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‘BOOMPALA’ o la ‘Macarena’ como herpes del pop: siempre vuelve

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La ‘Macarena’, el inmortal hit de Los Del Rio, ha sido sampleada decenas de veces desde su lanzamiento, pero nunca en el mundo del K-pop. Así, LE SSERAFIM han hecho honor al anagrama de su nombre (I’M FEARLESS) y han puesto toda la carne en el asador en ‘BOOMPALA’, la canción más comentada de su último disco. ¿Funciona?

Al igual que en la mayoría de canciones que se atreven a samplear un hit tan masivo, lo que más suena en ‘BOOMPALA’ es el estribillo de la canción original, aunque su uso también se extiende a la instrumentación y, por supuesto, a la coreografía. El tema en sí apunta a ser un banger de club, con versos medio rapeados, un estribillo juguetón y hasta una palabra inventada que no significa nada, pero que es divertida.

‘BOOMPALA’ podría entrar en la categoría de ‘Canciones que sabes que son malas pero que aun así te gustan’, si no fuera porque tanto los versos como el beat se hacen cansinos después de muy pocas escuchas. La mezcla con la ‘Macarena’ puede ser entretenida, pero al final acaba siendo la única excusa para quedarse a escuchar el tema.

Al leer la letra, nos encontramos con que la mezcla de estilos y épocas va más allá. Sobre todo, uno se pregunta qué pinta la ‘Macarena’ entre frases con referencias budistas como «mi chakra celestial es alucinante», «namasté, namasté, voy a quedar en pie» o la repetición de palabras como «zen». En el videoclip, además, vemos a las integrantes del grupo adoptar la pose de meditación.

Más que por esta razón, ‘BOOMPALA’ ha sido muy criticada por los fans del grupo surcoreano por ser vista como un paso atrás en la trayectoria del grupo. En un post de Reddit, un usuario se queja de que «esta canción no hace nada por las críticas vocales que han estado recibiendo durante su carrera». Otro, enfoca su hate en el uso del tema de Los Del Rio: «La ‘Macarena’ es el herpes de la música pop. Por alguna estúpida razón, siempre vuelve cuando piensas que se ha ido para siempre».

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Rosalía, gran triunfadora de los Premios de la Música: actuaciones y palmarés

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Celine Centurion

La III Edición de los Premios de la Academia de la Música de España ha tenido lugar en IFEMA y Rosalía ha sido la gran triunfadora de la noche, llevándose 8 galardones gracias a ‘LUX’. Entre estos, Artista, Álbum y Canción del año. Aunque finalmente no ha podido asistir a la gala, el presidente de Sony Music Iberia salió a aceptar el premio y aseguró que lo habían intentado «hasta el último momento».

Leonor Watling se ha encargado de presentar una gala en la que también han sido premiados Leiva, con cuatro estatuillas; Guitarricadelafuente, con dos victorias en las categorías de música alternativa; Amaral (Mejor Álbum de Pop/Rock), Luz Casal (Mejor Álbum de Pop Tradicional) o Fito y Fitipaldis (Mejor Álbum de Rock).

Por otro lado, Joan Manuel Serrat recibió el Premio de Honor: «En ningún momento, cuando empecé a tocar y escribir canciones, pensé que a estas alturas me iba a encontrar en una situación como esta», contó en su discurso.

Las actuaciones musicales, especialmente el homenaje a Robe Iniesta de la mano de Fito Robles (Siloé), Rafael Riqueni, Lela Soto, Walls y Xoel López, han sido lo más comentado de la velada.

También se recordó la figura de Jorge Martínez, de Ilegales, con Ultraligera y Juanma Montoya interpretando ‘Tiempos nuevos, tiempos salvajes’, y se dedicó un medley a Serrat protagonizado por Andrés Suárez, María Terremoto, Iván Melon Lewis y Antonio Serrano. Por último, Amaral, Luz Casal, y Pedro Guerra con Janus Lester, Tanxugueiras y Figa Flawas también amenizaron la noche.

Palmarés de los Premios de la Academia de la Música de España:
ARTISTA DEL AÑO: Rosalía
ÁLBUM DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
CANCIÓN DEL AÑO: ‘La perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
MEJOR NUEVO ARTISTA: Sanguijuelas del Guadiana
PRODUCTOR/A DEL AÑO: ‘Lux’, de Rosalía
MEJOR INGENIERÍA DE GRABACIÓN PARA UN ÁLBUM O CANCIÓN: Carles Campi Campón, por ‘El cuerpo después de todo’ de Valeria Castro
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ALTERNATIVA: ‘Spanish Leather’, de Guitarricadelafuente
MEJOR CANCIÓN ALTERNATIVA: ‘Babieca’, de Guitarricadelafuente
COMPOSITOR DEL AÑO: ‘La perla’, de Rosalía
MEJOR VÍDEO MUSICAL VERSIÓN LARGA: ‘Flores para Antonio’, de Elena Molina e Isaki Lacuesta
MEJOR VIDEOCLIP MUSICAL: ‘Berghain’, de Rosalía
MEJOR GIRA: ‘Tour Gigante’, de Leiva
MEJOR EVENTO DEL AÑO (FESTIVAL, CICLO, GALA, CONCIERTO SOLIDARIO ETC): Inverfest 2025
MEJOR ÁLBUM POP: ‘Lux’, de Rosalía
MEJOR ÁLBUM POP TRADICIONAL: ‘Me lo voy a permitir’, de Luz Casal
MEJOR ÁLBUM POP/ROCK: ‘Dolce Vita’, de Amaral
MEJOR CANCIÓN DE POP_ROCK: ‘Caía libre’, de Leiva & Robe
MEJOR ÁLBUM DE ROCK: ‘El monte de los aullidos’, de Fito & Fitipaldis
MEJOR CANCIÓN DE ROCK: ‘Esa ansiedad’, de Ilegales
MEJOR CANCIÓN POP: ‘La perla’, de Rosalía (feat. Yahritza y su Esencia)
MEJOR CANCIÓN URBANA: ‘Chulx’, de Lia Kali & Eladio Carrión
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA URBANA: ‘Kaelis’ de Lia Kali
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘Déjate caer’, de Delaporte
MEJOR CANCIÓN DE MÚSICA ELECTRÓNICA: ‘PAEQB (Ale Acosta Remix)’, de Baiuca y Ale Acosta
MEJOR CANCIÓN DE RAP/HIP HOP: ‘En la cuerda floja’, de Lia Kali & Toni Anzis
MEJOR ÁLBUM DE FLAMENCO: ‘Manifiesto’, de María Terremoto
MEJOR TEMA DE FLAMENCO: ‘Miraíta – Rumba, Libertad’, de María Terremoto
MEJOR FUSIÓN/INTERPRETACIÓN URBANA: ‘Mala de verdad’, de La Plazuela
MEJOR ÁLBUM FOLCLÓRICO: ‘Amoríos. La verdad de mi coplilla’, de La Tania
MEJOR ÁLBUM CANTAUTOR/A: ‘Sílvia & Salvador’, de Sílvia Pérez Cruz y Salvador Sobral
MEJOR CANCIÓN CANTAUTOR/A: ‘Efímera’, de Rozalén
MEJOR ÁLBUM BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘BSO Furia’, de Aitor Etxebarria
MEJOR CANCIÓN/TEMA BSO, SERIES, VIDEOJUEGOS, PUBLICIDAD, SINTONÍA…: ‘Hasta que me quede sin voz’, de Leiva
MEJOR OBRA/COMPOSICIÓN CLÁSICA CONTEMPORÁNEA: ‘Trío Celebration’, de Albert Guinovart
MEJOR ÁLBUM DE MÚSICA CLÁSICA: ‘Paganini: 24 Caprices’, de María Dueñas
MEJOR ÁLBUM INSTRUMENTAL: ‘Suite flamenca’, de Diego Amador
MEJOR ÁLBUM DE JAZZ: ‘Leo & Leo’, de Leonor Watling & Leo Sidran
MEJOR GRABACIÓN DE MÚSICA INFANTIL: ‘Me resbala’, de Pez Al Revés
MEJOR CANCIÓN EN CATALÁ/VALENCIÀ/ MALLORQUÍ: ‘Ben poca cosa tens’, de Salvador Sobral y Sílvia Pérez Cruz
MEJOR CANCIÓN EN EUSKERA: ‘Xorieri’, de Baiuca & Izaro
MEJOR CANCIÓN EN GALEGO/ASTURIANU: ‘As que nunca cantaron’, de Tanxugueiras
MEJOR DISEÑO DE ÁLBUM: ‘Gigante’, de Leiva, por el trabajo de Boa Mistura
MEJOR ARREGLO: ‘Suite Flamenca’, de Diego Amador
MEJOR SALA DE CONCIERTOS: Café Central de Madrid
PREMIO DE HONOR: Joan Manuel Serrat.

«Sí se te olvida» el paso de Yoly Saa por Benidorm Fest

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La carrera de la compositora Yoly Saa es versátil. La artista gallega afincada en Madrid -cantó en el Metro al llegar a la ciudad- ha escrito canciones para Malú (‘Deshielo’, ‘Salvar al rey’), ha cantado en discos de Veintiuno, Nil Moliner y Ainoa Buitrago, y ha participado en Benidorm Fest (‘No se me olvida’).

