Arc de Soleil se encuentra de gira por nuestro país. Tras su paso anoche por Apolo en Barcelona, hoy 25 de noviembre es el turno de la Sala Changó de Madrid como parte del ciclo que celebra el XXV Aniversario de Ochoymedio.
El proyecto del compositor, productor y multiinstrumentista Daniel Kadawatha repasa unos éxitos que se basan tanto en el synth-wave como en la psicodelia. Temas como ‘Got Caught in Amsterdam’ o ‘The Thief in Marrakesh’ han arrasado en plataformas de streaming. Además, ahora suma las canciones de su álbum de este año, ‘Lumin Rain’.
Las grabaciones de Arc de Soleil se recrean en pasajes instrumentales, la cadencia de un punteo de guitarra y en ocasiones algo de ritmos bailables. Es el caso de ‘Dunes of Djoser’, el tema que seleccionamos como Canción del Día hoy.
Por si no te has dado cuenta, las composiciones de Arc de Soleil suelen ser viajeras, y esta se sitúa expresamente en el Antiguo Egipto, en turno a la tumba del faraón Zoser, la pirámide escalonada que tiene su origen hace más de 4000 años. Y si las composiciones del artista a veces contienen la sensación de delirio y paranoia, este breve texto juega con la sensación de confusión.
Arrolla en la primera estrofa «un oceáno de arena», mientras Daniel se siente aturdido con la «luz del atardecer». «¿Esto es real o es un sueño?», se pregunta mientras escucha una voz que le llama «y las cosas se disuelven». Una sensación que contrasta con una melodía certera que sabe exactamente hacia dónde se dirige y que resulta en una de sus grabaciones más accesibles.
Como extra, os dejamos también con el concierto que este mismo mes ha ofrecido para la icónica serie KEXP.
A Guillo Rist la invocación a Lady Gaga en la gala 10 le ha salido regular. Él ha bailado ‘Abracadabra‘ como un descosido -la ha cantado también, aunque peor- y eso ha sido suficiente para salvarle, pero no para evitar una nueva nominación. Compite con el favoritísimo Crespo, esta noche en la cuerda floja literalmente por descarte.
Téyou, la expulsada de la noche, ha brillado cantando ‘Je vole’ en perfecto francés, ofreciendo exactamente lo opuesto a Guillo, es decir, sensibilidad, intimidad y drama un poquito Disney. El 48% de los votos no han bastado para salvarla: su legión de fans lesbianas no se han movilizado suficiente. O será que Téyou ha decidido cantar una canción «sobre una despedida».
El jurado ya es incapaz de justificar cualquier nominación, ya que, bajo su criterio, esta noche todas las actuaciones han sido excelentes y dignas de grandes artistas. Claudia y Guille Toledano también han sido propuestos para nominación, pero la primera ha sido salvada por los profesores y el segundo, por los compañeros. Le ha tocado a Tinho, último favorito de la edición, desempatar los votos de Guille y Guillo.
Rist no ha recibido justificación alguna de su nominación (quizá el jurado no ha querido volver a tocar el tema de sus «efectos» vocales); Crespo sí: el jurado ha «disfrutado menos» su actuación -de ‘Cosas que no te dije- que noches anteriores. Claudia puede irse tranquila a la Academia porque sabe que su interpretación de ‘Birds of a Feather’ ha fallado en los agudos. Toledano ha sido propuesto también por descarte, a pesar de que su interpretación vocal ha sido excelente.
Tinho, con la gritona ‘Tempestades de sal’, y gracias a su elección como favorito, y a que la canción era en gallego y tenía mensaje, se ha salvado de -en mi opinión- una nominación segura. La versión de ‘At Last’ de Olivia se ha debatido entre la técnica recién aprendida y la sensualidad de Marilyn Monroe, con la que el jurado la ha comparado (¿o era shade?). Y Cristina necesitará una coreografía mejor, a la altura de su ilusión por ir a Eurovisión, si presenta en el certamen algo parecido a lo que ha hecho esta noche con ‘U Nana’.
Ha abierto la gala 10 de Operación Triunfo Pablo Alborán cantando ‘Saturno’ con los concursantes, y después el malagueño se ha vuelto a subir al escenario para presentar su single country ‘Vámonos de aquí’. Es decir, ha cantado una de las mejores canciones de su carrera, y una de las peores.
Elena Gadel -concursante de Operación Triunfo 2002 e invitada por derecho- ha sido la segunda visitante de la noche. Su papel ha sido concienciar a la audiencia sobre el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, que se celebra este 25 de noviembre. Para ello, ha invitado a las concursantes femeninas de la edición a hacerle los coros en ‘Loba’, su single de 2023.
En la gala 10 ya se enfrentan a la expulsión pesos pesados de la edición. Desconcierta que un talento como Guillo sea nominado dos galas consecutivas. Cuando Chenoa le pregunta qué canción elegirá para intentar salvarse el lunes que viene, después de haber tocado la guitarra y de haber hecho volteretas y saltado por los aires durante la edición, Guillo no sabe qué contestar: «Tendré que mirar a ver». ¿Ha jugado ya todas sus cartas? Entras comiéndote el mundo y sales dudando hasta de tu sombra. Si es expulsado, será también por descarte.
SanSan 2026, que se volverá a celebrar los días 2, 3 y 4 de abril en Benicàssim, acaba de anunciar su cartel por días. Abonos y alojamientos ya disponibles en la web oficial del festival. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial.
La propuesta para 2026 de SanSan comienza el jueves 2 de abril con Of Monsters And Men y Love of Lesbian como cabezas de cartel. Les siguen Siloé, León Benavente, Califato 3/4, La Élite, Rufus T. Firefly, Perarnau IV, Drama, Juventude, Puño Dragón, Tiburona, VIctorias, Groc Talent.
El viernes 3 de abril está encabezado por Rigoberta Bandini y Guitarricadelafuente. También actuarán Xoel López, La Casa Azul, Chiquita Movida, Anabel Lee, Hoonine, Leo Rizzi, Anouck, Las PEtunias, Malva, Michael Foster y Ultralágrima.
Por último, La M.O.D.A. y Ultraligera figuran como los nombres más importantes del sábado 4 de abril. Barry B, Maria Arnal, Sanguijuelas del Guadiana, Alizzz, Ángel Stanich, Biznaga, Samuraï, Comandante Twin, Gara Durán, Pablopablo, Repion y Sobrezero les acompañarán.
Zach Bryan actuará por primera vez en nuestro país en 2026. El cantante dará un único concierto el 27 de mayo en el Donostia Arena de San Sebastián con motivo de su nueva gira ‘With Heaven On Tour’. En este concierto le acompañarán Ben Howard y Keenan O’Meara como artistas invitados.
Las entradas saldrán a la venta el viernes 5 de diciembre a las 10:00h a través de las páginas oficiales de Doctor Music y Zach Bryan, además de entradas.com. Habrá entradas de pista y de grada con precios que oscilarán entre los 75 y 170 Euros (gastos de distribución no incluidos). Para este concierto habrá también Preventa del Artista a partir del miércoles 3 de diciembre a través de esta página web.
Bryan está a punto de embarcarse en su mayor gira internacional hasta la fecha: ‘With Heaven On Tour’, una serie de conciertos en Estados Unidos y Europa que comenzará el 7 de marzo de 2026 en St. Louis, Missouri, en The Dome at America’s Center. La gira abarca más de 40 fechas en Norteamérica y Europa.
Fatboy Slim, Guitarrica delafuente, Ralphie Choo, Saint Etienne, Amaia, Maria Arnal y Charlotte Cardin son los principales nombres de VIDA 2026, el festival que tendrá lugar del 2 al 4 de julio de 2026 en Vilanova i la Geltrú. En su 12ª edición, el evento, al que todavía le falta por confirmar un cabeza de cartel, ha apostado por el talento catalán.
La jornada del jueves estará amenizada con la música de Ralphie Choo, Saint Etienne, Charlotte Cardin, Osees, Alcalá Norte, Barry B, Amore, Maria Jaume, La Tania, Fades, Dan Perablo i El Comboi, Al·lèrgiques al pol·len, Carmen Lancho, Azuleja, Alavedra, Maig y el concierto inaugural que todavía está por concretar.
El viernes Guitarricadelafuente acompañará a Nu Genea, Lewis OfMan, La Ludwig Band, Sidonie, Shame, Depresión Sonora, Sunday (1994), Juan Wauters, Frente Cumbiero, Greta, Roserona, Kiliki, Preen, Remei de Ca La Fresca. Además, falta anunciar otro cabeza de cartel para este día, que también incluirá un show secreto.
El último día, sábado 4 de julio, Fatboy Slim, Amaia, Aldous Harding, Yerai Cortés, Maria Arnal, Cupido, Balu Brigada, Tyler Ballgame, Ferran Palau, La Paloma, Ángeles Toledano, Las Petunias, Tristán!, Indus, Me and the Bees y Gazella despedirán la edición.
