Cuando no está liado entrevistando a personajes de actualidad como Morad, el rapero de L’Hospitalet de Llobregat que ha sido recientemente número 1 en España, o este domingo a Gervasio Deferr, el campeón olímpico atrapado en una espiral de alcohol, Jordi Évole tiene tiempo para montar un grupo con el que ensayar su música favorita.
Con Los Niños Jesús y sin mucha voz, Jordi Évole ha decidido pasarse esta semana por Tu Cara Me Suena para ofrecer una actuación como artista invitado. La canción escogida ha sido ‘Emborracharme’, el gran hit de Lori Meyers incluido en el álbum ‘Impronta’, que el año que viene estará de 10º aniversario.
‘Emborracharme’ no fue en principio el single principal de ‘Impronta’, pero a la larga se ha manifestado como el verdadero sleeper de Lori Meyers, superando los 30 millones de streamings en Spotify. Teniendo en cuenta que la mayoría de oyentes de Lori Meyers está en España, podemos interpretar que el tema es multiplatino por aquí, si bien la propia banda granadina nos contaba durante una visita a nuestro podcast que desconocían tal dato.
Beach House han moldeado y expandidosu sonidodisco a disco, demostrando que tener un sonido propio y distintivo no significa que todos tus discos «suenen igual». La magia de Beach House se encuentra en los matices, en las diferentes perspectivas con las que han sabido renovar su sonido siempre sin traicionarse a sí mismos, fieles a su visión. En una de sus primeras entrevistas, Victoria Legrand entregaba un talismán al periodista que los entrevistaba y expresaba: «me gustan las joyas porque contienen múltiples caras». Beach House son una de esas joyas.
Todo empezó en 2006 con un primer disco en el que ya se vislumbran algunas de las ideas que la banda desarrollará más adelante, basadas en ese dream pop misterioso que definirá su sonido. Es fácil imaginar ‘Apple Orchard’, por ejemplo, transformada unos pocos años después en una canción épica como ‘PPP’, pero en ‘Beach House’ la banda nunca viaja tan lejos. Es un trabajo modesto, grabado de manera rudimentaria con teclados y cajas de ritmo baratos, de sonido casi maquetero, en el que Alex Scally y Victoria Legrand empiezan a ejercitar sus músculos melódicos e instrumentales con una idea muy clara de cuál es sonido, en una serie de canciones que cautivan por su sencillez y falta de pretensiones.
Todo suena precioso y mágico, pero menos profesionalizado que en los discos siguientes, como es de esperar de una banda que está empezando. Los cabos instrumentales están más sueltos, la voz de Victoria suena ligeramente más asalvajada y Alex Scally reconoce no haber tocado una guitarra eléctrica en su vida. Todo suena más impuro, pero el componente amateur de ‘Beach House’ es parte de su encanto, en parte porque las canciones no son épicas, sino tímidas, como nanas cargadas de melancolía. Escucharlo es como llegar en una tarde de otoño a esa «casa de la colina» a la que alude una de las pistas y encontrar en ella una caja de música polvorienta y abandonada. La abres y empieza a sonar este disco.
‘Saltwater’, la canción de inicio, presenta un interesante equilibrio entre dream pop y noise pop que está más meditado de lo que parece: la distorsión de la base rítmica contrasta con el sonido prístino de los teclados, lo cual crea un efecto hipnótico, de duermevela, mientras la letra habla de amores y desamores. ‘Tokyo Witch’ incorpora ya las «slide guitars» que tanto les gustan, y unas percusiones que parecen imitar el trotar de un tren, a la que vez que el texto compara vivir la vida con jugar el juego de mahjong. Y en esta época a Beach House les sale ya un himno como ‘Master of None’ que formará parte de la banda sonora de la serie del mismo nombre; y que The Weeknd sampleará en una de sus primeras mixtapes. Aún es una de sus canciones más populares.
Las letras de ‘Beach House’ hablan de amor pero también de la importancia de la amistad en una composición tan tierna como ‘Apple Orchard’, y también de la inocencia perdida, definitivamente uno de los temas favoritos del grupo. Una de las canciones destacadas se titula directamente ‘Childhood’, su letra expresa que «todos mis juguetes están rotos» por el inevitable y devastador paso del tiempo y llega marcada por un desarrollo de teclados y guitarras entrelazados que resultará el sonido insignia del dúo, o uno de ellos. El precioso vals lo-fi de ‘Auburn and Ivory’ parece aludir a una niña que se suicida tirándose al océano, sumida en una tristeza irreparable; y la final ‘Heart and Lungs’ se dirige a una niña (o a un niño) cuya única esperanza «se ha ido volando».
El punto de vista cambia en ‘Lovelier Girl’. El estribillo clama «chica, no hay nada que me guste más que hacerte el amor», pero la joven a la que alude el título parece haber desaparecido. En esta canción, Beach House adaptan ‘Snowdon Song’ de Tony, Caro and John, un grupo de folk psicodélico de los 70, cambiando el tono de la canción y el tempo, y originalmente no acredita a sus autores por desconocimiento, porque un grupo que está empezando «no sabe que así es como funcionan las cosas en la industria musical». El trío será acreditado cuatro años más tarde, pero la magia de ‘Beach House’ prevalece: es el disco de una banda que no conoce las normas de la industria, hecho por amor a la música, y que transmite una pureza que ya no se repetirá en su discografía. Una pureza enturbiada, eso sí.
Con motivo de la Semana Beach House, reajustamos al alza las calificaciones de 3 discos suyos: ‘Teen Dream‘, ‘Bloom‘ y ‘Depression Cherry‘.
La historia de ‘All the Young Dudes’ parece casi propia de una película, o al menos parte de la trama de una. Una especie de descarte imaginario de un film tipo ‘Velvet Goldmine’ (y no tanto ‘Stardust’) en el que David Bowie salva la carrera del grupo Mott the Hoople con enorme generosidad, regalándoles una canción que termina convirtiéndose en el himno no oficial de la generación glam. Difícil resistirse, ¿no? Especialmente tratándose de la que quizá es mi canción favorita de David Bowie, y eso que clásicos tiene a docenas, como quedó bien claro hace pocas semanas en un estupendo episodio del podcast de JNSP.
La cosa empieza el 26 de marzo de 1972: el grupo inglés de rock Mott the Hoople lleva tres años en Island Records pero su carrera está en horas muy bajas. En un momento totalmente Spinal Tap, el grupo llega al local en el que tocarán su concierto de esa noche en Suiza y descubren con zozobra que se trata una antigua gasolinera reconvertida. Sintiendo que han tocado fondo, tras una gran discusión deciden separarse. Nada más volver a Londres el bajista Pete Overend llama a David Bowie con la esperanza de que pueda contratarle. Bowie, horrorizado ante la idea de que un grupo que le gusta tanto desaparezca, contraataca: “Mira, tengo una canción a medio escribir. Te llamo en un par de horas, tengo que hablar con mi mánager”.
Días después Bowie queda con Overend y le toca el esbozo. Overend alucina, y entusiasmado consigue reunir al resto de la banda en la oficina del mánager de Bowie, cerca de Regent Street (no muy lejos, por cierto, de la mítica cabina de teléfono de la portada de ‘Ziggy Stardust’). Verden Allen (teclista): “Se sentó en el suelo con una acústica y nos tocó ‘All the Young Dudes’. Sólo era una estrofa y un estribillo, pero se veía inmediatamente que era una canción fantástica”. En las siguientes semanas los Hoople prosiguen con su gira, que tenían que terminar por obligación contractual. Al acabar el último concierto del tour reciben un telegrama de David Bowie diciéndoles que ha terminado la canción y hasta ha reservado una fecha en un estudio.
Mientras tanto la trama se complicaba: el grupo está dispuesto a intentar ese último cartucho, pero necesita salir de Island Records: su apoyo es nulo y encima la idea de separarse ha sentado fatal al sello. En otro admirable alarde de generosidad, Bowie pide a su propio mánager (Tony DeFries) que intente desenredar el lío y consiga liberarles de su contrato. Con ese panorama llegaron Mott the Hoople a los legendarios estudios Olympic de Londres, 14 de mayo, en una sesión secreta y con nocturnidad por lo delicado de la situación. Sin tiempo ni para ensayar la canción bien, simplemente la prepararon con Bowie en el estudio en un ratito. Dale Griffin (batería): “Bowie nos tocó la canción y nosotros la repetimos en formato de banda”. En dos horas tenían las pistas principales grabadas, incluido ese mítico punteo inicial que Mick Ralphs inventó allí en el momento, incrementando instantáneamente el potencial de himno que la canción ya tenía de por sí. La voz de Ian Hunter con un fraseo muy Bowie y el propio David grabando los exquisitos coros del estribillo, redondearían la faena al final de la sesión.