Hoy 27 de mayo presenta sus últimas canciones en El Sol de Madrid como parte de la programación Escenarios Madrid by Vibra Mahou. Sara Gimeno hará de telonera y las entradas están a la venta.

La especialidad de Yoly Saa es el pop-rock atemporal, permeable a otras influencias como la electrónica, como vimos en su colaboración con Khotton Palm: ‘No se me olvida’ podría haber sido una producción de London Grammar. Sin embargo, a pesar de su paso por televisión, este no ha permanecido como su tema más popular. En realidad es solo una anécdota en una carrera que ha conocido muchos otros «highlights».

Al margen de sus sonadas colaboraciones, la balada con tintes de bolero ‘Todo contigo’ suma 9 millones de streams en Spotify. También tuvieron buena recepción ‘Rendición’ y ‘Galicia’, ambas marcadas de una forma u otra por su tierra de origen.

Después de dos discos titulados ‘A golpes de fe’ (2022) -este incluía ‘Galicia’- y ‘Mar de Ardora’ (2025) -este incluía ‘No se me olvida’-, Yoly Saa ha seguido publicando singles sueltos. Por ejemplo ‘Como mamá no hay nadie’, que incluye audios de la misma. Por ejemplo ‘Llévalo lejos’, delineado por un punteo de guitarra algo indie pop y unas guitarras y violines un tanto country. O por ejemplo ‘Hoy ya no’, un tema más uptempo que a buen seguro animará su concierto de esta noche… casi más que ‘No se me olvida’.


María José Llergo / El juego

Malrollera y un tanto chanante, la portada del tercer disco de María José Llergo está hecha a conciencia. La artista, gran amante de los animales en general y de los pájaros en particular, quería que unas palomas, según ella «los seres más puros de la ciudad», fueran protagonistas. La idea original es que irrumpieran en una reunión para acabar con los «malos rollos de contratos, de obligaciones» y con los «haters». El tipo de cosas que separa la niñez de la vida adulta. Las cosas que -apelando al título del álbum- nos impiden «jugar».

Contra todo pronóstico, a la primera, una de las palomas mensajeras se lanzó a arrancar las gafas de uno de los «señoros» y el fotógrafo Manu Jaime logró captar el momento en que el animal incluso parecía mirar a cámara. La metáfora está servida: Llergo contrapone «el juego» de la infancia y la libertad, con la rigidez de las estructuras sociales de la vida adulta. «Yo no quiero morir nunca, yo quiero jugar siempre» es la cita de Galeano que referencia en la intro del álbum, que recibe el nombre de ‘Bienvenidos al juego’.

La libertad creativa, «el juego», ha llevado a María José Llergo a dejarse empapar por influencias internacionales. La nueva gira de presentación tiene más fechas fuera de España que dentro, y este disco está influido particularmente por un mes pasado en México, conociendo a músicos de toda Latinoamérica. Es por eso que ahora encontramos, junto a sus ritmos habituales de flamenco, R&B y urbano, otros surgidos al otro lado del Atlántico, como el bolero, la salsa o la bachata.

Llergo no ha dado con hits gigantescos en esa aproximación. ‘Bolero mafioso’ con Daniel Me Estás Matando tiene demasiado de ‘Dos gardenias’ y otros clásicos populares de Antonio Machín. Como ‘Otros besos‘ de ‘Ateo’ y las muchísimas bachatas de moda, solo que como ella dice «esta está llevada a la época de Al Andalus»: sus cuerdas orientales sí suman. Porque lo que sí nos da María José -más que hits-, es otra obra muy pasional. En esta canción, junto a la trip-hopera ‘Mala mía‘ y ‘Olvídame’, retrata tres fases del enamoramiento. O más bien deberíamos decir del desenamoramiento: ‘Olvídame’ logra sonar alegre y optimista, en su despedida grandilocuente: «qué bueno fue quererte como te quería».

La familia es destinataria de alguna de sus composiciones, a destacar ‘Abuelo’, recientemente fallecido, un tema que habla del alzhéimer, y de cómo la música es una manera de ralentizarlo. Pero el despecho y las relaciones tóxicas vuelven a ser mayoría en el universo Llergo. Solo que si ‘Sanación‘ se hizo desde el dolor, y ‘Ultrabelleza‘ desde la admiración a la hermosura, ‘El juego’ lo ha hecho con ciertas ganas de pasarlo bien.

En ese sentido es un gran hallazgo, hacia el final del largo, un tema tan fresco como ‘Agua negra’. Daniel 2000 co-escribe y co-produce esta pequeña maravilla que canta el «veo, veo» a un maltratador («veo, veo / ¿qué ves? / un psicópata / pues tu novio es»). Con trazos muy locos de reggaeton y drum&bass, habría sido una gran pista 2 de un álbum alternativo. Uno en el que hubieran tenido más peso esos momentos realmente divertidos y «libres», como el reggaeton de ‘Veneno’, bailongo pese a su letra «te llamo amor y eres veneno»; el final explosivo de ‘La celda’ o el de ‘Abuelo’, que escoge ser una fiesta flamenca en lugar de un triste funeral.

Linda Perry carga contra Madonna: «Ya solo sigue modas»

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Linda Perry está dejando un torrente de titulares muy llamativos durante la promoción de su nuevo disco, ‘Let It Die Here’. La que fuera exintegrante de 4 Non Blondes y después compositora de éxitos para estrellas como Christina Aguilera se está quedando a gusto rajando de artistas como Billy Corgan o Green Day. Ahora también tiene cera para Madonna.

Perry asegura en una reciente entrevista que quiere componer un disco para Madonna cuando la estrella se retire: un trabajo más desnudo y menos enfocado en seguir tendencias o en ocultar defectos vocales. Critica que Madonna “ya solo sigue modas” y que está obsesionada en “competir con Charli xcx”, y sugiere que debería hacer un disco “con cuerdas y canciones que pueda cantar en el Carnegie Hall”, en lugar de lo que está haciendo actualmente. Asegura que, donde antes era una líder, ahora todo en Madonna “parece débil y no poderoso”.

Perry no se corta y dice: «Me encantaría meter a esa mujer en un estudio, darle un par de bofetadas y decirle: “Despierta y vuelve a ser la Madonna que eras. Eres una líder y tenemos que volver ahí”». Algunas de las ideas de Perry -cuerdas, cierta desnudez vocal- ya estaban implementadas en ‘Madame X‘, el último disco de Madonna, que no seguía tantas tendencias.

En cuanto a la voz de Madonna, Perry sugiere que, si produjera un disco para la artista de Detroit, buscaría «centrarse en el poder que puede tener su voz, no en el poder del autotune y todos esos efectos que usa ahora para ocultarse. Yo sacaría todos sus defectos a la luz e intentaría hacer un disco más acústico, algo que ella pudiera interpretar sentada ante un público elegante, en el Carnegie Hall o donde sea».

Linda Perry tiene razón en que la obra reciente de Madonna ha seguido tendencias en lugar de imponerlas. Sin embargo, ‘Madame X’ era un disco bastante arriesgado. Por otro lado, la sugerencia de que Madonna debería hacer música para cantar en el Carnegie Hall parece tener cierto componente de edadismo, como si Madonna, por tener 67 años, solo pudiera hacer música «acorde a su edad». ¿Es posible que Linda Perry esté proyectando una visión demasiado restrictiva sobre la carrera de Madonna, especialmente en lo que respecta a su derecho a seguir haciendo pop y música contemporánea?

Sin embargo, Perry reconoce que Madonna nunca haría un disco de ese tipo y admite que tiene “una espina clavada” con ella porque la ha rechazado muchas veces. Como muchos fans de Madonna recordarán, esta colaboración quedó cerca de ocurrir en un momento de la historia: Madonna estuvo a punto de grabar ‘Get the Party Started’, el éxito de P!nk de 2001 compuesto por Linda Perry, pero finalmente no le encajó. Con estas últimas declaraciones, no creemos que esa colaboración esté hoy más cerca, precisamente.

@consequence Linda Perry reveals why the Queen of Pop is her No. 1 bucket list collaborator. #madonna #madonnafans #lindaperry #4nonblondes ♬ original sound – consequence

La ex de George Harrison sobre el biopic de los Beatles: «Nadie me ha llamado»

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La serie de cuatro películas de los Beatles se centrará en cada miembro del grupo y hará especial hincapié en sus mujeres, a las que el director Sam Mendes ha descrito como “fascinantes y únicas”. Sin embargo, Pattie Boyd -quien fuera esposa de George Harrison- dice que nadie involucrado en la cinta se ha puesto en contacto con ella para consultarle su versión o avisarle de su representación en la película. Todo ello pese a que ya hay actriz asignada para interpretarla en pantalla, Aimee Lou Wood.

Boyd estuvo casada con George Harrison desde 1966 hasta 1977. De hecho, ‘Something’ se considera inspirada en aquella relación. Sin embargo, la modelo asegura que Mendes no la ha contactado: “Quizá me equivoque, pero habría pensado que habría sido educado mencionarlo o decirme que habían elegido a alguien para interpretarme”, ha comentado. “No me ha contactado nadie. Podría haber contado historias realmente interesantes, pero creo que no quieren saberlas”.

