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Bon Jovi alarma por su «espantosamente pobre» estado vocal

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Jon Bon Jovi ha empezado a preocupar a sus fans debido al «espantosamente pobre» estado de su voz. Desde que Bon Jovi empezó su nueva gira de conciertos por Estados Unidos a principios de abril, no han dejado de circular por la red vídeos que muestran que el estado vocal de Bon Jovi, que tiene 60 años, está lejos de ser el idóneo.

«Bon Jovi mutilando ‘You Give Love a Bad Name'» o «¿qué le ha pasado a Bon Jovi?» son algunos de los mensajes que pueden leerse en redes acerca de la voz de Bon Jovi. Algunos fans incluso piden que se «jubile», otros que se retire en lugar de «faltar el respeto a los fans de esta forma», y otros sugieren que «ya es momento de darte un descanso».

Las críticas tampoco han sido positivas. Medios locales como Pioneer Press aseguran que Bon Jovi «no solo se saltaba alguna que otra nota, sino que las pasaba canutas durante todo el concierto» y que «no solo destrozaba las canciones viejas sino también las nuevas». Otros medios señalan que la voz de Bon Jovi suena «débil» y que ya no es capaz de «alcanzar las notas». Un experto en técnica vocal va tan lejos de sugerir al cantante que acuda al laringólogo y se revise las cuerdas vocales.

Los vídeos que se han viralizado de Bon Jovi demuestran que, efectivamente, el artista no se encuentra en su mejor momento vocal. A sus 60 años su voz suena débil y desgastada, lo cual es perceptible en interpretaciones tan incómodas de escuchar como la de ‘Livin’ on a Prayer’. Es importante apuntar que, el pasado mes de octubre, Bon Jovi estuvo obligado a dejar de cantar durante dos semanas tras contraer covid y que es posible que el cantante arrastre secuelas. Sin embargo, Bon Jovi ha asegurado que la banda ensayó durante tres semanas antes de empezar su nueva gira. Por otro lado, Nerdbot recuerda que el problema de la voz de Bon Jovi no es nuevo y que viene dándose desde hace al menos una década.

Si se tiene en cuenta que Bon Jovi ya no tiene 20 años, que siempre ha cantado con mucha fuerza y expresividad -y no con tanta técnica- y que, además, ha pasado la covid recientemente, es posible que estemos cerca de la razón por la que su voz suena como lo hace en estos momentos.

Morrissey estrena single pop, ‘I Am Veronica’

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Conocidos son los problemas de Morrissey con un montón de sellos (y con un montón de gente, en general). Pero sabemos que tiene nuevo disco en camino, aunque desconozcamos quién lo editará o cuándo. Sí sabemos que se llama ‘Bonfire Of Teenagers’ y que el primer single se llama ‘I Am Veronica’. Este arte tan en su línea ha aparecido hoy en la web Morrissey-Central.

En un concierto reciente, el artista ha introducido la canción de la siguiente manera: «Es difícil de creer en estos tiempos tan ridículos, pero estamos a punto de sacar un nuevo single. Espero que os guste, y si no, debéis morir». Como apunta NME, alguien le dice que ojalá sea un éxito, y él responde que no lo será. Pero esta vez al menos puede reconquistar a su público.

La calidad de una grabación en el show de Phoenix, América, es lo suficientemente buena como para asegurar que esta es una canción de pop. El anterior álbum de Morrissey, ‘I Am Not a Dog on a Chain‘, se presentaba con una canción muy notable junto a la soul woman Thelma Houston, pero no era realmente inmediata.

Esta composición, en cambio, comienza con el estribillo directamente, tan certero como «soy Verónica y mi juego es más viejo que la propia América», y termina con una serie de «ooooh», resultando tan coreable como ‘Suedehead’ o ‘First of the Gang to Die’.

La letra, disponible casi entera en Genius, habla de «últimas oportunidades para meterse algo en el bolsillo» y «presionar la campana superior», quizá hablando de manipulación o nuevas tecnologías. Habrá que esperar a la edición de estudio, que lo mismo sale esta noche, o lo mismo no, para extraer conclusiones, pero parece que a Mozz no le disgustaría recuperar público.

Ezra Furman apelará a la gente trans y judía en su nuevo disco

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Ezra Furman ha anunciado que su nuevo disco ‘All of Us Flames’ verá la luz el 26 de agosto. John Congleton (St. Vincent, Spoon, girl in red) lo ha producido. ‘All of Us Flames’ completa una trilogía formada también por los discos ‘Twelve Nudes’ (2019) y ‘Transangelic Exodus’ (2018).

Explica la artista que ‘All of Us Flames’ es un álbum «de la primera persona del plural». También es un álbum «queer para esa fase de tu vida en la que empiezas a comprender que no eres un lobo solitario, sino que dependes de encontrar a tu familia, tu gente». La cantautora cuenta que quería hacer un disco que apelara a las «comunidades amenazadas», en concreto a aquellas a las que ella pertenece, «la gente trans y la gente judía».

‘Forever in Sunset’, el nuevo adelanto de ‘All of Us Flames’, presenta un sonido glam, y esa distorsión comedida que tanto estila la producción de John Congleton. En la letra, Furman canta sobre sentirse en un «atardecer continuo» mientras agradece a otra persona por «creer en mí». En una nota, Furman cuenta que, cuando la escribió, sintió que le salía fuego por el cuerpo.

Antes de ‘Forever in Sunset’ llegaron dos singles, ‘Book of Our Names’ y ‘Point Me Toward the Real’, los cuales puedes encontrar bajo estas líneas.

All of Us Flames:

01 Train Comes Through
02 Throne
03 Dressed in Black
04 Forever in Sunset
05 Book Of Our Names
06 Point Me Toward the Real

07 Lilac and Black
08 Ally Sheedy in The Breakfast Club
09 Poor Girl A Long Way From Heaven
10 Temple Of Broken Dreams
11 I Saw the Truth Undressing
12 Come Close



El estrepitoso fracaso de American Song Contest ha incluido a Macy Gray, Jewel, Michael Bolton…

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American Song Contest ha terminado esta semana sin que el mundo se entere de que ha empezado. Ni siquiera en América. La versión estadounidense de Eurovisión, de la que tanto se ha oído hablar durante años, no ha conquistado a la audiencia.

En un país tan grande como Estados Unidos tan solo 3 millones de espectadores vieron la primera gala, de los cuales ya solo quedaban 1,9 millones en la octava y final. Ha sido este lunes cuando resultaba ganadora la surcoreana AleXa, representante de Oklahoma. Pero por las semifinales habían pasado Macy Gray, Jewel, Michael Bolton o The Crystal Method sin que nadie prestara la mínima atención.

