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No, las ventas de ’30’ de Adele no son nada decepcionantes

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’30’ de Adele es obviamente número 1 en medio mundo, pero los expertos en charts llevaban toda la semana aguardando a la gran cuestión: «¿pero con qué datos?». Parece haber cierto mal sabor de boca en ciertos foros porque el disco no ha igualado los récords de ’25’, pero hay que tener en cuenta varios factores:

1) el mercado ha cambiado mucho en 6 años, las ventas han decaído incluso más.
2) ’25’ no se publicó en las plataformas de streaming a su lanzamiento en noviembre de 2015, sino en junio de 2016, esto es, varios meses después.
3) el vinilo de ’25’ es doble y su precio es por tanto mucho mayor, hasta 34 euros en Amazon. Ahí habrá que hablar de beneficios en lugar de ventas puras.

En cualquier caso, mientras ‘Easy On Me‘ continúa en el número 1 a nivel global de Spotify, posición que parece que ya va a mantener hasta la llegada de la Navidad, el disco ha entrado en la primera posición en casi todos los mercados que publican sus listas los viernes: Alemania, Australia, Irlanda, Noruega, Holanda, Suecia… se le ha escapado, eso sí, el top 1 en Italia y Francia en favor de talentos locales. En ambos casos es top 2.

Las cifras que se conocen son buenas, aunque no espectaculares. En Reino Unido Adele ha vendido 261.000 unidades en 7 días. Es verdad que las 800.307 semanales de la semana de debut de ’25’ han quedado muy lejos, pero también lo es que son las ventas más altas de todo 2021, superando los récords previos de ABBA, Ed Sheeran y Coldplay. ¿En qué medida puede ser una decepción continuar siendo quien más vende? ¿Es que ya nadie recuerda qué pasó con Alanis Morissette, James Blunt o Dido?

En Estados Unidos, los datos son excelentes también. A mediados de semana Adele llevaba el equivalente a 660.000 copias vendidas, siendo 560.000 ventas puras, por lo que al final serán unas 800.000 unidades las despachadas en EE UU. Se rondarán 2 millones a nivel global para la primera semana, triplicando o casi lo que Ed Sheeran lleva en 3 semanas, e igualando lo que lleva Drake en 11 semanas para ‘Certified Lover Boy’. ¿De verdad, con este panorama, hay quien prefiere ver el vaso medio vacío?

Parece difícil, además, que el disco pierda fuelle en Black Friday y Navidad: el disco al completo continúa en el top 100 de Spotify como si Adele fuera una trapera o el disco tuviera featurings, y a poco que Sony juegue sus cartas con la buena aceptación comercial de ‘Can I Get It’ y sobre todo ‘Oh My God’, otro nuevo macroéxito está ya cocinado. ¿Se venderán 20 millones de unidades? No… pero avisadnos cuando alguien lo repita.

Sen Senra sigue sin dar paso en falso

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Entre las novedades que ha dejado el viernes se encuentra el nuevo single de Sen Senra. El gallego sigue sacando single sueltos de cara a la celebración de los conciertos más importantes de su carrera, que tendrán lugar el próximo mes de enero en el Palau Olímpic de Barcelona y en el WiZink Center de Madrid, y todos estos singles están resultando más aciertos en su discografía.

Si ‘Globo’ exploraba otra vez su vena «acústica», de guitarra y voz, aunque con el añadido de un segmento final más electrónico y épico, para dar con otra de esas composiciones adictivas que Sen Senra parece crear en un abrir y cerrar de ojos, ‘Te va a ser mejor’ profundiza en esta última premisa de nuevo bajo la producción del mexicano Manuel Lara, que ha trabajado con Bad Bunny en su último disco y ha producido ‘Globo’ y la -esta sí- fallida ‘De ti‘ con Julieta Venegas.

‘Te va a ser mejor’ destaca por el protagonismo de sus explosivas baterías (programadas), que marcan un tempo inusual y casi parecen mirar a Radiohead como inspiración. No tantas canciones de Sen Senra se enfocan en el ritmo pero ‘Te va a ser mejor’ sale completamente airosa del experimento gracias a la intuición melódica de Sen Senra y a su particular fraseo, que aquí se encuentran al servicio de una composición que expresa un gran sentimiento de libertad.

¿A qué libertad se refiere Sen Senra? A la artística. ‘Te va a ser mejor’ no es la primera canción en la que el artista habla sobre su arte o el éxito (‘Perfecto’ es una de ellas) y aquí nos cuenta que «cuido lo mío con cada detalle» y que «no voy a doblarme si estoy tocando el cielo». Menciona el Titanic, deja otra de esas frases suyas («producto fresco, el tuyo de congelador») y te convence de que en su arte «no hay lugar al fallo, no hace falta garantía». ¿Alguien puede dudarlo?

Muere Stephen Sondheim, el hombre que revolucionó Broadway

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A pocos días del estreno del remake de ‘West Side Story’ de Steven Spielberg, recibimos la triste noticia del fallecimiento de Stephen Sondheim, el famoso compositor y letrista de su banda sonora, así como de otros muchos musicales que cambiaron Broadway para siempre. ‘West Side Story’ fue su primer trabajo en 1957, con música de Leonard Bernstein, una obra que nunca ha muerto, y para muestra que este mismo viernes de su fallecimiento, se publicara una revisión de grandes nombres de hoy como Kali Uchis y Ozuna, para el citado remake.

Stephen Sondheim ha fallecido a los 91 años -sonada fue su celebración online de los 90, con todo tipo de celebridades-, como han informado fuentes cercanas al artista a The New York Times. La noche anterior había celebrado con amigos la cena de Acción de Gracias. Influido por Irving Berlin, Cole Porter y sobre todo por los hermanos Gershwin, fue conocido por llevar al teatro letras inteligentes de problemática social, en lugar de meramente hedonistas o vacuas.

En el año 2000 The New York Times publicaba una muy recomendable entrevista en profundidad con el artista, con motivo de su 70º cumpleaños, en la que se le retrataba como un hombre solitario, gran amante de la ironía, «clínicamente objetivo sobre cada aspecto» y también como un buen bebedor. En un momento el entrevistador le pregunta «cuando creciste…», y Sondheim interrumpe para revelar que «nunca creció». Que «nunca maduró».

En la charla se analiza cómo sus letras trataban cuestiones tan espinosas y revolucionarias para los musicales de la época como los asesinatos políticos, el imperialismo cultural, el homicidio masivo, la creación del arte, el miedo a la intimidad o el miedo a la muerte. Sondheim, que salió del armario a los 40 años -nada mal, por otro lado, para 1970-, vivió solo hasta los 61 años, cuando conoció a Peter Jones, y solo fue en 2017, con 87 años, que contrajo matrimonio con Jeffrey Scott Romley.

Entre los Premios que recibió destacaron 8 Premios Tony, un Pulitzer, la Medalla Presidencial de la Libertad que en 2015 le otorgó Obama y un Oscar a Mejor Canción por ‘Sooner or Later’ de Dick Tracy, interpretada por Madonna. Existe un documental sobre su vida llamado ‘Six by Sondheim’.

Entre sus trabajos más reconocidos estaban ‘Company’, ahora mismo revisitado por Antonio Banderas en Málaga, ‘Follies’, ‘Into the Woods’ y ‘Sweeney Todd’. Entre sus composiciones más populares figuran ‘Send in the Clowns’ en la interpretación de Barbra Streisand para ‘A Little Night Music’, aparte de esa melodía de ‘West Side Story’ que ha trascendido todo tipo de fronteras y generaciones.




Rosalía logra su 6º top 1 en JNSP; The Weeknd, el 5º

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El número 1 oficial en España y el número 1 de JNSP coinciden muy pocas veces, y esta semana es una de esas excepciones. Rosalía y The Weeknd ascienden a la cima de nuestro site con ‘La Fama’, un tema que además ha conseguido entrar en el Billboard Hot 100 por los pelos, en el número 94.

Se trata de la 6ª vez que Rosalía encabeza el humilde top 40 de JENESAISPOP, habiendo sido las anteriores ‘Malamente’, ‘Piensa en tu mirá’, ‘Di mi nombre’, ‘Aute Cuture’ y ‘Dancing in the Park’ con James Blake. En el caso de Abel Tesfaye, es el 5ª, si bien en su caso, ha sido número 1 de nuestra lista en la mitad de los casos con featurings: ‘Elastic Heart’ con Sia y ‘Lust for Life’ con Lana del Rey. Solo en los últimos meses ha conseguido dos números 1 él solo: ‘Blinding Lights’ y ‘Take My Breath’.

