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No podemos dejar de decir «temardo»

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El otro día estaba viendo el reparto de galas de la gala 11 de Operación Triunfo y Claudia Arenas, la Latin Girl de Alicante, musitó, cuando le asignaron ‘Overjoyed’ (1985) de Stevie Wonder, esa palabra: «temardo». Y de repente no pude evitar preguntarme: ¿de dónde sale esta palabra y por qué la leo en todas partes?

No es ningún secreto que los jóvenes crean su propio lenguaje, echando mano de expresiones inventadas por ellos mismos y de neologismos. Soy una pringada es una gran «productora de lenguaje», como la describe Nerea Pérez de las Heras, y como lo es también su amigo y colaborador Junior Healy, quien se ha apropiado de la palabra «circo» como nadie. En 2013, el fan de Lady Gaga que le gritó «yas» en la cara estaba cambiando el mundo sin saberlo.

El origen de «temardo» no es fácilmente localizable, pero probablemente se populariza en algún rincón heteronormativo de internet, como Forocoches o ese sector de X-antes-Twitter que no sabe qué es PopCrave. En X es donde más veces he leído esta palabra, en tuits que buscaban expresar admiración hacia una canción de forma exagerada. «Temardo» es la alternativa gen Z a «temazo»; otras variaciones como «temarraco» o «temarraquen» siguen siendo usadas por personas como Noemí Galera, en el mismo vídeo citado arriba.

Sin embargo, el uso de la palabra «temardo» se ha popularizado y extendido, pues esta es la misma naturaleza del lenguaje. Aunque no estoy seguro de que el colectivo LGTBQ+ la haya aceptado, como mínimo hay que celebrar que los heteros devuelvan de alguna manera todo lo que toman prestados de nosotros. El popper, por ejemplo.

La propia morfología de la palabra «temardo» trae intrínseca cierto nivel de testosterona. Supuestamente es una mezcla de «temazo» y del sufijo «-ardo»; de la que nacen otros neologismos igual de forzados como «buenardo» o «malardo» que desconocía hasta la redacción de este artículo. Personalmente, no tengo pruebas pero tampoco dudas de que la palabra nace de la fusión de las palabras «temazo» y «gordo», ya que la expresión «temazo gordo» resume el significado de la palabra, que al fin al cabo busca expresar gusto por una canción de forma exagerada, un poco agresiva, y casi irónica.

Este tipo de neologismos surge de la necesidad -especialmente entre los jóvenes- de renovar el lenguaje, ya que ciertas palabras “altamente connotativas” van perdiendo «fuerza emocional con el uso y el paso del tiempo», como señala Ricardo Martínez, profesor de Literatura Creativa en la Universidad Diego Portales. Por ello se crean nuevas palabras para expresar sentimientos similares, pero adaptadas a la identidad de quienes las emplean -generalmente jóvenes- y a su contexto, en este caso, el de internet, los memes y las redes sociales.

Según un medio argentino, “los adolescentes y los jóvenes son los reyes de los neologismos: los más creativos y los más prolíficos”. Por supuesto, la industria musical no ha tardado en apropiarse de este y otros términos, y la playlist Temardos en Spotify cuenta ya con cerca de 450.000 seguidores. Es revelador que la playlist esté plagada de producciones exclusivamente de reggaeton y urbanas, ya que están diseñadas para producir un impacto inmediato y viralizarse, y sobre todo porque esta es la música que escucha actualmente la mayoría de jóvenes que han introducido esta palabra en su vocabulario, que son la mayoría de jóvenes en general.

Conviene detenerse en la carga irónica del término, que se distancia de expresiones demasiado sinceras como “temazo” o de fórmulas más formales del tipo “canción increíble”. «Temardo» no intenta transmitir una valoración musical fundada ni un análisis serio, sino justamente alejarse del academicismo y de la rigidez de una crítica publicada en un medio especializado. Decir «temardo» implica no seriedad, incluso la posibilidad de cambiar de opinión, de la misma manera que todo el contenido en internet, incluida la música, es volátil.

Sin embargo, que la palabra haya saltado de la red a la vida real produce situaciones como que Claudia Arenas tilde de «temardo» una canción remota, publicada hace 40 años, de Stevie Wonder, sugiriendo que ya cualquier música vale para usar esta expresión. A mí no me veréis empleándola, ya que prefiero temazo o bop, y francamente… «temardo» da un poco de «cringe». Como dice Ethel Cain, ya hay demasiada ironía en las redes: no necesitamos más.

BLAYA reinventa a Phill Collins desde un pueblo asturiano

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Phil Collins sigue inspirando a los artistas pop actuales. Si recientemente Charlie Puth ha bebido de su estética, ahora lo hace la murciana afincada en Madrid BLAYA (antes conocida como María Blaya), quien en ‘Phill CollinX’ entrega una de sus mejores composiciones y producciones.

El homenaje de BLAYA a Phil Collins es evidente en el título de canción y también en su portada. Sin embargo, la variación del nombre de Collins en el título sugiere que ‘Phill CollinX’ -la Canción Del Día de hoy- no busca ser una recreación de la música del autor de ‘In the Air Tonight’, sino una adaptación personal.

‘Phill CollinX’ hace uso de teclados vintage ambientales típicos de Collins y de éxitos como ‘Another Day in Paradise’, pero apuesta en realidad por los ritmos latinos, siendo una especie de rumbachata chill. La riqueza de percusiones y palmas en ‘Phill CollinX’ convive con el uso del autotune en las voces, creando una producción muy contemporánea.

El origen de ‘Phill CollinX’ se sitúa en Berbes, un pequeño pueblo de Asturias, cuenta la artista a JENESAISPOP, «en una casa antigua de más de 120 años de la familia de Bloodstein (artista más que recomendado, y de mis mejores amigos) donde estuvimos una semana componiendo cada uno su proyecto y echándonos una mano creativa». Añade: «Desde la ventana tenía una vista increíble del paisaje del norte, el verde intenso, la niebla entrando desde el mar, ese clima melancólico que te acompaña aunque no digas nada. Muy mágico y un sitio donde todos los veranos nos juntamos para pasar tiempo de calidad y aprovechar para componer nuestras cosas».

«Mientras escribía, estuve escuchando mucho a Phil Collins, un artista que llevo oyendo desde muy pequeña», explica la artista. «Su forma de transmitir emociones, esa mezcla de vulnerabilidad, ritmo y honestidad, siempre me ha marcado. De alguna forma, ese espíritu se coló en la atmósfera de la canción: la percusión suave, la melancolía, la intensidad contenida. El resultado es una mezcla entre el silencio del norte y esa sensibilidad musical que me ha acompañado toda la vida».

BLAYA explica que ‘Phil CollinX’ habla de «esa persona que aparece y desaparece de mi vida, dejándome siempre entre lo que siento y lo que debería sentir». La contradicción es el sentimiento que ha intentado transmitir, «ese choque entre el deseo de soltar y la inercia de seguir recordando. La canción nace desde una vulnerabilidad muy pura, la de saber que alguien te sigue removiendo por dentro incluso cuando ya no quieres que lo haga».

Pálida Tez / Un extraño estado de ánimo

Pálida Tez son de Albacete, una de las ciudades indies españolas más señeras. Su sonido, sus melodías, sus voces, recuerdan a las hornadas de grupos post-Planetas y post La Buena Vida que existían a principios de los dosmiles, esos que editaban Jabalina o Elefant.

Sí: Pálida Tez muestran quiebros melódicos de Los Planetas de ‘Unidad de desplazamiento’. Los juegos de voces remiten a La Buena Vida. La voz de María Virosta, muchas veces a dúo con la de Samuel Cuevas, el principal compositor del grupo, tan queda, recuerda a Irantzu Valencia. En directo, incluso se acercan a sus compatriotas Surfin’ Bichos. Sus guitarras evocan a My Bloody Valentine: no hay más que escuchar la tormenta sónica con la que nos reciben, nada más arrancar el disco, en ‘Dibujo animado’.

Pero Pálida Tez son de aquí y ahora: un grupo joven que ha sacado su primer disco con El genio equivocado. Y que, lejos de sonar nostálgicos, logran llevar ese sonido tan tardo-noventero a 2025. Sus letras, tristes, incluso un poco hostiles, reflejan un malestar muy actual. ‘Un extraño estado de ánimo’, más que extraño, es de derrotismo susurrado, asumido con resignación y rabia desganada: ‘Dibujo animado’ puede parecer divertida en la superficie, pero expresa la amargura de quien se sabe no dueño de su destino, atascado en dos dimensiones, siempre igual.

