El número uno de la lista de Discos España continúa encabezado por ‘DONDE QUIERO ESTAR’ de Quevedo, seguido por ‘Un verano sin ti‘ de Bad Bunny y ‘SATURNO‘ de Rauw Alejandro. El top 5 lo completan ‘Paraíso’ de Mora y ‘FELIZ CUMPLEAÑOS FERXXO TE PIRATEAMOS’ de Feid.
La entrada más fuerte de la semana la protagoniza Ava Max con ‘Diamonds & Dancefloors‘, reciente Disco de la Semana en estas páginas. El segundo trabajo de Ava entra en el puesto 10 de la lista, dos puestos por debajo que ‘Heaven & Hell’ (8). En Reino Unido la decepción ha sido mayor, pues Ava ha pasado de colocar su debut en el 2, a entrar en el 11 con el disco actual.
A espera de la actualización del Billboard, ‘Diamonds & Dancefloors‘ ha obtenido también buenos puestos en Alemania (8), Suecia (7), Escocia (6) o, en menor medida, Francia (15). En otros territorios ha ido peor. Por ejemplo, en Italia no ha pasado del puesto 50.
La siguiente entrada en tabla es de Sam Smith. ‘Gloria‘ saluda desde el 11 probablemente gracias a las buenas ventas de su versión en vinilo, que entra en el número 4. Es la mejor entrada de Smith en nuestro país. Sí, mejor que la de ‘In the Lonely Hour’, que «solo» llegó al puesto 12; que la de ‘The Thrill of it All’, que igualó esa posición, y que la de ‘Love Goes’, que no pasó del 13.
Aunque la verdadera noticia que deja la lista puede ser la entrada de MARLENA. La banda madrileña, que edita en un sello independiente, entra por primera vez en la tabla con su disco de debut, ‘1000 PRIMERAS VECES’, en el puesto 100. El grupo ha recibido el apoyo de Los 40 Principales, pero la entrada del disco ha de deberse principalmente al éxito de sus singles, que suman streamings millonarios: solo ‘Me sabe mal’ suma cerca de 27 millones, y hay que contar también las escuchas masivas de ‘niñata’ o ‘Fecha de curiosidad’. Parece que estamos ante una de las bandas indie revelación de la temporada.
Más arriba llegan otras entradas. La banda de k-pop TOMORROW X TOGETHER coloca su EP ‘The Name Chapter: TEMPTATION’ en el puesto 20, y en el 21 aparece el box set de Bob Dylan, ‘Fragments – Time Out of Mind Sessions’. El rapero Dano llega al puesto 23 con ‘El hombre hace planes, Dios se ríe’, y Avril Lavigne coloca la reedición de ‘Let Go’ en el 37. Dicha reedición llega al número 1 de vinilos. El disco rockero de la semana es ‘Chaos & Colour’ de Uriah Heep, que entra en el 98.
Shakira y Bizarrap continúan ocupando el puesto 1 de la lista de singles de España con su sonada «sesión 53», superando el tirón social de los primeros días. Tampoco Miley Cyrus cambia de posición con ‘Flowers‘, que sigue en el 2 después de haber debutado previamente en esta posición, de manera milagrosa para un tema interpretado en inglés. En el tercer lugar encontramos ‘150‘, el viral de Yandel y Feid.
A continuación encontramos la primera de dos entradas que registra la lista de singles de España esta semana. Se trata de ‘LLYLM’ de Rosalía, que entra directo al puesto 4. El tema NO da a Vila Tobella su décimo número 1 en nuestro país, pero sí supera las entradas de sus recientes colaboraciones con Wisin & Yandel (6) y Romeo Santos (7). Pronto emitiremos un veredicto a favor y otro en contra sobre este nuevo tema de la catalana.
Curiosamente, la segunda entrada en lista la protagoniza Rauw Alejandro, como todo el mundo sabe, pareja de Rosalía. ‘PANTIES Y BRASIERES’, una colaboración con Daddy Yankee, no tan buena como ‘AGUA’, una de las Mejores Canciones 2022, entra en el número 27. Se trata del tema de ‘SATURNO‘ que quedaba por escuchar, el misterioso «track 7» que por fin conocemos.
Entre los pocos movimientos de la semana cabe mencionar también el regreso a lista de ‘Made You Look’ de Meghan Trainor, en el 87, y el de ‘Una y mil veces’ de Omar Montes y C. Tangana, en el 98.
En cuanto al empujó de la semana, se lo lleva el viral ‘MERCHO’ de Lil Cake, que sube del 76 al 12. También destaca la subida de ‘ANTAGONISTA‘ de Belén Aguilera: después de entrar en el 72 la semana pasada, ahora sube al 26. El tema salió hace 8 meses.
La historia de RAYE es la definición de «Popjustice»: la británica, fichada por una discográfica grande desde 2014, en su caso Polydor, e incapaz de publicar un álbum después de siete años de contrato cumplidos y varios hits logrados en Reino Unido (sobre todo de colaboraciones con DJs), parte peras con la discográfica y, de golpe, desde la independencia, le llega el mayor éxito de su carrera.
Para mayor sorpresa, el éxito de ‘Escapism.‘ no se ha ceñido a Reino Unido, donde ya ha sido número 1, pues actualmente es una de las 10 canciones más exitosas en el mundo. Una alegría también para su artista invitada, 070 Shake, que realmente nadie vio venir, de ahí que ‘Escapism.’ sea evidentemente la mayor ausencia en nuestra lista de Mejores Canciones de 2022. El éxito de ‘Escapism.’ demuestra que el público no tiene por qué estar atontado con los hits tiktokeros de turno, que aún una canción que se aproxima a los 5 minutos de duración, compuesta de varios episodios, pero aún atiborrada de ganchos (ese piano aporreado da años de vida), puede petarlo.
‘Escapism.’ también cuenta la historia de una persona que acude a las drogas para aliviar el dolor de su vida. RAYE la compone convencida de que su carrera se ha «convertido en una mentira», porque ella se enamora de la música cuando, de niña, escucha ‘The Diary of Alicia Keys‘ y descubre que puede contar historias a través de álbumes, de obras completas. Polydor nunca le permite dar ese paso, pues prefiere que siga grabando hits seguros de música dance con los que ella no se identifica; así que la llegada de su debut largo ha costado sudor y sangre, pero por fin es una realidad.
Concebido como vehículo para vertir sus «penas», RAYE titula su disco ‘My 21st Century Blues’, y es sorprendente la brutal honestidad con que lo hace. «A todos los ejecutivos blancos, que le jodan a vuestro privilegio» es una de las primeras frases que escuchamos en el disco, en concreto, en el primer single, ‘Hart Out Here’, otro brillante corte de inspiración hip-hopera, en el estilo de la Christina Aguilera de ‘Stripped‘, que vale la pena descubrir cuando te hayas cansado de ‘Escapism.’. En la balada ‘Ice Cream Man.’, Keen canta sobre los repetidos abusos sexuales que ha sufrido, a los «11, 17 y 21 años», sin miedo de aludir a un «productor» musical con el que ha trabajado, al que da el mote de «el hombre de los helados» porque invitó a la cantante a su estudio amigablemente solo para ponerle su «fría mano encima». Su adicción al alcohol y a las drogas marca varios cortes, uno de ellos titulado directamente ‘Mary Jane’ que, casualmente, es el más «blues» de todos.
La franqueza de RAYE es refrescante porque sus canciones suenan a pop, pero la honestidad sangrante de sus letras se asemeja a las del rap. Billie Eilish ha marcado un antes y un después en este sentido, y también puede hacerlo RAYE. Cuando lees la letra de ‘Body Dysmorphia.’, cuando atiendes al modo en que Keen enumera tristemente todas las partes de su cuerpo que odia, o cuando en ‘Environmental Anxiety.’ ataca a Boris Johnson por «esnifar cocaína», y también a todos los «líderes políticos que son clasistas, sexistas, racistas, capacitistas, fascistas, edadistas y homófobos», en una extraña producción que mezcla el big beat de los 90 con las armonías robotizadas de Bon Iver, te queda claro que no entra en los planes de RAYE filtrase a sí misma, después de haber estado de manos atadas toda su carrera.
El repertorio, además, acompaña. Con Mike Sabath, que ha trabajado con Lizzo o Selena Gomez, a los mandos de la producción, ‘My 21st Century Blues’ exhibe la versatilidad de RAYE a través de casi una quincena de cortes. ‘Oscar Winning Tears.’, el tema inicial, es triunfal y remite precisamente al soul contemporáneo de la primera Alicia Keys, pero después ‘Black Mascara’ introduce un oscuro ritmo de house igualmente inspirado, llevándonos a la discoteca… de la misma manera que ‘The Thrill is Gone’ nos empuja a los salones de baile de los 60. De sonido funk inspirado en James Brown, aunque esos saxos harían bailar hasta a Amy Winehouse desde su tumba, ‘The Thrill is Gone’ es otro pedazo de single de RAYE que merece triunfar, aunque ‘Escapism.’ parece que se vaya a merendar toda la campaña.
Los singles de ’21st Century Blues’ representan lo mejor que el disco ofrece, pero destaca la preocupación de RAYE por entregar una obra narrativa, enmarcada con su introducción y su final, y también por cuidar una secuencia que, pasados los sencillos, sigue regalando sorpresas a la que estás deseando llegar, como el intrigante dancehall de ‘Flip a Switch.’ o el deleite disco de ‘Worth It.’. Hay que aplaudir a RAYE por entregar un álbum que sobrepasa las expectativas que pudimos ver en ella cuando la conocimos con su sample de Ashanti, allá por 2017. Semejante talento no se iba a conformar con ser la voz anónima de ‘Secrets’ de Regard, ‘Bed’ de Joel Corry o ‘You Don’t Know Me’ de Jax Jones, y el pop ha ganado una nueva estrella que seguir de cerca.