En otro orden de cosas, Taylor Swift llega al puesto 3 con ‘All Too Well’, y también encontramos nuevas entradas destacadas de Big Thief, The War on Drugs, Snail Mail, León Benavente y Self Esteem. En los dos últimos puestos aparecen Summer Walker y Yarea.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 La fama Rosalía, The Weeknd Vota
2 2 2 2 Superstar Beach House Vota
3 3 1 All Too Well (Taylor’s Version) Taylor Swift Vota
4 5 4 2 24 Hours Agnes Vota
5 10 2 6 Cold Heart Elton John, Dua Lipa, PNAU Vota
6 4 4 2 New Shapes Charli XCX, Christine and the Queens, Caroline Polachek Vota
7 12 7 2 The Only Heartbreaker Mitski Vota
8 1 1 4 Julio Iglesias Rigoberta Bandini Vota
9 23 9 3 Algo es mejor Mon Laferte Vota
10 17 5 5 Moth to a Flame Swedish House Mafia, The Weeknd Vota
11 15 3 6 Por España Samantha Hudson, Papa Topo Vota
12 11 2 8 Yo invito Amaia Vota
13 13 1 Change Big Thief Vota
14 14 1 I Don’t Live Here Anymore The War on Drugs, Lucius Vota
15 6 1 9 Don’t Shut Me Down ABBA Vota
16 14 14 2 Smoking Out the Window Silk Sonic Vota
17 8 2 6 Easy on Me Adele Vota
18 3 3 3 Bruxelles je t’aime Angèle Vota
19 22 16 5 Dopamine Purple Disco Machine, Eyelar Vota
20 24 2 11 Arcadia Lana del Rey Vota
21 27 1 12 Good Ones Charli XCX Vota
22 9 2 4 Speaking With Trees Tori Amos Vota
23 7 3 7 Ateo C. Tangana, Nathy Peluso Vota
24 29 2 25 Love Again Dua Lipa Vota
25 31 2 28 Please Jessie Ware Vota
26 35 14 6 Ptazeta: Bzr Music Sessions 45 Bizarrap, Ptazeta Vota
27 27 1 Valentine Snail Mail Vota
28 28 1 Líbrame del mal León Benavente Vota
29 29 1 I Do This All The Time Self Esteem Vota
30 13 6 5 Beautiful Life Michael Kiwanuka Vota
31 20 20 3 Medalla de oro Algora Vota
32 28 2 14 Hot N Heavy Jessie Ware Vota
33 39 8 12 Linda Tokischa, Rosalía Vota
34 30 11 5 Soy un rayo Morreo Vota
35 34 4 10 Ya no vales Alizzz, C. Tangana Vota
36 36 1 10 THATS WHAT I WANT Lil Nas X Vota
37 37 15 5 On s’aimera toujours Coeur de Pirate Vota
38 38 17 5 Una sola vez Coque Malla Vota
39 39 1 No Love Summer Walker, SZA Vota
40 40 1 Espiral Yarea Vota
Candidatos Canción Artista
Narciso Delaporte Vota
El don de la ternura Nacho Vegas Vota
Quiero pero no Amaia, Rojuu Vota
The Walls Are Way Too Thin Holly Humberstone Vota
Too Good Arlo Parks Vota
Hot Tahiti 80 Vota
love nwantiti CKay Vota
Ayer Soleá Morente Vota
Una rosa Lorena Álvarez Vota
Bipolar Vega Vota

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Último día de ENVIOGRATIS en la tienda de JENESAISPOP

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Desde que empezó la pandemia, casi el 50% de los ingresos de JENESAISPOP han procedido de las ventas de nuestra tienda online, es decir, el site se sostiene, y hemos podido seguir contando con firmas invitadas y redactores, gracias a los miles de personas que os habéis comprado nuestro libro con los mejores discos del siglo XXI, un tote, una camiseta, los libros de nuestro colaborador Juan Sanguino, o todo a la vez.

En agradecimiento al público y con motivo del BLACK FRIDAY, los envíos vuelven a ser gratis en nuestra tienda online a partir de 10 euros de compra, y hasta el próximo Cyber Monday, es decir el lunes 29 de noviembre, a las 23.59 horas. Para disfrutar de este descuento, solo tenéis que utilizar el código ENVIOGRATIS en vuestro proceso de compra (sólo válido para Península y Baleares) una vez dentro del carrito.

Una oportunidad especial para que celebremos que hoy cumple un año el libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’, un libro de 210 páginas a todo color y tapa dura que sólo ha recibido palabras buenas y agradecidas por parte de sus compradores; o para que se lo regaléis a alguien esta Navidad, teniendo en cuenta que ya quedan pocas copias.

Y también para que os hagáis con uno de los dos libros que nuestro colaborador más deslenguado, Juan Sanguino, ha publicado en distintas editoriales: ‘Generación Titanic‘, sobre las películas de los 90 que marcaron nuestra vida, y ‘Cómo hemos cambiado‘, sobre la transformación de España a través de la cultura pop, de ‘Operación Triunfo’ a la leyenda urbana del perro, la mermelada y Ricky Martin.

Es también la última oportunidad para haceros con una camiseta LA JENI. Las tallas S, M y XL están agotadas en el modelo rosa, es decir, sólo quedan tallas L. Mientras en el modelo blanco, las tallas M y XL están también a punto de agotarse.

Es por esto que los packs de LIBRO + CAMISETA + TOTE, LIBRO + CAMISETA o CAMISETA + TOTE ya solo están disponibles en la talla L. Más «items», próximamente. ¡Mil gracias por seguir ahí!

Kanye West habla sobre su matrimonio y salud mental en su mensaje de Acción de Gracias

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Kanye West ha compartido a través de sus redes sociales su particular oración por Acción de Gracias, celebrada anoche. Se trata de un vídeo de cinco minutos en el que le acompaña el coro Sunday Service y que aborda la separación de Kim Kardashian, su salud mental y su intento de llegar a la Casa Blanca.

“Hola, mi nombre es Ye y este es mi súper súper súper súper súper larga oración por Acción de Gracias”, comienza diciendo haciendo referencia a su nuevo nombre legal. “En esta Acción de Gracias, estoy agradecido por mi familia, mis fans y nuestros haters, os queremos también en Acción de Gracias y en la mañana de Navidad, no la noche anterior o el día, sólo en la mañana”, continúa. “Todo en lo que pienso cada día es en cómo reunir a mi familia de nuevo y cómo sanar el dolor que he causado. Tomaré responsabilidad por mis actos”, reconoce.

“Señor, a mi esposa no le gusta que vaya con la gorra roja (con el mensaje “Make America Great Again”). Es una buena esposa, sólo quiere protegerme a mí y a mi familia. He hecho de mí y de mi familia un objetivo por no estar alineado con la postura política de Hollywood y eso ha sido duro para nuestro matrimonio”, confiesa.

Además, Kanye West ha querido hablar sobre su candidatura fallida para la presidencia de Estados Unidos en 2020. Explica que se presentó sin tener una adecuada preparación y sin aliados en ninguno de los bandos. Reconoce que avergonzó a su mujer a la hora de presentar información de su familia durante la única rueda de prensa que dio.

Para finalizar con su oración, habla sobre su hospitalización hace cinco años. “Tuve un episodio maniático y estuve bajo una fuerte medicación. Desde entonces la tomo de forma interrumpida, lo que me hace susceptible a otros episodios que mi esposa, mi familia y los fans han tenido que soportar.”

Esta semana se han conocido las nominaciones de los GRAMMYs 2022, y a Kanye West junto a Taylor Swift, les incluyeron en las cuatro grandes categorías a última hora. La Academia decidió ampliar el número de nominados a 10 justo el día de antes del anuncio, según informa The New York Times.

Ye y Taylor se unieron a la lista de nominados al Álbum del Año con ‘Donda‘ y ‘evermore’, respectivamente. Por otra parte, en la lista de Grabación del Año se añadió a Lil Nas X con ‘Montero (Call Me by Your Name)’ y a ABBA y su ‘I Still Have Faith in You’. ‘Kiss Me More’ de Doja Cat junto a SZA y ‘Right on Time’ de Brandi Carlile, se unieron a los nominados para Canción del Año. Y finalmente Arooj Aftab y Baby Keem fueron los añadidos en la categoría de Artista Revelación.

