Ya es tradición, desde hace ya una década, que Triángulo de Amor Bizarro promocionen un disco con lo que antes se llamaba “buzz single”. Un adelanto que no es el single verdadero ni la canción más accesible. Forma parte de su imaginería antisistema, si alguien admite llamarlo así.
Cuesta recordar que en la era de ‘Victoria mística’ (2013) escuchamos ‘Robo tu tiempo’ antes de ‘Estrellas místicas’. Que en ‘Salve discordia’ (2016) los adelantos fueron ‘Desmadre estigio’ (!) y ‘Gallo negro se levanta’ (!!) y que solo después llegó ‘Baila sumeria’. Después arrasó ‘Barca quemada’. En su disco homónimo de 2020, ‘Ruptura’ fue el primer adelanto y no ‘Vigilantes del espejo’.
El grupo gallego repite jugada al promocionar ahora su nuevo disco, que sale el 2 de junio y se llama ‘Estrella antivida’, versando sobre la fama, la vejez y el tratar de mantenerse en el candelero a la desesperada. De hecho, su sello Mushroom Pillow no lo llama “single” sino “un tema de su próximo disco”.
Por debajo de los 2 minutos de duración, el tema tiene tiempo de resultar todo lo “creepy” que se propone, quizá paternalista, quizá stalker, quizá irónico. “Yo sólo quería cumplir tus sueños / Tan sólo quería colarme en tu habitación (…) Yo sólo quería destruir tu vida vulgar, convertirla en algo especial / Diferenciarla de los demás, y enseñarte a vivir”, nos dice Isa, sin que nos fiemos ni un pelo. Claramente interpretando a un personaje, seguramente masculino.
“El sistema está podrido y yo quiero sembrar en él”, concluyen los paisanos de Alberto Núñez Feijóo y Yolanda Díaz, sin que adivinemos de momento su significado último. Quizá el nivel de ruidismo y distorsión, que te envían directamente a consultar la letra en Youtube, sea una pista.
Os dejamos con las próximas fechas de Triángulo de Amor Bizarro; pronto habrá más confirmaciones:
09 JUN. BARBEIRA FEST, BAIONA
23 JUN. TOMAVISTAS, MADRID
24-25 AGO. CONTEMPOPRANEA, BADAJOZ
26 AGO. CANELA PARTY, MÁLAGA
07 OCT. AL PORT, CASTELLÓN
Anitta comenzaba este año arremetiendo contra su discográfica Warner, a la que acusaba de no confiar en ella ni promocionarla lo suficiente. Cuando un fan la animaba a dejar esta discográfica, la cantante respondía que no podía por el contrato leonino que había firmado en su juventud.
En concreto, Anitta acusaba a Warner de no tener paciencia con las canciones que necesitan cocinarse a fuego lento, de guiarse demasiado por lo que es un hit inmediato y de estar obsesionado con TikTok. Además, afirma que le dijeron que ‘Envolver’ nunca tendría éxito si no incorporaba un featuring. Al final, fue más exitosa la versión sin featuring, que la versión con featuring, que quizá ya no recuerdes que era con Justin Quiles. El tema original fue top 1 mundial.
Ahora Warner y Anitta emiten un comunicado conjunto informando del fin de su relación: “Tras once años de una alianza de éxito, decidimos seguir caminos separados. A Anitta le gustaría agradecer al equipo de Warner Music su apoyo, y el equipo de Warner le desea a Anitta lo mejor para el futuro”.
Un texto escueto y aséptico que no tiene nada que ver con lo que Anitta explicaba hace unos meses: «Si hubiera una multa que pagar, ya habría subastado mis órganos para salir del contrato, sin importarme lo caro que fuera. Desafortunadamente, esa multa no existe. Cuando eres joven y no estás informada, debes prestar más atención a las cosas que firmas. Si no lo haces, pagarás por tu error toda tu vida».
El futuro nos revelará si en esta nueva era, en el sello que sea, deja álbumes más concretos que el irregular ‘Versions of Me‘, que Anitta estuvo cocinando durante años y tenía, efectivamente, unos cuantos featurings que poco aportaban.
Miss Caffeina darán el pistoletazo de salida a San San Festival este jueves 6 de abril en Benicàssim a media tarde. Los abonos se han agotado pero quedan entradas de día. La banda de Alberto Jiménez está presentando nuevo single, ‘Para toda la vida’, una de las canciones más machaconas de su carrera, y por tanto de las más comerciales.
‘Para toda la vida’ presenta un EP llamado ‘Shanghai Baby’ que solo puede entenderse como el hermano menor de su disco de estética china, ‘El año del tigre’. El EP saldrá tan pronto como la semana que viene, el 14 de abril.
Se trata de una producción de beat uptempo -al final a punto de desmelenarse- que habla con despecho y sin sutilezas -tampoco las presenta la producción- sobre una relación que ha terminado. “Habías planeado cada frase a medida, dijiste que era para toda la vida”, plantea Alberto, autor de la canción en este caso, decepcionado.
En cuanto al vídeo, el grupo aparece como atrapado en una habitación, casi al modo de los Cardigans en el videoclip de ‘Erase/Rewind’, sin los efectos especiales pero la misma intención claustrofóbica. Un fajo de billetes hace pensar que el dinero ha sido un elemento de discordia en el fin de la referida relación. Miss Caffeina estarán de gira todo el año, las fechas están en su web.
1.Para toda la vida
2.Y de repente…
3.Fade out
4.Shanghai Baby
5.Sin embargo no
Albert Hammond Jr., conocido sobre todo como guitarrista de los Strokes, tiene nuevo álbum en solitario. El autor de ‘Cómo te llama‘ publicará su disco ‘Melodies on Hiatus’ el próximo 23 de junio y de momento podemos escuchar el primer single ‘100-99’.
Se trata de un tema en colaboración con el rapero americano GoldLink, que se presenta junto a un vídeo dirigido por Angela Ricciardi y Silken Weinberg. Según la nota de prensa, está muy incluido por el hip hop de los 90 que escuchó durante su adolescencia, muy especialmente Dr Dre.
«Años después (de escuchar tanto rap), me vi a mí mismo cogiendo algunas de esas melodías en mis líneas de guitarra, aunque no era obvio para nadie más al estar asociado a una banda de rock. ‘100-99’ era algo que quería hacer con un rapero sobre un beat y una parte de guitarra, y ha sido muy emocionante ser capaz de hacerlo con GoldLink».
Os dejamos con el tema y con el tracklist del álbum, que marcará la continuación de ‘Francis Trouble’ (2018).
01 100-99 [ft. GoldLink]
02 Downtown Fred
03 Old Man
04 Darlin’
05 Thoughtful Distress [ft. Matt Helders and Steve Stevens]
06 Libertude
07 Memo of Hate
08 Home Again
09 I Got You
10 Caught by Night
11 Dead Air
12 One Chance
13 Remember [ft. Rainsford]
14 818
15 Fast Kitten
16 I’d Never Leave
17 Never Stop
18 False Alarm
19 Alright Tomorrow [ft. Rainsford]
Ben Mortimer, presidente de Polydor, cuenta que Lana les puso el disco en octubre de 2022 y enseguida les encantó. “Era obvio que estaba trabajando en algo especial y hemos estado trabajando desde entonces en el álbum. Es una de las autoras más brillantes del mundo y nos sentimos afortunados de apoyarla”. Por otro lado, Stephen Hallowes del mismo sello, responde una entrevista detallando la estrategia.
Hallowes asegura que la audiencia de Lana del Rey ha crecido mucho en TikTok a lo largo de los últimos 18 meses, citando especialmente el caso de ’Summertime Sadness’. Y se analiza particularmente, porque Lana del Rey no es activa en las redes sociales, salvo en la cuenta de Instagram honeymoon, donde a veces se admiten seguidores y a veces no: “Su comunidad de fans es tan pasional, que el márketing no es tanto sobre lo que ella está retransmitiendo como sobre la manera de fidelizar a sus seguidores. Eso ayuda a mantener un aura de misterio. TikTok ha sido la clave, sin que ella esté particularmente activa ahí”.
Además, aprovechando todos los visuales que tenían para el disco, han trabajado varias versiones con portadas alternativas para vinilo, CD y cassette. Eso sí, recalca que aunque ha habido varias formas de merchandising (collares, fundas de almohada, bombers), no ha habido “ticket bundles” ni discos firmados.
A pesar del éxito del formato físico, Hallowes destaca el éxito del streaming, que ha llevado a 3 de los temas a aparecer en el top 75 de Reino Unido, que habrían sido 5 si las normas lo hubieran permitido (solo 3 temas por artista pueden aparecer en las listas británicas para evitar que gente como Ed Sheeran, Taylor Swift o Drake tome la totalidad de las listas en las semanas de lanzamiento).
Casi lo más sorprendente lo dice al final, cuando concreta que el público que sigue a Lana del Rey es muy joven. Y es que uno esperaría que por la madurez de sus letras y el modo en que sus discos se han convertido en pequeños libros en los que priman los textos sobre la música, su público rondara al menos los 30 años. Aunque solo sea porque hace una década que la cantante empezó a publicar discos.