TRIQUELL es uno de los artistas revelación del pop catalán. O, al menos, promete. Primer finalista del concurso de talentos Eufòria de TV3, que busca el «mejor nuevo cantante de Catalunya» entre una quincena de competidores, Francesc Fuentes Triquell ha publicado un puñado de singles en los que exhibe su versatilidad artística, tan propia de nuestro tiempo.
Así, los ritmos synth-pop irrumpen en uno de los dos singles que TRIQUELL ha publicado en 2023, ‘CBD i Espardenyes’, en el que el joven de Sant Quirze del Vallès se muestra «consciente de quién me explota» y dice ser el «producto de un producto de un mercado que vende humanos», tras pasar por el concurso musical que le ha dado a conocer.
En el polo opuesto, ‘Road Trip’ consigue ser una de sus composiciones más clásicas y atemporales. Una canción preciosa que, en un estilo de country-pop, cuenta una bonita historia de amor vivida desde un viaje en coche, donde él y la persona amada «conducen hacia la tranquilidad», enamorados y, canta Francesc textualmente, «playing hits» sin parar.
Pocos dirían que el autor de estos dos temas es el mismo que el de ‘Jugular’, que, con cerca de medio millón de escuchas en Spotify, es el más escuchado de todos. Y normal, porque es el hit fiestero de TRIQUELL por excelencia, un trallazo que cabe situar a medio camino entre los virales tipo ‘Barba Streisand’ o ‘Gangnam Style’ (esos «bom bom bom, jugu-jugular»), y el componente disco-épico de unos Jungle, a los que recuerda por melodía.
Una producción diseñada para levantar cualquier sarao, como busca hacer TRIQUELL en la letra, desesperado por salvar al público del sopor y el aburrimiento. El artista viene cargado con su «nueva triqui», sí, lo habéis advinado, su su «bom bom bom» particular, y busca «liarla» con su nuevo baile, su nuevo hit. Difícil que no lo consiga.
Cómo logrará TRIQUELL unir todos estos palos en su primer disco, que está produciendo Arnau Vallvé, batería de Manel, lo descubriremos más adelante, cuando el disco salga en marzo.
Chris Brown ha llevado a Instagram su indignación por perder en la categoría de ‘Mejor álbum de R&B’ contra Robert Glasper, que fue el galardonado gracias al proyecto ‘Black Radio III’, en la 65ª Edición de los Grammy. Brown estaba nominado por el disco ‘Breezy’.
Anoche, Chris Brown subió a sus Stories una foto del ganador, el pianista de jazz Robert Glasper, con un mensaje en el que se leía: «Me estáis vacilando. ¿Quién coño es este?», junto a una serie de emoticonos de burla. «¿Quién coño es Robert Glasper?», continuaba el cantante de 33 años antes de postear que «voy a seguir pateándoos el culo, respetuosamente».
En dos Stories más, ahora borradas, Brown bromeaba diciendo que «tengo que mejorar» y asegurando que «voy a empezar a tocar la armónica». La última imagen que compartió Brown fue una en la que se había editado tocando la armónica: «¡Nuevo nivel desbloqueado! Armónica Breezy». Horas después, el propio Glasper publicaba un post en el que se leía la pregunta que hacía Brown en sus Stories: «Ha llegado a mi atención que tenéis preguntas en cuanto a quién coño es Robert Glasper. Si tenéis preguntas, yo tengo respuestas. ¡Chequead mis Stories para seguir el juego!», escribía Glasper.
‘Black Radio III’ también ganó a ‘Candy Drip’ (Lucky Daye), ‘Good Morning Gorgeous’ (Mary J. Blige) y ‘Watch The Sun’ (PJ Morton). Robert Glasper ya ganó el Grammy a ‘Mejor álbum R&B’ con la primera entrega de ‘Black Radio’ y es conocido por contribuir a la creación de ‘To Pimp A Butterfly’ como músico de estudio y por canciones como ‘Freeze Tag’, en colaboración con Terrace Martin y el productor 9th Wonder.
Anoche se celebró la 65ª Edición de los Grammy, en los que Harry Styles, Lizzo y Bonnie Raitt se postulaban como grandes ganadores y que además nos dejaron una serie de curiosísimas fotos:
El mono de Harry Styles
El ganador a ‘Álbum del año’ llegaba a los Grammy con un colorido atuendo, que luego cambiaría por uno más normalito para recoger el gran premio.
Bad Bunny con Taylor Swift
Uno de los juntes más improbables de la noche lo protagonizaron Bad Bunny y Taylor Swift, que musicalmente están en polos opuestos, pero han posado como si se trataran de amigos de toda la vida.
La mirada de Ben Affleck
Ben Affleck y Jennifer Lopez protagonizan una foto en la que el actor no puede quitar los ojos de encima de Lopez. Todos queremos que nos miren así.
Lizzo y su vestido imposible
Lizzo llegaba a la gala convertida en una gran flor roja. Por fuera, precioso. Para andar con ello puesto, ya es otro asunto.
El sutil homenaje a Tupac de Kendrick Lamar
El rapero californiano se llevó el álbum a ‘Mejor álbum de rap’ y vistió con un atuendo que mezclaba lo formal con lo deportivo, además de incluir un pequeño homenaje a Tupac en forma de llavero.
Las tres reinas
No podía pasar esta oportunidad sin que Beyoncé, Lizzo y Adele tuvieran una foto juntas. Además, las dos últimas se sentaron juntas y también dejaron momentos memorables.
La atrevida Shania Twain
Shania Twain llevó ayer uno de los atuendos más comentados, con un estampado completo de lunares y un sombrero a juego con forma de chupete.
La cadena de Takeoff
Quavo llevó a cabo un precioso homenaje a Takeoff exponiendo su brillante cadena mientras le dedicaba una sentida canción. También se aprovechó para recordar a figuras como Coolio o Anita Pointer, ambos fallecidos durante el último año.
Sam Smith y Kim Petras
El dúo de ‘Unholy’ se presentaba con unos conjuntos «full red» a juego a la ceremonia, entre los que destacaba el pomposo cuello de Sam Smith.
50 años de Hip Hop
El escenario de los Grammys se llenó de numerosas personalidades del género con la celebración de 50 años de Hip Hop. Entre estas, Lil Uzi Vert, De La Soul, The Roots…
SZA y Taylor
Si la foto con Bad Bunny llamaba la atención por lo alejado que estaban los mundos de cada artista, en la foto que se hicieron SZA y Taylor pasa lo contrario.
El after de Taylor Swift
… Por cierto que Taylor no dudó en montar un after-party aunque no fuera exactamente su noche. Por allí estuvieron sus amigos Jack Antonoff (productor), Lana del Rey (que explicó que habría cantado más en el tema ‘Snow On The Beach’ si hubiera sabido que no habría más colaboraciones en esta pista) y Troye Sivan.
Nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO cumple 80 programas y lo celebramos con la primera edición en directo con público en Moby Dick. Esta mañana de domingo nos reunimos con nuestro público para desgranar lo mejor y lo peor de Benidorm Fest 2023. ¿Por qué ha sido esta edición un fracaso de audiencia? ¿Será ‘Nochentera’ de Vicco la ganadora moral dado su éxito en streaming? ¿Tiene posibilidades de ganar Eurovisión Blanca Paloma?
En una primera parte del podcast analizamos los eliminados de las semifinales, deteniéndonos especialmente en el caso de Aritz, pero comentando también actuaciones como las de Rakky Ripper, Alfred o Siderland, castigados por el voto demoscópico. Al no clasificarse propuestas más desangeladas como las de Twin Melody o E’FEMME, quedó una final bastante pintona, pese a la decepción de Fusa Nocta, con actuaciones de bastante nivel como las de Agoney o Blanca Paloma, que finalmente representará a España en Eurovisión. Puede ganar el certamen con la emoción y el minimalismo de la Ucrania de Jamala o el Portugal de Salvador Sobral, aunque nuestro podcaster Claudio M. de Prado opine lo contrario.
Aprovechamos la presencia de público para testar a nuestra audiencia, que en general parece decantarse por Vicco, aunque reconociendo la pedazo de actuación de Blanca Paloma. Además, todos los asistentes pudieron votar en una urna por su actuación favorita y por las temáticas de los próximos podcasts en vivo, en caso de que los hubiere. Muchas gracias especialmente a los que vinieron un domingo a mediodía hasta el norte de Madrid en esta jornada de resaca eurovisiva. Por nuestra parte nunca lo olvidaremos, ¡gracias!
Beyoncé puede ser vista como una de las grandes ganadoras de la 65ª Edición de los Grammy… o como una de las perdedoras. De un lado, se hizo con 4 premios que la sitúan como ganadora de 32 estatuillas históricamente. Supera así al director de orquesta Georg Solti como la persona con más Grammy de todas las ediciones hasta la fecha. Los galardones con que se ha hecho son Mejor Grabación Electrónica y Mejor Disco de Electrónica por ‘Break My Soul’ (para nuestra redacción la Mejor Canción de 2022) y ‘Renaissance‘, Mejor Canción de R&B por ‘Cuff It’ y Mejor Actuación de R&B tradicional por ‘Plastic Off the Sofa’.
Hasta ahí, genial. Sin embargo, como si ella misma supiera que lo mejor ya había pasado, como si le hubieran soplado que en las categorías importantes no iba a ganar, a la mitad de la noche posteaba en Instagram una foto suya con los galardones… cuando aún estaba lo gordo por entregar. Efectivamente, Beyoncé volvía a perder en las principales categorías, en las que solo ha ganado una vez: la Canción del Año por ‘Single Ladies’ en 2010. La Mejor Grabación del Año no ha sido ‘Break My Soul’ sino ‘About Damn Time’ de Lizzo; la Mejor Canción del Año, ‘Just Like That’ de Bonnie Raitt; y el Mejor Álbum del Año ‘Harry’s House‘ de Harry Styles. Esto significa que Beyoncé sigue sin tener ningún premio a Disco del Año, después de ‘Beyoncé’, ‘Lemonade’ y ‘Renaissance’. Es inevitable preguntarse qué disco habrá de hacer para que la reconozcan en la Academia.
