Nick Kamen ha muerto a los 59 años después de una «larga enfermedad», ha comunicado su familia. El cantante y modelo británico saltó a la fama a la edad de 18 años al protagonizar, en el año 1985, un recordado anuncio de Levi’s en el que aparecía quitándose los pantalones para lavarlos en la lavadora de una lavandería de barrio, quedándose en calzoncillos ante la atónita mirada de un grupo de chicas.
Ante la repercusión de dicho anuncio, Kamen inició su carrera en la música, debutando en 1986 con un single co-escrito por Madonna y con coros de esta llamado ‘Each Time You Break My Heart’ que alcanzó el top 5 en la lista de singles británica. Su primer disco homónimo vio la luz en el año 1987, llegando al top 5 de Italia y al top 40 de Reino Unido. El segundo álbum de Kamen, ‘Us’, estaba producido por Patrick Leonard, mano derecha de Madonna en la época, y la cantante volvía a colaborar con Kamen para hacer coros en ‘Tell Me’, que fue un enorme éxito en Italia.
El tercer disco de Kamen, ‘Move Until We Fly’, llegó al mercado en 1990 auspiciado por el single eurodance ‘I Promised Myself‘, que se convertiría en el mayor éxito de su carrera, escrito por él mismo en solitario. El tema alcanzó el número 1 en ocho países y fue la cuarta canción más radiada de todo el año en Europa, un mercado que le terminaría apoyando mucho más que el anglosajón. En España fue la quinta canción más exitosa de aquel año. ‘Whatever, Whenever’, el último álbum de estudio de Kamen, salió en 1992.
Entre quienes han recordado a Kamen en redes se encuentran la propia Madonna: «Me rompe el corazón saber que ya no estás. Fuiste una persona tan dulce y tierna y has sufrido demasiado. Espero que seas feliz allá donde estés». Boy George, que ha despedido a «el hombre más tierno del mundo». John Taylor de Duran Duran ha expresado su tristeza por la pérdida de «uno de los hombres más encantadores que he conocido». Suzie, diseñadora y mujer de Nick Cave, ha dicho adiós a su «querido amigo», y la cantante Tanita Tikaram ha destacado su humildad: «no tenía el ego de alguien que acababa de encender el mundo con su extraordinaria belleza».
Exactamente dos semanas ha tardado ‘Pareja del año’ de Sebastián Yatra y Myke Towers en llegar al número 1 de la lista de singles española. La semana pasada, la canción de reggaetón-pop entraba en lista directamente en el número 8 y en la segunda consigue escalar 6 puestos para subir a la posición de honor, desplazando al número 2 ‘Fiel’ de Los Legendarios, Wisin y Jhay Cortez.
El propio Myke Towers coloca su nuevo disco dentro del top 10 de la lista de álbumes, como comentamos en portada, si bien son muy pocas las canciones del disco que llegan al top 100 de singles. No se repite en absoluto el efecto Bad Bunny o el efecto Anuel AA con este trabajo de 23 pistas nada menos. ‘MÍRENME AHORA’ entra en el número 38 y después, en representación de ‘LIKE MYKE’, apenas es posible toparse en lista con ‘PIN PIN’ en el número 43 y con ‘CUANDO ME VEN’ en el número 90.
La entrada más fuerte de la semana en la lista de singles española es en verdad para C. Tangana con el directo de ‘Me Maten’, su tema con Antonio Carmona que se ha quedado fuera de ‘El Madrileño’ pero que el cantante ha decidido estrenar a lo grande, a través de su directo para el Tiny Desk de NPR. ‘Me maten’ entra en el número 29 mientras ‘Tú me dejaste de querer’ resiste en el 11, ‘Ingobernable’ en el 13, ‘Los tontos’ en el 15 y otros singles del disco aguantan en la parte media y baja de la tabla.
Otra noticia que deja la lista de singles esta semana es la llegada de ‘Kiss Me More’ de Doja Cat y SZA. El primer adelanto de ‘Planet Her’, el nuevo disco de Doja, llega por fin a España después de consolidarse como uno de los mayores éxitos de pop en todo el globo. Entra por debajo, en el número 85, pero es la 6ª canción más escuchada en el mundo según Mediatraffic y la 3ª en el chart global de Spotify. Unos puestos por detrás, Natti Natasha y Becky G colocan su single viral ‘Ram Pam Pam’ en el 54.
El resto de entradas en lista incluye al menos dos curiosidades. Al margen de la genérica ‘Wao’ de Sech, que entra en el 93, Kase.O y SFDK colocan su divertido freestyle jazzy ‘Ringui Dingui’ en el 68 (atención a la letra porque no tiene desperdicio) y existe un dúo llamado Fresquito y Mango (en serio) que coloca su single pop-punk ‘Mándame un audio’ en el 98.
Róisín Murphy es una de esas artistas comprometidas con el arte de las remezclas: solo hay que verla en directo para comprobar lo irreconocibles que deja alguna de sus canciones. Vas a verla con la intención de darlo todo con ‘You Know Me Better’ y te encuentras con una deconstrucción que ni Picasso. Todos sus singles de un tiempo a esta parte han contado con decenas de remezclas, algunas tan recomendables como la versión «Cosmodelica» de ‘Murphy’s Law‘ o la versión «rhumba» de ‘Jealousy’. ‘Crooked Machine’, el disco de remezclas de ‘Róisín Machine‘, es un poco más convencional en ese sentido: las canciones se sumergen en lo más profundo de la noche, todo el mundo está ya en otra dimensión pero la fiesta está lejos de terminar y las bases son más duras y viscerales, pero a la vez suena todo un poco trillado.
Como ‘Róisín Machine’, su disco hermano ha sido construido desde la perspectiva de ofrecer una experiencia envolvente de principio a fin. La secuencia está alterada para renovar la experiencia de escucha y también los títulos originales de las canciones, que ahora se llaman cosas como ‘Name Changer’ o ‘Crooked Madame’. ‘Crooked Machine’ representa «el otro lado de ‘Róisín Machine’, el otro lado de la noche», y ofrece suficiente variedad como para que funcione igual que el disco previo pero a su manera.
Así, por ejemplo, la tensión que quedó sin resolver en la original ‘Kingdom of Ends’ explota finalmente en la canción de apertura, ‘Kingdom of Machines’, que entre los subidones del trance y del house nos lleva a las discotecas más duras de Ibiza; y ‘Narcissus’ queda radicalmente transformada en una especie de electro-rumba llamada ‘Echo Returns’ de cariz más atmosférico. Como ‘Róisín Machine’, ‘Crooked Machine’ considera que llegada la pista 2 el público ya necesita darse un respiro. Róisín, ¡lo que queremos es que nos DESTRUYAS!
Y eso es exactamente lo que hacen otros cortes de ‘Crooked Machine’. La nueva versión de ‘Incapable’, ‘Capable Rhythm’, está hecha para aniquilar la pista de baile con una base de techno sísmica que le sienta como un guante a la melodía original y ‘Crooked Madame’ extrae la emoción de la grabación en la que se basa para convertirse en una experiencia más cerebral: un poco lo mismo que hizo el año pasado The Blessed Madonna con ‘Levitating’ de Dua Lipa.
A su vez, ‘Simulation’ se transforma en ‘Assimilation’ para traernos toda la elegancia del deep house sin que de hecho parezca un remix en absoluto; y ‘We Are the Law’ fusiona ‘We Got Together’ y ‘Murphy’s Law’ para convertirse en una fantasía de house de lo más glamurosa. La sorpresa del disco la da ‘Hardcore Jealousy’, que reivindica el big beat de los años 90, un estilo totalmente olvidado; y menos estimulante son las nuevas versiones de ‘Game Changer’ y ‘Something More’: funcionales, pero poco más. En definitiva, ¿cuánto decís que abren las discotecas?
Los Premios de la Música Independiente (Premios MIN) han revelado los 15 artistas, canciones y álbumes finalistas nominados en cada categoría, los más votados por el público. Las nominaciones pueden consultarse en su página web. A partir de este momento será un jurado experto el que elija los 5 finalistas definitivos de esta edición, los cuales serán anunciados el próximo 25 de mayo.
La XIII de los Premios MIN se celebrará por primera vez en Burgos y la organización de los premios ha anunciado que, en los días anteriores y posteriores a la gala, se celebrarán numerosos «eventos» en la ciudad. Entre estos eventos, los premios anuncian la celebración de dos conciertos en Cultural Caja de Burgos por dos artistas ganadores de varios Premios MIN en la edición pasada: el 17 de junio, Anni B Sweet presentará en directo su disco ‘Universo por estrenar’, y el 18 de junio será el turno de Califato ¾ y su ‘La contraçeña‘.