La suerte de la banda parecía cambiar por fin, porque DeFries consiguió poco después liberarlos de Island y que firmasen con Columbia Records, que lanzaría el flamante single en verano. Pero cuando todo estaba ya casi listo surgió un nuevo problema: los abogados del sello pusieron pegas al verso “Stealing clothes from Marks and Sparks”, una referencia a la cadena de tiendas Marks & Spencer. La BBC podría muy bien no radiar la canción si contenía publicidad, así que de un día para otro hubo que traer desde Nueva York a Ian Hunter para que regrabase el verso cantando “unlocked cars” en vez de “Marks and Sparks”. Acto seguido cogió un vuelo de vuelta. (La letra original volvería a usarse para la versión del LP).
‘All the Young Dudes’ se lanzó el 28 de julio y entraría en los charts británicos inmediatamente hasta alcanzar el número 3, resucitando así la carrera de la banda incluso en EE.UU., donde consiguieron un digno Top 40. Pero el impacto de la canción trascendió ese éxito. Las letras que hacían alusión a morir joven (“Billy rapped all night ‘bout his suicide / How he’d kick it in the head when he was 25”), hacer el gamberro, vivir rodeado de cemento, la revolución fracasada de los Beatles y los Stones, personajes andróginos pero duros de pelar («Now Jimmy looking sweet though he dresses like a queen he can kick like a mule») o la mítica “no necesitas la TV cuando tienes a T.Rex” conectarían inmediatamente con esa nueva generación de “young dudes” de los 70 quienes la convertirían rápidamente en un himno de la contracultura glam.
La música glam es la colisión más dulce y satisfactoria entre esos dos mundos llamados “pop” y “rock”, un punto de encuentro donde lo mejor de ambos estilos dio lugar a la pura magia de canciones como esta. A nivel técnico, uno de los secretos musicales de la canción es lo que Julian Cope llama “The Glam Descend»: las notas del bajo comienzan en la nota principal del acorde y luego van bajando a la séptima, sexta, quinta, etc mientras el acorde se mantiene. Bowie ya lo había hecho en ‘All You Pretty Things’ y sería una técnica muy imitada en décadas posteriores: de ‘Sowing The Seeds Of Love’ en los 80 a ‘Whatever’ de Oasis en los 90.
Años después Bowie explicaría que la canción inacabada en realidad la había compuesto para el “Ziggy Stardust” pero que se quedó fuera. Recordemos que el bienio 1971-72 fue el más fértil del artista, docenas de brillantes canciones le sobraban y se acumulaban. Y en esa explicación incluiría una relativa a la letra: el mensaje que los “jóvenes muchachos” traían no era el de la nueva era glam sino que eran en realidad los mensajeros de Ziggy trayendo la misiva de que el mundo acabaría en cinco años. Bowie: “no es un himno a la juventud, sino completamente lo opuesto”.
¿Importa eso? Por supuesto que no. Cuando un artista lanza su canción al mundo, lo que signifique deja de estar bajo su control, y si las masas lo abrazan con otro sentido, no hay nada que hacer (un saludo desde aquí a ‘One’ de U2 sonando en miles de bodas). Así que ‘All the Young Dudes’ sigue recordándose ahora que se cumplen 50 años de su grabación como la canción estandarte del glam. O en las entusiastas palabras de Lou Reed: “¡Es un himno gay! Una llamada a todos los jóvenes muchachos para que salgan a la calle y muestren que son hermosos, gays, y orgullosos de serlo”.
Bowie interpretó en directo «All the Young Dudes» ya desde la gira de Ziggy, y se acabó convirtiendo en uno de sus clásicos más recurrentes en directo en las restantes décadas. Fue sin duda el momento más hermoso del concierto de Bowie al que asistí en 1996: en aquella noche de agosto la canción sonaba eterna y joven, tan inmortal como -aparentemente- Bowie. Merece la pena despedir este artículo escuchando la excelente versión de Mott the Hoople con él cantando la voz principal, y que incluye el final extendido de la canción en su grabación original de los estudios Olympic:
‘All the Young Dudes’ sonó en el programa nº 132 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Hits
Taylor Swift ya no vende 10 millones de copias o casi como en los tiempos de ‘Fearless’, ‘Red’ o ‘1989’. Más bien la mitad. Desde el tropezón de ‘Reputation’ ha bajado un peldaño en sus expectativas, y sin embargo, domina el discurso y las críticas de una manera que impiden que nadie tenga la sensación de que le va mal, porque lo cierto es que le sigue yendo muy bien. Al menos muy por encima de la media.
Y eso que le ha llevado un año y medio conseguir el disco de platino para ‘folklore‘ en Reino Unido, su 2º principal mercado. Hace tan sólo unos días que esto se anunciaba, este mismo mes de febrero, lejos del cuádruple platino para ‘1989’. Pero es que Mediatraffic estima en casi 5 millones de copias las vendidas por ‘folklore’ y 3 millones para su disco hermano ‘Evermore‘, así que, ¿quién puede hablar de fracaso cuando ni Adele vende ya 10 millones de nada?
Y es que puede que ninguno de los últimos singles de Taylor Swift supere los 500 millones de reproducciones. En ese sentido, su amigo Ed Sheeran la golea con ‘Bad Habits’ o incluso ‘Shiver’. Sin embargo, la de Taylor está siendo ya la carrera de la constancia y el furor por su pasado en general. Durante todo el año 2021 ha sido habitual encontrar 5, 6 o 7 discos suyos en el top 100 de varios países, incluso en la complicada -para artistas anglosajones- España. Algo que sigue siendo así en Reino Unido o Estados Unidos. Una semana cualquiera como esta en las islas encontramos en el puesto 36 ‘Red (Taylor’s Version)’, en el 42 ‘folklore’, en el 43 ‘1989’, en el 55 ‘Lover’ y en el 77 ‘Evermore’.
Lo mismo para el Billboard 200, donde encontramos ‘Red (Taylor’s Version)’ en el puesto 15, en el puesto 48 ‘folklore’, en el 67 ‘Lover’, en el 85 ‘Evermore’, en el 95 ‘1989’, en el 151 ‘Fearless (Taylor’s Version)’ y en el 152 ‘Reputation’. Siete álbumes de Taylor Swift en el top 200, algunos con varios años de antigüedad.
‘Red (Taylor’s Version)’, con sus 2 millones de copias, solo puede ser considerado por tanto otro hit en su carrera, especialmente encabezado por la nueva versión de ‘All Too Well’, compitiendo en las listas con el nuevo de Ed Sheeran incluso varios meses después de su edición.
Flops Sería lo fácil argumentar que Taylor Swift convierte en oro todo lo que toca, pero 2021 sí presentó un pequeño nubarrón en su discografía: sus dos colaboraciones con Big Red Machine, el proyecto de Aaron Dessner (The National) y Justin Vernon (Bon Iver), que no ha podido pasar más desapercibido tanto en las listas de éxitos como en las listas de lo mejor del año. Su álbum ‘How Long Do You Think It’s Gonna Last?‘ lograba una posición muy mediocre en todas partes: un top 45 en Reino Unido, un top 82 en Estados Unidos, y ninguna permanencia ni estabilidad.
Habrá quien crea que este proyecto era más underground y modesto, pero hay que recordar que tanto The National como Bon Iver saben lo que es ser número 2 en Estados Unidos con sus discos de estudio, y el último tiene varios discos de platino en este país. Es solo que la suma de los tres esta vez no ha servido para añadir: por alguna razón (¿credibilidad? ¿saturación? ¿pandemia?), ni los fans de Taylor Swift, ni los de Bon Iver, ni los de The National se han interesado por esto. Os dejamos con el vídeo de ‘Renegade’, que todavía tiene que llegar a los 5 millones de visualizaciones, mucho menos de lo que un vídeo de Taylor suele lograr en un día.
