Puede que conozcas a Marina Herlop por su colaboración con Bn10 en la estupenda ‘AHH!‘. Su voz llevaba la canción a otro lugar, y es probablemente la herramienta más importante de su trabajo. Sus dos primeros discos, ‘Nanook’ (2016) y ‘Babasha’ (2018), se centraban en una fusión de voz, piano ambiental y abstractos detalles electrónicos. En ‘Pripyat’ la voz es aún más importante, pero también lo es el fondo electrónico. Es su primer disco grabado enteramente en ordenador.
Herlop es uno de los talentos más peculiares de la electrónica estatal. La catalana canta en un idioma completamente inventado, compuesto por sílabas que le proporcionan apoyo rítmico. ‘miu’ es su composición más lograda en este sentido. Inspirada en la música carnática del sur de la India, ‘miu’ se compone de un grupo de melodías vocales que se entrelazan y forman una dramática y fascinante polifonía, un conjuro decorado con beats propios de la IDM. Sin embargo, el trabajo vocal de ‘miu’ es tan importante que Herlop cierra ‘Pripyat’ con una versión «coral» de esta misma canción.
‘Pripyat’ -llamado como la ciudad fantasma ucraniana próxima a Chernóbil- encierra más sorpresas. Los pianos emergen ya en la inaugural ‘abans abans’, pero lo hacen distorsionados por un efecto «glitch». Desde el segundo cero queda claro que Herlop ha buscado no solo complicar su lenguaje sonoro, sino también elevarlo a un nuevo lugar. ‘abans abans’ cuenta con una melodía vocal elástica y cautivadora que hace pensar en Meredith Monk o en la española Fátima Miranda. Por otro lado, su base musical es un pequeño espectáculo de beats descompasados, efectos de ruido blanco y pianos. El conjunto hace pensar en las locuras de Tujiko Noriko o Juana Molina.
A veces, la música de ‘Pripyat’ parece ir en diferentes direcciones, pero siempre es evidente que lo hace de manera extremadamente pensada y elaborada. Incluso pop. ‘shaolin mantis’ sigue explorando la misma fórmula pero incorpora una base rítmica aún más contundente que hace pensar en un hip-hop deconstruido y abstracto. Y ‘lyssof’ presenta abundantes ganchos vocales que transmiten una energía ancestral. En contraste, la base musical juega con diferentes diseños sonoros que pueden recordar a Aphex Twin o Laurel Halo. Siempre tímidamente, porque Herlop maneja su propio estilo.
Herlop sigue investigando su nuevo sonido en la juguetona ‘ubuntu’, que incorpora más juegos vocales, beats a lo IDM, retazos de tecno y percusiones que parecen marimbas. Y finalmente sorprende con el canto religioso de ‘Kaddisch’, un conocido rezo de la religión judía, que Herlop lleva al terreno de lo cósmico. Su resbaloso fondo electrónico recuerda al trabajo de Arca con Björk, en especial a ‘the gate’. La única pega que se le puede poner a todo esto es la sensación de EP que deja un álbum con apenas 6 pistas originales y una autoversión. Por lo demás, Herlop se confirma como una artista a la que seguir de muy cerca.
M.I.A. ha estrenado ‘The One’, el primer single de su disco ‘MATA’, cuya fecha de lanzamiento se desconoce. La rapera había detallado que volvería con «powa powa», pero el trap de ‘The One’ suena genérico. En la línea, eso sí, de ese ‘FRANCHISE‘ con Travis Scott que lograba el número 1 de Estados Unidos hace unos meses. M.I.A. actúa el mes que viene en Primavera Sound.
Parece que ‘OHMNI 202091’, ‘CTRL’ y ‘BABYLON’ finalmente no formarán parte de este nuevo largo.
En una entrevista con Apple Music, M.I.A. asegura que uno de los temas que tratará ‘MATA’ será la «islamofobia» y «las guerras que suceden en Oriente Medio». Además, la artista cuenta que se ha vuelto cristiana. Asegura que tuvo una visión de Jesucristo. «Creativamente es una cosa muy loca porque mi mundo dio un vuelco. Todo lo que creía ya no era verdad». M.I.A. no saca disco desde 2016, año en que editó el irregular ‘AIM’.
El año pasado, M.I.A. habló sobre su próximo álbum en una entrevista. En resumen, dijo que será un trabajo menos político y más espiritual. «Estoy intentando dejar a un lado la parte política y centrarme en la espiritual», contó. «Sé que todo es político, pero después de sacar mis dos discos anteriores, ya había cambiado de mentalidad. Y pensaba que nunca iba a escribir otro disco».
M.I.A., que en el momento de aquella entrevista no está fichada en ningún sello, explica que no tenía intención de hacer ningún disco, pero que empezó escribiendo una canción y terminó escribiendo tres, cuatro, cinco… hasta completar un álbum.
Depeche Mode anuncian la muerte de su miembro histórico Andy Fletcher, a los 60 años, como consecuencia de «causas naturales». Esto último lo han confirmado fuentes cercanas a la banda a Pitchfork. La mujer de Andy Fletcher, Grainne Fletcher, había publicado en Instagram hace 5 semanas una foto de Andy en Urgencias con el brazo escayolado tras haber sufrido un accidente de bicicleta en Barcelona. Es su última actualización.
La noticia de la muerte de Andy ha saltado a través de las redes sociales, donde los Depeche Mode restantes, el vocalista Dave Gahan y el compositor histórico principal Martin L Gore, han compartido el siguiente texto: «Estamos muy impresionados y llenos de una tristeza que nos supera con la reciente muerte de nuestro amigo, miembro de la familia y compañero de banda Andy Fletcher “Fletch”. Fletch tenía un corazón de oro y siempre estuvo ahí cuando necesitamos apoyo, una conversación vívida, una buena risa o una pinta fría. Nuestros corazones están con su familia y pedimos que le tengáis en vuestros pensamientos y respetéis su privacidad en este momento tan difícil».
Influido primero por la escena post-punk y luego por la escena electrónica coetánea de Human League y OMD, Andy Fletcher montó la banda No Romance In China junto a su compañero de colegio Vince Clarke. Después, Andy -que ejercía de bajista- conoció a Martin Gore en un pub, y los tres terminaron formando Composition of Sound. Dave Gahan sería el último en sumarse, adoptando el nombre de Depeche Mode.
Tras la comentadísima marcha de Vince Clarke de la banda después del debut de Depeche ‘Speak & Spell’, Andy Fletcher obtuvo más protagonismo como multiinstrumentista. También ha sido considerado a menudo el portavoz de la banda y el que la ha mantenido unida en muchos sentidos, pese a no ejercer de compositor. Entre sus fans es muy recordado por sus sesiones de DJ y por fundar un pequeño sello dentro de Mute, del que muchos recordaréis a las fantásticas CLIENT.
En una entrevista de 2009 preguntaban a Andy Fletcher por la situación interna de Depeche Mode, la banda en «la que el que escribe, casi no canta; el que canta, casi no escribe»; y luego está «el que mantiene unida a la banda», pues se considera que Fletcher medió vivamente en Depeche durante los litigios de la banda en la era ‘Exciter’, sobre la composición, con un Gahan que cada vez quería más protagonismo. Fletcher respondía: «No es exactamente así. Creo que a veces es difícil para la gente mirar a una banda de electrónica y entenderlo. Es fácil ver a una banda de guitarras y entender quién es el bajista y quién el batería. Pero con las bandas de electrónica no es tan obvio. Tendemos a contribuir en todo. Por eso hay una situación como la nuestra».
Los representantes de Noruega en Eurovisión fueron unos de los que más llamaron la atención este año. El certamen lo vieron 161 millones de personas, pero ni una de ellas llegó a verles las caras a estos dos enmascarados. Subwoolfer logró un top 10 con ‘Give That Wolf A Banana‘, y ahora lanza una parodia de lo ocurrido en el festival. ‘Space Kelly’ es su reinterpretación de ‘Grace Kelly’ con referencias a las máscaras, las posiciones finales, Chanel y muchos otros concursantes.
«¿Tienes pensamientos sucios? ¿Tienen 30 años estos lobos o más bien 45?» «Quizás somos demasiado guapos y si os lo enseñamos se derretirían vuestros ojos». Así bromean los dos lobos sobre su desconocido rostro. Pero, ¿Qué edad tienen exactamente? No se puede estimar una edad en concreto, pero sí sabemos que podrían ser los padres de Chanel: «Somos lo suficientemente viejos como para poder ser sus padres».