El lema de este año en el VIDA se trata de IMAGINE, una «palabra universal que nos acompaña desde hace generaciones» y que no es solo «una canción icónica». En coherencia con ese espíritu, el festival adopta una imagen gráfica moderna, seria y elegante. Como el mítico White Album o la portada de Imagine, el blanco se convierte en el color central del VIDA 2026.
Los abonos y las entradas de día están disponibles a precio de salida hasta agotar existencias.
Si la semana pasada Pablo Alborán era la primera víctima del fenómeno ‘LUX’ de Rosalía en las listas españolas, quedando ‘KM. 0‘ en el puesto 2 (era la primera vez que Alborán no conseguía el top 1), esta semana es el turno de Sergio Dalma. Su nuevo álbum, ‘Ritorno a Via Dalma’ queda en el número 2 por detrás de Rosalía. No será el último disco que quede atascado en la segunda posición en los próximos semanas o meses.
JC Reyes llega al puesto 3 con ‘Vivir pa’ quedarse’ aunque la noticia es su dominio en singles, y el disco oficial de OT 2025 llega hasta el número 4. Además, el disco de la ‘Gala 8’ llega al puesto 82.
Otros que consiguen un top 10 son Sidecars con ‘Everest’, que alcanzan el número 8.
5 Seconds of Summer aparecen en el puesto 16 con ‘Everyone’s a Star‘. Este álbum ha sido número 1 en Reino Unido, en Australia, en Austria y en Holanda. Además, ha llegado al top 5 en Alemania. España no les da su peor posición, pues han quedado en el puesto 32 en Italia, en el puesto 45 en Francia o en el puesto 55 en Suecia.
Por su parte, De La Rose es top 20 con ‘FX De la Rose’ y Chica Sobresalto llega al número 38 con ‘Información sísmica’.
Las entradas se completan con The Rolling Stones, que llegan al puesto 53 con ‘Black and Blue’; Marlena, que llegan al puesto 54 con ‘La Victoria’; y Sidonie, cuyo disco en catalán ‘Catalan Graffiti’ entra en el puesto 62.
Rosalía sigue siendo la gran protagonista de las listas españolas. Mantiene el número 1 de álbumes como ‘LUX’ y el de singles con ‘La Perla’. Además, ‘Reliquia’ sigue en el puesto 2, ‘Berghain’ en el 4 y ‘Sexo, violencia y llantas’ en el 5. Rosalía tiene 6 canciones en el top 10, 13 canciones en el top 20 y 15 temas -todos los de ‘LUX‘- en el top 30.
Aunque Bizarrap y Daddy Yankee suben al top 3 con su Sesión, el protagonista de la semana es el sevillano JC Reyes. Su nuevo álbum ‘VIVIR PA’QUEDARSE’ -autoeditado, su sello se llama JC Reyes- es top 3 de álbumes y ha metido hasta 9 de sus 14 canciones en el top 100 español, lideradas por ‘Loquita’, que sube del puesto 40 al puesto 9 en su segunda semana. Así han quedado las canciones del álbum de JC Reyes en el top 100 oficial de nuestro país:
9 (40) LOQUITA, con Slayter
10 (E) DESDE 0, con Quevedo y Morad
38 (52) AVÍSAME
44 (E) TOY, con Clarent
56 (E) DA LA LUZ, con Alba Moreno
62 (E) MAKATUSSIN, con Kidd Voodoo, Piero 47
66 (E) LA MANO DE DIOS
67 (E) RESTAS O SUMAS, con J Balvin
94 (E) YYY, con Fito La R
Además, JC Reyes aparece con otros 4 singles o colaboraciones ajenas en el top 100, a destacar ‘Me mareo’ con Kidd Voodoo, que fue número 1 y aún resiste en el número 26.
Entre Rosalía y JC Reyes, ocupan casi el 30% del top, pero hay espacio para otras canciones. ‘Pinky Promise 2’ de La Pantera, Lucho RK y Pana YMB llega al puesto 21; ‘1204’ de De la Rose y Mora al número 49; ‘Bajo cero’ de Natos & Waor con Recycled J e Hijos de la Luna al 63; y ’11:11′ de Roa al puesto 97.
Tobias Jesso Jr. se ha hecho de oro gracias a sus colaboraciones con Adele, Harry Styles u Olivia Dean. Tanto que en los 10 años que han pasado desde ‘Goon‘ (2015) no ha publicado disco. Tan solicitados son sus servicios como compositor que el nombre de Tobias aparece en los créditos de una canción tan improbable y reciente como ‘La Yugular’ de Rosalía. ‘s h i n e’, su segundo disco, no tendría por qué existir.
Y, al escuchar ‘s h i n e’, esa pregunta se intensifica. ‘s h i n e’ no tiene ninguna pinta de ser un «álbum de estudio» de Tobias Jesso Jr., sino una simple y mera colección de maquetas escritas por Tobias para otros artistas, o quizá para sí mismo. Las letras hablan de «su madre, su hijo, una ruptura, su vida actual», pero nunca son lo suficientemente específicas como para volverse intransferibles.
Las grabaciones, por su lado, saben a proceso creativo. Suenan crudas y cantadas un poco de aquella manera (la final ‘Lullaby’), y el siseo de la grabadora -que podría ser la del iPhone- se ha conservado, quizá para transmitir una sensación de frescura e improvisación. El resultado no convence.
Para empezar, algunas canciones suenan directamente a lo que parecen sus primeras versiones, como ‘Black Magic’, que se basa en un arreglo de piano rítmico, funcionando como el esbozo de una canción completa. Después su frase «quererte es peor que hablar con atención al cliente», entiendo que no se la quisiera quedar nadie. Ni una persona con tanto sentido del humor como Adele la habría aprobado.
Muchos artistas -si no la mayoría- escriben sus canciones primero al piano y después las visten con producción. A esa idea o esqueleto suenan las canciones de ‘s h i n e’, que, incluso cuando presentan melodías tan bonitas como la de ‘Bridges’, transmiten la sensación de haber sido sacadas del horno demasiado pronto.
Luego está el tema de los artistas invitados, o más bien invisibles. Nunca adivinarías que Justin Vernon figura en ‘Green Eyes’, genérica en melodía y letra («la historia de mi vida, vivía de forma egoísta, hasta que llegaste y lo cambiaste todo»). Lo mismo aplica a ‘Everything May Soon Be Gone’, solo que esta vez es Danielle Haim quien presta su labor compositiva, aunque no se note.
Tobias ha trabajado con ambos en el pasado: con Bon Iver en ‘From’ y con HAIM en ‘Relationships’, además de colaborar con otros compositores acreditados en este disco, como Julian Bunetta, con quien firmó ‘Slow Hands’ de Niall Horan. Todo ello refuerza la sensación de que `s h i n e’ es un trabajo armado a partir de descartes manoseados.
La pieza más sorprendente de ‘s h i n e’ es el single de adelanto, ‘I Love You‘, otra balada llena de clichés («la vi llorar con alas rotas, ella sabe que volar significa arriesgarlo todo, caer duele»), pero que se resarce gracias a la irrupción de unas explosivas percusiones en su segunda parte, no aptas para corazones sensibles. En esa idea se nota un poquito el trabajo de Tobias con Dijon y Rosalía. El resto de pistas prometen, pero Tobias no les saca todo el «brillo».
Más de un año después de que surgiesen las decenas de denuncias a los raperos Ayax y Prok por supuestos abusos sexuales, FERNANDOCOSTA lanza un tema contra el primero de estos. El artista ibicenco ha estado vinculado a los granadinos durante la mayoría de su carrera, pero su relación se había enfriado durante los últimos años. En ‘TE AVISÉ’, FERNANDOCOSTA no se corta un pelo.
El nuevo ‘diss’ podría ser el último clavo en el ataúd de la carrera de Ayax. Ya ha pasado tiempo desde que la primera acusación dirigida al rapero desde la cuenta de Cristina Fallarás provocase un aluvión de denuncias que, si bien no ha desembocado en una acción legal, si ha tenido duras repercusiones en la carrera de ambos hermanos. Estas relataban historias de sexo con violencia y «no consentido», relaciones facilitadas por consumo de drogas, insultos y humillaciones.
Justo el pasado noviembre, el Wizink que tenían programado fue cancelado por el propio recinto. La última fecha cancelada de Ayax y Prok ha sido en el Sant Jordi Club. Por otro lado, la gira, que comenzaría en enero de 2026, no pasará ni por Madrid ni por Granada, su ciudad natal. La oficina de management y booking de los raperos, Taste The Floor, en su momento también borró la información de los artistas de su página web.
