Jack Antonoff relata su boda en el plastic soul de ‘dirty wedding dress’

En ‘Derry Girls’, su creadora, Lisa McGee, demostró una notable habilidad para entrelazar dos tonos y registros distintos, el drama sociopolítico y la comedia adolescente, dentro de un mismo relato, logrando que ambos convivieran sin eclipsarse y que la historia funcionara simultáneamente en dos planos dramáticos. Pues bien, en su nueva serie, ‘Cómo llegar al cielo desde Belfast’ (Netflix), McGee realiza un triple salto mortal: combinar humor, drama y, además, misterio. Y todo vuelve a funcionar de maravilla.

La premisa es sencilla: ¿qué ocurriría si unas amigas al estilo ‘Derry Girls’ hubieran crecido y se vieran obligadas a investigar un crimen relacionado con su juventud? La serie sigue a tres mujeres norirlandesas en plena crisis de los 40 (fabuloso el trío de actrices) que, como en ‘Yellowjackets’ (con la que comparte más de un paralelismo), arrastran un oscuro secreto de cuando eran adolescentes y amigas inseparables.

Su llegada al ficticio pueblo de Knockdara, poblado de personajes excéntricos (a lo ‘Doctor en Alaska’ o ‘Twin Peaks’), pone en marcha un relato que combina intriga criminal (con elementos de noir rural, folk horror y cozy crime), con un drama generacional sobre las heridas del pasado, de esas que supuran cuando menos se espera, y sobre las frustraciones del presente, muy diferente al que habían imaginado de jóvenes.

Todo ello está atravesado por un humor muy eficaz y de múltiples registros: verbal, con diálogos rápidos e ingeniosos; físico, cercano por momentos al slapstick; negro, ligado a la propia trama criminal; romántico, encarnado en el personaje del policía; referencial, con guiños a la música pop adolescente de los noventa y dos mil (B*Witched, Five, t.A.T.u., Las Ketchup) y al universo de Hitchcock (el faro, el motel); y también meta, al jugar con la idea de que una de las protagonistas es guionista de una serie policiaca.

Junto a McGee, destacan, en labores de dirección, dos nombres habituales de la ficción británica reciente: George Kane, director de la serie de Phoebe Waller-Bridge ‘Crashing’ y de varios episodios de ‘Inside No. 9’, y Michael Lennox, realizador de la miniserie ‘No digas nada’ y de la propia ‘Derry Girls’. Los menciono porque ‘Cómo llegar al cielo desde Belfast’ también sobresale por su notable puesta en escena.

La serie está llena de ideas expresivas tan potentes como la secuencia del baile del primer episodio, en la que las protagonistas se encuentran con su yo adolescente, o aquella en la que asistimos a una escena del pasado mientras escuchamos el audio registrado en una grabadora en el presente, superponiéndose así dos líneas temporales.

Son dos ejemplos de cómo los directores no utiliza los recursos formales únicamente para ilustrar el guion de manera rutinaria, sino para explorar de forma poética los sentimientos que laten bajo una historia aparentemente ligera y desenfadada, pero impregnada de una profunda melancolía ante el paso del tiempo.

Chappell Roan responde a la polémica con Jorginho: «No odio a mis fans»

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22 marzo, 2026

Chappell Roan vuelve a estar en el ojo del huracán mediático. Esta vez, después de que su equipo de seguridad, presuntamente, hiciese llorar a la hijastra de Jorginho, futbolista brasileño. El incidente ha tenido lugar en el hotel de ambas figuras públicas, en la víspera de celebración del Lollapalooza: «Sin tus fans, no serías nada», ha escrito el futbolista en Instagram.

La misma mañana del día en el que Chappell Roan iba a actuar en el Lollapalooza, la casualidad quiso que coincidiese en el desayuno con la mujer y la hijastra de Jorginho, también hija biológica de Jude Law. El futbolista ha relatado los hechos desde su cuenta de Instagram, pero cuenta que no se encontraba en São Paulo: «Durante el desayuno, la artista pasó al lado de su mesa. Mi hija, como cualquier niña, la reconoció, se emocionó y quería comprobar si realmente era ella».

Al principio del post, Jorginho cuenta que la niña había preparado un cartel para el concierto de Chappell en el festival: «Lo peor es que ella ni siquiera se acercó. Simplemente pasó al lado de la mesa de la cantante, miró para confirmar que era ella, sonrió y volvió a sentarse con su madre. No dijo nada, ni pidió nada», cuenta el futbolista. «Honestamente, no sé en qué momento pasar al lado de la mesa de alguien y mirar si hay alguien ahí puede considerarse acoso», ha escrito.

Este describe la situación que tuvo lugar como «desproporcionada», contando que un «enorme guardia de seguridad» fue a la mesa en la que estaban su mujer y su hijastra y empezó a hablarles «de una manera extremadamente agresiva, diciendo que mi mujer no debería dejar a mi hija faltar el respeto o acosar a otra gente».

«Incluso dijo que presentaría una denuncia formal al hotel, mientras mi hija de 11 años estaba sentada ahí llorando. Estaba extremadamente agitada y lloró mucho», ha relatado el futbolista. A continuación, da su opinión del asunto como figura pública, asegurando que ha vivido bajo esta condición durante muchos años y que entiende muy bien «lo que es el respeto y los límites»: «Lo que pasó ahí no tuvo nada que ver con eso, solo era una niña admirando a alguien», apunta.

Mientras Jorginho ha deseado en sus Stories que esto sirva «como un momento de reflexión», las redes han explotado contra Chappell Roan, con la artista siendo criticada por todos los lados: «Para los fans, ella no merece vuestro afecto», termina el futbolista. Hasta el alcalde de Rio de Janeiro, Eduardo Cavalcanti, se ha hecho eco de la polémica, prohibiendo para siempre que Chappell actué en el festival anual de la ciudad ‘Todo Mundo no Rio’.

Algunas cuentas no oficiales de X aseguraban que Chappell Roan había respondido a la polémica en sus Stories y lo había eliminado inmediatamente. Aunque no se ha confirmado ni desmentido la veracidad del mensaje, la cantante supuestamente había alegado esto: «Merezco mi espacio, especialmente durante el desayuno. No juego con mi desayuno». Por supuesto, ahora X también está lleno de memes de Chappell Roan peleándose por unos huevos revueltos.

La respuesta real de Chappell Roan ha ocurrido unas pocas horas después, con la artista hablando a cámara directamente en sus Stories de Instagram: «Voy a contar mi parte de lo que ha ocurrido hoy». Lo primero que Roan deja claro es que el guardia de seguridad involucrado no forma parte de su equipo personal y que ni siquiera había «visto» a la mujer o a la hija de Jorginho. También confirma la versión del futbolista: «Nadie se acercó a mí. Nadie me estaba molestando. No le pedí al de seguridad que fuese a hablar con ellas».

«Es injusto que la seguridad asuma que alguien no tiene buenas intenciones, porque ni siquiera hay razones para creerlo», continúa la artista. Antes de disculparse personalmente con la madre y la hija, Chappell ha dejado claro que no odia «a los fans de mi música» o a «los niños»: «Me pone realmente triste pensar que fue incómodo para ti, no te merecías eso», termina el mensaje Roan.

Chappell Roan responds to the controversy involving a security guard confronting a young fan. pic.twitter.com/i3bNx7b9FS

— Pop Crave (@PopCrave) March 22, 2026

Footballer Jorginho Frello calls out Chappell Roan after her security confronted his young daughter:

“No one should have to go through this, especially not a child.” pic.twitter.com/ItACvdfiaf

— Pop Crave (@PopCrave) March 21, 2026

🚨BREAKING: Chappell Roan has responded to the Jorginho breakfast incident on Instagram… then INSTANTLY deletes it.

"i just woke up. i deserve my space, especially in moments like breakfast. i don’t play about my breakfast." https://t.co/uiT0ggKP0U pic.twitter.com/vmvtUbeKRb

— Zoomer 🧢 (@zoomyzoomm) March 22, 2026

Kim Gordon / Play Me

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Que el nuevo disco de Kim Gordon concluya con una versión actualizada de ‘BYEBYE’ sugiere que la propia Gordon se toma este trabajo como una especie de último coletazo de ‘The Collective‘, su notable álbum de 2024. Y, ciertamente, el repertorio de ‘PLAY ME’ parece empezar por el final de aquel disco, componiéndose de ideas redundantes de su propuesta que parecen descartes.