Pero no: “es increíble comprobar que más del 40% de sus seguidores en Spotify tienen menos de 22 años», asegura. «Una nueva generación de seguidores la escucha. El menos es más en cuanto a contenido y márketing quiere decir que no hemos hecho acuerdos específicos y todos los partners han apoyado el álbum tanto editorialmente como desde el punto de vista del márketing sin que contratáramos anuncios”.
Finalmente explica que con Lana del Rey no piensan en nuevos singles más allá de los adelantos, pero invita a permanecer atentos al show de la artista en Glastonbury para más sorpresas.
Cachitos volverá al fin el próximo martes 18 de abril. No después de Semana Santa, sino incluso 7 días después de que el último festivo haya pasado. Se ve aumentado así el tiempo de espero en torno a la nueva temporada del exitoso programa, que se había previsto en principio para el martes 10 de enero, poco después de cosechar un nuevo éxito de audiencia en Nochevieja. En tan señalada fecha, superó a Cuatro y laSexta, pero también a Telecinco, nada menos.
Según informa Vertele, RTVE Catalunya ha anunciado que La Ruïna, adaptación del podcast de Tomàs Fuentes e Ignasi Taltavull, se estrenará «después de Cachitos» en desconexión para Cataluña. Solo así hemos conocido, como por error, la fecha de retorno para Cachitos de hierro y cromo, el programa de Virginia Díaz. El programa ha retuiteado el mensaje de un usuario que decía así: «Pues creo que sin querer han filtrado cuándo empieza la nueva temporada de @cachitos_tve Primera ruina de @laruinashow en TVE. :)».
Esta temporada de Cachitos se abrirá con un programa de «Autoayuda» en el que aparecen canciones de gente tan variada como La Casa Azul, Jarabe de Palo, Raphael, Kase.O o Gabinete Califari. También habrá un programa especial sobre Bambino y su influencia en la música flamenca. Otros versarán sobre Fans, Fútbol, Coches de Choque, Intrusismo, Italodisco y la Música del Siglo XXI. Será la 11ª temporada de este programa.
Pues creo que sin querer han filtrado cuándo empieza la nueva temporada de @cachitos_tve.
Dua Lipa ha confirmado su participación en ‘Barbie the Movie’ con la publicación de un póster en el que aparece caracterizada de «Barbie sirena». La cuenta oficial de ‘Barbie the Movie’, que ya seguía a Dua en Instagram, ha compartido la misma imagen.
Con Dua Lipa involucrada en la película de ‘Barbie’ es muy probable que la británica haya grabado también la -hipotética- canción principal de la película, pero esta información se desconoce. La autora de ‘Future Nostalgia‘ se encuentra preparando su tercer álbum de estudio, que será «más maduro» que el anterior y también cohesivo en cuanto a temática.
Los diferentes pósters de ‘Barbie the Movie’ revelan que por la película de Greta Gerwig se pasearán diferentes tipos de Barbies y también diferentes tipos de Kens. Margot Robbie interpretará a la Barbie clásica y Ryan Gosling al Ken de toda la vida. A su vez, Hari Nef interpretará a la «Barbie doctora», Emma Mackey a la «Barbie ganadora del Nobel», Issa Rae a la «Barbie presidenta», Simu Liu a «otro Ken», Scott Evans también a «otro Ken»…
El mundo de ‘Barbie’ también contará con personajes humanos, como los encarnados por America Ferreira o Ariana Greenblatt. Helen Mirren narrará la película y otros actores que harán de humanos son Will Ferrell, Connor Swindells o Jamie Demetriou.
La película de ‘Barbie’ es una de las más esperadas del año desde mucho tiempo antes de que se conociera el primer tráiler. Las primeras imágenes reveladas de Margot Robbie y Ryan Gosling llegaron a inspirar la estética «Barbiecore», y no pueden ser más pop los pósters dados a conocer. ‘Barbie the Movie’ se estrena el 21 de julio y promete que será la peli del verano.
Es posible que las personas que nunca hemos seguido ninguna de las versiones internacionales de ‘La Voz’ veamos con otros ojos, menos llenos de prejuicios, a gente como Melanie Martinez. Es la manera más fácil de explicar la falta de atención mediática hacia un proyecto que suena a Billie Eilish desde antes de Billie Eilish, y que entregó un disco de debut conceptual sobre una violación, en 2015, dos años antes de que explotara el movimiento #MeToo con las denuncias al magnate Harvey Weinstein.
Cuando aún le quedan un par de temporadas para llegar a los 30, la cantante americana publica su tercer disco. De nuevo, ha esperado hasta 4 años para lanzarlo, no contiene ningún tipo de artista invitado, y lo ha desarrollado casi únicamente junto a su mano derecha CJ Baran (Carly Rae Jepsen), escribiendo varias de las pistas completamente en solitario, y produciendo por primera vez una grabación por sí misma, como ha sido el caso del nuevo single ‘VOID’.
El primero, ‘DEATH’, cuenta la muerte de su pasado alter ego ‘CRY BABY’, el que dio título a su debut. La historia de ‘PORTALS’ es la de una resurrección y un nuevo nacimiento, en la que el estribillo de la propia ‘DEATH’ se levanta para escenificar el regreso al mundo de los vivos de Martinez. No parece casualidad que este álbum llegue a nuestras manos en plena Semana Santa.
Si bien el tema final ‘WOMB’ representa la entrega definitiva a una nueva vida, lo que nos deja ‘PORTALS’ es sobre todo un tratado sobre autoaceptación, salud mental, reflexiones sobre el más allá y la identidad sexual («he sido los chicos y las chicas y todo lo que hay en medio», dice ‘FAERIE SOIRÉE’), plagadas de metáforas sobre bosques, animales y alimañas. Björk podría ser una referencia que ha generado cierto disgusto en Reddit, aunque las diferencias son palpables. Canciones que se llaman cosas como «SANGUIJUELAS» (‘LEECHES’) o «TELA DE ARAÑA» (‘SPIDER WEB’) no dibujan ninguna reivindicación ecologista. Son un recurso para que Melanie Martinez vuelva a hacer un retrato pantanoso y a veces de nuevo sangriento de la realidad. Una Ofelia a punto de ahogarse.
Y digo «sangriento» no porque haya una canción sobre tener la regla, pues con ‘MOON CYCLE’ la cantante ha querido simplemente hacer una reivindicación feminista en clave de humor, abiertamente ligera, sobre las cosas que se pueden hacer durante el período. Sino más bien porque es el escenario que nos aportan las guitarras post-punk de ‘VOID’, con frases tan grunge como «odio quien era antes» o «estoy atrapada entre mis propios intestinos». O las metáforas tras ‘LEECHES’: «¿Cuánta sangre puedes sacar con tus garras de una carne que no es la tuya?».
Los pizzicatos en los instrumentos de cuerda (‘TUNNEL VISION’) o incluso los momentos paradisíacos y bailables (‘FAERIE SOIRÉE’) alimentan en medio de todo eso esa sensación agridulce propia del estilo de Melanie Martinez. Las outro de las canciones favorecen su carácter narrativo, tanto como la disposición de canciones muy llamativas a lo largo de toda la secuencia. ‘SPIDER WEB’ con su cruce entre jazz pop y electrónica, ‘LEECHES’ como balada de punteos, ‘BATTLE OF THE LARYNX’ en el centro del álbum con el mejor estribillo del mismo («how stupiiiiiid, selfish baby»), ‘NYMPHOLOGY’ con su buena melodía y giro rap, ‘EVIL’ como gran baza comercial rock, situada en penúltimo lugar…
El festival RELEVO de Madrid, que apuesta por el talento emergente, vuelve. Este año se celebra los días 14, 15 y 16 de abril en el Centro Cultural Condeduque de Madrid, por lo que no distribuirá sus conciertos en diferentes salas como en la primera edición.
La máxima de RELEVO es que los asistentes «descubran hoy a sus artistas favoritos de mañana» y la programación se ha cuidado para que «atraviese géneros y estilos (y) para dar una visión poliédrica y rabiosamente actual de lo que se cuece en el panorama creativo español».
La programación completa de RELEVO ya se ha dado a conocer e incluye algunos nombres de los que ya te hemos hablado o que han aparecido en la playlist de Sesión de control. Es el caso por ejemplo de los simpáticos Baloncesto, así como del grupo de garage revelación Vecinos o de Amor Líquido.
Por la segunda edición de RELEVO pasarán también el urban de Euskoprincess, el folk de Amaia Miranda, el rock alternativo de Comic Sans, el punk de Pinpilinpussies, el hyperpop de Beatrix Weapons, el indie-pop de dalsi, el bedroom-pop transversal de tomasss, el garage-punk de Sarikaya Komzin y el pop naíf de Perdón.
Serán tres días de actividades: viernes 14 por la tarde-noche, sábado durante todo el día y domingo en sesión también vespertina. El abono está a la venta a un precio de 16 euros y las entradas diarias a 6-8 euros. Están disponibles en la web de Condeduque.
Por otro lado, RELEVO suma un par de actividades dirigidas al público general: por un lado, un coloquio sobre el estado de la industria musical orientado a artistas, equipos de desarrollo artístico joven y público general. Por otro, un taller de supervivencia para poder dar los primeros pasos en la escena. En próximas ediciones, RELEVO irá aumentando estos actos complementarios.
