Inicio Blog Página 350

21 años de prisión para el hombre que disparó al cuidador de perros de Lady Gaga

17

El hombre que disparó al cuidador de perros de Lady Gaga ha sido condenado a 21 años de prisión por intento de homicidio.

James Howard Jackson, uno de tres hombres y dos cómplices que participaron en el ataque, ha llegado a un «acuerdo de culpabilidad» que le suprime otros dos cargos, conspiración para cometer un robo y agresión con un arma de fuego semiautomática, pues además se concluye que Jackson desconocía que los perros pertenecieran a Lady Gaga.

En febrero de 2021, James Howard Jackson atacó a Ryan Fischer, que se encontraba paseando los dos bulldogs franceses de Lady Gaga en Los Ángeles, con intención de robar los perros -una raza cara en el mercado- para venderlos. Fischer se defendió y fue herido de un disparo por Jackson. El cuidador quedó malherido en una acera y fue ingresado en el hospital.

“Es difícil creer que han pasado casi 2 años desde que estaba sacando a Asia, Koji y Gustav a dar un paseo nocturno cuando, en un instante, de repente me encontré luchando con todo lo que tenía para proteger a esos perros de ser robados», ha explicado Fischer. «Pero no fue suficiente: me golpearon, estrangularon, dispararon y me dejaron morir desangrado en una acera y jadeando por mi vida”.

Jackson consiguió robar los perros, y Gaga llegó a ofrecer 500.000 dólares a quien se los llevara de vuelta. Finalmente, la cantante recuperó a Koji y Gustav y agradeció a Fischer por su valentía y heroicidad. Devolvió los perros Jennifer McBride, cómplice del ataque, cuyo caso sigue pendiente, mientras Jaylin Keyshawn White se enfrentan ya a cuatro y seis años de prisión, respectivamente, tras declararse culpables el año pasado.

PinkPantheress se apunta otro tanto con la adictiva ‘Boy’s a liar’

8

Entre las artistas que pasarán a otra liga en 2023 se encuentra definitivamente PinkPantheress, convertida en un icono del momento gracias a sus hits virales en TikTok, como ‘Break it Off’ o ‘Pain’, y a su recuperación del jungle y el drum ‘n bass de los noventa, en canciones que son adictivas cápsulas de 2 minutos.

Después de su mixtape de debut ‘to hell with it‘, que incluye las indispensables ‘Just for me’ y ‘I must apologise’, PinkPantheress prepara su debut verdadero. De este trabajo se conocen ya dos adelantos, ‘Do you miss me?’ y ‘Boy’s a liar’. El primero está producido por KAYTRANADA y el segundo por Mura Masa, y es la Canción Del Día de hoy.

PinkPantheress y Mura Masa ya trabajaron juntos en ‘Just for me’ y ‘Boy’s a liar’ es otra adición al repertorio de clásicos de la artista británica. Musicalmente se aleja del breakbeat y se asienta en un sonido más próximo al house-pop, pero el tacto melódico de PinkPantheress sigue presente en el modo en que ‘Boy’s a liar’ hace de cada melodía un gancho perfecto, del estribillo «the boy’s a liar, the boy’s a player» hasta esos posteriores «good enough, good enough» que elevan la canción a otro lugar. ‘Boy’s a liar’ es otro ejemplo del pop destilado de la «pantera rosa».

‘Boy’s a liar’ también es una creación conjunta de PP y Mura Masa, como cuenta la propia artista: «queríamos crear un tema divertido sobre un tema que suele darse en esta época del año, que los chicos son unos MENTIROSOS». ‘Boy’s a Liar’ habla sobre un chico que solo quiere a PP por su físico, pero que le hace pensar lo contrario: «¿me quisiste alguna vez? ¿Fui suficiente para ti?»

En ‘Boy’s a liar’, PinkPantheress convierte el despecho en perfección pop, y también en un éxito: van 6 millones de reproducciones en Spotify en menos de una semana. En comparación, ‘Picture of my mind’ lleva 11 millones desde su salida en agosto, y ‘Do you miss me?’ 4 millones desde su lanzamiento el mes pasado.

Beyoncé ha hecho el mejor disco de 2022 para Pitchfork

64

Un día después de publicar su lista con las mejores canciones de 2022, Pitchfork entrega la de discos, encabezada por ‘RENAISSANCE‘ de Beyoncé. Le sigue una de las revelaciones del año, Sudan Archives, y en tercer lugar aparecen Alvvays, en los puestos 2 y 3, respectivamente.

En el resto del top 10 no faltan ni Rosalía (6) ni Bad Bunny (5) pero, como de costumbre, interesa más lo que posiblemente nos esté descubriendo, como el disco de Special Interest, que se queda a las puertas del top 3; el de Yaya Bey (9), o el de Lucrecia Dalt (8).

Entre las curiosidades de la lista, The Weeknd coloca su disco ‘DAWN fm‘ en el puesto 11 pese a que nunca recibió la categoría de Best New Music, aunque se quedó cerca con una puntuación de 8 sobre 10. Poer aún, el de Kendrick Lamar obtuvo un 7,6 y aparece en el puesto 13. Además, el medio de Chicago reivindica el hardcore de ‘Diaspora Problems’ de Soul Glo (36), el R&B de ‘HYPNOS’ de Ravyn Lenae (32) o el indie-pop de ‘Expert in a Dying Field’ de The Beths (46).

01.- Beyoncé / RENAISSANCE
02.- Sudan Archives / Natural Brown Prom Queen
03.- Alvvays / Blue Rev
04.- Special Interest / Endure
05.- Bad Bunny / Un verano sin ti
06.- Rosalía / MOTOMAMI
07.- Big Thief / Dragon New Warm Mountain I Believe in You
08.- Lucrecia Dalt / ¡Ay!
09.- Yaya Bey / Remember Your North Star
10.- Alex G / God Save the Animals

Villano Antillano / La Sustancia X

Uno de los mayores casos del «efecto Bizarrap» ha sido claramente el de Villano Antillano. Gracias al éxito de la «sesión 51», la rapera portorriqueña ha pasado de ser conocida por unos pocos a alcanzar una popularidad global, lo cual en su caso es especialmente importante pues, como persona trans no binaria, está introduciendo en el mundo del rap otras identidades antes excluidas o marginadas. En su discurso apela directamente a la «resistencia al patriarcado», y su lírica tampoco se achanta en ese sentido.

En ‘La Sustancia X’, debut largo de Villano Antillano, son varios los momentos en que el disco se postula como producto total de nuestro tiempo en relación al género. ‘Hedonismo’, una de las pistas destacadas por su ritmo de freestyle ochentero, Villano utiliza el lenguaje neutro en una reivindicación de lo no binario («elle hedonique, todes hedoniques») y, por lo tanto, de sí misme. Y, más adelante, versos como «soy una mujer llena de poder» (‘Mujer’) cargan una evidente dimensión política, intencional o no.

Versos como los del synth-pop de ‘Nena mala’ van más allá incluso, desafiantes en su demanda de respeto: «Valídame, que soy un ser humano / Soy sagrada, no un ser pagano», rapea. Sin embargo, lo que hace que tanto esta canción como el disco entero valgan la pena es que, además de su componente reivindicativo, también consigue ser divertido.

Conocida por su ágil y rápido flow y por su pincel lleno de rimas ocurrentes y salvajes, Reinaldo entrega, en ‘La Sustancia X’, un disco de barras. En el trap de ‘Precaución, esta canción es un hechizo’ se muestra «llena de veneno, taranteca, soy araña», en el» reggaetón nuclear de ‘Cáscara de coco’ su talento hace que los «viejos verdes se cuelguen de la corbata»; y las referencias a la cultura popular tampoco faltan: si el reggaetón de ‘Kaleidoscópica’ apela a la «Madonna en los tiempitos de ‘Erotica'», en el dancehall de ‘Hello Kitty’ cabe una cita al ‘Slave 4 U’ de Britney y, entre «piki pikis», «miti mitis», «hello kittys» y «kinky kinkys», entre los juegos de palabras, el humor y la bravura, Villano condensa su estilo lírico en un verso listo para el «mic drop»:

«Perikito pim, pim, periquera pimpinela
Que se viene la Villana, se escuchan las bubucelas
Que si sigo siendo un macho, que si soy una cualquiera
Pero soy mejor que tú, envidiosa pordiosera
»

La verborrea de Villano Antillano no viene acompañada, en ‘La Sustancia X’, de singles redondos que puedan llevarle a otra liga, de momento. Sí está especialmente apañado el reggaetón de ‘Cáscara de coco’, aunque es cuando se pone hip-hopera de verdad, como en ‘Yo tengo un novio’, cuando realmente se crece, en medio de otro puñado de rimas audaces.

Entre las pistas que se desmarcan del resto, no son demasiado atractivas las guitarras nu-metal de ‘Puesta’ con La Dame Blanche, pero el synth-pop de ‘Nena mala’ está bien resuelto. Se echa de menos ‘KLK‘, ausente de la secuencia por alguna razón, pero en ‘La Sustancia X’ Antillano demuestra con creces que sigue siendo una «ninja».

Rigoberta Bandini predica el amor en la gloriosa ‘La emperatriz’

9

Se acerca el final de la gira de Rigoberta Bandini, que el 18 de diciembre actúa en el WiZink Center de Madrid y el 22 en el Navarra Arena de Pamplona. La catalana presenta, claro, su disco ‘La Emperatriz‘, que reúne la mayoría de éxitos que ha publicado en el último año y que ya está disponible para comprar en Bandcamp. Sí, la edición física.

Entre los hits conocidos por todos, como ‘Perra’, el repertorio de Rigoberta incluye otras joyas como ‘La emperatriz’, que para algo titula su disco. Otra de sus composiciones épicas, ‘La emperatriz’ incorpora el canto de «aleluya» típico de las misas cristianas, pues el álbum no deja de ser, entre otras cosas, una reivindicación sobre la religión. A su manera, eso sí.

Ha contado Rigoberta en el podcast de Jenesaispop que, en ‘La emperatriz’, ha querido dar un mensaje, pero sin renunciar al humor que le caracteriza. De ahí que la canción contenga autotune. «Cualquier mensaje cuando es profundo, es muy poco digerible», ha explicado. «Me apetecía hacer un «aleluya», pero no quería presentarlo como un “aleluya” normal. Por eso quería meterle el Autotune, que es algo que nunca había usado. Entra desde el siglo XXI y no sabes dónde meterlo».