Desgraciadamente para Boyd y otras figuras de la historia del pop, en la industria del cine es habitual que en biopics y dramatizaciones sobre figuras reales no se consulte directamente a las personas representadas o a sus familias, especialmente cuando se trata de personajes públicos o hechos ya ampliamente documentados. Ocurrió con ‘La red social‘, ‘House of Gucci‘, ‘Blonde‘ y otras producciones.

De hecho, en su charla con el podcast Miss O’Dell: Abbey Road To Tulsa Time, Boyd -que hoy tiene 82 años- señala que sospecha que el enfoque del proyecto no busca necesariamente la fidelidad histórica: “No tiene nada que ver con la verdad ni con lo que realmente pasó, porque no quieren hablar con la gente que estuvo allí. Es más bien la creación de lo que el cineasta cree que ocurrió”.

Aun así, Boyd ha intentado restarle peso al asunto con humor, asegurando que no piensa darle demasiadas vueltas. Incluso ha dejado una pulla a Mendes, diciendo en tono irónico: “He oído que es famoso. Al parecer, este hombre es famoso”.

La serie de los Beatles se estructura en cuatro películas centradas en cada miembro del grupo y tiene previsto estrenarse de forma simultánea en abril de 2028. El reparto principal incluye a Paul Mescal como Paul McCartney, Harris Dickinson como John Lennon, Joseph Quinn como George Harrison y Barry Keoghan como Ringo Starr.

«Smashing Pumpkins, para siempre tachados de Primavera Sound»

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The Smashing Pumpkins nunca han dejado de tocar en España y, de hecho, tenemos a Billy Corgan en Madrid en septiembre presentando la versión orquestal de ‘Mellon Collie and the Infinite Sadness’ (1995) en conmemoración de su 30º aniversario. Donde Smashing Pumpkins no volverán a tocar nunca jamás, parece que ni gracias a un milagro, es en el Primavera Sound. Y eso que, por línea editorial, no podrían encajar más, sobre todo en lo que concierne a los inicios del festival.

Pero Gabi Ruiz, presidente de Primavera Sound, los tiene cruzados. Ya ha contado la historia alguna vez, y la ha vuelto a contar en su reciente entrevista con Rockdelux.

Sin entrar en demasiados detalles, a partir del minuto 11:50 cuenta que contratar a la banda de Billy Corgan en la edición de Primavera Sound de 2007 fue algo parecido a un infierno. Recuerda que Smashing Pumpkins marearon mucho al festival por su participación, y que cuando finalmente aceptaron, solo dieron problemas: “Tocaron tanto la moral, dieron tantos problemas y vinieron tanto de estrellitas” que, desde entonces, “los tengo tachados totalmente”.

Ruiz añade que, para colmo, ni siquiera le parecieron buenos en directo: “También después de hacerlo [el concierto] me di cuenta de que eran mucho peores de lo que yo me esperaba en directo”, señala, añadiendo que le parecieron más “pretenciosos” de lo que los recordaba.

Como recuerda Binaural, Smashing Pumpkins han tocado en varios festivales españoles desde entonces, muy recientemente en Mad Cool y Cruïlla, pero al Primavera nunca han vuelto.

Por si fuera poco, Corgan ha recibido también estos días críticas por parte de Linda Perry. La productora ha contado que tuvo que echar a Corgan del estudio de grabación cuando apareció en la grabación del último disco de Hole, mientras Courtney Love estaba allí. Dice que era un “debbie downer” (es decir, que solo aportaba mal rollo) y le invitó a irse. Además, le confrontó diciéndole: “Vas por la vida como si fueras un puto regalo divino para el rock’n roll. Tienes mala energía. Quiero que salgas de mi estudio”. Cuenta que Billy “se quedó en shock” y se fue. Al menos parece que la música de los Pumpkins sigue influyendo a las nuevas generaciones: hay quien dice que el nuevo single de Olivia Rodrigo suena a ellos.

Melody, a por el público infantil versionando a Xuxa

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Es la hora, es la hora de que escuchemos un nuevo single de Melody, aunque, francamente, descubrir que ‘ILARIE’ es una mera versión de Xuxa y no una adaptación reenfocada de alguna manera -aunque el resultado fuera un desastre- ha sido toda una decepción. Lo peor que se puede decir de una canción es que provoque indiferencia, y eso es lo único que inspira este ‘ILARIE’ adaptado al electro-dance más chusco.

Ahora que Jennifer Lopez vuelve a las listas con ‘On the Floor’ gracias a un placement televisivo, Melody compite con ella por reimaginar un clásico brasileño de la manera menos motivadora posible. Parece que la razón de ser de ‘ILARIE’ sea que Melody recupere al público infantil que la encumbró a principios de los 2000 con éxitos como ‘El baile del gorila’ o ‘Pata negra’, aunque también servirá a la diva para rellenar repertorio en los conciertos de su actual gira sin necesidad de comerse la cabeza escribiendo una canción original. Al menos, el single ‘Alarma’ es bastante reciente.

Pero la cover de ‘ILARIE’ es producto simple y llanamente de la nostalgia pop más prefabricada. Salvo la producción enfocada a un estilo electro garrafero -con algunos destellos de funk brasileño honrando a la autora-, la melodía y la letra originales del éxito de 1988 se dejan intactas, incluida la expresión «el show de Xuxa», que suena rara pronunciada por Melody, pero garantiza el reconocimiento inmediato de ese público infantil al que parece ir dirigida esta versión.

El videoclip superpop es bastante elaborado para lo que ofrece la canción, y destaca por su componente retro y colorido, aunque, más allá Melody haciendo bailes de TikTok y posando guapísima, no ocurre mucho más. Aunque algunos han logrado destapar un componente oscuro y macabro detrás del videoclip, descubriendo lo que podría ser la próxima temporada de ‘American Horror Story’. Nos quedamos con esta versión… y con ‘Esa diva‘, como mínimo, en comparación.

Shhhh… el problema de hablar en los conciertos

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La banda gallega Mundo Prestigio ha acudido a redes para denunciar el fenómeno del ruido social en los conciertos: esos conciertos de salas donde la gente sencillamente no puede dejar de hablar mientras suena la música. “Después del concierto de Madrid fue inevitable volver a casa con una sensación agridulce, y el motivo por desgracia no es nada nuevo: tener que soportar las voces de gente que habla sin parar durante todo el concierto”, han escrito. “Es increíblemente frustrante y desmotivador para los músicos y para el resto de asistentes no poder concentrarse o disfrutar de algo que cuesta tanto trabajo preparar y en lo que hay tanta gente implicada”.

El grupo añade: “Puede resultar vanidoso pretender que 100 personas concedan 50 minutos de atención exclusiva, pero amigos: esto no va solo de los que estamos en el escenario. Una actuación en directo es una experiencia que depende de un esfuerzo colectivo y deja de funcionar en cuanto unos pocos deciden no respetarlo”.

Todos como espectadores hemos tenido la experiencia de acudir a un concierto y distraernos -incluso ponernos de muy mala leche- por culpa de personas que hablan por encima de la música. Ya ni hablar de los que se emborrachan en los conciertos más improbables: un saludo a los «fans» de Ethel Cain más insufribles con los que he tenido el placer de coincidir. Es un fenómeno que no es nuevo, y quiero dejar claro que no hablo de festivales o eventos abiertos, donde la distancia y el propio formato permiten otros usos del espacio. El problema se evidencia sobre todo en salas pequeñas: habitaciones cerradas donde, en teoría, el pacto de escucha debería ser más evidente.

Pero no lo es. En ese espacio comprimido se juntan varias cosas: el incentivo de consumir en la barra, la dimensión social del plan -ver a amigos quizá por primera vez en la semana- y el hecho de que, en muchos casos, el grupo que está tocando no sea suficientemente conocido como para activar la atención de la audiencia. Pero aunque sea conocido, es un hecho que la gente hablará en los conciertos. El problema es que cuando el murmullo de la gente ahoga el sonido, ahí tenemos un problema.

Parece que no existe un acuerdo compartido, un consenso social, sobre qué significa exactamente estar en un concierto de sala, pero diría que se habla demasiado y se debería escuchar más. Para hablar sin hacer caso a la música hay millones de sitios donde no has pagado una entrada para ver a una banda tocar. Esta diferencia de expectativas al final genera tensiones en los conciertos muy incómodas y evitables, que perturban la experiencia relajada de ir a un concierto.

A veces parece que no sabemos ni a qué concierto vamos. ¿De verdad te metes en la 2 de Apolo para hablar mientras toca un grupo desconocido que pide tu atención? Desde luego esto a Rosalía no le pasa: ella es capaz de callar a todo el Palau Sant Jordi. Y mira que es difícil. Pero los grupos pequeños son los más perjudicados. En 2009, Marina de Klaus&Kinski contaba que tuvo que mandar callar a toda una sala porque no se oía ni ella misma. Era medianoche, y tocaban un concierto acústico: quizá el contexto importa, pero también hay algo evidente: el grupo está trabajando, y es lógico que, si va a tocar, espere que el público escuche.