Finalmente, RELEVO incluirá dos actuaciones gratuitas diurnas el sábado, las de Perdón y Amaia Miranda, que se enmarcan dentro del programa “Suenan los patios” del Condeduque. Estas actuaciones se prolongarán los días 30 de abril, 7 de mayo y 14 de mayo.
Que la música en directo es más importante que nunca para la industria musical es algo que es evidente desde hace años, tanto para los artistas que tocan en estadios como para los que lo hacen en salas.
Con el propósito de apoyar el directo nace Cultura de Sala, un nuevo ciclo que tendrá lugar entre los meses de abril y julio de 2023 y en el que las salas organizarán alrededor de 200 conciertos con más de 25 artistas de gira por la geografía española. Es un circuito estatal que surge gracias al convenio firmado entre el INAEM (Instituto de las Artes Escénicas y de la Música) del Ministerio de Cultura y Deporte y ACCES, la Asociación Estatal de Salas de música en directo, que se llevará a cabo en el marco del Plan de Recuperación, Transformación y Resiliencia, financiado por la Unión Europea, NextGenerationEU.
La programación de Cultura de Salas ya se ha empezado a dar a conocer e incluye nombres como Depedro, Biznaga, Mr Kilombo, Toundra, Travis Birds, trashi, Niña Coyote eta Chico Tornado, El Niño de la Hipoteca, Lucía Rey Trío o Uoho, que ha sido el encargado de inaugurar el ciclo con su concierto en la sala Óxido de Guadalajara, celebrando además el 18 aniversario del local.
A lo largo de cuatro meses participarán en el ciclo artistas como Yoly Saa, Mäbu, Los Vinagres, Mueveloreina, Sex Museum, Corizonas o María Toro.
Una programación que se puede consultar en la web Cultura de Sala y que ha sido seleccionada en su totalidad por las propias salas de la red de ACCES.
Desde hace tiempo son varios los artistas que se han sumado a reivindicar el pop de los años 2000: en Reino Unido es notorio el éxito de Rina Sawayama y FLO, con las que Missy Elliott acaba de colaborar. Las coreanas NewJeans triunfan a nivel global con ‘OMG’. A escala indie, el disco de LIZ era un tratado sobre el pop de la época. El colectivo PC Music es experto en recuperar ese sonido para darle una vuelta futurista.
En España, uno de los artistas que están surfeando la ola de los 2000 es el malagueño Juan Miguel Bermúdez Pascual, más conocido como Warmi. La portada de su disco ‘Born 2 Luv U’, en la que warmi parece el Backstreet Boy perdido, lo dice todo. También el sonido de su single ‘A 1000’, que comienza con cuerdas como inspiradas en Destiny’s Child… para luego transportarse al siglo XXI.
Warmi tiene nuevo single y también es un homenaje a esa época, probablemente el más explícito que ha firmado hasta la fecha. ‘Replaced’ se basa en un sample de ‘Actitud’ de Tony Santos, el concursante de Operación Triunfo 2 que hacía R&B. Santos cantaba como Craig David y de hecho ‘Alma negra’, su primer disco, publicado en 2002, contenía dos descartes de Justin Timberlake. No extraña que Warmi lo cuente entre sus «primeros referentes del R&B en español».
‘Replaced’, la Canción Del Día de hoy, es una fresca «reinterpretación» de ‘Actitud’, llevada, eso sí, a nuestros tiempos, pues «reemplaza» la base hip-hop original por un lustroso beat de dancehall en el que se podrían haber subido lo mismo Amaarae que Bad Gyal o DEVA. Warmi dedica ‘Replaced’ a todo aquel al que «han cambiado por otra persona».
Con ‘Replaced’ Warmi continúa con su carrera tras el éxito de ‘La Herida‘, su tema de urban flamenquito que lo ha petado en los últimos tiempos, pues le ha aportado casi 8 millones de streamings en Spotify, suficientes para otorgarle el Disco de Oro en España.
Rosalía y Rauw Alejandro son número 1 en España con ‘Beso‘. Hablamos de ‘RR‘ en el nuevo capítulo del podcast, de lo que sí nos ha gustado y también de lo que nos ha decepcionado. Pero este no es un podcast sobre un EP de 3 canciones y 9 minutos, sino que aprovechamos para hablar de lo que significa lanzar un disco como pareja a todos los niveles. Como estrategia de márketing. Como movimiento natural. Lo que significa psicológica y socialmente para sus protagonistas. Lo que aporta artísticamente. Las probabilidades de que una pareja termine bien en la historia del pop. También hablamos de lo que implica hablar de Rosalía y Rauw Alejandro para los medios: por puntuar con 6,4 ‘RR’ nos han llamado «fans» y «haters» en el mismo post de Instagram.
En la segunda parte del podcast recordamos a otras parejas que han sacado música juntos. De los ejemplos históricos de Fleetwood Mac y ABBA con todo lo que implicó artísticamente -como el mismísimo ‘Rumours‘- a otros recientes como Shawn Mendes y Camila Cabello. Recordamos que muchos de los grupos alternativos de los 80 y los 90 contuvieron una pareja, siendo los más populares No Doubt, que exprimieron esta baza en ‘Don’t Speak’.
Los hay que terminaron bien (Stereolab) y los hay que terminaron mal (Sonic Youth). Los hay que no terminaron, como Everything But the Girl; los hay que pararon, como The Sundays; y los hay que jamás pararon, como Triángulo de Amor Bizarro. Además de hablar de las parejas LGTB+, como Hidrogenesse o Sleater-Kinney, recordamos algunos ejemplos de grupos que fueron pareja y no lo recordábamos, como Fugees; y otros que no fueron pareja en absoluto aunque lo parecieran, como Pimpinela.
En algún momento de 2016, Julien Baker, Lucy Dacus y Phoebe Bridgers se conocieron y se hicieron amigas de inmediato. Fruto de esa amistad y esa química surgió boygenius, con un magnífico EP homónimo grabado en apenas cuatro días en 2018. Ninguna de ellas imaginó en un principio que se fuese a convertir en un punto de inflexión tan importante en sus respectivas carreras, pero aquel humilde proyecto no fue suficiente para saciar el entusiasmo que había despertado.
Tras 6 años con la incógnita de si iba a haber más boygenius o se quedaría en anécdota, las cantautoras vuelven a unir fuerzas y retoman el supergrupo con su álbum debut, ‘the record’. A estas alturas, las tres en solitario ya han alcanzado cierto estatus acomodado en la escena indie rock (y un poco más allá, incluso), por lo que las expectativas eran aún mayores.
Cualquier miedo a la decepción que pudiese haber se disipa rápido con la primera pista ‘Without You Without Them’, una oda a la amistad cantada en conjunto a capela que muestra que algo mágico sucede cuando sus voces se juntan. Pese a que varias canciones del álbum fueron escritas por separado y formen parte del estilo de solo una de sus miembros, hay siempre una sensación de cohesión y trabajo en equipo.
En ‘$20’, guiada por unos exquisitos riffs de guitarra, Julien Baker canta sobre luchar hasta el final por sus ideales, incluso si esto supone perderlo todo. Hacia el final de la canción, Phoebe Bridgers añade su sello gritando de manera similar a su icónica y catártica ‘I Know the End’.
La siguiente en la secuencia, viene precisamente de esa era: la cantante californiana acababa de terminar ‘Punisher’ y mandó un mensaje a sus compañeras con la letra de ‘Emily I’m Sorry’ y la pregunta de “¿podemos volver a ser un grupo otra vez?”. La canción trata sobre la actriz de doblaje Emily Bannon, con quien tuvo una relación poliamorosa junto al comediante Chris Nelson. Por estilo, podría encajar perfectamente en su mencionado disco en solitario, pero Baker y Dacus añaden unas preciosas armonías vocales y convierten la intimidad de la canción en una experiencia colectiva. De forma similar funciona ‘True Blue’, que sigue la estela nostálgica del tercer largo de Dacus, ‘Home Video’, y cuenta con unas de las melodías más inmediatas y mejor construidas del proyecto.
La sección media es la más colaborativa, donde el estilo individual de cada una converge con una fluidez milagrosa. Lo que hace tan especial a boygenius es que nadie es más importante que nadie: las líderes son las tres. Esta falta de ego y el profundo respeto y admiración entre ellas da lugar a joyas como ‘Not Strong Enough’, situada justo a la mitad de la secuencia, que embelesa desde el principio con sus preciosas guitarras jangle pop y su emocionante progresión, culminando con un maravilloso quiebre en la voz de Dacus al cantar el último estribillo. O la rockera ‘Satanist’, que también ofrece un sonido excitante para la banda, que se aventura en sonoridades más duras y oscuras: un registro en el que Baker se siente particularmente cómoda.
Las canciones del trío -juntas y por separado-, tienen la cualidad de despertar emociones que creías dormidas con la intensidad y turbulencia de un terremoto, pero con una simpleza punzante. Ya sea mediante desgarradas declaraciones de amor (“You could absolutely break my heart / that’s how I know we’re in love”, en la potente balada ‘We’re in Love’), duras confesiones de desamor (“I can walk you home and practice method acting / I’ll pretend being with you doesn’t feel like drowning”, en ‘Cool About It’) o bromeando sobre citas trascendentales de Leonard Cohen («I am not an old man having an existencial crisis / at a Buddhist monastery writing horny poetry / but I agree», en ‘Leonard Cohen’), sus letras siempre encuentran un camino para hacer poesía desde sitios inesperados.