Esa mezcla de espiritualidad y comicidad está muy presente en la composición de ‘La emperatriz’, que pasa la mayor parte de su minutaje en un estado latente, de euforia contenida, hasta que explota en un final de tecnopop apoteósico. A su vez, la melodía de «aleluya» es tan hermosa como para poner los pelos de punta. Al final, Rigoberta, cual predicadora del siglo XXI, difunde a grito pelado el mensaje del amor, desde el cielo, para que lo escuche todo el mundo.

‘La emperatriz’ habla de la fama («me he olvidado de quién fui, antes de subirme al toro»), de la fe («creo en todos los dioses, desde Asturias hasta Kyoto»), y también manda un mensaje a la abuela de Ribó, fallecida recientemente («esta noche pienso en ti, creo un altar porque te añoro»). La figura de la «emperatriz», en su feminidad, apela especialmente a Bandini: «La emperatriz no soy yo, es el poder femenino, es mi abuela, es mogollón de cosas». En esta canción, este poder adquiere una escala gloriosa, muy bien resuelta también en su Gallery Sessions.

Kirstie Alley, actriz de ‘Cheers’, fallece a los 71 años

21

Kirstie Alley, actriz conocida por sus papeles en ‘Cheers’ y ‘Mira quién habla’, ha fallecido a los 71 años de edad a causa del cáncer que padecía. Sus hijos han confirmado la noticia en un comunicado: «Con tristeza informamos que nuestra increíble, fuerte y amorosa madre falleció tras una batalla contra el cáncer, descubierto recientemente».

Alley fue conocida por su papel de la carismática Rebecca Howe en la serie de televisión ‘Cheers’, por el que ganó un Emmy y un Globo de Oro en 1991; y también por su rol en la comedia romántica de 1989 ‘Mira quién habla’, película que protagonizó junto a John Travolta. Alley se hizo con un segundo Emmy por su papel en otra película, ‘Un cariño muy especial’, en 1994 y, de 1998 a 2000, interpretó a la protagonista de la serie de comedia ‘Los secretos de Verónica’.

Empezado el siglo XXI, la carrera de Alley pasó a un segundo plano, en tanto fue una de las primeras celebridades asediadas por sus cambios de peso. Alley llegó a pesar 110 kilos y sus peinetas a la prensa durante este periodo son recordadas por una generación.

En el plano profesional, Alley sacó provecho de esta circunstancia de dos maneras: en 2005 interpretó una versión ficticia de sí misma en la serie ‘Fat Actress’, y en 2010 protagonizó el reality show ‘Kristey Alley’s Big Life’, donde documentó su pérdida de peso.

En los últimos tiempos, Alley había aparecido en la serie ‘Scream Queens’ y no dejó de participar en televisión: concursó en Gran Hermano VIP (la versión estadounidense) y, hace muy poco, apareció en ‘Masked Singer’.

‘Bones and All’: Guadagnino enamora con su romance caníbal

El despertar al deseo y el autodescubrimiento son dos temas recurrentes en la filmografía de Luca Guadagnino. En ‘Call Me By Your Name’, Elio se enamoraba profundamente de Oliver en un idílico pueblo del norte de Italia en los años 80; en ‘We Are Who We Are’, sus protagonistas exploraban su identidad y sexualidad en una base militar estadounidense; y, en ‘Bones and All’, el director emprende un viaje iniciático al placer de la carne a través de un romance entre dos jóvenes caníbales bajo la inmensidad del paisaje norteamericano.

La vida de Maren (una excelente Taylor Russell), una adolescente que vive con su padre en una zona marginal de Virginia, cambia cuando nada más cumplir 18 años, este desaparece dejándole solo una cinta y un certificado de nacimiento. Desde que era pequeña, siempre tuvo impulsos caníbales, pero había conseguido, la mayoría del tiempo, mantenerlos dormidos. Una vez abandonada a su suerte y queriendo encontrar respuestas sobre su identidad, decide buscar a su madre, de la que su padre jamás le dio ningún detalle. En su viaje descubre que su naturaleza antropófaga no es exclusiva, sino que hay más gente como ella viviendo en los márgenes de la sociedad, ocultos entre la humanidad. Su camino se termina cruzando con Lee (un magnético Timothée Chalamet), un joven con la misma necesidad carnívora que ella. Ambos se embarcan en un viaje a ninguna parte, anhelando una conexión íntima, aceptando su condición y sobreviviendo como pueden a una sociedad en la que no tienen cabida.

Basándose en la novela homónima de Camille DeAngelis, Guadagnino sigue la tradición del cine independiente estadounidense de los años 70 y 80, y traza una alegoría queer mediante un emocionante drama romántico. Las influencias de la road movie de ‘Malas Tierras’ de Terrence Malick, o la representación más cruda de la América olvidada de ‘Wanda’ de Barbara Loden, conviven con un retrato de los marginados con tintes fantásticos similar al de ‘Los viajeros de la noche’, el western vampírico de Katrhyn Bigelow.

‘Bones and All’ abarca distintos géneros y temas, pero esta ambición mutante, lejos de emborronar su foco consigue una película sabia y observadora, que detrás de su sangriento disfraz, funciona como un espejo en el que vernos reflejados. El amor entre Maren y Lee surge como una necesidad: solo se tienen el uno al otro. Es ahí donde se encuentra el alma de la cinta, en su reivindicación del amor –no meramente romántico- como única forma de supervivencia, en la necesidad de crear comunidad, de tener gente que te haga sentir en casa.

Guadagnino retrata la otredad de sus personajes sin emitir juicios morales, empatizando y entendiendo sus conflictos, y consigue, además, interpretaciones poderosas de su reparto. Más allá de la espléndida pareja protagonista, Mark Rylance es una presencia hipnótica como un caníbal solitario y siniestro. Y, en tan solo una terrorífica y grandiosa escena, Michael Stuhlbarg, quien interpretó al padre de Elio en ‘Call Me By Your Name’, vuelve a sentarse cara a cara frente a Timothée Chalamet y se come la pantalla a bocados encarnando a un sádico antropófago.

La atmosférica música de Trent Reznor y Atticus Ross, capaz de sonar tan bucólica como amenazante, adorna esta travesía por la América profunda, realzando con inteligencia la intensidad dramática de la cinta. Guadagnino se mueve con soltura entre los diferentes tonos que exige la narración, mostrando tanto su habilidad para crear una tensión aterradora como para plasmar con ternura la intimidad del romance. Así, ‘Bones and All’ logra ser un cóctel explosivo y muy romántico, mezclando los códigos del cine de terror con una relevante metáfora sobre la auto-aceptación. Bajo las vísceras y la sangre, también se halla una conmovedora celebración sobre la preciosa temeridad que supone amar a alguien y entregarse hasta los huesos.

Bad Gyal y Quevedo se desnudan con la mirada en su visita al club

15

Si hay una práctica que está definiendo el pop de nuestros días es la colaboración, por lo que a nadie puede sorprender que Bad Gyal y Quevedo se hayan juntado en una canción. Probablemente era de esperar dado que son dos de los artistas más exitosos del pop urbano español.

‘Real G’, su single conjunto, se titula con un concepto asociado a la cultura del reggaetón y, en concreto, a un single de Ñengo Flow. El término alude a la idea de autenticidad, por lo que es prácticamente sinónimo de «urbano», proveniente de la calle, por mucho que haya motivos para poner el concepto de «música urbana» en entredicho.

Sin embargo, ‘Real G’ no es exactamente una producción de reggaetón, sino que toma una forma de house bajo producción de Taiko, Sky Rompiendo y Merca Bae. El tema tiene más en común, por tanto, con el hit de Quevedo y Bizarrap, o con ‘Sexy’ de Bad Gyal, que con el reggaetón típico.

En este contexto dance y clubero, Bad Gyal y Quevedo vuelcan sus respectivas sensibilidades melódicas, siempre filtradas con autotune, manteniendo ese código urbano. El gancho de Bad Gyal «el nene mío es real g, pero se mueve sexy, me hace elevarme de aquí, está bueno mi papi», y la respuesta de Quevedo, sobresale mientras los susodichos se desnudan con la mirada en la discoteca.

El vídeo de ‘Real G’ agrega un componente infantil al representar una audición en la que los jueces Bad Gyal y Quevedo escogen a los futuros «real G» entre un grupo de niños que claramente han nacido para bailar.

Qué pasó en la fiesta de ‘Sex’ de Madonna, en Miami

41

La reedición de ‘Sex‘, el libro erótico de Madonna, ha sido limitada, exclusiva, e igual de exclusiva ha sido la fiesta que se ha organizado en torno al lanzamiento de esta reedición. La propia Madonna ha estado presente en el sarao, así como la persona que lo ha organizado, el diseñador de moda italiano y creativo de Saint Laurent, Anthony Vaccarello.

La fiesta de ‘Sex’ ha tenido lugar en Miami Beach, en el contexto de la feria de arte Art Basel, original de Suiza, pero que se celebra en diversos lugares del mundo (en Miami desde 2002). El evento se ha celebrado en la playa y ha consistido en una exposición y en un baile posterior. Según un periodista de The Cut que ha cubierto el evento, el look de Madonna parecía el de un «alien no binario», lo cual es curioso porque el propio periodista es no binario.

Precisamente, la crónica de The Cut da una idea del ambiente en evento y hoteles cercanos, donde lo mismo te encontrabas a Diplo que a la estilista de Lizzo, que a una influencer pidiendo un taxi. Incluso en el mundo del famoseo hay jerarquías, en este caso, «los que han pagado su habitación de hotel, y los que no». Lindsay Lohan se encuentra entre quienes se lo han costeado de su propio bolsillo. Un desfile de marcas, influencers y «crypto bros» tan «caótico» como aparentemente suelen ser las fiestas en Miami en comparación con las de Nueva York.

La exposición ha podido verse desde el 29 de noviembre hasta el 4 de diciembre en un pop-up construido para la ocasión. Allí, los asistentes han podido contemplar algunas imágenes contenidas en ‘Sex’, como aquella mítica de Madonna haciendo autostop desnuda, y que Ursual Corberó, una de las personas invitadas, ha imitado en una curiosa foto. Allí, también, las personas interesadas han podido hacerse con una de las 800 copias limitadas que se han editado de ‘Sex’, a un precio desorbitado.

