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Los Punsetes: «Los videoclips son muy caros y empieza a decaer bastante su utilidad»

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Los Punsetes acaban de lanzar su séptimo disco, titulado ‘AFDTRQHOT’ (Al Final Del Túnel Resulta Que Hay Otro Túnel), y es nuestro Disco de la Semana. Hemos hablado con Jorge García y Manuel Sánchez, guitarristas de la banda, sobre la gran novedad prog rock en su discografía que es ‘OCULTISMO’, la situación del videoclip en España, el término «indie» y las punzantes letras de canciones como ‘ESPAÑA CORAZONES’ y ‘CERDOS’.

Para este séptimo disco, ¿ha habido alguna novedad en vuestro proceso de creación o algún nuevo reto?
Jorge: No, nosotros no solemos hacer las cosas con una intención a priori. Vamos sacando las canciones y dejamos que se impongan y que nos lleven ellas. Excepto ‘OCULTISMO’, que sí que es una canción que tienes que plantear un poco más. Lo demás es todo dejarnos llevar por lo que la canción nos va pidiendo.

Ese primer single del disco, ‘OCULTISMO’, dura 9 minutazos, algo que no es nada común en vosotros. ¿Cómo surgió hacer una canción así? ¿Por qué decidisteis sacarla como primer adelanto?
J: Teníamos esta fantasía que era la de hacer una canción como ‘Siberian Breaks’ del segundo disco de MGMT, que es básicamente eso, una canción de 12 minutos con varias partes que no se repiten. Y yo le decía a Manuel: «Hostia tío a ver si algún día hacemos alguna así, bien loca», pero nos parecía un poco inviable realmente. Y bueno, un día estábamos en el local con las dos primeras partes de la canción e hicimos lo que cualquier persona haría, que es que después de tocar la primera parte rápida y la segunda lenta, pues volver a la rápida otra vez. Y fue como: «Esto es una puta mierda, no va a molar…» Y ahí sí que pensamos en hacer una tercera parte a ver qué pasa. Nos fuimos a casa con la idea de añadirle más partes, incluimos algunos trozos y empezamos a ver que los podíamos pegar. Luego ya fue cuestión de ir probando en el local con los enlaces y las transiciones. Ya cuando la teníamos más o menos hecha parecía una buena idea sacar una canción tan diferente como adelanto. Básicamente, porque hemos sacado tantos singles de tres minutos, que están bien, que pensábamos que iba a ser más llamativo entrar por otro lado.

¿Vais a probar a hacer más canciones así en el futuro o es una primera y última vez?
J: No lo sé, hay alguna canción en el disco como ‘QUE TE VAYA MAL’ que también tiene una estructura un poco más rebuscada. Creo que puede ser un buen camino para hacer más cosas, a mí me gustaría, pero no es fácil encajar tantas cosas y que te quede tan bien.

Una frase de esta canción además es la que da nombre al disco, la de ‘Al final del túnel resulta que hay otro túnel’. ¿Por qué os quedasteis con esta frase de título y no “España es lo que me salga de los cojones”?
Manuel: Creemos que define mucho mejor el espíritu del disco, la verdad. De hecho, estuvimos dándole vueltas a hacer un título más corto, tipo ‘El túnel’ o algo así, pero no nos acababa de convencer y la frase en sí era demasiado larga. Estábamos de acuerdo en que define muy bien el disco, pero era muy larga, y ahí a Jorge ya se le ocurrió lo de las letras.

Lo de que no se pueda pronunciar bien es un poco para joder, ¿no?
M: El otro día leí una cosa muy bonita en Internet. Un chico en Twitter decía que el título era como si le hubieses dado una hostia al teclado (se ríen).

En el aspecto promocional de la canción, ¿a quién se le ocurrió la maravillosa idea de convertir la canción en un videojuego?
M: Intentamos que varios colegas cineastas nos hicieran un vídeo, y cuando ya íbamos por el tercero que nos dijo que sí pero que al escuchar la canción dijo que era imposible, nos encontramos en un callejón sin salida. Entonces, Luis le hizo honor a su fama y fue idea suya totalmente. En cuanto lo dijo, se nos iluminaron los ojos, la verdad.
J: Pasado el momento en el que todas las canciones tenían que ir con un puto vídeo, que ha hecho que el mundo se llene de vídeos pochísimos y que haya un montón de basura audiovisual por ahí, cosa en la que hemos caído ocasionalmente, Luis ya empezaba a estar realmente saturado.
M: Yo creo que ha habido un momento muy brillante del videoclip, sobre todo en España, pero la gente ya no lo recibe con tanto interés ni sorpresa. Son muy caros y creo que empieza a decaer bastante su utilidad y su peso. Tampoco tiene sentido gastarte más pasta en hacer el videoclip que la que te has gastado en producir el disco.

«Los videoclips son muy caros y empieza a decaer bastante su utilidad»

Vamos a hablar sobre ‘ESPAÑA CORAZONES’, otra canción que presenta el disco. ¿La canción va sobre la crispación política actual? ¿Es una conversación de bar?
M: Es sobre la crispación política, yo la entiendo así, o así surgió. Trata sobre esta idea de España como arma arrojadiza y excluyente que es tan apestosísima y que saca a tanta gente de las cosas buenas que puede tener la palabra, el concepto y demás.

¿Cómo se os ocurrió la idea?
M: A mí me gusta mucho la política y la mesa política y… pues indignado. Sobre todo esa cosa de que España es lo que le salga de los cojones al que habla, como si fuera así, me molesta mucho.

«Con más tontos que listos, con más fuerza que maña” ¿Creéis que hay muchos idiotas en España?
M: En realidad no va por ahí, va porque la prioridad de una parte de España saca fuera muchas veces a los artistas y a los intelectuales y es una España muy cazurra. Esa es la España que defiende los toros. «Abajo los intelectuales» y «muerte a la inteligencia» decían los franquistas, ¿no?

¿La España cazurra es la España de la derecha?
M: Bueno, no generalicemos. Hay mucha gente de derechas que no es así, pero luego hay gente que es así y es de derechas, eso está claro. Generalizar siempre es un poco peligroso, y a mí no me gusta.
J: Una cosa muy importante de la canción es que no cae en el posicionamiento. Expone una realidad en la que a mucha gente le sobra la otra mitad de España, tanto desde un lado como desde otro, pero no se sitúa en ninguno de los dos sitios. Es algo en lo que es fácil reconocerse. Expone un concepto que es fácil de entender, pero no tan fácil de escribir de una manera directa, clara y divertida.

En ‘CERDOS’ decís: «Todos los cerdos deben morir, está muy caro el alquiler en Madrid». Seguro que os habéis encontrado con algún propietario cabrón por Madrid, ¿no?
M: Sí, los caseros… Pero vamos, que no es una canción contra los caseros, ¿eh?
J: La canción es como una acumulación de frases que pretenden ser un poco obvias: la luna es blanca, el cielo es gris, está muy caro el alquiler en Madrid. Son cosas que no admiten contestación.

¿Y la de «tus amigos se merecen estar muertos»?
J: Si eres un cerdo, tus amigos probablemente también lo sean y deberíais estar muertos todos (risas).
M: Tengo que decir que Jorge quería incluir el nombre personal de una empresa y mi nota fue quitárselo, porque si no íbamos a acabar en la Audiencia Nacional.
J: Cuando nos separemos y escribamos la biografía ya ponemos todos los nombres y apellidos a las canciones, no pasa nada.

¿Os ha pasado más veces lo de tener que cortaros un poco al escribir?
M: Para mí no es cortarse, ¿eh?
J: Cuando Manu nos propuso quitar este nombre, realmente hay un argumento bastante imbatible. Dar un nombre implica un contexto y el contexto con los años se pierde y deja de tener importancia, y al final es hacer la canción un poco más pequeña de lo que es. Si la dejas abierta haces la canción un poco más atemporal.
M: Aparte, la agresividad sería real. La canción puede ser agresiva, pero nadie lo está siendo. Eso también es importante.

Hay quien dice que el viejo indie está muriendo tras la pandemia, ya que entre otras cosas no se podía quedar a ensayar ni nada. También que si la venta de entradas de este tipo de grupos ha disminuido… Vosotros que estáis metidos de lleno en el mundillo, ¿Cuál es vuestra visión al respecto?
J: Yo no estoy nada de acuerdo con eso. Hace dos semanas estuve viendo a Yawners y luego vi a Cariño con 2300 personas en La Riviera, y eso no lo veo. Lo que creo más bien es que empieza a haber un poquito de saturación de minigrupos de tirar un ritmillo, cantarse cuatro cancioncillas por encima… De esta cosa de nuevo pop derivado del rap que hay trillones de grupos muy parecidos. Hay momentos mejores y peores, pero depende más de que coincidan mejores grupos que de otra cosa.

«Hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo, siendo buenos; hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo siendo una basura que flipas y luego hay grupos pequeños a los que nos va mejor o peor independientemente de que sean mejores o peores»

¿Entonces crees que el verdadero problema del indie español es que hay demasiados grupos similares?
J: El problema del indie español no sé cuál es. Depende también de lo que cada uno piense cuando dice «indie español». Si me vas a decir que Viva Suecia es un grupo como nosotros, o IZAL, pues la conversación se va por caminos extrañísimos. Hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo, siendo buenos; hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo siendo una basura que flipas y luego hay grupos pequeños a los que nos va mejor o peor independientemente de que sean mejores o peores. Llevamos muchos años hablando de indie y es difícil saber ahora mismo a lo que se refiere la gente cuando dice indie. Yo digo indie y pienso en los sellos indies de los 80. Ahora la gente te dice indie y está pensando en Viva Suecia, que es una cosa que no tiene mucho que ver, desde mi punto de vista.

Es como que ahora el indie más que ser una palabra para referirse a «independiente», se ha convertido en un género de música aparte.
J: Es que es un término que yo, si fuera periodista, no lo utilizaría porque ya me parece confuso y difícil de definir.

¿Qué término utilizarías?
J: Depende a lo que me estuviese refiriendo.
M: ¡Agro indie!
J: Si utilizas indie refiriéndote a la independencia de los sellos, pues bueno. Incluso Sonido Muchacho se te empieza a quedar fuera del indie por sus alianzas con Universal. Yo si hablo de Los Punsetes siempre digo que somos un grupo de guitarras o directamente un grupo rock, porque a la gente como que le molesta ese término y me hace gracia.
M: Yo digo que somos un grupo underground.

No quiero que os retiréis ni nada, es solo por curiosidad, pero si tuvieseis que pasarle la corona a alguien, ¿quién creéis que podría ser vuestro relevo generacional?
M: El problema de eso es que todos nuestros relevos generacionales ya tienen más público que nosotros (se ríen). Gracias a Dios, a los grupos que dicen «nos gustan mucho Los Punsetes» normalmente les va mejor que a nosotros, o sea que es buena señal.

SZA confirma la fecha de publicación de ‘SOS’ en SNL

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SZA, uno de los grandes valores del R&B estadounidense, ha confirmado al fin la fecha de publicación de su nuevo disco. ‘SOS’, el sucesor de su debut ‘CTRL‘ 5 años después llegará este mes de diciembre, como se rumoreaba, justo antes de la Navidad. Su portada recuerda a aquellas famosas imágenes en un yate de Lady Di.

Saldrá el 9 de diciembre, perdiéndose ya muchas de las listas de lo mejor del año, que como es el caso de Rolling Stone, ya se han publicado o mandado a imprenta.

