Russian Red ha concedido una entrevista a El Confidencial en la que ha vuelto a comentar sus polémicas declaraciones en Marie Claire de 2011, en las que se reconocía «de derechas» cuando en un cuestionario le daban a elegir entre las dos posibles orientaciones políticas. El backlash que generó que una querida artista independiente confesara ser de derechas fue brutal y, 15 años después, Lourdes Hernández cuenta una versión de la historia que incluye detalles que desconocíamos.
Hernández, que se encuentra promocionando su nueva residencia de conciertos íntimos, reconoce que hizo aquellas declaraciones por amor. En concreto, asegura que le salió decir que era de derechas porque entonces salía con un chico que era doctor en Filosofía y que también se identificaba con esa ideología.
«Siempre me meto en líos por cuestiones de amor», indica la artista. «Y en ese momento salía con un chico que era doctor en Filosofía y estaba especializado en la decadencia de Occidente. Era una persona que tenía un discurso elaborado en torno a esto y yo estaba fascinada con ese chaval. Era de derechas, sí. Y cuando me preguntaron, yo afirmé que también lo era».
Russian Red asegura que, a pesar de que indicó que era de derechas, de manera quizá poco reflexionada, en realidad «nunca he votado a la derecha» e indica que toda su familia «es de izquierdas». La polémica le «generó tal shock» que Hernández creyó ser víctima de una especie de gaslighting público, llegando a pensar que probablemente era de derechas y no lo sabía.
Hernández reconoce que hace 15 años el estado de la derecha no era el actual y que ahora la percibe mucho más «radicalizada» que entonces. En 2011 no se hablaba de ultraderecha como se hace ahora. Por eso, en ese momento «no sentí la necesidad de tener que explicarme». Hernández sostiene que «si hubiera dicho que era de izquierdas, no se habría generado ese revuelo».
La industria musical va viento en popa. Y hablamos hoy del mercado discográfico, de la música grabada: de la locura colectiva por la música en directo somos más plenamente conscientes, sobre todo cuando nos quedamos sin entrada para algún concierto. El informe anual de 2025 recién publicado por la IFPI -que representa a 8.000 compañías de todo el mundo- deja atrás los victimismos de los tiempos de la piratería y saca pecho de sus cifras.
Durante el año pasado, los ingresos mundiales de la música grabada crecieron un 6,4 % y alcanzaron los 31.700 millones de dólares. Es la primera vez que se rebasa la cifra de 30.000 millones. El streaming fue el motor de este crecimiento, pero es que el mercado físico logró subir también en 2025, quizá animado por la artista número 1 del año una vez más, Taylor Swift. Más curioso es que América Latina sea el mercado que logró crecer más. Entre los 10 mercados más importantes del mundo, Brasil sube un puesto desplazando a Canadá y México vuelve al top 10. España se mantiene en 14º puesto.
El resumen del informe, que es público a diferencia de la versión premium, habla de la importancia de lo local. De hecho, las 3 multinacionales dedican espacios a vender a algunos de sus artistas locales. Sony ha escogido España para hablar de Rosalía, Guitarricadelafuente y Nathy Peluso; Universal, Tailandia; y Warner, México.
La industria asegura estar enfocada en trabajar a los artistas a largo plazo en tiempos de rapidez. Hablan de la importancia de la generación de iconos a fuego lento, en contra de la inmediatez, y dedican 3 reportajes a 3 artistas que no triunfaron nada más salir, pero sí lo hacen a día de hoy: Tate McRae, Olivia Dean y los neozelandeses Balu Brigada. Entre los mayores temores, el fraude en el streaming, y el uso de una IA responsable. A continuación, 5 curiosidades sobre este informe.
11 años consecutivos de crecimiento
No solo es que se hayan rebasado los 30.000 millones de dólares en ingresos en 2025, sino que la industria lleva 11 años consecutivos de crecimiento, tras los tiempos turbios de Napster, Soulseek, Torrents, etc. El streaming es el impulsor, pues le corresponden 22.000 de esos millones, suponiendo casi un 70% de los ingresos mundiales de música grabada. Destaca el streaming de pago, que creció un 8,8% y supone un 52,4% de los ingresos totales. En la actualidad hay 837 millones de usuarios de streaming de pago en cuentas por suscripción, en todo el mundo.
Pero ojo porque el formato físico volvió a crecer, en concreto un 8%. Los vinilos crecieron un 13,7%. Contra todo pronóstico, hasta los CD’s crecieron casi un 4% tras unos años de traspiés.
España crece, pero no lo suficiente para ser clave
España presenta buenos datos, creciendo un 13,7% en 2025, más que la media de países. Europa consolida su posición como segunda región con más importancia, con unos ingresos que subieron un 5,6%. Sin embargo, España no lidera el crecimiento mundial y se mantiene en la 14ª posición de mercados discográficos, cuando antes de la piratería llegamos a rondar el 8º puesto. En la página dedicada a Sony Iberia (se llama así, no es un guiño a David Uclés), se explica por qué: los españoles no pagamos suficiente por el streaming.
Aunque no se especifica con estas palabras, y estas son «cosecha propia», tendemos a compartir cuentas, racaneamos meses de suscripción como podemos, y no nos extrañamos si en una tienda o un restaurante, saltan anuncios de Spotify entre canción y canción. Tenemos muy asumido que una entrada para Rosalía o Bad Bunny cuesta 200 euros, pero de lo de pagar 10 euros al mes por una plataforma de streaming, ya hablaríamos.
Cito ahora sí textualmente el informe: «Con un rating escasamente por encima del 20%, España y Portugal se sitúan por detrás de países similares». Apunta Jose María Barbat, presidente de Sony Iberia: «Esto limita el potencial de la industria musical de invertir más localmente. Afecta a nuestra capacidad para apoyar proyectos a nivel global y posicionar Iberia como mercado prioritario para repertorio internacional».
¿Alguna buena noticia? Aunque no lideramos el pago por streaming estamos mejor posicionados en otros sectores: «somos el 12º mercado en ventas por suscripciones con publicidad, el 11º en ventas de formatos físico, en venta de vinilos somos el 10º mercado más grande a nivel mundial, el 10º en ingresos por sincronizaciones y el 9º en ingresos por derechos de propiedad intelectual.
Así está el ránking de mercados mundiales en 2025, respecto a 2024, en cuanto a música grabada.
1 (1) Estados Unidos
2 (2) Japón
3 (3) Reino Unido
4 (5) China
5 (4) Alemania
6 (6) Francia
7 (7) Corea del Sur
8 (9) Brasil
9 (8) Canadá
10 (12) México
—
14 (14) España
IA vs Salud Mental
Si por algo será recordado este informe dentro de 10 años es por su dedicación a la inteligencia artificial. Se llama a un uso de la misma «responsable», se incluyen estudios sobre su uso y regulación, y se plantea que pueda representar un cambio como «el de internet hace 25 años». Son palabras de Adam Granite, de Universal AMEA, que añade: «El impacto de la IA será muy positivo y no estamos ni cerca de desentrañar su valor total. Pero los modelos que quieran entrenar con el repertorio de nuestros artistas necesitan una licencia».