Corberó, amiga de Madonna desde que coincidió con ella en un avión, ha sido una de las celebridades que han asistido a la fiesta, pero desde luego no la única: por allí se han dejado caer también Zoe Kravitz, Hailey Bieber, Rauw Alejandro y gente del mundo de la moda como Anja Rubik, Emmanuelle Alt o Alek Wek. Honey Dijon se ha encargado de pinchar música en la fiesta posterior a la expo. Tampoco se han perdido la fiesta Lourdes León y Rocco Ritchie, hijos de Madonna.

Según cuentan medios como WWD, la fiesta posterior a la expo ha contado, no solo con la música de Honey Dijon, sino también con una piscina, velas flotantes, y la proyección de imágenes del «behind the scenes» de ‘Sex’. Madonna ha bailado y se ha dejado ver con todo el mundo, desde Rauw Alejandro hasta Nadya de Pussy Riot.

Röyksopp logran su 8º número 1 en JENESAISPOP

11

Siempre hemos sido conscientes de que Röyksopp eran uno de vuestros grupos favoritos, quizá no hasta este punto. Hoy nos damos cuenta de que ‘Me&Youphoria’, uno de los temas incluidos en su trilogía de álbumes de este año, ‘Profound Mysteries‘, es su 8º número 1 en JENESAISPOP. El dúo de pop electrónico noruego ha logrado llegar a la cima anteriormente con y sin Robyn: ‘The Girl and The Robot’, ‘This Must Be It’, ‘Running Into the Sea’, ‘Do It Again’, ‘Monument’, ‘Sordid Affair’ y ‘I Had This Thing’. ‘Me&Youphoria’ es efectivamente una de sus piezas más pop a la altura del resto.

En el puesto 2 entra el tema de Carly Rae Jepsen con Rufus Wainwright, y también llegan al top 10 nuevos singles de Weyes Blood y Natalia Lafourcade. Entre las nuevas entradas, también Maria Rodés, Los Punsetes, Patrick Wolf y rusowsky con TRISTÁN.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 4 1 2 Me&Youphoria Röyksopp Vota
2 2 1 The Loneliest Time Carly Rae Jepsen, Rufus Wainwright Vota
3 1 1 5 Anti-Hero Taylor Swift Vota
4 5 4 2 I’m a Mess Avril Lavigne, YUNGBLUD Vota
5 8 5 2 Strong Romy, Fred again.. Vota
6 2 2 5 Grapefruit Tove Lo Vota
7 7 1 Grapevine Weyes Blood Vota
8 12 8 3 Carbon Dioxide Fever Ray Vota
9 9 1 Mi manera de querer Natalia Lafourcade Vota
10 7 1 10 CUFF IT Beyoncé Vota
11 9 1 8 Wolf Yeah Yeah Yeahs Vota
12 3 3 5 Made You Look Meghan Trainor Vota
13 6 6 5 Lift Me Up Rihanna Vota
14 10 3 6 Body Paint Arctic Monkeys Vota
15 15 1 Soltar las armas Maria Rodés Vota
16 15 1 19 Free Yourself Jessie Ware Vota
17 19 6 7 I’m In Love With You The 1975 Vota
18 36 3 18 Hypnotized Sophie Ellis-Bextor Vota
19 19 1 España corazones Los Punsetes Vota
20 28 1 12 Atopos Björk Vota
21 17 7 7 rien dire Christine and the Queens Vota
22 18 1 6 Sunset Caroline Polachek Vota
23 22 3 35 As It Was Harry Styles Vota
24 34 5 9 Fossora Björk Vota
25 25 1 Enter the Day Patrick Wolf Vota
26 26 1 GOOFY rusowsky, TRISTÁN! Vota
27 14 14 2 Como todo el mundo Depresión sonora Vota
28 20 1 39 Candy Rosalía Vota
29 21 1 23 Break My Soul BEYONCÉ Vota
30 29 4 8 Easy On Your Own? Alvvays Vota
31 35 1 13 There’d Better Be a Mirrorball Arctic Monkeys Vota
32 11 2 8 Canciones de amor a ti Rigoberta Bandini Vota
33 30 14 3 Estás buenísimo Nathy Peluso Vota
34 33 9 8 What They Call Us Fever Ray Vota
35 16 1 17 2 Die 4 Tove Lo Vota
36 26 1 37 My Love Florence + the Machine Vota
37 13 2 18 Despechá Rosalía Vota
38 23 1 21 Así bailaba Rigoberta Bandini, Amaia Vota
39 32 7 5 Selfish Soul Sudan Archives Vota
40 37 21 5 Don’t Press Me Dry Cleaning Vota
Candidatos Canción Artista
Boy’s a Liar Pinkpantheress Vota
El primero Vicente Navarro Vota
This Is What I Mean Stormzy Vota
Hola, destrucción Los Punsetes Vota
Equilibrio Cala Vento Vota
Thèrèse Maya Hawke Vota
After Midnight Phoenix Vota
Meteorite Anna of the North, Gus Dapperton Vota
El primero Vicente Navarro Vota
Gas lágrima Margarita Quebrada Vota
Friends Florence Arman Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

‘Tití Me Preguntó’ y ‘DESPECHÁ’, Top 5 del año para Rolling Stone

34

Bad Bunny y Rosalía son, sin ninguna duda, los dos artistas hispanohablantes más laureados del año, consiguiendo posicionar la música en español en los puestos más altos de las listas estadounidenses de final de temporada, gracias a los lanzamientos de ‘MOTOMAMI’ y ‘Un Verano Sin Ti’.

Para el New York Times, el disco de Bad Bunny se posiciona entre los 15 mejores del año. Sin embargo, colocan a ‘MOTOMAMI’ como el segundo mejor LP de 2022, solo por detrás de ‘RENAISSANCE’. A su vez, tanto la revista TIME como Rolling Stone han posicionado ambos proyectos en su Top 10 del año, saliendo mejor parado de los dos el del puertorriqueño, que se ha llevado la corona en el ranking de TIME y la plata en el de Rolling Stone.

A los medios estadounidenses les ha tocado elaborar las listas de mejores canciones y tanto Rosalía (‘SAOKO’) como Bad Bunny (‘Tití Me Preguntó’) han entrado en el Top 10 de Pitchfork. Ahora, es el turno de Rolling Stone, y los dos artistas han salido todavía mejor parados. El ya clásico himno de ‘Tití Me Preguntó’ corona la lista, por delante de ‘CUFF IT’, uno de los mayores hits de ‘RENAISSANCE’, que han posicionado en el segundo puesto. Solo hay dos canciones más por delante de Rosalía y su ‘DESPECHÁ’, que ha alcanzado el Top 5 del ranking: la viral ‘Bad Habit’ de Steve Lacy y la reciente ‘Karma’, sacada del ‘Midnights’ de Taylor Swift.

El resto del Top 10 lo completan Quavo y Takeoff con ‘HOTEL LOBBY’ (#6), ‘Cash In Cash Out’ (#7) de Pharrell con 21 Savage y Tyler, the Creator, ‘BREAK MY SOUL’ (#8), ‘As It Was’ (#9) y ‘Jimmy Cooks’ (#10), la colaboración entre Drake y 21 Savage que fue el precedente de ‘Her Loss’.

Sorprende la inclusión de canciones como ‘HOTEL LOBBY’ o ‘Jimmy Cooks’ en puestos tan altos, siendo buenos temas, pero un tanto insustanciales si recurrimos a comparaciones. Por otro lado, Beyoncé también ha probado ser una de las artistas más aclamadas del año y su doble presencia en esta lista es una prueba de ello, de las tantas que hay.

Las 10 mejores canciones de 2022 para Rolling Stone:
1. Bad Bunny / ‘Tití Me Preguntó’
2. Beyoncé / ‘CUFF IT’
3. Steve Lacy / ‘Bad Habit’
4. Taylor Swift / ‘Karma’
5. Rosalía / ‘DESPECHÁ’
6. Quavo & Takeoff / ‘HOTEL LOBBY’
7. Pharrell ft. 21 Savage & Tyler, the Creator / ‘Cash In Cash Out’
8. Beyoncé / ‘BREAK MY SOUL’
9. Harry Styles / ‘As It Was’
10. Drake ft. 21 Savage / ‘Jimmy Cooks’

Vicente Navarro mezcla el Concierto de Aranjuez y drum&bass en ‘El primero’, sobre una «trieja»

9

Vicente Navarro ha publicado recientemente su segundo disco, ‘Las manos’, que va a ser nuestro «Disco de la Semana». Como el primero, ‘Casi tierra‘, se acerca al folclore patrio desde una perspectiva ligeramente electrónica, ahora más acentuada.

El álbum se ha presentado con dos singles notables, ‘Una herida’ y ‘Camposanto’, pero es ‘El primero’ el más rupturista respecto a su trabajo anterior y por tanto nuestra «Canción del Día».

‘El primero’ comienza con una interpolación del Concierto de Aranjuez con la propia melodía de la composición. La grabación avanza, conteniendo cierta agitación, hasta que al final explota y emerge una sección drum&bass. Como nos ha contado Vicente Navarro en una entrevista que publicaremos estos días, el tema retrata una huida en un entorno bélico. Una «trieja» es la protagonista, pero uno de los 3 ha de «huir» porque la sociedad no aprueba su situación.

De hecho, la canción comenzaba diciendo «vamos a bailar los 3» y así puede leerse en las letras del vinilo cuando este llegue el año que viene. Pero al final se ha quitado el sintagma «los 3» en favor de lo poético. Más claras son frases como «viene apretando el gatillo y viene quemando la niebla. Si nos volvemos a ver, os daré mi verano / y si no fuera posible el resto del año».

El estribillo de la canción es “No hay pecado que valga por mucho que diga Dios”, en referencia a la educación católica. Nos cuenta Navarro: «es sobre la invasión en un pueblo. Somos 3 personas, somos algo que la sociedad no entiende. Yo me escapo para intentar que no maten a los otros dos». Una angustia que se retrata en la cadencia de la canción, de la misma manera que el drum&bass representa muy bien dicha «huida», logrando que la producción del tema resulte casi un videoclip.

Vicente Navarro presenta este disco el 8 de febrero en Madrid y el 3 de marzo en Barcelona.

La cultura de la cancelación, a debate

119

Las declaraciones antisemitas de Kanye West están suponiendo el fin de su colaboración con marcas… ¿pero recordamos que el artista ha tenido problemas mentales? Win Butler de Arcade Fire ha recibido acusaciones de acoso por parte de 5 mujeres y Pitchfork parece haberle «cancelado», pero su caso no termina de trascender a otros medios o importar a la industria: su gira está siendo un éxito. Estos son algunos de los temas que tratamos en el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO, EL PODCAST DE JENESAISPOP, en torno a la llamada «Cultura de la Cancelación». Por suerte hemos podido contar con la participación de una mente privilegiada, la periodista Paloma Rando… que este verano estuvo a punto de ser cancelada a su vez.