Pero ¡¿Quién son?! En el estribillo bromean con que cualquier otro representante podría esconderse bajo esa máscara. Puede tratarse de Sam Ryder (Reino Unido), Konstrakta (Serbia), Kalush Orchestra (Ucrania), We Are Domi (República Checa) o Mahmood & Blanco de (Italia). El tema termina no sin antes reírse de todo aquellos que podrían haber quedado en el top 10 pero finalmente no lo hicieron, y ellos sí.
El 1 de junio, The Rolling Stones ofrecerá un concierto único en España como parte de su gira ‘SIXTY‘. Lo harán en el Wanda Metropolitano de Madrid, y ya han anunciado quiénes serán sus teloneros. The Rolling Stones actuarán justo después de Sidonie y Vargas Blues Band feat. John Byron Jagger.
Sidonie lleva más de 20 años entre nosotros, pero cuando empezaron, no lo hicieron cantando sus propias canciones. En realidad, comenzaron tocando versiones de grupos que admiraban, y entre esas canciones también se encontraban algunas de The Rolling Stones. Su último álbum lo lanzaron en 2020, ‘El regreso de Abba‘. El título no hace referencia al grupo sueco, pero la idea de desarrollar un álbum a partir de ese concepto es algo que Sidonie podría hacer perfectamente. Un concepto casi como el ‘Sálvame‘ de Pantocrator.
Por otro lado, Vargas Blues Band feat. John Byron Jagger también tienen relación con The Rolling Stones. Como se puede leer, John Byron Jagger lleva ese apellido. De hecho, es sobrino de Mick Jagger. Por otro lado, Vargas Blues Band es el proyecto de Javier Vargas, uno de los guitarristas españoles más aclamados internacionalmente. Ha trabajado mano a mano con Carlos Santana, y también con Prince o Larry McCray. Desde sus inicios en 1991, ha logrado 8 discos platino. Todavía quedan algunas entradas para poder ver a The Rolling Stones, Sidonie y Vargas Blues Band feat. John Byron Jagger el 1 de junio en Madrid. Los tickets están a la venta en doctormusic.com, entradas.com, livenation.es, lasttour.org y ticketmaster.es.
Barcelona está a punto de convertirse en la capital de la música durante unos días con el Primavera Sound, pero antes de eso, hay un teteo, un racheteo, un mamarre en Razzmatazz imprescindible. Mañana, 27 de mayo, la DJ Flaca presenta su fiesta ‘Chukiteo’, donde el perreo, el dembow y el reggaetón más clásico inundarán la mítica sala catalana. Además, también se podrá disfrutar de Uzielito Miz y Safu.
Flaca es una DJ argentina componente del colectivo CHICA, que tantas fiestas han animado. Su fiesta ‘Dimelow’ es el momento, y ahí pincha sus mixtapes entre los que se encuentra ‘Peligrosa’, la que C.Tangana llegó a bautizar como «best tape ever». La DJ es un referente por ser de las primeras mujeres que se han atrevido a pinchar reggaetón en un ambiente tan «machista, facha y homófobo».
A sus fiestas hay que ir sin vergüenza y con ganas de bailar, porque tal y como explicó en una entrevista con El País, «En España se baila fatal. Los hombres heteros no mueven la cadera. Y las niñas ahí bailando… Hay que perder el miedo. Si te pongo Bad Bunny o Nicky Jam y no te mueves, ve al médico porque bien no estás».
A Flaca la acompañarán Uzielito Mix y Safu. El primero es un DJ y productor mexicano que comparte con Flaca su pasión por el reggaetón antiguo. En Spotify, 4 de sus canciones cuentan con más de 30 millones de visitas. Safu, por otro lado, es una joven artista pamplonesa de origen cubano con mucho flow que busca hacerse un hueco en la música urbana. Es bailarina profesional, y participó en la edición de 2019 de ‘Fama A Bailar’. Las entradas para la fiesta de mañana están disponibles aquí.
En la secuela de ‘Top Gun’ hay dos ausencias destacadas: Meg Ryan, que interpretaba a la pareja del difunto Goose, y sobre todo, dado su protagonismo, Kelly McGillis, la novia de Maverick (Tom Cruise). La razón de este ninguneo la ha apuntado McGillis en una entrevista en Entertainment Tonight: “Soy vieja, gorda y aparento la edad que tengo”, 64 años. Su rol ha sido sustituido por Jennifer Connelly, que tiene menos años, 51, y menos kilos.
Una tercera ausencia podría haber sido la de Val Kilmer. “Iceman” también está «viejo» (62 años) y gordo, pero la razón de que al principio no estuviera en el reparto de ‘Top Gun: Maverick’ no fue su “mal” estado de conservación, sino su mal estado de salud. El actor fue operado en 2015 de un cáncer de garganta que le ha dejado graves secuelas en la voz. Kilmer insistió a los productores que su personaje no podía faltar en la película y les convenció de que estaba en condiciones de actuar. Al final sale poco, pero sale.
El reciente estreno en Filmin del documental ‘Val’, una producción de A24 presentada el año pasado en el Festival de Cannes, es una buena oportunidad para conocer la turbulenta vida de una de las grandes estrellas del Hollywood de los 80 y 90, que se fue apagando tras su desastroso ‘Batman Forever’ (1995) y cuya enfermedad parece haberlo hundido definitivamente. Las escenas donde aparece firmando fotos en la Comic-Con como una vieja gloria son tremendas. Sobre todo si las comparamos con las de su “compañero de ala”, paseando hace unos días por la alfombra roja de Cannes.
‘Val’ mezcla imágenes de la vida actual de Kilmer con material de archivo grabado por el propio actor a lo largo de su vida. Lo primero es menos interesante. Salvo algunos momentos puntuales (la mencionada secuencia de la Comic-Con), la mayoría son escenas cotidianas que, una vez pasado el shock de ver el deterioro físico del actor, resultan algo repetitivas, un mero sostén narrativo para lo que realmente importa: el relato de la vida del actor a través de sus vídeos caseros y de sus recuerdos narrados –en un bonito gesto de amor paternofilial- con la voz de su hijo.
Son imágenes que documentan su infancia (donde ocurrió un hecho traumático), su vida familiar (estuvo casado con la actriz Joanne Whalley, con quien trabajó en ‘Willow’) y su carrera como actor. Aquí hay momentos impagables: unos jovencísimos Kevin Bacon y Sean Penn enseñando el culo en un camerino, el infernal rodaje de ‘La isla del Dr. Moreau’ -con Marlon Brando pasando de todo y Kilmer ganándose su fama de actor difícil- y unos inenarrables castings donde el actor se ofrece para trabajar en ‘La chaqueta metálica’ o ‘Uno de los nuestros’ rodándose a sí mismo como si estuviera en una escena (mala) de esas películas.
‘Val’ es un ejercicio de narcisismo y honestidad brutal, un biopic descarnado que resulta más interesante por el subtexto, por lo que dejan traslucir sus imágenes, que por su discurso, demasiado hagiográfico. Val Kilmer como ejemplo del actor limitado, aupado a estrella juvenil, que suple sus carencias con toneladas de entusiasmo, inconsciencia y fuerza de voluntad. Un (auto)retrato que conmueve por la decadencia física del actor pero también por lo admirable y entrañable de su combate interior.
La relación entre Shakira y Hacienda es bien conocida. Según la Agencia Tributaria, la cantante estafó entre 2012 y 2014 14,5 millones de euros a Hacienda, y desde que la empezaron a investigar siempre ha insistido en su inocencia. La Audiencia de Barcelona acaba de tumbar la única oportunidad que tenía la artista de no ir a juicio al desestimar el recurso presentado por el equipo de la cantante. Por tanto, Shakira se enfrenta a un juez que podría exigir, en el peor de los casos, su ingreso en prisión.
La Fiscalía asegura que entre 2012 y 2014 Shakira ya era residente fiscal en España, es decir, que pasó más de la mitad de los días del año en el país. Al ser residente fiscal estaba obligada a pagar sus impuestos aquí, pero eso no pasó. La cantante está segura de que ella no residió en España a lo largo de esos años y garantiza que solo visitó el país de forma esporádica. Sin embargo, Hacienda determina que las pruebas dicen lo contrario. Pagos con tarjetas de crédito, fotografías, la compra de una vivienda o citas en una clínica son algunas de las pruebas que avalan esta versión.
La cantante presentó un recurso de apelación para persistir en que no hay pruebas suficientes como para confirmar que su país de residencia habitual fuese España. Sin embargo, la Audiencia de Barcelona ha desestimado su recurso, por lo que ya no puede evitar sentarse frente al juez. Es improbable que Shakira cumpla condena en la cárcel, porque todavía está abierta la posibilidad de pacto con la Fiscalía, pero no podrá cerrar el asunto sin juicio.