The Times ha podido dar esta información ya que tuvo acceso a una lista “final” de los 8 nominados en las cuatro grandes categorías, que estaba en circulación antes del anuncio oficial. Por su parte, el presidente de la Academia y CEO, Harvey Manson Jr, explica que estas incorporaciones «ayudan a que los GRAMMYs tengan más espacio para más música, más artistas y más géneros, además de abrazar el espíritu de inclusión”. Aunque también admite que estas adiciones de última hora simplemente son los candidatos en el puesto octavo y noveno en la clasificación de votos de la Academia.

‘Espíritu Sagrado’ es una de las grandes sorpresas de la temporada

Chema García Ibarra, premiado director de cortos que ha estado ya en Sundance, Berlín y Cannes, llega al largometraje sin renunciar a sus principios: rodar con actores no profesionales, a las que graba en toda su particularidad, la indefinición de géneros pululando entre la comedia y el drama, y cierto gusto por el costumbrismo español. Lo cercano de sus personajes le podría entroncar con Pedro Almodóvar, Paco León o Muchachada Nuí, sólo que le atrae tanto el cine fantástico que habría que situarle más bien en la escuela de Carlos Vermut.

Como ‘Magical Girl‘, ‘Espíritu Sagrado’ no es una película apta para todos los públicos. Tiene sus momentos incómodos y no se la recomendarás a tus padres, pero si como Chema García Ibarra has nacido en España en 1980, su retahíla de referencias y detalles te van a volar la cabeza, entre los Supermercados Tiburón, la versión de Cranberries de Los Sobraos y esa vecina con toda la pinta de ser votante de VOX que parece recién salida de ‘El año del descubrimiento‘.

Y es que ‘Espíritu Sagrado’ no es un ejercicio de nostalgia como ‘Las niñas‘ -enorme por otros motivos- o ‘Yo también fui a EGB’. Pese a compartir referentes temporales, en muchos sentidos es más bien hija de esa locura Tumblr/Instagram/TikTok que está permitiendo que situemos en el mismo plano de nuestro cerebro -que nos afecte lo mismo- una tragedia mundial que el meme de un gato.

La película nos sitúa en Elche, la ciudad del director, centrándose en la vida de 5 miembros de una asociación ufológica llamada Ovni-Levante. Al mismo tiempo nos cuenta la desaparición de una niña, cuya hermana gemela se está utilizando para realizar su búsqueda. A partir de ahí, ‘Espíritu Sagrado’ consigue dejarte con la boca abierta, entre el delirio y el desconcierto total. De la misma manera que no tenía sentido que ‘Zombie’ pudiera ser vista como una canción celebrativa y bailable, llena de palmas, pues estaba narrando la muerte de 2 niños a manos del IRA, es turbador que en muchos de sus puntos la película sea tan divertida.

Una de sus grandes bazas es haber contado con el actor no profesional Nacho Fernández para interpretar el papel protagonista de José Manuel. A García Ibarra no le importa que los actores digan con sus palabras el texto del guión, se equivoquen o improvisen, y en este caso Nacho además escogió no leer el libreto completo de la película sino solo su parte. De esta manera ha rodado en toda su maravillosa ingenuidad, ajeno al desenlace que aguardaba.

En algún lugar de mi cerebro había olvidado que el director de cortos como ‘El ataque de los robots de Nebulosa 5’, ‘Protopartículas‘ o ‘Misterio‘ fue también el director de videoclips de los añorados Klaus&Kinski. O quizá de alguna manera me ha traicionado el subconsciente, porque me pasé media película pensando que Chema García Ibarra jugaba de manera tan inteligente como el dúo con el costumbrismo (‘Mamá no quiero ir al colegio’), la desazón y la comedia (‘Luego vendrán los madremías’), lo mágico (‘La mano de Santa Teresa de Jesús’), lo absurdo (‘Forma, sentido u realidad’), lo social (‘Carne de Bakunin’) o el crimen (‘Mengèle y el amor’).

Vetusta Morla / Cable a Tierra

El pasado invierno hubo un momento, al menos en Madrid, en que parecía que el mundo se iba a acabar. «¿Cuándo llega la plaga de langostas?», se preguntaban los comerciantes después de haber tenido que cerrar meses por una pandemia, y una semana por una nevada histórica. El nuevo disco de Vetusta Morla se gestó justo durante Filomena. Condicionados porque entre unas cosas y otras, no podían asistir al local de ensayo, la aproximación instrumental al nuevo proyecto estaba siendo diferente, con panderos cuadrados o guitarros, cosas que no solían llevar al local o al estudio.

Es por esta coyuntura que ‘Cable a Tierra’ a menudo suena como un disco apocalíptico, que parece contar historias que recuerdan a futuros distópicos como los vistos en ‘1984’, ‘Un mundo feliz’ y ‘Blade Runner‘. ‘No seré yo’, ‘La diana’ y ‘Palabra es lo único que tengo’ nos hablan de cosas como la cancelación en la era de las redes sociales, la explotación laboral capitalista y la libertad de expresión en honor a los que están en la cárcel por sus ideas. Incluso el single ‘Finisterre’ parecía estar hablando de lo que se entendía como «fin del mundo» a través de su propio abismo, solo que en su estribillo, el asunto vira hacia la canción de amor: «Ya me da igual si la Tierra es plana / Si arden los bosques o si hierve el mar / ¿Qué más dará? / Cuando tú andas cerca / Queda en suspenso la gravedad».

Vetusta Morla, tan implicados políticamente, saben además que el centro del mundo no es Madrid, y ‘Cable a Tierra’ es específicamente un viaje por el folclore que rodea al Océano Atlántico. Y no, no son unos advenedizos, porque ya habían jugado anteriormente a ello en su inesperado hit ’23 de junio’, que fue un gran grower sin haber sido en principio un single principal de ‘Mismo sitio, distinto lugar‘ (2017); o incluso antes en ‘Alto’ (2014) y ‘Maldita dulzura’ (2011).

Los ritmos en este disco nos pueden sonar manchegos o aragoneses, pero Vetusta quieren recalcar por ejemplo que ‘Finisterre’ es una canción adaptable a distintos lugares y que hay gente que sitúa su sonido en el norte de Argentina. La teoría de la banda es que los hilos que separan los estilos son muy finos, sumando en su tesis que no pueden dejar de lado el sonido británico con el que se han criado: para Vetusta Morla, los Beatles también forman parte de su folclore.

Todo esto da lugar a una grabación de nuevo muy prodigiosa y llena de detalle, realizada en Madrid junto a Carles Campi Campón, después masterizada -esta vez a distancia- por Dave Fridmann, y redondeada en lo visual por los miniencuadros de Laura Millán realizados para portada y para cada una de las 10 pistas. El acabado de producciones como ‘No seré yo’ es un espectáculo digno de los viejos equipos de alta fidelidad que ya casi nadie se molesta en comprar, y el juego entre elementos electrónicos y orgánicos de ‘Puñalada trapera’ o ‘Si te quiebras’ quizá representa el mundo de nubarrones en que vivimos. En ese sentido, cada grabación es una aventura, como la afinación alternativa de la guitarra en ‘La diana’ y ‘No seré yo’ -recordando al primer Beck-, el arranque un tanto Manuel de Falla de ‘Corazón de lava’ o el rock de ‘Palabra es lo único que tengo’.

‘Cable a Tierra’, que celebra el valor de la música de generación en generación, acaba con una grabación tan explícita como ‘Al final de la escapada’. En ella Vetusta hablan de la perdurabilidad de la música y de la necesidad de que estimemos las cosas importantes de nuestra sociedad: «No me aplaudan en los palcos, aquí tienen mi chistera», canta Pucho con retranca, como cierre para un buen disco con tan sólo dos pegas: el mejor estribillo (‘Finisterre‘) tarda demasiado en llegar, cuando el folclore siempre ha sido una cosa de grandes ganchos, y el regreso de la canción abrasiva «no se sabe si la amo o la odio» que supone ‘Virgen de la humanidad’.

‘Tocarte’ de Jorge Drexler y C. Tangana anhela un mundo poscovid

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Según cuenta C. Tangana, escribió esta canción con Jorge Drexler en mitad de la pandemia, “en un momento donde interacciones habituales como abrazar o besarse, de repente se convirtieron en acciones de riesgo”. El videoclip, dirigido por Joana Colomar (autora de vídeos para Amaia o Maïa Vidal), parece seguir ese mismo argumento.

‘Tocarte’ está articulado por medio de dos líneas narrativas que se cruzan en mitad del vídeo: una protagonizada por una chica que corre por las calles de Madrid para llegar a tiempo a la estación, y otra por Drexler y Tangana interpretando a dos empleados de un bar castizo. Este tipo de local entronca con esa estética bocadillo-de-calamares con la que “El Madrileño” ha rebozado parte de su trayectoria (vídeo)musical.