Tras un disco bastante flojo, para el nivel que nos tenía acostumbrados, como lo fue ‘High As Hope‘, es toda una alegría encontrarse con que el primer single del nuevo proyecto de Florence + the Machine suene así de bien.
La cantante reflexiona sobre los roles de género, subvirtiéndolos en las líneas «No soy madre, no soy una novia, soy un rey» que se repiten no solo en el estribillo sino también al final de cada verso. La canción comienza sosteniéndose casi al completo en su poderosa voz, con tan solo una batería de fondo, pero progresivamente la producción de Jack Antonoff se va volviendo más épica y compleja, y va envolviendo a Florence en una mayor instrumentación.
El clímax, intenso y sorprendente, llega con un simple «Ooooh» en el puente y se cierra con una preciosa melodía guiada en su mayor parte por una guitarra acústica. ‘King’ como presentación de una nueva era, cumple con creces su cometido: es bello y prometedor. Qué gusto ver que Florence sigue a su bola, completamente ajena a las modas, dotando a su música de esa sensibilidad característica suya, siempre tan especial.
‘Santo’ de Christina Aguilera y Ozuna se mantiene como lo más votado de JENESAISPOP seguida por ‘SAOKO’ en el que puede ser el top 2 más extraño de nuestra historia. Otras cosas pasan en el top 10 y los últimos temas de FKA twigs, Caroline Polachek y Röyksopp alcanzan nuevos máximos.
Entra en el top 10 ’Simulation Swarm’ de Big Thief y quedan a las puertas del mismo temas de Kim Petras, Troye Sivan y Orville Peck. alt-J llega al top 20 y en la parte baja de la tabla entran Future Islands y Cupido, lo que significa que tenemos en el top 40 un ‘Santo’, una ‘Santa’ y un ‘Santé’.
Samantha Hudson publicó a todas luces una de las mejores canciones de 2021, ‘Por España’, de vídeo inenarrable inspirado en Bigas Luna, Almodóvar y Fernando Trueba. Fueron muchos los singles de éxito que poblaron su álbum ‘Liquidación Total’ y su talento como performer se confirmó en un improbable Especial de Navidad por el que se asomó la mismísima Amaia Romero con su primera canción política, ‘Óyeme’.
Están siendo muchas las sorpresas dejadas por la carrera de Samantha Hudson desde que realizara aquel trabajo escolar llamado ‘Maricón’ que soltó a los medios, y por tanto su gira está resultando un éxito. Tras un doble concierto en el Ochoymedio de Madrid debido a la alta demanda de entradas, este sábado 26 de febrero actúa en Razzmatazz Clubs con los tickets agotados.
Os dejamos con el test que nos ha respondido sobre sus discos favoritos y con las siguientes fechas que le aguardan:
19 de marzo: Mallorca, Fiestas San Sebastiá
26 de marzo: Madrid, Wizink Center. Festival Horteralia
2 de abril: Murcia, Festival Xtrafresh
9 de abril: Alicante, Sala The One
23 de abril: Sevilla, Sala Custom
6 de mayo: Hospitalet, Sala Salamandra. Monjamon Festival
7 de mayo: Valencia, Flow Festival
20 de mayo: Burgos, Sala Anden 56
11 de junio: Santander, Espacio Santander
25 de junio: Gran Canaria, Teatro Victor Jara (Vecindario)
7 de octubre: Salt (Girona), La Mirona
8 de octubre: Vilanova i la Geltrú (Barcelona), La Daurada
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
No me gusta hablar en esos términos tan contundentes. Creo que en la música no se puede dictar sentencia… de cualquier manera, ‘Tocata y Fuga en re menor’ de Bach es la canción que suena en mi cabeza cuando entro a los sitios. ‘La salchipapa’ de Leticia Sabater también ocupa un lugar muy especial en mi vida. ¿Y disco?
‘The Fame Monster’ de Lady Gaga y ‘Confessions on a Dancefloor’ de Madonna.
¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
Estoy en Loop con el nuevo LP de Kim Petras, ‘Slut Pop’. Pero si tuviera que escoger un tema en particular diría ‘Violetas Imperiales’ de Luis Mariano. ¿Qué canción odias con toda tu alma?
‘Despacito’ de Luis Fonsi.
¿Alguna canción que en algún momento te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el «guilty-pleasure”?
‘La viuda de O’Brian’ de Mägo de Oz.
Un remix que te haya vuelto loca
La remezcla de ‘Criticar por criticar’ de las Chicks on Speed y ‘Don’t wanna dance with U’ de Sonikku.
¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál es o ha sido tu formato favorito?
La fiebre del compact-disc me pilló muy pequeña.
¿Alguna compra que recuerdes con cariño de la era CD o nunca fuiste muy del formato físico?
Lo más parecido a comprar un disco que he hecho fue una vez que presioné a una chica francesa que conocí en un after para que me regalara un recopilatorio que tenía de Paquita la del Barrio. Al final me lo dio por pesada, luego me enteré de que Paquita es una homófoba.
¿Qué canción de tu propio repertorio crees que funcionará mejor en tu show o sorprenderá aparte de las más famosas ‘Por España’, ‘Disco Jet Lag’, ‘Dulce y Bautizada’?
‘Demasiado Coño’ es un subidón y ‘Perra’ va a ser un escándalo. Después, ‘Chicote’ siempre suele ser bastante bonita.
Uno de tus hits ha sido el Especial Navidad, ¿pero puede haber hueco en tus shows para alguno de sus temas, como la balada ‘Óyeme’ con o sin Amaia? ¿O como Mariah Carey, esas solo las interpretarás en Navidad?
Depende de la disponibilidad que tenga la susodicha. A mí me haría mucha ilusión que la cantáramos juntas en directo, pero de momento la dejo en la recámara y fingiré que no existe hasta que hagan una retrospectiva de mi vida dentro de 40 años y la desentierre para hablar de mi juventud con nostalgia.
El pop sigue vivo con Doja Cat. La rapera ha colaborado en ‘Freaky Deaky’, una canción de Tyga que ha salido a la luz hoy, pero más bien parece que es Tyga el invitado en el single porque el tema no puede sonar más a Doja. Otra producción de Dr. Luke y Mike Crook junto a Ryan Ogren que te sumerge en el universo sexy de Doja Cat, esta vez entre cueros y arneses.
“He conseguido el espejo para el techo, te apetece complacerme” dice el estribillo de ‘Freaky Deaky’, donde Tyga se acerca a casa de Doja mientras ambos describen las ganas que tienen de meterse juntos a la cama. La canción cumple la función de un tema pop de Dr. Luke porque engancha, sobre todo en el estribillo, y está a la altura de ‘Juicy’, la colaboración entre ambos incluída en el álbum ‘Hot Pink’ de Doja.
En el videoclip del single, Doja Cat ofrece un espectáculo de lencería y posturas mientras seduce a Tyga, atado a una montaña rusa sin poder hacer más que admirarla desde su puesto. Al final, la fantasía de juguetes sexuales, esposas y fetiches no es más que un sueño de Doja , pero en ese sueño nos ha faltado ver la piel de Tyga, que no se quita ni el jersey. Una vez más, la parte masculina decide no sexualizarse ni lo más mínimo.
La UER ha decidido finalmente escuchar las peticiones para vetar a Rusia en Eurovisión después de unas horas de indecisión y dudas. Finalmente la Unión Europea de Radiodifusión (EBU por sus siglas en inglés) indica que, tras consultar con un comité y atendiendo a las «normas del evento y los valores de la UER», ningún artista de Rusia será admitido en el festival.
El comunicado dice que “la decisión refleja la preocupación de que, a raíz de la crisis sin precedentes en Ucrania, la inclusión de un artista ruso en el concurso de este año traería a la competición “mala reputación”. La palabra que han escogido en inglés exactamente es “disrepute”. También recuerdan que la UER es una «oraganización apolítica» que “protege los valores de concurso cultural promocionando el intercambio internacional y la comprensión, uniendo a la audiencia, celebrando la diversidad a través de la música y uniendo a Europa en un escenario”.
Horas antes del inicio del ataque armado en la noche del miércoles al jueves, la televisión pública ucraniana ya había pedido a la Unión Europea de Radiodifusión que cortase todas las relaciones con los medios de comunicación rusos, incluido el derecho a participar en el Festival de Eurovisión este mes de mayo. La Radiotelevisión Pública de Ucrania (UA:PBC) afirmaba que los canales rusos Piervy Kanal y VGTRK han participado en la propaganda del Kremlin, y sus acciones van en contra de los valores de Eurovisión y de la UER.