Los diferentes artículos sobre esta dicotomía -posibilidades creativas vs derechos de los artistas- hacen que la «IA» aparezca aproximadamente 57 veces mencionada en este resumen del informe de 29 páginas dobles. En contraste, «salud mental» aparece 1 sola vez, dentro de un gráfico sobre cómo desarrollar artistas. Una pequeña derrota -o una victoria, según se mire- para Chappell Roan, que luce increíble, por otro lado, en una instantánea del informe, pese a no haber sacado disco en 2025.
Regulación o libre mercado
Otra de las palabras más repetidas del informe es «gobierno». Aparece 16 veces, sobre todo cuando se pide regulación en torno a la deriva de la IA o se habla del fraude en el streaming. Se dice en un momento: «las leyes de derechos de autor defienden el principio fundamental de que los desarrolladores de IA deben obtener autorización de los titulares de los derechos para el uso del contenido antes de utilizarlo. Los gobiernos deben defender y hacer cumplir este principio fundamental».
Por otro lado, en un recuadro algo extraño se apela al libre mercado: «Preservemos el dinámico y competitivo mercado musical. Las discográficas compiten intensamente por descubrir, invertir y trabajar con artistas en cada etapa de sus carreras. Este entorno competitivo impulsa el crecimiento y aumenta la remuneración de los artistas. Los gobiernos deben preservar este dinámico mercado, que se basa en la capacidad de los actores para desarrollar libremente alianzas comerciales con derechos exclusivos y seguridad jurídica, sin restricciones regulatorias innecesarias. El mercado
está prosperando, dejémoslo funcionar». Como curiosidad, la palabra «oligopolio» aparece un total de 0 veces en el informe.
Artistas, canciones y discos más exitosos de 2025
Una última crítica para el informe IFPI, uno de los más anhelados por la industria cada año: llega tarde. En marzo de 2026 y con las cifras de streaming siendo públicas, ya sabemos hace rato que Taylor Swift dominó el mundo; Morgan Wallen, Estados Unidos; Bad Bunny, las plataformas de streaming; y que ‘Golden’ fue la gran sorpresa del año. Pero ahí van las cifras oficiales de 2025, con supervivientes de años anteriores, como Billie Eilish, Kendrick Lamar y Gracie Abrams.
Los artistas más exitosos de 2025
1.-Taylor Swift
2.-Stray Kids
3.-Drake
4.-The Weeknd
5.-Bad Bunny
6.-Kendrick Lamar
7.-Morgan Wallen
8.-Sabrina Carpenter
9.-Billie Eilish
10.-Lady Gaga
Los discos más exitosos de 2025
1.-Taylor Swift / The Life of a Showgirl
2.-Morgan Wallen / I’m the Problem
3.-Kpop Demon Hunters / Kpop Demon Hunters
4.-Bad Bunny / Debí tirar más fotos
5.-Sabrina Carpenter / Short n’Sweet
6.-Stray Kids / KARMA
7.-SZA / SOS
8.-Billie Eilish / Hit Me Hard and Soft
9.-Lady Gaga / Mayhem
10.-Mrs Green Apple / 10
Las canciones más exitosas de 2025
1.-Rosé & Bruno Mars / APT.
2.-HUNTR/X / Golden
3.-Alex Warren / Ordinary
4.-Lady Gaga, Bruno Mars / Die With a Smile
5.-Benson Boone / Beautiful Things
6.-Billie Eilish / Birds of a Feather
7.-Teddy Swims / Lose Control
8.-Kendrick Lamar, SZA / luther
9.-Gracie Abrams / That’s So True
10.-Kendrick Lamar / Not Like Us
Mientras Britney Spears atraviesa un momento vital delicado tras su arresto hace un par de semanas por conducir supuestamente bajo los efectos del alcohol, otros reivindican su figura incluso como símbolo de los derechos de las mujeres.
La directora Sofia Coppola ha hablado de Spears en estos términos en una entrevista con ELLE Magazine, donde ha confesado que fantasea con dirigir el biopic sobre la vida de la cantante de ‘Toxic’, que de momento se encuentra en manos de Jon M. Chu.
Coppola asegura que se encuentra «obsesionada» con Spears actualmente y que no puede parar de ver documentales sobre ella y de leer sus memorias, ‘La mujer que soy‘. Coppola reconoce que ver la entrevista que Diane Sawyer hizo a Spears en 2003, en la que la periodista parecía sugerir que había sido culpable de su ruptura con Justin Timberlake, le ha causado un «profundo impacto».
Coppola, quien durante esa época se encontraba dirigiendo su famosa película ‘María Antonieta‘ (2006), ve ahora la figura de Spears con otros ojos y destaca que los episodios de su rapado de cabeza y su ataque a los paparazzi con un paraguas le parecen «momentos totalmente punk». «Ella se ha convertido en un símbolo de los derechos de las mujeres», señala la cineasta. «Nada de lo que le pasó le habría pasado nunca a un hombre».
Finalmente, Coppola reconoce que desearía dirigir su biopic: «Supuestamente Jon Chu lo está haciendo, pero sí, me encantaría trabajar esa historia». En el caso de que se la quedara, esperamos que sea mejor que su película sobre Priscilla Presley.
Lorde ha comunicado su decisión de abandonar Universal Music Group, la discográfica que ha publicado todos sus discos hasta la fecha. La decisión se tomó en diciembre, pero la cantante neozelandesa la ha revelado ahora en un mensaje dirigido a sus fans.
En ese mensaje, Lorde asegura que “adora” a sus compañeros en Universal, aunque reconoce que no era plenamente consciente de lo que firmaba cuando suscribió su contrato con solo 12 años: “Una niña de 12 años comprometió por adelantado su obra creativa sin saber cómo sería ni comprender realmente a qué estaba renunciando”, explica la artista.
La cantante no descarta volver a firmar con una gran discográfica en el futuro, incluso con la misma compañía, pero subraya que “necesitaba tomarse un tiempo para que nada de lo que nace de mí esté sujeto a compra o venta”.
Fue en 2013 cuando el gran público descubrió a Lorde, que entonces tenía 16 años y ya llevaba cuatro vinculada a Universal. Su irrupción fue meteórica gracias a ‘Royals’, al que siguió su aclamado álbum ‘Melodrama‘, elegido el Mejor Disco de 2017 para la redacción de JENESAISPOP. Aunque, ya entonces, el disco quedó lejos de los 4 millones de copias despachadas por el debut.
Desde entonces, su popularidad ha atravesado altibajos, especialmente tras el lanzamiento de ‘Solar Power’, un trabajo que dividió a su público y fue vapuleado por la crítica, aunque algunos sostienen que no se entendió. Más recientemente, ‘Virgin‘ ha logrado recuperar parte del público perdido, incluyo marcando algún pequeño viral como ‘David’, pero sin resultar el comeback esperado.
William Orbit ha acudido a las redes sociales para desahogar su frustración por no tener la opción de volver a grabar un álbum junto a Madonna. El co-productor de ‘Ray of Light’ asegura tener un disco hecho que podría ser sucesor, y se queja de no obtener respuesta por parte de la cantante.