Rando nos habla sobre la diferencia entre seguir consumiendo la obra de un determinado artista y realizar una «llamada al boicot», que podríamos considerar lo propio de una cancelación. Debatimos sobre la eterna disyunción entre separar vida y obra, pues hay ciertas voces en contra, como la de Elena Cabrera en una columna de nuestro Anuario 2022; sobre el revisionismo y el peligro de juzgar un gag de Martes y 13 treinta años después en un marco sociocultural completamente diferente; o sobre el peligro de defender una obra tan solo porque comulga con nuestros valores morales.

El caso de Arcade Fire nos lleva a hablar sobre la necesidad de creer y escuchar a una víctima versus la presunción de inocencia que define a todo estado de derecho. Los casos tan dispares de Woody Allen, Michael Jackson, J.K. Rowling o Louis C.K. salen a colación, con el gran interrogante sobre si es válido meterlos a todos en el mismo saco. ¿Por qué nos parece que unos fueron cancelados -si es que lo fueron- por las razones correctas y otros como Sinéad O’Connor, todo lo contrario? Nos planteamos también por qué sólo se cancela a personas relacionadas con el ámbito de la cultura, mientras esto no es un problema para deportistas, como se está viendo en el Mundial de Catar. Hablamos sobre las dificultades éticas de seleccionar cierto tipo de noticias o rumores como parte de la prensa, y en una última parte del podcast contamos nuestra propia experiencia con la cultura de la cancelación. ¿Hemos estado cerca nosotros mismos de ser cancelados?

Mad Cool 2023 confirma a Robbie Williams, Lizzo, Lil Nas X…

23

Mad Cool ha publicado la programación de su edición de 2023, que se celebrará los días 6, 7 y 8 de julio en el Nuevo Espacio Mad Cool. Entre los cabezas de cartel se encuentran algunos especialmente sorprendentes como Robbie Williams, Lizzo y Lil Nas X, que actuarán el mismo día. Lizzo no ha frecuentado España, y Lil Nas acaba de actuar solo en Barcelona.

Entre headliners que son «classic Mad Cool» como Red Hot Chili Peppers, Queens of the Stone Age, Machine Gun Kelly, The Black Keys o Liam Gallagher, es decir, rockeros (y masculinos), se entrevé un esfuerzo por parte de Mad Cool de conceder ese espacio a otro tipo de artistas y perfiles: Lizzo es la única mujer que encabeza el festival, pero Lil Nas es LGBT, así como Sam Smith, que es no binario. Quedan dos cabezas de cartel por confirmar, para los días 7 y 8.

Si a alguien le da por pensar que Taylor Swift podría encontrarse entre esos dos nombres secretos, lo cual sería lógico pues llegó esta confirmada en la edición que se canceló por la pandemia, hay que decir que las fechas le pillarán en su ‘Eras Tour‘. Los días 7 y 8 actúa concretamente en Kansas City, por lo que su presencia queda descartada.

Entre los artistas confirmados en letra mediana por Mad Cool destacan los de Sigur Rós, The 1975, Franz Ferdinand, Rina Sawayama, Paolo Nutini, la nueva sensación del rock británico Nova Twins, Angel Olsen, Rüfus du Sol, Jamie xx, Years & Years, The Rose o Sylvan Esso.

Además, estarán la revelación GAYLE, Genesis Owusu, Men I Trust, Bombay Bicycle Club, Nathaniel Rateliff o, desde España, Cupido, Delaporte, Belako…

La preventa de entradas se habilitará el 12 de diciembre para abonos, y el 26 de diciembre para entradas de un solo día, mientras la venta general se abrirá el 15 de diciembre para abonos, y el 29 de diciembre para entradas de un solo día.

Alvvays hacen la mejor canción de 2022 para Pitchfork

22

Pitchfork ha publicado su lista de mejores canciones de 2022, encabezada por una que probablemente no esperabas, ‘Belinda Says’ de Alvvays. Se trata de uno de los singles extraídos de ‘Blue Rev‘, tercer disco de Alvvays, aunque no el más escuchado, que es ‘Pharmacist’. Sí es una clara apuesta de Pitchfork por el indie guitarrero, en una lista no exenta de curiosidades.

El medio de Chicago no se ha podido resistir al encanto de ‘As it Was’ de Harry Styles, la canción del año a nivel comercial, que aparece en último lugar, en el puesto 100, y de Kendrick Lamar rescata ‘The Heart Part 5’, que no está incluida en su último disco. Además, Azealia Banks coloca ‘New Bottega’ en el 63: se trata de un tema que solo estuvo disponible vía descarga, y que Azealia prepara lanzar oficialmente el año que viene.

Son pocos los artistas que hacen doblete en lista. Perfume Genius aparece tanto en solitario (‘Ugly Season’ en el puesto 64) como en compañía de Yeah Yeah Yeahs (‘Spitting Off the Edge of the World’ llega al 6) pero, sobre todo, es Beyoncé la afortunada: ‘ALIEN SUPERSTAR‘ alcanza el puesto 5, convertida en clásico de culto; mientras ‘BREAK MY SOUL’ saluda por detrás, en el 56.

Volviendo al top 10, Destroyer se queda a las puertas del número 1 y ‘June’ aparece en el 2, seguida por ‘F.N.F. (Let’s Go)’ de Glorilla y Hitkidd. Rosalía también entra en el top 10 con ‘SAOKO’, que queda en el 7, y Bad Bunny lo hace con ‘Tití me preguntó’ en el 9. Utada Hikaru saluda en el 10 con ‘Somewhere Near Marseilles’, su tema de 12 minutos.

Así queda el top 10 de mejores canciones de 2022 para Pitchfork:
01.- Alvvays / Belinda Says
02.- Destroyer / June
03.- Glorilla, Hitkidd / F.N.F. (Let’s Go)
04.- Alex G / Runner
05.- Beyoncé / ALIEN SUPERSTAR
06.- Yeah Yeah Yeahs, Perfume Genius / Spitting Off the Edge of the World
07.- Rosalía / SAOKO
08.- Alan Braxe, DJ Falcon ft. Panda Bear / Step by Step
09.- Bad Bunny / Tití me preguntó
10.- Hikaru Utada / Somewhere Near Marseilles

Måneskin versionan a Lana Del Rey en directo

20

Måneskin están de gira por Norteamérica y, estos días, están dando una serie de conciertos en el Hammersmith Ballroom de Nueva York. Allí, los italianos han querido homenajear a una de las artistas más icónicas nacidas en la ciudad: Lana Del Rey.

El homenaje, claro, toma forma de versión, en concreto, de ‘Blue Jeans’, uno de los singles icónicos que dejó el debut de Lana, ‘Born to Die‘. En la voz de Damiano, rasposa, ‘Blue Jeans’ se transforma en una balada de rock clásico que podría pertenecerles a ellos.

Antes de cantar ‘Blue Jeans’, Damiano explica: «Estamos en Nueva York, y esta ciudad es casa de algunos de los mejores artistas de la historia de la música. Y queremos homenajear a una en particular, porque ella hizo posible crear obras maestras en los años 2000, así que gracias, Lana».

Por supuesto, Måneskin son muy dados a hacer versiones y, en sus conciertos, no solo tocan su éxito ‘Beggin’ (original de The Four Seasons), sino que también cantan canciones de The Who (‘My Generation’) e Iggy Pop (‘I Wanna Be Your Dog’).

La cover de Måneskin llega justo en el momento en que Lana ha dado noticias musicales: ha anunciado que anunciará algo el 9 de diciembre, y se espera que confirme la llegada de su nuevo disco, pese a que hace meses le robaron las maquetas.

Por su parte, los rockeros italianos preparan el lanzamiento de su nuevo disco, ‘RUSH!’, que sale el 20 de enero. Será su primer lanzamiento tras su victoria en Eurovisión y el fenómeno que han protagonizado después. ‘The Loneliest’, el segundo single extraído del álbum, ya es su tema más popular en Spotify.

Karmento antes de Benidorm Fest y el karaoke-pachanga de Colectivo da Silva

5
Ernesto Cortijo PIER fotografía

Karmento y Colectivo Da Silva se dieron cita el jueves pasado en la sala Clamores de Madrid para dar cierre al ciclo Girando Por Salas de 2022 #GPS12. Karmento, el proyecto de nuestra manchega favorita, sigue paseando los temas del brillante ‘Este devenir’ (2020) que la ha llevado hasta el Benidorm Fest, acercándola a nuevo público y quién sabe si hasta Eurovisión 2023. Porrón de vino tinto cerca, en un suelo con naranjas esparcidas, descalza, fue desplegando su espectáculo de pop folclórico, poesía y cante de la sierra del Segura.

Acompañada de Emilio Abengoza al piano o guitarra, Albany Guedez al violín y Rosi Herreros en las percusiones nos deleitó con las ampliamente conocidas ‘Cri, cri’ o ‘La manchega en la azotea’. No faltó ‘Que vuelva la magia’, ’El amor y la esfera’, ‘Marea’ ni ‘El Rancho’. La sorpresa, tal vez esperada por muchos, fue la aparición de Vicente Navarro para interpretar ‘La juventud’, que nos colocó más si cabe las emociones a flor de piel. Antes de tener que contenerme las lágrimas con ‘Esto no es una despedida’, Carmen agradeció el apoyo a la música en directo de iniciativas como Girando Por Salas e invitó a todos a no cesar en la protección de la cultura.

Ernesto Cortijo
PIER fotografía

Llegó el turno de Colectivo Da Silva. Los de Granada se mostraron divertidos y agradecidos una vez más de estar en Madrid. El público cantó a gritos frase a frase cada canción del show, convirtiendo el concierto en una suerte de karaoke-pachanga que todo el mundo celebraba encantado. El luminoso ‘Casa Vargas’ destelleó con ‘Invítame a tu casa’, ‘After’ o ‘Que dios bendiga el reguetón’, ese delicioso reggae que te enamora desde el primer acorde.

No faltaron los singles ‘Bolitas’ (2020), ‘1000 razones’ de su EP ‘Amor de temporada’ (2021) o el reciente ‘Quién pudiera’, una cumbia reguetonera que puso al público entero a menearse. Aunque para meneos, los que trajo el pogo en ‘Marina D’Or’ del álbum ‘Vacaciones’ (2015) o el calor con el que se recibió a la artista viguesa dani -pocos días después de haber cantado con Dorian en el WiZink Center– cuando se unió a las voces de ‘Nos vemos luego’.

