pequeñita de un barrio del suroeste de Londres. Venían de publicar semanas atrás el aclamado ‘Visions Of A Life’, y recuerdo que la energía de ese bolo estuvo increíble. Quizás demasiado para mi gusto y mi poca tolerancia a los pogos, así que en esta ocasión decidí situarme unas filas más atrás para poder disfrutar mejor del big picture.

Los chicos de Wolf Alice colgaban el cartel de entradas agotadas en La Riviera de Madrid para hacer su segunda parada en el tour europeo de ‘Blue Weekend’, su último álbum. Ellie Rowsell se mostró muy agradecida en un par de ocasiones, afirmando que se trataba de la primera vez que hacían sold out con un bolo propio en la capital española.

El setlist de Wolf Alice en este tour (si bien sufría alguna alteración en comparación con su concierto en Lisboa pocos días atrás) acapara casi todo ‘Blue Weekend’, a excepción de los temas de intro y outro ‘The Beach’ y ‘The Beach II’. El segundo disco más tocado fue su debut, ‘My Love Is Cool’, si bien solo por una canción más que ‘Visions Of A Life’. La banda británica tiene ya a sus espaldas tantas canciones que hasta se puede entender que prescinda de la por ejemplo maravillosa ‘Turn To Dust’.

En cualquier caso, el concierto de Wolf Alice comenzó y lo hizo con unos minutos de retraso que finalmente consiguieron recuperar debido al aceleradísimo ritmo de su show. Ellie y compañía no se van por las ramas hablando entre tema y tema o interactuando con el público. Ellos han venido aquí a tocar y así lo demuestran, empezando con la enérgica ‘Smile’, uno de los cortes más guitarreros del último disco. Desde el minuto uno se sabe cuál es el rol de cada uno sobre el escenario: Ellie Rowsell es la frontwoman, con un carisma y un aplomo de cuidado, pero con una actitud muy lowkey que la hace aún más interesante. Y Theo Ellis, el bajista, es quien hace de animador, robando muchas veces el foco.

La primera parte va rodada, sonando casi sin descanso ‘You’re a Germ’ y ‘Formidable Cool’, temas con los que Wolf Alice se presentan como lo que siempre han sido: una banda de rock que, efectivamente, crea pogos. ‘Blue Weekend’ es un disco que coquetea con el dream pop e incluso la balada, por lo que su sonido actual sí ha cambiado relativamente. Lo cual no quita que el público lo reciba peor, y muestra de ello es el spoken word coreado que Ellie se marca en ‘Delicious Things’ o la atmosférica ‘Lipstick On The Glass’, las próximas en sonar.

Lo único que nos han dicho en este punto del concierto es «hola, Madrid» y poco más. Se agradece que los artistas se explayen un poquito más a la hora de interactuar con sus fans, sobre todo si vienen de otro país, pero se lo perdonamos por las fantásticas versiones de ‘Planet Hunter’ y ‘Space & Time’ que ofrecieron minutos después, llevándonos de vuelta a ese 2017. Se respira tanta intensidad que incluso Ellie se bebe un lingotazo de ginebra a mitad de canción. Y, de golpe y porrazo, Wolf Alice se quitan de encima su segunda canción más escuchada en Spotify. Es el turno de ‘Bros’ y toda La Riviera enloquece durante 3 minutos y 44 segundos de nostalgia pura.

Todo ello para dar paso a una de las mejores secciones del setlist. Ellie deja su guitarra eléctrica para interpretar de una manera más teatral la acústica ‘Safe From Heartbreak (If You Never Fall in Love)’, bajo un foco que proyecta su sombra en la lona de tela blanca enorme que cuelga por detrás. Un movimiento escénico que rechina un poco con la propuesta sobria que predomina, pero que nos pareció correcto. La tranquila ‘How Can I Make It OK?’ se sucedía después, demostrando ser una de las favoritas del nuevo disco por parte del público. Y aquí ocurrió lo contrario: después de la calma, llegó la tormenta. Las luces verdes poseyeron a Ellie en ‘Play the Greatest Hits’, el tema más tralla de ‘Blue Weekend’ que nos devuelve a los viejos Wolf Alice de nuevo.

Para bajar esas revoluciones decidieron meter ‘Silk’, mi canción favorita de Wolf Alice de siempre pero de la que prefiero su versión de estudio. No se transmitió del todo la inmensidad y profundidad del tema, por el sonido y por su quizás poca energía en ese punto ya avanzado del show. ‘Feeling Myself’ salvó un poco ese bache, si bien la siguiente sección no deslumbró tampoco. Después del remember con ‘Lisbon’ vinieron los casi ocho minutos de ‘Visions Of A Life’, los cuales están bien si decides cerrar con ellos. No quito mérito a los (un poco interminables) solos de guitarra de Ellie, pero aquello provocó que algunas personas de mi alrededor comenzaran a bostezar en ‘Hard Feelings’. Una pena porque se trata de una de las canciones más preciosas del último trabajo.

