Entre las novedades que os presentábamos el pasado viernes en «Ready for the Weekend«, destaca el regreso de Natalia Lafourcade. ‘De todas las flores’ adelanta el nuevo disco homónimo de la cantante, que saldrá el próximo 28 de octubre, es decir, en poco más de un mes.
‘De todas las flores’, hoy nuestra «Canción del Día», es una deliciosa composición acústica, con cierto ritmo de bossa y exquisitos arreglos de piano y guitarra, que recuerda también a la canción melódica de los años 60 y 70. Sobre todo por los coros, que tienen su explicación conceptual. El tema retrata con nostalgia un amor que se estropeó como las flores que dan título a la grabación. «De todas las flores que sembramos, solo quedan unas encendidas», comienza diciendo la letra, antes de empatizar con todo aquel que se haya enamorado un poquito en la capital de nuestro país: «Cuando nos reímos, cuando nos tuvimos / En las calles de Madrid borrachos fuimos sin un rumbo fijo».
El nuevo disco de Natalia Lafourcade retrata una relación frustrada. Así lo ha explicado ella misma hablando del germen del largo, como recoge la web argentina Página 12: «Fue en 2018, después de una ruptura amorosa. Una relación que empezó con pasión y fuegos artificiales y se deterioró hasta convertirse en agonía y autodestrucción. A veces tenemos que experimentar esos momentos para entender que el amor está más conectado a la relación que tenemos con nosotros mismos».
También ha hablado sobre volver a crear al margen de sus conocidas versiones y del coro de mujeres que escuchamos en este tema, según La Higuera: «Un amigo me recordó que hace mucho no escuchaba algo puramente mío. Eso me hizo tomar conciencia de que tal vez me estaba escondiendo de lo inevitable: de encontrarme conmigo misma. Esa toma de conciencia que nació con ‘De todas las flores’ me hizo emprender un viaje súper profundo. Busqué reflejarlo en la letra y en la dirección del coro de mujeres que se escucha; es como la energía de la mujer volcán, la energía de la mujer curandera con el canto que limpia, el canto que alivia. Llegué a ese jardín que se había quedado abandonado y vi nuevas flores nacer».
Así quedará el tracklist del álbum:
1.Vine solita
2.De todas las flores
3.Pasa los días
4.Llévame viento
5.El lugar correcto
6.Pajarito colibrí
7.María la Curandera
8.Caminar bonito
9.Mi manera de querer
10.Muerte
11.Canta la arena
12.Que te vaya bonito
Un año más marineros, soldados, solteros, casados el Festival de San Sebastián ha supuesto el mayor punto de encuentro de la industria audiovisual española, y uno de los mayores puntos de encuentro internacionales. El palmarés se conoció este fin de semana: el jurado compuesto por Matías Mosteirín (sustituyendo a Glenn Close), Antoinette Boulat, Tea Lindeburg, Rosa Montero, Lemohang Jeremiah Mosese y Hlynur Palmason decidió alzar como inesperada ganadora de la Concha de Oro a ‘Los Reyes del Mundo’.
Sonaban ‘Winter Boy’ y ‘La Maternal’ como favoritas, y desde luego no se fueron de vacío: el Premio a la Mejor Interpretación fue un ex-aequo para sus jóvenes protagonistas: Paul Kircher y la niña Carla Quilés. Curiosamente, otra niña fue quien se llevó el Premio a Interpretación de Reparto, Renata Lerman por ‘El Suplente’, mientras que el Premio Especial del Jurado recayó en ‘Runner’, Mejor Guión en ‘A Woman’, Mejor Dirección en ‘A Hundred Flowers’ y el cuestionado premio de Mejor Fotografía fue para Manuel Abramovich por ‘Pornomelancolía’.
JENESAISPOP estuvo presente durante todo el Zinemaldia 2022 y, como es costumbre, os ofrecemos una mini reseña de las películas y series que pudimos ver, y próximamente publicaremos reseñas más detalladas de algunas de ellas cuando se vaya acercando el estreno. Os recordamos que ya están en cines ‘Modelo 77‘ y ‘No te preocupes querida‘.
Las propuestas españolas han tenido un especial protagonismo este año. La mayor expectación estaba alrededor de ‘La Maternal‘: Pilar Palomero había puesto indirectamente el hype por las nubes tras recibir el Goya a la Mejor Película con su ópera prima hace dos años… y este segundo paso no solo ha estado a la altura sino que lo supera. Personalmente ‘Las Niñas‘ no me chifló, pero ‘La Maternal’ sí que me parece una dignísima ganadora a Mejor Película del año, y con toda la emoción que me faltaba en aquella. La debutante Carla Quílez y Ángela Cervantes deberían estar en las nominaciones de interpretación este año (aunque Quílez, por edad, sabemos ya que no), y en realidad todo su reparto, con personas reales casi interpretándose a sí mismas, está maravilloso.
Palomero mima además la historia con una excelente composición de planos y una cuidada banda sonora en la que vuelven a aparecer sus adorados Estopa: quién hubiese dicho que se nos iba a encoger el corazón con ‘Tu Calorro’. Comparte también el punto coming of age, aunque sin mamás adolescentes de por medio, ‘El Agua‘, una de las grandes joyas de esta edición, debut de Elena López Riera con el que fue seleccionada nada más y nada menos que en el Festival de Cannes.
La directora teje una historia que rebosa autenticidad por los cuatro costados, y que acierta al contar en todo momento con los “personajes” de la historia real que se quiere contar: López Riera planteó un casting en su Orihuela natal y de ahí salió la magia natural entre Luna Pamiés y Marcos Olmo (amadrinados por Bárbara Lennie y Nieve de Medina), que con toda probabilidad van a estar en los Goya a Actor/Actriz Revelación.
Precisamente Bárbara Lennie aparece también en ‘El Suplente’ y es la absoluta protagonista de ‘Los Renglones Torcidos de Dios‘, la dificilísima adaptación de Oriol Paulo del libro de Torcuato Luca de Tena. Cuesta pensar qué otra actriz de nuestra país que no sea Bárbara Lennie podría interpretar a Alice Gould y salir indemne. Porque aquí sí ocurre. ¿Y Oriol Paulo sale indemne? Depende. Si vemos la película teniendo en cuenta que el libro solo es material de partida y que los complejos análisis psicológicos de allí se ven aquí sustituidos por un thriller serio-petardo marca de la casa, cuyas dos horas y media se pasan volando entre mil giros de guión por minuto, nos divertiremos mucho.
Otro thriller marca de la casa, pero radicalmente distinto en esa marca, fue ‘As Bestas‘, el regreso de Rodrigo Sorogoyen al cine tras su incursión en la pequeña pantalla con ‘Antidisturbios‘. Luis Zahera, salvo catástrofe, será el próximo ganador del Goya a Actor de Reparto por la bestialidad (no pun intended) que hace aquí, sin ensombrecer por ello a Denis Ménochet (‘Malditos Bastardos’) y Marina Foïs, protagonistas de una historia que por momentos parece una metáfora sobre la situación política de nuestro país tras la irrupción de VOX, y por momentos una historia amarga de amor, devoción y constancia.
Otra historia de amor, en este caso a una misma, es la que trata ‘Mi Vacío y Yo‘, que ya pudimos ver anteriormente en el Festival de Málaga. Se trata del nuevo proyecto de ficción de Adrián Silvestre tras la excelente ‘Sedimentos’, que precisamente se presentó hace justo un año en la anterior edición del Festival de San Sebastián. Silvestre vuelve a acertar jugando con la ficción y la realidad de la vida de su protagonista, una entregadísima Raphaëlle Pérez con la que es imposible no empatizar. Una historia íntima y (a priori) sencilla como es también el caso de ‘La Consagración de la Primavera‘, magnífico regreso de Fernando Franco (‘La Herida’) que seguramente traiga cola al tratar la asistencia sexual, aunque realmente el centro de la historia es el juego de espejos entre dos protagonistas (geniales Valéria Sorolla y Telmo Irureta, acompañados por Emma Suárez) que querrían disfrutar de su sexualidad pero, por razones distintas, no pueden hacerlo.
En cuanto a la sección de Horizontes Latinos, además de la ganadora ‘Tengo Sueños Eléctricos’ de Valentina Maurel, recomendamos especialmente ‘La Jauría‘, un descarnado drama de Andrés Ramírez Repulido que compara la jaula de la masculinidad tóxica con la jaula real a la que se ven condenados unos criminales adolescentes, y ‘Sublime‘ de Mariano Biasín que es todo lo contrario: una tierna historia argentina de amor adolescente que puede ser una mezcla entre ‘Heartstopper’ y ‘Tormenta de Verano’.