Mientras Kendrick Lamar triunfaba en las categorías rap, Wet Leg en las alternativas, Bad Bunny en las latinas y Rosalía en las Alternativas latinas (se ha enterado en la cama); parece que tanto a Harry Styles como a Lizzo les ha sentado bien actuar en la ceremonia. Y esto deja a Adele como otra de las grandes derrotadas de la noche, pues precisamente perdía en la categoría Mejor Álbum de Pop contra Styles, y tenía que conformarse simplemente con la Mejor Actuación Vocal por ‘Easy On Me’. Eso sí, ella ya había arrasado con ’21’ y ’25’ y todos concordamos en que este no ha sido su mejor año: todavía estamos esperando que ‘Can I Get It’ sea un single.
En cuanto a las actuaciones musicales, Bad Bunny se ha encargado de presentar ‘El apagón’ y ‘Después de la playa’, dando paso a un desfile inabarcable de popurrís en que se ha visto a Kacey Musgraves haciendo un tributo a Loretta Lynn, a Bonnie Raitt con Mick Fleetwood en recuerdo de Christine McVie; a Madonna presentando a Sam Smith con Kim Petras; o a numerosas personalidades del hip hop celebrando los 50 años de este género. Big Boi, Missy Elliot, De la Soul, Grandmaster Flash, The Roots o Salt-N-Pepa han sido algunos de los que han pasado por allí.
Álbum del Año
ABBA – Voyage
Adele – 30
Bad Bunny – Un Verano Sin Ti
Beyoncé – Renaissance
Brandi Carlile – In These Silent Days
Coldplay – Music of the Spheres Harry Styles – Harry’s House – GANADOR
Kendrick Lamar – Mr. Morale & the Big Steppers
Lizzo – Special
Mary J Blige – Good Morning Gorgeous (Deluxe)
Grabación del Año
ABBA – Don’t Shut Me Down
Adele – Easy on Me
Beyoncé – Break My Soul
Brandi Carlile Featuring Lucius – You and Me on the Rock
Doja Cat – Woman
Harry Styles – As It Was
Kendrick Lamar – The Heart Part 5 Lizzo – About Damn Time – GANADORA
Mary J Blige – Good Morning Gorgeous
Steve Lacy – Bad Habit
Canción del Año
Adele – Easy on Me
Beyoncé – Break My Soul Bonnie Raitt – Just Like That – GANADORA
DJ Khaled Featuring Rick Ross, Lil Wayne, Jay-Z, John Legend & Fridayy – God Did
Gayle – ABCDEFU
Harry Styles – As It Was
Kendrick Lamar – The Heart Part 5
Lizzo – About Damn Time
Steve Lacy – Bad Habit
Taylor Swift – All Too Well (10 Minute Version) (The Short Film)
Mejor Actuación Vocal Solista
Adele – Easy on Me – GANADORA
Bad Bunny – Moscow Mule
Doja Cat – Woman
Harry Styles – As It Was
Lizzo – About Damn Time
Steve Lacy – Bad Habit
Mejor Actuación de Pop de Dúo o Grupo
Abba – Don’t Shut Me Down
Camilla Cabello and Ed Sheeran – Bam Bam
Coldplay and BTS – My Universe
Post Malone and Doja Cat – I Like You (A Happier Song) Sam Smith and Kim Petras – Unholy – GANADORA
Mejor Disco de Pop
Abba – Voyage
Adele – 30
Coldplay – Music of the Spheres
Lizzo – Special Harry Styles – Harry’s House – GANADOR
Mejor Disco de Música Alternativa
Arcade Fire – WE
Big Thief – Dragon New Warm Mountain I Believe in You
Björk – Fossora Wet Leg – Wet Leg – GANADOR
Yeah Yeah Yeahs – Cool It Down
Mejor Actuación Alternativa
Arctic Monkeys – There’d Better Be a Mirrorball
Big Thief – Certainty
Florence and the Machine – King Wet Leg – Chaise Longue – GANADORA
Yeah Yeah Yeahs Featuring Perfume Genius – Spitting Off the Edge of the World
Mejor Disco de Electrónica
Beyoncé – Renaissance – GANADORA
Bonobo – Fragments
Diplo – Diplo
Odesza – The Last Goodbye
Rufus Du Sol – Surrender
Mejor Grabación de Electrónica
Beyoncé – Break My Soul – GANADORA
Bonobo – Rosewood
David Guetta & Bebe Rexha – I’m Good (Blue)
Diplo & Miguel – Don’t Forget My Love
Kaytranada Featuring Her – Intimidated
Rüfüs Du Sol – On My Knees
Mejor Artista Nuevo
Anitta
Domi & JD Beck
Latto
Måneskin
Molly Tuttle
Muni Long
Omar Apollo Samara Joy – GANADORA
Tobe Nwigwe
Wet Leg
Mejor Disco de Rap
DJ Khaled – God Did
Future – I Never Liked You
Jack Harlow – Come Home the Kids Miss You Kendrick Lamar – Mr. Morale & the Big Steppers – GANADOR
Pusha T – It’s Almost Dry
Mejor Disco de Urban
Rauw Alejandro – Trap Cake, Vol. 2 Bad Bunny – Un Verano Sin Ti – GANADOR
Daddy Yankee – Legendaddy
Farruko – La 167
Maluma – The Love & Sex Tape
Mejor Actuación de Rap
DJ Khaled Featuring Rick Ross, Lil Wayne, Jay-Z, John Legend & Fridayy – God Did
Doja Cat – Vegas
Gunna & Future Featuring Young Thug – Pushin P
Hitkidd & Glorilla – FNF (Let’s Go) Kendrick Lamar – The Heart Part 5 – GANADORA
Mejor Disco de Rap
Jack Harlow featuring Drake – Churchill Downs
DJ Khaled featuring Rick Ross, Lil Wayne, Jay-Z, John Legend & Fridayy – God Did Kendrick Lamar – The Heart Part 5 – GANADOR
Gunna & Future Featuring Young Thug – Pushin P
Future Featuring Drake & Tems – Wait for U
Mejor Actuación de Rock
Beck – Old Man
The Black Keys – Wild Child Brandi Carlile – Broken Horses – GANADORA
Bryan Adams – So Happy It Hurts
Idles – Crawl!
Ozzy Osbourne Featuring Jeff Beck – Patient Number 9
Turnstile – Holiday
Mejor Disco de Rock
The Black Keys – Dropout Boogie
Elvis Costello & the Imposters – The Boy Named If
Idles – Crawler
Machine Gun Kelly – Mainstream Sellout Ozzy Osbourne – Patient Number 9 – GANADOR
Spoon – Lucifer on the Sofa
Mejor Canción R&B
Beyoncé – Cuff It – GANADORA
Mary J Blige – Good Morning Gorgeous
Muni Long – Hrs & Hrs
Jazmine Sullivan – Hurt Me So Good
PJ Morton – Please Don’t Walk Away
Mejor Actuación de R&B
Beyoncé – Virgo’s Groove
Jazmine Sullivan – Hurt Me So Good
Lucky Daye – Over
Mary J. Blige Featuring Anderson Paak – Here With Me Muni Long – Hrs & Hrs – GANADORA
Best Actuación de R&B tradicional
Snoh Aalegra – Do 4 Love
Babyface featuring Ella Mai – Keeps on Fallin’ Beyoncé – Plastic Off the Sofa – GANADOR
Adam Blackstone featuring Jazmine Sullivan – ‘Round Midnight
Mary J Blige – Good Morning Gorgeous
Mejor Disco de R&B progressive
Cory Henry – Operation Funk Steve Lacy – Gemini Rights – GANADOR
Terrace Martin – Drones
Moonchild – Starfruit
Tank and the Bangas – Red Balloon
Mejor Disco de R&B
Mary J Blige – Good Morning Gorgeous (Deluxe)
Chris Brown – Breezy (Deluxe) Robert Glasper – Black Radio III – GANADOR
Lucky Daye – Candydrip
PJ Morton – Watch the Sun
Mejor Disco Alternativo Latino
Cimafunk – El Alimento
Fito Paez – Los Años Salvajes
Gaby Moreno – Alegoría
Jorge Drexler – Tinta y Tiempo
Mon Laferte – 1940 Carmen Rosalía – Motomami – GANADOR
«Cosas como esta (que expanden límites) me hacen emocionarme sobre el futuro de la música». Si me hubiesen dicho hace un mes que Questlove, líder de The Roots y uno de los mayores frikis musicales que existen, diría esto sobre el nuevo disco de Lil Yachty me lo habría tomado como un meme, especialmente tras el lanzamiento de ‘Poland’. Sin embargo, no hace falta más que escuchar el rompedor primer tema de ‘Let’s Start Here’ para, al menos, empezar a dar credibilidad a las palabras de Questlove.
‘the BLACK seminole.’, un bloque de 7 minutazos de prog/psych rock en el que Yachty canta sobre alcanzar la «igualdad a través de la avaricia» y sobre la transformación de chaval a hombre, definitivamente no es lo que nadie esperaba como intro a este nuevo LP del rapero de ‘Broccoli’.
Lo de prog rock no es porque el público lo haya etiquetado así, como sí que ha ocurrido con el resto del disco (encasillado frecuentemente como psych rock), sino porque Yachty realmente lleva el rollo Pink Floyd al máximo en este tema, siendo una mezcla (con gusto) de ‘On The Run’, ‘Dogs’ y ‘The Great Gig In The Sky’. Es la canción perfecta para situar al oyente en la atmósfera del disco, que envuelve y engancha hasta el impresionante final con ‘REACH THE SUNSHINE.’, la cual se podría calificar como la cima del LP.
He visto describir ‘Let’s Start Here’ como un disco de psych pop, space rock, synth pop y psych rock. Al final del día, el nuevo álbum de Lil Yachty es un disco de pop alternativo con influencias y elementos de todos los géneros que he citado, y más, como el R&B y el soul. Implementados perfectamente, cabe recalcar. El peso de artistas contemporáneos como Childish Gambino (‘running out of time’) y Tyler, the Creator (‘REACH THE SUNSHINE.’) también es innegable. Por otro lado, las huellas de Tame Impala son rastreables a lo largo de todo el proyecto.