Justin Timberlake ha vendido los derechos de sus canciones al fondo de inversión Hipgnosis, confirma Variety. El autor de ‘SexyBack‘ se suma así a la larga lista de artistas que, en los últimos tiempos, han vendido sus catálogos por grandes sumas de dinero. Timberlake ha aceptado una cifra que rebasa los 100 millones de dólares.
En concreto, Hipgnosis ha adquirido el 100% “de todos los derechos de autor, propiedad e intereses financieros de Justin Timberlake en la participación del escritor y el editor en los ingresos por presentaciones públicas, así como el catálogo de composiciones musicales escritas por Justin Timberlake”. La venta incluye también “los derechos de administración mundial de las composiciones, sujetos al plazo restante de los derechos de administración de Universal Music, que vence en 2025”.
Merck Mercuriadis, CEO de Hipgnosis Song Management, ha elogiado el talento de Timberlake en un comunicado, en el que le describe como «uno de los artistas más influyentes de los últimos 20 años y también uno de los mejores compositores de la historia». En su catálogo se incluyen éxitos como ‘Cry Me a River’, ‘Rock Your Body’, ‘SexyBack’, ‘My Love’, ‘What Goes Around . . . Comes Around’, ‘Suit & Tie’, ‘Mirrors’ o ‘Can’t Stop The Feeling’. Su último álbum de estudio, el irregular ‘Man of the Woods‘, vio la luz en 2018, y Justin lleva tiempo preparando el siguiente.
La venta de catálogos por parte de artistas de primer nivel es una práctica cada vez más común en una industria dominada por el streaming. De esta manera, los artistas reciben de una vez los ingresos que su música puede generar en el futuro. Además, muchos artistas han tenido que cancelar conciertos por la pandemia, por lo cual han perdido grandes sumas de dinero.
Muchos artistas que venden sus catálogos son veteranos que buscan asegurarse ingresos ante la posibilidad de no poder salir de gira. Solo el año pasado, Bruce Springsteen vendió su catálogo a Sony por 500 millones de dólares, y Bob Dylan vendió el suyo a Univeral por una cifra que rondaba los 300 o 400 millones. Sin embargo, también son muchos los artistas jóvenes que han decidido deshacerse de los derechos de sus canciones por razones económicas, como Shakira o David Guetta.
Esta vez los fans de Rammstein no han tenido que esperar diez años a tener disco nuevo de la banda. No sé si es de las pocas cosas que pueden agradecer a la pandemia. En 2020 Rammstein tenían que proseguir la gira de ‘RAMMSTEIN’, pero la pandemia lo impidió. El confinamiento trajo, pues, este disco. Y puede explicar la cierta carga de melancolía que encierra. No en vano, la primera canción se titula ‘Armee der Tristen’, “Ejército de los tristes”. De la famosa versión de Héroes del Silencio nada se sabe.
Es posible que estas circunstancias, además, hayan influido al conjunto del álbum para bien. Contra todo pronóstico, Rammstein esquivan la bala de la repetición y la inanidad suavizando sus postulados. Se han hecho todavía más pop, más zumbones, menos pesados, han domesticado en lo posible su sonido característico. También parecen más preocupados en mostrar algo coherente y cohesionado que en epatar. De hecho, es interesante ver cómo esta vez eluden las polémicas obvias, sin renunciar a su habitual ambigüedad. Quizás ‘OK’, que significa “Ohne Kondom“, “Sin condón”, puede llamar al alzamiento de cejas.
Ya ‘Armee der Tristen’ sacia más que ‘Deutschland’, y eso sin ser single. ‘Zeit’, el primer sencillo, es augusta y épica, pero comedida. Lindemann canta de manera relativamente sobria este lamento sobre la fugacidad del tiempo. Probablemente, lo más cerca de Depeche Mode que han estado nunca (¡esa guitarra!).
‘Schawrz’ también es bastante reseñable, gracias a una buena combinación de lo badalístico con grandilocuente. Rammstein aprovechan para atizar al miedo que la blanca Europa le tiene a las “invasiones” de refugiados e inmigrantes. Los riffs pesados y la velocidad habituales de la banda regresan en ‘Giftig’ o en el single ‘Zick Zack’, caricatura acerca de los excesos de la cirugía estética, con una línea de teclados de lo más guasona y cercana al technopop.
Pero quizás las piezas más interesantes vienen al final, donde la banda se abre más al pop. ‘Dicke Titten’ arranca fatal, con un sample de una marcha popular alemana que queda horrible, y el soniquete prototípico de la banda. Pero su posterior acercamiento al dance pop épico le da un plus. O la emotiva y desatada ‘Lügen’: el autotune en el estribillo está muy bien usado, y la canción consigue equilibrar lo épico, lo pegadizo y lo melancólico, y muestra las posibilidades de Rammstein cuando se olvidan del garrafón y abrazan su lado más melódico.
Bulego es un grupo pop vasco que hace unos meses propusimos para que se animaran con eurovisión. Por esa época también, la banda acababa de publicar su álbum debut ‘Erdian Oraina’, de donde destacábamos los temas ‘Bueltan da!!!‘, ‘Pizten ari da‘ y ‘Ezer ez da berdina‘. Este viernes 27 de mayo Bulego lanza su nuevo single ‘Suzko Erroberak’, y la banda estrena el videoclip hoy en exclusiva en JENESAISPOP.
‘Suzko Erroberak’ (Fuegos Artificiales) es el regreso de Bulego desde que lanzaron su primer álbum. La banda sigue apostando por el pop en euskera, esta vez para empoderar a toda esa gente que ha tenido que luchar a contra corriente por ser tal y como eran. En el videoclip, Bulego ha optado por plasmar la realidad escolar donde romper las reglas es un acto de valentía muchas veces aplastado por construcciones sociales interiorizadas.
«Nos convertimos en fuegos artificiales». Así arranca el estribillo del tema para plasmar esa adrenalina que se apodera del cuerpo al romper las reglas. «La letra quiere alentar al que la escuche a no sentirse mal consigo misme aunque esté al margen de lo que se espera de elle», explica una nota de prensa. Y si ha habido una época donde era indispensable comenzar a romper las reglas, esa ha sido los 60-70. No es casualidad que Bulego haya escogido estos años para ambientar su videoclip.
Esta vez Sky Ferreira ha cumplido su palabra y esta medianoche nos ha entregado su esperado single, el que ha de presentar al fin su segundo disco, 9 años después del primero. El sucesor de ‘Night Time, My Time‘ continúa llamándose ‘Masochism’ y está al fin en marcha desde hoy.
Fiel a su estilo impregnado de rock y pensamientos turbios, ‘Don’t Forget’ dispone de atmósferas opresivas y una producción que parece influida por el paso del post-punk de finales de los 70 al new-wave de principios de los 80. Nombres como Siouxsie and the Banshees continúan viniendo a la mente en este tema que Sky Ferreira ha escrito en compañía de Jorge Elbrecht y Tamaryn Brown, y producido por el primero. El tema se ha construido a través de una estructura de estrofa, pre-estribillo, estribillo y post-estribillo.
Sky Ferreira ha concedido una entrevista a Vulture en la que habla sobre ‘Don’t Forget’, indicando que «se suponía que no iba a ser tan apocalíptica, pero de muchas maneras lo es», remitiéndonos a un «lugar entre el cielo y el infierno, pero no en el sentido bíblico».
La artista habla sobre cómo se ha sentido «sofocada, ahogada» durante mucho tiempo y se explaya sobre la falsa sensación de libertad que tenemos hoy en día. Como dice en la letra de la canción, «ni olvida ni perdona», mientras un usuario de Popjustice bromea sobre estar escuchando lo de «hay fuego en las calles» «5 años después de haber aparecido en un teaser».
De la entrevista con Vulture también se extrae la idea de que el disco no está terminado, pues habla de avanzar en algunas cosas con él junto al popular productor Ariel Rechtshaid, su hombre de confianza en el pasado, pero indica que está «muy ocupado». Dice que tienen material que la gente ya ha oído pero hay otro que la gente no ha escuchado aún.
Bajo la iniciativa Keep Walking, Johnnie Walker organiza una serie de conciertos de artistas más o menos emergentes en distintas ciudades españolas: entre los seleccionados están Mafalda, Marta Movidas, Sevilla Distorsión, Amante Laffón, Sarria, Veintiuno, Mayte González, Confeti de Odio o La La Love You. JENESAISPOP estuvo en una de esas paradas, la de Mafalda, el pasado jueves en Sevilla en Terraza Casino.