Todo esto sin olvidarnos de ‘Historias para no contar‘, la nueva película de Cesc Gay con un repartazo que incluye a Maribel Verdú, Alexandra Jiménez, José Coronado, Antonio de la Torre, Chino Darín, Anna Castillo, Quim Gutiérrez, Álex Brendemuhl, María León o Brays Efe; ‘Bardo‘, el nuevo más-difícil-todavía de Alejandro Iñárritu (dato curioso: cortó 20 minutos desde Venecia hasta Donosti, y parece que va a seguir cortando) o ‘Modelo 77’, el regreso de Alberto Rodríguez del que ya os hemos hablado.
Yéndonos ya al panorama internacional, había muchas ganas de saber qué llevó al jurado de Cannes a conceder el máximo premio a ‘Triangle of Sadness‘ de Ruben Ostlund, y por fin pudimos salir de dudas. Cannes sigue en su línea de premiar películas excesivas, divertidas (entiendo que este adjetivo para ‘Titane‘ pueda ser discutible) y, en definitiva, loquísimas. Precisamente ‘Triangle of Sadness’ puede recordar en ciertos aspectos a ‘Parásitos‘ en el viaje que plantea durante casi tres horas que, especialmente a partir del segundo acto, pasan con mucha facilidad.
Quizás la única capaz de hacerle competencia en cuanto a expectación era ‘Blonde‘, el esperadísimo biopic sobre Marilyn de Andrew Dominik, en nuestro país doblemente esperado al estar Ana de Armas interpretando a la que seguramente sea la mayor estrella de cine de la Historia. ‘Blonde’ no es una película en la que sea fácil entrar, y está llena de “decisiones”, pero, incluso cuando estas decisiones no terminan de funcionar, contribuyen a un viaje que te dejará el cuerpo revuelto unos días cuando pienses en ella. La visceralidad en la magnífica interpretación de Ana y el carácter antipático de la película no son nada Oscar-friendly, pero ojalá haya sorpresas.
Dos grandes directores que elegían la Sección Oficial del Zinemaldia para presentar sus nuevas propuestas fueron Christophe Honoré y Sebastián Lelio, con desigual resultado y suerte. El director de ‘Vivir deprisa, amar despacio’ ha acertado de pleno con ‘Winter Boy (Le Lycéen)‘, quizás su mejor película hasta el momento. Honoré vuelve a contar con Vincent Lacoste y con alguien del estatus de Juliette Binoche para acompañar al debutante Paul Kircher, pero casi se diría que no le hace falta. Porque el chaval se come la pantalla con una interpretación tremendamente complicada, que consigue que un personaje que puede caer muy mal se convierta para nosotros en un “protect at all costs”. En la BSO, además, Robert Palmer y Orchestral Manoeuvres In The Dark, que suenan en una secuencia 100% Dolan. Por otro lado, el director de ‘Una Mujer Fantástica’ o ‘Disobedience’ pincha con ‘The Wonder‘ pese a la entrega de Florence Pugh: tanto ella como la fotografía y la banda sonora de la película están muy por encima de su guión, su ritmo y, en general, el alma que debería tener una historia como ésta.
Menos ambiciosos son otros dos títulos que se han podido ver en el Festival y que coinciden en ser agridulces pero con un regusto final de feel-good movie: ‘Un Beau Matin‘, la nueva de Mia Hansen-Love en la que Léa Seydoux se ayuda de Mevil Poupaud (‘Laurence Anwyays’) a tirar para adelante en una vida donde pocos pueden ayudarla, y ‘Living‘, remake de Kurosawa en el que la extraña pareja formada por Bill Nighy y Aimee Lou Wood (‘Sex Education’) conquistará el corazoncito del más cínico. Oliver Hermanus (director de ‘Moffie’) imprime un aroma de cine clásico y de peli navideña que sienta muy bien a esta historia. Todo esto sin olvidarnos del extrañísimo debut de Ann Oren ‘Piaffe’, el descacharrante cortometraje erótico de Peter Strickland (‘In Fabric’) ‘Black Narcissus: Passion of the Swamp’ que proyectaron justo antes, y ‘Don’t Worry Darling‘, la película de Olivia Wilde de la que ya os hemos hablado.
En cuanto a series, no pudimos ver el estreno de la ambiciosa ‘Apagón’ de Movistar, pero sí el piloto de ‘La Ruta‘, la serie de Atresplayer que aborda el paso de un grupo de amigos (Ricardo Gómes, Álex Monner, Claudia Salas, Elisabet Casanovas y Guillem Barbosa) por la Ruta del Bakalao, y la temporada completa de ‘Fácil‘, la controvertida serie de Anna R. Costa tras ‘Arde Madrid‘ que, con Anna Castillo y Natalia de Molina como principales reclamos, adapta el Premio Nacional de Narrativa ‘Lectura Fácil’ de Cristina Morales, para disgusto de la propia escritora en un beef que poco tiene que envidiar al de ‘No te preocupes querida’. También TCM aprovechó para estrenar su documental ‘El Crítico’, sobre la figura de Carlos Boyero, que por supuesto dejó mil momentazos tanto en el propio docu (quizás demasiado benevolente) como en el pequeño coloquio posterior.
‘Born Pink’ de BLACKPINK no ha logrado ser número 1 en Australia, donde ha quedado en el puesto 2; ni tampoco en Francia o Alemania, donde ha quedado en el puesto 3. En Italia a duras penas ha llegado al top 20.
Sin embargo, sí ha conseguido ser número 1 en dos territorios tan importantes como son el Reino Unido y Estados Unidos. En Estados Unidos es la primera vez que un grupo de k-pop femenino es número 1 del Billboard 200 y la primera vez que un grupo de chicas llega al número 1 desde 2008, cuando lo consiguieron Danity Kane. BLACKPINK lo han logrado con 102.000 copias, de las cuales el 75% son ventas reales del álbum. Es decir, para ellas el streaming no es tan importante.
Algo que certifican los datos de Reino Unido. En este país, BLACKPINK han conseguido dejar ‘Autofiction’ de Suede en el número 2, y ‘Hold The Girl’ de Rina Sawayama en el número 3. BLACKPINK han vendido 21.000 copias en 7 días en UK, por 14.000 de Suede y Rina, estos últimos separados por menos de 100 copias.
De esas 21.000 copias, casi 12.000 han sido CD’s de ‘Born Pink’, 5.000 son cassettes y 3.000 puntos de streaming. Los 800 puntos restantes son de descargas tipo iTunes.
Todo esto, por supuesto, son migajas en comparación a lo conseguido en su Corea del Sur natal. Allí se han certificado 2,1 millones de unidades vendidas de ‘Born Pink’ tan sólo durante estos primeros días.
Post Malone se encuentra de gira por Estados Unidos presentando su disco ‘Twelve Carat Toothache‘, pero los conciertos se han visto al menos momentáneamente interrumpidos. El artista tenía que actuar este sábado 24 de septiembre en Boston, cuando decidió dirigirse a sus seguidores en Twitter para explicar por qué el concierto no era posible.
El artista sufrió una grave caída en St Louis durante el show del pasado 17 de septiembre. El vídeo, por supuesto, está en las redes. Aunque en principio pudo continuar con el tour, pues fue hospitalizado y luego dado de alta con unos analgésicos, su lesión en las costillas ha vuelto a manifestarse. Ha explicado Post Malone: «anoche me encontraba perfectamente, pero hoy la sensación es completamente diferente. Tengo serias dificultades para respirar, y tengo un dolor similar a una puñalada cuando respiro o me muevo. Estamos en el hospital ahora, pero con este dolor, no podré hacer el concierto de esta noche. Puto lo siento».
La gira de Post Malone debería retomarse este martes 27 de septiembre, extendiéndose durante todo el mes de octubre y noviembre por Norteamérica. Y eso incluye dos fechas importantes en el Madison Square Garden de Nueva York, entre muchísimas otras. En enero tenía que ir a Australia y Nueva Zelanda. Veremos qué de todo esto es posible.
‘Twelve Carat Toothache’ está sudando tinta para llegar al millón de copias vendidas a nivel global, cuando otros discos del artista como ‘Stoney‘ (2017), ‘Beerbongs & Bentleys‘ (2018) y ‘Hollywood Bleeding‘ (2019) se mueven entre los 7 y los 9 millones según las estimaciones de Mediatraffic.
