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La verdadera «reina del pop», según la gloriosa página de la Wikipedia

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Lizzo ha liado una buena zorrera llamando a Janet Jackson «reina del pop» cuando la cantante está desaparecida del mapa desde la tibia recepción en 2018 de su single con Daddy Yankee, cuyo título ‘Made for Now’ no fue demasiado premonitorio. Pero el divertimento de coronar «rey» o «reina del pop» a tu artista favorito, cuando no a casi cualquier cosa, no es nuevo. Hace unos meses, Youtube estaba retransmitiendo en vivo -como ya es tradicional- la ceremonia de los Brit Awards, cuando el presentador de la gala Jack Whitehall anunció que estaba a punto de salir a escena «la indisputable reina del pop». Ni vivir en un constante debate al respecto me sirvió para adivinar quién estaba a punto de saltar al escenario, según esta presentación del humorista. Durante unos segundos, simplemente no tuve la más mínima idea de quién iba a aparecer por allí.

Pongámonos en situación: en los Brits de 2021 Madonna, que ha recibido el nombre honorífico desde mediados de los 80 en la prensa generalista, no era una opción tras haber pasado 2020 recuperándose de una lesión de cadera. En tal contexto, británico y de celebración, lo esperable habría sido coronar «Reina del Pop» a Dua Lipa, que fue la gran ganadora de la noche. Pero el caso es que ya había actuado en aquel momento, presentando un medley de ‘Future Nostalgia’, así que ella tampoco podía ser. Se abría la veda de las apuestas, incluyendo a Beyoncé (que hizo los mejores discos de pop la pasada década), Lady Gaga (que a veces es considerada tal por la prensa y sobre todo sus fans), Ariana Grande (que es la verdadera reina del streaming), Billie Eilish (que ha sido últimamente la artista más completa)… Al final quien salió por la puerta fue Taylor Swift, que venía de publicar dos discos. De música folk, ambos.

Uno de los ensayos del libro ‘Bitch She’s Madonna‘ nos enseñó que contraponer unas divas a otras era una consecuencia del heteropatriarcado y el machismo en la sociedad, pues el mundo en general debería tener amor para varias «reinas» -salvo Reino Unido, donde siempre ha reinado y para siempre reinará Isabel II-. Decían en uno de los capítulos la música Mar Álvarez y la musicóloga Laura Viñuelas: «Cada vez que emerge un nuevo talento femenino, su triunfo solo puede entenderse a costa de derrocar a la anterior, pues es bien sabido que una de las estrategias más efectivas del patriarcado para mantener el estado de las cosas es el «divide y vencerás»». Así que este artículo no enfrentará cifras entre divas: ni datos, ni récords, ni streamings, ni ventas, ni tickets baratos, caros o en reventa. Ni tampoco entre divos porque aquello jamás interesó a nadie. Solo servirá para recordar durante unos instantes la que durante años fue una de las páginas más divertidas de la Wikipedia: la de los «honorific nicknames«.

Hay que lamentar que la mejor página de la Wikipedia ya no exista: la versión española de esto era mucho mejor, pero parece haber sido aniquilada, probablemente sepultada en un océano de ediciones, revisiones, unas peleas de gatas que ni ‘Dinastía’, fuentes sin acreditar y sobre todo una cantidad ingente de información irrelevante incluso para el más pintado. Recuerdo aquello como todo un akelarre de fans muy preocupados por coronar a Shakira, Thalía, Wendy Sulca o Yuri como «la verdadera Madonna del mundo latino». En España, Amaia Montero competía por tal hito por su entrega ‘Pop’ durante el reinado de La Oreja de Van Gogh, con otras cantantes como Alaska, Mónica Naranjo o hasta Marta Sánchez, al menos hasta que esta abandonara el pop para cantar el Himno de España con Plácido Domingo, y no con cualquier otra persona.

En aquella página todos los días había tiempo para una nueva coronación. La versión anglosajona superviviente no es lo mismo, aunque no faltan ni Francisca Valenzuela ni Javiera Mena coronadas como reinas de algo en Chile, pero tampoco está mal. Alguien ha seguido la premisa de que para que alguien sea considerado el rey/reina de algo, primero se lo ha tenido que llamar el cuarto poder y acreditarlo a pie de página, si bien la verdadera carrera de tacones comienza cuando una gaceta extinta de Seattle decide lo mismo que The Guardian. Me pregunto si Adele se considerará la «Reina del Soul» ella misma, o una cantante de soul en absoluto. Quizá le gustaría más ser llamada «la Vicky Pollard del soul» [citation needed].

El artículo recopila todos los hombres que alguna vez han recibido el nombre del «Rey del Pop» (de George Michael a Justin Bieber), y todas las mujeres que han sido «Reina del Pop», cuyo delirio salpica hasta a la pizpireta Eleni Foureira. En principio, una reina ha de morir, ser derrocada o abdicar para perder su trono, pero puede haber varios «príncipes» y «princesas», por lo que esos títulos en el pop han servido para abarcar a nombres que levantan en general más simpatías que Beyoncé, como Britney Spears, Kylie Minogue y Christina Aguilera. Ya nadie recuerda que durante mucho tiempo Dionne Warwick, nacida en los años 40, fue también «la Princesa del Pop», pero a nadie va tampoco a molestarle.

Mucho más atractivo que quedarte el sobrenombre que llevó otro artista antes que tú e intentar definirte por usurpador o sucedáneo, es lograr otro completamente nuevo de cero y liderarlo tú solo. Mariah Carey tiene el honor de figurar en dicha página como única «Reina de la Navidad» dado el exitazo en los últimos años de su villancico grabado a mediados de los 90, Bowie es llamado «El Picasso del Pop» por un titular de la BBC que se extendió a otros medios, Pavarotti es «El Rey del Do de Pecho» y Kacey Musgraves, la «Reina yee-haw», sea lo que sea eso.

Entre el honor y todo lo contrario, algunos artistas reciben motes poco halagüeños: tenemos a Morrissey como «Pope de la Tristeza» y Beck llegó a protestar por su nick «Rey de los Holgazanes («king of slackers»), que le pusieron en MTV, respondiendo en Rolling Stone con un lacónico «holgazán, mi culo». Sin embargo, de todos los honores que ha recibido Taylor Swift, hay uno que seguro que concordarás que sí que es indiscutible: ¡ella es la verdadera “Reina de los Huevos de Pascua”!, dado su gusto por soltar «easter eggs» (teasers, pistas, autorreferencias, sorpresas) en discos y videoclips.

En este rato recordarás que Montserrat Caballé fue «La Superba», averiguarás que Dua Lipa fue considerada un día «Princesa del Dark Pop»; Tove Lo, «Reina del Dark Pop»; The Weeknd, «King of the Fall» en base a una canción suya; y Lana del Rey, la «Reina de las Bandas Sonoras», suponemos que por el impacto de ‘Young & Beautiful’ y sobre todo de su música en la película de nuestras vidas. Por el contrario, ni Robyn ni Björk tienen título para sí mismas, ni siquiera en las subcategorías escandinavo-esquimales. O quizá lo hayan borrado ellas mismas, mientras averiguaban si era bueno o malo verse reconocidas en la misma web que el Rey del Pop Pakistaní (Abrar-ul-Haq) y el Rey del Crunkchata (Toby Love).

Por un lado, la web es historia de la música pop y del rock, cuando se recuerda que Neil Young fue el “Padrino del Grunge”, se reconoce a Buddy Holly, Richie Valens y The Big Bopper como “the father, the son, and the holy ghost” en referencia al clásico de Don McLean ‘American Pie’, a Kurt Cobain como «Rey del Antipop», a Paul Weller como «Padre del Mod» o a Dolly Parton como «Reina del Country». Por otro, todo un entretenimiento kitsch que te servirá para aprender que la “novia de América” no es Britney Spears ni Taylor Swift sino Lucero, y Thalía la “reina del pop latino”, la “reina de las telenovelas” y “empress of beauty” en general. Cuando se reconoce a Tony Wilson como «Mr Manchester» y a Xuxa como «Reina de los Niños», sabrás definitivamente que has terminado en la página adecuada… ¿aunque qué opinarán los Gallagher y Leticia Sabater?

ABBA anuncian álbum de estudio, «concierto» y estrenan 2 canciones

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Más de 230.000 espectadores se han conectado al directo en el que se han presentado dos canciones nuevas de ABBA que ya están disponibles en las plataformas de streaming, ‘I Still Have Faith In You’ y ‘Don’t Shut Me Down’. Pertenecen a un nuevo álbum que saldrá el 5 de noviembre, como han informado los propios Björn y Benny en el evento online. El largo contendrá 10 pistas y ha sido producido por ellos mismos, como han recalcado durante la entrevista pertinente, en la que han declarado que «no van a competir con Drake» porque no «entienden los ingredientes del pop de hoy». También han anunciado un concierto con «avatars» en Londres que será «revolucionario», a partir del 27 de mayo de 2022. Allí, los avatars de ABBA estarán acompañados de 10 músicos en directo. Los detalles que se conocen ya están en su web.

Como informa Universal, las versiones digitales de ABBA se han creado después de semanas y meses de técnicas de captura de movimiento y actuaciones con los cuatro miembros de la banda y un equipo de 850 personas de Industrial Light & Magic, la compañía fundada por George Lucas, en lo que es la primera incursión de la compañía en la música.

«ABBA Voyage» se inaugurará el 27 de mayo de 2022 en el ABBA Arena, un estadio de última generación con capacidad para 3.000 personas ubicado en el Parque Olímpico Queen Elizabeth en Londres. La reserva de entradas se abre a las 19:00 de la tarde esta noche en abbavoyage.com con entradas a la venta general a partir del martes 7 de septiembre.