‘Let’s Start Here’ tiene canciones tan sorprendentes y mágicas como ‘the ride-‘, con el prometedor Teezo Touchdown; ‘drive ME crazy!’, con la pena de que el estribillo de la brillante Diana Gordon solo aparece una vez; y la etérea ‘WE SAW THE SUN!’. En contraposición a esto, también hay temas como ‘sAY sOMETHINg’, ‘paint THE sky’ y ‘sHouLd i B?’, que además de tener títulos tremendamente difíciles de escribir, son de lejos las menos sorprendentes del largo, cambiando las letras psicodélicas/abstractas por unos versos de amor que rozan lo genérico. Especialmente ‘paint THE sky’, con una fórmula melódica ya vista en canciones como ‘Late Night Talking’ de Harry Styles o ‘Levitating’ de Dua Lipa.
Aun así, estas no desentonan sónicamente con el resto del tracklist y ganan al ser escuchadas en el conjunto del LP, lo cual es uno de los mayores aciertos del álbum. A esto le podemos sumar la presencia constante de Diana Gordon, Justin Skye y Fousheé; la producción, llevada por figuras como Magdalena Bay, Jake Portrait (Unknown Mortal Orchestra) y Patrick Wembley (Chairlift); y la pura sorpresa de que Lil Yachty haya lanzado un disco tan fresco y diferente, y que le haya salido bien.
La voz de Lil Yachty está pasada por el autotune de ‘Poland’ y adornada con reverb a lo largo de todo el disco. Esto probablemente es un «NO» directo para mucha gente, pero mi problema es que me gustaría disfrutar más de ello. Creo que en ocasiones la voz del artista está demasiada escondida, como si le faltara potencia o volumen. Fuera de ello, espero que Yachty convierta tal efecto en su marca personal, porque le va al pelo a su nuevo sonido.
‘Let’s Start Here’ no es tan brillante como parece en su primera escucha, pero es una obra indiscutiblemente refrescante, llena de melodías infecciosas y que sorprendentemente no aburre, pese a durar toda una hora. Sobre todo, y recordando las palabras de Questlove, emociona por los futuros lanzamientos de Lil Yachty. Recordemos que Miles Parks (su nombre real), pese a tener 7 álbumes a sus espaldas, solamente tiene 25 años.
El primer fin de semana de febrero está siendo intenso en cuanto a eventos musicales mediáticos. El sábado se ha celebrado la gala final de Benidorm Fest, y en la noche del domingo es momento de asistir a una igual de interesante, la de los Grammys, que seguimos viendo con rencor tras el vacío que le hicieron a The Weeknd en 2020. No, no se nos ha olvidado.
Hace unos meses defendíamos que esta noche debería ser la noche de Beyoncé. A la artista le han duchado a premios durante toda su carrera, pero muy pocos han sido realmente importantes. Nunca ha ganado el Grammy a Álbum del año, y Knowles tiene todas las papeletas para hacerlo esta noche… si Bad Bunny, autor del disco más exitoso de 2022, no se lo impide. La cosa está entre ellos dos. Apuesta: Bad Bunny, porque actuará y porque realmente ha firmado el disco más popular del año.
No hay que olvidar que Beyoncé es la artista más nominada en esta edición. Su disco ‘RENAISSANCE‘ aspira a nueve gramófonos. El de Álbum del año se le volverá a escapar mal que nos pese, pero se hará con el premio a Mejor disco de dance/electrónica. Por su parte, ‘CUFF IT’ ganará Mejor canción R&B y ‘Virgo’s Groove’ Mejor actuación de R&B.
En segundo lugar Kendrick aspira a ocho estatuillas. Parece evidente que ‘The Heart Part 5’ se agenciará al menos alguno de los Grammys específicos de rap, mientras el disco ‘Mr. Morale & the Big Steppers‘ nos atrevemos que tiene el premio a Mejor álbum de rap asegurado.
En cuanto a Canción del año, ponemos la mano en el fuego a que veremos a Harry Styles recogerlo, pues eso es lo que ha sido ‘As it Was’, la canción del año 2022 en cuanto a cifras. Su mayor competidora es Adele con ‘Easy on Me’, porque ni ‘BREAK MY SOUL’ de Beyoncé ni ‘About Damn Time’ de Lizzo se le acercan en lo que a repercusión se refiere (y nos referimos a Estados Unidos, no a nivel global, que también). Apuesta: ‘As it Was’ y no hay discusión.
Otro de los premios principales es el de Grabación del año, que se diferencia del de Canción porque premia la parte técnica en lugar de la composición. Ahí sí vemos a Beyoncé ganando con la Canción Del Año para JENESAISPOP, ‘BREAK MY SOUL’. El sample de Big Freedia es oro. Apuesta: Beyoncé.
¿Qué pasará con el Grammy a Artista revelación? Es difícil adivinar si se harán con él unos virtuosos como Domi & JD Beck (a los Grammys les encanta el jazz y ellos son jovencitos), o más bien las nuevas estrellas del rock Måneskin. Con menos opciones parten la brasileña Anitta y los británicos Wet Leg. Puede dar la sorpresa Omar Apollo o algún nombre desconocido tipo Tobe Nwigwe. Apuesta: Måneskin porque han triunfado en Estados Unidos siendo italianos.
Uno de los premios que más curiosidad nos genera cada año es el que distingue el Mejor álbum alternativo del año. Puede ser por fin la noche de Björk, aunque si no lo ha ganado nunca, ¿realmente lo va a hacer ahora? Creo que se lo disputan Arcade Fire y Big Thief. Apuesta: Big Thief.
Este lunes comentaremos los ganadores también en las categorías específicas de pop, rock, R&B, electrónica, en las que sí pueden destacar Adele, Lizzo, Doja Cat, Brandi Carlile, The Black Keys…
Por otro lado, la lista de performers de los Grammys es amplia. Estarán Bad Bunny, Harry tyles, Lizzo, Mary J Blige, Sam Smith y Kim Petras, Steve Lacey, Brandi Carlisle, Luke Combs y Stevie Wonder con Smokey Robinson y Chris Stapleton, y DJ Khaled con Fridayy, Jay Z, John Legend, Rick Ross y Lil Wayne. Además, Kacey Musgraves rendirá tributo a Loretta Lynn, Mick Fleetwood, Sheryl Crow y Bonnie Raitt recordarán a Christine McVie, y Quavo & Maverick City Music harán lo propio con Takeoff.
De manera destacada, en los escenario de los Grammys se celebrará el 50 aniversario del hip-hop con una actuación llena de estrellas. ’50 Years of Hip-Hop’ contará con LL Cool J, The Roots, Big Boi, Busta Rhymes con Spliff Star, De La Soul, DJ Drama, DJ Jazzy Jeff, Missy Elliott, Future, GloRilla, Grandmaster Flash, Grandmaster Mele Mel & Scorpio/Ethiopian King, Ice-T, Lil Baby, Lil Wayne, The Lox, Method Man, Nelly, Public Enemy, Queen Latifah, Rahiem, Rakim, RUN-DMC, Salt-N-Pepa con Spinderella, Scarface, Swizz Beatz y Too $hort.
La 65ª de los Grammys se celebran de 5 p.m. a 8:30 p.m de Los Ángeles. En España se podrá ver desde las 2 de la mañana hasta las 5.30 del ya lunes 6 de febrero.
La gala final de Benidorm Fest se ha celebrado este sábado dejando como ganadora a Blanca Paloma, que representará a España en Eurovisión con su ‘EAEA’. Afortunadamente el público ha acompañado frente al televisor, aunque con peores cifras que en 2022. Algo que ya se podía intuir pues la segunda edición de Benidorm Fest ha contado con menos tirón que la primera desde las semifinales.
1.887.000 personas, el 14,7% de la audiencia, vio la gala final de Benidorm Fest, en datos que comparte VerTele. Esto significa que RVTE lideró el prime time, pero también que no igualó las cifras de la edición de 2022, la del fenómeno. El año pasado, 2.966.000, casi 3 millones de personas, fueron testigos de la victoria de Chanel, un 21% de cuota de pantalla. En su segunda edición, Benidorm Fest ha perdido más de un millón de espectadores.
RTVE ha conseguido convocar especialmente espectadores de entre 25 a 44 años, según Vertele, y también de entre 12 a 24, mientras el público mayor de 64 se le ha resistido. Aquí están las pistas de lo que podríamos encontrar en la edición del año que viene, pues la segunda edición de Benidorm Fest ha apostado claramente por el talento joven desde el primer momento, y también por un talento no consolidado, como es Blanca Paloma, que cuenta con tres canciones publicadas.
Pese a la calidad de la canción ganadora, pese al talento de los artistas participantes, a Benidorm Fest le ha faltado igualar el «hype» del año anterior con la presencia de artistas consagrados que se atreviesen a competir con otros noveles. Sin embargo, la clave parece ser la desconfianza que generó el sistema de votaciones el año pasado, sobre todo al enfrentar propuestas tan radicalmente opuestas como las de Chanel y Rigoberta.
No obstante, RTVE no se ha cansado de repetir que la segunda edición de Benidorm Fest ha sido la de la consolidación de la marca. Esperemos que en los años venideros vuelva la emoción de la primera edición, que tanto hemos echado de menos.
Entre los artistas que esta noche actúan en el escenario de los Grammy se encuentra Sam Smith, que acaba de publicar su nuevo disco, ‘Gloria‘. Smith cantará -presumiblemente- ‘Unholy‘, pues está confirmade junto a Kim Petras. Y es lógico, pues ‘Unholy’ sigue entre las canciones más escuchadas en todo el mundo (4ª en Spotify Global, por ejemplo).
Sin embargo, Smith ha dado que hablar recientemente con otro single. ‘I’m Not Here to Make Friends’ es el tema disco de ‘Gloria’ y su videoclip ha provocado una considerable polémica en redes por su componente sexualizado.