No es la primera vez que se creaba tensión sobre Eurovisión entre los dos países. En la edición de 2017 celebrada en Kiev, por ejemplo, Ucrania prohibió a la representante rusa Yulia Samoylova asistir al festival por haber estado en Crimea, la península que se anexionó a Rusia en 2014. Asimismo, hace unos días la representante ucraniana renunció a acudir a Turín por el escándalo relacionado con un viaje que hizo a Crimea.
Después de que la UEFA decidiera suspender la final de la Champions League prevista en San Petersburgo el 28 de mayo y cambiarla a París; varios países habían pedido a la UER que expulsara a Rusia. Dinamarca, Noruega, Suecia, Países Bajos y Letonia se unían a la petición ucraniana para echar a las televisiones rusas de la UER, y Estonia, Finlandia y Lituania habían comunicado directamente que no participarían en Eurovisión si Rusia subía al escenario.
Vive la Fête en 2003, La Roux en 2008, Hurts en 2010, Chvrches en 2013, Roosevelt en 2016, Dua Lipa en 2020… Con el eterno retorno de los años 80, las bandas de aquella década tenían que esforzarse por volver para reivindicarse a sí mismas. New Order, OMD y Duran Duran han entregado buenos álbumes en los últimos tiempos -en ese orden en cuanto a calidad- y Tears for Fears se suman a ellos cuando se iban a cumplir 18 años de su última entrega.
Kanye West se inspiró en una canción de Tears for Fears -‘Memories Fade‘- en ‘Coldest Winter’, un tema de su disco de 2008; Drake sampleó ‘Ideas as Opiates‘ en ‘Lust for Life’ en 2009, Lorde versionaba ‘Everybody Wants to Rule the World’ en 2013, The Weeknd sampleaba ‘Pale Shelter’ en uno de los temas de ‘Starboy’ en 2016 (‘Secrets’) y podríamos seguir hablando de reivindicaciones de Tegan & Sara o Miley Cyrus, que justificaron aquella gira de Tears for Fears compartida con Hall & Oates.
Hace ya 5 años de esto último y el esperado álbum de «comeback» de Tears for Fears, que tan sólo es el 7º de su carrera, no siempre ha estado asegurado. Hubo un grave momento de crisis en el que el esquivo Curt Smith -que ya estuvo fuera de Tears for Fears entre 1991 y el año 2000- volvió a abandonar el barco debido a diferencias artísticas. Si alguien quiere adivinar qué le separa de Roland Orzabal, ‘Break the Man’, un tema feminista crítico con el patriarcado, de melodía un tanto arty, es el primer single de la discografía de la banda en el que Orzabal no ha firmado ningún crédito.
Lo importante es en cualquier caso la reconciliación, y hay una emotiva anécdota al respecto. ‘The Tipping Point’ es un álbum que habla de la muerte, marcado por el fallecimiento de la mujer de Roland en 2017, también por un grave problema de salud que sufrió el cantante después, en 2018, y tras el cual no dudó en coger el teléfono y llamar a Curt para decirle que le quería. «Cuando tuve una emergencia médica en 2018, la primera persona a la que pensé en llamar fue a Curt. No sabía si iba a sobrevivir, pedí que me lo pusieran al teléfono y le dije: «Puedes quedarte mis guitarras. Y mi ropa»», recibiendo la socarrona respuesta de este de que la ropa no la quería. Sabiéndose «hermanos» al haber compartido tantos años, algo «diferente a un matrimonio o a una amistad», la balada ‘Stay’ que cierra este disco versa precisamente sobre su relación. «Suficientemente jóvenes para jugar / suficientemente mayores para saber que es todo o nada».
‘The Tipping Point’ es un disco muy diferente a ‘Everybody Loves a Happy Ending’ (2004), donde algunas canciones sonaban bastante beatlianas y rockeras. Aquí la influencia de los Beatles y los Stones se limita a una mención a ambas bandas en ‘Master Plan’. En sus momentos más vistosos, lo que quieren ahora Tears for Fears es reivindicar su sonido clásico, algo que consiguen en el corte titular, que tras una intro de expectación, se transforma en un single 80’s también cercano a New Order. ‘My Demons’, con su sonido industrial, y ‘End of Night’, salvando una cara B llena de baladas, siguen esa línea estilística con éxito.
Y lo que es mejor, Tears for Fears no se han quedado en el revival. Si bien las lentas ‘Please Be Happy’, ‘Rivers of Mercy’ y ‘Master Plan’ no distan tanto de lo que nos han ofrecido Take That o a-ha de adultos, la mencionada ‘Stay’ es, en una palabra, bonita, como también lo son los coros de Carina Round en la notable ‘Long, Long, Long Time’. Pero la gran sorpresa es la canción de apertura, ‘No Small Thing’. Por primera vez en décadas Curt y Roland se han sentado con un par de guitarras acústicas, inspirados por Bob Dylan y Johnny Cash para hablar de la libertad, de las nuevas generaciones y de la vida, con un calado que empieza amable como Mumford & Sons pero termina torcido a lo Radiohead. Su vídeo político con imágenes de bombas y manifestaciones inspirado en la película ‘Koyaanisqatsi’ habla del «conflicto entre las libertades individuales y la responsabilidad colectiva». Fue publicado en diciembre pero, coincidiendo el lanzamiento de este disco con la guerra que Putin acaba de abrir en Europa, adquiere un nuevo significado. Tears for Fears aún tienen la capacidad de emocionarnos y de sorprendernos.
Puede que algunos de los más fanáticos de Foo Fighters y de Nirvana ya lo sepan, pero Dave Grohl confesó ayer en su visita al programa de James Corden que una de sus canciones favoritas es ‘2 become 1’ de las Spice Girls. Además, reveló que hace 20 años los Foo Fighters estuvieron a punto de lanzar una versión de la misma.
En la entrevista, James Corden y Hillary Duff comentaban su experiencia en un concierto de las Spice allá por los 90, mientras que el líder de Foo Fighters bromeaba con que no pudiese ir porque estaría de gira en esas mismas fechas. Sin embargo, cuando Corden le sugirió “me encantaría una versión de ‘2 become 1’ de los Foo Fighters”, Dave Grohl desvelaba: “Escucha, no estoy bromeando. Amenazamos con hacerla hace como 20 años. Me encanta esa canción”.
Por otro lado, en otra entrevista para The Howard Stern Show, el ex baterista de Nirvana reconoció que está prácticamente sordo desde hace 20 años y que le cuesta incluso escuchar a los que tiene sentados a su lado. Grohl admitía que no le gusta usar pinganillos que le protegen del exceso de ruido en el escenario porque lo aíslan de la “atmósfera” del concierto. “No me he hecho pruebas desde hace mucho tiempo, pero sé lo que me van a decir. Tienes daño auditivo -tinnitus- en tu oído izquierdo más que en el derecho. Mi oído izquierdo está un poco peor que el derecho porque mi caja y mi monitor en el escenario cuando toco la batería están en ese lado”.
Os ofrecemos una opinión a favor y otra en contra de ‘CHICKEN TERIYAKI’, el tercer single de ‘MOTOMAMI’ de Rosalía, que ha sido admitido en la playlist más influyente de todo el mundo, Today’s Top Hits, con 30 millones de seguidores, exactamente en la posición 33ª.
A favor
«Rosalía dice que sus discos siempre son un reflejo de su vida en el momento en que los graba, y ‘MOTOMAMI’ también lo será. La artista se ha pasado varios años viajando de Miami a Nueva York, de Nueva York a Puerto Rico, de Puerto Rico a la República Dominicana, empapándose de los sonidos y ritmos latinos que bailó en su adolescencia. Puede que las letras de ‘SAOKO‘ o ‘Con altura’ no las vayan a colgar en ningún museo, pero el reggaetón está para divertirse y ‘CHICKEN TERIYAKI’ cumple su cometido.
La letra vuelve a ser una bobada que rima «tu gata quiere maki» con «mi gata en Kawasaki» y la producción de El Guincho, Sky Rompiendo y compañía no tiene ningún misterio. Apenas es reseñable que presenta un punto sucio a propósito en alguna toma vocal, como si saliera de una mixtape de reggaetón de los 90. Pero el rap de Rosalía se pega, las frases curiosas se suceden una tras otra, y ella parece pasárselo pipa por el camino. No todo puede ser el drama de ‘El mal querer‘ y ‘CHICKEN TERIYAKI’ divierte sin más pretensiones». Jordi Bardají.