«Vamos a poner esta idea de «Ray of Light 2.0″ a descansar. Puede ser agotador y no va a pasar. Lo voy a explicar, porque me preguntan constantemente: tengo un álbum listo que de hecho es el sucesor de ‘Ray of Light’. Todo en el modo en que fue hecho y cómo suena dice eso desde los primeros compases. Lo he pasado. Se ha escuchado. No hay respuesta. Pasa una semana. Hablo con gente cercana a ella, incluida su familia, pero no hay una palabra de vuelta en más de dos décadas», dice el texto.
Orbit dice que no quiere sonar amargo y que está en una etapa de su vida muy dulce. Además, asegura que no tiene ningún rencor: «Solo tengo amor por esa mujer. De verdad. Ella me construyó una carrera. ¿Pero estoy llorando? Lloro de alegría y júbilo estos días. No hay quien me calle, chillando y gritando sobre la mesa llena de delicias musicales que tengo delante». Finalmente, el productor anuncia que escribirá un libro con su visión de la historia.
El post de William Orbit es tan tierno como lleno de contradicciones. Habla desde la conciencia de haber formado parte de la gran obra maestra de una de las mayores leyendas vivas de la historia del pop. Pero por otro lado, el productor dice que lleva «más de dos décadas» esperando una respuesta sobre tal disco, ignorando que solo hace 14 años que Madonna y William Orbit colaboraron en ‘MDNA’ con desiguales resultados. Salieron grabaciones interesantes de allí (‘Love Spent’), también otras con demasiado sabor a papelera de reciclaje (‘I’m a Sinner’).
El artista asegura que no quiere ser «amargo» pero lo resulta con creces, y lo que es peor, en un mundo en el que las mujeres artistas han pasado a primer plano como autoras y productoras, y ya no se toleran micromachismos en la asunción de créditos, ignora por completo que ‘Ray of Light’ es un disco firmado por Madonna, y no por él.
William Orbit no parece tener la menor idea de que no puede tener escrito un disco de Madonna sin Madonna. Aunque obviamente fue clave en su sonido y cohesión, Orbit solo co-escribió 6 de las 13 canciones del álbum. Ella ya había empezado a escribir el disco antes de encerrarse con William, y de hecho escribió ‘Frozen’, ‘Nothing Really Matters’ y ‘Sky Fits Heaven’ sola junto a Patrick Leonard. Sola junto a Rick Nowels, la Ciccone -y no Orbit- escribió otros 3 temas del disco, incluyendo el hit ‘The Power of Goodbye’. La parte más puramente William Orbit de aquel álbum (‘Ray of Light’, ‘Substitute for Love’) tiende a construirse a base de samples.
Lo que quiera que tenga William Orbit en un disco duro será bueno o malo, pero desde luego no es un disco de Madonna. La artista es plenamente consciente de que ‘Ray of Light’ es su obra magna y así lo continúa expresando a día de hoy, cada vez que le preguntan, contradiciendo a los críticos que tienden a elevar ‘Like a Prayer’, pese a sus irregularidades. Pero es evidente que hoy por hoy está en otro momento vital y que su faceta espiritual es solo una de sus múltiples caras. Cuando está a punto de sacar un álbum que responde al título provisional de «Confessions Pt. 2», este parece el peor momento posible para plantear todo esto. Quizá habría tenido algún sentido hace 3 años, cuando Madonna decidió abrir su gira de 40º aniversario con ‘Nothing Really Matters’.
William Orbit ha sido en múltiples ocasiones un azote para los vaivenes de la Reina del Pop. Ha tenido razón en muchas cosas que ha dicho: que ya no cuida su sonido de directo, que no se puede ahondar en un álbum a las velocidades que trabajaron en ‘MDNA‘… pero si tiene verdaderas «delicias musicales» delante, su camino ha de ser el de publicarlas por su cuenta con otro artista o en solitario. Si Nile Rodgers pudo dejar su impronta en un hit del tamaño de ‘Get Lucky’ junto a Daft Punk, décadas después de su «prime», Orbit también podría conseguirlo. O como mínimo, intentarlo.
El uso del playback en los conciertos suele generar controversia, a menos que lo tengas asumido porque eres fan de Britney Spears, y suele estar justificado por diferentes motivos. Los artistas lo utilizan cuando ejecutan coreografías al mismo tiempo, cuando enferman pero están obligados a actuar o, en el caso de las actuaciones en televisión, cuando las propias cadenas lo exigen para garantizar la calidad del directo. Desde los años 60 se implementa en actuaciones televisivas. Después, numerosos músicos han recurrido a pistas pregrabadas en sus conciertos por mil y una causas. La diferencia entre playback y pregrabado es relevante, ya que el pregrabado “pretende” ser directo y el playback no.
En las últimas semanas, esta polémica ha salpicado a Rosalía -aunque qué polémica no le salpica-, de quien se dice que ha recurrido al playback durante su interpretación de ‘Berghain’ en los BRIT Awards y también en momentos puntuales de su recién estrenada gira. Parte del público señala diferencias de volumen y respiración, por ejemplo en la frase final de ‘Mio Cristo Piangi Diamanti’ en Lyon. Para algunos el playback es claro y evidente porque la toma vocal es demasiado parecida a la de la canción publicada en ‘Lux’; para otros, sería imposible que una vocalista como Rosalía pudiera no cantar en directo. Es impensable.
Es imposible saber si Rosalía utiliza playback en momentos concretos de su concierto a menos que lo confirme o lo desmienta ella misma o alguien de su equipo. Pero tampoco debería ser motivo de decepción o polémica, ya que canta en directo la mayor parte del espectáculo y puede recurrir a esta herramienta en frases concretas por distintos motivos, como hacen todos o casi todos los artistas de pop. Quizá lo haga para evitar una fatiga vocal prematura, recomendada por su médico, sabiendo que vocalistas como Adele han terminado pasando por quirófano; o porque esa parte no termina de encajarle en vivo. Además, se trata de un fragmento operístico en el que está realizando un esfuerzo especial con sus cuerdas vocales, ya que no está entrenada en ópera.
El uso del playback está más extendido de lo que el público cree porque el trabajo de los artistas consiste también en construir una ilusión de autenticidad. Ahí entran los pregrabados, que suelen ser tomas vocales grabadas con diferencias respecto a la grabación original, de manera que suene diferente y parezca directo. Como señala la musicóloga youtuber Jenn All, «los pregrabados se hacen justo para que notes esas diferencias y, en caso de que hubiese playback, cantas encima para que se implique todo el aparato fonador». Es un truco habitual de los artistas y no significa que sus voces no sean reales.
En redes sociales se critica el playback como si su uso supusiera una traición al público o como si cualquier artista que lo utilice fuera Milli Vanilli. Sin embargo, su uso podría asumirse con más naturalidad en lugar de interpretarlo como un engaño. A menos que Rosalía -o cualquier artista- pueda cantar dos o tres horas casi cada día durante una gira de meses o incluso años sin que la voz se resienta -algo extremadamente difícil- no debería resultar polémico que ella y otros artistas recurran a esta herramienta por motivos artísticos o de salud. En 2026, no debería ser un debate.
Christina Aguilera ha ofrecido esta noche un concierto en el Palacio de los Deportes de Ciudad de México que no ha dejado contentos a muchos fans. Uno de los motivos es el momento en que supuestamente confunde la ciudad con Nuevo México, en Estados Unidos.
