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Morrissey anuncia fechas en España para 2026

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Morrissey volverá a intentar actuar en España, tras cancelar su última fecha anunciada en Madrid por prescripción médica. Esta vez, el ex vocalista de los Smiths se ha aliado con Primavera Tours para llevar a cabo tres shows en tres ciudades españolas.

Morrissey estará el 12 de marzo en el Palau de les Arts de Valencia, el 14 de marzo en el Auditorio de Zaragoza y el 16 de marzo en el Cartuja Center de Sevilla, en tres conciertos coproducidos por Primavera Sound y SFMusic. Estas fechas forman parte de una nueva gira de Morrissey que comenzará en Estados Unidos a principios de 2026.

La venta general de entradas se abrirá en la página web de Primavera Sound el 28 de noviembre a las 10 horas, confirma la promotora.

Adiós a Udo Kier, muso desde Fassbinder hasta Madonna

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Udo Kier, el actor alemán conocido por su presencia imponente y su participación en cientos de películas de culto, de directores como Lars von Trier, Gus Van Sant, Werner Herzog o Rainer Werner Fassbinder, ha fallecido a los 81 años. Su pareja, Delbert McBride, ha confirmado el deceso.

Especialmente recordado por su papel de Conde Drácula en ‘Blood for Dracula’ (1974), Udo Kier se especializó en interpretar personajes secundarios oscuros y depravados, incluido el mismo Adolf Hitler en uno de sus trabajos más recientes, ‘Iron Sky: The Coming Race’ (2019). Casualmente, cuando Kier nació en 1944, al final de la Segunda Guerra Mundial, su hospital fue bombardeado y él y su madre hubieron de ser rescatados de los escombros.

La presencia natural de Kier le llevó a encarnar a más de un vampiro, también en la transgresora ‘Flesh for Frankenstein’ (1973), y sus diferentes personajes en ‘Suspiria’ (1977) de Dario Argento, ‘The Third Generation’ de Fassbinder (1979), ‘My Own Private Idaho’ (1991) de Van Sant o ‘Zentropa’ (1991) de Von Trier -de villanos, aristócratas o científicos locos- fueron igualmente excéntricos o decadentes, cuando no antagónicos. Su último trabajo es ‘The Secret Agent‘ (2025) de Kleber Mendonça Filho.

Uno de los roles recientes más recordados de Kier es el de peluquero extravagante en ‘Swan Song’ (2021). Fue, a sus entonces 77 años, su primer papel protagonista.

Kier, quien rodó unas 220 películas tanto en Europa como en Estados Unidos, y también dobló películas, series y videojuegos, colaboró asimismo con artistas musicales. Su elegante presencia atrajo la atención de Madonna, quien contó con Kier para que posara con ella en su controvertido libro ‘Sex‘ (1991). Kier apareció también en los videoclips de ‘Erotica’ y ‘Deeper and Deeper’. Kier apareció también en los vídeos de ‘Make Me Bad’ de Korn y ‘Let Me Blow Ya Mind’ de Eve y Gwen Stefani.

The Neighbourhood / (((((ultraSOUND)))))

En 2013 The Neighbourhood lanzaron su debut ‘I Love You.’, un álbum que albergaba una canción que ha ido imponiéndose como uno de los grandes (y más soprendentes) éxitos de los últimos quince años. ‘Sweater Weather’, la carta de presentación de la banda californiana, no pudo llegar en un momento más idóneo. Todo en ella respondía a las demandas estéticas de entonces: desde los coches vintage y atardeceres en blanco y negro de su videoclip hasta su atmosférico sonido pop-rock alternativo playero y muy cool. Si Tumblr fuera una canción, sería esa, y si fuera un sonido, sería el de los dos primeros discos de The Neighbourhood.

Ahora Tumblr no tiene casi relevancia y estamos en 2025. Pese a que parece que 2013 fue hace dos días, ya hay toda una generación de adultos que en aquella época su edad no llegaba ni a los dos dígitos. Para muchos de ellos, escuchar ese tipo de canciones supone regresar a la infancia o a la preadolescencia, y por todos es sabido que no hay nada que guste más, a cualquier generación, que la nostalgia. Probablemente por eso, la banda ha vivido un resurgir a través de TikTok (‘Sweater Weather’ acumula más de 4 mil millones de reproducciones en Spotify, mientras que ‘Softcore’ y ‘Daddy Issues’ superan holgadamente los mil millones cada una) y quizá por eso también han decidido finalizar el hiato en el que se encontraban y lanzar su cuarto disco tras seis años de sequía.

‘(((((ultraSOUND)))))’ es un regreso a lo que la banda sabe hacer, una zona de confort donde no hay grandes avances sonoros ni innovaciones estilísticas, pero sí un cierto refinamiento en las composiciones. La nostalgia es, sin duda, la luz que les guía, y en cierta manera, cada una de las canciones recuerda en mayor o menor medida al rock alternativo de los 2010s.

La buena noticia es que se percibe una mayor madurez que en los discos anteriores. Hay momentos en los que la banda suena mejor que nunca, como en ‘Lil Ol Me’, que destaca por una producción hipnótica y sugerente. El álbum entero intenta siempre lograr ese tipo de atmósfera densa con resultados irregulares, pero cuando lo consiguen, les sale muy bien la jugada. Es el caso de la muy britpop ‘Hula Girl’, que abre el proyecto, y que figura desde ya entre lo mejor del catálogo del grupo; y también de ‘Zombie’, que se construye mediante un ritmo de batería y una sutil línea de bajo tan adictivos como la relación tóxica que describe.

En otras ocasiones, los de Jesse Rutherford no se muestran tan acertados, hundiendo varias de sus canciones en un pozo de mediocridad que afecta considerablemente a la fluidez del disco. La animada ‘OMG’ se sustenta en una melodía facilona que no aporta demasiado; lo mismo puede decirse de la olvidable ‘Mama Drama’; y ‘Planet’ parece un tema cualquiera de Cigarettes After Sex, menos en su extraño estribillo a lo Michael Jackson. La combinación ya suena rara sobre el papel, y el resultado también lo es: no funciona nada.

Otros pseudo experimentos, sin llegar a maravillar, sí que sirven para airear la secuencia y se agradecen, como los cinco minutos de puro dream pop pausado tipo Beach House que propone ‘Rabbit’; o ‘Stupid Boy’ que comienza medio acústica y va paulatinamente ganando capas de distorsión en su instrumentación e intensidad en la interpretación del cantante, cerrando el álbum en un punto álgido.

En su cuarto disco, The Neighbourhood elevan considerablemente la calidad de su sonido sin dar grandes volantazos estilísticos y siendo fieles a ellos mismos. Sin embargo, hay una falta de concisión que perjudica a un álbum que no necesitaba 15 cortes para mostrar todas sus cartas. Afortunadamente, sus momentos insustanciales se presentan mezclados con otros que indican mejor que en ninguno de sus otros proyectos que la banda es capaz de crear buenas canciones. (((((ultraSOUND))))), pese a sus defectos, debe ser visto como un paso adelante.

La Gira 50 Aniversario de Jeanette pasará por el Movistar Arena

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Jeanette ha anunciado las fechas de su Gira 50 Aniversario, que pasará por algunos de los recintos más grandes de España. Entre estos, el Movistar Arena de Madrid y el Palau de la Música en Barcelona. Las entradas ya están disponibles.

La cantante nacida en Reino Unido repasará toda su carrera en esta gira, desde sus inicios folk con Pic-Nic hasta los clásicos que todos conocemos, como ‘Soy rebelde’, ‘¿Por qué te vas?’o ‘El muchacho de los ojos tristes’. Así, Jeanette comenzará la gira el próximo 19 de diciembre en Tudela y pasará por Granada, Vigo, A Coruña, Barcelona, Bilbao, Valencia, Sevilla, Gijón, Madrid y San Sebastián.

En un comunicado de prensa, se adelanta que la cantante ofrecerá «versiones renovadas que respetan la esencia de sus canciones originales», y que las actualizan con «instrumentación acústica, pianos eléctricos y unas delicadas cuerdas». Próximamente, se anunciarán las fechas de la gira para el continente americano.

Fechas de la Gira 50 Aniversario de Jeanette:
– Tudela (19 de diciembre)
– Granada (6 febrero 2026)
– Vigo (14 febrero 2026)
– A Coruña (15 febrero 2026)
– Barcelona (9 marzo 2026)
– Bilbao (15 marzo 2026)
– Valencia (21 marzo 2026)
– Sevilla (12 abril 2026)
– Gijón (23 mayo 2026)
– Madrid (14 diciembre 2026)
– San Sebastián (19 diciembre 2026)

Kasabian, Love of Lesbian, Rufus, Ginebras… a Low Festival

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La segunda tanda de confirmaciones de Low Festival ha sido anunciada. El evento, que se había celebrado durante 15 años en Benidorm, se traslada este año a Torrevieja y tendrá lugar durante los días 31 de julio, 1 y 2 de agosto en el Parque Antonio Soria.

Low suma a su cartel ocho nuevos nombres: Kasabian, Love of Lesbian, Ginebras, La Casa Azul, Rufus T. Firefly, Aiko el Grupo, Los Chivatos y Nuevos Vicios. Estos se suman al primer avance de artistas, anunciado hace una semana con Editors, Dani Fernández, Fangoria, Alcalá Norte, Barry B, Natalia Lacunza, Ojete Calor, Veintiuno, Besmaya, joseluis, Perro y Repion.

Los abonos generales y VIP Low 2026 están disponibles en la web oficial del evento. Por su parte, la organización también ha anunciado un descuento especial para empadronados en Torrevieja que podrán conseguir su abono a precio reducido.

Monkey Week 2025: mejor en El Puerto (pero un poco antes)

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Javier Rosa

En 2016, Monkey Week anunciaba que, tras 7 ediciones en el Puerto de Santa María, se mudaba a Sevilla. La organización argumentaba que era la «consecuencia lógica de su crecimiento como punto de encuentro de la industria musical». Este 2025, la Monkey Week ha vuelto al Puerto de Santa María, tras sentir que las instituciones sevillanas estaban ahogando el festival, alejándolo cada vez más del centro de la ciudad (cuando se había concebido como festival urbano), e imponiendo restricciones horarias.