El concierto de ABBA Voyage se realiza con la ayuda de la productora Svana Gisla (David Bowie Blackstar/Lazarus, Beyoncé y Jay Z para HBO, Springsteen and I), el productor Ludvig Andersson (And Then We Danced,Yung Lean – «In My Head», Mamma Mia! Here We Go Again), el director Baillie Walsh (Flashbacks of a Fool, Being James Bond, Springsteen and I), el coproductor ejecutivo Johan Renck (Spaceman, David Bowie Blackstar/Lazarus, Chernobyl) y el coreógrafo Wayne McGregor CBE (The Royal Ballet, Company Wayne McGregor, Paris Opera Ballet).

Los productores Svana Gisla y Ludvig Andersson han dicho: «La magia de ABBA y los esfuerzos hercúleos de todo este magnífico equipo alcanzan hoy un hito muy esperado. Poder finalmente compartir este esfuerzo con el mundo es un momento de orgullo para nosotros y tenemos muchas ganas de darle la bienvenida a nuestro arena en el este de Londres, un lugar en el que nos hace tan felices estar».

Baillie Walsh, Director: «Vi a ABBA ganar el festival de la canción de Eurovisión en 1974, y nunca imaginé que 47 años después estaría con ellos en este extraordinario viaje. La vida es extraña y maravillosa a veces».

Wayne McGregor, Coreógrafo: «Imagínate: crecer en el norte de Inglaterra en los años 70 y aprender a bailar baile de salón, latino y disco con las increíbles canciones de ABBA. Tenía 8 años y estaba totalmente emocionado. Avancé rápido hasta 2020, estando en Suecia y bailando con ABBA, ¡en la vida real! Estaba a punto de cumplir 50 años y me transportaron de nuevo totalmente. Esa es la magia de ABBA. Hemos compartido muchas aventuras creativas y alegres con un audaz equipo de colaboración para hacer posible lo imposible para ABBA Voyage: magia tecnológica, inmersión de vanguardia e innovación en el entretenimiento. Y aún todavía, en su vehemente corazón, tenemos nuevas canciones, nuevos movimientos, canciones clásicas, movimientos clásicos: ABBA es DANCE y siempre lo será. Nos vemos en la pista de baile».

Sir Lucian Grainge, Presidente y CEO de Universal Music Group: «Desde el comienzo de mi carrera, y habiendo tenido el privilegio de trabajar con ellos directamente durante muchos años desde entonces, ha sido una tremenda alegría estar rodeado de ABBA y su música. Su creatividad ilimitada y melodías atemporales nos hacen querer asociarnos con ellos en todo lo que hacen porque sabemos que será genial».

Este es, pues, el regreso definitivo de ABBA. Mucho se había especulado sobre este proyecto desde que publicaron un primer anuncio a través de dos nuevos perfiles en Twitter e Instagram bajo el nombre de ‘ABBA Voyage’. Se había hablado de esas nuevas canciones que estaban en camino después de que el grupo volviera al estudio en 2018, de una nueva gira, de ese concierto holográfico del que se habló en 2016… Pero no hubo nada seguro respecto a este regreso hasta que la banda apareció en Tik Tok el pasado lunes, compartiendo un primer vídeo de una versión a piano de ‘Dancing Queen’ y lanzando un primer teaser de Voyage, aunque tampoco dieron demasiadas pistas. Solo recalcaron que «el viaje estaba a punto de empezar». Como así ha sido.

Jon Hopkins «resetea» en su nuevo proyecto ‘Music For Psychedelic Therapy’

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Jon Hopkins ha anunciado el lanzamiento de su nuevo álbum de estudio para el próximo 12 de noviembre (11 de febrero en vinilo) y ha presentado su primer single, ‘Sit Around The Fire’, en colaboración con East Forest y del fallecido maestro espiritual Ram Dass.

«Mi sexto álbum en solitario de larga duración se llama ‘Music For Psychedelic Therapy'», ha escrito el cantante en su cuenta de Instagram. Será el primer disco de larga duración de Hopkins después de su último trabajo discográfico, ‘Singularity‘, en 2018. También es el autor de ‘Immunity‘ (2013), que fue nominado al Premio Mercury.

Para este nuevo proyecto, Hopkins quería crear algo con «total honestidad»: «Sentía que era el momento de resetear, de esperar que la música saliera de otro sitio», explica en un comunicado refiriéndose a las cuevas de Tayo (Ecuador), donde hizo una expedición creativa en 2018 que le permitió crear «un álbum sin ritmos, ni un solo sonido de batería, algo que está más cerca de una sinfonía clásica que de un disco de danza/electrónica. Algo que se parece más a tener una experiencia que a escuchar una pieza musical». Este es su tracklist:

  1. Welcome
  2. Tayos Caves, Ecuador i
  3. Tayos Caves, Ecuador ii
  4. Tayos Caves, Ecuador iii
  5. Love Flows Over Us In Prismatic Waves
  6. Deep In The Glowing Heart
  7. Ascending, Dawn Sky
  8. Arriving
  9. Sit Around The Fire

El videoclip de su primer single, ‘Sit Around The Fire’, se ha estrenado hoy. Ha sido realizado por Tom Readdy y Lucy Dawkins a través de una animación en un estilo muy hipnótico que muestra una serie de imágenes del libro de Ram Dass, ‘Be Here Now’. «Me contactó East Forest, que había pasado algún tiempo con Ram Dass en Hawai antes de su fallecimiento (…). Me envió algunos puntos de partida, incluidas las hermosas voces corales que grabó (de Ram Dass) y que abren la pieza. Me puse los auriculares y con la voz de Ram Dass dentro de mi cabeza, me senté al piano e improvisé».

Barbara Pravi / On n’enferme pas les oiseaux

El debut en largo de la francesa Barbara Pravi ha llegado al público en la última semana de agosto, como recordando que el otoño se acerca, remitiéndonos a un pasado -el de la chanson- tan remoto que hasta se nos había olvidado, y recurriendo reiteradas veces a los pájaros como metáfora, bien del amor que se nos escapa, bien de las libertades que anhelamos. De esto último hablaba ‘Voilà‘, una canción de autoafirmación en la que Pravi trataba de reivindicarse a sí misma con sus virtudes y con sus defectos, que un día pensamos ingenuamente que podía ganar el Festival de Eurovisión -antes de conocer el insólito alcance del huracán Måneskin-. Al final, quedó segunda.

Barbara Pravi había publicado ya tres EP’s en Francia, había escrito para otras personas -incluyendo a Jaden Smith, el controvertido hijo de Will Smith-, de hecho compuso el tema ‘J’imagine’ para Valentina que ganó Eurovisión Junior 2020, y también había participado en musicales como ‘Heidi’ y ‘Un été 44’, en este último interpretando un tema original de Charles Aznavour. Todo ello produciendo que Pravi llegue a este lanzamiento con su millón de oyentes mensuales, trascendiendo ligeramente las fronteras de su Francia natal: tiene decenas de miles de fans en Holanda y en Madrid.

Lo que todos esos seguidores fieles esperan de un disco de Barbara Pravi, tantos meses después de Eurovisión, son sin duda más aproximaciones a la canción francesa clásica, más temas que les recuerden a los tiempos de Françoise Hardy circa ‘Mon amie la rose’, o más recientemente Benjamin Biolay. Es adonde nos llevan canciones a piano como ‘L’homme et l’oiseau’, que forma un tríptico/videoclip conjunto con ‘Voilà’ y con otro single llamado ‘Le jour se lève’, el cual cuenta con una segunda parte con mayor protagonismo del violín y el violonchelo.

En otros puntos del disco, Barbara Pravi parece querer explorar la complejidad de sus orígenes y aprovechando que sangre iraní y serbia corre por sus venas, los arreglos de ‘Saute’ miran más hacia Oriente, como los ritmos tribales de ‘La femme’. Es esta una canción de corte feminista, en la que la cantante reivindica «su cuerpo más o menos bello, sus elecciones, sus reglas, sus cargas, su pecho, su corazón y sus reflejos, su piel, su cintura, su sexo», afirmando que hará con todo ello «por las noches», lo que «le dé la gana», porque distintos tipos de mujer caben dentro de ella.

Su acercamiento al folclore de otros países no tiene mayor recorrido experimental que primero Stromae y después la Madonna de ‘Madame X’, y las grandes victorias de ‘On n’enferme pas les oiseaux’ se producen en verdad en formato reducido. En ‘L’homme et l’oiseau’, cuando el pájaro es el amor que nos deja («¿A qué brazos voló? / ¿Hacia qué nuevo ensueño?»). En el «spoken word» de ‘La vague’. En la intrigante ‘La ritournelle’, con un diálogo teatral lleno de misterio, con un punto de locura y confusión, más francés que el guión más enrevesado de Éric Rohmer. Y en la preciosa ‘Prière pour rester belle’, un canto desesperado a la pérdida de la belleza y la juventud, en la que se dirige a los dioses para suplicarles: «Juradme que soy más que esto / habladme de eso que atraviesa las edades / Decidme «tu alma es inmortal / este cuerpo no significa nada, sólo él envejecerá»». Pide Barbara Pravi que «no se encierre a los pájaros», pero es cuando estos corren cierto peligro, cuando ofrece como artista lo mejor de sí.