La nueva versión de ‘BYEBYE’ ironiza sobre la administración de Donald Trump recitando una serie de palabras censuradas por el mandatario como «diversidad», «transgénero», «hispano» o «útero», funcionando como pie de página de la canción original. Irónicamente, es una de las mejores canciones del disco. ‘PLAY ME’ va al grano, pero su frescura e inmediatez saben a improvisación.

Abundan en ‘PLAY ME’ los beats de trap distorsionado no, distorsionadísimo, en cortes destacados como ‘Hands Me’, en los que la voz de Gordon adquiere un tono industrial, o en la agresiva ‘Square Jaw’; mientras otros, como ‘Girl with a Look’, tiran de percusiones motorik o de instrumentación típicamente indie, como en ‘Not Today’. Por desgracia, la diversidad estilística no salva al disco del sopor.

Es posible detectar algo parecido a un gancho en las texturas vocales de ‘Hands On’, en las guitarras hipnóticas de ‘Not Today’ o en la querencia psicodélica de ‘Post Empire’, pero el abuso de los ritmos de trap y el recurso de medio rapear las letras por encima de las bases pierden su gracia rápidamente, sobre todo porque los textos pueden ser críptios y transparentes a la vez, incluso dentro de la misma canción, situándose en un extraño punto medio.

Los conceptos de las canciones pueden ser interesantes. ‘Play Me’, la pista inicial, en un estilo de rap-jazz y trip-hop, está escrita desde el punto de vista de una plataforma tipo Spotify que ofrece un catálogo de playlists típicas de música para poner de fondo, como «chica rica popular» o «relajándome después del trabajo». En ‘Dirty Tech’, la ex-integrante de Sonic Youth se pregunta si su próximo jefe será un chat de inteligencia artificial, y en ‘Subcon’ ridiculiza a los tecno-bros y su obsesión con Marte.

Pero otras pistas, como ‘Post Empire’, parecen lanzar frases llamativas de manera aleatoria sin que resulte claro su significado («Post empire / Say anything, get what you want / Elastic privilege / Plastic privilege»), mientras que el juego de palabras de «You don’t trump me, I trump you» en ‘Black Out’ no resulta muy ingenioso. A pesar de los detalles interesantes en producción, sobre todo el ruido distorsionado, ‘Play Me’ no cumple su cometido de denunciar el «creciente fascismo».

Kim Gordon no está obligada a ser absolutamente literal; simplemente, las canciones de ‘Play Me’ no son elocuentes ni siquiera en lo directas que son, resultando en general un compendio de frases lanzadas sobre las bases que, más que analizar estado del mundo actual, se conforman con comentarlo con una ironía desganada. Sobre todo, la inspiración se va estrechando cada vez más, pareciendo efectivamente la segunda parte de ‘The Collective’, pero sin la chicha de aquel disco.

Lizzo no acierta ni al juntar tres hitazos en ‘Don’t Make Me Love U’

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21 marzo, 2026

¿Dónde está la Lizzo de ‘Juice’? La autora de ‘Special’ ha lanzado hoy el que podría ser el primer adelanto de su próximo disco, ‘Don’t Make Me Love U’. El coqueteo de Lizzo con la música ochentera llega en esta canción a sus niveles máximos. Por desgracia, la interpolación de algunos de los mayores éxitos de los 80 no es suficiente para levantar el tema. De hecho, acaba siendo contraproducente.

‘Cuz I Love You’ fue el último disco de Lizzo antes de las numerosas polémicas que han rodeado su carrera y posteriores lanzamientos. ‘Don’t Make Me Love U’ es un intento fallido de reconectar con esa vibra. Para ello, la artista reutiliza la línea de bajo de ‘Livin’ On A Prayer’ y los arreglos melódicos del estribillo de ‘The Best’, que Lizzo cambia por su propia voz. Esto está en los créditos oficiales. Por si fuera poco, es difícil no pensar en ‘Like A Virgin’ en cuanto empieza la canción, aunque no sea una referencia oficial.

De primeras, el hacer un tema de estilo ochentero cogiendo los elementos más reconocibles de tres de los mayores hits de esa década no parece la mejor idea. Sobre todo, si el único gancho de tu canción reside en esos elementos, porque del resto de ‘Don’t Make Me Love U’ es muy difícil acordarse.

Uno de los mayores problemas del tema es que el estribillo parece que llega demasiado rápido, como de sopetón y sin ningún tipo de anticipación. «Ah, que esto es el estribillo…» es lo que a uno le viene a la cabeza. Esto tiene mucho que ver con la percusión, a la que le da igual que sea el verso, el estribillo o el pre-estribillo. Ella se mantiene sin cambios durante prácticamente todo el tema, a excepción de un redoble en el puente.

Se ve claramente la intención que hay detrás del tema, y sí podría llegar a ser un temazo retro, pero falta cocción y dinámica. Lo peor que le puede pasar a una canción de estas características es que sea aburrida. La letra tampoco la levanta, con Lizzo pidiendo honestidad en una relación: «Yo solo quiero ser deseada y sentirme preciosa / Más te vale que sepas lo que quieres».

Del videoclip, lo peor al final resulta siendo el tema. En él, Lizzo se dedica la canción a sí misma. Literalmente, a la Lizzo de ‘Cuz I Love You’, a la que incluso le perrea. Hacia el final del vídeo, hasta incluye una referencia directa a la portada del disco. Eran tiempos mejores.

‘Pillion’: la fallida aventura BDSM de Alexander Skarsgård

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Fernando García

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‘Pillion’, promocionada engañosamente como una película gamberra y sexy, es una de esas obras diseñadas para incomodar. Harry Lighton, descendiente de la aristocracia británica, se hizo en su debut cinematográfico con el premio al mejor guion en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cannes adaptando la novela ‘Box Hill’ de Adam Mars Jones.

El film sigue a Colin (Harry Melling), un treintañero retraído y acomplejado que vive con sus padres y canta en un coro de navidad. Su mundo cambia al completo cuando conoce por casualidad a Ray (Alexander Skarsgård), el atractivo líder de una banda de motos que no podría ser más distinto a él. Alucinado con que alguien así se interese por él sexualmente, se convierte en su sumiso sin rechistar. Colin comienza así su peculiar despertar romántico-sexual, embarcándose en una aventura que desmonta sus ideas preconcebidas del amor y donde descubrirá lo que quiere en sus relaciones afectivas.

Lo más mediático de ‘Pillion’ han sido sus escenas sexuales con BDSM y tener a alguien como Skarsgård interpretando a un gay dominante, pero pese a las escenas atrevidas, que las hay, la película no quiere nunca ser esa fantasía camp que muchos querían ver. Lighton utiliza los códigos de la comedia romántica, pero se los lleva, consciente o inconscientemente -y he aquí el problema- a un terreno triste, donde ni hay comedia ni hay provocación y sí mucho de pura devastación. La película trata de mantener siempre cierto tono festivo, cuando lo que cuenta tiene mucho de desesperanzador.

Hay un intento de exploración psicológica de su protagonista, un personaje que sobre el papel tiene muchísimo jugo: alguien para el que la humillación y la sumisión supone una suerte de liberación personal. Pero su desarrollo y sus decisiones muchas veces resultan tan incomprensibles que está constantemente testeando los límites de la credibilidad. Y sí, hay momentos de mucha ternura en el retrato de Colin y en la sentida interpretación de Melling, pero también termina colándose algo de crueldad bastante molesta que emborrona aún más el ya de por sí confuso discurso de la película.

‘Pillion’ juega a la incomodidad, a hacer preguntas al espectador sobre sus propios tabúes, pero su ambigüedad final es incapaz de generar algo que no sea puro malestar. Y no queda claro que esas sean las verdaderas intenciones del cineasta, pues por la manera en la que retrata a su protagonista en los últimos minutos, pareciera que le estuviera dando un empoderamiento que resulta sencillamente incomprensible. ¿Qué ha querido decir sobre una relación de estas características? ¿Sobre las dinámicas de poder que se establecen más allá de lo sexual? ¿Sobre el amor propio? ¿Sobre la pérdida? Lighton parece pasar todas estas cuestiones por encima, y lo que queda es una película pese a su encomiable agilidad narrativa, no acierta en poner el foco donde más hacía falta: en comprender y querer a su personaje.