Antes del encore había sonado ‘Giant Peach’, también algo metida con calzador. Por suerte, Wolf Alice supieron volver a levantar el momento final con un último trío de ases que funcionó. Al regresar al escenario quisieron volver a sus inicios con ‘Moaning Lisa Smile’ para después culminar con dos de las mejores canciones de su carrera. Primero fue el turno de la balada a lo David Bowie ‘The Last Man On The Earth’, que pone los pelos de punta, y por último la mítica ‘Don’t Delete The Kisses’, con toda La Riviera coreando ese «What if it’s not meant for me?» que es casi un himno generacional.

Está claro que la popularidad de Wolf Alice ha crecido considerablemente en los últimos años y que este último disco, ‘Blue Weekend’, tiene una calidad sonora que ya les eleva a otra cosa. Quizás por ello deberían darle una vuelta al ritmo del setlist (no por minutaje sino por dinamismo) y esforzarse un poco más en crear esa intimidad con el público. Este concierto de Wolf Alice recordó bastante a aquel de 2017. Y eso a la larga puede ser muy bueno o muy malo. 7,6.

Cómo sobrevivir a un concierto de Kendrick Lamar en pista

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Amazon Prime

Tras prácticamente 8 horas de espera en la cola, de las cuales la mayoría fueron de pie debido al chaparrón que había caído la noche anterior, conseguimos entrar sobre las 20h en la pista del Accor Arena de París y colocarnos en el sitio exacto que llevábamos planeando desde hace días. Creíamos que estábamos listos para ver el Big Steppers Tour de Kendrick Lamar.

Tanna Leone fue el primer telonero. De él, solo sabíamos que tiene créditos en la canción ‘Mr. Morale’, ocupándose del puente del tema. Leone hizo un trabajo aceptable como calentamiento del calentamiento y con sus temas más agresivos ya empezamos a ser conscientes de la poderosa marea de gente en la que nos encontrábamos, aunque su set no durase más de 15 minutos. Leone fue un paseo por el parque comparado con la energía descarnada que liberó Baby Keem, sentida en todo el estadio, pero sobre todo en la pista.

El Accor Arena estaba en completa oscuridad cuando, sin previo aviso, apareció en la gran pantalla una brillante columna de agua azul, haciendo referencia al disco debut de Keem, ‘The Melodic Blue’. Antes de asimilar lo que estaba pasando, ‘trademark usa’ comenzó a sonar, Keem salió al escenario y cada persona de la pista no tuvo más remedio que entregarse a la voluntad de la masa. No había otra opción.

Para cuando terminó la media hora de Keem, con todos los golpes, el aire cargado de calor y el peso de las múltiples horas que habíamos pasado esperando en la cola, yo quedé exhausto, empapado de sudor y separado completamente de mis acompañantes. Con esfuerzo, podría haber vuelto al privilegiado sitio que tanta espera había costado, pero en ese momento prefería quedarme a las puertas de la guerra de pogos e intentar disfrutar del plato fuerte del show. Ante todo, fue inevitable quedar admirado con que la persona que había causado toda esta locura fuese un chaval de 21 años.

Tras conseguir un par de vasos de agua repartidos por el equipo de seguridad, era momento de disfrutar de uno de los mayores espectáculos que he presenciado nunca en un concierto. El stage estaba cubierto por una gran lona blanca cuando sonaron las dos primeras líneas del disco («I hope you find some peace of mind in this lifetime»). Inmediatamente después, y al son de unos intensos violines, los bailarines comenzaron a desfilar por la pasarela hacia el escenario al tiempo que movían rítmicamente los hombros, como si de unos zombis del videoclip de ‘Thriller’ se tratasen.

Kendrick tocó en el piano las primeras notas de ‘United in Grief’ mientras sostenía en sus brazos un títere hecho a su imagen y semejanza, vestido con la misma gorra y atuendo que el Lamar real. Kendrick no solo rapea bien, sino que además te puede hacer un decente número de ventriloquía. Las dos pantallas de apoyo se iluminaron cuando entonó los primeros versos. En la de la izquierda, un primer plano de Kendrick Lamar rapeando. En la de la derecha, un primer plano del títere, también «rapeando». La imagen mental habla por sí sola.

‘N95’ sonó sin ningún tipo de parón y devolvió al público la energía que había perdido con el primer tema. A partir de ahí, las olas de gente se relajaron un poco, excepto en canciones clave como ‘HUMBLE‘, ‘m.A.A.d city’ o ‘DNA‘, en las que temí un poco por mi vida; por no hablar de la absoluta locura que fue presenciar a Kendrick Lamar y Baby Keem realizar ‘family ties’ en directo. Son en esos momentos de entendimiento implícito en los que más se nota que son primos.