‘TE AVISÉ’ es la respuesta directa a ‘Justicia Poética’, subida por Ayax hace tres días. En menos de 24 horas, el tema de FERNANDO COSTA ya se está acercando a las 900.000 visitas, mientras que el de Ayax no pasa de las 330.000. El ibicenco no empieza con rodeos: «Te avisé cuando peleaste con tu exnovia y la hiciste llorar delante del camerino / Lloraba ella, cuando fuiste tú el que se fue de putas mientras ella soñaba contigo», rapea en los primeros versos.
No es casualidad que justo hoy la ex pareja de Ayax haya abordado el tema por primera vez en sus Stories de Instagram, dándole las gracias a Fernando: «Nunca olvidaré la frase que me dijo mientras me veía llorar en la cama sin ganas de vivir, que ‘ahí es donde me merecía estar'», ha publicado. Esta también revela que, a raíz de su relación de cuatro años con el rapero, acabó pesando «45 kilos».
En el resto de la canción, Fernando no baja el nivel. Este relata episodios despreciables en los que asegura que Ayax escupió a un técnico de sonido, pagó para que chicas retiraran sus denuncias del juzgado y contagió a sus amigos de tuberculosis. «¿Cómo voy a ser tu hijo? Si obligaste a todas tus exnovias para que abortaran», rapea FERNANDOCOSTA.
Este aborda directamente las denuncias dirigidas al rapero, acusándole de manipular a todas esas chicas aislándolas de sus amigas: «Empezó como una fan, le pareció un buen plan, un rapero activista / No se imaginaba que el maltrato venía disfrazado de feminista». Entre otras cosas, describe a Ayax como un «baboso», «narcisista», «tóxico», «inseguro» y «celoso».
En la última parte de la canción, responde directamente a Ayax, que lo acusó de dejarle tirado cuando las denuncias llegaron. FERNANDOCOSTA, por otro lado, asegura que se fue antes: «Cuando te vi drogarte con tu madre delante / Tu equipo se iba a otro hotel por tal de no verte / Yo ni ciego de pastillas era capaz de aguantarte», sentencia.
Jimmy Cliff, pionero del reggae, precursor de Bob Marley y uno de los principales responsables de popularizar el género alrededor del mundo, ha fallecido a los 81 años a raíz de una complicada neumonía. Así lo ha anunciado su esposa, Latifa Chambers, en redes sociales: «Doy las gracias a su familia, amigos, artistas y compañeros por haber compartido este viaje con él».
La carrera musica de Cliff comenzó en 1961, cuando este solo tenía 17 años, con la canción ‘Hurricane Hattie’. Sin embargo, no grabaría su primer disco hasta 1970, con ‘Wonderful World, Beautiful People’. James Chambers, de nombre real, fue una pieza clave a la hora de dar a conocer el reggae en todo el mundo. El pelotazo llegó en 1972 con la película ‘The Harder They Come’ (‘Caiga quien caiga’), protagonizada por él mismo.
Se trata de una de las cintas más importantes del cine jamaicano, pero la banda sonora es la que se llevó toda la fama, introduciendo el reggae en Estados Unidos y marcando el camino perfecto para estrellas mundiales como Bob Marley. ‘You Can Get It If You Really Want’ o ‘The Harder They Come’ se han convertido en clásicos del género, y está última ha sido versionada por artistas como Joe Strummer, Madness o Willie Nelson.
A lo largo de su carrera, Cliff ha grabado con figuras de la talla de Kool & The Gang, The Rolling Stones, Annie Lennox o Sting, pero no solo ha sido reconocido por sus compañeros de profesión. Ganó el Grammy a Mejor Disco de Reggae en 2012 por ‘Rebirth’ y a Mejor Grabación de Reggae en 1986 por ‘Cliff Hanger’. Además, junto a Bob Marley, es uno de los dos únicos miembros jamaicanos del Salón de la Fama del Rock and Roll.
Natalia Lacunza ha lanzado este viernes ‘N2STAL5IA’, su segundo disco, que ha venido precedido por los singles ‘Un castigo‘ con Jesse Baez, ‘Apego veroz’, ‘Tu culito‘ y ‘Singapur‘.
El disco revela nuevas joyas como ‘Plastilina’ y el focus track ‘SABES QUÉ???’ se ha promocionado con un videoclip que la propia Lacunza ha co-dirigido.
‘SABES QUÉ???’ versa sobre el deseo de Lacunza de liberarse de su propio autocontrol. «A veces necesito soltar las pinzas con las que tengo todo cogido y dejar que todo se destroce a mi alrededor», ha explicado en una entrevista reciente. En la canción, Lacunza expresa cansancio por ser siempre «la versión correcta» de sí misma y desahoga su frustración ante los sinsabores que le ha dejado la vida, lo cual incluye relaciones confusas, una búsqueda constante de validación, y la sensación de que el fulgor de la juventud -a sus 26 años- va quedando atrás: «Solía brillar, llegué a tener algo especial», canta.
Especialmente sonora es esa frase en que canta que, en esta nueva etapa de la vida, ya «no hay consejos de mamá», sino «solo un montón de mierda que no sé tragar».
Para contar esta historia llena de amargura e insatisfacción vital, Lacunza elige un sonido próximo al post-punk pero aún trabajado con sus colaboradores habituales, Pau Riutort y Pablo Stipicic. El sonido de ‘SABES QUÉ???’ remite al del primer Alizzz, el de ‘Ya no siento nada‘.
Martes, siete de la tarde. Llueve y hace frio en Gijón. Mientras espero para entrar en una sala de unos multicines (no todas las películas se proyectan en el elegante Jovellanos), me fijo en que solo hay colas para las sesiones del festival. Para el resto de las salas, no hay nadie esperando. Es una de las paradojas de los festivales: gente que apenas va al cine el resto del año, tragándose 10 o 15 películas en una semana.
Es la atracción del evento, la llamada del acontecimiento. No es ir al cine, es ir al festival: disfrutar del “ambientillo”, de los encuentros con los cineastas tras la película (ese aspecto Gijón lo cuida al máximo), de las actividades paralelas… Ahora que casi todo el cine está accesible por internet, esa es la función de los festivales que no están dirigidos a la industria, como Cannes o Venecia: crear lugares de encuentro y promoción cultural.
‘Nouvelle Vague’: así se hizo ‘Al final de la escapada’
Si te da igual la nouvelle vague, no conectas con el cine de Jean-Luc Godard y no has visto (y reverenciado) ‘Al final de la escapada’, la nueva película de Richard Linklater te parecerá tan interesante como a mí un libro sobre el “arte del toreo”. ‘Nouvelle Vague’ es droga para cinéfilos, una fiesta, una celebración, una gran bolsa de patatas fritas cinematográfica, el ‘Érase una vez en Hollywood’ de Linklater.
El director tejano no engaña a nadie: ‘Nouvelle Vague’ es, pura y simplemente, una carta de amor eterno a la película que alumbró el cine moderno. El filme recrea el rodaje de ‘À bout de souffle’ en clave de comedia cinéfila e imitando la caligrafía visual de la propia obra. El resultado es un falso making of tan encantador como divertido. Linklater no se dedica a hacer reverencias como un fan pesado cargado de solemnidad, sino que adopta la misma actitud que sus personajes cuando se burlan de la verborrea intelectual de Godard: complicidad, cariño y toneladas de admiración. 8’6
‘Blue Moon’: canción triste de Richard Linklater
‘The Lady Is a Tramp’, ‘My Funny Valentine’, ‘Blue Moon’… y así hasta mil canciones. El hoy olvidado letrista Lorenz Hart formó un popular dúo con el compositor Richard Rodgers en el Broadway de los años 20 y 30, luego eclipsado por el arrollador éxito de Rodgers junto a Oscar Hammerstein (‘Sonrisas y lágrimas’, ‘El rey y yo’).
Richard Linklater se acerca a la figura trágica de Hart (murió alcoholizado a los 48 años) recreando una sola noche de su vida: la del estreno del exitoso musical ‘Oklahoma!’ (1943), la primera obra que Rodgers compuso sin contar con él. Protagonizada por un sensacional Ethan Hawke -en la que podría ser la mejor interpretación de su carrera-, ‘Blue Moon’ es un biopic que se aleja del habitual semblante wikipédico para ofrecer un retrato del personaje más psicológico que biográfico, más centrado en transmitir su carácter y sensibilidad a través de la palabra (el filme está escrito de maravilla) que en enumerar su vida y milagros. 8’5
‘Las corrientes’: una mujer bajo la influencia
Precedida por las entusiastas críticas en los festivales de Toronto y San Sebastián (con quien el FICX mantiene un acuerdo de colaboración materializado en la sección Crossroads), la nueva película de Milagros Mumenthaler (‘La idea de un lago’, ‘Abrir puertas y ventanas’) se proyectó en Gijón envuelta en un inevitable halo de tristeza: la directora suizo-argentina estaba casada y tiene un hijo en común con el recientemente fallecido Fran Gayo, programador del festival e integrante del histórico dúo Mus.