Las referencias dosmileras irrumpen a saco en ‘Wong Kar-Wai’: usan el nombre del director de culto de Hong Kong, sobre un riff de sintetizadores pegadizos, y un ritmo trepidante, para ilustrar una historia de desamor con referencias cinematográficas. No es el único famoso que aparece: ‘Varoufakis’ se dibuja entre guitarras shoegaze distorsionadas, que contrasta con el sosiego y cierta sorna con la que canta la enterrada voz de María.

Pero la pieza más derrotista, a pesar de su aparente dulzura, es ‘Ser adulta es un disfraz’: un relato de la rutina sin fin que comporta hacerse mayor, el trabajo precario, los interminables trayectos en transporte público. Dibuja una desazón que no puede disimular ni su guitarra acústica ni los ligeros sintetizadores. La nostalgia por la niñez, por el tiempo inocente y más feliz, sin preocupaciones, emerge en ‘Último partido’, que arranca calmada para ir haciéndose trepidante en ritmo, que no en ánimo. El cierre es tan indie como emocionante, con el juego entre los reverbs de teclados y guitarras, dibujando bonitas melodías.

La canción más pegadiza y que deja más impronta es ‘Lo que hay’, una sencilla canción de amor con ciertas querencias folkies y de bossa nova, con un hermoso estribillo, aunque no pueden evitar que el derrotismo también asome, a pesar de la rendida admiración: “Será inapropiado a estas alturas preguntar / si alguna vez pensaste en mí como algo más”. Pesimismo pop dulce para nuevas generaciones.

Tu opinión en el Anuario 2025: cartas al director

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En breve estará disponible en nuestra tienda la reserva del Anuario 2025 con lo mejor del año para JENESAISPOP. Como cada año desde 2022, el Anuario abarca la mejor música, las mejores pelis y las mejores series entre el 1 de diciembre y el 30 de noviembre del año siguiente.

Siendo hoy el último día de cómputo, os animamos a participar. Podéis enviarnos un mail a jenesaispop@gmail.com indicando qué has parecido lo mejor y lo peor del año en todos los sentidos, y sobre todo por qué. También es el momento de que reivindiquéis ese trabajo que a veces sentís que solo os gustó a vosotrxs. Si te encantó el último de Miley Cyrus, el gran regreso de 2025 te pareció el de Mariah Carey o descubriste a un artista del que nadie habla, es el momento de que nos lo cuentes. Las mejores cartas al director serán publicadas en parte en el Anuario. El plazo para participar acaba el lunes 1 de diciembre a las 12.00 de la mañana. ¡Corred!

Os recordamos que hay una oferta operativa con los Anuarios 2022, 2023 y 2024 en nuestra tienda: los 3 por 20,95 euros. Además, los gastos de envío son gratis para Península Ibérica a partir de 20 euros aplicando el código YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL.

Nathy Peluso es indomesticable en su salsaza hípica

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Nathy Peluso ha cumplido este año uno de sus sueños publicando un proyecto enteramente dedicado a la salsa, tras sus previos -y geniales- acercamientos a este género en canciones como ‘Mafiosa‘ o ‘La Presa’. ‘Malportada‘, un EP creado este verano en Puerto Rico, es el gran homenaje de Peluso a la salsa y una declaración de pertenencia y respeto absoluto hacia este universo musical.

El corte titular, una colaboración con Rawayana, ha sido una de las canciones destacadas de los últimos meses. Pero ‘Malportada’ se abre con tremenda salsaza también, ‘A Caballo’, la Canción Del Día para este último día de noviembre.

‘A Caballo’ es la declaración de principios de Peluso: ella ni «camina ni corre» como los mortales, sino que «galopa», existiendo en un plano superior, dueña de su destino. Ella cabalga sola, «sin jinete», viviendo bajo sus propias reglas y sin «concederle a nadie explicaciones». La referencia a Manhattan es especialmente graciosa y, además, conecta con ‘GRASA‘ (2024); el rap «24 kilates en los dientes» remite a su colaboración con Bizarrap, y la letra recuerda que Peluso tiene calle: puede que vista con glamur, pero pasea «por los callejones» dejándose ver. Su melena huele «a cigarro y a jazmín».

La composición de ‘A Caballo’ podría «tumbar» a cualquiera. Introducida por tremendo piano, pronto se anima con trompetazos, trombón, congas y percusiones diversas que replican el cabalgar de los caballos, construyendo una atmósfera casi cinematográfica. Vocalmente, Peluso ataca la letra con precisión absoluta -pronunciando claramente cada sílaba- y usa un tono nasal y seco que transmite una imagen de mujer fuerte pero distante, sin tiempo para tonterías.

Junto a Servando Primero y su colaborador habitual Manuel Lara, entre otros, Peluso entrega en ‘A Caballoo’ una salsa de primera categoría que referencia las emisoras de radio clásicas y hace honor a ‘Pedro Navaja‘, el clásico de Willie Colón y Rubén Blades de 1978, al cual Peluso alude de forma desafiante: ni siquiera el protagonista de aquella historia lograría hacerla desmontar.

La guinda del pastel de ‘A Caballo’ es el mambo con montuno final, un recurso clásico de la salsa que Peluso utiliza para contar la historia de la canción en tercera persona, ayudada por un coro masculino: «Ella se va, no camina, ella se va a caballo», canta el grupo. Peluso, mientras, sigue galopando sin permiso, «aplastando a toa’s las ratas», convertida en una «yegua divina».

Rosalía actuaría en Madrid en Semana Santa, según El Mundo

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Las fechas de la próxima Semana Santa serían las elegidas por Rosalía para presentar en Madrid su nuevo disco, el extraordinario ‘LUX‘. El Mundo informa, citando «distintas fuentes del sector», que Rosalía planearía ofrecer hasta cuatro conciertos en Madrid «durante la semana del 30 de marzo al 5 de abril», la cual coincide en los días 2 y 3 de abril con los días festivos de la temporada.

Ni Rosalía, ni su sello ni equipo han confirmado por ahora esta información, pero la gira de ‘LUX’ parece un secreto a voces: la cuenta oficial de Instagram HOLAROSALÍA, seguida por la cantante, recoge al menos una fecha en Río de Janeiro filtrada durante los últimos días.

Rosalía se encuentra actualmente promocionando ‘LUX’ en Argentina. Ahí ha aparecido en Otro día perdido, el late night de Mario Pergolini, y ha participado en el podcast Nadie dice nada, donde ha protagonizado un simpático momento cantando ‘La Perla‘ junto a Ángela Torres.

@nadiedicenada_ Rosalía Y Angelita cantan “La Perla” juntas !!! #rosalia #laperla #luzutv #NadieDiceNada ♬ sonido original – NADIE DICE NADA🤯❤️‍🔥

‘Monstruo 3’ mezcla a Ed Gein, nazis, Hitchcock, leatherface, autoginefilia y ¡Addison Rae!

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Netflix ha vuelto a cosechar gran éxito con otra temporada de la saga sobre asesinos en serie ‘Monstruo’. Tras las dedicadas a Jeffrey Dahmer y a los Hermanos Menéndez, la tercera nos lleva a Plainfield y a la historia de Ed Gein, material de partida de relatos fundamentales en el cine de terror como son ‘Psicosis’, ‘La Matanza de Texas’ y ‘El silencio de los corderos’. La serie es consciente del potencial meta y esta temporada ha sido criticada por acercarse demasiado a esto, y por inventarse demasiadas cosas para rellenar huecos (se sabe poco de Ed Gein realmente), aunque también se han inventado cosas en las anteriores entregas, con peores resultados.

La 1ª temporada empezaba funcionando en un toque siniestro que Murphy no mostraba desde ‘AHS Asylum’, pero desaprovechó todo el potencial que podría haber tenido explorar la mente de Dahmer para convertirse de repente en otra serie, una sobre las víctimas y el racismo policial. La 2ª renunciaba a la oscuridad y parecía más una temporada de ‘American Crime Story‘, intentando transformar por el camino en iconos pop a dos víctimas de abuso sexual infantil, dos psicópatas que asesinaron brutalmente a sus padres (según la versión que creamos, pero, en cualquier caso, en ninguna es buena idea aplicarle esa decisión). Eso de “ponerse creativos” con la historia hace que ‘Monstruo 3’ presente muchos fallos, claro, pero consigue también que sea la temporada más interesante de la saga, puesto que por fin intentan hacer algo distinto.

Quizás tiene que ver el hecho de que ésta es la primera donde Ryan Murphy se aparta, la primera con solo Ian Brennan como creador. Brennan es el guionista de todos los episodios e incluso director de algunos (con Max Wrinkler dirigiendo el resto), mientras que en las anteriores Murphy tenía bastante peso, y los episodios intercalaban distintos directores y guionistas. Hay una autoría en ‘Monstruo 3’ que a veces funciona mejor y a veces peor, pero que es de agradecer. Brennan se apoya en la esquizofrenia de Ed Gein para usar un narrador no fiable que se acerca peligrosamente al “todo vale” en cuanto a lo que se nos muestra. Pero ayuda a intentar entender qué podía haber en la mente de Gein, perdida entre la represión sexual, Edipo y el aislamiento, y con el Holocausto siendo la gota que termina de despertar el dragón de la psicosis.