En contra
«Rosalía podía tener canciones mejores o peores, pero sí que podía presumir -en mi opinión- de no tener una sola canción mala… hasta ahora. Dios sabe que no soy muy entusiasta de ‘SAOKO’ pero, al lado de ‘CHICKEN TERIYAKI’, ‘SAOKO’ es ‘Malamente’.
Más allá de su (obvio) objetivo de baile que pueda viralizarse en tiktok, no hay prácticamente nada en condiciones aquí: la producción confunde “machacona” con “insoportable”, la melodía es un desastre y, más allá de lo de Naomi y Julio, no hay ganchos ni rimas de los que Rosalía sabe hacer. Como producto para tiktok que es, la canción dura dos minutos escasos, pero quién lo diría -jé- porque parecen el doble. La peor canción de Rosalía, con mucha diferencia». Pablo N. Tocino.
BANKS, la artista que nos enamorara con los excelentes singles de dark pop ‘Begging for Thread’ y ‘Gemini Feed’, y con álbumes de la calidad de ‘Goddess‘, da detalles al fin de su cuarto álbum de estudio. ‘Serpentina’ saldrá el 8 de abril con un tracklist que incluirá 13 pistas, entre las cuales aparecen los singles ‘Skinnydipped’ y ‘The Devil’.
Hoy ve la luz el tercero, ‘Holding Back’, que trae un sonido que curiosamente recuerda al de los primeros discos de Kanye West. En ‘Serpentina’, BANKS se ha inspirado en las melodías del góspel que le inspiraban de joven, y el gancho principal de ‘Holding Back’ es una melodía apitufada que parece sampleada de un viejo tema de soul de los años 60 o 70, pero que en realidad es original.
La producción de ‘Holding Back’ es excelente y corre a cargo principalmente de la productora iraní TĀLĀ, que envuelve la voz de BANKS con una manta de distorsiones electrónicas.
El álbum traerá sonidos luminosos nuevos para BANKS, pero a la vez esconderá una «bestia debajo» de toda esa luminosidad, y esta descripción encaja con el sonido de ‘Holding Back’, cuyo sonido devanea entre la luz y la oscuridad. BANKS la ha presentado en la tele, como veréis bajo estas líneas.
1. Misunderstood
2. Meteorite
3. Fuck Love
4. Deadend
5. Holding Back
6. The Devil
7. Skinnydipped
8. Burn
9. Birds By The Sea
10. Spirit (feat. Samoht
11. Anything 4 U
12. Unleavable
13. I Still Love You
Hoy salen nuevos discos de Avril Lavigne, Tears for Fears, La Plata, Superchunk, SASAMI, Gang of Youths, Huerco S. e Ilegales, y Johnny Marr (de los Smiths) completa su serie de epés. Sevdaliza (con un nuevo EP), Ayax i Prok, Scorpions, Albany, Sweet California, Cali y El Dandee y Despistaos se suman también a la lista de lanzamientos.
En la semana del 22 del 2 de 2022 (aunque antes fue lunes 21) ha decidido volver Florence + the Machine con el primer single de su nuevo disco, y a ella se han sumado los regresos de Regina Spektor (después de 6 años), !!!, Hercules & Love Affair o Porridge Radio.
Entre los artistas que han seguido avanzando sus próximos proyectos se encuentra Rosalía con un single que está llamado a dividir a la audiencia; y también Dorian, Hidrogenesse, BANKS, Joe Crepúsculo, Toro y Moi, Röyksopp o Bloc Party.
The Vaccines han publicado un single nuevo de la nada, y entre los temas sueltos que pueblan la playlist se encuentra también lo nuevo de Tyga con Doja Cat, Mura Masa con Lil Uzi Vert, Shygirl y PinkPantheress, Montaigne con David Byrne, Rakky Ripper, Yarea, Miqui Brightside o Adiós Amores.
Para escuchar muchas más novedades te invitamos a suscribirte a las playlist de Sesión de control -dedicada a la música en castellano – o Flores en el estiércol, en la que Raúl Guillén selecciona sus novedades favoritas de las últimas semanas.
Lizzo ha hablado en una entrevista con Variety sobre su próxumo álbum de estudio, que puede ser una realidad pronto, y se ha sentido impactada al darse cuenta de que, sorprendentemente para ella, su nuevo LP trata de amor. “Voy a decir lo siguiente. Es un disco de amor. Estoy estupefacta”.
La artista ya había cantado antes sobre amor, por ejemplo, sus singles ‘Juice’ y ‘Good as Hell’ tratan claramente la autoestima y amor propio, e incluso el título de su último álbum es ‘Cuz I Love You’. Lo que no ha querido desvelar es si el tema principal de este nuevo trabajo es el amor desde una perspectiva romántica o el amor en general, como ya ha venido haciendo hasta la fecha.
Hace unas semanas la cantante confirmó que había estado trabajando junto a Max Martin y Benny Blanco en nueva música. Además, Lizzo ha contado que los temas de su nuevo disco seguirán siendo autobiográficos, pero por el simple hecho de que ella cree en contar historias que son reales, aunque solo digan “estoy hablando con una amiga por teléfono mientras escucho buena música a mis espaldas”. “Creo que nunca seré ese tipo de artista que dice ‘este álbum trata sobre una historia que escribí’». De momento y hasta próximo aviso, lo único que hemos podido escuchar de su nuevo disco es ‘Rumors‘, el single que lanzó junto a Cardi B el año pasado.
‘A Ballet of Lepers’ fue una novela que Leonard Cohen escribió en Montreal en el año 1956, pero que tras ser rechazada por dos editoriales acabó en un cajón. Ahora, este libro se va a publicar junto a 15 cuentos y el guión de una obra de radio escritos entre 1956 y 1961 por el propio Cohen en una colección llamada ‘A Ballet of Lepers: A Novel and Stories’.
La novela cuenta la historia de un empleado de ventas de 35 años que se ve en la obligación de llevar a su abuelo solitario y cascarrabias a vivir con él a una pensión. En esta historia Cohen se centra en las relaciones tóxicas y lo lejos que puede llegar uno por mantenerlas, según indica un comunicado de prensa.
El autor ya dijo una vez que ‘A Ballet of Lepers’ probablemente sea mejor novela que ‘El Juego Favorito’, libro que sí publicó en 1963. Además, Robert Kory, fideicomisario del fideicomiso de la familia Cohen declaró: “Leonard dijo antes de su muerte que la verdadera obra maestra de su vida era su archivo, guardado meticulosamente en beneficio de fans y académicos para que algún día lo descubrieran. Me complace que, con este libro, sus lectores y oyentes puedan comenzar ese rico viaje”.
El lanzamiento de proyectos póstumos como este suelen ser muy polémicos porque no cuentan con el visto bueno del artista, y muchas veces el material tiene que ser completado por gente ajena al autor al estar inacabado, pero este caso se distingue del resto ya que Leonard Cohen escribió el libro de principio a fin e incluso intentó ponerlo en el mercado en dos ocasiones.
La colección se publicará el 11 de Octubre de 2022 en el Reino Unido, y también verá la luz en Estados Unidos y Canadá. Todavía no hay noticias sobre su posible lanzamiento en España.
A Rosalía le encanta estrenar sus singles los jueves a las 18.00 (hora peninsular española) y ese ha vuelto a ser el caso de ‘CHICKEN TERIYAKI’, el sencillo de ‘MOTOMAMI‘ que da continuidad a ‘SAOKO’, el tercero en total de esta era.
Es otro tema brevérrimo, de apenas dos minutos de duración, que sigue por la vía del reggaetón transitada ya por Rosalía en ‘SAOKO’ o ‘Con altura’, con la que guarda más parecido por su sonido directo y machacón que incluso permite alguna toma vocal como mal grabada a propósito. Sin desvíos jazz de ningún tipo, ‘CHICKEN TERIYAKI’ busca el gancho facilón de un estribillo que repite la frase «pa’ ti naki, chicken teriyaki» de manera martilleante, y está totalmente rapeada.