El padre de Britney Spears pide 2 millones de dólares por renunciar a su custodia

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La comparecencia de Britney Spears el pasado 23 de junio en el tribunal de Los Ángeles para hablar de su tutela parecía una primer señal de que la cantante estaba un paso más cerca de ser la dueña de su vida, de sus relaciones y de sus recursos, más aún cuando a principios de agosto su padre, Jamie Spears, accedió a la petición de su hija de renunciar a su custodia. Sin embargo, el precio que Jamie ha puesto a esa libertad es de dos millones de dólares, 1 millón para pagar a sus abogados, 500.000 para su antiguo administrador y el resto mediante una indemnización.

Los datos se conocieron este miércoles a través The Guardian mediante una serie de documentos judiciales que presentó el nuevo abogado elegido por Britney, Mathew Rosengart. Estos documentos son un anexo a la petición que ya se realizó en julio para poner fin a su tutela. «Britney no será extorsionada», afirmaba en la presentación del expediente judicial, y asegura que el «descarado» intento por parte de su padre para la «suspensión y eliminación» de la tutela de su hija a cambio de este pago «no tiene posibilidades de éxito».

Ya es sabido el absoluto control que Jamie Spears ha tenido sobre las cuentas de su hija. El pasado mes de julio se descubrió que gastó 1,5 millones (en euros) de su fortuna para la defensa judicial con la que poder mantener la tutela. Y aunque no permita a su hija tener acceso a su tarjeta y aun habiendo limitado su paga a 2.000 dólares semanales, el señor Spears ha asegurado que «no hay motivos para expulsarlo y que siempre ha actuado en el mejor interés de su hija», también según The Guardian.

Britney Spears ya dijo hace casi tres meses en su declaración que se siente «deprimida» y «traumatizada» y que solo quiere «recuperar su vida». A lo largo de los años, entre otras cosas, la cantante ha sido obligada a trabajar en contra de su voluntad, incluso teniendo fiebre, se le han retenido pertenencias como el teléfono, la tarjeta de crédito o el pasaporte y ha sido privada de quedarse embarazada después de haber tenido que implantarse un DIU en contra de su voluntad.

El juicio continuará este mes, concretamente a partir del día 29, y se espera que la jueza Brenda Penny destituya a Jamie Spears como tutor legal de Britney y que no le sea asignada otra tutoría para que sea ella misma quien ejerza el control sobre su vida.

Podcast: Yo me equivoqué con Britney Spears

‘Girl Is a Gun’ es el peculiar rock sin guitarras de Halsey

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Halsey acaba de promocionar el excelente ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’, nuestro «Disco de la Semana» y desde ya uno de los álbumes del año, con una charla a medias con los productores del álbum, Nine Inch Nails. A lo largo de una hora sin descanso ni tiempo para poner vídeos o canciones, los tres han hablado sobre cómo fueron sus primeros contactos, y sobre el desarrollo del álbum. Trent Reznor dice que recibió una carta de Halsey muy elocuente y halagadora, ella reincide en su miedo a ser rechazada en medio de sus habituales problemas de inseguridad, y Atticus Ross detalla, por ejemplo, cómo las canciones fueron arregladas en base al lugar que ocupaban en la secuencia.

Entre las cuestiones más relevantes, Halsey explica que quería algo más oscuro que reflejase lo vulnerable y asustada que se sentía durante su embarazo, y sobre todo cómo este álbum le ha ayudado a ser «la rockera que siempre quiso». Cuando al final le preguntan si quiere añadir algo de lo que no se haya hablado, reivindica «el resurgimiento del rock» en nuestros días, al que espera haber «aportado algo». De manera significativa, Trent Reznor había hablado sobre la importancia de ser honesto, de «la verdad», por encima de si un género es pop o no.

Y es por eso que ‘If I Can’t Have Love, I Want Power’ es un disco tan brillante, porque puede ser considerado un álbum de rock al uso, incluso en los momentos en que no tiene guitarras eléctricas en absoluto. Es posible que pronto se extraigan como single temas guitarreros como ‘You asked for this’, ‘honey’ o ‘Easier than Lying’, pero es a través del primer sencillo ‘I am not a woman’ o este ‘Girl Is a Gun’, hoy nuestra “Canción del Día”, cuando la presencia de Nine Inch Nails queda perfectamente justificada.

No ha sido Gordon Raphael, productor del primero de los Strokes; ni James Ford, responsable del sonido ‘AM’ de Arctic Monkeys; el elegido para las labores de producción, sino Trent Reznor y Atticus Ross. Nine Inch Nails es una banda que proviene de los años 80, su esencia está en los sonidos industriales de aquella época, por lo que están habituales a los sintetizadores, como también se ha visto en sus bandas sonoras, a veces premiadas con Oscar, como era el caso de ‘La red social’.

Por eso han comprendido tan bien las necesidades de una artista tan versátil como era Halsey y han rematado tan bien el trabajo que había hecho previamente. ‘Girl Is a Gun’ puede contener referencias al synth-pop de los años 80 por la vía de Visage, y también al drum&bass de los 90 porque ellos ya estaban allí. Halsey se ha declarado fan de los años 90 en multitud de ocasiones, con una gama variada de artistas reivindicados que incluye lo mismo a los Cranberries que al rap de aquellos años, por lo que ha sabido encajar todos esos ingredientes tan dispares con total naturalidad. En definitiva, no sé si ‘Girl Is a Gun’ es una canción de rock, no sé si es una canción de dance: lo mismo podría haber sido una canción de The Prodigy.

En cuanto a la letra, con campos semánticos más propios del rock que del pop («teeth», «trigger», «killing»), Halsey habla de su dificultad para relacionarse, indicando que se siente “más tranquila sin manos que la rodeen”, sentenciando que “no soy tu sueño y no tendré tu bebé” (una referencia a su antiguo hit ‘you should be sad’), y reconociendo que después “vuelve a enamorarse (…) y a los mismos problemas”. El estribillo compara su suerte con la de una pistola que puede terminar de cualquier manera, en sintonía con el vertiginoso ritmo de la canción, que desarrolla todo esto en un total de 2 minutos y 26 segundos.

Lo mejor del mes:

Elton John triunfa con Dua Lipa y anuncia disco con más colaboraciones de lujo

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Elton John, que no ha podido realizar su gira de despedida en las fechas planeadas debido a la pandemia, no solo ha tenido un relanzamiento de su carrera gracias al éxito de ‘Rocketman’. El proyecto conjunto con PNAU en el que hace unos años estos remezclaban parte de su repertorio en el álbum ‘Good Morning to the Night’ (2012), que era bien apañado, también ha revivido.

La nueva idea, que os presentábamos hace unas semanas, es un remix del clásico ‘Sacrifice’, ahora llamado ‘Cold Heart’, que evita la palabra «sacrifice», añade y quita letra, y dura 2 minutos menos, con la colaboración de nada menos que Dua Lipa. Como otras pistas recientes de Whitney Houston y Tina Turner, la nueva remezcla ha gustado y mucho en Reino Unido, y tras 2 semanas asentada en el top 40, este viernes podría dar el salto al top 20, según las midweeks. El tema no ha sido aceptado por Radio One, la emisora de la BBC para los adolescentes; mejor aún, ha sido aceptado en Today’s Top Hits, la mayor playlist mundial de Spotify.

Alentado por la nueva vida para la que era una de las canciones más cuquis de Elton John (¡ese gancho instrumental! ¡ese tartamudeo «cold-cold»!), el compositor va a sacar un disco llamado ‘The Lockdown Sessions’ en el que van a aparecer ‘Cold Heart’, así como otras colaboraciones recientes ya conocidas como el ‘It’s a Sin’ entonado junto a Years & Years, ‘Chosen Family’ con Rina Sawayama y ‘The Pink Panthom’ con Gorillaz.

Su tema para el disco de Lil Nas X también estará por aquí, solo que el disco de Elton saldrá más de un mes después, en concreto el 22 de octubre. En él se reunirán nombres más o menos noveles como SG Lewis y Charlie Puth con leyendas como Stevie Nicks, Stevie Wonder y Eddie Vedder. No será, por tanto, un disco de remezclas de PNAU, sino un batiburrillo de colaboraciones recientes.

01 Elton John / Dua Lipa: “Cold Heart (Pnau Remix)”
02 Elton John / Young Thug / Nicki Minaj: “Always Love You”
03 Surfaces: “Learn to Fly” [ft. Elton John]
04 Elton John / Charlie Puth: “After All”
05 Rina Sawayama / Elton John: “Chosen Family”
06 Gorilllaz: “The Pink Phantom” [ft. Elton John and 6lack]
07 Elton John / Years & Years: “It’s a Sin (Global Reach Mix)”
08 Miley Cyrus: “Nothing Else Matters” [ft. Watt, Elton John, Yo-Yo Ma, Robert Trujillo and Chad Smith]
09 Elton John / SG Lewis: “Orbit”
10 Elton John / Brandi Carlile: “Simple Things”
11 Jimmie Allen / Elton John: “Beauty in the Bones”
12 Lil Nas X: “One of Me” [ft. Elton John]
13 Elton John / Eddie Vedder: “E-Ticket”
14 Elton John /Stevie Wonder: “Finish Line”
15 Elton John / Stevie Nicks: “Stolen Car”
16 Glen Campbell / Elton John: “I’m Not Gonna Miss You”

Grimes y BloodPop se enzarzan sobre su ausencia en el disco de remezclas de Lady Gaga

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Este mismo viernes 3 de septiembre se publica ‘Dawn of Chromatica’, el esperado disco de remezclas de ‘Chromatica’, el álbum de Lady Gaga, que cuenta con un elenco de órdago. Arca remezcla ‘Rain on Me’ con Ariana Grande, Rina Sawayama aparece en el remix de ‘Free Woman’, Charli XCX y A.G. Cook en el de ‘911’ como ya se sabía que iba a suceder, Dorian Electra se encarga de ‘Replay’, Ashnikko de ‘Plastic Doll’, Planningtorock de ‘1000 Doves’, etcétera. Finalmente quedan fuera las remezclas de ‘911’ de Sofi Tukker o de ‘Free Woman’ de Honey Dijon, entre otras, a pesar de que no estaban nada mal.

