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Death Cab for Cutie anuncian nuevo disco, ‘I Built You A Tower’

Por
Gabriel Carey
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Death Cab for Cutie han anunciado que su 11º disco, titulado ‘I Built You A Tower, estará disponible el próximo 5 de junio. Será el regreso de la banda a la escena independiente después de dos décadas vinculados a Atlantic Records. El primer adelanto, ‘Riptides’, ya está disponible en plataformas.

Según informa la propia banda, ‘I Built You A Tower’ ha sido producido por John Congleton y grabado en apenas tres semanas entre Los Ángeles y los diferentes estudios caseros de la banda. Esta describe el proyecto como más «directo» y «orgánico» que sus predecesores, al haber sido inspirados por la energía de las giras conmemorativas de ‘Transatlanticism’ y ‘Plans’.

‘I Built You A Tower’, de esta forma, incluye canciones que exploran «el duelo, la memoria y la reconstrucción emocional». El disco también llegará acompañado de una gira por Reino Unido y Europa que comenzará en septiembre, pero no pasará por España.

Tracklist:
1. Full of Stars
2. Punching The Flowers
3. Pep Talk
4. I Built You A Tower (a)
5. Envy The Birds
6. Stone Over Water
7. How Heavenly a State
8. Trap Door
9. Riptides
10. The Flavor of Metal
11. I Built You A Tower (b)

«Galgos, póker y farlopa», en las irresistibles noches de Mala Gestión

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Gabriel Carey
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Cada cierto tiempo surge una banda en España que te destruye todos los esquemas y que te obliga a preguntarte: ¿Esto es una broma o una genialidad? La mayoría de las veces, es lo segundo. Es el caso de Mala Gestión, una joven banda valenciana de «ñunk» que canta sobre Ducados Rubio, «galgos, póker y farlopa». ‘Noche de Casino’ es la Canción del Día.

Para la Generación Z, nada es tan serio. La música de Mala Gestión es un reflejo total de ello: bases trasnochadas de punk rock sintetizado, samples loquísimos y el meme como elemento musical. ‘Noche de Casino’ es viral por todos estos motivos. «Hoy es martes, noche de casino / Ayer fue lunes, noche de casino / Todas las noches son noches de casino / Y hoy debería estar cuidando a mi sobrino», comienza el tema.

Elías, Héctor, Pablo, Guille y Joan venían de hacer himnos de la talla de ‘Pollo al Chilindrón’ o ‘Todos mis amigos tienen sarna’, pero ha sido con ‘Noche de Casino’ que han conseguido la atención de la industria. Debe ser gracias a frases como «jugar al fútbol no es saber hablar» o «siempre quedará algo de tu vida en cada pollo de farlopa». A eso, y a ser un banger irresistible.

Otro de los adelantos de su próximo disco, ‘Skol’, es tan simple como adictivo: «Bebiendo una Skol, de camino a la school y me siento tan cool». ‘Diesel’, por otro lado, es uno de esos casos en los que la banda equilibra su lado más guitarrero y orgánico con una melodía que no necesita de bromas para triunfar, aunque también las haya.

‘Hacemos lo que podemos’, el nuevo disco de Mala Gestión, estará disponible este mismo viernes 20 de marzo con temas como ‘Sandalias del PSOE’ o ‘Buenos días Vietnam’, los últimos sencillos del grupo.

Bad Gyal llena la lista de singles con casi todo ‘Más cara’

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Gabriel Carey
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Bad Gyal protagoniza el mayor número de entradas esta semana en la lista de singles española. Aunque ‘Más cara’ no ha podido llegar al número 1 de la lista de discos en nuestro país, ocupado por el ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’ de Harry Styles, sí que ha tenido más éxito que el británico en lo que a sencillos se refiere.

‘Aperture’, el primer single del nuevo disco de Styles, ha regresado a la lista en el número 87. Solo ha posicionado dos canciones más del proyecto: ‘American Girls’, que ha entrado en el puesto 36, y ‘Coming Up Roses’, entrando por los pelos en el número 96.

Bad Gyal, por otro lado, coloca 9 temas nuevos en la tabla, además de ‘Choque’ y ‘Da Me’, que han ganado bastantes puestos. En concreto, ‘Choque’ sube desde el 19 al número 7, pero ‘Da Me’ experimenta la mayor subida de la semana pasando del número 97 al 21. La mayor entrada de la semana es para la canción que da nombre al disco, con ‘Más Cara’ posicionándose en el puesto 6 de la lista sin haber sido lanzada como single.

Esa sería ‘Un Coro Y Ya :)’, que entra en el el número 25. ‘Te Daré’ aterriza en el 29, ‘La Iniciativa’ en el 35, ‘Noticia de Ayer’ en el 37, ‘Mi Debili’ en el 65, ‘Tic Tac’ en el 69, ‘De Por Vida’ en el 74 y ‘Fa$hion Killa’ en el 86.

Por último, Shakira y Beéle entran en el puesto 84 con ‘Algo Tú’, Juan Magán y Omar Montes en el 99 con ‘Ayer La Vi’ y Hades666 se cuela en el número 100 con ‘Yo Quiero’.

Haute & Freddy / Big Disgrace

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Sebas E. Alonso
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«Tengo la sensación de que ya no estamos en Kansas». Esta frase de ‘El Mago de Oz’ es lo primero que me ha venido a la cabeza escuchando el debut de Haute & Freddy. El dúo formado por Michelle Buzz y Lance Shipp no viene de Kansas, sino de California, pero te llevan igualmente a un mundo imaginario en el que huir de ti mismx.

Hasta ahora Michelle y Lance eran más conocidos por escribir para otros. Ella escribió, por ejemplo, un tema para Dagny en 2017 que terminó referenciado en ‘Never Really Over’, lo que significa que la cantante tiene créditos en un gran hit de Katy Perry. A él le hallamos en un tema algo random de Britney Spears de 2016 (‘Coupure Electrique’) o, mucho mejor, en ‘Obsessed’ de Calvin Harris.

Por alguna razón, juntos suenan mucho más compactos, dando con un universo propio de fantasía y purpurina, muy «de ferias clandestinas del siglo XVIII», en el que lo más importante es la libertad, «performar», salir de noche y pasarlo bien, no necesariamente en ese orden.