La canción está co-escrita por hasta 7 personas, entre ellas Rauw Alejandro, pareja de Rosalía, y celebra el éxito material, en concreto, la posibilidad de adquirir «una cadena que me arruine toa’s las cuentas», entre referencias a Naomi Campbell y Julio Iglesias; y también contiene una posible autorreferencia cuando se pregunta si «la fama es una condena».
El estribillo de ‘CHICKEN TERIYAKI’ tiene además una coreografía muy concreta que Rosalía ya había avanzado en TikTok y que presenta en el videoclip, que tiene lugar en un estudio de baile. Se suceden pasos lloricas y pasos gatunos, hechos a medida para la mencionada plataforma y para su viralización inmediata, y acompaña a Rosalía una tropa de bailarinas… y un patinete eléctrico.
El nuevo disco de Rosalía verá la luz el 18 de marzo, en menos de un mes, con ‘LA FAMA’ aún fuerte en el top 20 de éxitos en España, al contrario de lo que sucede con ‘SAOKO’, cuya tendencia a la baja puede haber propiciado el lanzamiento de este nuevo single, con más entidad que ‘SAOKO’ por otro lado, que funciona más como intro.
Antes de que las redes sociales fueran un nido de crispación y fake news, de vez en cuando se viralizaban unos de mapas de metro, en los que los líneas eran estilos y las paradas, grupos históricos. Las canciones de Beach House siempre han sido un viaje en sí mismas y, además, su evolución histórica es como si hubieran escogido transbordar solo allí donde podían encontrar una versión mejor y más variada del dream pop que producían.
‘Once Twice Melody’ es ya su 8º álbum y también es una 8ª maravilla. Algunos opinarán que continúan haciendo básicamente lo mismo que al principio, solo que primero cada vez con más recursos, y después de manera más depurada. Puede ser. También lo es que no es nada fácil llegar a un 8º álbum presentando algunas de las mejores canciones de tu carrera, y hay que irse a tiempos muy remotos y a artistas del tamaño de los Beatles o R.E.M. para encontrar gente que a estas mismas alturas consiguiera renovarse y con composiciones a la altura. No voy a caer en el error de comparar ‘Once Twice Melody’ con «Sgt Pepper’s» o ‘Automatic for the People’ porque solo puede jugar en contra de Beach House, un dúo completamente desprovisto de ambiciones que nunca quiso componer un himno generacional ni colarlo en la serie o el anuncio de moda. Se nota que no saben ni qué decir de la viralidad de ‘Space Song’ en TikTok. Pero sí voy a poner en valor que Victoria Legrand y Alex Scally llegan a los 40 años (ella los cumplió en 2021, él lo hará el próximo verano), con un nivel de inspiración inusitado para artistas que se dieron a conocer a los 25.
Comenzando por el principio, hay que agradecer el modo en que se ha promocionado ‘Once Twice Melody’. Aunque la estrategia se les ha vuelto en contra y la edición física no podrá llegar hasta abril por los conocidos problemas de las fábricas de vinilos, nueva música de Beach House nos ha acompañado durante los últimos 4 meses, mientras otros siguen guardando sus temas en cajones a la espera de la nueva normalidad definitiva. Cuando la pandemia nos lanzaba otra ola de mierda, ellos nos ofrecían su disco dividido en 4 EP’s, y a cada cual mejor.
La primera parte de ‘Once Twice Melody’ contenía la canción titular, una estupenda progresión de lo acústico hacia lo kraut vinculable a los Portishead de ‘Third’, en la que Legrand nos transportaba a una «tierra de nunca-nunca jamás». Mejor incluso era ‘Superstar‘, de emocionante coda instrumental en el último minuto, versando sobre la perdurabilidad del amor. La segunda parte comenzaba con ‘Runaway’, una de sus producciones más excitantes y juguetonas, casi bailables, como una versión espídica de su clásico ‘Myth’, hablando de alguien que se ha ido, y con un riff de percusión completamente hipnotizante. Y se cerraba con ‘Over and Over’, otra de esas canciones de Beach House que hacia la mitad se transforman, sonando como una puesta de sol más grande que la vida.
Tiene gracia que el grupo bromee sobre sacar un disco de versiones, otro minimalista casi sin instrumentos y otro «extremadamente bailable» porque también se acerca a las pistas de baile a su manera una de las canciones principales de la tercera parte, ‘Only You Know’. Una tercera parte en la que el tema estrella es ‘Masquerade’, en el que conviven las voces distorsionadas con cierto espíritu electropop e incluso algún sinte que recuerda a los tiempos de Ofra Haza y Enigma. Las voces susurradas de ultratumba a mitad de la grabación nos hacen pensar que Beach House -como hizo Thom Yorke- también podrían musicar una adaptación de Dario Argento.
Estamos en 2022 y parece obligatorio quejarse por todo, por lo que supongo que hay quien ha recibido ‘Once Twice Melody’ cansade incluso de estas primeras 13 canciones, lamentando que sólo quedaran 5 grabaciones nuevas en las que sumergirse. Pero es que esas 5 canciones que hemos conocido esta semana también han merecido la pena, pues varias de ellas están a la altura de lo mejor que han hecho los autores de ‘Bloom‘ y ‘Teen Dream‘. Los sintes de ‘Finale’ no son tan lejanos a la moda italo disco, ‘Hurts to Love’ es una de las composiciones más inmediatas que jamás hayan entregado Beach House, logrando que todo fan de Stereolab o Magnetic Fields se derrita ante la ausencia de unos y otros; y atención a las dos últimas pistas. Mucho se está escribiendo sobre el gran cierre de ‘Modern Love Stories’, que deriva en guitarra acústica, algo muy raro para Beach House… pero la sencilla ‘Many Nights’ resulta una de sus más hermosas nanas.
Sí hay algo de continuismo aquí: ‘Through Me’ o ‘New Romance’ son cosas que ya nos han contado antes en distintas etapas de su carrera. La diferencia está en los detalles. Las cuerdas orgánicas aportadas por David Campbell por ejemplo en ‘Pink Funeral’ son un tanto Western, en una canción que apela a la muerte y al ‘Lago de los Cisnes’, o como sugiere alguien en Genius, quizá más bien a ‘Black Swan’. El tratamiento de las voces es cada vez más y más atrevido, como se aprecia en una parte de ‘Over and Over’. ‘ESP’ y ‘Sunset’ nos transportan a la era hippie, esta última con su letra tan floral. ‘Another Go Around’, que parece como producida por Enya, se compone de tan sólo 2 versos con la tranquilidad sabia de un Leonard Cohen, mientras el estribillo de ‘The Bells’ te lleva a los cielos de una manera en que solo conseguían el autor de ‘Hallelujah’… y ABBA.
Hablan las canciones de ‘Once Twice Melody’ de desamor y desencuentros de una manera directa no siempre vista en los textos de Legrand. En ‘New Romance’ la oímos entonar un estribillo que dice «I-L-Y-S-F-M», es decir «te amo jodidamente tanto». También nos hablan de contemplar las estrellas, de «siglos de luz» y «rubíes en el pelo» (‘Illusion of Forever’) con el lirismo y el nivel de abstracción que siempre adoramos en el misterioso dúo, que aún a día de hoy no aclara su hipotética pertenencia al colectivo LGTB+ ni el amor platónico entre ambos. Y no es casualidad que a todo el mundo le dé igual. Para todos aquellos que sintieron algo tumbados frente a una noche de verano, este nuevo disco de Beach House es otro objeto de coleccionista, otro tesoro, incluso aunque tengamos que aguardar hasta abril por el placer de abrazarlo; el que supone disfrutar de un universo en inagotable expansión y formación.
“Music in the woods”: así se anuncia el Covaleda Fest, un festival en plena naturaleza que ha agotado sus primeras 5.000 entradas en cuestión de horas. Tendrá lugar en el recinto del Raso de La Nava en Soria entre el 4 y el 7 de agosto, y cuenta con varias opciones de alojamiento.
Una selección muy joven y novedosa de artistas hacen de este festival una opción atractiva para este verano, con nombres como Rojuu, Rusowsky, Luna Ki, Hens, Sticky M.A., Mori, Chico Blanco o La La Love You, además de distintas actividades relacionadas con la naturaleza y la sostenibilidad: “pasarelas, exposiciones, showcookings, market”… Tanto la sostenibilidad como la tolerancia y el respeto de culturas, colectivos y géneros se fomentarán a lo largo de los días, según la nota de prensa.