Hay varias líneas delicadas a las que ‘Monstruo 3’ se acerca y, en mi opinión, consigue sortear. Por ejemplo, puede ser peligrosa la relación que se establece entre sus crímenes y lo trans, pero precisamente el esquema no lineal ayuda a aclararlo, explicando la autoginefilia a través de Christine Jorgensen y diferenciando lo que realmente deseaba Gein. O la esperable queja de “intenta que nos de pena Ed Gein”; es cierto que se puede levantar la ceja en algunos momentos del final, pero creo que lo que se intenta (con una sutileza que no es la de ‘Los Domingos’ pero sí mucho mayor que en producciones de Murphy) es entender una mente como la de Gein, dejando la duda de si, en otro contexto, su camino habría sido distinto. En este sentido apunta la secuencia final, reinterpretando hacia el amor una de las frases que más daño le hizo a él e, indirectamente, a sus víctimas. Sí creo que se podía hacer lo mismo rebajando un poco la recreación de la violencia, violaciones y atrocidades varias que cometió, aunque, de nuevo, puede entenderse con la premisa de que la historia se cuenta desde su mente.

Delicado puede ser también perderse en el punto meta, siempre presente en estas producciones y aquí más que nunca. Vemos cómo la figura de Gein influyó en Hitchcock y Anthony Perkins, director y protagonista de ‘Psicosis’, vemos cómo Tobe Hooper quiso ir un paso más allá en ‘La Matanza de Texas’ e incluso vemos la mítica secuencia “¿me follarías?” de ‘El silencio de los corderos’, con Buffalo Bill a ritmo de ‘Goodbye Horses’. Hay hueco hasta para una especie de crossover con la desaparecida ‘Mindhunter’ de Fincher. Y el extra aquí es que lo meta se conecta con una reflexión acertada, pero un tanto incoherente. Porque la desensibilización del público que parece denunciar esta temporada, la fiebre del true crime y a la vez la gran incomodidad por el sexo en la pantalla (tanto desde una postura conservadora como desde una postura woke), es algo que ha contribuido a fomentar el propio Ryan Murphy, a diferencia de otros creadores como Alan Ball y Gregg Araki (ambos con un enfoque sex-positive y, a la vez, una mirada más humana a sus personajes).

En cualquier caso, a que la cosa funcione ayuda también el buen hacer del reparto. Una vez superado el shock inicial, es cierto que Charlie Hunnam hace un gran trabajo, junto a Suzanna Son, Vicky Krieps y secundarios como Tom Hollander, Joey Pollari, Charlie Hall o, sorpresa, la cantante Addison Rae, que interpreta a una de las víctimas. Aunque sin duda la estrella de la función es Laurie Metcalf en el complejo personaje de la madre de Ed Gein. Además de por ‘Lady Bird’, Metcalf os sonará por sus míticos papeles en ‘Roseanne’, ‘Scream 2’ y en uno de los mejores episodios de ‘Mujeres desesperadas’, y es una brillante decisión de casting, demostrando de nuevo su capacidad para dar un mal rollo impresionante. En resumen, como decimos, con sus más y sus menos, se agradece que la factoría Murphy intente hacer algo distinto, como fue también la temporada ‘NYC’ de ‘American Horror Story’ hace un par de años. Ojalá hubiese tirado más por aquí con ‘Dahmer’.

Bad Gyal ‘Fuma’ a golpe de electro guaracha

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Bad Gyal dice que su propósito es que su música llegue a todos los estratos de la sociedad, y puedo confirmar que también es muy querida entre las mujeres lesbianas y bisexuales: su música fue, sin duda, la más pinchada de la noche en la conocida fiesta Manuelas celebrada este viernes en la sala Upload de Barcelona. Sonó ‘Fiebre’ repetidas veces -perdí la cuenta-, también ‘Sin carné’ o hasta ese single llamado ‘Aprendiendo el sexo’ que probablemente habías olvidado. Y muchos de los asistentes pudimos comprobar por primera vez qué tal suena desde un buen equipo de sonido ‘Fuma’, el nuevo single de Bad Gyal, que vuelve a fusionar géneros de forma sorprendente.

‘Fuma’, la Canción del Día de hoy, es una oscura producción inspirada en el dancehall y la guaracha, un género colombiano de música electrónica. Bad Gyal introduce ‘Fuma’ cantando sobre una mujer que vive “pegá a la pista”, que fuma y bebe hasta el amanecer. A partir del minuto 1:45, su voz pasa a un segundo plano y la producción toma el protagonismo, entregándose al frenesí de sintetizadores y percusiones y sumergiéndose en las entrañas de la noche.

Bad Gyal visita en ‘Fuma’ un club de Miami llamado E11EVEN, y no es casualidad que uno de los productores principales de la canción sea Danja, al que conocerás por su trabajo en ‘Blackout‘ (2007) de Britney Spears, un disco inspirado en la música que sonaba en los clubs underground de Miami de la época.

‘Fuma’ es el tercer sencillo oficial del disco que Bad Gyal publicará en 2026 y que presentará en arenas españolas ese mismo año. Tanto ‘Da Me‘ como ‘Última noche‘ con Ozuna formarán parte de este trabajo.

Podcast: Bad Gyal, la artista

Madonna / Bedtime Stories (The Untold Chapter)

«Dulce» y «romántico» son palabras que rara vez se han utilizado para describir un disco de Madonna. Apenas aplican a su 5º álbum de estudio, ‘Bedtime Stories’ (1994), que se reedita con motivo de su 31º aniversario, y al recopilatorio de baladas que publicó poco después durante la campaña de ‘Evita’. La interpretación fácil es que la artista estaba reculando tras la mala recepción que había tenido ‘Erotica’ (1992), su libro ‘Sex’, y también una entrevista en el show de David Letterman en la que dijo una quincena de veces «joder».

La realidad es, como siempre, más compleja. Algo de reacción había en estas composiciones sencillas, cortas, nada esquinadas en comparación con las de ‘Erotica’. Sin embargo, la portada del álbum original y las fotografías de promo eran ambiguas. «Bedtime Stories» pueden ser «cuentos para niños», sí; y estas canciones, «nanas», también; pero Madonna y la inocencia no caben juntas posando desde una misma cama.

La artista comenzó a trabajar en el álbum con su colega Shep Pettibone, con quien había construido clásicos como ‘Express Yourself’ o ‘Deeper and Deeper’. La idea era trabajar en música inspirada en el soul de los 70. Como es habitual en su carrera, a medio camino cambió de parecer, y decidió explorar una vena más R&B e incluso hip-hop. Llamó a Babyface porque le gustaba su trabajo con Toni Braxton y TLC, y él sugirió también a Dallas Austin, que había colaborado igualmente con el trío en ‘Creep’.

Para dar un toque europeo y homogeneizar composiciones trabajadas con distintas personas -algunas de Pettibone sobrevivieron-, contó con Craig Armstrong y Nelle Hooper: Madonna confesó luego que había estado obsesionada con ‘Debut’ de Björk «durante años».

Aunque Madonna estaba en uno de esos momentos en que llega tarde a la tendencia en lugar de crear una propia (quizá porque bastante había arriesgado con ‘Erotica’), la aproximación a la música estadounidense está muy conseguida. ‘Take a Bow’ es una canción de amor absolutamente celestial en su caída de cuerdas, tomas vocales y devoción mutua, con una letra inspirada tanto en Shakespeare como en los Carpenters. Su prima hermana es ‘Forbidden Love 1’: Babyface se pasa susurrando cosas ininteligibles media canción, lo que le da un carácter muy cálido, y la máxima de su letra es parecida a la del macrohit: «el rechazo es el mayor afrodisíaco».

El vídeo de ‘Take a Bow’, rodado en Málaga, añadía una nota de deseo que se desarrollará aún más en ‘Human Nature’: este sigue siendo un disco muy sexual de Madonna, en el que repite varias veces que no se arrepiente de haber sido libre. ‘Love Tried to Welcome Me’ se inspira de hecho en una stripper que vio en un club. La cantante se pone en su pellejo para hablar de lo mal que le ha ido en el amor.

Después, es verdad que hay temáticas más espirituales. ‘Inside of Me’ está dedicada a su madre, ‘Survival’ habla sobre el «backlash» recibido durante dos años, y ‘Secret’, sobre la importancia de valorarse a una misma. Como indica Giulio Mazzoline en su «Songbook», para Madonna canturrear «mmmm» en un tema será sinónimo de espiritualidad, como se verá después en ‘Frozen’ e ‘Isaac’.