Las visitas de las actuaciones en Youtube son el escenario de la desolación. Tan solo 2.000 visualizaciones tiene la presentación que hacía Macy Gray de ‘Every Night’. 5.000 visitas las de Jewel o The Crystal Method, que esperamos que no pensaran ni por un momento que podían pegar con esto un petardazo como el de Måneskin. Tras el «flop» solo cabe esperar si el formato renueva y se consolida o la NBC directamente pasa de él. Puede ser cuestión de décadas que se asiente, al no existir una tradición previa, y no están los ritmos televisivos tan pacientes como en los años 50 y 60.

En nuestro foro de American Song Contest -sí, tenemos uno-, varios usuarios hablaban del fracaso del formato. Ya el pasado mes de marzo, a su comienzo, Gobemouche explicaba: «5 minutos con los presentadores anunciando cada tema, y luego un vídeo introductorio de otros 5 minutos. Tostón.
 Muchas ideas prestadas del Melodifestivalen, pero la celeridad parece que se la han dejado en Suecia. No sé si veo a esto funcionando, la verdad».

Varios usuarios compartían que el formato parece más una final nacional que la puesta en común en un gran estadio que supone Eurovisión. Decía GinTonics: «A mí me ha dejado bastante frío. Parece más una pre de Noruega que una semifinal del ESC. Supongo que si el formato se afianza, podría llegar a ser un gran show pero de momento, es un programa de televisión con actuaciones musicales, nada que ver con algo que se parezca mínimamente a Eurovisión».

Terated sugería que no hay diferencias culturales suficientes en Estados Unidos para hacer del festival algo interesante, indicando que funcionaría mejor un formato “con todos los países del continente desde Canadá a Argentina”.

La única esperanza para American Song Contest parece ahora que AleXa pueda terminar de viralizarse con un ‘Wonderland’ que, en su espectacularidad tipo MTV, ha funcionado solo un poquito mejor. La puesta en escena ganadora recuerda que no había máximo de personas que subir al escenario ni de bailarines (en Eurovisión son 6), y el tema suena relativamente actual después de todo. Eso sí, el momento en que coge el trofeo, se le cae al suelo y se le rompe en pedazos puede ser el resumen involuntario de este intento, pues es la metáfora perfecta de cuál ha sido su desarrollo. Te dan un caramelo y tú lo rompes en mil pedazos.






Belle & Sebastian / A Bit of Previous

Si nadie recomienda un 9º álbum, como aseguran !!!, ¿quién recomendará un 11º? Belle & Sebastian llegan al reto tranquilos, conscientes de que hay gente que cree incluso que ya no están en activo y agradecidos de seguir entre nosotros. Su único objetivo es acabar las composiciones de la mejor forma posible, con el buen gusto que siempre ha caracterizado su producción, y sin que ni siquiera sea Stuart Murdoch quien lidere o se encargue de las pistas más emblemáticas.

En algún momento entre ‘Dear Catastrophe Waitress’ (2003) y ‘The Life Pursuit’ (2007), Belle & Sebastian decidieron dejar de ceñirse a un ambiente folkie y melancólico, hasta entonces solo ocasionalmente salpicado de cajas de ritmos, para abrazar texturas diferentes, incluso disco-funky. Desde entonces sus obras han podido vestirse con diferentes estilos, sin que ninguno llegue a imponerse, ni tampoco a abrir una vía que continuar después. Esa es la gran pega que se le puede poner a ‘A Bit of Previous’, que no rompe con nada como prometía el single ‘Unnecessary Drama’. Que ofrece en su lugar «un poquito de todo lo anterior».

Como seguidores de alguien tan versátil como ha resultado Lawrence -de Felt a Go-Kart Mozart, pasando por Denim-, Belle & Sebastian han entregado con ‘Unnecessary Drama’ una de sus producciones más turbulentas. Las armónicas y los pedales a lo Smiths les valen para hablar de una persona que tiene que volver a ser persona otra vez. Después, nada ni remotamente parecido en el disco.

En cambio, ‘A Bit of Previous’ ofrece después una amalgama de sonidos similar a la del vibrante ‘The Life Pursuit’ solo que 15 años después. Lo mismo les cabe un tema acústico sobre el amor a uno mismo (‘Do It For Your Country’), que un himno synth-pop sobre necesitar auxilio (‘Talk to Me, Talk to Me’), que una canción de cuna lúgubre a medio camino entre Stephin Merrit y Graham Coxon (‘Deathbed of My Dreams’, la aportación de Stevie Jackson).

Todo está en su lugar y Belle & Sebastian no van a publicar ninguna cosa mala ni regular. Siempre han sido demasiado exquisitos. Lo que es una pena es que este nuevo álbum no sea por ejemplo un decidido disco de góspel, como en un momento apunta ‘If They’re Shooting At You’ o después la balada ‘Sea of Sorrow’. Stuart Murdoch lleva 8 años aprendiendo budismo junto a una «instructora» y hay cierta espiritualidad en muchos de los textos, que es una pena que no hayan encontrado un desarrollo mayor en forma de álbum completo.

Quizá es su carácter comunal lo que impide que hayan dado un paso en una dirección concreta y aquí por ejemplo Sarah Martin aporta temas que merecen mucho la pena como ‘Reclaim the Night’, un grito de guerra contra un acosador, impidiendo que la identidad de ‘A Bit of Previous’ sea demasiado diferente a la de discos anteriores. Es más que un consuelo, en cambio, que las exigencias compositivas del colectivo continúen con el listón tan alto. La flauta de ‘Working Boy in New York City’ prueba que tienen mucho que enseñar sobre arreglar un tema y cerrar un disco; y también sobre cómo abrirlo. ‘Young & Stupid’ compite con dignidad con sus viejos clásicos, al tiempo que resulta una ácida mirada a ese pasado que siempre parece mejor y que tanto añoran sus viejos fans.

Arcade Fire se llevan a su terreno… ¡a Harry Styles!

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Dos de los muchos lanzamientos esenciales de este mes son ‘WE’ de Arcade Fire y ‘Harry’s House’ de Harry Styles. Ambos están separados por 2 semanas, pero por poco más desde hoy, pues los primeros acaban de versionar al segundo a su paso por la BBC.

Es un clásico que los artistas hagan versiones improbables cuando visitan la radio pública británica, y Arcade Fire han decidido versionar ni más ni menos que la que es la canción número 1 en este país desde su lanzamiento, ‘As It Was‘. La banda de Win y Régine se la lleva a su terreno, dándole un pequeño toque más épico, pero a su vez respetando su filosofía original.

Arcade Fire, a su vez, van a ser número 1 en Reino Unido con ‘WE’. Lideran las «midweeks» con holgura tras vender 13.000 copias durante el fin de semana, que ya se habían convertido en 16.000 al cerrar las tiendas este martes. Será el 4º número 1 consecutivo en álbumes para los canadienses en el que es uno de sus principales bastiones.