En ‘the record’ conviven el sarcasmo con la gravedad y la mundanidad con lo profundo. Pero lo que sobrevuela por encima de todo es un entrañable sentido de la amistad. Saber que, pese a que las relaciones interpersonales no siempre son sencillas, no hay nada como rodearse de gente que te entiende y que te impulsa a ser tu mejor versión. Como dicen en ‘True Blue’, “It feels good to be known so well”.
Ana Mena entra en el número de la lista de álbumes española con ‘bellodrama‘, su segundo disco. Es el primer número 1 de álbumes de Mena en España, pues su primer disco, ‘Index’, no pasó del 9 en 2018.
La primera posición en la lista de álbumes vuelve a resistírsele a Depeche Mode, que colocan ‘Memento Mori‘ en el número 2. ‘Spirit‘, su anterior disco, también entró en ese puesto. Fue en 2017 y Joaquín Sabina el artista que les bloqueó del número 1. Las posiciones de Ana y Depeche se invierten en la tabla de vinilos, donde ‘Memento Mori’ sí es número 1 y ‘bellodrama’ número 2.
El otro gran lanzamiento de estos días, el de Lana Del Rey, entra en el 6. «Ocean Blvd» supera así el dato de ‘Blue Banisters‘, que se quedó en el 7º puesto, pero no el de ‘Chemtrails Over the Country Club‘, que llegó al 4º. ‘Ultraviolence‘ y ‘Lust for Life‘ siguen siendo, por ahora, los únicos álbumes de Lana que han llegado al número 1 de nuestro país. ‘Norman Fucking Rockwell!‘ se quedó muy cerca, pues llegó al 2. «Ocean Blvd» sí ha entrado en el número 1 de Reino Unido.
Otras tres entradas llegan al top 10 de la lista de álbumes española. Myke Towers aparece en el 5 con ‘La vida es una’, y Luz Casal en el 9 con ‘Las ventas de mi alma‘. La reedición de ‘The Dark Side of the Moon’ llega al 10.
Entre el resto de entradas hay que destacar especialmente la de Jimin, integrante de BTS, que llega al número 22 con su minidisco ‘FACE’ (la entrada aparece repetida en el puesto 31 por alguna razón), y la de Ginebras, que colocan su segundo disco, ‘¿Quién es Billie Max?‘, en el número 34. Ellas son definitivamente el gran éxito editorial de Vanana Records, el sello de Amatria. Ginebras llegaron a ser top 50 con ‘Ya dormiré cuando me muera‘, su primer disco, por lo que el dato de «Billie» confirma su consolidación.
Dos artistas revelación nacionales de los que os hemos hablado recientemente también entran en lista. Valeria Castro coloca su primer disco ‘Con cariño y con cuidado’ en el número 64, y TRIQUELL ingresa su primer larga duración ‘Entre fluids’ en el 83.
Finalmente, ‘A primera sangre’ de José Ignacio Lapido entra en el 46, ‘Pequeños grandes éxitos’ de Izal en el 78 y ‘So Much (for) Stardust’ de Fall Out Boy en el 98.
Rosalía y Rauw Alejandro entran en el número 1 de singles en España con ‘BESO’. Además, colocan ‘VAMPIRO’ en el 7 y ‘PROMESA’ en el 20. Puede que los escasos 9 minutos de ‘RR‘ no sean los mejores que les hemos escuchado a ninguno de los dos, pero no cabe duda de que han conquistado al público.
‘BESO’ es ya el 11º single número de Rosalía en España. Antes vinieron ‘DESPECHÁ’, ‘CANDY’, ‘LA FAMA’, ‘LA NOCHE DE ANOCHE’, ‘TKN’, ‘Yo x ti, tú x mí’, ‘Aute Cuture’, ‘Milionària’, ‘Con altura’ y ‘Di mi nombre’. En cuanto a Rauw, ‘BESO’ le da su cuarto número en España después de los logrados con ‘Todo de ti‘ (que fue el mayor éxito de todo 2021 en España), ‘Desesperados’ con Chencho Corleone y ‘La Nota’ con Manuel Turizo y Myke Towers.
Hablando de Myke Towers, el cantante puertorriqueño coloca dos nuevos singles en lista: ‘Mi droga’ entra en el 19 y ‘Voodoo’ lo hace en el 75.
Pero la noticia a destacar, además del número 1 de ‘BESO’, la da Aitana: ‘Los Ángeles‘ entra en la tabla de singles de Promusicae con apenas un día de recuento. El tema, que salió el jueves pasado, hace su primera aparición en el puesto 92 y en la semana próxima pegará el estirón, aunque el número 1 no está asegurado, pues al tema solo ha entrado en el puesto 18 de Spotify España.
La entrada más importante de la semana, además de las de R&R, es de Maikel Delacalle y Quevedo. El remix de ‘Mi nena’, de hecho, entra unos puestos por delante de ‘PROMESA’, en el número 15.
El resto de entradas en lista las firman Maluma y Anuel AA con ‘Diablo, qué chimba’ (66), Ana Mena con ‘Lentamente’ (72, el disco es número 1) y Álvaro de Luna con ‘Todo contigo’ (90).
Continúa la batalla de The Cure contra los precios abusivos de Ticketmaster y la reventa de entradas. Robert Smith ha seguido en contacto con el portal estadounidense y ha vuelto a traer buenas noticias a sus seguidores, al comunicar que Ticketmaster ha cancelado la venta de 7.000 entradas de conciertos de The Cure en América del Norte fraudulentas, generadas de 2.200 pedidos. Eran entradas adquiridas ilegalmente a través de cuentas falsas o suministradas en sitios de reventa secundarios.
Smith, además, ha compartido un dato curioso. «Una fuente fiable» le ha confirmado que entre el 40 y el 50% de las entradas de la gira de The Cure en América del Norte disponibles en reventa sitios no oficiales proceden «de solo cinco conciertos en Colorado, Illinois y Nueva York», tres de los estados que más protegen a los revendedores y a los que Smith ya había criticado. El británico ha pedido a sus fans que solo compren entradas de reventa en sitios oficiales que no permitan vender boletos a precios superiores al original.
En otro mensaje, Smith ha llamado a la reflexión: «Esta conversación sobre Ticketmaster no viene de la nada… Lo que se tiene que cambiar es este sistema que antepone el dinero por delante de las personas».
Ante la debacle vivida con las entradas de Taylor Swift o Madonna, The Cure se ha convertido en uno de los grupos más comprometidos con cambiar el sistema actual de venta de tickets. Hace unas semanas el grupo autor de ‘Disintegration’ denunció el elevado precio de los gastos de gestión de Ticketmaster, que podían doblar el del precio de la entrada, y consiguió que el portal devolviera dinero a sus fans.
En cuanto al nuevo disco de The Cure, una semana más, desgraciadamente, seguimos sin noticias concretas.
Ruth Lorenzo dará los puntos del jurado de España en Eurovisión 2023, ha confirmado RTVE. La cantante murciana sustituirá en el papel a la modelo Nieves Álvarez, que lleva dando los «12 points» desde 2017.
Como es sabido, Lorenzo ya tenía un vínculo con Eurovisión, pues concursó en el certamen en 2014, cuando se celebró en Copenhague. Con ‘Dancing in the Rain’, Lorenzo consiguió uno de los mejores resultados de España de los últimos años, un décimo puesto.
Conocida desde que en 2008 concursara en el X Factor británico, en el que asombró a Simon Cowell con su interpretación de ‘Purple Rain’ de Prince, Lorenzo ha publicado varios discos y el próximo 14 de abril edita el EP ‘La Reina’, que se compone de tres cortes. Actualmente presenta el programa ‘Cover Night‘ que se emite en la cadena pública.
Acerca del EP y la nueva etapa en su carrera que empieza, Ruth ha contado: «Estoy viviendo más en presente que nunca y siento que he tomado las riendas de mi proyecto. Siento que mi voz importa y no solamente sobre el escenario, de donde no me quiero bajar nunca».
La final de Eurovisión, por otro lado, se celebra en Liverpool el 13 de mayo y Suecia parte como país favorito según las encuestas. Loreen será la encargada de representar al país escandinavo con ‘Tattoo’. Sin embargo, no se puede subestimar la original apuesta finlandesa, que va segunda en las quinielas. Blanca Paloma es la quinta favorita, de momento.
Que en la industria de la música se echa en falta una mayor representación de mujeres que se dediquen a la producción y/o a la ingeniería de sonido es una denuncia que se remonta a décadas atrás. El problema se agudiza cuando las mujeres que sí se dedican a estas profesiones no son reconocidas. Björk dio una entrevista histórica al respecto en 2015 y últimamente Rosalía se ha sumado a las quejas. Cada vez más nombres como los de Heba Kadry, Marta Salogni (que acaba de trabajar en el disco de Depeche Mode) o Mandy Parnell nos van sonando igual que los de los hombres.
No cabe duda de que queda camino por recorrer, pero las semillas se van sembrando poco a poco. Una artista que puede contribuir a cambiar el paradigma es NOIA, alias de la cantante y compositora barcelonesa Gisela Fullà-Silvestre, quien ya era conocida por su labor de ingeniera de sonido de series y películas. Con NOIA busca separar su faceta técnica de la artística y acaba de publicar su álbum debut, ‘gisela’, que sucede al lanzamiento de dos epés.