Por el contrario, el intento de aunar producciones diferentes y llegar a Europa está menos conseguido. ‘Bedtime Story’, sobre seguir los instintos que provienen de millones de años atrás y dejar volar el subconsciente, avanza el sonido de ‘Ray of Light’, pero palidece frente a cualquier composición de este salvo «Shanti». Y sobre todo, no hay manera de que quede bien ni delante ni detrás de ‘Take a Bow’. Lo mejor de este álbum no es su vena electrónica o experimental, sino su exquisitez en los arreglos, su sutileza al incorporar detalles jazz (‘Sanctuary’ se inspira en un clásico de Herbie Hankock), trip hop (Massive Attack, con los que trabajaría poco después), e incluso influencias hispanas, fruto del largo tiempo que Madonna había pasado en comunidades latinas de Miami.

La reedición se llama «The Untold Story» porque contiene pistas inéditas, rarezas y remixes remasterizados. Madonna ha tenido la ocurrencia de secuenciarlos como si fuera un disco nuevo: no hay orden cronológico ni remixes o demos repetidos. Las nuevas versiones de ‘Survival’ y ‘Secret’ abren queriendo llevar el álbum decididamente a su lado más urbano. Por eso es una gran derrota que no se hayan conseguido los permisos para incluir la colaboración que 2Pac llegó a grabar de ‘I’d Rather Be Your Lover’. Sabemos por la filtración de Youtube que tampoco es que nos perdamos mucho, pero habría sumado en una historia legendaria: la de la carta que el rapero le mandó pocas semanas después de que saliera este álbum. La diferencia de edad, racial y de popularidad fue demasiado para él. Además, moriría asesinado en 1996 cuando su carta terminaba diciendo: «Ten cuidado, Madonna, que yo llevo ya 5 balas encima».

En todo caso, hay que dar la bienvenida a algunas demos, sin olvidar que son eso, rarezas. ‘Freedom’ es la típica canción de Madonna en que la artista se niega admitir un «no» por respuesta -habla de libertad, no de consentimiento-, y tiene el mérito de sonar a góspel y a funk con poco más que una guitarra. Habría añadido bastante «groove» a ‘Bedtime Stories’ algo desarrollada. Finalmente, el single ‘Right on Time’ es una canción amable en sintonía con el disco original, y ‘Love Won’t Wait’, que escribió y rechazó ella misma -años después sería número 1 en manos de Gary Barlow- suena aquí casi como un buen villancico de cierre, en un álbum que al fin y al cabo se publicó en otoño. Feliz Navidad a todo el mundo… y dulces sueños.

Turnstile en Madrid: el hardcore también cura

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Ainhoa Laucirica

Da igual que Turnstile sea el grupo de hardcore más accesible de todos. El respeto por su directo -los pogos eternos, el stage diving, su crudo repertorio temprano- estaba ahí. Al final, nada es tan bruto. El divertidísimo final de la gira europea de Turnstile en Vistalegre fue la mejor iniciación posible al género, y la confirmación de que estos ambientes son mucho más tiernos de lo que parecen. Ya lo dijo ayer Brendan Yates: «Puede que desde fuera parezca un desastre, pero es importante».

Para el vocalista y batería de Baltimore, los conciertos de hardcore son una manifestación de una «unión intangible» y «lanzar nuestros cuerpos contra los de los demás» una declaración de amor colectivo. Y así fue el bolo durante la mayor parte del tiempo. El directo de Turnstile está totalmente enfocado a las canciones más duras y una gran parte del setlist está construida en torno a los dos primeros discos del grupo, ‘Step to Rhythm’ (2013) y ‘Nonstop Feeling’ (2016). Poco sintetizador usaban por aquella época.

Ainhoa Laucirica

Si como tantos otros has conocido a Turnstile a raíz de ‘GLOW ON’ y ‘NEVER ENOUGH’, no pasa nada. La experiencia es comparable con la de una sesión de tecno. Va más sobre estar ahí que sobre saberse todos los temas. Llega un momento en el que da igual lo que suene, porque el objetivo es liberarse. Lo que decían Delaporte sirve para esto: el hardcore también cura.

Desde luego, lo que no tiene demasiado sentido en este tipo de conciertos es vivirlo desde la grada, aunque la vista del caos sea espectacular. A pesar del sudor, los pisotones y los minis voladores, es un concierto diseñado para vivirse en el barro. Especialmente si tenemos en cuenta que el sonido estuvo lejos de ser lo mejor del bolo. Eso en la pista nos dio igual.

La energía explotó desde el principio con ‘T.L.C. (TURNSTILE LOVE CONNECTION)’ y no hubo manera de parar desde ahí, excepto con los descansos de ‘I CARE’, ‘SEEIN’ STARS’, que incluyó una apropiada bola de espejos, y el final discotequero de ‘LOOK OUT FOR ME’. Cabe añadir que estos momentos eran igual de disfrutados por las secciones más salvajes del público. Agradecidos, incluso. Aunque el sonido fuese más monótono durante el resto del concierto, todas las canciones eran tan breves que siempre había ganas de más.

La banda, por otro lado, está en plena forma y se nota. Yates es una locomotora que no para de saltar, correr, dar patadas voladoras y hasta bailar como una especie de Bisbal trasnochado, girando sin parar. No es ninguna broma el nivel físico que debe tener esta persona para aguantar esto todas las noches durante una hora y media. A nivel vocal, parecía que se hubiese comido un CD de lo idéntico que sonaba a las grabaciones. No sé si es raro decir esto de un concierto de hardcore, pero qué bien cantó. El bajista, ‘Freaky’ Franz Lyons, añadió el toque de humor y carisma, además de autodenominarse comandante de los pogos.

Ainhoa Laucirica

Estos fueron especialmente masivos en ‘SOLE’, acompañada magistralmente por los coros del público; y ‘HOLIDAY’. El hecho de que hubiese espacio libre en la pista hizo que cualquiera pudiese disfrutar del moshpit como desease. El compañerismo también fue evidente. Si alguien pierde una cartera, todo el mundo saca la linterna. Si se intercambian dos palabras con alguien, ya es motivo suficiente como para ofrecerle un trago de cerveza. Ahí abajo, todo el mundo es igual.

El ‘encore’, con ‘MYSTERY’, ‘BLACKOUT’ y ‘BIRDS’ fue inmejorable. La banda se despidió de los asistentes cuando solo quedaban dos canciones, conscientes de que el caos iba a alcanzar su mayor nivel. No llegó a haber nada de stage diving, debido a la gran distancia entre la pista y el escenario. Sin embargo, ya es costumbre en los conciertos de Turnstile que el público invada la tarima al final del show. Y es algo realmente precioso.

En medio de la locura que es ‘BIRDS’, alguien da el primer paso de saltar la barrera y ya no hay marcha atrás. Tanto los asistentes que ya lo han logrado como el propio grupo ayudan a subir a todo el que lo desee. Y nadie se pasa de la raya. Es simplemente una gran muestra de compañerismo y amistad, mientras el mosh se traslada a las tablas. Me vienen a la cabeza las palabras de Nacho, un hombre que estaba fuera del concierto esperando a que le llegase una invitación del cielo que, de hecho, le llegó: «Pogo forever».

RFTW: Maria Rodés, Jessie J, Luz Casal, CURRO, Madonna…

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Hoy 28 de noviembre publican nuevo disco Maria Rodés, Luz Casal, Jessie J, CURRO, San Tosielo o Sofía Amores (en la foto). Además, se lanza por fin la reedición de ‘Bedtime Stories‘ (1994) de Madonna, a la que se una el deluxe de ‘Play’ de Ed Sheeran. Las Petunias y FATAL, por separado, editan epé.

La novedad destacada hoy en portada es ‘Tiempos dorados‘, el estupendo nuevo single de Julieta Venegas, en estilo de regional mexicano.

La jornada viene en verdad cargada de interesantes novedades nacionales, con temas de Admire, María Blaya, Shinova, La La Love You, Hofe con InnerCut, Niña Polaca, Erik Urano, Alba Morena en plan navideña, Toldos Verdes, Cora Yako paseando por ‘Barcelona’, La Zowi y L0rna, Gala Nell, Judit Garuz (Operación Triunfo 2025), Shinova, BOYE, Carlos Gris o Lara91k con Gara Durán.

El plano internacional deja varios regresos notables, como los de Lemon Twigs y The Notwist, y suculentos estrenos de Central Cee, Fred Again con BIA, ILLIT, Lil Uzi Vert, la recomendación de la casa Scarlet Pleasure, Devon Again, Kakkmaddafakka, blackbear, Cardinals o Jordan Rakei.