El show estaba dividido en dos partes y había sido concebido como una especie de sesión terapéutica, al igual que el disco al que representa. Es obligatorio mencionar que la mayoría de los temas que no eran del último LP fueron acortados. En ‘LOYALTY’ Kendrick se centró en la parte melódica de la canción y no rapeó ni una sola palabra, de ‘m.A.A.d city’ solo hizo la primera parte y en ‘King Kunta’ se comió el inolvidable tercer verso. Una pena, pero fue por el bien del espectáculo. Esto se compensó con la inclusión de temas tan clásicos como ‘Bitch, Don’t Kill My Vibe’ o ‘Money Trees’.

Kendrick no reparó en gastos. Los juegos de luces, la pirotecnia, las coreografías de los bailarines, las proyecciones que se reproducían en la lona a modo de sombra y los toques teatrales que se producían de vez en cuando hicieron de un concierto grandioso, una experiencia única. Hubo un momento COVID, en el que un gran cubo transparente bajó del techo, a modo de contención, y atrapó a Kendrick y a cuatro bailarines que iban vestidos con trajes antivirales. La «narradora» exclamó: «Sr. Morale, es hora de hacerse un test de COVID». Y así sucedió. Acto seguido sonó ‘Alright’, probablemente el himno más importante de la discografía de Kendrick.

Las últimas tres canciones (‘Crown’, ‘Mr. Morale’ y ‘Savior’), tan diferentes entre ellas, simplemente probaron lo que ya sabían las 20.000 personas que había en el recinto: que iba a ser muy difícil presenciar algo como esto de nuevo. Tras entonar la última nota, Kendrick salió de su personaje, sonrió por primera vez en el show y lo terminó con una declaración: «Os quiero».

Pese a los momentos de tensión, el sofocante calor y el terrible agotamiento post concierto (tras llevar alrededor de 11 horas de pie), me quedo con que todo mereció la pena. Si bien es cierto que, si solamente te importa la experiencia teatral y visual del concierto, te recomiendo encarecidamente que pienses en pillar un sitio en las gradas, por lo que pueda pasar.

Agoney, lo más visto del Benidorm Fest

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Días después de la primera aproximación al Benidorm Fest, hay un claro ganador por el momento, y ese es Agoney. Como comentábamos en la correspondiente crónica, fue de los pocos en coreografiar la actuación y presentar algo parecido a un número, pese a que recordamos que todavía no se han dado a conocer las canciones con que los aspirantes concurrirán en Eurovisión. Él se preparó algo para ‘Cachito’ y el público ha respondido, al menos en Youtube.

La presentación de Agoney es la más vista de las 18 que se presentaron en esta suerte de gala 0 de Benidorm Fest, con más de 110.000 visualizaciones, casi doblando a Sharonne, quien ocuparía el segundo lugar con su popurrí. La mayoría inmensa de aspirantes oscila entre 30.000 y 40.000 visualizaciones, ocupando las últimas posiciones los catalanes Siderland y Meler.

Estos datos no significan muchísimo por varias razones: es muy pronto, las cifras son bajas y no hay realmente ningún viral significativo. Insistimos en que ni siquiera se conocen los temas que van a interpretar, tan solo sus títulos. También hay que recordar que Rigoberta Bandini tenía los vídeos más vistos en la red el año pasado, pero no ganó Benidorm Fest.

Sin embargo, estos datos sí dan una idea del nivel de popularidad de cada uno, y de la aceptación que han tenido dichas actuaciones entre la audiencia. Agoney, que además es quien tenía más oyentes en Spotify de partida, parece salir con una minúscula ventaja, y además pinta a que, como mínimo, va a salir beneficiado de presentarse al certamen.

Visualizaciones del primer Benidorm Fest tras 4 días:
1.-Agoney 112.000
2.-Sharonne 61.000
3.-Alfred 46.000
4.-Sofía Martín 45.000
5.-Blanca Paloma 43.000
6.-Megara 39.000
7.-E’Femme 39.000
8.-Famous 37.000
9.-Fusa Nocta 36.000
10.-Alice Wonder 34.000
11.-Twin Melody 31.000
12.-Karmento 29.000
13.-Rakky Ripper 25.000
14.-Aritz Aren 25.000
15.-Jose Otero 21.000
16.-Vicco 17.000
17.-Siderland 16.000
18.-Meler 15.000

Oyentes mensuales y seguidores, antes de BF:


Selena Gomez estrena balada y habla sobre su trastorno bipolar

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Selena Gomez estrena documental este viernes, ‘My Mind & Me’, en el que documenta los momentos más vulnerables de su vida, como su trasplante de riñón a causa del lupus que padece, o su diagnóstico de trastorno bipolar. Alek Keshishian, que dirigió el mítico ‘Truth or Dare‘ de Madonna, dirige esta cinta rodada durante varios años y que Selena espera ayude a la gente, y que es tan personal que, dice, estuvo a punto de no estrenarla.

Las declaraciones de Selena se producen en Rolling Stone, donde la autora de ‘Rare’ es portada en el mes de diciembre, y donde profundiza sobre las vivencias que más han marcado su vida, especialmente su trastorno bipolar, que le llevó a sufrir un episodio de psicosis antes de ser diagnosticada.