Entre medias, la directora intercala imágenes de parejas haciendo lo que dice el título de la canción: tocarse. Estampas fotografiadas en colores cálidos, muchas de ellas con planos detalle de manos, que ensalzan lo táctil como manifestación del amor y el deseo, y celebran la sensualidad y el contacto físico como anhelo de un mundo poscovid (el clip está rodado en 16mm para privilegiar lo material frente a la asepsia de lo digital).

Acciones tan cotidianas hace unos años como compartir un cigarrillo, echarle vaho a un vaso para terminar de limpiarlo (bueno, esto ya era un poco guarrete antes), o tocar superficies sin lavarnos después las manos con chorrazo de gel hidroalcohólico, que hoy nos parecen tan antihigiénicas como meter la cabeza en un cubo de basura.

Tahiti 80 vuelven con otra de sus canciones de synth-pop encantadoras

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Tahiti 80 vuelve hoy con un nuevo single llamado ‘Hot’ que puedes escuchar desde ya en nuestra playlist de novedades. La banda de indie-pop francesa que llegara a vender 200.000 copias de su debut editado en 1999 ‘Puzzle‘ y que allanara el terreno para que otros grupos similares como Phoenix triunfaran dentro y fuera de sus fronteras ha estado grabando nuevo material y ha anunciado un par de conciertos que tendrán lugar en París en febrero del año que viene.

‘Hot’ es la primera muestra de la nueva música de Tahiti 80 y hoy es la Canción Del Día, y no es ningún capricho nostálgico: ‘Hot’ es otra de esas canciones de pop encantadoras que tan bien se le da a la banda compuesta por Xavier Boyer, Pedro Resende, Médéric Gontier y Sylvain Marchand pero además logra sonar tan fresca como una canción de Roosevelt o Videoclub, dos artistas actuales que, como ellos, miran al pop de los 80 como referencia para crear su propia música.

La canción conjuga ritmos disco con guitarras a lo Chic con una melodía de teclado new wave que remite a bandas tipo M83 (que también es francesa) y lo hace al servicio de uno de esos estribillos sutiles pero pegadizos que solo pueden escuchados en bucle. Curiosamente, la letra no incluye la palabra «hot» por ninguna parte, y lo que relata en realidad es un sentimiento de confusión por parte del vocalista ante una relación que no termina de definirse. «¿Me puedes decir qué quieres que seamos?» es una de las preguntas que deja la canción pero, en el estribillo, Tahiti 80 parecen responderse a sí mismos: «sé que lo tienes todo bajo control, pero a mí me parece que estás jugando con mi alma».

RFTW: Years & Years, DELLAFUENTE, Kali Uchis, Caliza, Sen Senra…

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Hoy salen dos esperados nuevos álbumes de cosecha española, ‘Cable a tierra’ de Vetusta Morla y ‘Tiene que haber algo más‘ de Alizzz, que está siendo el Disco de la Semana y además es Disco Recomendado. También ven la luz nuevos álbumes de DELLAFUENTE, Caliza, Rufus T. Firefly, Rosario La Tremendita, Ghouljaboy, Alan Walker o Anuel AA.

En la primera semana post-Adele también editan nuevos singles Years & Years con Galantis, Sen Senra o Bad Gyal. Han anunciado al fin nuevo disco La Plata con el lanzamiento de un tema nuevo, Bloc Party han hecho lo mismo y, a lo largo de la semana, hemos destacado los nuevos singles de Amaia con Rojuu y Delaporte y hemos estrenado la nueva balada de Nacho Vegas.

Más novedades que encontrarás hoy en la playlist actualizada las firman Mueveloreina, Sevdaliza, Kali Uchis con Ozuna, la banda de synth-pop francesa Tahiti 80 o La La Love You, que se han atrevido a versionar ‘Tenía tanto que darte’ de Nena Daconte con compañía de la susodicha.

También editan nueva música Ana Mena (una versión de Dimartino), Sexy Zebras, la joven promesa Claire Rosinkranz, la también prometedora Rorro, Mura Masa o Barbara Pravi. Atención especialmente a las guitarras de Tigercub, al pop de Pure Shores o a la afirmación de Dylan: «tú no eres Harry Styles».

Carolina Durante ya tienen fecha para su nuevo disco ‘Cuatro Chavales’

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Carolina Durante ha anunciado la fecha del estreno de su segundo disco, además de desvelar su portada. ‘Cuatro chavales’ verá la luz el próximo 28 de enero y ya está disponible su preventa.

‘Cuatro chavales’ tendrá doce canciones, de las cuales ya conocemos cuatro que han ido desvelando a lo largo de este año: ‘Famoso en tres calles’, ‘Moreno de contrabando’, ’10’ y ‘La planta que muere en la esquina’.

La banda tiene prevista una amplia gira de festivales para el verano del año que viene en la que incluyen el Tomavistas, En Órbita Fest (Granada) y Oh, See! (Málaga) en mayo, Primavera Sound y Palencia Sonora en junio, BBK Live, FIB y Low Festival en julio y Canela Party a finales de agosto.

‘Cuatro chavales’ será su segundo LP tras ‘Carolina Durante’, su álbum debut de 2019. En este tiempo han sacado temas con otros artistas como la versión de ‘Espacio vacío’ con Él Mató a un Policía Motorizado y ‘La canción que creo que no te mereces’ con J de Los Planetas.

Este nuevo disco estará disponible en vinilo “edición normal”, edición deluxe y en CD. Os dejamos el tracklist de ‘Cuatro Chavales’:

1. Tu nuevo grupo favorito
2. Granja escuela
3. Famoso en tres calles
4. Moreno de contrabando
5. Urbanitas
6. No es tu día
7. Aaaaaaaa#$!&
8. Minuto 93
9. Yo soy el problema
10. 10
11. Colores
12. La planta que muere en la esquina



‘La hija’: la gestación subrogada convertida en thriller

«Las mujeres, cuando tenéis hijos, no podéis pensar en las que no los tenemos.
Os quedáis frescas, ignorantes, como el que nada en agua dulce no tiene idea de la sed».

Ni esta frase de ‘Yerma’, una de las más célebres obras de Federico García Lorca, podía anticipar la pesadilla que iba a ser tener un hijo para muchas personas, no sólo mujeres ya. Todos los que pertenecemos a la Generación X hemos perdido la cuenta de la cantidad de amig@s, vecin@s, prim@s que se han gastado un pastizal en tratamientos de reproducción asistida o incluso en una gestación subrogada sobre la que ha cambiado la visión de la sociedad substancialmente en los últimos años: no hace tanto parecía un remedio, ahora parece una enfermedad peor. El problema es de fondo en la sociedad capitalista: en los años de mayor fertilidad, casi nadie puede permitirse o quiere procrear. El planteamiento de ‘La hija’ es claro: el director Manuel Martín Cuenca se vale de este grave problema social para que empaticemos con unos personajes con los que era difícil, aunque haya sido de manera involuntaria. En El Diario ha dicho que la gestación subrogada es «un protocolo burocrático concebido para reparar una injusticia que puede dar lugar a una injusticia mayor», insistiendo en que la película podría haber tenido lugar hace 25.000 años, pues habla simplemente de «una mujer que puede tener hijos y otra que no».

Javier Gutiérrez y Patricia López Arnaiz interpretan a una pareja de mediana edad que parece haber perdido la esperanza de tener hijos biológicos. La muy prometedora Irene Virgüez, a una adolescente que se cruza en su camino. El personaje de esta tiene graves problemas de integración en la sociedad y malas compañías, por lo que ‘La hija’ es también un retrato de la falta de esperanza que ofrece nuestra sociedad para los jóvenes que delinquen.

El director de ‘Caníbal‘ y ‘El autor‘ no ofrece aquí, en cambio, cine social puro y duro. La banda sonora compuesta al completo por Vetusta Morla, con un protagonismo grande pero sutil -a lo Trent Reznor-, ya nominada a un Premio Feroz, apunta claramente al thriller y no al drama lacrimógeno. Tremendo es el paso de la canción principal, ‘Reina de las trincheras’, de parecer una nana, a la voz de Pucho en los créditos finales.

No sé si el largo desarrollo de ‘La hija’ favorece su realismo, pues a medida que avanza el metraje se agolpan ciertas dudas sobre la credibilidad del planteamiento; legales y logísticas, y también más livianas: nadie puede tragarse que una adolescente de 2021 fuera a resistir meses encerrada en una casa de campo sin móvil ni tablet, con el único entretenimiento de ver ‘Mujeres, hombres y viceversa’. Ciertos secundarios (el enfermo de cáncer, el novio de la joven) no aportan mucho al fascinante trío principal.