¿Y qué sabemos de Mafalda? Debutando con un ‘Don’t Let Go’ que recordaba a los temas de ‘dont smile at me‘ (el estupendo primer EP de Billie Eilish), en sus lanzamientos posteriores Mafalda recordaría más a Reyko o London Grammar. Tras pasarse al español, fue colaborando con gente como Alizzz, productor ejecutivo en ‘Así lo hago yo’, uno de sus singles más escuchados. A sus 27 años, el titular tentador sobre su origen (a lo Anne Hathaway, es la nieta del rey Simeón de Bulgaria; aquí es verídico eso de “princesa del pop”) se diluye tras verla en directo. Porque, a pesar de no tener de momento un repertorio muy extenso, Mafalda convence de sobra defendiendo sus composiciones junto a sus compañeros Sergio y Álex, interactuando con el público y, por qué no decirlo, aguantando las altas temperaturas que en esta ciudad no ceden por la noche, y menos en una ola de calor que convierte mayo en agosto.
De hecho, poco después de empezar el bolo con ‘No sé decir adiós’, Mafalda aconsejaba a los asistentes que reutilizaran los cartones de palomitas regaladas por la organización para abanicarse, “¡vosotros que podéis!”. ‘No sé decir adiós’ fue su primera composición en español, y durante el show fue intercalando temas en nuestro idioma y en inglés. Mafalda nació en Londres, pero ha pasado mucho tiempo en Mallorca, de donde es su familia. Según contó después de interpretar ‘Bailando sin sentido’, cantar en castellano le ha permitido conectar mucho más con el público.
Sonarían ‘Look Away’, ‘Madness’, ‘Hate Me right’, ‘Daisy Chain’ o ‘Don’t Let Go’, junto a temas de su nueva etapa en castellano como ‘Rotos’, ‘Asi lo hago yo’, ‘Vulnerable’ o las mencionadas ‘Bailando sin sentido’ y ‘No sé decir adiós’, además de su explosiva colaboración con Delaporte, ‘Que se acabe’, que usó para “cerrar” el bolo, añadiendo luego un bis con la sugerente ‘Glitter’. Especialmente entregadas fueron las interpretaciones de ‘Look Away’, ‘Rotos’, ‘Glitter’ o la que lo empezó todo, ‘Don’t Let Go’, y sin duda el «highlight» en cuanto a entrega del público fue ‘Que se acabe’.
Habrá más colaboraciones en el disco que prepara, y que en principio sale este año, según contó a JENESAISPOP después del concierto. Al estar volcada en la preparación de ese esperado debut largo (tiene un EP en inglés y otro en castellano), no hay muchas más fechas en estos meses, pero si queréis verla antes de que se lance el disco, tenéis otra oportunidad en el Primavera Sound.
Iban para ingenieros cuando coincidieron en el Colegio Mayor Chaminade hace tres años. Chill Chicos, el trío formado por Javi Aguilar, Salva Cucart y Pascual García logró viralizar algunas de sus primeras canciones, reunidas en un disco recopilatorio llamado ‘Le Chill’, contando todas con ilustres colaboradores. Y ahí, lo mismo les daba alguien cercano al mainstream como Natalia Lacunza, con quien hicieron ‘si volvemos a querernos’, que un grupo de rock underground: con shego hicieron ‘Besos’. dani, trashi, ARON, rusowsky, Fresquito y Mango, interrogación amor… fueron algunos de los nombres que grabaron con Chill Chicos temas próximos al R&B con alguna pincelada de rap, bedroom pop, funky…
‘Los más guapos de Madrid’ es ahora el que consideran su primer disco de verdad, y para ello esta vez han dejado de lado toda colaboración, que no la variedad, ni tampoco las ganas de clavarlo. Antes escribían todos los títulos con minúsculas, ahora lo hacen con mayúsculas. En ‘SPEAKIN CHICOS’, la pista 1, introducen el título del álbum de la siguiente manera: «Los más guapos de Madrid / Y no somos ni de aquí / Ahora estamos súper focus / Porque queremos subir».
¿Subirán Chill Chicos realmente sin «colabos» en un mundo obsesionado con los featurings? ‘LOS MÁS GUAPOS DE MADRID’ era en cualquier caso un paso necesario para medir sus fuerzas por sí mismos, y a veces las cosas les salen tan bien como en ‘NO CHILL‘. Un tema de cierta inspiración post-punk, con unas guitarras meditativas en modo The xx, con una propuesta de vida: «Quédate conmigo que nos vamos a casar / Estoy casado con la music pero hay hueco para más».
Hablando de lo cual, Chill Chicos logran casar este tema con otras producciones muy diferentes, como pueda ser la loca ‘DICEDICEDICE’, donde no adivinarás si su mayor influencia es la PC Music, el drum&bass o Los Chichos; flamenqueo que aparece -palmas mediante- en otra producción tan diferente como ‘PANTERA’, donde han querido unir indie y reggaetón, pero en la que hay algo muy españolete que no deberían dar de lado porque les funciona muy bien.
El disco decide cerrarse con el sabor a antro underground de ‘PISCIS’, próximo a ANTIFAN, solo que tras haber transitado por el beat noventero tranquilo de ‘BIEN LOCO’ o de nuevo el drum&bass -ahora con guitarrita- de ‘NI TAN MAL’. Pero es ‘LUJO$$$O’ el número más llamativo, una elegante producción de funky que quiere dejar atrás su lado más chill, y también el lo-fi y el amateur. Chic son una referencia en las guitarras de corte disco, y PXXR GVNG en chulería: «Mi sabor favorito, tu toto / Eso es así, lo siento por decirlo pero sigue siendo así». Es esta la única pista en el que hay algún tipo de colaboración externa, pues Pascual, Javi y Salva la han realizado en compañía de kofi bae, aunque no la única que puede abrirles puertas.
Chill Chicos actúan este sábado 28 de mayo en la Sala El Sol Madrid, el 30 de junio en Río Babel y el 15 de julio en Asturias.
Renovamos como cada miércoles nuestra playlist dedicada al pop nacional o cantado en castellano «Sesión de Control», comenzando por el tema titular del disco de Cupido, ‘Sobredosis de amor’, a la venta este mismo viernes 27 de mayo. La misma fecha en que tendremos entre manos al fin ‘Burbuja cómoda y elefante inesperado’, el LP conjunto de Anni B Sweet con Los Estanques, del que ahora se adelanta un tema a piano (en principio) llamado ‘Caballitos de mar’.
Hace unas semanas, AMORE pasaba por esta playlist con la irresistible ‘Feria Lo Pagán’ y ahora acaba de compartir una 4ª canción en plataformas, ‘Disneyland Paris’, que pulula entre el R&B y el drum & bass. También repite por aquí Irenegarry, la autora de ‘Dime que me calle’, con ‘A W’. Irene moldea el R&B a su manera… como también Elena Mesa, la exitosa Judeline y la revelación lusillón. Este último es el proyecto de la joven Lucía Juan Casamayor, que sacará su disco en Mushroom Pillow a finales de año.
La madrileña toorai ha publicado un EP de 3 canciones, pero el disco que ya está en la calle al completo es el de Fermi de Tronco. Escogemos ‘Amigos’, uno de los temas que Hoy Empieza Todo está radiando como parte de Promoción22.
El rock desde Intromúsica lo ponen MINIÑO, que estrenan ‘Azul clarito’; mientras Venturi hablan en ‘Puto friki’ de pantalones “skinny” y Jägermeister. El punto latino sui generis nos lo da Ghouljaboy con el primer adelanto de su EP ‘Playa Hosono’. Por su parte, Perapertú presentan una samba galego-portuguesa. Nada que ver con el hit que busca ser ‘Supongo’ de Kabasaki con Don Patricio.
Completamos la playlist con interrogación amor y las nuevas locuras de Sticky M.A. y Rebe, la de él próxima al hyper pop o algo parecido, y la segunda, distorsionando las influencias folclóricas a que apunta en principio.
PRIDE Barcelona ha anunciado su regreso con una serie de actos que se celebrarán del 13 al 26 de junio. Entre estos actos cabe destacar la programación musical que podrá disfrutarse en la avenida Maria Cristina los días 24 y 25 de junio.
Están confirmados Aqua, autores de la mítica ‘Barbie Girl‘ y de uno de los mejores discos de 1997, así como Javiera Mena o WRS, intérprete de ese «llámame bebé» que amenaza con convertirse en una de las canciones del verano, pues acaba de entrar en la lista de singles española.