Eso sí, ‘I Like You‘ con Doja Cat ha sido muy bien acogida por las radios estadounidenses y esta semana continúa en el top 5 del Billboard Hot 100. El problema es que otras pistas del disco se han quedado estancadas entre los 10 y los 20 millones de reproducciones, algo insólito para sus estándares.
Instantes después de que TMZ informara de que Rihanna estaba en conversaciones con la Liga Nacional de Fútbol Americano para actuar en el intermedio de la Super Bowl de 2023, la cantante ha parecido confirmar que será ella quien actuará. Al menos eso es lo que interpretamos de la imagen que ha compartido en Instagram con una pelota de la NFL.
Rihanna rechazó en el pasado actuar en el intermedio de la Super Bowl, pero en esta ocasión parece la ocasión perfecta para que la cantante exhiba sus grandes éxitos y sobre todo, protagonice su ansiado regreso a la música. Para febrero del año que viene, ya habrán pasado 7 años desde la edición del maravilloso ‘ANTI’.
La intérprete de hits como ‘We Found Love’, ‘Umbrella’ o ‘Work’ -es complicado adivinar por cuáles se decantará para el intermedio entre todos los que tiene- ha declarado recientemente que se tomaría su regreso a la música con calma. Dejaba caer que no sacaría finalmente los 2 discos en que había estado trabajando, uno jamaicano y otro pop: «Veo mi próximo proyecto de manera completamente diferente a como había querido sacarlo antes. Creo que de esta otra manera me pega más, mucho más. Es auténtico. Va a ser divertido para mí y me quitará mucha presión de encima».
Freddie Gibbs puede presumir de tener no uno, ni dos, sino tres clásicos modernos del hip hop en su discografía: ‘Piñata’ (2014), ‘Bandana’ (2019) y ‘Alfredo’ (2020). Los dos primeros están producidos íntegramente por el legendario Madlib y el último de estos, que además le valió a Gibbs una nominación en los Grammys a Mejor álbum de rap, lo produce The Alchemist, uno de los productores más longevos y venerados del género.
El próximo disco de Gibbs saldrá el próximo 30 de septiembre bajo el nombre de ‘$oul $old $eparately’ y el rollout del disco comenzó en 2021 con el lanzamiento del single ‘Gang Signs’ junto a ScHoolboy Q, en el cual ya presentó a su nuevo álter ego, un adorable conejo gangster. Pese a haber lanzado algunos temas entremedias para seguir manteniendo el hype, ha sido a principios de este mes cuando hemos podido escuchar el primer single oficial de ‘$$$’, titulado ‘Too Much’.
Ahora Gangsta Gibbs ha lanzado ‘Dark Hearted’, un tema en el que adopta un estilo melódico de rap, sin dejar de lado la dureza de sus palabras, bajo un etéreo beat confeccionado por James Blake. «Rezo por que el arma nunca se me atasque / Rezo por que el Señor ponga sus manos sobre mí», sentencia Gibbs antes de comenzar a fluir rápidamente y sin parar sobre la elegante y sutil producción de Blake, que hace que la voz y las barras del rapero de Indiana estén en primer plano y que nada las eclipse. Los versos y los estribillos se suceden sin aviso alguno y, de hecho, los dos versos que hay son muy similares, pero Gibbs cambia las palabras justas para dar nuevos significados a las mismas rimas.
En ‘Dark Hearted’ Gibbs rapea sobre temas que ya ha tratado en todos sus proyectos anteriores, pero siempre deja un par de frases refrescantes. Precisamente, uno de los puntos fuertes de Freddie Gibbs, además de su impecable flow y crudeza lírica, es que puede contarte lo mismo de mil formas diferentes. Similar a lo que ocurre con Pusha T. Gibbs habla sobre amigos traidores, sobre la posibilidad de morir a manos de la policía, sobre traficar con drogas y sobre buscarse la vida haciendo lo que haga falta («Dime qué sabe la gente sobre tiempos difíciles / Un estómago vacío te da el valor para cometer un homicidio»).
Desde que anunció la salida de ‘$oul $old $eparately’ Freddie Gibbs no ha parado de repetir que tiene el álbum del año en sus manos. Este reveló en noviembre de 2021 la lista de productores acreditados en el álbum y, junto a los prometedores singles que hemos podido escuchar, cada vez es más plausible la idea de que Freddie Gibbs podría tener realmente en sus manos el disco de rap del año.
Madlib, Alchemist, Boi 1da, Pharrell, Jake One, DJ Paul, Justice League, Working On Dying, Seven Thomas, Tay Keith, Kaytranada, Bizness Boi… I got the best album of the year. #SSS
Viendo el comienzo de ‘Ungrateful’ –Megan Thee Stallion en lencería y tacones revolcándose en la cama de una habitación soleada y calurosa- nada hace pensar que el plan de Megan para ese día no sea otro que “recibir visita”. Pero no. La rapera coge las llaves de la mesilla y atraviesa un pasillo ataviada provocadoramente para asistir a un peculiar funeral nocturno.
El pasillo, largo, hipnótico e iluminado con luces que suben y bajan de intensidad, parece funcionar como recurso onírico, como símbolo del paso de un mundo real a otro mental. Las imágenes del extraño entierro subrayan ese carácter onírico y abren la puerta a todo tipo de interpretaciones sobre su significado: enterramientos metafóricos, renacimientos alegóricos…
De repente se pone a llover (como buen funeral cinematográfico) y Megan se desdobla como en un sueño o como en la imagen de portada de ‘Traumazine’. Ya no es una mujer vestida de negro, sino una dama de blanco con una espectacular pamela digna de las carreras de Ascot.
Bajo la tromba de agua, Megan va en busca de Key Glock, quien le espera en el porche como un adolescente nervioso preparado para ir al baile de fin de curso. Los movimientos de cámara lentos, casi ceremoniosos, agudizan esa sensación de irrealidad, de ensoñación. Una sensación acrecentada por la aparición en una casa de una cruz iluminada que de nuevo deja abierta la puerta para la especulación hermenéutica.
Mura Masa casi deja la música durante la pandemia. Grabó un disco deprimente, lo tiró a la basura y se compró un torno alfarero. El productor británico volvió a entrar en razón cuando escuchó el hit de pop chicle de 2004 ‘Baby Cakes‘ de 3 of a Kind y recordó que la música podía ser divertida sin necesariamente tener que «decir algo profundo sobre la condición humana».
Se agradece que haya artistas cuyo propósito sea hacerlo pasar bien al público sin más, y en estas se encuentra Alex Crossan, hasta el punto que el título de ‘demon time’ hace alusión a la «hora traviesa» de la noche que abarca desde la 1 hasta las 5 de la mañana. Es un disco divertido y simpático, lleno de sonidos coloridos e hiperenfocados, que garantiza un rato de diversión pop.
‘bbaycakes’ es el génesis de ‘demon time’. El tema basa en el estribillo del citado hit y, con la ayuda de Lil Uzi Vert, Shygirl y PinkPantheress, lo recontextualiza en una producción de hyperpop bubblegum adictiva como el azúcar. La canción, llena de efectos especiales, es fantástica, pero no es la única del disco igual de imaginativa. Ahí está el hip-hop hipervitaminado del corte titular, los soniditos de videojuego de ‘slomo’ o ‘2gether’, todo un batiburrillo que mezcla guitarras grunge con voces robóticas y un beat atropelladísimo típico de future bass… pero no tan típico.
Por si no ha quedado claro, ‘demon time’ es básicamente el disco hyperpop de Mura Masa, y funciona mejor cuando se entrega al caos de los cortes mencionados o cuando recuerda a la mejor Azealia Banks en el house latino e ‘hollaback bitch’ con Shygirl y Channel Tres. El disco convence menos cuando rebaja los efectos especiales: el beat disco lo-fi de ‘prada (i like it)’ sería interesante si la canción no sonara a descarte de Calvin Harris, y Clean Bandit son capaces de escribir ‘blush’ con los ojos cerrados aunque seguramente no tendrían la imaginación de citar, en la letra, el ‘Blow Your Mind’ de Dua Lipa. La referencia sale de la boca de LEILAH, una de las varias artistas invitadas en el disco.