Los Premios MIN de la Música Independiente organizados por UFi persiguen reconocer la creación, la diversidad y la calidad artística de las producciones independientes realizadas en España y acercar la música y el proceso de producción al público.
De «Voy llorando en un taxi, no importa la dirección» de Mónica Naranjo a ‘Heart failed in the back of a taxi’ de Saint Etienne pasando por el vídeo de ‘Warwick Avenue’ en el que Duffy lloraba en primer plano como una magdalena, son infinitas las canciones que versan sobre un viaje en taxi lleno de melancolía, tristeza y recuerdos. Rostam se sirve de ello también en la nueva pieza que presenta su nuevo álbum, ‘Changephobia’, que sale el 4 de junio. Foto: Jason Stone.
El ex miembro de Vampire Weekend había presentado ya un tercio de todo el álbum, que consta de 11 canciones: el corte titular, ‘4Runner’, ‘These Kids We Knew’, la jazzie ‘Unfold You’… pero es esta ‘From the Back of a Cab’ la mejor de todas las pistas presentadas hasta la fecha. Hay algo del sonido de su banda primigenia (como en otros adelantos que podría haber cantado Ezra perfectamente, como ‘These Kids We Knew’); también de la tristeza inherente a las producciones indietrónicas de The Postal Service, y algo de atemporalidad también, por tanto. Él mismo considera que no es una canción más, sino exactamente su «canción favorita» de todas las que ha escrito nunca, revelando que el tema empezó con un ritmo 12/8 habitual en la música persa y africana y que la ha construido sobre esas percusiones, añadiendo la parte de piano en su cuarto, y las melodías y letras entre Nueva York, Tokio y las autopistas de California. En resumen, entre vuelos y viajes en coche.
Según la letra, en esos pequeños viajes en coche es donde Rostam encuentra confort… al estar acompañado. Batmanglij nos está hablando de una relación que no sabe si será «un error», que está empezando («nunca he intentado tanto no quedarme a dormir»), pero en la que el hombro amigo es un consuelo seguro: «en la parte trasera de un taxi nos sentamos más cerca / y recuesto mi cabeza sobre tu hombro».
Esos hombros amigos son en el videoclip una lista de famosos que realizan cameos, todos ellos a bordo de un taxi, lo que incluye a Charli XCX y Haim, además de a Kaia Gerber, Seth Bogart, Remi Wolf, Bryce Willard Smithe, Samantha Urbani, Wallows, Ariel Rechtshaid y Nick Robinson.
‘Changephobia’ incluirá las siguientes canciones a su salida:
1. These Kids We Knew
2. From the Back of a Cab
3. Unfold You
4. 4Runner
5. Changephobia
6. Kinney
7. Bio18
8. [interlude]
9. To Communicate
10. Next Thing
11. Starlight
Mujeres van a lanzar un EP en celebración de su carrera, acompañados de amigos como Carolina Durante, Cariño, Los Punsetes y Nueva Vulcano. De momento han compartido ‘Al final abrazos’ con Cariño en lo que su sello Sonido Muchacho ha calificado como «la canción más bonita del año». Es de progresión mitad garajera mitad Planetas. Con ellos arrancamos una nueva edición de «Sesión de Control», la playlist que repasa las novedades de la música nacional o en español. Quienes también sacan disco con amigos son Triángulo de Amor Bizarro, que van a revisitar su último álbum junto a colegas del underground. Hemos conocido varios adelantos y ahora es el turno de la revisión que les han hecho Biznaga.
Nada que ver el ‘Triángulo de verano’ que nos presenta el dúo barcelonés de indie pop electrónico Kids from Mars, más popero. Continúan haciéndonos bailar dos de los grupos de la escena favoritos en redacción: blackpanda y REYKO. Bounties y Galgo Lento nos llevan a los tiempos de Chicks on Speed sin perder de vista ni a los Smiths ni el bedroom pop actual. Vasseta y Tao G se entretienen entre las distorsiones vocales de Daft Punk y el hip hop. SIMONA ha publicado una ‘LLUVIA’ mitad influida por los imperativos de la moda latina/trap, mitad por los beats noventeros. «Estar mojada es lo que me toca» es su estribillo. Aunque para beats noventeros, el tema presto para el «voguing» de MYUKO con Megane Mercury. Nada que ver con la canción reptante que ha sacado María Escarmiento junto a Eigen Risico y Paula; ni con la bachata de BEA PELEA con Los del Control. Entre las revelaciones del último hip hop, La Xinni y por otro lado Bianca Mui, que se define como «una chiquilla haciendo indie urban dream pop» y publica una ‘Cuarentena sin ti’ que puede gustar a seguidores de Babi, Bad Gyal y PUTOCHINOMARICÓN, pues no dista tanto del sonido PC Music.
Los defensores del rock disfrutaréis del nuevo disco de Enamorados, así como del punk pop de Tiburona. Se entregan a la psicodelia sesentera Celistia, mientras el dúo pirenaico LOOKMOM nos hace recordar el sonido Dan Deacon sobre un tema que habla del robo de una moto, aunque no lo parezca.
Medalla «queman una foto del ‘Rey emérito’ para hacerte reír», bajo la producción de Sergio Pérez (Svper) y una manta de sintetizadores en el primer adelanto de su nuevo álbum. Entre las armonías clásicas 60’s y el sonido de gente como La Costa Brava y Alberto Montero, hay que conocer a Flores, proyecto del valenciano Quique Gallo (ex Aullido Atómico). Han publicado un par de temas los barceloneses Súper Gegant, que muchos habréis conocido por el cartel de Vida Festival.
Aquellos que hayáis disfrutado del último trabajo de Maria Arnal seguramente lo haréis también de la canción que han sacado BRONQUIO con Nita de Fuel Fandango (que también han estrenado tema con La Mala Rodríguez). El tema de RomeroMartin (en la imagen) también deambula entre la tradición y la vanguardia. Fernando Vacas se queda con la tradición a secas en ‘Alegrías del romero’.
Tú peleas como una vaca han hecho un «medley» entre Camilo Sesto y Billie Eilish, y en la línea, el proyecto de Kuqui Alegre presenta algo que podrían haber cantado también Varry Brava. Completamos la playlist con más canciones nuevas de Los Pilotos, Maika Makovski, rebe, Bomba Estéreo y Chica Sobresalto (Maialen), que ha sacado un medio tiempo a piano de 5 minutos y medio de duración, consolidando la variada deriva de la última generación OT.
El primer disco de Anne Lukin ‘Al día siguiente‘ se cierra con su mejor canción. ‘V’ es una vibrante canción de pop de superación e inspiración ochentera que bien podría haberse llamado «cansada de estar triste» pero que ha optado en su lugar por recurrir a sus referentes estéticos. Y estos no han sido solo los años 80 que tanto le gustan, sino también ‘V de Vendetta’ y ‘Friends’. La propia Anne Lukin ha tenido la gentileza de hablarnos sobre el proceso de composición, que ha llevado a cabo en compañía de Alberto Jiménez y Sergio Sastre de Miss Caffeina (ahora conocido como Reys), con Martí Perarnau IV de Mucho y _juno a los sintetizadores, y hasta una colaboración puntual de Marcel Bagés. Una canción preciosa y edificante que, paradójicamente, logra su objetivo de huir de su mayor miedo: «toda la mierda que dejaste atrás se irá contigo y te seguirá mañana».
Dice Anne Lukin: «Habla de un proceso de duelo, de sanación, de superación. La letra hace referencia a cuando hablas contigo misma, cuando te vas dando cuenta de la realidad. Es una conversación interna repasando todo lo que podías haber dicho, dándote fuerzas, preguntándote cosas, afianzándote… Fue de las últimas canciones que compuse antes de entrar al estudio unas semanas antes. Alberto y yo hicimos la melodía y la letra, que salieron rodadas porque teníamos ideas muy parecidas, y Sergio se dedicó más a la guitarra y la armonía. La idea era hacer una canción triste y reflexiva, pero para bailar, para bailar llorando. Me apetecía una canción más bailable, con sonidos discotequeros ochenteros. Salió muy rápido, en una mañana la teníamos y luego no podíamos dejar de cantarla».
El proceso de producción ya no fue con Miss Caffeina, sino con Ricky Falkner, que figura como productor, y Martí Perarnau IV, que se encargó de los sintes: «Una semana después en el estudio Martí y Ricky ya habían escuchado la maqueta y les gustaba mucho. Desde el principio estaba claro que iría en el disco. Entendieron rápidamente la idea y de hecho de todas las canciones, es la que más sonidos tiene de los sintetizadores y de las cajas de ritmos de Martí. Queríamos experimentar y la verdad es que lo hicimos. Nos divertimos».