Terminamos con dos versiones destacables: por un lado, Christina Aguilera canta ‘My Favorite Things‘ en vivo delante de la Torre Eiffel. Por otro, Pulp se atreven con ‘The Man Comes Around’ de Johnny Cash.

Requinto y trombón para los ‘Tiempos Dorados’ de Julieta Venegas

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La Nostalgia‘ es una de las mejores canciones recientes de Julieta Venegas, y ese mismo sentimiento atraviesa los ‘Tiempos Dorados’ que recuerda la cantautora mexicana en su nuevo single. Es el primer adelanto de su décimo álbum de estudio.

«Que vuelvan los tiempos dorados / Los dulces futuros que tanto soñamos / Que vuelva el misterio y el aburrimiento / El no saber nada, el no saber nada», rima Venegas, evocando la dulce ignorancia de la inocencia. En frases como «Tú dime a qué mundos irías / Si todo algún día volviera a empezar» incluso parece fantasear con nacer de nuevo.

En otro de los versos, Venegas sueña con descubrir el amor, de nuevo, por primera vez: «Que vuelva el amor lastimero / Eléctrico, intenso, que nunca se olvida». Venegas, sobre la canción, ha explicado que «a veces el tiempo parece una ilusión, y todo lo que recordamos puede ser solamente parte de un sueño que creímos soñar».

Mientras invoca el recuerdo de «voces de niñas cantando en el eco», Venegas se deja arropar por guitarras y vientos de sabor norteño -como el requinto y el trombón- y de otros instrumentos como trompetas, flautas o clarinetes, en esta gran canción de regional mexicano que se suma a su lista de composiciones inspiradas en la tradición musical de su país de origen.

Sobre el nuevo disco de Julieta Venegas se desconocen más detalles oficiales. Mientras, s recordamos que JENESAISPOP entrevistó a Venegas en 2023 y 2022.

Oneohtrix Point Never / Tranquilizer

Qué pasará con la música pop que escuchamos hoy dentro de 100, 500 o 1.000 años es una pregunta que los aficionados a la música nos hacemos de vez en cuando. ¿Sonará ‘Purple Rain’ un día tan remota como una canción de los años 20 o 30 del siglo pasado? ¿Llegará el día en que bailar -y llorar- ‘Dancing On My Own’ se sienta tan ajeno como hoy bailar chotis o swing? ¿Toda la música que escuchamos hoy en streaming desaparecerá?

Daniel Lopatin, la persona detrás de Oneohtrix Point Never (actual productor de The Weeknd), se hace las mismas preguntas e intenta resolverlas a través de la música. ‘Tranquilizer’ es uno de sus trabajos más basados en samples, y también uno de los más evocadores. Canciones como ‘Modern Lust’, que combina sintetizadores cósmicos y retazos de saxofón, suenan como música pop disuelta en el infinito, flotando en la galaxia dentro de miles de años.

La música de ‘Tranquilizer’ está diseñada a partir de lo que se conoce como residuos o detritos musicales, fragmentos de sonidos descartados y olvidados pero que siguen existiendo como vestigios. Lopatin extrae estos sonidos de un pack de CD’s con samples de los 90 y romplers de muzak que encuentra online durante el covid, que después desaparece y vuelve a localizar. La experiencia le lleva a reflexionar sobre la «impermanencia» de la música en la era digital.

El resultado es un trabajo que logra renovar el lenguaje de Oneohtrix Point Never de forma excitante, por fin. El sonido basado en samples, las constantes ambientaciones retro-digitales, y la naturaleza fluctuante de las composiciones remiten particularmente a ‘Replica‘ (2011) y ‘R Plus Seven‘ (2013), así como a la era del vaporwave; pero la sofisticación y el gusto aplicado a las piezas solo podrían haberse dado hoy.

Los collages sonoros de ‘Tranquilizer’ mutan casi cada segundo, y son tan inasibles que la experiencia de ‘Tranquilizer’ puede desorientar. Puedes reconocer instrumentos de cuerda en ‘Fear of Simmetry’, puertas rechinando en ‘Bumpy’ o bebés llorando en ‘For Residue’, pero siempre sonarán alienígenas. En ‘D.I.S.’ una voz operística se deja oír detrás de la densidad sonora. ‘Lifeworld’ evoca una especie de nueva exotica new age futurista, tan remota que es casi imposible de imaginar. ‘Tranquilizer’, la pista titular, más bien se sumerge en un universo acuático digital, casi de videojuego.

Es absurdo intentar «capturar» un momento o instante de estas composiciones: su naturaleza fragmentada refleja el flujo abrumador de contenido que define la era digital. En la enorme belleza de ‘Measuring Ruins -que pasa de la calma total al drama kosmische- o en los luminosos sintes de ‘Waterfalls’, e incluso en ‘Rodl Glide’, que suena como el recuerdo distante de un R&B pretérito, se esconde una necesaria reflexión sobre el deterioro de los productos culturales que consumimos, sobre la música que archivamos y desechamos, la que recordamos y olvidamos.

Son constantes los «eccos» a los discos antes citados de Oneohtrix Point Never, en las 15 piezas que componen ‘Tranquilizer’. El surrealismo onírico de las piezas no siempre es fácil de asentar, y pistas como ‘Bell Ladder’ corren el riesgo de desaparecer de la memoria precisamente como esa música que Lopatin trata de preservar. Sin embargo, ‘Tranquilizer’ es uno de esos discos para seguir descubriendo con los años, porque su propuesta musical es tan abundante que probablemente necesitaremos 100, 500 o 1.000 años para descubrirla por completo.

Sonia y Selena se separan

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Sonia y Selena han anunciado su separación en un comunicado oficial: «Lamentamos comunicar que el dúo musical Sonia y Selena ha quedado disuelto por decisión unilateral de una de sus componentes, Sonia Madoc».

Las razones que ofrece el comunicado para la disolución del grupo no son claras, ya que se refieren a «varias divergencias». Asimismo, en el mensaje piden «disculpas a todos los compromisos y eventos que no podrán contar con las actuaciones pactadas»: «Iremos resolviendo cada caso uno a uno», aseguran.

Habrá más comunicados durante los próximos días, según indica el mensaje, después de estudiar bien la situación: «El equipo que las ha acompañado en esta etapa y Selena Leo haremos las declaraciones pertinentes».

Conocidas por la canción ‘Yo quiero bailar’, que sigue sonando en todas las fiestas veraniegas, Sonia y Selena formaron el grupo en el año 2000 y hoy son un hito de la cultura pop española de principios de siglo. «Hoy es un día triste para el pop nacional y para las personas que formábamos parte de este proyecto», concluye el comunicado.

Junior Mesa puede ser tu nueva obsesión lo-fi

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A veces, navegar por lo más profundo de las plataformas tiene su recompensa. Según él mismo nos ha contado, así encontró Ralphie Choo a Junior Mesa, «diggeando» por ahí, y gracias a sus Stories de Instagram lo hemos encontrado nosotros. El artista californiano de 26 años te encantará si ya eres fan del propio Ralphie, Jai Paul, Dijon o Prince, si este se hubiese dedicado al lo-fi. ‘im not your man’ es la Canción del Día.

Mesa empezó a publicar su música en plataformas en 2019, pero todavía no ha lanzado ningún álbum. Después de escuchar ‘im not your man’, su último single, su debut pasa a ser de los más esperados. Este se trata de un simple tema de desamor que encanta desde los primeros segundos, con ese procesadísimo piano, pero que acaba de conquistar gracias a la gran melodía vocal de Junior.

A partir del segundo verso, el bajo y la guitarra aparecen en la mezcla, hasta que esta cobra protagonismo en la outro. Es una canción DIY de manual, y una que no te podrás sacar de la cabeza gracias a sus claras influencias del soul y el R&B clásicos. La letra es directa y efectiva: «Creo que no deberíamos hablar en absoluto / Pero quién soy yo para juzgar, porque estoy esperando todas tus llamadas».

Junior no es un artista de un solo truco, ya que podemos encontrar más joyitas entre su colección de sencillos. Entre ellas la animada ‘Losing My Grip’, que por su sonido ska cuesta creer que sea el mismo artista, o ‘Quit Your Job, Runaway!’, una evocadora instrumental. Más cercana a la canción de hoy, pero con un aire de folk acústico, es ‘Caroline’, que encanta con sus falsettos.

Nacho Cano demanda a Renfe por una ruptura de contrato «politizada»

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Nacho Cano ha presentado, en nombre del musical ‘Malinche’, una demandas contra Renfe. En el documento se cita como principal razón la ruptura de forma «unilateral y sin causa legítima» del contrato de patrocinio que firmaron en abril de 2024. Una vez más, Cano defiende que esta ruptura de contrato está «politizada».