El candombe de Jorge Drexler es otra genialidad suya

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21 marzo, 2026

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Jorge Drexler cumple 30 años de carrera en 2026. En todo este tiempo, a base de colaboraciones con C. Tangana o de implementar el uso del autotune en sus composiciones, el artista uruguayo ha sabido renovarse como pocos. En ‘Taracá’, su último disco, Drexler no pone el freno y entrega una obra tan rica en tradición como en sonidos nuevos.

‘Toco madera’ es el mejor ejemplo de ello, y también la Canción del Día. La clave del lead single de ‘Taracá’ es el ritmo que recorre toda la canción, propio del candombe. Drexler, de forma considerada, incluye en el vídeo de la canción en qué consiste este estilo afro-uruguayo: «Golpear la madera del tambor con el palo para marcar una clave rítmica». Efectivamente, entre pianos, guitarras y efectos vocales, la percusión es la protagonista de ‘Toco madera’.

Las letras siempre han sido la especialidad de Drexler. En esta ocasión, tocar madera se convierte en la expresión común tanto en la música, por la propia naturaleza del candombe, como en las palabras del cantautor: «Yo, por las dudas / Toco madera». El resto del tema exhibe la poesía que siempre ha caracterizado la obra del uruguayo: «Todo el mundo piensa que hay algo mejor ahí fuera / No importa cuál es la meta, solo ganar la carrera».

En los versos, Drexler pinta una imagen sobre el mundo actual, hablando de geolocalizadores y de crear «máquinas sabias como quien hornea pan». Incluso parece incluir una referencia a la guerra al asegurar: «Sabía que iba a pasar, pero no sabía cuando / No vemos a dónde vamos, pero vamos acelerando». El amor también está de patas arriba en pleno 2026: «No tengo claro si sos mi guardia o mi carcelera / Yo no era supersticioso, pero hoy no soy lo que era». Por las dudas, Jorge toca madera.

Cómo Chuck Norris se convirtió en el mayor meme de mi generación

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20 marzo, 2026

Para la gran mayoría de la Generación Z, Chuck Norris es el tío de los memes. Sin ningún tipo de contexto sobre ‘Walker Texas Ranger’, ‘Delta Force’, su amistad con Bruce Lee o sus numerosos campeonatos mundiales de karate, Norris llegó a nuestras vidas cuando los memes con letras blancas todavía eran una novedad. Creo que ninguno de nosotros sabíamos por qué él era el hombre al que le rezaba Dios, o el que jugó a la ruleta rusa con todas las balas cargadas y ganó, o la única persona que podía dividir entre cero. Tampoco nos lo preguntábamos. Con su fallecimiento, se va una de las figuras clave de la época dorada de Internet, y una de las más recurrentes en la infancia de mucha gente.

«Chuck Norris fue mordido por una cobra. Después de 10 dolorosos minutos, la cobra murió». Se cree que este fue uno de los primeros ejemplos de las famosas frases de Chuck Norris. Para ir a los inicios de todo, tenemos que rebobinar más de 20 años en el tiempo, hasta 2005. Por aquel entonces, los foros eran tecnología puntera. Y ahí fue, en los foros Something Awful, todavía abiertos hoy en día, donde un internauta llamado Ian Spector decidió empezar a publicar «facts» sobre Vin Diesel a raíz de la película ‘Un canguro superduro’.

Inspirado por las coñas de Conan O’Brien sobre ‘Walker Texas Ranger’, el foro rápidamente cambió a Diesel por Chuck Norris como sujeto de risas. Spector fue todavía más allá, abriendo el ‘Chuck Norris Fact Generator’, con letras automáticas en fuente Impact y todo. El tío no se detuvo ahí, llegando a escribir varios libros de frases de Chuck Norris. Algunos de los títulos eran ‘La verdad sobre Chuck Norris: 400 datos sobre el humano más grande del mundo’ o ‘Chuck Norris contra Mr. T: 400 datos sobre los tíos más duros de la historia’. La broma se fue de madre desde el principio.

Muchos de estos memes ahora serían percibidos como la mayor caspa del universo, pero en su momento eran la cima del humor: «Cuando Chuck Norris hace flexiones, en realidad está empujando la Tierra», «Chuck Norris tiene una alfombra de oso polar. No está muerto, simplemente tiene miedo de moverse» o «Chuck Norris tiró una granada y mató a 50 personas, después la granada explotó» son clásicos. Chuck Norris era la broma de todo Internet, pero, ojo, nadie se estaba riendo de él.

En 2006, la revista Time ya estaba llamando a Norris un «héroe de culto online». En 2008, Chuck Norris ya tenía su propio videojuego de móvil. En 2011, el gran gancho de un anuncio de ‘World of Warcraft’ era Chuck Norris diciendo su frase. Al año siguiente, Stallone le robó la broma de la cobra en plena película (‘Los mercenarios 2’). Durante esta época, Chuck Norris no salía ni en la tele ni en las películas, al menos con un cierto grado de éxito. Normal que no tuviésemos ni idea de quién era más allá de los memes. Sin embargo, la relevancia cultural de Norris era más alta que nunca. Era conocido por hasta tres generaciones diferentes, aunque fuese por diferentes motivos.

Viendo cómo han evolucionado los memes, e Internet en general, a lo largo de todos estos años, es difícil no ver la época de las frases de Chuck Norris como una de las más valiosas. El meme de Norris fue un fenómeno absoluto, uno de los primeros de la era digital, e incluso llegó a mutar en bromas con otras personalidades, como el futbolista Zlatan Ibrahimović, más allá de la figura de Chuck Norris. Su relación con los memes fue complicada al principio, llegando a demandar a la editorial de uno de los tantos recopilatorios de sus frases. Poco después, retiró la denuncia. En su último post de Instagram, publicado 10 días antes de su fallecimiento, demostró estar en paz con su leyenda: «No envejezco, subo de nivel».

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Almodóvar se ríe de sí mismo en medio de una ‘Amarga Navidad’

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Sebas E. Alonso

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‘Amarga Navidad’ era hasta hoy un bolero ranchero de Chavela Vargas, escrito por José Alfredo Jiménez, sobre alguien que prefiere «matarnos poco a poco» en lugar de «abandonarnos» de una vez. El único abandono que teme Pedro Almodóvar es el de su imaginación, el de su facultad de crear. ‘Amarga Navidad’ es desde ahora una película que nos habla de la ansiedad o de la muerte de un hijo, sí, pero sobre todo de las musas.

En esta película, la «amargura» de verdad es la que puede llegar a sentir un autor cuando llega la hora de sentarse a escribir, con el cursor palpitando sin parar, aguardando que encuentres una historia, las palabras y un final adecuado, después de 23 películas. ‘Amarga Navidad’ nos habla sobre sentirse «arrebatado», en referencia a la obra maestra de Zulueta, en la cual Pedro llegó a doblar una voz.

Almodóvar tiene 76 años –anoche contó en ‘La Revuelta’ que durante un tiempo solía quitarse 7-. Siente que no le queda tanto tiempo, y por eso, desde la pandemia, no ha parado de trabajar ni un solo día. ‘Amarga Navidad’ retoma un viejo relato de su libro ‘El último sueño’, pero solo para retorcerlo hasta la extenuación. No, esta no es una película sobre un bombero guapo, ni Patrick Criado es exactamente el nuevo Liberto Rabal.

Desde ‘Todo sobre mi madre’, la clave del «cine adulto» de Pedro Almodóvar está siempre en el metarrelato, en la historia dentro de la historia, que puede surgir a través de un viaje al pasado (‘Volver’), y/o a través de la autoficción (‘Dolor y gloria’). ‘Amarga Navidad’, que parece una película sobre la directora que interpreta Bárbara Lennie, pero es una película sobre el director que interpreta Leonardo Sbaraglia, en realidad es una película sobre Almodóvar. ‘Dolor y gloria’ es, claramente, su prima hermana.

En ese juego de autoficción decorado porque la realidad es muy aburrida y «la ficción es necesaria siempre«, hay muy interesantes reflexiones y no solo sobre el proceso creativo. Hay una muy importante sobre la salud mental: hace tan solo 20 años no teníamos ni idea de lo que era un ataque de pánico. Pero también hay espacio para el humor. La primera parte de la cinta tiene cierto poso de comedia y la última, que es más amarga, incluye una escena dramática en la que Sbaraglia/Almodóvar se enfrenta a todas sus críticas negativas con cierta sorna, a través del personaje de Aitana Sánchez Gijón, que interpreta a la persona que se ha encargado de resolver todas sus mierdas durante 20 años.