Por otro lado, os recordamos que Arcade Fire visitan Madrid en breve, el próximo 21 de septiembre, y las entradas se ponen a la venta este viernes 13 de mayo a través de Live Nation. La pre-venta, de hecho, está ya en marcha.

Florence + The Machine interpreta ‘My Love’ al estilo art decó

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Florence + The Machine actuaron anoche en ‘The Tonight Show’, el programa presentado por Jimmy Fallon, y ofrecieron la interpretación de su single ‘My Love‘. La canción forma parte de su inminente álbum ‘Dance Fever‘, que verá la luz mañana, 13 de mayo. Es nuestro Disco de la Semana y mañana publicaremos nuestra reseña.

En la actuación, la banda contó con la ayuda de un arpista y una corista. Florence Welch luce sensual y mística en un ambiente art decó de principios de siglo XX. ‘My Love’ es el tercer avance de ‘Dance Fever’, y era la canción más pop que han escrito en años, al menos hasta la edición de ‘Free’. Otros singles que completan lo que conocemos del álbum hasta la fecha son ‘King‘ y ‘Heaven is Here‘.

La creación de ‘Dance Fever’ ha estado completamente condicionada e influenciada por la pandemia. En la entrevista que ofrece Florence Welch a Jimmy Fallon tras la actuación, esta bromea: «Estoy tan ilusionada de volver a tocar. Hubo un tiempo (en la pandemia) donde llegué a pensar «¿Debería buscarme otro trabajo?»». De hecho, todas las cosas que Welch echó en falta durante el confinamiento como las discotecas, bailar en festivales o sentirse rodeada de gente están presentes en el nuevo álbum.

Bobby Gillespie explica el paso del punk al acid house en ‘Un chaval de barrio’

En ‘More Light’ de Primal Scream había una canción que se llamaba ‘Tenement Kid’. Hablaba sobre un chico de familia disfuncional, que no entiende el porqué de las cosas, que no sabe expresar sus sentimientos. Esta canción de 2013 ha dado título en inglés a la autobiografía de Bobby Gillespie, al menos a su primera parte, que va desde su nacimiento a la publicación de uno de sus álbumes más importantes, ‘Screamadelica’.

En España la editorial Contra publica el libro en la traducción de Ibon Errazkin (Single, Le Mans), con el nombre de ‘Un chaval del barrio’. Un acertado título que nos advierte de que lo que vamos a encontrarnos a lo largo de estas 430 páginas es un relato humilde de un chico cualquiera nacido en Glasgow. Criado en un entorno de izquierdas debido a la implicación política de su padre, asfixiado por las políticas económicas de Margaret Thatcher, y en consecuencia sufriendo una constante oleada de furia, ira y violencia, donde las palizas y las humillaciones públicas dentro y fuera del aula son el verdadero pan nuestro de cada día.

Sólo que ese «chaval de barrio» será una de las personalidades más importantes de la historia del rock durante varias décadas. Bobby Gillespie explica en el libro el flechazo que sufrió la primera vez que vio un cartel de Sex Pistols, en unos tiempos olvidados en que una fotografía o una portada en un póster o en una revista te entraban por los ojos, obsesionándote hasta que finalmente podías descubrir qué había detrás. Días, semanas o meses pasaban hasta que pudieras descubrir cómo sonaban tras haber ahorrado para comprarte el vinilo o pudiera prestártelo un amigo.

La melomanía extrema de Bobby Gillespie es lo que más fascina de ‘Un chaval de barrio’. El cantante de Primal Scream relaciona la violencia en los campos de fútbol con el desencanto político y a su vez con el desarrollo de la música punk. Gillespie se integra en esa escena a finales de los años 70, pero de un modo muy particular. Él también escucha funk, cosas como Chic, se interesa por las contribuciones femeninas, muestra una androginia ahijada del glam. Le interesa tantísimo la moda que se explaya hablando sobre lo que llevaba puesto en numerosas situaciones de hace 30 o 35 años, como cuando conoció a Noel Gallagher. Tiene una sensibilidad especial. Lo que parecerá definitivo en su desarrollo como artista.

En un primer momento, él vive con una ilusión desmedida su acercamiento y posterior pertenencia como batería a The Jesus & Mary Chain. La violencia insoportable de sus primeros conciertos -los botellazos, las peleas, los ríos de sangre, la locura total de Jim- le parecen parte del juego. Los fracasos de su banda Primal Scream durante los años 80 y la falta de interés por parte de la prensa hacia su segundo disco no le achantan, sino que le empujan más lejos. Es así -y con la ayuda de un montón de drogas- como se deja seducir por los sonidos balearic y acid house, llevándole a su gran obra maestra.

‘Un chaval de barrio’ contiene un sinfín de anécdotas en su narración de lo que fueron musicalmente Glasgow, Brighton, Manchester y Londres desde 1962 a 1991. Y van desde lo personal -un ligue en Valencia, un grave accidente de coche en UK- a lo musical, con un claro predominio de esto último. A excepción de una ruptura esbozada por allí y alguna anécdota de su hermano por allá, ‘Un chaval de barrio’ es más una enciclopedia musical que una autobiografía.

Algo frío porque, como él mismo explica, a la gente de su generación no le han enseñado a expresar sus sentimientos, «y menos a los chicos», y sin terminar de suplir esa carencia con humor como la brillante e inigualable Autobiografía de Morrissey, este libro es ante todo una muestra de cómo el carismático Bobby Gillespie ha construido una de las carreras más regulares, versátiles y apasionantes de las últimas décadas: escuchando mucha, mucha, mucha música.

Bobby Gillespie presenta ‘Un chaval de barrio’ hoy en Barcelona como parte de la programación de SubSol.

Shygirl anuncia álbum debut y comparte el single ‘Firefly’

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De Shygirl ya se lleva hablando un tiempo, y todavía no ha lanzado su álbum debut. Hace dos meses consiguió reunir a un gran número de fans en el Independance Club de Madrid, y ahora, anuncia definitivamente su primer disco. ‘NYMPH’ que verá la luz el 30 de septiembre. La cantante pop experimental ha compartido el primer single de este trabajo, ‘Firefly’, que es solo lo primero de las 12 canciones que conformarán el álbum.

Aunque en los últimos años no haya dejado de lanzar sencillos y EPs como la preciosa ‘Cleo’ o ALIAS’, ‘NYMPH’ será su primer trabajo de larga duración. Según explica la nota de prensa, el disco es obra de un grupo de amigos y colaboradores entre los que destacan Mura Masa, Sega Bodega, Karma Kid, Arca y Cosha, junto con los productores Noah Goldstein, Danny L Harle, BloodPop, Vegyn y Kingdom.

El nuevo single, ‘Firefly’, llega después de su colaboración con FKA Twigs en el tema de Caprisongs papi bones‘, que lanzaron en enero de este año. En ‘Firefly’, Shygirl demuestra su habilidad para el hyperpop, con ecos que hemos escuchado a lo largo de toda su discografía, voces distorsionadas, y un ritmo que pide ser disfrutado en un club.