De manera improbable, el co-autor de ‘Clamor’ puso alguna idea por allí aunque no tan significativa como para estar acreditado: «Un día Marcel Bagés se pasó por el estudio y nos ayudó con ese juego de ir probando cosas. Nos daba miedo venirnos arriba con demasiados sonidos y capas, de manera que se solapasen y no se distinguiesen, pero no fue así. Nos la poníamos en el estudio y nos poníamos a bailar. Es de mis favoritas, es un estilo con el que me apetecía experimentar. Refleja la idea de probar diferentes estilos en el disco. Hace referencia a todas las canciones ochenteras que hay en mi playlist y estoy muy contenta con el resultado».
Sobre las menciones a ‘V de Vendetta’ y ‘Friends’, indica: «saqué muchas frases de las notas del móvil, de las que vas apuntando. La de «estoy cansada de estar triste» la había escrito unos días antes en un bus en Pamplona. Las referencias a ‘V de Vendetta’ es porque la tenía muy reciente, la había visto por primera vez hacía poco y me había impactado mucho e identificado con algunas de sus situaciones. ‘Friends’ siempre está presente y como a Alberto y Sergio también les gusta, nos apeteció hacer un guiño».
En la última entrega del podcast de JNSP se hace un extenso repaso a las muertes de los artistas, a cómo los medios las reflejan y cómo es un tipo de contenido que los lectores agradecen, porque suelen ser textos en los que se expresan y comparten sentimientos. A la par que servir, en ocasiones, para descubrir artistas que quizá no conocías. Quizá para algunxs lectorxs sea eso justo lo que pase al leer este artículo. Porque el americano Dan Sartain -que murió el pasado marzo- no era un artista particularmente conocido aquí, a pesar de haber rozado la posibilidad de ser popular en alguna ocasión, y sin embargo su música es maravillosa. En cuanto a los sentimientos, huelga decir que la desaparición de este músico apenó muchísimo a quien firma estas líneas, por muchas razones.
El roce con la fama ocurrió más o menos hacia 2007. El segundo disco de Sartain con la independiente One Little Indian lo grabó en los estudios Toe Rag de Londres, apreciadísimos por los entendidos del sonido retro por mantener viva la llama de lo analógico durante los 90 -un escenario de creciente y voraz digitalización- y que se volvieron finalmente famosos cuando en 2003 los White Stripes grabaron su hit mundial ‘Elephant’ allí (sí, el sonido grueso, comprimido y neumático del bajo y bombo de ‘Seven Nation Army’ lleva el sello inconfundible de la cinta magnética de Toe Rag). Entre la avalancha de grupos del boom del garage rock de primeros de milenio que posteriormente asaltaron el estudio estaba este joven músico de Alabama, Dan Sartain. La grabación con aires vintage de su disco ‘Join Dan Sartain’ elevaba las posibilidades de su sonido neo-rockabilly a un lugar que llamó la atención de -precisamente- Jack White, quien pronto fichó a Sartain como telonero en la larga gira que los White Stripes hicieron con el otro gran pilar del garage-rock de los dosmiles, The Hives. Además le sacó un single en su sello Third Man Records. Todo ello amplificó la atención del público de esa escena hacia Dan Sartain, una oportunidad que otros músicos habrían agarrado y no vuelto a soltar.
Sin embargo Sartain era un tipo complicado. De entrada tenía un problema con las escenas y los encasillamientos: no se veía como parte del garage rock, y hasta criticó en entrevistas a Jack White, alardeando de que había rechazado grabar un LP para él. En la escena rockabilly se sentía igualmente incómodo, tachando a su público de violento y retrógrado. “Lo que yo hago no es rockabilly, porque uso acordes menores”, decía, y no era una boutade: el tono melancólico y depresivo de sus canciones, sus temas recurrentes sobre la muerte, eran a la par sublimemente bellos y terriblemente lúgubres, algo más cercano al southern gothic o a las baladas macabras de Jody Reynolds. Sartain era de hecho una especie de Reynolds moderno, aunque la definición que más le satisfacía era la de “un Chris Isaak puesto de metanfetamina”.
Todas esas definiciones encajan perfectamente con la canción escogida para «Hit de Ayer»: un rockabilly con acordes menores de ritmo trepidante, con un riff con trémolo a lo Jody Reynolds, y que es a vez un lamento muy Isaak por una mujer que está con él pero que sigue colgada de su amante anterior: “Si me quieres aquí estoy / pero cuando me abrazas sólo quieres hablar de él / Cuando me besas sólo quieres desquitarte con él / Y me encanta cuando vienes, pero eso solo empeora las cosas” . ‘Replacement Man’ pertenecía a ese segundo disco que tanto prometía, ‘Join Dan Sartain’, una pieza redonda, puro sonido Toe Rag y ejemplo perfecto de la esencia de Sartain:
Quizá el hecho de que One Little Indian fuese un sello inglés y no específicamente de rock n roll no ayudó (su artista principal ya era por entonces Björk), pero su sello americano Swami Records sí que supo promocionarlo mejor. Sin embargo, su mencionada dificultad para encajar le condujo a elegir una trayectoria alejada de lo obvio: en lugar de capitalizar ese momento de pre-popularidad de 2007, tardó tres años en sacar su siguiente disco. Después de eso cambió de estilo temporalmente, para grabar un disco de punk en 2012. Posteriormente empezó a experimentar con sintetizadores y su disco de 2014, Century Plaza los integraba brillantemente en una curiosa combinación que unas veces suena a Suicide y otras a unos Yazoo o Erasure con corazón de rock’n roll.
Evidentemente este particular viaje artístico -en el que sus sellos le apoyaron más o menos consistentemente, a pesar del temperamento difícil de Sartain- no le condujo a una situación de gran popularidad. Tristemente, en 2018 Dan había abandonado parcialmente su carrera musical para retomar una de sus profesiones de juventud, abriendo una barbería en su ciudad natal de Birmingham para sustentar a su familia, que incluía a su hija pequeña recién nacida.
Sin embargo su actividad musical no cesó completamente, y 2020 fue un año particularmente activo, en el que grabó de manera independiente varios discos que colgó en Bandcamp, con propuestas muy interesantes: un álbum con versiones de temas de series y películas del Oeste, otro grabado en los Sun Studios de Memphis con revisiones de sus clásicos, y hasta un dúo con el rapero Ganxta NIP. Hacia noviembre de ese año llegó la gran noticia: Dan sacaría un nuevo disco, y el excelente adelanto parecía apuntar un retorno a su estilo original. Más aún, el propio Sartain anunciaba muy contento en Facebook que One Little Indian se había ofrecido a sacárselo en condiciones.
Por esa razón la muerte de Sartain el pasado 20 de marzo cayó como un verdadero jarro de agua fría. Entre los primeros informadores de la tragedia estaba el NME, que apuntaba un dato posiblemente relevante: unos días antes del suceso One Little Indian había informado en sus redes sociales que rompía relaciones con Dan Sartain. Esos posts fueron borrados cuando la noticia del fallecimiento se hizo pública. Navegando las redes en busca de las causas de la muerte a priori inexplicable (Sartain tenía 39 años, sus últimos posts eran muy optimistas) la evidencia iba tomando forma: nadie hablaba en ningún momento de las causas, algo siempre sospechoso. Tan sólo una leve mención a un “episodio de violencia doméstica” en una web, hasta que en el Facebook de uno de los miembros de Swami Records aparecía la verdad: Sartain se había suicidado.
El suicidio era parte integral de la estética de los discos de Dan Sartain (empezando por la portada de este single, del LP al que pertenecía, y siguiendo por la portada de Dan Sartain vs The Serpientes, y múltiples letras y títulos: ‘Too Tough To Live’, ‘Love is Suicide’…), pero que resultó encerrar una obsesión tristemente muy real. En las últimas semanas he estado dándole vueltas a este silencio, a cuáles son las razones por las que se oculta este tipo de noticias en los EE.UU. y también en Europa. No es nada nuevo señalar que el porcentaje de suicidios entre varones jóvenes en los países occidentales es altísimo y que sin embargo es algo que la prensa sigue empeñada en no tratar. El efecto llamada no parece ser justificación suficiente, porque si al morir alguien como este artista no se conoce lo que pasó será difícil que podamos como sociedad poner remedio, y encarar los problemas de salud mental que artistas como Dan Sartain indudablemente padecían.
‘Replacement Man’ suena en el episodio #379 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Entre los ciclos que sí van a poder desarrollarse cumpliendo los protocolos de la pandemia, comenzando unos días antes de que termine el estado de alarma, está el caso de Vibra Mahou en Madrid.