SZA ha confirmado la noticia en Saturday Night Live, donde ha interpretado su single actual, ‘Shirt’ y también otro nuevo llamado ‘Blind’ que aún no se ha publicado. ‘Shirt’ ha sido top 11 en Estados Unidos y número 17 en Reino Unido, además de top 18 en el Global de Spotify, donde ahora mismo se encuentra en el número 157.

Björk despide a los moribundos en ‘Sorrowful Soil’

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Björk ha publicado un vídeo para otro de los temas de ‘Fossora‘, que reincide en la temática del álbum: la muerte y la naturaleza. La canción escogida es ‘Sorrowful Soil’, una de las dos que hablan del fallecimiento de su madre, aunque esta fue escrita dos años antes. El vídeo hace una analogía entre la maternidad y la lava de un volcán. En concreto, entre la ovulación y un volcán, pues parte de la letra recalca que de los 400 óvulos de una mujer en toda su vida, solo salen «2 o 3 nidos». Hay que recordar que otra de las canciones de ‘Fossora’ se llama ‘Ovule’.

La cantante islandesa detallaba en las notas generales de ‘Fossora’ que aquí había querido trabajar con 9 voces en lugar de las 4 habituales (soprano, alto, tenor, bajo), lo que provoca esas sonoridades tan particulares.

Aunque para particular esa letra. Cuando el abuelo de Björk iba a morir, la cantante encontró en el hospital un panfleto sobre cómo hablar a los seres queridos a los que queda poco tiempo. «Me encantó lo genérico y lo universal que era», explica la cantante, que por este motivo termina la letra de la canción diciendo: «hiciste las cosas bien, lo mejor que sabías».

Escucha nuestro podcast sobre ‘Fossora’

‘Miércoles’ viraliza involuntariamente ‘Bloody Mary’ de Lady Gaga

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‘Miércoles’ está siendo un gran éxito en Netflix. La serie sobre la hija de la Familia Addams en la Academia Nunca Jamás se ha convertido en el mejor estreno de la plataforma, superando a la cuarta temporada de ’Stranger Things’ y 2 semanas después de su estreno, continúa en el número 1 de la plataforma. Tim Burton ejerce de productor ejecutivo y ha dirigido la mitad de los episodios.

Las canciones que suenan están viviendo una segunda vida, como ha pasado en varias ocasiones con ‘Stranger Things’, siendo el de Kate Bush el ejemplo mayúsculo, o también con ‘Euphoria’. El tema de The Cramps ‘Goo Goo Muck’ se ha destacado gracias a una coreografía, y está siendo muy buscado en Shazam, pero por circunstancias de la vida está llegando mucho más lejos ‘Bloody Mary’ de Lady Gaga. Era uno de los temas que no fueron singles de su álbum ‘Born this Way’.

Curiosamente, la canción de Lady Gaga no llega a sonar en ningún momento del show. Las recopilaciones sobre toda la música que suena en ‘Miércoles’ incluyen a Magdalena Bay, Beach House, Blonde Redhead, Chavela Vargas o Édith Piaf, pero nunca a Lady Gaga.

Quizá por el parecido entre Miércoles y Gaga, la gente ha cogido el baile de Miércoles bailando a The Cramps, le ha plantado una versión acelerada de ‘Bloody Mary’ encima y el asunto ha encantado en TikTok. Además, Lady Gaga se ha sumado a la tendencia a través de las redes sociales.

‘Bloody Mary’ no deja de subir desde entonces en las plataformas de streaming, siendo ya número 45 en el Global de Spotify, destacando el número 1 conseguido en Lituania y la aceptación lograda en Alemania, Italia, Francia, Reino Unido o Canadá, donde es top 100 de Spotify. La tendencia no ha llegado a España, pero parece cuestión de días que lo consiga. De momento, el tema suma 74 millones de streamings en esta plataforma, llegando ya al top 10 actual de la cantante.

@darkymayhem dancing queen 🖤 #wednesday #wednesdayaddams #netflix #wednesdaynetflix #bloodymary #ladygaga #wednesdayedit #edit #wenclair #wenclairedit #fyp #viral #addamsfamily ♬ wednesday dance – mayhem

Podcast: 10 años de ‘Born This Way’

«Si yo no hubiese hecho ‘Autodefensa’, también diría que es otra serie de pijas drogadictas sin haberla visto»

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Kiku Piñol

Esta semana, Filmin ha estrenado una de sus mayores apuestas hasta el momento. ‘Autodefensa’, creada por Berta Prieto, Belén Barenys y Miguel Ángel Blanca, te horrorizará o te encantará, porque -aunque suene a tópico- no hay punto medio en una serie de la que la propia Berta dice que “si no fuese mía, yo también diría que es otra serie de pijas drogadictas sin haberla visto”. Pista: no lo es, y su autoconsciencia ayuda ahí. Hablamos con Berta y Belén de eso pero también de muchas otras cosas en una entrevista que, como la serie, piensa que “filtros” es lo que se le pone a la cafetera.

“I have no power, but I’m filled with opinions” decía Fran Lebowitz en ‘Pretend It’s A City’, una de las producciones menos Netflix (AKA más libres, luego hablaremos de eso) que ha salido de Netflix. Y desde luego ellas también están llenas de opiniones: son unas entrevistadas muy generosas, que es el clásico eufemismo para decir que son una ametralladora de frases lapidarias, jardines varios y mil contradicciones, componiendo así un discurso muy interesante con el que presentan la que, al menos para mí, es la mejor serie española que se ha estrenado este año.

Berta, subiste hace poco una captura de alguien diciendo en Twitter sobre el trailer de ‘Autodefensa’: “otra serie de pijos… ya nos hemos enterado de que folláis y os drogáis”. Tú misma pusiste en la captura “me encanta porque es lo que yo estaría diciendo de mi serie si no fuese mi serie”. Así que vamos a empezar fuerte: ¿es ‘Autodefensa’ una serie de pijos? ¿O qué responderíais a quienes piensan eso?
Berta: Bueno mira, y eso fue el día del trailer, pero hoy no sé qué ha pasado con el trailer que ha empezado a viralizarse a pesar de lanzarse unos días atrás, y hemos visto hace un rato un montón de tuits de que la gente nos odia y nos dice pijas y drogadictas y tal. Si yo no hubiese hecho esta serie, yo soy súper criticona, habría dicho esto 100%. Es lo que se ve en el trailer y es lo que te puedes imaginar y es el prejuicio y tal. Yo creo que, cuando vean la serie, no pensarán eso. Y si piensan eso tras ver la serie, es que me parecen idiotas. Pero sí, lo habría dicho 100%, y súper rabiosa, entiendo el mood de criticar desde estar súper enfadada en tu sofá.
Belén: Creo que son críticas desde el prejuicio, yo también pienso que, mucha de la gente que ha criticado el trailer, si viera la serie, le gustaría.

Entiendo que vuestros personajes se parecen a vosotras, pero no sé si es que SOIS esos personajes, o es más una versión exagerada de vuestras personalidades. Lo digo porque en ese caso igual os tocan un poquito esas críticas tan feroces.
Berta: Somos nosotras. Hay cosas exageradas, pero somos nosotras.
Belén: No son todas las caras ni todas las facetas de nuestras personas, obviamente, pero somos nosotras. Igual hay aspectos que en según qué capítulos están más parodiados, pero la base somos nosotras, no nos hemos puesto a inventarnos unos personajes con unos objetivos y unos tal. Somos nosotras.
Berta: Pero, a pesar de que seamos nosotras y hayamos puesto nuestra intimidad, nuestros amigos, nuestra casa, nuestros conflictos personales, no creo que eso haga que nos tomemos las críticas más a pecho que en otro proyecto. Al menos a mí…
Belén: Sí, sí, total. Nos importa más la crítica como artistas y como creadoras que como personas.
Berta: Sería muy narcisista: “no les caigo bien a la gente de Twitter, jooo, voy a llorar”. Me la suda que no te caiga bien, ya tengo a mis amigos, no he hecho esta serie para hacer amigos ni para caer bien. Lo que me jode es que no guste la serie, no lo otro.

Pensando en el capítulo en que llamáis a gente para “pedirles perdón” de una forma súper condescendiente… no sé, yo diría que no estáis pensando en dejaros bien a vosotras, sino en reíros de vosotras. En ese sentido, más que la similitud que se os está diciendo con ‘Cardo’, me recuerda a ‘Girls’.
Berta: Claro, o sea, es cierto que criticamos y ponemos sobre la mesa muchos temas polémicos, pero a las que cuestionamos todo el rato es a nosotras mismas. Esta serie no es una chapa moral ni pretende ser pedagógica ni hablando en el nombre de nadie… somos súper honestas con lo que somos nosotras. Si me dices “pija”, pues pienso que sí, que quizás lo soy, o quizás no, no sé, pero es que yo misma me estoy haciendo esa crítica y lo estás viendo en este capítulo. Si me dices “frívola”, es como: ya, ya lo sé.

¿Las situaciones y tramas son también autoficción? ¿O algunas son llevadas al extremo aunque partan de una base? Pienso en cosas como ese capítulo 2…
Belén: No todo es real. Somos nosotras, somos nuestros amigos y es nuestra casa, pero muchas tramas son ficcionadas. No, lo del escritor no ocurrió de verdad, que el otro día me lo volvió a preguntar una chica (ríe) Y otras son basadas en situaciones que nos han pasado pero exageradas por mil.
Berta: Aunque los traumas y las cosas que contamos sean un sentimiento real nuestro, porque es una base que parte de nosotras, todo está ficcionado, porque si lo contáramos todo tal cual ocurre no tendría sentido el guión, ¿no? En plan, nunca es tan perfecta una trama en mi vida como para que sea un capítulo literal…

¿No? A mí la realidad a veces me ha regalado joyitas en ese sentido.
Berta: No, ya, si también… (ríe) Aquí en cierto modo ha pasado. Pero en general hemos hecho eso, aunque ojalá fuese todo en nuestra vida así, entonces no tendríamos que rompernos la cabeza en cómo contarlo. Aunque, ¿sabes qué? Lo del escritor por ejemplo no ha pasado, pero podría pasar. Y luego hay otro capítulo en el que quedo con un pavo y pasa una cosa con un ukelele, no voy a decir mucho porque ese es de la segunda tanda, y ese personaje es real, fue un pavo de Tinder que conocí. Y podría pasar eso, pero no ha pasado, pero ojalá pasara. Mola mucho pensar que todo es de verdad, porque estamos en un momento en que la gente está obsesionada con proteger su intimidad, su privacidad, su yo, sus entornos, etc, y nosotras tenemos cero ese pudor. Me parece que eso es un pudor… eso sí que me parece súper pijo, tenerte en tanta consideración que crees que tu intimidad es un valor.
Belén: También porque es curioso que en el momento actual se juegue mucho, por ejemplo los tiktokers, con la sobreexposición en redes, que hacen un reality de su vida, pero luego en los medios artísticos como cine, música y series, hay como esta compuerta cerrada hacia la vida de uno mismo. Creo que nuestra serie hace un poco de puente entre un lenguaje más tradicional y una realidad actual que es esa, que tu intimidad es el juego y es tu moneda de cambio.
Berta: No tiene ningún sentido que hablemos de intimidad en un momento donde todos tenemos redes sociales. O sea, tiene sentido, pero vamos a hablarlo de verdad, ¿no? No vamos a hablarlo como si mis tetas fuesen aquí… que no es solo por las tetas, pero no sé, me parece más íntimo expresar lo que pienso haciendo esta serie que no las escenas de sexo o desnudos.