‘Las corrientes’ se deja arrastrar por el caudal de estilistas de la imagen y la palabra como Hitchcock, Antonioni o Virginia Woolf para construir un relato misterioso, brumoso y esquivo sobre la inestabilidad emocional y la insatisfacción existencial de una mujer, una exitosa diseñadora de moda que parece tenerlo todo en la vida. Mumenthaler mezcla de forma fascinante imagen y sonido, silencios y voces interiores, para componer una especie de sueño febril donde los límites entre lo real y lo imaginado comienzan a difuminarse, como si el propio estado emocional de la protagonista contaminara la puesta en escena. Otro ejemplo más (‘Trenque Lauquen’, ‘Los delincuentes’) de la extraordinaria vitalidad del cine de autor argentino. 8’5
‘El agente secreto’: los “tiburones” de la dictadura
Fue una de las grandes triunfadoras de Cannes: Mejor dirección (Kleber Mendonça Filho), Mejor actor (fabuloso Wagner Moura) y Premio de la crítica. El director de ‘Bacurau’ y ‘Doña Clara’ echa mano de los códigos narrativos y estéticos del thriller político estadounidense de los 70 para construir una parábola sobre la dictadura militar brasileña.
Ambientada espléndidamente en 1977 en Recife (el diseño de producción es magnífico), ‘El agente secreto’ refleja el clima de miedo, violencia y corrupción que se vive en el país a través del relato de un enigmático funcionario que huye de un pasado turbulento y es asediado por los sicarios de una poderosa empresa afín al régimen. A partir de esta trama principal, la película se abre en diversas direcciones: alegoría política, retrato de la sociedad de la época (gran parte de la historia transcurre durante los carnavales), memoria histórica y cinéfila (incluyendo la proyección de ‘Tiburón’ y ‘La profecía’) e incluso un desvío hacia el terror de serie B más bizarro. 7’9
‘Father Mother Sister Brother’: la familia según Jarmush
Flamante ganadora del León de Oro en el reciente Festival de Venecia, ‘Father Mother Sister Brother’ nos devuelve al Jim Jarmush de las películas episódicas de sus inicios, como ‘Mystery Train’ (1989) o ‘Noche en la Tierra’ (1991). Acompañado de un reparto de lujo –Tom Waits, Adam Driver, Charlotte Rampling, Cate Blanchett…-, el director narra tres historias conectadas por un mismo hilo temático: las relaciones familiares.
Las dos primeras son magníficas: dos variaciones sobre un mismo tema -una pareja de hermanos que va a visitar a su padre o a su madre-, llenas de humor, melancolía y reflexiones sobre la incomunicación, la distancia emocional y los roles que interpretamos cuando estamos en familia. Jarmush juega con las repeticiones para establecer rimas llenas de comicidad, desplegando una puesta en escena mínima pero precisa que potencia el peso de los silencios. Con el tercer relato conecté menos, quizá por su desequilibrio tonal con respecto a las anteriores: la historia de dos hermanos que se reencuentran para visitar la casa de sus difuntos padres. Es tierna, emotiva y cierra bien el conjunto, pero le falta la chispa y la ligereza de las otras dos piezas. 7’8
‘Al oeste, en Zapata’: los olvidados
El comienzo de ‘Al oeste, en Zapata’, ganadora del premio a la Mejor película, es impresionante. Como si se tratara de un plano secuencia de un filme de Béla Tarr, fotografiado en un expresivo blanco y negro, vemos a un hombre de espaldas avanzando por una ciénaga mientras carga sobre sus hombros un cocodrilo que acaba de cazar con sus propias manos. Es un plano de gran fuerza visual y dramática que sirve como puerta de entrada al mundo de un matrimonio que (sobre)vive en uno de los parajes más inhóspitos de Cuba.
Mezcla de documental antropológico, cine de denuncia (la radio emite sin descanso discursos propagandísticos del régimen) y retrato íntimo de familia (la pareja cría a un hijo autista en condiciones extremas), el debut de David Bim se adentra en la rutina de este matrimonio con una mirada paciente y respetuosa, evitando tanto la explotación miserabilista como la épica grandilocuente, confiando en la propia potencia del entorno y la humanidad de los personajes. Una de esas películas del FICX en las que uno entra “a ciegas” (como el año pasado ‘Mother Vera’) y sale casi iluminado. 8
‘A pied d’œuvre’: bohemios del siglo XXI
Valérie Donzelli (‘Declaración de guerra’, ‘Solo para mí’) adapta el superventas autobiográfico de Franck Courtès (su guion fue premiado en el festival de Venecia). ‘A pied d’œuvre’ actualiza el mito del artista bohemio. El filme narra la historia de un fotógrafo de éxito (fantástico Bastien Bouillon, uno de los mejores actores franceses del momento) que abandona una posición de privilegio laboral y familiar para entregarse a su verdadera vocación: la escritura.
A través de su día a día, aceptando todo tipo de trabajos precarios para sobrevivir mientras escribe -un periodo muy fecundo desde el punto de vista creativo pero agotador en lo emocional y lo material-, la película traza un retrato íntimo de la fragilidad contemporánea del artista, siempre dividido entre la necesidad de crear y la urgencia de llegar a fin de mes. Donzelli observa con sensibilidad cómo esa precariedad, lejos de romantizarse, deja cicatrices, pero también abre un espacio para la libertad y la búsqueda de una voz propia. 7’7
‘Stereo Girls’: pop y muerte
Caroline Deruas, ex mujer de Philippe Garrel, dirige su segundo largometraje, protagonizado por su hija, Lena Garrel. Sí, todo muy “nepobaby”. Pero esta sensación se diluye en cuanto suenan las estupendas canciones compuestas por Calypso Valois, conocemos a las dos amigas protagonistas (a Garrel la acompaña Louiza Aura, conocida por ‘Las reinas del drama’) y nos vemos arrastrados por una narración muy afinada que mezcla la comedia musical con un coming of age tan luminoso como duro y profundamente dramático.
La directora parte de un hecho autobiográfico (el filme está ambientado en los 90) para contar un sencillo y hermoso relato de amistad adolescente, con la música como impulso vital (son fans de Les Rita Mitsouko y quieren ir a París a triunfar como dúo musical). Liviana y desenfadada como una canción pop, ‘Stereo Girls’ termina revelándose como una película más honda de lo que aparenta: un retrato vibrante y melancólico sobre la euforia, las heridas y la intensidad de unos años en los que todo parece posible (el título original es ‘Les Immortelles’). 7’5
‘Por el bien de Adam’: una enfermera contra el sistema
Laura Wandel irrumpió en el panorama del cine europeo con la contundencia de un puñetazo en el estómago. Su brutal acercamiento al acoso escolar desde el punto de vista de los niños en ‘Un pequeño mundo’, la situó como una de las cineastas más prometedoras del presente, una suerte de heredera de los hermanos Dardenne pero con mirada propia.
En ‘Por el bien de Adam’, la directora belga continúa explorando el mundo de la infancia, aunque esta vez desde el punto de vista de una enfermera pediátrica (extraordinaria Léa Drucker). El ingreso en el hospital, bajo orden judicial, de un niño con malnutrición será el detonante de un intenso drama médico, articulado alrededor del conflicto entre los protocolos de protección a la infancia y las complejidades de cada caso particular, entre la fría lógica institucional y la mirada humana de quien debe aplicar esas normas. Aunque carece de la sutileza y potencia dramática de la anterior, ‘Por el bien de Adam’ es tan buena como lo podría ser un episodio de ‘The Pitt’ rodado por los Dardenne. 7’7
‘Un día con Peter Hujar’: el día más largo
Había mucha expectación por ver la nueva película de Ira Sachs, quien además iba a estar en Gijón para presentarla. El teatro Jovellanos recibió con una gran ovación al autor de ‘Passages’ y ‘Keep the Lights On’, pero despidió su película con tímidos aplausos.
‘Un día con Peter Hujar’ recrea la grabación de la conversación entre Peter Hujar y Linda Rosenkrantz que tuvo lugar en 1974, en la que el célebre fotógrafo explicaba cómo transcurría un día normal en su vida. Sachs narra el encuentro emulando, con brillantez y notable capacidad evocadora, las formas del cine underground neoyorquino. Ben Whishaw brilla interpretando a Hujar (ganó el premio al mejor actor) y Rebecca Hall, en un papel muy poco agradecido, le da la réplica con sobriedad. El problema es que lo que cuenta Hujar tiene un interés muy limitado salvo para los muy fans del fotógrafo. Quizás, como ejercicio de estilo para un corto, hubiera tenido un pase, pero como largometraje se hace eterno. 5
Morrissey volverá a intentar actuar en España, tras cancelar su última fecha anunciada en Madrid por prescripción médica. Esta vez, el ex vocalista de los Smiths se ha aliado con Primavera Tours para llevar a cabo tres shows en tres ciudades españolas.