El show ha sido criticado sobre todo por su duración. Los asistentes aseguran que Aguilera ha actuado menos de una hora, unos 55 minutos, aunque otros elevan el tiempo a 70. Un usuario en redes ha lamentado que pasó “más rato esperando en el tráfico que viendo a Christina Aguilera cantar”.
El setlist se ha compuesto de 16 canciones, pero los asistentes sostienen que Aguilera no ha cantado completa casi ninguna de ellas, algo de lo que fuimos testigos en la actuación de Aguilera en Mallorca Live 2022; y critican que la artista habría recurrido en exceso a pregrabados y coros, reduciendo su uso de voz en directo a «33 minutos», y que habría pasado fuera del escenario cambiándose largos minutos, solo para reaparecer con «complementos diferentes».
Además, las críticas señalan que Aguilera habría actuado sobre el escenario de forma algo desganada. También apuntan que el montaje escenográfico era “esquelético” y que no justificaba el precio de la entrada, y que el setlist era «el mismo que hace ocho años».
Aguilera ha vuelto estos días a la carretera y, previamente, se había presentado en un festival de Texas que no generó ninguna polémica. Allí dejó caer que lanzaría nueva música “pronto”, aunque ya se sabe que suele tomarse su tiempo.
En las últimas horas, Aguilera ha despertado algo de expectación al actualizar sus redes sociales con nuevas imágenes, incluidas sus fotos de perfil en Spotify. Esta acción ha hecho pensar que se avecinaba nueva música, aunque parece que simplemente adelantaban la celebración de estos nuevos shows.
La banda de punk electrónico irlandesa KNEECAP y figuras políticas internacionales como Pablo Iglesias o Jeremy Corbyn se embarcarán esta semana en la flotilla solidaria “Nuestra América”, una iniciativa que transporta toneladas de ayuda humanitaria hacia Cuba.
El convoy lleva alimentos, medicamentos y otros suministros básicos en un momento especialmente delicado para la isla, que atraviesa una de las crisis económicas más profundas de su historia reciente, agravada por las tensiones diplomáticas con Estados Unidos.
Junto a Corbyn e Iglesias participarán decenas de legisladores, sindicalistas y activistas internacionales. Entre ellos destacan también la política colombiana Clara López, el comentarista estadounidense Hasan Piker y el líder sindical Chris Smalls. El grupo prevé llegar a la isla este fin de semana en medio de nuevas amenazas políticas hacia La Habana lanzadas por Donald Trump.
La flotilla contará también con la participación de Cuban Americans for Cuba, una red de activistas cubano-estadounidenses que colaborará en la entrega de suministros y en diversas actividades previstas en la capital cubana. La iniciativa busca visibilizar la crisis humanitaria en el país y reforzar la solidaridad internacional con la población cubana.
Recurrir a ‘Terminator’ en un tema pop puede ser un cliché a estas alturas. Lo saben hasta Ojete Calor. Qué digo Ojete Calor: lo sabe hasta McNamara. Sin embargo, puede que hoy sea más pertinente que nunca. En un mundo en el que buscamos respuestas en la tecnología, en que hemos cambiado Google por la IA sin mirar atrás, Nat Simons nos da un sabio consejo: ¿por qué no dejamos de buscar respuestas en la máquina y le preguntamos en su lugar a la protagonista de la película, esa heroína llamada Sarah Connor? La idea es humanista, feminista y además amante de la ciencia ficción que se adelantó a su tiempo: muy pertinente.
Como mucha gente, Nat Simons está hastiada de tanta pantalla. En varias de las canciones de este 5º disco de estudio se pregunta algo así como adónde va la civilización, especialmente en la fiera ‘Llamas de dragón’. «Este mundo enfermo cada día se degradará más», dice al tiempo que advierte: «No sé si estaremos preparados para algo peor».
En este contexto, la música es la que nos ayuda a salir adelante. ‘Haces que mi mundo sea mejor’ siempre «busca la salida en una canción». La reivindicativa ‘Especie en extinción’, buscando una forma de evasión, genera, más que ganas «de gritar», de bailar. La típica canción que te puede alegrar el día.
Para dar forma a estas ideas, la artista se ha ido a Nashville. Allí fue donde grabó los temas de ‘Pregúntale a Sarah Connor’, produciendo Álex Muñoz (Margo Price) y mezclando Jaquire King (Norah Jones, Kings of Leon). Eso sí, este no es un álbum de típico sonido Nashville. Esa impronta se puede notar en esa preciosidad llamada ‘Efímero’, en los arreglos de ‘Más que a todo lo demás’ y en el mimo de los músicos (solos de guitarra, saxo…)
Pero después, hay otras cosas. ‘Nieve en el desierto’ parece ser bastante consciente de la existencia de ‘OK Computer’ aunque parezca mentira y, en general, estamos hablando de un disco de pop-rock español de toda la vida, al modo en que los han hecho en diferentes momentos Tahures Zurdos o Coque Malla. No es casualidad que Depedro sea el gran artista invitado, en concreto en el single ‘Nieve en el desierto’, con permiso de Jose Ignacio Lapido, que tiene algún crédito (‘Efímero’, ‘Tan extraño para mí’) y también toca y hace coros.
‘Alain Delon’ es una de las composiciones más sólidas, también al erigirse como himno contra señoros y mansplaining: «vaya tostón, te crees Alain Delon». Este es un álbum sobre la manera de ver el mundo de Nat Simons, que además, insistiendo en que este no es un disco conceptual, lo ha abierto y cerrado, dándole un último sentido. Si ‘Delorean’ abre el telón recordando el día en que era pequeña con cierta nostalgia (los días en que «no tenía miedo de ser yo»), ‘Más que a todo lo demás’ lo cierra con un amor tan devoto que solo se puede referir a un hijo. Solo que Nat no tiene hijos y se lo dedica en verdad a su gata. Humanismo, feminismo… y animalismo. Estamos en 2026, y los gatos también son parte de la familia. Si no, que se lo pregunten a Mitski.
Es una gozada comprobar el amor que está recibiendo Luz Casal en sus últimos discos, cada vez que aparece en los medios de comunicación hablando de cómo fue una pionera del rock en nuestro país. Cuidemos también a esta digna sucesora.
Labrinth, el músico británico conocido por ser el compositor de la banda sonora de ‘Euphoria’, no puede más con la industria musical. Recientemente, el artista anunciaba que se «iba» de la industria y mandaba «a la mierda» a su discográfica, Columbia Records, y a ‘Euphoria‘, en una serie de publicaciones ya borradas que no aclaraban del todo la situación.
Ahora, el autor de ‘Formula’ ha dado algo parecido a una explicación, aunque sin expresarse con palabras completamente claras. En un post de Instagram, Timothy Lee McKenzie parece lanzar una crítica al funcionamiento de la industria musical y a cómo el éxito y el dinero pueden cambiar a las personas. Nada nuevo, pero parece que para Labrinth está siendo un punto de inflexión.
«Revoloteamos alrededor de grandes estrellas esperando estar en su lugar algún día, como serpientes esperando comerse a sus dueños», escribe el artista. «Entramos en esta industria como creativos puros que desean compartir color, y terminamos convertidos en lobos de Wall Street babeando por acciones y participaciones. Tenemos relaciones significativas con personas afines y las descartamos en cuanto aparece una oportunidad más grande».