El regreso a Puerto de Santa María ha sido un éxito. Se puede echar de menos la triada de salas contiguas que, entrada la madrugada, acogía conciertos en Sevilla, pero las localizaciones para el desarrollo del festi no admiten comparación. Las charlas sobre la industria se celebran en la mezquita del Castillo San Marcos (siglo XIII), el escenario en dicho Castillo está dentro de una bodega, y los shows nocturnos se celebran en el espectacular Monasterio de la Victoria (siglo XVI), lo cual incluye una gigantesca capilla. Recintos en piedra no siempre amigos de los técnicos de sonido más noveles, pero que compensan cualquier falta con su espectacularidad.

Si Monkey Week tiene el cometido de descubrir bandas, lo que se llama «la música del mañana», hay un par de proyectos que me llevo muy bien apuntados. El dúo madrileño Las Nietas del Charli ofrecieron el viernes en la Sala Milwaukee uno de esos conciertos actústicos que, de tan bonitos, son capaces de callar a todo el mundo. Las hermanas alternaron humor con delicadeza. Ambas a la guitarra acústica, recordaban obviamente a Pauline en la Playa y a sus maestras Vainica Doble, aunque con armonías vocales más propias de los Low más descorazonadores.

Entre canción y canción, divirtieron. En verdad, nada más salir bromearon: «Gracias por venir a la hora de la siesta. Nosotras somos un poco siesta también». Y añadieron, provocando alguna carcajada: «¿por casualidad nadie tendrá una cejilla?». Aunque en el penúltimo tema un productor presente en la sala fue capaz de apañar una cejilla con un bolígrafo y una goma de pelo, el concierto de «Las Nietas» habría salido igual de bien sin ella. Anunciaron que no iban a tocar ninguna de las 6 canciones que tienen publicadas, se decantaron por las nuevas, y fueron capaces de cortar el hipo, sin grandes estribillos, con la calidez de ‘Trece’, ‘Pájaros de plata’, un tema sobre una «montaña», otro sobre la «distancia» o ese ‘Rabia’ con el que empezaron y que, lleno de violencia, dedicaron al 20-N que acababa de pasar. Y de qué manera. Volveremos sobre Las Nietas del Charli pronto.

A continuación, en la misma sala, el show del vallisoletano Dulzaro fue mucho. El joven artista remoza el folclore castellanoleonés con letras abiertamente LGTBIQ+ llevando un paso más allá -en cuanto a dance se refiere- lo exhibido por Rodrigo Cuevas desde Asturias. Dulzaro sabe cómo actuar cuando suenan pregrabadas las voces de los featurings de su álbum ‘Ícaro’, que son de paisanos tan improbables como David Ruiz de La M.O.D.A. o Erik Urano, revelándose como un gran performer al margen de los instrumentos folclóricos que se sacan de la manga tanto él como su músico.

‘Veinte duros’, pese a su temática de ITS o prostitución, hace reír por alguna razón, además de mejorar casi a capella en lugar de en su versión de estudio. Ante todo, un concierto muy divertido, gracias a la buena recepción popular. Alguien gritó «¡vivan las maricas castellanas!». Y otra, que se había identificado como su fan número 1, chilló: «¿Qué te falta?». Y él devolvió: «un ventilador».

Javier Rosa

Lo mejor de Monkey Week sucede cuando puedes ir alternando estos escenarios en los bares, en las salas, con los del Castillo, durante el día, mientras los del Monasterio son los nocturnos. En ese ir y venir de un recinto a otro durante el día del viernes pude descubrir también a Pleito. Se trata de una artista canaria que toca el saxofón y lo samplea, lo mismo que hace con conchas que de repente se saca de un bolsillo, entre otros artilugios que la rodean. Ocasionalmente, tamnbién canta algo. Junto a sus explicaciones sobre leyendas macabras de las Islas o canciones que se dedican a vírgenes, amenizó la comida de dicho día, con ciertas ínfulas avant jazz.

Hablando de saxo, fue inesperadamente un gran protagonista del concierto de Bernarda. Hubo sus momentos fieros, pero sobre todo sorprendió la experimentación de este show, hasta el punto de llegar a dudar de si estaba viendo a Bernarda en la Bodega del Castillo, o había habido algún tipo de cambio de escenario. Pero identifiqué finalmente temas como ‘Sadboy en bicicleta’ u ‘Otra mañana’. Nada que ver con Gonzalo Brancchiari, que ofreció un acústico junto a un colega que pudo traerse de su país Uruguay, y defendió sus composiciones de rock con lo mínimo, lo que incluyó su bonita voz.

Javier Rosa

El jueves llenaron también sus recintos en la zona centro de El Puerto de Santa María, Sanguijuelas del Guadiana y Karmento. Los primeros son la sensación nacional de 2025, ya lo eran desde antes de actuar en ‘La Revuelta’ y ahora lo son más. Los extremeños, jovencísimos, son definitivamente un cruce entre Estopa, Extremoduro y Pignoise, con algún ramalazo electrónico y la gracia de tener un himno sobre la España vaciada. Dedicaron ‘Revolá’ a la «gente que se va de su pueblo porque no puede hacer lo que quiere», aunque es cierto que su técnico no logró sacarles mucho brillo en la Bodega del Castillo.

Por el contrario, Karmento sonó increíble con su banda eminentemente femenina en la Sala Milwaukee. Interpretó sus hits como ‘La loca del pueblo’, ‘Fangos’ o ‘Quiero y duelo’, además de su nueva canción junto a Le Parody, quien pudo subir al escenario porque estaba por allí. Karmento no paró de hablar entre tema y tema, recordando fiestas de su pueblo en que las «serranonas» lucen traje, anticipando que en Nochevieja podremos verla en RTVE y a veces desconcertando un poco también: «Mujeres, no me revolucionéis a los hombres. Hermanas, sabéis de lo que hablo», espetó misteriosamente al presentar un tema, sin que nadie pudiera adivinar qué quería decir.

En verdad, el único enemigo de este Monkey Week ha sido el frío. La Feria se celebra hoy por hoy a finales de noviembre, y aunque el invierno ha tardado en hacer acto de presencia por obra y gracia del cambio climático, lo cierto es que ha llegado a la península justo esta semana. Programar a Cupido a las 2 de la madrugada en el Escenario al aire libre del Monasterio, un 21 de noviembre, no lució como la mejor idea, por muy al sur de España que nos encontremos. El Monkey debería ser en octubre o no alargarse tanto durante la madrugada al aire libre.

Cupido salieron airosos del reto, de todas formas. Pimp Flaco apareció con un plumas minúsculo y diminuto que le había dejado su hermana, y además al final se animó a quitárselo. El teclista y guitarrista Toni D comentó varias veces que le estaba costando tocar, especialmente la guitarra, con los dedos entumecidos por el frío. Aun así, el público resistió y se cantó temas como ‘Sobredosis de amor’, ‘Milhouse’ o ‘Autoestima’. Esta última, Pimp Flaco se la dedicó a su padre, ya fallecido, que además era de Cádiz. Aunque quien de verdad se llevó el gato al agua, al aire libre, este viernes, fueron Ortiga con su banda «Las Fanáticas de lo Sensual».

Javier Rosa

Decenas de shows por todo el país avalan el proyecto del compostelano, y el show, marcado por las mujeres a los vientos y el ritmazo, es una fiesta. Decía Ortega -antes en Esteban y Manuel- cuando salió ‘Obra social’ que le gustaba entender el grupo «como una obra social que sirva a la gente que anda perdida en la vida». Que quería crear «un lugar en el que sentirse acogido y respetado». Y eso fue exactamente lo que logró con una mezcla de merengue, bachata, cumbia y música de verbena (de hecho es que tiene un tema llamado casi ‘Verbena’), que animó a todo el Escenario Son Estrella Galicia a bailar. No sé si las escuchas de Ortiga se dispararán algún día, pero no deberían faltar en ningún festival.

Justo antes en el mismo escenario, La Paloma habían estado presentando su segundo disco, el notable ‘Un golpe de suerte’. Hubo sus altibajos en cuanto a sonido, pero el grupo sirvió show dada la gracia de compartir liderazgo (incluso han incorporado al bajo a Ade ex Hinds). Quizá sean más conocidas las canciones que canta Nico (‘Bravo Murillo’, ‘La edad que tengo’), pero Lucas se queda algunas tan carismáticas como ‘Cosquilleo’ (la que adaptó Alcalá Norte) y además en esos momentos, Nico aprovecha para poco menos que revolcarse por el escenario.

Javier Rosa

En la Capilla, contigua, se vivieron momentos tan mágicos como el recital de La Tania, que en parte tuvo lugar dentro de un bonito cubículo. Emocionadísima, no dejó de agradecer la buena acogida que había tenido ‘Los almendros’, un tema que dejó naturalmente para el final. Además, tuvo la elegancia de, en ocasiones, abandonar el escenario para dejar brillar a sus dos músicos, en especial a su guitarrista (que no era Yeray Cortés).

Peor sonido tuvo la banda de Tristán!, algo apagada durante todo el set, pese a que su nuevo disco tiene temazos como ‘Tutta La Notte’ o ‘Verónica’, que se desplegaron sin artistas invitados. Quien no iba a dejarse amedrentar por nada fueron Throes + The Shine. Se suponía que el grupo iba a explorar su origen angoleño y los ritmos de Mozambique, pero al final dio igual el dónde, porque su líder, que reside en Oporto, no paró de animar al personal en perfecto castellano. Ni un segundo paró entre el bajarse con el público, abrir un canal en mitad del foso, hacer el moonwalking o quitarse la ropa porque tenía calor. Parecía querer decir: «si tenéis frío, pues puto moveos».

Javier Rosa

Entre los últimos coletazos del viernes, en el Escenario Jägermeister, algo más resguardado merced a que se sitúa encima de una pista de coches de choque, entretuvieron y mucho -al menos en la mitad que pude ver- Aiko El Grupo, ya con ganas de introducir temas de su próximo disco, que dicen que es «mucho mejor», pero aún fieles a viejos temas como ‘Romantinski’; y Joe Crepúsculo, que no deja de interpretar ‘Mi fábrica de baile’ como el gran imprescindible en todo festival que es. Los conciertos continúan este sábado con artistas como Destroyer. Y es verdad que volverá el frío, pero tampoco es nada que no puedan resolver un abrigo gordo, una bufanda y unas manoplas.