Shygirl volverá a España este verano, haciendo paradas en Barcelona y Madrid el mes que viene. El 2 de junio visitará el Primavera Sound de Barcelona, y más tarde, el 24 de junio, actuará en el Paraíso Festival de Madrid.

Kendrick Lamar revela la portada de ‘Mr. Morale & The Big Steppers’

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Kendrick Lamar vuelve con un nuevo trabajo discográfico 5 años después, desde que dio a luz a ‘DAMN‘. ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ saldrá a la venta mañana, pero todavía no se conoce mucho sobre él. Sin embargo, a un día de su lanzamiento, Lamar ha compartido la portada del álbum. En ella se le puede ver dando la espalda, en un entorno familiar, con una niña en brazos que mira en dirección a la cámara.

Este lunes, Kendrick Lamar compartió su nuevo single ‘The Heart Part 5’. Este ha sido su primer sencillo en los últimos cuatro años, pero no se puede asegurar que la canción vaya a formar parte del nuevo álbum.

Rosalía, salvaje y silvestre en el vídeo de ‘DELIRIO DE GRANDEZA’

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Rosalía ha lanzado un nuevo videoclip de ‘MOTOMAMI‘, esta vez para ‘DELIRIO DE GRANDEZA’. En él, la cantante sigue en contacto con el campo y la naturaleza, igual que vimos en ‘HENTAI’, pero esta vez mucho más salvaje. Cortando leña, cruzando riachuelos, usando un arco y haciendo fuego hasta que cae la noche justo con el sample de ‘Delirious’, y celebra su gran hoguera con un akelarre en petit comité junto a su perro.

‘DELIRIOS DE GRANDEZA’ es la versión de Justo Betancourt incluida en ‘MOTOMAMI’. Un conocido bolero cubano de 1968 que Rosalía pervierte a su manera, al incorporar la producción musical un sample de ‘Delirious’ de Vistoso Bosses, en concreto un rap de Soulja Boy.

El de ‘DELIRIOS DE GRANDEZA’ es el sexto videoclip musical extraído de ‘MOTOMAMI’ tras los estrenados de ‘LA FAMA’, ‘SAOKO’, ‘CHICKEN TERIYAKI’, ‘HENTAI’ y ‘CANDY’. En la semana de lanzamiento de ‘MOTOMAMI’, ‘DELIRIOS DE GRANDEZA’ debutó en el número 25 de la lista de singles española.

Por otro lado, ‘LA FAMA’ sigue siendo noticia. El primer single de ‘MOTOMAMI’ acaba de ser certificado con un triple Disco de Platino en España, por si aún cupiera alguna duda acerca de su éxito. Además, Billboard informa que ‘LA FAMA’ es la canción más radiada actualmente en las radios latinas de Estados Unidos.

En un par de meses arranca la gira de ‘MOTOMAMI’ en España. La primera fecha es el 6 de julio en Almería. Rosalía pasará por Andalucía, Comunidad Valenciana, Comunidad de Madrid, Cataluña, País Vasco, Galicia e Islas Baleares, a lo largo de 12 fechas en España, antes de partir a América Latina.

‘Alcarràs’ es el poderoso canto a la tierra de la genial Carla Simón

Un histórico Oso de Oro encumbró el pasado febrero a Carla Simón, quien ya había triunfado en Berlín en 2017 con la prometedora ‘Verano 1993’. En ella, la directora catalana hacía gala de una sensibilidad especial para retratar la infancia, y, haciendo de cómplice con el espectador, presentaba los conflictos a través de pequeñas conversaciones entre los adultos, tomando el punto de vista de los niños.

Sigue habiendo algo de esto en ‘Alcarràs’, una película que pese a su aparente simpleza temática, muestra una ambición inmensa. Rodada en la Cataluña rural, sigue a una familia de agricultores de melocotones en la que será su última cosecha tras décadas trabajando la tierra.

La principal diferencia con respecto a su ópera prima es que aquí Simón no se centra exclusivamente en un punto de vista, sino en el de todos los personajes, con el propósito de lograr una inmersión plena en el significado que tiene este trabajo para todos los miembros de la familia y cómo el peligro de perderlo afecta a cada uno de ellos. Esto supone una labor narrativa realmente complicada, pero el guion y el montaje aciertan a la hora de dar las pinceladas necesarias a cada sub-trama, creando una suerte de collage que crece con la suma de sus partes.

Aun así, los mejores momentos de la película están protagonizados por los niños, donde Simón confirma aquí su enorme talento para comprenderlos y adentrarse en su universo. Y es que, por encima de todo, ‘Alcarràs’, como lo era su predecesora, es un trabajo puramente nostálgico. Un canto a la tierra desde una perspectiva melancólica hacia un modo de vida que ya no tiene cabida en una sociedad globalizada donde todo se produce en masa.

El trabajo de dirección llama la atención por su bellísima mirada cuasi neorrealista a aquello que irremediablemente está a punto de perderse. Simón imprime momentos de auténtica poesía visual, siempre desde la humildad, sin ningún tipo de grandilocuencia. Y precisamente es gracias a ello por lo que ‘Alcarràs’ emociona de forma tan genuina, porque no está constantemente intentándolo ni haciendo una sentencia sobre nada. Su naturaleza contemplativa engrandece el relato e invita a la reflexión y a perderse en sus poderosas imágenes. También en el campo interpretativo se puede ver en cada plano el esfuerzo que se ha puesto detrás del casting y la destreza con la que la directora ha manejado al reparto, formado en su totalidad por actores no profesionales que realizan una labor admirable.

Hacía mucho que el cine español no presenciaba el talento de una cineasta de este calibre triunfar internacionalmente. Ver cómo una película tan puramente de autor y de esta calidad está consiguiendo que la gente vaya al cine y que haya ganado uno de los festivales de cine más importantes del mundo, es algo digno de celebración. Así, Carla Simón se consagra como una cineasta de referencia, y ‘Alcarràs’ como una de las cimas del cine español de las últimas dos décadas.

La líder de Pussy Riot escapa de Rusia disfrazada de «rider»

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La artista Maria Alyokhina, líder del colectivo feminista ruso Pussy Riot, ha conseguido escapar de Rusia disfrazada de «rider» hasta llegar a Lituania. La activista ha superado todos los controles policiales sin ser reconocida, y ahora el gobierno ruso la ha declarado en busca y captura.

Maria Alyokhina siempre se ha rebelado contra las injusticias y la falta de derechos humanos en el régimen de Putin. El presidente ha estado reprimiendo con dureza cualquier juicio o crítica desde que empezó la guerra con Ucrania, y María fue condenada el mes pasado a 21 días en una colonia penal.