Sin embargo, esta luce como la mejor película de Manuel Martín Cuenca por su espinoso y rico planteamiento en un momento muy necesario, y al mismo tiempo por lo que tiene de cine inquietante digno del Festival de Sitges. Sirvan como ejemplo esos ladridos de perro que anticipan un mal presagio desde su primera aparición. Su resolución, medio elíptica, puede que no sea exactamente la que esperas.

Deftones lanzan su primera colección de marihuana

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Deftones se une a la lista de artistas que han decidido meterse en el negocio de la marihuana, sacando ‘The Passenger Box’, su propia colección junto a la marca de cannabis Golden Barn.

No contentos con tener su propio tequila y cerveza artesanal, el grupo ha decidido “dar el siguiente paso obvio, el cannabis”. En un comunicado a través de sus redes sociales, explican que a lo largo de su carrera, su misión ha sido la de proporcionar a sus fans productos de calidad. Aseguran dedicar el tiempo, cuidado y esfuerzo para entregar la mercancía a un mercado que ha sido examinado a fondo.

“Estamos muy emocionados de presentar nuestro primer producto ‘The Passenger Box’, que se podrá adquirir en nueve localizaciones en California. La próxima semana se distribuirán en el resto del estado. Estad atentos.”, añaden.

Cabe recordar que en 8 de los 50 estados de Estados Unidos (Alaska, California, Colorado, Maine, Massachusetts, Nevada, Oregon y Washington) el cultivo, consumo y comercialización con fines recreacionales de la marihuana son legales y en 29 se permite su uso con fines medicinales.

Según el vídeo oficial del anuncio, ‘The Passenger Box’ tiene un “gran aroma” y un “sabor tal como huele”. El clip también muestra los cogollos de «maría», concentrados y vaporizadores, incluidos en esta primera entrega de productos. El nombre de esta primera caja procede de la canción “Passenger” de su álbum ‘White Pony’ y lleva el logotipo del mismo.

Deftones no son los primeros ni serán los últimos en adentrarse en este mercado. Hace unos meses Justin Bieber lanzó su línea de porros ‘Peaches’ uniéndose a otros famosos que han apostado por la “maría” como Whoopi Goldberg, Snoop Dogg, Die Antwoord, Jay-Z o Gwyneth Paltrow.

Alizzz / Tiene que haber algo más

Alizzz se ha convertido en el productor más exportado del país. Desde Castelldefels a Las Vegas, el artista que se dio a conocer con una serie de producciones de future bass para después triunfar de la mano de C. Tangana acaba de adjudicarse tres Latin GRAMMYs y una nominación a los GRAMMYs de siempre (en la categoría latina alternativa) por su trabajo en ‘El Madrileño‘. Pero ‘Tiene que haber algo más’ ya buscaba su propio camino desde que conocimos su primer single a finales de 2020 al alejarse lo máximo posible de los sonidos conocidos como «urban» o de los latinos.

‘Todo me sabe a poco’ era una declaración de intenciones aunque entonces no lo supiéramos. La canción abre el disco, una de sus frases de hecho lo titula y su sonido guitarrero y post-punk le da la espalda a las modas y las playlists para acercarse a las salas de conciertos, al underground. Es un camino que Alizzz decidió tomar después de sufrir un «crack personal duro» en septiembre de 2019 cuando, quemado de las giras, los trabajos de producción y los aviones, decidió parar y volver a «componer tranquilamente sin prestar atención al mundo». El artista cuenta: «volví a pillar la guitarra después de años y me puse a escribir para mí, cosa que nunca había hecho» y resultado de la experimentación más inocente llega este proyecto que solidifica la figura de Alizzz como solista más allá de su trabajo detrás de los focos.

‘Tiene que haber algo más’ se empezó a concebir antes de que ‘El Madrileño’ llegara al mercado y tampoco busca tamaño reconocimiento. Al contrario, parece evitarlo. En comparación con la obra maestra de C. Tangana es menos ambicioso y enrevesado: las canciones son pop, directas e instantáneas, no se comen la cabeza a la hora de experimentar con diferentes sonidos y a la vez persiguen una vía más alternativa. Si el disco busca algo es dar a Alizzz un respiro de la atención mediática obtenida por ‘El Madrileño’, un pequeño refugio en el que seguir disfrutando de la música sin más distracciones y en el que volcar sus inquietudes marcadas por el desamor, el desmadre, las fiestas que duran hasta el amanecer, el entumecimiento mental provocado por el trabajo, los WhatsApps borrados de los que luego te arrepientes y ese éxito que literalmente le quita el sueño.

«No he parao ni pa dormir», canta Alizzz en ‘Todo me sabe a poco’, otra de esas canciones de post-punk históricamente marcadas por la insatisfacción y una sensación de vacío, pero instalada en la actualidad gracias a la presencia de vocoders; y la cual Alizzz explora a fondo en ‘Ya no siento nada‘. Esta trepidante canción suena como unos Placebo actualizados, tiene un estribillo de 10 sobre 10 y habla sobre la necesidad de huir de los problemas a tal punto que su final suena como si atravesara un puente lleno de luces a toda pastilla y a la vez a cámara lenta. Y en la frenética ‘Ya no vales’ Alizzz invita a C. Tangana a recitar una letra dirigida a un artista fracasado, que «huele a cerrao» , que ha «perdido engage con los fans» y que «se ha quedado viejo» y que, en el contexto lírico de ‘Tiene que haber algo más’, no es descabellado pensar que funcione implícitamente como carta de Alizzz y Antón a sí mismos.

El disco también convence en sus momentos más desenfadados. ‘El encuentro‘ con Amaia es un clásico desde que escuchamos por primera vez su estribillo «he pensado en ti más de la cuenta» y su videoclip inspirado en la ruta del bakalao con la navarra enseñando las bragas sigue siendo un puntazo, pero Alizzz se guardaba otro temazo para la salida del disco como es ‘Amanecer’ con Rigoberta Bandini. Se trata de un divertido retrato de la vida fiestera en el que Alizzz y la autora de ‘Perra‘ disimulan ante la poli, compran birra de sobra para los amigos, saludan a las vecinas con las gafas puestas para que no se note que llevan las pupilas más grandes que un agujero negro y van a comprar el pan al día siguiente después de una noche de desmadre histórica. La canción suena a una mezcla de ‘Ya no siento nada’ y ‘El encuentro’ con un punto añadido de brit-pop y shoegaze en las guitarras que tiene más sentido cuando observas la playlist de influencias que ha dejado Alizzz en Spotify, pero en la que es difícil reparar ante una melodía tan pegadiza y embriagadora.

Alizzz vuelve a acertar cuando busca un nuevo ‘El encuentro’ en el disco-funk de ‘Fatal’ con Little Jesus, que resulta igual de pegajoso o más, o cuando en ‘Siempre igual’ mezcla sin mayor misterio ritmos disco, guitarras y lametazos funk en una de esas canciones que parecen menores pero que en realidad valen la pena. En el último single, ‘Disimulao’, Cristian parece tender un puente entre su pasado como productor de electrónica y el sonido de este disco y le sale básicamente un homenaje a sí mismo en el mejor de los sentidos. La mezcla de synth-pop y guitarras distorsionadas de ‘Salir’ funciona de igual manera.

Entre tanto single oficial y potencial, en un disco en el que los singles que convencían menos resulta que funcionan estupendamente dentro de contexto, la colaboración con J de Los Planetas termina algo deslucida, pero incluso el dream-pop de ‘Luces de emergencia’ parece tener sentido en el álbum, a modo de coda, y sirve como buen final a un disco con el que Alizzz consigue descargar por un momento el peso de su éxito con C. Tangana. Un trabajo aparentemente no tan ambicioso pero cuidado cuya sencillez juega totalmente a su favor, al servicio de unas canciones estupendas que, me atrevo a decir, también van a tener mucho recorrido.

La Plata se resignan a morir en su nuevo single ‘Hacia el vacío’

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La Plata estrenan su nuevo single ‘Hacia el vacío’, el tercer adelanto de su nuevo disco ‘Acción directa’, que verá la luz en febrero de 2022 bajo el sello de Sonido Muchacho.

En ‘Hacia el vacío’, los valencianos continúan ‘viviendo’ a pesar de las derrotas de la vida. “Parte de mí aún vive / parte de mí no morirá”, repiten junto a su ya característico guitarreo durante toda la canción, de tan sólo dos minutos y medio para “dejarlo todo atrás / con honor.”