«Me parece súper feminista enseñar una polla»

De hecho, el sexo y los desnudos están muy presentes en la serie, como cierto melón del capítulo 1: sigue siendo rarísimo que veamos una polla en una serie española, y más una polla empalmada (sin ser prótesis), como es el caso ahí. ¿Fue una de las cosas en las que pensasteis que Filmin os iba a dar un toque, como habéis dicho en la rueda de prensa? ¿Y cómo lo llevó Daniel Rived? No es nada común que un actor se preste a esto en algo audiovisual más mainstream. Ya lo de Àlex Monner en ‘Gang’ llamó la atención por lo mismo.
Berta: Es que Daniel fue súper generoso, y entendió muy bien el proyecto que estábamos haciendo y a lo que estábamos jugando, se lo dijimos y tal, y él nos decía “no, no, si éste es el juego, y si vosotras vais a estar enseñando las tetas y el coño, yo pongo lo mío a vuestra disposición”. Creo que es súper de agradecer, y que no habríamos encontrado tantos actores dispuestos a enseñar la polla literal, igual que no hay tantas actrices dispuestas a enseñar el coño literal. Las actrices están más sexualizadas en general, estamos más acostumbradas a ver desnudos femeninos con un punto de vista súper objetificado, hacia la actriz y hacia los personajes femeninos. Entonces también por eso era importante enseñar la polla del Rived, ¿sabes? Me parece súper feminista enseñar una polla. También hay mucho pudor entre las actrices por enseñar el cuerpo porque viene de una tradición de abusos súper larga. Las actrices están cagadas, y amigas mías actrices están cagadas de enseñar el cuerpo por si eso lleva a otra cosa, porque tenemos una trayectoria de experiencias horribles con esto.

“Las actrices están cagadas con enseñar el cuerpo por si eso lleva a otra cosa”

De todas formas, al final la gracia no es enseñar una polla por enseñar una polla y “jaja, qué gamberras”, sino porque, de la manera en que estamos contando esta historia y de la manera en que nos estamos exponiendo, no tiene sentido que de repente haga un plano siendo sutil y falseando esto. Porque nosotras no somos sutiles. Y no sé… ¿qué has dicho, que qué tal Daniel? Daniel es el puto amo.

Es brillante el diálogo que tenéis ahí entre tu personaje y el de Daniel, cruzando ambos líneas rojas constantemente, lo que se consigue poner sobre la mesa en esa secuencia, y con ese patetismo y ese humor incómodo todo el rato.
Berta: Eso lo pensamos mucho a la hora de construir ese monólogo. Nos preocupaba mucho ese capítulo porque queríamos hablar de muchas cosas. Sí que hay muchas líneas rojas que cruzamos en este tema.
Belén: Eran varios objetivos. Por un lado queríamos hablar de cómo muchas veces el sexo es aburrido y tenemos la necesidad de enrollarnos con alguien y luego pararlo, porque no nos satisface tanto como el ligoteo en sí. Y también sacar a la luz el tema de la cancelación.
Berta: Sí, y no tanto eso, porque a él como que le da mucho miedo la cultura de la cancelación, pero la cosa es que en esa escena yo le digo que pare, y él para. Y le ralla que yo le haya dicho que pare, pero no por quedarse sin follar, sino porque eso ya le pone a él en un lugar de “oh Dios, quizás he abusado de ella”. Creo que los hombres nos dan la razón como a idiotas porque tienen miedo de ser tachados de machistas, o de ser cancelados o de tal, pero en ningún momento se hace el ejercicio real de reflexionar sobre tu masculinidad. Esa secuencia es como: has venido aquí a llorar y, realmente, si lo hubieras pillado, sabrías que no hay ningún problema. Yo te dije que pararas, y tú paraste, tío, está todo bien. Aprendimos mucho haciendo ese capítulo.
Belén: Y también es una burla.
Berta: Total, es que, ¿cuántos hombres se ponen a lloriquear como de que…? Se pasan la vida llorando los hombres. No paran de llorar.

Otro de los aspectos más llamativos de la serie, y evidentemente más tratándose de Jenesaispop, es la banda sonora. El piloto se cierra con ‘No te puto pilles’, de Pantocrator, sin ir más lejos. ¿Nos podéis adelantar algo de la BSO de los próximos cinco episodios?
Berta: Que salen canciones de MEMÉ, las mejores canciones de España.
Belén: (ríe) No te sé decir ahora nombres concretos, pero sí que me hubiera gustado que saliesen más canciones, pero me he dado cuenta de que es muy complicado elegirlas…
Berta: Muy caro. Sobre todo es muy caro.
Belén: Pero sí que queríamos que fuese música de gente de nuestra generación, representativa de nuestro entorno, de nuestro momento, etc. Que no fuera la típica serie de Netflix que te cuela la canción del top 1 de España…
Berta: Sí, Rigoberta Bandini, por ejemplo (risas) Pero está guay lo de Pantocrator, por ejemplo, porque son colegas, o la Cooba, que no es tan conocida y es de Barna y nos encanta. Y luego hay gente como rusowsky que bueno, nos ha costado una puta pasta, pero era importante, o Bad Gyal, que imagínate también. Hay un mix de describir la música de la generación, y también dar voz a colegas y a artistas más pequeños de Barcelona. Porque la serie también va de eso, de que nosotros tampoco éramos nadie antes, Miguel Ángel nos encontró por Internet, y Filmin ha hecho esta apuesta.

Ya que has mencionado antes las canciones de MEMÉ, me gusta mucho el final del episodio de la ansiedad, en el que Belén acaba calmándose mientras compone contigo. Un momento muy tierno solo minutos después del momento en que la estás grabando para sus seguidores mientras tiene un ataque de ansiedad.
Berta: Eso es una crítica a la gente que hace como estas reivindicaciones por Instagram de expresar tus sentimientos y llorar y tal. Se aplaudió mucho lo de Bella Hadid llorando, ¿no? De repente. Qué puto palo, loca. Ya lo sé que lloras, tía, me imagino, como todo el mundo. Pero mucha gente cree que colgarse vulnerable en redes es una lucha, y me parece una lucha de mierda. Eso sí que me parece súper pijo, mira. Reivindicar la salud mental es otra cosa. No es Bella Hadid llorando. Pero a la vez Belén se pone a sí misma haciendo eso, no es como que hagamos un speech de lo mal que nos parece que la gente haga tal o cual. La crítica está en que nosotras también somos eso.

“La gente que cree que colgarse vulnerable en redes es una lucha… pues vaya lucha de mierda. Eso sí que me parece súper pijo. Reinvidicar la salud mental es otra cosa”

En la rueda de prensa has dicho como que no tienes pedir permiso y soltar “oye, ¿puedo contar mi historia?, que es que tengo un trauma”, sino que deberías poder contarla y punto. Vale, pues voy más allá: ¿creéis que a los creadores se les pide hablar de cosas super íntimas y desagradables para darles una oportunidad? Como que estamos obligados a monetizar nuestras mierdas si queremos llegar a algo.
Berta: (ríe) Cien por cien.
Belén: Es como esto que decíamos de los creadores de TikTok que exponen tantísimo su vida y sus relaciones, me perturba un montón.
Berta: Es que es una moneda de cambio.
Belén: Sí, es que su trabajo, su modo de vivir, es ése. Es como que cuanto más te expones, más recibes, tiene un valor exponerte y no reservarte tu intimidad.
Berta: Y no ya influencers y tal, sino lo que decías sobre creadores. Y creo que está relacionado con que a nivel de ficción estamos en un momento como muy morboso, no se le da tanto valor a lo que es bueno o a lo que es malo, o a una mirada que mole, sino a qué es más traumatizante. Del palo: “es una película de mierda, pero como es una película de refugiados mutilados y violados, es buenísima”. Y a lo mejor es una película de mierda, ¿no? Y quizás yo soy una creadora de mierda. Pero como soy mujer, ya me respetas. ¿Por qué? A lo mejor lo he hecho fatal, y a lo mejor mi serie es una mierda. A lo mejor me han violado, y te cuento en mi serie que me han violado, pero te lo cuento de una forma asquerosa. No estamos en el mercado de los traumas a ver quién está más traumatizado y quién tiene más potestad de hablar, o no deberíamos. Para mí tiene más potestad de hablar quien hable mejor. Esto no es una democracia, esto es un trabajo. Y sobre todo en mujeres está el tema de que parece que las mujeres solo puedan hacer esta autoficción intimista y traumatizada, porque así se ganan el derecho de tener voz. Yo he hecho una serie y no tengo que justificarme ni pedir permiso. Si luego no te gusta, pues estupendo. Este tema me parece que crea espectadores gilipollas, y con un punto moralista también, ¿no? Voy a ver una película de negros traumatizados y mutilados, y la película es una mierda, pero no puedo decir que lo es, porque, ¿qué va a pensar la gente de mí? No, voy a decir que está fenomenal, y así además me sentiré muy bien volviendo a mi casa después de haber visto este cine social tan importante. Pues me parece que eso hace un flaco favor a la cultura; la cultura no tiene que ser educativa ni moralizante, tiene que ser buena, y ya está. Uy, qué speech me he marcado de repente.

Tenía algunas preguntas para Miguel Ángel, que como le vi antes por aquí, pero…
Berta: Se fue, ¡pero igual te podemos responder alguna!

Pues mira, ésta igual sí. ¿Se animará a ponerse delante de la cámara con vosotras en -si la hay- la segunda temporada? Si es que no sale ya en los capítulos restantes de ésta.
Berta: (ríe) Es un cagado, tío, le hemos dicho mil veces que salga, y qué va.

“Parece que las mujeres solo pueden hacer autoficción intimista y traumatizada para tener voz”

En el coloquio tras la presentación en el Festival de Sevilla, dijisteis que el título antiguo de la serie (‘Las Mamarrachas’) era “como muy de serie de Flooxer”. ¿Creéis que ‘Autodefensa’ podría haber salido en Flooxer? ¿O en Atresplayer?
Ambas: (ríen y acto seguido sueltan un sonoro…) NO.
Belén: No podría haberse hecho en ninguna parte que no fuera Filmin. Es la única plataforma en la que encaja, no quiero ponerme en plan “oda a Filmin”, pero es una suerte que exista Filmin, la verdad. Es una suerte que exista una plataforma que tenga tanta libertad, es un valor muy grande.
Berta: Filmin es una suerte para la cultura audiovisual. Porque vamos, en Atresplayer seguro que no, y en Flooxer, ¿qué es eso? Y claramente en ninguna cadena de televisión se hubiera hecho esta serie, o sea, en TV3 olvídate mil años, etc. Y es asqueroso, que tengamos tan claro que no se podría haber hecho en otro sitio es un problema. No se puede hacer en otro sitio porque planteamos cosas de las que no se quieren hablar. Y no porque nosotras seamos unas abanderadas de nada, sino porque lo que se está haciendo es súper buenista y super blanco. Nuestra serie no es tan rara, lo raro es que no se pueda hablar de esto.

“’Autodefensa’ no podría verse fuera de Filmin porque plantea cosas de las que no se quiere hablar,

Gracias por el titular.
Berta: Las demás son unos putos cyborgs quedabien. (sonríe) Ahí tienes otro titular.

¿Alguna cosa de la que queráis hablar que se me haya quedado en el tintero?
Berta: Qué va, ha sido muy chulo, la verdad. (piensa) Bueno…
Belén: Dale, tía.
Berta: A ver… en Jenesaispop nos odian, ¿no?
Belén: Uf, yo quería decir que publicasteis una noticia sobre mi primera canción, y creo que en mi vida he recibido tantos comentarios negativos como en esa noticia (ríe) Pero no es culpa vuestra, obviamente.