Curiosamente, no todos los artistas perciben esto como un problema. En la entrevista de 2009 para este mismo medio ya citada, y donde ya analizábamos esta problemática, Single decía que no le molestaba que la gente hablara en sus conciertos, aunque matizaba que se debía a que el volumen desde el escenario lo compensaba, y añadía que como espectadora sí le resultaba molesto.

El caso de Mundo Prestigio es representativo de lo que sufren muchos grupos emergentes de rock o escenas independientes que aún no tienen una base de público consolidada. Es evidente que los conciertos son eventos sociales, pero también son eventos culturales, y aunque hablar forma parte inevitable de la experiencia, no todos los conciertos piden lo mismo: no es lo mismo ir a un concierto de dream-pop que a uno de punk. El pacto implícito nunca está del todo claro, y el efecto cadena hace que se normalice el murmullo constante, hasta el punto de que a veces la música se queda en un segundo plano.

La clave no es imponer silencio absoluto: aparte de que sería imposible, nadie quiere eso. Nadie quiere ir a un concierto y no poder ni respirar. Quizá hay que recuperar la idea de que a los conciertos se va, sobre todo, a escuchar música, igual que vamos al cine a ver una película, y recordar que los grupos emergentes requieren especialmente de nuestra atención. Mundo Prestigio tiene razón cuando subraya que los conciertos exigen un esfuerzo colectivo: el público a veces olvida que atender el concierto también es participar en él. Cuando el grupo que toca pasa a ser irrelevante dentro de la experiencia, quizá vale la pena preguntarse si se está en el lugar adecuado.

Qué ironía, por cierto, que la palabra “concierto” venga de «concertar», es decir, ponerse de acuerdo. Deberíamos podernos de acuerdo en escuchar.

Olivia Dean llega a 3 millones de copias; Ed Sheeran con ‘Play’, no

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Hits

El éxito de ‘The Art of Loving‘ permanece inalterable más de medio año después de su lanzamiento. El segundo álbum de Olivia Dean continúa en el top 3 británico y -lo que tiene más mérito- en el top 10 estadounidense. Como antes Adele y Amy Winehouse, ha conseguido triunfar al otro lado del Atlántico. Mediatraffic estima que acaba de rebasar los 3 millones de copias a nivel global, lo cual es bastante contrastable.

El segundo álbum de Olivia Dean ha sido doble platino en Reino Unido (600.000 copias), oro en Estados Unidos (500.000) y cuenta con certificaciones en países tan dispares como Australia, Canadá, Francia, Noruega (doble platino), Nueva Zelanda (cuádruple platino), Suecia o Portugal. Es decir, es uno de los éxitos globales más claros de los últimos años.

Incluso en países tan desabridos para el pop anglo como España el público ha reaccionado. ‘The Art of Living’ ha sido top 20 por aquí y pasa su 34ª semana en lista en el puesto 49 completamente estabilizado. Deducimos que pronto será Disco de Oro en España, tal y como lo han conseguido los dos singles principales del álbum, ‘Man I Need’ y ‘So Easy (To Fall in Love)’.

Flops

También en septiembre de 2025 se publicaba otro disco llamado a conquistar las listas, ‘Play’ de Ed Sheeran. Sin embargo, este no era un proyecto millonario como otros lanzamientos de Edward Christopher. ‘Play’ solo tiene tres certificaciones: oro en Reino Unido (100.000 copias), oro en Francia (50.000) y oro en Nueva Zelanda (50.000). Cuando abandonó el top 20 mundial de Mediatraffic, apenas sobrepasaba las 250.000 copias a nivel global.

Lo más extraño es que con 450 millones de streams en Spotify, el single ‘Azizam’ no puede considerarse precisamente un fracaso. Ni los 365 millones de ‘Sapphire’, tampoco. Sin embargo, es claro que Ed Sheeran no ha conseguido trasladar ese entusiasmo al resto del álbum. Con la excepción de ‘Old Phone’, ‘Camera’ y ‘A Little More’, los streams de los tracks del largo son muy bajos y las ventas reales de ‘Play’ no llegan al millón de copias.

Si los discos de Ed Sheeran solían durar años en las listas de Reino Unido, este ‘Play’ solo aguantaba 19 semanas en el que es su territorio estratégico por excelencia. Si nos vamos a Estados Unidos, el disco entraba a un tímido puesto 5, dato por el que cualquier artista femenina sería crucificada, y nadie se dio cuenta de que 5 semanas después, ‘Play’ había desaparecido de todo el Billboard 200. El que tuvo retuvo y las antiguas ‘Shape of You’ y ‘Perfect’ siguen en listas globales años después, pero lo que es su material nuevo, está generando muchas dudas.

BTS triunfan en los AMA’s; Sabrina Carpenter, gran ausencia

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BTS han sido los grandes ganadores de los American Music Awards de 2026 al hacerse con premios como el de Artista del Año, Canción del Verano por ‘Swim’ o Mejor Artista/Grupo masculino de K-pop. Además, abrían la gala con una interpretación de su tema ‘Hooligan’, si bien este había sido pre-grabado en el Allegiant Stadium.

Otros que han recibido varios premios han sido Sombr, que también ha actuado, Sabrina Carpenter y Cardi B. Esta última ha triunfado en las categorías de rap, pero Sabrina se ha llevado el premio a Disco del Año por ‘Man’s Best Friend‘, por encima de Gaga, Bieber, Morgan Wallen o incluso Taylor Swift. Lamentablemente, Carpenter ha sido una de las grandes ausencias de la gala pese a que no está de gira.

La Canción del Año ha sido ‘Golden’ (también mejor banda sonora para ‘HUNTR/X’), mientras que el Mejor Nuevo Artista han sido Katseye. La Gira del Año ha sido ‘Las mujeres no lloran’ de Shakira, por encima de Beyoncé, Kendrick con SZA, Gaga y los mismísimos Oasis.

Entre las curiosidades, el reconocimiento a Zara Larsson por Disco Revelación del Año con ‘Midnight Sun’, o a Bad Bunny en categorías latinas. Todo el palmarés lo podéis encontrar aquí.

Han actuado también Katseye, Karol G, Twenty One Pilots, New Kids on the Block, Maluma, The Pussycat Dolls con Busta Rhymes o Teyana Taylor con Missy Elliott. Cerraban Billy Idol con Steve Stevens. Algunas actuaciones no se han subido a Youtube, al menos a la hora de redacción de esta noticia. Este es el canal oficial de los AMA’s en Youtube.




El vinilo de Bad Gyal tampoco puede con Quevedo

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Quevedo sigue intratable también en la lista de álbumes en España. ‘El Baifo’ sostiene el número 1 por cuarta semana consecutiva, ya certificado como disco de platino por el equivalente a 40.000 copias. Eso son más de 10.000 de media por semana. Y sin edición física.

La subida más fuerte de la semana la protagoniza ‘Más cara’ de Bad Gyal, que pasa del puesto 8 al puesto 2 debido a la edición en vinilo. Bad Gyal vuelve a quedarse sin el número 1 oficial en España con este lanzamiento pero al menos sí puede presumir de ser top 1 en vinilos. Además, es disco de oro, es decir, otro éxito para Alba Farelo.

La entrada más fuerte de la semana es la de Malú, aunque su disco ‘Quince’ queda esta vez lejos de competir por las primeras plazas. Todos los discos de Malú publicados entre 2010 y 2023 fueron número 1 en España, pero este queda incluso fuera del top 3: es solo número 5.

La gran pregunta de la semana es dónde iban a caer en España los discos de Drake que han sido número 1, número 2 y número 3 en Estados Unidos, lo que constituye un récord. Pues bien, ‘Iceman’ ha llegado al número 8, ‘Habibti’ al número 38 y ‘Maid of Honour’ al número 44. Eso sí, ni una sola canción de Drake aparece por el top 100 español, pese a haber logrado todas esas cifras sobre todo con el streaming.

Triángulo de Amor Bizarro llegan al puesto 53 con ‘Mi catedral‘, nuestro Disco de la Semana (y del mes), lo cual constituye una mejora desde ‘Sed’, que fue top 62. Sobre todo hay que destacar el top 10 conseguido en la tabla de vinilos por la banda gallega.

Las entradas se completan con ‘Secho Gang’ de Sech (33), ‘Loco x volver’ de Maluma (37) y ‘Gravitas’ de Eli Toffana (89).

Tímida entrada en listas de ‘Dai Dai’ de Shakira y Burna Boy

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La lista de singles en España sigue dominada por Quevedo: las 14 canciones de ‘El baifo‘ siguen en el top 75 en España, siendo la última de todas ellas ‘Mi balcón’, que baja del puesto 42 al 63. En el número 1 continúa ‘Al golpito’ con Nueva Línea y en el número 2 ‘La graciosa’ con Elvis Crespo.

La única amenaza para Quevedo es ‘Dichavate’ de Ya Ice Dulan y amigos, que asciende hasta el puesto 3, su nuevo máximo, tras 12 semanas de escalada.

La entrada más fuerte de la semana no la encontramos hasta el puesto 28. Ahí llega ‘Dime baby’ de Clarent, que continúa arrasando con ‘LOVE’ (aún en el top 50 tras haber sido top 3 y certificada como platino). Por su parte, ‘Toty’ de La Pantera entra en el número 42.

