Habemus nuevo single número 1 en España y lo firman Quevedo y Myke Towers. Su tema conjunto, ‘Playa del Inglés’, que no puede sonar más caribeño, escala a la primera posición, y suena a que podría ser una de las canciones del verano de 2023, si no ha tocado techo demasiado pronto.
Se trata del cuarto single número 1 en España de Quevedo, que ya había llegado a este puesto con su sonadísima colaboración con Bizarrap, ‘APA’ con Mora y el remix de ‘Cayó la noche’. Por su parte, Myke Towers, desde hace rato uno de los artistas más escuchados en España, había sido número 1 con ‘La Nota‘, su excelente single con Manuel Turizo y Rauw Alejandro. Os recordamos que Quevedo ha anunciado gira.
Pero ‘Playa del inglés’ no es la entrada más importante de la semana en España, ya que su debut se produjo la semana pasada, en el puesto 68. El debut más fuerte lo firma el rapero británico Central Cee, que coloca ‘Let Go’ en el 20. El tema incorpora la melodía de ‘Let Her Go’, uno de los éxitos más «annoying» de la historia reciente, el de Passenger (el éxito previo de Central Cee, ‘Doja’, sampleaba ‘Let Me Blow Ya Mind’ de Eve y Gwen Stefani).
El remix de ‘Marisola’, el nuevo reggaetón de Cris MJ, Standly y Stars Music Chile, con la participación de Nicki Nicole y Duki, entra en el número 53 de la lista de singles española, y es la penúltima entrada de la tabla. La última la protagoniza Rauw Alejandro con ‘De Carolina’, una de las canciones más modernillas, machaconas y, en definitiva, mejores de su último disco. Entra en el 91.
Sugababes, esto es, las integrantes fundadoras de Sugababes, no las de los siguientes discos ni mucho menos las del último, donde ya eran una formación completamente diferente a la original, han dado la sorpresa de la Navidad lanzando su disco perdido. ‘The Lost Tapes’ reúne las canciones que Mutya Buena, Keisha Buchanan y Siobhán Donaghy grabaron hace una década y que iban a formar parte de su debut con el alias de Mutya Keisha Siobhan, que nunca vio la luz.
No lo hizo por «razones que escapan a nuestro control», ha explicado el trío en Instagram, en concreto dos: en 2016 se filtraron muchas de las maquetas que iban a componer el grueso del disco y, además, hasta 2019 el uso legal del nombre de Sugababes pertenecía a la formación de Heidi Range, Amelle Berrabah y Jade Ewen, que se desintegra en 2011. ‘The Lost Tapes’ sale ahora con firma de Sugababes y es el primer disco que Mutya, Keisha y Siobhán publican juntas desde que su debut llegó al mercado en el año 2000. No será el último, pues se sabe que están grabando nuevo material.
De momento, y después que Sugababes haya regresado también a los escenarios, lo que ofrece ‘The Lost Tapes’ es un puñado de buenas canciones, aunque pocas se acercan a hacer historia como lograron aquellas incluidos en su recopilatorio. El pop tropicalillo de ‘Flatline’, que se lanza oficialmente en 2013, representó una estupenda alianza de Sugababes con Dev Hynes (Blood Orange), y la espídica ‘Summer of 99’ llama la atención por su título y también por su sonido tan acid punk, tan William Orbit (que trabajó con las muchachas, cabe recordar), tan 1999 en definitiva. A nivel sonoro ninguna de estas composiciones tiene continuidad en el disco, que devanea entre el pop modernete (de 2013) y el de las propias Sugababes en sus inicios.
Que ‘The Lost Tapes’ es un álbum descartado queda claro desde el momento en que la pista inicial, ‘Drum’, nunca se convierte en el bombazo que promete ser, y eso que ingredientes no le faltan, pues el estribillo machacón y las percusiones tipo cacerolada -al servicio de una agresiva producción de MNEK– huelen a pepinazo. Se queda a medio gas. Tampoco Sia logra que ‘Victory’ sea uno de esos hits que sabe escribir en 15 minutos (en este tiempo compuso ‘Diamonds’, versionada por las chicas), y si Sugababes también fueron ‘Stronger’ o ‘Too Lost in You’, no solo los hitazos que facturaron con Xenomania, frescos como la menta, a ellas suenan composiciones menos inspiradas como ‘Metal Heart’ o ‘No Regrets’ que, entre las percusiones industriales y las armonías celestiales de siempre, convencen pero no emocionan.
No ayuda a digerir ‘The Lost Tapes’ una secuencia extraña, que no termina de sacar partido a las canciones ni de encontrar el ritmo idóneo. El sonido de ‘Today’, que incorpora influencias de garage, góspel y pop, suena hoy a precedente de ‘No Tears Left to Cry‘ de Ariana Grande, pero llega un siglo después de la pista 1 (el disco dura 50 minutos), y el dramático medio tiempo de ‘Love Me Hard’ es apabullante en su océano de armonías vocales, pero parece más bien la pista 8, no la 3. Después, el temita electropop de ‘Boys’ es divertido (suena un poco a Nicola Roberts y un poco a Robyn) pero es atípico en un disco donde mandan composiciones más maduras (y aburridillas) como ‘I Lay Down’.
Salvo excepciones como ‘Flatline’, mágica aún a día de hoy, y que merecía más reconocimiento del que se le dio (fue un fracaso comercial), son principalmente correctas las canciones que conforman el grueso de ‘The Lost Tapes’, un disco perdido que, no obstante, suma más virtudes de las que pudimos encontrar en ‘Sweet 7’, el último álbum oficial de Sugababes. Como dato curioso, el post-estribillo de la final ‘Back in the Day’ suena muy parecido al estribillo «back in the day» de ‘Candy Bling‘ de Mariah Carey, tesoro R&B donde los haya. Ahora, a por el disco nuevo de verdad.
Aparte de hacer uno de los mejores discos de 2022, Carolina Durante se han apuntado recientemente dos tantos. Uno es una colaboración autotuneada con Orslok que ha rebasado el millón de escuchas. Y otro es hacer la mejor versión de ‘PUTA’ de Zahara, quien justo cierra gira esta semana en Madrid, el jueves 29 en Principe Pío.
Decíamos que no había nada que mejorar en ‘PUTA’, el que fue para nuestra redacción el mejor álbum de 2021. Pues Carolina Durante lo han conseguido en la que es nuestra «Canción del Día» hoy. Aunque la gente haya corrido a escuchar ‘médula’ con La Oreja de Van Gogh, es ‘joker’ la que luce más completa, con un nuevo sentido, con el paso de las semanas.
Zahara escribió esta canción inspirada en las caceroladas contra el Gobierno durante la pandemia. De hecho, se oyen en la grabación original. La letra sobre «rojos antisistema» contenía una referencia a ‘Cayetano’, el himno anti-Ciudadanos de los de Diego Ibáñez.
Al rehacer el álbum para la reedición ‘REPUTA’, Zahara pidió a Carolina Durante que la regrabaran. La han transformado por completo, llevándola al punk, hasta la violencia. “El más cabreado es el que más necesita un palazo”, dice ahora la nueva versión de la letra, antes de convertir “palazooooo, palazoooo, palazoooo” en un divertidísimo estribillo.
Lo cual puede además esconder una reflexión: el texto se vuelve ambiguo cuando la rima cambia para apuntar que, lo que necesita Cayetano de verdad no es un palazo, sino «un trabajo».
Comunicamos con Weyes Blood por Zoom desde Los Ángeles, “la ciudad más solitaria del mundo” según reza una de las letras de ‘And In The Darkness, Hearts Aglow’, su más reciente disco. Durante nuestra conversación sobre él, la artista ahonda en por qué es un álbum pesimista, debate sobre los aspectos retro de su sonido, y nos revela que ya ha comenzado a trabajar en la tercera parte de su trilogía.