El creador del musical está convencido de que estaría «instigada» por la asociasción de Consumidores FACUA-Consumidores en Acción y culpa al secretario general de FACUA, Rubén Sánchez, por hacer que el Ministerio de Transporter y Movilidad Sostenible presione a Renfe paras finalizar el contrato.

Desde Renfe alegan que hubo declaraciones de Cano contrarias a la reputación de su empresa, lo que hizo que invocaran la cláusula 9.2 del contrato. Esta establece que tanto Renfe como Malinche podrían, en cualquier momento, desistir de forma unilateral si entienden que la colaboración de la otra parte con otras entidades puede causar un perjuicio reputacional. Así lo hizo Renfe el pasado 12 de julio de 2024.

En el resto del texto de la denuncia, se señala que Pedro Sánchez es «muy próximo ideológicamente a la formación Podemos, cuya carga ideológica es muy contraria a los valores apuntados que manifiesta la obra Malinche de unidad y concordia entre los pueblos de México y España, y en general a la obra de España en el continente americano y a la evangelización cristiana».

Cano considera que el enfoque de su musical «ha encontrado oposición por parte de sectores ideológicos vinculados a la extrema izquierda política y al indigenismo más radical, corrientes ambas ampliamente representadas en el espectro del partido que sostiene al Gobierno de España». También sugiere que estos partidos han «promovido una relectura política» del pasado, argumentando que la «confrontación identitaria» que proponen es lo que les ha llevado a «rechazar la propuesta artística de Malinche», al contradecir su ideología.

Por último, el texto también menciona a Isabel Díaz Ayuso, describiéndola como «la principal rival política del actual presidente del Gobierno» y asegurando que hay una correlación entre los ataques propiciados a Ayuso y los que van dirigidos a él mismo. De esta forma, su relación de amistad con Ayuso también queda reflejada de forma evidente en el texto.

Repion / 201

La historia de Repion se ha contado muchas veces durante el último par de años. El padre de las hermanas Marina y Teresa Iñesta tocaba la guitarra. Una amiga les descubrió a Nirvana, a Soundgarden y «todo el grunge». Su madre, que escuchaba Radio 3, les ponía ‘Un día en el mundo’ de Vetusta Morla para ir a la playa cuando tenían 13 años. «Nuestra madre siempre fue indie» pudo haber sido el titular de esta entrevista.

Repion van ya por su cuarto álbum aunque es el segundo que afrontan en Mushroom Pillow, cada vez más profesionalizadas. Ayuda que compatibilicen su carrera como dúo con otros proyectos como Aiko El Grupo o Mikel Erentxun, o que colaboren con gente como La M.O.D.A. -nada menos que en la mejor canción de estos– pero sobre todo que sus canciones se hayan ido enmarcando en el pop-rock español de toda la vida.

Podemos hablar de la influencia del grunge, por supuesto; o más bien de algo parecido al post-grunge, aquellos grupos que desarrollaron su carrera en la segunda mitad de los 90 (Smashing Pumpkins, Veruca Salt). ‘X’ termina furiosa como una riot-grrrl, porque la persona destinataria no ha querido cambiar.

Pero es difícil ignorar el parecido con gente de aquí, hasta cierto punto relacionada con el underground anglo, como Christina y los Subterráneos, Tulsa o Tahúres Zurdos. Y eso es algo positivo, en primer lugar porque estoy diciendo que la voz de Marina -cantante principal- es muy bonita. Algo que el indie desconoció salvo honrosas excepciones. Y en segundo, porque grupos de revival grunge siguen llegando muchos de fuera, tanto en lo comercial como en un plano más underground. Pero no tantas formaciones nacionales han querido bucear en ese apasionante océano llamado «pop-rock español». Y en lo que tiene de universal cuando está bien hecho.

Las composiciones de Repion suelen hablar de desencuentros y malentendidos: un sueño por el que apostamos pero solo «dura una semana». Un momento en el que tenemos que «contener un ataque de ira». ‘Otro día será’ puede ser su mejor canción, empapada de cotidianidad, realzada por un solo de guitarra eléctrica. ‘Cerrar los ojos’, tras abrir a piano, se eleva con frases tan coreables como «no aguanto ver esto» o «siento una pena tremenda». ‘Me sabe a poco’, con la repetición de ese «tú no lo tienes tan claro». Y ‘El sueño dura una semana‘ ha sido por ahora el gran single del álbum gracias a ese momento en que vuela, y luego recula para repetir «no sabía que venías los miércoles».

El álbum, que concentra casi todos sus singles en la primera mitad, se cierra sin mayor sorpresa que ese tema acústico llamado ‘Atocha’, en el que alguien arrastra una maleta penosamente hasta la famosa estación madrileña. Una escena que, durante solo 1 minuto y 30 segundos, removerá a más de uno. Pero también se cierra ‘201’ sin tiempo para cansarte de Repion. El grupo no ha dado oportunidad en estos 10 temas y 30 minutos de música. Hay un claro resurgimiento de las guitarras en España y el dúo merece estar en primera línea.

Claudia Arenas (OT2025), top 36 en Spotify España con ‘Latin Girl’

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Claudia Arenas, actual concursante de Operación Triunfo 2025, ha logrado viralizar una de las canciones que ha cantado durante el programa. Se trata de ‘Latin Girl’, su versión de Emilia, que acaba de entrar en el puesto 36 del top 50 oficial de Spotify España. Ahora mismo, ‘Latin Girl’ aparece intercalado entre éxitos de Rosalía y Yan Block. Durante la jornada de ayer, rondaba el top 50 de los más virales de Spotify, tras subir 34 puestos de golpe.

‘Latin Girl’, de cuyo éxito se ha hecho eco inicialmente Los40, se publicó el pasado 17 de noviembre, hace diez días, y suma ya más de 630.000 escuchas, mientras que otras grabaciones de Claudia, como ‘Dos gardenias’ o ‘Kiss Me’, anteriores, se han estancado en torno a esa cifra. ‘Latin Girl’ está aún lejos de alcanzar el millón de escuchas, pero lo conseguirá como lo han hecho ‘Carita triste’ y ‘El sitio de mi recreo’ a lo largo de dos meses.

‘Latin Girl’ -que incluye una simpática mención a Christina Aguilera-, además está siendo usada en memes en TikTok, el más destacado, el que vincula la canción a un vídeo de muñecas de Bratz bailando una coreografía.

@iamcristinini No puedo parar de escuchar la versión de Claudia de Latin Girl aiudaaaaa UNA SOLA VEZ ✨️✨️ #latingirl #claudiaarenas #ot #ot2025 #operaciontriunfo ♬ sonido original – Cristinini

Claudia presentaba ‘Latin Girl’ en la gala 9 de Operación Triunfo 2025. A pesar de que su interpretación en directo de la canción le valió una nominación -aunque fue salvada por sus compañeros-, ‘Latin Girl’ multiplica por cinco las reproducciones de la siguiente canción más escuchada de la noche, ‘Manchild’ de Cristina y Olivia, que lleva 126.524.

Como informa Los40, Claudia Arenas es la concursante de Operación Triunfo 2025 con más oyentes mensuales, casi 400.000. Además, su versión de ‘El sitio de mi recreo’ de Antonio Vega, presentada al piano durante su primera nominación, es la canción más reproducida de toda la edición, con 1.560.237 streams. Le sigue por detrás ‘Mariposas’ de Guille Toledano y Crespo, que suma 1.487.376 escuchas.

Los40 atribuye el éxito de ‘Latin Girl’ a varios factores, entre ellos y de manera acertada, que la versión original de Emilia no es conocida en España. De hecho, la canción, publicada en 2022, nunca entró en la lista de singles española.


Yung Beef, en el Global de Spotify con ‘Cuando no era cantante’

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Hace unas semanas se viralizaba un vídeo-recuerdo de Rosalía, Yung Beef y La Zowi tapeando en la barra de un bar, y ahora los dos primeros son noticia por coincidir en otro sitio: en el Top 20 Global de Spotify. Por supuesto Yung Beef tiene público fuera de nuestras fronteras, y de hecho hay bastantes fans en Latinoamérica, pero no imaginábamos verle ahí: Rosalía está ahora en el #17 y él en el #21 (tras haber llegado al 19), posiciones absolutamente bestiales para artistas españoles.

La canción en cuestión es ‘Cuando no era cantante’, tema incluido en el disco que lanzó el año pasado El Bogueto, y que es una colaboración entre el mexicano y Fernando. Por alguna razón (TikTok parece tener algo que ver), aunque la canción funcionó bien el año pasado, ha ido escalando más y más en las últimas semanas, y ahora mismo, aparte de lo comentado a nivel global, es el #1 en Spotify México (en España está en el #40).