‘Big Disgrace’ es un debut introducido por hasta 7 singles de presentación, 8 contando el «focus track» del día de salida, a cual más identificable desde la primera escucha. El primero que sacaron allá por 2024 fue ‘Scantily Clad’, que como el segundo ‘Anti-Superstar’, estaba muy en la línea de los 80 de la Human League y el revival que hicieron Goldfrapp 25 años después de ‘Dare’. «Clad» habla sobre el revuelo que provoca ante un rey y su reina alguien que aparece «ligero de ropa», mientras ‘Anti-Superstar’ versa sobre ser «un guilty pleasure en la parte trasera del bar» o «tu beso de culto clásico en la oscuridad».

Uno de los temas que mejor ejemplifica su filosofía es ‘Dance the Pain Away‘, pues la gran vocación de Haute & Freddy no es otra que hacernos bailar para lograr que olvidemos nuestras penas; y uno de los que tiene mayor vocación de himno generacional es ‘Freaks’. Pocas canciones se han hecho de manera tan explícita para los «gays and girls» que se sienten diferentes. «Todas las chicas guapas y todos los chicos guapos son freaks», afirma con un sonido más épico y orgánico.

En otras ocasiones, Haute & Freddy exploran una vena más melódica, cercana a la primera Ellie Goulding o incluso a Florence + the Machine. Hay quien defiende ‘Shy Girl’ como su mejor composición, pero tiene poco que envidiarle un tema más de cantautor/a como es ‘Sophie’. En él, el dúo se fija en un personaje que conocemos de vista en nuestra ciudad, de repente desaparece de nuestra vida, pero jamás olvidamos. Es una incógnita cuál de todas estas canciones dará la campanada en TikTok, pero esperemos que no le lleve 5 años, como a ‘Pink Pony Club’.

Tras esta retahíla de singles, el álbum no ofrece canciones tan categóricas (imaginad que Haute & Freddy hacen el disco del año tan pronto como en marzo). Pero sí logran generar un relato muy concreto con esa intro tan musical que representa la teatral ‘Symphony for a Queen’, la reflexión sobre género que supone ‘Femme Hysteria’ o la inspiración en María Antonieta de ‘Fields of Versailles’. En sintonía con la cinta posmoderna de Sofia Coppola, esta canción recuerda -de manera estrafalaria- el incendio de su boda, que acabó con la vida de decenas de personas.

Aún quedan ases en la manga y además de un tema que podría haber firmado Gwen Stefani cuando molaba (‘Sweet Surrender’), el álbum incluye una «power ballad» ochentera que recibe el dramático título de ‘I Like My People Weird’. Podría haber sonado en la radiofórmula de los 80 entre ‘Take My Breath Away’, ‘Total Eclypse of the Heart’ y ‘What a Feeling’, solo que dejando un mensaje sobre autoafirmación e identidad. Es todo muy 2026, aunque a nadie extraña que se pongan para componer cosas como ‘Rocky Horror Picture Show’.

‘Babydoll’ es el hit global de Dominic Fike, ocho años después

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Gabriel Carey
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Dominic Fike ha conseguido su primer hit mundial con ‘Babydoll’, ocho años después de su lanzamiento oficial. La canción, viral durante las últimas semanas, ha alcanzado hoy el puesto más alto del Top 50 Global de Spotify poco después de haber superado la marca de las mil millones de reproducciones. Lo irónico es que para el fandom del estadounidense ‘Babydoll’ siempre había sido un éxito rotundo.

‘Babydoll’ es la prueba de que nunca se sabe cuándo tienes un hit mundial entre manos. La canción forma parte del primer proyecto «formal» del artista de Florida (‘Don’t Forget Me, Demos’), lanzado en 2018 y compuesto por seis demos. Entre estas, ‘3 Nights’, una de las insignias de Fike. La realidad es que, según informa Rolling Stone, Dominic habría tocado más veces en directo ‘Babydoll’ que ‘3 Nights’, pese a ser claramente su canción más conocida.

El tiempo le ha dado la razón. El viral de ‘Babydoll’ empezó el pasado febrero en TikTok, colándose desde el principio en los puestos más bajos del Hot 100. Ahora ocupa el número 33 de la lista. El trend de la canción, usada en más de 250.000 vídeos, es oscuro y tierno a la vez. Este consiste en edits de diferentes celebridades o personajes fallecidos, desde Paul Walker o Mac Miller hasta Stan Lee. Todo, adornado con la frase de «I can’t move on, babydoll».

Más allá de ser el clip de moda en TikTok, ‘Babydoll’ ya tenía todo para triunfar en 2018. Solo le faltaba exposición. Su mezcla de pop, en sus pegadizas melodías, y rock, por su crudo apartado instrumental, es tan breve que lo más natural es repetir la canción una y otra vez. También está el hecho de que hace ocho años no era tan común ver una canción de menos de dos minutos en lo más alto de las listas, tendencia que ha cambiado durante estos últimos años. ¿Estaba Dominic Fike adelantado a su tiempo?

Lo que está claro es que adelantarse a una moda no era la mayor preocupación del artista cuando compuso la canción: «Hice esta cinta en una habitación en la que me había dejado vivir un amigo mientras estaba de arresto domiciliario», ha contado Fike en sus redes. «No pienses que está perdiéndote algo por perseguir lo que quieres», concluye el comunicado.

@zyvex888 best duo in f&f|| rip paul🕊️||#brianoconneredit #rip #fastandfuriousedit #viral #viralvideo ♬ Babydoll – Dominic Fike

@ob6vious_ I was sad when I make this edit 😭💔 || #arianagrande #arianagrandeedit #macmiller #edit #aftereffects ♬ Babydoll – Dominic Fike

@internetculture96 Still miss Stan lee 😭 #avengers #edit #avengersdoomsday #avengersendgame #spiderman ♬ Babydoll - Dominic Fike

Harry Styles deja a Bad Gyal sin top 1 en España, pero ella gana en streaming

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Gabriel Carey
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Harry Styles ha aterrizado esta semana en el primer puesto de la lista de discos española, justo por delante de Bad Gyal y su ‘Más Cara’. El logro de ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’ marca la segunda vez que el artista británico consigue el número 1 en España, siendo la primera con ‘Harry’s House’. Por otro lado, también ha sido número 1 en Reino Unido y Estados Unidos.

El vinilo es lo que ha permitido a Styles superar a Bad Gyal, ocupando también el primer puesto de esta lista. La artista catalana, sin embargo, no ha puesto todavía en venta oficial la edición física de ‘Más Cara’, por lo que los datos no han sido contabilizados esta semana. La versión en vinilo de su anterior disco, ‘La Joia’, sí ha regresado al sexto puesto de esta lista.