Rosalía logra su 12º top 1 en JNSP con ‘La Perla’

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En principio, ‘La Perla‘ sucumbió ante ‘Berghain‘ entre las canciones favoritas de nuestros lectores. A la larga, la batalla entre dos canciones de la misma Rosalía se está resolviendo en favor de ‘La Perla’, que además es número 1 oficial en España y repetirá la semana que viene. En nuestro Instagram, el vals se ha hecho con el 52% de los votos frente al 27% del tema con Björk e Yves Tumor, de popularidad claramente decreciente. ‘La Perla’ es el 12º top 1 de Rosalía en nuestra web, despúes de ‘Malamente’, ‘Pienso en tu mirá’, ‘Di mi nombre’, ‘Barefoot in the Park’ con James Blake, ‘Aute cuture’, ‘La fama’ con The Weeknd, ‘Saoko’, ‘Candy’, ‘New Woman’ con Lisa, ‘Omega’ con Ralphie Choo y ‘Berghain’ . Curiosamente, ‘Despechá’ nunca lo consiguió. Rosalía empata así en números 1 de JENESAISPOP con Lady Gaga y ya solo tiene por delante a Lana del Rey (15).

La entrada más fuerte es la de Robyn, que queda lejos del top 1 con ‘Dopamine’, seguida de Charli XCX y John Cale, que tienen éritos llegando al top 4 con una canción tan ambiental como ‘House’. Otras entradas son las de Sigrid, Oklou, Musgö, Anna Von hausswolff y Tobias Jesso Jr.

Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 2 1 2 La Perla Rosalía Vota
2 1 1 3 Berghain Rosalía, Björk, Yves Tumor Vota
3 3 1 Dopamine Robyn Vota
4 4 1 House Charli XCX, John Cale Vota
5 4 4 2 bandaids Katy Perry Vota
6 9 3 4 Pussy Palace Lily Allen Vota
7 3 1 5 Nuevos recuerdos Martin Vota
8 10 8 3 AMA Maria Arnal Vota
9 15 3 4 Sweat Melanie C Vota
10 18 2 7 com você Judeline, Amaia Vota
11 5 4 7 Lárgate Ana Mena Vota
12 30 12 2 Mature Hilary Duff Vota
13 12 12 3 Cómo será vivir en el campo Depresión sonora Vota
14 14 1 Hush Baby, Hurry Slowly Sigrid Vota
15 8 6 4 Hoy va a ser el día Miss Caffeina Vota
16 21 9 4 Veronica TRISTÁN!, rusowsky Vota
17 16 12 4 Increíble Lorena Álvarez Vota
18 18 1 dance 2 Oklou Vota
19 19 1 La batalla de los cisnes Musgö Vota
20 7 6 6 Dracula Tame Impala Vota
21 36 21 2 Conmovedor Marinita Precaria Vota
22 22 7 7 Por un like Mónica Naranjo Vota
23 23 1 Stardust Anna von Hausswolff Vota
24 13 2 7 The Fate of Ophelia Taylor Swift Vota
25 25 10 3 SINGAPUR Natalia Lacunza Vota
26 26 5 42 M.A.P.S. Amaia Vota
27 27 13 6 Tell me I never knew that caroline, Caroline Polachek Vota
28 20 9 5 viscus Oklou, FKA twigs Vota
29 24 9 8 Mercurio y seda Soleá Morente, Enrique Morente Vota
30 19 13 4 Tie You Down HAIM, Bon Iver Vota
31 6 5 3 Melancolía Mon Laferte Vota
32 14 8 5 MALPORTADA NATHY PELUSO, Rawayana Vota
33 37 33 2 Toda una vida stivijoes Vota
34 23 1 10 The Dead Dance Lady Gaga Vota
35 11 5 8 WHERE IS MY HUSBAND? RAYE Vota
36 17 6 5 Querer Viva Suecia Vota
37 37 1 I Love You Tobias Jesso Jr Vota
38 31 1 13 Everybody Scream Florence + the Machine Vota
39 33 11 7 TIT FOR TAT Tate McEnroe Vota
40 32 12 8 La Tirana Mon Laferte, NATHY PELUSO Vota
Candidatos Canción Artista
This Is The World Magdalena Bay Vota
Fallen Cloud Austra Vota
Soy una estrella!!!! Pipiolas Vota
Gimme More CA7RIEL & Paco Amoroso Vota
Vacaciones para siempre Depresión Sonora Vota
Lanzarote Lisasinson Vota
Último partido Pálida Tez Vota
Una casa espacial dibujada en un A4 Estrella Fugaz, Tulsa Vota
Boyband 5 Seconds of Summer Vota
Et puc odiar molt més Sidonie Vota

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Magdalena Bay siguen sin fallar en la vintage ‘This Is The World’

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Amalia Irons

Algo más de un año después del maravilloso ‘Imaginal Disk’, Magdalena Bay siguen sin dar un paso en falso. Mica Tenenbaum y Matthew Lewin han lanzado la friolera de 8 canciones en los últimos dos meses, de dos en dos y sin aviso previo. «Simplemente deja que pasen los buenos tiempos», escriben en Instagram. ‘This Is The World (I Made It For You)’ es la Canción del Día.

Todas las canciones que han lanzado en este periodo han sido diferentes entre ellas, y complementarias a la vez. En el caso de ‘This Is The World’ y ‘Nice Day’, el nexo está en el uso de guitarras. Magdalena Bay también han aclarado que esta se trata de la «pareja final». Y no se podría acabar de mejor manera.

‘This Is The World (I Made It For You)’ es un tema de corte clásico en el que no abundan tanto los sintetizadores como en el resto de composiciones del dúo. Las campanitas del estribillo, pegadizo a más no poder, nos remiten al doo woop de los 50 y principios de los 60. El dúo sigue manteniendo su vena experimental en momentos contados, pero están implementados de forma sutil, como el potente sinte que irrumpe después del primer estribillo.

La letra elige la vía críptica, pero se mantiene disfrutable. «Intento sonreír / Daré mi mejor interpretación hasta la fecha», canta Tenenbaum en la primera estrofa. El estribillo, por otro lado, podría tratar sobre una relación, ya sea romántica («Ahora lo que tienes que hacer es enseñarme amor y afecto de verdad») o del artista con su arte: «Este es el mundo / Lo hice para ti / Ahora lo que tengo que hacer es perder un pelín de paranoia».

Austra / Chin Up Buttercup

¿Ha inventado Austra el «disco post-ruptura bailable»? Seguro que no. Hay precedentes o al menos indicios en las carreras de Robyn, Lorde o, en España, recientemente, Miss Caffeina. Pero un vistazo a los álbumes de desamor más populares de la historia evidencia que la mayoría se compone de baladas (Adele), soul (Amy Winehouse), folk americano (Bob Dylan), pop-rock (Fleetwood Mac) o pop a secas (ABBA). Eso sin ponernos exquisitos, porque hay supuestos discos de ruptura que no lo son absoluto (Alanis, No Doubt, Radiohead).

‘Chin Up Buttercup’, el quinto álbum de Austra, sí se inspira casi únicamente en el desengaño que ha sufrido su líder Katie Stelmanis tras 3 años de relación. Y la novedad es esa, que con sus altibajos y sus momentos meditativos, Katie ha salido de ella de una manera muy clara: bailando con los brazos en alto.

La toxicidad campa a sus anchas en los textos del álbum. La frase más citada de ‘Chin Up Buttercup’ procede del single ‘Math Equation‘, que pide a gritos un mash-up con el gran hit de Kylie Minogue. Es aquel de «dijiste que necesitaba tener mis propios amigos, los encontré, y les jodiste». Spoiler: hay más. ‘Amnesia’ se desespera por tratar de averiguar qué es lo que espera la otra persona que hagamos. Y hay un momento en ‘Fallen Cloud’ en el que no tienes ni idea de en qué lado de las dos partes reside el problema: «quiero que seas diferente / viviríamos la perfección total / si pudieras cambiar, tan solo un poquito…» Suena mal.

No así el disco, en absoluto. En contraste a la tristeza de algunos textos, y a otras sensaciones similares, como la necesidad de conexión de ‘Siren Song’ o el hastío de llorar de ‘Look Me in the Eye’, las canciones se levantan. Los ejemplos más palmarios serían ‘Amnesia’, que pasa de depender del piano a depender del beat, y esa ‘The Hopefulness of Dawn’ -de 6 minutos- que pasa de la balada a un trance al modo de ‘Vocal’ de Pet Shop Boys. El clímax de ‘Fallen Cloud’ es como si lo hubiera ideado David Lynch.

‘Chin Up Buttercup’, cuya traducción libre sería «Alegra esa cara», es como el tercer disco que este año se inspira en ‘Ray of Light’ de Madonna. Bebe de la música electrónica y de cierto clasicismo también: hay pianos, flautas y recursos operísticos, los habituales en la carrera de Katie. Hay tantos acercamientos a la new-age como al synth-pop de los 80. El tema más divertido y ácido del álbum, ‘Think Twice’, habría colado en la era electroclash: «Por favor, Adonis, tan tímido y humilde / Qué fácil te resulta mantener el control de la narrativa».

Hot Chip podrían haber estado detrás de esa canción o de la final ‘Good Riddance’. Tan cerca de Enya como de Moby, Austra nos ha entregado un álbum navideño que invita al recogimiento, solo que recordando que este no lo tenemos que pasar pegados a una silla ni tapados por una manta.

RFTW: Natalia Lacunza, Repion, Tobias Jesso Jr, Bad Gyal…

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Hoy 21 de noviembre se editan nuevos álbumes de Natalia Lacunza, Tobias Jesso Jr (el primero en 10 años), Repion, Aya Nakamura, Ruiseñora, Oneohtrix Point Never, EDE, Kris Tena o Bely Basarte. Además, sale la banda sonora de ‘Wicked: For Good‘, al igual que la película. También se ponen en circulación la reedición del disco de Tate McRae y los nuevos EPs de Orville Peck o el de Skrillex lanzado por sorpresa.

Pipiolas abren la playlist «Ready for the Weekend» con la Canción Del Día. Destacamos, además, los nuevos singles en solitario de Bad Gyal, dani dicostas, Los Puñales de Martín, Luna Ki, La Plazuela, mori o Parquesvr, y las colaboraciones de Tainy con Karol G, Danny L Harle con Oklou y MNEK, Zoe Gotusso con Rigoberta Bandini, o Maria Rodés con Soleá Morente y Nieves Lázaro.