En cuanto a la zona de descanso, Covaleda cuenta con un camping en el propio recinto, un glamping como opción más exclusiva y un parking de autocaravanas para los que prefieran viajar de esta manera. Los abonos del alojamiento se pondrán a la venta próximamente.
Hasta agosto, el festival ha organizado varios conciertos bajo el lema “Road to the woods”, con los que acerca algunos de los artistas que estarán presentes en Covaleda a nuestras ciudades. De momento está programado el concierto de La La Love You en Gijón el 18 de marzo y todavía quedan entradas.
Tras el sold out en 6 horas de los primeros 5.000 abonos que salieron desde un precio de 19,90€, la organización ha abierto un nuevo cupo de 2.500 abonos, esta vez a un precio de 49.90€ . Una vez agotadas, los precios se seguirán incrementando hasta llegar a los 15.000 asistentes al festival. Pueden comprar los abonos aquí.
Hercules & Love Affair ha anunciado que su nuevo disco sale el 17 de junio. ‘In Amber’ llegará cinco años después del notable ‘Omnium‘ con la particularidad que ANOHNI ha formado parte de la composición de las canciones de manera relevante.
Andy Butler y ANOHNI han escrito juntos «buena parte» de este trabajo en palabras del líder de Hercules & Love Affair, pero se desconoce si también ha participado en la grabación de voces. No hay que olvidar que ANOHNI es intérprete de la canción más famosa de la banda, ‘Blind’ (entonces firmaba como Antony and the Johnsons), y tampoco que volvió a colaborar con «Hercules» en un remix de ‘Raise Me Up’ publicado en 2019.
‘Grace’, el primer adelanto de ‘In Amber’, incluye a ANOHNI en los créditos de composición, pero no es ningún rompepistas. La canción llega marcada por el sonido de una diáfana melodía de piano y alberga un punto afrobeat en el ritmo de tambores y punteos de guitarra, pero sobre todo transmite una atmósfera de calma y serenidad más próxima en realidad a The xx, mientras en la letra Andy clama no necesitar permiso de nadie para ser quien es.
‘In Amber’ contará también con las colaboraciones de Budgie de Siouxsie and the Banshees, la cantante islandesa Elin Eyþórsdóttir y el multiinstrumentista Reinhard Vanbergen, y el videoclip de ‘Grace’ se estrenará oficialmente en Youtube esta tarde a las 16 horas.
1. Grace
2. One
3. You’ve Won This War
4. Christian Prayers
5. Dissociation
6. Contempt for You
7. Gates of Separation
8. Killing His Family
9. Who Will Save Us?
10. The Eyes of the Father
11. Poisonous Storytelling
12. Repent
Metronomy ha vuelto este año con un nuevo disco llamado ‘Small World‘ que es todo lo contrario al anterior: sencillo, corto, conciso. Es el disco post-pandemia de Joseph Mount y la experiencia colectiva del confinamiento ha sido una de sus inspiraciones, así como la naturaleza. Hablamos con el músico británico vía Zoom sobre este trabajo que sí podrá presentar en directo, como ya está haciendo en una gira que pasa por España en muy pocos días: el 4 de marzo estará en La Riviera de Madrid, el 5 en la sala Moon de Valencia, y el 6 en la Razzmatazz 1 de Barcelona.
El disco está inspirado en parte por la naturaleza, pero leyendo las letras no me queda muy claro dónde está esa inspiración.
Es más bien una cosa estética, cuando haces música que se inspira en el mundo natural no significa que las canciones incorporen sonidos de pájaros, sino que evocan una atmósfera. Cuando el ser humano interactúa con la naturaleza, esa interacción es muy simple y está totalmente sometida a los sentidos: lo que sucede y lo que escuchas es lo mismo, nada se altera. El disco es parecido, la instrumentación es simple y lo que ocurre en los oídos no es demasiado complicado.
El disco suena sencillo, que no simple.
En todos los años que Metronomy lleva en activo y he hecho muchas cosas y experimentado con diferentes sonidos, y con ‘Small World’ quería descubrir cómo sonaría un disco de Metronomy si nunca hubiera usado sintetizadores ni hecho música electrónica, quería liberarme de la idea de lo que se supone que es el grupo.
¿Has trabajado con la idea de hacer un disco conciso?
El disco anterior traía 17 pistas, era épico, y esta vez quería hacer un disco más corto, aunque parte de la razón por la que ‘Small World’ es corto es porque el año pasado saqué un EP con cinco canciones y artistas invitados, y publicar ese trabajo me permitió centrarme en que este nuevo disco fuera más conciso y cohesivo.
«Llevé estupendamente no salir de gira, no me venía un mal un descanso»
Cuando aludes a un “mundo pequeño”, ¿qué quieres decir?
El título posee dos significados, ambos relacionados con la pandemia. Yo me dedico a tocar y hacer giras y normalmente viajo mucho, pero con la pandemia de repente todo mi mundo se redujo a las cuatro paredes de mi casa y a todo lo que había en su interior, como mis hijos y mi prometida. Sin embargo, esta sensación de aislamiento en realidad era compartida a nivel global, porque todo el mundo se encontraba en la misma posición. Cuando compartes una experiencia de este tipo con el resto del mundo te das cuenta de que el mundo no es un lugar tan grande por mucho que nos separen distancias geográficas o económicas.
¿Cómo tiraste adelante durante el confinamiento?
Me centré en lo que había a mi alrededor. Tengo hijos y mi prometida y yo les impartíamos clases ya que no podían asistir a la escuela. E imaginaba cómo era mi vida antes de todo aquello… Mi profesión se convirtió de repente en un recuerdo.
¿Cómo llevaste no poder dar conciertos?
¡Lo llevé estupendamente! (ríe) Llevo desde 2006 haciendo giras y no me vino mal un descanso. El problema llegó cuando parecía que aquello no iba a tener fin, y que quizá ya no volvería a salir de gira nunca más. Hubo mucha incertidumbre… Y hay que tener en cuenta que en las giras no solo trabajan los artistas, sino que también trabajan cientos de miles de personas empleadas en los conciertos que también se quedaron sin trabajo y no sabían cuándo iban a volver.
El disco es optimista, pero tiene un fondo melancólico, ¿te interesa ese contraste?
Quería escribir canciones que reflejasen el estado de ánimo en el que me encontraba en aquel momento. Fue un placer estar en casa y disfrutar de mi familia pero también pasé incertidumbre por lo que sucedería con mi carrera, estaba preocupado por otros miembros de mi familia, por mis amigos y por la gente en general…
«El mundo no tiene otra opción que retirar las restricciones, es una cuestión económica»
En Reino Unido ya han quitado todas las restricciones.
El mundo no tiene otra opción. Es una cuestión económica, los países para que funcionen tienen que estar activos. En Reino Unido han tomado medidas un poco agresivas y mucha gente no está cómoda con la idea de que todos los sitios vuelvan a estar abiertos, pero es lo que tienen que hacer.
‘It’s good to be back’ llama la atención en el disco, como que pega pero no. ¿Es de las últimas que escribiste?
Es una canción que trata de estudiar las necesidades de la industria de la música desde una perspectiva externa y con un punto de humor. Un ejecutivo discográfico que se encontrase con un disco «introvertido» de Metronomy sobre «volver a las raíces», sugeriría que el grupo necesita hacer algo para «conectar con la gente joven». En ‘It’s good to be back’ intento hacer un beat de tecno, pero no entiendo el tecno y le añado una guitarra acústica. La canción empieza con ironía, pero se convierte en una cosa genuina.
Hay algo de easy-listening en ‘Things will be fine’ o en las cuerdecillas de ‘Right on time’. ¿Con qué referencias has trabajado en este disco?
Todo viene de la misma fuente, pero diría que más de los 60, lo que referencio son los artistas posteriores que se inspiraron en esa época, como los Dexys Midnight Runners. Más que la música original, me inspiro en el revival.
Aparte de escuchar música en el coche de tus padres, ¿qué otros recuerdos de tu infancia atesoras?
Cuando tienes hijos te das cuenta que, muchas veces, aquello que te emociona de pequeño se queda contigo y moldea la persona en la que te conviertes. Yo recuerdo la primera vez que vi ‘Jungla de cristal’ o que jugué a la Nintendo… son momentos que parecen insignificantes pero que después se convierten en recuerdos.
¿Cómo será el show que preparais?