Las entradas se completan con ‘Desorden’ de Alleh (86), ‘Quédirán’ de AGsus LZ (88) y ‘Dai Dai’ de Shakira con Burna Boy (93). En ese sentido, el tema del Mundial tendrá que vivir una gran escalada para consolidarse como pequeño éxito del verano. Al menos, su evolución en Spotify España es positiva en estos últimos días y este fin de semana lo encontrábamos en el puesto 70. En cuanto a listas internacionales, sobre todo se percibe el ‘Dai Dai’ emergiendo en radios.

Leo Rizzi / La belleza de las flores

Proliferan los discos que por un lado buscan cierta espiritualidad (Rigoberta, Rosalía, Refree con Niño de Elche), y también los que cuestionan de una u otra manera los tempos actuales y las exigencias de la industria musical (Pipiolas, Cariño). En su estilo, el segundo álbum de Leo Rizzi es místico, se esfuerza por resultar profundo y sobre todo auténtico. Su single principal recibe un nombre tan gráfico como ‘Puro’. Pocas palabras tan cortas suenan tan cargadas de intenciones y significado, sobre todo en un ámbito como el musical.

Leo Rizzi explica que no se siente cercano a la corriente neocatólica o de imaginería cristiana. Que ha leído la obra del filósofo Byung-Chul Han -de ahí viene el nombre del álbum, ‘La belleza de las flores’- y de lo que habla aquí es de buscar una tradición y una tierra «alejada del consumo y de la producción».

En la canción ‘Fe’ ha contado con Manu Om, un cantante ligado al canto devocional y a los mantras, un tema que dice algo así como «soy un bobo, yo sé / pero siempre guardo la fe en mis sentidos». Y que al final concluye con un canto a Hanuman, un dios hindú. A continuación, aparece la mejor composición del álbum, de título tan grave como ‘Aquí nadie se puede morir’.

‘La belleza de las flores’ es un álbum reflexivo en el que Leo Rizzi se recrea en la música como forma de supervivencia. No solo por su poder curador -y estas canciones inspiradas en el folk, el rock progresivo y la psicodelia lo tienen- sino porque los textos apelan a aquellos que han querido destruirle. ‘Aquí no se puede morir’ junto a Santi Balmes es una canción bellísima en la que recuerda que, aunque alguien se propusiera acabar con él (como sucedió en la industria), siempre sobrevivirán sus canciones. Esa es la idea tras frases como «nadie puede amenazarme» o simplemente «aquí nadie se puede morir». Otro de los temas, ‘Cruz invisible’, también dice algo parecido: «por más que a mí me entierren, siempre estaremos vivos».

Si en algún momento este segundo disco de Leo Rizzi peca de ser intenso de más, tal sensación se desenreda con una serie de canciones más pop que no por casualidad están desplegadas muy hábilmente por toda la secuencia.

Tenemos la pegadiza ‘Nueva Era’, tenemos ‘Año nuclear’ una vez pasadas ‘Fe’ y «Aquí», y también los «paparapapás» de ‘Velita’. Para los últimos instantes del álbum se han reservado los singles ‘Halo’ junto a Violeta y el pop-rock épico de ‘Choque’. Aunque nada como la «Samba» que aparecerá como «bonus track» o «pista fantasma» en la edición vinilo. Ahí sí que Leo Rizzi se sacude las penas que haya podido tener en los últimos años.

‘Adiós con alegría’: Anni B Sweet vuelve donde lo dejó hace 7 años

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7 años llevamos sin álbum de Anni B Sweet. SIETE. En medio, naturalmente podemos hablar de giras, colaboraciones y un disco compartido con Los Estanques muy reivindicable y ganador de múltiples reconocimientos. Pero no será hasta el próximo mes de octubre cuando tengamos en nuestras manos ‘Alegría’, el sucesor de ‘Universo por estrenar‘.

En aquel álbum Ana López trabajó con James Bagshaw de Temples, dejando canciones tan potentes como la inolvidable ‘Buen viaje’, y también es el caso de este próximo largo. El single ‘Adiós con alegría’ es por tanto continuista.

‘Adiós con alegría’ se sumerge en la psicodelia de los años 60, en la que tanto Anni como James han encontrado un hogar. Los Beatles de ‘Tomorrow Never Knows’ (1966) o los que luego se fueron a la India (1968) podrían ser una referencia en los arreglos de esta grabación que quiere reivindicar la década «donde lo extraño y lo accesible convivían sin conflicto».

Menos inmediata que la mencionada ‘Buen viaje’, una canción que se acerca a los 10 millones de streams -aunque deberían ser 1.000-, ‘Adiós con alegría’ cumple su función de ayudarnos a sortear la adversidad. De despedir a los «malos recuerdos» con buen rollo, melotrón, y muy puntuales ráfagas de cuerda y guitarra eléctrica, haciendo especial mención a cuánto se han divertido la artista y James en el estudio. Porque lo mejor del tema son los efectos vocales que han caído en monosílabos tan absurdos como «que» y «de». Una bocanada de aire fresco en un tema que buscaba eso exactamente: un poco de aire.

Anni B Sweet reconoce -en un texto distribuido por Subterfuge- la canción influida por una «mala racha de esas que dejan eco» y la lectura de André Breton:

«El surrealismo de Breton hablaba de algo muy simple y muy raro a la vez: que la realidad no es tan sólida como parece, que siempre hay una pequeña grieta por donde entra otra forma de mirar. No se trata de imaginar cosas nuevas, sino de fijarse en lo que normalmente pasas por alto. Cambiar el foco. Así hice: empecé a mirar otros detalles, a darles más espacio y dejar que crecieran. Lo que antes era fondo empezó a ocupar el primer plano. Y con ese pequeño cambio, los recuerdos también se movieron. No desaparecieron, pero dejaron de ser lo único que había. Se mezclaron, se deformaron, se abrieron. Ahí apareció algo que no esperaba: una forma de alegría. No como euforia ni como alivio rápido, sino como una sensación de aire. Como si la realidad, al ensancharse un poco, dejara más espacio para estar dentro sin ahogarse. “Adiós con alegría” nació de ese lugar más amplio y habitable».

Amaral no quieren estar tristes en su canción más explícita y engorilada

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Amaral han publicado esta semana un tema que han venido anticipando en redes. Se trata de ‘No quiero más canciones tristes’, que han creado ad hoc para la serie de Movistar+ ‘Se tiene que morir mucha gente’, estrenada también este finde.

Se trata de la canción más explícita de Amaral, al menos desde ‘Ratonera’, con Eva advirtiendo «no me vengas con tus chapas de gurú barato», y exclamando enfadadísima: «¡tú no sabes lo que es estar enamorado!». También pasa por el insulto, aunque sea en negativo: «No voy a pensar que fue mi culpa / que tú fueras simplemente / otro hijo de puta / Hoy voy a soltarte para siempre / y agarrarme a las canciones que me saquen a bailar».

Efectivamente Juan Aguirre y Eva Amaral se agarran a la música para salir de una crisis, en una grabación que pasa por todos los estadios. Ignorando aquella máxima de que menos es más, ‘No quiero más canciones tristes’ empieza a piano, después se rebela contra eso como propone el título del tema, y así, añade guitarras eléctricas y los demás elementos típicos de la canción pop-rock. Lo que incluye una sección de batería próxima a los Queen de ‘We Will Rock You’, gritos engorilados y finalmente hasta vítores y aplausos.

No la canción más sutil de Amaral sino más bien una funcional para serie y quizá directos, ‘No quiero más canciones tristes’ incluye los coros de las actrices Ana Castillo, Macarena García y Laura Weissmahr, protagonistas de ‘Se tiene que morir mucha gente’. Amaral se han querido empapar del espíritu de las tres mujeres de esta historia. Tres mujeres treintañeras que no han podido cumplir los sueños de su vida.

‘Se tiene que morir mucha gente’ es una creación de Victoria Martín, basada en su best seller homónimo. Sandra Romero (‘Los años nuevos’, ‘Por donde pasa el silencio’) dirige la serie junto a la propia Victoria Martín y Nacho Pardo, que firman dos episodios.

Tan entregados a la causa como siempre, Eva y Juan han querido compartir unas palabras sobre su experiencia: «nos hemos sentido unos absolutos privilegiados viendo la serie antes de que estuviera terminada y hablando con Victoria sobre el universo que habita en cada personaje. No es un secreto para nadie que somos seguidores suyos en todas sus facetas y estamos muy emocionados de formar parte de esta aventura».

Amaral cerrarán gira el próximo mes de diciembre en grandes arenas de Madrid y Barcelona. Las entradas están a la venta en su web.

Judeline le canta a su niña interior en la monísima ‘pequeñita!’

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La nueva canción de Judeline es una ensoñadora pieza que la artista se dedica a sí misma. Mejor dicho, a su versión de 5 años. Se trata de un aperitivo antes del lanzamiento de ‘soldadito español’, la canción original de Lara Fernández para ‘La bola negra’. De momento, ‘pequeñita!’ es la Canción del Día.