La jornada llega cargada de otras alianzas interesantes como las de Sébastien Teller con Slayyyter, Le Parody y Karmento o Belén Aguilera y Metrika (en un remix).

Y las novedades siguen tanto en el plano internacional, con estrenos de Ca7riel y Paco Amoroso, KNEECAP, Coline Rio, Tems, Annalisa, Ladytron, Miya Folick, Absolutely (la hermana de RAYE), The Leaving (Martin Doherty de CHVRCHES), Kingfishr, la maqueta de Madonna…

…como, sobre todo, en el nacional: tenemos nuevos lanzamientos de cosas bien cosas mal con Carlotta Cosials, BANANI, Biodramina Mood, Yerai Cortés, Estela Gris, Estrogenuinas, Vez Era con Rufus T. Firefly o Salma de Diego, la primera concursante de Operación Triunzo 2025 que lanza single, y escrito por Carmen Lancho.

Triángulo de Amor Bizarro por fin cantan ‘Triángulo de Amor Bizarro’

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Triángulo de Amor Bizarro solo han tardado 21 años en versionar la canción que les originó. Así, la banda gallega lanza hoy ‘Triángulo de Amor Bizarro’, su particular interpretación del clasicazo de New Order, originalmente titulado ‘Bizarre Love Triangle’ y lanzado en 1986. Tan buena como la original, es la Canción del Día.

El clásico del synthpop que se marcó New Order a mediados de los 80 ha probado ser atemporal. Fue sampleado por C. Tangana en la versión Tiny Desk de ‘Los Tontos’ y ahora es homenajeado por la banda que la propia canción generó en 2004, en un pequeño puebnlo de la costa coruñesa llamado Boiro.

‘Triángulo de Amor Bizarro’ es una versión bastante fiel a la original, desde los arreglos musicales hasta la traducción de las letras. Donde cambia realmente es en las texturas que utiliza, abrasivas y contemporáneas, especialmente en esas primeras notas de sintetizador. Los riffs de guitarra que se introducen en la intro también son pura marca del indie español. Desde luego, es lo suficientemente diferente como para escucharla en bucle una y otra vez.

Las letras también son una traducción casi literal de la original de New Order, comenzando por su icónico estribillo: «Cada vez que te veo caer, me arrodillo y pienso en ti / Esperando el momento al fin que tú digas lo que yo no sé», canta Isa Cea. De esta forma, la banda pone el broche final a la celebración de sus 20 años de trayectoria, sobre lo cual también se explayaron en el podcast de JNSP, Revelación o Timo, hace un año.

Triángulo de Amor Bizarro estarán el próximo 11 de diciembre en la Sala BUT, como parte de la programación especial por el 25 aniversario de Ochoymedio. Todavía hay entradas.

pablopablo: «Lo mejor es que no intentes reventarlo»

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pablopablo, que ha publicado uno de los mejores discos nacionales de 2025, ‘Canciones en Mí‘, visita nuestro podcast. El artista habla de cómo la competitividad perjudica la creatividad: «Hay mucha competitividad, es agotador, lo mejor es que no participes de ninguna manera, que no intentes reventarlo. Lo mejor es ponerte de lado, hacer lo que tienes que hacer y disfrutar. Si tú consigues hacer la música que te representa, a lo mejor lo petas igual porque no lo has intentado petar tan locamente».

Además, confiesa que le encantaría que el número de oyentes mensuales de Spotify no fuera público, y añade sobre las crisis de creatividad: «Si no estás algo perdido, es como que no vas a hacer algo que te vaya a representar».

pablopablo habla de su trabajo con C. Tangana y de su amistad con Rusia IDK. «Después de Rosalía y Pucho (…) sí que pienso que la música española ha empezado a darle vuelta al ciclo cultural por el que manan ideas. Viví en Londres y allí les resultaba nuevo un corrido mexicano. No solo cosas de España. Una plena. ¡Un inglés llega tarde a los corridos! ¡Por primera vez yo tengo algo que contar! Hay estructuras de Ralphie y de rusowsky que son más modernas que cosas que veo en Londres o L.A. O escribir con «Guitarrica». Ver su manera de escribir es mucho más interesante que lo que veo en L.A.» Además, pablopablo recuerda cómo en Estados Unidos le mostraron el nuevo himno del Celta sin saber que él lo había co-escrito.

Finalmente, no podemos evitar preguntarle por su padre, Jorge Drexler. Pero pablopablo está muy dispuesto a reírse de su condición de «nepobaby». Algo que reflejó en el tema ‘Las tuyas’: «Yo quería reírme de mí mismo mucho más que cualquier otra persona. Los artistas que yo más admiro hacen eso muy bien. No pretenden ser perfectos ni ocultar nada. Honestamente, la historia de esa canción es muy sencilla. Tuve una interacción con una persona que no puedo decir quién es. Me dijo: «¿Tú sabes que con esa cara que tú tienes y con ser el hijo de tu padre te va a ir de puta madre?». Yo dije: «esto es una canción. Es tan horrible que hice una canción».

Curiosamente, fue C. Tangana quien le dijo que suavizara la letra. «Tenía en mi cabeza la frase: «Si te gusta mi cara te va a encantar mi apellido». Estaba escuchando mucho a Jose Alfredo. Yo siempre supe que quería hacer una canción sobre ser un nepobaby. Tenía que hacer una ranchera del nepobaby. Reírme de mí mismo. Y llegar a decir «mis canciones no funcionan». Me parecía una cosa súper potente de hacer. Tenía otro estribillo, más cabrón, se iba un poco a la mierda. Se la mostré a Pucho, a C Tangana y él escribió el estribillo. La letra era más cabrona y él me ayudó a llevarla … a algo bonito. Me dijo: «Di algo bonito de tu padre». Y quedó brutal».

Este episodio está dedicado a jóvenes artistas por debajo de 30 años. Si en otros episodios ya hemos alternado el respeto a las grandes leyendas como Antonio Arias o Ana Curra, junto a artistas más jóvenes como Jimena Amarillo o Dani Dicostas, en esta ocasión hemos querido hablar expresamente de cómo ven el mundo artistas que no han llegado a los 30 años. ¿Se mantienen los mismos prejuicios? ¿Pecamos de paternalistas cuando decimos cosas como «qué mona Amaia» en lugar de «cuánto la admiro?

En la segunda parte del episodio, nos visitan los protagonistas del programa INTERAUTOR que ha hermanado a dos artistas jóvenes de España y Uruguay. El objetivo de este ciclo a cargo de SGAE y AGADU (Asociación General de Autores del Uruguay) es exportar más música de estos dos países hacia el mundo. Para ello, una artista española ha actuado en Montevideo, y un artista uruguayo actúa en España durante esta semana, tanto en Monkey Week como en Madrid.

Los artistas elegidos son de un lado la malagueña Alba LaMerced, que alterna flamenco, pop-rock y otras músicas en su álbum debut, y además acaba de sacar un «banger» llamado ‘Ponte guapa». Y del lado de Uruguay, Gonzalo Brancciari, que tras recibir un Premio Grafiti por su disco ‘Diez’, prepara ya su segundo álbum, de nuevo inspirado por el pop-rock argentino/uruguayo. Hablamos con ambos sobre la escena de Montevideo, la de España, diferencias y similitudes.

Gonzalo nos habla sobre los artistas uruguayos y argentinos que más le han inspirado, como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota o La Vela Puerca, y ambos valoran el auge de la música en español. Indica Alba LaMerced: «Somos muchísimos hablantes por todo el mundo, para mí se va a mantener y se va a ampliar. Los artistas que encabezan las listas mundiales son españoles o de habla hispana». Gonzalo añade: «no sabría hacer un estudio de mercado de industria, pero todo esto de las plataformas y la democratización de las canciones generó que podamos llegar adonde no se llegaba. Antes sonaban en la radio las canciones que venían de Estados Unidos. Ahora cualquier artista sube una canción desde su casa y puede llegar a romperla en el mundo entero».

Gonzalo y Alba actúan juntos este sábado 22 de noviembre en la Sala Berlanga de Madrid. Las entradas valen tan solo 6,50 euros.

Pipiolas fusilan ‘Será porque te amo’ y les sale genial

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Pipiolas fusilan ‘Será porque te amo‘ (1981) de Richhi e Poveri en su nuevo single, ‘Soy una estrella!!!’. El parecido entre ambas canciones es tan evidente que la misma nota de prensa reconoce aquel clásico del italo disco como su principal influencia, pero lo mejor es que, con estos cimientos, a Pipiolas les ha salido otro temazo pop.

En ‘Soy una estrella!!!’, el dúo formado por Paula y Adriana recupera una vieja idea (la melodía de ‘Sarà Perché Ti Amo’, en su versión original) y logra que suene fresca. Lo consiguen gracias a su desparpajo habitual, su ironía, la cristalina producción de Vau Boy y a su propio contexto, pues que Pipiolas hagan exactamente esto tiene todo el sentido.

‘Soy una estrella!!!’ ironiza sobre el papel del artista en la industria del pop. Oficialmente es «una sátira sobre aquello en lo que nos convierte el funcionamiento de la industria a las actrices que intentan cumplir sus sueños. Soy buena, soy brillante, soy válida, pero si nadie nos escoge, entonces, no somos nada».

¿En qué convierte la industria a esas actrices o cantantes? Según ‘Soy una estrella!!!’, en animales hambrientos de atención y admiración, condenados a competir por una miga de visibilidad, muchas veces a costa del propio arte. «Tanto talento, actúo, canto y pinto, supero a mis maestros, sé que está llegando mi momento», cantan Paula y Adriana, conscientes de que nada de esto será suficiente. En el estribillo, suplican que las elijamos a ellas porque sus caras son preciosas y su talento, el más valioso. El talento es intrínseco a ellas: forma parte de su «naturaleza».

«La sátira sobre el funcionamiento de la industria del arte, tantas veces ajena al talento y mucho más pendiente del rendimiento económico, les ha servido a Paula y a Adriana para mostrar todo esto en una canción», añade Elefant.

‘Soy una estrella!!!’ es el segundo adelanto del disco que Pipiolas publicarán en 2026. El primero, ‘No tocar‘, está disponible desde el pasado mes de octubre.