Otra que no está en el disco de remezclas es Grimes, quien se ha enzarzado con su amigo de siempre BloodPop, ahora mano de confianza de Gaga y productor ejecutivo de este nuevo álbum, sobre los motivos de esta decisión, a través de Twitter. Cuando alguien le ha preguntado a Grimes por las razones de su ausencia, ella ha respondido que se ha tratado de una “rivalidad entre hermanos” con BloodPop, debido a la “inmadurez” de ambos para completar el trabajo. Ha añadido: “está enfadado conmigo por pegar una foto mía encima de su cama, pues se arrancó la pintura de la pared al quitarla. Debería haberla dejado”. BloodPop ha respondido que la remezcla estaba más “no empezada” que “no terminada”, y ha dicho que Grimes estaba muy liada “haciendo TikToks sobre el silencio de los mimos”. “Muy raro, en mi opinión, y además ha dejado daños en la pared al usar cinta adhesiva”, indicaba sobre la polémica de la foto.

El tracklist de ‘Dawn of Chromatica’, que incluye a otros artistas como Pabllo Vittar, Shygirl, Coucou Chloe o la revelación Bree Runway, respeta la secuencia original con la excepción de un tema repetido, por lo que no será otro de esos discos de remixes en los que una misma canción aparece remezclada 7 veces, lo cual es de agradecer, y obliga a pensar que pueda ser el ‘Club Future Nostalgia‘ de Dua Lipa. Se desconoce si las pistas sonarán todas seguidas sin silencios a modo de sesión de DJ como las de este LP de Dua Lipa comisariado por The Blessed Madonna, pero sí se sabe que todas ellas contarán con su propio videoclip. Eso sí, la portada de ‘Dawn of Chromatica’ con la pota de SXSW promete ser controvertida.

También hay que recordar que ‘The Remix‘, el disco de remezclas de la etapa ‘The Fame Monster’, contaba con producciones de Pet Shop Boys, Passion Pit, The Sound of Arrows o FrankMusik.

01 Lady Gaga: “Alice (LSDXOXO Remix)”
02 Lady Gaga: “Stupid Love (Coucou Chloe Remix)”
03 Lady Gaga / Ariana Grande: “Rain on Me (Arca Remix)”
04 Lady Gaga: “Free Woman (Rina Sawayama & Clarence Clarity Remix)”
05 Lady Gaga: “Fun Tonight (Pabllo Vittar Remix)”
06 Lady Gaga: “911 (Charli XCX & A. G. Cook Remix)”
07 Lady Gaga: “Plastic Doll (Ashnikko Remix)”
08 Lady Gaga / Blackpink: “Sour Candy (Shygirl & Mura Masa Remix)”
09 Lady Gaga: “Enigma (Doss Remix)”
10 Lady Gaga: “Replay (Dorian Electra Remix)”
11 Lady Gaga / Elton John: “Sine From Above (Chester Lockhart, Mood Killer & Lil Texas Remix)”
12 Lady Gaga: “1000 Doves (Planningtorock Remix)”
13 Lady Gaga: “Babylon (Bree Runway & Jimmy Edgar Remix)”
14 Lady Gaga: “Babylon (Haus Labs Version)”

Rosalía rapea y le «enrola la maría» a Tokischa en la machacona ‘Linda’

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Rosalía no presentaba novedades musicales desde el lanzamiento, el pasado mes de enero, de ‘Lo vas a olvidar‘, su… olvidable colaboración con Billie Eilish. A espera de que llegue su tercer disco, que sigue en el horno cuando van a cumplirse tres años desde el lanzamiento de ‘El mal querer’, Rosalía sigue apareciendo en colaboraciones de todo tipo y hoy ve la luz su anunciado tema con la cantante y rapera dominicana Tokischa.

‘Linda’ es uno de esos temas machacones que caracterizan el repertorio de Tokischa y, por lo tanto, uno de los más agresivos de la carrera de Rosalía, durando apenas 20 segundos más que ‘TKN’ y casi lo mismo que ‘A palé’. El tema se enmarca en el estilo del dembow dominicano y, como de costumbre, Rosalía -productora de la canción junto a Leo RD- aporta el matiz flamenco esperado a la grabación, pues ‘Linda’ contiene percusiones tipo palmas. Sin embargo, en ‘Linda’ la catalana no canta en absoluto, sino que rapea desde el principio hasta el final acompañada de Tokischa.

Por esta razón, ‘Linda’ reclama toda la atención a su letra, llena de frases hechas precisamente para no pasar desapercibidas. «Las amigas que se besan son la mejor compañía» es el lema de la canción, la cual, efectivamente, roza la problemática del «lesbian chic» aunque sin pasarse, no como Katy Perry; y Rosalía está especialmente graciosa cuando menciona que Tokischa le cocina «arroz con habichuelas» y ella le «enrola la maría». Incluso pasa de contarnos que le «muerde el cachete como si fuera una fruta» a escupirle «la cara al tipo como si fuera mi puta». ¡Trá, trá!

A espera de que se reabra el debate sobre si la etapa reggaetonera de Rosalía mola o no mola, sobre si Rosalía ya pasa de pretender ser una artista «seria» como si por haber hecho ‘El mal querer’ eso ya le cerrase toda posibilidad de hacer otras cosas, ‘Linda’ consigue la nada difícil hazaña de ser mucho mejor canción y producción que ‘LA NOCHE DE ANOCHE’ de aquí a la República Dominicana. Y ‘Con altura’ pudo arrasar pero sorry: esto mola mucho más.

Lil Nas X se inspira en Bob Esponja y la Biblia para el portadón de ‘Montero’ y revela sus featurings

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Lil Nas X ha revelado la portada de su esperado debut ‘Montero’, indicando que se ha inspirado en ‘Genesis II’ del artista John Stephens, por un lado, recordando aquella parte de la Biblia en que Dios descansó al séptimo día de creación del mundo; y también en ‘Bob Esponja’. Así lo ha comunicado en Twitter, como podéis ver bajo estas líneas. Más adelante ha desvelado el tracklist, con colaboraciones de Doja Cat, Miley Cyrus o Elton John:

01 Montero (Call Me by Your Name)
02 Dead Right Now
03 Industry Baby [ft. Jack Harlow]
04 That’s What I Want
05 The Art of Realization
06 Scoop [ft. Doja Cat]
07 One of Me [ft. Elton John]
08 Lost in the Citadel
09 Dolla Sign Slime [ft. Megan Thee Stallion]
10 Tales of Dominica
11 Sun Goes Down
12 Void
13 Don’t Want It
14 Life After Salem
15 Am I Dreaming [ft. Miley Cyrus]

Lil Nas X está entre los artistas confirmados para la ceremonia de los premios MTV el próximo 12 de septiembre, presentada por Doja Cat. A falta de averiguar qué canción interpretará, el artista sí ha situado el esperado lanzamiento de su álbum debut para tan sólo 5 días después, el viernes 17 de septiembre. Aún se desconoce su tracklist, por lo que sólo cabe dar por hecho que sus singles ‘Montero (Call Me By Your Name)’, ‘Industry Baby’ y ‘Sun Goes Down’ estarán ahí.

“Call Me By Your Name” ha sido número 1 tanto en Reino Unido como en Estados Unidos, mientras ‘Industry Baby’ ha quedado en el puesto 2 en Estados Unidos y en el puesto 7 en Reino Unido (‘Sun Goes Down’ quedaba fuera del top 40 en ambos casos).

Ciñéndonos a España, “Call Me By Your Name” llegaba a ser top 5 y aún resiste en la parte baja del top 100, certificada como doble platino; mientras ‘Industry Baby’ ronda el top 40 en nuestro país. Sin duda, estamos hablando de uno de los álbumes del año desde el punto de vista comercial.

Queralt Lahoz, Sebastián Cortés, La Plata… en octubre en Pops Marítims

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El festival Pops Marítims regresa a Valencia con su quinta edición el próximo octubre en los días 2 y 3, con nombres tan relevantes para el pop actual como Queralt Lahoz y Sebastián Cortés. Se celebrará en el Veles e Vents y por primera vez desde su creación, hará una parada previa en la provincia de Alicante el 17 de septiembre con dos bandas valencianas: El Diluvi y Smoking Souls.

La presencia de artistas valencianos no estará solo presente en esa primera parada en Alicante: la celebración del festival en Valencia contará, entre otros, con el grupo La Plata, la banda Anouck The Band y la cantante Sandra Monfort, que presentará su primer disco en solitario en el festival, ‘Niño Reptil Ángel’.

«El festival Pops Marítims ha propuesto, en los últimos años, una programación musical de calidad, de artistas emergentes y con discursos que nos cuestionan aquello establecido», pero para esta edición de 2021, «el festival busca ser un acontecimiento reflexivo que desborde los límites de la música y nos acerque a otras geometrías: repensar nuestra relación con el público, con la esfera social, con los jóvenes, con el entorno inmediato de los Poblats Marítims, con el sentido de la cultura y los festivales en plena crisis ecológica, sanitaria, ambiental, social y económica».

Además de los artistas ya mencionados, otros destacados serán, por ejemplo, Laura Esparza i Carlos Estaban, que podrán presentar su último disco ‘Mare Natura’ y su último single ‘COS’; y la cantante Pongo, que actuará por primera vez en Valencia, y sobre la que volveremos en unos días.