‘Autodefensa’ está disponible en Filmin con sus cinco primeros episodios. Los cinco siguientes, con los que se cierra la primera temporada, se estrenarán el 6 de diciembre.

Maya Hawke / MOSS

Hace un par de años os hablábamos de cómo Maya Hawke, Robin en ‘Stranger Things’ (AKA el personaje de ‘Stranger Things’ que sí es abiertamente gay y no del que sus creadores llevan soltando miguitas desde la primera temporada), se había adentrado en el mundo de la música, dejándonos canciones que no estaban nada mal, como ‘To Love A Boy’ o ‘Generous Heart’, contenidas en su debut ‘Blush’. Pues bien, Hawke ha seguido publicando temas como ‘Baby Hippo’, y finalmente este otoño ha dado a luz a la continuación de ese ‘Blush’, titulada ‘MOSS’.

En declaraciones a NME, la estadounidense cuenta que las canciones están escritas como si viniesen de su yo adolescente, pero con la madurez de ahora (“al final es como cuando en los castings te cogen con 16 años y te dicen que hagas de un personaje de 14; partes con esa ventaja”), y que, si en ‘Blush’ las inseguridades le hicieron ir sobre seguro y ceñirse a lo acústico, aquí se ha quitado esas limitaciones: “en el debut no quise ni poner reverb en mi voz… ahora he aprendido que tengo que equivocarme, tengo que aspirar a sonar como realmente querría sonar, aunque eso signifique ponerme en ridículo por intentarlo demasiado”. Y la lección se ve en ‘MOSS’.

De hecho, Hawke avanzaba ya el disco desde los primeros meses del año con la estupenda ‘Thérèse’, inspirada en un cuadro de Balthaus y una de las más interesantes de este trabajo en cuanto a sonido: se mezclan el folkpop de artistas como Soccer Mommy o Lucy Dacus con cuerdas a lo Sufjan, o de repente aparecen unas distorsiones que a quien recuerdan es a Phoebe Bridgers. Pero ojo, porque la principal influencia que Hawke cita para hacer este disco ha sido… ‘folklore’ de Taylor Swift. Y no está muy traída por los pelos esa referencia, porque Hawke demuestra también un olfato para la composición que, sin llegar al de la autora de ‘Getaway Car‘, merece que le dediquemos nuestra atención.

‘MOSS’ vuelve a venir de la mano de Mom+Pop, sello de Hinds o Courtney Barnett, y está producido por ella misma junto a Jonathan Low, que ha trabajado para Mr Twin Sister, y Benjamin Lazar, que ha hecho lo propio con Kimbra. Con estos mimbres, Hawke construye un disco mayoritariamente folk pero en el que hay espacio para el dream pop, la electrónica en general, momentos más bedroom pop, etc, y que en general mantiene en todo momento una atmósfera mágica, presente en temas como ‘Mermaid Bar’.

La joven lo acompaña además de letras en las que mezcla metáforas con sentimientos amargos expresados de forma muy sencilla, como ocurre con ‘Luna Moth’, que parte de la muerte de esa polilla para llegar al corazón roto de “I don’t need anyone to hurt me / I can do that myself / I don’t see why you would want me / If I could, I would be anybody else”. Otro ejemplo es ‘South Elroy’, con la rabia escondida dentro de una melodía alegre y bastante más uptempo (casi se puede cantar por encima eso de “so she said what’s the problem baby / what’s the problem I don’t know”).

‘Driver’ vuelve a demostrar el talento compositivo de Maya Hawke, con una identificación entre su ex y su padre que, lejos de ser turbia, lo que arroja es una conclusión madura y construida con mucha belleza: “I imagine my mum and dad / loosely necking in the back of a taxi cab” o “thinkin’ of you makes me happy / happy that my father, he got free / that even though it hurt me / he can be whoever the hell he wants to be” canta Hawke aquí, mezclando su propia relación con la que tuvieron Ethan Hawke y Uma Thurman.

Porque, sí, hemos llegado al elefante en la habitación. Maya es hija de Uma y Ethan, y la propia artista no tiene problema en hablar de ello en las entrevistas y admitir que esto le ha ayudado a la hora de conseguir oportunidades o pasar ciertas pruebas. Pero es curioso: para una “hija de” que es consciente de su privilegio… resulta que es buenísima. Porque, como actriz, Maya elevaba con su carisma las escenas de ‘Stranger Things’ (junto a Sadie Sink diría que es lo mejor de la serie, por encima de los chicos, de Millie y hasta de Winona), y también nos puso en pie en el inicio de la disfrutable trilogía slasher ‘Fear Street’. Y en lo que respecta a la música… pues juzgad por vosotros mismos con este ‘MOSS’, pero yo diría que aquí hay alguien a quien seguir los pasos.

Stormzy se anota otro top 1 en UK gracias a temazos como ‘This Is What I Mean’

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3 de 3. El tercer álbum de Stormzy, que acaba de salir al mercado, también es número 1 en la lista de álbumes de Reino Unido, exactamente igual que los dos anteriores. Esta vez, eso sí, la diferencia con el top 2 ha estado más ajustada y va a ser difícil que ‘This Is What I Mean’ sea platino como sus antecesores. ‘Gang Signs & Prayer‘ vendió casi 69.000 copias en su semana de salida y ‘Heavy Is The Head‘, 58.000. El nuevo se ha quedado en algo menos de 28.000, en cualquier caso suficiente para liderar la tabla del Black Friday.

El álbum se presentaba con un sencillo llamado ‘Hide & Seek’, que ha sido top 7 y en cuyo vídeo Stormzy sufría una ruptura. La misma temática de ‘Firebabe‘, la balada single que se está radiando en Reino Unido esta Navidad, y en cuyo vídeo le vemos solo en una casa, sentado en la silla de pensar. Curiosamente ‘Mel Made Me Do It‘, el adelanto que conocimos en septiembre, no está en el álbum, pero sí el tema titular ‘This Is What I Mean’, que es hoy nuestra Canción del Día.

‘This Is What I Mean’ es el mayor tiro publicado por Stormzy en esta era: el modo en que azota su beat parece ideado para los directos y en eso se recrea su vídeo, que comienza con sonido ambiente en muestra de lo que sucede en sus shows, que en nuestro país hemos disfrutado más que nada en festivales. El tema presenta a multitud de colaboradores unidos en lo que Stormzy quisiera que fuera «un cuadro» en el que cada artista aportara su paleta, no solo un verso.

Destaca en ese sentido la intervención de Amaarae hacia la mitad del tema y Black Sherif poniendo el punto final en una producción bombástica que recuerda a Kanye West porque no en vano es mencionado en la letra. Lo mismo que el gran hit de Neneh Cherry, o la necesidad de Häagen-Dazs y Ben & Jerry’s, en un tema que habla sobre respeto y autoafirmación. «Creo que soy Kanye mezclado con Donny Hathaway», dice Stormzy en referencia al cantante de soul conocido por ejemplo por ‘Where Is the Love‘, dúo con Roberta Flack. Alma sigue teniendo, sí.

Detenidos 2 hombres por la muerte de Takeoff

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El Sargento Michael Burrow del Departamento de Policía de Houston ha realizado una rueda de prensa para informar sobre las novedades en torno a la investigación por la muerte de Takeoff de Migos. Un hombre de 33 años llamado Patrick Xavier Clark ha sido detenido por causar su fallecimiento, aunque fuera de manera involuntaria.

Por otro lado, otro hombre de 22 años llamado Cameron Joseph también ha sido arrestado y acusado de posesión de armas. La policía ha definido a Takeoff como “un transeúnte inocente” en el caso, es decir, alguien que pasaba por allí y recibió casualmente el disparo tras producirse una discusión a las puertas de la bolera.

El NME informa de que Offset ha ofrecido su primer concierto desde la muerte de Takeoff este 2 de diciembre, interpretando un set de media hora en un club, incluyendo hits como ‘Bad And Boujee’. “Estamos haciendo esto por mi hermano”, fueron sus palabras. “Por Takeoff, hagamos esta mierda”.

Surfin’ Bichos anuncian su primer disco en 30 años

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Surfin’ Bichos, el grupo de culto de los 90 liderado por Fernando Alfaro y Joaquín Pascual, influencia capital en gente como Triángulo de Amor Bizarro, está de vuelta. Hasta ahora estábamos más o menos acostumbrados a verles en algún concierto, pero no editando nuevo material.

Concretamente hubo una reunión de Surfin Bichos para tocar en el Primavera Sound de 2006, otra sorpresa en Contemporánea en 2015, y alguna otra aparición más, pero nunca un regreso discográfico como el que se avecina. Hoy anuncian su nuevo álbum, aún sin título, que tendrá lugar en el sello Sonido Muchacho, hogar de Carolina Durante, Sen Senra o recientemente La Bien Querida.

Discos como ‘Hermanos carnales’ (1992) aparecieron en toda lista de lo mejor del pop nacional de los 90, pero después de ‘El amigo de las tormentas’ (1993) no había nuevo álbum. Fernando Alfaro se centró primero en Chucho y luego en su carrera en solitario, como también hacía Joaquín Pascual. De momento no hay más datos sobre este regreso que no vimos venir, tan solo la confirmación de que habrá un disco largo completamente nuevo y que llegará a nuestras manos a lo largo de 2023.

Lana del Rey anuncia el anuncio de algo en el ¡Hola!

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Lana del Rey no ha anunciado exactamente un disco, sino que va a anunciar algo. Ha sucedido cuando la revista Hola! en una de sus ediciones latinas se ha aproximado a la cantante en un evento, y en lugar de preguntarle la típica impertinencia a lo Pablo Motos, han decidido preguntarle algo que nos importa a todes: cuándo se publica el sucesor de ‘Blue Banisters‘, que salía el mismo año que ‘Chemtrails Over the Countryclub‘.

La cantante no lo revela pero dice que el próximo día 7, más o menos en el plazo de una semana, habrá nuevas. Se desconoce si será el anuncio de un single, de un disco al completo con el lanzamiento de un adelanto o ninguna de las anteriores.

En cualquier caso, es una alegría ver a Lana del Rey de buen humor, después de que le hayan robado un disco duro con música hace tan sólo 2 meses. Antes de su último disco, se barajaban varios álbumes de Lana, por lo que, entre unas cosas halladas y otras perdidas, se desconoce por completo lo que va a salir. Gracias a Slavin en el foro de Lana del Rey por el aviso. Seguiremos informando.

Bomba Estéreo traen a España su selva particular

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David Moya

Bomba Estéreo presentaban el pasado año ‘Deja’, su sexto álbum de estudio si no tenemos en cuenta el disco de remixes que contenía la revisitación de ‘To My Love’ que tan lejos les ha llevado. Tras pasar por algún que otro festival español durante este verano, los colombianos se atrevían con el WiZink Center de Madrid y con el Sant Jordi Club en Barcelona. La cita de Madrid ocurrió anoche con el cartel de “Entradas Agotadas” colgado desde hace algunas semanas y la de Barcelona ocurrirá mañana 3 de diciembre.

Con un olor a flores frescas que invade todas las primeras filas y con una puntualidad asombrosa, el show de Madrid arrancaba con un largo instrumental que daba paso a la aparición de Li Saumet regando de pétalos de rosa todo el escenario. Un preámbulo que dejaba claro lo que íbamos a vivir en las casi dos horas de show, donde los visuales y las luces tenían un protagonismo absoluto, ya que el vestuario de Li -que cambia en tres ocasiones- brilla en la oscuridad, teniendo varias tonalidades que hacen juego con la gran cantidad de plantas que inundan la escena.