Porque sí, ‘demon time’ es otro trabajo de Mura Masa que no sería nada sin sus colaboradores. slowthai vuelve a sonar en su salsa en el electropunk de ‘up all week’, aunque sus colaboraciones previas son mucho mejores; Erika de Casier arriesga poco en ‘e-motions’ aunque el tema es cuco, y el talento tiktokero se hace notar en ‘slomo’ de la mano de Tohji & Midas The Jagaban. Todos ellos contribuyen a la fiesta que ofrece ‘demon time’, que no es histórica, pero tampoco necesita serlo. En ‘demon time’, Mura Masa divierte con un disco deliberadamente intrascendente, pero lleno de producciones coloridas e imaginatiivas.
Se estaba haciendo de rogar Alberto Rodríguez. El director de ‘La isla mínima’ o ‘Grupo 7’ no estrenaba película desde 2016, cuando contó los entresijos de Paesa/Roldán en ‘El hombre de las mil caras’, basada en el libro de Manuel Cerdán. Las dos temporadas de ‘La Peste’ (2018-2019) supusieron un proceso tan agotador para él que prefirió alejarse un tiempo y buscar una historia que le motivase a volver por todo lo alto. Y parece que la ha encontrado, a tenor de lo visto estos días en el Festival de San Sebastián en ‘Modelo 77’, encarnada de inaugurar la 70ª edición del Zinemaldia.
‘Modelo 77’ usa las desventuras de su protagonista para narrar la historia de la Copel (Cooperativa de Presos en Lucha), asociación de presos que en 1977 se organizaron con el objetivo de conseguir desde condiciones mínimamente dignas hasta la amnistía general. Pero, aunque los presos políticos salieron -dentro de lo que cabe- mejor parados, para los comunes no fue así, ni para los condenados por motivos de orientación sexual o identidad de género (uno de los grandes fallos de la película es lo ausente que está esto, y, cuando aparece, cómo se trata). Rodríguez intenta hacer además un paralelismo entre la cárcel y el exterior en cuanto al régimen político, y cómo la democracia se supone que empieza a estar presente dentro y fuera, pero it was a perfect illusion.
Miguel Herrán es el encargado de dar vida al protagonista y símbolo de la historia, un chico honrado al que cargan un delito que no ha cometido, y que en la cárcel sobrevive como puede a los abusos de los guardias mientras hace migas con los personajes de Javier Gutiérrez, Jesús Carroza, Xavi Sáez y -a medias- Fernando Tejero. Si bien le queda mucho que mejorar como actor, Herrán demuestra tener la solvencia necesaria para capitanear la cinta, mientras en el reparto destacan especialmente Gutiérrez y Tejero en dos personajes con mucho riesgo de caer en la parodia, Xavi Sáez aunque el film no le deje brillar del todo y, ojo con la sorpresa, el debutante Polo Camino. Seguramente le veremos en muchos sitios a partir de ahora, porque se come la cámara en los minutos contados en los que sale, defendiendo con maestría el arco de su personaje, aportándole dignidad y aprovechando cada segundo de los que tiene.
Alberto Rodríguez, a quien también hemos visto en el Festival de San Sebastián con el capítulo que ha dirigido para ‘Apagón’, sabe moverse con soltura en el thriller aderezado con drama, como ya nos ha demostrado en numerosas ocasiones. ‘Modelo 77’ no es una excepción y, aunque algo de tijera no le vendría mal, sus dos horas de duración se pasan volando gracias a un ritmo de montaje que nos va llevando a lo largo de la historia para meternos en el cuerpo la esperanza-y-desesperación que sus personajes sienten a medida que pasa el tiempo. A veces lo consigue y a veces no tanto, cayendo más en cierta frialdad común en esta clase de propuestas. En cualquier caso, aunque esté lejos de ser la mejor muestra de cine español que se ha podido ver en San Sebastián este año, la presencia de Herrán y Gutiérrez, el tipo de cinta y el buen hacer de Rodríguez seguramente haga de ‘Modelo 77’ un taquillazo de los que a nuestra maltrecha industria le vienen tan bien.
Pharaoh Sanders, legendario saxofonista de jazz, ha fallecido a los 81 años en Los Ángeles, pero no se conoce una causa específica. Sanders era venerado dentro del mundo del jazz por la espiritualidad de su trabajo y por incorporar elementos de la música india y africana en sus proyectos. En los años 60 colaboró extensamente con John Coltrane y lanzó su último disco el año pasado junto a Floating Points bajo el nombre de ‘Promises’, uno de nuestros Discos del Año en 2021.
Sanders nació en Little Rock, Arkansas, en 1940 y empezó a involucrarse en el jazz en California, a partir de 1959. Sanders comenzó tocando el clarinete en la orquesta de su colegio y solía parar por los clubs de blues de su ciudad. Ya en California integró varios grupos de rhythm and blues y de esta manera conoció a su ídolo, John Coltrane, que tocó en su ciudad con el quinteto de Miles Davis. En ese momento, Sanders se propuso ir a Nueva York, donde sobrevivió como pudo hasta que conoció al pianista, compositor y poeta Sun Ra.
Años más tarde adoptó el nombre de Pharoah (nació como Farrell Sanders) y se unió a la banda de Coltrane junto a Sun Ra hasta la prematura muerte de Coltrane en 1967, momento en el que se centró en su mística carrera en solitario. Una de sus piezas más conocidas fue ‘The Creator Has A Master Plan’, lanzada en 1969 e incluida en el álbum ‘Karma’.
Sanders se inspiró en las tradiciones indias y africanas para llevar su música a un nivel espiritual y contribuyó a ampliar las fronteras del free jazz. Durante la década de los 70 se consagró como uno de los maestros del jazz espiritual, una corriente centrada en predicar la paz y la felicidad y disminuir las tensiones políticas y raciales de la sociedad del momento.
«Estamos devastados de compartir que Pharoah Sanders ha fallecido. Murió pacíficamente rodeado de sus seres queridos y amigos esta mañana en Los Ángeles. Por siempre y para siempre el más bello ser humano, que descanse en paz», escribía su discográfica Luaka Bop en Twitter para anunciar su fallecimiento.
Después de que esta semana hayan estado circulando rumores de la posibilidad de una actuación de Taylor Swift en el descanso de la Super Bowl del año que viene, fuentes cercanas a la artista han confirmado a People y a TMZ que no ocurrirá. Según TMZ, a Swift le ofrecieron encabezar la Super Bowl, pero lo rechazó porque primero quiere acabar de regrabar sus primeros seis discos.
Las especulaciones comenzaron a partir de un informe publicado por Variety en el que fuentes cercanas a la artista confirmaban su actuación en el evento deportivo del año. El lanzamiento próximo de su nuevo álbum ‘Midnights’ y la asociación entre Apple Music y la NFL fueron tomados como posibles evidencias. Además, debido al hecho de que Pepsi ya no es patrocinador de la Super Bowl y que Swift tiene una colaboración con Coca-Cola, la conexión estaba clara. Sin embargo, parece que tendremos que esperar a que Taylor regrabe los cuatro discos que le faltan.
Taylor Swift lanzará ‘Midnights’ el 21 de octubre, del cual ya se han confirmado dos nombres de la tracklist a través de la serie de vídeos de TikTok de la artista, ‘Mastermind’ y ‘Vigilante Shit’. Aparte de la portada del disco, también se conoce que Jack Antonoff estará involucrado una vez más en el apartado de producción.
La familia de Louise Fletcher, conocida por interpretar el papel de la enfermera Ratched en ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’, ha revelado que la actriz ha fallecido hoy a los 88 años debido a causas naturales mientras dormía en su casa de Montdurausse, en Francia, acompañada de sus seres queridos. En sus últimos años interpretó a la madre del personaje de William H. Macy en ‘Shameless’, obtuvo papeles secundarios para la serie ‘Girlboss’ y para la película ‘Un marido perfecto’, la cuál sería su última aparición en el cine.
Nacida en 1934 en Alabama, Fletcher comenzó su carrera en televisión con series como ‘Maverick’ o ‘Perry Mason’, con considerables dificultades para encontrar trabajo debido a su altura de 1,78 metros. Sus pasos en el cine empezaron a partir de un pequeño papel en la película de 1974 ‘Ladrones como nosotros’. Solamente un año después, Milos Forman la fichó para ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’, en la que compartiría pantalla con Jack Nicholson. El film arrasó en los Óscar, obteniendo una estatuilla en todas las categorías principales. Entre ellas, el Óscar a la Mejor actriz para Fletcher. El personaje de Ratched pasó a la historia del cine como una de las villanas más icónicas.