Aquí puedes comprar las entradas para Alicante y aquí para Valencia. Y este es el listado completo de artistas:

  1. Pongo (2 de octubre)
  2. La Plata (2 de octubre)
  3. Sandra Monfort (2 de octubre)
  4. Laura Esparza i Carlos Esteban (2 de octubre)
  5. Queralt Lahoz (2 de octubre)
  6. Caramelo (2 de octubre)
  7. Sebastián Cortés (3 de octubre)
  8. Anouck The Band (3 de octubre)
  9. Paranoid 1996 (3 de octubre)






Kanye West / Donda

Como todo lo que se ha escrito sobre Kanye West, su megalomanía, su larga lista de obras maestras publicadas, sus mil polémicas, etcétera, se ha escrito ya mil veces, y al primer párrafo de la crítica de ‘Jesus is King‘ de este site me remito, vamos al grano con ‘Donda’: no es un buen disco. Es el trabajo de un artista cansado, perdido y agotado creativamente que además no debería haber visto la luz todavía, según su propio autor (aunque él mismo no se ha cansado de presentarlo en directo). Y cuanto más lo escuchas más entiendes por qué.

Donda, la madre de Kanye West, murió en 2007 debido a complicaciones derivadas de varias operaciones de cirugía estética. Kanye no lo ha superado, según personas cercanas a él, y lleva 14 años cargando con el duelo de manera pública. Complica las cosas que Kanye padece trastorno bipolar pero parece que la raíz de la cuestión es esa pérdida no superada. El comportamiento de Kanye en los últimos años ha sido preocupante: ha hecho declaraciones como que la «esclavitud fue una elección», se ha presentado como candidato a las elecciones de Estados Unidos al mismo tiempo que ha reconocido no haber votado en su vida, haciendo el mayor de los ridículos; e incluso ha compartido públicamente, durante un mitin, que Kim Kardashian y él consideraron abortar a su hija North, que hoy tiene 8 años y probablemente acceso a internet.

Hay que lamentar que el disco que Kanye dedica a su madre, a la persona que más ha querido en su vida, sea también uno de los peor acabados. ‘Donda’ decepciona especialmente porque en algún lugar de su larguísima secuencia de 27 pistas y casi 2 horas de duración es posible detectar el principio de un buen disco que nunca se termina de cristalizar. La producción es interesante pero no novedosa y las letras vuelven a los mismos temas que han obsesionado a Kanye últimamente, como su fe en Dios o su matrimonio con Kim Kardashian. Podemos considerar semi revolucionaria la casi total ausencia de beats en el disco, algo nada habitual en el hip-hop; y de hecho el minimalismo de las canciones podría haber sido una de sus grandes bazas. Sin ir más lejos, la música sacra es una de sus mayores influencias, pero lo mejor es que ‘Donda’ no busca ser un disco religioso. Y, sin embargo, en esta bifurcación entre su papel como innovador del hip-hop y su fe, Kanye tampoco termina de lucirse.

Al margen de que Kanye siempre ha sido mejor compositor y productor que rapero, por lo que ‘Donda’ nunca iba a ser un nido de versos espectaculares por su parte -y no lo es-, del disco llama la atención no solo lo inacabadas que suenan sus pistas, sino lo completamente desprovistas de pasión y júbilo que suenan a su vez. El minimalismo es una estrategia musical estupenda si se sabe usar pero, en ‘Donda’, Kanye no le saca partido. ‘Jail’ despierta interés desde el principio por su uso de las guitarras pero pierde fuelle enseguida y es la pista 2. Ni siquiera su otrora enemigo Jay-Z logra levantarla. Por otro lado, ‘God Breathed’ suena totalmente inconclusa y peca de repetitiva y algunos «hooks» melódicos de ‘Donda’, como los de la pegadiza ‘Ok Ok’ o la ambiental ‘Jonah’, son agradables de escuchar, pero las composiciones se quedan cortas: ni son dinámicas ni albergan versos memorables por parte de Kanye ni de sus raperos invitados, como Rooga o Lil Durk.

Que la llama de la inspiración a Kanye no se le ha apagado del todo es evidente en varios puntos de ‘Donda’. El problema es que los buenos momentos que es posible encontrar en el disco están demasiado esparcidos a lo largo de su secuencia y rara vez se concentran en una sola canción. ‘Believe What I Say’, una de las mejores pistas, parece el esqueleto de una producción de disco-house que Kanye ha olvidado rematar; ‘Donda’ alterna un discurso de la propia madre de Kanye con los apasionados coros del Sunday Service Choir pero el efecto suena a «collage» mal ejecutado; lo mismo sucede con una ‘New Again’ que admite sonoridades rave; y ‘Heaven and Hell’ desaprovecha totalmente su sample de ‘Jenny from the Block‘ en una producción medio industrial totalmente esquelética y anémica, sin fuerza.

En la constelación de buenas ideas torpemente realizadas que presenta ‘Donda’ sí es posible hallar alguna canción que vale la pena por sí misma. La trapera ‘Hurricane’ con The Weeknd es un ejemplo del buen hacer de Kanye como productor, ‘Come to Life’ presenta un bonito «soundscape» entre pianos, órganos y una señora de fondo que grita «aleluya» y los 8 minutos de ‘Jesus Lord’ constituyen la canción mejor acabada del largo y una de las más personales y vulnerables cuando Kanye rapea sobre sus problemas: «demasiadas pastillas, demasiadas pociones, demasiado dolor, demasiadas emociones, y todas las cosas buenas que haces pasan desapercibidas», espeta antes de recordar a su madre: «eras el alma de la fiesta y cuando perdiste tu vida, se fue el alma de la fiesta». Los versos de Kanye, más simples que sofisticados, nunca sobresalen en el disco pero en ‘Jesus Lord’ logra que les prestamos atención.

Especial mención merece ’24’. Como hemos dicho, ‘Donda’ es un disco influido por la música religiosa y algunas de sus pistas se basan en el sonido de un órgano. Al escuchar, por ejemplo, el mantra de la meditativa ‘No Child Left Behind’ o el organillo de pistas como ‘Pure Souls’ o ‘Junya’ vienen a la mente los casetes de música devota que Alice Coltrane publicó en los 80, y a menudo da la sensación de que ‘Donda’ podría haber seguido un camino parecido. En este sentido, ’24’ es la joya de la corona: la melodía de los coros del Sunday Service Choir, que suenan distorsionados y como copiapegados a la base de manera exquisita, ponen los pelos de punta y Kanye canta con un sentimiento que rara vez expone en el disco. Dedicada a Kobe Bryant, ’24’ es la canción que demuestra lo que ‘Donda’ podría haber sido. Lo que ha llegado a la calle necesita tijera, menos versiones alternativas con DaBaby y Marilyn Manson entre los invitados y unas cuantas vueltas. Y en privado, mejor.

Spice Girls relanzarán ‘Spice’ para celebrar su 25º aniversario

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El 25 aniversario del debut de las Spice Girls está cada vez más cerca. Hoy han comunicado a través de sus redes que en octubre relanzarán ese álbum debut, ‘Spice’, para celebrarlo.

«¡¡SORPRESA!! Para conmemorar el 25 aniversario de nuestro álbum debut ‘Spice’, lanzaremos una colección de edición limitada de vinilos y casetes MÁS un 2CD de lujo con algunas pistas y demos inéditas», escribían en su perfil de Twitter hace unas horas.

El disco se llamará ‘Spice25’ y saldrá el próximo 29 de octubre a través de un juego de 2 CD en un libro de tapa dura tamaño A5. Y como han confirmado las artistas, tendrá varias versiones en vinilo y en casetes. Además, contará con una versión remasterizada del disco original exclusiva de Apple Music en Dolby Atoms.

Esta colección tendrá bonus tracks y grabaciones jamás escuchadas, entre las que se incluye una mezcla del éxito ‘Wannabe’ de Dave Way, una mezcla de radio de 7 pulgadas de ‘Say I’ll be There’ y un tema orquestal de ‘2 Become 1’. Este es el tracklist completo de ambos discos:

Disco 1:

  1. Wannabe
  2. Say You’ll Be There
  3. 2 Become 1
  4. Love Thing
  5. Last Time Lover
  6. Mama
  7. Who Do You Think You Are
  8. Something Kinda Funny
  9. Naked
  10. If U Can’t Dance

Disco 2:

  1. Wannabe (mezcla alternativa de Dave Way)
  2. Say You’ll Be There (mezcla de radio de 7 pulgadas)
  3. 2 Become 1 (versión orquestal)
  4. Mama (mezcla de Biffco)
  5. Love Thing (mezcla de ritmo ilimitado de 12 pulgadas)
  6. Take Me Home
  7. Last Time Lover (Demo)
  8. Feed Your Love
  9. If U Can’t Dance (Demo)
  10. Who Do You Thing You Are (Demo)
  11. One Of These Girls
  12. Shall We Say Goodbye Then?

Las integrantes del grupo esperan este aniversario muchos agradecimientos y amor. En un comunicado, Emma Bunton dijo lo siguiente: «El agradecimiento no parece suficiente para todos los que nos apoyaron (…). Han sido 25 años de pura magia». Su compañera Geri Hallwell apoyaba esa afirmación: «Sin vosotros no hay nosotras, enviando amor y gratitud sin fin».

A pesar del paso de los años, el recorrido de las Spice Girls no se olvida y aquí puedes ver una selección de los 13 de vídeos del grupo, del peor al mejor.