En Jenesaispop ‘And In The Darkness, Hearts Aglow’ nos ha parecido un paso adelante respecto a ‘Titanic Rising’, tanto musicalmente como en letras y concepto. ¿Tú lo percibes así, o para ti es simplemente la segunda entrega de esa anunciada trilogía?
Gracias, eso es muy amable. Sí, bueno, yo lo veo como una continuación, pero trabajé todavía más en la composición para asegurarme de que todo lo que estaba expresando tenía sentido, porque estaba probando cosas nuevas, en concreto ser más literal en mis letras. He intentado no describir mis sentimientos de forma abstracta, y eso ha supuesto un proceso de aprendizaje. Este disco es un poco más íntimo, más subterráneo; en él busco indagar más internamente y expresar mucha vulnerabilidad. Y eso ha implicado cierta valentía.
Como explicabas al presentar el disco, parte de esa vulnerabilidad tiene que ver con cómo viviste la pandemia. Me preguntaba si aparte de todo lo que expresas en canciones como ‘The Worst is Done’ sacaste algo positivo de esa experiencia.
Por supuesto. Mucha gente tuvo experiencias realmente increíbles durante ese período, hubo gente que tuvo tiempo para descubrir cosas que necesitaba a nivel personal, a nivel de relaciones, o de familia… para ellos fue como un huevo que se tenía que romper. Pero bueno, no todo el mundo se encontraba en un lugar mental idóneo para que le pasase eso, para que se diera esa rotura que les permitiese avanzar. Si estabas viviendo en una ciudad pequeña y se rompió el huevo, quizá aprendiste mucho. Pero si estabas atrapada en una ciudad grande, en un apartamento minúsculo, sin tu familia, la experiencia fue muy diferente. Y también como artista, dependiendo del nivel de apoyo que tuvieras, seguramente tu reacción a la pandemia habría sido diferente. La mía fue particularmente intensa, porque mi sustento, lo que me da mi identidad, todo desapareció. Me quedé con una sensación de incertidumbre y de oportunidad perdida. La pandemia fue particularmente trágica para los artistas porque dependemos económicamente de que grupos de personas se reúnan en un sitio, lo cual, de por sí, ya es un sistema bastante frágil… así que todo aquello fue ir de mal a peor, para nosotros.
El disco lo grabaste en los estudios United Western Recorder Studios. Pregunta inevitable: ¿qué te atrajo a ese lugar? ¿Es una especie de paraíso vintage con todo tipo de equipos analógicos y cámaras de eco legendarias?
Oh, sí, ahí encuentras consolas de sonido increíbles. Es donde hicieron ‘Pet Sounds’, así que las cámaras de reverb suenan a los Beach Boys, tienen ese extra de brillo especial en su sonido. Cuando metíamos las voces por ahí, y usábamos los micros y los viejos limitadores y compresores, se podía percibir un sentimiento de que aquel había sido un lugar muy especial en su momento, sentíamos el embrujo de todo aquel equipo de sonido. Fue genial poder grabar allí las tomas principales, pero también fue guay llevar esas pistas a un estudio más pequeño, en el que poder experimentar y añadir cosas de manera más primitiva. Grabar allí me inspiró mucho. El sonido de la sala se percibe en muchas de las canciones porque las grabamos en vivo allí, y esa sinergia es realmente buena, le da al disco un rollo de directo muy bonito.
Estoy totalmente de acuerdo. Precisamente te iba a preguntar por lo de grabar en vivo en el estudio. ¿Era la primera vez que experimentabas algo así, o es algo que sueles hacer?
Sí, es algo que me suele gustar hacer. Siempre intento que haya espacio para que ocurran accidentes, para que fluctúen los tempos y que todo suene super orgánico, que suene no a algo construido sobre una cuadrícula, sino a algo creado espontáneamente en una sala de grabación. Siempre me han atraído las grabaciones en directo, para después hacer un par de overdubs y añadir instrumentos.
Grabando entonces sin una claqueta de referencia…
Sí, sin claqueta.
Maravilloso. Desde luego en el disco se percibe esa autenticidad, no sé…
Sí, claro. Todo suele grabarse tan a la perfección que creo que acaba sonando un poco repetitivo, artificial.
Leí en alguna parte que te definías como una “futurista nostálgica”. No encontré el contexto exacto de la cita, pero creo que entiendo a lo que te refieres. ¿Podrías no obstante explicarlo? Si sigues considerándote una, claro.
Sí, absolutamente. Por un lado estoy constantemente tratando de cruzar una especie de frontera del pensamiento, ver si podemos dejar atrás ciertos mecanismos de pensamiento que nos impiden avanzar. El fetichismo del pasado no es necesariamente algo bueno. Y, a la vez, hay algo sobre cómo funciona nuestra cultura que fomenta la nostalgia. Tenemos una situación en la que todo ocurre y cambia tan rápido que de alguna forma han descifrado el código, han pensado “bueno, si todo cambia tan rápido ahora que la gente no puede seguir el ritmo, ofrecerles algo de su pasado va a ser muy lucrativo”. La nostalgia se ha convertido en un arma del capitalismo, se nos vende la tradición como si fuera algo nuevo porque es lo que todo el mundo añora. Pienso que el futurismo es más o menos la esperanza, pero mi generación es la de la nostalgia. Nací en una era de nostalgia, así que tengo esos rasgos también, como todos los demás. Todos queremos volver a una era “más sencilla” porque todo en su complejidad sigue evolucionando y deja a la gente vacía de sentido.
«Los músicos que estamos de gira nos enfrentamos a problemas económicos nefastos»
¿Como una especie de zona de confort?
Sí, el confort de cuando las cosas eran más amables. Había como ese consenso general acerca de la realidad frente al ahora, donde todo está tan dividido y polarizado. Y se mira hacia lo retro, que es un término muy interesante, porque es como de mi generación. Antes la gente usaba expresiones como “old school”, o simplemente “pasado de moda”, y ahora está este concepto del retro, que yo personalmente asocio mucho a los setenta. Realmente no hace tanto tiempo de todo aquello pero, por la forma en la que opera el capitalismo, estamos programados para pensar que cada diez años aparece una nueva realidad social, y aunque en cierto modo pueda ser así, me parece limitador lo de asumir que el tiempo es un espacio lineal basado en décadas. Creo que en realidad es un poco más no-lineal y un poco más cíclico. Y si estamos reviviendo los grandes logros culturales del siglo XX una y otra vez es porque todavía no hemos salido de la órbita de esos ciclos, no hemos pasado de ese paradigma a uno nuevo.
O sea que los movimientos y estilos se están repitiendo por un motivo cíclico, y estos ciclos existen porque quizá todavía hay expresión artística que extraer de esos estilos, ¿algo así?
Sí, eso y también que mi generación somos como la generación de las reposiciones, crecimos con reposiciones en la tele, rodeados de cintas de VHS… y pienso que la generación más joven es un poco diferente, más que reposiciones, lo suyo es el material de archivo, porque pueden indagar para descubrir todo tipo de información de un modo que antes no podíamos. Así que sin duda creo que esta nostalgia es propia de esta era. Y sé que es difícil de valorar si es un sentimiento bueno o malo. Pero también te digo que los compositores de canciones de los sesenta y setenta a su vez estaban referenciando escenas de décadas anteriores, como la música de Tin Pan Alley, y creo que es más o menos como la música ha funcionado siempre.