El resto de artistas confirmadas -por ahora- son Luna Ki, a quien entrevistamos hoy en portada; La Zowi, Marta Sango, Marlena, Rocío Saiz, Ginebras y La Furia. PRIDE Barcelona comunica que todavía quedan muchos artistas por anunciar.
Este año, PRIDE Barcelona se centrará en la visibilidad lésbica, y buscará denunciar la doble discriminación a las que se enfrentan las mujeres lesbianas dentro de la sociedad patriarcal en que vivimos. De ahí que la mayoría de artistas que conforman el cartel musical sean mujeres. Y de ahí, también, que el lema de la campaña sea «bollomami», en alusión al último disco de Rosalía.
Otro de los actos que se celebrarán en PRIDE Barcelona será la lectura del pregón del Orgullo, que correrá a cargo de Aida Doménech, más conocida como Dulceida. Será el 22 de junio. El 23 se celebrará en Barcelona una Verbena de San Juan como alternativa a los bares de l’Eixample de Barcelona.
AQUA, Javiera Mena, WRS, Luna Ki, La Zowi, Marta Sango, Marlena, Rocío Saiz, Ginebras, La Furia… entre otros muchos más artistas por confirmar nos acompañarán durante el #PrideBcn22#Bollomamipic.twitter.com/t2h6RrGYQs
Luna Ki es uno de los nuevos talentos nacionales más comentados de los últimos tiempos. Su colorida estética y canciones como ‘Septiembre’, ‘Voy a morir’, ‘Disney’ con Babi, ‘Febrero’ o ‘Putón’ le han valido millones de escuchas en las plataformas, y su accidentado paso por Benidorm Fest desató un debate en torno al autotune comparable solo al de la modificación de la letra de Mecano que tuvo lugar en Operación Triunfo.
En los últimos días, Luna ha seguido dando pasos hacia el mainstream colaborando con Lola Indigo. Además, acaba de publicar su álbum debut, ‘CL34N’. Pocos días después de que se celebrase Eurovisión me reúno con Luna en un céntrico hotel de Barcelona para hablar del disco, lo cual da pie a una conversación que se torna inesperadamente personal por momentos. Parejas, padres, autoaceptación, Benidorm Fest… Luna Ki habla de todo.
¿Qué significa para ti publicar este disco en este momento?
‘CL34N’ es un momento de superación. Cada foto, cada «look», cada letra… implica abrir mi corazón. Ahí hay un proceso de autoaceptación. Es un disco hecho desde mi intimidad. La portada habla por sí sola. Podría haber hecho cualquier «look», pero he decidido no hacer ninguno. Es una declaración de intenciones en la que pongo a la persona por encima del arte. Yo con un «eyeliner» tengo mucha fuerza, pero sin él tengo más fuerza porque soy vulnerable y esa vulnerabilidad me hace más fuerte.
Me sorprendió que la portada sea en blanco y negro con lo colorida que es tu estética. No parece que te represente tanto.
Tanto portada como contraportada son en blanco y negro. El interior es todo color. Cuando ves a Luna Ki normalmente la estética va por delante y la persona detrás. Aquí quería hacer lo contrario. Estoy desnuda por fuera, la portada es clásica, parece de Alicia Keys. Una mujer desnuda: lo han hecho todas las artistas de pop. Y, por dentro, es lo que normalmente sería por fuera. Quiere decir que esa persona tiene que estar bien para que Luna Ki exista.
¿No te daba miedo que no se entendiera tu propuesta?
La sesión de fotos con Miguel Reveriego fue muy editorial, pero cuando llegué al estudio él me dijo que me quería retratar como nadie me había retratado. La foto de la portada fue de las primeras que hicimos. Se hizo a las 11 de la mañana y acabamos la sesión a las 11 de la noche. Hicimos «looks» muy atrevidos pero esa desnudez era lo que Miguel quería y nos convenció a todos.
Me hacen gracia las trompetas de ‘FAKE’. ¿Qué aporta Luna Ki al reggaetón?
En un tema de reggaetón no quiero hablar de partirlo hasta el suelo. ‘FAKE’ es una oda a lo falso, a lo que pienso del reggaetón y de esas letras que hablan de estar de fiesta y liarse con todo el mundo. Quería que tuviese ese punto de crítica. El reggaetón me recuerda a Cuba, donde está mi familia y mi mundo paralelo, donde todo es súper distinto. Hay muchísima pobreza, en mi familia también. Representa otro estilo de vida, otros valores… Y aunque parezca que ellos nos envidian, yo les envidio a ellos, porque ellos ven que estamos rodeados de falsedad y de artificio.
¿Por qué conectas tan bien con Babi?
Colaborar con artistas es un intercambio de energía muy bestia. Si está bien pensada, una colaboración puede cambiar tu carrera. A Babi la empecé a escuchar y me explotó la cabeza. Pensé: ¿quién es? ¿Por qué tiene mi edad? ¿Por qué no ha sido mi amiga desde los tres años? ¿Por qué no nos conocemos y por qué no nos hemos ayudado? Cuando escuché su música me di cuenta de su inteligencia y de su sensibilidad y quería ser su amiga. Cuando entré en su Instagram vi que ella ya me seguía. Tuvimos una conexión de gemelas tipo ‘Tú a Londres y yo a California’. Estuvimos un año mandándonos maquetas. Y un día me llamó y me cantó «me colé por la puerta de atrás, hasta la polla por tenerte que esperar, mira mi piel, un tres en raya, tu ayuda es más para una dama, mi pana». Ahí lloré. Teníamos mucho en común, tanto con las experiencias con parejas como con la autolesión. La canción la hicimos en cuarenta minutos, en esa misma llamada. Esa noche ya teníamos ‘Disney’. Las dos llorábamos en nuestra casa.
La canción tardó nueve meses en salir porque tienen que pasar muchas cosas para que salga una canción. Entre dos amigas es muy bonito sacar una canción juntas, es como «goals», pero luego hay que ponerse de acuerdo con otras decisiones, como la portada, la fecha de lanzamiento… Fue una experiencia brutal y ‘Disney’ es un temazo.
La música de Babi solía ser triste, ella no se levantaba nunca… y en ‘Disney’ quería ese punto de rabia, de hablar de lo que nos pasa, de la industria, de que queremos ser niñas. Y ella sacó una rabia que yo no le había visto en otros temas. Eso me enorgulleció muchísimo. Babi es una artista increíble, nata, como Billie Eilish.
¿Y con Lola Indigo?
Con Lola la colaboración ha sido distinta. Las dos buscamos colaborar, nos seguimos hace un año, y ella estaba sacando una música muy parecida a lo que yo estaba haciendo en ‘Septiembre’. Con ‘La Niña‘ veía claro que yo podía entrar en su carrera en cualquier momento. Estaba tocando influencias de hyperpop, Charli XCX, pop-rock… Le mandé un tema de afro y no me contestó. Entonces me pidió que le enseñara más. Le mostré el disco entero y cuando escuchó ‘PIKETAISON‘, que era el hit del disco para mí, ella se quiso meter.
¿La canción ha cambiado mucho?
He tenido que sacrificar un minuto mío…
Pero ha ganado la frase de Zendaya.
Ha ganado Zendaya y «hecha mierda pero con estilo». Y el alcance que ella tiene, que hemos cantado en Sant Jordi. Todo lo que me vendrá después de esto no se lo puedo agradecer con palabras. Lola conectó con ‘PIKETAISON’ por la fuerza que ella tiene, lo peleona que es. Eso de Lola me encanta.
‘Patito feo’ y ‘Do Re Mi Fa Sol’ transmiten la idea que te has sentido diferente, y que has convertido eso en una virtud.
He vivido siendo diferente a mi familia, en todos los sitios era diferente. Y eso era algo malo. Cuando hago ‘Septiembre’ se alinean los astros y, de repente, ser diferente es una virtud. Deseo para mis fans que encuentren esa virtud en sus propias diferencias. Que no se rindan. Me da mucha pena pensar que hay niños que no se sienten bien en su propia casa. Que todavía hay sitios donde una persona homosexual es castigada. En este barrio seguramente ahora mismo hay una madre echándole la bronca a su hijo por ser homosexual. Cambiemos eso.
«Ahora mis padres vienen a mis conciertos y cantan las canciones que ellos me decían que no cantase. Les he dado una lección»
En ‘Huérfana’ dices que te has criado “sola del corazón”, y luego metes unos coros infantiles. ¿Qué significan?
‘Huérfana’ habla de no ser huérfana, pero sentirte como tal. De tener padre, madre o lo que sea pero ser huérfana del alma. Tener un alma solitaria porque sientes que no te han cuidado, que te han abandonado… Me daba terror que este tema lo escuchase mi madre y que la gente empezase a investigar sobre mi historia, pero si yo no hablo de mi historia, ¿quién lo va a hacer? El «fana fana huer huer» es como un juego de niños. Las voces de niños pertenecen a un coro infantil de Barcelona.