Morrissey estará el 12 de marzo en el Palau de les Arts de Valencia, el 14 de marzo en el Auditorio de Zaragoza y el 16 de marzo en el Cartuja Center de Sevilla, en tres conciertos coproducidos por Primavera Sound y SFMusic. Estas fechas forman parte de una nueva gira de Morrissey que comenzará en Estados Unidos a principios de 2026.
La venta general de entradas se abrirá en la página web de Primavera Sound el 28 de noviembre a las 10 horas, confirma la promotora.
Udo Kier, el actor alemán conocido por su presencia imponente y su participación en cientos de películas de culto, de directores como Lars von Trier, Gus Van Sant, Werner Herzog o Rainer Werner Fassbinder, ha fallecido a los 81 años. Su pareja, Delbert McBride, ha confirmado el deceso.
Especialmente recordado por su papel de Conde Drácula en ‘Blood for Dracula’ (1974), Udo Kier se especializó en interpretar personajes secundarios oscuros y depravados, incluido el mismo Adolf Hitler en uno de sus trabajos más recientes, ‘Iron Sky: The Coming Race’ (2019). Casualmente, cuando Kier nació en 1944, al final de la Segunda Guerra Mundial, su hospital fue bombardeado y él y su madre hubieron de ser rescatados de los escombros.
La presencia natural de Kier le llevó a encarnar a más de un vampiro, también en la transgresora ‘Flesh for Frankenstein’ (1973), y sus diferentes personajes en ‘Suspiria’ (1977) de Dario Argento, ‘The Third Generation’ de Fassbinder (1979), ‘My Own Private Idaho’ (1991) de Van Sant o ‘Zentropa’ (1991) de Von Trier -de villanos, aristócratas o científicos locos- fueron igualmente excéntricos o decadentes, cuando no antagónicos. Su último trabajo es ‘The Secret Agent‘ (2025) de Kleber Mendonça Filho.
Uno de los roles recientes más recordados de Kier es el de peluquero extravagante en ‘Swan Song’ (2021). Fue, a sus entonces 77 años, su primer papel protagonista.
Kier, quien rodó unas 220 películas tanto en Europa como en Estados Unidos, y también dobló películas, series y videojuegos, colaboró asimismo con artistas musicales. Su elegante presencia atrajo la atención de Madonna, quien contó con Kier para que posara con ella en su controvertido libro ‘Sex‘ (1991). Kier apareció también en los videoclips de ‘Erotica’ y ‘Deeper and Deeper’. Kier apareció también en los vídeos de ‘Make Me Bad’ de Korn y ‘Let Me Blow Ya Mind’ de Eve y Gwen Stefani.
En 2013 The Neighbourhood lanzaron su debut ‘I Love You.’, un álbum que albergaba una canción que ha ido imponiéndose como uno de los grandes (y más soprendentes) éxitos de los últimos quince años. ‘Sweater Weather’, la carta de presentación de la banda californiana, no pudo llegar en un momento más idóneo. Todo en ella respondía a las demandas estéticas de entonces: desde los coches vintage y atardeceres en blanco y negro de su videoclip hasta su atmosférico sonido pop-rock alternativo playero y muy cool. Si Tumblr fuera una canción, sería esa, y si fuera un sonido, sería el de los dos primeros discos de The Neighbourhood.
Ahora Tumblr no tiene casi relevancia y estamos en 2025. Pese a que parece que 2013 fue hace dos días, ya hay toda una generación de adultos que en aquella época su edad no llegaba ni a los dos dígitos. Para muchos de ellos, escuchar ese tipo de canciones supone regresar a la infancia o a la preadolescencia, y por todos es sabido que no hay nada que guste más, a cualquier generación, que la nostalgia. Probablemente por eso, la banda ha vivido un resurgir a través de TikTok (‘Sweater Weather’ acumula más de 4 mil millones de reproducciones en Spotify, mientras que ‘Softcore’ y ‘Daddy Issues’ superan holgadamente los mil millones cada una) y quizá por eso también han decidido finalizar el hiato en el que se encontraban y lanzar su cuarto disco tras seis años de sequía.
‘(((((ultraSOUND)))))’ es un regreso a lo que la banda sabe hacer, una zona de confort donde no hay grandes avances sonoros ni innovaciones estilísticas, pero sí un cierto refinamiento en las composiciones. La nostalgia es, sin duda, la luz que les guía, y en cierta manera, cada una de las canciones recuerda en mayor o menor medida al rock alternativo de los 2010s.
La buena noticia es que se percibe una mayor madurez que en los discos anteriores. Hay momentos en los que la banda suena mejor que nunca, como en ‘Lil Ol Me’, que destaca por una producción hipnótica y sugerente. El álbum entero intenta siempre lograr ese tipo de atmósfera densa con resultados irregulares, pero cuando lo consiguen, les sale muy bien la jugada. Es el caso de la muy britpop ‘Hula Girl’, que abre el proyecto, y que figura desde ya entre lo mejor del catálogo del grupo; y también de ‘Zombie’, que se construye mediante un ritmo de batería y una sutil línea de bajo tan adictivos como la relación tóxica que describe.
En otras ocasiones, los de Jesse Rutherford no se muestran tan acertados, hundiendo varias de sus canciones en un pozo de mediocridad que afecta considerablemente a la fluidez del disco. La animada ‘OMG’ se sustenta en una melodía facilona que no aporta demasiado; lo mismo puede decirse de la olvidable ‘Mama Drama’; y ‘Planet’ parece un tema cualquiera de Cigarettes After Sex, menos en su extraño estribillo a lo Michael Jackson. La combinación ya suena rara sobre el papel, y el resultado también lo es: no funciona nada.
Otros pseudo experimentos, sin llegar a maravillar, sí que sirven para airear la secuencia y se agradecen, como los cinco minutos de puro dream pop pausado tipo Beach House que propone ‘Rabbit’; o ‘Stupid Boy’ que comienza medio acústica y va paulatinamente ganando capas de distorsión en su instrumentación e intensidad en la interpretación del cantante, cerrando el álbum en un punto álgido.
En su cuarto disco, The Neighbourhood elevan considerablemente la calidad de su sonido sin dar grandes volantazos estilísticos y siendo fieles a ellos mismos. Sin embargo, hay una falta de concisión que perjudica a un álbum que no necesitaba 15 cortes para mostrar todas sus cartas. Afortunadamente, sus momentos insustanciales se presentan mezclados con otros que indican mejor que en ninguno de sus otros proyectos que la banda es capaz de crear buenas canciones. (((((ultraSOUND))))), pese a sus defectos, debe ser visto como un paso adelante.
Jeanette ha anunciado las fechas de su Gira 50 Aniversario, que pasará por algunos de los recintos más grandes de España. Entre estos, el Movistar Arena de Madrid y el Palau de la Música en Barcelona. Las entradas ya están disponibles.
La cantante nacida en Reino Unido repasará toda su carrera en esta gira, desde sus inicios folk con Pic-Nic hasta los clásicos que todos conocemos, como ‘Soy rebelde’, ‘¿Por qué te vas?’o ‘El muchacho de los ojos tristes’. Así, Jeanette comenzará la gira el próximo 19 de diciembre en Tudela y pasará por Granada, Vigo, A Coruña, Barcelona, Bilbao, Valencia, Sevilla, Gijón, Madrid y San Sebastián.
En un comunicado de prensa, se adelanta que la cantante ofrecerá «versiones renovadas que respetan la esencia de sus canciones originales», y que las actualizan con «instrumentación acústica, pianos eléctricos y unas delicadas cuerdas». Próximamente, se anunciarán las fechas de la gira para el continente americano.
Fechas de la Gira 50 Aniversario de Jeanette:
– Tudela (19 de diciembre)
– Granada (6 febrero 2026)
– Vigo (14 febrero 2026)
– A Coruña (15 febrero 2026)
– Barcelona (9 marzo 2026)
– Bilbao (15 marzo 2026)
– Valencia (21 marzo 2026)
– Sevilla (12 abril 2026)
– Gijón (23 mayo 2026)
– Madrid (14 diciembre 2026)
– San Sebastián (19 diciembre 2026)
La segunda tanda de confirmaciones de Low Festival ha sido anunciada. El evento, que se había celebrado durante 15 años en Benidorm, se traslada este año a Torrevieja y tendrá lugar durante los días 31 de julio, 1 y 2 de agosto en el Parque Antonio Soria.
Low suma a su cartel ocho nuevos nombres: Kasabian, Love of Lesbian, Ginebras, La Casa Azul, Rufus T. Firefly, Aiko el Grupo, Los Chivatos y Nuevos Vicios. Estos se suman al primer avance de artistas, anunciado hace una semana con Editors, Dani Fernández, Fangoria, Alcalá Norte, Barry B, Natalia Lacunza, Ojete Calor, Veintiuno, Besmaya, joseluis, Perro y Repion.