En el resto de su carrera no llegó a repetir el apabullante éxito de la cinta de Milos Forman, pero tampoco le faltaron grandes títulos. Trabajó en la segunda entrega de ‘El exorcista’, en la película ‘Ojos de fuego’ junto a Drew Barrymore, en ‘Invasores de Marte’ de Tobe Hopper y en 1987 volvió a destacar con otro personaje diabólico en ‘Flores en el ático’. En los 90 apareció en ‘Acero azul’ de Kathryn Bigelow y se interpretó a sí misma en ‘El juego de Hollywood’. Su último personaje memorable fue el de la líder alienígena Kai Winn en la serie de televisión ‘Star Trek: Espacio Profundo 9’.
La carrera cinematográfica de Harry Styles (más allá de sus pequeñas apariciones en ‘Dunkerque’ y ‘Eternals’) no parece haber empezado con buen pie. Sus declaraciones sobre el sexo entre hombres en ‘My Policeman’ no han sido recibidas entre vítores precisamente, y lo de ‘No te preocupes querida’ ha sido directamente surrealista. El despido de Shia Labeouf se ha quedado en anécdota cuando lo comparamos con el tremendo mal rollo existente entre su directora Olivia Wilde y su protagonista Florence Pugh, al parecer fruto de que la actriz se sintió abandonada por Wilde mientras ella le dedicaba mucho más tiempo a Styles porque, redoble de tambores, ¡empezaron a salir durante el rodaje de la peli!
Los desplantes de Florence en presentaciones de la película y el loquísimo episodio del escupitajo de Harry Styles a Chris Pine han sido ya la guinda del pastel para una película que ha aparecido muchísimo en prensa, pero prácticamente nunca por la película en sí. ¿Le ha perjudicado? Por supuesto. Pero también es cierto que la sensación de circo ha contribuido a bajar el hype a temperaturas siberianas, con lo que en cierta manera le “ayuda” a la hora de que un espectador se enfrente a ella. Porque no, ésta no es la parábola inteligentísima y novedosa que Olivia Wilde cree que es. Tampoco es justo reducirla al trío de Olivia, Florence y Harry y todo ese beef: hay más chicha de la que podría parecer.
‘No te preocupes querida’ gana enteros cuando más se entrega al petardeo, y por ello una de las mejores secuencias (y no solo por el fanservice que habrá provocado desmayos en chicas y chicos de todo el mundo) es la comida de coño de Harry Styles a Florence Pugh, rompiendo un poco con la imagen que tenemos de Styles. Cuanto menos se toma en serio la peli a sí misma, y cuanto menos se toma en serio Styles a sí mismo, es cuando más brillan ambos. El cantante de ‘Watermelon Sugar’ está bastante mejor de lo que podíamos pensar, y Olivia Wilde se defiende bastante bien con la arriesgada decisión de, además de dirigir, interpretar el que seguramente sea el papel con más peso después de la pareja protagonista.
Pero aquí la mayor estrella (lo siento, Harry) y la que saca hacia adelante todo esto es Florence Pugh, a quien, como de costumbre en esta promo, no vimos en el Festival de San Sebastián (donde pudimos ver la película en la sección Perlak). Florence se pone en la piel de un ama de casa de los años cincuenta de la que inmediatamente sabemos que su vida no es tan perfecta – la cosa es esperar a que ella se de cuenta, y averiguar qué es lo que ocurre exactamente. Es una pena que el misterio no funcione muy allá, pese a la fantasía de la resolución, porque avanza a trompicones entre momentos reiterativos, recursos oníricos y lentas investigaciones que hacen que el interés baje bastante durante el segundo acto, y parte del primero. También es complicado no hacerse una idea de lo que está pasando cuando tenemos tantas películas con ideas parecidas (no diré títulos para evitar spoilers).
Sí que ayudan al misterio las inquietantes partituras compuestas por John Powell para la banda sonora, y algún que otro momento en que la película da timidos pasos hacia el terror. Ojalá terminase de adentrarse en él, o de abrazar el petardeo como hace al final, y no se empeñase tanto en ser ese drama de ciencia ficción con toque social donde navega bastante peor. Puede que el enrarecido ambiente de rodaje haya contribuido a este resultado en tierra de nadie en el que no nos encontramos ante una mala película, pero sí ante una que podría ser mucho mejor y cree que lo es. En ese sentido, ‘Booksmart’, el debut en la dirección de Olivia Wilde, es un ejemplo de cómo la estadounidense sí puede hacer bien las cosas cuando no se va por los cerros de Úbeda. Veremos si hay más suerte en su tercer paso por la dirección.
Björk es el nuevo top 1 en JNSP con ‘Atopos’. Se trata del 6º número 1 para la cantante en nuestra lista tras ‘Moon’, ‘Stonemilker’, ‘Lionsong’, ‘Black Lake’ y ‘The Gate’. Ninguno de estos temas de ‘Biophilia’ (2011), ‘Vulnicura’ (2015) y ‘Utopia’ (2017) permanece entre lo más escuchado de Björk. Esperemos que ‘Atopos’ corra mejor suerte a la larga.
Las entradas más fuertes de la semana, directas al top 10, corresponden a Weyes Blood y Alizzz, pero también hay que destacar la llegada de nuevos valores como Amor Butano, Fred again.. o Jockstrap. La lista de novedades se completa con WILLOW.
Definitivamente los nombres de grupo se han acabado, pero no la imaginación en el mundo del pop. Jockstrap es ejemplo de ello. El dúo de Londres, formado por la cantante y violinista Georgia Ellery (también integrante de Black Country, New Road) y el productor Taylor Skye, lleva todo lo lejos posible su discurso de “todo vale”. Sus trabajos ofrecen una escucha hiperactiva donde de la banda sonora Disney pasa a la bossa, y la bossa al dubstep, y este a la Motown, y este al tecno, y este a mil cosas más, y así sucesivamente, sin que nadie pueda esperar qué será lo siguiente.
Sí existe un hilo conductor en la música de Jockstrap, y ese es la ruptura de la expectativa. Sus canciones pueden sonar familiares y clásicas, sobre todo cuando incorporan arreglos orquestales, pero en ellas siempre ocurre algo que perturba esa familiaridad. En ‘I Love You Jennifer B’, su debut oficial, la sensación de sorpresa, de que se está ante una obra impredecible, es constante.
Ahí está la inicial ‘Neon’, que empieza como una canción acústica de Scoutt Niblett y termina engullida por una brutal maraña de beats y distorsión electrónicos. O la canción-viaje ‘Concrete Over Water’, que pasa de la cancioncilla de Audrey Hepburn (a la que no cuesta nada imaginar cantando su romántica letra) al terror circense, y de ahí de vuelta a lo de antes. Pero la sorpresa también se encuentra en los detalles, en un órgano que suena ebrio y mal tocado, en una producción lo-fi que no debería ser tal, en una voz “pitcheada” y acelerada sin sentido aparente, en unas percusiones que se enrarecen porque les da la gana. La música de Jockstrap va por libre, ofrece la otra cara de la moneda, o la parte negativa de la foto. Sabes que está mal, pero lo gozas porque es diferente.
El lenguaje sonoro de Jockstrap implica una intención disruptiva. Así, la cacelorada de ‘Greatest Hits’, un festín de influencias que van del hip-hop de los 80 al bloghouse pasando por ‘Borderline’ de Madonna, suena producida como si proviniera literalmente de un “boombox” de la época. El sonido es sucio pero, a su vez, tremendamente exquisito. Se puede decir lo mismo del banghra lo-fi de ‘Jennifer B’, que invita a hacer “striptease”… más o menos; y desde luego la secuencia no puede contener más sorpresas, cuando de la virtuosa balada a lo Skeeter Davis de ‘What’s It All About’ , dedicada a una amistad, pasa al lamento al arpa de ‘Angst’, y de este al pepinazo Bollywood de ‘Debra’, y de ahí al folk pastoral de ‘Lancaster Court’, y de ahí al remix extendido de ’50/50′, la producción más tecno de Jockstrap.
Cuando el dúo londinense afirma que ‘I Love You Jennifer B’ es una recopilación de canciones más que un álbum per se, es imposible no asentir. De hecho, muchas de sus pistas están ordenadas cronológicamente según su fecha de composición, y ‘Glasgow’, el hit más accesible del disco por su sonido chamber pop a lo Belle and Sebastian, guiado por unos guitarrazos maravillosos, aparece hacia el final de la secuencia cuando debería estar al principio. Pero incluso una secuencia absurda puede tener sentido en el universo de Jockstrap. ¿Cómo unificar tal batiburrillo de estilos e influencias? No estoy seguro que Jockstrap lo haya conseguido, pero que el disco contiene un considerable grado de talento e imaginación… de eso no cabe ninguna duda.