‘Ahora’, ‘Algo está cambiando’, ‘Tierra’ y ‘Somos dos’ fueron algunas de las canciones que sonaron en un primer bloque en el que las pantallas combinaban imágenes de una serpiente deslizándose entre flores con otras que mostraban a Li vestida con diferentes vestuarios tradicionales del folclore de Colombia. Pero gastaron el primer cartucho de la noche antes de lo esperado. ‘To My Love’ sonó más electrónico que nunca en directo -al menos más que las dos veces anteriores que ya les había visto-.

También hubo un pequeño guiño a los nostálgicos del mestizaje, con la interpretación de ‘Me duele’, su reciente colaboración con el mítico Manu Chao. Y por supuesto no faltaron ‘Fiesta’ y ‘Fuego’ para terminar de prender la noche tras cantar ‘Soy yo’ precedida de la historia de cómo Li siempre se sintió diferente y rara desde pequeña por cómo la miraban.

En su último disco el grupo profundiza en la conexión que siempre ha sentido con la naturaleza y se muestra preocupado con el cambio climático, pero de todo ese concepto lo único que vimos en el directo fueron las canciones que lo conforman. Quizás la ausencia de Simón Mejía fuera el fruto de la ausencia de discursos que busquen la conciencia social, ya que aparentemente, a juzgar por sus redes sociales, es el más activo en este sentido. Lo que no faltaron fueron las proclamas a la libertad individual, a la conexión con nuestro planeta y la invitación a que “todo el mundo sea lo que ellos quieran ser sin que les importe lo que digan los demás”.

Cuando parecía que no iba a ocurrir, sin complejo alguno, interpretaron ‘Ojitos lindos‘, su reciente colaboración con el que posiblemente sea el artista más grande del mundo actualmente, Bad Bunny. Una canción que despierta la necesidad de que alcemos nuestros móviles para grabarla, más que ninguna otra hasta el momento. Y no iba a ocurrir más, porque tras finalizarla, un buen número de asistentes decidió que ya había escuchado todo lo que tenía que escuchar anoche, pese a que faltaba la canción que cerraba el concierto: ‘El alma y el cuerpo’.

En resumen, el concierto de Bomba Estéreo fue una invitación a la celebración de la vida, a la exaltación del individualismo en el mejor de los sentidos -si es que eso es posible- y a dejarse llevar, conectando con nuestra naturaleza, si es que aún sabemos lo que es eso.

David Moya

Los Punsetes / AFDTRQHOT

En una semana en que Irene Montero ha pasado de ser agraviada por VOX a agraviar al PP, Los Punsetes han sacado disco. Y se abre con un tema llamado ‘España Corazones‘ en el que hablan de «las dos Españas». Como poco desde que España es España ambas han estado ahí, pero en los últimos años de crispación política, cada Sesión de Control al Gobierno se ha convertido en un hueso muy duro de roer para el ciudadano de a pie.

El tema de Los Punsetes es un bálsamo para todes, en tanto que una parodia de todo esto sin tomar partido por ninguna de las dos partes. La canción se burla de aquellos españoles a quienes sobra la media España que no le interesa, y así nos luce el pelo. Inconscientemente muchos pensamos «España es lo que a mí me salga de los cojones», cuando la única España que deberíamos aniquilar es «la que no sabe dónde seguir la fiesta». Menos mal que están de vuelta.

Seis discos después, Los Punsetes continúan siendo Ariadna Paniagua, Jorge García, Chema González, Manuel Sánchez y, tras el abandono de otro bajista hace ya muchos discos, Luis Fernández, dueño del exitoso sello Sonido Muchacho, que por supuesto ha terminado editándolos. La capacidad de resistencia de la estable formación en una industria musical hostil que obliga a cada miembro a mantener su trabajo aparte diario, es la misma que la de la sociedad por fascinarnos.

Y en ella estamos cada uno de nosotros, por supuesto. Hace tiempo que las canciones de Los Punsetes son mejores cuando se dirigen hacia lo peorcito de nuestra propia casa. Entre la agresiva ‘Cerdos’, también sobresaliente y pegajosa en eso de «tus amigos se merecen estar muertos», y ‘Que te vaya mal’ porque «representas todo lo que estorba», y «significas todo lo que sobra», y «te mereces que te haga una cobra»; ‘Cosas que no me gustan’, de gran estribillo, y ‘Hola, destrucción‘ presentan prismas menos habituales. Son sendas parodias de cómo nos torturamos haciendo cosas que no nos gustan, repitiéndonos a nosotros mismos todo lo que no molamos, sin que la sección rítmica deje de dar botes: «Me boicoteo, me censuro, me desarmo, me disuelvo, me comparo con quien no debo», canturrea feliz la última. Parecía imposible hacer de la autodestrucción algo tan divertido.

El pogo parece el objetivo de la repetición de la estrofa primera al final de ‘Hola, destrucción’, y también el de la aceleración al desenlace de ‘Cosas que no me gustan’, aunque la noticia es que Los Punsetes han huido claramente de lo de siempre en ‘Ocultismo’, un single de 9 minutos en el que se han inspirado, más que en ‘Paranoid Android’ de Radiohead, en ‘Siberian Breaks’ de MGMT, la canción de ‘Congratulations’ que se extendía hasta los 12 minutos.

Puede parecer que han intentado demasiado fuerte hacer algo distinto, pero la grabación y división en partes va adquiriendo sentido, como es normal, en sí misma y sobre todo dentro del conjunto. El tema comienza con furia hablando de arte, fascismo y religión como una canción más de Los Punsetes. Lo típico. Una segunda se regodea en parajes más acústicos y lisérgicos -más MGMT, sí-, hablando de manera más abstracta de cómo nos alimentamos de odio. Una canción-río normal acabaría con las distorsiones en torno al minuto 6, tan de final de concierto. Pero ellos vuelven con una tercera parte en la que no querían repetir nada de lo anterior. Y ahí es el momento de hablar de precariedad laboral pasada por el Autotune en lo que supone toda una rareza en el mundo Punsete. La necesidad de «escapar de este lugar» se corresponde con la música, tan astral.

Tras este corte 7 tan intenso, de incluso crisis existencialista, que además suena poco después de ‘Estratos geológicos’, compuesta por varios tipos de guitarra eléctrica (la twang, la del riff, la tipo PJ) y poco más, Los Punsetes rebajan carga. Este disco no contiene ni 11 ni 12 canciones, sino 10 y las que quedan son tan ligeras como ‘No puedes correr’, sobre unas hostias que se rifan; ‘Un condenado a muerte se ha escapado’, con un protagonismo inusitado de los coros de Anntona; y ‘FOMO’, esa palabra-fantasía que nos obsesiona últimamente, para colmo de ironías. Es una balada como solían entenderlas R.E.M. y Patti Smith.

Esta última letra, más poética, deja el disco suspendido, presto de nuevo a ser escuchado en bucle. Primero, los hitazos. Después, la canción señera de esta época. Finalmente, cierta calma («No esperar grandes cosas / Vivir tranquilamente en algún lugar de la costa»), en su caso no exenta de ciertas piedras en el camino: «¿cuál es el camino más largo hacia este sitio?».

Russian Red habla de su depresión y su familia en una entrevista

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Russian Red, en promoción de la película que acaba de estrenar, ‘Ramona’, ha concedido una entrevista descarnada a El País en la que el periodista Carlos Marcos relata que, hasta en dos ocasiones, se echa a llorar. Pero está todo bien: una de las veces es de felicidad por haber encontrado a su pareja, que le «salvó la vida» cuando se encontraba inmersa en una depresión. Actualmente Lourdes se encuentra en terapia y habla de la reconciliación consigo misma que ha vivido y también con sus padres, que fueron parte del problema.

Primero al divorciarse, después por otras causas: «De adolescente tuve una sensación de claustrofobia importante y mucha ansiedad. La situación familiar me ponía muy triste. Las decisiones que tomaba mi madre no eran las mejores. Ella estaba a su bola, realmente. Si a esa edad no cuentas con la protección de tu madre, te tienes que proteger tú. Es una cosa muy loca salir de ahí, porque es muy posible que no sepas protegerte». También indica sobre ella: «Me marché de Madrid porque la relación con mi madre me hacía daño. Es una persona súper cariñosa, muy almodovariana. También difícil y contradictoria. No puedo decir que había falta de amor, lo que había era falta de solidez. Me marché porque quería escapar de mi propia identidad. Con irme a vivir a otro sitio he jugado el papel de otra persona. Eso me ha venido muy bien».

Tampoco esquiva Lourdes los problemas que conllevó la fama en lo que se define en el texto como «la época de explosión de los blogs»: «No me siento cómoda victimizándome, pero sí fui discriminada por ser mujer. Yo colocaba mis cosas más íntimas ahí fuera, en mis canciones, y luego estaba muy expuesta a un montón de juicios que no favorecían que yo pudiera seguir trabajando. Ahora que lo veo con distancia, sí que sentí que el personaje fue un poco maltratado».

RuRe se sincera sobre la depresión: “Pasé una depresión cuando estaba en gira. No estaba contenta, no era feliz. Acababa los conciertos y estaba perdida. No sabía qué estaba haciendo con mi vida. Me había desconectado de mí misma y de la capacidad para hacer ese trabajo de manera honesta. Podía haber seguido haciéndolo de manera no honesta, pero posiblemente le habrían pasado cosas a mi cuerpo y habría perdido la cabeza. Fue un trauma pasar de una dimensión privada a una pública. Y cuanto más íntimo sea tu trabajo más heavy es estar expuesta a tantos juicios”.

Revela también que en un momento dado despidió a sus músicos: «Giraba con ocho maromazos y me hacían la vida imposible. Venía aguantando muchas niñatadas, y que conste que no tenían nada que ver con lo sexual. Ellos disfrutaban de una situación muy buena en gira, pero se estaban todo el día quejando. Un día les cacé hablando mal de mí. Y entonces dije: «No, a mí en gira me respetas. En tu casa haces lo que te dé la gana, pero en gira me respetas. No puedes ir rajando de mí. ¿Entiendes? Porque si rajas de mí te marchas». Después les reunió y les dijo: “Estáis despedidos. Este será vuestro último concierto, así que disfrutad”.

Actualmente dice sentirse «inspirada», aunque en la actualidad está rodando una serie de Netflix. En cuanto a la música, se dice que «ya tiene compuestas algunas canciones en castellano a las que dará salida seguramente el año que viene». El texto completo, en El País.

La película ‘Ramona’ cuenta la vida de una mujer que acaba de llegar a Madrid con su novio y quiere ser actriz, pero según la sinopsis «no consigue castings, no tiene trabajo estable y en su edificio hay dos pisos okupas que venden droga y la tienen aterrada». Las críticas reunidas en FilmAffinity son todas bastante positivas.

Dorian terminan teniendo mejor directo que New Order… ¿pero es suficiente?

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El pasado fin de semana Dorian presentaban en Madrid y Barcelona ‘Ritual’, su disco más cosmopolita y lleno de featurings. Era impensable que pudieran reunir en el escenario a Youthstar, a Ana Mena, a Lido Pimienta y a Pimp Flaco. Quizá no tanto que ni uno solo de ellos se decidiera a pasarse por el show.

El grupo lo suplió con otros invitados sorpresa. Ya se sabe que cuando la gente va al WiZink, lo hace con las expectativas de ver explosiones de confeti -que las hubo- y de que por allí aparezca alguien inesperado. Quien sea. La impresión que dejó la noche es que al público, lo de los invitados, le daba un poquito igual. Allí la gente estaba para escuchar los viejos éxitos de Dorian.