Sí, y además discos como el tuyo no son un simple pastiche, combinas sonidos e ideas más modernas, y tus propias letras no habrían sido así en los setenta, son muy siglo XXI, así que eres como el siguiente paso en ese ciclo.
¡Genial!
¿No tienes problema entonces con todas esas comparaciones con Karen Carpenter, etc?
Es gracioso, porque no es que sea súper fan suya, y me comparan tanto… que ahora de hecho sé mucho más sobre ella de tanto que me la citan, y sé que era una baterista flipante, yo desde luego no toco tan bien la batería (risas).
Al final me lo tomo como un cumplido, aunque no la escuche apenas. Es más una cuestión biológica, porque las dos tenemos voces graves.
Yo en canciones como ‘God Turn Me Into A Flower’ te oigo más tipo Enya…
Ah, ¡eso es genial! Enya representa una fuerza muy matriarcal, y creo que, a mi modo, también intento sujetar al oyente como en una palma de la mano imaginaria con mis canciones. Es algo que Enya hace muy bien.
Bueno, y esa es otra cosa de vuestra generación, que no tenéis prejuicios contra ella. Cuando yo era más joven era una especie de anatema.
¡Es verdad! Como si fuera música de centro comercial o algo así, ¿no? Bueno, nosotros sí que la reivindicamos.
En ‘The Worst Is Done’ dices que “lo peor está venir”. ¿Realmente lo crees así?
Oh sí. Creo que estamos en medio de un cambio cataclísmico, y pienso que la pandemia fue un pequeño anticipo de cómo ese tipo de evento puede detener de repente todo a nivel global, la economía. Estamos más interconectados que nunca en la historia, de forma que si algo así ocurre puede tener un efecto dominó que no anticipábamos del todo. Y cosas así van a seguir pasando mientras nosotros continuemos ignorando la crisis climática, o sigamos teniendo guerras y peleando por los recurso naturales. Ya está pasando en algunas regiones, sean inundaciones, o problemas para producir alimentos. Y eso va a provocar muchos cambios. No en plan “el Apocalipsis está a la vuelta de la esquina”, es más bien que todas esas cosas van a seguir cambiando a peor durante nuestras vidas, y van a romper la burbuja, como la pandemia, de que somos esa cultura invencible, extremadamente avanzada, que puede arreglarlo todo con tecnología.
«Estamos en medio de un cambio cataclísmico»
Justo antes de esa pandemia, hace ahora tres años, estuviste tocando en Madrid. ¿Recuerdas aquello?
Sí, me acuerdo, me encanta Madrid. Creo que es una ciudad súper bonita. Me da pena que en este tour no paso por España. Intentaremos ir más adelante.
Sí, algunas amigas me dijeron “pregúntale por qué”.
Te diré por qué: los músicos que estamos de gira nos enfrentamos a problemas económicos nefastos. Salir de gira es terriblemente costoso. Desplazarse del norte de Europa al sur es muy caro, y a veces depende de que un buen festival te haya llamado para hacer un viaje que sea viable comercialmente. Estamos intentando poder tocar allí en algún festival..
¿Te has planteado algún cambio o novedad en la banda de directo, o en la presentación musical de las canciones?
El disco lo grabamos con la idea de poder tocarlo en directo, por lo que siento que sonamos como una versión mucho más elevada del disco. Le sacamos más jugo a las canciones, así que está siendo realmente gratificante. Hemos hecho unos pocos shows de momento.
El tercer disco de esta trilogía va a ir, según anunciaste, sobre “la esperanza”. ¿Has empezado ya a prepararlo, eres ese tipo de artista que ya está en lo siguiente? ¿O te tomas tu tiempo?
Lo soy, lo soy. Ya estoy trabajando en él, e incluso he grabado algunas cosas. Pero no quiero decir demasiado y gafarlo. Pero sí, va a suponer un poco un cambio. Y si todo va bien, el concepto estará completo: el viaje esperanzador, futurista y nostálgico definitivo.
Vicente Navarro se mantiene como lo más votado de JNSP con ‘El primero’. La entrada más fuerte es la de Alizzz, seguida de la de SZA. La URSS y RAYE también logran buenos puestos, mientras llegan al top 40 por los pelos Nevver, Khotton Palm y Leiti Sene con La Zowi.
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El macrohit construido por Mariah Carey continúa generando sus frutos. El pasado día 24 de diciembre, en la víspera de Navidad, ‘All I Want for Christmas Is You’ batió el récord de streamings diarios de Spotify, hasta ahora ostentado por Adele.
‘Easy On Me’, que suma ya más de 1.100 millones de reproducciones en Spotify, se estrenó con 19.750.000 streamings en sus primeras 24 horas. El villancico de Mariah Carey ha superado esa marca llegando a 21.270.000 reproducciones en 24 horas. Curiosamente, el otro gran villancico pop de la historia, ‘Last Christmas’ de Wham, se sitúa en 3ª posición de lo más escuchado en un día con 19 millones de streamings.
El top 7 recopilado por la cuenta de Twitter de Chart Data se completa con ‘Anti-Hero’ de Taylor Swift, ‘Rockin Around the Christmas Tree’ de Brenda Lee (la mayor competencia de Mariah en Estados Unidos), ‘Lavender Haze’ de la propia Taylor Swift y ‘As It Was’ de Harry Styles.
Biggest single day stream peaks of all-time on the global Spotify chart: #1 All I Want For Christmas Is You 21.27M #2 Easy On Me 19.75M #3 Last Christmas 19.07M #4 Anti-Hero 17.4M #5 Rockin Around the Christmas Tree 17.28M #6 Lavender Haze 16.4M #7 As It Was 16.1M
Hace dos meses anunciábamos que Miley Cyrus estaría presente en el próximo álbum de Morrissey, titulado ‘Bonfire of Teenagers’. Sin embargo, ahora la autora de ‘Plastic Hearts’ ha exigido desaparecer del tracklist de este.
En principio, ‘Bonfire of Teenagers’ estaba previsto para ser publicado en algún momento de febrero de 2023, a través de Capitol Records. Parece que esto tampoco sucederá, después de que Moz haya anunciado la ruptura de las relaciones con el famoso sello a través de un comunicado en su página web: «Morrissey ha decidido romper voluntariamente su relación profesional con la agencia de management Maverick/Quest y ha retirado su participación de cualquier proyecto asociado con Capitol Records».
Precisamente, a causa de este último movimiento Miley ha exigido ser eliminada de los créditos de ‘Bonfire of Teenagers’. En concreto, de la canción ‘I Am Veronica’, a la que había prestado voces adicionales «hace casi dos años» y que estaba pensada para abrir el LP: «Este hecho tiene lugar en el momento en el que Morrissey se ha desvinculado de Capitol Records (Los Angeles), quienes controlan el disco oculto de ‘Bonfire of Teenagers’.
Además de Cyrus, el disco incluiría colaboraciones con Iggy Pop, Chad Smith y Flea de Red Hot Chili Peppers, Josh Klinghoffer y Jesse Tobias. Morrissey ya lanzó ‘Rebels Without Applause’ a principios de este mes, el primer adelanto oficial del disco.
Precedido de un riff que recuerda instantáneamente a The Cure, el primer verso no pierde el tiempo con tonterías y empieza, literalmente, por el principio («Un día de repente estás aquí / Y nadie te ha explicado como vivir»). Desde ahí, Crespo cubre con el resto de los versos la infancia y la juventud con frases tan simples y efectivas como «me aburro en clase, necesito salir» o «me pegaban por no hacer la tarea».