¡Aún estamos en ello! Sea como fuere estaremos muy emocionados de poder tocar para los fans otra vez. Por supuesto habrá atrezzo y visuales pero lo más grande será la emoción de volver a subirnos a un escenario.
Entre los grandes temas que nos ha dejado 2022 y que nos ha descubierto nuestro compañero Raúl Guillén en su playlist Flores en el estiércol, está el tema principal del próximo disco de Lucius. El proyecto de Holly Laessig y Jess Wolfe debutaba en 2013, publicando un segundo disco en 2016, ‘Good Grief’. En este tiempo han realizado grandes colaboraciones como la vista en la mejor canción del último de The War on Drugs, o la ideada junto al mismísimo Harry Styles en este directo.
‘Next to Normal’, hoy nuestra «Canción del Día», al igual que el ya conocido single baladesco ‘White Lies’, estarán incluidos en ‘Second Nature’, el nuevo disco de Lucius que saldrá a la venta el próximo 8 de abril. También contendrá una colaboración con Brandi Carlile, con quien trabajaron en el que ha acabado siendo el mayor hit de su carrera, ‘You and Me on the Rock‘.
El álbum de Lucius ha sido co-producido por la misma Brandi Carlile y documenta cuestiones como la maternidad, el divorcio o el parón de su carrera musical, si bien no pretende «asentarse en los momentos difíciles, sino bailar a través de ellos». Y eso es lo que consigue ‘Next to Normal’, un tema alejado de sus sonoridades más country, para acercarse en cambio a los ritmos disco en un tema que muchos canturrearán con su mejor falsete, y que tiene un punto de comicidad en una letra que las muestra «sin habla»: «Cuando estoy a tu lado, soy algo parecido a normal, me siento inmortal, estoy colocada pero sin la paranoia». A destacar una producción ambiciosa por la que lo mismo se podrían asomar Black Keys que Björk en su momento más absorbente.
1. Second Nature
2. Next To Normal
3. 24
4. Heartbursts
5. Dance Around It (feat. Brandi Carlile and Sheryl Crow)
6. The Man I’ll Never Find
7. Promises
8. LSD
9. Tears in Reverse
10. White Lies
Yaunest es uno de los nuevos nombres que has podido descubrir en la playlist Sesión de control que renovamos cada miércoles. Su single lleva ya varios días rotando en redacción: su sonido de pop retro es un soplo de aire fresco.
Tras Yaunest se encuentra Jaume, un cantautor y vocalista empordanés que en su música «habla sin grandes ornamentaciones líricas, con sencillez y sinceridad, sobre el amor, la frustración, las inseguridades, el miedo al conformismo, a estancarse en una vida aburrida que no desea, y sobre rebelarse frente a las cosas que no nos hacen felices». El dúo de productores catalán b1n0, formado por Emili Bosch y Malcus Codolà, le acompaña en la producción.
El primer EP de Yaunest ‘Wonder Room’ verá la luz en primavera a través de Foehn Records, y llega con el apoyo de este single llamado ‘Broken Bones, Wasted Time’ en el que hoy nos detenemos. Un tema de corte bedroom-pop en baterías y guitarras, en forma de balada, que incorpora el sonido de unas cuerdas que suenan extraídas de una película romántica de los años 40 o 50.
Es una canción ensoñadora que transmite ese mismo romanticismo a través de la letra, con un estribillo que clama «prefiero echarte de menos sesenta veces al día, que ver cómo nuestro amor se desvanece», en alusión a una relación que ha llegado a su fin entre «peleas interminables». Hablamos con Yaunest sobre su proyecto y la Canción Del Día:
¿Cómo surge el proyecto de Yaunest?
Pues el proyecto nace de un par de canciones hace tiempo que tenía ganas de producir y grabar. No me atrevía demasiado a enseñarlas, pero acabé viendo qué necesitaba hacer algo con ellas para mi salud mental y me tope con Emili en el momento adecuado. Fue gracias a un colega, Marc, que me insistió en que tocara uno de estos temas un día que estaba de visita en Cardamomo, el estudio de los hermanos Bosch. A Emili le moló el tema y hablamos de cerrar algunas fechas.
¿Has estado antes en otras bandas o proyectos musicales?
Estuve en una banda de los 15 a los 18 con mis colegas del pueblo versionando la mayor parte del repertorio de The Strokes, Creepy Gentleman, nos llamábamos, hicimos algunos temas nuestros pero poco más, fueros unos años muy divertidos. Ahora mismo aparte de Yaunest también estoy tocando el bajo en el proyecto de MTINES, donde me divierto mucho.
¿El nombre de dónde viene?
Hahaha suponía que tendría que explicarlo en algún momento: Yaunest viene de una tergiversación de mi nombre, me llamo Jaume y, cuando se ponían finos, la mayoría de mis colegas me solían gritar yaume o yaune y se me quedó durante un tiempo. Al final se convirtió en Yaunest por ser en mejor que Yaune, que pudo ser, es una tontería heavy, pero ahí está.
Tu single tiene sonidos muy retro, tipo años 40/50. ¿Te inspira la música de la época? ¿Algún artista o canción en concreto?
La verdad es que sí, sobre todo durante el momento de componer y pensar este tema estaba escuchando un montón de canciones de la época y creo que el rollo pegaba mucho con el mensaje de la letra. Lo que más me molaba era cómo funcionaban las estructuras y los pequeños detalles como subir de tono para alargar los estribillos o finales, creo que estas partes definen mucho el estilo y ya no se usan demasiado. ‘Who’s Sorry Now’ de Connie Francis y ‘My Special Angel’ de The Vogues fueron los dos temas a los que más me enganché.
La producción es de b1n0, que son conocidos por sus beats electrónicos. ¿Cómo llegas a trabajar con ellos?
Sí produje el EP entero con Emili Bosch de b1n0 y estoy súper contento. Emili trabaja muy bien el timbre en los proyectos en los que se involucra y me ayudó mucho a definir el camino sonoro por donde dirigir el EP. Sabíamos que la electrónica en los beats no encajaba demasiado pero enseguida conseguimos encontrar lo que buscábamos para dar otra identidad al proyecto.
¿Algo que puedas adelantar de tu inminente EP?
Me gusta pensar en el EP como en un espacio donde he podido experimentar con hacer la música que me gusta y esto quizá me ha llevado a ir de lo retro a sonidos más actuales, creo que todo tiene coherencia pero hay distintos terrenos que intento explorar.
Renovamos nuestra playlist «Sesión de Control» con las últimas novedades del pop en castellano. Triángulo de Amor Bizarro acompañan a Biznaga en el segundo adelanto del álbum de estos, un tanto The Cure en melodía. También Joe Crepúsculo, Dorian, Antònia Font, Soledad Vélez y Compro Oro continúan entregando singles de sus inminentes nuevos álbumes. En el caso de Escuelas Pías, ‘Los chicos salvajes’ es el primer adelanto del álbum que sacan este mismo viernes 25 de febrero.
Hay nuevos temas de habituales del site, como Rorro, La Plata, Ganges… y Mueveloreina publicaban un single especial por San Valentín inspirado en su «crush», Tom Cruise. Alice Wonder ha publicado su segundo sencillo este año tras ‘BOO’. Por su parte, One Path se suma a una de las canciones que ya nos habían conquistado de Valdivia, ‘La Cruz’.
Han salido los álbumes de Summer Spree, Ofrenda Floral y Estrella Fugaz. Entre los noveles, destacamos a AKA Matador (en la imagen) o 6orka, el proyecto de un joven vasco residente en Cataluña inspirado por el hyperpop de 100 gecs, AG Cook o PUTOCHINOMARICÓN.
Selbor, residente en UK, se inspira en el house noventero y el synth-pop de gente próxima a DFA como Hot Chip. El dream pop está representado por el dúo Capricornio Uno, el shoegaze por Salvana, el synth-pop por Fominder y el R&B con matices por la catalana Gigi Ros.
Sería lo fácil argumentar que Taylor Swift convierte en oro todo lo que toca, pero 2021 sí presentó un pequeño nubarrón en su discografía: sus dos colaboraciones con Big Red Machine, el proyecto de Aaron Dessner (The National) y Justin Vernon (Bon Iver), que no ha podido pasar más desapercibido tanto en las listas de éxitos como en las listas de lo mejor del año. Su álbum ‘
Cargando ...