De haber estado en igualdad de condiciones, es posible que Alba Farelo hubiese conseguido el primer puesto de Discos España. Sobre todo, teniendo en cuenta cómo la lista de sencillos está plagada de las canciones de ‘Más Cara’. Harry, sin embargo, no ha tenido tanto éxito como la catalana en este sentido. 11 canciones de ‘Más cara’ aparecen en el top 100 de singles oficial, por sólo 3 del disco de Harry.

En el resto de la lista de discos solamente encontramos otras tres entradas, además de la gran subida de ‘La Joia’, desde el puesto 71 al 26. De esta forma, Chambao y su disco especial 25 aniversario entran en el número 21, mientras que el lanzamiento más reciente de Morrissey, ‘Make-Up Is A Lie’, se planta en el número 34. Por último, Nat Simons coloca ‘Pregúntale a Sarah Connor’ en el puesto 70 de la clasificación.

Gara Durán, entre Musgraves y McVie, en ‘Mi loco cowboy’

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Sebas E. Alonso
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Xavier Mira

Conoces a Gara Durán por hits colaborativos como ‘El lago de mi pena’ junto a Barry B, por temas propios como ‘Kryptonita‘ -de su EP del año pasado- e incluso por lo que suele escribir para otros artistas. Ahora toca enfrentarse al que será al fin su primer disco largo de verdad, que publicará con Universal.

El primer single y nuestra Canción del Día hoy es la pegadiza ‘Mi loco cowboy’. Lejos de sus momentos más oscuros, y con cierto aire al neo-country más feliz de Kacey Musgraves y un tono cercano a Christine McVie de Fleetwood Mac, la canción es la carta de presentación perfecta para ese álbum que tantas ganas tenemos de escuchar.

El tema, coescrito junto a Barry B, es una canción de amor («juré que no volvería a enamorarme / pero es mi loco cowboy»), cierta comicidad («Miro en el retrovisor y de reojo me mira») y un punto de sensualidad («yo solo observo sus Levi’s / le lucen como a medida»).

El vídeo explicita esa relación de pareja bajo la producción de Rubí, con un guiño a la literatura de Mariana Enríquez.

Gara Durán tiene pendiente una extensa gira de conciertos por salas y festivales y estará presentando esta y otras canciones el próximo 25 de abril en la sala El Sol de Madrid. Antes la veremos en el cartel de SanSan, casualmente el mismo día que actúa Barry B.

Nuestros favoritos en SanSan

Sigur Rós, con orquesta, en España

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Sebas E. Alonso
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Sigur Rós anuncian hoy las últimas fechas de su gira mundial, en la que colaborará con orquestas locales de 41 músicos para dar vida a su último álbum, ‘ÁTTA’, así como a muchos de sus mejores temas clásicos.

La idea proviene de 2023, cuando Sigur Rós decidieron incorporar un acompañamiento orquestal a sus giras. Tras reunirse con el teclista Kjartan Sveinsson en 2022, los miembros tocaron junto a orquestas completas en grandes salas de conciertos de todo el mundo. Las actuaciones se definen como «tan expresivas e indescriptibles como la propia banda».

La última etapa de la gira comenzará en Edimburgo el 31 de agosto de 2026 y recorrerá Escocia, Irlanda del Norte, Irlanda, Francia, España y Portugal, antes de concluir con dos conciertos en Berlín. Como informa Doctor Music, en España los veremos el 11 de septiembre en el Auditori Fòrum CCIB de Barcelona y el 15 de septiembre en el Palacio Euskalduna de Bilbao. En Barcelona estarán acompañados por la Orquestra Simfònica del Vallès y, en Bilbao, por la Bilbao Orkestra Sinfonikoa.

Las entradas para los conciertos de Barcelona y Bilbao estarán a la venta este viernes 20 de marzo a las 10:00h. Para Barcelona a través de doctormusic.com y entradas.com, y para Bilbao en doctormusic.com y euskalduna.eus. Los precios oscilarán entre los 64,40 Euros y los 178,25 Euros para Barcelona y para Bilbao entre los 82,50 Euros y los 170,50 Euros. Para más info y acceso a la preventa, visita sigurros.com/tour.

El director Robert Ames y las orquestas locales son los protagonistas de esta gira que ya ha pasado por el Royal Albert Hall de Londres, la Sala Santa Cecilia de Roma, la Salle Playel de París, el Bozar de Bruselas, el Auditorio Nacional de Ciudad de México y la Konzerthaus de Viena.

Kjartan Sveinsson, miembro de la banda, afirma: «Estamos emocionados de volver a los conciertos con orquesta en septiembre. Siempre es muy especial sentirse en medio de una orquesta, rodeados de todos esos músicos fantásticos con los que hemos tocado durante los últimos cuatro años. Gracias a todos los que han venido a nuestros conciertos, a todos los músicos, al equipo técnico y, en especial, a nuestro director y arreglista Rob Ames y a nuestra arreglista principal María Huld Markan Sigfúsdóttir».

Sigur Rós 2026 World Tour

31 de Agosto – Playhouse, Edimburgo, Escocia
2 de septiembre – SEC Armadillo, Edimburgo, Escocia
con Scottish Chamber Orchestra

4 de septiembre – Waterfront Hall, Belfast, Irlanda del Norte
6 de septiembre – Bord Gáis Energy Theatre, Dublín, Irlanda
7 de septiembre – Bord Gáis Energy Theatre, Dublín, Irlanda
con Ulster Orchestra

9 de septiembre – Amphithéâtre 3000, Lyon, Francia
con Orchestre de Chambre de Lyon

11 de septiembre – Auditori Fòrum CCIB, Barcelona
con Orquestra Simfònica del Vallès

13 de septiembre – Coliseu Porto Ageas, Porto, Portugal
con Orquestra Sinfonietta de Lisboa

15 de septiembre – Palacio Euskalduna, Bilbao
con Bilbao Orkestra Sinfonikoa

17 de septiembre – Sagres Campo Pequeno, Lisboa, Portugal
con Orquestra Sinfónica de Lisboa

20 de septiembre – Uber Eats Music Hall, Berlín, Alemania
21 de septiembre – Uber Eats Music Hall, Berlín, Alemania
con The Young ClassX

Bilbao BBK Live anuncia programación electrónica y cambio de precio

Por
Sebas E. Alonso
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Unos días después de haber confirmado a gente como Calvin Harris y Hemlocke Springs -esta última a todas luces una de las revelaciones de la temporada-, Bilbao BBK Live anuncia su sección electrónica dentro del mismo recinto y obviamente en las mismas fechas: del 9 al 11 de julio. Tanto Basoa como Lasai son espacios legendarios e imprescindibles dentro de Kobetamendi, cada uno en su estilo, y ahora es momento de conocer qué artistas nos acompañarán.