Precisamente, lo que hace grande a este tema es que, más que una presentación de su mundo, es una introducción al mundo de todos. Es en el estribillo en el que Crespo transmite ese sentimiento colectivo de estar todos atrapados en la misma confusión y en el mismo «caos» («Siéntate aquí, ya somos unos cuantos»). También deja claro en esta parte que la canción está escrita con perspectiva, tras darse cuenta en su madurez de que, aunque no lo percibamos así de jóvenes, el mundo siempre ha sido igual de gris («Córtate el pelo, búscate un trabajo»).
La parte final, siendo una extensión del estribillo, también se aleja de los versos y describe a la perfección cómo la vida va perdiendo el brillo y la frescura que esta tiene en su primavera cuanto más mayores nos hacemos. En su aparente simpleza, las cuatro primeras líneas esconden una gran profundidad: «Los veranos se hacen cortos / Los helados saben poco / Los balones están pinchados / Sudo mucho y huelo raro».
Sugababes han lanzado su primer disco en 12 años, como regalo navideño. ‘The Lost Tapes’ fue escrito «hace casi ocho años», tal y como ha explicado el grupo en sus redes sociales: «Escribimos este disco hace casi ocho años y por varias razones no lo lanzamos de forma oficial, así que nos dan un gran orgullo que ‘The Lost Tapes’ esté ahora disponible en todas las plataformas de streaming».
El nuevo LP incluye 13 temas y es el primero desde ‘One Touch’ (2000) con el line-up de Keisha Buchanan, Mutya Buena y Siobhan Donaghy. Además, este 2023 Sugababes regresarán a los escenarios en una noche única en el O2 de Londres que se celebrará el 15 de septiembre.
En nada menos que su decimotercer trabajo discográfico, Niño de Elche parece asumir la muerte del flamenco: ya nadie canta como lo hacían los grandes iconos. El arte flamenco de antaño no existe, ahora ya es algo distinto. El artista crea así un «mausoleo» para el difunto género, homenajeándolo a través de 14 cortes que reúnen diferentes palos, entre ellos, seguiriyas, fandangos y otros menos comunes como la alboreá o la bambera.
Paradójicamente –o no-, ‘Flamenco. Mausoleo de Celebración, Amor y Muerte’, producido íntegramente con Raül Refree, es un álbum fiel a los sonidos clásicos, cuya vocación experimental es mucho menos obvia que en ‘Antología del Cante Flamenco Heterodoxo’ o, su más reciente, ‘La exclusión’.
Su primera pista, una introducción que asienta el tono grave y apesadumbrado de la obra, es una desgarrada interpretación de la dramaturga y actriz Angélica Liddell titulada ‘Plañideras’, sutilmente aderezada por la guitarra de Refree. Otra de las artistas invitadas al proyecto es Rosalía, la más célebre rupturista del flamenco actual en su primera colaboración con el guitarrista desde su disco debut.
‘Seguiriya Madre’, inspirada en un canto popular, se divide en dos segmentos, el primero marcado por la imponente voz de Niño de Elche anunciando un presagio (“cómo doblaron las campanas…”), y el segundo, por la irrupción de la cantante catalana en un registro que no escuchábamos en ella desde ‘Los Ángeles’, donde anhela el calor de su tierra y de su madre. Es un momento emocionante, donde los dos artistas que más se han empeñado en reinventar el flamenco de los últimos años y que a menudo han sido señalados por los más puristas de estar mancillando el género, recuerdan que ambos parecen llevarlo en la sangre.
En este viaje que es este ‘Mausoleo de Celebración, Amor y Muerte’, Francisco Contreras va a los orígenes del flamenco, tomando como principal fuente de inspiración textos y cantes tradicionales, adaptándolos bajo un prisma moderno. La característica guitarra brusca de Raül Refree eleva la producción de un trabajo cuya temática está marcada por el amor (o la falta del mismo) y la muerte. En ‘Canto por no llorar’, uno de los avances, versiona un famoso tango argentino, y más concretamente, la versión de Manuel Vallejo. Inspirada en un ritmo de bulerías, su revisión suena menos jovial y más solemne, aunque igualmente supone uno de los instantes más luminosos del álbum. Cuenta, además, con la colaboración del guitarrista Yerai Cortés. También con él, en ‘Soleá Bailable’, el zapateao de la coreógrafa Rocío Molina sirve como añadido a sus guitarras flamencas.
En ‘Guajiras del Alma’, uno de las canciones más bellas y trágicas del álbum, Niño de Elche expresa su mal de amores con un quejío que se te mete en la piel, culminando con un poema popular, que cantado por él, sobrecoge profundamente (“Cuando más tranquilo estaba / sin pensar en el cariño / quiso Dios que te quisiera / y te quise con delirio / Y te seguiré queriendo hasta después de la muerte / no creas que yo exagero / que muerto también se quiere / yo te quiero con el alma / y el alma nunca se muere”). Antes en la secuencia, ‘Bamberas del enamorado’, de temática similar, es una delicada pieza en la que destaca la entregada interpretación vocal de Contreras.
‘Flamenco. Mausoleo de Celebración, Amor y Muerte’ es una conmovedora colección de canciones que, en su austeridad e intimismo, resulta sorprendentemente accesible. Según Niño de Elche, el flamenco está muerto, pero en este trabajo, se utilice el término que se utilice para definirlo, no hay duda de que su arte está más vivo que nunca.
En 2017, la pareja –artística y sentimental- formada por Lucia Aniello y Paul W. Downs parecía que iba a revolucionar la comedia hollywoodiense con su debut en el cine. Lo tenían todo para ello: llevaban una década haciendo humor (de culto) en internet, su serie ‘Broad City’ se había convertido en un referente de la comedia feminista alternativa (algo así como la versión punki de ‘Girls’) y tenían como protagonista a Scarlett Johansson, una estrella deseosa de cambiar de registro con una comedia “de chicas” clasificada R. El resultado fue la descafeinada ‘Una noche fuera de control’, un éxito de taquilla pero una enorme decepción para sus seguidores.
Afortunadamente, Aniello y Downs no han seguido por ese camino (ni siquiera han hecho otra película). Su regreso a la ficción televisiva no ha podido ser mejor: ‘Hacks’ (HBO Max) fue una de las mejores series de 2021, premiada con Emmys y Globos de Oro. La segunda temporada ha mantenido el nivelazo y los premios. Estas son las cinco razones por las que ‘Hacks’ es nuestra serie preferida de 2022:
1. ‘Hacks’ extrae oro de una premisa muy vista. Dos personajes opuestos “obligados” a convivir y entenderse. Una joven cómica de Los Ángeles, progre y en paro (cancelada por un chiste en Twitter), y una vieja gloria carca y millonaria de Las Vegas. Sobre este argumento universal, cervantino, el matrimonio Aniello y Downs construye una comedia llena de ingenio, acidez y ternura. Un brillante juego de contrastes donde el choque cultural, social, generacional… funciona como catalizador del efecto cómico y sedimentación del dramático.
2. Jean Smart borda su personaje de Deborah Vance. Su cara te suena. Si viviste en los 90, quizás la recuerdes por la serie ‘Designing Women’ (emitida como ‘Chicas con clase’ en Antena 3), con la que se hizo muy popular en EEUU. Si no, seguro que la has visto en ‘Frasier’, ‘24’ o, más recientemente, en ‘Mare of Easttown’, donde interpretaba a la madre de Kate Winslet. Smart es una de esas actrices que no ha parado de trabajar desde hace medio siglo, casi siempre en papeles secundarios, a quien le ha llegado el reconocimiento masivo y los premios ahora, con 71 años. Y no es para menos: la sarcástica, señorona y brillante monologuista Deborah Vance es uno de los grandes personajes de la televisión reciente.