Tras la mediática encarcelación de varias activistas de Pussy Riot en 2012, entre ellas Maria Alyokhina, esta nunca abandonó su país. En 2013 cumplió condena y siguió luchando por los derechos humanos que no respeta Putin. Sin embargo, esta vez se ha visto en la obligación de abandonar su tierra, como tantos otros paisanos.

Maria se disfrazó de «rider» para esquivar a la policía de Moscú, y con la ayuda de un amigo consiguió llegar a la frontera con Bielorrusia. De ahí, sin pasaporte y con solo un documento de viaje, tardó una semana en llegar a Lituania. En todo este tiempo su móvil permaneció en Moscú para evitar ser rastreada. En Lituania ha concedido una entrevista donde relata el camino desde Moscú y donde se ríe de cómo ha podido esquivar a todas las autoridades. «Desde aquí Rusia parece un demonio enorme, pero está muy desorganizado si miras desde adentro. La mano derecha no sabe lo que hace la mano izquierda”.

Camila Cabello llevará el ritmo latino a la final de la Champions

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El 28 de mayo, París acogerá la final de la Champions League que disputarán el Real Madrid y el Liverpool. La UEFA ha anunciado que la ceremonia de apertura de la final contará con la actuación de Camila Cabello. La cantante será la encargada de amenizar el inicio de la noche con espíritu latino.

Por sexto año consecutivo, la UEFA Champions League se ha asociado con Pepsi para preparar una actuación por la que ya han pasado Alicia Keys, Dua Lipa o The Black Eyed Peas. Camila Cabello acaba de lanzar su tercer álbum en solitario, ‘Familia‘, que contiene los temas ‘Don’t Go Yet‘, ‘Bam Bam’ y ‘psychofreak‘ entre otros. Esta será la primera vez que actúe en Europa desde el lanzamiento de su álbum, y parece que la cantante tiene ganas de disfrutarlo rodeada de «futbolistas lindos», como ha dicho a la revista People.

Camila ha expresado a la UEFA sus ganas de actuar en la final de la Champions: «¡Estoy muy emocionada de subir al escenario en la final de la UEFA Champions League en París este mes! Tengo la intención de ofrecer un espectáculo realmente especial que reúna el espíritu de mi herencia latina y un sentimiento de unión para los aficionados al deporte y a la música de todo el mundo. ¡Estoy impaciente! Quiero hacer un show realmente especial, reuniendo el espíritu de mi ascendencia latina y la sensación de unión entre los aficionados al deporte y la música de todo el mundo. ¡No puedo esperar!».

Emeli Sandé / Let’s Say for Instance

Emeli Sandé está contenta, en una etapa especialmente feliz de su vida. Se ha enamorado –de una mujer– y el álbum ‘Let’s Say for Instance’ es su manera de transmitírselo al mundo a través de unas canciones que desprenden ilusión, que suenan plenas y constructivas. Así se siente en el single ‘Ready to Love’, para cuya grabación se puso un montón de vídeos de Whitney Houston cuando cantaba mejor. Así se siente en letras como «jamás dejaré que vuelvan a destruirme de nuevo, créeme», como dice en el single ‘Family’, cuya producción tipo Autotune no es finalmente indicativa del álbum. Y así se siente en el hilo conductor de todo el álbum, que no evita altibajos emocionales.

Dejando de lado, en general, la balada más inocua, Emeli recupera el brío de aquel ‘Heaven’ con el que nos conquistó en 2013 en el ritmo drum&bass de ‘Look What You’ve Done’ junto a Yaykae y que vuelve a aparecer en la segunda parte de ‘Yes You Can’.

Pero en general, ‘Let’s Say for Instance’ se compone de producciones amables y medios tiempos, deudoras del trip-hop como ‘Oxygen’ o del R&B de TLC y Destiny’s Child, como ‘My Pleasure’. Por su diferencia en una secuencia de hasta 16 pistas -2 son más o menos interludios y reprises, eso sí- destacan un par de producciones que suenan muy frescas en sus manos.

Extraña mucho que ‘Look in Your Eyes‘ no haya sido uno de los singles promocionales de ‘Let’s Say for Instance’, pues es un registro que sienta como un guante a Emeli Sandé, con todo el groove y el funky que la otra Adele -Emeli también se llama Adele– no se decide a terminar de explotar. Un filón. También refrescante es ‘Wait for Me’, con una producción latina -lo justo- y una letra melancólica que es pura devoción también: «voy a echarte de menos / guardaré tu foto conmigo todos los días».

Las letras del álbum abundan en cosas así de sencillas. «Es verano siempre que vienes a verme», dice ‘Summer’, mientras los dos interludios presentan títulos que se refieren a fechas importantes en su relación, ‘July 25th’ y ‘September 8th’. Pero eso no implica que Sandé haya dado la espalda al mundo. En la última parte del álbum, ‘Another One’ supone la primera canción que ha decidido escribir como «mujer negra», sobre la muerte de George Floyd, y ha querido sucederla con la mencionada ‘Yes You Can’, su propuesta para mantener al pueblo unido. En esa línea reinciden las canciones finales: las palmas de ‘Brighter Days’, la inspiración en el final celestial de ‘Grease’ de ‘Superhuman’ y los mensajes de pájaros y pétalos de rosa de ‘World Go Round’.

Lejos de los días en que Emeli Sandé vendía 5 millones de unidades de ‘Our Version of Events‘, lejos de la presión de tener que igualarlos, Emeli Sandé ha construido un disco sobre la fuerza y el renacimiento. Las composiciones son más modestas, pero ella parece confortable en esta nueva era exenta de dramas. Lo explica muy bien en la letra del sencillo ‘There Isn’t Much’, un tema en el que se burla de que hayan intentado casarla «con un Mick o un John»…:

«Me compré un avión para ver cuán alto podía llevarme
He ido a la Vía Láctea pero no me ha llevado tan cerca
Ceno con el rey y con la reina, y juro que vivo mis sueños más salvajes
(…)
pero no importa a quien quiera
no importa lo que toque
me temo que no hay mucho
si no es contigo».

Danger Mouse anuncia disco con Michael Kiwanuka, RTJ…

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El productor Danger Mouse y Black Thought han anunciado un disco en colaboración, ‘Cheat Codes’, del que ya ha visto la luz su primer single ‘No Gold Teeth’. Black Thought es el líder de la grupo de rap The Roots, que se une a Danger Mouse para este nuevo proyecto, a la venta el 12 de agosto. El videoclip del primer single está ya disponible.

Danger Mouse es uno de los productores más reconocidos del panorama americano, habiendo trabajado con artistas como Jay-Z, Gorillaz, The Black Keys, Red Hot Chili Peppers, Norah Jones o Adele. Además, Formó el dúo Gnarls Barkley con CeeLo Green, autores del mega-hit ‘Crazy’. Con este elenco de compañeros de trabajo, era de esperar un álbum con abundantes colaboraciones. De hecho, este nuevo álbum cuenta con la participación de Michael Kiwanuka, Conway the Machine, Run the Jewels, A$AP Rocky, MF Doom, Raekwon, Kid Sister, Joey Bada$$ y Russ.