Como en temporadas anteriores, el ciclo reunirá a nombres variados de la escena, incluyendo indie, pop-rock, cantautor y soul. Destaca la presencia de los divertidos chicos de Los Vinagres el día 22 de mayo en El Sótano (este año han publicado su último single ‘Dímelo’), Ricardo Lezón de McEnroe en Vesta el día 30 de mayo, el de Luis Ramiro el 15 de mayo en el Contraclub o el de Verónica Romero el 8 de mayo en Fulanita de Tal.
El ciclo se completa con Bisonte (6 de mayo, Rockville), el pop colorido de Kuqui Alegre (9 de mayo, Siroco), Soulmama (23 de mayo, Tempo), Fabuloso Matinal 50’s (30 de mayo, Gruta 77), Dan Milson (5 de junio, El Sol), Red House Revival (5 de junio, Hangar 48) y Kurt Baker con Gong Show (12 de junio, Gruta 77).
Os dejamos con algunos vídeos de estos artistas, lo que incluye una colaboración de Kuqui Alegre con La Bien Querida, una versión acústica del cantautor Dan Milson… de ‘Never Gonna Give You Up’ de Rick Astley; y también el último videoclip interactivo que ha publicado Verónica Romero. El tema se llama ‘Si te quedas (saltamos al vacío)’ y una vez que parece que acaba el vídeo… tú decides cómo termina la cita que se desarrolla en el resto del videoclip.
Durante las últimas dos temporadas y pese a que su origen noruego no facilita demasiado las cosas, ni tampoco tratar de desarrollar un proyecto novel en mitad de una pandemia, girl in red se ha convertido en uno de los nombres clave para una generación. El proyecto de la cantante Marie Ulven, que acaba de cumplir 22 años, es tan modesto como las minúsculas que usa, pero necesario. Sus canciones hablan de cosas como la salud mental, se circunscriben en la comunidad LGTB+, y lo hacen con la frescura pop-rock desprejuiciada de gente como Tegan & Sara y Ladyhawke.
Es fácil comprender por qué Taylor Swift ha asegurado en sus Stories que tiene este disco puesto en «modo repeat». girl in red ha ido convirtiendo su tema ‘we fell in love in october’ en un hit millonario desde su edición en 2018, mientras muchas otras pistas han ido sumando adeptos, como aquella ‘dead girl in the pool’ que pasaba por nuestra lista de las mejores canciones de 2019. Y ahora lo que encontramos en ‘if i could make it go quiet’ es perfectamente comprensible por cualquier seguidor/a de la autora de ‘Red’ y ‘1989’. Pop de melodías recordables, que en ocasiones no le hace ascos al indie o al hip hop, con letras que unas veces van sobre superar una ruptura y otras sobre tratar de quererse a una misma sobre todas las cosas.
El disco empieza a degüello con uno de sus grandes estribillos, el de ‘Serotonin’, la cual pasa después a unas estrofas rapeadas, y deja momentos tan divertidos como ese «I don’t la-ba-deh-deh-ba-dеh / Da-da-da-brah-la-da-da». girl in red nos está hablando sobre depresión («cuando hay control, lo pierdo / soy increíblemente impulsiva / tengo tanto miedo de terminar haciendo algo estúpido, pero intento contenerlo»), sin que ‘if i could make it go quiet’ resulte un álbum turbulento. Al contrario, es revitalizante en algunos de sus puntos, como sucede en otra de las grandes canciones, ‘You Stupid Bitch‘, en la que se postula ella misma como la mejor para su chica con la seguridad de una rapera.
Hay algo que se echa de menos una vez que pasa ‘Serotonin’ y es el efecto sorpresa que produce ese inesperado rapeado. Sea por la colaboración de FINNEAS o no, pues este es el único tema que ha co-producido el hermanísimo de Billie Eilish, lo cierto es que el álbum pasa a sonar algo estándar. ‘Did You Come?’ tiene un punto electro pero no deja de parecer un reprise de la primera pista; ‘Body & Mind’ se basa en un ritmo que podría haber hecho Britney con Max Martin en 1999; y a última hora el disco decide cerrarse con una canción algo genérica llamada ‘I’ll Call You Mine’ y un instrumental medio optimista medio «new age» llamado ‘it would feel like this’… que no va a ser el favorito de nadie.
Pero tampoco podemos decir que girl in red y su mano derecha Matias Tellez hayan hecho un mal trabajo en el resto del álbum. Marie también reconoce en Taylor Swift una de sus mayores influencias, etapa country incluida, y en ese sentido ‘rue’, que recibe su nombre de la «prota» de ‘Euphoria’ y versa sobre la ansiedad y un episodio de depresión que llevó a la cantante a dormir en la cama de su hermana una buena temporada, es interesante: se queda a las puertas lo mismo de desarrollar una vena country, que de incorporar un bombo tecno.
En la línea, ‘.’ (sic), habla sobre los celos hacia la nueva novia de una ex, incorporando guitarras indie y efectos fantasmagóricos; mientras ‘Apartment 402’ cuenta con una buena base rítmica y un desarrollo interesante para una canción que también habla sobre el vacío, la desesperanza y su momento más oscuro. Con un final optimista (además ella ya dice que está pensando en el siguiente trabajo), lo mejor de ‘if i could make it go quiet’ es su falta de miedo para abrirse en canal, como se aprecia en ‘hornylovesickmess’, donde habla sobre estar sin follar, o ‘midnight love’, sobre la decepción de alguien que no termina de dárnoslo todo, sobre no se conformarse «con una medalla de plata» cuando la que se busca es «la de oro». Habrá que esperar a su segundo álbum para asegurar cuál le corresponde de verdad.
DeTeresa es el nombre artístico de Inés Ramos de Teresa, una joven española que vive en Brighton, cuyo proyecto musical se define por la mezcla de culturas y sonidos y la preocupación por la estabilidad mental y el amor por una misma en sus textos. Así lo dice su biografía subida a las plataformas de streaming, donde Madrid y Barcelona conviven como ciudades que más la escuchan junto a Londres y Brighton, dada su mencionada residencia en Reino Unido y una pequeña aparición en BBC Introducing.
Su primer single fue ‘Bonita’, seguido del que hasta ahora ha sido su mayor éxito, ‘Páralo’, con unos vientos como sacados de una producción apocalíptica de Timbaland o mejor Woodkid. Después han venido la balada de R&B en inglés ‘CATASTROPHES’ y la que puede ser su composición más interesante de momento, ‘Push’.
‘Push’, que ha sido producida por ella misma, es un medio tiempo en Spanglish de arreglos orientales. El tratamiento vocal es en cambio ahijado de la producción británica de los últimos años, con efectos sacados de la discografía de James Blake o AlunaGeorge. Una canción sólida como una roca, en contradicción con ese estribillo que repite “I need a push” y apela a trabajar algo a “pico y pala”. Te gustará si te gustan Lola Indigo y Natalia Lacunza.
Wavves, el proyecto de Nathan Williams conocido por su sonido de punk surfero a lo largo de discos como ‘King of the Beach‘ o ‘V‘, estará de vuelta el próximo 16 de julio con un nuevo largo. El sucesor de ‘You’re Welcome’ se llamará ‘Hideaway’ y se presenta con un nuevo single llamado ‘Help Is On the Way’. Produce un genio al respecto, Dave Sitek (TV On the Radio, Yeah Yeah Yeahs).
‘Help Is On The Way’ es una canción de rock a medio camino entre el sonido Weezer y el sonido Green Day con un puente aun más melódico en el que juegan con las cuerdas sintetizadas, mientras la letra es una lucha contra la adversidad. «Si tuviera que quedarme en un mundo, escogeré aquel que contenga mayor número de sorpresas. Nada va a ir bien, me estoy acostumbrando», comienza diciendo el primer verso. «Tengo que huir de las cosas que me causan dolor», dice el segundo, mientras el estribillo nos indica que «la ayuda está en camino». Os dejamos con el tracklist del álbum, que también incluirá otro tema del que os hablamos llamado ‘Sinking Feeling‘, una de sus canciones más poperas.
01 Thru Hell
02 Hideaway
03 Help Is On the Way
04 Sinking Feeling
05 Honeycomb
06 The Blame
07 Marine Life
08 Planting a Garden
09 Caviar
La BBC ha estrenado este sábado ‘The Battle for Britney: Fans, Cash and a Conservatorship’, su documental sobre el caso de la tutela de Britney Spears. El documental, que ha sido emitido por BBC Channel 3, culmina en la visita de su presentador Mobeen Azhar a una audiencia judicial sobre el caso de Britney (sin cámaras) y llega a la cola de la enorme atención suscitada por ‘Framing Britney Spears‘, el documental de The New York Times que ha investigado el caso y ahondado en la misoginia a la que Britney se enfrentó en los albores de su carrera, cuando solo era una adolescente.
