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The Hives, sustituidos por Danza Invisible en Weekend Beach

Por
Sebas E. Alonso
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Weekend Beach, Facebook

JENESAISPOP está haciendo un esfuerzo logístico sin precedentes al cubrir a la vez Bilbao BBK Live, Mad Cool y Cruïlla, al tiempo que manteneros al día sobre la actualidad musical más pizpireta; pero no creáis que no se están celebrando más festivales en la península durante este finde. Weekend Beach ha celebrado este jueves la primera jornada de su ecléctico cartel, tras una fiesta de bienvenida el miércoles por la que había pasado gente como Rayden.

Lamentablemente, The Hives, que eran uno de los grandes reclamos internacionales de este festival que se celebra en Torre del Mar, no pudieron actuar el jueves debido a la huelga de pilotos que se ha vivido en toda Europa. Sin embargo, la organización tenía reservado un as en la manga, un recurso de última hora que nadie iba a adivinar.

Escribían en Facebook: “No queríamos dejarnos sin actuación en su franja horaria y el grupo malagueño Danza Invisible actuará a las 23:30H en el Escenario Weekend Brugal para celebrar sus 40 años de carrera con vosotros”.

Y así es como se pasó de «Hate to Say I TOLD YOU SO» a «besarte es como comer naranjas en agosto y uvas en abril». Mientras algunos usuarios bromeaban con el cambio “The Hives Invisibles”, otros lo han terminado celebrando en Facebook (“han estado geniales”) y otros incluso han lamentado la coincidencia entre los autores de ‘Sabor de amor’ y Rozalén.

Es Weekend Beach uno de esos festivales que celebran la variedad en todo su esplendor, contando con nombres tan dispares como La Habitación Roja, Residente, Bastille, El Canijo de Jérez, MClan, La M.O.D.A. y La Pegatina. Desde hoy se ha llevado aún más lejos la diversidad: ríete tú de Dúo Dinámico, Raphael y Nacho Cano en Sonorama.

Rosalía hace suyo el «MOTOMARI» de Ana Blanco

Por
Gabriel Carey
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De alguna manera, y pese a pertenecer a mundos muy diferentes, hoy Ana Blanco y Rosalía son las protagonistas de una divertida situación. Mientras la presentadora del Telediario contaba que la gira Motomami acababa de empezar, cometió un pequeño error que no ha producido más que memes en las redes y del que la artista también se ha hecho eco. No sabemos en que estaba pensando Ana Blanco para confundir ‘Motomami’ con «Motomari», pero ha ocurrido.

Nadie se había referido antes al disco de Rosalía de esta forma, lo cual tiene mérito. Cuando «Motomari» llegó a las redes, era cuestión de tiempo que le llegase a Rosalía, y así ha sido. La artista catalana lo ha hecho saber a través de una historia de Instagram en la que ha escrito: “Una Motomari ensaya aunque estemos a 40 grados”. Y con ‘CUUUUuuuuuute’ como elección musical. Además, en las últimas horas ha vuelto a echar leña al fuego de la broma, publicando un tweet sobre su próximo concierto en Sevilla en el que se lee: «Motomaris estáis listes pa Sevilla???????». Preparaos para acabar hartos de la bromita.

En Twitter, además de los cientos de respuestas sobre la confusión, también se ha pronunciado José Pablo López, el Director de Contenidos Generales de RTVE. Respondiendo a un tweet de otro usuario en el que se adjuntaba la historia de Instagram de Rosalía, el directivo ha escrito: «Rosalía también apuesta por Motomari, como Ana Blanco. Son dos reinas. Esto no pasa en cualquier sitio.»

La sala Razzmatazz recibe hoy sábado a Kelly Lee Owens

Por
Gabriel Carey
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Kelly Lee Owens actúa hoy en el Bilbao BBK Live, concierto que nombramos como «imperdible» antes del comienzo del festival, pero nosotros estamos pensando ya en el futuro. Más concretamente, en su show de mañana, sábado 9 de julio, en la sala Razzmatazz de Barcelona. El DJ set de la artista comenzará sobre la 1 de la mañana, de la noche del sábado al domingo, y le acompañará la DJ uruguaya Oriana.

Tras dos álbumes aclamados por la crítica, ‘Kelly Lee Owens’ en 2017 e ‘Inner Song’ en plena pandemia de 2020, en abril de este año la galesa lanzó ‘LP.8’, el trabajo más experimental de su carrera, inspirado tanto en los industriales sonidos de Throbbing gristle como en el misticismo de Enya, y grabado en Oslo junto a Lasse Marhaug.

La que empezó vendiendo discos en una de las tiendas más icónicas de Londres, mañana de madrugada tendrá la Sala 2 (Human) del Razzmatazz solo para ella y sus electrónicos sonidos. Famosa por sus shows y DJ sets llenos de energía, también es muy reclamada como remezcladora para otros artistas, como Björk, Mount Kimbie y St. Vincent. Las entradas para su DJ set ya están a la venta.

Residente divierte y se divierte en Cruïlla

Por
Mireia Pería
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El Cruïlla arrancó el pasado miércoles, con el concierto de ToteKing, al que cuestiones de agenda me impidieron acudir. Pero el jueves ya estaba presta a gozar del Fòrum y del ambiente de buen rollo que siempre se respira en el festival. El público nacional es aplastante mayoría, tanto gente joven, como madurites interesantes y familias jipis, rockeres, casuales. Apenas avisto un par de guiris.

Stay Homas congregan a bastante público en el escenario principal. Pero lo que me llama la atención es la fenomenal algarabía que viene del otro lado. En la carpa Four Roses han empezado Miss Bolivia, pero el acceso se ha cerrado ya por aforo, y una multitud fuera exige poder entrar. Los silbidos van en aumento. Finalmente, las peticiones son aceptadas y pasa el grueso de los espectadores. Pero servidora, después de las traumáticas experiencias del Primavera a la Ciutat, no tiene demasiados ánimos de entrar en espacios abarrotados, así que continúo con el buen rollito de reggae suave de los Homas.

Estamos en 1998 y me voy a ver a Molotov en el escenario Cruïlla Enamora. Los mexicanos empiezan casi cinco minutos antes desguazando el ‘Rock Me Amadeus’ de Falco. Hay bastante gente y muy buen ambiente. “¡Arriba cabrones!”, espetan. El grueso del set, claro, proviene de su debut, ‘¿Dónde jugarán las niñas?’, que a día de hoy parece un entrañable artefacto del pasado. Hay botes en ‘Chinga tu madre’. “Ay, qué groseros”, nos responde de broma Tito Fuentes, el cantante. Con ‘Parásito’ adquieren velocidad de crucero y el público parece contento… Pero todo suena igual. Además, ‘Gimme the Power’ cae muy pronto; su: “¡Viva México cabrones!” que lo corona es gritado en masa. Y ‘Voto latino’ tampoco tarda en aparecer.

Sacrifico el presumible final de los Molotov con ‘Puto’ para intentar coger un buen sitio en Residente, el concierto más multitudinario. Es increíble la cantidad de público joven que arrastra René Pérez. Apenas pasan dos minutos de su hora y el público ya silba exigiendo su presencia. No tarda en aparecer entre una espectacular recepción. Y la primera en la frente: su tema con Bizarrap, en que se caga en J Balvin, el Autotune y en todo lo cagable. René vende autenticidad, y a fe que lo consigue. Viste de manera simple (camiseta de tirantes negra, gorra…). Le acompaña una banda potente: entre otros, un batería y un percusionista que llenan todo de brío imparable y una cantante portentosa que apoya casi todos los temas; no se aprecian pregrabados… “¡Esto lo hago para divertirme!”, proclama la canción.

Residente es una máquina imparable, como ya nos demostró en 2017. En el concierto prima lo orgánico, lo táctil. Y el público lo agradece cantando entregado. Caen multitud de temas de Calle 13, como ‘Atrévete, Te, Te’ o ‘Cumbia de los Aburridos’. Hace mucho calor entre la masa, pero salir a una zona más aireada no es opción, porque precisamente no quiero perder el calor del concierto. Y René nos dice que es una alegría reencontrarse, que nos abracemos, que recordemos a los que ya no están.

En ‘Baile de los pobres’ el batería y el percusionista hacen demostración de facultades. ‘El aguante’ ofrece unos audiovisuales muy buenos que disparan la apoteosis cantora del público: “Aguantamos Nagasaki, aguantamos Hiroshima”. René recuerda a los migrantes, a los que matan en la frontera antes de entonar el himno ‘Pa’l norte’. La corista se luce en la intro. ‘Fiesta de locos’ es cantada a pleno pulmón por todos, los amigos se abrazan en grupo en la feliz ‘Muerte en Hawaii’. “Por ti, todo lo que hago lo hago por tiiii”, el público pide silencio cuando el guitarrista tiene su momento de lucimiento en ‘Latinoamerica’, que es seguida por una apabullante ‘This Is Not America’, su tema con Ibeyi -una de las mejores canciones de 2022-, en la cual exhibe una pancarta pidiendo firmas para la regularización de los inmigrantes. Residente es muy grande, pero ay, le tengo que abandonar un cuarto de hora antes de que acabe para no perder el último metro. El viernes toca madrugar… y acudir a la primera jornada fuerte del festival.

¿Por qué Mad Cool infravalora a sus «cool girls»?

Por
Pablo Tocino
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David Moya

Hay un momentazo en la película ‘Perdida’ de David Fincher (ya presente en el libro homónimo de Gillian Flynn que adaptaba) en el que se habla de las “cool girls / tías guays”. Sin entrar en spoilers, se habla de cierto ideal masculino y hetero, de esa novia perfecta que nunca se enfada, que disfruta de cervezas, pizza precocinada y alitas de pollo (eso sí, sin ganar ni una talla) mientras ve el fútbol con su novio: “los tíos usan esa frase, ¿no? «Es una tía guay» es casi el cumplido perfecto”. Se habla de cómo ser una chica muy guay y a la vez estar, en todo momento, detrás del hombre.

Tove Lo, una de las artistas más interesantes del pop de nuestro tiempo (y sin “del pop”), se inspiró en ese momentazo y ese concepto para el lead-single de ‘Lady Wood’, su segundo disco, consiguiendo con ‘Cool Girl’ el que sigue siendo su mayor éxito en plataformas sin contar los hits de su debut. Por supuesto, no faltó entre las canciones que interpretó ayer en Mad Cool… fuera del escenario principal. Y fuera de los cabezas de cartel. Como Sigrid. Como Carly Rae Jepsen. Como Phoebe Bridgers. Como, incluso, Zara Larsson y St. Vincent.

David Moya
Mad Cool tiene varios problemas (están siendo especialmente notorias las quejas por el caos en las salidas, en parte consecuencia del acuerdo económico que tienen con Uber), pero, centrándonos en lo musical, éste es uno muy importante y que no se entiende. Sobre todo después de un día en que tres de los mejores conciertos del festival son de tres mujeres que dieron sobradas muestras de poder llevar adelante un escenario más grande y con mejores condiciones acústicas que el de Región de Madrid (aunque ayer pareció haber pequeñas mejoras en el sonido) y, sobre todo, de poder aguantar un show de mayor duración.