Esa escena es desde ya fundamental en la filmografía de Almodóvar por todas las capas que contiene. En primer lugar, la ética: ¿hasta dónde podemos llegar con la autoficción? ¿qué responsabilidad moral tiene el autor con su entorno? ¿qué compromiso puede llegar a adquirir con la intimidad de sus seres queridos? Y mejor: ¿es peor que no hablen de ti porque eres tan insignificante que lo tuyo «puede esperar»? Al tiempo, Almodóvar se ríe de todas las críticas que se suelen hacer a su cine, no Boyero, sino la gente que le y nos importa: que ya no pisa calle, que ha perdido la noción de la realidad, que se repite, y que vale ya de utilizar a su madre.

La conclusión final es que no sabemos tanto de Almodóvar además de que quería muchísimo a su madre y es probablemente el mejor patriota de este país, el que más ama España y ha vendido la marca España. Hay una foto muy grande, con mucha gente, en medio de todo esto. Y sin embargo, este autorretrato de ‘Amarga Navidad’ le dibuja de nuevo como un ser extremadamente solitario y ocupado únicamente de su legado, lo que por otro lado quizá tenga mucho que ver con la profundidad de su melomanía. Alberto Iglesias se repite a sí mismo en sintonía con todas las autorreferencias de la película, pero atención a esa última toma vocal de Vargas en ‘La llorona’, atención a Amaia sirviendo, y atención a ‘Libertango‘ también.

Hay un sinfín de temas tangenciales que surgen en este guión: qué es una película de culto y cuántos minutos dura el prestigio de un artista vivo. Spoiler: son 5. Pero por encima de todo esto, Almodóvar ha vuelto a triunfar en lo que mejor se le ha dado últimamente: en lo formal. Hay un momento en que ‘Amarga Navidad’ parece un borrador, con personajes desdibujados, hombres florero, situaciones que no van a ningún sitio… y resulta que tiene un sentido.

El gran éxito comercial y la conciencia política de Zara Larsson

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Sebas E. Alonso

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20 marzo, 2026

El último capítulo de nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO está dedicado a Zara Larsson, una de las artistas de pop que más tenemos ganas de ver en el próximo Mad Cool. En concreto lo hará el mismo día que Florence + the Machine, Jennie, Lorde y CMAT.

Coinciden en el tiempo tres factores: su colaboración con PinkPantheress ha escalado al número 1 Global de Spotify; ‘Lush Life’ ha recuperado e incluso superado su viralidad inicial, y esto último ha ayudado a que su gran sencillo del año pasado, ‘Midnight Sun‘, vuelva a listas. Aprovechamos para repasar en el podcast sus mejores canciones y discos, pero también para hablar de su conocido compromiso político.

Zara Larsson no es una advenediza en su feminismo o en sus declaraciones anti-Trump. Llevamos 10 años aplaudiendo declaraciones incendiarias contra los violadores o la lacra de los piropos callejeros. Cuando le han preguntado por Israel, ha respondido sin medias tintas y hasta se ha mojado hablando del último primer ministro sueco que influyó en algo (y por cierto asesinaron por la calle al salir del cine). Hay un histórico fascinante sobre las opiniones políticas de Larsson en internet.

En este podcast recordamos algunas de sus declaraciones más substanciales, al tiempo que no descuidamos el humor. Su post del condón colocado en su pierna para reírse de las pollas supuestamente grandes es un hito, como también lo es su referencia al Khia Asylum, el cual, felizmente, ha abandonado ya. Todo esto y mucho más, en esta hora de programa.

Entrevista a Zara Larsson.

mori / El Niño Bola

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Fernando García

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Un sentimiento de melancolía recorre de principio a fin ‘El Niño Bola’, el álbum debut de mori, que ha ido gestándose lentamente tras varios años publicando música en el fascinante sello Rusia IDK. Siete años después del lanzamiento de su single ‘q no’, llega a su primer largo jugando con muchísimos géneros a la vez y creando una estética que encuentra un punto de unión entre el clasicismo propio de un “crooner” y los experimentos de rupturismo pop característicos de otros nombres clave de la discográfica madrileña como rusowsky o Ralphie Choo.

A lo largo de 16 cortes y tan solo 35 minutos, mori lanza multitud de ideas a unas producciones lánguidas pero adornadas con pinceladas a todo color. En sus mejores momentos, el artista logra componer canciones atmosféricas, que funcionan como universos propios y que resulta todo un placer explorar. ‘Star’, en colaboración con rusowsky y co-producida entre Roy Borland (productor principal del proyecto) y Ralphie Choo, es un momento poderoso, donde la voz en falsete de ambos artistas emociona sobre unos sintetizadores que se integran sugerentes a las cuerdas acústicas.

La otra colaboración del álbum, con AMORE, es indudablemente otro de los puntos más álgidos del proyecto gracias a la química entre ambos cantantes. ‘I Feel Good’ suena tan romántica como un hechizo, incluso si la letra es agridulce (“Soy un romántico / pero no un tonto / algún día esto terminará / y no podré hacer nada”). Más críptico pero igual de agridulce es el fantástico y envolvente hypnagogic pop de ‘Is it Forever?’ o el buen broche final de ‘Lovers to Strangers’, donde hay un efecto de sonido sucio, como si estuviéramos escuchándolo en una misteriosa estación de radio o en un cassette perdido de los años 50.

‘El Niño Bola’ se construye a base de retazos de muchas cosas, algo que a veces desemboca en ideas prometedoras que no terminan de desarrollarse de forma completamente satisfactoria, como en el brevísimo interludio ‘Lifestyle Clues’, que daba para mucho más, o en las inquietantes ‘Ready for Life’ y ‘Premature Baldness’, que no encuentran del todo su lugar en la secuencia. Pero pese a esa irregularidad, mori siempre consigue generar interés, bien sea mediante su gran gusto (y oído) para las melodías, o bien por los delicados arreglos de las composiciones (el bonito tramo final de ‘Big, Big Love’ o las tonalidades retro-psicodélicas de ‘TODAY’).

Expandiendo su sonido y adaptándose al formato largo, ‘El Niño Bola’ es un disco prometedor, que aunque en conjunto no sea redondo, contiene alguna gran canción para el recuerdo. Como si fuera una especie de Cindy Lee patrio, mori es capaz de hacer música que suena contemporánea, pero también como de otra época. Las canciones de su álbum debut son cápsulas del tiempo que nos llevan a un pasado enigmático y reimaginado.

Muere Chuck Norris, héroe de acción y leyenda de Internet

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20 marzo, 2026

Chuck Norris, mítico actor y experto en artes marciales, ha fallecido a los 86 años. Así lo ha dado a conocer su familia a través de sus redes sociales. Aunque no se ha revelado la causa de la muerte, se sabía que Norris había sido hospitalizado este jueves de urgencia en Hawái tras algún tipo de emergencia médica.

«Para el mundo, él era conocido como un artista marcial, actor y símbolo de fuerza. Para nosotros, era un marido devoto, un padre y abuelo amoroso, un increíble hermano y el corazón de nuestra familia», ha declarado la familia de Norris. Este era conocido por sus papeles en series como ‘Walker Texas Ranger’ o ‘Delta Force’, gracias a los cuales alcanzó un estatus de héroe de acción que se quedó con él durante toda su carrera.

Chuck Norris nació en Oklahoma en 1940, teniendo su mayor punto de popularidad en la pantalla durante la década de los 80. Sin embargo, en 1972 también fue parte de un hito del cine al combatir en la gran pantalla contra Bruce Lee en la película ‘Way of the Dragon’, lanzada en 1972. Aunque claro, por aquel entonces todavía no era la leyenda que es ahora.

«El amor y el apoyo que recibió de sus fans alrededor del mundo significaba mucho para él y nuestra familia está realmente agradecida por ello. Para él, no eráis simplemente fans, eráis sus amigos», se puede leer en el comunicado de la familia del actor. La figura de Chuck Norris trascendió generaciones, siendo todo un héroe de la televisión para los milenials, pero también uno de los memes más conocidos de la Generación Z.

Según testimonios de fans, el propio Chuck Norris disfrutaba haciendo chistes sobre él en convenciones. Estos son conocidos por todos: «Chuck Norris contó hasta el infinito, dos veces» o «La muerte tuvo una experiencia cercana a Chuck Norris» son dos clásicos. Los memes se convirtieron en realidad en 2017, cuando el actor se enfrentó a los 77 años a la friolera de dos infartos en 47 minutos.