Después de publicar uno de los mejores discos de 2022 y promocionarlo con algunas de sus canciones más vistosas, Fontaines D.C. se detienen en la anécdota. O lo que parecía la misma. Si ‘I Love You’ o ‘Jackie Down the Line’ van a formar parte probablemente durante décadas de su repertorio, esta semana han publicado un vídeo para ‘The Couple Across the Way’. Es la «Canción del Día» que nos acompañará hoy.
Pese al carácter sociopolítico de ‘Skinty Fia‘, ‘The Couple Across the Way’ era un tema en el que Grian Chatten se detenía en una relación de pareja. Al escuchar a unos vecinos mayores discutir en North London, se preguntaba qué sería de él y de su chica con el paso de los años, de las décadas. De ese pensamiento tan íntimo surgía un tema mucho más íntimo y menos post-punk que el resto del disco.
El mismo Grian Chatten tocaba el acordeón en esta canción que habla de una discusión («siento lo de esta mañana, por el daño pagaré»), que celebra que las cosas importen tanto como para todavía «levantar la voz» y que termina efectivamente con un párrafo que mira a los vecinos. Grian lo comparaba con Hitchcock, refiriéndose a ‘La ventana indiscreta’.
Para su videoclip, se ha recurrido a la literalidad en este caso. Vemos a Grian tocar el acordeón, apoyado en una ventana cual Audrey Hepburn en ‘Desayuno con diamantes’. Y vemos también a los vecinos de los que nos hablaba la letra. El tema promociona una gira que tendrá lugar durante los meses de noviembre y diciembre recorriendo todo el Reino Unido de punta a punta y después su Irlanda natal.
Entre las novedades que deja el día de lanzamientos se encuentra ‘Unholy’, el single que une inesperadamente a Sam Smith y a Kim Petras. Ambos llevan mostrando adelantos del tema en redes desde hace semanas, y por fin puede escucharse.
‘Unholy’ es el primer single del próximo álbum de Sam Smith. Un tema grabado en Jamaica que, según cita nota de prensa, «gira en torno a una sensual escala árabe y ofrece un amenazante collage sonoro de voces, irresistible para clubes, apuntalado por un palpitante bajo, con la apertura de un ardiente estribillo coral, coronado por la fiereza de Kim».
El oscuro tema narra las travesuras de un hombre casado y con hijos que visita secretamente un club de striptease, y no puede tener menos que ver con ‘Love Me More‘, el que creíamos que era el verdadero regreso de Smith -en su caso a la balada- tras el fracaso de su último disco. ‘Unholy’ hace uso de un potente surtido de sonidos agresivos, sintéticos e industriales que contrastan con la melodía coral, efectivamente arábiga, y con la voz de Sam, tan peculiar.
Toda la intensidad de ‘Unholy’ no queda resuelta en una canción realmente brillante. La familiaridad de la melodía adolece cierta falta de imaginación, la voz de Sam suena fuera de lugar en una producción que parece de BANKS, la presencia de Kim Petras aporta más el nombre que otra cosa y ni la presencia de hasta 6 productores involucrados en la grabación logra elevarla a un lugar excitante.
En ‘Unholy’ han metido mano ILYA (Max Martin, Ariana Grande, Jennifer Lopez), Blake Slatkin (Lizzo, 24K Golden), Cirkut (Nikki Minaj, The Weeknd), Omer Fendi (Lil Nas X, The Kid Laroi) y el colaborador de Smith de siempre, Jimmy Napes, además de Sam. Todos ellos contribuyen a que Smith siga aferrade a su era de pop star, pero ‘Unholy’ queda muy atrás de joyas como ‘Dancing with a Stranger’ o de sus colaboraciones con Disclosure. Sam, ¡la pista de baile te sigue esperando!
Hace dos años ya hablábamos de lo sorprendente que es que una serie del calibre de ‘Stranger Things’ esté formada por un elenco con tantos talentos musicales emergentes. Hablo de Finn Wolfhard (Mike) con Calpurnia y The Aubreys, Maya Hawke (Robin) con su proyecto folk en solitario y Joe Keery (Steve) con Djo, su melenudo álter ego y el tema que nos concierne hoy.
Keery trata Djo como un proyecto totalmente separado de la figura del actor guapo y famoso que todos hemos visto en ‘Stranger Things’. Lo único que le une es el nombre, que se pronuncia igual que Joe, pero que también está diseñado para confundir: «Quería que el nombre estuviese conectado a mí, pero que no estuviese conectado a mí; confunde a la gente todo el tiempo». En directo su estrategia de separación continúa. Djo actúa con una peluca, unas gafas retro y una banda vestida igual que él (en Lollapalooza fueron camisas blancas), algo que sorprendió bastante a Jimmy Fallon.
Djo lanzó su primer álbum en 2019 y, aunque es cierto que sonaba demasiado como un pastiche de Tame Impala y MacDemarco, ‘Twenty Twenty’ fue bastante bien recibido por la crítica. En ‘DECIDE’, el disco que sacó el pasado 16 de septiembre, Djo ha creado un trabajo mucho más redondo, atrevido y fresco. Sigue recordando a Tame Impala, sin duda, pero también puedes escuchar en sus sintetizadores, guitarras y melodías a Joy Division, Daft Punk, Talking Heads, Tears For Fears y, en general, a todo el indie de los 80 y 90. Para redondear, ‘DECIDE’ es un sólido disco de indie pop psicodélico con muchos efectos vocales, letras ingeniosas, melodías extra pegadizas y con algunos toques de disco e hyperpop. En algunos momentos los giros que toman las canciones pueden resultar un poco «off», pero realmente consiguen llamar tu atención y mantenerte enganchado.
‘DECIDE’ te da la bienvenida a su paleta sónica con ‘Runner’, un tema hímnico basado en la repetición de dos partes que se te van a quedar en la cabeza sí o sí. A lo largo de la tracklist hay dancers como ‘Runner’, baladas como la súper ochentera ‘End Of Beginning’ y temas no tan sencillos de clasificar como ‘On And On’ o ‘Half Life’. Si te preguntas qué canción definiría mejor el trabajo de Djo en ‘DECIDE’ sería ‘Change’, el primer single y uno de los mejores y más memorables cortes del disco.
Lil Baby, conocido por lanzar en 2020 el himno antirracista ‘The Bigger Picture’ a raíz de las protestas tras el asesinato de George Floyd y ganador del Grammy, acaba de lanzar otra clase de himno. Esta vez se trata de uno patrocinado por Budweiser, realizado como motivo del Mundial de la FIFA 2022 y amenizado con un sample de ‘Everybody Wants To Rule The World’, de Tears For Fears.
En ‘The World Is Yours To Take’ Lil Baby rapea sobre el trabajo duro y la motivación («Tardamos mucho en llegar aquí, rompimos maldiciones»), acorde a un mundial de fútbol, y reutiliza el estribillo de la canción de 1985, al igual que los sintetizadores de las estrofas. El tema tiene seis productores diferentes acreditados y ni aún así consigue funcionar. No como la canción que samplea, que fue un hit número 1 en 1985 y que últimamente ha recibido una segunda vida gracias a TikTok, como muchos otros clásicos.
Lil Baby ya trabajó en el soundtrack de la horrible ‘Space Jam: A New Legacy’ y consiguió sacar de ello una canción más que decente junto a Kirk Franklin. Lo próximo que le espera es la salida de su nuevo álbum, ‘It’s Only Me’, el próximo 14 de octubre.
Georgia Ellery y Taylor Skye se conocieron en una escuela musical de Londres. Ella es violinista de conservatorio, además de integrante de Black Country, New Road; él es productor de electrónica. Juntos, Jockstrap derriban géneros y los hacen suyos.
Amables aunque ligeramente resfriados por culpa del cambio de estación, los integrantes de Jockstrap hablaron esta semana con JENESAISPOP vía Zoom sobre ‘I Love You Jennifer B’, sus inicios, sus diversas influencias y su visión global de la música.
Hace poco tocasteis en Barcelona. ¿Cómo recordáis la reacción del público?
Taylor: «Es uno de los mejores conciertos que hemos hecho, todo el mundo lo pasó muy bien».
¿El “Best New Music” de Pitchfork ayuda o es un mito?