El grupo se encuentra en un momento -parafraseando una de sus nuevas canciones- «raro». Antes de la pandemia llenaban 3 días consecutivos La Riviera, por lo que no tenía demasiado sentido volver ahí: era obligatorio dar un salto.

A falta de un recinto un poquito más grande que dicha sala en Madrid, la única opción parece el formato The Box en el WiZink Center, con capacidad de adaptarse hasta lo inimaginable a las necesidades de un grupo. La de Dorian desde luego no es sentar en pista -como hizo por ejemplo Leonard Cohen-, manteniendo a sus más de 2.000 fans de pie para darlo todo, algo que hicieron ocasionalmente.

La noche se abrió, como su último álbum, con ‘Mundo perdido’, aunque sin rap. Sonó a continuación ‘La Isla’ siendo ‘Los amigos que perdí’ el primer gran momento con la entrega del respetable. Marc Gili, de negro riguroso como casi todo el mundo, presume pronto de que va a ofrecer el «mejor repertorio» con que jamás hayan contado Dorian. Aunque de lo que debería presumir es de llevar el mejor sonido.

Con tanta gente vistiendo de negro y tanto protagonismo de los teclados, era difícil no pensar en grandes bandas de los años 80 y en lo bonito que sería poder ver un concierto de New Order ecualizado así, fuera donde fuera, y no con los penosos acoples y saturaciones que los de Bernard Sumner nos han hecho padecer en reiterados festivales. Dorian ofrecen en el WiZink Center uno de los mejores sonidos que recuerdo en dicho recinto. Tras esto y lo de Miss Caffeina, ya no se puede culpar al espacio de ofrecer malas condiciones para la gente: era posible seguir las letras del grupo hasta el punto de percibir cada coma.

En cuanto al repertorio, Marc se refiere, probablemente, al modo en que puede encajar sus singles de oro y platino con temas del penúltimo disco bastante queridos como ‘Noches blancas’ o ‘Duele’, junto a otros del nuevo que presentan texturas muy distintas. Para hacer algunos de estos funcionar, o los yuxtaponen a grandes éxitos, pues ‘Energía rara’ es la última canción del set, ya cuando parecía que todo estaba acabando con ‘La tormenta de arena’, o se acompañan de invitados.

Abraham Boba de León Benavente aparece en ‘Tornado’ y Dani lo hace en ‘Techos de cristal’. Son esas partes del show, como en ‘Lento’, en las que Marc apela a los «tres grandes monstruos de nuestra sociedad: la machismo, el racismo y la homofobia». «El feminismo es el motor del cambio en el siglo XXI», dice en otro momento.

Además de dar voz a estos otros artistas, es llamativo que el protagonismo no se centre sólo en Marc. Tanto Belly con su teclado como Lisandro tienen sus momentos de protagonismo en la pasarela, ofreciendo una imagen coral y sólida de banda, una que viene bien ensayada y curtida de casa, y que hasta quiere ofrecer una sección más cercana, tipo «ahora solo Bono y The Edge», en torno a la acústica ‘Llévame’.

Aun todo buen rollo, felicidad y profesionalidad récord, este tour de Dorian deja una serie de incógnitas sobre la mesa, a la que estamos deseando encontrar respuesta: ¿será el grupo capaz de llevar más allá su sonido global y continuar arriesgando más y más? ¿Se avecinan presentaciones en vivo recuperando viejos discos enteros que es a lo que apunta la reedición de ‘La ciudad subterránea’? ¿Cederá la banda a volver a su viejo sonido en un nuevo disco de estudio, tras tanto experimentar, como hicieron U2, que es lo que parece demandar su público? 7,5.

RFTW: Bad Gyal con Quevedo, PinkPantheress, Babi, Baiuca con Alba Reche, The Weeknd x Enya…

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Este 2 de diciembre no pasará a la historia por el gran número de discos que se publican. Apenas se lanzan el álbum de Pablo Alborán (destinado a ser top 1 en Navidad, eso sí), además presentando single con Ana Mena; el EP de RVFV, del que seleccionamos su tema con Dellafuente; o la banda sonora de la serie de Aitana. La noticia internacional es el disco de Metro Boomin. En él hay un tema con The Weeknd y 21 Savage, sampleando a Enya, como ya hicieran FuGees. Todo vuelve. También 100gecs han sacado EP.

El pop-rock underground nacional es más generoso en novedades, con temas de Cala Vento, Ganges, ODDLIQUOR, Baiuca con Alba Reche, Blanco Palamera, Casero, Blackpanda y Rocío Saiz con TAURO, entre muchísimos otros.

En el pop internacional, está lo nuevo de Lewis Capaldi, de Saucy Santana o Metallica. Troye Sivan, que prepara disco, saca un single colaborativo junto a PNAU, conocidos por sus remezclas para Elton John. Mientras encontramos a Bad Bunny en lo nuevo de Arcángel, Villano Antillano canta que es como Madonna en la era de ‘Erotica’.

Entre las curiosidades, Calum Scott ha hecho una versión de George Michael, el villancico de James Vincent McMorrow o la canción tan Lana del Rey de Noah Cyrus, aunque para curiosidad, que Morrissey sacara un tema la semana pasada y nadie se enterara. Recordad suscribiros a nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend»: se renueva cada viernes y estamos a punto de superar los 6.000 suscritos.

Kanye West se cava su propia tumba: «Me gusta Hitler»

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Kanye West ha ido demasiado lejos en su última entrevista, llevada a cabo en InfoWars y conducida por el conspiranoico Alex Jones, llegando a afirmar que ve «cosas buenas en Hitler».

En el clip del programa, Jones sugiere que Kanye ha sido «demonizado» por la prensa tras sus recientes comentarios antisemitas, pero que no se merece ser comparado con Hitler o con los nazis. Sin embargo, como siempre ha hecho en su carrera, Kanye le llevó la contraria al presentador y con un pasamontañas sobre su cabeza afirmó que ve cosas buenas en todas las personas, «especialmente en Hitler».

«Este tío inventó autopistas, inventó el micrófono que yo mismo uso como músico, y no puedes decir en voz alta que esta persona hizo algo bueno en algún momento, y estoy harto de ello. Estoy harto con las clasificaciones, todo ser humano tiene algo de valor. Especialmente Hitler», afirmó el artista conocido actualmente como Ye. En otro terrible giro de los acontecimientos, y por si había alguna duda, mientras Jones afirmaba que «ni me gustan los Nazis, ni me gustan lo que están haciendo algunas de las mafias» (refiriéndose a las supuestas mafias judías), Kanye simplemente soltó una bomba: «A mí me gusta Hitler».

Justamente, hace unos meses el exempleado de TMZ Van Lathan Jr. afirmó que Ye ya había profesado su «amor» por Hitler durante su infame entrevista de 2018, en la que afirmó que la esclavitud era «una elección». Kanye ya llevaba tiempo siendo conocido por juntarse con figuras polémicas, como Marilyn Manson o Donald Trump. Sin embargo, esta vez incluso Alex Jones, un conocido teórico de la conspiración en Estados Unidos, no ha podido respaldar las palabras de afecto de Kanye a Adolf Hitler.

‘RENAISSANCE’, mejor disco de 2022 para Rolling Stone

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Como es costumbre, la revista Rolling Stone ha publicado su lista particular con los 100 mejores discos de 2022. Mientras que el Top 10 incluye algunos de los discos más exitosos del año, el resto de la lista es totalmente heterogéneo, incluyendo desde blockbusters como el ‘Dawn FM’ de The Weeknd (#37) hasta elecciones más experimentales como el último lanzamiento de Alex G, ‘God Save The Animals’ (#27).

El Top 10 comienza con la sorprendente elección de Wet Leg y su disco homónimo. Sorprende, entre otras cosas, porque en el número 11 del ranking han colocado al ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ de Kendrick Lamar, que sería el segundo mejor disco de hip hop del año para Rolling Stone. ‘It’s Almost Dry’ de Pusha T (#6) es el que han coronado como el mejor disco de rap del año, en parte gracias a los beats de Kanye y Pharrell.

A partir de aquí, el Top 5 es prácticamente una recopilación de los proyectos más importantes del año, tanto en ventas como en recepción de la crítica. ‘Harry’s House’, el segundo disco más escuchado de 2022, se ha llevado la quinta posición. ‘MOTOMAMI’ está en cuarto lugar, y además Rosalía ha sido nombrada como «la fusionadora más emocionante del panorama». A esta le siguen Taylor Swift y sus relatos de medianoche, el verano del desamor de Bad Bunny (que también es el disco más escuchado del año) y, por último, el renacimiento disco de Beyoncé, que queda clasificado como el mejor disco de 2022 para Rolling Stone.

10 mejores discos de 2022 para Rolling Stone:
1. ‘RENAISSANCE’ de Beyoncé
2. ‘Un Verano Sin Ti’ de Bad Bunny
3. ‘Midnights’ de Taylor Swift
4. ‘MOTOMAMI’ de Rosalía
5. ‘Harry’s House’ de Harry Styles
6. ‘It’s Almost Dry’ de Pusha T
7. ‘Hold On Baby’ de King Princess
8. ‘Caprisongs’ de FKA Twigs
9. ‘Jack In The Box’ de J-Hope
10. ‘Wet Leg’ de Wet Leg

‘As Bestas’ y ‘Alcarràs’, favoritas en las nominaciones de los Goya

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‘As Bestas’ de Rodrigo Sorogoyen es una de las revelaciones del cine español esta temporada con 1,5 millones de euros recaudados en sus primeras 3 semanas de vida. Además, aún es top 3 en taquilla. La cinta lidera las nominaciones a los Goya que se han dado a conocer hoy, con opción de ganar hasta 17 estatuillas. En realidad serían 16 de hacer pleno, porque 2 de sus actores de reparto compiten entre sí.

Pero en verdad, pese a tener menos nominaciones que ‘As Bestas’ o ‘Modelo 77’, que llega hasta 16; se considera que podría ser la noche de ‘Alcarràs’ de Carla Simón tras haber obtenido el Oso de Oro en Berlín. Tiene 11 nominaciones, como ‘Cinco lobitos’. ‘La maternal’ obtiene solo 3 candidaturas, pero son Mejor película, Mejor Dirección y Mejor Actriz de Reparto.
-Recuerda nuestra crítica de ‘Alcarràs’.
-Recuerda nuestra crítica de ‘Cinco lobitos’.
-Recuerda nuestra crítica de ‘As Bestas’.
-Recuerda nuestra crítica de ‘La Maternal’.
-Recuerda nuestra crítica de ‘Modelo 77’.

En mejor canción, encontramos compitiendo a Sabina y Leiva con Rozalén, entre otros. Los ganadores se conocerán el 11 de febrero en Sevilla.