‘Starlust’ muestra los límites de ser fan, de la fascinación a la vergüenza ajena

La relación de los artistas con sus fans ha hecho historia de varias maneras. En su forma más siniestra, se llevó por delante la vida de John Lennon, amenazó la de Björk o más recientemente la de Lana del Rey, en cuyas propiedades se han colado varios intrusos. Más hilarantes son los episodios de las fans de Take That en el aeropuerto de Barajas o esa seguidora ilustre llamada Julia que solía ir a todos y cada uno de los conciertos de Morrissey.

La editorial Contra ha recuperado este año el libro ‘Starlust: Las fantasías secretas de los fans’, publicado originalmente a mediados de los 80 por Fred Vermorel, un estudioso de las celebrities y la cultura de fan, que ha escrito libros sobre Sex Pistols, Gary Numan, Adam & the Ants y Kate Moss, entre otros. En esta obra de 1985 ahora traducida al castellano por Ibon Errazkin (Single, Le Mans), recopila una serie de cartas de fans hacia sus ídolos, entrevistas, extractos de diarios y confesiones, en los que estos se dejan ver su alma hasta el fondo. Para él, estos testimonios tienen la misma o más imaginación que las canciones, y son obras de arte igual. Otra cosa es la percepción que nos dejan a día de hoy.

Si MARINA cambió recientemente su nombre por la toxicidad de sus seguidores, antes conocidos como los Diamonds, este libro llega ahora a España para hacernos ver que estas personas no han inventado nada. Ni las fans de BTS, tampoco. Esta serie de cartas dirigidas a David Bowie, Barry Manilow, Blondie, largo etcétera, saca a la luz el grado de locura que se puede llegar a alcanzar cuando una persona se obsesiona por un músico, normalmente un/a cantante, aunque hay para todos. En general, los fans masculinos que escriben cartas son más básicos, y normalmente buscan follar con su ídolo o en su defecto hacerse una paja; pero las posibilidades de las fans femeninas que aquí encontramos se antojan infinitas: las hay por supuesto que quieren acostarse con sus ídolos también; pero después las hay dispuestas a ningunear a sus propias parejas, sacrificar su vida laboral, y entregar su vida hasta la muerte. El culmen del libro es una mujer de 52 años que se cree el alma gemela de Bowie, que ha creado a Bowie y que es Bowie, todo ello a la vez.

Las historias que cuenta el libro, divididas entre decenas de capítulos, devanean entre la fascinación total y la vergüenza ajena. Por un lado, ‘Starlust’ contiene testimonios de primera mano sobre acontecimientos que forman parte de la historia del pop: al parecer, la noche que David Bowie mató a Ziggy Stardust, allí se pajeó en vivo todo el mundo. Por otro, algunos protagonistas bordean y superan lo enfermizo hasta generar la incomodidad de una sitcom al límite. Escribe el prólogo Pete Townshend (The Who), y tiene unas palabras muy curiosas, pues es a su vez ídolo y loser pajillero: «ni siquiera abría la correspondencia que me enviaban los fans. Después de todo, vivía solo y me masturbaba mucho más de lo que disfrutaba con el sexo real (…) ‘Starlust’ ha sido toda una revelación: nunca sentí que los fans fueran tan reales, tan tangibles, tan parecidos a mí mismo».

A unas primeras páginas que realmente atrapan por lo que tienen de chocantes, suceden otras que cada vez se parecen más y más entre sí. Estamos ante un libro de 1985, y casi todos los artistas tratados han perdido algo de vigencia. Entre una cantidad impensable de fans y más fans y más fans de Barry Manilow, leer ‘Starlust’ hoy es sobre todo desear, en lugar de una colección de cartas, un ensayo más analítico sobre las características sociales del público tipo que llega a sentir esta dependencia tan tóxica por su ídolo, sobre la responsabilidad de la industria musical, o sobre cómo ha sobrevivido este fenómeno que continúa 100% vigente en la actualidad en la era de las redes sociales. Como mínimo, uno se queda con ganas de leer el tipo de DM’s que debe de recibir Harry Styles.

Oxígeno y coronavirus: la noche fetish de The Weeknd

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En 2009, el actor David Carradine popularizó (involuntariamente) una práctica sexual poco convencional. Su muerte por hipoxifilia sacó a la luz una parafilia, muy habitual en el ámbito BDSM, que se hizo famosa a finales de los setenta gracias al estreno de la polémica ‘El imperio de los sentidos’, donde la asfixia erótica tenía un papel central en la trama.

‘Take My Breath’ se podría traducir con un inocente “mátame a polvos”. Pero tanto la letra, con alusiones a “tentaciones” y “probar cosas nuevas”, como el videoclip, con una estética muy fetish, parecen aludir a algo más oscuro. De hecho, la utilización de máscaras de oxígeno con fines sexuales habrá hecho saltar el detector de referencias a los fans de David Lynch: imposible olvidar a Dennis Hopper inhalando vasodilatadores entre las piernas de Isabella Rossellini en ‘Terciopelo Azul’.

Oxígeno y coronavirus. También es inevitable esta conexión. El ambiente del club, con todo el mundo tomando oxígeno como si no hubiera mañana, y la imagen del reservado y el pasadizo, que parecen espacios de un bunker, podrían aludir a la existencia de un peligro exterior, una amenaza que bien podría ser una mutación finis mundi de la actual pandemia.

Sigrid presenta ‘Burning Bridges’ ante miles y miles de personas en Reading

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Sigrid ha presentado una de las novedades destacadas de la semana, como os contamos en la última edición de la playlist “Ready for the Weekend”. La cantante que recordarás por temas como ’Strangers’ y ‘Don’t Feel Like Crying’ incluidos en su álbum de 2019 ‘Sucker Punch’, ha vuelto así con esta producción de Sly que ha elaborado junto a Caroline Ailin y el propio Sly, es decir, Sylvester Willy Sivertsen, conocido por su trabajo con Dua Lipa en ‘We’re Good’, además del realizado con Liam Payne, Shawn Mendes y The Chainsmokers, entre otros.

Nuestra “Canción del Día” hoy se presenta con un vídeo en el que vemos a Sigrid en un hipnotizante bucle emerger entre unos matorrales, si bien nada llena tanto el espacio en torno a este ‘Burning Bridges’ como esos arreglos de cuerda sintetizados que constituyen todo un leit motiv -y un pequeño muro de sonido- para la composición. Es como si intentáramos meter a C.C. Catch en una producción de Florence + the Machine.

Esa producción que elige ser tan abrasiva se corresponde con un sentimiento intenso, pues Sigrid ha explicado en el NME que la canción va sobre ese momento en el que tienes que dar por terminada una relación por mucho que te duela. “Tienes que dejarlo ir, a veces no puedes arreglar las cosas”, dice expresamente el estribillo. “Intenté ondear una bandera blanca, pero tú le prendes fuego”, añade en otro. Sigrid sostiene que la canción también es ideal para “correr por el bosque, caminar hacia un encuentro que te pone un poco nervioso o caminar empoderada por la calle”. “Es una canción enfermiza de la que estoy muy orgullosa”.

Por otro lado, impresionan las imágenes de presentación en vivo este fin de semana en el británico Festival de Reading. No es su mejor actuación vocal, pero no se puede decir que Sigrid no derroche energía sobre el escenario, y sobre todo tenemos que frotarnos los ojos al ver a esa multitud de miles y miles y miles de personas agolpadas frente a un escenario a finales de agosto de 2021, y sin una sola mascarilla.

En la web del festival de Reading podemos comprobar que todos los asistentes tuvieron que presentar la prueba de tener la pauta de vacunación completa hace 14 días, un test de covid-19 negativo o un test de inmunidad. Más o menos ese “pasaporte covid” que se pide desde la cultura española, tras un año y medio de resistencia al límite. En la actualidad, el 64% de la población británica está completamente vacunada, frente a un 70% de la española, si bien la facilidad de contagio de la variante delta ha retrasado la ansiada inmunidad de grupo hasta nuevo aviso. La pregunta es, de nuevo, si quedará algo de industria musical para entonces.

Las mejores canciones del momento: agosto 2021

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Renovamos nuestra playlist con las mejores canciones del último mes, en la que reunimos todas las «canciones del día», veredictos, discos de la semana, los «revelación o timo»… En los últimos días nos han emocionado los álbumes de Halsey, Dave, Tinashe, The Killers, Billie Eilish y SPELLLING, mientras hemos descubierto a nuevos talentos como Medianoche o LVL1, ideal para seguidores del sonido PC Music. Hemos tenido macrolanzamientos de The Weeknd y C. Tangana, y algunos avances suculentos de álbumes que llegarán en próximas semanas, como James Blake, Sleigh Bells, Low, Kacey Musgraves, Blossoms o Kim Petras. Lo de Silk Sonic, eso sí, pasa a 2022.

No nos olvidamos tampoco de las pistas de discos que adoramos hace unos meses, y siguen dando de sí, como los lanzamientos de Doja Cat o Jessie Ware. Entre los artistas a los que estaremos atentos próximamente por lo que pudiera pasar con ellos, a distintos niveles, Tokischa (a punto de colaborar con Rosalía), las rockeras L.A. Exes, Karla Imbert, Remi Wolf, el sonido clásico de Olivia Dean, la revelación tiktoker PinkPantheress y Magdalena Bay. Nos conquistaron también los temas de entretiempo de Caribou y Big Thief.