Black Thought, por su parte, llega de haber cerrado su trilogía ‘Streams of Thought’. El rapero se encuentra trabajando en la serie-documental ‘James Brown: Say It Loud’ que produce junto a su amigo Questlove y Mick Jagger. En este nuevo single, ‘No Gold Teeth’, se nota la mano retro de Danger Mouse, que recoge sonidos e instrumentos funky para empastarlos con el rap de Black Thought.

Cheat Codes:
01 Sometimes
02 Cheat Codes
03 The Darkest Part [ft. Raekwon and Kid Sister]
04 No Gold Teeth
05 Because [ft. Joey Bada$$, Russ and Dylan Cartlidge]
06 Belize [ft. MF Doom]
07 Aquamarine [t. Michael Kiwanuka]
08 Identical Deaths
09 Strangers [ft. A$AP Rocky and Run the Jewels]
10 Close to Famous
11 Saltwater [ft. Conway the Machine]
12 Voilas & Lupitas

black midi vuelven con una sátira sobre la masculinidad soldadesca

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black midi sacarán nuevo disco solo un año después del anterior. ‘Hellfire’, el tercer trabajo de la banda británica, verá la luz el 15 de julio. Antes llegaron dos trabajos tan queridos por la crítica como ‘Cavalcade’ (2021) y ‘Schlagenheim’ (2019).

El nuevo álbum de black midi será más o menos continuista. La nota de Bandcamp explica que el elepé «parte de los elementos melódicos y armónicos de ‘Cavalcade'» y que, a la vez, «desarrolla la brutalidad e intensidad de su debut». ‘Hellfire’ será, según el citado texto, el disco más «cohesivo e intencional» de black midi a nivel temático. El grupo ha asegurado que si «‘Cavalcade’ fue drama, ‘Hellfire’ será una película de acción épica».

‘Hellfire’ contará con 10 pistas, de las cuales se ha estrenado ‘Welcome to Hell’, otra locura que sumar al repertorio de black midi. Un tema estelar que hace honor a su título, pues no puede sonar más furioso y demente, y que sube la apuesta con una dramática sección orquestal y un final de trash metal inesperado.

El infierno al que alude el título de ‘Welcome to Hell’ no es otro que la guerra. La canción narra la historia de Private Tristan Bongo, soldado que se encuentra en primera línea de batalla y que sufre estrés postraumático por su labor en combate. El capitán se dirige a él y ridiculiza sus problemas psicológicos, cuestiona su hombría y finalmente le despide del ejército. «No me cuentes tus traumas», exige el capitán. «Matar por tu país es lo que hace que ganes una guerra».

Recientemente, el podcast Los hombres de verdad tienen curvas dirigido por la filósofa feminista y escritora Clara Serra ha analizado el concepto de masculinidad soldadesca junto a la profesora Gemma Torres. El podcast veía la luz previamente a la invasión rusa en Ucrania.

Por otro lado, el vídeo de ‘Hellfire’ es también una locura, en este caso animada. El director Gustaf Holtenäs recupera el personaje de ‘Slow’, vídeo anterior de black midi, en esta pieza de animación surrealista. El artista sueco ha trabajado para Iron Maiden o Broods, entre otros.

Tracklist de ‘Hellfire’:
01 Hellfire
02 Sugar/Tzu
03 Eat Mean Eat
04 Welcome to Hell
05 Still
06 Half Time
07 The Race Is About To Begin
08 Dangerous Liaisons
09 The Defence
10 27 Questions

Florence se libera de la ansiedad… como le gustaría liberar a Ucrania

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Tras debutar en el cine en 2020 con la aplaudida ‘Emma’, Autumn de Wilde ha vuelto a la música para rodar los videoclips de ‘Dance Fever’, el nuevo de Florence + The Machine, que va a ser nuestro «Disco de la Semana». El último en estrenarse ha sido ‘Free’. Y, como los tres anteriores -‘King’, ‘Heaven is Here’ y ‘My Love’- ha sido rodado en Kiev, a través de la compañía Radioaktive Film, famosa por haber sido una de las productoras de la miniserie ‘Chernobyl’.

El título de la canción no puede ser más adecuado para el momento que vive Ucrania. Y así se explicita al final del vídeo, en un mensaje dedicado al “espíritu, creatividad y perseverancia de nuestros valerosos amigos ucranianos”, algunos de los que trabajaron en el vídeo –más de treinta personas- están en la actualidad luchando contra las tropas de Putin.

En ‘Free’, Florence quiere librarse de la ansiedad. Una ansiedad encarnada por el veterano actor Bill Nighy, conocido por ‘Love Actually’, ‘Pride’ o la española ‘La librería’, de Isabel Coixet. El clip comienza con una sucesión de planos frontales y estáticos, como de una película de Wes Anderson. En ellos aparece la cantante sentada al lado de “su ansiedad”, representada por Nighy como un hombre que habla continuamente por el móvil y no para de beber café.

En sintonía con la evolución de la canción, la caligrafía visual va cambiando: la cámara empieza a moverse, el montaje a acelerarse, los protagonistas a separarse, apareciendo en planos distintos, y la ansiedad, por tanto, a disiparse: sentada sola en una esquina, difuminada al fondo o incapaz de seguir a su víctima en su carrera hacia la felicidad, hacia la danza liberadora.

Sesión de Control: Nevver, Mala Rodríguez, el drum&bass de Natalia Lacunza, Marcelo Criminal…

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Arrancamos una nueva edición de «Sesión de Control», la playlist de JENESAISPOP que se centra en la música nacional o en castellano, con un par de temas de electrónica. En primer lugar, el tercer y último adelanto del disco que Nevver publica en Elefant el 27 de mayo con la producción de Leftee. Hay una versión «extended» de ‘Amaneciendo y anocheciendo’ como si esto fuera un maxi de los 80. A continuación, ‘Círculo vicioso’, lo nuevo de Miqui Brightside; el sorprendente drum&bass de Natalia Lacunza con Karma C; y otro de los temas de la improbable unión de la cantaora Rocío Márquez con Bronquio.

Entre las novedades que salen hoy mismo está la colaboración de Mala Rodríguez con Kabasaki, que pretende ser un regreso a los orígenes de la rapera. Desde luego, ‘No vales na’ no tiene nada de reggaetón. También hoy se publica el regreso de Marcelo Criminal. ‘Saber y ganar’ adelanta un EP llamado ‘Medio Mensaje’, con canciones dedicadas a programas de televisión: serán ‘Cuarto milenio’, ‘Cine de barrio’ y ‘First Dates’. Ardemos en deseos de oír todas ellas.