Este tema en parte se lo hice a un ex que me trató como la mayor mierda. Estaba obsesionado con el sexo. Me intentaba dejar embarazada y luego se iba con otra. El tema narra ese abandono que algunas personas viven no solo de sus padres sino también de su pareja. Esta persona vino a hacer una escucha a casa una vez y, cuando escuchó ‘Huérfana’, se pasó cuatro horas llorando. Para mí es un tema desgarrador porque yo lo he vivido, pero me sorprende que quien ha vivido eso conmigo también llore.
Entiendo que mantienes una relación cordial con él…
Es una relación agridulce. Con mis padres me pasa un poco lo mismo. Mis padres han ayudado indirectamente a que yo sea quien soy. No han ayudado en plan «te compro un micro», «te dejo cantar en casa», «te paso unas clases de producción»… Ellos me decían «deja de chillar», «qué haces cantando», «fuera de casa»… Ahora mis padres vienen a mis conciertos y cantan las canciones que ellos me decían que no cantase. A mi público le tengo que agradecer que haya logrado que mis padres me entiendan. Mi público grita mis canciones y ahora son mis padres quienes se sienten fuera de lugar si no lo hacen también. Ahora los que están «out» son ellos.
¿Ellos te han comunicado que se sienten así?
No hace falta. Mi padre está remediando, está ahí siempre que quiero, yo le estoy dando una segunda oportunidad y él me está apoyando. Hemos pasado cosas muy difíciles en mi casa. Mis padres han estado juntos hasta que yo he hecho música y, cuando yo he empezado a hacer música, se han separado. Más o menos, pero eso dice mucho… Yo he ayudado a que ellos encuentren su lugar. Les he dado una lección. Quizás ellos pensaban que yo no iba llegar a nada y de repente han visto que sí.
El recurso de los coros infantiles es habitual en el pop. Transmiten mucha pureza…
Me hacen pensar en ‘We Are the World’ de Michael Jackson. La pureza es parte de ‘CL34N’. Y yo doy mucha importancia a los niños, a los adolescentes, a que cambie la educación y el respeto que se les tiene. Muchas veces los niños tienen mucha razón y no se les toma en serio…
¿Por qué la versión de ‘Tu tumba’ es «cruda»?
Es un remix de lo que debería ser la canción. Hemos modulado las voces, cambiado la velocidad, el pitch, hemos vuelto a grabar… Ha perdido un poco de calidad la canción. Está coja. Es una de las canciones que más guerrita han dado, junto con ‘PIKETAISON’. Habrá una versión diferente para el directo. Esos vocales tienen que salir algún día con otra producción y otra música. Esta canción ha tenido seis productores. Es a la que más vueltas le he dado, la que más cara me ha salido, y es la que peor suena.
«Mika es ejemplo de lo que todo hombre debería ser: es sexy y sensible»
¿Estás orgullose de alguna canción del disco en concreto?
‘Buen día (Sinfónica)’ es especial. Le da caché a mi música. Yo he estudiado siete años en el Conservatorio de Urquinaona, he estudiado piano, solfeo y canto. Es una experiencia que dejé atrás con rebeldía. En plan: ¿no me dejáis tocar Coldplay? Me voy. Años después hago una canción con autotune y con orquesta. La canción es mi idea, mi producción ejecutiva. ‘Dispara’ es otro tema del que soy productora principal.
¿La composición orquestal es tuya?
Es una composición que hemos hecho yo, allnightproducer y Gonçal (Perales), que es arreglista de orquesta y especialista en pelis. El arreglo es electrónico. No lo hicimos acústico porque no había pasta para una orquesta y porque no lo vimos necesario para el contexto del disco, que es futurista. Gonçal le dio forma para que sonase real.
¿Qué canciones de Coldplay cantabas?
‘The Scientist’, ‘Fix You’, ‘Viva La Vida’… Las clásicas. También me encanta Mika…
¿Le viste en Eurovisión?
Le vi un poco tieso. Yo creo que no le gusta un ambiente como el de Eurovisión… Él es tan puro… Para mí es un icono. No sé si es gay o no pero, como hombre, me parece un ejemplo de lo que todo hombre debería ser. Es sexy y sensible a la vez. Es como un Freddie Mercury de ahora.
Tu retirada de Benidorm Fest fue polémica. ¿Crees que el festival está preparado para admitir cambios de ese tipo?
Es cuestión de tiempo que la música electrónica encuentre su sitio en el festival. Pero no es mi interés principal. Mi interés, más que asociarme a grandes marcas como Eurovisión, es crear la mía propia. Y crear un sitio seguro para mis fans. Si yo tuviese dinero no me compraría un «Lambo», sino que haría un orfanato, abriría una escuela para niños LGBTI+ del barrio del Raval o del Born que no tengan donde expresarse. Abriría talleres de conciencia y de espiritualidad. La educación espiritual me ha faltado muchísimo. También la educación psicológica…
¿Qué es educación espiritual? Entiendo que es diferente a la psicológica o la emocional.
Se necesita educación espiritual para que los niños no piensen que están locos por pensar en la muerte en su cama con seis años. La muerte es una parte de la vida de que no se habla en el cole porque es un tema muy profundo, así que cada niño vive estos pensamientos en soledad y luego explota. Yo me he visto haciendo yoga, budismo, meditación, descubriendo ciertas drogas que me hacen sentir un amor más grande o que me dan una capacidad creativa o analítica que no sabía que existía… Te hablo de antes de ‘CL34N’. Evidentemente no estoy diciendo que la espiritualidad sea sinónimo de drogas. La espiritualidad es el camino personal de cada uno en su vida. Y creo que muchas personas necesitan esa educación…
«Si dedicase ocho horas en aprender a cantar, me perdería ser la artista que soy en otros sentidos»
¿Cómo te tomaste los comentarios que decían que había sido márketing?
Si hubiese querido hacer una estrategia, en el momento en que nos pusieron a mí y a mi equipo en una situación tan incómoda y dolorosa, me habría plantado en Benidorm Fest y les habría confrontado con que Eurovisión no rechazó mi candidatura, sino que fue Benidorm Fest que no me dejó presentarla porque ellos pusieron sus propias normas. Aunque en las normas de Benidorm Fest no se indicaba que no se pudiera usar autotune. Me tuvieron un mes como loca intentando que trajese al público LGBTI ahí. No fui a Benidorm Fest ni invitada, perdí dinero, estaba deprimida en mi casa… Si fue una estrategia de márketing me salió fatal.
En un vídeo, Odi O’Malley dijo que habría «subido la pista de playback sin que nadie se diera cuenta». ¡Si me encanta cantar! Me dejo los pulmones en los conciertos y sudo como una cabrona. No digan tonterías. Tampoco he ido a Benidorm Fest a liarla ni he reclamado nada. Hice lo mínimo que podía hacer, que era dar una explicación a mi público. Pasé mucha vergüenza dándola. Si yo hubiera ganado Benidorm Fest habría modificado mi canción, pero no me dejaron presentarla. ‘Voy a morir’ pierde mucho rollo sin autotune. En términos de composición es un temón. Cuando una canción es buena lo es en cualquier género. A día de hoy no entiendo qué ha pasado.
¿Por qué te negaste a cantarla a cappella?
A cuatro días ya estaba entregada la pista sobre la cual yo iba a cantar, los «backing vocals» enviados, la coreografía hecha. Todo estaba hecho para sonar con autotune y a cuatro días no me iba a plantar ahí a hacer eso sin autotune.
¿Te sientes insegura con tu voz natural?
Para cantar la música de Luna Ki sí soy insegura. En mi casa canto boleros, canto todo el rato, pero en Luna Ki uso autotune. Mi proyecto es así y es lo que me interesa mostrar al mundo. Ante todo soy artista conceptual, no me considero solo vocalista. Fumo. Aitana cancela un concierto y llora en un directo porque ella es responsable, no fuma y se cuida la voz. Yo pensaba: qué lejos me queda esto. Yo duermo una hora pero me presento en el show. No como pero me presento en el show y lo doy todo. Ese es mi compromiso. Me importan un comino las clases de canto ahora mismo. Estoy aprendiendo ProTools, guitarra y piano. Si ahora dedicase ocho horas en aprender a cantar, me perdería ser la artista que soy en otros sentidos.