Georgia: «Con Pitchfork nunca sabes lo que va a pasar. Nosotros hemos tenido la suerte de gustarle a la redactora que ha escrito la crítica. Pero nos da un poco igual».
Taylor: «Hemos ganado muchos oyentes desde que salió el disco, pero no estamos seguros que haya sido gracias a la crítica de Pitchfork».
Vuestro estilo es la mezcla de estilos, pero ¿qué diríais que los une todos? ¿Quizás la producción rupturista?
Taylor: «Para nosotros es difícil decir qué une nuestra música porque estamos demasiado en el fondo de ella, ya que la creamos. Creo que suena cohesiva porque somos nosotros dos quienes la hacemos y nadie más. Sin embargo, diría que nos une nuestra intención de llevar las cosas más allá y de probar cosas nuevas».
Os gustan los arreglos orquestales en plan Disney, hacéis folk, pop, electrónica… pero hay algo en vuestra música que busca romper la expectativa de lo que tienen que ser estos estilos.
Georgia: «Hacemos diferentes estilos porque no nos ponemos barreras y nos gusta probar diferentes géneros. No creemos que nada esté fuera de nuestras posibilidades. Tampoco hemos definido concretamente nuestro estilo o el tipo de música que hacemos. No hemos proclamado que seamos una banda de pop o una banda experimental, por lo que no necesitamos hacer una sola cosa».
A los periodistas nos gusta mucho intelectualizar la música, pero vosotros no pensáis en ella en esos términos.
Georgia: «Pensamos mucho en la música, sobre todo en la respuesta de la gente, pero no nos aporta nada sentarnos y ponernos a pensar si estamos haciendo un género en concreto u otro».
Taylor: «Además, este disco es solo una cosa que hemos hecho, no nos define particularmente como artistas, aunque la gente allá fuera lo piense así».
¿Qué os lleváis de haber estudiado en Guildhall School Of Music & Drama?
Taylor: «La manera de enseñar de mi profesor Mike era muy creativa. No tenía mucha estructura, dependía del tipo de persona que fueras, y eso me vino bien. Era muy fluido y había espacio para experimentar. Muchos de mis profesores eran así».
Georgia: «Me llevo a la gente que conocí, toda la gente creativa que quería hacer cosas con su creatividad en el mismo espacio».
¿Qué música os ha formado individualmente?
Georgia: «He tenido varias experiencias formativas. La música clásica es la primera, pero también mucha música que me enseñó mi madre de diferentes partes del mundo. También los Beatles, mi abuela los escuchaba mucho. Más tarde empecé a descubrir música por mi cuenta en internet..».
Taylor: «Mis padres me enseñaron Stevie Wonder y lo escuché mucho durante años. También era muy fan de Muse y de Radiohead. James Morrison, Jamie Cullum… me gustaban mucho».
Vuestra música suena maquetera y, a la vez, producida con suma meticulosidad. ¿Dónde encontráis el equilibrio entre improvisar y pensaros las cosas demasiado?
Taylor: «Ese equilibrio forma gran parte de nuestra manera de trabajar. A veces vamos de un extremo a otro. Programar un momento que suena improvisado me parece muy divertido. El tiempo que dediques al trabajo no suele ser tan importante. Puedes dedicarle horas a una canción y que suene fatal, y que una cosa improvisada suene muy bien. En ‘Angst’, por ejemplo, la voz de Goergia es la primera toma, por eso suena un poco a maqueta. En general, depende de la canción, y de lo que nos suene bien a nosotros».
Georgia, ¿cómo es tu proceso de escribir letras?
Georgia: «Me gusta escribir poemas, textos que se sostienen por sí solos sin música. Cuando las intentas encajar en una armonía emergen irregularidades, y eso me gusta. Escribo sobre mis emociones, sobre cosas que necesito procesar. Mis letras suelen ser autobiográficas. Cuando escribo letras necesito sentir la energía adecuada, si no, no creo que queden bien».
¿En un contexto más profesional no podrías escribir?
Georgia: «Nunca he escrito letras con otra gente. No sé si podría hacerlo. No me cierro a ello, pero creo que me costaría».
¿De qué manera ‘Borderline’ de Madonna ha inspirado ‘Greatest Hits’?
Georgia: «Lo que me gusta de ‘Borderline’ es la transición de los versos hacia el estribillo, porque la armonía (usada en la canción) es muy inusual. Eso es lo que me llevó a cantar sobre Madonna en esta canción en particular».
No esperaba escuchar en el disco una canción de Bollywood, como ‘Debra’. Claro que vuestra música es totalmente impredecible.
Taylor: «Con las influencias que usamos no me gusta hacer demasiado “gate-keeping”. Cuando usas sonidos de otros lugares, creo que hablar sobre si ayuda a visibilizar ese sonido o no, o si se usa sin permiso o no, no tiene demasiado sentido. Creo que las reglas que determinan lo que puedes hacer o no en la música, no son útiles. Ya sea porque Georgia toca instrumentos de cuerda, o porque ambos venimos de un conservatorio, o por otra razón, todas estas razones pueden haber contribuido a que hayamos terminado creando una canción inspirada en Bollywood. Simplemente pensamos que en la canción funcionaba».
La conversación sobre aquello que a los artistas se les permite apropiarse en su música, ¿sigue siendo relevante?
Georgia: «Las cosas que son “woke” nos importan, no es que no nos mojemos…»
Taylor: «Es normal que como seres humanos nos afecten las cosas. Pero nosotros queremos que el foco esté en la música».
Tras más de dos décadas apartado del fantástico, desde ‘eXistenZ’ (1999), David Cronenberg regresa al género que le encumbró como director. ‘Crímenes del futuro’ -título que recupera de su anterior mediometraje ‘Crimes of the Future’ (1970)- es pura ciencia ficción, una película cuya iconografía y discurso remite a muchos de sus trabajos más icónicos. El Cronenberg del horror corporal, la “nueva carne” y el fetichismo sexual extremo (“la cirugía es el nuevo sexo”, dice el personaje de Kristen Stewart) ha vuelto. Veamos sus pros y contras:
Lo mejor de ‘Crímenes del futuro’
1. La cantidad de ideas sugerentes que pone Cronenberg sobre la mesa (de operaciones). ‘Crímenes del futuro’ amplía muchos de los temas que han aparecido en su filmografía: el transhumanismo biotecnológico y su intento por controlarlo de ‘Videodrome’ o ‘eXistenZ’, la idea de la belleza de los órganos internos de ‘Inseparables’, el fetichismo por las secuelas de las operaciones quirúrgicas y los ambientes clandestinos de ‘Crash’… Todo un corpus temático, lleno de las más reconocibles obsesiones del director, al que hay que añadir un nuevo elemento: la idea de la modificación corporal como performance artística (hay un guiño explícito a la artista Orlan y sus implantes corporales subdérmicos). [Nota: si no eres muy aprensivo, te recomiendo el documental ‘Orlan, carnal art’].
2. Su fascinante imaginería fantástica, realzada por la música del gran Howard Shore. Cronenberg mezcla lo orgánico con lo tecnológico, la cirugía con el sexo, la sofisticación del mundo del arte de vanguardia con la marginalidad urbana… Todo ello para crear una serie de artefactos, espacios e imágenes enormemente sugestivas, sensuales y perturbadoras. Un personalísimo universo estilístico y expresivo que se ve amplificado por la inquietante banda sonora de Shore, su más antiguo y fiel colaborador.
3. Viggo Mortensen. Hasta la llegada de Cronenberg, Mortensen era poco más que Aragon para la industria del cine. Tras sus papeles en ‘Una historia de violencia’ (2005) y ‘Promesas del este’ (2007), por los que le llovieron premios y nominaciones, se convirtió en el reputado actor que es ahora. En su cuarta colaboración con el director, ha vuelto a crear un personaje fabuloso (secundado por las también estupendas Lea Seydoux y Kristen Stewart). Mortensen, magnético y vulnerable, encarna a un artista de body art capaz de generar nuevos órganos internos. Un hombre en proceso de transición que se debate entre el rechazo de su mutación, reformulada con fines artísticos, y la aceptación de su nueva condición, de su “nueva carne”.
Lo peor de ‘Crímenes del futuro’
La extrema intelectualización de la película. Cronenberg es un cineasta más de ideas que de personajes, de conflictos intelectuales –brillantísimos, eso sí- que dramáticos. Sin embargo, siempre ha logrado establecer una conexión emocional con el público, por pequeña que fuera. En ‘Crash’, por ejemplo, accedemos a un submundo sórdido y enfermizo a través del protagonismo de una pareja que descubre esa realidad al mismo tiempo que el espectador. El director nos lleva de la mano hacia lo ominoso a través de esos dos personajes. Nos identificamos, en mayor o menor medida, con ellos.