En la entrevista, Selena revive los periodos de depresión que sufrió en torno al año 2015, cuando podía pasar semanas o meses sin salir de casa, postrada en su cama. En un punto de su vida empezó a escuchar voces y llegó a pasar meses hospitalizada en un «estado de paranoia» tal que sus amigos no eran capaces de reconocerla. Selena pensaba que todo el mundo conspiraba en su contra. Después, Gomez empezó a salir poco a poco de su paranoia, recibió su diagnóstico y empezó su tratamiento, que le llevó a probar varios tipos de medicación hasta que dio con la dosis adecuada.

En otro punto de la charla, Selena se sincera sobre lo diferente que es su vida a como ella se la había imaginado. La cantante pensaba que estaría casada cuando cumpliera 25 años pero que esto no ha sido así y que lo acepta. Por otro lado, la autora de ‘Lose You to Love Me’ señala que la medicación que está tomando hará que le sea casi imposible engendrar hijos, pero que «como sea que deba tenerlos, los tendré».

A la vez que Rolling Stone ha publicado su charla con Selena, la cantante ha estrenado ‘My Mind & Me’, la balada que acompaña el lanzamiento de su documental.

Se viraliza en TikTok la maqueta de Madonna que menos esperabas

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Madonna ha conocido 2 virales en TikTok en el último año: el remix de ‘Frozen’, que acaba de superar los 100 millones de streamings en Spotify, y ‘Material Girl‘, una de las canciones de los 80 que más se han utilizado en esta red social.

El tercero es aún muy incipiente pero muy llamativo y este sí que no lo vio venir nadie: se trata de una canción de Madonna bastante desconocida que ni siquiera está subida a Spotify y compañía. Es ‘Back that Up to the Beat (Do It)’, una de aquellas maquetas malditas que se filtraron meses antes de la edición de ‘Rebel Heart’ (2015).

La canción -con la colaboración y el sello de Pharrell- estaba completamente olvidada y jamás estuvo entre las inéditas favoritas de los seguidores de M, a diferencia de por ejemplo ‘Never Let You Go‘. Aun así, Madonna la rehizo como bonus track de la edición superdeluxe de 70 euros de ‘Madame X‘. Pero solo salió en físico en aquella caja. Nunca se subió a las plataformas de streaming. Además, lo que se ha viralizado es la demo de 2015, no la versión definitiva de 2019, que no tiene tanto que ver.

Por alguna razón, la demo está siendo usada de manera ralentizada, y ya es una de las 200 canciones más buscadas en Shazam a nivel mundial. Destaca su buen funcionamiento en Noruega, Suecia, Alemania, Holanda, Finlandia… y en general países nórdicos como ya ocurrió con el remix de ‘Frozen’, cuya viralidad nunca llegó a nuestro país ni otros latinos, salvo Francia.

Alguien ha subido el tema de manera ilegal a Spotify, junto a las versiones ralentizadas y aceleradas, y ahora solo cabe esperar si Madonna o su sello de entonces, Universal, se animan a mover ficha, si dejan el pequeño fenómeno pasar, pues Madonna sintió toda aquella filtración como «una violación», o si reaccionan 6 meses tarde como en otras ocasiones.


Yves Tumor lanza ‘God Is A Circle’, su primer single de 2022

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Yves Tumor vuelve con su primer lanzamiento en 2022. ‘God Is A Circle’ es su primera nueva canción desde el lanzamiento del EP ‘The Asymptotical World’ en 2021 y es producida por el reputado Noah Goldstein, quien ha colaborado con artistas de la talla de Frank Ocean, Kanye West o Arcade Fire. El lanzamiento ha sido acompañado con la salida de un videoclip igual de visceral que la canción. La nota de prensa apunta que el vídeo «explora un mundo emotivo y transgresor, brillantemente salpicado de referencias del cine de autor de los años 70».

El nuevo sencillo del artista estadounidense está construido en torno a un pegadizo riff descendente, que actúa de columna vertebral en un tema de corte psicodélico y experimental, con ruidos cacofónicos apareciendo cada pocos segundos. «A veces, parece que hay lugares en mi mente a los que no puedo ir», exclama Tumor al principio de la canción en un calmado tono, casi de narrador.

Yves Tumor ha concluido recientemente una extensa gira mundial que le ha valido numerosos elogios por parte de la crítica internacional, con algunos medios llegando a compararle con «la fuerza musical y cultural de Prince». Tumor lanzó su último LP en 2020 bajo el nombre de ‘Heaven To A Tortured Mind’.

Lingua Ignota llega a su fin y retirará su catálogo

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Lingua Ignota llega a su fin. Kristin Hayter, alma pensante de este oscuro proyecto experimental que ha pasado por el Primavera Sound este mismo año, ha anunciado que ya no publicará más discos bajo este alias y que, de hecho, planea retirar su catálogo. Las fechas restantes de su gira de otoño se mantienen en pie.