Los de Granada anunciaron un pequeño descanso en los próximos meses pero que volverían a actuar en la capital en mayo del próximo año. Mientras nos apuntábamos la fecha (05/05/23 en la sala Cool) nos regalaron como bonus ‘Nena, ven a por eso’ poniendo el broche final a una noche que pone de manifiesto lo que vale la pena apoyar a las salas y a aquellos que se dejan la piel por una programación variada de conciertos al alcance de todos.

Ernesto Cortijo
PIER fotografía

Ernesto Cortijo
PIER fotografía

Arctic Monkeys también actuarán en Madrid

9

Arctic Monkeys, una de las bandas que podrás encontrar en nuestro Anuario con lo mejor de 2022, gracias a la edición de sus canciones nuevas en el disco ‘The Car’, anuncia nuevo concierto en Madrid.

Hasta ahora sabíamos que el grupo actuaría en el Bilbao BBK Live en una fecha exclusiva en cuanto a festivales. Pero también podrás verles en un recinto a ellos solos.

Concretamente, la primera de sus dos fechas será el sábado 8 de julio de 2023 durante la celebración del festival Bilbao BBK Live y la segunda con un único concierto en el WiZink de Madrid el lunes 10 de julio de 2023. Será la primera vez en 10 años que la banda actúe en un pabellón de la capital de nuestro país. Las entradas para Madrid saldrán a la venta el miércoles 7 de diciembre a las 12h y se podrán adquirir a través de lasttour.org y seetickets.com/es.

Os recordamos que en cuanto a Bilbao BBK Live, también están confirmados junto a «los Monos», Florence + the Machine, The Chemical Brothers, The Blaze, Love of Lesbian, Albany, Baiuca, Rojuu, Playback Maracas, etcétera.

Anna of the North / Crazy Life

5

How To Let Go‘ es el nombre del disco que Sigrid ha sacado este año, y ese título es también gran parte de su temática. Por ello, no deja de ser curiosa la coincidencia con su paisana Anna of the North, que en su tercer disco habla sobre lo que le cuesta superar una ruptura y dejar ir a su expareja, y encima cierra la secuencia con ‘Let Go’. Además de esto y de su país, ambas comparten similitudes en sonido y, por tanto, muchísimo público, aunque Anna Lotterud (su verdadero nombre) lleva más tiempo en esto y, si para Sigrid 2022 ha sido el año de su segundo disco, para Anna ha sido el de su tercero.

Personalmente, siempre he encontrado más interesantes las canciones de Sigrid, y los dos discos anteriores de Anna los encontraba bastante deslavazados, aunque con algunos temas muy resultones. La cosa es que, en este sentido, la cantante de Gjovik puede estar contenta: en declaraciones recientes a TheHoneyPop, contaba que su visión para ‘Crazy Life’ era “mezclar mis dos discos anteriores, coger las mejores cualidades que había en cada uno y hacer una Anna 3.0”, y puede decirse que lo ha conseguido.

Para ello, ha querido ampliar su circulo de productores: entre los créditos encontramos nombres con referencias tan distintas entre sí como las de The Saturdays (Charlie Holmes) o Nülifer Nanya (Bullion, que además es autor de ‘Bends’, uno de los mejores temas del último de Carly). Junto a ellos, The Wayvs, conocidos por su trabajo con G-Eazy o Post Malone, Oli Bayston (Foxes), Rich Cooper (Josef Salvat) o Starsmith (Jess Glynne). Con este equipo, Anna parece querer recuperarse del traspiés que fue su segundo disco, aunque luego su peor enemigo le haya diseñado la portada. Porque el lead single, ‘Meteorite’, una colaboración con Gus Dapperton, está muy bien elegido: sus voces empastan muy bien, y unos silbidos nunca están de más en el pop.

Pero lo principal que da forma al disco es su carácter cohesivo, con casi todas las canciones construidas alrededor de una ruptura que Lotterud no parece ser capaz de superar… al menos, en el día de hoy. Porque ‘Crazy Life’ empieza con ella levantándose (‘Bird Sing’) y termina con ella intentando relajándose para descansar antes de empezar un nuevo día (‘Let Go’). Y el comienzo con ‘Bird Sing’ promete: funcionan esas cuerdas y esa melodía alegre que se va haciendo agridulce a medida que descubrimos que la letra también lo es: “you go wherever you want, babe / I’ll be stayin’ right here, cheerin’ you on, babe / no one likes you / the way that I do”. Si este tema estuviese en castellano, podría firmarlo la mejor Nena Daconte.

El (poco) amor propio es también el leitmotiv de la enérgica ‘I Do You’, en la que Lotterud se pregunta qué ocurriría si se tratase a sí misma igual de bien que trata a la otra persona, una persona de la que no sabe cómo desprenderse: “if I knew how to lose you / you know I would / if I was on my side, babe / it’s like I should”. La letra de ‘Nobody’ va en la misma línea, aunque más simple. Pero eso no tiene tanta importancia cuando la canción resulta ser, como le gusta decir a mis compañeros, una chuchería pop (realmente lo es). Y así seguirá en el resto del disco: “was I the only one in love?” se pregunta en ‘Dandelion’, “I just don’t know how to do it without you” afirma en ‘No Good Without You’, etc.

Entre todo esto, destacan por sus letras ‘Living Life Right’, que se olvida de su ex (entendemos que esta vez el “you” es genérico) para centrarse en ella y en los hábitos que no le llevan a encontrarse bien (“always looking for something / to try to fix what is broken / is leaving me without hope”), o ‘Dandelion’. Ésta vuelve al tema pero ofrece un mensaje algo más positivo dentro de la no-superación (“if you love someone you should set them free / maybe one day you’ll come back to me / and you can tell me about what you’ve seen”) y un estribillo que mezcla inocencia y nostalgia y funciona como un reloj.

El disco parece contar una historia en orden cronológico, o al menos esas etapas de un día, en el que se ve una pequeña evolución en su personaje principal: ’60 Seconds’ muestra ya más aceptación y madurez, y en ‘Let Go’ intenta callar sus pensamientos invasivos diciéndose a sí misma que tiene que dejarse sentir para, poco a poco, dejar ir. En definitiva, ‘Crazy Life’ no te va a cambiar la vida ni inventa nada, pero sí aplica muy bien fórmulas aprendidas por Lotterud, que publica su mejor disco, aunque precisamente su sobredosis de intensidad/patetismo pueda ahuyentar a más de uno. La cosa es que, si aceptas que eso es lo que te vas a encontrar, lo que se cuenta en ‘Crazy Life’ resulta bastante auténtico, aunque el pluscuamperfecto pop nórdico no nos lleve a esa palabra.

Los Punsetes: «Los videoclips son muy caros y empieza a decaer bastante su utilidad»

33

Los Punsetes acaban de lanzar su séptimo disco, titulado ‘AFDTRQHOT’ (Al Final Del Túnel Resulta Que Hay Otro Túnel), y es nuestro Disco de la Semana. Hemos hablado con Jorge García y Manuel Sánchez, guitarristas de la banda, sobre la gran novedad prog rock en su discografía que es ‘OCULTISMO’, la situación del videoclip en España, el término «indie» y las punzantes letras de canciones como ‘ESPAÑA CORAZONES’ y ‘CERDOS’.

Para este séptimo disco, ¿ha habido alguna novedad en vuestro proceso de creación o algún nuevo reto?
Jorge: No, nosotros no solemos hacer las cosas con una intención a priori. Vamos sacando las canciones y dejamos que se impongan y que nos lleven ellas. Excepto ‘OCULTISMO’, que sí que es una canción que tienes que plantear un poco más. Lo demás es todo dejarnos llevar por lo que la canción nos va pidiendo.

Ese primer single del disco, ‘OCULTISMO’, dura 9 minutazos, algo que no es nada común en vosotros. ¿Cómo surgió hacer una canción así? ¿Por qué decidisteis sacarla como primer adelanto?
J: Teníamos esta fantasía que era la de hacer una canción como ‘Siberian Breaks’ del segundo disco de MGMT, que es básicamente eso, una canción de 12 minutos con varias partes que no se repiten. Y yo le decía a Manuel: «Hostia tío a ver si algún día hacemos alguna así, bien loca», pero nos parecía un poco inviable realmente. Y bueno, un día estábamos en el local con las dos primeras partes de la canción e hicimos lo que cualquier persona haría, que es que después de tocar la primera parte rápida y la segunda lenta, pues volver a la rápida otra vez. Y fue como: «Esto es una puta mierda, no va a molar…» Y ahí sí que pensamos en hacer una tercera parte a ver qué pasa. Nos fuimos a casa con la idea de añadirle más partes, incluimos algunos trozos y empezamos a ver que los podíamos pegar. Luego ya fue cuestión de ir probando en el local con los enlaces y las transiciones. Ya cuando la teníamos más o menos hecha parecía una buena idea sacar una canción tan diferente como adelanto. Básicamente, porque hemos sacado tantos singles de tres minutos, que están bien, que pensábamos que iba a ser más llamativo entrar por otro lado.

¿Vais a probar a hacer más canciones así en el futuro o es una primera y última vez?
J: No lo sé, hay alguna canción en el disco como ‘QUE TE VAYA MAL’ que también tiene una estructura un poco más rebuscada. Creo que puede ser un buen camino para hacer más cosas, a mí me gustaría, pero no es fácil encajar tantas cosas y que te quede tan bien.

Una frase de esta canción además es la que da nombre al disco, la de ‘Al final del túnel resulta que hay otro túnel’. ¿Por qué os quedasteis con esta frase de título y no “España es lo que me salga de los cojones”?
Manuel: Creemos que define mucho mejor el espíritu del disco, la verdad. De hecho, estuvimos dándole vueltas a hacer un título más corto, tipo ‘El túnel’ o algo así, pero no nos acababa de convencer y la frase en sí era demasiado larga. Estábamos de acuerdo en que define muy bien el disco, pero era muy larga, y ahí a Jorge ya se le ocurrió lo de las letras.

Lo de que no se pueda pronunciar bien es un poco para joder, ¿no?
M: El otro día leí una cosa muy bonita en Internet. Un chico en Twitter decía que el título era como si le hubieses dado una hostia al teclado (se ríen).