«Estoy tocando a mi amigo el mar con los pies intermitentemente, yo no me echo para atrás porque sé que mi amigo nunca me arrastraría a Tánger», escribía Judeline hace unos días en un post de Instagram. En este sentido, ‘pequeñita!’ también se trata de un regreso al pasado. Uno en el que la artista mira a los ojos de su yo infantil y le asegura que todos sus sueños se van a cumplir.

«Lara eres tan pequeñita / Mira delante de ti / Hoy te dejaron solita / No siempre va a ser así», canta Lara en las primeras líneas entre teclados arpeggiados. En muchas ocasiones, Judeline ha contado cómo su infancia no fue la época más feliz de su vida, en gran parte por el bullying que sufría en su colegio y por el que se vio obligada a cambiarse de centro. Con 23 años, abraza su pasado: «Sé que hubo un momento dentro mía no hubo sitio para ti / Y cambié mi nombre».

‘pequeñita!’, como su título indica, no se hace grande en ningún momento, quedándose como una de las canciones más oníricas de Judeline. La falta de percusión hace que el impacto emocional de la canción sea total. Sobre todo, combinado con frases tan bonitas como esta: «Hoy susurraste a una estrella, pero te escuchaba Dios / Pronto serás como ellas, pronto serás como yo».

Live Nation responde las críticas al VIP de Bad Bunny

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Bad Bunny ha terminado con éxito sus dos fechas en Barcelona, antes de enfrentarse a las diez citas que tiene en la capital. Sin embargo, lo más viral del paso del puertorriqueño por la ciudad ha sido la horrible experiencia de un usuario con la entrada VIP del concierto, más viral incluso que el «Acho, PR es otra cosa» de Ibai Llanos.

El primer vídeo de Jordi Ferrández contando la situación que vivió con la entrada VIP durante la primera jornada, justo al lado de la casita de Bad Bunny, supera en estos momentos los 10 millones de visitas. Una gran parte de la polémica causada es debido al precio de estas entradas, situado entre los 500 y los 600 euros, con algunas personas viéndolo como pagar para no poder respirar.

Cabe aclarar que, en un vídeo posterior, el asistente explica que no existía como tal una «zona VIP» que estuviese separada de la pista a la que se accede por entrada general, sino que consistía en un paquete VIP que incluía un acceso anticipado para poder estar en primerísima fila. Como mínimo, se podía entrar tres horas antes al recinto: «Pensábamos que pagando literalmente más del doble de lo que vale la entrada general íbamos a poder disfrutar del concierto».

«No puedo moverme, no puedo bailar, no puedo hacer nada», denuncia el usuario en el primer clip. Aunque este es el único vídeo de quejas derivado del concierto, o al menos el único que se ha hecho viral, sí se aprecia el poquísimo espacio que hay para ser una zona VIP. Cualquiera se puede imaginar el calor que haría allí dentro. Los vídeos más fuertes son los que subió después, en los que muestra cómo el equipo de seguridad intenta sacarlo del recinto, con un nerviosismo evidente.

«Yo voy a saltar, que me tiren y ya está», cuenta Jordi a la cámara, mientras una persona de seguridad le repite que no puede cruzar la barrera, que da directamente a la parcela de la casita: «Que me da algo aquí», suelta el asistente. Entonces, la solución que le proponen es «abrir pasillo», es decir, intentar separar al resto de personas de la barrera para que él y su pareja puedan salir.

«¿Pero no ves que le va a dar algo?», suelta alguien del VIP al ver que no le dejan salir por encima de la barrera. La guardia de seguridad, claramente agitada, responde: «Que ya vamos, joder, tío» mientras empuja al resto de personas para que dejen espacio. El momento más surrealista del vídeo llega cuando una persona se niega a moverse por miedo a perder el sitio («Yo he pagado para algo»). Cuando Jordi le cuenta que se quiere ir, su respuesta es lo último que te esperas en un momento así: «¡Pues lárgate ya!».

«Al final, pudimos salir pero fue una odisea, y la organización no actuó bien», cuenta el fan en un comunicado de Instagram. En cuanto a la intervención del equipo de seguridad, este da más detalles en una publicación anterior: «Deberían habernos ayudado desde el minuto uno, no tenían ningún protocolo ni nada, no sabían que hacer y no podíamos respirar», concluye.

Desde Live Nation han contestado las críticas vertidas en estos vídeos: «La zona en cuestión no se encontraba por encima de su capacidad y cumple con las condiciones establecidas, estando certificada por un ingeniero responsable. En este caso, la persona había adquirido un paquete Early Entry, que permite acceder antes al recinto y tener prioridad de entrada. No obstante, tal y como se especifica en las condiciones del pack, se trata igualmente de una entrada general y no de una ubicación reservada. Es cierto que las zonas más próximas a la primera fila pueden experimentar una mayor sensación de presión por la concentración de asistentes, algo habitual en conciertos de alta demanda. En cualquier caso, el espacio cuenta en todo momento con supervisión y control por parte del equipo de seguridad, cuya prioridad es garantizar el bienestar y la seguridad de los asistentes».

El show total de Rigoberta Bandini despunta en la consolidación de Festial!

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Gloria NM

El éxito de convocatoria de Festial! este fin de semana en Alcázar de San Juan certifica que el evento se parece cada vez menos a unas fiestas populares venidas muy arriba y cada vez más a un pequeño festival de cita obligada para los amantes de la música indie de Castilla La Mancha -y un poco también para los de Madrid, que está a 1 hora y 20 minutos en tren-.

Más de 10.000 asistencias se han sumado entre la jornada de viernes y sábado, además de la fiesta de bienvenida del jueves con La Sonrisa de Julia. Las alternativas habitacionales de Alcázar se agotaron, por lo que, ante la buena respuesta del público, la organización tuvo que ampliar la oferta habilitando zonas de camping y glamping.

Uno de los mayores entretenimientos de Festial! son los conciertos gratuitos en la céntrica Plaza de España durante el día: se nota que detrás de este evento están los responsables de Sonorama. En torno al ayuntamiento aún no se programa a grupos de primera línea, sino más bien noveles, junto a alguna sorpresa, y así se crea un buen ambiente entre melómanos portando camisetas con los cabezas de cartel y el público casual de los bares del pueblo y las terrazas sitos en la misma plaza. Dadas las altas temperaturas, este año se ha ampliado visiblemente el tamaño de la carpa en la plaza y las barras creadas ad hoc: era mucho más fácil resguardarse del sol que el año pasado.

El grupo sorpresa fue Elefantes, pasadas las dos de la tarde -hubo un cambio de última hora, en principio estaban programados a las 15.30-, y quienes actuaron en verdad a eso de las tres fueron Oslo Ovnies.

Es una curiosa mezcla la de la banda riojana: tres de sus cinco miembros actúan totalmente descamisados, luciendo una inversión en tatuajes muy superior a su caché actual, interpretando una música que bebe del punk, del emo e incluso un poquito del pop y del rap. Todo ello pasado por el Auto-Tune. La mezcla que jamás imaginaste entre Linkin Park, Backstreet Boys, Pignoise y Bloodhound Gang.

Preocupados por si «se entendía su mensaje» y si su concierto se oía bien, el set dejó momentos memorables, como el estribillo «no estoy para tonterías» de ‘NEPT’ o aquel en el que el bajista -el más oscuro de todos, o al menos eso parecía revelar vistiendo 100% de negro- bajó a tocar entre el público.

Gloria NM

Gloria NM

Ya en el Complejo Polideportivo Municipal, el recinto principal de Festial!, donde el viernes habían tocado Lori Meyers y Niña Polaca, entre otros, el sábado iba a ser el día de las mujeres. Las Petunias abrieron a las 19.00 horas, con un concierto de punk, solo que socarrón, en el que llegaron a bromear con llevar guitarras pregrabadas.

El punk de 2026 es otra cosa, una cuestión de actitud, y en su discurso no faltaron gritos contra «Ayuso y toda la puta ultraderecha de este país» durante ‘B0mb4’, himnos feministas como ‘SHHH!!!’ con su «no me pidas que mantenga la calma», «no merezco la palabra», hits como ‘Poeta en NY’ y alegatos a favor del underground. Dieron un espacio privilegiado a su tema ‘Marcelo Criminal’, que se acerca al millón de streams, y portaron una camiseta del mismo que emula el logo de El Corte Inglés.

Gloria NM

La gran cabeza de cartel era Rigoberta Bandini, con un show de nivel que incluye tantos músicos como bailarinas y coristas, proyecciones de sus propias cámaras en directo y una reivindicación escueta de su último disco, ‘Jesucrista Superstar’. Joyas como ‘JAJAJA’, ‘CXT’ y ‘Simpática pero problemática’ siguen haciéndose demasiado cortas en formato «medley», aunque es verdad que en este entorno festivalero, cuando el público generalista eleva los móviles es cuando suenan viejos hits como al principio ‘In Spain We Call It Soledad’ y ‘Canciones de amor a ti’ o, al final, ‘Perra’ y ‘Too Many Drugs’.

Rigoberta deslumbró con su voz, presencia escénica y simpatía, revelando que nunca había estado en Alcázar, y se benefició del poder de las versiones en un espacio como este. ‘El amor’ de Massiel y ‘Mayonesa’ en acústico fueron de los momentos más disfrutables.