Podemos medio-entenderlo en el caso de Sigrid (que tampoco… ejem, Yungblud), pero es surrealista en el caso de St. Vincent y Tove Lo, ambas presentando su sexto y quinto disco de estudio, respectivamente. Tove Lo directamente se las vio putas, como ella misma diría, para hacer aunque fuese un repaso rápido a su discografía en el huequecito de menos de una hora a las 2 y pico de la madrugada que ocupaba. Y, aun así, fue uno de los highlights del festival. Arrancando con ‘Bikini Porn’, fue single tras single (‘Glad He’s Gone’, ‘Cool Girl’, ‘Are U Gonna Tell Her’, ‘Talking Body’ y ‘Disco Tits’ seguidas), antes de meternos de lleno en el drama con ‘Not On Drugs’, ‘True Romance’, ‘How Long’ y, por supuesto, ‘Habits’. “Espero que estéis listos porque vamos a bailar, vamos a llorar, y luego vamos a bailar y llorar a la vez” dijo en una de sus pocas intervenciones, no porque no interactuase con el público -se lo llevaba de calle-, sino porque no había tiempo material. Salvo un pequeño respiro gracias a su banda (maravillosa la chocho-batería) en ‘Not On Drugs’, la sueca no paró ni un momento de moverse, bailar y cantar tirando de su característica voz rasgada en numerosas ocasiones.

Pendiente del bienestar del público como hiciera antes el líder de Imagine Dragons (ambos se tomaron un momento para, al ver señales de altercado, preguntar si todo andaba bien y pedir que nos cuidásemos y disfrutásemos), Tove pudo incluso aprovechar el tiempo para presentar -acompañada de un vídeo en el que se la veía llevando un strap-on- el siguiente single, ‘Die 4 You’, que apunta a banger de los que ella sabe hacer, sample de ‘Popcorn’ de Crazy Frog incluido. Será el tercer single de ‘Dirt Femme’, su quinto disco de estudio, donde también se encuentran ‘No One Dies For Love’, que funcionó de lujo como canción de cierre, y ‘True Romance’, cuya interpretación en directo despejó cualquier duda al respecto de la canción. Ella misma definió el tema como “un viaje al que os quiero llevar durante unos minutos”, y lo cierto es que es una canción que cuece a fuego lento y consigue meterse dentro de ti y llevarte con ella de forma similar a ‘hey you got drugs?’.

Esta última fue una de las ausencias destacadas, junto a ‘stranger’, ‘bitches’, ‘True Disaster’ y, sobre todo, ‘Moments’, que quizás podría haber ocupado el hueco de ‘Not On Drugs’ (por cierto, todos los temas del debut se tocaron con una versión más dirigida a su sonido actual). En cualquier caso, un bolo excelente que podría aparecer en a una guía de “cómo aprovechar tu mini-hueco en un festival”, y que podría haber sido aún mejor de contar con otras condiciones.

Algo parecido pasó con St. Vincent. No conocía su directo y a priori no estaba tan interesado en ella como en otros nombres del festival; sin embargo, acabé el bolo con la certeza de que pagaría con gusto la entrada para un concierto solo de ella. Annie Clark es un absoluto animal escénico, volviéndose una con su banda y el público, bajando a interactuar con sus fans, marcándose un duelo de guitarras con su colega, bebiendo de una petaquita y derrochando complicidad con sus coristas. De hecho, en la despedida eran las coristas quienes cantaban el “it’s just the sun” de ‘The Melting Of The Sun’ mientras ella tocaba, dejándose caer finalmente en los hombros de una de ellas.

Annie portaba una chaqueta con la palabra “Daddy” en lentejuelas, y con ella brillaron tanto los hits de ‘MASSEDUCTION’ como ‘New York’ o ‘Los Ageless’ como las canciones del reciente -y peor valorado- ‘Daddy’s Home’ o incluso ‘Your Lips Are Red’, de su debut. Uno de los solapes, junto al de Tove con Foals, era el de St. Vincent con The Killers. Quisimos ver el inicio de la banda estadounidense, aunque supusiese perdernos los primeros temas de la autora de ‘Fear The Future’.

Mad Cool

Y Brandon Flowers volvió a demostrar ser otro animal escénico: los chicos empezaron a lo grande con ‘The Man’, uno de sus hits más recientes, y que desde luego redondea el aura de estrella de un elegante Brandon que parecía a medio camino entre Andrew Garfield y Tom Cruise cuando hacía guiños a los seguidores. No es que Brandon interactuase con el público, es que el público era suyo. “¡Mad Cool, estamos vivos! Han sido unos años duros, ¿no?”, comentó poco después de empezar, comentando que éste “ha sido un tiempo de mucha soledad, pero mirad a vuestro alrededor… ¡aquí nadie está solo! Aquí nadie está solo, y vamos a tocar rock n roll”. The Man.

Un símbolo de infinito en los teclados y lanzamientos varios de serpentinas llamaban también la atención, mientras se sucedían ‘Jenny Was A Friend Of Mine’, ‘Smile Like You Mean It’, ‘Shot At The Night’… y hubo que marchar si queríamos ver a St. Vincent. Sí que hemos sabido que la banda aprovechó para estrenar en directo nuevo tema, ‘Boy’, seguramente contenido en la continuación de ‘Pressure Machine’. Brandon intentó hacer un vídeo en directo con el evento, pero se encontró con problemas técnicos como el resto de los allí presentes, a quienes la cobertura nos iba y venía por la alta concentración de gente.

Antes de The Killers fue el turno de otro de los cabezas de cartel del día, Imagine Dragons, de nuevo en otro solape, en este caso con Sigrid. Ya les vi hace unos años en Dcode, y de nuevo Dan Reynolds demostró ser un absoluto showman, además de conseguir que la nobleza y buenas intenciones presentes en sus letras y sus discursos sean realmente creíbles. Reynolds habló de su esposa e hijos presentes allí, defendió los derechos LGBT, se interesó por el público y llegó a parar el concierto ante lo que parecía ser un desmayo, sin continuar hasta asegurarse de que el chico estaba siendo atendido. Todo esto, por supuesto, además del absoluto espectáculo y derroche de adrenalina que son en directo, desde el vibrante inicio con ‘It’s time’, ‘Believer’ o ‘Thunder’ hasta terminar por todo lo alto con ‘Radioactive’, pasando por supuesto por temas de su nuevo disco, ‘Mercury Acts 1 & 2’, como el megahit ‘Enemy’. En ese mismo escenario también presentaban unas horas antes su último disco, ‘Comfort to me’, los australianos Amyl and the Sniffers, aún con el sol abrasando al público. La banda liderada por Amy Taylor se defendió con solvencia ante las inclemencias del tiempo recordando temas de sus anteriores discos como ‘Some mutts (can’t be muzzled)’, con el que cerraron.

David Moya

Y, volviendo al escenario “pequeño” con artistas enormes, como decimos Sigrid fue una de las grandes bombas de la noche. Mientras escribo el final de esta crónica me encuentro con una reflexión similar del director Guille Guerrero, responsable de videoclips como ‘Merichane’, y una de las caras conocidas que pasaron por el festival junto a los actores César Vicente, Óscar Casas o Álvaro Rico. Desde luego es para darle una vuelta, porque a pesar de ir solo por su segundo disco, Sigrid demostró unas tablas que ya quisieran muchos para sí, jugando con el público, pidiendo su colaboración en palmadas, correteando de un lado a otro mientras cantaba temazos como ‘Don’t Feel Like Crying’ o ‘Strangers’ sin que se le fuese una nota. El protagonista fue sobre todo su último disco, con ‘Bad Life’ (la colaboración con Bring me the horizon), ‘A Driver Saved My Night’ y cierre a lo grande con ‘Mirror’, pero hubo espacio para el anterior, para la lordiana e inédita en álbum ‘Head On Fire’ junto a Griff, y hasta para su EP debut, con la aparición de ‘Plot Twist’.

Precisamente en su EP de debut se incluye ‘Don’t Kill My Vibe’, de la que contó al presentarla que aún recurre a ella cuando piensa que esto le viene grande y que no es capaz, para demostrarse a sí misma que sí que lo es. Además de la canción, también podría verse su propio concierto de ayer en cualquier momento en que tenga dudas sobre sus capacidades.

Menos conseguido fue, en ese mismo escenario pero unas horas antes, el show de London Grammar, que presentaban el reciente ‘Californian Soil’. Hannah Reid y el resto de su banda fueron un poco lo contrario que Sigrid en cuanto a desparpajo y comunicación con el público, y aunque a nivel técnico estuvieron correctos repasando temas clásicos de su repertorio como ‘Hell To The Liars’ y extraídos de este último como ‘Lose your head’ (original unida al remix para cerrar), fue un bolo un tanto monótono y sin mucha chispa.

David Moya

LCD Soundsystem superan expectativas y Placebo decepcionan en BBK

Por
Jordi Bardají
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Oscar L. Tejeda

El Bilbao BBK Live puede parecer uno de los macroeventos musicales damnificados por la (sobre)oferta cultural de verano. Sucede al mismo tiempo que Mad Cool y los San Fermines; a la vez, también, que el Orgullo de Madrid, y después que multitud de festivales como el Primavera, el Sónar, el Paraíso, el Mallorca Live o el Río Babel hayan asomado la pata después de dos años de hiato, uno tras otro, y a lo largo solo del último par de meses. En Bilbao, hasta los taxistas se muestran sorprendidos por la falta de trabajo durante esta primera jornada de BBK. La gente no parece tener prisa por instalar sus tiendas en Kobetamendi.

No obstante, es jueves y el público suele reventar festivales los viernes y, sobre todo, los sábados, y no cabe duda que los dos días que quedan de BBK van a ser intensos. De hecho, el festival espera recibir a 100.000 personas durante el fin de semana.

Hablando de públicos masivos, el de Ginebras. La propia banda mostró su sorpresa por la cantidad de gente que había congregada delante de su escenario, a eso de las 18.30. Era un público compacto, nada disperso, de unas 30 filas como mínimo, si no me fallan las cuentas. La música de Ginebras, claro, contiene un atractivo enormemente pop, y ellas lo potencian en su puesta en escena. Las cuatro integrantes aparecen en el escenario cada una vestida de un color diferente (rojo, verde, azul y rosa), como si fueran las ‘Supernenas’ configuradas en girl-group, y el escenario está decorado con un jardín de rosas. Canciones como ‘Todas mis ex tienen novio’ o ‘Vintage’ suenan diseñadas a medida para colarse en anuncios publicitarios o en la playlist de tu tienda de ropa de segunda mano favorita. Y, cuando el show termina y empieza a sonar una canción de La Oreja de Van Gogh, por un momento parece que Ginebras continúan en el escenario.

La espontaneidad es el fuerte de Stella Donnelly. Es una espontaneidad deliberadamente infantil y perversa, como la de aquella Leticia Sabater cuya deriva profesional jamás adivinamos en los 90, y que sale a relucir cuando la australiana presenta una canción “esperanzada y optimista” llamada ‘Die’ para la que ha preparado una boba coreografía que parece sacada de una actuación de fin de curso. La cantante se mueve como un cangrejo, hace el pino o imita a un árbol, con una sonrisa irónica. En un curioso momento, Donnelly interrumpe una canción para expresar su asombro tras percatarse de un pájaro (aparentemente un águila o un cuervo) que vuela delante de ella en el cielo. “¡Hostia puta! ¡Mirad ese pájaro! ¡Es enorme!”, espeta, provocando la risa de los asistentes. “Siento no ser profesional, pero tenía que comentarlo”, excusa. En ‘How Was Your Day’ involucra al público efectivamente como si de una presentadora infantil se tratase y, sin ningún prejuicio, clama: “¡gracias por ser cursis conmigo!” La música de Stella es alegre y cuqui, pero nunca deja de estar claro que es una persona adulta quien se esconde detrás de ella.