El videoclip, producido por Álex Marco y grabado en la ciudad natal del grupo, se centra en varios jóvenes disfrutando en un skatepark, se intercalan imágenes grabadas con una videocámara, escenas cotidianas y muestra en numerosas ocasiones una especie de grieta que será el diseño de la portada del siguiente LP.

Este nuevo adelanto es el tercero del próximo trabajo de la banda tras sus sencillos ‘Victoria’ y ‘Aire Nuevo’, que publicaron a principios del verano de este año. ‘Acción directa’ le sigue como LP a su álbum debut ‘Desorden’ que incluye hits como ‘Un atasco’, ‘Miedo’ o ‘Esta ciudad’.

Os recordamos que La Plata actuarán junto a Axolotes Mexicanos el próximo día 19 de diciembre en la Sala BBK en Bilbao. Puedes conseguir tus entradas aquí.

The Weeknd estrena vídeo sorpresa y anuncia serie, ‘The Idol’

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The Weeknd ha estrenado un vídeo para una canción que no veías venir. ¿El siguiente adelanto de su disco? ¿Un resquicio de la era ‘After Hours‘? No. Un vídeo para ‘Die for You’, una canción que estaba incluida en su álbum de 2016, ‘Starboy’. El cantante celebra así los 5 años de uno de sus mejores trabajos, con una superproducción a cargo de Christian Breslauer, de evidentes reminiscencias ‘ET’ y ‘Stranger Things’.

Por otro lado, la plataforma de streaming HBO Max ha anunciado el estreno de la primera temporada de ‘The Idol’, la primera serie de The Weeknd, en la que el cantante será el protagonista. Este proyecto cuenta con la colaboración de Sam Levison (Euforia) y del propio Abel como co-creadores de la serie. Según The Hollywood Reporter, ‘The Idol’ consistiría en seis capítulos en los que se ha estado trabajando desde verano y al parecer ya estarían iniciadas las grabaciones. La historia de la serie narraría la complicada vida de un cantante pop emergente y mostraría la cara oscura de la industria musical en Los Ángeles. El protagonista tendrá problemas con el dueño de un club de la ciudad, que resulta que es un gurú espiritual de una secta.

El reparto de ‘The Idol’ cuenta con la presencia de algunas caras conocidas como Elizabeth Berkley Lauren (Salvados por la campana), Anne Heche, Troye Sivan, Lily-Rose Depp, Suzanna Son (Red Rocket) y Nico Hiraga (Booksmart), entre otros.

Una posible incorporación al elenco podría ser Britney Spears que ha subido un post a Instagram anunciando que acaba de grabar una película llamada ‘The Idol’. “¡Está garantizado que tendrá éxito y muchas fotos brillantes para poner en la cara de mi hermosa familia!”, comenta en el pie de foto. Sus fans no han tardado en preguntarse si se refiere a la serie del canadiense.

The Weeknd dejó vislumbrar recientemente sus “dotes” como actor en el videoclip de ‘La fama’ en que se metió por completo en el papel de amante asesinado por Rosalía, haciendo de su muerte algo más o menos creíble, aunque tirando a menos. Tendremos que esperar para ver si se desenvuelve igual en la pequeña pantalla como en la música.

Delaporte huyen de los ‘Narcisos’ en su nuevo llenapistas 90’s

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Delaporte han publicado esta medianoche un EP con 4 temas y 3 remixes, que incluye el reciente single ‘Droga Dura’, que ha sido uno de los mayores hits de su carrera. El EP recibe el nombre de ‘Abril’ y representa un mensaje más terrenal que el espiritual ‘Las montañas’. Cuenta la banda: «Abril fue un mes de cambio personal radical para nosotr@s, un mes de transición, difícil y bonito a la vez. En el pasado hemos hablado mucho de empoderamiento y superación, pero ahora queríamos poner el foco en los sentimientos más urgentes y los retos del día a día, porque siempre hay mucho que aprender y muchos patrones que superar por mucho que sepas qué sería lo correcto. También fue un mes que nos marcó a nivel laboral, ya que en abril de 2020 hubiésemos comenzado la gira y no fue hasta abril de 2021 cuando la pudimos arrancar realmente».

En cuanto a las canciones nuevas, ‘Droga dura’ representa «engancharse a una persona sin poder evitarlo», ‘Narciso’ la persona egoísta que te trata mal, ‘Kryptonita’ la ayuda de los amigos para salir de la oscuridad, y ‘Desnudarnos otra vez’, su primer tema con guitarra y batería acústica, representa el éxtasis de desnudarnos frente a otra persona. Todas estas etapas de una noche en la que te ibas a retirar pronto están retratadas en el corto dirigido por Martina Hache, ‘Hasta quedarnos rotos’. ‘Narciso’ es hoy nuestra «Canción del Día».

Al margen del concepto del EP y de lo que Delaporte suelen cuidar el conjunto de sus EP’s o discos en cuanto a dirección artística, ‘Narciso’ es una pieza que funciona perfectamente de manera independiente, siendo una joya de 3 minutos exactos de duración, que se sumerge en los beats noventeros como pocas canciones de su discografía. Se nota especialmente en un pre-estribillo brillante en su melodía, si bien la producción cuenta con otros ganchos como los tarareos, esa pulla «encontrar a mil narcisos como tú ya está tirao» (todas las demás rimas en «-ao»), la apostilla «tú nunca estás fluyendo» o ese puente, de nuevo, tan techno-housero. Una de sus canciones más adictivas, lo cual ya es mucho decir para los autores de ‘Un beso’, ‘Clap Clap’ o ‘Un jardín’.

Sandra nos explica: «En este tema intento retratar que quiero salir del juego en el que el otro se siente de alguna manera con derecho a tratar por debajo al otro cuando quieres algo más con él. Creo que pasa mucho a día de hoy: parece que el que se enamora pierde y entra en una situación de inferioridad. Y esto ocurre porque no hay cuidado ni responsabilidad, sea la relación que sea la que se haya establecido. Parece que por Whatsapp y redes sociales se puede pasar de la otra persona sin que haya consecuencias. Pero es una falta de respeto igual. Y en este tema repito como un mantra que encontrar a personas como tú, a narcisistas y gente que no cuida, es muy muy fácil. Que no es especial, ni superior, ni digno de admirar y que no merezco algo tan banal».

Delaporte anuncia nuevas fechas en Madrid (12 de febrero de 2022, La Riviera. Entradas en Ticketmaster) y Barcelona (26 de febrero, Razzmatazz. Tickets en cruillabarcelona.com); además de otras ciudades:
26 de noviembre: Bilbao – Stage Live *Últimas entradas
27 de noviembre: San Sebastián – Dabadaba *Sold out
4 de febrero: Huesca – La Veintiuno
5 de febrero: Zaragoza – Sala de Armas
12 de febrero: Madrid – La Riviera
26 de febrero: Barcelona – Razzmatazz (Cruïlla Primavera)
6-7/5 Granada: En Órbita
10-12/6 Palencia: Sonora

Todos los temas de ‘Born to Die’ de Lana del Rey son disco de oro

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No era muy buena semana para Lana del Rey: ‘Chemtrails Over the Country Club’ ha sido ninguneado por los Grammys incluso en un año flojo -como antes otros de sus trabajos-, mientras ‘Blue Banisters’ parece a punto de desaparecer de manera trágica de las listas de éxitos.

Su sello Interscope ha decidido darle la vuelta a la tortilla poniéndose a hacer cuentas para certificar como oro y platino todo lo que faltaba por certificar en Estados Unidos, donde las certificaciones no son automáticas, a diferencia de lo que sucede en Reino Unido. Y hay hasta 29 certificaciones que valen por algún que otro Grammy, ciertamente.

El álbum más beneficiado continúa siendo el gran éxito de su carrera, ese ‘Born to Die’ que ha tardado casi 10 años en salir de las listas. ‘Born to Die’ es ya triple platino en Estados Unidos.

Pero más curioso es el hecho de que las canciones menos escuchadas de ese disco, esto es, ‘Million Dollar Man’, ’This Is What Makes Us Girls’, ‘Carmen’ y ‘Diet Mountain Dew’, hayan recibido el certificado del disco de oro por streamings/ventas equivalentes a 500.000 copias. Otras pistas como ‘Radio’ suben de certificación hacia el platino, lo que viene a querer decir que todas las canciones de ‘Born to Die’ son oro o platino en Estados Unidos.