Disclosure / In My Arms
Caribou / You Can Do It
Jessie Ware / Hot N Heavy
Doja Cat / Ain’t Shit
James Blake / Say What You Will
Kacey Musgraves / justified
Blossoms / Care For
Spellling / Always
Halsey / I am not a woman, I’m a god
Tinashe, Wax Motif / Undo (Back to my Heart)
The Weeknd / Take My Breath
Kim Petras / Future Starts Now

LVL1 / FVN!
Sleigh Bells / Locust Laced
Low / More
L.A. Exes / Skinny Dipping
Silk Sonic / Skate
WizKid / Justin Bieber, Tems / Essence
Tinashe, Jeremih / X
Dave, WizKid / System
C. Tangana / Yate
Billie Eilish / Billie Eilish Bossa
Medianoche / Pobrecito corazón
Delaporte / Droga dura

PinkPantheress / Break It Off
Magdalena Bay / Chaeri
Tommy Genesis / peppermint
Unknown Mortal Orchestra / That Life
The Killers, Phoebe Bridgers / Runaway Horses
Big Thief / Little Things
Olivia Dean / The Hardest Part
Tokischa, Yomel El Meloso, Leo RD / Desacato escolar
Remi Wolf / Grumpy Old Man
Karla Imbert / estoy bien
Billie Eilish / I Didn’t Change My Number

Nite Jewel / No Sun

Hemos conocido muchos discos de ruptura a lo largo de la historia, pero pocos seguramente saldrán con el contexto en el que sale el nuevo disco de Nite Jewel. ‘No Sun’ se enmarca en el divorcio de Ramona González tras 12 años de matrimonio pero además entrelaza esta idea con una tradición musical poco explorada en nuestros días. Al mismo tiempo que se ha divorciado, Nite Jewel ha investigado la tradición de los lamentos cantados por mujeres para su doctorado en Musicología; una tradición que se remonta a la Antigua Grecia. ‘No Sun’ es un disco de lamentos y, a la vez, no es otro disco de Nite Jewel cualquiera.

Otrora abanderada de un pop-funk noctámbulo que bebía tanto de las melodías R&B de Janet Jackson como de los sintetizadores de Junior Boys, como el explorado en ‘Real High’ (2017) o ‘Liquid Cool‘ (2016), Nite Jewel entrega ahora su trabajo más minimalista y reservado, sin beats ni canciones pop obvias. ‘No Sun’ pone todo el foco en los sintetizadores (en especial un secuenciador Moog) y también en la voz de Ramona, de donde precisamente salen todos sus lamentos, y el resultado es una colección de canciones que buscan hacer el mínimo ruido posible, idóneas para escuchar bien entrada la medianoche, pero a las que Ramona aporta matices interesantes de ambient o jazz que animan la escucha.

Está especialmente acertado el corte de apertura, ‘Anymore’, un tema que toma varias formas durante sus 7 minutos de duración, pues alterna entre el electro-jazz y la música coral, pero que consigue clavar a fuego su mensaje «me pregunto si yo alguna vez lo fui todo en tu vida, como tú lo fuiste en la mía», lleno de incertidumbre. La influencia del jazz es especialmente notoria en el adictivo mantra de ‘Show Me What You’re Made Of’ y en otro de los temas destacados, ‘No Escape’, que también adopta diversas formas, pasando de unos teclados retorcidos al piano y de este al free jazz.

Más minimalista y silencioso es ‘Before I Go’, uno de los temas más R&B y sensuales, y cuyo título lo dice todo («tú no te decides a tocar el agua pero yo ya nado hacia otro lado»). A veces Ramona suena exactamente como su ídola Janet Jackson, lo cual aporta calidez a las grabaciones, y de ‘No Sun’ hay que agradecer que se haya decidido a hacer por fin algo distinto. Aunque no sea su disco más accesible, el ambient de ‘#14’ es totalmente misterioso y enigmático y, en general, a la voz de Nite no le puede sentar mejor la solitaria compañía de un sintetizador y poco más.

‘Donda’ de Kanye West arrasa en streaming… pero decepciona a la crítica

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‘Donda’ de Kanye West veía la luz este domingo después de tres «listening parties» celebradas en diversas ciudades de Estados Unidos y varias fechas confirmadas que después no se cumplieron. Y, al parecer, sin el consentimiento del propio Kanye, como él mismo ha confirmado en Instagram. El caos habitual en el mundo de Kanye West, un caos que llevamos viviendo especialmente desde los tiempos de aquel «disco vivo» que fue ‘The Life of Pablo‘ y que no sabemos cuándo Kanye dejó de editar… si alguna vez lo hizo.

El décimo álbum de estudio de Kanye se presenta al mundo como un trabajo complicado, de 27 pistas nada menos (las cuatro últimas son versiones alternativas), alcanzando las casi dos horas de duración como si de un disco doble se tratase, y con una portada completamente negra y opaca. En realidad muchas de las composiciones ni siquiera suenan acabadas y la razón no es que la mayoría de ellas no tengan bases rítmicas. Por lo menos la producción se puede decir que suena mejor acabada que la de ‘ye‘. Por otro lado, esta vez los colaboradores son especialmente polémicos: por alguna razón a Kanye le ha parecido buena idea invitar a DaBaby y a Marilyn Manson a este disco dedicado a su madre, aunque visto su gusto por la controversia no sorprende.

A pesar de lo difícil que lo ha puesto Kanye con este disco larguísimo en el que no es tan fácil como antes hallar singles claros, quizá porque tampoco ha sido la intención, el disco ha despertado tanta curiosidad (con el «hype» que había como para no hacerlo) que está batiendo varios récords de escucha en Apple Music y en Spotify, donde ya puede presumir de haber protagonizado el mejor debut para un disco de la historia de la plataforma sueca, desbancando a su amiga Taylor Swift (que ha preferido apoyar a Halsey en Twitter) y su ‘folklore’.

Las cifras que están dejando las pistas de ‘Donda’ por separado vuelven a ser fantásticas y por supuesto están al alcance de muy pocos: la totalidad del álbum ronda el top 50 del global de Spotify, con ‘Jail’ por encima de los 9 millones de streamings diarios tanto el domingo de lanzamiento como este lunes. Mientras en España un par de temas luchan por entrar al top 100 (‘Jail’ y el entonado por The Weeknd), en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos puede pasar cualquier cosa, puesto que Kanye West está ocupando el top 10 de Spotify US al completo. HDD estima por tanto que el disco será holgadamente número 1 en el Billboard la semana que viene con tantos streamings como para equivaler a 300.000 copias vendidas, aun habiéndose editado en domingo.

A espera de que pase el tiempo suficiente para comprobar qué lugar ocupa ‘Donda’ en la discografía de Kanye o cualquiera de sus pistas sueltas en una hipotética lista extendida de mejores canciones del rapero, de momento ‘Jail’ es por tanto la canción que más está gustando en Spotify, seguida de ‘Hurricane’ con The Weeknd y ‘Off the Grid’, la tercera de las cuales es una de las pocas composiciones del disco que entran dentro de los cánones del hip-hop convencional. ‘Ok Ok Pt. 2’ sorprendentemente ocupa la cuarta posición a pesar de no distinguirse demasiado de la original (apenas cuenta con la producción adicional de Louis Bell) y a continuación les siguen ‘God Breathed’, ‘Praise God’, ‘Moon’, ‘Jonah’, ‘Believe What I Say’ y ‘Junya’.

Cabe preguntarse hasta qué punto las escuchas recibidas por ‘Donda’ en sus primeros días de lanzamiento se deben a la pura curiosidad o a que el disco está gustando de verdad a la audiencia. Es pronto para saberlo pero la crítica tampoco lo está aplaudiendo de manera unánime. Dejando de un lado el 0 que le ha plantado The Independent a raíz de que DaBaby y Manson aparecen en el álbum, Pitchfork y NME lo han puntuado con un 6 y la media agregada de Metacritic apunta ya a su disco peor valorado junto a ‘Jesus is King‘.

Aitana y Zzoilo se acercan al número 1 en España

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Farruko vuelve a ser número 1 en la lista de singles española con su tema ‘Pepas’, pero seguro que ya siente a Zzoilo y Aitana susurrándole al oído «te quieros» o poniéndole «caras tontas» después de haber conseguido el mayor incremento de la lista y alcanzar el top 2 con el remix de ‘Mon Amour’. El tema es ahora mismo el primero en ‘Éxitos España‘ en Spotify y lidera el top 5 de las tendencias musicales de YouTube.

Por otra parte, la entrada más fuerte de esta semana ha sido para el dúo de Justin Quiles y Maluma y su tema ‘La Botella’, en el puesto 43. Y en cuanto al resto de nuevas entradas, las encontramos todas al final de la lista. Tini y Manuel Turizo han entrado en el puesto 87 con su última colaboración ‘Maldita Foto’; Doja Cat se encuentra en el número 89 con ‘Woman’; Anuel AA ha entrado en el 94 con ’23 Preguntas’ y finalmente, el puesto 96 también es para Justin Quiles, pero esta vez en solitario con su tema ‘Colorín Colorado’.

Y en lo que respecta a las reentradas, esta semana solo hay una, y ha sido para el trío de artistas Jay Wheeler, DJ Nelson y Myke Towers en el puesto número 86 con su colaboración ‘La Curiosidad’.







Lorde, top 6 en España con ‘Solar Power’ (y top 1 en vinilos)

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Una semana más, Rauw Alejandro lidera la lista de álbumes en España con ‘VICE VERSA’, pero muy cerca ha estado de reemplazarlo Olivia Rodrigo con su disco ‘Sour‘, que ha tenido el mayor incremento de la semana volviendo a escalar al puesto top 2. La entrada más fuerte es Justin Quiles y su disco ‘La última promesa’, que llega al número 4.