Empezamos por la canción. ‘I’m Not Here to Make Friends’ es una producción de Calvin Harris -con la participación de Stargate y Smith- que se inspira en la música disco de finales de los 70 y principios de los 80. Smith ha contado que la escribió cuando se hartó de que los chicos con los que tiene citas rechacen emprender una relación sentimental con elle. «No estoy aquí para hacer amigos, quiero un amante», clama en el estribillo. Jesse Reyez aparece puntualmente haciendo coros.
Todo un temazo disco, que pasa de la compostura de las estrofas a la desesperación en el estribillo, ‘I’m Not Here to Make Friends’ se abre con un sample de RuPaul y su famosa frase: «si no te puedes querer a ti mismo, ¿cómo demonios vas a querer a alguien?» Smith aplica este lema claramente en el videoclip de la canción, en el que demuestra que se quiere a sí misme sin importar el qué dirán, dándole otra vuelta a eso de «no he venido aquí a hacer amigos».
Bastantes enemigos se ha ganado Smith con el vídeo de ‘I’m Not Here to Make Friends’. Dirigido por Tanui Muino, experta en crear videoclips polémicos (‘MONTERO‘ de Lil Nas X) y sexuales (‘Wild Side’ de Cardi B y Normani), aunque también tan bonitos como el de ‘As it Was‘ de Harry Styles, el clip de «Friends» es un festín de looks entre lo extravagante y lo burlesque, eminentemente queer, en el que Smith expone su cuerpo gordo con toda la libertad y la sensualidad que le apetece.
El vídeo ha despertado la gordofobia y la LGBTfobia de muchos porque, más allá de que esté sexualizado (que tampoco lo está tanto), sigue siendo habitual que a las personas gordas se las tache de enfermas por el hecho de serlo. Más normalizada está la idea de que sus cuerpos no son deseables y mucho menos merecedores de recibir este tipo de trato artístico. Así que bien por Smith por apostar por sí misme y por darnos un vídeo tan liberador y divertido.
Blanca Paloma se ha proclamado ganadora de Benidorm Fest y representará a España en el festival de Eurovisión, después de ganar el voto del jurado y también el televoto, sumando un total de 169 puntos. Su actuación de ‘EAEA’ ha vuelto a impactarnos en todo su poderío vocal, en su emocionante mezcla de flamenco y electrónica, y en la elegancia de la puesta en escena. Como es habitual, hemos estado comentando la gala en Twitter y en los foros.
Agoney ha sido el siguiente artista más votado, quedando en segundo lugar con 145 puntos, y Vicco la tercera con 129, tras obtener la máxima puntuación en el voto demoscópico. Finalmente, Megara se ha impuesto a Alice Wonder consiguiendo 106 votos frente a los 89 de la intérprete de ‘Yo quisiera’.
Fusa Nocta, que partía como favorita antes de las semifinales gracias a su canción, ‘Mi familia’, que fue la más escuchada por un breve periodo de tiempo, hasta que ‘Nochentera’ le pilló por banda, finalmente ha quedado en última posición.
Blanca Paloma – 40 puntos (total: 169 puntos)
Agoney – 35 puntos (total: 145 puntos)
Vicco – 30 puntos (total: 129 puntos)
Megara – 28 puntos (total: 106 puntos)
Alice Wonder – 20 puntos (total: 89 puntos)
Karmento – 25 puntos (total: 80 puntos)
José Otero – 16 puntos (total: 75 puntos)
Fusa Nocta – 22 puntos (total: 71 puntos)
Chanel ha entregado el micrófono de bronce a Blanca Paloma y ha anunciado que pronto podremos escuchar su «nuevo proyecto como artista». Además se ha anunciado que será jurado del nuevo talent ‘Cover Night’ junto a Mónica Naranjo y Miguel Bosé. Ruth Lorenzo presentará el programa.
Karmento ha sido la primera concursante en actuar. Con su emocionante presentación de ‘Quiero y duelo’ ha vuelto a convencernos de la valía de su propuesta manchega, 100% española, que NO flamenca, en Eurovisión, en contra de quienes dicen que «no pega» (¿y por qué no?). Sin embargo, ha sido presa de la emoción en algún punto, y cuando Nina decía que algunos artistas se han descontrolado vocalmente, es difícil no pensar que se refería, entre otros, a Carmen Toledo.
También podía referirse a Fusa Nocta. La joven promesa partía con mucho margen de mejora respecto a su performance en la primera semi, y aunque ha pisado el escenario de manera mucho más segura que el martes, en el apartado vocal ha habido momentos en que ha sonado incontenida, mientras en otros la coreografía parecía llevársela por delante. Le ha pasado lo mismo a Vicco, a la que se ha percibido algo nerviosa, aunque está claro que ‘Nochentera’ ha conquistado al público.
Aunque la mayor oportunidad perdida puede ser la de Megara. Con una performance alucinante desde el segundo uno, el grupo merecía haber llevado el rock a Eurovisión gracias a su espectacular puesta en escena cyberpunk, a su soltura en el escenario y enfrentando las cámaras, a la garra y el carisma de su vocalista. Por supuesto, Agoney se ha impuesto a ellos y ha quedado en segundo lugar con una performance mejorada respecto al primer pase: vocalmente le ha quedado mil veces mejor el momento ‘La piedad’, aunque el grito final debería haber sido más épico. El canario, por cierto, ha confirmado que ‘Quiero arder’ es el primer single de su próximo disco.
Entre quienes han salido muy bien parados en la final se encuentran también Alice Wonder y José Otero, que han realizado presentaciones estupendas en lo suyo, aunque sin terminar de convencernos de que su propuesta era la más apta para Eurovisión. En especial, Alice Wonder podía haber dado la sorpresa debido a la belleza de su puesta en escena, tan onírica, y a su personal voz, pero su canción no tiene mucho gancho: es pura emoción desgarrada.
Ha abierto la gala uno de los artistas invitados, Manuel Carrasco, con un look muy 70s, tanto que por un momento parecía que había empezado un nuevo episodio de Cachitos. ‘Eres’ puede ser su canción más disco y más retro. Como colofón final, Ana Mena ha cantado su nuevo single ‘Un clásico’ y en ‘Las 12’ se le ha visto más divaza que nunca. Después, Mónica Naranjo ha recuperado su éxito ‘Sobreviviré’, en su look más Raffaella. El público gritaba «Mónica a Eurovisión»: ojalá.
Los canadienses Fucked Up se han convertido en uno de los grupos de hardcore más queridos fuera de la escena hardcore. Lo han logrado gracias al acercamiento a la ópera-rock que fue ‘David Comes To Life‘ (2011), a sus constantes devaneos con el power pop, con el glam, con el indie rock… y hasta nos atreveríamos a decir que con los ritmos disco, a su manera.
‘One Day’ es uno de sus lanzamientos más concentrados y presentables fuera de su base de fans: tiene tan solo 10 canciones que se extienden 40 minutos, es decir, menos de la mitad de lo que duraba ‘Dose Your Dreams’ (2018). Eso sí, no sería exacto decir que este es su primer álbum en 5 años, pues entre medias han seguido con ediciones paralelas como su «Zodiac Series» y además este álbum se gestó entre finales de 2019 y principios de 2020, siendo masterizado y mezclado definitivamente tan sólo en primavera de 2022, una vez superada la pandemia.
Han pasado 4 años, lo cual contrasta con el concepto que da título al disco: cada miembro del álbum tuvo que escribir y grabar sus partes en tan solo 24 horas. El guitarrista, productor y diseñador del arte Mike Haliechuk es el responsable de escribir todos los singles, como demostrando quién manda en la sombra (pistas 1, 2, 3, 8 y 9). Y el vocalista principal Damian Abraham pone todo su carisma en la interpretación -el propio de un grupo de hardcore- y además también entrega alguna de las composiciones más destacadas, como ‘Lords of Kensington’ y ‘Falling Right Under’.
Las historias que ambos nos cuentan se funden bajo la firma de Fucked Up. La inicial ‘Found’ habla sobre el colonialismo en Canadá, una cuestión que preocupa mucho últimamente en este país, como nos contó Basia Bulat. Esta canción recuerda «todos los nombres borrados, enterrados bajo una tierra que mi gente robó». Por su parte, ‘Lords of Kensington’ habla sobre la gentrificación: «Mienten a través de sus malditos dientes / Los arrestos no se detendrán y los precios no bajarán / Mientras, ven todas sus ganancias rodar».
Quizá en cuanto a textos Mike apueste algo más por lo imaginativo (el viaje en barco de ‘I Think I Might Be Weird’), y Damian por lo sentimental (‘Falling Right Under’, ‘Roar’), aunque lo relevante es que Fucked Up no serían lo mismo sin los coros del mismo Haliechuk y del batería Jonah Falco.
Y es que Fucked Up son una banda de hardcore peculiar, introduciendo detalles aventureros como los golpes de cuerda de ‘I Think I Might Be Weird’, la electrónica al final de ‘One Day’, el teclado al principio de ‘Nothing’s Immortal’, el susurro casi new-age de ‘Huge New Her’ o -ciertamente- la diversidad de voces en ‘Lords of Kensington’ y ‘Falling Right Under’. Sin necesidad de irnos a la canción a una cigarra dedicada que canta al completo Haliechuk, el efecto coral en algunos de los momentos clave del álbum es muy parecido al de los mejores R.E.M.
Tras dos semifinales que han sido mejor de lo esperado pero que no han captado enormemente la atención del público, lo cual se ha traducido en cifras de share bastante malas para RTVE y en la ausencia casi total de «hype», esta noche se celebra la final de Benidorm Fest. Karmento, Megara, Alice Wonder, Fusa Nocta, Agoney, Blanca Paloma, José Otero y Vicco competirán por ganar el certamen y lograr la oportunidad de representar a España en Eurovisión, y actuarán exactamente en este orden. El programa se emitirá a partir de las 22.00: por lo menos, como cantaba Lolita, mañana es domingo.