En el aspecto promocional de la canción, ¿a quién se le ocurrió la maravillosa idea de convertir la canción en un videojuego?
M: Intentamos que varios colegas cineastas nos hicieran un vídeo, y cuando ya íbamos por el tercero que nos dijo que sí pero que al escuchar la canción dijo que era imposible, nos encontramos en un callejón sin salida. Entonces, Luis le hizo honor a su fama y fue idea suya totalmente. En cuanto lo dijo, se nos iluminaron los ojos, la verdad.
J: Pasado el momento en el que todas las canciones tenían que ir con un puto vídeo, que ha hecho que el mundo se llene de vídeos pochísimos y que haya un montón de basura audiovisual por ahí, cosa en la que hemos caído ocasionalmente, Luis ya empezaba a estar realmente saturado.
M: Yo creo que ha habido un momento muy brillante del videoclip, sobre todo en España, pero la gente ya no lo recibe con tanto interés ni sorpresa. Son muy caros y creo que empieza a decaer bastante su utilidad y su peso. Tampoco tiene sentido gastarte más pasta en hacer el videoclip que la que te has gastado en producir el disco.

«Los videoclips son muy caros y empieza a decaer bastante su utilidad»

Vamos a hablar sobre ‘ESPAÑA CORAZONES’, otra canción que presenta el disco. ¿La canción va sobre la crispación política actual? ¿Es una conversación de bar?
M: Es sobre la crispación política, yo la entiendo así, o así surgió. Trata sobre esta idea de España como arma arrojadiza y excluyente que es tan apestosísima y que saca a tanta gente de las cosas buenas que puede tener la palabra, el concepto y demás.

¿Cómo se os ocurrió la idea?
M: A mí me gusta mucho la política y la mesa política y… pues indignado. Sobre todo esa cosa de que España es lo que le salga de los cojones al que habla, como si fuera así, me molesta mucho.

«Con más tontos que listos, con más fuerza que maña” ¿Creéis que hay muchos idiotas en España?
M: En realidad no va por ahí, va porque la prioridad de una parte de España saca fuera muchas veces a los artistas y a los intelectuales y es una España muy cazurra. Esa es la España que defiende los toros. «Abajo los intelectuales» y «muerte a la inteligencia» decían los franquistas, ¿no?

¿La España cazurra es la España de la derecha?
M: Bueno, no generalicemos. Hay mucha gente de derechas que no es así, pero luego hay gente que es así y es de derechas, eso está claro. Generalizar siempre es un poco peligroso, y a mí no me gusta.
J: Una cosa muy importante de la canción es que no cae en el posicionamiento. Expone una realidad en la que a mucha gente le sobra la otra mitad de España, tanto desde un lado como desde otro, pero no se sitúa en ninguno de los dos sitios. Es algo en lo que es fácil reconocerse. Expone un concepto que es fácil de entender, pero no tan fácil de escribir de una manera directa, clara y divertida.

En ‘CERDOS’ decís: «Todos los cerdos deben morir, está muy caro el alquiler en Madrid». Seguro que os habéis encontrado con algún propietario cabrón por Madrid, ¿no?
M: Sí, los caseros… Pero vamos, que no es una canción contra los caseros, ¿eh?
J: La canción es como una acumulación de frases que pretenden ser un poco obvias: la luna es blanca, el cielo es gris, está muy caro el alquiler en Madrid. Son cosas que no admiten contestación.

¿Y la de «tus amigos se merecen estar muertos»?
J: Si eres un cerdo, tus amigos probablemente también lo sean y deberíais estar muertos todos (risas).
M: Tengo que decir que Jorge quería incluir el nombre personal de una empresa y mi nota fue quitárselo, porque si no íbamos a acabar en la Audiencia Nacional.
J: Cuando nos separemos y escribamos la biografía ya ponemos todos los nombres y apellidos a las canciones, no pasa nada.

¿Os ha pasado más veces lo de tener que cortaros un poco al escribir?
M: Para mí no es cortarse, ¿eh?
J: Cuando Manu nos propuso quitar este nombre, realmente hay un argumento bastante imbatible. Dar un nombre implica un contexto y el contexto con los años se pierde y deja de tener importancia, y al final es hacer la canción un poco más pequeña de lo que es. Si la dejas abierta haces la canción un poco más atemporal.
M: Aparte, la agresividad sería real. La canción puede ser agresiva, pero nadie lo está siendo. Eso también es importante.

Hay quien dice que el viejo indie está muriendo tras la pandemia, ya que entre otras cosas no se podía quedar a ensayar ni nada. También que si la venta de entradas de este tipo de grupos ha disminuido… Vosotros que estáis metidos de lleno en el mundillo, ¿Cuál es vuestra visión al respecto?
J: Yo no estoy nada de acuerdo con eso. Hace dos semanas estuve viendo a Yawners y luego vi a Cariño con 2300 personas en La Riviera, y eso no lo veo. Lo que creo más bien es que empieza a haber un poquito de saturación de minigrupos de tirar un ritmillo, cantarse cuatro cancioncillas por encima… De esta cosa de nuevo pop derivado del rap que hay trillones de grupos muy parecidos. Hay momentos mejores y peores, pero depende más de que coincidan mejores grupos que de otra cosa.

«Hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo, siendo buenos; hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo siendo una basura que flipas y luego hay grupos pequeños a los que nos va mejor o peor independientemente de que sean mejores o peores»

¿Entonces crees que el verdadero problema del indie español es que hay demasiados grupos similares?
J: El problema del indie español no sé cuál es. Depende también de lo que cada uno piense cuando dice «indie español». Si me vas a decir que Viva Suecia es un grupo como nosotros, o IZAL, pues la conversación se va por caminos extrañísimos. Hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo, siendo buenos; hay grupos de guitarra que lo han petado muchísimo siendo una basura que flipas y luego hay grupos pequeños a los que nos va mejor o peor independientemente de que sean mejores o peores. Llevamos muchos años hablando de indie y es difícil saber ahora mismo a lo que se refiere la gente cuando dice indie. Yo digo indie y pienso en los sellos indies de los 80. Ahora la gente te dice indie y está pensando en Viva Suecia, que es una cosa que no tiene mucho que ver, desde mi punto de vista.

Es como que ahora el indie más que ser una palabra para referirse a «independiente», se ha convertido en un género de música aparte.
J: Es que es un término que yo, si fuera periodista, no lo utilizaría porque ya me parece confuso y difícil de definir.

¿Qué término utilizarías?
J: Depende a lo que me estuviese refiriendo.
M: ¡Agro indie!
J: Si utilizas indie refiriéndote a la independencia de los sellos, pues bueno. Incluso Sonido Muchacho se te empieza a quedar fuera del indie por sus alianzas con Universal. Yo si hablo de Los Punsetes siempre digo que somos un grupo de guitarras o directamente un grupo rock, porque a la gente como que le molesta ese término y me hace gracia.
M: Yo digo que somos un grupo underground.

No quiero que os retiréis ni nada, es solo por curiosidad, pero si tuvieseis que pasarle la corona a alguien, ¿quién creéis que podría ser vuestro relevo generacional?
M: El problema de eso es que todos nuestros relevos generacionales ya tienen más público que nosotros (se ríen). Gracias a Dios, a los grupos que dicen «nos gustan mucho Los Punsetes» normalmente les va mejor que a nosotros, o sea que es buena señal.

SZA confirma la fecha de publicación de ‘SOS’ en SNL

8

SZA, uno de los grandes valores del R&B estadounidense, ha confirmado al fin la fecha de publicación de su nuevo disco. ‘SOS’, el sucesor de su debut ‘CTRL‘ 5 años después llegará este mes de diciembre, como se rumoreaba, justo antes de la Navidad. Su portada recuerda a aquellas famosas imágenes en un yate de Lady Di.

Saldrá el 9 de diciembre, perdiéndose ya muchas de las listas de lo mejor del año, que como es el caso de Rolling Stone, ya se han publicado o mandado a imprenta.

SZA ha confirmado la noticia en Saturday Night Live, donde ha interpretado su single actual, ‘Shirt’ y también otro nuevo llamado ‘Blind’ que aún no se ha publicado. ‘Shirt’ ha sido top 11 en Estados Unidos y número 17 en Reino Unido, además de top 18 en el Global de Spotify, donde ahora mismo se encuentra en el número 157.

Björk despide a los moribundos en ‘Sorrowful Soil’

12

Björk ha publicado un vídeo para otro de los temas de ‘Fossora‘, que reincide en la temática del álbum: la muerte y la naturaleza. La canción escogida es ‘Sorrowful Soil’, una de las dos que hablan del fallecimiento de su madre, aunque esta fue escrita dos años antes. El vídeo hace una analogía entre la maternidad y la lava de un volcán. En concreto, entre la ovulación y un volcán, pues parte de la letra recalca que de los 400 óvulos de una mujer en toda su vida, solo salen «2 o 3 nidos». Hay que recordar que otra de las canciones de ‘Fossora’ se llama ‘Ovule’.

La cantante islandesa detallaba en las notas generales de ‘Fossora’ que aquí había querido trabajar con 9 voces en lugar de las 4 habituales (soprano, alto, tenor, bajo), lo que provoca esas sonoridades tan particulares.

Aunque para particular esa letra. Cuando el abuelo de Björk iba a morir, la cantante encontró en el hospital un panfleto sobre cómo hablar a los seres queridos a los que queda poco tiempo. «Me encantó lo genérico y lo universal que era», explica la cantante, que por este motivo termina la letra de la canción diciendo: «hiciste las cosas bien, lo mejor que sabías».

Escucha nuestro podcast sobre ‘Fossora’

‘Miércoles’ viraliza involuntariamente ‘Bloody Mary’ de Lady Gaga

31

‘Miércoles’ está siendo un gran éxito en Netflix. La serie sobre la hija de la Familia Addams en la Academia Nunca Jamás se ha convertido en el mejor estreno de la plataforma, superando a la cuarta temporada de ’Stranger Things’ y 2 semanas después de su estreno, continúa en el número 1 de la plataforma. Tim Burton ejerce de productor ejecutivo y ha dirigido la mitad de los episodios.

Las canciones que suenan están viviendo una segunda vida, como ha pasado en varias ocasiones con ‘Stranger Things’, siendo el de Kate Bush el ejemplo mayúsculo, o también con ‘Euphoria’. El tema de The Cramps ‘Goo Goo Muck’ se ha destacado gracias a una coreografía, y está siendo muy buscado en Shazam, pero por circunstancias de la vida está llegando mucho más lejos ‘Bloody Mary’ de Lady Gaga. Era uno de los temas que no fueron singles de su álbum ‘Born this Way’.