La música de NOIA se ubica en un cruce entre el diseño de sonoro del tecno y las formas del pop electrónico, y especialmente ‘gisela’ llega respaldado por nombres de prestigio, pues ha sido editado por el sello neoyorquino Cascine, responsable de lanzamientos de Maria Usbeck, Yumi Zouma o Pearly Drops. Gisela, que utiliza los pronombres ella y elle, de hecho reside en Nueva York y ha estudiado en el Berklee College of Music. Además, el disco cuenta con colaboraciones de Maria Arnal, Ela Minus y Buscabulla, el dúo neoyorquino formado por Raquel Berrios y Luis Alfredo del Valle.
A estos últimos les hemos escuchado recientemente en el disco de Bad Bunny y seguro que su presencia en ‘eclipse de amor’ ha tenido algo que ver con que esta sea la canción más escuchada de NOIA hasta la fecha.
La Canción Del Día de hoy es un bolero modernizado con efectos electrónicos futuristas que tampoco renuncia a los ritmos tropicales. La voz de Berrios, tan preciosa e identificable en su registro, convive con el falsete de Gisela en esta producción que esconde un mensaje inesperadamente turbio. ‘eclipse de amor’ es la historia de un «amor sangriento» que transcurre durante una «noche tropical», un cuento de «amor pasional que consume a todas las personas involucradas» y que termina «con un cuchillo y un reguero de sangre».
Shakira ha abandonado Barcelona y ya se encuentra establecida en Miami, ciudad en la que a partir de este domingo 2 de abril residirá junto a sus dos hijos, Milán (10) y Sasha (8). La autora de ‘Monotonía‘ vivía desde hacía años en Esplugues de Llobregat, municipio situado a las afueras de Barcelona, con Gerard Piqué, pero la ruptura con el exfutbolista -anunciada en junio de 2022- le ha llevado a cambiar de residencia y a llevarse con ella a sus dos hijos, de los que disfruta la custodia completa.
En un mensaje, Shakira se ha despedido de España en el que celebra la amistad por delante del amor romántico. «Me establecí en Barcelona para darle una estabilidad a mis hijos, la misma que ahora buscamos en otro rincón del mundo al lado de familia, amigos y el mar. Hoy iniciamos un nuevo capítulo en la búsqueda de su felicidad. Gracias a todos los que surfearon junto a mí tantas olas allí en Barcelona, la ciudad en la que aprendí que sin duda la amistad es más larga que el amor».
Shakira agradece a las personas que le han apoyado en los últimos tiempos y a su «público español»: «Gracias a todos los que allí me animaron, secaron mis lágrimas, me inspiraron y me hicieron crecer. Gracias a mi público español que me ha arropado siempre con su cariño y lealtad. Para ustedes solo un hasta luego y como decía tantas veces mi padre, ¡nos vemos en las curvas!»
En los stories, Shakira ha dejado un mensaje diferente, más breve: «Pero las cosas no son siempre como las soñamos. A veces corremos pero no llegamos. Nunca dudes de que aquí voy a estar».
Acaba así una etapa vital de Shakira que empezó generando titulares: en 2010, poco después de que ella y Piqué se conocieran, Shakira grabó un videoclip en Barcelona, el de su single ‘Loca’, que le costó una multa por parte de la Guardia Urbana por ir en moto sin casco y bañarse en una fuente pública. Sin embargo, Shakira no se estableció en Barcelona hasta 2015, tras el nacimiento de su segundo hijo, al menos, según su versión. Hacienda no opina lo mismo.
En los últimos meses, Shakira ha realizado una cronología de su ruptura con Piqué relatada a través de una serie de singles que se han convertido en enormes éxitos. ‘Te felicito’ con Rauw Alejandro, ‘Monotonía’ con Ozuna, la «sesión 53» con Bizarrap y, recientemente, ‘TGQ’ con Karol G, han repasado las fases de su separación del ex-jugador blaugrana.
Dos meses después de la final de Benidorm Fest, hablamos con Fusa Nocta, una de las artistas revelación de la competición. Desde un principio, Miriam Nares consiguió conquistar al público con la explosiva ‘Mi Familia’, convirtiéndose rápidamente en una de las favoritas y en la propuesta más escuchada en plataformas por aquel entonces.
Hablamos con Fusa Nocta, risueña y abierta a contar, sobre su próximo disco (la primera parte estará disponible antes de verano), sus inicios en Factor X, la final de Benidorm Fest y cómo vivió la experiencia, el uso del autotune, la cultura ballroom, y el lado amargo del hype.
Cuéntame sobre la música que escuchabas de pequeña, tus primeras influencias…
He escuchado siempre, igual que ahora, de todo. Mis padres me ponían un estilo de música, mis abuelos otro, mis amigas otro… Iba desde Queen hasta Britney Spears, pasando por Christina Aguilera, Beyoncé… Manolo Escobar también lo escuchaba mucho por mi abuelo. Entonces, desde pequeñita he sido una mezcla de un montón de cosas.
¿De toda la música que escuchabas cuál crees que ha sido al final la que más ha marcado la música que tú haces?
Creo que mi música es así, de mezclar géneros, por eso mismo. También escuchaba mucho 50 Cent: es todo una mezcla. Creo que en mi música hay muchas letras empoderadoras, para sentirte fuerte, como las de 50 por ejemplo, los ritmos… Todo lo que me hacía sentir esa música. De Britney Spears también hay mucho.
¿Y ahora? ¿Cuáles son tus artistas favoritos del momento?
Pues sigo escuchando mucho a los mismos. Me gusta más el 50 Cent de antes, pero sigo escuchándole un montón. Y de artistas de ahora… (saca el móvil para meterse en su playlist ‘En bucle’ de Spotify). Últimamente estoy escuchando mucho afrobeat. Tengo aquí a Libianca, la de ‘People’, melvitto, Jorja Smith, Burna Boy, Russ…
Ahora no tanto, pero antes era bastante friki de los talent shows y recuerdo perfectamente verte en Factor X, ¿ahí sí que eran tus inicios totales no?
Totalmente, había sacado uno o dos temas y me llamaron por eso.
Si no recuerdo mal cantaste ‘No Gyals’ en las audiciones.
Sí, de hecho, es una cosa muy fuerte porque estaba pensando si cantar esa o hacer una cover, y en el último momento me decanté por esa.
¿Te acuerdas de cuál era la otra?
Creo que era ‘Fallin’ de Alicia Keys.
¿Con qué te quedas de tu paso por Factor X?
La verdad es que a mí me encantó toda la experiencia. No sé cómo serán otros talent como OT o La Voz, pero a mí en ese programa me dejaron hacer todo lo que quería. Mis canciones, mi outfit, la escenografía… La escenografía la montaban ellos pero yo decía “esto sí”, “esto no”, y me dejaban total libertad. Con el outfit igual, les decía la inspo y cogíamos a un diseñador o me hacían algo para eso que yo quería. No sé como fue para los demás participantes, pero a mí me dejaron tomar todas las decisiones.
«No sé cómo serán otros talent como OT o La Voz, pero a mí en Factor X me dejaron hacer todo lo que quería»
Me llama mucho la atención, no creo que suela ser así.
Totalmente, no creo que sea así siempre. Yo también sé cómo quiero hacer las cosas y supongo que eso les ayudaría también, a tener algo como muy mío.
Has crecido mucho desde tu paso por Factor X hace 5 años. Tu último single es ‘AYAYAY’, que lo sacaste hace unos días además. ¿Qué me puedes contar sobre él?
Es un tema en el que llevo trabajando un montón de tiempo. Llevo 2 años trabajando en todo este álbum, aunque este tema no tiene tanto tiempo. Lo empezamos a escribir y a pasárnoslo súper bien, hicimos la parte diferente del tema que lo rompe y luego vuelve al otro, y era como que todo era un poco de coña. Tenía que salir después de ‘Mi Familia’ porque es el que más parecido tiene en cuanto al sonido. Los temas que vienen todos tienen algo en común, pero este es el más parecido en cuanto a melodías, caja, palmas… aunque la temática sea totalmente distinta. Lo que viene ahora tiene esa esencia, pero cambia.
O sea, que confirmamos que hay disco, ¿dirías que es cohesivo, conceptual o simplemente comparte sonidos?
Para mí sí tiene algo de eso, porque en su conjunto trata de lo mismo, que es sentirte bien, crecer como persona, crecerte tú, estar cada vez mejor contigo mismo y quererte. Es lo que me transmite a mí, aunque no lo parezca porque las letras pueden resultar sexuales… Ya he visto comentarios de ese tipo, en plan: “denunciada”, pero a mí es la sensación que me da. Sobre todo, un tema que va a salir después es el sexual, pero también de sentirte increíble contigo misma. En general, el disco es así. Luego también hay un par de baladitas muy tristonas.
«Mi disco es sobre sentirte bien, crecer como persona, crecerte tú, estar cada vez mejor contigo mismo y quererte»
Tus primeros temas, antes de ‘Mi Familia’, son más tirando al R&B, reggaetón y hip hop, pero luego te has metido un poco más con los elementos del flamenco…
Sí, de flamenco tiene los compases, mucha palma, el cajón… Pero a mí a lo que más me recuerda es al típico sonido de cuando vas a una feria y está la música como muy roneanta. A mí me transmite eso. Esa música me pone alegre porque me acuerdo cuando era pequeña e iba a la feria de Gandía.