La gala final de Benidorm Fest contará además con dos artistas invitados. Ana Mena presentará -imaginamos- su nuevo single ‘Un clásico’, que ha sido Canción Del Día en estas páginas, y Manuel Carrasco también se dejará caer por el plató, con la distinción que le otorga ser uno de los artistas más vendedores de nuestro país desde hace décadas. Sin ir más lejos, fue el rey de ventas de las pasadas fiestas.
De momento, la final de Benidorm Fest se la disputan principalmente Agoney, favorito del jurado profesional y del televoto en la primera semifinal, y Blanca Paloma, favorita del jurado y del voto demoscópico en la segunda semifinal, y segunda en el televoto por detrás de Vicco. Según los votos de las semifinales ganaría la final Blanca Paloma, que obtuvo 167 puntos en total por encima de los 161 de Agoney. Pero todo puede pasar y está por ver si los artistas mejoran sus actuaciones.
La sorpresa la podrían dar Alice Wonder y Vicco, pues ambas quedaron segundas en sus respectivas semifinales; y, en menor medida, Karmento, salvada por la audiencia. Con menos posibilidades parten Fusa Nocta (que tendría que mejorar exponencialmente su actuación del pasado martes), Megara y José Otero. También el público de JENESAISPOP tiene claro que Blanca Paloma se impondrá en la final muy por delante de Agoney. Esta noche saldremos de dudas y, pase lo que pase, celebraremos.
De los que quedaron primeros y segundos en las semis de #BenidormFest ¿quién crees que se impondrá en la final?
En 1944, el Padre Castillejo escribió ‘Telegrafía rápida, la música eléctrica’, un libro en el que prácticamente se anticipaba a la música electrónica: con la intención de “acercarse a Dios” a través de la música, en sus páginas hablaba del “electrocompositor”, o de la idea de transformar, a través de un cable dispuesto en el fondo del océano, el movimiento de los bancos de peces en sonido… y convertir así la vida (marina) en una melodía. ¿Adivináis de dónde era este sacerdote? Sí, del mismo sitio que la Ruta Destroy, y sí, voy a evitar “bakalao”.
Lo que ha quedado de la Ruta en el inconsciente colectivo es más lo que ésta representaba en su decadencia que en su efervescencia (curiosamente, lo contrario de lo que ocurre con la Movida Madrileña). Sin embargo, en su historia hay un fuerte componente de fraternidad, esperanza y hasta de espiritualidad, dándole a esa anécdota del Padre Castillejo un punto profético que tiene su merecido guiño en ‘La Ruta’, la serie de Borja Soler y Roberto Martín Maiztegui (con dos firmas de lujo en dirección: Belén Funes y Carlos Marqués-Marcet) para Atresplayer Premium. Todas esas discotecas de pueblo presentes en la serie, como aquellas de las que nos hablaban nuestros padres, parecen más sci-fi que algo histórico, porque todo está cada vez más dominado por las ciudades y el empeño, no ya de sacar rédito, sino de que todo lo que no sea sacar el máximo dinero posible es un fracaso.
Pero, frente a esta dinámica de ocio nocturno, lo que se cuenta de esos primeros años -y que recogería gente como Joan M. Oleaque o Luis Costa– es que, por naif que parezca, muchas veces aquello se acercaba más a oasis que a un negocio. Salvando las distancias, algo parecido a lo que está ocurriendo con la resurrección (?) de la escena rave (si no has conocido estas navidades a las vecinas de La Peza, no esperes más). ‘La Ruta’ nos acerca a esto, y lo hace a través de un coming of age a la inversa, rodaje incluido: relata la evolución de una pandilla a lo largo de doce años, empezando en su capítulo piloto por el final en 1993, y acabando en 1981. Tanto por las antipatías que genera el “héroe local” Atresplayer como por la inusual manera de contar esta historia, ‘La Ruta’ requiere de cierta paciencia, pero pronto los temores respecto a ambos aspectos comienzan a calmarse. La serie parte de la conocida decadencia que se ve reflejada en el grupo de amigos, y va viajando en el tiempo hacia el luminoso principio de la Ruta y de ellos.
Hay un buen trabajo de guión (obra de los creadores junto a Clara Botas y Silvia Herreros de Tejada) y del reparto para mantener el complicado equilibrio entre que esto sea realista y que la historia y sus personajes no nos expulsen. Así, nos encariñamos con ellos y con ese grupo pese a que “grupo” sea un eufemismo en el inicio, y pese a que se suponga que está todo contado. El casting combina rostros jóvenes que debutaron en éxitos como Àlex Monner, Claudia Salas, Ricardo Gómez y Elisabet Casanovas con dos pesos pesados como Sonia Almarcha y Luis Bermejo (coprotagonistas de ‘El Buen Patrón‘ y ‘Magical Girl‘, respectivamente) y la gran revelación, Guillem Barbosa, que sale airoso de un personaje con el que fácilmente podría pasarse de rosca.
Crear una pandilla y una amistad (y que el espectador se lo crea) a partir de unos personajes que, según el caso, no se soportan, se resultan indiferentes, o directamente han muerto, es casi misión imposible, y el hecho de que aquí sea posible es uno de los motivos por los que recomendamos ‘La Ruta’, sobre todo por la secuencia en que algo hace “clic” y esto se consigue. Además de la mejor secuencia de la serie, puede ser una de las mejores de la ficción (no solo nacional) de este pasado año. Y lo que la hace tan especial no es solo la coreo o el diseño de producción en sí, sino que tiene algo aún más difícil de lograr: alma. Hay algo en el efecto catártico que puede tener la música en grupo y vivir un temazo con personas a las que quieres, hay algo en esa mezcla de amistad, hedonismo, inocencia y libertad… que hace que entendamos a qué se refería la frase “quiero morir en una discoteca llena de maricas”. O “quiero morir en los váteres de Spook”, como reza la pintada que se ve justo antes, y que al parecer existió.
Precisamente esa escena ocurre mientras suena ‘Nowhere Girl’, y la verdad es que tanto la banda sonora original de la serie (a cargo de Pional, Álex de Lucas, Raúl Santos y La Plata) como su selección musical son otro punto a favor. De Kraftwerk a Chimo Bayo (se llegó a intentar Nina Simone, como cuenta Antonio Rivera en El Confidencial), por ‘La Ruta’ desfilan ejemplos de la etapa noventera como ‘The dream is just in my mind’ de Piropo o ‘Es imposible’ de Megabeat, pero también clásicos algo olvidados como ‘Lady Shave’ de Fad Gadget o ‘Solidarity’ de Angelic Upstarts (imperdible su historia), junto a un megahit como ‘Fade to Grey‘ de Visage, siendo estas dos últimas parte de otros dos momentazos de ‘La Ruta’. El uso que le dio Xavier Dolan en ‘Laurence Anyways’ (¡algún día continuaremos esa serie!) pone el listón muy alto a la hora de meter ‘Fade to Grey’, pero es una digna elección para ejemplificar los discos que “mataba” Carlos Simó.
Y es que, aunque la serie no mantenga sus destellos de genialidad y no logre expresar del todo qué fue la Ruta, sí que hay multitud de guiños a sucesos reales (de “matar un disco” al suicidio de R.a.f.a DJ, pasando por el elefante, el batería de The Stone Roses o el “test de drogas” de Fran Lenaers), y un concienzudo trabajo de documentación sobre discotecas o distintos personajes de la época, como detalla Javier P. Martín en El País.
La pena es que se echa en falta la magia de secuencias como la de ‘Nowhere Girl’ o la de la playa, en general, más presencia de la música de una manera no tan accesoria. Quizás una historia como ésta pedía más momentos como esos, y menos de piruetas formales, de una seriedad que muchas veces resulta impostada y que parece querer “acercarla al cine” (really?), o de misterios y giros aprovechando la estructura que no terminan de cuajar. En cualquier caso, ‘La Ruta’ no deja de ser una serie recomendable, en la que se pueden ver bastantes paralelismos con la generación actual, y en la que hay un acercamiento al amor por la fiesta, especialmente en tiempos de incertidumbre. Ya lo dice Toni, el personaje de Claudia Salas, en un momento clave: “hay que vivir la vida”.
El Disco de la Semana ha sido ‘Diamonds & Dancefloors‘, el nuevo trabajo de Ava Max. Un disco que apuesta, como pocos hoy en día, por el pop puro y duro, por ese pop electrónico, bailable y pegadizo que asociamos a la época de Lady Gaga, Katy Perry y Kesha, y también al eurodance de los 90 y los 2000; y que no interrumpe el baile en ningún momento de sus 14 cortes.
Es difícil escoger un single entre todos los posibles que incluye ‘Diamonds & Dancefloors’. Por eso, Ava Max ha solicitado consejo a sus fans en Twitter. Entre los que han llegado incluso a ser «trending topic» se encuentra ‘Hold Up (Wait a Minute)’. Otro muy sugerido ha sido ‘Sleepwalker’. Nosotros apostamos por el «focus track» más reciente.
‘Ghost’ es el corte de ‘Diamonds & Dancefloors’ que se inspira de manera más evidente en el diva house de los 90. Un dardo pop que no falla en sus tres minutos de duración, y en el que no extraña encontrar en sus créditos de composición a Uzoechi Emenike, es decir, MNEK, productor asociado a dos recientes macrohits de house como son ‘Head & Heart‘ de Joel Corry y ‘Where Did You Go’ de Jax Jones. Sin embargo, MNEK contribuye en la composición, no la producción, que corre a cargo de Cirkut, colaborador habitual de Ava desde sus inicios.
Si ‘Diamonds & Dancefloors’ narra la disolución de una relación, ‘Ghost’ nos sitúa en el momento del enamoramiento obsesivo. La metáfora fantasmal es idónea para contarnos esa obsesión, pues Ava siente que esa persona le persigue por todas partes, que no se la puede quitar de la cabeza, y que esa persona «es a la que más amo y también a la que más temo».