En un comunicado, Hayter explica que abandona el proyecto de Lingua Ignota por razones de salud mental. En concreto, asegura que tocar las canciones de Lingua Ignota le hace revivir traumas del pasado, y que no quiere que sus «heridas le destruyan». Hayter es superviviente de violencia doméstica.

La artista añade: «Comprometerme con este proyecto ha sido increíblemente doloroso. El año pasado no podía funcionar como persona. Y, desesperada, me permití sanar por primera vez en mi vida. Quiero vivir una vida sana y feliz, y he cambiado tanto yo misma como mi entorno para dejar que entre la luz. Por eso, el arte debe cambiar también. Voy a tomar una nueva dirección con mi música y estoy emocionada por el futuro». Hayter añade que está ilusionada por cantar «himnos» a su público, y que «la revelación se acerca».

El proyecto de Lingua Ignota nació en 2017 y creó un pequeño culto alrededor de su música, de corte religioso/espiritual, y donde caben desde himnos de folk celestiales a bestias de doom metal. ‘SINNER GET READY’, su último álbum, data de 2021.

Maria Rodés / Fuimos los dos

Si la pandemia fue una pesadilla para todas las personas -para los que perdieron a alguien, para los que tuvieron que pasarla completamente solos en una pequeña casa interior, por supuesto para los que murieron-, sumad a ello un proceso de ruptura. Ese es el fondo del nuevo disco de Maria Rodés, ‘Fuimos los dos’, un álbum aterrorizado ante la amenaza de la soledad. Como ya nos adelantaba ella misma cuando presentaba su proyecto de country conjunto con David Rodríguez, Rodés se puso a escribir una canción por día «para no volverse loca» mientras estaba confinada. Después, ha evitado que el disco no fuera estrictamente de confinamiento «porque no hay que revivir eso».

‘Siempre es domingo’ en recuerdo de aquellos infernales días de la marmota, o ‘Te voy a querer igual’ desde su ostracismo hastiado y en pijama sí nos llevan a aquellas semanas de aislamiento duro. Otras canciones no. Y además tampoco estamos ante un disco lúgubre referido a una ruptura concreta. María Rodés explica que es cierto que nunca se había abierto tanto, salvo en su libro de sueños ‘Duermevela’, pero aquí habla de varias relaciones de un modo bastante abstracto, sin comprometer a nadie, recordando también rupturas adolescentes o de otros puntos de su vida, cuestionando la durabilidad del amor.

Es el caso del single ‘Recordarte’, en verdad un ejercicio de optimismo. La letra se basa en una carta que Maria escribió a los 14 años, pero ha retocado cosas y al menos ahora representa una visión muy luminosa como propuesta de futuro: «no me voy a cansar de recordarte que te quiero como no he querido a nadie (…) si en algún momento te dan ganas de huir, de cambiar de aires y alejarte de mí, sigue tu camino, no te voy a molestar, voy a dejarte pasar como una estrella fugaz».

También suena vitalista ‘Oasis’ en sus «sha-la-las», como evitando que este sea un álbum con el que abrirse las venas. ‘Madame Bovary’, incluso desde su infelicidad en Madrid (a Maria Rodés no le gusta la capital porque se considera «de pueblo»), suena irónica, bastante divertida. Lo mismo que sucede con el ofrecimiento de ‘Salgamos juntos al jardín’.

‘Fuimos los dos’ ha sido grabado con Joel Condal, como el anterior ‘Lilith’, y con varias músicas acompañando, como Marta Roma al cello, Marina Tomás a la guitarra eléctrica o Isabelle Laudenbach a la guitarra española a los instrumentos de cuerda. Toda la música vuelve a ser exquisita, como siempre, esta vez muy tibiamente salpicada de ritmos latinos (‘Prefiero no decir nada’, ‘Te voy a querer igual’), si bien sabemos que Maria Rodés es capaz de idear experimentos más radicales y este disco quizá habría agradecido algo más de claustrofobia sonora en al menos algún punto.

Y es que son los momentos bajos, por supuesto, los que dejan calan más, y ‘Fuimos los dos’ contiene unos cuantos. ‘Ay soledad’, con su principio a capella, un tanto folclórico, conforma uno de los temas más hermosos. Como el paralizante ‘Soltar las armas’, en el que rememoramos con horror aquellos días en que realmente parecía que estábamos ante el «FIN-DEL-MUN-DO», y en el que, entre pianos y punteos, Maria Rodés te convence de que puede ser Minnie Riperton cuando quiera.

VIDA 2023 confirma a Julieta Venegas, Spiritualized…

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El festival VIDA de Vilanova i la Geltrú anuncia los primeros artistas confirmados en su edición de 2023, que tendrá lugar del 29 de junio al 1 de julio. Un total de 16 nombres emergen entre las confirmaciones, entre los cuales destacan los de Julieta Venegas, que presentará por fin su disco, suponemos; los queridísimos Spiritualized y también el gran Jorge Drexler.