BBC ha contado con el ganador de un BAFTA Azhar (‘Muslims Like Us‘) para acercar el caso a la audiencia británica, pero la labor periodística a veces deja que desear. Por ejemplo, cuando una fan de Britney implicada en el movimiento #FreeBritney cuenta a Mobeen que Britney consta como persona que padece demencia (a los 26 años) en los documentos que aprueban originalmente la tutela, probablemente de manera tramposa pues es inverosímil que una persona con demencia grabe discos o salga de gira por todo el mundo, este decide comprobar los supuestos documentos por sí mismo pero cuando los encuentra en internet reconoce no tener manera de verificar su autenticidad. Es un poco extraño que un periodista que consigue acceso a una audiencia judicial de Britney Spears no pueda verificar unos documentos.
En el camino hacia la audiencia judicial de diciembre de 2020, en el que (spoiler) realmente no se resuelve nada, el documental introduce nuevos personajes en este pozo sin salida de documentos legales, abogados, representantes, intereses económicos y teorías conspiranoicas. Lou Taylor, quien trabajara de contable para Britney, es según los fans de la cantante el «cerebro» detrás de su curatela y, aunque Taylor no accede a ser entrevistada, sí envía a Mobeen un documento legal de 15 páginas que supuestamente demuestra su inocencia. Especialmente interesante es la aportación de la abogada experta en tutelas Lisa MacCarley, quien detecta un «fallo sistémico» en la tutela que supuestamente protege a Britney, desde el primer momento en que a la cantante «se le priva del derecho de escoger a su propio abogado», allá por 2008. Lisa considera que esta circunstancia marca «el fin de la justicia» para la cantante (una interesante entrevista con ella, aquí).
Si algo consigue «The Battle for Britney» es poner sobre la mesa que la «conservatorship» bajo la cual Britney vive favorece a muchas personas económicamente, algo contra lo que Britney parece estar protestando actualmente, negándose a trabajar. Pero tiene guasa que sea Perez Hilton quien dé una perspectiva diferente sobre el caso y de la que se habla menos. El antiguo blogger opina que Britney «probablemente estaría muerta» de no haber sido por la tutela y afirma que «no tengo ni idea de que pasará con la tutela, y ninguna de las personas con las que has hablado lo sabe». El documental pasa por alto que Britney ni nadie a su alrededor ha solicitado en 13 años el fin de la tutela, al menos que se sepa, porque ningún medio ha informado nunca sobre esto. El documental no menciona que la enfermedad mental que Britney supuestamente padece no se conoce, ni que esta circunstancia puede ser la razón por la que las cosas siguen más o menos iguales a día de hoy.
El círculo de personas que protege a Britney es tan cerrado que la BBC tampoco ha tenido oportunidad de hablar con nadie cercano a la cantante en la actualidad. Mabeen entrevista a su antiguo coreógrafo Brian Friedman pero este tiene poco que contar, así como su antiguo maquillador Billy Brasfield: ninguno revela nada que no se supiera ya sobre la relación de Britney con su propia fama. Jordan Miller, propietario de la web de fans de Britney BreatheHeavy, recuerda aquella vez en que el padre de Britney le demandó y le gritó por teléfono que le arruinaría la vida, pero esto tampoco es información nueva. Catherine Falk, hija del actor Peter Falk, conocido por su papel de ‘Colombo’, y quien también vivió bajo una sospechosa tutela cuando le fue diagnosticado Alzhéimer, pinta un panorama desolador para Britney señalando que es un «milagro» salir de una tutela porque esta beneficia a demasiada gente.
A espera de lo que Netflix pueda aportar a estas alturas sobre el caso de Britney, si es que ese documental que están preparando ve la luz algún día, los fans solo pueden agarrarse a lo que artista ha querido que se sepa: que no quiere que su padre maneje sus finanzas, que le «tiene miedo», y que el movimiento #FreeBritney va por el buen camino cuando pide libertad para la cantante. ¿Pero quiere Britney completa libertad o se está beneficiando también de la tutela? El 23 de junio hablará en la audiencia por primera vez desde que el movimiento ha llegado a la conciencia popular (ya se presentó a una audiencia en mayo de 2019) y lo que cuente puede cambiar el turno de las cosas. Esperemos que sea más concreto y esclarecedor que lo que han podido revelar estos dos documentales, que han hecho lo que han podido.
Coldplay han anunciado recientemente que su nuevo single ‘Higher Power‘ saldrá el viernes 7 de mayo. En portada hemos comentado un fragmento de la canción que el grupo británico ha publicado en Facebook, y que tiene mucha pinta de ser un intento de ‘Blinding Lights’, lo cual no es malo per se: ¿podemos culpar a un grupo de pop de querer sonar como la canción más exitosa de todo 2020? El 9 de mayo, Coldplay presentarán el tema en directo por primera vez en American Idol, el 11 de mayo lo harán en los BRITS y el 22 de mayo ofrecerán un concierto transmitido por streaming desde Worthy Fam, sede de Glastonbury.
En cuanto al nuevo disco de Coldplay, sigue sin haber demasiada información al respecto pero parece que presentará un concepto espacial. El grupo se ha inventado un planeta llamado Kaotica para contextualizarlo, el cual cuenta con su propio alfabeto, y la estética futurista y marciana de tonos rosas y fucsias de esta nueva era de Coldplay está sonando bastante a los fans de Lady Gaga. Estos han acudido a las redes sociales para alertar de una más que posible inspiración que Coldplay pueden haber tomado en toda la era de ‘Chromatica‘ para la estética de su nuevo trabajo, empezando porque los nombres de los dos planetas obviamente son muy similares. A ello añaden que los tonos y colores usados son prácticamente los mismos y que, como Lady Gaga, Coldplay también han creado una serie de símbolos vinculados al nuevo mundo que han imaginado.
En defensa de Coldplay, sus fans no se han quedado callados y han recordado que, ya en 2019, se hablaba de que el nuevo disco de Coldplay llevaría por título ‘Music of the Spheres’, lo cual encajaría con todo lo que el grupo está dando a conocer ahora. Kaotica sería solo uno de varios planetas que Coldplay han pensado para el disco. Por otro lado, hay quien recuerda que Coldplay ya han usado símbolos en la estética de algún trabajo pasado, como ‘Ghost Stories’, y que la portada de su debut mostraba la imagen de un planeta de color amarillo. Por supuesto abundan las bromas al respecto del posible «plagio», incluido un tracklist del nuevo disco de Coldplay con temas como ‘Mad Hatter’ en lugar de ‘Alice’.
So Lady Gaga spent 3+ years creating Chromatica just for Coldplay to come along and completely steal the idea of it. pic.twitter.com/FKVQuas4Rb
Fuel Fandango vuelven este año con nuevo proyecto, que no será un disco largo de momento, pues el último llego tan solo el año pasado, un ‘Origen‘ que dio al dúo su primer número 1 en la lista de álbumes española; sino un EP llamado ‘Romances’ que será colaborativo. En cada canción, Nita y Ale Acosta se acompañarán de un artista diferente y, si el primer adelanto, ‘La Huella’, contó con María José Llergo, el segundo se vale de la participación de Mala Rodríguez.
‘Iballa’ recibe su nombre de la guerrera Guanche, de La Gomera, y desde el primer momento hay que decir que La Mala «roba el show» con su carisma y garra. Mientras Nita canta sobre «balas de rabia» (un sentimiento muy presente en la canción, pues es mencionado varias veces en la letra), o sobre escuchar sonidos de «amarras», es La Mala quien infiere verdadera fuerza a la grabación con sus versos llenos de empoderamiento, tales como «a mí no me vendas de na’, yo ya tengo de to’, pa’ quererme ya me quiero yo» o «ahora me toca a mí».
La canción habla sobre una «niña que camina sin miedo» con «ojos que queman como fuego en la pureza» y la producción tiene una considerable pegada entre su bailable base electrónica y las palmas sintetizadas que aparecen en la grabación, añadiendo un elemento de percusión muy excitante.