No es la primera vez que Ava juega con la imaginería de terror: en el videoclip de ‘Freaking Me Out‘ visitaba una casa encantada. No estaría mal recuperar la idea para un posible vídeo de ‘Ghost’: con 4 millones de streamings, apunta a que será el siguiente single del disco.
Depeche Mode han anunciado que su nuevo single, ‘Ghosts Again’, verá la luz el próximo jueves 9 de febrero a las 17.00 horas (hora española). Es el primer adelanto de ‘Memento Mori‘, su nuevo álbum de estudio, que sale el 17 de marzo. Un adelanto del tema se puede escuchar ya en sus redes.
Se concretan al fin noticias sobre el nuevo trabajo de Depeche Mode, que, desde que anunciaran, el pasado mes de octubre, la llegada de su nuevo disco, han mantenido un silencio absoluto. Han pasado cuatro meses hasta que Dave Gahan y Martin Gore se han animado a anunciar el primer single, y la estrategia que han escogido no ha gustado a muchos de sus fans.
La semana pasada, Depeche Mode colgaron una cuenta atrás en sus redes que apuntaba al viernes 3 de febrero. Muchos de sus seguidores pensaron que este día podrían escuchar por fin ‘Ghosts Again’, pero la cuenta atrás solo dirigía a otra cuenta atrás, la que terminará con el lanzamiento de la canción el próximo jueves.
En Instagram son muchos los fans de Depeche Mode que han inundado el «feed» del grupo con críticas hacia la campaña de ‘Memento Mori’. Muchos cuestionan la estrategia del grupo, ventilan su frustración ante la interminable espera por nueva música, o les piden que contraten a un equipo de márketing nuevo «que esté en sintonía con los tiempos actuales, porque estamos a 2023».
Durante esta espera que ha durado meses, Depeche Mode sí han vivido un pequeño «hype» no relacionado con su nuevo disco: su viejo single de 1987, ‘Never Let Me Down Again’, aparecía en una escena clave de la nueva serie de HBO ‘The Last of Us‘. El tema no ha protagonizado un nuevo boom a lo Kate Bush, lo cual sería harto difícil, pero sí se ha viralizado brevemente.
Os recordamos que Depeche Mode presentarán ‘Memento Mori’ en España: el día 2 estarán en el Primavera Sound de Barcelona, y el 9 en la edición de Madrid.
Como en el Global de Spotify, en nuestro humilde top 40 Miley Cyrus no ha sido top 1 directo, pero sí lo ha conseguido con el paso del tiempo. ‘Flowers’ asciende a la primera posición, en el que supone el 4º número 1 en nuestro top 40 para Miley. Antes llegaron ‘Midnight Sky’, ‘Malibu’… y ‘Do It’ con Flaming Lips. Qué tiempos aquellos en que la cantante parecía necesitar la validación del público indie. ¿Alguien lo recordaba?
La entrada más fuerte de la semana está protagonizada por Ladytron, seguidos por Yaeji, una de nuestras favoritas ahora mismo, Carolina Durante, Stephen Sanchez, dani y Roy Borland.
Francisco Rabaneda Cuervo, conocido mundialmente como Paco Rabanne, ha fallecido a los 88 años en su casa de Portstall, en Francia. Rabanne deja tras su muerte una marca reconocida internacionalmente en la moda y en el mundo del perfume, y un legado difícil de igualar.
Nacido en Gipuzkoa en 1934, su familia se afincó en Francia desde que este tenía cinco años, en 1939, en plena ocupación nazi. Vivió allí hasta 1947, donde empezó a llevar a cabo su revolución en la moda, caracterizada por su modernidad y futurismo. La madre de Paco Rabanne trabajó como costurera jefe para Balenciaga, por lo que desde pequeño tuvo claro a qué se dedicaría, pese a haber estudiado arquitectura.
En 1966, la primera colección de Paco Rabanne vio la luz, compuesta por 12 vestidos en los que usaba materiales inverosímiles en la época como el metal, el papel o el plástico. Por esto, Coco Chanel le definió como el «metalúrgico de la moda». En esta década ya consolidó su nombre totalmente, diseñando el vestuario de la película ‘Barbarella’ (1968), protagonizada por Jane Fonda, y vistiendo a figuras de la época tan importantes como la cantante y actriz Françoise Hardy o Audrey Hepburn.
En esta década también comenzó sus andanzas en el mundo del perfume con el lanzamiento de una fragancia llamada ‘Calandre’, que se traduce como «parrilla de automóvil», que se convirtió en un icono de la feminidad moderna. En los 80, experimentó con tejidos luminiscentes, papeles metalizados, cuero… Sin embargo, en 1999 Paco Rabanne se retira de la moda y su marca con él. Es en 2011 cuando la marca resurge gracias al diseñador Julien Dossena, quien ha devuelto la marca al éxito de los tiempos de su fundación.
Este 4 de febrero se cumplen 40 años desde el fallecimiento de Karen Carpenter. La cantante de los Carpenters moría a los 32 años a consecuencia de un paro cardiaco relacionado con la anorexia que había arrastrado desde los inicios de su carrera, y que se acrecentó con la llegada de la fama. Ella siempre negó padecer la enfermedad, mientras la gente de a pie, ante la incerteza, pensaba que se enfrentaba a algún tipo de cáncer, debido a su delgadez. En realidad, Karen pasaría a la historia por ser una de las primeras celebridades que fallecieron a causa de este desorden alimenticio entonces bastante desconocido.
Aunque para hablar de Karen es imposible no mencionar sus sombras, muy poco del drama que salpicó su vida está presente en sus canciones, las alegres y románticas canciones de Carpenters que tanto marcaron el pop de los años 70. Acaso alguna joya escondida como ‘When It’s Gone (It’s Just Gone)’, incluida en el disco final del dúo, ‘Made in America‘ (1981), podía aludir a la muerte del amor o de la vida misma de manera un tanto tétrica, gótica incluso… y aún así la música, su forma de country-pop luminoso y relajado, nos seguía llevando a un lugar de confort, el mismo que sentíamos al escuchar la cálida y maternal voz de Karen, que tanto convirtió a Carpenters en lo que fueron, en lo que son.
Para entender cuán esencial era la voz de Karen en las canciones del dúo, solo hace falta recordar cuánto hemos ignorado siempre que ellos no fueran autores de muchos de sus hits más emblemáticos: ‘Close to You’, ‘We’ve Only Just Begun’, ‘Rainy Days and Mondays’, ‘Superstar’, la súper feliz ‘Sing’, ‘Hurting Each Other’ (recientemente rescatada por los Avalanches) o ‘I’ll Never Fall in Love Again’ las escribieron otras personas (nadie ha olvidado nunca que ‘Ticket to Ride’ y ‘Please Mr. Postman’ eran versiones). Richard arreglaba, producía, tocaba el piano y el teclado, cantaba, por supuesto elaboró esas capas armónicas tan característicos de la banda, y componía, pero hacía otras cosas y a veces delegaba esta labor en terceros. Karen empezó tocando la batería, instrumento que nunca abandonó del todo, pero nunca escribió una canción: su rol era el de vocalista (como dato, el primer single asociado a los Carpenters, ‘Looking for Love’, estaba a su nombre).
Eran otros tiempos para la industria y los cantautores nos importaban un poco menos, pero Richard sí firmó, mano a mano con John Bettis, cuatro éxitos inmortales de Carpenters como son ‘Yesterday Once More’, ‘Only Yesterday’, ‘Top of the World’ y ‘Goodbye to Love’, este último, adaptado no hace mucho por la omnipresente Phoebe Bridgers. Las dulces melodías de Carpenters, empalagosas como una nube de azúcar; su imagen de niños buenos, que Richard odiaba porque era una imposición de la discográfica; y sus poéticas letras sobre amor, desamor o nostalgia perduran a día de hoy en la imaginería popular, y lo hacen gracias a la voz de Karen, que tanta alma insuflaba a las canciones. Una voz cristalina, poderosa y llena de sentimiento, que encarnaba la música pop misma. Las canciones eran excelentes, pero también se adaptaban a su voz (Richard jugaba mucho con el registro bajo de su hermana), e incluso cuando Karen cantaba una pieza que no le gustaba, como ‘Solitaire’, lo hacía con todo el candor del mundo. Es a Karen a quien queremos escuchar cuando nos ponemos a los Carpenters.
También las canciones, claro, que tanto nos han seguido acompañando a través de las generaciones. Como el repertorio de los Beatles, de ABBA o de Elvis Presley, o en España el de Rocío Jurado o Julio Iglesias, el de Carpenters conforma su propio estándar de excelencia y se ha seguido vendiendo y escuchando a lo largo de las décadas. Los streamings de ‘Close to You’ y ‘Top of the World’ se cuentan por los cientos de millones, pero mi favorita personal es ‘We’ve Only Just Begun’. Desde que empieza, taciturna, con la voz tristona de Karen, hasta que eleva el espíritu con la entrada de baterías y coros, siempre me ha parecido una canción perfecta de Carpenters en todo su conjunto. Fue una de mis primeras aproximaciones a su repertorio, cuando la radio de Last.FM te podía descubrir muchos de sus éxitos incluidos en el recopilatorio ‘Gold’ (más tarde descubrí que previamente ya había escuchado el trabajo de Richard Carpenter en un single de las rusas t.A.T.u.: él orquestó ‘Gomenasai’ y no, no me lo estoy inventando, lo dijo él mismo).
La definición de clásico atemporal, como tantos que escribieron Burt Bacharach y Hal David, ‘Close to You’ la han adaptado desde Rumer hasta Frank Ocean y se ha usado lo mismo en bodas que en funerales. Es otro de los grandes hitos de los hermanos. «Desde que descubrí ‘Close to You’, siempre ha sido una de mis canciones favoritas, siempre me la he sabido de memoria», cuenta mi compañero Sebas. «Me encantaría decir otra cosa, pero la descubrí en ‘Cosas de Casa‘, cuando Carl Winslow se la dedicaba en una escena a su esposa. Por suerte, pronto descubrí que «la original» (antes de los Carpenters la grabaron otros artistas) era mucho mejor. Karen Carpenter, habitual en la VH1 de la época, era todo magnetismo mirando a cámara o tocando la batería. Siempre me han gustado las voces así: dulces, expresivas y poco chillonas. Seguro que inspiró a muchas de mis voces favoritas de los 90, como Nina Persson o Sarah Cracknell. «Close to You» es también uno de los mejores trabajos de Burt Bacharach y Hal David. Es uno de mis primeros contactos con una canción sin estribillo, algo que suplen el cambio melódico en el puente («So they sprinkled moon dust in your hair…») y la outro llorica con todos esos «wah-wahs»».