Os dejamos con todos los nominados:
Mejor película
‘Alcarràs’
‘As Bestas’
‘Cinco lobitos’
‘La maternal’
‘Modelo 77’

Mejor dirección
Carla Simón (‘Alcarràs’)
Rodrigo Sorogoyen (‘As bestas’)
Pilar Palomero (‘La maternal’)
Carlos Vermut (‘Mantícora’)
Alberto Rodríguez (‘Modelo 77’)

Mejor actriz
Marina Foïs (‘As Bestas’)
Laia Costa (‘Cinco Lobitos’)
Anna Castillo (‘Girasoles silvestres’)
Bárbara Lennie (‘Los renglones torcidos de Dios’)
Vicky Luengo (‘Suro’)

Mejor actor
Denis Ménochet (‘As Bestas’)
Luis Tosar (‘En los márgenes’)
Nacho Sánchez (‘Mantícora’)
Javier Gutiérrez (‘Modelo 77’)
Miguel Herranz (‘Modelo 77’)

Mejor dirección novel
Carlota Pereda (‘Cerdita’)
Alauda Ruiz de Azúa (‘Cinco lobitos’)
Elena López Riera (‘El agua’)
Juan Diego Botto (‘En los márgenes’)
Mikel Gurrea (‘Suro’)

Mejor actor de reparto
Diego Anido (‘As Bestas’)
Luis Zahera (‘As Bestas’)
Ramón Barea (‘Cinco Lobitos’)
Fernando Tejero (‘Modelo 77’)
Jesús Carroza (‘Modelo 77’)

Mejor actriz de reparto
Marie Colomb (‘As Bestas’)
Carmen Machi (‘Cerdita’)
Susi Sánchez (‘Cinco Lobitos’)
Penélope Cruz (‘En los márgenes’)
Ángela Cervantes (‘La maternal’)

Mejor actor revelación
Albert Bosch (‘Alcarràs’)
Jordi Pujol (‘Alcarràs’)
Mikel Bustamante (‘Cinco Lobitos’)
Christian Checa (‘En los márgenes’)
Telmo Irureta (‘La consagración de la primavera’)

Mejor actriz revelación
Anna Otín (‘Alcarràs’)
Laura Galán (‘Cerdita’)
Luna Pamies (‘El agua’)
Valèria Sorolla (‘La consagración de la primavera’)
Zoe Stein (‘Mantícora’)

Mejor guión original
Arnau Vilaró y Carla Simón (‘Alcarràs’)
Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen (‘As Bestas’)
Alauda Ruiz de Azúa (‘Cinco Lobitos’)
Carlos Vermut (‘Mantícora’)
Alberto Rodríguez y Rafael Cobos (‘Modelo 77’)

Mejor guión adaptado
Carlota Pereda (‘Cerdita’)
Paul Urkijo Alijo (‘Irati’)
Guillem Clua y Oriol Paulo (‘Los renglones torcidos de Dios’)
David Muñoz y Félix Viscarret (‘No mires a los ojos’)
Fran Araújo, Isa Campo e Isaki Lacuesta (‘Un año, una noche’)

Mejor música original
Olivier Arson por As bestas
Aránzazu Calleja; Maite Arroitajauregi «Mursego» por Irati
Iván Palomares por Las niñas de cristal
Fernando Velázquez por Los renglones torcidos de Dios
Julio de la Rosa por Modelo 77

Mejor canción original
‘En los márgenes’ de Eduardo Cruz, María Rozalén por En los márgenes
‘Izena duena bada’ de Aránzazu Calleja, Maite Arroitajauregi «Mursego», Paul Urkijo Alijo por ‘Irati’
‘Un paraíso en el sur’ de Paloma Peñarrubia Ruiz, Vanesa Benítez Zamora por La vida chipén
‘Sintiéndolo mucho’ de Joaquín Sabina, Leiva por Sintiéndolo mucho
‘Batalla’ de Joseba Beristain por Unicorn Wars

Mejor dirección de fotografía
‘Alcarràs’
‘As Bestas’
‘Cinco Lobitos’
‘Competencia Oficial’
‘Modelo 77’

Mejor montaje
‘Alcarràs’
‘As Bestas’
‘Cinco Lobitos’
‘Modelo 77’
‘Un año, una noche’

Mejor dirección artística
‘Alcarràs’
‘As Bestas’
‘La piedad’
‘Los renglones torcidos de Dios’
‘Modelo 77’

Mejor diseño de vestuario
‘As Bestas’
‘Irati’
‘La piedad’
‘Los renglones torcidos de Dios’
‘Modelo 77’
‘Malnazidos’

Mejor maquillaje y peluquería
‘As Bestas’
‘Cerdita’
‘La piedad’
‘Los renglones torcidos de Dios’
‘Modelo 77’

Mejor dirección de producción
‘Alcarràs’
‘As Bestas’
‘Cerdita’
‘Cinco Lobitos’
‘Modelo 77’

Mejores efectos especiales
’13 exorcismos’
‘As Bestas’
‘Irati’
‘Malnazidos’
‘Modelo 77’

Mejor sonido
‘Alcarràs’
‘As Bestas’
‘Cinco Lobitos’
‘Modelo 77’
‘Un año, una noche’

Mejor película documental
‘A las mujeres de España. María Lejárraga’
‘El sostre groc’
‘Labordeta, un hombre sin más’
‘Oswalt, el falsificador’
‘Sintiéndolo mucho

Mejor película de animación
‘Black is Beltza II: Ainhoa’
‘Inspector Sun y la maldición de la viuda negra’
‘Los demonios de barro’
‘Tadeo Jones 3’
‘Unicorn Wars’

Mejor película europea
‘Belfast’
‘Fue la mano de Dios’
‘La peor persona del mundo’
‘Las ilusiones perdidas’
‘Un pequeño mundo’

Mejor película iberoamericana
‘1976’
‘Argentina 1985’
‘La jauría’
‘Noche de fuego’
‘Utama’

Mejor cortometraje de ficción
‘Arquitectura emoncional 1959’
‘Chaval’
‘Cuerdas
‘La entrega’
‘Sorda’

Mejor cortometraje documental
‘Dancing with Rosa’
‘La gàbia’
‘Maldita’
‘Memoria’
‘Trazos del alma’

Mejor cortometraje de animación
‘Amanece la noche más larga’
‘Amarradas’
‘La Prima Cosa’
‘La primavera siempre vuelve’
‘Loop’

Goya de Honor 2023
Carlos Saura

‘La voz de su amo’ es la gran canción S&M de La Bien Querida

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La Bien Querida ha presentado su nuevo disco ‘Paprika’, el primero para Sonido Muchacho, con dos singles. Primero ‘La perra del hortelano’ y después la bachata ‘La cruz de Santiago’ con Santiago Motorizado. El focus track es ‘Esto que tengo contigo’, con su ritmazo latino y su simpática letra con referencias a sí misma («Anita, ¿en qué piensas?») y a la locura («tú me dices que estoy loca, y yo te digo que sí, que sí, que sí»). Y ahora «Anita» ha preguntado en su Instagram cuál es la favorita del público, de cara a los conciertos y demás.

En general, parece haber algo de división al respecto. Mucha gente está hablando de ‘Átame’, que comienza como una balada acústica y termina como una producción medio prog medio jevi, con solo de melena al viento, y también cuerdas. Como muestra de esa división, selecciono como «Canción del Día» una de las canciones que menos gustaron a nuestro redactor Jordi Bardají cuando escribió la crítica de ‘Paprika’. Se trata de ‘La voz de su amo’.

Decía uno de nuestros comentaristas SweetestTaboo que le gusta más La Bien Querida en su registro oscuro. Concuerdo. ‘La voz de su amo’ es un synth-pop luminoso -otra de las cosas que mejor se le dan-, aderezado con guitarras acústicas. La letra, en cambio, es más turbia, pues es abiertamente su tema S&M particular, aunque sea en sentido metafórico.

La repetición «Tú eres mi amo» en su outro es la cumbre de la composición, después de un middle-eight que nos ha cantado sobre «los brazos atados, los ojos vendados, las piernas abiertas, los puños cerrados, esto es puro juego, nos tiene enganchados, ahora soy tu esclava y tú eres mi amo». Pero en verdad todo el tema es una cristalina fiesta de dominación y sumisión, desde las primeras líneas «Te gusta gobernar mi mente / y a mí dejarme gobernar».

Fever Ray, Shygirl, Lucrecia Dalt, «Oneohtrix»… en el 30º Aniversario del Sónar

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El Sónar celebrará su 30º aniversario el próximo año, entre los días 15 y 17 de junio. Hoy nos llegan los primeros confirmados, entre los que están Fever Ray presentando su nuevo disco sobre el amor, ‘Radical Romantics‘, que para entonces tendremos en nuestras manos; Shygirl, presente en toda lista de lo mejor de 2022; Lucrecia Dalt, que ídem, Bicep y Oneohtrix Point Never, entre muchos otros. Sónar 2023 anuncia también una renovación de formatos y espacios en Sónar de Día y Sónar+D, que ofrecerá más servicios y comodidades a profesionales y público.

Lo que se presentan hoy son los primeros 66 artistas de un total de más de 100 directos y DJ sets que se terminarán de conocer más adelante. En este primer avance están también Peggy Gou, Solomun, Amelie Lens, Honey Dijon, Laurent Garnier, Richie Hawtin, The Blessed Madonna, Max Cooper, Kode9, Logic1000, Erika de Casier o Ryoji Ikeda. Las catalanas Marina Herlop y CLARAGUILAR preparan ya shows inéditos para la ocasión, mientras que Charlotte Adigéry & Bolis Pupul, la trapera Albany y Desert están también entre las propuestas más llamativas.

Enric Palau, codirector de Sónar, explica: «El 30º aniversario del festival contará con un line-up puramente electrónico, que quiere celebrar la cultura de club, la figura del DJ como vehículo cultural de nuestro tiempo y la diversidad de sonidos que protagonizan el panorama musical electrónico actual. Y lo hará con una amplia representación de artistas emblemáticos -nombres que han crecido junto a Sónar a lo largo de estos años y que se han convertido en maestros del deejaying-, y con algunas de las figuras más candentes de la electrónica de baile actual».

Respecto a la campaña gráfica que siempre capta nuestra atención y podéis ver bajo estas líneas, Sergio Caballero, codirector de Sónar, comenta que ha sido creada con Inteligencia Artificial: «Sónar ha revisitado las campañas de todos estos años mediante la aplicación de la Inteligencia Artificial. Esta IA ha realizado 29 entrenamientos utilizando, en cada uno de ellos, una de las campañas gráficas presentadas a lo largo de la historia del festival. La IA, en busca de alcanzar la capacidad de generar imágenes que podrían encajar en cada una de esas campañas, se entrena y genera multitud de imágenes prueba/error. Es en la belleza de ese error donde Sónar ha encontrado la imagen gráfica de su 30º aniversario.»

Por otro lado, en su próxima edición, Sónar+D ofrecerá exclusivamente para Acreditados una programación especial de masterclasses, conferencias, demostraciones y encuentros desde primera hora de la mañana: el jueves 15 de junio estará dedicado a la innovación en la música, mientras que el viernes 16 de junio se centrará en las interrelaciones entre arte, tecnología, ciencia y sociedad. Sónar+D 2023 también ampliará su área expositiva para presentar proyectos que trabajan en los campos del vídeo, el sonido 360º, las realidades mixtas -Realidad Virtual (VR) y Realidad Aumentada (AR)- y herramientas y prototipos creativo-tecnológicos.

Os recordamos que habrá Sónar Lisboa a las puertas de Semana Santa, los días 31 de marzo, 1 y 2 de abril, y Sónar Istanbul los días 28 y 29 de abril. Volviendo a Barcelona, hasta este domingo 4 de diciembre a las 23:59h (CET), estarán a la venta a un precio especial los Abonos, Abonos VIP y Acreditaciones para Sónar Barcelona 2023, que pueden adquirirse online. Ya el lunes 5 de diciembre, pasarán a venderse a su precio habitual.