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RFTW: Pipiolas, CA7RIEL & Paco Amoroso, Rodrigo Cuevas…

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20 marzo, 2026

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Hoy, 20 de marzo, el pop internacional recibe esperados discos de BTS y CA7RIEL & Paco Amoroso, y el nacional deja lanzamientos igualmente esperados de Rodrigo Cuevas, Ana Torroja y Pipiolas, además de Mujeres, Ginebras, Marquitos o nuestros recomendados Mala Gestión.

Además, en cuanto a discos, hay que hablar también de Grace Ives, Underscores, el regreso de Ladytron y los EPs de Teo Lucadamo y Xenia.

¿Por dónde empezar a comentar la cosecha de singles? Quizá por el regreso de FLO, por la colaboración de RAYE y Hans Zimmer, o por los buenos segundos singles de Tove Styrke y MUNA. O quizá podemos empezar comentando el single de Lizzo, que no se parece en nada a ‘Like a Virgin’.

También tenemos sobre la mesa nuevos singles de Dagny y Belén Aguilera, y otras dos colabos notables: por un lado, Tokischa con Skrillex; por el otro, Bestia Bebé con Diego Ibáñez. Por no hablar de los interesantes estrenos de Laaza, Renaldo & Clara, Amor Líquido o la prometedora ROSSA.

Por no comentar solo singles nacionales, os recomendamos, en el plano internacional, nueva música de deary, Paris Paloma, My New Band Believe o Elmiene.

En portada hemos descifrado, a lo largo de la semana, además, los regresos de Death Cab for Cutie, Muse o Ed O’Brien, de Radiohead. Todas estas novedades están disponibles en las playlists de «Ready for the Weekend» en Apple Music y Spotify.

Comeback naval para BTS con la épica ‘Swim’

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20 marzo, 2026

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BTS publican hoy su disco de regreso, ‘ARIRANG’, tras su retirada de los escenarios para irse a hacer la mili. El título, ‘ARIRANG’, alude en coreano a una «triste despedida» y hace referencia a la canción tradicional más popular de Corea del Sur.

‘ARIRANG’ es el sexto disco de BTS grabado en coreano, el décimo en general (el grupo ha lanzado cuatro álbumes en japonés), y el primero desde 2014 que presenta a los siete integrantes en la portada, ahora vestidos de traje.

El álbum cuenta con colaboraciones destacadas en la producción, como Diplo, Tame Impala, Flume, JPEGMAFIA y dos españoles: El Guincho y Fakeguido (antiguo colaborador de Bad Gyal). Al mismo tiempo, se trata de uno de los trabajos de BTS en los que sus miembros más han participado en la composición, ya que casi todos figuran en los créditos de varias canciones.

RM, por ejemplo, coescribe el single de presentación, ‘SWIM’, junto al habitual Ryan Tedder y otros compositores. ‘SWIM’ es un medio tiempo de pop-R&B que sigue totalmente la línea del último Justin Bieber y que hoy elegimos como la Canción del Día.

Es fácil entender por qué ‘SWIM’ se ha seleccionado como single oficial, ya que su melancólica melodía refleja el significado del título del álbum, y su letra parece comentar sobre el mundo actual. «Me he ido y aún me levanto en este mundo loco», canta la banda. «Dime un solo lugar de este mapa donde pueda respirar». Esta dolorosa despedida solo puede relacionarse con la retirada de BTS para cumplir con el servicio militar, y no es casualidad que el videoclip de ‘SWIM’ tenga temática naval, con los integrantes de la banda embarcados en el Atlántico.

El clip es una tremenda superproducción marítima que cuenta con la participación de la actriz estadounidense Lili Reinhart, conocida por su papel en ‘Riverdale’. Ella representa a la persona a la que BTS se dirige en ‘SWIM’, convertida en una especie de océano emocional en el que los integrantes se refugian para huir del mundo exterior.

¿Qué es el Estadio Shakira?: toda la información

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20 marzo, 2026

Shakira ha confirmado finalmente las fechas españolas de su gira mundial Las Mujeres Ya No Lloran World Tour, y conociendo los detalles oficiales se entiende la demora en la publicación de dichas fechas, ya que Shakira no hará una gira al uso, sino que ha ideado una residencia de tres días que tendrá lugar dentro de su propio recinto creado para la ocasión, en la que, además de música, se organizarán una serie de eventos y actividades en torno a la cultura latina.

Primero, al grano: Shakira ofrecerá tres conciertos en el llamado Estadio Shakira de Madrid, que tendrán lugar los días 25, 26 y 27 de septiembre de 2026. El Estadio Shakira será un espacio integrado dentro del Iberdrola Music, en el distrito de Villaverde, muy cerca de Getafe.

Entradas para Shakira en España

Las entradas estarán a la venta el viernes 27 de marzo a las 10:00 horas en Live Nation, Ticketmaster y El Corte Inglés. Las personas que se registren en www.shakira.com hasta el domingo 22 de marzo a las 22:00 horas tendrán acceso a una primera preventa que empezará el martes 24 de marzo a las 10:00 horas.

La preventa SMusic estará disponible desde el miércoles 25 de marzo a las 10:00 horas, mientras que los registrados en www.livenation.es podrán comprar sus entradas antes de la salida a la venta general el jueves 26 de marzo a las 10:00 horas.

Qué es el Estadio Shakira

Integrado en el Iberdrola Music, el Estadio Shakira se concibe como una «ciudad paralela» a Madrid en la que, durante los tres días de Shakira en la capital española, el recinto se convertirá en un «destino cultural inmersivo» donde se celebrará la cultura latina a través de actividades curadas por la propia Shakira bajo el nombre de «Es Latina». Estas actividades consistirán en conciertos, exposiciones, charlas, talleres, cine, gastronomía, literatura y experiencias culturales compartidas.

Se trata de un recinto temporal con capacidad para más de 50.000 fans por noche, que ha sido diseñado por el reconocido estudio de arquitectura Bjarke Ingels Group (BIG), el mismo que se encargó de la residencia de Adele en Alemania. El recinto «ofrecerá visibilidad total, acústica de última generación y experiencias premium para los fans, introduciendo por primera vez en España el formato internacional de residencia artística».

La nota de prensa destaca la relevancia cultural de esta residencia en España: «La Nación Latina no es un territorio geográfico: es una comunidad transnacional unida por el idioma, el ritmo, la creatividad, la resiliencia y la alegría».

En mayo, Shakira ofrecerá uno de los conciertos más importantes de su carrera actuando en la playa de Copacabana, en Río de Janeiro.

¿La vida en rosa? El tercer disco de Olivia Rodrigo se acerca

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20 marzo, 2026

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Es evidente que la nueva era de Olivia Rodrigo está a punto de ponerse en marcha, ya que la cantante de ‘GUTS‘ (2023) está volviendo a aparecer en eventos públicos, como los Oscar, o incluso en discos como ‘Help(2)‘, donde interpreta una sorprendente versión de The Magnetic Fields.

Volviendo a los Oscar, allí la autora de ‘drivers license’ insinuó que el título de su tercer disco podría tener algo que ver con un cerrojo. Sus fans creen que podría titularse «Lock» o «Luck» (lo sentimos, Olivia, pero ‘Locket‘ ya está cogido).

Quizá ese cerrojo tenga forma de corazón, como el que un fan ha descubierto recientemente anclado en una valla de Londres. Este tenía inscritas las siglas “OR” y una fecha aproximada, abril, que los fans especulan que sería el mes de lanzamiento del álbum.

@brookethalman1 the olivia rodrigo lock in london was now painted pink!!!! ahhhh💖💖 #or3 #oliviarodrigoiscoming #oliviarodrigo #livrodrigo #sour ♬ All I Want – Olivia Rodrigo & Disney

El muro de OR3

En los últimos días, Rodrigo ha llevado a cabo una acción que ha consistido en cambiar el tono de color de su página web a diario, pasando del lila típico de sus dos primeros discos progresivamente hacia tonos más rosados y pastel. Esta estrategia también se ha trasladado a la vida real, con muros pintados en ciudades como Los Ángeles que han sido repintados con colores más claros.

Casualmente, Rodrigo se está dejando ver en eventos con vestidos de este tono rosado, y ya se sabe que la vestimenta de las pop stars también suele indicar la paleta cromática de sus nuevas eras. De hecho, acaba de aparecer cocinando lumpia de pollo en el canal de Vogue en YouTube con un traje de ese color, evocando el estilo de Jacqueline Kennedy.