Estrella Fugaz / Una casa espacial dibujada en un A4

En estos tiempos de anticipación, sobreinformación y entradas de conciertos a 18 meses vista, me entero de que Lucas Bolaño, Estrella Fugaz, ha sacado disco nuevo porque lo veo en una de mis tiendas habituales. Ningún anuncio, ningún aviso, nada: sorpresa total. Ojo, que lo mismo me ha ocurrido con Linda Mirada.

Sin muchas alharacas, pues, Lucas ha regresado, acompañado por Javier Carrasco aka Betacam a los sintetizadores y Ricardo Ramos a la batería. ‘Una casa espacial’ es un disco más sobrio que ‘Luminosa’, no incluye alguna de las flipadas que llenaban el disco (coros extraños, maullidos). Y si allí había bastante indietrónica, aquí desborda. El espíritu de The Notwist se apodera de casi todo: no solo se les nombra, sino que musicalmente las canciones remiten mucho a ‘Neon Golden’, disco que, por cierto, aparece en la fantástica portada, obra de Álvaro Martínez Bueno, cantante de Templeton y dibujante de cómic en DC (suya es ‘The Nice House on the Lake’).

El álbum gira, como siempre, sobre la vida y sobre la música de Lucas Bolaño. El título refleja su universo cotidiano, simbolizado en el dibujo infantil que ilustra la portada de su single ‘Estrella Fugaz’ (2019) que representa, eso: una casa espacial. Un universo algo más triste esta vez. Me tengo que enterar, también de rebote, de que este es un disco sobre rupturas, según explicaba Lucas a Europa Press, Sin embargo, la canción inicial, ‘Olivia’, no suena a ruptura. Más bien a crisis superada. Es pura reafirmación, es un refugio en las cosas cotidianas: “Se nos rompió una puerta, abrimos otra”. Es una canción tan tenue como hermosa, que no se eleva hasta el final: hay un pequeño homenaje al reprise de ‘Computer Love’ (1981) y a Kraftwerk en general: “Por la autobahn, no se está tan mal cantando”.

Sin embargo, la crisis gorda sí que aparece en ‘Una calavera y un corazón’: “No nos queremos igual, pero nos queremos fuertes”. Aunque al final parece que hay un rayo de esperanza. Como ‘Olivia’, es una canción muy indietrónica. Hay algo muy emocionante en ese aferrarse en repeticiones y bucles, sin nunca perder los nervios, sin subir la voz. Quizás la única canción que difiere de este ambiente melancólico es ‘Superpoderes’: si suena al Fernando Alfaro más animado, pues se invita a Fernando Alfaro a cantarla.

‘Estás tocando fondo’ es el retrato de la depresión, de ir sin rumbo, de la auto-recriminación, entre brumas de pop sintético y cierta desesperación (“escuchas discos de Notwist que te recuerdan a ti”). ‘Hoy ha muerto João Gilberto’, es otro meta-tema, sobre el arte (y el agobio) de hacer canciones, con bien de “clics” y “clacs” y referencias al affaire Lana del Rey (“no fue divertido”, canta Lucas). La cara A cierra hermosa y frágil con ‘Dos partículas’ y el saxo de Manu Mendoza.

Pero si en la cara A se vislumbra cierta esperanza, en la cara B se instala una asunción resignada de la derrota. Una no devastadora quizás, una que el tiempo curará, sin duda. Pero jodida igual, aunque Lucas se queje bajito. En ‘Vulcana’, la pieza más animada, es paradójicamente la que mejor refleja un proceso de separación. También es bonito escuchar a Miren Iza, Tulsa, en ‘Una casa espacial dibujada en un A4’, un reggae de juguete. Piezas que empiezan menores como ‘Huele a saliva el micrófono’, acaban elevándose: se va por derroteros free jazz, entre saxos, y deja en el aire una sensación de fracaso: “No hay notas en el calendario, se canceló el lanzamiento’.

Lucas Bolaño, Estrella Fugaz, continúa mostrando todo su universo, sus miserias, sus pequeñas (o grandes) derrotas. ‘Una casa espacial dibujada en un A4’ es un disco triste. Pero, como suele suceder con la música de Estrella Fugaz, también es paradójicamente reconfortante. Y luminoso.

Adiós a Gary ‘Mani’ Mounfield, bajista de The Stone Roses y Primal Scream

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Gary Mounfield, más conocido como Mani, ha fallecido a los 63 años. Su hermano Greg ha comunicado el fallecimiento de Mani en una publicación de Facebook, sin revelar la causa de la muerte: «Descansa en paz, RKID».

Alcanzó el estatus de icónico como bajista clave del movimiento Madchester, en su etapa en The Stone Roses, y del Britpop tardío, con Primal Scream. Las líneas de bajo de canciones como ‘I Wanna Be Adored’, ‘She Bangs The Drums’ o ‘Fools Gold’, su divertida actitud y una vida totalmente dedicada a la música sirvieron para que Mani se ganase un lugar en los corazones de todos los fans. Y en el de sus compañeros de profesión.

Ian Brown, cantante en los Stone Roses y compañero de Mani, se ha despedido de él en X con un «Descansa en paz». Tim Burgess, de The Charlatans, lo ha descrito como «uno de los mejores en todos los sentidos» y Liam Gallagher, por otro lado, ha admitido sentirse «conmocionado»: «Absolutamente devastado al enterarme de la noticia sobre Mani, mi héroe».

Originario de Crumpsall, Manchester, Mani comenzó su carrera en las filas de The Stone Roses, participando en los únicos dos discos de la banda hasta que esta se disolvió en 1996. El primero de estos, homónimo, sigue considerándose como uno de los discos más importantes para el origen del posterior Britpop y uno de los mejores de la historia. Ese mismo año, Mani se unió a Primal Scream y permaneció en la banda de Bobby Gillespe hasta 2011, momento en el que salió para la reunión de The Stone Roses.

Recientemente, Mounfield había anunciado una gira de conferencias por el Reino Unido que habría tenido lugar desde septiembre de 2026 hasta junio de 2027. El objetivo era repasar momentos clave de su carrera, tales como el mítico concierto de su primera banda en Spike Island o su gira de regreso.

Charlie Puth evoca a Hughes, Gondry, Gabriel… en el vídeo de ‘Changes’

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La primera secuencia de ‘Changes’ es una invitación a soltar el móvil como si diera calambre: no, por favor, más walkmans no. Ni cintas de vídeo ni niños en bici ni diademas de aerobic. Ya está bien con los 80; que no estamos en 2010.

Luego, cuando uno se recupera del golpe de cliché y escucha la canción, se relaja un poco: hay que reconocer que la estética del vídeo es coherente con el estilo musical de ‘Changes’, un poco a lo Peter Gabriel o Phil Collins (aunque siga dando pereza).

Siguiendo con Gabriel, la realizadora Charlotte Rutherford parece haberse inspirado en ‘Sledgehammer’, una de las joyas de la historia del videoclip animado. Sobre todo en lo referente a la utilización de la técnica stop-motion combinada con la imagen real. En cuanto al tono, recuerda más al Michel Gondry más juguetón y naif.

Charlie Puth, vestido como recién salido de una película de John Hughes o de la serie ‘Los problemas crecen’, protagoniza una alegre fantasía nostálgico-musical, cuyo referente más reconocible es la comedia ‘Big’ (1988) y su mítica secuencia del “walking piano”. ‘Changes’ se puede ver como la representación de los pensamientos y sensaciones que evoca la escucha de la canción: instrumentos y partituras volando por un cielo azul en sintonía con la ligereza de la melodía pop que está sonando.

El vídeo incluye un guiño final para fans (o para familiares y amigos despistados): la aparición de Brooke Sansone, esposa del cantante, anunciando que está en estado de buena esperanza. El bebé llega en marzo.

Björk cumple 60 en el número 1… y maravillosamente a su bola

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Contaba Björk, en una de sus rarísimas apariciones mediáticas durante una entrevista con Zane Lowe para Apple Music, que actualmente goza de un considerable anonimato que le permite salir a comprar al supermercado en Islandia sin que nadie la pare por la calle. Añade que sus fans saben que le molesta cuando se acercan a ella para saludarla o pedirle una foto, y que respetan su privacidad. Normal: nadie quiere que Björk le dedique su dedo corazón, como hizo hace años.

Se da la irónica casualidad de que Björk tiene ahora mismo un éxito en las listas, por supuesto gracias a Rosalía. ‘Berghain‘ ha sido número 1 en España y ha recordado a muchos la vez en que ‘Hidden Place’ lo fue… hace más de veinte años, y gracias a las ventas de aquella cosa llamada «CD single». ‘Berghain’ cae ya al 45 del global de Spotify, pero no sin haber duplicado los oyentes mensuales de Björk en la polémica plataforma, denostada por la islandesa.

Justo cuando Björk es más anónima, después de haber pasado una década portando máscaras en entrevistas y conciertos para protegerse de la atención mediática (memorable fue aquel DJ set en Barcelona donde apareció vestida de momia; sabíamos que era ella porque nos lo habían dicho, pero desde luego no la vimos), le llega lo que pronto se convertirá en el mayor éxito de su carrera, muy por encima de ‘Oral‘, su primera colaboración con Rosalía. No es casualidad que en el vídeo no aparezca y sea reemplazada por un pajarito.

Pero si ‘Berghain’ ha demostrado algo es que las nuevas generaciones necesitan que Noemí Galera les explique quién es Björk, porque ellos no lo saben. ¿Por qué iban a hacerlo? Björk, que cumple 60 años este 21 de noviembre, ya no es ese personaje mediático que recorría los programas de televisión a principios de siglo y daba las gracias, eufórica, al recibir un premio. Mientras ella ha decidido seguir haciendo discos más experimentales, la vida ha seguido, y el resultado es que Björk ha perdido el contacto con la realidad, y la realidad con ella. Hasta el punto que 20 Minutos saca un artículo explicando quién es, usando un, digamos, desacertado titular que se viraliza de forma inmediata.