Los abonos generales y VIP Low 2026 están disponibles en la web oficial del evento. Por su parte, la organización también ha anunciado un descuento especial para empadronados en Torrevieja que podrán conseguir su abono a precio reducido.
En 2016, Monkey Week anunciaba que, tras 7 ediciones en el Puerto de Santa María, se mudaba a Sevilla. La organización argumentaba que era la «consecuencia lógica de su crecimiento como punto de encuentro de la industria musical». Este 2025, la Monkey Week ha vuelto al Puerto de Santa María, tras sentir que las instituciones sevillanas estaban ahogando el festival, alejándolo cada vez más del centro de la ciudad (cuando se había concebido como festival urbano), e imponiendo restricciones horarias.
El regreso a Puerto de Santa María ha sido un éxito. Se puede echar de menos la triada de salas contiguas que, entrada la madrugada, acogía conciertos en Sevilla, pero las localizaciones para el desarrollo del festi no admiten comparación. Las charlas sobre la industria se celebran en la mezquita del Castillo San Marcos (siglo XIII), el escenario en dicho Castillo está dentro de una bodega, y los shows nocturnos se celebran en el espectacular Monasterio de la Victoria (siglo XVI), lo cual incluye una gigantesca capilla. Recintos en piedra no siempre amigos de los técnicos de sonido más noveles, pero que compensan cualquier falta con su espectacularidad.
Si Monkey Week tiene el cometido de descubrir bandas, lo que se llama «la música del mañana», hay un par de proyectos que me llevo muy bien apuntados. El dúo madrileño Las Nietas del Charli ofrecieron el viernes en la Sala Milwaukee uno de esos conciertos actústicos que, de tan bonitos, son capaces de callar a todo el mundo. Las hermanas alternaron humor con delicadeza. Ambas a la guitarra acústica, recordaban obviamente a Pauline en la Playa y a sus maestras Vainica Doble, aunque con armonías vocales más propias de los Low más descorazonadores.
Entre canción y canción, divirtieron. En verdad, nada más salir bromearon: «Gracias por venir a la hora de la siesta. Nosotras somos un poco siesta también». Y añadieron, provocando alguna carcajada: «¿por casualidad nadie tendrá una cejilla?». Aunque en el penúltimo tema un productor presente en la sala fue capaz de apañar una cejilla con un bolígrafo y una goma de pelo, el concierto de «Las Nietas» habría salido igual de bien sin ella. Anunciaron que no iban a tocar ninguna de las 6 canciones que tienen publicadas, se decantaron por las nuevas, y fueron capaces de cortar el hipo, sin grandes estribillos, con la calidez de ‘Trece’, ‘Pájaros de plata’, un tema sobre una «montaña», otro sobre la «distancia» o ese ‘Rabia’ con el que empezaron y que, lleno de violencia, dedicaron al 20-N que acababa de pasar. Y de qué manera. Volveremos sobre Las Nietas del Charli pronto.
A continuación, en la misma sala, el show del vallisoletano Dulzaro fue mucho. El joven artista remoza el folclore castellanoleonés con letras abiertamente LGTBIQ+ llevando un paso más allá -en cuanto a dance se refiere- lo exhibido por Rodrigo Cuevas desde Asturias. Dulzaro sabe cómo actuar cuando suenan pregrabadas las voces de los featurings de su álbum ‘Ícaro’, que son de paisanos tan improbables como David Ruiz de La M.O.D.A. o Erik Urano, revelándose como un gran performer al margen de los instrumentos folclóricos que se sacan de la manga tanto él como su músico.
‘Veinte duros’, pese a su temática de ITS o prostitución, hace reír por alguna razón, además de mejorar casi a capella en lugar de en su versión de estudio. Ante todo, un concierto muy divertido, gracias a la buena recepción popular. Alguien gritó «¡vivan las maricas castellanas!». Y otra, que se había identificado como su fan número 1, chilló: «¿Qué te falta?». Y él devolvió: «un ventilador».
Javier Rosa
Lo mejor de Monkey Week sucede cuando puedes ir alternando estos escenarios en los bares, en las salas, con los del Castillo, durante el día, mientras los del Monasterio son los nocturnos. En ese ir y venir de un recinto a otro durante el día del viernes pude descubrir también a Pleito. Se trata de una artista canaria que toca el saxofón y lo samplea, lo mismo que hace con conchas que de repente se saca de un bolsillo, entre otros artilugios que la rodean. Ocasionalmente, tamnbién canta algo. Junto a sus explicaciones sobre leyendas macabras de las Islas o canciones que se dedican a vírgenes, amenizó la comida de dicho día, con ciertas ínfulas avant jazz.
Hablando de saxo, fue inesperadamente un gran protagonista del concierto de Bernarda. Hubo sus momentos fieros, pero sobre todo sorprendió la experimentación de este show, hasta el punto de llegar a dudar de si estaba viendo a Bernarda en la Bodega del Castillo, o había habido algún tipo de cambio de escenario. Pero identifiqué finalmente temas como ‘Sadboy en bicicleta’ u ‘Otra mañana’. Nada que ver con Gonzalo Brancchiari, que ofreció un acústico junto a un colega que pudo traerse de su país Uruguay, y defendió sus composiciones de rock con lo mínimo, lo que incluyó su bonita voz.
Javier Rosa
El jueves llenaron también sus recintos en la zona centro de El Puerto de Santa María, Sanguijuelas del Guadiana y Karmento. Los primeros son la sensación nacional de 2025, ya lo eran desde antes de actuar en ‘La Revuelta’ y ahora lo son más. Los extremeños, jovencísimos, son definitivamente un cruce entre Estopa, Extremoduro y Pignoise, con algún ramalazo electrónico y la gracia de tener un himno sobre la España vaciada. Dedicaron ‘Revolá’ a la «gente que se va de su pueblo porque no puede hacer lo que quiere», aunque es cierto que su técnico no logró sacarles mucho brillo en la Bodega del Castillo.
Por el contrario, Karmento sonó increíble con su banda eminentemente femenina en la Sala Milwaukee. Interpretó sus hits como ‘La loca del pueblo’, ‘Fangos’ o ‘Quiero y duelo’, además de su nueva canción junto a Le Parody, quien pudo subir al escenario porque estaba por allí. Karmento no paró de hablar entre tema y tema, recordando fiestas de su pueblo en que las «serranonas» lucen traje, anticipando que en Nochevieja podremos verla en RTVE y a veces desconcertando un poco también: «Mujeres, no me revolucionéis a los hombres. Hermanas, sabéis de lo que hablo», espetó misteriosamente al presentar un tema, sin que nadie pudiera adivinar qué quería decir.
En verdad, el único enemigo de este Monkey Week ha sido el frío. La Feria se celebra hoy por hoy a finales de noviembre, y aunque el invierno ha tardado en hacer acto de presencia por obra y gracia del cambio climático, lo cierto es que ha llegado a la península justo esta semana. Programar a Cupido a las 2 de la madrugada en el Escenario al aire libre del Monasterio, un 21 de noviembre, no lució como la mejor idea, por muy al sur de España que nos encontremos. El Monkey debería ser en octubre o no alargarse tanto durante la madrugada al aire libre.
Cupido salieron airosos del reto, de todas formas. Pimp Flaco apareció con un plumas minúsculo y diminuto que le había dejado su hermana, y además al final se animó a quitárselo. El teclista y guitarrista Toni D comentó varias veces que le estaba costando tocar, especialmente la guitarra, con los dedos entumecidos por el frío. Aun así, el público resistió y se cantó temas como ‘Sobredosis de amor’, ‘Milhouse’ o ‘Autoestima’. Esta última, Pimp Flaco se la dedicó a su padre, ya fallecido, que además era de Cádiz. Aunque quien de verdad se llevó el gato al agua, al aire libre, este viernes, fueron Ortiga con su banda «Las Fanáticas de lo Sensual».
Javier Rosa
Decenas de shows por todo el país avalan el proyecto del compostelano, y el show, marcado por las mujeres a los vientos y el ritmazo, es una fiesta. Decía Ortega -antes en Esteban y Manuel- cuando salió ‘Obra social’ que le gustaba entender el grupo «como una obra social que sirva a la gente que anda perdida en la vida». Que quería crear «un lugar en el que sentirse acogido y respetado». Y eso fue exactamente lo que logró con una mezcla de merengue, bachata, cumbia y música de verbena (de hecho es que tiene un tema llamado casi ‘Verbena’), que animó a todo el Escenario Son Estrella Galicia a bailar. No sé si las escuchas de Ortiga se dispararán algún día, pero no deberían faltar en ningún festival.