Aunque hay que reconocer que hay tres temas nuevos y propios que tienen un lugar asegurado en su repertorio para siempre: ‘Pamela Anderson’ es uno de los más potentes como hit percutivo; ‘KAIMAN’ fue una de las más bailadas, y además Bandini ha dado con un tema que, como cierre, queda muy bien incluso después de ‘Ay mamá’. Me refiero evidentemente a ‘Busco un centro de gravedad permanente’.

También dieron un concierto muy entretenido MARLENA, para nada deudor tampoco de su paso por Benidorm Fest. ‘amor de verano’, que no falta en su set, ni siquiera es una de sus canciones más reproducidas. Sus canciones pululan entre el pop-rock, lo acústico y lo EDM, todo ello marcadísimo por la grave voz «de barrio» -en el doble sentido de la palabra- de Ana Legazpi, que es lo que da unidad a todo.

Gloria NM

También es muy personal la voz de Diego Arroyo de Veintiuno, quebrada y emocional como las grandes voces irlandesas de Dolores, Sinéad o Damien Rice. Hasta te preguntas si es adecuada para la música que realizan. El grupo cerró con el tema que les da de comer, ‘La vida moderna’, el que bromea que «el poliamor son los cuernos de siempre», pero antes retaron al público indicando que su mejor canción es ‘Cabezabajo’, hablaron de «mandar a alguien a la mierda» en ‘Pide un deseo por mí’ y, en definitiva, se entregaron tanto que nadie recordaba su corte de sonido durante un tema, para cuando tuvieron que abandonar el escenario.

Gloria NM

La noche se cerraba con otros chicos, los de Sanguijuelas del Guadiana, que han tenido la habilidad y la rapidez de montarse un escenario muy chulo pese a que lo que pasean por toda España es tan solo su disco de debut. Esas cocheras a sus espaldas representan su apego por su tierra Extremadura, a la que apelan en ‘De Badajoz he venío’ o ‘Llevadme a mi Extremadura’ y camisetas que tienen lemas como «suerte la tuya de poder vivir donde naces», muy presentes entre el público.

También recuerdan a su paisano Robe con una versión de ‘Nada que perder’, aunque los cortes que más levantan al respetable son en principio ‘100 amapolas’ y, casi al final pero no al final del todo, evidentemente ‘Revolá’. Un himno generacional que coreó la gente más allá de las 2 de la madrugada, antes de que cerraran la noche Las Chinches como dj’s y el after anunciado a lo grande en la gran pantalla. Que tome nota Madrid, para después del Mad Cool.

Gloria NM

Cuando Linda Perry casi produjo a Green Day : «Billie Joe es un pussy»

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Linda Perry ha hablado con NME sobre la ocasión en la que estuvo a punto de producir el sucesor de ‘American Idiot’ de Green Day. De hecho, tal y como lo cuenta, ella fue elegida para el trabajo, pero su pasado como productora de exitazos de pop no jugó un papel positivo. Perry echa la culpa al frontman de Green Day: «Billie Joe es un cobarde».

Perry, frontwoman de 4 Non Blondes, está detrás de la composición de bangers de la talla de ‘Beautiful’ de Christina Aguilera o ‘Get The Party Started’ de Pink. Al ser preguntada por las palabras de Courtney Love, que contó en una ocasión cómo Perry se iba a encargar en un principio de producir el sucesor de ‘American Idiot’ para la banda de Billie Joe Armstrong, Perry confirmó los rumores.

«Cancelé seis meses de mi calendario para trabajar en el disco. Quedé con Billie Joe y hablamos durante tres horas. Como todos los artistas, creo que había llegado a punto en el que te sientes como que no tienes nada que decir y necesitas ayuda», cuenta Perry.

El problema llegó cuando Courtney se fue de la lengua y reveló los planes de Perry con Green Day: «Empezaron a recibir una reacción muy negativa de sus fans, enfadados porque iban a traer a Linda Perry, que había producido para Pink y Christina Aguilera», relata. No se esperaba que los miembros de Green Day nunca la volviesen a llamar.

«Habría contactado con ellos para averiguar qué estaba pasando. Nadie me llamó. Perdí seis meses de trabajo programado. Fue una putada, todo porque Billie Joe es un pequeño cobarde y no le gustó la reacción de sus fans», explica Perry. En su momento, el equipo de Green Day publicó un comunicado en el que negaban la involucración de Perry en el proyecto, finalmente quedándose con Butch Vig para la producción de ’21st Century Breakdown’.

«Ocurrió porque soy una mujer que había escrito canciones de pop. Me sentí decepcionada con los chicos, y luego me enfadé con Courtney porque si se hubiera callado habríamos hecho el disco, habría salido y habría hablado por sí mismo», concluye Perry.

Drake hace historia en Billboard: quédate con estas 6 canciones

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Drake se ha convertido en el primer artista de la historia de Billboard en ocupar los tres primeros puestos de la lista, gracias al triple lanzamiento de ‘ICEMAN’, ‘MAID OF HONOUR’ y ‘HABIBTI’. Con esta marca, también iguala a Taylor Swift como el artista solista con más números 1 de la historia del Billboard 200, con 15.

Michael Jackson podría haber sido el primero en conseguir este hito en 2009, pero debido a las reglas de Billboard, que evitaban que cualquier disco que llevase publicado más de 18 meses pudiese contar en las listas, no lo consiguió. ‘ICEMAN’, la joya de la corona, cuenta con un total de 463.000 unidades vendidas, mientras que ‘HABIBTI’ y ‘MAID OF HONOUR’ cuentan con 114.000 y 110.000, respectivamente.

Aunque los números de los últimos lanzamientos de Drake se ven así de impresionantes, el recibimiento crítico no ha sido tan positivo. Por ello, y para ahorrar el trago de escuchar algunos de los discos más decepcionantes de la carrera de Drake, elegimos dos canciones de cada proyecto que sí merecen la pena.

‘ICEMAN’

El comienzo del disco madre de este ciclo, orientado al hip hop, empieza bastante bien. Las letras de ‘Make Them Cry’ y, especialmente, ‘Whisper My Name’ fijan el tono de todo el proyecto, que por desgracia se parece más a la primera. La segunda es todo lo que queremos de Drake: flows pegadizos y frases libres de vergüenza ajena («¿Soy tu GOAT? Probablemente no / Probablemente lo fui, pero probablemente lo olvidaste»). ‘Dust’, en medio de las dos, también acierta juntando melodías y agresividad.

‘MAID OF HONOUR’

En este álbum, adornado con los padres de Drake en la portada, el canadiense nos lleva al club. Es un proyecto divertido, aunque sí que tiene puntos bajos muy bajos. Por otro lado, tenemos ‘Road Trips’ y ‘Princess’. Mientras que la primera es un banger que muestra el lado más juguetón de Drake, la segunda es un rarísimo corte de R&B alternativo que comienza con unos distorsionadísimos sintetizadores y una de las letras más emo del artista: «Encontré a mi princesa tirada en el baño / Se divirtió demasiado». Irresistible.

‘HABIBTI’

Drake se rinde a su lado R&B y romántico en el tercer álbum del ciclo. Si te gusta el Drake de las melodías, esta debe ser tu elección. ‘High Fives’ trae de vuelta a la versión más tóxica del canadiense, y a una de las más entretenidas además, combinando unas letras llenas de referencias citables con las melodías clásicas del artista. ‘Classic’, por otro lado, es un bienvenido throwback a la producción de principios de los 2000. Fácil escuchar a The Weeknd, ¿y a Prince con la voz subida?, en este corte.

El «Mickey Mousing» de Michel Gondry en ‘Girl Like Me’

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En clásicos del videoclip como ‘Around the World’ (Daft Punk), ‘The Hardest Button to Button’ (The White Stripes) o ‘Star Guitar’ (The Chemical Brothers), Michel Gondry llevó hasta extremos nunca vistos la llamada técnica del “Mickey Mousing”, es decir, la sincronización coreográfica entre música e imagen con fines creativos.

La debutante Laurie Lotus ha basado la gramática audiovisual de ‘Girl Like Me’ en ese mismo concepto. El vídeo de PinkPantheress, perteneciente a su notable álbum ‘Fancy That!’, está articulado como una coreografía milimétrica en la que cada gesto, desplazamiento y cambio de plano parecen responder al pulso de la canción, convirtiendo el ritmo en principio organizador de la puesta en escena.

A ello se suma un elaborado juego de superposición de capas y planos, con imágenes en constante vaivén que remiten a tópicos del imaginario urbano londinense y que se superponen, duplican o conviven dentro del mismo encuadre, generando una atractiva sensación de collage pop.

El conjunto bebe de una marcada nostalgia dosmilera, con ecos de la cultura televisiva y del imaginario Y2K británico. No es casual la aparición de Davina McCall, rostro icónico de la televisión británica de principios de siglo gracias a programas como ‘Gran Hermano’, cuya presencia funciona como guiño generacional y refuerza ese aire de cápsula pop nostálgica.