3. Hannah Einbinder, la nueva promesa de la comedia. No era fácil mantener un duelo interpretativo con un personaje tan rico dramáticamente como el de Deborah Vance sin parecer una mera comparsa. Pero Einbinder lo ha conseguido. Hija de dos leyendas del Saturday Night Live como el guionista Chad Einbinder y la actriz Laraine Newman, esta joven cómica (se hizo famosa tras protagonizar un monólogo en el late night de Stephen Colbert con solo 23 años) interpreta con gran solvencia a esta humorista veinteañera, paradigma de lo woke, que vive angustiada por sus problemas sentimentales y laborales. La química entre las dos actrices es uno de los puntos fuertes de ‘Hacks’.
4. Unos diálogos más brillantes que todas las joyas de Deborah Vance. Es la gran baza de la serie. Lucia Aniello, sabedora de que es mucho mejor guionista que directora (su marido Downs compagina la escritura con la actuación, de hecho interpreta al personaje del manager), ha utilizado una puesta en escena funcional, invisible, al servicio de la historia y sus personajes. El talento en ‘Hacks’ no está en la inventiva estilística sino en la retórica. El espectáculo está en ver y oír el combate verbal entre las dos protagonistas, una lucha que fluctúa entre lo sarcástico, lo irónico y lo sentimental.
5. Sus reflexiones sobre la comedia y la industria del espectáculo. ‘Hacks’ es una comedia que habla sobre el humor y los humoristas. Explora los entresijos de la industria, describe el proceso creativo de un show de stand-up y retrata la vida de los cómicos. Con un matiz: lo hace desde un punto de vista femenino y feminista. La serie habla sobre la evolución de la comedia hecha por mujeres, de los fracasos y conquistas de las pioneras del humor en EEUU, y sobre el lugar de estas en la actual industria del entretenimiento. A pesar de que el final de la segunda temporada parecía bastante cerrado, la tercera ya está en marcha.
Carly Rae Jepsen ha sacado un nuevo disco llamado ‘The Loneliest Time‘ y esta vez está pasando bastante desapercibido. Apenas ha sido top 20 en Reino Unido y Estados Unidos. En España ha quedado en el puesto 94. Hasta el punto de que se considera “viral” su tema con Rufus Wainwright, que solo tiene 15 millones de escuchas, muy lejos de sus mayores éxitos, no solo ‘Call Me Maybe’.
El disco también se ha promocionado con un single tan olvidable como ‘Beach House’ -nos quedamos con el grupo-, pero al menos podemos decir que la cantante lo está intentando. ‘Surrender My Heart’ es el nuevo single, desde hace unos días tiene videoclip, y es nuestra Canción del Día hoy. De hecho, es el tema de Carly Rae Jepsen que podéis encontrar en nuestro Anuario con las mejores canciones de 2022.
Fiel al reconocible estilo synth-pop de Carly Rae Jepsen, ‘Surrender My Heart’ quizá mereció ser el single principal de su disco. Para esta entrega al amor, en esta rendición, la cantante ha querido rendir un homenaje a Broadway. Como ha explicado en Rolling Stone, con este vídeo quería expresar que “no hay día terrible, horrible o no bueno” para las mujeres diferentes que aparecen en el vídeoclip, ni para ella misma ni para la bailarina, ni para nadie más involucrado. Entre las actrices, Jane Krakowski (‘Ally MacBeal’, ’30 Rock’) y la bailarina Isabella Boylston.
Maxi Jazz (1957 – 2022), cantante de la banda de dance Faithless, ha fallecido a los 65 años. Así lo han confirmado sus compañeros en un comunicado publicado en Facebook.
«Tenemos el corazón roto al decir que Maxi Jazz falleció anoche», escribieron Rollo y Sister Bliss. «Fue un hombre que cambió nuestras vidas en muchas maneras. Dio el mensaje y significado apropiados a nuestra música», comenzaba el post. No hay detalles sobre la causa de muerte, pero en un comunicado personal de Sister Bliss esta revela que Maxi Jazz murió «pacíficamente mientras dormía».
El rumbo que ha tomado la música de los Arctic Monkeys a partir de ‘Tranquility Base Hotel & Casino’ ha sido, cuanto menos, divisivo para sus fans. Si bien ‘The Car’ ha terminado siendo un proyecto ligeramente más accesible que su predecesor, ha recibido las mismas críticas que aquel: poco estribillo y mucho crooning. Aunque parezca que Alex Turner hace caso omiso a estas críticas, y así hace, el de Sheffield es consciente de que ya no es el de antes y le pesa. Así lo explica en la majestuosa ‘Big Ideas’.
Musicalmente, ‘Big Ideas’ no es diferente a los otros 9 temas de ‘The Car’. Tiene unos exuberantes arreglos de cuerda, tintes a lo James Bond y un break instrumental protagonizado por un solo de piano y otro de guitarra. Lo que marca la diferencia es la letra, en la que Turner rememora sobre los inicios de la banda y sobre cómo han acabado desviándose del rumbo musical que habían imaginado.
«Tenía grandes ideas, la banda estaba emocionada», canta Turner refiriéndose a los comienzos punk del primer LP del conjunto. En las dos siguientes líneas, este admite cuánto se ha alejado del rock puro desde entonces y, al mismo tiempo, deja claro que ya no volverá a ser el mismo, ni a tener las mismas ideas: «Pero ahora, la orquesta nos ha rodeado a todos / Y no puedo recordar, por mi vida, cómo eran». El final de los versos también contribuye a describir el fin de una etapa, aunque Turner la recuerda con alegría: «Cambio y corto, ha sido emocionante».
Quizás los dos últimos discos de Arctic Monkeys no sean lo que muchos fans esperaban de ellos, pese a que lleven cambiando de estilo desde que empezaron, pero no hay que olvidar que en el fondo siguen siendo aquella banda de rock de Sheffield. Así lo cuenta Turner en una entrevista para Rumore Magazine: «Nos estamos preparando para los nuevos conciertos y puedo asegurar que cuando tocamos juntos en directo somos, definitivamente, una banda de rock».
Tras hacer sold out en el concierto que realizarán el 10 de julio en el WiZink Center de Madrid, Arctic Monkeys han añadido una segunda fecha en el mismo recinto, el 11 de julio. Las entradas se pueden conseguir en Last Tour y See Tickets. Además, este año encabezan el cartel del Bilbao BBK Live, por lo que también se podrá disfrutar del directo de los de Sheffield el próximo 8 de julio.
En agosto de 1987 Mylène Farmer vacacionaba en la Costa Azul, saboreando el éxito de su álbum de debut (‘Cendres de lune’) y varios de sus sencillos. Durante la estancia la acompañaba la fotógrafa Elsa Trillat, que amenizaba los breves trayectos en coche con una cinta recopilatoria que incluía canciones de pop francés antiguo. Mylène enseguida quedó prendada de ‘Comme un garçon’ (“como un niño”) de Sylvie Vartan, porque le recordaba a su infancia. Como comentaría posteriormente en varias entrevistas, de niña llevaba pantalones, el pelo corto, y no jugaba a muñecas. Divertida por la confusión que provocaba en los adultos, que asumían que era un niño, empezó a alentarla poniéndose un abultado pañuelo en la entrepierna.
Una tarde junto a la piscina de la casa en la que se alojaban, Mylène le explicó a Elsa que tenía una idea. Armada con un diccionario de rimas, le dijo “vas a ver cómo se escribe una canción”, y partiendo del título provisional ‘Sans contrefaçon, je suis un garçon’ (“sin engaños, soy un niño”) en media hora tenía la letra acabada. Para completar esta historia demasiado increíble pero sin embargo cierta, esa misma noche Laurent Boutonnat -que se alojaba también allí mientras trabajaba en el guión de una película- echó un vistazo a los versos, sacó un pequeño sintetizador que se había traído, y en cuestión de minutos la música estaba terminada. El potencial del resultado era evidente, así que en septiembre se grabó, en octubre se lanzó y para diciembre era top 2 de las listas francesas.