Como sabéis, Basoa es la rave en el bosque donde perderse y olvidarse de todo ayudado por la electrónica más sofisticada del planeta; y Lasai, ese lugar en el que los bpm’s desaceleran mientras tienes la oportunidad de observar la ciudad. Algunos de los nombres que estarán por allí son DJ Koze, 2manydjs (DJ set), Donato Dozzy, Erol Alkan, Meritxell de Soto y Somadamantina (live).

En cuanto a Basoa, veremos a 2manydjs y Erol Alkan b2b Optimo (Espacio); a DJ Koze, la fusión de sonidos latinos con house de Paula Tape, la celebración queer de Dee Diggs y la recuperación de imaginarios 90’s actualizados por parte de Guim. Como plato especial de 20º aniversario de Bilbao BBK Live veremos a Donato Dozzy y DJ Nobu; también a Vlada, a Sedef Adasï y a Miravalles. Completan el cartel Bashkka, Badsista, Nicolas Lutz, y Mattias El Mansouri.

En cuanto a Lasai, tendremos al colectivo Minor AM con Suze Ijó, James Massiah, Livwutang, Joni DJ y Amelia Holt, en «sesiones que conectan club, bass y sonidos alternativos». Por otra parte, Meritxell de Soto firmará una curaduría centrada en «territorios más experimentales dentro de los tempos contenidos, reuniendo a Elena Barker, Genosidra, Somadamantina (live), Torus y a sí misma».

Completan el cartel Ylia, Toni Bass, Alexis Le-Tan y el dúo catalán Iro Aka.

Os recordamos que podréis ver en Bilbao BBK Live a gente como Lily Allen, Robbie Williams, David Byrne, Dellafuente, CMAT, Belle & Sebastian, Belén Aguilera y un largo etcétera. Los bonos siguen a la venta en la web del festival a precio promocional hasta el martes 17 de marzo a las 11:00h, cuando habrá un cambio de precio.

Músicos en los Oscar: Dua Lipa, Mick Jagger, Olivia Rodrigo…

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JNSP
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Con el fin de la monocultura, ahora que la radio va definitivamente por un lado y las redes sociales por otro muy diferente, se dice mucho que ya no hay superestrellas de primera línea como las de antes en el mundo de la música. No obstante, la alfombra roja de los Oscar fue generosa en invitaciones hacia cantantes de pop, que dieron lo mejor de sí mismos con sus looks, especialmente para Vanity Fair. Sobre todo Troye Sivan.

Dua Lipa, Olivia Rodrigo, Karol G, Tate McRae y hasta el mismísimo Mick Jagger -al que aquí veis posando junto a Jon Batiste-, no quisieron perderse los Oscars de este año.

Por supuesto, tampoco faltaron los protagonistas musicales de verdad. ‘Golden’ se hizo con el premio a Mejor Canción -aunque decidieron cortarles el discurso de agradecimiento- mientras que la mejor banda sonora fue para Ludwig Goransson por ‘Los pecadores‘.

También fue noticia Barbra Streisand por interpretar, tras un «speech» de homenaje a Robert Redford, un fragmento de ‘The Way We Were’, de la película homónima que protagonizaron juntos en 1973. El film ganó el Oscar a Mejor Canción Original y también Mejor Guión Original.

Olivia Rodrigo

Mick Jagger

Tate McRae

Travis Scott

Dua Lipa

Troye Sivan

Rita Ora

Karol G

Gracie Abrams

Nick Jonas

Teyana Taylor

Jon Batiste

El discurso de Mejor Canción, cortado

El discurso de Ludwig Göransson

Barbra Streisand x Robert Redford

Una injusticia tras otra: directores a quienes Hollywood debe un Oscar

Por
Joric
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Ya le tocaba. Paul Thomas Anderson acumulaba 4 nominaciones a Mejor dirección (14 si sumamos guion, dirección y película). Su caso era enormemente llamativo: un cineasta estadounidense, californiano, que ha ganado los premios más importantes del cine mundial (Cannes, Venecia y Berlín), menos el de su país, el que se concede al lado de su casa. Es como si Almodóvar no hubiera ganado nunca un Goya.

Pero, claro, si entramos en el terreno de los “debes”, también se podría decir que Hollywood le debe un Oscar a un cineasta negro. Ninguno lo ha conseguido como mejor director. Ni siquiera cuando sus películas lo ganaron: ‘12 años de esclavitud’ (Steve McQueen, 2013) y ‘Moonlight’ (Barry Jenkins, 2016). Si no fuera porque las dos favoritas de este año, ‘Una batalla tras otra’ y ‘Los pecadores’, son de Warner, ya me imagino qué tipo de batalla se hubiera planteado en la carrera por los premios.

Obviamente, si hacemos las valoraciones desde un punto de vista estrictamente cinematográfico, artístico, estaba claro que Ryan Coogler debía “hacer pasillo” a Anderson: aplaudir y esperar su turno. Ya le llegará. Y es que, al lado de la extraordinaria ‘Una batalla tras otra’, cualquier película del año pasado parece un vídeo grabado por un mono.

Si preguntamos a cualquier cinéfilo (no digamos ya a historiadores del cine) por los directores más importantes de la historia del séptimo arte en Hollywood, los más influyentes, quienes más han hecho avanzar su lenguaje y su poética, seguro que aparece alguno de estos cuatro nombres (por no decir los cuatro): Alfred Hitchcock, Orson Welles, Stanley Kubrick y David Lynch.

Pues bien, ninguno tiene un Oscar como mejor director. Atendiendo al contexto de la época, se puede entender lo de Hitchcock (la consideración de su cine fue tardía, durante mucho tiempo fue solo “el mago del suspense”) y lo de Welles (tras ‘Ciudadano Kane’, fue, muy a su pesar, un outsider en Hollywood). ¿Pero Kubrick, que fue nominado cuatro veces y perdió frente a Carol Reed por el musical ‘Oliver!’ (1969), el mismo año de ‘2001: Una odisea del espacio’? ¿Y Lynch? ¿Un cineasta tan personal e influyente para el audiovisual contemporáneo cuyo su apellido se ha convertido en un adjetivo?

Los cuatro murieron sin ver reconocidos sus logros por la Academia (aunque todos fueron nominados, por lo que sus colegas de profesión sí tenían claro su talento; hay que recordar que las nominaciones solo las votan cada gremio, no así el Oscar). Y no van a ser los únicos.