Os dejamos con la agenda de conciertos de Fuel Fandango:
8 de mayo – Alicante
23 de mayo – Avilés
29 de mayo – As Pontes
27 de junio – Mallorca
9 de julio – Valencia
25 de septiembre – Guadalajara
15 de octubre – Pamplona
16 de octubre – Bilbao
22 de octubre – Vitoria
17 de noviembre – Londres (UK)
19 de noviembre – Zaragoza
‘Lady Madrid’, uno de los mayores éxitos de Pereza, vuelve a ser noticia a un día de las elecciones en la Comunidad de Madrid. Bea Fanjul, presidenta de las nuevas generaciones del Partido Popular, ha querido homenajear a la candidata Isabel Díaz Ayuso apodándola ‘Lady Madrid’ porque es la que «pone a la peña de pie» y la «estrella de los tejados de Madrid» (citas literales de la canción). También dice que es la más «rock’ n roll» del lugar. La canción ya era casposa a más no poder pero lo peor es que no está demasiado claro si Fanjul es fan de Ayuso o no. En un mítin posterior, Fanjul se ha quedado a gusto aseverando con toda la confianza del mundo que «más vale malo conocido que malo por conocer» y que «eso es Ayuso». ¿OK?
Se desconoce la gracia que le ha hecho a Isabel Díaz Ayuso el «tributo» de Bea Fanjul, pero quien no está nada contento con el uso que se ha hecho de su canción es su autor Miguel Consejo Torres, es decir, Leiva. En Twitter, el músico ha querido dejar claro que, para él, ‘Lady Madrid’ pertenece al pueblo y no a los partidos, y ha contestado de manera indirecta a Fanjul con el siguiente mensaje: «Me entristece que se haga un uso político de Lady Madrid. Nunca me sentí propietario de esa canción, siempre fue de la gente. No la manoseen. No se adueñen de ella. No les pertenece».
Ya hay quien acusa a Leiva de haber «politizado» ‘Lady Madrid’ sin darse cuenta al criticar el uso que ha hecho el PP de la canción, sugiriendo que si lo hubiera hecho un partido de izquierdas, el músico no habría opinado al respecto. Por su parte, Ayuso ha sido noticia (qué raro) este fin de semana después de que Nacho Cano alabara su labor durante la pandemia en la entrega de la medalla de la cultura, quitándose la banda rojo para colocársela a ella.
Me entristece que se haga un uso político de “Lady Madrid”. Nunca me sentí propietario de esa canción, siempre fue de la gente. No la manoseen. No se adueñen de ella. No les pertenece.
Baiuca publica este viernes ‘Embruxo’, su segundo disco, un trabajo inspirado «por las cantigas y los mitos de la Galicia de siglos pasados» como los mitos de las meigas, la brujería o la Santa Compaña. El productor gallego Alejandro Guillán Castaño vuelve a fusionar electrónica de baile con música tradicional gallega (en este caso sobre todo percusiones de piel, gaitas y voces femeninas) para revelarnos un mundo habitado por seres e imágenes místicas como las lavandeiras, las meigas, el diaño, la luna, el carballo o las herbas de San Xoán. La intención de Baiuca con ‘Embruxo’ ha sido desarrollar un concepto más cerrado y definido que el de ‘Solpor‘, su estupendo debut de 2018, centrado en la “cultura espiritual” de su tierra. ‘Embruxo’ es el Disco de la Semana.
‘Embruxo’ ha contado con con las colaboraciones de Rodrigo Cuevas en ‘Veleno’, el grupo de pandereteiras-cantareiras Lilaina en varios temas, y con el flautista-gaiteiro Cristian Silva o el percusionista Xosé Lois Romero en otros cortes. ‘Meigallo’, hoy la «Canción Del Día», es una de las composiciones de ‘Embruxo’ en la que aparecen acreditadas Lilaina, cuyas voces emitidas al unísono son inconfundibles. Se basa en la canción tradicional que incorpora la plegaria «ay déjame subir / al carro carretero». ‘Meigallo’ utiliza esta melodía para construir una canción que suena exactamente como un «embrujo»: la base electrónica es oscura e inquietante y busca llevarnos a un estado de trance; las voces parecen estar elaborando un conjuro y el entramado de gaitas y flautas termina por enriquecer una producción misteriosa y espeluznante. La palabra «meigallo» significa «brujería» en gallego.
«El misticismo tiene un peso muy importante dentro de la cultura gallega», ha explicado Baiuca, «desde la relación de los vivos y los muertos, como de las historias que fueron persistiendo durante siglos en torno a lugares y seres mágicos, centrados principalmente en lo pagano, pero que, en algunos casos, llegan a nuestros días en una relación directa de la influencia cristiana que ha perturbado (por su interés) ciertas figuras; o en otras ocasiones incluso apropiándose de ellas». Estos días publicaremos una entrevista con Baiuca en la que comenta en profundidad el contenido de su nuevo disco.
El disco de debut de Bonitx (se ha de pronunciar «bonite»), editado por El Genio Equivocado, es una reivindicación de la liberación del género y de la identidad queer. Pero lejos de euforias o proclamas, Edu Rubix lo enfoca desde la óptica de las dificultades que conlleva apartarse de lo binario en un mundo aún demasiado sesgado entre femenino y masculino, donde las zonas grises y no definidas no son del todo bienvenidas.
Musicalmente, Bonitx envuelve sus propuestas en PC Music y techno-dream-pop de dormitorio, de baja fidelidad; un universo sonoro que remite a Dar Ful Ful, Family, los primeros New Order y, en más de una ocasión, incluso a Disco Inferno. Todo su entramado consigue transmitirnos ese estado de ánimo distímico, en una atmósfera ensoñadora que transmite una queda aflicción. La voz de Edu Rubix está permanentemente distorsionada, lo que hace que sus letras muchas veces sean ininteligibles, lo que refuerza la apuesta más por lo onírico que por la simple protesta. ‘Algo que cambie’ es un himno de bonita melodía entre telarañas y brumas, sobre la espera a que todo sea diferente, mejor. ‘Punk’ es un tratado de autoayuda y aceptación, con unos sintetizadores intrigantes, levemente irritantes y un estupendo estribillo, en que da la sensación de que Ian Crause se va a materializar en cualquier momento. También hay anhelos de otra vida y el imaginario de la huida romántica (‘Brujas’). ‘Femme’ es la reivindicación de la diferencia, pero también el reproche rabioso con que se encuentran quienes apuestan por la indefinición.
El ambiente y los los bpm suben en ’10’, brevísimo tema instrumental de menos de un minuto que aúna Fangoria con los referentes ya citados y da pistas de qué tal sería un Bonitx más dance; una excepción en un disco que navega en la languidez. También hay lugar para el melodrama tremebundo sin alzar la voz: ‘Sin ti’ contiene una bonita melodía y un estribillo tan clásico como enorme, para celebrar el amor romántico y sumiso más tóxico: «Átame junto a ti/ Escúpeme otra vez/ Sin ti no puedo vivir». Edu alcanza los terrenos de Family en ‘No podré ser como él’, en el que recurre de nuevo al tema del amor no correspondido, «soy tu entretenimiento queer», se duele Bonitx ante el/la amante que se consuela con elle cuando no está el novio oficial. «Sé que aunque me beses no me ves», canta en su hermoso estribillo; pero también se cuela un pequeño resquicio de esperanza con ese autorreivindicativo: «No podré ser como él. Y no lo quiero ser». Pero la derrota se hace palpable en ‘Gloss’, con Bonitx recitando, de manera queda, apenas sabiendo el tono: «di si prefieres, a otres más fuertes», entre líneas de bajo post-punk.
Quizás el único pero que se le puede poner a ‘Bonitx’ es el tratamiento autotuneado y excesivamente bajo de la voz. Pero también se puede entender como recurso expresivo de su pop de baja fidelidad, en que se busca más la creación de una atmósfera lo-fi que la claridad del mensaje; de hecho, todo este disco tiene el aspecto de artefacto pop perdido en el tiempo, como si viniera de algún rincón de 1993. ‘Bonitx’ está repleto de romanticismo adolescente, de amor arrebatado y arrastrado, pero con un envoltorio tan tenue que sirve para rebajar el tono, quitarle dramatismo y cargarlo de toneladas de melancolía. El amor como batalla en la que siempre vas perdiendo, en el que el ser amado se sitúa en un plano superior que nunca lograremos alcanzar; todo eso agravado por el hastío que provoca comprobar que su identidad no binaria es incomprendida. ‘Bonitx’ es un disco fundamentalmente triste, con aires de derrota. Pero de una tristeza susurrada, tenue, asumida con resignación. Y es precisamente ese punto de vista, particularmente virado hacia lo sentimental, lo que convierte este disco en algo universal. Porque, al fin y al cabo, su percepción del amor y desamor, del hastío de sentirse diferente, de no encajar, del deseo desesperado de ser amade y aceptade… Todo eso son angustias vitales que van a asaltarnos a casi todes siempre.