Hablando de ‘Mi Familia’, ¿quedaste contenta con tu actuación de Benidorm Fest?
No, claro que no. Yo soy muy crítica conmigo misma y creo que eso también me afectó porque es mucha presión el salir ahí con tanta gente viéndote, tanto en directo como en sus casas. También toda la presión que había porque ‘Mi Familia’ había gustado mucho, y yo también me puse esa presión a mí. Se me pasó un poco en la final porque me sentí mucho más cómoda y lo disfruté un poco más, pero las actuaciones en sí me costó mucho disfrutarlas.
¿Qué crees que es lo que más se te resistió o lo que más podrías haber mejorado?
Yo creo que son los nervios. Realmente, había trabajado mucho físicamente, mi forma física, me había apuntado a clases… Y en los ensayos era otra cosa lo que salía de ahí. Nadie tenía que juzgarme ni nadie me iba a ver, excepto la gente que estaba ahí. Era mucho más relajado y me salía mucho mejor. Siendo sincera, cuando canté ‘Luz Bajita’, ahí me llegó todo de golpe. Iba al gimnasio, pero no entrenaba cardio, no había ido en mi vida a clases de canto y aun así solo tuve un mes de clases. Esto fue en noviembre, fui a clases diciembre entero y luego ya vinimos aquí para volver a irnos allí. Realmente, mi mayor enemigo fueron los nervios, porque en ‘Luz Bajita’ no tenía preparación, pero en Benidorm ya tenía un poco más.
También es lo que has dicho. Al principio ‘Mi Familia’ era la clara favorita, fue la más escuchada en un primer momento, y además mucha gente la veía como la apuesta musical más fuerte que teníamos para Eurovisión. ¿Crees que te perjudicó ese hype inicial?
Totalmente. Además, a la hora de juzgar a alguien siempre vas a hacerlo de forma mas crítica si te gusta mucho lo que estás escuchando y luego no llega a esas expectativas, más que al contrario, sin esperarte nada. Aparte de mis nervios, los cuales también aumentaron mucho por esto, tienes que tener en cuenta que mi voz nunca va a sonar como suena en el estudio porque tiene Autotune. Se ha escogido una canción con Autotune, entonces es humanamente imposible replicarlo, no solo en cuanto a notas, sino también el efecto robótico que añade.
Luego también es verdad que mucha gente no entiende del todo lo que es el autotune, y muchos te dirían que lo usas porque no sabes cantar. Lo mismo que le pasó a Luna Ki.
Sí, de hecho, a mí me han dicho «canta muy bien sin Autotune pero ella elige cantar así». Tú tienes que saber que cuando escoges una canción con Autotune va a sonar diferente. Creo que sería hora de que se permitiera el Autotune porque ahí lo que se tendría que valorar es un show increíble. Todo el mundo usa Autotune en los directos, y no me refiero a uno muy fuerte, pero lo hace todo el mundo. A lo mejor los que cantan con una guitarra no, pero los artistas pop cantan con Autotune y creo que se debería integrar eso al festival. Eso, o que no se seleccionen canciones con Autotune.
«Creo que sería hora de que se permitiera el Autotune. Eso o que no se seleccionen canciones con Autotune»
Es lo que se suele decir, que no es nada nuevo, pero el Benidorm Fest en teoría es un concurso de canciones, no de voz.
Para mí seria lo lógico, porque además te da la oportunidad de llevar muchos más estilos de música. Por ejemplo, Rakky Ripper podría haber utilizado su Autotune, y la gente creo que también se esperaba que hiciese ese estilo de show con su voz de estudio, pero es imposible, y su voz está llena de Autotune porque es así su estilo de música.
Desde el principio has reconocido en las entrevistas que el directo podía ser tu punto flaco. ¿Crees que fuiste demasiado honesta?
Igual peco siempre de sinceridad, pero me gusta ser así con todo lo que digo. Tampoco dije nada malo, yo ya avisaba de que esto tiene Autotune y de que no iba a sonar igual. Luego obviamente también había gente que no tenía un show de bailar tanto, y es mucho más fácil, no solamente no ahogarte, sino que tu cuerpo al estar en movimiento no suena igual que estando quieto. También había gente con mucha preparación que yo no tenía. Un mes no es lo mismo que cuatro años de preparación y eso hay que tenerlo en cuenta. Yo a mí misma eso también me lo tengo que decir, han sido las cosas como han sido y ya está. Creo que podría haberlo hecho mil veces mejor, pero es lo que hay.
«Podría haberlo hecho mil veces mejor en Benidorm Fest, pero es lo que hay»
En el vídeo del tema y luego en la puesta en escena había muchos elementos: en el vídeo estaba tu familia, pero luego en vivo era más como una representación de la amistad, con los bailarines cogiéndote… ¿Era un homenaje a la familia que eliges?
Sí, la canción va de la familia, pero es que la familia no tiene que ser la de sangre. Yo con mi familia tengo una relación increíble, pero hay personas que no, y también tienen a su familia que han escogido y que es de verdad. Había como varias cosas. El coche; la trenza, que representaba la herencia de las mujeres en la familia; mis bailarines, que representan la amistad convertida en familia…
¿Y el coche?
Bueno, ahora después de todo el tiempo lo puedo decir. Yo pedí el coche de mi abuelo y no lo pusieron, y le dije a todo el mundo que era ese (se ríe). Cuando llegué allí vi que no era el que había pedido, y bueno, ya me tuve que callar.
O sea, les dijiste un modelo de coche y no pudieron conseguirlo.
En teoría sí, pero cuando llegué no (risas). Era muy guay actuar sobre él, porque tengo el recuerdo de pequeñita de cuando yo iba escuchando Manolo Escobar con mi abuelo en su coche.
El componente LGTB+ también estaba en tu puesta en escena. En un momento dado los bailarines hacen algo de vogue, como homenajeando a la cultura ballroom. ¿De dónde te viene el gusto por esta cultura?
Todos dentro la tenemos en muy alta estima. Me parece una cultura que habla mucho del tema de la familia y era importante integrarlo dentro, porque queríamos hablar de cómo muchas personas del colectivo a día de hoy se juntan entre ellos porque no tiene a su familia a su favor. En los años 80 les echaban de sus casas, o les maltrataban, y entonces se unían entre ellos y ellas y formaban familias. Hoy en día es un poco más de lo mismo. No es como era entonces, pero sigue habiendo esa cosa de las familias hacia las personas que no se sienten atraídas por el género opuesto o que no se sienten del género con el que han nacido…
«Sigue habiendo gente que cambia de género y no puede ir segura por la calle, sigue habiendo muchas injusticias y me parecía guay ponerlo ahí arriba»
Aunque mucha gente crea que eso ha desaparecido.
Totalmente. Sigue habiendo palizas, sigue habiendo gente que cambia de género y no puede ir segura por la calle, sigue habiendo muchas injusticias y me parecía guay ponerlo ahí arriba.
¿Has visto alguna serie o reality sobre la cultura? Tipo ‘Pose’.
Claro, yo la he visto varias veces ‘Pose’, la verdad es que me encanta. También hemos visto un montón de documentales para informarnos y que fuese lo más respetuoso posible.
Un compañero mío vio algo en Instagram sobre que habías intentado conectar con la cultura ball y habías hecho como un casting para tu actuación en Benidorm, pero no lo recordamos del todo bien. ¿Cómo fue esto?
Hice varios castings y propusimos a gente de todos los perfiles para que se presentasen. Aparte, tenía amigas que se fueron a varios ballrooms a preguntar porque también queríamos ese perfil. Lo que pasa es que costó mucho encontrar a gente de ballroom, y de hecho, no encontramos a nadie. Yo quería varios perfiles que me funcionasen, o todo hombres o todo mujeres. Quería perfiles muy parecidos. De hecho, quería raparles a todos y no me dejaron.
¿Por qué no?
Porque uno tenía el pelo largo y no me dejó (se ríe). Todavía estoy intentando convencerle. Bueno eso, que hicimos varios castings para que se presentase la gente, pero al final quedó en nada.
¿Sigue en tu mente representar a España en Eurovisión en algún momento, o has pasado página?
De momento, no. Porque creo que es un proceso personal muy duro y ahora mismo no me veo preparada ni de coña para presentarme. Aún queda, pero no me veo. Es muy guay y viene muy bien porque tengo a mucha gente más escuchando mi música, pero tienes que ser muy fuerte en esos días y no siento que eso tenga ninguna lógica. Muchos artistas ya hablaron de cómo se habían sentido ahí dentro, como las Twin Melody, y no llego a entender la cosa de la gente cuando se mete tanto en odiar a alguien por hacer un estilo musical que no les gusta. Para mí la musica no es eso y por tanto no tengo pensado presentarme, de momento.
«No llego a entender la cosa de la gente cuando se mete tanto en odiar a alguien por hacer un estilo musical que no les gusta»
¿Crees que todo tiene cabida en Eurovision?
Yo creo que poco a poco se va abriendo bastante. Mi música y la de mucha gente de este año no se podría haber visto en años anteriores. Tiene que ir cambiando y adaptándose a lo que es hoy en día la música y la industria, pero es poco a poco.