Lorde queda un par de puestos por debajo en España con ‘Solar Power‘, pues ha conseguido entrar en la lista de esta semana en el número 6. A pesar de eso, Lorde ha conseguido ser el top 1 de la lista vinilos en nuestro país. El disco de Lorde ha sido número 1 en Australia y Nueva Zelanda, es decir, en casa, quedando en el puesto 2 en Reino Unido y en el puesto 5 en Estados Unidos. Según las midweeks británicas, el álbum podría caer del top 30 en su segunda semana. El álbum se vende en una caja de CD sin CD por razones ecológicas, aunque sí se está comercializando en vinilo y por supuesto de manera digital.

En el resto de nuevas entradas, Lit Killah ha llegado al puesto número 15 con su álbum ‘MAWZ’; Feid ha entrado tres puestos más abajo, en el 18, con ‘INTER SHIBUYA – LA MAFIA’; Trippie Redd se encuentra en el número 65 con ‘Trip At Knight’ y finalmente, en el puesto 67, han entrado Stray Kids con su último álbum ‘NOEASY’.

Y en lo que respecta a las reentradas de la lista, vuelven los chicos de Tomorrow X Together en el puesto número 32 con su disco ‘The Chaos Chapter: Freeze’; ZOO reaparece en el 95 con ‘Llepolies’; un puesto más abajo vuelve Ed Sheeran con ‘No.6 Collaborations Project‘ y casi al final, en el 99, Lady Gaga con ‘Chromatica‘.

Lizzo enfada a los fans de Madonna tras declarar a Janet Jackson «reina del pop»

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Lizzo es fan de las listas, como nosotros, y en Twitter ha compartido algunas con sus artistas favoritos. Y a todos ellos les ha plantado un título. La autora de ‘Rumors’ ha dicho que Michael Jackson es el «rey del pop», Janet Jackson la «reina del pop», Justin Bieber el «príncipe del pop», Britney Spears y Rihanna las «princesas del pop» (en inglés sus títulos admiten un matiz diferente, «princess of pop» y «the pop princess», respectivamente), y Beyoncé la «reina de la música».

En otro tuit, Lizzo ha declarado a Usher «rey del R&B» y, en otro, a Mariah Carey «reina del R&B», a Aretha Franklin «reina del soul», a Mary J. Blige «reina del hip-hop soul» y a Tina Turner «reina del rock’n roll». La artista ha señalado que «obviamente hay una nueva escuela que está de camino, pero todos estos artistas son los grandes, ellos son el estándar». La autora de ‘Cuz I Love You‘ no enumera a sus raperos favoritos porque dice que el rap tiene «más variables» que el pop y que es más complicado de categorizar.

La idea de Lizzo, que pasaría desapercibida en cualquier foro de música, ha abierto un debate en Twitter sobre quién es la verdadera «reina del pop», pero ninguno sobre quién es el verdadero «rey del pop»… otra muestra más de que Michael Jackson está muy lejos de ser cancelado. Es de suponer que, si Lizzo tiene que escoger entre Ed Sheeran, Drake o The Weeknd o entre quedarse con Michael Jackson, se quedará con este último, como probablemente haría casi todo el mundo.

El título de «reina del pop», por otro lado, no es que «pertenezca» a Madonna, pues no «pertenece» a nadie puesto que no existe título como tal, solo en nuestros corazones; pero de todos es sabido que Madonna es conocida por este sobrenombre desde hace décadas, especialmente porque es la artista femenina que más discos ha vendido de todos los tiempos y ha sido (y sigue siendo) una de las mujeres más famosas de la historia. En este caso hay que dar algo de razón a los fans de Madonna que la han defendido en redes, sin dejar de tener en cuenta que Lizzo tiene derecho de llamar «reina del pop» a quien quiera.

De la polémica lista de Lizzo se concluyen dos cosas: por un lado, a Lizzo no le interesa Madonna en absoluto a pesar de que la ha referenciado en alguna ocasión y, por el otro, la cantante considera el R&B un género «pop» más, lógicamente pues Janet también ha vendido millones y millones de discos… aunque también Mariah y ella no la enmarca en la categoría de pop a pesar de que su villancico es más popular cada Navidad que Michael Jackson y Madonna juntos. Pero también es una manera de reivindicar a Janet una vez más: ahora que ha sido el cumpleaños de su hermano nunca está de más recordar que ella también le pudo hacer sombra en alguna ocasión, al menos en cuanto a talento. Para Lizzo, claro, ambos están a la par.

La cultura, al borde del colapso, denuncia la inacción de las instituciones

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«Catalunya descarta reabrir el ocio nocturno en las próximas semanas». Otro titular inquietante que ha dejado la prensa estos días relacionado con la pandemia. Es ya septiembre, quedan muy pocos meses para que termine el año pero la cultura sigue con el agua al cuello. La Generalitat quiere evitar una «desescalada rápida» que provoque una sexta ola de covid-19 y prefiere no reactivar el ocio nocturno de momento y a pesar de las presiones, pero tampoco «contempla pedir el pasaporte covid para acceder a bares, locales de ocio o comercios» aunque la vacunación avanza de manera exitosa y otras ciudades europeas como Berlín ya han implementado dicha estrategia. Razzmatazz permanecerá cerrado un mes más, así como la sala Apolo y otros locales.

Como informa RTVE, casi el 70% de la población española está vacunada con la pauta completa. En cuanto a comunidades individuales, Andalucía, Asturias, Galicia, Extremadura, Castilla y León, Aragón y el País Vasco «superan ya ese umbral». No es el caso de Cataluña (66,3%) ni tampoco el de Madrid (66,8%), que contienen las dos capitales culturales del país, pero ambos porcentajes indican que queda poco tiempo para que se alcance el 70% de vacunación en ambos territorios. Es una buena noticia porque significa que el plan de vacunación va viento en popa. El problema es que dicha cifra ha dejado de ser tan relevante con la variante delta. Y la cultura poco tiempo más puede aguantar.

En una entrevista a El Diario, Paco López Martín, presidente de la Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo (ARTE), ha denunciado que «lo peor en estos momentos es que las directivas sanitarias vigentes se escribieron en abril y no se han modificado, a pesar de tener casi un 70% de la población con la pauta completa», ha pedido «valentía y voluntad» a la clase política para «ayudar a los sectores más damnificados» y, en concreto, ha sugerido que se empiece a hablar lo antes posible del pasaporte COVID. Además, ha señalado que «si no pueden aprobar el aforo al 100%, que nos ayuden económicamente para no cerrar» como, por ejemplo, ha hecho Francia con las salas de cine.

En el mismo artículo se da a entender que uno de los «espacios de conciertos más importantes de España», situado en Madrid, está al borde del cierre. Su responsable declara que «si en noviembre no tengo el 100% del aforo y con el público en pie, cierro». No es el único y, desde luego, si un espacio masivo no ve la luz al final del túnel, menos esperanza pueden tener las salas pequeñas. Por supuesto nadie duda de la necesidad de mantener la prudencia ante una situación de crisis como la actual y no se puede dejar de subrayar que la vacunación en España va muy bien, pero no puede ser buena señal que la cultura se sienta ignorada de tal manera incluso en estas circunstancias, viéndose obligada a exigir que se le haga caso o que se le ayude de alguna manera.

Yola baila las penas en la disco… de los años 70 con su himno al desamor

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Tanto se habla de esas canciones que te hacen «bailar llorando» que parecen un género en sí mismo. Género que, por cierto, no inventó Robyn aunque a todos nos venga a la mente ‘Dancing on My Own’ cuando pensamos en una canción de dicho estilo. Muchos años antes, Ultravox publicaron una llamada ‘Dancing with Tears in My Eyes’ y la música disco ha producido decenas de ellas, algunas de las cuales no te hacen llorar de tristeza precisamente: ahí están ‘Dancing Queen’ de ABBA o ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor para demostrarlo.

Entre las canciones recientes hechas para que llorar las penas en la pista de baile, Yola ha decidido presentar su nuevo disco con una que suena decididamente atemporal, entiéndese atemporal por «canción que podría haber salido en los años 70». Dan Auerbach de The Black Keys ha producido el álbum, un ‘Stand for Myself‘ absolutamente retro que no está nada mal, y uno de sus singles más claros ha sido este ‘Dancing Away in Tears’ que abandona los tempos baladescos de otros cortes como ‘Starlight’ o ‘Barely Alive’ para soltar unas lágrimas bajo la luz de una bola de discoteca.

Merecedora de ser una de las canciones de Yola más escuchadas a la larga, ‘Dancing Away in Tears’ desprende un poso añejo en todos los sentidos, no solo en la producción, sino también en el dramatismo de la melodía, majestuosa pero sin caer en el exceso. Las típicas percusiones de bongos (o un instrumento parecido) presentes en la música disco de la época bailan de la mano de vientos metales, teclados y otros instrumentos orgánicos que aportan una textura definitivamente vintage a la grabación, mientras Yola se luce vocalmente como solo puede hacerlo una persona que suena como una Aretha Franklin resucitada.

Como tantas canciones que te hacen llorar en la disco, ‘Dancing Away in Tears’ habla sobre una ruptura. «Romper siempre es difícil, lo único que deseo es un último baile contigo» es uno de los mensajes que deja la letra, de nuevo, expresando cierto carácter añejo, pues parece que estemos en un baile de los de antes. Cuando «la fiesta ha terminado» y Yola acepta que «tú ya no eres mío y yo ya no soy tuya», la cantante es capaz de pasar página, y la canción termina con unos melancólicos «adiós, cariño, te deseo lo mejor» que ponen los pelos de punta. Aún con el corazón roto, Yola entiende que la mejor forma de demostrar tu amor a alguien es dejar ir a esa persona cuando es necesario.