Además, están confirmados los franceses L’Impératrice, muy queridos por su colorido electropop, funky y nu-disco, y también los estadounidenses Whitney, adalides del guitar-pop. Se suman Franc Moody, Alex Amor y Tim Bernardes entre los artistas internacionales.

Vida también confirma una tanda de artistas nacionales, entre ellos La Casa Azul, y también Xoel López y la artista revelación dani. Otra revelación de los últimos años, Queralt Lahoz, se suma al cartel. Killin’ Cactuz, el prometedor Yaunest, Maria Hein y Hologramma completan las confirmaciones.

Rihanna invita a Johnny Depp a aparecer en su especial de moda

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Johnny Depp ha estado en boca de todos este año debido a su juicio contra su ex mujer, la también actriz Amber Heard, uno de los más mediáticos de los últimos tiempos. La sentencia declaraba a Heard culpable de tres casos de difamación, y a Depp culpable de uno. A ojos del público, Depp es el gran héroe de la historia, y Heard la gran villana.

En las semanas posteriores al juicio, Depp ha intentado insertarse de nuevo en el mundo del espectáculo de diversas maneras y, por ejemplo, fue muy comentada su aparición en la edición de los MTV Video Music Awards celebrada el pasado mes de agosto, donde apareció vestido de astronauta.

Un año después de aquello, Depp hará un cameo que volverá a dar que hablar, ya que el actor aparecerá en ‘SAVAGE X FENTY’, el especial de moda de Rihanna. La propia Rihanna y su equipo le han invitado al show, informa TMZ, y Depp ha aceptado la propuesta.

Pero Depp no cruzará ninguna pasarela, explica el tabloide estadounidense, sino que protagonizará uno de los «momentos estelares» del especial, es decir, se le dedicará un segmento propio. En ocasiones previas ha sido el caso de Cindy Crawford o Erykah Badu, y Depp será el primer hombre que asuma este papel.

El cameo de Depp en ‘SAVAGE X FENTY’ dará que hablar porque se entiende que el caso de Depp y Heard -marcado por la violencia mutua- es más complicado de lo que se ha dictado. Que Depp vuelva a la gloria mediática, mientras Heard es condenada al ostracismo, está siendo cuestionado por muchos. El especial se estrena el 9 de noviembre en Amazon Prime.

Rosalía defiende la importancia de la fonética en sus letras

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Rosalía protagonizó una charla el pasado 5 de octubre en el Museo del Grammy en la que habló sobre ‘MOTOMAMI‘ y sobre su proceso creativo. La entrevista se había podido ver por fragmentos en la red hasta hace unos días, cuando la página del Grammy Museum la ha subido completa a su página web.

En la entrevista, Rosalía habla sobre la importancia de aportar una visión personal a su música, sobre todo cuando toca géneros como el reggaetón, o sobre su fascinación por la producción vocal: cuenta que la de ‘MOTOMAMI’ le costó rematarla un año. El mismo tiempo que le tomó perfeccionar sus letras. Y aquí es cuando defiende su lírica de manera ferviente.

Mucho se ha criticado el trabajo de Rosalía por supuestamente componerse de letras incomprensibles. En El Hormiguero, Pablo Motos le preguntó directamente si las escribía fumada. Rosalía se había pronunciado sobre la polémica de ‘HENTAI‘ (cuando la canción todavía no había salido) pero pocas veces ha defendido tanto sus letras como en esta charla.

Cuando Rosalía explica que utiliza su voz como instrumento principal para componer, la cantante entra en el tema de las letras y, siempre desde un tono jocoso, cuenta que ella prioriza la fonética a que estas sean fácilmente comprensibles. Minuto 45: «La fonética me costó un año perfeccionarla. La gente dice que no entiende las letras, y yo me pregunto: ¿te has parado un minuto a leerlas realmente? Yo antepongo la sonoridad de las letras a que se entiendan porque, para mí, si se nota la emoción, eso es lo importante. Muchos de mis artistas favoritos ni siquiera cantan nada que tenga sentido, se centran en el sentimiento. ¿Qué más da si la emoción está ahí? Y, aún así, trabajé en las letras durante un año. La gente que dice que no las entiende podría tomarse un minuto y leerlas».

La importancia de la fonética en ‘MOTOMAMI’ es evidente, por ejemplo, en ‘BIZCOCHITO‘, en la que la sonoridad de las frases crea adicción. ¿Soy el único enganchado a eso de «hablan bullshit / to’ lo que dicen falsea / y mi make-up en la ola de Corea»? Por el éxito de la canción, ahora mismo la más escuchada del disco, seguro que no.

Black Eyed Peas fusilan otro hit de los 90 en su single con Anitta

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Black Eyed Peas, definitivamente de vuelta a sus tiempos de gloria, han anunciado que su nuevo disco verá la luz el próximo 11 de noviembre bajo el título de ‘ELEVATION’. Será la continuación -casi conceptual- de su disco ‘TRANSLATION‘, publicado hace un par de temporadas.