No hay que romperse mucho la cabeza para entender el medio millón de copias vendidas de este pepinazo: musicalmente es un tema de europop totalmente pegadizo, con una melodía de reminiscencias japonesas que se hacen eco de ‘3eme Sexe’ del grupo Indochine (otra canción que influyó a Mylène en la gestación de ‘Sans contrefaçon’). Y a nivel de letras, la exploración de la artista de su infancia andrógina (“yo no era una ‘tomboy’, sino una chica fracasada”, dijo) es divinamente subversiva. Entre los versos hay hasta una mención al Caballero de Eón, un diplomático y espía francés del siglo XIX que se identificó como hombre y mujer en distintos períodos de su vida. En la portada del sencillo, la foto de Farmer tocada con un gorro de pillo callejero parisino, que por supuesto le hizo Elsa:
Era natural que este canto a la ambigüedad sexual se convirtiera no mucho tiempo después en un verdadero himno gay en Francia, elevando a Mylène al estatus de icono. Difícil no identificarse cuando canta tan literalmente a la dificultad de asumir la identidad propia, o aguantar las juicios y miradas ajenas (“Solo en mi armario / los ojos sombreados de negro / al abrigo de las miradas / desafío los peligros”) y, en definitiva, la incomprensión: “en este mundo que no tiene ningún sentido, sólo soy fiel a mí misma / No admito que me amenacen / De mis decisiones me da igual lo que se vaya a decir”.
La canción no ha dejado de ser relevante en las décadas siguientes, y es ya un clásico absoluto del pop francés de todos los tiempos (una pena que sea tan desconocida en España). En 1996 revivió su éxito como tema principal de la comedia francesa ‘Pédale douce’ (‘Todos están locas’), una aproximación gala al almodovarismo con Fanny Ardant de protagonista. Ese mismo año fue uno de los momentos álgidos de su ‘Tour 1996’, en el que lo interpretaba rodeada de drag queens. Desde entonces ha sido muy versionada, muy remezclada y muy reeditada, y continúa siendo uno de sus mayores éxitos.
Un dato final: imparable en el aspecto creativo a partir del éxito de ‘Sans contrefaçon’, prácticamente todas las letras de su segundo disco ‘Ainsi soit je…’ -que llegaría en marzo de 1988- las ya firmaría Mylène, por fin dueña completamente de los textos como medio de expresión de su carrera.
Por lo presenciado en el concierto de presentación de su debut, el directo de Sila Lua es uno de los que más pueden relucir en festivales este 2023: tiene la voz, tiene la actitud y tiene una banda conformada solo por mujeres. Consciente de que cada detalle cuenta, este primer disco llamado ‘Rompe’ se acoge a cierto hilo narrativo-conceptual. La muerte de su bisabuelo marinero en un naufragio hace décadas le inspira para emprender su propio vuelo en la industria musical. Por eso todos los temas incluyen alguna referencia al mar o a los viajes.
La primera impresión sobre Sila Lua -la de que es otra cantante de trap, urban, whatever-, a la que pueden apuntar singles como ‘Viaje al fin de la noche’, se desmorona cuando empezamos a escuchar el álbum. Aquí hay algún ritmo reggaetonero o latino, pero parecen más bien pasados por el filtro de una M.I.A. o una FKA twigs -que parece una influencia en la portada del álbum-. A eso apuntan los beats de ‘Makara’, con sample de Foyone o la propia ‘Rompe’, tan oscura.
Pero es que el disco comienza con ‘La hija del capitán’, una bonita historia inspirada en su abuela y en el mencionado naufragio, «en la costa de Marruecos, muy cerca del Sáhara», apelando a la nostalgia por nuestros ancestros. Atención al piano, y luego a la guitarra eléctrica. Ningún instrumento tiene un protagonismo total, y ahí están, anticipando que la deriva del álbum será imprevisible.
A continuación, ‘Rompe’ irrumpe bruscamente, y Sila Lua parece estar queriéndonos decir que «las olas» a ella no lograrán «arrastrarla». Recuerda que «la tormenta siempre amaina». La artista ha trabajado en la composición y en la dirección artística del disco durante un año y medio con diferentes productores, y su fichaje por Altafonte le ha permitido, por ejemplo, meter una sección de cuerdas en ‘Patrón‘, un tema contra la histórica violencia de género. «Por mis venas corren llantos, maltratos», entona, ejerciendo de portavoz, entre uno de los mejores trabajos de Mumbai Moon (Marc Seguí, Pimp Flaco, Amaral).
La segunda parte del álbum contiene los singles más populares, como la adaptación de Julieta Venegas ‘Eres para mí’ y el tema de una banda sonora ‘Tanta vida’, encajado por sus referencias al mar. No es la faz más cautivadora del álbum, de hecho podríamos apuntalar que Sila Lua aún no ha escrito o publicado el que ha de ser su mayor macrohit. La virtud de ‘Rompe’ es lo que nos ofrece en la base, como el R&B de ‘Fuego de San Telmo’ o ‘La línea roja’, que consiente comparaciones -más que con Kali Uchis- con Sade.
Shania Twain ha hablado recientemente sobre posar en topless para la portada de uno de sus últimos singles, ‘Waking Up Dreaming’, lanzado el pasado septiembre como el primer adelanto de su próximo disco, ‘Queen Of Me’. Este estará disponible el 3 de febrero de 2023.
«Esta soy yo expresando mi verdad. Estoy cómoda en mi propia piel y esta es la forma en la que estoy compartiendo mi confianza», dijo la artista durante una reciente entrevista con People. «Creo que la mejor moda es la confianza, y cualquier cosa que te pongas, si te la pones con eso, está de moda», añadió la cantante.
«Soy una mujer al final de sus cincuenta y no necesito esconderme detrás de la ropa», sentenció la cantante de 57 años, que no ha conseguido articular en palabras «lo bien que se sintió posar desnuda». «No tenía nada de vergüenza respecto a mi nuevo cuerpo, ya sabes, hablando como una mujer que está avanzada en la menopausia», añadió la cantante de ‘You’re Still The One’ antes de admitir que es «realmente liberador».
Referenciando el vídeo para su single debut de 1993, ‘What Made You Say That’, Twain añadió que «desde el primer vídeo ya me estaba deshaciendo del sujetador», detallando después las inseguridades que fueron llegando con el tiempo respecto a su cuerpo: «Estaba mucho más firme por aquel entonces, entonces cuando empecé a hacerme mayor comencé a sentir una presión de ‘Bueno, tus pechos no son como solían ser. Tu piel no es tan ajustada como solía ser. Quizá deberías taparte un poco más.'»
Twain afirmó que sintió su confianza «revirtiéndose» con el tiempo, pero que se negó a ello: «Estoy aceptando mi cuerpo mientras cambia, como debería haber hecho desde la infancia hasta la adolescencia y desde los 20 y 30 años hasta mi cuerpo menopáusico».
Babi nos ha regalado su cuarto sencillo en menos de dos meses, y es su primera colaboración con Albany, la cual bautizamos recientemente como «la reina del sad trap», por lo que esta unión sin duda promete. En ‘Lejos’, nuestra Canción del Día, tanto Babi como Albany hablan de las razones por las que quieren «lejos» a sus ex sobre una relajada base de trap lento y con el melódico autotune al que nos tienen acostumbrados.