Labrinth reflexiona: «¿Quién cojones ha dicho que sea normal que convirtamos lo que yo llamo el ruido de Dios (nuestra música) en transacciones comerciales?»
En el pie de su publicación, Labrinth ha añadido una última reflexión, asegurando que desea tener «interacciones significativas» dentro de la industria musical. «No quiero usar a nadie ni que me usen», ha indicado. «Espero que la gente deje de actuar como si las cosas se tuvieran que hacer así. No tiene que ser de esta manera. Ser falso no es un buen plan de negocios».
Labrinth habría vuelto a componer la banda sonora de ‘Euphoria’ para su tercera temporada, en colaboración con Hans Zimmer. Se desconoce en qué punto se encuentra actualmente el proyecto. La serie vuelve a HBO en un mes, el próximo 13 de abril.
En 1996 vio la luz el disruptivo álbum debut de Placebo, que puso en el mapa al icónico Brian Molko e influyó a toda una generación de estrellas alternativas. Aquel disco homónimo contenía éxitos como ‘Nancy Boy’ y Placebo lo volverán a lanzar el 19 de junio, a través de una reedición llamada ‘PLACEBO RE:CREATED’ que contiene el disco regrabado, y que se promocionará con una gira europea.
Esta gira pasará por Italia en noviembre, para desgracia de Giorgia Meloni, y antes hará dos visitas a España, en octubre. El 1 de ese mes Placebo tocarán en el Movistar Arena de Madrid y el 3, en el Sant Jordi Club de Barcelona. Las entradas están disponibles en la web de Placebo.
Placebo siguen de gira y afrontan próximamente dos fechas, el 28 de marzo en Londres y el 11 de abril en Suiza. Sin embargo, la gira de ‘PLACEBO RE:CREATED’ arranca en septiembre.
SEPTIEMBRE 2026
28th – Oporto, Portugal – Super Bock Arena
29th – Lisbon, Portugal – Sagres Campo Pequeno
OCTUBRE 2026 1st – Madrid, Spain – Movistar Arena (The Ring)
3rd – Barcelona, Spain – St. Jordi Club
5th – Toulouse, France – Zenith
7th – Nantes, France – Zenith
9th – Esch-sur-Alzette, Luxembourg – Rockhal
12th – Leipzig, Germany – Quarterback Immobilien Arena
15th – Vilnius, Lithuania – Twinsbet Arena
16th – Riga, Latvia – Xiaomi Arēna
18th – Helsinki, Finland – Veikkaus Arena
20th – Stockholm, Sweden – Annexet
22nd – Oslo, Norway – Spektrum
24th – Copenhagen, Denmark – KB Hall
26th – Hamburg, Germany – Barclays Arena
27th – Amsterdam, Netherlands – Ziggo Dome
29th – Frankfurt, Germany – Festhalle
NOVIEMBRE 2026
1st – Antwerp, Belgium – Afas Dome
2nd – Cologne, Germany – Lanxess Arena
4th – Zurich, Switzerland – Hallenstadion
6th – Milan, Italy – Unipol Forum
9th – Munich, Germany – Olympiahalle
10th – Vienna, Austria – Stadthalle
13th – Budapest, Hungary – Budapest Arena
15th – Prague, Czech Republic – Fortuna Sports Hall
16th – Berlin, Germany – Uber Arena
18th – Lodz, Poland – Atlas Arena
21st – Stuttgart, Germany – Hans-Martin-Schleyer-Halle
23rd – Lyon, France – LDLC Arena
25th – Paris, France – Accor Arena
28th – Nottingham, UK – NIC Arena
30th – Glasgow, UK – OVO Hydro
Desde sus inicios, a mediados de los 80, la teletienda albergaba en su propia lógica estética y discursiva el germen de una reinterpretación irónica y kitsch. Durante su expansión en los 90, este tipo de formato televisivo logró configurar todo un imaginario de productos “increíbles”, vendedores de entusiasmo contagioso (muchos de ellos famosos venidos a menos), lemas enfáticos -“¡Llama ahora!”- y una retórica visual tan persuasiva que era capaz de convencer al espectador más escéptico de la eficacia de un cacharro para hacer abdominales con forma de Halcón Milenario.
‘Opalite’ comienza como una parodia de estos comerciales. Taylor Swift mezcla la gramática estilística de los anuncios de productos de limpieza milagrosos con un discurso sobre la insatisfacción existencial y la promesa de una vida sentimental plena de felicidad. Si tus relaciones huelen como un cubo de basura, son tan estimulantes como hablarle a una piedra y tan espinosas como un cactus, parece sugerir la cantante mediante un uso metafórico de los objetos, necesitas un buen desengrasante y quitamanchas emocional.
El resto del videoclip funciona como una comedia romántica de los 90, como si Taylor fuera Meg Ryan y Domhnall Gleeson, Tom Hanks. Un homenaje, rodado en celuloide, que incluye guiños noventeros como la MTV (la televisión en la que aparece Greta Lee interpretando a una cantautora), el boom de los karaokes y el aerobic doméstico, los estudios de fotografía, el centro comercial como espacio de socialización… Referencias que ayudan a ilustrar una pequeña historia de soledad urbana muy propia de las comedias románticas de la época.
El final del vídeo describe su propia génesis mediante imágenes del programa The Graham Norton Show, donde Taylor Swift y Domhnall Gleeson coincidieron como invitados y, según se ha dicho, surgió la idea del clip, cuando el actor comentó su deseo de aparecer en uno de los videoclips de la cantante. En ese mismo programa también aparecen los personajes que realizan un cameo en el vídeo: Cillian Murphy, Greta Lee, Jodie Turner-Smith, el cantante Lewis Capaldi y el propio cómico y presentador Graham Norton.
Las Nietas del Charli dieron uno de los conciertos más bonitos del pasado Monkey Week. María y Raquel Rubio Pastor, hermanas como Pauline en la Playa, acompañadas tan solo de sus guitarras, lograron callar a una audiencia con muchas ganas de fiesta, gracias a sus bonitas letras y armonías vocales.
El dúo tenía ya entonces un EP de 6 canciones llamado ‘Faro’ y ahora están presentando su primer disco largo, llamado ‘Un Sol dentro’, que verá la luz a principios de mayo, producido por Campi Campón (Jorge Drexler, Natalia Lafourcade, Valeria Castro). Los dos temas que llevamos, de alguna manera, son la noche y el día.
Las influencias de Las Nietas del Charli parecen proyectos tan afilados como Vainica Doble y tan sombríos como Low. Esto último se siente en la melodía áspera, la referencia a la «violencia» y el tipo de percusión tan cortante que escuchamos en ‘Rabia’. «Toda esta rabia que llevo dentro podría matarte», expresa con frustración una letra que lamenta haber «intentado quererte».
El single que acaban de editar, ‘Distancia’, nuestra Canción del Día hoy, no tiene tanta «rabia» dentro. Se recrea en una escena romántica y menciona la palabra «esperanza». Incluso la vuelta del «hambre» parece tener una connotación positiva, acaso saciada. La «Rabia» es extraída, en forma de «veneno»: «Cómo quiero ver tu cara, pasearme con los dedos, ver cómo te entra el sueño, ir sacando con cariño el veneno».