Peter Weir, retirado del cine desde 2010, se irá a la tumba con un mísero Oscar honorífico. Si repasamos su filmografía, no damos crédito. Aunque, si vemos con quién competía en sus mejores años -Peter Jackson, Steven Spielberg, Oliver Stone-, se puede entender.

El octogenario Terrence Malick sigue en activo. Tiene pendiente el estreno de ‘The Last Planet’, su película sobre la vida de Jesucristo. ¿A la última será la vencida? (Que le dieran el Oscar a Hazanavicius el año de ‘El árbol de la vida’ es de traca). Al menos se irá con dos Palmas de Oro en Cannes, eso sí.

Peor es el caso de otro octogenario: Brian De Palma. El autor de ‘Carrie’, ‘El precio del poder’, ‘Los intocables de Eliot Ness’, ‘Atrapado por su pasado’ o ‘Misión imposible’, por mencionar solo sus títulos más populares, nunca ha sido ni siquiera nominado.

Alexander Payne (nominado por ‘Nebraska’, ‘Los descendientes’ y ‘Entre copas’), Gus Van Sant (‘Mi nombre es Harvey Milk’ y ‘El indomable Will Hunting’), Wes Anderson (‘El Gran Hotel Budapest’), Richard Linklater (‘Boyhood’) o Spike Lee (‘Infiltrado en el KKKlan’), por poner solo algunos ejemplos de autores consagrados que ya han sido nominados, siguen esperando su turno.

Pero, entre todos, hay dos casos particularmente llamativos, a la altura de Paul Thomas Anderson. El primero es Quentin Tarantino. Como ha ganado dos Oscar al mejor guion original (‘Django desencadenado’ y ‘Pulp Fiction’) parece como si ya lo hubiera ganado como director, pero no. Ninguna de las tres veces -‘Érase una vez en… Hollywood’, ‘Malditos bastardos’ y ‘Pulp Fiction’- lo consiguió.

El segundo es aún más sorprendente: ¿cómo es posible que David Fincher, uno de los mejores directores del Hollywood de los últimos treinta años, nominado tres veces (‘Mank’, ‘La red social’, ‘El curioso caso de Benjamin Button’), no haya ganado todavía un Oscar? Es más, ¿cómo es posible que Danny Boyle (‘Slumdog Millionaire’) y Tom Hooper -¡Tom Hooper!- (‘El discurso del rey’) se lo llevaran compitiendo contra él? Este año estrena ‘The Adventures of Cliff Booth’. ¿No sería una curiosa paradoja que lo acabara ganando por una película escrita y producida por Tarantino?

‘Una batalla tras otra’, ‘Golden’ y «Tía Gladys» triunfan en los Oscar

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JNSP
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‘Una batalla tras otra‘ ha sido la gran ganadora de los Oscar, como figuraba en casi todas las quinielas. La cinta se ha hecho con 6 estatuillas, incluidas la de Mejor Película, Dirección, Guion Adaptado, Actor de Reparto (Sean Penn), Edición y Mejor Cásting. De manera significativa, Sean Penn no acudió a la gala, porque prefirió estar en Ucrania, a la espera «de su victoria».

El filme de Paul Thomas Anderson se ha impuesto por tanto a ‘Los pecadores’, que no obstante ha conseguido 4 premios, y a ‘Frankenstein’, que ha conseguido 3.

Los 4 de ‘Los pecadores’ han sido como Mejor Guion Original, Mejor Actor (Michael B. Jordan, derrotando a Chalamet), Fotografía y BSO. En cuanto a ‘Frankenstein’, destacaban los técnicos: maquillaje y peluquería, vestuario y diseño de producción.

El mejor sonido iba finalmente a manos de ‘F1’, lo que dejaba con las manos vacías a la española ‘Sirât’, que también perdía el galardón a Película de Habla No Inglesa contra ‘Valor sentimental’.

Si la Mejor Actriz fue Jessie Buckley por ‘Hamnet‘, la Mejor Actriz de Reparto fue Amy Madigan, por su gran papel como «Tía Gladys» en la recomendable ‘Weapons’. Otra justa ganadora fue ‘Golden’ como Mejor Canción, en la que fue una de las pocas actuaciones musicales de la noche. Barbra Streisand rindió homenaje a Robert Redford, entonando un breve fragmento de su canción ganadora de un Oscar ‘The Way We Were’. La película homónima estuvo protagonizada por ambos en 1973, y se hizo también con el Oscar a Mejor Guión Original.

Fue una gala con pocos comentarios políticos, aunque Javier Bardem sí soltó un «no a la guerra» y «Palestina libre» y Jimmy Kimmel hizo un chiste sobre países que no apoyan la libertad de expresión y otro sobre la ausencia del documental ‘Melania’ entre los nominados.

Palmarés de los Oscar

Mejor película
Bugonia
F1: La película
Frankenstein
Hamnet
Marty Supreme
Una batalla tras otra (GANADORA)
Agente secreto
Valor sentimental
Los pecadores
Sueños de trenes

Mejor dirección
Chloe Zhao (Hamnet)
Josh Safdie (Marty Supreme)
Paul Thomas Anderson (Una batalla tras otra) (GANADOR)
Joachim Trier (Valor sentimental)
Ryan Coogler (Los pecadores)

Mejor actor protagonista
Escena Los Pecadores
Timothée Chalamet (Marty Supreme)
Leonardo DiCaprio (Una batalla tras otra)
Ethan Hawke (Blue Moon)
Michael B. Jordan (Los pecadores) (GANADOR)
Wagner Moura (Agente secreto)

Mejor actriz protagonista
Jessie Buckey (Hamnet) (GANADORA)
Rose Byrne (Si pudiera, te daría una patada)
Kate Hudson (Song Sung Blue)
Renata Reinsve (Valor sentimental)
Emma Stone (Bugonia)

Mejor actor de reparto
Benicio del Toro (Una batalla tras otra)
Jacob Elordi (Frankenstein)
Delroy Lindo (Los pecadores)
Sean Penn (Una batalla tras otra) (GANADOR)
Stellan Skarsgard (Valor sentimental)

Mejor actriz de reparto
Elle Fanning (Valor sentimental)
Inga Ibsdotter Lileaas (Valor sentimental)
Amy Madigan (Weapons) (GANADORA)
Wumi Mosaku (Los pecadores)
Teyonah Taylor (Una batalla tras otra)

Mejor guion original
Blue Moon
Un simple accidente
Marty Supreme
Valor sentimental
Los pecadores (GANADOR)