La televisión también ha contribuido a inmortalizar el catálogo de los Carpenters. «Supongo que como mucha gente de mi generación, mi primer contacto con (ellos) fue a través de los Simpsons», cuenta Mireia. «‘(They Long to Be) Close to You’ era la canción de Marge y Homer… y en casa teníamos el single. La edición española, que en la cara B traía ‘Ticket to Ride’. Y esa era la canción que realmente le chiflaba a mi padre, el motivo fundamental de que el single estuviera en casa. Y no me extraña: no suelo ser muy fan de las versiones de los Beatles, pero es que la de los Carpenters es exquisita, con su introducción a piano que puede confundir un poco, su sobreproducción, con la angustia post-adolescente de Lennon convertida en un canto quedo, maduro, de resignación… O no. Porque así como la versión original me genera simpatía hacia la muchacha fugitiva (¡sé libre! ¡Huye del plasta de Lennon!), si lo canta Karen odias profundamente al prófugo. “He’s got a ticket to ride. And he don’t care”. Esos “don’t care”, en la voz dulce, emocionante, perfecta de Karen, se clavan como dagas. ¡Maldito! ¿Cómo has podido dejarla?»
Rizando el rizo, también era posible descubrir a Carpenters a través de las versiones que otros artistas hacían de las canciones que ellos mismos habían versionado… o también escrito. Es el caso de ‘Yesterday Once More’, de la que Raúl Guillén guarda una curiosa memoria. «Recuerdo muy bien cuando fui consciente de la existencia de Carpenters y de su increíble catálogo de canciones: en la explosión post-grunge, ‘If I Were a Carpenter’ (1994) reunía a nombres del relumbrón de Sonic Youth, The Cranberries, Sheryl Crow, American Music Club, Babes In Toyland o Shonen Knife para celebrar el repertorio del dúo, interpretando con libertad canciones como ‘Top of the World’, ‘Superstar’, ‘Close to You’ y revelaban a una (otra) generación esas gemas de Richard y Karen Carpenter… cuando ya se había estrenado y retirado ‘Superstar’, el documental del luego idolatrado Todd Haynes que revelaba el lado oscuro de la carrera del dúo, que culminó con la trágica muerte de Karen».
Continúa: «En ese homenaje coral unos Redd Kross que por entonces vivían su pico de fama tras publicar el gran ‘Phaseshifter‘ interpretaban con ramalazo hardrockero ‘Yesterday Once More’ (¿cuánto habría molado ver a Karen romper las baquetas, su instrumento-fetiche, en esta transformación desgreñada?). En el momento que escuché la versión de los californianos me di de bruces con un vívido recuerdo de mi infancia, cuando Carpenters triunfaban (sí, también en nuestra Españita) con melodías radiantes como esta. Una balada alucinante, con una interpretación vocal excelsa por parte de una de las mejores cantantes de la historia del pop y unos arreglos celestiales -que no excesivos-, que nos habla de los «shalalalas», «uoh-uooohs», de «shing-a-ling-a-dings» que sonaban en viejas canciones que ponían los pelos de punta y hacían brotar irrefrenables lágrimas a su intérprete… Un stendhalazo que, en un maravilloso giro metamusical, a mí también me hacía sentir (y aún lo hace) no ya que Karen cante para mí, sino que yo mismo soy Karen y que vuelve a ser ayer.»
Los recuerdos permanecen y lo demás, como cantaba Karen precisamente en ‘When It’s Gone (It’s Just Gone)’, en la que tocó la batería por última vez, se va:
Where’s the word for the sadness
Where’s the poetry in the pain
Where’s the color in the stain where the tears have fallen
It’s gone, it’s just gone
Karol G ha publicado hoy el primer sencillo tras el anuncio de su próximo disco, ‘Mañana será bonito’, del cual todavía no sabemos fecha de lanzamiento. ‘X SI VOLVEMOS’ se trata de la primera colaboración de la colombiana con Romeo Santos, está producida por Ovy On The Drums (‘Tusa’, ‘MAMIII’, ‘PROVENZA’) y lo tiene todo para convertirse en el próximo hit de Carolina Giraldo.
‘X SI VOLVEMOS’ tiene una fórmula sencilla, en la que Karol y Santos le cantan al sexo post relación («A nadie de confianza se le niega un polvo de despedida») sobre una base de reggaetón adornada con unos dulces acordes de guitarra. No inventa la rueda, ni pretende hacerlo, pero sí que es tremendamente pegadiza y las voces de tanto Karol como Santos brillan por sí solas.
Tiene una temática similar al clásico ‘Noche de Sexo’ de Wisin & Yandel, en colaboración con el propio Romeo Santos. De hecho, Karol G hace un guiño a este tema al final de la canción. Por el momento, ‘X SI VOLVEMOS’ no dispone de videoclip pero es muy probable que se publique uno en algún momento, dado que todos los singles que ha sacado Karol G en los últimos meses han recibido uno.
A su vez, es de esperar que ‘PROVENZA’, ‘GATÚBELA’ y ‘CAIRO’ estén incluidas junto a ‘X SI VOLVEMOS’ en el nuevo disco de Karol G, que llegará dos años después de ‘KG0516’ y será el cuarto LP de su carrera. Giraldo le contaba a la revista Rolling Stone que el título del largo, ‘Mañana será bonito’, viene de una frase que se repetía a sí misma en los días malos, cuando se sentía «desconectada de mí misma y de mis amigos».
Si sueles escuchar Sesión de Control, quizá te suene ‘Ritmo’. El tema estrella del EP de Teo Lucadamo celebra ya haber superado la cifra de un millón de streamings en Spotify desde su edición el pasado otoño. Además, lo ha logrado sin el apoyo de Novedades Viernes España, Éxitos España, Novedades Indie, ni ninguna playlist tan poderosa: tan solo ha aparecido de manera orgánica en las virales de nuestro país.
‘Ritmo’ es un tema influido por el hip-hop, el funk y el house, pero todo en él es esclavo de una letra que se jacta de tener aquello de lo que se presume en el título. Alguien con un beat tan metido dentro que debería ser «cardiólogo», que es un auténtico «metrónomo», que es casi una pena que no sea el beatmaker más conocido del país.
La simpática canción se acompaña de otras composiciones como ‘Droga para ricos’, ‘Cochecama’ y ‘Capa’ en el EP ‘El humano’, entre más ritmos noventeros como el acid, voces femeninas y no sé si decir spoken word. “Esa copa rota espero que no sea mi copa” es el leit motiv de la última. Lo que quizá no sabías es que Teo Lucadamo es uno de los hijos de Aitana Sánchez-Gijón con el pintor, fotógrafo, dibujante y escultor argentino Alejandro «Papin» Lucadamo. Un nepobaby de manual, lo que esperemos no sea decisivo para la eterna disyuntiva en esta sección: Revelación o Timo.
REYKO nos hablan en su tercer disco de una «fantasía multi-color» como coartada para justificar la variedad de géneros que encontramos. Podemos pensar que el fuerte del dúo español sito en Londres es la pista de baile underground. Una en la que cabe su macrohit de tropical house ‘Spinning Over You’ y también los escarceos electroclash de su segundo álbum, ‘Pulse’.
Estoy seguro de que los temas nuevos más esperados en su gira serán ese ‘Tú y yo’, un rock underground lo-fi que conecta con gente como The Strokes; lo mismo que la feliz ‘Already There’. La abrumada ‘Leaving Station’, sobre las presiones del mundo moderno, una de las temáticas del disco, tiene un estribillo intrigante.
Pero la Velvet era una influencia gigante en The Strokes y Lou Reed también es un nombre reivindicado aquí a través de baladas a la guitarra retro, como ‘All I Ever Do’. Es esta una canción de devoción, entonada excepcionalmente por Igor, que habla de «huir de las fotos y todo eso», de declararse en plan «old school», de «mirar a los ojos y decir que solo puedo pensar en ti». Las guitarras eléctricas distorsionadas también remiten a los R.E.M. de mediados de los 90, los de ‘Monster’ o ‘Be Mine’.
Es una sorpresa que las baladas sean lo mejor de un disco de REYKO -y ahí está la deliciosa ‘Siempre estaré contigo’-, porque no es lo que esperamos de un disco de REYKO, pero hay dos posibles explicaciones para ello. De un lado, esa ambición «multicolor» de que presume el álbum echa de menos un poco más de riesgo en la parte más hedonista. Digamos que en un mundo de hyperpop, drill y filtros de TikTok, ‘Fantasía’ no es todo lo «fantasía» que podría ser.
De otro, la voz de Soleil se sitúa en el lado más exquisito del indie pop. Black Box Recorder siempre me parecieron una referencia para REYKO, más que Diplo. Así que hay varios momentos en esa línea en los que el grupo suena especialmente confortable. ‘Josephine’, un ánimo para que una amiga pase de los cabrones, puede comenzar en plan ‘The Passenger’ de Iggy Pop, pero lo mejor es que deriva a una bossa pop que ni Astrud Gilberto o los primeros Cardigans. La suave ‘North to South’ suma en esa línea, mientras la calidad de los dos instrumentales -‘Bienvenidos’ hacia la mitad y el contemplativo ‘6pm’ al final- contribuyen a que este sea el álbum más dinámico del dúo.
REYKO actúan en Barcelona el próximo 24 de febrero (Laut), en Madrid el 2 de marzo (El Sol) y en Valencia el 10 de marzo (La Salà).
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