Four Tet ha vuelto a utilizar su pseudónimo KH para lanzar un nuevo tema, ‘Looking At Your Pager’. El artista también usó este nombre para publicar el hit de discoteca ‘Only Human’ en 2019, que contenía un sample de Nelly Furtado. En esa ocasión la canción que tomó prestada de Furtado fue ‘Afraid’, escrita por Timbaland, Danja, Attitude y la propia Nelly. Esta vez, ‘Looking At Your Pager’ samplea a 3LW y su ‘No More (Baby I’ma Do Right)’.
El tema se separa del espíritu que domina en la música de Four Tet, e incluso recuerda al hyper pop. Eso es porque el artista ha querido crear una pista que suene a futuro. «Quería algo nuevo para pinchar que sonara universal, positivo y futurista, y esto es con lo que di». El DJ llevaba pinchando la canción en sus conciertos más de un año, y en sus palabras, es el tema que más le han pedido sus fans que publique.
En 2019 pasó algo parecido. Four Tet produjo ‘Only Human’ con el sample de Nelly Furtado, para pincharla en festivales y clubs. Al final tuvo que acabar lanzándola. El verso de Nelly Furtado se engancha como un anzuelo a la cabeza, y consigue un efecto parecido al de ‘On My Mind’ de Diplo. Four Tet estará en el BBK Live de Bilbao el 7 de julio.
Kelly Clarkson acaba de anunciar un nuevo EP de una de las cosas que más le llena hacer: versiones. El EP incluirá seis covers de artistas a los que Kelly ha rendido homenaje en su ‘The Kelly Clarkson Show’, donde siempre empieza los capítulos con un nuevo cover. El EP, llamado ‘Kellyoke’, verá la luz el próximo 9 de junio, y ya ha lanzado la primera de estas canciones: ‘Happier Than Ever‘ de Billie Eilish.
Desde que comenzó el ‘The Kelly Clarkson Show’, ya son más de 500 las canciones que Clarkson ha versionado. Pero su debilidad por los covers no nace aquí, sino mucho antes. El director musical de la cantante Jason Halbert ha contado a Billboard que en los conciertos, Kelly preguntaba a uno de sus fans por cualquier canción que le gustase para que ella la versionara.
En cuanto a ‘Happier Than Ever’, Clarkson cantó originalmente la canción en el episodio del 30 de septiembre de 2021. Los otros cinco temas incluidos en el EP son ‘Blue Bayou’ de Linda Ronstadt, ‘Call Out My Name’ de The Weeknd, ‘Queen Of The Night’ de Whitney Houston, ‘Trampoline’ de Shaed y ‘Fake Plastic Trees’ de Radiohead.
Los asistentes ayer al ‘Sour Tour‘ en Los Ángeles pudieron disfrutar de Alanis Morissette y Olivia Rodrigo cantando el hit ‘You Oughta Know’. La protagonista del concierto invitó a Alanis al escenario para versionar esta canción, incluida en su mítico álbum de 1995 ‘Jagged Little Pill’.
La actuación tuvo lugar ayer, 24 de mayo, en el primero de los dos conciertos que celebra Olivia Rodrigo en Los Ángeles. ‘You Oughta Know’ es una de las cuatro versiones que la artista ha incluyó en su setlist, además de ‘Seether’ de Veruca Salt, ‘Complicated’ de Avril Lavigne y ‘Just A Girl’ de No Doubt. Asimismo, esta es la segunda vez en la que otro artista se sube al escenario del ‘Sour Tour’ para acompañar a Olivia Rodrigo, después de que lo hiciera Avril Lavigne en Toronto.
Morissette acaba de anunciar su primer álbum de música de meditación, llamado ‘The Storm Before The Calm’. Además, se encuentra de gira celebrando el 25 aniversario de ‘Jagged Little Pill’. Por otro lado, Olivia Rodrigo viaja con su tour a pleno rendimiento justo cuando su álbum debut ‘SOUR‘ cumple un año. La cantante ha sido unas de las voces que ha condenado los hechos ocurridos ayer en el tiroteo de un colegio en Texas. En el concierto de ayer, Olivia dedicó unas palabras a la tragedia: «Tengo el corazón roto de darme cuenta que esta es la realidad en la que vivimos. Necesitamos mayor control de armas en América».
Una de las gracias de ‘Harry’s House’, nuestro «Disco de la Semana», es que no contiene «featurings». Pero sí ha contado con el trabajo de buenos músicos, y Ben Harper es el más notable de ellos, pues aparece en los créditos tocando la guitarra, la acústica y la «slide guitar» en el tema ‘Boyfriends’, precisamente uno de los pocos acústicos del disco de Harry Styles, número 1 mundial.
Ben Harper ha sido noticia recientemente por anunciar una gira que pasará en verano por Madrid, en concreto el 25 de julio por Noches del Botánico en Madrid, además del 22 de julio por Barcelona y el 23 de julio por Girona. Nos visita en formato banda con The Innocent Criminals, revisando un repertorio que no se va a ceñir precisamente a su último disco, un álbum experimental publicado en 2020 llamado ‘Winter Is for Lovers’, en el que rendía tributo a la lap steel guitar. Era de hecho el único instrumento que sonaba en el largo, dejando piezas tan maravillosas como ‘Inland Empire’.
Su repertorio junto a The Innocent Criminals suele incluir hits editados junto a la banda como ‘Steal the Kisses’ o ‘In the Colors’, pero sin renunciar a temas de su carrera en solitario. Y eso incluye joyas de sus inicios como ‘Waiting on a Angel’ o ‘Forever’… que son las que han conquistado a Harry Styles.
Ha contado el ex miembro de One Direction durante la promoción de ‘Harry’s House’ que los tres primeros discos de Ben Harper le fascinan. Que de hecho la guitarra que utilizó en aquellos tres discos es la misma que ha tocado en ‘Boyfriends’. «Esa guitarra se la había regalado a su hija, y se la ha tenido que pedir de vuelta para tocarla en esta canción, pero sin decirle para lo que era, así que creo que lo estará averiguando ahora. ¡Gracias por dejárnosla! Fue un momento único para todos nosotros porque soy un gran fan de él y conformó un momento realmente especial», indicaba Harry Styles explicando que ‘Boyfriends’ es crítica consigo mismo y con el comportamiento de «novios» que ha tenido por ejemplo su hermana.
Dudamos mucho de que ‘Boyfriends’ llegue a formar parte del repertorio de Ben Harper, aunque cosas más raras se han visto, como Paul McCartney integrando ‘FourFiveSeconds’ a su setlist, y conociendo la disposición de Harry Styles y lo que le gusta reivindicar a un artista alternativo, seguro que algún día veremos a ambos unidos sobre un escenario.
Lo que sí sabemos es que la nueva gira de Ben Harper con los Innocent Criminals se concibe como el gran regreso a la carretera de él y su banda, a los que adivinamos muchas ganas de recuperar hits de aquellos primeros discos como ‘Burn One Down’ o ‘Ground on Down’.
Hits
Nos hemos quedado solos intuyendo signos de agotamiento en la fórmula de Bad Bunny. Su nuevo disco ‘Un verano sin ti‘ está arrasando en el plano comercial, batiendo récords de streaming, y además está conquistando a la crítica. Hoy centrándonos en su éxito comercial como manda nuestra columna «Hits & Flops«, ‘Un verano sin ti’ ha sido número 1 en España, obviamente, pero no solo en España.
Lo más importante es que ha sido top 1 en Estados Unidos y con cifras muy abultadas. Solo en sus primeros 7 días ha acumulado el equivalente a 274.000 copias dado su alto streaming. Pese a estar en castellano, era el disco más voluminoso en cifras semanales de todo 2022 hasta la llegada de ‘Mr Morale & The Big Steppers‘ de Kendrick Lamar.
Además de su aceptación en los países latinos, algunos de los cuales no cuentan con listas oficiales o solo mensuales, hay que destacar el número 2 alcanzado en Australia, el número 9 en Italia, el top 14 en Noruega, el top 23 en Francia, el top 35 en Alemania o el top 62 en Reino Unido.
Pero sobre todo hay que destacar su estabilidad durante la segunda semana. En Estados Unidos ‘Un verano sin ti’ solo baja al puesto 2 en su segunda semana, perdiendo tan solo el 34% de los puntos de la semana anterior, cuando lo habitual en la era de las ventas, era bajar un 70% durante la segunda semana.