Billie Eilish protagoniza la foto del momento, con perdón de Nacho Cano e Isabel Díaz Ayuso. La cantante aparece en la portada del mes de junio de la edición británica de VOGUE «como nunca la habías visto antes», como anuncian ya algunos titulares, pero es verdad: Billie ha sido muy prudente a la hora de presentar una imagen de ella sexualizada al público a lo largo de su carrera. Por ejemplo, ha sido muy comentado su gusto por llevar ropa ancha que le tape todo el cuerpo y, cuando en el inicio de su última gira (cancelada por la covid), en un vídeo salía quitándose una camiseta y quedándose en ropa interior, ofreciendo un discurso sobre el abuso, casi se cayó el mundo.
Ahora, la autora de ‘Your Power’ ha decidido que es momento de «hacer lo que te dé la gana, cuando te dé la gana» y ha posado tal que así para VOGUE, en plan Marilyn Monroe. En concreto, el look de Billie está inspirado en la «moda pin-up de Betty Brosmer, en la fotografía de belleza ilusionista de Horst P. Horst y en las modelos enfundadas en medias de Elmer Batters». La imagen de la portada ha obtenido 1 millón de likes en Instagram en tan solo 6 minutos: es la foto que más rápido lo ha logrado. Billie ha vuelto a superarse a sí misma.
En la entrevista, firmada por Laura Snapes, probablemente la mejor periodista musical en habla inglesa en estos momentos, Billie habla sobre la inseguridad que siente por su propio cuerpo y sobre empoderarse a través de enseñarlo, como hace en esta nueva sesión. También ha revelado que, en los últimos meses, ha llevado una peluca idéntica a su viejo pelo teñido de verde en las raíces para ocultar el look rubio de su nueva etapa discográfica. Apenas habla sobre ‘Happier than Ever’, el disco que publica el 30 de julio. En el momento de redacción de la noticia, Snapes puede escuchar ‘Your Power’ y un segundo tema que «empieza de manera tierna pero termina con Eilish gritando».
De manera complementaria, Billie Eilish protagoniza una entrevista con vídeo de 23 minutos que puede verse en Youtube, en la que contesta cuestiones realizadas por famosos. Justin Bieber le pregunta si prefiere «sábanas limpias o calcetines limpios» (ella plantea si no puede tener ambas), Mel C recuerda lo importante que fueron los Brits para Spice Girls y le pregunta si ella ha tenido una de esas noches (Billie recuerda los Grammys y cuando cantó en los Oscars), y quizá la mayor curiosidad es ver por aquí a Tim Burton. El director de ‘Batman’ le pregunta si no es habitual, siendo de Los Ángeles, que el público asuma que es de «Londres, Nueva York o de otro planeta». Billie Eilish responde que sí y lo asocia con la idea de que «nadie se queda en Los Ángeles mucho tiempo». También realizan preguntas Stormzy, Orlando Bloom, Dominic Fike y Avril Lavigne, entre otros.
Desde el pasado jueves, ‘Your Power’ se ha posicionado rápidamente entre las 4 canciones más escuchadas a nivel global en Spotify, bordeando las 5 millones de reproducciones diarios. La canción, que habla sobre una relación en la que interfiere un abuso de poder por parte de la otra persona, no parece perder adeptos pese a su carácter intimista y bucólico: más bien al contrario. Puedes leer la entrevista de VOGUE aquí y comentar la noticia en los foros en este enlace.
«Un perfecto remake del genuino rock andaluz abordado desde la óptica de unos bicivoladores del espacio exterior». Así describe la nota de prensa oficial de Primavera Labels ‘Hilo negro’, el segundo disco de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba. Entre menciones a Triana, Soundgarden y Smash o referencias a los efectos lisérgicos de su música o su sonido de extrarradio o cañí, queda claro por dónde irán los tiros, sobre todo si has escuchado el primer disco de la banda, que ganó el Premio Ruido de manera sorprendente pues su victoria no estaba tan clara como la de otros ganadores previos. ‘Hilo negro’ queda retratado como un disco basado en otras cosas, algo que es imposible de negar y que no es necesariamente negativo. «El disco de hard-rock que se merecía la generación Tik-Tok». Bueno, ahí igual nos hemos pasado.
Los «tiros» por donde va ‘Hilo negro’ son caminos ya conocidos por cualquiera que esté familiarizado con la fusión de rock progresivo, hard rock y flamenco (o lo que ellos llaman kinkidelia). Porque donde Rosalía ha reinventado el flamenco y donde Califato ¾ le han dado una vuelta de puta locura, donde C. Tangana ha reinventado el pasodoble, donde Rodrigo Cuevas ha reinventado el cancionero asturiano… está claro que a Derby Motoreta’s Burrito Kachimba prefieren conservar la tradición ante todo. ‘Hilo negro’ es el disco de un grupo que se conforma con sonar a su idea de lo que esa fusión de sonidos debe ser. Es, ni más ni menos, que un riguroso estudio estético del rock psicodélico aflamencado en toda su gloria, imitado de pe a pa, en el que no faltan ni las guitarras polvorientas del stoner rock, ni los teclados alucinados, ni las cuerdas tipo sitar, ni las estructuras complejas del rock progresivo, ni mucho menos las melodías clamorosas que caracterizan el género. Como su primer disco, pero con un sonido mejorado gracias, en parte, a la masterización de Brian Lucey, que ha trabajado con Arctic Monkeys o con los Black Keys.
Desde la premisa de que Derby Motoreta’s Burrito Kachimba realmente no busca hacer nada interesante con el rock psidodélico andaluz, sino simplemente recolocarlo en la actualidad tal cual lo han escuchado toda su vida, no se termina de entender su victoria en los Premios Ruido, donde también estaban nominados, por ejemplo, Novedades Carminha, que le han dado aire fresco a la música de verbena; y la escucha de ‘Hilo negro’ crea aún más confusión en ese sentido. La música de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba ni siquiera busca sonar mínimamente actual, y la imitación es tan fidedigna que bordea el tributo. Ya no es que las guitarras jevis suenen a lo que esperas, es que las dosis de teclados lisérgicos que incorpora el disco, por ejemplo en ‘RGTQ’, no hacen flipar demasiado, y los coqueteos con la modernidad son pocos y pasan desapercibidos, como el vocoder de ‘Somnium Igni – Pt. 2’. El sonido es viejuno y quizá sea a propósito, pero si la kinkidelia ya existió, aunque no se conociera por ese nombre, ¿qué sentido tiene hacerla exactamente igual en 2021?
Algo que deja claro ‘Hilo negro’ es que Derby Motoreta’s Burrito Kachimba no son en absoluto malos músicos ni compositores. ‘El Valle’ saca toda su artillería de percusiones y guitarras para postularse como un buen single de presentación, ‘Porselana Teeth’ añade un sabor funk que destaca en el largo, y las estructuras complejas de ‘Gitana’ y ‘Somnium Igni – Pt. 2’ dejan a la banda cierto espacio para experimentar. A Bacca, Soni, Papi, Gringo y Dandy Piranha se les percibe encantados navegando en este océano de sonidos rockeros trasnochados y psicodélicos, pero también conformes en lo que es familiar. Las melodías son 100% clásicas, pero también suenan 100% pasadísimas de rosca, como oídas mil veces, y lo mismo sucede con las guitarras jevis, los sitars, los sintetizadores y toda la instrumentación del disco en general.
La sensación de imitación que deja ‘Hilo negro’ también afecta a las letras. La frase «el rosario de la aurora se ha formado en la farola del descampao» no parece tener demasiado sentido, por ejemplo, más que el de buscar cierto elemento místico en los textos. Pero es que luego al grupo le salen unas ñoñerías que ni Pablo Alborán: «desperté sobre la serpiente del amanecer», «mi amigo me enseñó que solo hay un paso de la rabia al amor», «una luz que ciega en medio de la tempestad, si me das la mano juro que todo va a cambiar»… Escalofríos. Cuando el grupo menciona «las palabras de Guadalupe», «el sueño de un profeta», una «gitana que se amarra el pelo», «sangre que brota de las rosas» o a una «sultana que llora su soledad», te das cuenta de que estas palabras no tienen ningún significado para ellos: son un añadido estético más. Y eso es básicamente ‘Hilo negro’.
Este domingo se han celebrado en Madrid los actos conmemorativos por el Dos de Mayo, Día de la Comunidad de Madrid. Entre las personalidades que han recibido la Gran Cruz de la Orden del Dos de Mayo se encuentra Nacho Cano, que ha recibido la medalla de la cultura y ha aprovechado su participación en el evento para apoyar indirectamente la candidatura de Isabel Díaz Ayuso en las elecciones del próximo martes. Con ella delante le ha agradecido su labor por la cultura durante la pandemia, la ha llamado «valiente» varias veces y se ha quitado la banda roja para colocársela a ella «por mantener los teatros abiertos». «La mereces tú por valiente y buena presidenta», le ha dicho.