Las alegrías continúan para otras eras y ‘Ultraviolence’ celebra su disco de platino, mientras ‘Honeymoon’ y ‘Norman Fucking Rockwell’ llegan al fin tras una larga agonía al disco de oro. La versión de ‘Doin’ Time’ puede presumir de platino, así como ‘West Coast’ y ‘Lust for Life’ con The Weeknd. Las nuevas certificaciones se pueden consultar en la web de la RIAA, si bien PopCrave recopila todas las de su carrera, recordando que sus grandes hits continúan siendo ‘Summertime Sadness’ gracias a su remix y ‘Young & Beautiful’.

Podcast sobre Lana del Rey

Quién diantres es Jon Batiste, el artista más nominado en los Grammys

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Jon Batiste es el artista más nominado en los premios GRAMMY al aspirar a 11 candidaturas. El músico de Luisiana compite en dos de las categorías más importantes, Álbum del año y Grabación del año, así como en otras categorías «de género» tan variadas como Mejor álbum de R&B, Mejor álbum de jazz instrumental, Mejor composición de clásica contemporánea, Mejor banda sonora para medio visual y, atención, Mejor solo de jazz improvisado. El resto de artistas más nominados son H.E.R., Doja Cat, Lil Nas X, Olivia Rodrigo, Justin Bieber y Billie Eilish, y entre todos ellos hay uno que nos suena más bien poco.

¿Quién diantres es Justin Bieber? No, ahora en serio, Jon Batiste -con el que comparte siglas- puede no ser tan conocido en España pero en Estados Unidos es una eminencia en el mundo académico y gracias a sus nominaciones a los GRAMMYs ahora es conocido hasta por todas esas personas que, en las últimas horas, han buscado en Twitter «quién es Jon Batiste» y «quién coño es Jon Batiste». De hecho, probablemente ya hayas escuchado su música aunque no lo sepas, pues este año Batiste, junto a Trent Reznor y Atticus Ross, ha ganado un Oscar, un Globo de Oro y un BAFTA por la banda sonora de ‘Soul‘, una de las últimas películas de Pixar. Y nadie consigue tal cosa sin una carrera de fondo.

Batiste proviene de una familia de músicos de jazz de Nueva Orleans. Empezó a componer a los 8 años, transcribiendo a partituras música de videojuegos, y a los 20 ya estaba tocando en una prestigiosa sala de conciertos de Amsterdam y organizando talleres musicales en barrios desfavorecidos. Ha sacado 8 discos, tocado con Stevie Wonder, Prince, Ed Sheeran, Lenny Kravitz, Willie Nelson, Roy Hargrove y Mavis Staples y, desde 2015, forma parte de la banda residente del late night estadounidense The Late Show with Stephen Colbert. En 2017 colaboró en un single de Leon Bridges, en 2020 tocó el piano en el disco de Hamilton Leithauser y este año, tanto ‘Soul’ como su álbum ‘WE ARE’ le han dado las mayores alegrías de su carrera.

‘WE ARE’ es uno de esos discos que no verás reseñados en Pitchfork, Stereogum o NME (tampoco nosotros lo hemos reseñado) pero sí en NPR o medios especializados como Jazz Times o American Songwriter porque hay un mundo más allá de las revistas de tendencias y «hypes» que duran una semana. Es un disco de protesta influido por el movimiento Black Lives Matter que, en lo musical, explora y fusiona estilos como el soul, el R&B, el jazz, el funk o el hip-hop desde un punto de vista que antepone el virtuosismo a la innovación. En otras palabras, Jon Batiste no ha hecho precisamente un disco rompedor que le vincule con Kendrick Lamar en lo artístico sino más bien clásico y enormemente deudor de sus influencias en el que destacan especialmente dos singles, el emocionante ‘WE ARE’ y el jovial ‘FREEDOM’, nominado a los gramófonos dorados.

El «elefante en la habitación» aquí está muy claro: Jon Batiste es un gran músico pero no ha hecho un disco ni especialmente actual (solo por temática) ni especialmente interesante que haya podido conquistar a un público transversal. Más bien parece liderar las nominaciones a los GRAMMYs para que no se note tanto que en realidad los más nominados son las Doja Cats, los Justin Biebers y las Olivia Rodrigos como si fueran los MTV Video Music Awards. Cumple la cuota «seria» de los premios pero no se puede decir que represente lo mejor que ha dado 2021 cuando a duras penas ha recibido atención crítica de los medios de jazz o Americana… géneros para los que ya hay categorías especializadas en las que no habría desentonado tanto. ¿No habría tenido más sentido reconocer su trabajo en ‘Soul’ y ya está?

‘La casa Gucci’: papel cuché sin alma

«Prefiero llorar en un Rolls-Royce que ser feliz en una bicicleta». Por esta frase, entre otras cosas, pasará a la historia Patrizia Reggiani, la mujer que se casó con Maurizio Gucci, nieto del fundador de la firma. Es por eso, quizá, que en ‘La casa Gucci’ vemos en varias ocasiones al personaje de Maurizio, interpretado por Adam Driver, pasearse por la ciudad en su bicicleta, lozano y con una destreza solo vista en Berlín, pese a ser un rico heredero que podría ir con chófer a todas partes.

Es ‘La casa Gucci’ -‘House of Gucci’ para quien lleve esperando este estreno varios meses- una historia de ricos y pobres, de trepas y defraudadores a Hacienda, de gente acostumbrada al glamour y al lujo contra gente que no sabe quedarse callada si no distingue un Klimt de un Picasso. Dirigida por Ridley Scott basándose en el best-seller de Sara Gay Forden sobre la vida de la familia Gucci, la película trata de acercarnos a lo largo de 158 minutos a la que es una de las historias más truculentas de la alta costura.

El éxito de revistas como Hola o Vogue ha tenido que ver siempre con lo aspiracional. La gente ve casas y modelazos con los que solo puede soñar y de alguna manera se siente reconfortada. Como si los pudiera acariciar por unos instantes. ‘La casa Gucci’ nos da las mansiones y los lujos de esas revistas, con una dirección artística y vestuario estupendos, pero como película desperdicia la oportunidad de adentrarse en tan fascinantes personajes para quitarnos el sueño como correspondía a tan rocambolesca historia.

Y si ‘La casa Gucci’ no transmite desde luego no ha sido por falta de actores: la familia Gucci está aquí interpretada por Al Pacino, Jeremy Irons y Jared Leto. El papel principal, Maurizio, es interpretado por Adam Driver, seguramente el mejor actor que hay en la actualidad, cautivador en cada plano, en todos sus peinados, enfadado o enamorado. Y Patrizia es Lady Gaga, muy crecida tras el taquillazo de ‘Ha nacido una estrella‘, aquí bastante convincente tanto como humilde empleada de un negocio familiar, como de pérfida manipuladora. Su futuro en Hollywood llegará adonde ella quiera, y tras la frialdad con que la industria musical y el público reciben joyas recientes de su discografía y videografía como ‘911‘, yo no me lo pensaría. Si lo de esta película sale mal, pues no se sabe si la cinta está más bien en la carrera de los Oscar, o en la de los Razzies (como hace poco ‘Bohemian Rhapsody‘), el Oscar podría ser suyo cualquier otro año: es ella casi siempre quien sostiene todo esto.

Si no llegamos a conocer prácticamente nada que no supiéramos de Maurizio ni de Patrizia es porque todo lo que el guión adaptado por Becky Johnston y Roberto Bentivegna ha tenido de generoso en minutaje, lo ha tenido de poco profundo. A lo largo de estas casi 3 horas, el público es incapaz de comprender dónde empieza y termina el amor entre parejas, tíos y sobrinos o padres e hijos; en qué momento Patrizia pierde totalmente el juicio y cuánto pinta en ello su amiga pitonisa televisiva (Salma Hayek); o cuándo y por qué Maurizio se vuelve ambicioso después de haber sido capaz de renunciar a todo por amor. En una escena en que Patrizia le grita que se ha casado con un monstruo, él responde, chanante: «No. Te casaste con un Gucci». ¿De verdad ese era el personaje que llevaba hablando dos horas?