Mejor guion adaptado
Bugonia
Frankenstein
Hamnet
Una batalla tras otra (GANADORA)
Sueños de trenes

Mejor película animada
Arco
Elio
Las guerreras K-Pop (GANADORA)
Little Amélie
Zootrópolis 2

Mejor película internacional
El agente secreto
Un simple accidente
Valor Sentimental (GANADORA)
Sirat
La voz de Hind

Mejor documental
La solución al estilo de Alabama
Come See Me in the Good Light
Cutting Through Rocks
Mr. Nobody contra Putin (GANADOR)
La vecina perfecta

Mejor cortometraje documental
Todas las habitaciones vacías (GANADOR)
Armado solo con una cámara: vida y muerte de Brent Renaud
Children No More: Were and are Gone
El diablo está ocupado
Perfectly a Strangeness

Mejor cortometraje animado
Butterfly
Forevergreen
The girl who cried pearls (GANADORA)
Retirement Plan
The Three Sisters

Mejor cortometraje
Butcher’s Stain
A Friend of Dorothy
El drama de época de Jane Austen
The Singers (GANADOR, empate)
Deux personnes échangeant de la salive (GANADOR, empate)

Mejor casting
Hamnet
Marty Supreme
Una batalla tras otra (GANADORA)
Agente secreto
Los pecadores

Mejor dirección de fotografía
Frankenstein
Marty Suprmene
Una batalla tras otra
Los pecadores (GANADORA)
Sueños de trenes

Mejor diseño de vestuario
Avatar: Fuego y ceniza
Frankenstein (GANADORA)
Hamnet
Marty Supreme
Los pecadores

Mejor montaje
F1
Marty Supreme
Una batalla tras otra (GANADORA)
Valor sentimental
Los pecadores

Mejor maquillaje y peluquería
Frankenstein (GANADORA)
Kohuno
Los pecadores
The Smashing Machine
La hermanastra fea

Mejor diseño de producción
Frankenstein Escena
Frankenstein (GANADORA)
Hamnet
Marty Supreme
Una batalla tras otra
Los pecadores

Mejor banda sonora original
Begonia
Frankenstein
Hamnet
Un batalla tras otra
Los pecadores (GANADORA)

Mejor canción original
“Dear Me” (Diane Warren: Relentless)
“Golden” (Las guerreras K-Pop) (GANADORA)
“Highest 2 Lowest” (Highest 2 Lowest)
“I Lied To You” (Los pecadores)
“Sweet Dreams of Joy” (Viva Verdi)
“Train Dreams” (Sueños de trenes)

Mejor sonido
F1 (GANADORA)
Frankenstein
Una batalla tras otra
Los pecadores
Sirat

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Podcast: lo mejor de 2025 en música, cine, series…

Harry Styles se ríe en SNL del queerbaiting y de su imagen de aburrido

Por
Jordi Bardají
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Harry Styles ha sido el invitado musical de este sábado en Saturday Night Live y también ha presentado el programa por segunda vez, una semana después de hacer un cameo en el episodio de Gorillaz. En su monólogo introductorio, Styles ha bromeado sobre las acusaciones de queerbaiting que ha recibido a lo largo de su carrera, dirigiéndose a su padre para decir que «quizá no lo sepa todo» sobre él. Siguiendo con la autoparodia, besa al actor Ben Marshall en la boca.

Además, Styles ha comentado la imagen de persona aburrida que muchos tienen de él, insinuando que prefiere ser aburrido a aparecer en los archivos de Epstein. También ha defendido su afición a correr, aunque “no sea interesante”. Eso sí, aunque dice estar enganchado al “subidón del corredor”, también reconoce que le gusta el “éxtasis”.

En cuanto a la música, Styles ha sorprendido al interpretar en directo dos temas que no han sido single. En lugar de presentar otra vez ‘Aperture‘ y ‘American Girls‘, que ya ha tocado en los BRITs y en el Live Lounge de la BBC, respectivamente, ha apostado por dos canciones de corte más americano: la bailable ‘Dance No More’ y la balada ‘Coming Up Roses’.

‘Dance No More’ es el tema de ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally‘ que muestra una mayor inspiración en la música disco de los años 70, la escena neoyorquina y Prince. Por su parte, ‘Coming Up Roses’ es una balada clásica y atemporal, interpretada por Styles al piano y acompañado por una orquesta de cuerdas. Styles ha dado bola disco, pero también balada retro, en SNL.


Esto no es amor… ¿es el Aserejé?

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Jordi Bardají
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Mientras continúan por España sus respectivas giras -el tour BIRA y la gira de ‘N2STALG1A‘-, Hofe y Natalia Lacunza se unen en un tema conjunto sorprendente. No sé por dónde empezar a comentarlo, si por la cadena de ganchos de ‘Esto no es amor’ o por sus evidentes ecos al ‘Aserejé’.

Empecemos por lo segundo, porque la melodía de la estrofa “estaba escribiéndole canciones a María” suena poseída por el ritmo ragatanga: es casi, casi, casi calcada a la del éxito de Las Ketchup. En los comentarios del vídeo, varios usuarios advierten también el parecido.

La similitud resulta incómoda al principio, pues no estamos hablando de un sample o una interpolación acreditada, aunque es posible que el parecido sea casualidad. Tampoco es que importe: el ‘Aserejé’ no inventó la música ni las melodías. La incomodidad, eso sí, se va disipando cuando descubres la cantidad de «hooks» incluidos en la canción.

Entre Natalia y Hofe se reparten frases en spanglish («te quiero dar un kiss»), una graciosa mención a un novio que escribe en Substack (claro) y rimas tipo “cómo no va a ser amor, si ella es mi Snoopy / está llena de pequitas, ella es mi cuqui”, hasta que la canción explota en un estribillo coreable. Cada estrofa contribuye a elevar la canción, que no decae.

¿Y adónde nos lleva la producción de Mattin? Su híbrido de hyperpop (esas burbujitas sintéticas), urban pop, breakbeat y destellos de funk carioca construye una pieza claramente diseñada para chutar una buena dosis de energía en los directos. Misión cumplida, seguro.

Rosalía pide perdón por sus palabras sobre Picasso y aclara su postura feminista

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Jordi Bardají
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Screenshot

Rosalía ha publicado un vídeo en TikTok en el que pide disculpas por sus recientes declaraciones sobre Picasso en una entrevista, en las que parecía poner en duda las acusaciones de maltrato contra el pintor.