Justo antes en el mismo escenario, La Paloma habían estado presentando su segundo disco, el notable ‘Un golpe de suerte’. Hubo sus altibajos en cuanto a sonido, pero el grupo sirvió show dada la gracia de compartir liderazgo (incluso han incorporado al bajo a Ade ex Hinds). Quizá sean más conocidas las canciones que canta Nico (‘Bravo Murillo’, ‘La edad que tengo’), pero Lucas se queda algunas tan carismáticas como ‘Cosquilleo’ (la que adaptó Alcalá Norte) y además en esos momentos, Nico aprovecha para poco menos que revolcarse por el escenario.
Javier Rosa
En la Capilla, contigua, se vivieron momentos tan mágicos como el recital de La Tania, que en parte tuvo lugar dentro de un bonito cubículo. Emocionadísima, no dejó de agradecer la buena acogida que había tenido ‘Los almendros’, un tema que dejó naturalmente para el final. Además, tuvo la elegancia de, en ocasiones, abandonar el escenario para dejar brillar a sus dos músicos, en especial a su guitarrista (que no era Yeray Cortés).
Peor sonido tuvo la banda de Tristán!, algo apagada durante todo el set, pese a que su nuevo disco tiene temazos como ‘Tutta La Notte’ o ‘Verónica’, que se desplegaron sin artistas invitados. Quien no iba a dejarse amedrentar por nada fueron Throes + The Shine. Se suponía que el grupo iba a explorar su origen angoleño y los ritmos de Mozambique, pero al final dio igual el dónde, porque su líder, que reside en Oporto, no paró de animar al personal en perfecto castellano. Ni un segundo paró entre el bajarse con el público, abrir un canal en mitad del foso, hacer el moonwalking o quitarse la ropa porque tenía calor. Parecía querer decir: «si tenéis frío, pues puto moveos».
Javier Rosa
Entre los últimos coletazos del viernes, en el Escenario Jägermeister, algo más resguardado merced a que se sitúa encima de una pista de coches de choque, entretuvieron y mucho -al menos en la mitad que pude ver- Aiko El Grupo, ya con ganas de introducir temas de su próximo disco, que dicen que es «mucho mejor», pero aún fieles a viejos temas como ‘Romantinski’; y Joe Crepúsculo, que no deja de interpretar ‘Mi fábrica de baile’ como el gran imprescindible en todo festival que es. Los conciertos continúan este sábado con artistas como Destroyer. Y es verdad que volverá el frío, pero tampoco es nada que no puedan resolver un abrigo gordo, una bufanda y unas manoplas.
En principio, ‘La Perla‘ sucumbió ante ‘Berghain‘ entre las canciones favoritas de nuestros lectores. A la larga, la batalla entre dos canciones de la misma Rosalía se está resolviendo en favor de ‘La Perla’, que además es número 1 oficial en España y repetirá la semana que viene. En nuestro Instagram, el vals se ha hecho con el 52% de los votos frente al 27% del tema con Björk e Yves Tumor, de popularidad claramente decreciente. ‘La Perla’ es el 12º top 1 de Rosalía en nuestra web, despúes de ‘Malamente’, ‘Pienso en tu mirá’, ‘Di mi nombre’, ‘Barefoot in the Park’ con James Blake, ‘Aute cuture’, ‘La fama’ con The Weeknd, ‘Saoko’, ‘Candy’, ‘New Woman’ con Lisa, ‘Omega’ con Ralphie Choo y ‘Berghain’ . Curiosamente, ‘Despechá’ nunca lo consiguió. Rosalía empata así en números 1 de JENESAISPOP con Lady Gaga y ya solo tiene por delante a Lana del Rey (15).
La entrada más fuerte es la de Robyn, que queda lejos del top 1 con ‘Dopamine’, seguida de Charli XCX y John Cale, que tienen éritos llegando al top 4 con una canción tan ambiental como ‘House’. Otras entradas son las de Sigrid, Oklou, Musgö, Anna Von hausswolff y Tobias Jesso Jr.
Ya podéis escuchar cómo ha quedado el top 40, junto a las 10 nuevas candidatas, en Apple Music.
Algo más de un año después del maravilloso ‘Imaginal Disk’, Magdalena Bay siguen sin dar un paso en falso. Mica Tenenbaum y Matthew Lewin han lanzado la friolera de 8 canciones en los últimos dos meses, de dos en dos y sin aviso previo. «Simplemente deja que pasen los buenos tiempos», escriben en Instagram. ‘This Is The World (I Made It For You)’ es la Canción del Día.
Todas las canciones que han lanzado en este periodo han sido diferentes entre ellas, y complementarias a la vez. En el caso de ‘This Is The World’ y ‘Nice Day’, el nexo está en el uso de guitarras. Magdalena Bay también han aclarado que esta se trata de la «pareja final». Y no se podría acabar de mejor manera.
‘This Is The World (I Made It For You)’ es un tema de corte clásico en el que no abundan tanto los sintetizadores como en el resto de composiciones del dúo. Las campanitas del estribillo, pegadizo a más no poder, nos remiten al doo woop de los 50 y principios de los 60. El dúo sigue manteniendo su vena experimental en momentos contados, pero están implementados de forma sutil, como el potente sinte que irrumpe después del primer estribillo.
La letra elige la vía críptica, pero se mantiene disfrutable. «Intento sonreír / Daré mi mejor interpretación hasta la fecha», canta Tenenbaum en la primera estrofa. El estribillo, por otro lado, podría tratar sobre una relación, ya sea romántica («Ahora lo que tienes que hacer es enseñarme amor y afecto de verdad») o del artista con su arte: «Este es el mundo / Lo hice para ti / Ahora lo que tengo que hacer es perder un pelín de paranoia».
¿Ha inventado Austra el «disco post-ruptura bailable»? Seguro que no. Hay precedentes o al menos indicios en las carreras de Robyn, Lorde o, en España, recientemente, Miss Caffeina. Pero un vistazo a los álbumes de desamor más populares de la historia evidencia que la mayoría se compone de baladas (Adele), soul (Amy Winehouse), folk americano (Bob Dylan), pop-rock (Fleetwood Mac) o pop a secas (ABBA). Eso sin ponernos exquisitos, porque hay supuestos discos de ruptura que no lo son absoluto (Alanis, No Doubt, Radiohead).
‘Chin Up Buttercup’, el quinto álbum de Austra, sí se inspira casi únicamente en el desengaño que ha sufrido su líder Katie Stelmanis tras 3 años de relación. Y la novedad es esa, que con sus altibajos y sus momentos meditativos, Katie ha salido de ella de una manera muy clara: bailando con los brazos en alto.
La toxicidad campa a sus anchas en los textos del álbum. La frase más citada de ‘Chin Up Buttercup’ procede del single ‘Math Equation‘, que pide a gritos un mash-up con el gran hit de Kylie Minogue. Es aquel de «dijiste que necesitaba tener mis propios amigos, los encontré, y les jodiste». Spoiler: hay más. ‘Amnesia’ se desespera por tratar de averiguar qué es lo que espera la otra persona que hagamos. Y hay un momento en ‘Fallen Cloud’ en el que no tienes ni idea de en qué lado de las dos partes reside el problema: «quiero que seas diferente / viviríamos la perfección total / si pudieras cambiar, tan solo un poquito…» Suena mal.
No así el disco, en absoluto. En contraste a la tristeza de algunos textos, y a otras sensaciones similares, como la necesidad de conexión de ‘Siren Song’ o el hastío de llorar de ‘Look Me in the Eye’, las canciones se levantan. Los ejemplos más palmarios serían ‘Amnesia’, que pasa de depender del piano a depender del beat, y esa ‘The Hopefulness of Dawn’ -de 6 minutos- que pasa de la balada a un trance al modo de ‘Vocal’ de Pet Shop Boys. El clímax de ‘Fallen Cloud’ es como si lo hubiera ideado David Lynch.
‘Chin Up Buttercup’, cuya traducción libre sería «Alegra esa cara», es como el tercer disco que este año se inspira en ‘Ray of Light’ de Madonna. Bebe de la música electrónica y de cierto clasicismo también: hay pianos, flautas y recursos operísticos, los habituales en la carrera de Katie. Hay tantos acercamientos a la new-age como al synth-pop de los 80. El tema más divertido y ácido del álbum, ‘Think Twice’, habría colado en la era electroclash: «Por favor, Adonis, tan tímido y humilde / Qué fácil te resulta mantener el control de la narrativa».
Hot Chip podrían haber estado detrás de esa canción o de la final ‘Good Riddance’. Tan cerca de Enya como de Moby, Austra nos ha entregado un álbum navideño que invita al recogimiento, solo que recordando que este no lo tenemos que pasar pegados a una silla ni tapados por una manta.