Los horarios originales de BBK hacían coincidir de pleno los conciertos de Phoebe Bridgers y LCD Soundsystem. Afortunadamente, el festival hizo caso a las plegarias de los fans y reubicaron el show de Bridgers a una hora más agradecida. La de California y su banda -vestida con el ya clásico disfraz de esqueleto- presentaron ‘Punisher’ con cierto poso de solemnidad al principio, con una seriedad aparentemente exagerada, pero Phoebe se fue soltando poco a poco mientras tocaba escondida tras unas gafas de sol del tamaño de su cabeza. Dedicó ‘Kyoto’ a los padres presentes en el público, se ganó ovaciones solo con colgarse sobre los hombros su chulísima guitarra de color negro y, ya totalmente en su salsa, con una sonrisa de oreja a oreja, bajó del escenario para hacer una ronda de saludos. A una fan instalada en la primera fila incluso le cedió el micrófono para seguir cantando la canción y por poco no se hizo un Beyoncé. No obstante, Phoebe volvió a ponerse seria cuando dedicó unas palabras a Estados Unidos. Mientras regalaba a su país una peineta, Bridgers afirmó que “toda la historia de Estados Unidos es asquerosa, pero ahora realmente estamos retrocediendo en el tiempo con el tema de la salud pública y con la transfobia de mierda”. Como Kacey Musgraves, Bridgers celebró “estar lejos de mi país” por un momento. El público recibió su discurso con más aplausos y ovaciones.

Fue una revelación ver a rusowsky en directo por varias razones. Pocos podían imaginar que canciones tan íntimas como ‘So So’, producidas desde la más absoluta falta de expectativas comerciales, pues algunas incluso bordean el límite de la música outsider de una Rebe o un Paco Moreno, podían conquistar a tanta gente, pero la carpa donde actuó Ruslán Mediavilla junto a su DJ estaba llena hasta los topes. Además, resulta que rusowsky existe de verdad y es una persona de carne y hueso, y no solo el nombre de un artista curtido en Spotify que hace beats y canta melodías por encima. Curiosamente, el set de rusowsky anima al público no solo por el surtido de beats de drum ’n bass, jungle y tecno que ofrece, entre otros singles conocidos por sus fans como ‘Dolores’ o ‘Mwah :3’, sino porque el propio artista -que cubre su cabeza con una babushka- bailotea estos ritmos en el escenario como si fuera un fan más. Como si siguiera creando su música desde la intimidad de su cuarto, y no para miles de personas que le siguen. El concierto de rusowsky es lo que pasa cuando el bedroom-pop sale de la habitación y se encuentra con el mundo exterior.

Sharon Lopez

Para revelación la de Ed Maverick (y punto para C. Tangana por haberle apoyado cuando no tantos le conocían). El mexicano es un cantautor con todas las letras, tan clásico que hasta su peinado y su manera de vestir evocan otro tiempo muy lejano a 2022. En concreto, los 70 de la música romántica y de protesta. Cuando Ed canta simplemente acompañado de su guitarra canciones como ‘Del río’, exhibe un talento vocal, un carisma, de esos que se ven muy pocas veces. Es imposible no quedarse prendado de él cuando saca a relucir la potencia de su robusta y dramática voz, a la que, quizá, incluso, le haya sentado bien el “jet lag” que aqueja el músico, provocado por pasar demasiadas horas sentado en un avión camino a España. En otra época y, quizás, con un repertorio más amplio y sólido, Maverick habría sido una estrella del tamaño de Mercedes Sosa o Agustín Lara. Aún tiene tiempo. Desde luego, encaminado va.

Oscar L. Tejeda

El concierto de Placebo no es todo lo excitante que podría ser simplemente porque el grupo se centra en tocar las canciones de su último disco, el regulero ‘Never Let Me Go’. Es el deber de un grupo apoyar el disco que esté presentando en ese momento, pero en el setlist de Placebo se echan en falta hits fundamentales de su carrera que el grupo no parece interesado en recuperar solo para que no eclipsen los temas de su repertorio nuevo. Brian Molko, un tanto irreconocible con pelo largo y bigote, y su banda tampoco ofrecen mucho más a lo que agarrarse cuando se limitan a tocar las canciones de manera un tanto encorsetada. Eso sí, a mi compañero Pablo Tocino puedo confirmar que el concierto de Placebo se cerró con su versión de ‘Running Up That (Hill)’ de Kate Bush, que la banda publicó en 2003. Ralentizada, a modo de los remixes “slowed and reverbed” de Youtube actuales, la versión de Placebo posa una mirada sombría sobre la original. Ni que decir que escuchar esta canción versionada en directo en el contexto actual, cuando contra todo pronóstico vuelve a ser un éxito en las listas que nadie ha podido ver venir, supone una experiencia entre emocionante y extraña.

Oscar L. Tejeda

Si el set de Placebo transmite una clara sensación de nostalgia, no necesariamente en el buen sentido, el de LCD Soundsystem continúa imaginando un maravilloso futuro. No me canso de decir a mis amigos que el directo de James Murphy y compañía es uno de los mejores que he visto en mi vida, si no el mejor, desde que me hicieron flipar en el Sónar hace unos años como pocas bandas han logrado. En BBK no solo no decepcionaron sino que superaron cualquier expectativa.

Para empezar, es impresionante ver el escenario de LCD Soundystem porque parece un estudio de grabación. Múltiples músicos e instrumentos, sintetizadores, secuenciadores y -diría que también- amplificadores ocupan absolutamente todo el escenario de manera que parece que el grupo está grabando un disco en directo en ese mismo momento. James Murphy, vestido como si fuera a recoger el periódico un sábado por la mañana, canta y recita con su habitual micrófono vintage, e irónicamente parece la persona que menos bien se lo pasa del concierto. Es una pena que él no pueda ser público de LCD Soundsystem, pero alguien tiene que hacer el trabajo.

El grupo trae un sonido inmejorable, apabullante, y sus canciones ganan triunfalmente en vivo. Gracias a su estructura tipo progresivo, las canciones de LCD Soundsystem van hirviendo poco a poco hasta que empiezan a expulsar un vapor que intoxica y te hace entrar en un trance. Muchas suenan seguidas las unas de las otras, a la manera de un DJ set, por lo que el concierto no da tregua y, aunque el grupo seguramente siempre toca lo mismo en todos los conciertos, a la vez siempre parece que está improvisando. Las baterías pisan fuerte con ritmos de música disco, las guitarras punk suenan afiladas como cuchillos y, cuando el grupo perfora el aire con sus ondas electro, ya pierdo la cordura. Me desnuco de tal manera que parezco una marioneta de aire. El poder de unas campanillas lo conoce LCD Soundsystem mejor que nadie y su show te sume en un estado de éxtasis continuo.

El BBK ha ofrecido otra oportunidad de ver a Alizzz por 8378287ª vez este verano presentando ‘Tiene que haber algo más’ en su pletórica totalidad. Cada concierto es idéntico al anterior (obviamente, nadie espera lo contrario) a tal punto que da ganas de añadir a Setlist.fm las interacciones de Cristian Quirante con el público. Así que nada nuevo bajo el sol a excepción de una novedad que nadie esperaba: Quirante estrenó en vivo su versión de ‘Un buen día’ de Los Planetas, que había ensayado «hace 20 minutos». De no anunciar que era una versión me había creído que era suya.

Rigoberta Bandini y Amaia crean un final feliz para la canción machista de Los Payasos de la Tele

Por
Sebas E. Alonso
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Uno de los temas más populares de Miliky, Gaby y Fofo fue ‘Los días de la semana’. Una letra cantarina en la que una niña quería jugar pero no podía porque tenía que planchar los lunes, coser los martes, barrer los miércoles, cocinar los jueves, lavar los viernes y tender los sábados. Solo los domingos paseaba, mientras el mundo se preguntaba qué demonios estarían haciendo los niños.

Corría el año 1974 cuando esta canción llegó al mercado a modo de single. Recientemente El Español -un periódico de tinte conservador- calificaba la canción como “machista” en un artículo. Miliki había intentado convertir a la niña en «un marido» en una versión posterior en los años 90, pero sin demasiado éxito. Rigoberta Bandini y Amaia han llegado para cambiar eso en 2022, y lo han hecho con el beneplácito de la familia Aragón, pues no aparecen como co-autores de la nueva canción ‘Así bailaba’, pero sí como editores.

‘Así bailaba’ es ahora un medio tiempo electrónico en el que la historia cambia: ahora la niña no puede lavar porque tiene que bailar y tomarse unos vinos. Pero además no está sola. Rigoberta y Amaia aprovechan este encuentro para profesarse admiración mutua, para hablar de unas inseguridades que jamás terminarán de irse (¿por el machismo en el mundo, quizá?), para enseñarse mutuamente a hacer twerking.

Con la producción de Stefano Macarrone y Esteban Navarro, la canción adquiere un tinte épico, como de cierre de concierto, de final feliz para la historia; a lo que contribuye un coro infantil que protesta porque no piensa «ni lavar, ni planchar, ni barrer, ni guisar, ni fregar, ni coser, ni bordar, ni tender». Si alguna vez pensaste que la música de Rigoberta, y sobre todo la de Amaia, tenía un punto infantil, aquí ambas se benefician de eso para darle la vuelta y entregar una canción con mensaje.

La primera impresión que deja ‘Así bailaba’ es que es un tema un tanto sonrojante, con su melodía pueril, sus partes habladas, sus bromas internas y sus tics tan personales. Pero aquí lo único sonrojante es la canción original. Rigoberta Bandini y Amaia han transformado un tema que caló en la imaginería popular en todo su machismo -como los que se canturrean en ‘Las niñas‘- en un «mirad de qué manera pienso tocarme el coño». Después de la polémica de Mecano con «mariconez», ¿no es maravilloso que alguien SÍ haya permitido cambiar esta letra en favor de los tiempos que corren? Esto es historia.

RFTW: Sophie Ellis-Bextor, Oliver Sim, Miss Caffeina con Varry Brava…

Por
Sebas E. Alonso
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Hoy 8 de julio se publican los nuevos discos de Burna Boy, Laura Veirs, Katy J Pearson, Rae Morris y James Bay, entre otros; mientras en singles los lanzamientos estrella del pop internacional son los de Sophie Ellis-Bextor (de vuelta en las pistas de baile), Ciara, FLO o The 1975, estos optando por una balada. Son algunos de los temas que recopilamos en nuestra playlist de novedades de cada viernes «Ready for the Weekend».

Entre las novedades internacionales más interesantes, tenemos nuevo single de Hot Chip, single de doble cara A de SG Lewis, tema de Oliver Sim, colaboración de easy life con BENEE o de Chai con Superorganism. En España, Miss Caffeina presentan su nueva canción con Varry Brava para su espectáculo conjunto Dancetería; y Rigoberta Bandini ha estrenado su tema con Amaia.

Anticipan sus nuevos álbumes bandas como The 1975 y Alvvays. También hay nuevos temas de King Princess, Baby Queen, Lapsley, AURORA, Bring Me the Horizon… En cuanto a pop nacional, destacan Will Spector y Los Fatus, Los Mejillones Tigres, Quirkyoddgirl (versionando Bad Gyal), Ant Cosmos, Teo Planell o Los Fresones Rebeldes.

Curiosamente, Amaral, Dani Martín, Sidonie, Iván Ferreiro, Santi Balmes, Rozalén… se han unido para rendir homenaje a Víctor Manuel por su 75º cumpleaños. Han versionado ‘Sólo pienso en ti’. Produce Paco Loco.

Y otra curiosidad es la versión «Legendarias» de ‘Al amanecer’ de Los Fresones Rebeldes, realizada para la Eurocopa Femenina de Fútbol.

The Black Keys / Dropout Boogie

Por
Mireia Pería
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Habíamos dejado hace un año a los Black Keys con ‘Delta Kream‘, un disco de versiones correcto pero poco excitante, que nos hacía echar de menos sus obras más pizpiretas. Pues bien, Dan Auberbach y Patrick Carney han escuchado nuestras plegarias y se han sacado de la manga este ‘Dropout Boogie’, que rescata el espíritu más sabrosón del dúo.