@leyle2.0 je suis venue à Los Angeles juste pour ce mur 🤓🩷 #oliviarodrigo ♬ original sound – overlays ⸆⸉

Olivia, inspirada en New Order

Ahora, Rodrigo acaba de protagonizar una portada en British Vogue, en la que, sin dar demasiados detalles acerca de su nueva música, sí asegura que ha escrito una mayoría de “canciones románticas tristes”, ya que las canciones de amor “con un toque de nostalgia y tristeza” son sus favoritas. Olivia cuenta que, en lo personal, se encuentra más contenta y feliz que nunca -se la ha relacionado con el actor Louis Partridge-, por lo que ha sido “un reto creativo” escribir canciones felices.

Los detalles acerca del tercer álbum de Olivia Rodrigo, como veis, son escasos, e incluso hay fans que señalan que el tono real de la era podría ser el rojo. En diciembre sí deslizó algunas de las influencias musicales en las que estaba trabajando, que van de New Order a Joy Division, pasando por The White Stripes y Bikini Kill. También se especula que Robert Smith, de The Cure, podría estar involucrado, después de que Rodrigo y él compartieran escenario en Glastonbury el año pasado.

Almodóvar pone orden en el caos de La Revuelta con sus anécdotas

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20 marzo, 2026

Pedro Almodóvar estrena hoy su nueva película, ‘Amarga Navidad‘, y este jueves ha acudido a La Revuelta para promocionarla, meses después de hacer un cameo en el episodio de su amiga y «chica Almodóvar» Rosalía. El programa ha dejado momentos divertidos a la par que incómodos, con un Almodóvar al que, puntualmente, se le percibía ajeno al humor chabacano del programa. Broncano trataba de hacerle reír sin demasiado éxito con su típico humor, llegando a arrodillarse cómicamente ante él, pero incluso él parecía algo deslumbrado por la presencia del director. Aunque el propio Almodóvar reconoció haberse sentido muy cómodo, a pesar de que el día anterior lo pasó de promoción y tenía miedo de no llegar fresco al programa.

Más desconcertante que muchas escenas de una película de Almodóvar fue el momento en que apareció en el escenario una persona disfrazada de Don Pimpón para hacer cucamonas, sin ningún sentido aparente. Convenía recordar que el Hombre Mágico había mandado a los niños a la cama hace rato, porque de repente el programa parecía seguir en horario infantil.

Almodóvar no habló con Broncano de otra «chica Almodóvar» muy vinculada a La Revuelta, Amaia Romero, quien supuestamente aparece en ‘Amarga Navidad’, pero sí repasó su carrera, su vida y sus inquietudes actuales. Aseguró que ya casi no tiene vida social y que «vive aislado», y que actualmente dedica la mayor parte de su tiempo al trabajo. Contó que la pandemia ha trastocado su vida, ya que, desde entonces, no ha dejado de rodar porque siente que tiene menos tiempo que antes para hacer cosas. A sus 76 años, asegura ser «más consciente» de la muerte que nunca.

El director no siempre ha estado tan cómodo hablando sobre su edad, y en La Revuelta dio uno de los momentos más memorables de la entrevista al recordar que, durante mucho tiempo, se quitó años para que pareciera que su hermano Agustín era mayor, al ser productor. Almodóvar confesó que el público solo descubrió su verdadera edad cuando un periodista de La Vanguardia se la sonsacó al cura del pueblo, irónicamente la persona más indiscreta de Calzada de Calatrava, un personaje almodovariano en sí mismo.

@larevuelta_tve Pedro Almodóvar: "Vivo bastante aislado. Echo de menos los 80 por la enorme libertad que había" #LaRevuelta #DavidBroncano #almodovar #dictadura ♬ sonido original – La Revuelta

En el que terminó siendo el programa más visto de la noche por delante de ‘El Hormiguero’, al que superó por apenas 1.000 espectadores, el director de ‘Amor y gloria’ rememoró el pasado y su juventud durante los 80, asegurando que en esa época su vida era «muy coral» porque tenía vida social y su vida era una odisea de sexo y drogas. Hoy vive una vida tranquila y reconoce que hace tiempo que no tiene sexo, pero que está en paz. Sus días de follar al aire libre en Canarias parecen quedar atrás.

@larevuelta_tve 🏞️ Lo que hace este programa por fomentar las actividades al aire libre Gente de Zamora, igual este fin de semana no es el mejor para hacer un plan familiar por el campo, mucha gente ha tomado nota de todo esto seguro. #LaRevuelta #DavidBroncano #almodovar #zamora #relaciones ♬ sonido original – La Revuelta

Almodóvar trajo de regalo un flan cocinado por su hermana, María Jesús, puesto en una mesa con mantel muy almodovariano, mientras su hermano Agustín se encontraba también presente en el público y confirmó las afirmaciones de Almodóvar sobre su patrimonio, ya que el director dice no tener «ni idea» de cuánto dinero tiene en el banco.

@larevuelta_tve 🍮 Decidme si alguien esperaba que Pedro Almodóvar viniese al programa con un flan hecho por su hermana María Jesús. Queremos receta #LaRevuelta #DavidBroncano #almodovar #flan #postres ♬ sonido original – La Revuelta

El director manchego sí mencionó algunas de sus propiedades, como un piso de 400 metros cuadrados en Madrid, una segunda residencia a 27 kilómetros de la ciudad y parte de su colección artística. Afirmó poseer obras originales de Dalí y Picasso, aunque no concretó el valor total de su patrimonio.

Entre las anécdotas sobre su carrera, Almodóvar recordó la polémica en torno a la clasificación de ‘¡Átame!’ en Estados Unidos, que llegó a los tribunales. Con el propósito de que se clasificara correctamente una película que no se podía considerar pornográfica aunque contuviera escenas eróticas, Almodóvar logró que se creara una categoría nueva, NC-17, que prohibía el acceso a menores de 17 años.

Fueron las historias de Almodóvar las que acabaron de poner orden al caos habitual de La Revuelta, como quizá no podía evitar este director afectado de «deformación profesional» que no se cortó incluso en «dirigir» algunos planos de cámara.

@larevuelta_tve La película "porno" de Almodóvar En 1990, Pedro Almodóvar estrenaba su octava película: "¡Átame!". Victoria Abril y Antonio Banderas son los protagonistas de la película y de una de las mejores escenas eróticas del cine. Pero en Estados Unidos fue calificada como película porno 🥲 #LaRevuelta #DavidBroncano #almodovar #censura ♬ sonido original – La Revuelta

Gara Durán: «‘Brokeback Mountain’ lo es todo»

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19 marzo, 2026

¿Qué se sabe del esperado disco de Gara Durán? «Puedo decir que va a salir este año, que va a haber como tres o cuatro adelantos más y que habrá colaboraciones. No sé si lo puedo decir, pero en abril saldrá una». El último single de la artista, ‘Mi loco cowboy’, no solo es el primer adelanto de su debut largo, sino también la primera vez en la que Gara se ha permitido crear desde la diversión del pop.

Hasta ahora, la música de Gara Durán se había caracterizado por un tono, en palabras de la propia artista, «sensible», «intimista» y «onírico». Esto se ve claro en el EP que lanzó el año pasado gracias a canciones tan bonitas como ‘Robot’ o ‘Kryptonita’, pero probará nuevos caminos en su álbum debut, del cual nos ha descrito brevemente su sonido. «Lo que he hecho antes era una pequeña parte de lo que soy y de lo que me gustaría hacer. El disco es mucho más pop, pero no deja de tener mi estilo. Tiene su punto divertido, pero también etéreo. Creo que nunca voy a dejar de lado esa parte de mí, porque también me identifica».

Esto no quita que Gara se lo haya pasado en grande creando ‘Mi loco cowboy’, compuesta junto a Barry B y producida por el dúo RYO. Así da gusto irse al campo a hacer música: «La hicimos el primer día de camp, de forma natural y genuina. Me gusta que prime la composición, la melodía y la letra, e ir construyendo desde ahí». Lo importante de este tipo de prácticas es la organización: «Elías, mi guitarrista y una importante parte del tema, estaba en una habitación del piso de arriba grabando guitarras. Yo, abajo con Gabriel (Barry B) haciendo melodías y rompiéndonos la cabeza con la letra. Los productores, haciendo la base. Todo al mismo tiempo».