El grupo de will.I.am, apl.de.ap y Taboo ha conseguido recientemente un éxito moderado con ‘DON’T YOU WORRY‘, el single de presentación de ‘ELEVATION’, que cuenta con la participación de Shakira y David Guetta y estos días se mantiene dentro de la lista de singles española, en el puesto 85, después de haber llegado al 13. Hoy supera los 100 millones de streamings en Spotify.

Si ‘DON’T YOU WORRY’ suena a la EDM que practicaban Black Eyed Peas hace una década, los californianos continúan pegados a la pista de baile en el siguiente sencillo de ‘ELEVATION’, en el que aparecen Anitta y El Alfa como artistas invitados.

‘SIMPLY THE BEST’ abrirá la secuencia del disco y fusila -como lo hacían varias pistas de ‘TRANSLATION’- otro hit emblemático de los 90, en este caso, uno tan conocido como ‘Finally’ de CeCe Peniston, cuya melodía canta will.I.am. a modo de interpolación. Menos EDM, ‘SIMPLY THE BEST’ apuesta por un sonido más noventero y latino.

El videoclip de ‘SIMPLY THE BEST’ muestra a Black Eyed Peas, Anitta y El Alfa cantando y bailando la canción frente a varios edificios y lugares turísticos, entre ellos el Teatro-Museo Dalí de Figueres, inconfundible por su surrealista aspecto.

‘ELEVATION’:
1. Simply the Best ft Anitta y El Alfa
2. Muévelo ft Anuel AA
3. Audios
4. Double D’Z ft J. Rey Soul
5. Bailar Contigo ft Daddy Yankee
6. Get Down ft Nicky Jam
7. Dance 4 U
8. Guarantee
9. Filipina Queen ft Bella Poarch
10. Jump
11. In The Air
12. Fire Starter
13. No One Loves Me ft Nicole Scherzinger
14. Don’t You Worry ft Shakira y David Guetta
15. L.O.V.E ft Ozuna

Sila Lua no es lo que te parecerá en primera escucha

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Este viernes 4 de noviembre Altafonte publica el disco de debut de la cantante Sila Lua. El proyecto de Sila Luaces -nacida en Vigo hace 25 años, residente en Madrid- se ha dado a conocer a través de series como ‘Élite’ (‘Nada‘ suma 1,5 millones de streamings en Spotify) y ‘La edad de la ira’, y también por la reivindicación que de ella ha hecho gente como Julieta Venegas. Esta se enamoró de su tema ‘Quiero llorar’ tan pronto como en 2019 y recientemente Sila Lua ha adaptado el clásico de Julieta ‘Eres para mí‘, añadiendo una estrofa propia y nuevos sonidos.

Es ‘Eres para mí’ una de las canciones que se incluyen en ‘Rompe’, el álbum de Sila Lua que sale mañana. Pero es solo la punta del iceberg. ‘Tanta vida‘, el tema que aparecía en ‘La edad de la ira’ y que también irá en el disco, es un R&B minimalista con toques de James Blake, en el que de repente irrumpe un puente que más bien podría haber aportado Caribou.

Influencias como FKA twigs afloran en su música, tampoco ajena a algún toque de reggaetón, como es el caso del beat de ‘Viaje al fin de la noche‘. Pero aparece de manera muy particular. La sexual canción, cuyo estribillo repite «si consigues que me corra, me caso contigo», oscila de manera improbable entre ‘Yeezus’ de Kanye West y ‘Slow’ de Kylie Minogue.

Otro single reciente es el rítmico ‘Makara’, mucho más influido por la cultura hip hop y los beats orientales, quizá los que la llevaron a telonear a Mala Rodríguez. Pero el álbum nunca pierde de vista cierta unidad, gracias a la oscuridad que impera en cuanto a producción. Este no es un disco apto para el gran público en ese sentido. Agoney o Lola Indigo nunca firmarían ciertas cosas.

‘Rompe’, además, es un disco conceptual que utiliza la figura de «un barco como vehículo para contar el viaje iniciático que la artista se ha dispuesto a emprender. Cual diario de bitácora, cada canción muestra una parada de este viaje». Por eso en «todas las canciones encontramos guiños a la cultura del mar que, además, sirven como metáforas para tratar temas como la independencia, la búsqueda de una misma, la soledad, el desengaño, el amor o la fuerza interior».

Esas independencia y búsqueda de una misma -o también el feminismo- son los temas principales de ‘Patrón’, que escogemos como «Canción del Día» para este jueves. Se trata de otra turbia producción bajo la producción de Mumbai Moon (Marc Seguí, Pimp Flaco, Amaral), que parece retratar en su negritud centenarios de violencia de género.