Esta vez llenan su blues-rock de funk y soul de los 70, para darnos un puñado de canciones soleadas, de duración ajustadísima (sólo una llega a los cuatro minutos), melodías pegadizas, riffs contagiosos y letras intrascendentes, con eróticos resultados.

Ya el bajo tan funk y el riff de guitarra con tanto groove iniciales sirven para exclamar “¡Albricias!”: ‘Wild Child’ es una canción pegadiza y efervescente, sexy y zumbona, que encima acaba antes de tiempo. ‘It Ain’t Over’, el segundo single, tiene un aire sumamente veraniego, y 70’s, gracias a su ambiente ahumado, el estribillo con la voz de Auberbach distorsionada, los coros y una línea de bajo de lo más pinturera.

El blues más clásico asoma la patita en ‘For the Love of Money’. Y es tan trotón y redondo, que parece una versión, pero no: The Black Keys no quieren darnos originalidad, sólo trallazos. ¿Que le roban a Iggy Pop la base de ‘Nightclubbing’ para ‘Your Team Is Looking Good’? Qué más da, si el artefacto resultante es de lo más pintón. O invitan a Billy F. Gibbons de ZZ Top para que llene de clase ‘Good Love’. O rezuman soul de dormitorio en la muy sexy ‘How Long’. Incluso cuando parece que la cosa se puede empezar a poner plúmbea, viran con un muy buen estribillo en ‘Happiness’. Ya hubieran querido sacarse los últimos Red Hot Chili Peppers Peppers una pieza tan redonda como ‘Baby I’m Coming Home’.

‘Dropout Boogie’ es un disco veraniego, de recio espíritu americano, que demuestra que no hace falta trascendencia ni originalidad para pasar un buen rato. Y, sobre todo, nos recuerda lo importante que es divertirse, simplemente.

The 1975 estrenan la otoñal ‘Part of the Band’

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Sebas E. Alonso
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Samuel Bradley

El 14 de octubre es la fecha escogida para el lanzamiento de ‘Being Funny In A Foreign Language’, el nuevo álbum de The 1975. A la espera de que el vídeo del single ‘Part of the Band’ se estrene en Youtube a las 20.00, hora peninsular española, el grupo ha compartido ya en plataformas de streaming tipo Spotify el audio del tema. Se trata de un medio tiempo acústico y orquestado, con una estructura particular.

‘Being Funny In A Foreign Language’ será el quinto álbum de The 1975, una de las bandas más exitosas en Reino Unido durante los últimos tiempos. Sus 4 primeros discos han sido número 1 en las islas británicas, lo cual incluye el último hasta ahora, que era ‘Notes on a Conditional Form‘. Os dejamos con el tracklist del álbum y el nuevo tema:

1. The 1975
2. Happiness
3. Looking For Somebody (To Love)
4. Part Of The Band
5. Oh Caroline
6. I’m In Love With You
7. All I Need To Hear
8. Wintering
9. Human Too
10. About You
11. When We Are Together

Rina Sawayama canta a su madre, inspirada por The Corrs, producida por Stuart Price

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Sebas E. Alonso
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Rina Sawayama ha estrenado recientemente el segundo single de ‘Hold the Girl’, el disco que publica el próximo 2 de septiembre. Si antes habíamos escuchado ‘This Hell’, ahora es el turno de ‘Catch Me in the Air’, que es nuestra “Canción del Día” hoy.

‘Catch Me in the Air’ es una colorida composición de corte pop-rock y medio bailable, que Rina Sawayama ha querido dedicar a su madre. De ahí frases como “solo llevó 9 meses y un montón de amor” o “espero que estés orgullosa”. Musicalmente, la artista ha reconocido estar influida por The Corrs, solo que pasados por el prisma de Gwen Stefani. Así lo revelaba en Hot Press.

The Corrs pueden estar presentes en ese inicio un tanto new-age que incluso hace pensar en la banda sonora de ’Titanic’, pero en verdad si un tema de los irlandeses le ha inspirado debe ser ‘Breathless’. Como aquel, este es un desvergonzado tema pop que cantar con las alas al viento, con la curiosidad de que es Stuart Price quien está detrás de los créditos de producción. Os dejamos con el tracklist que acaba de publicarse.

1.-Minor Feelings
2.-Hold the Girl
3.-This Hell
4.-Catch Me in the Air
5.-Forgiveness
6.-Holy (Till You Let Me Go)
7.-Your Age
8.-Imagining
9.-Frankenstein
10.-Hurricanes
11.-Send My Love to John
12.-Phantom
13.-To Be Alive

Cuando Raffaella Carrá entrevistó a La Toya Jackson

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Sebas E. Alonso
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Durante el último par de años, se ha emitido en RTVE un programa llamado ‘Los tesoros de la tele’. Con motivo del aniversario de la muerte de Raffaella Carrá, se han preparado una serie de especiales en televisión y radio públicas, que ha incluido la emisión de la película ‘Explota, explota’ o anoche la redifusión del resumen de ‘Hola, Raffaella’ realizado por dicho espacio en 2020.

En este episodio, ‘Los tesoros de la tele’ recopilaba algunos de los mejores momentos del histórico programa de la Carrá en nuestro país durante los años 90. Eso incluyó un popurrí que Raffaella introdujo de manera magistral: «Voy a cantar una FANTASÍA de 3 canciones». También a Loles León colándose en casa de Francisco Umbral, pidiéndole comida, dándole unas uvitas de su propia mano y finalmente quedándose en tetas en la ducha del escritor, mientras él se esforzaba mucho por mostrarse entre complacido y formal… y a ti se te colaba una mosca bien grande por la boca abierta.

Como en un sueño de escenario surrealista, el programa también nos mostró un juego de la silla interminable por un lado -si pensamos en lo que son hoy los ritmos televisivos- y ojalá eterno, por el otro. Raffaella y Loles junto a la mismísima Lola Flores muy poco antes de morir, Miguel Bosé, Los Morancos o Marianico El Corto peleaban lastimosamente por una silla, frente a una audiencia millonaria que en la era pre-internet al fin y al cabo tampoco parecía tener nada mejor que hacer.

Este estofado de personas se vio aderezado por fragmentos de otras entrevistas a Maradona, Mel Gibson, Jerry Lee Lewis… pero nada tan impactante como la entrevista de Raffaella Carrá a La Toya Jackson, en los tiempos en que Michael Jackson se enfrentaba a su primer juicio por abuso de menores. Quizá ayudada por que el español no era su lengua materna, es decir, quizá no era consciente del todo de la crudeza de sus preguntas; quizá porque estos eran otros tiempos televisivos políticamente incorrectos que hemos olvidado ya, la entrevista de la Carrá no pudo ser más incómoda. Era difícil sostenerle la mirada a la pantalla sin taparse la cabeza con una manta, aun corriendo el mes de julio.

La Toya Jackson, imponiéndose a los chistes de la época que sugerían que Michael y ella podían ser en verdad la misma persona, aparece en primer plano, con semblante serio, dispuesta a dar todo detalle sobre el hecho de que su hermano se encierre en una habitación con niños durante horas. No sabe lo que pasa allí dentro, indica; pero sí que los niños entran felices y salen no tanto. Habla de traumas futuros cuando esos niños tengan «45 años», denuncia que su hermano es la mayor estrella del mundo pero que necesita ayuda, habla de los abusos que ella misma ha sufrido por parte de su padre. «Mental, física y sexualmente», detalla refiriéndose a Joe Jackson. «¿Has dicho mental y físicamente?», pregunta Raffaella, que ejerce de traductora. «Y sexualmente», repite de nuevo La Toya.

En un giro inesperado de los acontecimientos, y mientras una serie de fans entre el público sostienen una pancarta que reza algo así como «Michael cura el mundo y La Toya lo arruina» en referencia a su hit ‘Heal the World’, Raffaella se envalentona y pregunta a La Toya si cree que está ayudando a su hermano con este testimonio. Es un momento ultra meta, pues Raffaella parece estar cuestionando el mismísimo valor de su entrevista. Su propio buen gusto. La Toya responde que por supuesto. Cuántas entrevistas musicales han carecido de esta cara tan dura, por ambas partes.

Antes de pasearse por el programa Mask Singer, tanto en su edición americana, como en la española, porque ella tampoco tenía nada mejor que hacer, y eso que ya sí que había internet; antes de la muerte de Michael Jackson, La Toya pudo reconciliarse con él. En 2005 le defendió de las acusaciones de abusos indicando que se malentendía a su hermano. «Le encantan los niños, a todos nos encantan los niños. Es muy difícil tener este amor por los niños, porque la gente lo malinterpreta», explicó entonces, en promoción de un EP llamado ‘Starting Over’ que en verdad tardaría hasta 6 años en salir. Janet Jackson solía decir que La Toya perdió todo contacto con la realidad a mediados de los años 90, debido a los abusos que sufrió por parte de su marido y mánager Jack Gordon, que estuvieron a punto de llevarla a la muerte.

Últimamente, hemos visto a La Toya en El Hormiguero promocionando el musical ‘The King of Pop’. Lo que se vio anoche en La 2 es solo una parte de la historia. Una que quizá debió llamarse no ‘Los tesoros de la tele’ sino ‘El pasado más absolutamente insólito de RTVE».

Chanel da el pregón en el accidentado Orgullo de Madrid

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Gabriel Carey
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La finalista de Eurovisión 2022, Chanel Terrero, ha sido elegida este año para leer el pregón del Orgullo de Madrid y así lo ha hecho, en la plaza de Pedro Zerolo, en Chueca. “El lema de este año es frente al odio, visibilidad, Orgullo y resiliencia. Son tres palabras que me han acompañado durante toda mi vida”, así daba comienzo Chanel a cinco días de celebración en la capital.

La artista presentó un emotivo discurso en el que mencionó, entre otras cosas, cómo el racismo y el bullying la han convertido hoy en día en «una mujer segura de mí misma»: “Muchas de las personas que estáis aquí habéis sufrido el rechazo o el desprecio por simplemente ser o vivir vuestra vida, no imagino por lo que habréis tenido que pasar, pero os juro que voy a luchar cada día de mi vida por que cada uno de vosotros tengáis el orgullo que os merecéis”.

Dedicó sus palabras «a todos ellos, gays, bisexuales, lesbianas, trans, asexuales, personas intersex, queer y no binarias”, y a «todas las personas que educaron en libertad desde las aulas, a las que viven sin miedo y hacen abrir las mentes de otros y a las que ponen el ojo crítico en un sistema que no siempre funciona para todos”, pero también ha recordado que es «demasiado fácil» perder los derechos LGTBI que se han ganado hasta ahora en nuestro país.

Chanel se despedía entre aplausos con estas declaraciones: “Hay voces empeñadas en dividirnos, en fracturar nuestra lucha y en enfrentarnos. Por eso es esencial que las minorías nos unamos, porque solo triunfaremos cogidos de la mano».

Al mismo tiempo, 300 personas se encontraban en la Plaza del Rey protestando por la cancelación de los numerosos conciertos del Orgullo que se iban a llevar a cabo. Este es el comunicado oficial, en el que MADO responsabiliza al Ayuntamiento de Madrid de «no poder celebrar el Orgullo con todas las garantías necesarias». La prolongación de las obras en la cercana calle Barquillo ha impedido los permisos municipales necesarios para los conciertos, pero los organizadores creen que es posible reubicar las actuaciones en un nuevo escenario en la plaza Barceló, a partir del viernes.