CONFIRMADOS SÓNAR BARCELONA:
BICEP LIVE (UK)
FEVER RAY (SE)
SOLOMUN (DE)
PEGGY GOU (KR)
ONEOHTRIX POINT NEVER (US)
AMELIE LENS (BE)
LAURENT GARNIER (FR)
HONEY DIJON (US)
RYOJI IKEDA (JP)
RICHIE HAWTIN (CA/UK)
MAX COOPER (UK)
THE BLESSED MADONNA (US)
700 BLISS (US)
MARINA HERLOP (ES)
KODE9 PRESENTS ‘ESCAPOLOGY (UK)
ERIKA DE CASIER (DK)
ELIZA ROSE (UK)
CHARLOTTE ADIGÉRY & BOLIS PUPUL (BE)
KORELESS (UK)
NICK LEÓN (US/CO)
SHYGIRL (UK)
CRYSTAL MURRAY (FR)
CALL SUPER B2B SEDEF ADASI (UK/DE)
LUCRECIA DALT (CO)
GROVE (UK)
DEENA ABDELWAHED LIVE (TN)
PERERA ELSEWHERE (UK/DE)
BRADLEY ZERO B2B MOXIE (UK)
BENDIK GISKE (NO/DE)
LOGIC1000 (AU)
ALBANY (ES)
SHERELLE X KODE9 (UK)
DJ EZ (UK)
MIKEQ (US)
FLACA (AR/ES)
DJ MARKY & MC GQ (BR)
MERCA BAE PRESENTS ‘2048’ (ES)
CARLES VIARNÈS & ALBA G. CORRAL (ES)
RALPHIE CHOO (ES)
WATA IGARASHI (JP)
CLARAGUILAR (ES)
MANUKA HONEY (UK/US)
AQUARIAN (CA)
DINAMARCA (SE)
DESERT (ES)
CC:DISCO! (AU)
ISABELLA B2B ROZA TERENZI (CO/AU)
CARISTA (NL)
TOCCORORO (ES)
BADSISTA B2B CASHU (BR)
JOVENDELAPERLA (ES)
SODA PLAINS (HK/UK)
B2BBS (ES/BG)
BORED LORD (US)
DALILA (ES)
OMAGOQA (ZA)
SELECTYA GLOSSY (ES)
ANZ (UK)
BABA SY (SN)
SANTIAGO LATORRE & COLIN SELF (ES/US)
LA NIÑA JACARANDÁ (CL/VE)
AINES (ES)
AMOR SATYR (FR)
TOPANGA KIDDO (ES)
AHADADREAM (UK)
LANAV (ES)

Muere Christine McVie de Fleetwood Mac

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Christine McVie, una de las vocalistas de Fleetwood Mac y autora de varios hits de la banda, ha fallecido a los 79 años. Su muerte la confirman medios internacionales como TMZ, citando un comunicado de sus allegados. El texto indica que «ha muerto en paz en el hospital en la mañana de miércoles 30 de noviembre, sucediendo a una breve enfermedad. Estaba en compañía de su familia. Pedimos respeto a la privacidad en este momento tan doloroso. Pedimos a todo el mundo que mantenga a Christine en sus corazones y recordemos su vida como increíble ser humano y la música venerada que logró ser de manera universal».

Efectivamente, la obra de Christine McVie ha sido amada durante los seguidores de la influyente banda durante décadas. En el histórico ‘Rumours’, uno de los mejores discos de la historia, eran suyas ‘Don’t Stop’, ‘Songbird’ y la maravillosa ‘You Make Loving Fun’. Otros hits que aportó en otros puntos de la banda fueron ‘Everywhere’ de ‘Tango in the Night‘ o ‘Say You Love Me’.

También destacada como artista en solitario, Christine entró en Fleetwood Mac antes de Stevie Nicks y Lindsey Buckingham, tras casarse con el bajista John McVie en 1970. No participó en alguna gira de reunión de la banda durante los 2000 y 2010, pero en 2013 volvió a girar con ellos, hasta nuestros días. En 2017 llegó a publicar un trabajo conjunto con Lindsey Buckingham, antes de que este fuera expulsado de Fleetwood Mac.

Fleetwood Mac han comunicado en Facebook que “no hay palabras para describir la tristeza por la pérdida de Chrisitne McVie. Fue realmente única, especial y talentosa más allá de lo mesurable. Fue la mejor música que nadie pueda tener en su banda y la mejor amiga que nadie pueda tener en su vida. Fuimos muy afortunados de vivir una vida con ella. Individualmente y en conjunto, amamos a Christine profundamente y estamos agraecidos de los recuerdos increíbles que tenemos. La echaremos mucho de menos”.

Bonobo presentará ‘Fragments’ en España la semana que viene

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Bonobo presentará su último disco, ‘Fragments’, en vivo en nuestro país este diciembre. El aclamado productor británico llevará a España su ‘Bonobo // Fragments Tour 2022’, que pasará por La Riviera de Madrid el próximo 6 de diciembre y por la Razzmatazz de Barcelona el 7 de diciembre. Además, desde que lanzara ‘Fragments’ a principios de año, Bonobo ha lanzado dos canciones más para curar las ganas de electrónica y downtempo, ‘Defender’ y ‘ATK’.

Madrid y Barcelona serán testigo de las primeras presentaciones en sala de ‘Fragments’, y en ambas fechas Bonobo estará acompañado por el artista caribeño Poté, que junta sus raíces tropicales, su alma londinense y su sonido parisino en unos directos de los que ya se han declarado fans el propio Bonobo y músicos tan importantes como Damon Albarn, con quien ha trabajado en varias ocasiones.

Bonobo también fue nominado recientemente a dos Grammys, en las categorías de Mejor grabación Dance/Electrónica (por el tema ‘Rosewood’) y a Mejor disco Dance/Electrónico, por ‘Fragments’. Compuesto por 12 temas, este cuenta con las colaboraciones de Jamila Woods, Joji, Kadhja Bonet, Jordan Rakei, O’Flynn, Miguel Atwood-Ferguson y se podrá disfrutar en directo la próxima semana en nuestro país.

Bad Bunny y ‘As It Was’, lo más escuchado en Spotify en 2022

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Spotify ha dado hoy a conocer los datos globales de la plataforma, al igual que los datos de escuchas de cada persona en el esperado Spotify Wrapped. Por tercer año consecutivo, Bad Bunny vuelve a coronarse como el artista más escuchado del mundo en Spotify, gracias a ‘Un Verano Sin Ti’, que a su vez ha sido el disco más escuchado en el mundo durante este año. Taylor Swift y Drake completan el Top 3 de artistas más escuchados en Spotify en 2022.

Taylor Swift es la única mujer en el Top 10 de artistas global, ya que el resto del ranking es completado por The Weeknd, BTS, Ed Sheeran, Harry Styles, Justin Bieber, Kanye West y Eminem. Por otro lado, y con ninguna sorpresa, Rosalía ha sido la española con más reproducciones a nivel mundial.

En materia de canciones, Harry Styles ha salido victorioso. ‘As It Was’ se ha convertido en la canción más escuchada del 2022, seguida de ‘Heat Waves’ de Glass Animals y de ‘STAY’, de The Kid Laroi y Justin Bieber, un tema que fue lanzado en verano de 2021. La sesión número 52 de Bizarrap con Quevedo también se ha colado en el Top 10 de canciones más escuchadas en el mundo, en séptima posición. ‘Me Porto Bonito’, ‘Tití Me Preguntó’, ‘Cold Heart – PNAU Remix’, ‘Ojitos Lindos’ y ‘Running Up That Hill’ también forman parte del Top 10 global.

Aparte del disco de Bad Bunny, ‘Harry’s House’ y ‘SOUR’ han sido los que más ha quemado la gente. El Top 5 de discos lo completan ‘=’ de Ed Sheeran y ‘Planet Her (Deluxe)’ de Doja Cat’. Cabe mencionar que ‘YHLQMDLG’, pese a haber salido a principios de 2020, se ha posicionado como el octavo disco más escuchado a nivel mundial.

Bad Bunny también ha sido el artista más escuchado en España, para sorpresa de nadie, por lo que Rauw Alejandro y Quevedo se han tenido que conformar con el segundo y tercer puesto. Bizarrap, Anuel AA, Duki, Myke Towers, Mora, Rosalía y Feid completan el ranking. De nuevo, solamente una artista en el Top 10. Aitana, Karol G, Shakira, Taylor Swift, Ana Mena, María Becerra, Nicki Nicole, Bad Gyal y Becky G, junto a Rosalía, son las artistas que más han sonado en España este año.

La Femme / Teatro Lúcido

El nuevo disco de La Femme es la «banda sonora libre, loca, inesperada, turbulenta, festiva, sin complejos y alternativa a esta época» en palabras de la misma nota de prensa, lo que pone los dientes largos respecto a su contenido. ‘Teatro Lúcido’ es todas esas cosas, en gran parte porque está escrito enteramente en español. Español roto, eso sí.

Los miembros de La Femme viven en París, pero algunos de ellos provienen de Biarritz, y el mejunje de su propuesta es tal que el euskera aparece en ‘Maialen’ («maite zatut» es «te amo»), pero la canción es una especie de pasodoble que se casa con el mariachi.

La mezcla tiene sentido en el universo de ‘Teatro Lúcido’, un disco que nace de los periplos de sus integrantes por España y México, de los que sacan petróleo musical a lo largo de 50 locos minutos. La «fuga italiana» que abre el álbum tiene más en verdad de pasodoble psicodélico, las guitarras españolas enriquecen el single ‘Y tú te vas’, y a la bossa de ‘No pasa nada‘, el grupo le ha metido una pastilla en el vaso, como a su protagonista, en cuya cabeza de repente nos encontramos, sumidos en un viaje psicotrópico que termina en «resaca»… y también en La Movida madrileña. Alaska es una inspiración reconocida.

La mezcla imposible de géneros, sumada al delirio más imposible todavía de las letras, hacen de ‘Teatro Lúcido’ una escucha atípica. A menudo, los integrantes La Femme parecen guiris que cantan lo primero que se les ha ocurrido. «Yo voy por el Camino del Mamut con alegría», cantan en la aflamencada ‘El tío de Padul’. «A dónde está la cerveza?», se preguntan. Parece que la encuentran: «Me encanta un litro / Con una ración de patata / Un chorizo y una morcilla». En la serenata de ‘El Conde-Duque’ buscan la calle ídem, pero están tan borrachos que no la encuentran. Por supuesto, la cantan pedo. Y la «resaca» que les avecina es infernal, aunque quizá eso de «es un día oscuro sin esperanza, terminaré de sufrir cuando llegue la muerte / podría para siempre dormir» les ha quedado un poco emo de más. Es lo que tiene la bajona después de la fiesta.

El momento estelar en todo este tinglado es ‘Sacatela‘ (sic), que no narra un episodio exhibicionista aunque pueda parecerlo, sino la historia de un hombre que no se «saca» a una mujer de la cabeza, mientras esta va «buscando otra polla» y planea «comerle como una chupacabra». Puede que Le Femme renuncien a la tilde en esta palabra sobreesdrújula, pero no a un pegadizo ritmo de cumbia.

‘Sacatela’ es uno de varios momentos en ‘Teatro Lúcido’ en que La Femme logran divertir desde el absurdo, como sucede también en el dembow psicodélico de ‘Cha-Cha’, que rima «guapa como la luna» con «chula como una pintura». La espontaneidad marca muchas de estas composiciones aunque no siempre funciona, como es el caso de la pista titular, donde el grupo simplemente deja que una voz mecánica, tipo inteligencia artificial, recite la letra encima de la base instrumental. Otras veces el humor no se traduce en canciones que seguiremos escuchando en el futuro (‘El Conde-Duque’) aunque, como obra que ofrece una «experiencia», pocas saldrán este año más atrevidas y voladas que esta.

Os recordamos que La Femme visitan 3 ciudades españolas en enero y JENESAISPOP es medio oficial de la gira: estarán el 17 de enero en la sala Razzmatazz de Barcelona, el 18 en La Riviera de Madrid, y el 19 en Santana de Bilbao. Las entradas están a la venta.