«Y yo siempre en keli pa’ tenerle lejo’ / Pa’ olvidarme que estoy llena de complejos», canta la misteriosa cantante madrileña en el estribillo. Mientras que el primer verso tiene un contenido más amplio y general, el segundo se vuelve más personal, con Babi hablándole directamente a la persona que le ha hecho daño y avisándole de que la culpa «te va a matar». Aun así, esta admite que ni la muerte de su ex le quitará de sufrir: «Y aun así no me libro de tu movie / Tú todo tranqui y yo modo Kill Bill».
Albany es consciente de la anticipación que rodea su figura y abre su verso con este pedazo de frase: «Tengo esta depresión por vida, no se la lleva ni el viento». En el resto de su genial verso, la artista catalana (criada en Granada) habla sobre las carencias de la persona a la que quería: falso amor, mentiras… Aun así, Albany pide a Dios que cuide a esta persona, pese a saber que «es una misión un poco imposible».
A mediados de diciembre, Babi lanzó ‘Corales’, mientras que en noviembre también presentó los singles ‘No somos iguales’ y ‘No drama’. En esta última, la madrileña referenciaba a Rosalía y a su ‘HENTAI’: «Me quieres más que al billete y más que a estar high / Que no eres la ROSALÍA but you wanna ride».
Hoy no es precisamente un día tonto para las playlists españolas. Compartimos nada menos que las 18 canciones nuevas aspirantes a Benidorm Fest, entre las cuales hay propuestas interesantísimas de Blanca Paloma, Fusa Nocta, Alice Wonder, Rakky Ripper, Karmento, Alfred y muchos más. Pero ahí no queda todo.
Hay por ejemplo nuevo disco del divertido grupo de punk LA ÉLITE; nuevo tema de Najwa; Zahara ha subido ‘MADRE’, los extras que iban dentro de la caja de ‘PUTA’, y hay nuevo single con bien de sampleo de su colega Perarnau IV…
Tras la nueva colabo de Bad Bunny, os ofrecemos una versión de Karavana de ‘Tití me preguntó’ en clave de rock. No tiene desperdicio.
Entre las curiosidades del día, tenemos el dúo de Babi y Albany, nuevos temas de Tigres Leones, Paco Moreno, San Tosielo, La Paloma, NIA, DJ Snake u Oliver Tree, entre muchos otros. Como Ava Max, que ya ha sido «Canción del Día» con ‘Dancing’s Done‘ o Alex Granero, que podría serlo pronto con ‘Me lo merezco’.
El ícono del pop Anastacia, autora de hits multiplatino como ‘Left Outside Alone’ o ‘I’m Outta Love’, ha anunciado una nueva gira europea cuyo nombre referencia precisamente este último tema, llamándose ‘I’m Outta Lockdown – The 23rd Anniversary’. Además, Anastacia volverá a actuar en la capital de nuestro país, el 17 de julio de 2023 en el Palacio Municipal de IFEMA.
La preventa de la gira comenzará el próximo 27 de diciembre a las 10h y durará hasta el 29 de diciembre a las 9h. A las 10h de ese mismo día, jueves 29 de diciembre, comenzará la venta general de entradas, que podrán ser adquiridas a través de Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés.
Es la primera gira de Anastacia desde 2018 para promocionar su séptimo álbum de estudio, ‘Evolution’, que se convirtió en su sexto álbum en alcanzar el Top 10 del Reino Unido. En octubre de 2021, Anastacia participó y ganó The Masked Singer Australia. Hasta la fecha, Anastacia ha vendido más de 30 millones de discos en todo el mundo.
Ha pasado casi una semana desde la publicación de las 18 canciones del Benidorm Fest 2023 y ya están empezando a asentarse los favoritos del evento. Entre estos, Fusa Nocta, Agoney y la artista que creemos que puede dar el «Chanelazo» este año, Blanca Paloma. En concreto, Agoney también ha sido el foco de algunas críticas respecto a su, aún desconocida, puesta en escena y se ha visto obligado a defenderse en Twitter.
Todo comenzó el pasado martes, cuando el cantante canario habló en una entrevista de RTVE sobre la actuación que llevará en enero al programa. Refiriéndose al escenógrafo de Agoney para el show de Benidorm, el presentador Fede Arias apuntó que le tenía que «cobrar un montón» al artista canario, a lo que este respondió: «Ah, bueno, lo paga Universal».
Este mismo jueves, Agoney recurrió a su Twitter para aclarar la información y defenderse de sus detractores: «Universal no paga mi puesta en escena del Benidorm Fest. He contratado un escenógrafo, al igual que he contratado un coreógrafo». También, aprovechó para recalcar el odio que recibe continuamente en la red social, añadiendo un «del resto ya hablamos el próximo 10 de octubre». Por si alguien no se aclaraba, el artista de OT también adjuntó una imagen explicando que el 10 de octubre es el Día Mundial de la Salud Mental.
“Cenizas de luna” es el disco de debut de Mylène Farmer. Editado en 1986, contenía 8 canciones, a las que se añadió ‘Tristana’ en la reedición de 1987 (y que se considera la versión “canónica”). La artista franco-canadiense ya había lanzado dos singles en 1984, pero ‘Cendres de lune’ supondría su postulación definitiva como candidata a estrella: el estilo musical y vocal, los temas de las canciones, la estética cuidadosamente trabajada, sentarían las bases de lo que ha venido siendo la discografía de Mylène en los siguientes 36 años, un universo propio en sí mismo.
Tras el fracaso de su segundo sencillo en 1984 (‘On est tous des imbeciles’), el sello RCA decide prescindir de ella a pesar del éxito aceptable de su debut (‘Maman a tort’), y la cantante es fichada por Polydor, donde prepararía este disco a lo largo del año 85 en estrecha colaboración con su gran aliado creativo, Laurent Boutonnat. Ese tándem ganador que durante discos y décadas rezaría “música de Laurent y letras de Mylène” (y que incluiría el megaéxito de Alizée 15 años después) comienza justo aquí. A pesar de que en ‘Cendres de lune’ muchas letras son todavía de Laurent, éstas están completamente al servicio de ese naciente universo particular de la cantante, y las que hizo ella serían cruciales para establecer su estilo.
Empezando por el single de adelanto, elegido por Polydor y con letra de Farmer: ‘Plus Grandir’ abordaba una temática muy 80’s, la fobia por dejar de ser joven. Su lanzamiento a finales del 85 no consiguió grandes ventas, pero su carísimo vídeo sentaría otra de las bases estratégicas de la carrera de la artista: superproducciones en Cinemascope de factura técnica totalmente cinematográfica dirigidas por el propio Boutonnat, y a menudo ambientadas en fantasías visuales de época (el campo de refugiados de ‘Désenchantée’ o la Guerra de los Siete Años de ‘Pourvu qu’elles soient douces’). El diseño visual de Boutonnat incluiría la fotografía de muchas de las portadas, y convertiría en los siguientes años el lanzamiento de cada nuevo clip en un acontecimiento nacional, llegando su sombra hasta las escenografías de parte de las primeras giras de Farmer, inspiradas en ellos. Su nueva discográfica tuvo la visión suficiente para apostar por ‘Cendres de lune’ a pesar de las discretas ventas de ese adelanto y los ingentes gastos del clip. No se arrepentirían.
El álbum comienza con ‘Libertine’, que también fue elegida como single de lanzamiento en abril de 1986. Es difícil de explicar el tremendo impacto cultural de esta canción de precioso electro-pop ultracomercial sin abordar su letra y su vídeo. Cuando el tema era solo una melodía, Mylène improvisó durante un ensayo cantando “je suis une pute” y Boutonnat recogió y adaptó la idea en ese ya mítico “je suis libertine / je suis une catin” (“soy libertina / soy una ramera”). Sus versos de corte erótico-masoquista (“amar es llorar cuando te inclinas”) incluyen un “entre mis dunas / reposan mis infortunios / y es desnuda como aprendo la virtud”, sacado directamente del Marqués de Sade. La canción creó una previsible polémica en el reaccionariado francés que de nada sirvió, porque pronto lograría eso tan difícil de conseguir, que es convertirse simultáneamente en un himno pop aceptado por un enorme público y en un himno de la lucha por los derechos: se trata de uno de los primeros ejemplos en la cultura popular francesa de reapropiación de un término despectivo hacia la mujer.