¿Cómo fue la relación entre todos los aspirantes?
Mucho, mucho apoyo. Sinceramente, yo no pasaba mucho tiempo con el resto de los participantes, no por nada, porque después sí he estado más con ellos, pero allí estaba todo el día ensayando en una sala del hotel. No había mucho tiempo, pero cuando coincidíamos nos apoyábamos mucho. No sentía esa competitividad negativa porque no dependía de la otra persona que yo perdiese, sino de los votos del público.
¿Qué participante se ha convertido en tu mejor amigo o amiga?
Las E’femme, todas ellas en general.
¿Hay algún título para el disco?
No, todavía lo estoy dando vueltas.
¿Y fecha?
Estará dividido en dos partes: la primera antes de verano y la segunda después. Y en teoría luego saldrá algo que recopile las dos partes, pero la manera de sacarlo va a ser así, en dos veces.
Este domingo 2 de abril ha sido el día elegido por Yolanda Díaz para el lanzamiento de su plataforma Sumar, con la que se presentará a las elecciones generales a finales de 2023 o principios de 2024. El titular está claro: «Quiero ser la primera presidenta de España».
La vicepresidenta y Ministra de Trabajo ha sido apoyada por la presencia de 5.000 asistentes -3.000 dentro de un Polideportivo de la capital y 2.000 a las puertas- y de una docena de partidos como Más País, En Comú Podem, Izquierda Unida, Equo o Compromís, pero no ha sido apoyada por la cúpula directiva de Podemos, que reclaman un peso decisivo en las primarias, aunque sí por algunos de sus diputados.
La cultura ha formado parte del discurso de Díaz, que arrancaba con una cita a Radio Futura, como podéis ver en el minuto 86 de todo el acto, en cuanto ella toma la palabra, tras Carla Antonelli:
«Madrid no es lo que nos quieren hacer ver. Es una ciudad maravillosa, inclusiva. Lo dice alguien que es galega. Madrid no ese Madrid triste y rancio que nos quieren hacer ver. Hemos llegado a Madrid pero venimos desde Galicia, Valencia, Cataluña, Extremadura, desde todos los lugares de España. Somos otra cosa. Ya lo decía mi querido Santiago Auserón con Radio Futura. Nos decían que «el futuro ya estaba ahí». Así es, sois vosotros y sois vosotras, y vamos a dar respuestas a nuestro país. Porque nuestro país tiene sed de cambio. Es un país alegre que da lo mejor de sí mismo».
De momento no hay reacción por parte de Auserón y su muy seguida cuenta de Facebook, y puede que no llegue, pues el tema referenciado con ese «el futuro ya está aquí», ‘Enamorado de la moda juvenil’, es autoría en realidad de Herminio Molero, que en el primer disco de Radio Futura tuvo mucho más peso, a diferencia de lo que ocurriría después.
Esta cita, en cualquier caso, no sorprende a nadie, pues Yolanda Díaz ya había citado a Auserón varias veces. «Las palabras de Santiago Auserón son un tratado sobre la diversidad cultural, sobre la comprensión de la diferencia y sobre el poder sanador de la música. Pocos artistas nos conceden un lugar tan humano y creativo en el que habitar y crecer», comentaba en Twitter hace unos años a raíz de una entrevista del artista.
Aunque no parece casualidad que haya recurrido a él justo en la semana que los hermanos Auserón han sido noticia por enfrentarse a Promusicae por el poco dinero que los artistas reciben de las plataformas de streaming. Ha sido una de las grandes noticias en el sector cultural de la semana. De hecho, en su discurso, Yolanda Díaz ha puesto en valor la cultura, representada en el acto por el discurso de la poeta nicaragüense Gioconda Belli o por la presencia de la actriz Susi Sánchez o el cantautor Luis Pastor.
Yolanda Díaz se refirió este domingo a todo lo que quedaba por hacer en cuanto al estatuto del artista, que ha sido uno de los puntos tratados en esta legislatura. «Me siento orgullosa por el trabajo del Gobierno de coalición, porque hemos ampliado los derechos de los trabajadoras y trabajadores, pero esto es solo el principio, porque aspiramos a mucho más».
Seymour Stein, el co-fundador de Sire Records que fichó para este sello a Madonna, a los Ramones y a Talking Heads, ha muerto a los 80 años como consecuencia de un cáncer. Así se lo ha confirmado su hija Mandy Stein a The New York Times y Variety.
Como recuerda The Guardian, el magnate nacido en Brooklyn entró en la industria musical a los 13 años, escribiendo críticas para Billboard. A los 15 años, ya era becario en un sello de soul de Cincinnati llamado King Records que acogía a James Brown. En 1966 fundó junto a Richard Gotteherer Sire Records, fichando a los Ramones y Talking Heads en 1975. Más tarde, Richard se retiraría del proyecto para concentrarse en la producción musical.
Fue a recomendación de su mujer Linda que Seymour fue a ver a los Ramones ensayar en 1975. Pronto Sire Records sacó su primer disco y los 10 siguientes. Talking Heads fueron unos de los teloneros de los Ramones, y también serían fichados para Sire.
Sire fue comprado por Warner en 1978, y de hecho Stein terminaría siendo co-presidente de Warner hasta su retirada en julio de 2018. Fue muy importante su fichaje de artistas europeos para trabajarlos en Estados Unidos, como fue el caso de los Smiths, The Cure, Pretenders, Echo & The Bunnymen, Depeche Mode, Soft Cell y Aphex Twin.
En un momento dado a la edición de ‘Tigermilk’ (1996), se reunió con Belle & Sebastian para trabajar con ellos, pero el asunto no prosperó y estos le hicieron una canción que precisamente se llama ‘Seymour Stein’. La letra comienza diciendo “Seymour Stein, me he estado sintiendo solo (…) Hombre de la compañía discográfica, no iré a la cena (…) Te gustó la chaqueta de Chris, te recordaba a la de Johnny (Marr), antes de que se pasara a la electrónica. Seymour Stein, siento haberte dicho que no, ten un buen vuelo de vuelta. Es un buen día para volar”. Stuart David, bajista de Belle & Sebastian, contó en su libro que al ver la cuenta de aquella cena se dieron cuenta que doblaba su sueldo mensual y que no era el tipo de vida que querían llevar.
La lista de artistas con que sí trabajó Seymour Stein incluye a Wilco, Everything But the Girl, Brian Wilson, kd lang, My Bloody Valentine o en los últimos tiempos Tegan and Sara y Regina Spektor. Ice-T escribió en su autobiografía sobre él, que «está hecho con el mismo corte antiguo de la industria como Clive Davis, pero que él es más excéntrico. Es más extraño, un poco más avant-garde y tiene un punto más afilado”. También dijo que nunca se metía en cuestiones artísticas, pero sí en cuestiones sociales, por ejemplo opinando en contra de la homofobia en el rap. De hecho, Stein estuvo a punto de fichar a Jimi Hendrix en 1966, pero declinó al verle romper su guitarra en una ocasión y discutir con su novia.
En la autobiografía publicada hace unos años, Stein cuenta que supo que era gay desde adolescente, pero que la presión cultural judía le llevó a quedar con mujeres, y a casarse con Linda. Se divorció de esta a finales de los 70. Linda fue asesinada por su asistente personal en 2007 y la hija de ambos llamada Samantha murió de cáncer cerebral en 2013.
El episodio en que Madonna fue fichada para Sire forma parte de la historia del pop y a buen seguro aparece en ese guión que la cantante ha escrito sobre su vida pero que finalmente no se está rodando. Madonna le visitó en el hospital cuando estaba recuperándose de una operación de corazón, a principios de los 80 con el objetivo de conseguir un contrato discográfico. ‘Everybody’ estaba en aquella maqueta que Seymour escuchó estando convaleciente. En su biografía, Stein recuerda que Madonna le pidió dinero enseguida: “tenía más huevos que los cuatro tíos que estábamos en la habitación, juntos”. Cuando ella le dio las gracias al entrar en el Rock and Roll Hall of Fame -una institución que Stein contribuyó a crear-, Madonna tuvo unas palabras de agradecimiento para él.
Lana Del Rey se ha convertido a méritos propios en una de las artistas más importantes e influyentes del panorama musical contemporáneo. Su arte sigue expandiéndose, evolucionando y renovándose sin cesar, pero todas sus canciones llevan indudablemente su característico sello desde el primer día.
Ya no queda ni rastro de las dudas sobre su autenticidad que despertó su álbum debut, Born to Die, en 2012.
En realidad, aquella imagen de joven convertida en una suerte de femme-fatale atrapada en un mundo de gánsteres, daddies y moteles de carretera nunca fue tan artificial como parecía. Lana, aunque camuflada tras un personaje, ya hablaba de ella misma y los suyos a través de alter-egos y estereotipos hollywoodienses. Aunque es a partir de ‘Lust for Life’ cuando su música se vuelve mucho más autobiográfica, prescindiendo de esa imagen en la que se protegía, y hablando directamente de su vida, los problemas del mundo en el que vive, sus amigos y, cómo no, su familia. Esta última es un pilar fundamental evidente en su espléndido nuevo álbum ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd’, nuestro Disco de la Semana, pero previamente en su discografía ya encontrábamos referencias a su vida familiar.