Mediatraffic estimaba casi 300.000 unidades vendidas a nivel global durante la primera semana, que subirán a casi 500.000 durante la segunda y muchas más en semanas venideras, con todo el verano por delante. Y es que son muchas las canciones que van a sostener el álbum al margen de ‘Callaíta’, ‘Moscow Mule’ o la colaboración con Rauw Alejandro. Benito continúa muy fuerte en el Global de Spotify y ahora mismo encontramos ‘Ojitos lindos’ con Bomba Estéreo en el puesto 3, ‘Me porto bonito’ con Chencho Corleone el puesto 4 y ’Tití me preguntó’ en el puesto 9, solo por mencionar algunas. Todas ellas sobreviviendo al huracán Harry Styles.
Flops Extrañísimo el caso de Camila Cabello. La cantante ha logrado convertir en un sleeper su dúo con Ed Sheeran ‘Bam Bam’. Podemos considerarlo ya de hecho un macrohit: sobrevive en el top 30 del Global de Spotify en un mar de canciones de Bad Bunny y Harry Styles. Aún está en el puesto 11 en Reino Unido y en el puesto 30 en Estados Unidos, pese a haberse publicado hace semanas. Suma 200 millones de streamings y subiendo.
Sin embargo, pese a su fama o al estatus que deberían darle éxitos anteriores como ‘Havana’, ‘Señorita’, ‘Never Be the Same’ o el reciente ‘Don’t Go Yet’ incluido en el álbum, Cabello no ha fidelizado un público que se acerque a comprar su tercer álbum ‘Familia’ ni tampoco a escuchárselo un poco.
Pese a todo el hype creado por los singles en torno al lanzamiento, el disco era solo número 9 en Reino Unido y número 10 en Estados Unidos. Camila Cabello solo vendía 67.000 copias de ‘Familia’ a nivel mundial durante la primera semana y lo que es peor el álbum ha perdido fuelle en las listas de manera instantánea. En Estados Unidos lo encontramos en el puesto 117 en su 5ª semana. En Reino Unido pasaba del puesto 9 al puesto 88 en su segunda semana, desapareciendo después como si fuera un álbum indie o de un músico de la edad de Bob Dylan. España y en menor medida algún país como Francia y Nueva Zelanda sostienen la esperanza, pero es evidente ya que la cantante tiene serias dificultades para fidelizar público, tras el estreno de vídeos para ‘Psychofreak’ y ‘Hasta los dientes’.
Paraíso Festival vuelve los días 24 y 25 de junio a la Universidad Complutense de Madrid con uno de los carteles más selectos que se pueden ver en el país. El festival, centrado a promover las diferentes facetas de la música electrónica, llega con formato reducido y con una programación que incluye desde la promesa de Sofia Kourtesis a la leyenda de Moodymann. Y esto sin contar las joyas perdidas que repasaremos próximamente en otro artículo. Aquí van 10 imprescindibles de Paraíso Festival. Las entradas siguen disponibles.
TSHA
TSHA es uno de los nuevos talentos surgidos en la escena dance londinense que más están dando que hablar. Medios como BBC o Billboard la han apoyado, Diplo la ha invitado a su disco en solitario, y la artista cuenta con más de 1 millón y medio de oyentes en Spotify. Sus producciones de house atmosféricas y ornamentadas, como ‘OnlyL’, ‘Sister’ o ‘Me You’, invitan a soñar.
Moodymann
Figura de culto donde las haya en el mundo del tecno de Detroit, Moodymann es uno de los DJs con más recorrido que pasarán por el festival Paraíso y también uno de los más enigmáticos. Con 13 álbumes y numerosos singles publicados a sus espaldas, Moodymann ha conquistado a toda una generación con sus elegantes ritmos deep-house llenos de samples de soul, jazz y música disco.
Shygirl
Tras darse a conocer con temazos como ‘Freak’ o ‘UCKERS’, Shygirl publicará su álbum debut en septiembre bajo el título de ‘NYMPH’. Artista instalada en la órbita de Arca, Sega Bodega (uno de sus productores), FKA twigs o Caroline Polachek, Shygirl traerá a Paraíso su interesante visión del pop con influencia de la electrónica de club. De la PC Music al garage, todo cabe en su batidora musical.
Roman Flügel
El DJ y productor de Darmstadt es uno de los nombres clave de la electrónica alemana de las últimas tres décadas. Sus elegantes a la par que espectaculares sesiones visitan ritmos de IDM, house, techno, ambient, electro, acid-house o italo disco, y en su carrera Flügel ha tenido oportunidad de remezclar a artistas pop como Kylie Minogue, Pet Shop Boys o The Human League.
Sofia Kourtesis
Más electrónica con alma es la que propone la productora greco-peruana afincada en Berlín Sofia Kourtesis. Sus canciones son bailables a la par que emotivas. Son liberadoras. Protestan contra la homofobia y la transfobia que se vive en su país de origen. ‘Estación Esperanza’ samplea ‘Me gustas tú’ de Manu Chao, los vientos de ‘By Your Side’ te alegrarán el día, y entre marimbas y sonidos de pájaros, Sofia crea un mundo de fantasía que vale la pena visitar.
Charlotte Adigéry & Bolis Pupul
No vimos venir que el disco de Charlotte Adigéry & Bolis Pupul sería uno de los más divertidos del año. ‘Topical Dancer’ utiliza la sátira para hablar de temas como el racismo, la misoginia o el clasismo, y lo hace en producciones de house-pop bailables y sofisticadas, bajo la co-producción de Soulwax. Sin duda, una de las propuestas más interesantes del año.
John Talabot b2b Pional
Dos de los talentos más importantes que ha dejado la electrónica española en la última década, John Talabot y Pional se enfrentarán en Paraíso en un esperado «b2b» que promete ser «histórico». Ambos además son amigos y comparten el proyecto Lost Script. Su química a los platos se nota en ‘I’ll Be Watching You’, y ya era obvia en su colaboración de 2012 ‘Destiny’.
Ivan Smagghe
Activo desde los años 90, Ivan Smagghe es una de las figuras que ayudaron a popularizar el electroclash en Reino Unido en aquella década, gracias a su proyecto Black Strobe y a su bailongo single ‘Me & Madonna’. Después sus diferentes proyectos en solitario se han ido sucediendo uno tras otro, y sus sesiones repletas de ritmos acid-house, electro y synth-pop son muy celebradas.
Baiuca
Baiuca presentará en Paraíso su fascinante mezcla de cantares gallegos y ritmos de electrónica de baile. Sus dos álbumes, ‘Embruxo‘ (2021) y ‘Solpor‘ (2018), le han convertido en uno de los productores más interesantes de nuestro tiempo. Actuará con banda y se servirá de «secuenciadores, samplers, ocarinas, cunchas y pandereteiras».
Ben UFO
Uno de los DJs más queridos de Reino Unido desde que fundara su proyecto en 2007, Ben UFO es conocido por su habilidad para saltar entre épocas y estilos con total fluidez. Él se formó en el dubstep y el drum ‘n bass pero, a lo largo de su carrera, ha jugueteado con el house, el tecno y otros sonidos. El caos controlado de sus sesiones augura una experiencia fascinante.
Ouka Leele ha muerto este martes a los 64 años de edad en un hospital de Madrid a consecuencia de una enfermedad. Así lo han informado a EFE fuentes cercanas a la familia de la fotógrafa, cuyo verdadero nombre era Bárbara Allende Gil de Biedma. Era sobrina del poeta Jaime Gil de Biedma.
Conocida por su obra sobre todo durante la Movida Madrileña, Ouka Leele fue autora de diversas imágenes que recordamos, además de pintora. Junto con gente como Ceesepe o Alberto García-Alix colaboró en revistas como Star. Fue una obra de El Hortelano, también fallecido hace pocos años, la que le dio la idea para su nombre artístico.
Su obra se ha expuesto en países como Francia, Japón, China, Argentina, Alemania o Estados Unidos, aparte de en Madrid. En 2005 recibió el Premio Nacional de Fotografía.
Entre sus obras vinculadas con el cine, trabajó en los diseños de ‘Laberinto de pasiones’ de Almodóvar y décadas después, el cartel de la película ‘Habitación en Roma’ de Medem. Un documental llamado ‘La mirada de Ouka Leele’, a cargo de Rafael Gordon, estuvo nominado a los Goya de 2010. Recientemente, la artista se encargó de la portada del último disco de Hinds, ‘The Prettiest Curse‘. Hace poco dejaba este titular en El País: «Ahora hablan del poliamor como si fuera un descubrimiento… nosotros ya lo experimentábamos».
𝕻𝖊𝖑𝖎𝖌𝖗𝖔𝖘𝖆
AQUA, Javiera Mena, WRS, Luna Ki, La Zowi, Marta Sango, Marlena, Rocío Saiz, Ginebras, La Furia… entre otros muchos más artistas por confirmar nos acompañarán durante el 
Happier Than Ever
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