Hoy 21 de noviembre se editan nuevos álbumes de Natalia Lacunza, Tobias Jesso Jr (el primero en 10 años), Repion, Aya Nakamura, Ruiseñora, Oneohtrix Point Never, EDE, Kris Tena o Bely Basarte. Además, sale la banda sonora de ‘Wicked: For Good‘, al igual que la película. También se ponen en circulación la reedición del disco de Tate McRae y los nuevos EPs de Orville Peck o el de Skrillex lanzado por sorpresa.
Pipiolas abren la playlist «Ready for the Weekend» con la Canción Del Día. Destacamos, además, los nuevos singles en solitario de Bad Gyal, dani dicostas, Los Puñales de Martín, Luna Ki, La Plazuela, mori o Parquesvr, y las colaboraciones de Tainy con Karol G, Danny L Harle con Oklou y MNEK, Zoe Gotusso con Rigoberta Bandini, o Maria Rodés con Soleá Morente y Nieves Lázaro.
La jornada llega cargada de otras alianzas interesantes como las de Sébastien Teller con Slayyyter, Le Parody y Karmento o Belén Aguilera y Metrika (en un remix).
Y las novedades siguen tanto en el plano internacional, con estrenos de Ca7riel y Paco Amoroso, KNEECAP, Coline Rio, Tems, Annalisa, Ladytron, Miya Folick, Absolutely (la hermana de RAYE), The Leaving (Martin Doherty de CHVRCHES), Kingfishr, la maqueta de Madonna…
…como, sobre todo, en el nacional: tenemos nuevos lanzamientos de cosas bien cosas mal con Carlotta Cosials, BANANI, Biodramina Mood, Yerai Cortés, Estela Gris, Estrogenuinas, Vez Era con Rufus T. Firefly o Salma de Diego, la primera concursante de Operación Triunzo 2025 que lanza single, y escrito por Carmen Lancho.
Triángulo de Amor Bizarro solo han tardado 21 años en versionar la canción que les originó. Así, la banda gallega lanza hoy ‘Triángulo de Amor Bizarro’, su particular interpretación del clasicazo de New Order, originalmente titulado ‘Bizarre Love Triangle’ y lanzado en 1986. Tan buena como la original, es la Canción del Día.
El clásico del synthpop que se marcó New Order a mediados de los 80 ha probado ser atemporal. Fue sampleado por C. Tangana en la versión Tiny Desk de ‘Los Tontos’ y ahora es homenajeado por la banda que la propia canción generó en 2004, en un pequeño puebnlo de la costa coruñesa llamado Boiro.
‘Triángulo de Amor Bizarro’ es una versión bastante fiel a la original, desde los arreglos musicales hasta la traducción de las letras. Donde cambia realmente es en las texturas que utiliza, abrasivas y contemporáneas, especialmente en esas primeras notas de sintetizador. Los riffs de guitarra que se introducen en la intro también son pura marca del indie español. Desde luego, es lo suficientemente diferente como para escucharla en bucle una y otra vez.
Las letras también son una traducción casi literal de la original de New Order, comenzando por su icónico estribillo: «Cada vez que te veo caer, me arrodillo y pienso en ti / Esperando el momento al fin que tú digas lo que yo no sé», canta Isa Cea. De esta forma, la banda pone el broche final a la celebración de sus 20 años de trayectoria, sobre lo cual también se explayaron en el podcast de JNSP, Revelación o Timo, hace un año.
Triángulo de Amor Bizarro estarán el próximo 11 de diciembre en la Sala BUT, como parte de la programación especial por el 25 aniversario de Ochoymedio. Todavía hay entradas.
pablopablo, que ha publicado uno de los mejores discos nacionales de 2025, ‘Canciones en Mí‘, visita nuestro podcast. El artista habla de cómo la competitividad perjudica la creatividad: «Hay mucha competitividad, es agotador, lo mejor es que no participes de ninguna manera, que no intentes reventarlo. Lo mejor es ponerte de lado, hacer lo que tienes que hacer y disfrutar. Si tú consigues hacer la música que te representa, a lo mejor lo petas igual porque no lo has intentado petar tan locamente».
Además, confiesa que le encantaría que el número de oyentes mensuales de Spotify no fuera público, y añade sobre las crisis de creatividad: «Si no estás algo perdido, es como que no vas a hacer algo que te vaya a representar».
pablopablo habla de su trabajo con C. Tangana y de su amistad con Rusia IDK. «Después de Rosalía y Pucho (…) sí que pienso que la música española ha empezado a darle vuelta al ciclo cultural por el que manan ideas. Viví en Londres y allí les resultaba nuevo un corrido mexicano. No solo cosas de España. Una plena. ¡Un inglés llega tarde a los corridos! ¡Por primera vez yo tengo algo que contar! Hay estructuras de Ralphie y de rusowsky que son más modernas que cosas que veo en Londres o L.A. O escribir con «Guitarrica». Ver su manera de escribir es mucho más interesante que lo que veo en L.A.» Además, pablopablo recuerda cómo en Estados Unidos le mostraron el nuevo himno del Celta sin saber que él lo había co-escrito.
Finalmente, no podemos evitar preguntarle por su padre, Jorge Drexler. Pero pablopablo está muy dispuesto a reírse de su condición de «nepobaby». Algo que reflejó en el tema ‘Las tuyas’: «Yo quería reírme de mí mismo mucho más que cualquier otra persona. Los artistas que yo más admiro hacen eso muy bien. No pretenden ser perfectos ni ocultar nada. Honestamente, la historia de esa canción es muy sencilla. Tuve una interacción con una persona que no puedo decir quién es. Me dijo: «¿Tú sabes que con esa cara que tú tienes y con ser el hijo de tu padre te va a ir de puta madre?». Yo dije: «esto es una canción. Es tan horrible que hice una canción».
Curiosamente, fue C. Tangana quien le dijo que suavizara la letra. «Tenía en mi cabeza la frase: «Si te gusta mi cara te va a encantar mi apellido». Estaba escuchando mucho a Jose Alfredo. Yo siempre supe que quería hacer una canción sobre ser un nepobaby. Tenía que hacer una ranchera del nepobaby. Reírme de mí mismo. Y llegar a decir «mis canciones no funcionan». Me parecía una cosa súper potente de hacer. Tenía otro estribillo, más cabrón, se iba un poco a la mierda. Se la mostré a Pucho, a C Tangana y él escribió el estribillo. La letra era más cabrona y él me ayudó a llevarla … a algo bonito. Me dijo: «Di algo bonito de tu padre». Y quedó brutal».
Este episodio está dedicado a jóvenes artistas por debajo de 30 años. Si en otros episodios ya hemos alternado el respeto a las grandes leyendas como Antonio Arias o Ana Curra, junto a artistas más jóvenes como Jimena Amarillo o Dani Dicostas, en esta ocasión hemos querido hablar expresamente de cómo ven el mundo artistas que no han llegado a los 30 años. ¿Se mantienen los mismos prejuicios? ¿Pecamos de paternalistas cuando decimos cosas como «qué mona Amaia» en lugar de «cuánto la admiro?
En la segunda parte del episodio, nos visitan los protagonistas del programa INTERAUTOR que ha hermanado a dos artistas jóvenes de España y Uruguay. El objetivo de este ciclo a cargo de SGAE y AGADU (Asociación General de Autores del Uruguay) es exportar más música de estos dos países hacia el mundo. Para ello, una artista española ha actuado en Montevideo, y un artista uruguayo actúa en España durante esta semana, tanto en Monkey Week como en Madrid.
Los artistas elegidos son de un lado la malagueña Alba LaMerced, que alterna flamenco, pop-rock y otras músicas en su álbum debut, y además acaba de sacar un «banger» llamado ‘Ponte guapa». Y del lado de Uruguay, Gonzalo Brancciari, que tras recibir un Premio Grafiti por su disco ‘Diez’, prepara ya su segundo álbum, de nuevo inspirado por el pop-rock argentino/uruguayo. Hablamos con ambos sobre la escena de Montevideo, la de España, diferencias y similitudes.
Gonzalo nos habla sobre los artistas uruguayos y argentinos que más le han inspirado, como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota o La Vela Puerca, y ambos valoran el auge de la música en español. Indica Alba LaMerced: «Somos muchísimos hablantes por todo el mundo, para mí se va a mantener y se va a ampliar. Los artistas que encabezan las listas mundiales son españoles o de habla hispana». Gonzalo añade: «no sabría hacer un estudio de mercado de industria, pero todo esto de las plataformas y la democratización de las canciones generó que podamos llegar adonde no se llegaba. Antes sonaban en la radio las canciones que venían de Estados Unidos. Ahora cualquier artista sube una canción desde su casa y puede llegar a romperla en el mundo entero».
Gonzalo y Alba actúan juntos este sábado 22 de noviembre en la Sala Berlanga de Madrid. Las entradas valen tan solo 6,50 euros.
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