«Siempre hemos echado de menos los años 80, siempre hemos dicho que los años 80 eran los mejores, y ahora vuelve esa energía, yo la siento», ha afirmado Cano al principio de su discurso. «En este tremendo momento que hemos vivido, sobre todo en el teatro musical, con Broadway y Las Vegas cerrado, el Circo del Sol en bancarrota y con miles de personas en la calle, nuestros amigos en Australia, Nueva York o Londres me llamaban para saber qué pasaba en Madrid, cómo seguían abierto los teatros. (Les sorprendía ver a) empresarios responsables, trabajadores responsables, publico responsable. (Me preguntaban) cuál es el nombre de ese milagro, y ese milagro tiene piernas, cabeza y corazón. Y me emociono porque todas esas familias han podido seguir dando arte, cultura e ilusión, que sin eso tampoco hay vida».
Llevo un rato con el vello de punta. Esto es lo que ha pasado cuando Ayuso le ha entregado la Gran Cruz del Dos de Mayo a Nacho Cano. 👏🏻👏🏻👏🏻 pic.twitter.com/XwCzozaRZD
— Ismael Sirio López Martín 🇪🇸 (@ismaelquesada) May 2, 2021
A.G. Cook es uno de los nombres que han pasado esta semana por la playlist «Ready for the Weekend» gracias a su último lanzamiento, un remix de ‘The Darkness’ con Sarah Bonito, integrante de la banda de indie pop británica Kero Kero Bonito, y Hannah Diamond, quien junto a A.G. Cook es uno de los miembros fundadores del colectivo PC Music que tanto ha contribuido a modernizar (o más bien «futurizar») el pop contemporáneo. La versión original de ‘The Darkness’ aparece en ‘Apple‘, uno de los dos discos que Cook publicó el año pasado (el otro era el álbum de 7 discos ‘7G‘).
‘The Darkness’ no era una de las canciones que destacábamos en nuestra reseña de ‘Apple’ en un primer momento, pero el remix con Sarah Bonito y Hannah Diamond mejora con creces la grabación original. Cook ha contado que es la canción de ‘Apple’ que más escribió desde la perspectiva de «componer canciones pop para otra gente», y así considera que las «melodías vocales» de ‘The Darkness’ así como la prominencia de «sonidos tipo sintetizador» en la grabación la acercan a su trabajo más pop. No obstante, asegura que no quería hacer una canción pop demasiado obvia.
El remix de ‘The Darkness’ termina por ajustar algunos tornillos sueltos que se quedaron colgados en la grabación anterior. Por un lado, Sarah Bonito y Hannah Diamond cantan mejor que A.G. Cook y poseen voces más bonitas, interesantes y moldeables y, por el otro, la producción de ‘The Darkness’ suena más refinada esta vez, depurada al máximo. El resultado es una balada de trance-pop futurista (casi) perfecta. La escuchas y piensas que este es el tipo de pop que nos deparaba el futuro, pero que ya está entre nosotros: las cantantes suenan tan mimetizadas con la producción que sus voces parecen producidas por un sintetizador de voz.
Pero ‘The Darkness’ es una canción hecha por seres humanos aunque no lo parezca, y su historia está dedicada al amor. Sarah ve su «reflejo» en el espejo y desea salir para ser «libre», pidiendo a su amante que le coja de la mano para mostrarle «el mundo que hay a mi alrededor», y Hannah se siente «triste» porque «el amor en la vida es difícil» y su persona amada está «lejos» de ella. El estribillo «cada vez que miras a los ojos» seguiría emocionando en formato acústico.
El de ‘The Darkness’ es uno de varios remixes de ‘Apple’ que Cook ha dado a conocer en las últimas semanas. Los otros dos son ‘Oh Yeah’ con Caroline Polachek y ‘Beautiful Superstar’ con EASYFUN. También existe un remix de ‘2021’ (del disco séptuple) con umru. ¿Se viene álbum de remezclas? Bienvenido sea.
Como es habitual en las ediciones de Zahara, la edición física «CD deluxe» va a otro nivel con música extra, fotos, letras, relatos y detalles que redondean el concepto. Tienden a agotarse. Si en ‘Astronauta’ nos daba un mapa astral y una foto del mismísimo Café Verbena, entre otras cosas, ahora se supera con una banda de PUTA, un manual de autoyuda y otros detalles que ya hemos comentado en la crítica de ‘PUTA’.
En este artículo nos centramos en la música que ejerce de extra en un CD 2 titulado ‘Madre’ que no se ha subido a las plataformas de streaming. Musicalmente en general se compone de versiones acústicas y demos desnudas (la mejor es la de ‘sansa’ en la línea de ‘Médulla’ de Björk), que dan lo suyo a los cientos de miles de personas que en el último año han hecho de ‘Con las ganas‘ un single 4 veces platino a estas alturas de la película, por obra y gracia de OT. Lo interesante viene cuando la artista, en el libreto, explica qué pinta cada una de estas otras 11 canciones en esta edición extra. Es ahí donde comprendemos la evolución de Zahara desde que la conocimos como cantautora hasta la artista que contemplamos hoy. El cambio no ha sido de un día para otro y han sido muchas las pistas dejadas por el camino.
Obviamente, ‘Hoy la bestia cena en casa’, una canción de denuncia y feminista de su disco anterior ‘Astronauta’, fue un precedente de ‘PUTA’, también escrita junto a Martí Perarnau IV, y por eso aparece aquí en versión reducida. Antes de eso, tuvimos entre manos un álbum llamado ‘Santa’ y de él aparece un directo que pasa de ‘Rey de reyes’ a ‘Inmaculada concepción’. Zahara explica que es un intento de hablar de su sexualidad «sin ser capaz de hablar de la libertad en primera persona».
Pese a la ausencia de maquetas de la era de un álbum que se llamó ‘La pareja tóxica’, lo más curioso de este disco se produce con una serie de grabaciones de sus primeros tiempos, en los que con un sonido tipo Ella baila sola y Christina y los Subterráneos (aunque ella se compara a sí misma con una «Shakira extraña y Bebe», teniendo en la cabeza siempre a Alanis), habla sobre feminismo en algunas canciones, pero obligándose a poner un lado amable o divertido para no espantar, algo de lo que ahora se ha despojado por completo. En esa línea están el tema ‘Ahora que te dejo’ y ‘Carreteras secundarias’.
Aunque seguramente lo que más sea recordado de este CD que al fin y al cabo solo escucharán sus fans, los compradores de la cajita deluxe, es la canción de apertura. ‘Una palabra’ es un tema que escribió con 12 años, con ciertas ideas y la voz decidida que siempre conocimos (aquí pulula entre Cecilia y Mari Trini, nada menos) y finalmente se ha alzado hoy.
Corría la primavera de 2016 cuando os hablábamos de AURORA con motivo de su álbum debut ‘All My Demons Greeting Me as a Friend‘. Entonces mencionábamos su gusto por la imaginería naturalista y mística y comparábamos su sonido con el de otros artistas como Florence + the Machine, Bat for Lashes o Lorde, sin imaginar lo que terminaría pasando con su tema de apertura, ‘Runaway’, que ni siquiera destacábamos entre los mejores del disco.
Publicada en realidad en febrero de 2015 (!!!), ‘Runaway’ está siendo uno de los mayores éxitos de 2021 gracias a que se ha viralizado en TikTok. La canción, que habla sobre el sentimiento de «volver al hogar», resiste cerca de las 20 más escuchadas en Spotify Global y es una de las nuevas entradas en la tabla de Mediatraffic, que lista las 40 canciones más exitosas en el mundo. A punto de alcanzar los 200 millones de streamings en Spotify, ‘Runaway’ promete superar muy pronto las reproducciones de ‘Into the Unknown’ para confirmarse como el mayor éxito de la carrera de AURORA, con 6 añazos de retraso. Por supuesto, AURORA ha aprovechado la situación y acaba de reeditar el single junto a una versión al piano y otra a la guitarra.
Mucho antes de que participara haciendo aullidos en la exitosa canción principal de ‘Frozen II’, interpretada en realidad por Idina Menzel, la noruega Aurora Asknes empezó a conquistar las plataformas de streaming con singles como, ejem, ‘Conqueror’ o ‘Running with the Wolves’, si bien su mayor éxito comercial hasta entonces había sido una versión de una canción semidesconocida de Oasis, ‘Half the World Away’, que había sonado en una campaña navideña británica. Ahora, AURORA por fin puede decir que una canción propia ha «conquistado» al planeta. Queda por comprobar si el éxito de ‘Runaway’ será flor de un día o si, ahora que la generación Z la ha descubierto, la tomará como una canción completamente nueva y no la dejará marchar tan pronto.
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