Con esa letra, llena de románticos halagos a un «loco cowboy», y el leve toque country de la música, es normal que a uno le venga a la cabeza ‘Brokeback Mountain’. El chiste ya lo hizo Filmin en su cuenta de Instagram el día previo a la entrevista, pero el tema había que sacarlo. Gara Durán coincide en que ‘Mi loco cowboy’ tiene un potencial enorme para convertirse en un himno gay: «La verdad es que sí, es un tema muy agradecido, y esa peli lo es todo». Soñar es gratis. En todo caso, sí que tiene potencial para ser un antes y un después en la carrera de Gara Durán.

Gara Durán estará este año en la carretera y nos adelanta que no faltarán canciones inéditas de su disco, el cual de momento no tiene nombre ni fecha de salida. Antes de su presentación oficial el próximo 25 de abril en la sala El Sol de Madrid, la veremos el sábado 4 de abril en SanSan. Actúa el mismo día que Barry B y no es ninguna casualidad.

Cualquiera que haya ido a un concierto suyo, ya sea de Gara o de Barry, sabe que ‘El lago de mi pena’ es el momento en el que el público se derrite por completo: «Es un sueño de tema. Disfruto un montón cantándolo, pero disfruto más viendo a la gente, cómo lo siento y cómo lo canta». Para ellos, componer juntos es algo «natural»: «Como convivimos juntos, nos conocemos muy bien. Sé lo que él quiere hacer, su estilo, su rollo y él conoce muy bien mi estilo y lo que yo quiero hacer».

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La Super Bowl es «demasiada presión» para Miley Cyrus

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19 marzo, 2026

Miley Cyrus lo tiene claro: la Super Bowl es demasiado. En una nueva entrevista con Variety, la autora de ‘Something Beautiful’ ha asegurado que la idea de ser la protagonista del Halftime de la Super Bowl sería «demasiada presión» para ella.

Bad Bunny realizó el pasado febrero una de las actuaciones más vistas de la historia de la Super Bowl. Al ser preguntada por una posible oferta de cara a 2027, Miley Cyrus dejó claro que le costaría demasiado trabajo abstraerse de las millones de miradas del evento: «Tendría que hacer el trabajo mental para que no fuese todo sobre la Super Bowl, porque entonces no puedes evitar pensar que es lo más visto del mundo».

Sin embargo, deja una pequeña ventana abierta. ¿Su referencia? Hannah Montana: «Si pudiese encontrar una forma de hacerlo igual que lo que fue el ‘Hannahversario’, un viaje a través de la discografía en el que se aprecia cada canción y cada etapa por lo que es, creo que podría encontrar la manera de hacerlo». Efectivamente, este mismo 24 de marzo se estrenará el especial 20 aniversario de Hannah Montana, el gran álter ego de Miley Cyrus.

Estas declaraciones están en consonancia con lo que contó la artista hace unos meses, cuando aseguró que las giras no son lo más conveniente para ella en estos momentos: «Echo de menos y amo actuar en directo, pero el estar seis meses en la carretera y dejar mi familia, mi normalidad y mi rutina simplemente no es lo mejor para mí».

‘Be With You’ es otro «más es más» de Muse, que presentan disco

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19 marzo, 2026

Muse han presentado formalmente el título y fecha de su próximo disco, que será el décimo en su discografía. Este se titula ‘The Wow! Signal’ y estará disponible el próximo 26 de junio. Después de ‘Unravelling’, que mezclaba electrónica con guitarras metaleras, el grupo británico también ha presentado el que sería el lead single de esta nueva era. ‘Be With You’ es un «más es más» en toda regla, pero no llena todos los huecos.

La épica por la épica. Muse no ha sido la banda más inspirada de los últimos años, especialmente después del fiasco de ‘Will of the People’. En su próximo proyecto, el grupo de Matt Bellamy también se enfrentará a un ambicioso concepto, describiendo el LP en un comunicado de prensa como «una mezcla de misterio cósmico, esperanza existencial y la emocionante posibilidad de contacto con algo mucho más grande que nosotros».

Los dos singles de ‘The Wow! Signal’ son tan ambiciosos como esta descripción promocional. Sobre todo ‘Be With You’, que comienza con un enorme órgano de iglesias y con Bellamy cantando sobre su luz siendo «absorbida» y la búsqueda de un «poder superior». La percusión se rinde a la electrónica, y no es hasta el último tercio del tema que escuchamos las guitarras. La estructura del tema, hasta el final, recuerda a los mayores himnos de U2, pero sin el mismo impacto emocional.

La mayor culpa de esto lo tienen las letras. «No me doblegaré al universo / Puedo romper su maldición / Y construir una sinfonía», canta Bellamy justo antes del estribillo, tan clásico como genérico. «Deseo caer en el sol / No puede ser con cualquiera / Tiene que ser contigo», suelta justo antes del solo final. Este desemboca en una explosión de bajos, sintetizadores y guitarras que, eso sí, será la delicia de todos los festivales.

Tracklist:
The Dark Forest
Nightshift Superstar
Shimmering Scars
Cryogen
Be With You
Hexagons
The Sickness In You & I
Unravelling
Hush
Space Debris

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The Cardigans, de vuelta en Barcelona 20 años después

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19 marzo, 2026

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Un nuevo ciclo de conciertos ha llegado a Barcelona y The Cardigans no es la única banda interesante de su cartel. Blaumarí Music ha anunciado hoy la programación de la primera edición de su historia, que tendrá lugar del 10 al 28 de junio en el Port Vell de Barcelona, y contará con nombres como UB40, Rufus Wainwright, Kamasi Washington o Nile Rodgers & Chic.

La última vez que la banda sueca visitó nuestro país fue en 2019, como parte del cartel del festival DCODE. Sin embargo, este 2026 se cumplen 20 años desde que el grupo de Nina Persson no visita Barcelona. Cosa que, por supuesto, va a cambiar este mismo verano. Las entradas estarán disponibles a partir del próximo lunes 23, a las 10h.

Uno de los aspectos más llamativos del ciclo Blaumarí será su escenario: una plataforma elevada sobre el mar en el Port Vell de Barcelona. Además de The Cardigans, otros 17 artistas también se suman a la ocasión. Entre estos, Carlos Núñez, Gipsy Kings, Xoel López, Dj Symphonic, Joss Stone, James o Alan Parsons.

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Varios Artistas / Help(2)

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Jaime Cristóbal

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Uno de los discos más vendidos del año 1995 fue ‘The Help Album’, una macro-colaboración de artistas fundamentalmente británicos que recaudó 1,25 millones de libras para la ONG War Child. El atractivo de oír al supergrupo que reunió a Paul McCartney, Paul Weller y Noel Gallagher o la primicia de escuchar ‘Lucky’ de Radiohead dos años antes de ‘OK Computer’ sumado al deseo de ayudar a la infancia en zonas de guerra (en aquel momento en Bosnia y Herzegovina) lo convirtió en un superventas que además causó un impacto de concienciación muy positivo.

Pues bien, tres décadas después el mundo sigue en guerra y el número de niñxs en la misma situación a nivel global es todavía mayor (incluso más que durante toda la Segunda Guerra Mundial), así que War Child ha vuelto a impulsar un proyecto similar, de nuevo contando con muchísimas primeras figuras del indiepop británico, más tres ilustres invitados transatlánticos (Big Thief, Cameron Winter de Geese, y uno de los cebos más inteligentes del proyecto, Olivia Rodrigo).

‘The Help Album’ se grabó en un día con Brian Eno de productor. En esta ocasión War Child encargó el trabajo a James Ford, quien reservó Abbey Road durante una semana, en la que los cinco estudios del edificio funcionaron simultáneamente, permitiendo a distintos artistas mezclarse e incluso colaborar.

El resultado es este disco doble que es curiosamente coherente, seguramente debido a la proximidad física, temporal y sobre todo en cuanto a intenciones de lxs participantes: la energía altruista y el deseo de ayudar –pero también denunciar– se percibe a lo largo de todo el disco, a veces explícitamente (la “divertida cruzada de la supercomputadora” del tema de Arctic Monkeys que abre el álbum trae a la mente los recientes ataques de EE.UU a Irán), otras de manera más sutil (la versión simple y desarmante de ‘The Book of Love’ de los Magnetic Fields a cargo de Olivia Rodrigo, que lo cierra).