‘Cuando no era cantante’, producida por el chileno QueHicisteBella, es un tema de reggaeton melancólico de esos que a Yung Beef le sientan como un guante. La nostalgia de ese «como antes, baby vamo a hacerlo como antes» es su principal gancho, habiendo espacio para una mención a La Mafia del Amor por parte de El Bogueto, y para que Fernando suelte «vamo a hacer deporte, después pal restaurante».

No sabemos si esto quedará como anécdota en la carrera de Yung Beef o si hará que un nuevo público internacional se acerque al que es sin duda uno de los artistas más interesantes que ha dado nuestro país en estos años.

En cualquier caso, él sigue a su rollo: este 2025 ha sacado la segunda parte de ‘Traumatismo Kranoencefálico‘ y ‘EL PLUGGG 3 OVA 1’, chorrocientos singles y colaboraciones (entre ellas el temazo con Albany ‘BAILANDO EL DEMBOW’, a principios de año) y ahora está celebrando el 10º aniversario del excelente ‘ADROMICFMS 2’ con una edición vinilo, según anunciaba La Vendición.

Christina Aguilera deslumbra cantando delante de la Torre Eiffel

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Christina Aguilera no ha perdido ni un ápice de magia. La artista estadounidense se ha vestido de gala para presentar ‘Christmas In Paris’, la película musical navideña que estará disponible en cines de todo el mundo durante los días 14 y 21 de diciembre. La primera muestra de la cinta llega con una elegantísima versión de ‘My Favourite Things’, el clásico de Rodgers y Hammerstein.

Acompañada de una orquesta, un elenco de ballet, resplandecientes luces y su inconfundible voz, Xtina ha presentado su propio sueño navideño. Su versión de ‘My Favourite Things’ no hace ascos al jazz, pero tampoco al pop, favoreciendo totalmente el estilo de Aguilera.

La canción formará parte de ‘Christina Aguilera: Christmas In Paris’, la película musical que marca el 25 aniversario del disco navideño de la cantante, ‘My Kind of Christmas’, lanzado en el año 2000. La cinta fue grabada en París para una audiencia de 250 personas y está dirigida por Sam Wrench, responsable de las películas del Eras Tour de Taylor Swift y de Billie Eilish en el O2.

Este mismo año, en una entrevista con Carcy Magazine, Aguilera aseguró que estaba preparando un nuevo disco e «intencionadamente sacando tiempo» para plasmar sus ideas en el álbum: «Tengo ganas de nueva música y, honestamente, de seguir sorprendiéndome a mí misma, y a mis fans», declaró.

Delaporte denuncia una agresión sexual a Sandra durante un concierto

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Delaporte ha denunciado en un comunicado en redes la agresión sexual que sufrió la cantante, Sandra Delaporte, el pasado viernes 21 de noviembre en su concierto de Madrid, solo unos días antes del Día Internacional contra la Violencia de Género: «Un hombre le agarró de la cabeza y le comió la boca sin su consentimiento».

El dúo de electrónica, que siempre suele transmitir mensajes de salud mental, vulnerabilidad y seguridad en sus redes sociales, ha abierto el comunicado aclarando que hablar de lo ocurrido «nos duele y nos pesa», pero es necesario para «proteger el espacio que construimos juntxs en cada concierto».

Estos cuentan que, durante su último concierto en La Riviera, Sandra se encontraba haciendo un pogo con el público, como siempre suele hacer en sus shows. Es entonces cuando un hombre le cogió de la cabeza para plantarle un beso sin su consentimiento: «Fue un acto de violencia sexual inaceptable».

El concierto continuó hasta el final con la cantante «en shock». El comunicado aclara que Sandra «quiso callarlo y olvidarlo porque no quería manchar las cosas bonitas que sí sucedieron». Sin embargo, tras hablarlo, han decidio comunicarlo. En cuanto al agresor, la banda confirma que no se ha podido identificar: «Había tanta gente que no se sabe quién fue».

En el mensaje, Delaporte se dirigen directamente a sus seguidores y fans, a la vez que denuncian la gravedad de los hechos y dejan clara su «tolerancia cero» ante cualquier agresión sexual: «Necesitamos sentar unas bases de seguridad, porque por lo visto hay personas que no saben que es el consentimiento, el respeto y la violencia sexual».

Carolina Durante cierran etapa con una gira por arenas

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Con su tercer álbum ‘Elige tu propia aventura‘, Carolina Durante han conseguido un gran hito en su carrera. El álbum salió hace más de un año y continúa merodeando el top 50 español, certificado como disco de oro. Presente también en todas las listas de lo mejor de 2024, supondrá un antes y un después en la carrera de los «cuatro chavales». Al margen de ‘Joderse la vida’, ‘Normal’ y ‘Hamburguesas’, llama la atención el alcance del tema final del álbum, ‘Probablemente tengas razón’, que tanto se ha crecido en la gira. Sin haber sido single, suma 5 millones de streams solo en Spotify.

Para celebrarlo, el grupo anuncia «Fin de la aventura». Serán primero una serie de conciertos en salas de Latinoamérica, y finalmente, 6 fechas en España en arenas a finales de 2026 y principios de 2027. JENESAISPOP será medio oficial de este tour. Las entradas ya están disponibles en su web.

Esta gira arranca pasando por algunas de las ciudades más icónicas de LATAM: Buenos Aires, Bogotá y CDMX.

Después, continuará en España el 19 de septiembre en el Pop CAAC de Sevilla, el 26 de noviembre de 2026 en el Roig Arena de Valencia, el 28 de noviembre de 2026 en el Palau Sant Jordi de Barcelona, seguirá el 12 de diciembre de 2026 en el Coliseum de A Coruña y llegará el 26 de diciembre al Bizkaia Arena – BEC! de Bilbao, finalizando el 8 de enero de 2027 en el Movistar Arena de Madrid.

Según la nota de prensa, este “Fin de la aventura” supondrá «una puesta en escena adaptada a grandes aforos pero manteniendo la intensidad, la cercanía y la identidad que han convertido a la banda en uno de los directos más celebrados del país. La gira promete ser un punto de inflexión en su evolución artística y un acontecimiento clave dentro del calendario musical del próximo año».

21/03/2026  Niceto, Buenos Aires
25/03/2026  Lourdes Music Hall, Bogotá
28/03/2026  Foro Puebla, CDMX
19/09/2026  Pop CAAC, Sevilla
26/11/2026  Roig Arena, Valencia
28/11/2026  Palau Sant Jordi, Barcelona
12/12/2026  Coliseum, A Coruña
26/12/2026  Bizkaia Arena – BEC! ,Bilbao
08/01/2027  Movistar Arena, Madrid

Natalia Lacunza / N2STAL5IA

Escribe Grafton Tanner en su ensayo ‘Las horas han perdido su reloj‘ (2021) que la nostalgia «es una manera en la que podemos enfrentar la inevitabilidad y aceptar la devastadora realidad de que algunas cosas desaparecen». Natalia Lacunza habla en las entrevistas sobre su nuevo disco de la pérdida de «referencias» y de un «círculo concreto» que la ha marcado, llevándola a preguntarse si lo que hace realmente «es suficiente» y a desconectarse de su «deseo e instinto creativo».

Lacunza se refiere en concreto a la «crisis de los 25», que tanto inspiró a Adele. Ella misma cantaba en ‘Hello’ que «el tiempo lo cura todo, pero yo no me he curado mucho» (que, así traducida, parece una letra de Amaia), y ese sentimiento atraviesa ‘N2STAL5IA’, un disco de título «disléxico» que suena como una cicatriz cerrándose poco a poco.

El segundo álbum de Lacunza recorre un arco emocional que va desde la angustia en ‘Apego feroz’, el himno de estilo indie-pop-rock que abre el álbum, con Barry B perceptiblemente entre sus autores, hasta algo parecido a la paz en la preciosa canción de cierre, la bucólica ‘Plastilina’, donde Lacunza se aferra a la esperanza de un día volver a «ser de aire y volar ligero».

Como un bebé que aprende a caminar (en ‘UnDosTres’), pero que ahora tiene 25 años y se enfrenta al camino de la vida, Lacunza transmite emociones de forma transparente. Se permite una «rabieta» en el single ‘Sabes Qué???’, de aires post-punk, porque desea dejar de ser «correcta» y dinamitarlo todo; se sumerge en la apatía en ‘Canciones sobre nada’, de sonido indietrónico; y en ‘Lo de antes’ ofrece una mezcla de calma y resignación que conduce al hallazgo de la luz.