Ultra Music Festival llega a España con Ultra Beach

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Gabriel Carey
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ULTRA MUSIC FESTIVAL llega a España con la primera edición de ULTRA BEACH, un evento de música electrónica frente al mar de un día de duración que tendrá lugar el sábado 20 de agosto, comenzando por la tarde, en el espacio Marenostrum de Fuengirola, en Málaga. Algunos de los artistas de los que se podrá disfrutar son Afrojack, Oliver Heldens y KSHMR.

El festival de un día se divide entre dos escenarios, el BEACH STAGE y el RESISTANCE STAGE. En el primero actuarán Afrojack, Oliver Heldens, KSHMR, Acraze, Mykris y los españoles Alex Now y Manu González. Por otra parte, el escenario RESISTANCE lo ocuparán Adam Beyer, Joseph Capriati, Ben Sterling, Blackchild, Melanie Ribbe y Sandro Bianchi.

La marca ULTRA nació en 1999 y ha conseguido expandirse por todo el mundo gracias a ULTRA Worlwide, el proyecto que ha permitido transportar el festival a 29 países del mundo, a los que ahora se suma España. Las playas de la Costa del Sol son el escenario que han elegido los organizadores, celebrándose el evento a apenas 20 metros del mar, a pie de playa.

ULTRA ha prometido que esta primera edición del festival en España «marcará un antes y un después en la historia de la escena electrónica española» y esperan que sea la primera de muchas. Todos los detalles sobre el evento, en la web oficial.

Rigoberta anuncia que dejará los conciertos «un rato largo»

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Gabriel Carey
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El programa de este miércoles de La Resistencia se celebró en Ibiza, para celebrar la llegada del verano, y Rigoberta Bandini acudió de invitada para hablar con Broncano sobre su estelar último año y sobre lo que tiene pensado para su futuro.

El presentador y la artista catalana conversaron sobre lo que se suele conversar en La Resistencia, y hablaron sobre Julio Iglesias, su supuesta estancia en República Dominicana y sobre la canción de Caillou, antes de pasar al mensaje importante de la velada. Momentos previos a cantar en directo su gran éxito ‘Ay Mamá’, Bandini dijo que tenía que «explicar una cosa importantísima».

«En octubre voy a hacer el final de la gira, y después me retiro. Me retiro un rato largo.», soltó la artista ante el asombro de los presentes. Pero aclaró que «una cosa es retirarse de los escenarios», y otra diferente es dejar de trabajar, porque «curro va a haber». A continuación, Paula dio algunas explicaciones de su decisión: «La verdad es que ya estoy un poquito hasta el coño de las cosas. Ya no puedo más».

Rigoberta terminó aclarando una vez más que «pronto anunciaremos la gira de otoño, que serán unos conciertos muy especiales, y acabaremos con eso», para cantar de forma seguida ‘Ay Mamá’ y despedir el programa de Broncano. Además, la artista catalana ha confirmado en su Instagram que en otoño sacará una especie de recopilatorio que tendrá «cancioncillas antiguas y nuevas» y que la semana que viene anunciará los últimos conciertos del año, antes de su descanso de los escenarios.

Rosalía avanza 3 canciones inéditas en el MOTOMAMI TOUR

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Gabriel Carey
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La última vez que Rosalía actuó de gira fue en diciembre de 2019 en Madrid, en el final del tour de ‘El Mal Querer’. Tras una pandemia y el lanzamiento de uno de los mejores discos de 2022, Rosalía vuelve a los escenarios con el Motomami World Tour, que llevará a la artista a 15 países diferentes alrededor del mundo. La gran gira internacional de Rosalía comenzó ayer en Almería, y aquí te vamos a contar todo lo que sucedió.

El espectáculo empezó fuerte con ‘SAOKO’, precedida por un «estruendoso rugido de motor», tal y como cuenta el diario El Mundo. La artista catalana, vestida de Dion Lee en azul y negro, estuvo acompañada en el escenario por ocho bailarines, que no solo se dedicaban a bailar. El País ha descrito la escenografía del show como «mínima» y el sonido como «crudo», además de una «realización fastuosa» en la que no solo interviene una steadycam que va siguiendo a la protagonista y a los bailarines, sino que también estos mismos, con sus móviles, ofrecen planos de cámara únicos para los asistentes.

En un concierto que tuvo de protagonista indiscutible al disco ‘MOTOMAMI’, del cual sonaron todos los temas, también hubo hueco para canciones como ‘Dolerme’, con guitarra en mano, ‘DE AQUÍ NO SALES’ y ‘De Plata’, para la que se vistió con una gran falda negra de volantes; versiones como la de ‘Perdóname’ de La Factoría o la mítica ‘Gasolina’ de Daddy Yankee, que metió en un medley junto con ‘Papi Chulo’, ‘TKN’ y ‘Yo x Ti, Tu x Mi’, e incluso hubo espacio para tres canciones totalmente inéditas, las cual Rosi ha prometido que verán la luz «en algún momento»: ‘Aislamiento’, ‘Dinero Y Libertad’ y ‘Lao A Lao’.

Rosalía se tomó un momento para honrar a Almería y recordar a David Bisbal y Tomatito, se cortó la punta de las trenzas mientras cantaba ‘DIABLO’, tocó ‘HENTAI’ al piano, se bajó a cantar ‘LA NOCHE DE ANOCHE’ con el público y, de repente, llegó la recta final. En este momento sonaron hits como ‘Malamente’ y ‘Con Altura, acabando la velada con ‘Chicken Teriyaki’, ‘SAKURA’ y, por último, ‘CUUUUuuuuuute’.

La próxima parada del Motomami World Tour es Sevilla, y la gira terminará en París el próximo diciembre. Viendo lo que ha ofrecido Rosalía en Almería, no hay dudas de que estos conciertos no van a a dejar a nadie indiferente.


Metallica vs Carly Rae Jepsen en Mad Cool: de la rivalidad al hermanamiento

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Pablo Tocino
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David Moya

Camino a IFEMA, lugar donde era la puesta de largo de Mad Cool tras dos años de parón, el metro iba hasta los topes de metaleros ilusionados con ver a James Hetfield y compañía. Pero había también en el vagón un pequeño grupito cual aldea de Astérix escuchando con el móvil canciones de Carly Rae Jepsen, y entonces se produjo un momento maravilloso…

Uno de los chavales intentó convencer a los heavies para que se ausentasen luego unos minutos de Metallica -coincidían- y fuesen a ver a Carly (“es la del ‘Call Me Maybe‘”) y, ante su negativa, los fans de Carly empezaron a cantar ‘Nothing Else Matters’… y uno de los metaleros empezó a cantar ‘Call Me Maybe’ con su amigo, uniéndose al final los dos grupos en una especie de medley surrealista que acabó dominado por el “hey, I just met you, and this is crazy”. Cuando el metro llegó a IFEMA, escuché cómo el grupo metalero prometía ver un rato a Carly, y los fans de Carly ver un rato a Metallica, respectivamente. ¿Lo harían finalmente? Pues a saber. Pero en cualquier caso fue un momento que refleja estupendamente el poder de la música, y de la pasión de los fans.

Porque los heavies, seguidores fieles por excelencia, y los fans acérrimos de alguien como Carly pueden tener más en común de lo que parece. Aunque a nivel mucho menos mainstream, más nicho, es reconocida también esa pasión y lealtad a la diva pop que ya no está en primera liga, por no hablar del tópico (quizás no tan tópico) sobre la devoción del público marica. Que se lo digan a Kylie. O, mismamente, a Carly Rae Jepsen, a quien confirmamos ayer como una mini-Kylie tanto en aura como en cierto parecido sobre el escenario. Evidentemente las tablas de la australiana no tienen nada que ver, y solo el futuro dilucidará esto, pero hay algo en la carrera hasta ahora de Rae Jepsen y en ese pop hecho con tanto mimo que nos recuerda.

Ataviada con un dos piezas plateado y acompañada de una corista y una pequeña banda que resaltaba su lado funky, la canadiense no tiró de grandes performances, ni siquiera de unas pantallas más bien discretas, sino que se limitó a lo que mejor hace: contagiar su alegría con un repertorio infalible, dominado por temazos de ‘EMOTION‘ y ‘Dedicated‘ como ‘Run Away with Me’, ‘Now that I’ve Found You’, ‘Boy Problems’, ‘Too Much’, ‘Want You in my Room’ o ‘I Really Like You’.

‘Call Me Maybe’ sonó, sí, y el público general empezó a irse tras ella, pero a Carly no le importaba correr ese riesgo y no cerró con ella, sino que guardó dos canciones más para sus fans: ‘Let’s Get Lost’ y la fantástica ‘Cut to the Feeling’. ‘Party for One’, el single fallido de ‘Dedicated’, fue la gran ausencia, aunque la que yo eché de menos fue ‘Comeback’, una de sus mejores canciones (pero no hubo representantes de sus estupendos “Sides B”). Tocar hasta 15 canciones en tan poco tiempo no impidió a Carly interactuar de vez en cuando con el público, ya fuese para bromear sobre que el Julien de la canción resultó ser un capullo, y que prefería dedicarle la canción a cualquier Julián del público, o para hablar sobre las inseguridades antes de ‘Too Much’.

David Moya

Esa es, por cierto, otra de los similitudes (por mucho que decir esto parezca sacrilegio) entre los seguidores de una diva pop y de un grupo como Metallica: las canciones de ambos dan fuerza a sus fans, y se convierten en un oasis donde combatir sus inseguridades (cada una a su manera) y olvidar sus problemas. El éxtasis vivido entre el público de Metallica fue prueba de ello. Los estadounidenses empezaron con más de 15 minutos de retraso, pero para cuando terminó el directo pocos se acordaban de ese detalle salvo que tuviesen que escribir sobre él.

James Hetfield estuvo impecable vocalmente y el escenario principal (con 60 consolas de audio y más de 200 altavoces) hizo justicia a la calidad de la banda, con momentos cumbre desde el mismo inicio, en el que fragmentos de ‘El bueno, el feo y el malo’ aparecían en las pantallas mientras sonaba ‘The Ecstasy of Gold’ de Morricone… y salía la banda para dar comienzo al show con ‘Whiplash’. No esperaron mucho para soltar bombas como ‘Enter Sandman’ o ‘Wherever I May Roam’, o la coreada por miles de personas ‘Nothing Else Matters’, así que pudimos disfrutarlas antes de irnos para ver a Carly.

Andrés Iglesias (Mad Cool)

Corrimos en cuanto ella terminó para no perdernos la traca final, en la que Hetfield y compañía tienen buena fama de irse por todo lo alto. Merecidísima, claro: entre fuego en el escenario y pirotecnia, sonaron ‘Moth in Flames’, ‘Damage Inc.’ o ‘One’, antes de cerrar a lo grande con los casi 10 minutos de ‘Master of Puppets’. No hubo menciones a ‘Stranger Things’, aunque la portada del disco, proyectada como cinemática en las pantallas, podía hacer pensar que sí a quien no la hubiese visto (igual en próximos bolos cae algo si se confirma que estamos ante otro “caso Kate Bush”), pero lo que desde luego hubo fue una energía desbordante y un sentimiento de comunidad a través de la música que el vocalista quiso dejar patente antes de terminar.

Y es que Hetfield pidió que levantasen la mano quienes estaban allí por primera vez (“Metallica virgins, good!”) y quienes les habían visto con anterioridad, respondiendo con un “pues a los vírgenes, bienvenidos a la familia de Metallica”. Y, como toda buena reunión familiar de Nochevieja, la banda se despidió con unos fuegos artificiales más propios de Año Nuevo que de un concierto al uso de festi –porque, evidentemente, aquello no era un concierto al uso de festi-. Como curiosidad, Hetfield quiso volver y decir unas palabras, pero ya le habían cortado el micro, así que el pobre se conformó con agradecer al público usando gestos.