Curiosamente, la canción de Lady Gaga no llega a sonar en ningún momento del show. Las recopilaciones sobre toda la música que suena en ‘Miércoles’ incluyen a Magdalena Bay, Beach House, Blonde Redhead, Chavela Vargas o Édith Piaf, pero nunca a Lady Gaga.

Quizá por el parecido entre Miércoles y Gaga, la gente ha cogido el baile de Miércoles bailando a The Cramps, le ha plantado una versión acelerada de ‘Bloody Mary’ encima y el asunto ha encantado en TikTok. Además, Lady Gaga se ha sumado a la tendencia a través de las redes sociales.

‘Bloody Mary’ no deja de subir desde entonces en las plataformas de streaming, siendo ya número 45 en el Global de Spotify, destacando el número 1 conseguido en Lituania y la aceptación lograda en Alemania, Italia, Francia, Reino Unido o Canadá, donde es top 100 de Spotify. La tendencia no ha llegado a España, pero parece cuestión de días que lo consiga. De momento, el tema suma 74 millones de streamings en esta plataforma, llegando ya al top 10 actual de la cantante.

@darkymayhem dancing queen 🖤 #wednesday #wednesdayaddams #netflix #wednesdaynetflix #bloodymary #ladygaga #wednesdayedit #edit #wenclair #wenclairedit #fyp #viral #addamsfamily ♬ wednesday dance – mayhem

Podcast: 10 años de ‘Born This Way’

«Si yo no hubiese hecho ‘Autodefensa’, también diría que es otra serie de pijas drogadictas sin haberla visto»

44
Kiku Piñol

Esta semana, Filmin ha estrenado una de sus mayores apuestas hasta el momento. ‘Autodefensa’, creada por Berta Prieto, Belén Barenys y Miguel Ángel Blanca, te horrorizará o te encantará, porque -aunque suene a tópico- no hay punto medio en una serie de la que la propia Berta dice que “si no fuese mía, yo también diría que es otra serie de pijas drogadictas sin haberla visto”. Pista: no lo es, y su autoconsciencia ayuda ahí. Hablamos con Berta y Belén de eso pero también de muchas otras cosas en una entrevista que, como la serie, piensa que “filtros” es lo que se le pone a la cafetera.

“I have no power, but I’m filled with opinions” decía Fran Lebowitz en ‘Pretend It’s A City’, una de las producciones menos Netflix (AKA más libres, luego hablaremos de eso) que ha salido de Netflix. Y desde luego ellas también están llenas de opiniones: son unas entrevistadas muy generosas, que es el clásico eufemismo para decir que son una ametralladora de frases lapidarias, jardines varios y mil contradicciones, componiendo así un discurso muy interesante con el que presentan la que, al menos para mí, es la mejor serie española que se ha estrenado este año.

Berta, subiste hace poco una captura de alguien diciendo en Twitter sobre el trailer de ‘Autodefensa’: “otra serie de pijos… ya nos hemos enterado de que folláis y os drogáis”. Tú misma pusiste en la captura “me encanta porque es lo que yo estaría diciendo de mi serie si no fuese mi serie”. Así que vamos a empezar fuerte: ¿es ‘Autodefensa’ una serie de pijos? ¿O qué responderíais a quienes piensan eso?
Berta: Bueno mira, y eso fue el día del trailer, pero hoy no sé qué ha pasado con el trailer que ha empezado a viralizarse a pesar de lanzarse unos días atrás, y hemos visto hace un rato un montón de tuits de que la gente nos odia y nos dice pijas y drogadictas y tal. Si yo no hubiese hecho esta serie, yo soy súper criticona, habría dicho esto 100%. Es lo que se ve en el trailer y es lo que te puedes imaginar y es el prejuicio y tal. Yo creo que, cuando vean la serie, no pensarán eso. Y si piensan eso tras ver la serie, es que me parecen idiotas. Pero sí, lo habría dicho 100%, y súper rabiosa, entiendo el mood de criticar desde estar súper enfadada en tu sofá.
Belén: Creo que son críticas desde el prejuicio, yo también pienso que, mucha de la gente que ha criticado el trailer, si viera la serie, le gustaría.

Entiendo que vuestros personajes se parecen a vosotras, pero no sé si es que SOIS esos personajes, o es más una versión exagerada de vuestras personalidades. Lo digo porque en ese caso igual os tocan un poquito esas críticas tan feroces.
Berta: Somos nosotras. Hay cosas exageradas, pero somos nosotras.
Belén: No son todas las caras ni todas las facetas de nuestras personas, obviamente, pero somos nosotras. Igual hay aspectos que en según qué capítulos están más parodiados, pero la base somos nosotras, no nos hemos puesto a inventarnos unos personajes con unos objetivos y unos tal. Somos nosotras.
Berta: Pero, a pesar de que seamos nosotras y hayamos puesto nuestra intimidad, nuestros amigos, nuestra casa, nuestros conflictos personales, no creo que eso haga que nos tomemos las críticas más a pecho que en otro proyecto. Al menos a mí…
Belén: Sí, sí, total. Nos importa más la crítica como artistas y como creadoras que como personas.
Berta: Sería muy narcisista: “no les caigo bien a la gente de Twitter, jooo, voy a llorar”. Me la suda que no te caiga bien, ya tengo a mis amigos, no he hecho esta serie para hacer amigos ni para caer bien. Lo que me jode es que no guste la serie, no lo otro.

Pensando en el capítulo en que llamáis a gente para “pedirles perdón” de una forma súper condescendiente… no sé, yo diría que no estáis pensando en dejaros bien a vosotras, sino en reíros de vosotras. En ese sentido, más que la similitud que se os está diciendo con ‘Cardo’, me recuerda a ‘Girls’.
Berta: Claro, o sea, es cierto que criticamos y ponemos sobre la mesa muchos temas polémicos, pero a las que cuestionamos todo el rato es a nosotras mismas. Esta serie no es una chapa moral ni pretende ser pedagógica ni hablando en el nombre de nadie… somos súper honestas con lo que somos nosotras. Si me dices “pija”, pues pienso que sí, que quizás lo soy, o quizás no, no sé, pero es que yo misma me estoy haciendo esa crítica y lo estás viendo en este capítulo. Si me dices “frívola”, es como: ya, ya lo sé.

¿Las situaciones y tramas son también autoficción? ¿O algunas son llevadas al extremo aunque partan de una base? Pienso en cosas como ese capítulo 2…
Belén: No todo es real. Somos nosotras, somos nuestros amigos y es nuestra casa, pero muchas tramas son ficcionadas. No, lo del escritor no ocurrió de verdad, que el otro día me lo volvió a preguntar una chica (ríe) Y otras son basadas en situaciones que nos han pasado pero exageradas por mil.
Berta: Aunque los traumas y las cosas que contamos sean un sentimiento real nuestro, porque es una base que parte de nosotras, todo está ficcionado, porque si lo contáramos todo tal cual ocurre no tendría sentido el guión, ¿no? En plan, nunca es tan perfecta una trama en mi vida como para que sea un capítulo literal…

¿No? A mí la realidad a veces me ha regalado joyitas en ese sentido.
Berta: No, ya, si también… (ríe) Aquí en cierto modo ha pasado. Pero en general hemos hecho eso, aunque ojalá fuese todo en nuestra vida así, entonces no tendríamos que rompernos la cabeza en cómo contarlo. Aunque, ¿sabes qué? Lo del escritor por ejemplo no ha pasado, pero podría pasar. Y luego hay otro capítulo en el que quedo con un pavo y pasa una cosa con un ukelele, no voy a decir mucho porque ese es de la segunda tanda, y ese personaje es real, fue un pavo de Tinder que conocí. Y podría pasar eso, pero no ha pasado, pero ojalá pasara. Mola mucho pensar que todo es de verdad, porque estamos en un momento en que la gente está obsesionada con proteger su intimidad, su privacidad, su yo, sus entornos, etc, y nosotras tenemos cero ese pudor. Me parece que eso es un pudor… eso sí que me parece súper pijo, tenerte en tanta consideración que crees que tu intimidad es un valor.
Belén: También porque es curioso que en el momento actual se juegue mucho, por ejemplo los tiktokers, con la sobreexposición en redes, que hacen un reality de su vida, pero luego en los medios artísticos como cine, música y series, hay como esta compuerta cerrada hacia la vida de uno mismo. Creo que nuestra serie hace un poco de puente entre un lenguaje más tradicional y una realidad actual que es esa, que tu intimidad es el juego y es tu moneda de cambio.
Berta: No tiene ningún sentido que hablemos de intimidad en un momento donde todos tenemos redes sociales. O sea, tiene sentido, pero vamos a hablarlo de verdad, ¿no? No vamos a hablarlo como si mis tetas fuesen aquí… que no es solo por las tetas, pero no sé, me parece más íntimo expresar lo que pienso haciendo esta serie que no las escenas de sexo o desnudos.

«Me parece súper feminista enseñar una polla»

De hecho, el sexo y los desnudos están muy presentes en la serie, como cierto melón del capítulo 1: sigue siendo rarísimo que veamos una polla en una serie española, y más una polla empalmada (sin ser prótesis), como es el caso ahí. ¿Fue una de las cosas en las que pensasteis que Filmin os iba a dar un toque, como habéis dicho en la rueda de prensa? ¿Y cómo lo llevó Daniel Rived? No es nada común que un actor se preste a esto en algo audiovisual más mainstream. Ya lo de Àlex Monner en ‘Gang’ llamó la atención por lo mismo.
Berta: Es que Daniel fue súper generoso, y entendió muy bien el proyecto que estábamos haciendo y a lo que estábamos jugando, se lo dijimos y tal, y él nos decía “no, no, si éste es el juego, y si vosotras vais a estar enseñando las tetas y el coño, yo pongo lo mío a vuestra disposición”. Creo que es súper de agradecer, y que no habríamos encontrado tantos actores dispuestos a enseñar la polla literal, igual que no hay tantas actrices dispuestas a enseñar el coño literal. Las actrices están más sexualizadas en general, estamos más acostumbradas a ver desnudos femeninos con un punto de vista súper objetificado, hacia la actriz y hacia los personajes femeninos. Entonces también por eso era importante enseñar la polla del Rived, ¿sabes? Me parece súper feminista enseñar una polla. También hay mucho pudor entre las actrices por enseñar el cuerpo porque viene de una tradición de abusos súper larga. Las actrices están cagadas, y amigas mías actrices están cagadas de enseñar el cuerpo por si eso lleva a otra cosa, porque tenemos una trayectoria de experiencias horribles con esto.