Ana Roxanne / Poem 1

“¿Por qué ha desaparecido el placer de la lentitud?”, se preguntaba una voz desconocida en ‘Slowness’, uno de los temas incluidos en el EP de debut de la cantante y compositora estadounidense Ana Roxanne. El EP ‘~~~‘ se movía entre el ambient, el field recording y el pop de cámara más etéreo, dando a conocer a una artista que apostaba por la quietud casi extrema en un mundo que va demasiado rápido.

El EP se editó en 2015, pero pasó desapercibido -Roxanne simplemente lo distribuyó entre sus amigos, de forma independiente- hasta que en 2019 fue reeditado por Leaving Records, y el algoritmo decidió favorecer la hipnótica y brillante ‘I’m a Sparkling Woman’, una de las canciones de Roxanne donde su voz suena de manera más prominente.

Roxanne posee una voz pura y cristalina, pero aunque estaba presente en su debut oficial de 2020 ‘Because of a Flower‘, no era protagonista. El disco volvía a ser una bella investigación de ambient celestial, piano etéreo y música minimalista, con puntuales destellos electrónicos y spoken words que invitaban a la meditación y la relajación.

El paso adelante que supone ‘Poem I’ es evidente. Su voz se sitúa en primer plano, las melodías están más desarrolladas desde un enfoque pop, las letras no se esconden detrás de su propio misterio y las canciones sencillamente buscan una accesibilidad donde antes preferían ocultarse. Eso sí, la lentitud sigue siendo central en la propuesta de Ana Roxanne, aunque la accesibilidad abre su propuesta a diferentes direcciones.

Las composiciones denotan que Roxanne claramente ha perdido el miedo a mostrarse en todo su esplendor y que, por tanto, ha ganado confianza como compositora. Así lo sugiere la intrigante pieza inicial, ‘The Age of Innocence’, donde, acompañada de tensas cuerdas, canta que quería abandonar su casa y “viajar muy lejos”. ‘Keepsake’ es una de las preciosas composiciones pianísticas contenidas en el álbum, dedicada a la memoria (“no te puedo alcanzar, me conformaré con el recuerdo”), e igualmente el siseo de la grabación es perfectamente audible en la melancólica ‘Berceuse in A-flat Minor’, Op. 45, una “nana”, como sugiere su título en francés.

La dimensión de “cámara” no es nuevo en la discografía de Roxanne, pero quizá nunca se había llevado tan lejos como en ‘Untitled II’, que, siendo la pista central del álbum y también la más larga, es una balada slowcore en toda regla. Aquí quizá es donde el paso a una forma más pop logra diluir ligeramente la personalidad de Roxanne, que, si en el pasado se definió por su tono puro, aquí se permite intoxicarse de puro dream pop a lo Badalamenti: ‘Atonement’ suena como si buscara una canción de Julee Cruise, pero sin encontrarla.

El segundo álbum oficial de Ana Roxanne no solo supone una evolución artística, sino que transmite una curiosidad y libertad musicales que se reflejan en arreglos y composiciones sorprendentes. En ese sentido hay que destacar el taciturno arreglo coral de ‘Cover Me’ -que no es una versión de Björk- y, sobre todo, ‘One Shall Sleep’, donde Roxanne ya da rienda suelta a su faceta más sintetizada y orquestal, transformando un famoso lied de Schumann en un viaje emocional de tamaño banda sonora. Lenta, eso sí.

El Último de la Fila, el gran grupo barcelonés por antonomasia

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Marenostrum Fuengirola.

El Último de la Fila están en plena gira de regreso. Un regreso un tanto inesperado. Se separaron en buenos términos en 1998. Las carreras en solitario de Manolo García y Quimi Portet en solitario eran lo suficientemente satisfactorias como para no esperar una reunión… Pero la publicación de ‘Desbarajuste Piramidal’ en 2023 ya puso en alerta a los radares. Y ahora han vuelto. Un poco por nostalgia, principalmente por placer. Quizás para despedirse. O no: en las diferentes entrevistas que han dado este último año no cierran la puerta ni a más conciertos ni a nueva música.

De momento tenemos una gira con 12 conciertos en total, en grandes recintos y todos con entradas agotadas. En Barcelona actuaron dos noches, el 3 y el 7 de mayo, en el Estadi Olímpic Lluís Companys, ante más de 110.000 personas. La cifra de asistentes más alta de este regreso. Porque en España habrá fanatismo con EUDLF, pero en Barcelona hay absoluta y genuina devoción. EUDLF es el gran grupo barcelonés por antonomasia.

Hay mucha mitología urbana alrededor de EUDLF. Sobre todo alrededor de Manolo y su barrio, Poblenou, cuando este era un barrio industrial y obrero, antes de convertirse en el paradigma de la ultra gentrificación barcelonesa. El otro día en yoga unas cuantas mujeres de unos sesenta años hablaban del concierto. “Manolo es primo hermano de mi cuñada”, explicaba una. El padre de un amigo trabajó con el padre de Manolo en la Macosa, una fábrica cuyos terrenos abarcaban buena parte de la zona de Diagonal Mar: “¿Eres fan del hijo del García?”. El tipo del bar donde desayunaba mi padre presumía de amistad, largo etcétera. Pocos grupos existen que se hayan infiltrado de esta manera en el imaginario colectivo, no solo como música, sino como presencia física, palpable.

Los veinteañeros de entonces se hicieron fans a través del boca-oído inicial; ese “creced y multiplicaos” que, explicaba Quimi entre risas en el Estadi, soltaban cada vez que acababan sus primeros conciertos. De esos hermanos o primos mayores, de esas casetes que ponían padres o tíos en el coche, de ese magma barcelonés, nace la afición de los que entonces éramos niños chicos.

Manolo y Quimi se conocieron en 1981, en un festival en Hostalets de Balenyà. Quimi tocaba con Kul de Mandril y Manolo con los Rápidos. En cuanto vio a Quimi, tuvo claro que tenía que hacer música con él. Le estuvo persiguiendo hasta que Quimi se plantó en su piso de Poblenou. Nacieron Los Burros y, en 1985, El Último de la Fila. ¿Qué les unió? La química. El afán compartido de querer ser músicos antes de nada. Las ganas de hacer algo nuevo, diferente. Un algo diferente que no podría haber nacido en otro sitio: EUDLF sale del rock layetano y la rumba catalana (dedicaron su concierto en el Estadi a Pau Riba, Sisa, Ia & Batiste, Lluís Llach y Gato Pérez), el punk británico (The Clash a la cabeza), el gusto de Manolo por el folclore español y el surrealismo tan catalán de Quimi.

Todo eso dio como resultado un torrente de enormes canciones, letras esotérico-costumbristas, melodías pegadizas, aires aflamencados e instinto pop, que empezó a petarlo en España en general y en Barcelona en particular. También ayudó el lucir una autenticidad genuina, nada impostada: en 1990, con el ‘Nuevo catálogo de seres y estares’ triunfando, renunciaron al patrocinio de grandes marcas en su gira. A cambio, dieron espacios a Greenpeace y otras ONG’s en sus conciertos. Resumiendo mucho, y me perdonen la sociología un poco chusca, eran el resumen perfecto de la Catalunya de los 80.

Quizás su primer álbum, ‘Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana’ (1985) fue más bien un hito local. Pero a partir de ‘Enemigos de lo ajeno’ (1986) y su himno ‘Insurrección’, la cosa se disparó. ‘Como la cabeza al sombrero’ (1988) los convirtió en uno de los grupos más populares: llegaron a encabezar Human Rights Now!, el concierto de Amnistía Internacional en Barcelona, acompañando a Bruce Springsteen, Tracy Chapman, Sting, Peter Gabriel y Youssou N’Dour ante 80.000 espectadores en el Camp Nou. ‘Nuevo pequeño catálogo de seres y estares’ (1990) los llevó de la pequeña PDI a la multinacional EMI, donde sacaron adelante su propio sello, Perro Records. El paroxismo alcanzó el máximo con ‘Astronomía razonable’ (1993) y el megahit ‘Como un burro amarrado en la puerta del baile’.

Xavier Melero escribía recientemente en RDL sobre la destrucción de Barcelona propulsada por el turismo. Una destrucción que, lamentablemente, no es sólo patrimonio nuestro: se ha impuesto a lo largo y ancho de la geografía española. Pero hubo un lapso, entre la proclamación como sede olímpica y la resaca post-Juegos, en que dejó de ser la ciudad chunga, la de los estragos de la heroína y las crisis económicas y reinó el optimismo. El mismo espacio-tiempo que habitaron EUDLF en su particular fase imperial, la que va de ‘Enemigos de lo ajeno’ (1986) y ‘Astronomía razonable’ (1993). En el imaginario colectivo de los barceloneses se fijó esa imagen: una ciudad que había abandonado sus años más duros, pero aún guardaba el punto canalla y festivo. Una ciudad que –creíamos-era nuestra. El Último de la Fila era el grupo que ejemplificaba a la perfección Barcelona, esa Barcelona: boyante y popular, localista e internacional. Una Barcelona que ya no existe, pero que regresó por dos noches durante más de dos horas. Por eso la frase más esperada, la más coreada, fue ese “Que soc de Barcelona, i em moro de calor!” de ‘Como un burro amarrado en la puerta del baile”. Cada vez hace más calor. Pero cada vez somos menos de Barcelona.