Hablando del efecto ‘Stranger Things’ en el exitazo décadas después de ‘Running Up that Hill’ (estuve a punto de meterla a nivel simbólico en mis propuestas para las mejores canciones de 2022 de enero a junio, es increíble lo que está pasando con ella), estaba la duda de si Placebo tocarían su excelente versión, y cómo respondería el público. Solo pudimos asistir al principio si queríamos ver algo de Alfie Templeman, aunque nos chivan que cerraron con ella. La locura de la serie de Netflix ha llegado también al grupo de Brian Molko, y en el último mes esta versión ha ido subiendo hasta convertirse en su canción más escuchada en Spotify, con más de 100 millones de streams y a punto de superar los 120 de su mayor éxito, ‘Every You Every Me’… ¡que no sonó en ningún momento!

Andrés Iglesias (Mad Cool)

No he encontrado declaraciones al respecto, pero parece que Brian Molko y Stefan Olsdal se han cansado de interpretarla en directo, porque no suena desde 2015. Sí sonó otro de sus clásicos, ‘The Bitter End’, y canciones de otros discos como ‘Special K’ o ‘Too Many Friends’, lead-single del fallido ‘Loud Like Love’. Pero en general lo que hizo la banda fue presentar su último disco, ‘Never Let Me Go‘, y se comprende: es el primer álbum de estudio tras ocho años de silencio. El por entonces aún presente calor y unas pantallas que parecían sacadas del Winamp no ayudaban a levantar al público ante estas canciones menos conocidas, aunque pareció haber algo más de entusiasmo con ‘Beautiful James’ y ‘Sad White Reggae’.

Poco después, Alfie Templeman y su banda intentaban solventar problemas técnicos que les llevaron a empezar con retraso, pero cargados de entusiasmo. El cantante inglés, que nos enamoró con temas ‘Used to Love’ en 2019, acaba de sacar su segundo disco, ‘Mellow Moon’, y de hecho abrió con uno de sus temas, ‘Candyfloss’. Los chicos se vinieron más arriba en ‘Film Scene Daydream’ o ‘Everybody’s Gonna Love Somebody’, aunque no les ayudaba la dudosa acústica del Escenario Seven.

Y es que, igual que la acústica del escenario principal fue muy buena, no se puede decir lo mismo de escenarios como ese o el Región de Madrid: a Carly le jugaron una mala pasada, y con CHVRCHES pasó lo mismo, aunque en ambos casos la solvencia defendiendo su repertorio nos hizo olvidarnos un poco de eso. Los ingleses presentaron en general su último trabajo, el excelente ‘Screen Violence’ y, como curiosidad, entre los asistentes pudimos ver a la directora y actriz Abril Zamora (otras caras conocidas en el festival fueron los influencers Carlos Peguer de ‘La pija y la quinqui’, TheRubiew o Esty Quesada AKA Soy Una Pringada). La banda ha cuidado especialmente la estética en su último disco, y desde luego se podía ver en su líder Lauren Mayberry, con un espectacular vestido tul rojo con volantes que encajaba a la perfección con la majestuosidad de temas como ‘He Said She Said’, ‘Final Girl’ o ‘How Not to Drown’, espectacular (sensacional) con o sin Robert Smith.

Antes de eso, y tras Wolf Alice -programados a las 18.35 de la tarde-, fue el momento de conocer a Dominic Richard Harrison -AKA Yungblud– que sí contó con una acústica a la altura de las circunstancias. El ídolo de masas inglés no solo se aseguró a sus fieles, sino que pudo cambiar gracias a temas como ‘strawberry lipstick’ o ‘fleabag’ alguna que otra mirada más severa de los fans de Metallica que esperaban a su grupo en primera fila. Yungblud, muy emocionado por ir antes de la mítica banda, ha hablado siempre de lo importante que es para él la estética y mezclar lo tradicionalmente asociado a lo masculino y lo femenino, y ayer lo demostró: lo mismo portaba una cadena -candado incluido- en el cuello y se esforzaba por dar una actitud fiera, que llevaba calcetines rosas, se ponía sombra de ojos y marcaba todo con un apretadísimo conjunto de camiseta sin mangas, bermudas y tirantes. Antes de despedirse con una pandereta mientras cantaba ‘loner’ -prácticamente su himno-, Yungblud aseguraba que volvería pronto, “muy, muy pronto” a España.

Sesión de Control: Najwa, Dellafuente, ‘As It Was’ en español…

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Sebas E. Alonso
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Renovamos la playlist dedicada al pop español o en castellano “Sesión de Control” por ejemplo con lo nuevo de Najwa, que inaugura una nueva etapa independiente, fuera incluso de Mushroom Pillow, con un tema llamado ‘Contra quien luchaba’, en la línea electrónica que venía trabajando últimamente. Así lo explica ella misma: «La mayor batalla de toda la vida es la lucha contra uno mismo. Una guerra entre lo que eres y lo que quieres ser o entre lo que no quieres ser y lo que podrías ser».

Estos días están presentando nuevas canciones Vega Almohalla, precisamente una de las apuestas de Mushroom Pillow (ya ha sonado en ‘Élite’ y saca disco el 28 de octubre); o la banda de fusión tropical Mamita Papaya, que estrena single de un EP producido por Carlangas de Novedades Carminha.

Everlasting apuesta por Juan Azul, de sonido entre Juana Molina y Kiko Veneno, que presenta ‘Vampirillos’, un tema acompañado de un videojuego web.

Entre las canciones del verano podría estar el tema compartido por Santi Balmes y Renaldo & Clara para Estrella Damm, con todos los ingredientes para ser uno de los mayores hits de “Clara”; el synthpopero tema de Tú Ves Ovnis con Pablo und Destruction; la versión en castellano de ‘As It Was’ de Harry Styles por parte de la banda indie afincada en Madrid Marsella; o el EP de JADDØ. También ha sacado un EP y de hecho lo hemos visto en la lista de éxitos española Dellafuente.

Constanza es una joven de 22 años nacida en Argentina, criada entre Honduras y España, antes conocida como Akasha Kid. Completamente la playlist con el punk andaluz de la URSS, el nuevo tema de Da Souza, el madrileño AKA Matador, el math-rock de Panam, el EP de Alba Escalon o el nuevo videoclip de Borque.





‘Je te vois enfin’ de Christine and the Queens: a favor y en contra

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JNSP
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Parte de la redacción evalúa ‘Je te vois enfin’, el nuevo single de Christine and the Queens. Ya se conocen además los detalles del disco ‘Redcar les adorables étoiles’, que sale el próximo 23 de septiembre.

«La música de Christine and the Queens ha solido caracterizarse por su sonido romántico y apasionado, por supuesto, inspirado en el synth-pop de los 80. ‘Je te vois enfin’ sigue en la misma línea pero se diferencia por presentar un acabado más mecánico, gélido y engañosamente lo-fi, típico de una producción de synth-pop y new-wave underground de la época. Próxima, más bien, al coldwave.

De ahí, quizá, que presente el apodo REDCAR para inaugurar su nueva era. Christine ha producido la canción, pero quizá la clave de su sonido se encuentre en la hábil mezcla de Mike Dean, conocido por su trabajo con Kanye West (y por ser «chulo», según Rosalía). Entre referencias religiosas que van de apelar al «señor» o aludir a la misma Biblia, Christine huye «hacia el bosque» para encontrar su «camino» y, de paso, entrega una de sus producciones más duras y sorprendentes». Jordi Bardají.

«El nuevo single de Christine and the Queens tras su EP ‘La vita nuova‘ ofrece un synthpop misterioso con influencia new wave y está cantado completamente en francés. ‘Je te vois enfin’ contiene algunas de las virtudes que caracterizan a su artista pero aquí no llega a explotar todo su potencial. La producción de Mike Dean es envolvente y la voz de Chris suena tan apasionada como de costumbre, pero hay algo que no termina de encajar bien. Pese a que es una escucha agradable y no es desdeñable, deja la sensación de que no nos ha llevado a ningún lugar particularmente interesante, y su cadencia monótona tampoco ayuda a que uno se acuerde de cómo suena nada más terminar.

El estilo y el buen gusto de la cantante están ahí pero la canción pedía a gritos algo más de garra. Se echa de menos un estribillo más memorable, o una progresión más estimulante que la elevase hacia un final más satisfactorio. Para alguien que a lo largo de su carrera ha presentado singles tan potentes como ‘People I’ve Been Sad’ o ‘Tilted’, ‘Je te vois enfin’ resulta decepcionante». Fernando García

La magia que hizo inmortales a Queen, en el Coke Studio de Bilbao BBK Live

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JNSP
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Es fácil adivinar por qué ‘A Kind of Magic’ permanece como una de las canciones favoritas de los seguidores de Queen. Ha abierto algunos de sus recopilatorios, continúa en el repertorio en directo de la banda junto a Adam Lambert… y ahora protagoniza la nueva campaña de Coca-Cola, que estará presente en varios festivales del país, como será el caso de Bilbao BBK Live, del 7 al 9 de julio. Será una escultura hinchable a modo de punto de encuentro o de descanso, donde podrás hacerte una foto que luego poder llevarte enmarcada.

Publicada en 1986 como parte del disco homónimo de Queen, pero también como parte de la película ‘Los inmortales’, ‘A Kind of Magic’ fue en verdad una composición de Roger Taylor que Freddie Mercury reestructuró para hacerla más pop. Roger, fascinado por el guión de la película y en concreto por la frase «una especie de magia» con la que el personaje de Christopher Lambert se refería a la inmortalidad, escribió una letra que contenía frases como «hombre no mortal», «sólo puede quedar uno» o «un premio, una meta». Construyó así una canción edificante con la que llenar estadios, como siempre gustó tantísimo a los autores de ‘We Will Rock You’.

‘A Kind of Magic’ fue también una canción de mediados de los 80 no tan encorsetada en el lenguaje del rock. Queen, que a lo largo de los 80 habían publicado producciones como ‘Another One Bites the Dust’ y ‘Under Pressure’ con David Bowie, repetían aquí cierta querencia funky y bailable muy hija de su tiempo.

Como representante de los tiempos de hoy encontramos a su vez el proyecto ‘The Conductor’ enmarcado en Coke Studio, la plataforma musical creada por Coca-Cola en 2008. Con ella, la compañía quiere crear un espacio común en el que enmarcar todas sus iniciativas relacionadas con la música y en el que dar a los artistas de todo el mundo la oportunidad de asociarse, crecer juntos y colaborar creando contenidos con los que llegar a nuevas audiencias. ‘The Conductor’ es el primero nacido dentro de esta nueva estrategia global de Coke Studio: un homenaje a Queen con 7 artistas de hoy, en representación de los diversos estilos musicales de 2022.

A través de un vídeo de 90 segundos, ‘The Conductor’ presentará a los artistas participantes y mostrará la forma en la que cada uno aporta su propio estilo a la hora de crear una nueva versión de este himno. Ari Lennox se ha llevado ‘A Kind of Magic’ a los terrenos del R&B convirtiéndola en una balada, la británica Griff hacia el bedroom minimalista, Mariah Angeliq hacia lo tribal, TRI.BE hacia el K-pop, y así sucesivamente, destacando especialmente por lo divertida que resulta la opción del rapero y productor indio-canadiense Tesher.

El proyecto se completa con la productora turca de electro-pop Ekin Beril; y desde Nigeria la épica de Tems, porque precisamente esta acción se enmarca dentro de la iniciativa Real Magic de Coca-Cola, amparada por la creencia de que son nuestras diferencias las que hacen del mundo un lugar más rico en el que vivir. Un mundo mejor cuando nos unimos a través de las experiencias compartidas, tanto digitalmente como en la vida real.