En una charla con la escritora Mariana Enríquez, grabada en Buenos Aires, Rosalía aseguraba que ella “separa obra y artista” y razonaba que no se percibía con derecho a juzgar las acciones de Picasso a partir de las experiencias de otras personas, señalando: “A saber si es cierto todo lo que se dice”.

Rosalía pide perdón en su comunicado por haber opinado sin conocer esta información y explica que, aunque era consciente de que Picasso había sido un hombre “muy tremendo”, ignoraba que hubieran existido casos reales de maltrato.

“Tenéis toda la razón y os doy las gracias por hacérmelo saber”, explica la artista en el vídeo, en el que indica que expresó esa idea después de un largo día de entrevistas y promoción.

@rosalia

♬ sonido original – La Rosalia

En el vídeo, Vila Tobella reconoce que se toma la experiencia como un aprendizaje, en el sentido de que “es importante no hablar de según qué temas cuando no se tiene suficiente conocimiento”.

Además, Rosalía ha aprovechado su intervención para aclarar sus polémicas declaraciones sobre el feminismo, que expresó meses atrás en un programa de televisión, en las que evitaba describirse a sí misma como feminista y aseguraba no sentirse representada “por ningún ismo”.

La cantante, autora de discos inequívocamente feministas como ‘El mal querer’ o ‘LUX’, subraya el feminismo de su trabajo y de su propia manera de existir en la industria musical, y critica la “polarización” de las redes. No obstante, reconoce que ha preferido no posicionarse por temor a no “representar” el feminismo a la perfección.

Adiós a Gemma Cuervo, la gran Vicenta en ANHQV

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Jordi Bardají
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Gemma Cuervo ha fallecido este sábado 14 de marzo a los 91 años en Madrid, ha confirmado su familia a RTVE. «Con enorme tristeza comunicamos el fallecimiento de nuestra madre, la actriz Gemma Cuervo, tan querida y admirada por todos», informa el comunicado.

Actriz de teatro, cine y televisión con más de 60 años de trayectoria, Cuervo es reconocida en toda España por su entrañable y desternillante papel de Vicenta Benito en ‘Aquí no hay quien viva’, donde interpretaba a la hermana de Marisa (Mariví Bilbao) en la famosa serie vecinal que emitió Antena 3 entre 2003 y 2006, pasando después en ‘La que se avecina’ a asumir un rol similar.

Junto a Concha (Emma Penella), las tres vecinas ancianas formaban el trío de cotillas de “radio patio” atentas a todos los chismes del edificio. El carácter de Vicenta estaba marcado por una inocencia e ingenuidad propias de una niña pequeña que contrastaba con la personalidad gamberra de sus compañeras de piso, aunque también podía tornarse inquietante y oscura dependiendo de la situación.

Décadas antes, durante los 60 y 70, Cuervo -que había debutado en teatro en 1956- apareció en películas reconocidas como ‘El mundo sigue’ (1965) y, sobre todo, dejó huella en la historia del drama español dirigiendo junto a su marido, Fernando Guillén, una compañía de teatro que estrenaba obras prohibidas por la censura de autores europeos como Sartre o Camus.

Recientemente, Cuervo había estado activa en redes sociales, especialmente en Instagram, donde subía contenido divertido y cercano con la colaboración de su hija, la también actriz y presentadora Cayetana Guillén-Cuervo. Últimamente, Cuervo había participado en el canal de Youtube de Cayetana hablando de sexualidad, mientras que en La Revuelta su produjo su última aparición pública.

Cómo la música neoclásica ha conquistado Hollywood

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Jordi Bardají
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En los últimos años, varios compositores asociados al neoclásico contemporáneo han terminado escribiendo música para cine. El trabajo del compositor alemán Max Richter para ‘Hamnet‘ es uno de muchos ejemplos, a los que se suman también otros provenientes de las músicas experimentales y/o electrónicas, como la banda sonora de Kangding Ray para la española ‘Sirat‘.

Muchos de estos compositores ya publicaban música en sellos independientes especializados. El islandés Jóhann Jóhannsson editaba en 4AD, nada menos. El mencionado Kangding Ray, en Raster-Noton. Muchos recordarán el trabajo en solitario de la también islandesa Hildur Guðnadóttir -asociada a Sigur Rós o múm- antes de componer bandas sonoras como ‘Chernobyl’ o ‘Joker‘, tanto con el alias Lost in Hildurness como con su nombre de pila.

La mayoría de ellos son músicos asociados a la composición de ambientes y texturas. Combinando la música con el diseño sonoro, los directores no recurren a ellos para componer obras sinfónicas dramáticas, sino todo lo contrario. Escuchad la banda sonora de ‘Hamnet’: podría ser un lanzamiento de Erased Tapes o Touch, dos sellos especializados en música neoclásica desde antes de que esta conquistara el cine de masas.

Cuando hablamos de música neoclásica, nos referimos a una variante de la música post-minimalista que fusiona elementos de la música clásica contemporánea con ambient, electrónica, vanguardia, post-rock y otros estilos. Muchos de los compositores modernos que el público escucha hoy en día, como Nils Frahm o, por supuesto, Max Richter, empezaron lanzando discos en sellos pequeños o colaborando con cineastas independientes, y ya entonces su música sonaba a banda sonora. ‘Memoryhouse’, el debut de Richter de 2002, proponía la música de un documental imaginario. Precisamente ‘On the Nature of Daylight’ de Richter, recientemente destacado en los foros de JENESAISPOP por su uso en ‘Arrival’, se ha convertido en todo un clásico de la música neoclásica aplicada al cine. Eso sí, la banda sonora la firmaba Jóhann Johansson, fallecido en 2018.

Existen precedentes que permiten ubicar este fenómeno. En los años 80, compositores experimentales como Philip Glass ya componían música para películas. La diferencia está en el contexto: mientras Glass escribía música para filmes experimentales e independientes, ahora autores como Hildur Guðnadóttir o Daniel Lopatin, cuyo trabajo para ‘Uncut Gems’ o recientemente ‘Marty Supreme‘ es ampliamente reconocido, trasladan sus texturas ambientales a las grandes producciones de Hollywood, ganando Oscars y Grammys.


El que fuera colaborador de Hildur en Berlín, Jóhann Jóhannsson, es probablemente uno de los pioneros, por su trabajo en largometrajes como ‘La teoría del todo‘ (2014). Previamente había editado trabajos como ‘Fordlandia’ (2008), que parecían bandas sonoras sin serlo. Quizá lo sean en el futuro.