Las canciones de Las Nietas del Charli suelen extenderse, sin prisa alguna, por encima de los 5 minutos. ‘Distancia’ tiene una estructura montañosa: hacia su mitad cambia tan solo para volver al principio. Los coros fantasmagóricos en ese momento son escalofriantes.
Por tanto, no esperes encontrarlas en playlists de hits ni mires sus oyentes mensuales. Recréate en sus melodías, en la calma de sus arreglos incluso cuando hablan de emociones incómodas. Hay una enorme belleza sobre todo que degustar en directo, y este 20 de marzo volverá a poder verse en Madrid (La Troupe Prado).
Bilbao BBK Live, que se celebrará entre los días 9 y 11 de julio en Kobetamendi, Bilbao, completa hoy su cartel un par de días después de haber informado de su programación electrónica. Si ya se habían confirmado grandes nombres como David Byrne, Lily Allen, Robbie Williams, Belle & Sebastian, Calvin Harris, Dellafuente o IDLES, hoy se revela la presencia de FKA twigs. La artista publicó uno de los Mejores Discos de 2025, ‘Eusexua‘.
Al mismo tiempo, ya conocemos la programación por días, y se han puesto a disposición, por tanto, las entradas de día a precio promocional de 65 €. Habrá un cambio de precio el martes 24 de marzo a las 11:00. Subirán a 80 €.
El jueves 9 de julio será el día de la propia FKA twigs, Calvin Harris, David Byrne, Dani Fernández, Paris Paloma, Belén Aguilera, la revelación hemlocke springs y Apparat, que acaba de editar el notable ‘A Hum of Maybe‘, entre otros artistas.
El viernes 10 de julio será el turno de Robbie Williams, Alabama Shakes, Belle & Sebastian, La M.O.D.A., Richie Hawtin presentando el espectáculo inmersivo ‘DEX EFX X0X’, Soulwax, Depresión sonora, La Paloma o Yerai Cortés.
Por último, el sábado 11 de julio actuarán Lily Allen, Dellafuente, Idles, Interpol, Charlotte de Witte, Zaz o Ralphie Choo.
Si hablamos de la rave en el bosque «todo lo que pasa en Basoa queda en Basoa», el jueves será el turno de 2manydjs y Erol Alkan b2b Optimo (Espacio), entre otros. El viernes, el de Donato Dozzy o DJ Nobu. Y el sábado, el de Nicolas Lutz o DJ Koze.
Bruno Mars es la última víctima de los fans de Taylor Swift. En los últimos días ha circulado un polémico Reels cuya veracidad se desconoce. Billboard ha investigado sobre la existencia de dicha cuenta sin éxito, concluyendo que si existió, se ha borrado por completo.
El Reels estaba escrito supuestamente por unos fans de BTS. En él se incluían unas imágenes de Taylor Swift bailando en ‘The Eras Tour’ con el siguiente texto: «En serio, ¿cómo se ha hecho famosa? El privilegio blanco es una locura. Imaginad dónde estaría una persona asiática sin talento, como ella». Bruno Mars aparece teóricamente entre las personas que le dieron «like» a esta publicación.
La ola de odio hacia Bruno Mars, ridiculizando por ejemplo las ventas de la primera semana de su nuevo disco ‘The Romantic’ en comparación a las de Taylor, ha sido tal, que el cantante ha decidido responder.
En un tuit en respuesta a una cuenta llamada Pop Flop -ver para creer-, Bruno Mars ha escrito: «Taylor siempre me ha apoyado y ha sido muy amable conmigo. Solo tengo amor para ella».
Una manera educada de decir que él no le ha dado «like» a tal publicación, si es que tal publicación existió en absoluto.
Taylor has always been supportive and kind to me. Only love over here. ❤️
Casi un año después de que conociéramos el single ‘Folded’, el nuevo disco de Kehlani verá la luz. La cantante que tanto ha mimado el R&B clásico acaba de anunciar finalmente que su nuevo disco, que será homónimo, saldrá a la venta el próximo 24 de abril.
El disco contendrá 17 canciones. Conocemos la portada, desconocemos el tracklist, pero sabemos que ‘Folded’, lanzado en junio de 2025, será la pista 4; y que ‘Out the Window’, que salió en noviembre, será la pista 10. Es de suponer que en breve tengamos el tercer sencillo, que quizá se ha contenido porque ‘Folded’ ha sido un enorme «sleeper».
De manera inesperada, ‘Folded’ se acerca ya a los 500 millones de streams en Spotify, camino de superar su colaboración con Ty Dolla $ign o su tema para la banda sonora de ‘Escuadrón Suicida’. Continúa en el top 200 de listas globales tras meses de permanencia.
El anterior disco de Kehlani fue ‘Crash‘ en 2024 y también conocimos en aquel año la mixtape ‘While We Wait 2’, segunda parte de la publicada en 2019.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes en las últimas semanas.
Madonna en Venecia
Madonna ha sido vista rodando algo en Venecia, posiblemente un episodio de ‘The Studio‘, y ella misma ha subido y luego borrado esta imagen en la que aparece estudiando un guion subida a un barco. Madonna coincidiría en la serie con la actriz que iba a interpretarla en su biopic, Julia Garner.
Miley Cyrus vuelve a ser Hannah Montana
Miley Cyrus ya no reniega de Hannah Montana, sino que la reivindica y vuelve a asumir el papel que la dio a conocer en un nuevo especial por el 20 aniversario de la icónica serie adolescente. Aquí la tenéis caracterizada, mientras suena de fondo una nueva versión de ‘Best of Both Worlds’ (Miley’s Version).
Snippet of Miley Cyrus singing ‘Best of Both Worlds’ in 2026.
Arca y Chappell Roan para los gays
Arca y Chappell Roan han coincidido en el Fashion Week de París y en el afterparty de Valentino han posando juntas de esta manera, desatando la locura en redes. Roan la anticipaba, ya que al subir la foto ha anunciado que la imagen es «muy importante para los gays». Así es.
Guitarrica se queja del Lollapallooza Guitarricadelafuente ha sido noticia recientemente por señalar, un poco mosqueado, el espacio vacío que observaba en la zona VIP de Lollapalooza durante su concierto. Álvaro Lafuente tocaba por la tarde y veía a todos sus fans agolpados detrás de las vallas, mientras la zona VIP permanecía vacía. «Es un poco ridículo, pero gracias por haberme traído», expresaba el músico valenciano.
Bad Bunny cumple 32
Así de feliz ha posado Bad Bunny en la foto de la celebración de su 32º cumpleaños, el pasado 10 de marzo, solo semanas después de haberse marcado un show histórico en el intermedio de la Super Bowl. Si tuviéramos delante esa tarta, nosotros también pondríamos esa cara de satisfacción.
Katy Perry celebra el 8M
Recientemente se ha viralizado un vídeo de Katy Perry supuestamente ardiendo en llamas durante el rodaje de un videoclip, pero la persona que ardía no era Katy Perry. La verdadera Katy Perry ha estado más tranquila celebrando el 8M acompañada de sus distinguidas amigas. En la presente imagen, junto a Jane Fonda y Gwyneth Paltrow.