El rock lo ponen Yawners con ‘No me digas’, una de sus canciones más directas ahora que tiene el disco en la calle; y la revelación alicantina Muro María, que esta primavera agotaron entradas en Madrid.

Completamos la playlist con habituales del site o de la sección como Bearoid, que estrena ‘Te doy igual’; Casero, con ‘Cosas que creo’ bajo la manga; interrogación amor con ‘el amor está en el aire’ o Tú peleas como una vaca, que estrenan un reggaetón imposible llamado paradójicamente ‘Me niego rotundamente a bailar reguetón’. Repite respecto a la semana pasada el dúo de flamenco orientado al pop La Plazuela, y también Sofia Amores y Ale Vaez, que estrenan la celestial ‘mejor que yo’, segundo single del EP de Sofia.

Lola Indigo habla en El Hormiguero sobre la anorexia que sufrió

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Lola Indigo ha acudido a El Hormiguero para presentar ‘La Niña’, no su último disco, sino el documental que estrena en Amazon Prime Video y que repasa las diferentes etapas de su carrera hasta hoy.

Así, ‘La Niña’ habla de la vida de Mimi Doblas en China, donde trabaja de profesora de baile tras marcharse de España por la crisis económica de 2008, así como de su breve paso por dos populares talent shows como son ‘Fama: ¡A Bailar!’ y ‘Operación Triunfo’.

En El Hormiguero, Doblas recuerda que viajó a China con apenas 20 años después que uno de los miembros del jurado de una competición de baile en la que participó, que era chino, le ofreciera trabajo en el país. La cantante recuerda que las clases de baile que impartía en China se parecían a tributos de ‘Tu cara me suena’ con imitaciones de Beyoncé, Britney Spears o Nicki Minaj. En el país asiático, una profesora sugirió a Doblas que podía dedicarse a cantar.

Fue en China, también, donde Doblas escuchó decir a una persona que, si quería seguir dedicándose al baile, debía estar «delgada como un palillo». Así empezaron los problemas de Doblas con la alimentación. En El Hormiguero, Indigo habla por primera vez sobre la anorexia que sufrió al principio de su trayectoria. Lola Indigo cuenta que dejó de comer. «Me mataba de hambre, pesaba la comida, estaba débil y no controlaba tanto los movimientos de baile, me mareaba mucho y mi familia se empezó a preocupar, porque en las fotos se me notaba un cambio físico muy grande», explica la cantante. Doblas destaca que, por otras vías, recibía halagos por su nuevo aspecto, lo cual creó un estado de confusión en su cabeza.

Más adelante, Lola Indigo rompe a llorar después de visualizar el tráiler de ‘La Niña’. «Tener la posibilidad de hacer un proyecto con mis amigas y con mi gente ha sido una cosa muy chula», solloza la cantante. «Pasan los años y no me lo creo, me siento súper afortunada».

Por otro lado, Lola Indigo no deja pasar la oportunidad de promocionar en el programa su nuevo single. Cuenta que ‘Toy Story‘ va sobre el ghosting. La canción ocupa esta semana el puesto 76 en la lista de singles española, mientras ‘La niña de la escuela’ se mantiene en el 74.

Dua Lipa dice que su tercer disco será más «maduro»

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Dua Lipa ha hablado sobre su próximo álbum. En una entrevista con Vogue, Dua ha asegurado que el sucesor de ‘Future Nostalgia’ está escrito en un 50% y que será más «maduro» a nivel de sonido y de letras. «Definitivamente he madurado, estoy cogiendo el toro por los cuernos y ya no tengo miedo de hablar de ciertos temas», ha señalado. «El disco va sobre entender lo que yo quiero».

No es la primera vez que Dua habla sobre su tercer álbum. En enero confirmó que estaba «tomando forma» y que ya tiene «buena parte del material grabado» y añadió que el disco «tiene una visión, tiene un título, por ahora». Además, la intérprete de ‘New Rules’ aseguró que el sonido de su tercer trabajo progresaría directamente del de ‘Future Nostalgia’ pero que seguiría siendo «único». Eso sí, dijo que no tiene «ninguna prisa» por sacarlo.

Por otro lado, Dua ha protagonizado otra de esas entrevistas de «73 preguntas» de Vogue que son un dolor de ver porque pretenden parecer naturales pero son totalmente artificiales. La cantante no desvela ningún dato interesante acerca de su tercer álbum, pero sí reivindica ‘The Time is Now’ de Moloko como la que canción que más le gusta poner en fiestas para que la gente baile.

Estos días, Dua sigue de gira presentando ‘Future Nostalgia’ por todo el mundo, y el mes que viene actuará en el festival Primavera Sound de Barcelona y en el WiZink Center de Madrid. El show de ‘Future Nostalgia’ es una «fantasía de mallots y patines».

Dua, que recientemente ha sido objeto de una canción de Jack Harlow, ha sido una de las voces que se han sumado contra la ilegalización del aborto en Estados Unidos. Además, la artista sigue ocupada dirigiendo su podcast de entrevistas Service95. Entre las curiosidades que ha dejado recientemente su Instagram, la cantante ha compartido unas curiosas imágenes de ellas de pequeña, extraídas de la época en que era la persona más «bajita de la clase».

Love of Lesbian se apuntan otro disco de oro

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Desde que cuenta tanto el streaming, es habitual que los álbumes de las bandas indies o indiemainstream duren tan solo un par de semanas en la lista de ventas. No ha sido el caso de Love of Lesbian, que esta semana re-entran en el top 100 oficial español con una sorpresa: su último álbum ‘V.E.H.N.’ ya es disco de oro por la distribución de 20.000 unidades.

Love of Lesbian, que abrirán el 4 de junio el ciclo Madrid Escena con el que será su único concierto en la capital, comenzaron su carrera de grandes éxitos en serio con ‘1999’. Aquel fue su primer disco de oro. Eran tiempos mejores que los de hoy para la venta física y el álbum pudo llegar al platino. Es obviamente su gran hit.

Después llegarían los números 1 en ventas para ‘La noche eterna. Los días no vividos’ y para ‘El poeta Halley’ (ambos también disco de oro). E incluso para un álbum en directo. ‘V.E.H.N. (Viaje épico hacia la nada)’ también era número 1 en España, pero su gran mérito en la era digital ha sido subsistir hasta 42 semanas en una lista donde los grupos amigos aguantan un mes ahogados por el streaming de los artistas de reggaetón.

Solo Vetusta Morla -también disco de oro por ‘Cable a Tierra’- e Izal con ‘Hogar’ -que llevan 27 semanas en el top 100- aguantan de manera similar, y Love of Lesbian van a continuar celebrándolo con una amplia gira.

Recién llegados de Vive Latino, México, donde actuaron para 30.000 personas, y de Tecate Pal Norte Monterrey, donde actuaron para 15.000, Love of Lesbian recuerdan hoy en nota de prensa una amplia gira que les llevará por Spring Festival, Festival de les Arts, FIB, Cala Mijas Festival y un larguísimo etcétera antes de volver a México en octubre.