Uno de los secretos del éxito en la música -es posible que sea la clave principal- es hacer discos accesibles, y los de Björk hace tiempo que no lo son. ‘Medúlla’ (2004), ‘Utopia‘ (2017) o ‘Fossora‘ (2022) eran obras interesantes pero exigentes, mientras que ‘Post’ (1995) o ‘Vespertine’ (2001) lograban ser artísticamente fascinantes y, al mismo tiempo, asequibles. Como fan de Björk, sigo escuchando ‘Fossora’, descubriendo matices dentro de su universo, pero es improbable que el álbum le haya ganado a Guđmunsdóttir nuevos fans. No digo que sea imposible, sino que es muy difícil.

Por eso es tan surrealista y, a la vez, tan afirmativo, ver a Björk de repente en el número 1 de las listas oficiales, aunque solo sea la de España por defecto, porque Rosalía es española y este es su principal mercado (después ‘Berghain’ sí ha sido top 5 o top 10 en varios territorios). Que una artista con el alcance comercial de Rosalía ponga en valor para las nuevas generaciones el legado de Björk, Kate Bush o Patti Smith no tiene precio, y menos que esta admiración se refleje en el contenido musical de un disco cuyo éxito es global.

Se están leyendo comparaciones entre ‘LUX‘ y ‘Homogenic’ (1997), acertadas, aunque desde mi punto de vista ‘Vulnicura’ parece ser realmente la referencia en el disco de Vila Tobella, porque ‘LUX’ es particularmente orquestal. Pero lo importante es que Rosalía alumbre con este lanzamiento, aunque sea de forma sutil, la importancia de la discografía de Björk, una de las mejores de la historia por su carácter experimental e innovador, reflejado desde el ‘Debut‘ (1993) hasta hoy.

Da igual si prefieres el color de ‘Post‘, la intimidad de ‘Vespertine’ o el aire cósmico de ese ‘Biophilia’ (2011) que reivindicaba Maria Arnal hace años; en cada disco encontrarás una propuesta imposible de confundir con ninguna otra. Desde su primer disco, Björk ha creado desde la vanguardia, encarnando la modernidad misma, o en casos como ‘Medúlla’, la radicalidad artística absoluta. Es lógico que haya inspirado a tantos artistas que crean sin miedo a arriesgar.

Rosalía ni siquiera ha señalado un disco favorito de Björk, ni tiene por qué tenerlo: en las entrevistas habla mayormente de su admiración artística hacia la islandesa, llamándola su «mujer favorita». Estoy seguro de que le fascinan sus experimentos vocales en ‘Medúlla’ (2004) tanto como los complejos arreglos de ‘Vulnicura’ o las influencias globales en ‘Volta‘ (2007), que ya apuntaban hacia China o África del Norte antes que ‘LUX’. Siempre pensé que ‘Pienso en tu mirá‘ se parecía un poquito a ‘Innocence’, aunque fuera casualidad. O porque El Guincho ha trabajado con ambas.

Que Björk haya abandonado por completo al pueblo es positivo para aquellos que escuchan obsesivamente la obra de Arvo Pärt o Karlheinz Stockhausen, dos compositores a los que Björk admira (al primero le entrevistó, por cierto, en Barcelona). Pero también es complicado para quienes pensamos que ‘Crystalline’ era un temazo pop que se prestaba a ser escuchado en bucle tanto como ‘Human Behaviour’. Que Björk se haya convertido en un objeto que exponer en un museo -literalmente, ahí está el Björk Digital- es una victoria para el arte y la vanguardia, pero no para las personas nacidas después del año 2000 que no la ubican en su mapa musical.

Tampoco es que Björk haya huido completamente de lo popular en los últimos años: ahí está ‘Atopos’, que era prácticamente una canción de reguetón, o por supuesto ‘Oral’, que partía del dancehall, para Björk la «madre del reguetón». Sus colaboraciones con Arca, Sega Bodega y Shygirl demuestran que hay algo que no ha cambiado, y es el interés de Björk por la modernidad, por el ahora. El pasado, la nostalgia, para ella nunca es una opción. Si cabe desear que en sus discos fuera un poquito más fácil entrar que en ‘Berghain’ (la discoteca, me refiero), nunca será a costa de que defraude su propia expresión e intuición artística. La seguimos necesitando como es, aunque no la veamos detrás de su máscara.

‘Fallen Cloud’ es el falso tema celestial de Austra

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Lamia Karic

Nuestro Disco de la Semana estos días va a ser ‘Chin Up Buttercup’ de Austra. El quinto disco de la banda autora de ‘Feel It Break‘ se presentaba con singles como ‘Math Equation’ y ‘Siren Song’.

También es digna de ser Canción de Día la seleccionada como «focus track» para playlists.

‘Fallen Cloud’ es una de las canciones más alegres, luminosas y celestiales de ‘Chin Up Buttercup’. Sus sintetizadores no pueden estar más llenos de luz y evocación de un futuro esperanzador. En la letra, Katie Austra Stelmanis propone un ligero cambio que reconduzca una relación.

El texto propone con cierto descaro: «si tan solo cambiaras un poquito, unas pocas modificaciones aquí y allá, nada del otro mundo / Solo lo justo para que nuestros caminos se alinearan, nuestros futuros se podrían juntar (…) Llévame contigo. Puedo ser el cielo, y tú mi este». Suena a que las cosas podrían ir bien.

El problema es el entorno de disco post-ruptura, del que esta canción es el centro. Katie se ha inspirado en el final de una relación para componer todo ‘Chin Up Buttercup’ y ese es el contexto de un tema que al fin y al cabo se llama ‘Fallen Cloud’.

La canción puede representar un remanso de paz en medio de una crisis de pareja. O podemos abrir el camino de las interpretaciones: ¿es sano pedirle a una persona que cambie, por poco que sea? ¿Y podrá cambiar de verdad?

Danny L Harle anuncia «debut» con Polachek, PinkPantheress, Clairo…

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Danny L Harle ha compartido los primeros detalles de ‘Cerulean’, el que considera su debut discográfico, pese a haber lanzado ‘Harlecore’ en 2021. Este estará disponible a partir del próximo 13 de febrero e incluirá grandes colaboraciones: Caroline Polachek, PinkPantheress, Clairo, Oklou, Kacha, Julia Michaels y MNEK.

Harle ha descrito ‘Cerulean’ como «un maremoto de melancolía eufórica». Esta también es una buena forma de describir el último sencillo del álbum, ‘Crystallise My Tears’ junto a Oklou y MNEK. Se trata del tercer single del disco y llega después de ‘Starlight’ y ‘Azimuth’: «Simplemente le envié la canción a Oklou, clavó las voces y me lo envió de vuelta», cuenta Harle sobre la colaboración.

El artista británico también ha explicado, muy por encima, por qué considera ‘Cerulean’ como su álbum debut: «De verdad que es el grande», ha declarado. También aseguró haberse inspirado por la película ‘Stalker’ de Andrei Tarkovsky, la ópera ‘Einstein on the Beach’ de Philip Glass, la música de la serie de videojuegos Dark Souls y los compositores Monteverdi, Thomas Tallis y William Byrd.

Danny L Harle estará presentando su nuevo disco ‘Cerulean’ en nuestro país el próximo febrero, unos días antes del lanzamiento oficial del proyecto. Estará en la sala NITSA de Barcelona el 6 de febrero.

Tracklist:
1. Noctilucence
2. Starlight (feat. PinkPantheress)
3. Azimuth (feat. Caroline Polachek)
4. Facing Away (feat. Clairo)
5. Raft In The Sea (feat. Julia Michaels)
6. Island (da da da)
7. Te Re Re (feat. kacha)
8. Laa
9. O Now Am I Truly Lost
10. Two Hearts
11. Crystallise My Tears (feat. Oklou and MNEK)
12. On & On (feat. Caroline Polachek)
13. Teardrop in the Ocean

Amando la amistad de Ariana Grande y Cynthia Erivo

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Si algo está poniendo de acuerdo al mundo en los últimos días es que la gira de prensa de ‘Wicked: For Good’, al igual que la de la primera película y la famosa entrevista «holding space» o las continuas lloraderas, está siendo un delirio mediático. Día tras día surge de esta rueda promocional una noticia, una polémica, un meme. La íntima relación entre sus dos protagonistas, Ariana Grande y Cynthia Erivo, está siendo la comidilla de las redes, mostrando lo mejor de internet y también lo peor.

Lo mejor es ver gifs generados de las sorprendidas reacciones de Erivo vinculados a diferentes episodios, por ejemplo, la ruptura de Los Javis. O aquellos que ironizan sobre la amistad excesivamente afectiva entre ambas, y el comportamiento aparentemente protector de Erivo hacia Grande. Particularmente comentado ha sido el episodio en Singapur en el que un fan asaltaba a Grande y Erivo intervenía… pues como si estuviera rodando el final de ‘Wicked’ y salvando a Glinda del mal.

La conducta supuestamente sobreprotectora de Erivo hacia Grande, sugerida también en los vídeos en que le acomoda el collar, o en la manera en que la toca con frecuencia o se fija en cada mínimo gesto físico que realiza Grande durante una entrevista, está generando risas en el público, y no me extraña: no parece en principio un comportamiento demasiado natural, e incluso parece excesivo. La propia Grande ha dado a entender, durante una entrevista, que Erivo simplemente es así.

Las cosas, sin embargo, se tornan siniestras y oscuras cuando los internautas empiezan a llamar a Erivo cosas como “súcubo satánico” (no lo digo por el vídeo de la youtuber Selena Milán, cuya opinión aprecio a pesar del dudoso clickbait) o su “cuidadora” por su excesiva atención hacia la cantante. Al margen de las implicaciones raciales de ambas etiquetas, que aunque no sean obvias están ahí sobrevolando, no sé de qué manera se puede ajustar a la realidad esta descripción. Jamás se me ocurriría sexualizar a Erivo por cuidar o sobreproteger a Grande, una persona que, al fin y al cabo, es más joven y que ha vivido situaciones muy duras durante su carrera. Los comentarios tránsfobos dirigidos a Erivo -una persona cis, aunque su identidad sexual es irrelevante- por su tonificado aspecto darían risa si no dieran pena.

El episodio en Singapur es especialmente revelador: todos recordamos los atentados de Manchester, pero es que este tipo de ataques personalizados a artistas o personajes públicos también se han dado durante los últimos años: Billie Eilish sufrió un episodio parecido durante un concierto hace poco, y -salvando las distancias- todos recordamos lo que le pasó a Christina Grimmie. Aunque el asalto del fan de Singapur queda en nada, Grande tiene motivos para alarmarse y Erivo para actuar.