«Por mis venas corren llantos, maltratos», lamenta en la primera parte de esta colaboración con LaTorre, refiriéndose luego a aquellas que «aguantaron palizas de un mundo que no las quiso». Sila Lua pide que se «aborte la guerra» y sobre todo que «no repitamos el patrón, paremos esto por favor». Destaca el trabajo de cuerdas, en este directo compartido en Youtube, realizado únicamente con un grupo de mujeres músicas.

¿Estamos capacitados para decidir cuán feminista y antirracista es Beyoncé?

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Era una cuenta pendiente dedicar un capítulo de REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP a Beyoncé. A falta de que la artista complete las 3 partes de ‘Renaissance‘, pues solo conocemos la primera, y de que se estrene una supuesta película al respecto, hemos preferido centrarnos en otros aspectos de su carrera. Para ello, hemos invitado a la autora del reciente libro sobre Beyoncé, ‘Beyoncé en la intersección: pop, raza, género y clase‘ (Dos Bigotes), que analiza a la artista desde estos puntos de vista en lo que resulta un magnífico ensayo de 240 páginas. El libro está a la venta en la tienda de JENESAISPOP junto a otros libros y productos. Los gastos de envío son gratis a partir de 30 € utilizando el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL.

Elena Herrera Quintana, doctora en Sociología por la Universidad Complutense de Madrid, derriba con argumentos y una robusta documentación todos los tópicos que rodean a Beyoncé sobre feminismo y antirracismo. ¿Incurre en contradicciones Beyoncé como feminista? ¿No tiene sentido su lucha antirracial simplemente porque es rica? Herrera Quintana es muy crítica con la prensa española por no ahondar en los significados más profundos de la obra de Beyoncé y JENESAISPOP está también en su punta de mira por considerar ‘Single Ladies’ una «canción machista«.

En este podcast debatimos ampliamente sobre qué significa «no ser lo suficientemente feminista», quién está capacitado para decidir tal cosa y sobre todo acerca de la «ignorancia blanca», un concepto que aparece repetidamente en este ensayo. Elena Herrera Quintana sostiene que desconocemos, por ejemplo, qué significa el matrimonio y la maternidad, o también el pelo, en la cultura negra, para valorar ciertas cosas con propiedad. Se pregunta también, entre otras cosas, por qué los desnudos de Juliette Binoche o Tilda Swinton se consideran artísticos pero los de las divas del pop, chabacanos. ¿Estamos ante otra lucha entre alta cultura y baja cultura?

Estas casi 2 horas de conversación no dan solo lugar a un apasionado debate sobre raza, género y clase sino también por supuesto pop. Con la colaboración de Elena Herrera Quintana repasamos toda la carrera de Beyoncé desde los tiempos de Destiny’s Child hasta el «Acto 1» de ‘Renaissance’, seleccionando sus puntos álgidos y sus puntos bajos.

¿Fue su segundo disco un mayor precedente de la Beyoncé que conocemos hoy que su debut? ¿Merecía ser ‘I Am… Sasha Fierce’ uno de sus proyectos más exitosos? ¿Fue ‘Beyoncé’ el gran punto de inflexión de su carrera o lo fue más bien ‘4’? ¿Es ‘Lemonade’ su gran obra maestra? ¿Qué podemos rescatar de proyectos que parecen menores como el disco de The Carters o el proyecto de ‘El Rey León’?

Everything But The Girl anuncian su primer disco en 24 años

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Tracey Thorn ha anunciado a través de Twitter que la próxima primavera habrá nuevo disco de Everything But the Girl. Será su primer álbum desde 1999, cuando publicaron el último de los discos de su reinvención electrónica, ‘Temperamental’. Como el disco saldrá ya en 2023, será el primero en 24 años.

En este tiempo, la pareja formada por Tracey Thorn y Ben Watt se ha casado (tras 27 años de relación previa) y ha sacado discos por separado. En ocasiones sonaban a su trabajo conjunto (sobre todo Tracey en su faceta más electrónica o en alguna remezcla), en ocasiones abrazando más bien el folk en el caso de él. Es por este motivo que es todo un misterio a qué sonará su regreso: si a los primeros Everything But the Girl de los 80, a los electrónicos de los 90 o a los últimos trabajos de Tracey y Ben en solitario.

La última vez que entrevistamos a Tracey Thorn le preguntamos por un hipotético regreso, y esta era su respuesta: «A veces lo hablamos, no es como que ni lo pensemos, pero en parte, en los últimos años, si ves lo que hacemos Ben y yo, son cosas muy diferentes. Si oyes el último disco que ha hecho él y el que he hecho yo, verás que estamos en lugares diferentes. Son dos personas que no harían ahora mismo una banda juntas. Y no queremos hacer lo mismo que ya hacíamos. Además, si hacemos otro disco, será un «comeback», la continuación de ‘Temperamental’, un disco de hace 20 años. Mientras que si hacemos nuestra música, es solo el disco nuevo, no tiene más significado, es el disco en el que hemos trabajado».