En ‘Crimes of the Future’, sin embargo, no es así. Aquí no hay puertas de entrada ni asideros dramáticos. Cronenberg nos suelta directamente en un entorno urbano impreciso y decadente, plagado de personajes marginales que se dedican a teorizar sobre arte, sexo, post-humanismo, crisis climática y control social. El director se mete en nuestra cabeza como un filósofo superdotado y un creador de imágenes único. Pero, sin embargo, no es capaz de arañar nuestra piel.
‘PUTA‘ fue un disco excepcional que merecía una reinterpretación excepcional. El que fuera elegido como mejor álbum de 2021 por nuestra redacción y también premiado con varios galardones en la última ceremonia de los Premios MIN es ahora revisitado por algunos artistas de nuestro país.
La obra maestra de Zahara sobre el maltrato, el acoso, el bullying y los abusos contenía un mensaje universal, por lo que su nuevo elenco no se podía ceñir al underground. Pese a que la artista continúa enfrascada en la autoedición y la total independencia, por aquí pasan tanto totales desconocidos como PRETTY PRETTY 2000, que convierte el spoken word de ‘Ramona’ en un reggaetón, como los mismísimos La Oreja de Van Gogh, que respetan el carácter pop de ‘médula’.
A Delaporte, que interpretan en solitario la desolada ‘TAYLOR’, y a María José Llergo, que se queda ese trago de canción llamado ‘SANSA’, corresponden otras reinterpretaciones más o menos fieles. También a Rodrigo Cuevas, que simplemente embellece ‘DOLORES’ en compañía de la Agrupación Musical Ubetense; y a Alizzz, que se enamoró de ‘berlin U5’ en la primera escucha y ejerce aquí más de cantante y amigo («Zeta, te confieso que he caído de nuevo») que de co-productor.
El resto es una aventura total, cuando no un desvarío, para bien. Carolina Durante, cuyo ‘Cayetano’ salía en ‘joker’, transforman este tema en un punk pop marca de la casa. Lo mismo hacen las emergentes shego con ‘MERICHANE’, con un espíritu más lo-fi. Y lo mejor llega con el disco 2, de remezclas, presentado en LP aparte como si fuera un maxi de los años 90.
A la ida de olla del misteriosx PRETTY PRETTY 2000, que ha llevado la historia de ‘Ramona’ al perreo -y no al de Ms Nina sino al de Arca-, terminando de llenar de humor lo que fue en su momento un enfrentamiento traumático con una portera, se suman otras remezclas. Perarnau IV -antes conocido como MUCHO y productor del ‘PUTA’ original- se regodea en las posibilidades germanas de «Berlín».
Marcel Bagés -que arrebató el Premio Ruido a Zahara con su trabajo junto a Maria Arnal- remezcla ‘TAYLOR’ en clave ruidista como para demostrar que no hay rencor. Y Cora Novoa se extiende más allá de los 8 minutos con una versión de ‘flotante’, mi personal debilidad en el álbum primigenio en su exhibición de lo egoísta que es nuestro concepto del amor. La original ya era una locura total dividida en partes, y esta versión se sirve de esa desestructura para sumar electro, una ambientación muy Caribou y un piano más lennoniano.
Son muchos los artistas que colaboran en ‘REPUTA’, a menudo con la voz de la propia Zahara, que aparece como para recordar que esto no deja de ser un disco suyo. Y no solo porque los textos sean su historia o porque aparezca su tema inédito ‘la hostia de Dios‘. Nos decía Christina Rosenvinge en cierta ocasión que se estaba hablando demasiado de las letras de ‘PUTA’ y muy poco de su fascinante producción. Y ‘REPUTA’ es la confirmación -si es que la necesitábamos- de que Zahara hace tiempo que no es una cantautora, sino una artista plenamente confortable en registros más punk y guitarreros y también más electrónicos. Una artista que se puede deconstruir de cualquier forma y que por cierto ha vuelto a mimar, como pocos, la edición física. El vinilo de ‘REPUTA’ prescinde de caja pero no de letras, anécdotas, dedicatorias, encarte… elevando de nuevo todo el conjunto a la categoría de «imprescindible para coleccionistas».
ALMA, cantante finlandesa a la que conocimos hace unos años por ‘Chasing Highs’, en plena ola del pop tropical, prepara estos días el lanzamiento de su segundo disco largo, del que ya se conocen varios adelantos. De los ritmos garajeros de ‘Everything Beautiful‘, ALMA ha pasado al pop a lo Fleetwood Mac de ‘I Forgive Me‘, y su nuevo single vuelve a probar algo nuevo.
‘Summer Really Hurt Us’ es otro de esos temas de pop ochentero que no temen reivindicar sin tapujos la influencia de grupos como A-HA, del ‘Enola Gay’ de OMD o del pop más colorido de la época.
Pero, mientras los teclados de ‘Summer Really Hurt Us’ son pura new wave, la melodía no puede ser más clásica y pop. Tiene un punto eurovisivo pero también mediterráneo y por momentos parece utilizar la misma progresión de acordes que ‘Primadonna’ de Marina, solo que la producción musical tira más hacia el pastiche entre diferentes épocas y géneros.
Es muy Carly -y muy ABBA- también el desamor expresado en ‘Summer Really Hurt Us’, con la peculiaridad que es ALMA quien reconoce haber hecho daño a la otra persona. «Lágrimas en tus ojos cuando te dije mentiras, fui egoísta cuando nos rompí en dos, lo veía todo negro y dije algunas cosas de ti pero ninguna de ellas eran ciertas», canta ALMA mientras se pregunta «en qué momento te he fallado» y lamenta que su relación no haya sobrevivido al verano.
Lo que sí tiene pinta de sobrevivir en nuestros reproductores, durante una buena temporada, es esta estupenda canción que termina resultando tan cuca como ese corazón que, en la portada, forma su título. ¿La mejor canción de ALMA?
Alizzz ha estrenado recientemente ‘Que pasa nen‘, su primera canción en catalán y toda una reivindicación del Baix Llobregat que incluye menciones a estrellas célebres nacidas en la comarca como Rosalía, Estopa o Chanel. La canción también es una celebración de la identidad charnega y una «provocación» buscada a las «élites culturales» catalanas que, según Cristian Quirante, excluyen a los artistas como él de su definición de lo catalán.
‘Que pasa nen’ está llevando a Alizzz de promo y, en una entrevista con una emisora de radio catalana, ha elaborado su opinión sobre ese sentimiento de exclusión que siente por parte de las «élites culturales» catalanas hacia artistas catalanes que no usan necesariamente el idioma catalán en su obra, pero que sí sienten que pertenecen a la cultura de su lugar de origen.
Cuando el periodista le pregunta si se siente un «catalán de segunda», Quirante responde que «si no me dejan pertenecer a la cultura catalana, que es uno de mis pilares, siento que no soy de (Cataluña) o que no soy catalán de verdad». El productor añade que «creer que el arte que hago pertenece y suma a la cultura catalana es parte de mi identidad». Alizzz considera que el idioma no es relevante para pertenecer a una cultura, sino que lo que importa es el talento.
Alizzz, que ha ganado varios Grammys latinos gracias a su trabajo en ‘El Madrileño‘, el disco castizo de C. Tangana, ha aclarado que el hecho que él cante en castellano «no impide que yo pueda sentir que formo parte de la cultura de mi país».
La provocación de Alizzz ha llegado a artistas como Lluís Llach, gran icono de la canción catalana. En Twitter, el autor de ‘L’estaca’ se ha dirigido a Alizzz para expresar: «Nadie te quita el derecho de sentirte catalán ni tampoco eso es un menosprecio a tu trabajo. Harás cultura catalana cuando utilices lengua catalana. Si utilizas la lengua castellana haces cultura castellana desde Cataluña, cosa legítima». Tan sencillo como eso y así se acepta en todas partes».
La revista Enderrock, dedicada al rock catalán, también ha respondido a Alizzz después que el artista la haya mencionado en ‘Que pasa nen’, cantando que «en Enderrock no me pueden ni ver». Enderrock ha contestado con un sutil «qué pasa, Alizzz».
Seems like he’s okay, and back performing. 
Cargando ...