Cynthia Erivo recibe su retrato
Pasando página de ‘Wicked‘, el nuevo proyecto profesional de Cynthia Erivo es una representación teatral de ‘Drácula’. Con motivo de este papel, la actriz ha recibido un regalo muy especial: su propio retrato caracterizada como Drácula, pintado por el artista Nathan Wyburn.
Nathy Peluso en Japón
Una malportada en Japón sigue siendo una malportada. Así se ha dejado ver Nathy Peluso en Tokio, donde imaginamos que se encuentra de vacaciones tras cerrar el Grasa Tour en España. Aun así, algunos fans han señalado que Peluso y Emilia han coincidido en Japón, lo que ha desatado especulaciones sobre una posible colaboración entre ambas.
Dover se reivindican
También el 8M volvió a reunir a las hermanas Cristina y Amparo Llanos de Dover, que posaron así de sonrientes en la señalada fecha. «Hoy y siempre, seguiremos luchando juntas por reclamar nuestro sitio», escribe la banda, un texto que tiene algo de reivindicación musical, también.
Diane Warren no se rinde
Tras perder el Oscar a Mejor Canción por 17ª vez consecutiva, Diane Warren prepara ya la canción que le hará perder el Oscar por enésima vez. Ella no se rinde. En esta última ocasión, estaba nominada por ‘Dear Me’, interpretada por Kesha, pero la Academia terminó premiando a ‘Golden‘.
Diane Warren reacts to her 17th consecutive #Oscars loss:
Radiohead volverán a salir de gira, pero ya en 2027. Al menos, esto ha declarado su guitarrista, Ed O’Brien, en una entrevista con Rolling Stone.
O’Brien está promocionando el lanzamiento de su nuevo álbum, ‘Blue Morpho’, que sale el 22 de mayo. El primer adelanto es el corte titular. De estilo orquestal y cinematográfico, ‘Blue Morpho’ adelanta un disco lleno de lujosas cuerdas.
Durante su charla con Rolling Stone, O’Brien ha sido preguntado, naturalmente, por Radiohead, y el músico ha confirmado que el grupo británico no planea dar conciertos en 2026, pero sí en 2027. La última gira de Radiohead es reciente: tuvo lugar entre noviembre y diciembre de 2025, fue la primera en siete años y arrancó en España, con un espectacular concierto en Madrid.
O’Brien asegura que Radiohead volverá a la carretera en 2027 y que el concepto de gira en el que trabajan será parecido al de esta última tanda de shows: el grupo daría «20 conciertos por continente, ni más ni menos”, según ha declarado el músico. La gira de Radiohead de 2025 se compuso exactamente de 20 conciertos concentrados en Europa, desde Madrid hasta Copenhague.
En cuanto a música nueva de Radiohead, parece que no hay noticias. Su último álbum, ‘A Moon Shaped Pool‘, cumplirá diez años en mayo.
Mientras tanto, los integrantes de Radiohead siguen sus caminos en solitario. Además de O’Brien, Jonny Greenwood -que acaba de firmar la banda sonora de ‘Una batalla tras otra’, ganadora del Oscar a Mejor película- prepara también el lanzamiento del álbum ‘Ranjha’ junto a Shye Ben Tzur y el Rajasthan Express.
Un año después de que su octavo álbum de estudio, ‘Little Death Wishes‘, las trajera a España, las hermanas Bianca y Sierra Casady, más conocidas como CocoRosie, vuelven a nuestro país para presentar su nuevo espectáculo, Old TV Show Tour.
La gira europea de Old TV Show Tour incluye tres paradas en España en el mes de junio: el domingo 7 estarán en el Kafe Antzokia de Bilbao, el martes 9 en la sala MON Live de Madrid y el miércoles 10 en la Razzmatazz 2 de Barcelona.
La gira Old TV Show combinará “música, visuales y su estilo único con toques de drag”, quedando “suspendido en algún punto entre el kitsch, el pop y el underground subversivo”. El show es la propuesta de CocoRosie para “tejer hilos de esperanza en tiempos de incertidumbre y transformación global”.
7/06 BILBAO – Kafe Antzokia
8/06 BIARRITZ – Atabal Biarritz 9/06 MADRID – Sala Mon Madrid Conciertos
10/06 BARCELONA – Razzmatazz
11/06 WINTERTHUR – Salzhaus Winterthur
12/06 VIENA – WUK
14/06 ZAGREB – Boogaloo Zagreb
15/06 OSTRAVA – Barrák Music Club
29/06 BERLÍN – Festsaal Kreuzberg
James Blake se ha convertido en una de las voces más críticas contra el funcionamiento de la industria musical al denunciar el modelo actual de streaming y señalar la precariedad de su trabajo como productor. El pionero británico, quien ha trabajado con algunos de los nombres más grandes de la industria, como Beyoncé o Kendrick Lamar, asegura que no ha cobrado por el «95%» de la música que ha creado para otros artistas.
Con este panorama, a nadie sorprenderá que ‘Trying Times’ se lance de forma independiente por primera vez en la carrera de este artista que ha llegado a presentar su propia plataforma de suscripción alternativa. Blake toma así las riendas de su carrera con un disco que funciona a modo de reintroducción, reuniendo muchos de los sonidos e ideas que asociamos a su estilo y que tanto han terminado influyendo en el pop de la última década.
Varias pistas de ‘Trying Times’ se construyen sobre un fondo de R&B clásico que Blake maquea con sus habituales trucos electrónicos (sintes futuristas, voces alienígenas), como la balada doo-wop ‘Didn’t Come to Argue’, que retrata a un Blake “sin saber por dónde tirar”, antes de que la canción mute hacia una forma algo esbozada de pop ochentero; o la pista titular, la mejor de las canciones retro, en un estilo de balada Motown. Los cucos singles de presentación, ‘Death of Love‘ y ‘I Had a Dream She Took My Hand’, destacan por la originalidad de sus samples, de Leonard Cohen y Joey Quiñones, pero no resultan igual de clásicos.
La decepción de Blake con la industria musical es visible en las entrevistas promocionales de ‘Trying Times’, pero también se filtra en el disco. La pista introductoria, ‘Walk Out Music’, es una odisea space-soul marca de la casa, con un precioso uso de los sintes, y su título ya sugiere una renuncia. Emocionalmente, el disco se debate entre el amor -su pareja, la actriz Jameela Jamil, es coproductora- y una sensación de desencanto vital, como transmite ‘Death of Love’, que habla de abejas que vuelven “con las manos vacías” tras intentar alimentarse de “flores de plástico”.
Puede ser reveladora la inclusión en el disco de ‘Through the High Wire’, una canción originalmente compuesta para un disco colaborativo con Kanye West que termina cancelado (el inminente disco de West, ‘BULLY‘, incluye otro corte de esas sesiones, ‘This One Here’). ‘Through the High Wire’ representa la faceta más experimental de ‘Trying Times’, que es también la mejor.
A Blake siempre se le ha dado bien perturbar el concepto de canción pop con ideas musicales insólitas, de las que se ha nutrido tantísimo gente como Billie Eilish, y mientras que las canciones más tradicionales de ‘Trying Times’ resultan bonitas pero no acaban de explotar en algo más, otras logran sugerir una reinvención mayor y muy necesaria, tras el extraño volantazo del disco anterior.