@estilodf Un fan corrió hacia Ariana Grande en la premiere de ‘Wicked: Part 2’ en Singapur y Cynthia Erivo reaccionó al instante para protegerla.👀 CC: @lanagrandes en X #ariana #arianagrande #cynthiaerivo #wicked #wickedmovie ♬ sonido original – EstiloDF

La amistad de Grande y Erivo es particular, pero es que su vida, el contexto en el que se encuentran, también lo es. Grande y Erivo han construido un fuerte vínculo emocional durante el rodaje de ‘Wicked’, película en la que interpretan a dos amigas que son uña y carne. Es evidente que hay una sincronía afectiva entre ambas, motivada por los personajes que han interpretado y la presión mediática bajo la que se encuentran. Más evidente me parece que ambas siguen pegadas a sus respectivos personajes y que es a Elphaba y Glinda a quienes vemos en esta rueda promocional.

Recientemente, Erivo ha cancelado entrevistas tras perder la voz (ha aparecido disfónica en el programa de Jimmy Fallon, hablando a duras penas con un hilo de voz) y Grande ha hecho lo mismo en solidaridad. O escuchamos a ambas, o a ninguna.

Se da una especie de simbiosis entre ambas, generada por su contexto particular, probablemente también por sus personalidades, y por la enorme presión bajo la cual se encuentran. Erivo protege a Grande, Grande protege a Erivo; de alguna manera, Elphaba y Glinda pasan de la ficción a la realidad y nos muestran que la amistad y el cuidado mutuo pueden hacer el mundo un poco más bonito, más atento, más afectivo, y aunque sea de forma no intencionada, también un poco más divertido. Lo demás es ruido.

Sónar 2026 confirma a Kelis, Skepta… y anuncia recinto único

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Kelis, Skepta, Charlotte de Witte y los legendarios Cabaret Voltaire están entre los primeros artistas confirmados para Sónar 2026, que tendrá lugar los días 18, 19 y 20 de junio en Fira Barcelona, el recinto ubicado en la Gran Via de L’Hospitalet.

La treintena de artistas anunciados hoy por Sónar incluye también a Amelie Lens, Modeselektor, Nia Archives, Julianna Barwick & Mary Lattimore, WhoMadeWho y Ascendant Vierge, así como los DJ sets de Chris Stussy, Sammy Virji, KETTAMA, Joy Orbison, Boys Noize, Ogazón, ISA y Alba Franch. Próximamente se darán a conocer más nombres.

La 33ª edición del festival será la primera en unificar las programaciones de Día y de Noche en un único recinto, a raíz de las obras de renovación que comenzarán en los espacios feriales de Montjuïc a partir de enero de 2026.

Sónar indica que su traslado a un único espacio le ha permitido desarrollar «un formato inédito de tres jornadas y música ininterrumpida durante la tarde y la noche, ofreciendo la experiencia más cómoda hasta la fecha». El festival desplegará «seis escenarios con identidad propia (que) ofrecerán una programación excepcional continuada, que conservará el espíritu de las históricas jornadas diurnas -con horario extendido- y ampliará los contenidos nocturnos».

Los emblemáticos escenarios SonarClub, SonarLab y SonarCar mantendrán sus ubicaciones habituales, mientras que el recinto incorporará el SonarVillage by Estrella Damm y nuevos espacios, como un SonarPark «más grande y al aire libre» y un SonarHall «renovado y ampliado» que «permitirá más directos y DJ sets en cada una de las tres jornadas».

En total, «res escenarios al aire libre y tres interiores permitirán una transición fluida entre día y noche, manteniendo la esencia del festival en un único espacio».

François Jozic, director de Sónar, ha comentado el nuevo formato de Sónar: “Barcelona tiene que volver a ser la capital de la cultura electrónica y Sónar 2026 marcará un paso decisivo hacia el futuro. Hemos diseñado un festival que no solo celebra la música, sino que integra tecnología, arte y creatividad en una experiencia única, ofreciendo un espacio idóneo para el descubrimiento. Barcelona volverá a ser el epicentro mundial de la innovación cultural.”

“Vamos a unificar -que no fusionar- los programas diurno y nocturno en un mismo espacio. Eso permitirá a cada uno de los públicos vivir la experiencia al completo y disfrutar de muchas más horas de música sin interrupciones, con más oferta y más escenarios funcionando simultáneamente en cada franja horaria».

Fangoria publican ‘Modo aleatorio’: 6 CD’s con forma de vinilo

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Fangoria publican esta noche de manera digital y este viernes 21 de noviembre en las tiendas físicas ‘Modo aleatorio’. Se trata de una caja recopilatoria de 6 CD’s, que contiene rarezas grabadas entre 1990 y 2023. El proyecto surgió tras la colección de maxis que el grupo de Alaska y Nacho Canut sacó hace un par de años.

En total son 96 rarezas no incluidas en sus discos oficiales. Retrotrayéndonos a sus inicios como Fangoria, el álbum recupera divertimentos sobre procrastinar como ‘Perdiendo el tiempo’, también el medley homenaje a Carlos Berlanga que realizaron llamado ‘Carlos baila en otra dimensión’, la icónica ‘Absolutamente’ con Sara Montiel, en general las canciones de EP’s olvidados como ‘Entre Punta Cana y Montecarlo’, así como «bonus» de sus habituales ediciones deluxe.

Seguramente no recordaras el momento de Fangoria con Camela, el momento de Fangoria con Dover o que remezclaron al dúo nada menos que Marc Almond, Vive la Fête, GusGus, Joe Goddard o Hidrogenesse, entre muchísimos otros.

El repertorio ha sido remasterizado y, como informa Warner, «aunque está editado en orden cronológico, se recomienda su escucha en modo aleatorio», de donde recibe su título. La caja de 6 CDs se publica en carpeta de tamaño vinilo e incluye los créditos de cada canción. Os dejamos con el tracklist:

CD1
En mi prisión (Extended)
En mi prisión (Dub mix)
La vida sigue (Extended mix)
Perdiendo el tiempo
Hagamos algo superficial y vulgar (Extended Mix)
Hagamos algo superficial y vulgar (Club Mix)
Dios y diez demonios
Babalú Sálvame remix Danny Hide
Mr. Hyde Sálvame
Dr. Jekyll Sálvame
Flashback Sálvame
El dinero no es nuestro Dios (Maastrich Dance Metal Airlines)
El dinero no es nuestro Dios (Doctor Avalanche)
Ley de vida
Ley de vida/Ley de Talión

CD 2
Ley de vida/Ley de Caifás
En la Disneylandia del amor (Extended Mix)
En la Disneylandia del amor (Non stop exotic cabaret Mix)
En la Disneylandia del amor (Mr Hyde visita el tunel del amor)
En la Disneylandia del amor (Viaje espacial al planeta del amor)
Dios odia a los cobardes (Vanguard UHF remix)
Dios odia a los cobardes (Radio Edit)
A la felicidad por la electrónica (Prozac Remix)
Sentimental (Testimental remix)
Retorciendo Palabras (The Droyds Vocal Mix)
Retorciendo Palabras (Les Germanetes Gilda Remix)
Retorciendo Palabras (Jean Extended Play)
Miro la vida pasar (Marc Almond’s Fan-Glorious Electro Remix)
Miro La Vida Pasar (En Plan Travesti)

CD3
La mano en el fuego (Vive La Féte Filo Remix)
Carlos baila en otra dimensión (Medley)
Entre mil dudas (Spam remix)
Entre mil dudas (Fangoria vs Camela)
Carne, huesos y tú (Fangoria vs Sôber)
Interior De Una Nave Espacial Abandonada (Xmorph Remix By Icon Of Coil)
Algo de mi
Criticar por criticar (Remix)
Criticar por criticar (remezcla de Spam)
Sorry I’m a lady feat Dover
El cementerio de mis sueños (Hola sangría remix)
El Rey del glam con Mägo de Oz
Todo es mentira feat Julieta Venegas
Tenemos que hablar de las plantas carnívoras feat Miranda
A fuerza de vivir (Tony James and Neal X Remix for Sigue Sigue Sputnik)
Si lo sabe dios que se entere el mundo entero (Amplifer remix)

CD4
Por qué a mí me cuesta tanto (feat. Asier Etxeandia)
Flash
La mosca muerta
Supertravesti
Huracán mexicano
La verdad
Más Es Más (Kinky Roland Dreamscape Mix)
La Pequeña Edad De Hielo (Distressor Mix)
Las Walpurgis Te Van A Llamar (Atomizer Remix)
En un mundo nuevo
Absolutamente con Sara Montiel
Ensayo para una despedida (Reworked by Spam)
Solo química
Desfachatez (The Sound Of Arrows European Holiday Remix)
Desfachatez (Svper Remix)
Antes o después
Cómo pudimos ser tan idiotas?
Ni dioses ni monstruos

CD5
Mi mundo en desaparición
La sombra de una traición
Espectacular
El día de mi psicopatía
Qué quiere usted de mí
Lo peor es lo mejor
Canciones que hablan sobre bailar
Manual de decoración para personas abandonadas (Spunky remix)
Disco Sally baila una fiesta en el infierno
Sinestesia
¿De qué me culpas?
¿De qué me culpas? (Ellis Miah Club Mix)
¿De qué me culpas? (Ellis Miah Dub)
¿De qué me culpas? (Ellis Miah Club Mix Instrumental)
¿Quién te has creído que soy? (GusGus remix by Biggy Veira)

CD6
Un boomerang (Joe Goddard remix)
De todo y de nada (Marcus Santoro remix)
De todo y de nada (Marcus Santoro extended remix)
De todo y de nada (Marcus instrumental remix)
Momentismo absoluto (Ellis Miah & The Jagg Remix)
Momentismo absoluto (Ellis Miah & The Jagg Remix – Extended Mix)
Fantasmagoria (Hidrogenese remix)
Satanismo, arte abstracto y Rock’n’Roll (Kora Remix)
Mi burbuja vital (Ellis Miah remix)
Mi burbuja vital (Ellis Miah Dub Remix)
La pregunta del millón (TECIB remix)
Del uno al diez (MYUKO remix)
No me das pena (Ô Paradis Remix)
Un poco todo (Matt Pop remix)
Lo imposible (Ángel Molina remix)
No me compensa, no lo vuelvo a hacer, ¿Qué gano yo con todo esto? (FUTURACHICAPOP Remix)
Un vampiro para dos (Tauro remix)
Mi decisión (con Paulina Rubio)

Sidonie / Catalan Graffiti

Por qué Sidonie ha esperado a su 12º lanzamiento para escribir un disco en catalán es un misterio que ni el grupo sabe explicar. Simplemente, el trío de Marc, Axel y Jes ha seguido su propia intuición. Puede que un grupo como Sidonie se lo pueda permitir. Puede que el mercado esté más receptivo que nunca a propuestas diferenciadas. Puede que su debut en Sonido Muchacho lo mereciera. O puede que nada de esto sea reseñable (Manel ya eran número 1 en España cantando en el mismo idioma, ahora Oques Grasses superan a Coldplay en venta de entradas).