Habríamos esperado un mejor acercamiento psicológico a estos personajes por parte del director de ‘Thelma y Louise’, pero nunca llegas a saber quiénes son, por lo que los hechos van sucediéndose en ‘La casa Gucci’ sin que te afecten lo más mínimo. El clímax de la película se resuelve de mala manera en 2 minutos, después de 150 de tedio, a los que contribuye una incómoda indecisión entre lo camp -lo grotesco- y lo serio. No hay problema en escuchar a todas estas personas supuestamente italianas hablando en inglés y chapurreando en italiano ocasionalmente, sobre todo si ninguna de las dos es tu lengua materna; pero sí es llamativa la función del personaje de Jared Leto en la cinta. ¿Cuán kitsch pretende ser? Su personaje, un «loser» llamado Paolo Gucci, pone la nota de humor meando en un pañuelo o soltando de repente que «no se confunde la mierda con el chocolate». Es imposible decidir si sale demasiado poco, porque se echa en falta algo de humor deliberado o no; o si sale demasiado, porque te impide ahondar en la historia de Maurizio y Patrizia.

En un intento de última hora por convertir ‘La casa Gucci’ en un artefacto pop, se ha aliñado con todo tipo de canciones procedentes de los 70 y los 80. Algunas cosas suenan más o menos OK en este contexto, como Donna Summer, Bowie o Blondie, pero hay elecciones que realmente estorban: cuando suena ‘Faith’ en la escena de la boda, parece que alguien se ha dejado el compact-disc de George Michael encendido sin querer en la mesa de sonido, mientras la elección de una versión de ‘Baby I Can Hold You‘, la obra maestra de Tracy Chapman, en una de la escenas cumbres del film, es todo un coitus interruptus, paradójicamente. Ahí ya simplemente no tienes ni idea de lo que acabas de ver. Descartado un thriller con este fondo, ¿nos han contado una historia de amor? ¿Una parodia de la clase adinerada? ¿Una historia de lucha de clases? ‘La casa Gucci’ es como ir al dentista y abrir el Hola, si es que todavía abres el Hola porque, pongamos, tu móvil se ha quedado sin batería: pasas las páginas, miras las fotos y aprecias qué casas tan bonitas, pero sin que nadie revele jamás qué se esconde detrás de las cortinas.

Amaia se entrega al pop con Rojuu en ‘Quiero pero no’

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Amaia ha estrenado su nuevo single este miércoles como había anunciado. ‘Quiero pero no’ es una colaboración con el artista revelación Rojuu producida por Alizzz y co-escrita por este junto a Amaia, el propio Roc Jou Morales y, ojo, también Confeti de Odio, autor de uno de los mejores discos de 2020, ‘Tragedia Española‘, y nuevo fichaje de Sonido Muchacho.

‘Quiero pero no’ es la segunda colaboración de Amaia y Alizzz tras ‘El encuentro’ pero ya no presenta un sonido próximo al post-disco. Más bien, ‘Quiero pero no’ mira al pop con matices post-punk explorado por Cristian Quirante en sus últimos singles en solitario y, en general, en el álbum debut que publica este viernes 26 y que está siendo el Disco de la Semana, ahora con el añadido de unos gritos de locura que aparecen sampleados a lo largo de la grabación.

La aparente inocencia de Amaia sigue muy presente en algunos pasajes de ‘Quiero pero no’ que nos llevan a lugares imaginarios, como «voy a esconder mi corazón en un rincón del cuarto y nadie podrá encontrarlo» o «voy a enterrar toda emoción en un lugar secreto donde no tienes acceso». Por su parte, Rojuu ofrece su faceta emo cuando canta que «voy a ir al psiquiatra para que me deje tonto o si no me voy a volver completamente loco».

Aunque el mejor momento de ‘Quiero pero no’ llega cuando las voces de Amaia y Rojuu armonizan para decirle el uno al otro que «te quiero pedir un favor, que pases de mí». A continuación, Amaia coge un avión hacia algún lugar y huye de la tentación.

Holly Humberstone / The Walls Are Way Too Thin

En una de las escenas de ‘Boyhood‘, el personaje interpretado por Patricia Arquette se derrumba cuando su hijo se va a la universidad. La casa se le cae encima; el corazón del espectador se encoge incapaz de soportar el paso del tiempo. Lo cómodo es pensar que las cosas son más fáciles para el adolescente que se ha ido, pues un océano de borracheras, fiesta e independencia de diversas formas se abre a su paso.

El segundo EP de la británica Holly Humberstone muestra otra visión, la de una joven que adora a su familia y les echa de menos cuando abandona el hogar para encontrarse viviendo en un tugurio de Londres en el que hay «ratas por todas partes, los colchones están hechos un asco, hay cristales rotos y colillas en el suelo», como nos contaba Holly Humberstone en una entrevista reciente: «Imagínate cómo me sentó estar lejos de casa y vivir en un sitio así tan poco hogareño, yo que precisamente me considero una persona hogareña a la que le gusta tener a su familia cerca».

En ‘Haunted House’, la canción sin estribillo que abre ‘The Walls Are Way Too Thin’, la familia y en concreto las cuatro hermanas que la conforman junto a sus padres representan «una fortaleza» con la que refugiarse del mundo. Holly no se puede creer que se vayan a «apagar las luces» de ese hogar de «rodillas sucias y abejas de miel» en que tanto la animaron a desarrollar su faceta artística, y se muestra consciente de que ningún otro lugar «podrá picar tan dulce». A continuación, el corte titular es el más explícito sobre esa traumática estancia en Londres, inmediatamente antes de la pandemia, y después de que su pareja la dejara.

Hay algo de desamor en el EP, como en ‘Please Don’t Leave Me Yet’, donde comparte créditos con todo un experto en las relaciones personales en la difícil era de las redes sociales, Matthew Healy de The 1975, pero es llamativa la huida hacia otras temáticas. Si esta canción reza «no quiero necesitar tu amor, pero lo necesito», a sus 21 años, Holly Humberstone quiere contarnos otras historias o al menos ofrecernos otros prismas. ‘Scarlett’ no es la canción de amor que aparenta, pues en ella se pone en la piel de una amiga de la infancia, completamente obsesionada con su ruptura, para ofrecerle su apoyo y recordarle que el amor por uno mismo es el más importante. Y ‘Thursday’ es una composición inspirada en la misma amiga, que le sirve en la secuencia de precedente.

Durante el último par de años en que Holly Humberstone ha ido ganando adeptos a través de canciones como ‘Vanilla‘ o ‘Falling Asleep at the Wheel‘, su música ha recibido comparaciones con Phoebe Bridgers, Billie Eilish, HAIM, Olivia Rodrigo o Lorde. Ninguna de todas esas artistas es británica, por lo que la cantante podría ser una respuesta en las islas para esa corriente de artistas a medio camino entre el bedroom pop y el pop comercial.

Un ejemplo: ‘Friendly Fire‘ es una canción preciosa y con posibilidades, que se levanta tras un primer tramo acústico, y su vídeo simplemente se improvisó comprando adornos de Halloween con los 500 dólares que consiguieron reunir improvisadamente. Entre la aproximación a Police de ‘The Walls Are Way Too Thin’, el punto italo melancólico y las voces pitcheadas de ‘Please Don’t Leave Yet’, y la inspiración más bucólica de la primera y la última pista de este EP, Humberstone logra mantener más que justificado el hype que la ha rodeado durante estos últimos tiempos difíciles.

Bloc Party regresan tras cinco años de silencio con ‘Traps’ y anuncian nuevo disco

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Bloc Party han anunciado su sexto álbum ‘Alpha Games’, que verá la luz el 29 de abril de 2022. Junto a este anuncio han compartido ‘Traps’, el primer single de este nuevo disco.

‘Traps’ es su primer trabajo desde 2016 cuando publicaron ‘Hymns’. La banda ha agradecido a sus fans por esperar pacientemente su nueva música y desean compartir con ellos todo en lo que están trabajando.

El vocalista del grupo, Kele Okereke, ha explicado en un comunicado que desde el momento en el que escribieron ‘Traps’, sabían que tenía que ser lo primero que escuchara la gente del nuevo álbum. «Durante la última gira, aún sin acabarla de componer, la tocábamos en las pruebas de sonido para ver cómo sonaba en grandes salas y escenarios al aire libre», añade.

Bloc Party tienen prevista una gira por Europa y Reino Unido para los meses de mayo y junio de 2022 en la que presentarán sus nuevos temas. Las entradas para los conciertos en Europa salen a la venta este viernes 26 y para Reino Unido el 3 de diciembre.

Os dejamos el tracklist de ‘Alpha Games’:
01. ‘Day Drinker’
02. ‘Traps’
03. ‘You Should Know The Truth’
04. ‘Callum Is A Snake’
05. ‘Rough Justice’
06. ‘The Girls Are Fighting’
07. ‘Of Things Yet To Come’
08. ‘Sex Magik’
09. ‘By Any Means Necessary’
10. ‘In Situ’
11. ‘If We Get Caught’
12. ‘The Peace Offering’