Tras ‘Au bout de la nuit’, un bonito medio tiempo de vaporosos sintetizadores y temática sensual, con voces muy Jane Birkin (una referencia evidente en los primeros años de su carrera, no tanto después), llega ‘Vieux Bouc’. Entre rapeado y recitado se suceden estrofas de provocación (“viejo cabrón, ¿eres frágil? / ¿Te gustan mis campanadas matutinas? / El himen será mi regalo / ahora mismo tengo fuego en la sangre”) y estribillos cantados, con una base rítmica e instrumental llena de los sonidos metálicos y duros característicos del Fairlight II, ese carísimo sampler que marcó el rumbo sonoro de la segunda mitad de los 80.
Laurent Boutonnat hizo uso profuso de la paleta de sonidos del Fairlight a lo largo y ancho de ‘Cendres de lune’, como es evidente en el uso de sus características flautas en la siguiente canción, ‘Tristana’, otra de las piezas más brillantes e importantes del disco. En realidad fue un sencillo posterior a la edición original del LP, pero su éxito fue tal que a partir de 1987 se incorporó a las nuevas ediciones (un poco como ‘Into the Groove’ en ‘Like a Virgin’), y con razón: es la gran primera canción pop de melancolía sublime de Mylène, la primera de muchas que seguirían. Una combinación de pop electrónico de acordes menores con letras de abatimiento y desesperación que la artista llegaría a perfeccionar con la destreza de una cirujana: de aquí a ‘Désenchantée’ faltaban todavía unos años, pero Boutonnat y Farmer ya estaban sentando las bases de una de sus especialidades, el dramatismo envuelto en suave y triste pop, letra íntegramente de Mylène (“Adiós Tristana, tu corazón se ha enfriado / Dios baja los brazos / ¡Dejad que se vaya, dejad que muera!”).
El fin de la cara A llega con ‘Chloe’, cantada con voz de niña, a modo de macabra canción infantil sobre un ahogamiento, en el que Boutonnat quiso plasmar “la inocencia y a la vez la crueldad de la infancia”, y que temáticamente conecta con el comienzo de la cara B, pasando de la infantofobia a una mucho más interesante visión de lxs niñxs como seres sintientes, y capacitadxs para el amor. La inclusión de ‘Maman a tort’ en este primer álbum de Mylène es crucial: a fin de cuentas fue su primer single, y a pesar de datar de 1984, con la conveniente remezcla de Boutonnat suena totalmente integrada en el disco. Por no mencionar que se trata de uno de los más fascinantes sencillos de toda la década de los 80 franceses, una hipnótica combinación de electro-pop con sintes y bajo de música disco, y una letra enigmática y surrealista al estilo de un recitado infantil (“uno, mamá está equivocada / dos, es bonito el amor / tres, la enfermera llora / cuatro, la amo”). Ya en su edición original la canción fue controvertida, porque conforme avanza la letra Mylène canta con voz de niña/adolescente sobre sentirse atraída por la enfermera que la cuida mientras está internada en un hospital (“cinco, es mi derecho / seis, el tocarlo todo / uno, la enfermera canta / dos, eso me hace sentir cosas”). Con mención final en el delicioso estribillo en falsete a “me gusta lo que me prohíben, los placeres groseros / me gusta cuando me sonríe, amo a la enfermera, mamá”. Las connotaciones sáficas de la letra seguramente impidieron que fuese un éxito mayor en las radios, pero situaron a Mylène en el mapa con una canción que se considera precursora de las referencias a la homosexualidad en el pop francés.
La cara B culmina con tres canciones más: la estructura totalmente repetitiva -tres acordes en loop- de timbres metalicos de ‘We’ll Never Die’ es totalmente adictiva, casi proto-tecno (¡ese bajo!) pero con excitante melodía. ‘Greta’, dedicada a la Garbo, es el clásico ejemplo de canción lenta y atmosférica muy ochentas, casi se pueden oír las nieblas de hielo seco en esas reverbs catedralicias, frases sampleadas de la película ‘La mujer de las dos caras’, y sonidos ambientales. Mientras, Mylène canta a quien considera referencia artística e inspiración: “»Frances Farmer y Greta Garbo me inspiran respeto. Su coraje es inmenso. Son pioneras de una lucha, la del reconocimiento de las mujeres en el ámbito artístico. Tenían carácter, fueron insolentes, frágiles y no hacían concesiones”. Ni que decir tiene que de Frances (actriz trágicamente reprimida en los años 50 por el sistema) tomó Mylène su apellido artístico. La letra comienza con “divina, exquisita” y no baja el tono de adoración en ningún momento (“Greta ríe, y yo me sonrojo / Greta muere, y oigo a Dios llorar / Greta ama, divina infiel”), todo ello cantado con el timbre cristalino (divino, exquisito) de Mylène.
El final llega a lo grande con ‘Plus grandir’ con su letra añorante escrita por Mylène (“no crecer, no morir, no sufrir”) y hechuras de europop mainstream. Se entiende que fuese el single de adelanto, con ese estribillo con mucho gancho en una canción de pop que podría recordar al público a cantantes de la escena francesa como Corynne Charby o Véronique Jannot. Sin embargo presentaba ya elementos distintivos, propios de este excelente ‘Cendres de lune’: los sonidos sampleados a distintos tonos en la introducción (de nuevo el Fairlight), que reaparecerían en ‘Libertine’ y otros momentos del disco, o la temática muy personal y excéntrica, un adelanto de la nueva Mylène, la que pronto tomaría el control de las todas las letras y del manifiesto artístico-político de su propuesta, ofreciendo un nuevo personaje hasta en lo físico: un mes después del lanzamiento del álbum se tiñó el pelo de su célebre y ya eterno color rojo flamígero, forjando esa impactante identidad visual que la ha acompañado en todas estas décadas de éxito.
Quevedo ha anunciado tres fechas para su ‘DQE TOUR’, que arrancará en marzo del año que viene en el archipiélago canario y con el que intentará vender los 16.000 asientos del WiZink Center de Madrid.
El cantante del megahit ‘Quédate’ actuará el próximo 11 de marzo en el Gran Canaria Arena de Gran Canaria, el 5 de mayo en el WiZink y el 12 de mayo en el Sant Jordi Club de Barcelona. De momento, estas son las únicas fechas que se han confirmado y todavía no se sabe si se añadirán más, aunque es probable.
Así lo ha anunciado Quevedo en Instagram, mediante un divertido vídeo (intencionadamente editado) en el que el artista de 21 años se juega a canastas los destinos de su gira. Eso sí, de su disco debut no ha compartido ninguna noticia. Las entradas para la gira saldrán a la venta mañana a las 11 en Canarias y a las 12 del mediodía en el resto de España.
El último lanzamiento del canario más exitoso de 2022 también era uno de los más esperados, tanto por él como por sus fans, y es que Quevedo ya puede decir que ha cumplido el sueño de tener una canción con Myke Towers, la llamada ‘Playa Del Inglés’: «Cumplí mi sueño perrros no hay nada por encima que el tema con myke, asi que a partir de ahora esperen de mi parte cantos gregorianos y baladas», escribía el canario en su Twitter.
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