Criada en Lake Placid, un pequeño pueblo en el estado de Nueva York, Elizabeth Grant (su nombre de nacimiento), pasó una complicada adolescencia marcada por el abuso de alcohol, y con 15 años fue mandada por sus padres a un internado para que se recuperase. Este hecho traumático y sus consecuencias aparecen en varias de sus canciones. Según una entrevista, estuvo 6 años sin saber nada de su padre hasta que este fue a verla al estudio cuando hacía ‘Born to Die’ y entendió la pasión de su hija por la música. A continuación, enumeramos momentos clave para entender mejor el impacto de los Grant en el “Lanaverso”:
Gramma (Kill Kill, 2008)
En la era pre-Lana, cuando la artista intentaba abrirse camino en el mundo de la música bajo el nombre de Lizzy Grant, publicó un EP llamado ‘Kill Kill’ en 2008 cuya portada es una fotografía realizada por su hermana Caroline (más conocida como Chuck), ahora fotógrafa profesional. Ambas siempre han estado muy unidas, y desde entonces, Chuck se ha encargado de las portadas de varios de sus discos como ‘Lust for Life’ o ‘Norman Fucking Rockwell’. También de sus vídeos de ‘Venice Bitch’, ‘Mariners Apartment Complex’ o ‘Norman Fucking Rockwell’. Además, este EP terminaba con una canción llamada ‘Gramma’ -posteriormente incluida en su primer disco, el desaparecido ‘Lana Del Rey a.k.a. Lizzy Grant’-, en la que la una ahora irreconocible Lana canta sobre el cariño con el que su abuela le dejaba la luz encendida para cuando volviera de fiesta, o cuando le decía que en algún lugar había un hombre bueno esperándola.
Radio (Born to Die, 2012)
En sus comienzos -aunque no directamente en su obra-, la sombra de su padre -un empresario dedicado a la informática- siempre ha sido alargada: objeto de crítica un filón para la prensa más sensacionalista, al ser supuestamente millonario. Hecho que, en teoría, facilitó el despegue comercial de la cantante, aunque esta siempre ha negado haberlo tenido tan fácil. Según declaraciones suyas en entrevistas, ella ha empezado desde abajo, como así defiende por primera vez en ‘Radio’, una de las pistas favoritas de los fans de su disco debut como Lana Del Rey. “No one even knows how hard life was, I don’t even think about it know because I finally found you” hace referencia a su esfuerzo antes de haber conseguido la fama. En el segundo verso, menciona el apoyo -no económico, entendemos- que recibió de su padre cuando este le sugirió que fuese a Los Ángeles a perseguir su sueño americano (“I heard the streets where paved with gold. That’s what my father said”). En las letras de Lana, Rob Grant siempre queda retratado como una buena figura paterna.
L.A. Who Am I To Love You (poema- Violent Bent Backwards Over the Grass, 2020)
Ya bastante olvidado, el libro de poemas de Lana Del Rey, es más que nada una curiosidad para fans, pero en él se pueden encontrar algunas de las reflexiones más sinceras de la cantante. En el que fue elegido adelanto antes de la publicación del libro, ‘L.A. Who Am I To Love You’, vuelve a negar que su familia tuviese dinero y también incluso que sintiese que -asumimos- sus padres la querían (“They say I came from money and I didn’t / And I didn’t even have love and it’s unfair”). Su complicada adolescencia y, especialmente, su mala relación con su madre se refleja aquí en varias ocasiones (“I’ve never had a mother”, “I have no mother”, “I’m an orphan”). La primera vez que Lana habló de esto fue en 2006, cuando firmaba como May Jailer, en la canción “My Momma”.
Chemtrails Over the Country Club (2021)
A partir de su disco ‘Chemtrails Over the Country Club’, la música de Lana se convierte, más que nunca, en una especie de diario. En la canción homónima, la artista canta sobre estar relajada con su hermana en la piscina, una imagen que refleja cercanía y afecto. Tras haber trabajado con ella en el aspecto visual de varios de sus proyectos, en el sugerente videoclip de la canción, Chuck aparece junto a más amigas de Lana. También lo hace brevemente su hermano Charlie, que, además, fotografió la portada.
Blue Banisters (2021)
De manera similar a ‘Chemtrails’, ‘Blue Banisters’ muestra a la Lana Del Rey más familiar. Llegados a este punto en su carrera, parece que está cansada de los engranajes de la industria y lo que realmente le apetece es hacer arte con gente a la que quiere. En la canción titular, Lana está con sus amigas Jenny y Nikki Lane en la piscina, y la letra describe las conversaciones que tienen entre ellas (“Most men don’t want a woman with a legacy”). Su hermana también aparece mencionada y se revela que está embarazada (“Chucky is making birthday cake”, “there’s a baby on the way”)
Sweet Carolina (2021)
El cierre del álbum es una preciosa carta de amor a su hermana, cuya hija estaba a punto de nacer en ese momento. La co-escribe Lana con su padre y también con la propia Chuck (“if things ever go wrong, just know this is your song and we love you”). Es una estampa familiar relajada, bucólica y cariñosa, donde incluso se bromea con el novio de esta en un extraño pero entrañable verso (“”Crypto forever” screams your stupid boyfriend, fuck you Kevin”).
The Grants (Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd, 2023)
Quizá algo inconsciente o quizá algo deliberado, es curioso que ‘Blue Banisters’ termine con ‘Sweet Carolina’ y su siguiente disco ‘… Ocean Blvd’ comience con ‘The Grants’, que como su título indica, habla directamente sobre su familia y su linaje. En ella se habla de que cuando te vas todo lo que llevas contigo son tus recuerdos y Lana se va a llevar los suyos consigo: la última sonrisa de su abuela, el momento en el que su hermana tuvo una hija. También aprovecha para homenajear a su tío David (“Like Rocky Mountain High, the way John Denver sings”), que se suicidó en la Rocky Mountain en Colorado. La cantante se muestra preocupada de su legado. Más allá de su arte, quiere pasar tiempo con la gente que realmente le importa, dejando a un lado el ruido de la fama (“I’m doing it for us, for our family line”). La canción concluye con una frase sencilla pero poderosa: “It’s a beautiful life, remember that too for me”.
Fingertips (Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd, 2023)
Llegamos a ‘Fingertips’, el corte más denso, triste y confesional de ‘…Ocean Blvd’, una canción, desde ya, clave en el universo Lana Del Rey por su extensa y ambiciosa letra. En ella, la cantante reflexiona sobre su vida con una honestidad que desarma. Primero habla sobre si se llegará a morir o si la ciencia logrará que el ser humano alcance la inmortalidad, y si es así, se pregunta si le acompañarán su padre, su hermano y su hermana. Justo después muestra preocupación por sus hermanos (“Charlie, stop smoking”, “Caroline, will you be with me? Will the baby be alright?”) y reincide en la idea de ser madre ella misma, algo que menciona directamente en otras canciones de este disco como ‘Sweet’ (“Will I have one of mine?”, “It’s said that my mind is not fit, or so they say to carry a child. I guess I’ll be fine”). También divaga sobre su propia muerte y pide ser enterrada junto a sus abuelos y su tío Dave, por el que daría todo por poder traerlo de vuelta y darle dos segundos para llorar y ver la tele juntos para evitar que se quitarse la vida. El suicidio vuelve a aparecer en esta canción, y esta vez revelando que la propia Lana intentó hacerlo de adolescente ahogándose en el mar y fue rescatada por unos vecinos.
Si la relación con su madre siempre ha sido tumultuosa y se ha reflejado en sus canciones, aquí da un poco más de contexto de dónde puede venir: “What kind of mother was she to say I’d end up in institutions?”. En la versión del álbum la palabra “mother” está censurada, pero en la versión que se filtró previa a su pubicación se oía con claridad. Y, una vez, más vuelve a aparecer el momento en el que fue mandada a un internado con 15 años, y posteriormente, a una familia de acogida durante unos meses en Santander. Lana le pregunta a su madre qué cojones le pasaba en la cabeza para echarla de casa.
Feist ha contado más detalles acerca de abandonar la gira con Arcade Fire el año pasado tras las acusaciones de acoso hacia el frontman Win Butler. En una nueva entrevista con The Irish Times, la artista canadiense ha contado que durante su primer show de la gira, en Dublín, estaba teniendo una «experiencia extracorporal».
La artista de ‘Pleasure’ ha revelado que su primer instinto al conocer las acusaciones fue «esconder la cabeza y salir adelante», pero en cuanto comenzó su actuación se empezó a sentir incómoda: «Mi cuerpo era el que estaba haciendo las canciones», cuenta la artista. Feist también ha revelado que fue en el segundo concierto de la gira en el que se dio cuenta de que «no podía continuar»: «Todo el malestar práctico de tener que desmantelar toda la maquinaria y perder lo que había invertido en estar en esa gira… Todo me pareció clarísimo».
Beck iba a acompañar a la banda canadiense durante su gira norteamericana, pero también decidió abandonar. Por otro lado, Feist ha anunciado la salida de su sexto álbum, titulado ‘Multitudes’. Este estará disponible el próximo 14 de abril y llegará seis años después de ‘Pleasure’, el cual a su vez llegó seis años después de ‘Metals’.