El cambio de lengua ha sido crucial en la escritura de Ros, que ha recuperado recuerdos de su niñez y juventud, ya que cantar en catalán le ha hecho conectar de nuevo con aquel niño que apenas usaba el castellano cuando estudiaba en un colegio de Sarrià. ‘OVNI 84’, por ejemplo, recuerda cuando, a los diez años, avistó un «objeto volador no identificado». En el fondo, es una historia sobre la ilusión y la imaginación.

Afirma que las palabras le salen más dulces porque el catalán le resulta una lengua más «redonda» y suave. Por este motivo, las canciones de ‘Catalan Graffiti’ se ocupan del amor sin más pretensión. «He visto las ciudades y las noches, pero solo cuando me miras siento que ya me puedo morir», canta Marc en ‘Ets Itàlia’. ‘Sismologia’ se aferra al amor en medio de la catástrofe: «Quédate a mi lado mientras todo se hunde».

Algunos conceptos son tan simpáticos como el de ‘Els Beatles’, que ironiza sobre la negativa a establecer una relación romántica con alguien que no aprecia a la legendaria banda británica. Y ‘Boda’ es la historia de unas nupcias envenenadas inspirada en las canciones narrativas de los Everly Brothers y en sus armonías.

Las referencias de ‘Catalan Graffiti’ no tienen ni trampa ni cartón, como demuestran portada del disco y título, un pastiche de la Velvet, La Trinca y ‘American Graffiti’ que utiliza la berenjena como símbolo de catalanidad. Las canciones, tan melódicas como siempre, reproducen el sonido de los grupos a los que admiran, de forma tan evidente como ‘Et puc odiar molt més’, que en los directos fusionan con ‘Just Like Heaven’ de The Cure. Para su asombro, casi nadie la reconoce.

The Smiths inspiran abiertamente ‘Ets Itàlia’, Els Pets ‘Cançons que maten’ y los Beach Boys surferos marcan la mejor canción del disco, ‘Baby, Baby’, que merece el éxito de ‘Carreteras infinitas‘. Las guitarras optimistas de los ochenta y noventa -un poco R.E.M., un poco Go In-Betweens, un poco La’s- construyen un repertorio de Sidonie alegre y desenfadado que en ‘Sé’ retrata el desconcierto ante el mundo y en ‘El cap ple d’ocells, la rebelión adolescente.

Es manifiesto el concepto de ‘Catalan Graffiti’ basado en el pastiche, desde portada a contenido musical. A veces, canciones como la garajera ‘Mentida’ tiran de fórmulas muy usadas, pero Sidonie se sale con la suya gracias a su habilidad para escribir melodías efectivas. Ahí se nota que son deudores de sus influencias en el mejor de los sentidos.

12 descubrimientos para Monkey Week 2025

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Ya estamos en la «Monkey Week«. Este jueves arrancan los conciertos y las conferencias principales en el Puerto de Santa María. Ya hemos recomendado los shows de artistas consagrados como Destroyer, Cupido, Joe Crepúsculo, Karmento o Le Parody. En este artículo nos dedicamos a otros de los que quizá no oíste hablar, pero que pueden introducirse en la conversación en próximas semanas.

Descubrir «la música del mañana» sigue siendo al fin y al cabo el cometido de este encuentro de la industria musical, como siempre también abierto al público. Las entradas de día y los abonos están a la venta en DICE a precios populares, especialmente para los menores de 25 años.

Pleito
Entre los shows que podrían dar que hablar, el de la artista canaria Alba Aceytuno, más conocida como Pleito. Tras ser saxofonistas en bandas como Aguayro y Rupatrupa, acaba de publicar estos días ‘loscoloresdelaspiedras’. Se trata de un álbum de 7 pistas en el que se unen el avant jazz con la electrónica, los efectos vocales a lo Ibeyi, y la poesía en sus diferentes formas. La propuesta, de corte minimalista y recogido, reinventa canciones del folklore canario. Muy recomendable es su single del año pasado, ‘virgendelpinotepidoestarmejor’.

Carmen Lancho
Has escuchado a Carmen Lancho en ‘Jesucrista Superstar‘ de Rigoberta Bandini -incluso quizá la has podido ver en alguno de sus conciertos-, pero igual no has prestado suficiente atención a su EP ‘Dramitas’. Solo son 8 temas y 20 minutos pero ahí hay temas que no tienen «pierde«, como el explícito ‘HIJO DE PUTA’ («justifico la actitud de cualquier hijo de puta») o ‘Máquina de psicoanalizar’. La artista, que procede del jazz, ha encontrado en este lanzamiento toda una reinvención, aunque con reminiscencias de su pasado.

Taqbir
Con solo algunas canciones publicadas en plataformas, las marroquíes Taqbir han revolucionado la escena punk. El grupo oculta sus rostros y no usa sus nombres públicamente para evitar amenazas y detenciones policiales, fruto de la represión que sufre la escena punk en su país, especialmente las mujeres. El explosivo ‘Victory Belongs To Those Who Fight For A Right Cause’ suma escuchas millonarias gracias al interés y a la adicción que ha generado entre los seguidores de este género. La organización promete uno de los directos más incendiarios.

Dulzaro
Entre las fusiones de folclore con electrónica, en los últimos tiempos ha destacado la propuesta de Dulzaro. Cita entre sus influencias a Eliseo Parra y a James Blake, aunque en temas como ‘Un Labradorito’ hay que añadir una vocación bailable y hedonista, de club, que no hemos visto en este último. Además de Mondra, colaboran en su álbum de este año, ‘Ícaro’, gente tan dispar como Erik Urano y David Ruiz de La M.O.D.A.

Las Nietas del Charli
Las hermanas María y Raquel Rubio, esto es, Las Nietas del Charli, sorprendían el año pasado con un EP estupendo publicado por Raso Estudio. ‘Faro’ era puro costumbrismo a través de 6 bonitas canciones que bebían del folk americano de los años 60, también de la canción alternativa y del folclore nacional. ‘Religión’, con una deliciosa flauta, y ‘Lisandro’, con sus pizzicatos, están entre las composiciones más destacadas de su repertorio de momento. Este año han añadido ‘Un hogar’, un tema colaborativo para La Escuela de Los Pueblos, junto a Marta Gómez y Pedro Pastor.

AJOU!
El grupo de pop-punk estatal AJOU! ha publicado dos EP’s de momento: uno homónimo el año pasado y, este 2025, ‘Canto y lloro’. En el primero estaba el que es por ahora su gran himno, ‘No me arrepiento’, no exento de crítica social («lo hacías todo bien, eras un burgués, nos mirabas por encima») ni de violencia en clave de humor («no me arrepiento de haberte matado con un cuchillo oxidado»). En el segundo encontramos temas como ‘Bidai bat’ y ‘Sanguijuelas’.

Mitsune
Monkey Week siempre se esfuerza por traernos artistas de distintos lugares del mundo, no solo de Reino Unido y Estados Unidos, y una de las sorpresas del cartel es la inclusión de Mitsune. Se trata de una banda japonesa de fusión folk, con sede en Berlín, que mezcla la música tradicional de su país original con la psicodelia, el jazz y las bandas sonoras. Los reconocerás por el uso de dos poderosas shamisen (laúd japonés de 3 cuerdas). En 2026 tendrán nuevo álbum.

CastaZabal
Otro de los privilegios de Monkey Week es poder ver a grandes talentos que apenas cuentan con un par de canciones subidas a las plataformas de streaming. Está el caso de Cervatana, el proyecto de Miguel García, de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, que de momento solo ha publicado un tema; o el de CastaZabal. Esta artista solo cuenta con dos singles, además de otro colaborativo, en los que mezcla el rap con el folclore. ‘LA TARA’ y ‘PENITENCIA’ han sido desarrollados en espacios tan dispares como Sevilla, Euskadi, Cádiz, Córdoba o Madrid. Por eso intuirás en su set lo mismo jota que canción vasca o flamenco.

Dear Joanne
‘Solo es un preliminar’ es el EP de 4 canciones que Dear Joanne han publicado este mismo mes. Un debut que emparenta con los tiempos de Kaka Deluxe tanto por su frescura como su espíritu punk o sus tomas vocales. También por unas letras que se debaten entre el costumbrismo y la tragedia de la modernidad. Ahí está ‘Angie la ladrona’.

Ashleys
Ashleys citan entre sus influencias a gente como Hinds, Carolina Durante o Fontaines DC, aunque quizá suenen más próximas a Cariño, Aiko El Grupo y en general grupos del entorno Elefant gracias a su desparpajo. En ‘Torreznos y Larios’ incorporan una interpolación de New Order, pero por el contrario ‘Las floooores’ es bastante más Donosti Sound, sobre todo en sus pasajes más tranquilos.

Salvana
Los aficionados al shoegaze y al noise pop tienen en los barceloneses Salvana a uno de sus grupos referencia. Debutaron en 2022 y ahora han publicado un álbum llamado ‘Reversia’ a través de Intromúsica, envolvente gracias a sus estupendas melodías, al margen del vestido enmarañado que hayan querido darles. Te gustarán si te gustan Slowdive.

Sin Bragas
Con dos EP’s a sus espaldas, Sin Bragas es el dúo de synth punk liderado por Anna Bannana (voz) y Skiper (bajo). Han estado en otros grupos como Leonor SS o Sistema de Entretenimiento, apostando en este caso por un sonido más electrónico. Su «future punk» es palpable en temas como ‘maldito color’ y ‘datos’, producciones que pueden beber tanto de Aviador Dro como de B-52’s y Stereo Total.