El espíritu de Queen inundará Mad Cool gracias a Coke Studio

Por
JNSP
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1

Este 8 de julio, Muse se subirá al escenario de Mad Cool para presentar su nuevo espectacular show, que hace unos días pudimos ver en Mallorca. Será solo uno de los cientos de músicos que pasarán por el festival madrileño entre los días 6 y 10 de julio, y sólo otro de los muchos artistas contemporáneos influidos por Queen. Algo reconocido por la propia banda de Matt Bellamy, que siempre ha visto en el grupo de Freddie Mercury una de sus mayores inspiraciones, llegando a titular una serie de conciertos de Muse ‘A Seaside Rendezvous’ en relación a la canción de Queen así llamada, extraída de ‘A Night at the Opera’.

Porque Queen continúa siendo, incluso en 2022, una de las bandas más escuchadas de todo el planeta, y más desde el pelotazo dado por la película ‘Bohemian Rhapsody’, Coca-Cola da un paso al frente con el lanzamiento de ‘The Conductor’. Un homenaje expreso a la banda de Freddie Mercury con el que quiere consolidar su relación con la música, que mantiene viva desde hace más de 65 años.

Coca-Cola ha querido reforzar su compromiso con la música con el lanzamiento global de la plataforma Coke Studio y su presencia en numerosos festivales como en muy pocos días veremos en Mad Cool, con un hinchable que servirá como punto de encuentro, relax y en el que hacerte una foto de recuerdo. Coke Studio es una plataforma musical creada en el año 2008, y con ella Coca-Cola quiere enmarcar todas las iniciativas relacionadas con la música, dando a los artistas de todo el mundo la oportunidad de asociarse, crecer juntos y colaborar creando contenidos con los que llegar a nuevas audiencias.

Concretamente ‘The Conductor’ es el primer contenido nacido dentro de esta nueva estrategia global de la plataforma. El proyecto ha consistido en invitar a 7 artistas internacionales para que realizaran su propia versión de ‘A Kind of Magic’. La idea es que los artistas de hoy, procedentes de estilos y países muy variados, desde el rollo cantautor a los ritmos R&B, pasando por el pop chicle surcoreano, introduzcan la música de Queen a una nueva generación a través de aquella gran canción de ritmo ciertamente funk que la banda incluyó en su disco de 1986 también llamado ‘A Kind of Magic’.

Los artistas que han participado son la sensación del R&B estadounidense nominada al Grammy Ari Lennox; la cantautora británica Griff; la productora turca de electro-pop Ekin Beril; Mariah Angeliq, la estrella revelación del género urbano; el cantautor y productor nigeriano Tems; el rapero y productor canadiense-indio Tesher; y la colorida y multilingüe girlband de K-Pop TRI.BE.

Todos ellos se han involucrado en la elaboración de una pequeña película y cada uno de los siete artistas ha grabado su propia versión individual de ‘A Kind of Magic’ que, junto con otras canciones exclusivas e imágenes inéditas detrás de las cámaras, se han ido publicando en el canal oficial de Youtube oficial de Coca-Cola. Y hablando de «Magic», la iniciativa forma parte de «Real Magic», la nueva filosofía de marca global que Coca-Cola presentó hace unos meses, precisamente defendiendo esas diferencias de los seres humanos que hacen del mundo un lugar más rico en el que vivir.

Los Mejores Discos de 2022 (de momento)

Por
Sebas E. Alonso
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‘MOTOMAMI’ de Rosalía despunta claramente como mejor disco del año en las votaciones parciales de 2022, no solo en nuestra redacción, donde casi dobla en puntos al 2º álbum más votado, sino en Metacritic. En el site recopilatorio de críticas musicales del mundo anglosajón, permanece como el disco mejor valorado por la crítica en todo el globo durante este año.

Pese a su limitado impacto comercial esta vez, casi toda la redacción realiza también una buena valoración de ‘Dawn FM’ de The Weeknd y “Mr Morale” de Kendrick Lamar. Dos álbumes que no serán los mejores de su carrera, pero que aun así están muy por encima de la media y muy bien cerrados.

Sí están incluso a la altura de lo mejor de su carrera, el nuevo de Florence + the Machine y muy especialmente el nuevo de Kae Tempest. El viejo underground de la década pasada permanece vivo gracias a los discazos de Beach House, Big Thief, Destroyer, Mitski, Angel Olsen o Arcade Fire. A ellos se suman nombres más recientes como los maravillosos Fontaines D.C., MUNA o, en un estilo completamente diferente, Orville Peck.

Mientras el pop internacional ha estado dominado por Harry Styles, que recibe votos principalmente de nuestros colaboradores hombres y heterosexuales -si se me permite la casposa curiosidad-, Charli XCX tampoco ha defraudado a su audiencia.

En España, y aparte de ‘MOTOMAMI’, en verdad un álbum de factura internacional, destacamos el carácter trendsetter de Rojuu -sin duda la música del futuro-, la valiente obra que aúna tecno y flamenco de Rocío Márquez y Bronquio, el recopilatorio de Adiós Amores o el segundo de Cupido, todo un “grower” pese a que parte de su público parece estar no entendiendo el álbum. Mención especial para Carolina Durante, que han recibido votos de personas que nunca los habían votado antes.

Por último, el generoso voto de un colaborador de cine y nuestro ex co-director Raúl Guillén aúpa a la lista ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny pese a las dudas que había suscitado en redacción. ¿Quién puede dudar ya con esas cifras de que este sí es uno de los discos de 2022?

Os dejamos con el listado de 25 Mejores Discos de 2022 hasta el momento. ¡Nos vemos en Navidades!

‘Motomami’, de Rosalía


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Rosalía vuelve a romper fronteras con un disco innovador, rupturista y hasta desconcertante, logrando dar la vuelta -a lo grande- al backlash sufrido en los días previos al lanzamiento del álbum. Inspirándose en cosas tan dispares como ‘Yeezus’ y Daddy Yankee, ‘MOTOMAMI’ es una de esas obras incluso capaces de alterar nuestro vocabulario diario.
Mejores Canciones: ‘SAOKO’, ‘DELIRIO DE GRANDEZA’, ‘Cuuuuuuuuuute’, ‘Bizcochito’
Crítica completa: ‘Motomami, Motomami, Motomami, Motomami‘

‘Once Twice Melody’, de Beach House


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Incombustible, el dúo formado por Alex Scully y Victoria Legrand llega a su 8º disco, una colección de 4 EP’s, cada uno de los cuales cuenta con al menos 1 de las mejores canciones de su carrera.
Mejores Canciones: ‘Hurts to Love’, ‘Masquerade’, ‘Runaway’, ‘Superstar’.
Crítica completa: ‘Once Twice Melody‘.

‘The Line Is a Curve’, de Kae Tempest


¿Por qué es un «Disco del Año»?: El nuevo disco de Kae Tempest trata temas como la vergüenza, la ansiedad, el aislamiento y la sensación de darse por vencido. Habla del paso del tiempo, del crecimiento y del amor, y lo hace con algunas de las bases más comerciales que jamás haya trabajado estx artista.
Mejores Canciones: ‘Priority Boredom’, ‘No Prizes’, ‘I Saw Light’, ‘Salt Coast’, ‘More Pressure’, ‘Move’.
Crítica completa: ‘The Line Is a Curve‘.

‘Dragon New Warm Mountain I Believe In You’, de Big Thief


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Big Thief continúan fieles al folk y al indie pop, pero abren su horizonte con resultados emocionantes en un disco largo y desafiante, que rehúye la calificación de irregular que suelen acusar obras tan extensas y ambiciosas.
Mejores Canciones: ‘Change’, ‘Simulation Swarm’, ‘Spud Infinity’, ‘Dragon New Warm Mountain I Believe in You’, ‘Little Things’.
Crítica completa: ‘Dragon New Warm Mountain‘.

‘Skinty Fia’, de Fontaines D.C.


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Los irlandeses juegan más que nunca la carta de su nacionalidad para hablarnos del descontento social en su país y otros lugares, ahora que casi todos se han mudado a Londres. Hablando de siniestros crímenes, paranoia, alcohol y drogas, Fontaines D.C. son excelentes retratistas del desencanto generacional, gracias también a la expresiva voz de Grian Chatten.
Mejores Canciones: ‘I Love You’, ‘Jackie Down the Line’, ‘Skinty Fia’, ‘Nabokov’, ‘In ár gCroíthe go deo’.
Crítica completa: ‘Skinty Fia‘.

‘Crash’, de Charli XCX


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Charli XCX se despide de Warner con una de sus entregas pop más completas y redondas, inspirada en los beats 90’s y el europop.
Mejores Canciones: ‘Good Ones’, ‘Beg for You’, ‘Constant Repeat’, ‘Lightning’.
Crítica completa: ‘Crash‘.

‘Dance Fever’, de Florence + the Machine


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Florence ofrece algunas de las mejores canciones de su carrera inspirada por la «coreomanía», un extraño fenómeno que se produjo en Europa entre los siglos XIV y XVI, según el cual varias comunidades de personas se reunían para bailar hasta desmayarse o incluso morir.
Mejores Canciones: ‘My Love’, ‘Free’, ‘Cassandre’, ‘Daffodil’, ‘Dream Girl Evil’.
Crítica completa: ‘Dance Fever‘.

‘KOR KOR LAKE’, de Rojuu


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Rojuu se confirma como una de las grandes voces de su generación con un disco en el que cabe hyperpop, synth-pop, emo-trap, disco-funky… resultando una de las propuestas más 2022 de 2022.
Mejores Canciones: ‘UN PASEO MÁS’, ‘NEZUKO’, ‘NANA’, ‘100XPRE A TU LADO STARE’.
Crítica completa: ‘KOR KOR LAKE‘.

‘Laurel Hell’, de Mitski


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Jessie Ware mejoró cuando quiso dejar de «ser una chica Pitchfork» para abrazar el pop normal, la música atemporal; y parece ser también el caso de Mitski, que ofrece su disco más accesible, pese a sus más y sus menos con la exposición mediática.
Mejores Canciones: ‘The Only Heartbreaker’, ‘Love Me More’, ‘That’s Our Lamp’, ‘Stay Soft’.
Crítica completa: ‘Laurel Hell‘.

‘Bronco’, de Orville Peck


¿Por qué es un «Disco del Año»?: La imagen de cowboy queer de Orville Peck rezuma erotismo, y además la existencia de Orville dentro de un género musical tan tradicionalmente heteronormativo como el country es transgresora en sí misma. Orville lo tiene absolutamente todo para ser una estrella: talento, sex appeal y canciones estupendas. Estas son las mejores que le hemos escuchado.
Mejores Canciones: ‘C’mon Baby, Cry’, ‘Outta Time’, ‘The Curse of the Blackened Eye’, ‘Lafayette’.
Crítica completa: ‘Bronco‘.

‘Multitude’, de Stromae


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Stromae se confirma como un agudo retratista de nuestra sociedad, abordando temas sociales o de la vida moderna: habla de su paternidad o se pone en la piel de diferentes personajes, siempre con un prisma muy original.
Mejores Canciones: ‘L’enfer’, ‘Santé’, ‘La solassitude’, ‘Fils de joie’.
Crítica completa: ‘Multitude‘.

‘Tercer cielo’, de Rocío Márquez y BRONQUIO


¿Por qué es un «Disco del Año»?: La unión entre folclore y vanguardia no se ha acabado: este disco prueba que las posibilidades al respecto son infinitas. Más que cerrar puertas por una cuestión de saturación en el mercado, las abre en muy diferentes direcciones.
Mejores Canciones: ‘De mí (rumba)’, ‘Un ala rota (garrotín)’, ‘El corte más limpio’, ‘Prefiero la muerte’.
Crítica completa: ‘Tercer cielo‘.