En medio, Lacunza busca anestesiar el dolor en el funky ‘Un castigo‘, con Jesse Baez, uno de sus mejores singles. A pesar de haber dudado de su propio talento durante la creación de este disco, las melodías de ‘N2STAL5IA’ muestran una sensibilidad extraordinaria, muy evidente en esta canción llena de melancolía, pero también en la bossa de ‘Rápido’ o ‘Te enamoraste’, con la holandesa BEA1991, que, a su delicado paisaje bedroom-pop, suma lo que parece una referencia al gran clásico de Radio Futura. «Para enamorarse hace falta valor», canta la madrileña.

Creado junto a su mano derecha Pau Riutort y desarrollado con contribuciones de Diego 900, Gara Durán, Andry Kiddos, Teresa Gutiérrez (Ganges) o Pablo Stipicic, ‘N2STAL5IA’ es un disco continuista que no lleva la propuesta de Lacunza a un siguiente nivel evidente, pero sí da una vuelta diferente a la fórmula del disco anterior, ‘Tiene que ser para mí‘ (2022), uno de los mejores debuts de la historia de Operación Triunfo, si no el mejor y con perdón de Vega.

Predomina una sensibilidad bedroom-pop e indietrónica en cortes como ‘Canciones sobre nada’, ‘Lo de antes’ o la electrónica ‘Faber Castell’. El detalle en la producción sigue siendo minucioso (‘Plastilina’), y la exploración de estilos nuevos lleva a Lacunza a marcarse una preciosa bossa en ‘Rápido’, o a subirse a lo que parece un ritmo de dembow acelerado en la pegadiza ‘Singapur‘. Otras pistas, como la trap-pop ‘Mal de 2’, desconciertan sonando al pop de hace un lustro.

Aunque ‘Singapur’ es demasiado breve para producir un impacto duradero, y ese es el problema de varias pistas de ‘N2STAL5IA’. De manera notoria, la folki ‘NOKIA’ podría haber sido la mejor canción del disco, pero Lacunza la cierra antes de que alcance los dos minutos. Esto, unido a que las composiciones no muestran una evolución clara, y al menor impacto de algunos cortes como ‘Mal de 2’ o ‘Lo de antes’, deja la sensación de disco continuista.

Quizá no era una opción abandonar por completo el estilo del disco anterior, que personalmente escuché hasta la obsesión -y me consta que otras personas también-, recordándome aquellos vínculos que de pequeños establecemos con la música y los discos que nos marcan.

La pieza más radical de ‘N2STAL5IA’, de hecho, es una balada a piano devastadora llamada ‘Otro culito‘. Alguien dice que «es como escuchar una letra de reguetón en 0,5x», y es cierto. Es una muestra de lo necesario que es el pop de Natalia Lacunza en la música actual. Aunque ella dude, sus canciones siguen siendo tremendamente personales, y aún son capaces de generar un «apego feroz».

Las Petunias se mean de risa lit con el rap de Antonio Resines

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Las Petunias, que el año pasado se hicieron un hueco con su disco ‘Creo que soy de porcelana’, publican esta semana un EP llamado ‘Ahí te pudras, maldita’. Habla de la infancia y del cambio, y viene presentado por un tema llamado ‘Historias de mi madre’ en cuyo vídeo vemos a sus madres haciendo de ellas mismas, y ahora también por otro titulado ‘Tirant lo Blanc’. Además, han publicado un split excelente este mismo otoño junto a Amor Líquido, ‘No seré una estrella‘.

A su paso por MEISTER OF THE WEEK, nuestra sección comisariada por Jägermusic centrada en artistas noveles, Las Petunias han escogido hablar de algo tan inesperado como conocido por todos: el rap de Antonio Resines en los Goya. Sí, aquella actuación que en 2012 se viralizó incluso antes de que existieran ciertas redes sociales. Le acompañaron El Langui, Juan Diego, Javier Gutiérrez y Tito Valverde.

¿Por qué habéis escogido hablar del rap de Antonio Resines en los Goya?
No hay una vez que pongamos ese vídeo y no nos riamos y siempre lo vemos un par de veces más. Tenemos muchos recuerdos asociados a él. En nuestra primera gira pasamos muchas horas las tres solas en un coche, de ahí la canción ‘Audi 4 latas’, y teníamos que encontrar cosas que hacer para no aburrirnos. Una de nuestras actividades favoritas es revisar vídeos del clásico internet y cada una va enseñando sus vídeos nicho favoritos. Así fue como revisitamos esa actuación y casi tenemos un accidente por lo mucho que nos estábamos riendo. Recordamos las gotas de pis en las bragas todavía.

Hacía vuestra mayor «obsesión como banda», no sé… ¿el catálogo de Elefant? ¿No os une ningún otro grupo, sello, discografía más que esto? ¿Tanto diferís estilísticamente en gustos? LOL
Hombre, por supuesto que hay miles de bandas y artistas que nos unen, pero podemos llevarnos el trabajo a casa. Nosotras somos amigas fuera de esto, y también tenemos que hablar otras cosas aparte de música porque si no, nos volvemos locas. Sobre todo cuando estamos grabando, de escuchar música casi 24h al día, necesitamos esos pequeños momentos de desconexión que dedicamos a podcasts o libros, ¿pero qué mejor que Resines haciendo su mejor actuación hasta la fecha? Somos intelectuales al final del día.

¿Qué parte os gusta más? ¿Cuando dice algo ininteligible o cuando se entiende media frase?
Cuando dice “UNA FO” (las primeras “palabras” que consigue pronunciar)

El actor apela en verdad a cuando ganó un Goya en 1998 por interpretar a un carnicero castrado en ‘La buena estrella’. ¿Os dio curiosidad y visteis la película o la promo no le sirvió para nada?
Al principio pensábamos que también se lo había inventado y que era mentira… Tardamos un tiempo en darnos cuenta, así que nunca la hemos llegado a ver, pero deberíamos quedar para hacerlo.

¿Alguna cara favorita entre las que se ven entre el público, durante el rap en general?
José Coronado pone una cara de querer morirse de vergüenza en algún punto del rap y le damos gracias todos los días.

«Todo este rollo cutre-core que rodea la actuación es lo que la hace tan genuinamente graciosa»

¿Cuál sería vuestro 2º rapero favorito en este elenco de raperos que incluye a El Langui y Javier Gutiérrez, entre otros?
Creemos que El Langui guarda muy bien la compostura cuando invita a toda la sala a cantar y nadie le sigue el rollo. Alguna vez nos hemos sentido identificadas (risas), así que él es el top 2 sin duda. Sobre todo por su ingenio y a la hora de salvar la actuación de Resines cuando dice algo como “estaba cantando en inglés”, lo cual nos hace aún más gracia.

Todos los raperos del vídeo son hombres aunque en 2012 ya existe Nicki Minaj, además de otras pioneras como Missy Elliott, ¿a qué actriz os habría gustado ver rapear ahí?
Clarísima respuesta. Yolanda Ramos y Malena Alterio. Nadie podría hacerlo como ellas.

¿Qué os parece la base del tema rap, en lo estrictamente musical?
Pues tiene un aire a que la han sacado directamente desde youtube que nos flipa. Todo este rollo cutre-core que rodea la actuación es lo que la hace tan genuinamente graciosa. Esa base seguramente la habrá hecho un adolescente en su cuarto una noche de 2010 y simplemente por eso mola. Es pegadiza, es resultona, retumban los bajos… ¿se puede pedir algo más?

«En una industria donde hay hombres que cometen todo tipo de abusos sin recibir ningún tipo de castigo o “cancelación” qué importa si la gente piensa que somos malas, la vara de medir está tan trastornada que no tiene sentido tomarse en serio ciertos comentarios negativos»

Antonio Resines ha salido enfadado a veces porque le pregunten por el rap, y otras veces aceptándolo como hito de su carrera. ¿Os veis aceptando con humor y naturalidad así algún momento «backlash» que podáis tener? ¿Os afectan las críticas?
Por supuesto. Parte de este trabajo es asumir las cagadas y aprender a fallar, sobre todo por ser sinceras con nosotras mismas y con el público. En todas las entrevistas que hacemos contamos cosas embarazosas y no nos importa. Nuestra honestidad es un arma de doble filo pero es nuestra.
En una industria donde hay hombres que cometen todo tipo de abusos sin recibir ningún tipo de castigo o “cancelación” qué importa si la gente piensa que somos malas, la vara de medir está tan trastornada que no tiene sentido tomarse en serio ciertos comentarios negativos estúpidos y machistas, habría que poner el foco colectivamente en criticar a ciertas personas y dejar a las bandas de chavalas en paz.

Si vosotras hicierais un rap, ¿a qué canción os gustaría que se pareciera?
Quizá algo estilo Doechii, pero no seríamos capaces de ejecutar nada que conlleve tener swag. Acabaríamos haciendo algo tan swagless como nuestro querido Resines.