Se nota también para bien el esfuerzo de aportar composiciones nuevas por parte de la gran mayoría de artistas para hacer el producto lo más atractivo posible, porque al final se trata de recaudar dinero para una causa noble. En ese apartado destacan claramente The Last Dinner Party y su ‘Let’s Do It Again’ –otro brillante ejemplo de su fórmula Siouxsie-Glam– la preciosa ‘Relive, Redie’ de Big Thief o Arlo Parks con el atmosférico pop de ‘Nothing I Could Hide’. Mención especial también para ‘Naboo’ de Sampha o ‘Parasite’ de English Teacher con Graham Coxon, una colaboración en la que encajan como un guante.

En algunos casos hasta lxs artistas se ha preocupado de que esas composiciones propias tengan un contenido político o social, añadiendo un extra que las acomoda especialmente bien en el espíritu de este álbum. De alguna manera causa mucho más impacto escuchar a Young Fathers cantar sobre un eufórico fondo distorsionado “A la juventud no se la combate / porque la juventud ve lo que a ellos se les escapa” que “he estado dándome una vuelta por Hackney / Pillando comida griega con Alice” (¡perdona, Arlo! Que tu canción en realidad me encanta…).

Pulp entran en esta categoría con un tema extraño (‘Begging For Change’) que no es particularmente redondo en lo musical, pero sí brillante en unas letras muy Jarvis (“I wanna change my way of life, the temperature, the way things are / I wanna change my hair, my name (…) the carpet”), que denuncian que “tú pagas con tu vida, ellos con sus tarjetas de crédito” y anuncian que “es el final de Occidente, lo cual quizá sea lo mejor, y no me importa nada”.

Curiosamente durante la grabación de la canción Jarvis se encontró saliendo del baño a Damon Albarn, Johnny Marr, Kae Tempest y Grian Chatten de Fontaines D.C. y les invitó a cantar la intro. En correspondencia, Cocker se unió a ellos como corista en ‘Flags’, que es otra de las piezas con un mensaje más claro, una colaboración entre Albarn, Chatten y Kae pero en la que también figura un Johnny Marr no acreditado a la guitarra y hasta coros de Carl Barat. La parte estrella son los versos siempre emocionantes de Kae: “Cuando sea mayor, lo haré de otra manera / Intento cambiar el mundo con mis deseos / Si pudiera tenerlo todo, lo que quisiera / Solo quiero que todo el mundo esté bien / Para tener un pequeño respiro de todo esto, noche tras noche / Coso una lágrima a mi oración y la aprieto con fuerza”.

Greentea Peng es mucho más directa en su brillante reggae junto a Ezra Collective: “Los que creemos que somos libres / Hace tiempo que cambiamos nuestra libertad por comodidades / Una falsa sensación de seguridad, recibiendo órdenes de la bestia / Lavado de cerebro para el té de esta tarde / mientras observamos la vida desde nuestras pantallas”.

En el apartado de versiones hay un poco de todo: desde lo decepcionante (el ‘Sunday Morning’ de Beth Gibbons, demasiado azucarado para una canción sobre la paranoia, cuya melodía necesita un contrapeso amargo) hasta lo completamente sorprendente: quién iba a imaginarse que el himno hippy antibelicista ‘Universal Soldier’ de la cantautora Buffy Sainte-Marie escondía el potencial para una adaptación tecno-pop tan brutalmente buena como la de Depeche Mode. Una reinvención de tonos siniestros que es de lo mejor del disco.

Por encima de la correcta ‘Say Yes’ de Elliott Smith a cargo de Beabadoobee destaca una muy emocionante revisitación del ‘Black Boys On Mopeds’ de Sinéad O’Connor. Oír aquí su canción nos trae una lágrima al darnos cuenta de que esta vez su participación es imposible, a diferencia de 1995 con aquella versión de ‘Ode to Billie Joe’. Y sin embargo está presente en esos versos con tanta fuerza sobre la injusticia del mundo con los necesitados (“Young mother down at Smithfield / 5 AM, looking for food for her kids / In her arms she holds three cold babies / And the first word that they learned was «please») o el odio hacia quien alza la voz (“Remember what I told you / If they hated me they will hate you”). Fontaines D.C. hacen un excelente labor sacando rabia de la canción sin restarle su elegancia indignada original.

En mis escuchas de este vinilo doble la Cara D ha terminado siendo mi favorita particular. Comienza con Wet Leg en modo ultra íntimo y acústico, una melodía deliciosa la de ‘Obvious’ (quizá la mejor del disco), compuesta por Rhian. Sigue la preciosa ‘When The War Is Finally Done’ de Foals, triste y solemne. Los versos “¿Me despertarás cuando la guerra haya finalmente acabado? / Avísame cuando nuestrxs niñxs estén a salvo de la amenaza de las armas” la convierten en la pieza que más directamente aborda el motivo del álbum. Por esa razón transiciona tan bien a la siguiente canción, la hermosísima ‘Carried My Girl’ de Bat For Lashes, con sus duras imágenes de refugiados. Cuando Natasha Khan canta “I carried my girl across the desert / Yet not one person noticed her dead / I carried my girl to the ocean / Yet not one person lifted their head” se le rompe la voz, una imperfección propia de la espontaneidad de este proyecto pero que añade un toque de humanidad muy adecuado a una música inspirada en imágenes terribles que todxs hemos visto en nuestras pantallas.

Siguiendo con el tono acústico y atmosférico, Anna Calvi borda su composición propia ‘Sunday Light’ junto a Ellie Rowsell, Nilüfer Yanya y Dove Ellis, para concluir con ese monumento de Stephin Merritt titulado ‘The Book of Love’ versioneado con delicadeza –y el apoyo de un Graham Coxon no acreditado– por Olivia Rodrigo. Una canción metamoderna, mitad ironía mitad verdadero amor, que en voz de la estadounidense suena mucho más sincera y literal, perfecta por tanto para un disco que quiere propagar un poco de amor en un mundo hecho un asco.

La edición física, por cierto, es un gatefold bonito, sin grandes alardes, pero con el diseño elegante de Jonathan Glazer y un single de 7” sorpresa en el interior: Oasis en directo haciendo ‘Acquiesce’ el pasado año. Por unos 30 euros merece mucho la pena, y la aportación económica tiene mucho más sentido que las centésimas de euro de las escuchas digitales.

Haz caso a Nicolas Jaar y escucha a Wesley Joseph

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19 marzo, 2026

Si te gusta Jorja Smith no debes perderte a Wesley Jospeh, aunque probablemente por esa razón ya sepas quién es, ya que Jorja y Wesley formaron parte del mismo colectivo musical, OG Horse, cuando ambos residían en la ciudad industrial de Walsall, en el centro de Inglaterra. Después, Joseph se mudó a Londres para estudiar cine, pero siguió creando música: en 2020 lanzó su single debut, ‘Imaginary Friends’, y en 2021 publicó el EP ‘Ultramarine’, que incluía una colaboración con la mencionada Jorja Smith, ‘Patience’.

En 2023, Wesley apareció en el famoso programa COLORS para presentar su single ‘Hiatus’, pero ha tenido que llegar 2026 para que el mundo escuche su debut oficial. Armado con una amalgama de estilos que mezclan R&B, pop, electrónica e indie, Joseph publica ‘Forever Ends Someday’ el próximo 10 de abril.

La batería de sencillos lanzados apunta a la influencia típica de Frank Ocean, pero en ‘If Time Could Talk’ se percibe una frescura propia en las composiciones de Wesley, quizá resultado de su sensibilidad electrónica, potenciada por nada menos que Nicolas Jaar, uno de los productores y compositores involucrados en el álbum. ‘Peace of Mind’, por su parte, vira hacia el trap, contando con el rapero Danny Brown como artista invitado.

Sin embargo, el mejor single de ‘Forever Ends Someday’ es el tercero, ‘Pluto Baby’, que elegimos como Canción del Día para hoy, jueves.

‘Pluto Baby’ te hará levantar la ceja al descubrir que Wesley no está firmado en ninguna multinacional, sino en Secretly Canadian. Joseph, junto a Jaar, Tv’n y otros productores, entrega una canción con un tremendo “punch” que se vale de sintetizadores synth-pop, texturas digitales borrascosas, guitarras sumergidas, piano y una melodía clara como el día, llevando a Joseph a alcanzar su versión más pop. Por momentos suena como el primer y el último The Weeknd, simultáneamente. ‘Pluto Baby’ habla de una chica que viene y va como un “ovni” y que es inasible, tan distante como el planeta más lejano del sistema solar.

Cuando un crush llevó a Russian Red a reconocerse «de derechas»

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