‘Preacher’s Daughter’, de Ethel Cain


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Peculiar lanzamiento narrativo y conceptual en el que la artista Ethel Cain, dispuesta a cambiar de vida, huye del maltrato que sufre en casa, se enamora de un hombre que resulta ser caníbal y la asesina.
Mejores Canciones: ‘A House in Nebraska’, ‘American Teenager’, ‘Hard Times’, ‘Western Nights’, ‘Gibson Girl’.
Crítica completa: ‘Preacher’s Daughter‘.

‘Cuatro Chavales’, de Carolina Durante


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Entre los muchos singles previos y temas tan buenos como ‘Yo soy el problema’, Carolina Durante han publicado un disco realmente superior al primero, donde recordamos que no, no estaban ‘Cayetano’ ni -flexidisc aparte- ‘Perdona ahora sí que sí’.
Mejores Canciones: ‘Granja Escuela’, ‘Aaaaaa’, ‘Famoso en tres calles’, ‘La planta que muere en la esquina’.
Crítica completa: ‘Cuatro chavales‘.

‘Big Time’, de Angel Olsen


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Angel Olsen suele facturar trabajos honestos en los que habla de emociones a flor de piel, y ‘Big Time’ no es la excepción, pero aquí lo hace con una profundidad y una madurez que emocionan más precisamente por la sobriedad de la que hace gala.
Mejores Canciones: ‘All the Flowers’, ‘Ghost On’, ‘This Is How it Works’.
Crítica completa: ‘Big Time‘.

‘Ants from Up There’, de Black Country New Road


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Black Country New Road se despiden de su cantante, que se retira por problemas de salud mental, con un disco de soul-folk, cierta épica de pop mesiánico ochentero, gotas de jazz, psicodelia y un poco de music-hall.
Mejores Canciones: ‘Chaos Space Marine’, ‘Bread Song’, ‘Concorde’, ‘Bread Song’, ‘Snow Globes’.
Crítica completa: ‘Ants from Up There‘.

‘DAWN FM’, de The Weeknd


¿Por qué es un «Disco del Año»?: The Weeknd se sirve de un concepto tan vintage como una emisión de radio para ofrecer una nueva obra retrofuturista en la que se cuida la calidad de las canciones tanto como su producción.
Mejores Canciones: ‘Take My Breath’, ‘How Do I Make You Love Me?’, ‘Out of Time’, ‘Less than Zero’.
Crítica completa: ‘Dawn FM‘.

‘Labyrinthitis’, de Destroyer


¿Por qué es un «Disco del Año»?: En medio de una sobredosis de discos post-pandemia y a punto de cumplir 50 años, solo podemos agradecer que el camino de expresión de Destroyer haya sido el de meterse en el club y elevar los brazos, en lugar de autocompadecerse debajo de una manta.
Mejores Canciones: ‘Tintoretto, It’s for You’, ‘Eat the Wine, Drink the Bread’, ‘It Takes a Thief’, ‘The States’.
Crítica completa: ‘Laberynthitis‘.

‘Harry’s House’, de Harry Styles


¿Por qué es un «Disco del Año»?: El miembro de One Direction ofrece una obra de pop muy bien cerrada, de influencias muy concretas y reconocidas -casi todas muy británicas-, en la que no caben forzados guiños latinos, trap ni featurings, ni despistes.
Mejores Canciones: ‘As It Was’, ‘Late Night Talking’, ‘Keep Driving’, ‘Matilda’.
Crítica completa: ‘Harry’s House‘.

‘Sus mejores canciones’, de Adiós Amores


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Imprescindible compilación de los temas que han venido publicando Adiós Amores, una de las grandes sorpresas del underground nacional de los últimos años. Un disco donde cabe folclore, dream pop, electrónica…
Mejores Canciones: ‘Luna plateada’, ‘Charlotte’, ‘Mentira’, ‘Noche Iluminada’.
Crítica completa: ‘Sus Mejores Canciones‘.

‘Mr Morale & The Big Steppers’, de Kendrick Lamar


¿Por qué es un «Disco del Año»?: El álbum final de Kendrick Lamar para el sello que le descubrió es una rica reflexión sobre la fama, sus problemas mentales, la terapia, el cuestionamiento de la “cultura de la cancelación”, el bloqueo creativo… pero también la paternidad, las infidelidades a su pareja, la violencia en la comunidad afroamericana, la autocrítica y los mea culpa.
Mejores Canciones: ‘United in Grief’, ‘N95’, ‘We Cry Together’, ‘Crown’, ‘Savior’, ‘Auntie Diaries’, ‘Mr Morale, ‘Mother I Sober’.
Crítica completa: ‘Mr Morale & The Big Steppers‘.

‘MUNA’, de MUNA


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Este es el disco homónimo de MUNA porque es el que mejor equilibrio presenta entre hits incontestables, y temas con texturas diferentes, como es el caso de la colaboración con Mitski.
Mejores Canciones: ‘Anything But Me’, ‘Runner’s High’, ‘Home By Now’, ‘What I Want’.
Crítica completa: ‘MUNA‘.

‘WE’, de Arcade Fire


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Con todas sus canciones excepto la final ‘WE’ divididas en dos, tres y cuatro partes, este álbum de Arcade Fire funciona a modo de musical. El álbum más teatral de Win y Régine deja algunos de los momentos más excitantes de su carrera.
Mejores Canciones: ‘The Lightning II’, ‘End of Empire III’ ‘Unconditional I’, ‘WE’.
Crítica completa: ‘WE‘.

‘Sobredosis de amor’, de Cupido


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Cupido ofrecen un disco más completo incluso que su debut, donde las baladas históricas (‘La pared’ ya es su canción más popular) se alternan con nuevos tiros influidos por el pop británico de guitarras.
Mejores Canciones: ‘La pared’, ‘Sobredosis de amor’, ‘Un cabrón con suerte’, ‘Santa’.
Crítica completa: ‘Sobredosis de amor‘.

‘Un verano sin ti’, de Bad Bunny


¿Por qué es un «Disco del Año»?: Bad Bunny no se reinventa en su nuevo disco. A cambio, sí ofrece un disco con mejor sonido y producción que sus mixtapes y un concepto de disco veraniego que no puede estar dejando mejores resultados comerciales. Varias pistas del mismo álbum compiten por ser la verdadera canción del verano este año.
Mejores Canciones: ‘Moscow Mule’, ‘Después de la playa’, ‘Yo no soy celoso’, ‘Titi me preguntó’, , ‘Ojitos Lindos’, ‘Andrea’.
Crítica completa: ‘Un verano sin ti‘.

Las Mejores Canciones de 2022 (de momento)

Por
Sebas E. Alonso
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Como cada año por estas fechas, compartimos nuestra playlist con las que son de momento las mejores canciones de 2022. La lista se confecciona con los votos de redactores y colaboradores de JENESAISPOP y está encabezada por Rosalía, si bien ha habido algo de diversidad en cuanto a la canción seleccionada. Hubo votos para ‘Candy’ y hasta para ‘Como un G’, pero por varias razones ‘Saoko’ será a la larga la más representativa de esta era.

La lista se compone de nuevos clásicos de artistas consolidados como Florence + The Machine, Residente o Kendrick Lamar, junto a pepinacos de gente joven como Harry Styles. En España sigue fuerte la generación de Rojuu, Cariño, Amaia, Natalia Lacunza o LUNA KI -en toda su diversidad-, al tiempo que introducimos nuevos talentos como mariagrep.

Pese a su edición en torno a Nochebuena, hemos tenido en cuenta las canciones participantes de Benidorm Fest dado su enorme impacto social a lo largo de enero, febrero, marzo… y prácticamente hasta hoy. Eso incluye a la ganadora ‘Slomo’, a modo de ex aequo, más que como canción, por todo lo que nos ha dado Chanel en ella como performer. También fue historia en 2022. Como siempre, esta playlist se actuará en diciembre con la lista definitiva de Mejores Canciones del Año.

Rosalía / Saoko
Rigoberta Bandini / Ay mamá
Harry Styles / As It Was
Florence + the Machine / Free
Bad Bunny, Bomba Estéreo / Ojitos lindos
Let’s Eat Grandma / Happy New Year
Charli XCX, Rina Sawayama / Beg for You
Residente, Ibeyi / This Is Not America
Big Thief / Simulation Swarm
Kae Tempest, Kevin Abstract / More Pressure

Mitski / Love Me More
Kendrick Lamar / N95
Lizzo / About Damn Time
Tove Lo / No One Dies from Love
Beach House / Hurts to Love
Confidence Man / Holiday
yeule / Bites on My Neck
FKA twigs, Rema / jealousy
Vicente Navarro, Rodrigo Cuevas / Marchar
Stromae / L’enfer

Rocío Márquez, Bronquio / Un ala rota
Carolina Durante / Granja escuela
El Último Vecino / Ábreme la puerta
MUNA / What I Want
Superorganism, CHAI, Pi Ja Ma / Teenager
La Casa Azul / No hay futuro
The Weeknd / Out of Time
Rojuu, Saramalacara / NANA
Fontaines DC / I Love You
Cariño / Llorando en la acera

Los Planetas, Montañés / El Manantial
Shakira, Rauw Alejandro / Te felicito
Karol G / Provenza
Cupido / Santa
Sondre Lerche / Avatars of Love
Beyoncé / BREAK MY SOUL
Ethel Cain / American Teenager
LUNA KI / Febrero
Orville Peck / Daytona Sand
Amaia, Aitana / La canción que no quiero cantarte

Tove Styrke / Show Me Love
Jamie xx / LET’S DO IT AGAIN
Julieta Venegas / Mismo amor
Varry Brava / Raffaella
Troye Sivan, Jay Som / Trouble
Biznaga / Contra mi generación
mariagrep / Tirita
Natalia Lacunza / Muchas cosas
Oliver Sim, Jimmy Somerville / Hideous
Nilüfer Yanya / midnight sun
*Chanel / Slomo (Eurovision’s Dancebreak Edit)

Christine & the Queens anuncia LP, ‘Redcar les adorables étoiles’

Por
Gabriel Carey
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Héloïse Letissier, más conocida como Christine and The Queens, acaba de anunciar la salida de su tercer álbum de estudio. ‘Redcar les adorables étoiles’ saldrá el próximo 23 de septiembre, convirtiéndose en el sucesor de ‘Chaleur Humaine’, de 2014, y ‘Chris’, de 2018. En febrero de 2020, la cantante y compositora francesa lanzó un EP de 8 temas titulado ‘La vita nuova’.

El primer single de ‘Redcar les adorables étoiles’ fue lanzado el pasado 24 de junio, totalmente en francés, bajo el nombre de ‘Je te vois enfin’ (‘Al fin te veo’). Todavía no hay una tracklist disponible, pero se sabe que el LP presentará a la artista francesa bajo el alias de Redcar, además de diferentes detalles que Letissier compartió en 2020, describiendo el proyecto como un trabajo «grande y lleno de esperanza».

Christine and The Queens dio algunas pistas más sobre el proceso de creación de su tercer disco: «Las nuevas canciones son sorprendentemente esperanzadas, y yo nunca me he descrito de esta manera. Es frustrante porque no sé como lidiar con ello: yo siempre he dicho que tengo una alma atormentada a la francesa». Mencionando un sonido «muy espacioso y ambicioso», Héloise ha calificado el LP como «un gran paso adelante» en su carrera.

La compositora también ha revelado la celebración de tres conciertos que se celebrarán en la víspera del lanzamiento del álbum, el 22 y 23 de septiembre en París y el 30 del mismo mes en Londres. Las entradas para París saldrán el 21 de julio, mientras que las de Londres saldrán el día 25.

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