“Las actrices están cagadas con enseñar el cuerpo por si eso lleva a otra cosa”

De todas formas, al final la gracia no es enseñar una polla por enseñar una polla y “jaja, qué gamberras”, sino porque, de la manera en que estamos contando esta historia y de la manera en que nos estamos exponiendo, no tiene sentido que de repente haga un plano siendo sutil y falseando esto. Porque nosotras no somos sutiles. Y no sé… ¿qué has dicho, que qué tal Daniel? Daniel es el puto amo.

Es brillante el diálogo que tenéis ahí entre tu personaje y el de Daniel, cruzando ambos líneas rojas constantemente, lo que se consigue poner sobre la mesa en esa secuencia, y con ese patetismo y ese humor incómodo todo el rato.
Berta: Eso lo pensamos mucho a la hora de construir ese monólogo. Nos preocupaba mucho ese capítulo porque queríamos hablar de muchas cosas. Sí que hay muchas líneas rojas que cruzamos en este tema.
Belén: Eran varios objetivos. Por un lado queríamos hablar de cómo muchas veces el sexo es aburrido y tenemos la necesidad de enrollarnos con alguien y luego pararlo, porque no nos satisface tanto como el ligoteo en sí. Y también sacar a la luz el tema de la cancelación.
Berta: Sí, y no tanto eso, porque a él como que le da mucho miedo la cultura de la cancelación, pero la cosa es que en esa escena yo le digo que pare, y él para. Y le ralla que yo le haya dicho que pare, pero no por quedarse sin follar, sino porque eso ya le pone a él en un lugar de “oh Dios, quizás he abusado de ella”. Creo que los hombres nos dan la razón como a idiotas porque tienen miedo de ser tachados de machistas, o de ser cancelados o de tal, pero en ningún momento se hace el ejercicio real de reflexionar sobre tu masculinidad. Esa secuencia es como: has venido aquí a llorar y, realmente, si lo hubieras pillado, sabrías que no hay ningún problema. Yo te dije que pararas, y tú paraste, tío, está todo bien. Aprendimos mucho haciendo ese capítulo.
Belén: Y también es una burla.
Berta: Total, es que, ¿cuántos hombres se ponen a lloriquear como de que…? Se pasan la vida llorando los hombres. No paran de llorar.

Otro de los aspectos más llamativos de la serie, y evidentemente más tratándose de Jenesaispop, es la banda sonora. El piloto se cierra con ‘No te puto pilles’, de Pantocrator, sin ir más lejos. ¿Nos podéis adelantar algo de la BSO de los próximos cinco episodios?
Berta: Que salen canciones de MEMÉ, las mejores canciones de España.
Belén: (ríe) No te sé decir ahora nombres concretos, pero sí que me hubiera gustado que saliesen más canciones, pero me he dado cuenta de que es muy complicado elegirlas…
Berta: Muy caro. Sobre todo es muy caro.
Belén: Pero sí que queríamos que fuese música de gente de nuestra generación, representativa de nuestro entorno, de nuestro momento, etc. Que no fuera la típica serie de Netflix que te cuela la canción del top 1 de España…
Berta: Sí, Rigoberta Bandini, por ejemplo (risas) Pero está guay lo de Pantocrator, por ejemplo, porque son colegas, o la Cooba, que no es tan conocida y es de Barna y nos encanta. Y luego hay gente como rusowsky que bueno, nos ha costado una puta pasta, pero era importante, o Bad Gyal, que imagínate también. Hay un mix de describir la música de la generación, y también dar voz a colegas y a artistas más pequeños de Barcelona. Porque la serie también va de eso, de que nosotros tampoco éramos nadie antes, Miguel Ángel nos encontró por Internet, y Filmin ha hecho esta apuesta.

Ya que has mencionado antes las canciones de MEMÉ, me gusta mucho el final del episodio de la ansiedad, en el que Belén acaba calmándose mientras compone contigo. Un momento muy tierno solo minutos después del momento en que la estás grabando para sus seguidores mientras tiene un ataque de ansiedad.
Berta: Eso es una crítica a la gente que hace como estas reivindicaciones por Instagram de expresar tus sentimientos y llorar y tal. Se aplaudió mucho lo de Bella Hadid llorando, ¿no? De repente. Qué puto palo, loca. Ya lo sé que lloras, tía, me imagino, como todo el mundo. Pero mucha gente cree que colgarse vulnerable en redes es una lucha, y me parece una lucha de mierda. Eso sí que me parece súper pijo, mira. Reivindicar la salud mental es otra cosa. No es Bella Hadid llorando. Pero a la vez Belén se pone a sí misma haciendo eso, no es como que hagamos un speech de lo mal que nos parece que la gente haga tal o cual. La crítica está en que nosotras también somos eso.

“La gente que cree que colgarse vulnerable en redes es una lucha… pues vaya lucha de mierda. Eso sí que me parece súper pijo. Reinvidicar la salud mental es otra cosa”

En la rueda de prensa has dicho como que no tienes pedir permiso y soltar “oye, ¿puedo contar mi historia?, que es que tengo un trauma”, sino que deberías poder contarla y punto. Vale, pues voy más allá: ¿creéis que a los creadores se les pide hablar de cosas super íntimas y desagradables para darles una oportunidad? Como que estamos obligados a monetizar nuestras mierdas si queremos llegar a algo.
Berta: (ríe) Cien por cien.
Belén: Es como esto que decíamos de los creadores de TikTok que exponen tantísimo su vida y sus relaciones, me perturba un montón.
Berta: Es que es una moneda de cambio.
Belén: Sí, es que su trabajo, su modo de vivir, es ése. Es como que cuanto más te expones, más recibes, tiene un valor exponerte y no reservarte tu intimidad.
Berta: Y no ya influencers y tal, sino lo que decías sobre creadores. Y creo que está relacionado con que a nivel de ficción estamos en un momento como muy morboso, no se le da tanto valor a lo que es bueno o a lo que es malo, o a una mirada que mole, sino a qué es más traumatizante. Del palo: “es una película de mierda, pero como es una película de refugiados mutilados y violados, es buenísima”. Y a lo mejor es una película de mierda, ¿no? Y quizás yo soy una creadora de mierda. Pero como soy mujer, ya me respetas. ¿Por qué? A lo mejor lo he hecho fatal, y a lo mejor mi serie es una mierda. A lo mejor me han violado, y te cuento en mi serie que me han violado, pero te lo cuento de una forma asquerosa. No estamos en el mercado de los traumas a ver quién está más traumatizado y quién tiene más potestad de hablar, o no deberíamos. Para mí tiene más potestad de hablar quien hable mejor. Esto no es una democracia, esto es un trabajo. Y sobre todo en mujeres está el tema de que parece que las mujeres solo puedan hacer esta autoficción intimista y traumatizada, porque así se ganan el derecho de tener voz. Yo he hecho una serie y no tengo que justificarme ni pedir permiso. Si luego no te gusta, pues estupendo. Este tema me parece que crea espectadores gilipollas, y con un punto moralista también, ¿no? Voy a ver una película de negros traumatizados y mutilados, y la película es una mierda, pero no puedo decir que lo es, porque, ¿qué va a pensar la gente de mí? No, voy a decir que está fenomenal, y así además me sentiré muy bien volviendo a mi casa después de haber visto este cine social tan importante. Pues me parece que eso hace un flaco favor a la cultura; la cultura no tiene que ser educativa ni moralizante, tiene que ser buena, y ya está. Uy, qué speech me he marcado de repente.

Tenía algunas preguntas para Miguel Ángel, que como le vi antes por aquí, pero…
Berta: Se fue, ¡pero igual te podemos responder alguna!

Pues mira, ésta igual sí. ¿Se animará a ponerse delante de la cámara con vosotras en -si la hay- la segunda temporada? Si es que no sale ya en los capítulos restantes de ésta.
Berta: (ríe) Es un cagado, tío, le hemos dicho mil veces que salga, y qué va.

“Parece que las mujeres solo pueden hacer autoficción intimista y traumatizada para tener voz”

En el coloquio tras la presentación en el Festival de Sevilla, dijisteis que el título antiguo de la serie (‘Las Mamarrachas’) era “como muy de serie de Flooxer”. ¿Creéis que ‘Autodefensa’ podría haber salido en Flooxer? ¿O en Atresplayer?
Ambas: (ríen y acto seguido sueltan un sonoro…) NO.
Belén: No podría haberse hecho en ninguna parte que no fuera Filmin. Es la única plataforma en la que encaja, no quiero ponerme en plan “oda a Filmin”, pero es una suerte que exista Filmin, la verdad. Es una suerte que exista una plataforma que tenga tanta libertad, es un valor muy grande.
Berta: Filmin es una suerte para la cultura audiovisual. Porque vamos, en Atresplayer seguro que no, y en Flooxer, ¿qué es eso? Y claramente en ninguna cadena de televisión se hubiera hecho esta serie, o sea, en TV3 olvídate mil años, etc. Y es asqueroso, que tengamos tan claro que no se podría haber hecho en otro sitio es un problema. No se puede hacer en otro sitio porque planteamos cosas de las que no se quieren hablar. Y no porque nosotras seamos unas abanderadas de nada, sino porque lo que se está haciendo es súper buenista y super blanco. Nuestra serie no es tan rara, lo raro es que no se pueda hablar de esto.

“’Autodefensa’ no podría verse fuera de Filmin porque plantea cosas de las que no se quiere hablar,

Gracias por el titular.
Berta: Las demás son unos putos cyborgs quedabien. (sonríe) Ahí tienes otro titular.

¿Alguna cosa de la que queráis hablar que se me haya quedado en el tintero?
Berta: Qué va, ha sido muy chulo, la verdad. (piensa) Bueno…
Belén: Dale, tía.
Berta: A ver… en Jenesaispop nos odian, ¿no?
Belén: Uf, yo quería decir que publicasteis una noticia sobre mi primera canción, y creo que en mi vida he recibido tantos comentarios negativos como en esa noticia (ríe) Pero no es culpa vuestra, obviamente.

‘Autodefensa’ está disponible en Filmin con sus cinco primeros episodios. Los cinco siguientes, con los que se cierra la primera temporada, se estrenarán el 6 de diciembre.