Es evidente, por tanto, que ‘V.E.H.N.’ ha calado entre sus seguidores tanto como otras entregas, especialmente ‘Sesenta memorias perdidas’, que sobrevive entre sus pistas más escuchadas en Spotify. O también “Cosmos”, ‘Los irrompibles’ y ‘El sur’ con Bunbury, que se acercan al disco de oro como temas sueltos per se. Nuestra favorita del disco continúa siendo su aproximación portuguesa, ‘El mundo’.


Eurorainbow convocará a 10.000 eurofans disfrazados de ABBA

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En la semana de Eurovisión se anuncia la llegada de Eurorainbow, nuevo festival dedicado a Eurovisión y a la cultura LGBTQ+. El festival celebrará su edición inaugural los días 18 y 19 de junio en Santa Cruz de Tenerife. El acceso será libre y gratuito, salvo por el lanzamiento de un pequeño número reducido de entradas VIP.

El festival contará con las actuaciones de tres ganadoras de Eurovisión como son la austriaca Conchita Wurst (2014), la ucraniana Jamala (2016) y la sueca Loreen (2012). La intérprete de ‘Euphoria’ lanzará su nuevo single ‘Neon Lights’ este mismo viernes.

También está confirmada la presencia de Cornelia Jakobs, actual representante de Suecia en Eurovisión con la maravillosa ‘Hold Me Closer’, una de las favoritas. Javiera Mena, que probara suerte en la carrera eurovisiva de Benidorm Fest con su hitazo ‘Culpa’, es otra de las artistas confirmadas, así como la canaria Cristina Ramos, conocida por su paso por talent shows de México, Estados Unidos y China.

De manera destacada, Eurorainbow invita a los asistentes a participar de forma activa en el festival a través de un EuroReto. El primero consistirá en batir el récord mundial de personas disfrazadas como los cuatro integrantes de ABBA. En el festival, una banda tributo rendirá homenaje a la banda sueca a través de un concierto tributo. Para este EuroReto, que tendrá lugar el 18 de junio, se invitará a un Adjudicador Oficial de Guinness World Records que podrá verificar la plusmarca el día del evento. La organización de Eurorainbow prevé convocar a miles de personas, y ofrecerá un premio en metálico para los vestidos más originales de la convocatoria.

Por otro lado, el festival contará con una serie de «eurocharlas» en las que se debatirá sobre la historia del festival de la canción europea, mediante encuentros con protagonistas y expertos, y charlas con «contenidos exclusivos para conocer los entresijos del certamen».

El disco de Jack Harlow es uno de los peores valorados de 2022

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Jack Harlow es uno de los artistas más comentados del momento. Su colaboración con Lil Nas X en ‘INDUSTRY BABY‘ y el éxito de ‘First Class‘, el single de su disco que samplea a Fergie, le han puesto en el mapa de muchos, y los números de ‘Come Home the Kids Miss You’, el álbum que acaba de publicar, pueden consolidarle en la «industria». Se espera que el disco debute en el número 2 de Estados Unidos y en el 6 de Reino Unido.

El álbum, que incluye colaboraciones de Justin Timberlake o Drake y una pista llamada tal cual ‘Dua Lipa‘, ha quedado relegado en un segundo plano debido al huracán Bad Bunny, pero sí ha posicionado varias de sus pistas entre las 50 más escuchadas. ‘Dua Lipa’ saluda desde el número 11, ‘Churchill Downs’ con Drake desde el 22, y ‘Nail Tech’ desde el 45, mientras ‘First Class’ sí supera en reproducciones diarias todas las nuevas canciones de Bad Bunny en el país norteamericano. Solo Kendrick Lamar y Harry Styles impiden a la canción ser la más escuchada en el país. En Reino Unido, ‘First Class’ es actualmente la segunda canción más escuchada, mientras ‘Churchill Downs’ es top 13 y ‘Dua Lipa’ top 37.

Por el contrario, ‘Come Home the Kids Miss You’ es un fracaso estrepitoso en el ámbito de la crítica especializada y, con una puntuación de 56 sobre 100 en Metacritic, ya es uno de los álbumes peor valorados de 2022. Solo Variety -que no es un medio musical- se ha atrevido a alabar el disco e incluso lo ha comparado con ‘Off the Wall’ de Michael Jackson, augurando que el ‘Thriller’ de Jack Harlow puede estar cerca. No es el sentimiento generalizado que ha despertado el disco ni mucho menos.

Pitchfork ha puntuado ‘Come Home the Kids Miss You’ con un 2,9 sobre 10. Es la puntuación más baja que ha otorgado a un álbum en todo el año, tan baja que la nota de ‘Donda 2’ la supera a pesar de ser un álbum a todas luces inacabado. La reseña argumenta que ‘Come Home the Kids Miss You’ «no captura absolutamente ninguna cualidad de la personalidad real de Jack Harlow» y que el disco «deja insatisfecho» porque no contiene «melodías que destaquen ni ritmos excitantes». El medio de Chicago concluye que el álbum de Harlow es «una de las exhibiciones más vacuas e insípidas escuchadas en la historia del pop reciente».

Tampoco ha tenido buenas palabras para el disco de Jack Harlow NME. El medio inglés opina que el disco incluye «alguna joya por aquí y por allá, pero sobre todo está cargado de relleno, no incluye una sola canción que vaya a pasar a la historia» y que la «longevidad del álbum es cuestionable». Por su parte, otro medio musical tan relevante como Rolling Stone destaca que «Come Home» revela «momentos mágicos en medio de una necesidad primaria de Jack Harlow de acostarse con sus fans femeninas». Argumenta que el rapero es «encantador», pero que «no parece tener más ambición que dominar las listas».

No cuenta en el agregador de Metacritic, pero The Needle Drop es el canal de Youtube dedicado a la crítica musical más popular del momento, y su creador, Anthony Fantano, ya ha entrevistado a artistas tan importantes como Lil Nas X, Beach House o James Blake. Fantano puntúa el álbum de Jack Harlow con un 3 sobre 10 y desaprueba el «flow monótono y unidimensional» de Jack Harlow, la ausencia de carisma del rapero y el sonido «blando» de sus canciones. El youtuber incluso compara la curiosidad que ha despertado el disco entre los oyentes con el hecho de «presentarte a una fiesta a la que has sido invitado porque no quieres ser maleducado».

Aunque parece que los números darán la razón a Jack Harlow (en algunos casos ya se la han dado), algunos se preguntan si su figura no se parece a la de Iggy Azalea, otra rapera blanca que fue vapuleada por la crítica y ridiculizada por el pueblo. Seguramente la verdad se encuentre, como suele pasar, en un punto medio. No en ningún extremo.