‘Through the High Wire’ es preciosa en toda su rareza sonora y ‘Rest of Your Life’ encapsula todo el romanticismo de la discografía de Blake en una producción abiertamente house muy evocadora. Incluso cuando Blake trabaja con elementos clásicos, como en la final ‘Just a Little Higher’, el resultado es sorprendentemente minimalista, aquí remitiendo a la banda sonora con su uso de cuerdas tensas y metales.
El breakbeat de ‘Days Go By’ ofrece otro momento brillante al usar voces rítmicas y manipuladas, dando como resultado una alucinada pieza de alien pop que rompe definitivamente el guion de la primera mitad del álbum, centrada en la faceta más clásica de Blake. Aunque algunos experimentos no convencen plenamente -como la balada grunge ‘Make Something Up’-, la moraleja de ‘Trying Times’ es que la independencia le sienta bien a Blake, ya que en el disco logra recorrer caminos muy interesantes por primera vez en bastante tiempo, aun valiéndose de las herramientas de siempre.
El festival canario Granca Live Fest, que se celebra del 2 al 5 de julio en el Estadio de Gran Canaria, completa su cartel de 2026 con la confirmación de una serie de grandes nombres.
El más destacado es Maroon 5, que encabezará la recién anunciada jornada del domingo, gratuita para los poseedores del abono de tres días. Con la adición de este cuarto día de festival, Granca Live Fest celebra su quinto aniversario.
No se quedan atrás las confirmaciones de otros grandes nombres de la música internacional como Juan Luis Guerra y Ms. Lauryn Hill, mientras que el ídolo del urban actual Omar Courtz representa una de las apuestas más contemporáneas del cartel.
Granca Live Fest completa así una programación que ya contaba con la presencia de artistas como Aitana, Dani Martín o Lola Índigo.
Los abonos y entradas de día estarán disponibles desde el miércoles 18 de marzo a las 12:00 horas en Canarias (13:00 en la península) a través de la web oficial.
Jueves 2 de julio
Ms. Lauryn Hill, Dani Fernández, Viva Suecia, PtaZeta, PlayaCoco, Toni Bob
Viernes 3 de julio
Juan Luis Guerra, Omar Courtz, Lola Índigo, Danny Ocean, Carlos Rivera, Conjurer, Wendy Ruiz
Sábado 4 de julio
Alejandro Sanz, Aitana, Dani Martín, Grupo Frontera, Agua del Chorro, Dani Calero, Quique Serra
Domingo 5 de julio — 5º aniversario
Maroon 5, junto al talento canario: Monkey Faces, Click & Roll y Toni Bob
Prestoso Fest, el festival asturiano que se celebra desde hace ocho ediciones en el paraje natural de Cangas del Narcea, favoreciendo una experiencia cercana a la naturaleza, vuelve en 2026 con una novena edición que ya tiene el cartel completo.
El cierre de programación que se anuncia hoy incluye nombres destacados como Standstill, que celebrarán el 20º aniversario de Vivalaguerra; el tesoro nacional Lorena Álvarez, por supuesto natural de Asturias; y los irlandeses SPRINTS como gran confirmación internacional.
Los franceses Basic Partner se encuentran también entre los nombres revelados, así como el interesante From y la alemana residente en Asturias Fee Reega. Completan el cierre de cartel Lady Llagar y La Güeriata.
Las primeras confirmaciones de la novena edición de Prestoso Fest incluían ya a Rufus T. Firefly, recientes ganadores del Premio Ruido, así como a La Plata, joseluis, Él Mató a un Policía Motorizado, ORTIGA, Axolotes Mexicanos, los británicos Autocamper, el regreso de Nadadora y La Rate Timide, además de las sesiones de Lucía Dilema, DJ Coco y Mediocre.
Los días 6, 7 y 8 de agosto abrirá sus puertas Prestoso Fest en el precioso paraje de Las Barzaniellas. El abono completo está disponible a un precio de 90 euros.
Rosalia ha presentado el primer show de la gira de ‘LUX’ en Lyon, Francia, y las redes se han llenado de todos los detalles relacionados con el espectáculo. Se despejan ya todas las dudas relacionadas respecto al especulado maximalismo de la gira, la lista de canciones y la presencia escénica de Rosalía. A continuación, spoilers.
Previamente, habíamos visto a la artista interpretar ‘Berghain’, ‘Reliquia’ y ‘La Perla’ en diferentes espacios. Ahora tenemos la certeza de que podremos escuchar casi todas las canciones de ‘LUX’, a excepción de ‘Memória’ y ‘Mundo Nuevo’, en la gira. Estas se han intercalado en esta primera fecha con temas de ‘MOTOMAMI’ como ‘SAOKO’, cantada con una peluca a lo María Antonieta, o ‘CUUUUuuuuuute’, con lo que las redes han descrito como un «botafumeiro» gigante.
Una de las mayores sorpresas ha sido el vacío a ‘El Mal Querer’, con ninguna canción del disco siendo incluida en el show, aunque esto podría cambiar durante las siguientes fechas. Sin embargo, Rosalía sí que ha rescatado ‘El Redentor’, canción incluida en su primer disco, ‘Los Ángeles’. ‘DESPECHÁ’ y una cover de ‘Can’t Take My Eyes Off You’, también presentes.
El concierto comenzó con la artista saliendo de una caja gigante y vistiendo un tutú rosa y zapatillas de ballet. Podemos verla bailar durante ‘Porcelana’, dejarse la voz en ‘Mio Cristo Piange Diamanti’ o, por supuesto, trasladarnos a la noche berlinesa con el remix tecno de ‘Berghain’, que también está incluido en la gira. El elemento religioso del álbum tambien está presente sobre el escenario, claro. ¿Lo mejor en este sentido? El confesionario de ‘La Perla’.
Rosalía llegará a España con la gira de ‘LUX’ el próximo 30 de marzo, donde ofrecerá cuatro conciertos consecutivos en el Movistar Arena de Madrid. Tras pasar por Portugal, regresará a la península para actuar en el Palau Sant Jordi de Barcelona durante los días 13, 15, 17 y 18 de abril.
Setlist:
Sexo, Violencia y Llantas
Reliquia
Porcelana
Divinize
Mio Cristo Piange Diamanti
Berghain
Saoko
La Fama
La Combi Versace
De Madrugá
El Redentor
Can’t Take My Eyes Off You (Frankie Valli cover)
La Perla
Sauvignon Blanc
La Yugular
Dios Es un Stalker
La Rumba Del Perdón
CUUUUuuuuuute
La Noche de Anoche
Bizcochito
Despechá
Novia robot
Focu ’ranni
Magnolias
Rosalía monta un confesionario durante su presentación de La Perla en el LUX TOUR Lyon. pic.twitter.com/k6x5c6gTrB
Martin recupera el número 1 de JENESAISPOP con ‘Otro verano’, mientras Triángulo de Amor Bizarro protagonizan la entrada más fuerte de la semana llegando al número 3. También en el top 10 encontramos a Alcalá Norte y María José Llergo.
Harry Styles y Angèle quedan a las puertas de ese top 10. Otras entradas de la semana son las de Samuraï, Puma Blue y Em Beihold.
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