Es difícil determinar el origen exacto del fenómeno, pero podemos acercarnos recordando la influencia de la banda sonora de ‘La red social‘ (2010). David Fincher encargó esta música a Trent Reznor y Atticus Ross, miembros de Nine Inch Nails, buscando una música textural y tonal que prácticamente se fusionara con las imágenes. Evidentemente, la música de Mica Levi para ‘Under the Skin‘ (2013), de Jonathan Glazer, seguía una línea similar. El enfoque de Denis Villeneuve fue parecido cuando asignó a Jóhannsson la música de ‘Blade Runner 2049‘, afirmando que intentaba «crear una atmósfera donde música y diseño sonoro se unen en uno solo».

El desplazamiento de una música “temática” típica de la banda sonora clásica -como las de John Williams o James Horner durante los 70, 80 y 90- hacia, en los 2000 y 2010, una música que enfatiza la textura, la repetición y la atmósfera, llega a tal punto que compositores como Dustin O’Halloran, conocido por sus trabajos de piano minimalista y colaboraciones con grupos de ambient contemporáneo como A Winged Victory for the Sullen (vinculados a Stars of the Lid), de repente escriben la banda sonora de ‘Bridget Jones: Loca por él’ y también componen música para series de televisión como ‘Transparent‘, corroborando que la música neoclásica está más presente y es más escuchada que nunca.

Hablemos de música neoclásica o de otra más electrónica y experimental, incluso de casos como Jonny Greenwood, guitarrista de Radiohead, componiendo bandas sonoras para superproducciones de Hollywood como ‘Una batalla tras otra‘, en todos los ejemplos los une la búsqueda de una sensibilidad sonora ambiental, la creación de una música que no “comenta” necesariamente la escena subrayando la acción, sino que la acompaña sutilmente, sin estridencias ni artificios.

Este fenómeno, por otro lado, es fácilmente vinculable con el auge de la música ambiental en las plataformas de streaming. Las playlists de Spotify y YouTube están inundadas de música de “piano para estudiar” o “ambient para relajarse”, diseñada para escucharse de fondo, evocando la filosofía de Brian Eno. Esta es la “banda sonora” diaria de la vida de millones de consumidores que escuchan música sutil mientras realizan otras tareas y actividades. Los directores de cine saben que esta música conecta con la audiencia, que luego pasará por el cine a ver sus películas.

La vida de una showgirl, por Haute & Freddy

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Jordi Bardají
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En el mundo después de Chappell Roan y ‘Cumbres borrascosas‘ no puede tener más sentido un grupo como Haute & Freddy. Su debut ‘Big Disgrace’ ha visto finalmente la luz, tras haberse presentado con temazos como ‘Dance the Pain Away’. Es, sin duda, una de las bandas revelación de 2026.

El disco no decepcionará a quienes busquen drama pop al cuadrado en el estilo de Marina Diamandis (‘Sweet Surrender’) o Kate Bush (‘Symphony for a Queen’). Es evidente la influencia de Queen y Cyndi Lauper también en sus grabaciones, mientras que su base rock las conecta con propuestas contemporáneas como The Last Dinner Party. Sin duda, están en el mismo universo.

Eso sí, Haute & Freddy tiran muchísimo más de los sintetizadores de los ochenta, algo que vuelve a ser evidente en el single ‘Showgirl at Heart’, focus track del viernes y Canción Del Día de hoy.

Hay ecos claros de Wham! en la producción musical, mientras que el riff de piano que recorre el tema lleva a la mencionada Lauper. ‘Good Luck Babe!’ de Chappell Roan es la obvia precedente de esta brillante balada synth-pop salpicada de ritmos burlescos y melancolía que describe las sensaciones de una artista que vive por y para el escenario.

Una especie de ‘The Life of a Showgirl‘ escrita en segunda persona, ‘Showgirl at Heart’ retrata a una persona que parece ordinaria por fuera (coge el tren al trabajo, hace fila) y pasa desapercibida, pero que cuando se sube al escenario se come el mundo. El núcleo de la canción está en su título: esa persona que espera detrás de ti en el supermercado puede ser la que por la noche se suba al escenario y se de un baño de masas, pareciendo que el «mundo es suyo». La mención a la «prima donna» subraya ese sentir protagonista, llevando también al clásico de Diamandis.

Harry Styles, nº1 de discos y singles en UK, asienta ‘American Girls’

Por
Jordi Bardají
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Harry Styles se anota números 1 simultáneos en las listas de álbumes y singles del Reino Unido. Mientras su nuevo disco, ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally.‘, debuta directamente en la cima de la lista de álbumes, su segundo single ‘American Girls’ alcanza el número 1 también en el ránking de singles.

El disco ha vendido un total de 183.045 copias en Reino Unido, convirtiéndose en el mayor debut de la carrera de Harry Styles. De ese total, casi la misma cantidad proviene de CDs (67.499) y vinilos (66.391), además de 4.339 casetes, 2.448 descargas digitales y 42.368 puntos de streaming. En comparación, su álbum anterior, ‘Harry’s House‘ (2022), había registrado 113.000 copias en su primera semana.

‘American Girls’ es tan solo el 4º número 1 de Harry Styles en la lista de singles de Reino Unido, empatando con la cifra de One Direction. Styles lo ha logrado con ‘Sign of the Times’, ‘As it Was’ y ‘Aperture‘. ‘Watermelon Sugar‘, uno de sus mayores éxitos, no pasó del cuarto puesto.

Tras el lanzamiento del disco, ‘Aperture’ sube hasta el top 4 de singles en Reino Unido. Además de ‘American Girls’ en el número 1, ‘Ready Steady Go!’ entra en el número 5. Como sabéis, Official Charts británico limita a tres los singles que un mismo artista puede tener simultáneamente en la lista.

A pesar de que ‘Aperture’ no ha logrado mantenerse en listas como se esperaba, parece que no será el caso con el segundo single, ya que ‘American Girls’ se ha asentado en el top 3 global de Spotify. En listas oficiales, es top 3 en Australia e Irlanda, top 5 en Países Bajos y top 6 en Alemania y Nueva Zelanda. El dato español lo conoceremos el próximo lunes.

Estos días, Styles ha seguido promocionando el álbum apareciendo en el Live Lounge de la BBC, donde ha interpretado en directo ‘Aperture’, ‘American Girls’, ‘Dance No More’, ‘Carla’s Song’ y una versión de ‘Everybody Wants to Rule the World’ (1985) de Tears for Fears. Hoy sábado es la estrella de Saturday Night Live como presentador y artista invitado.




‘¡La novia!’ de Maggie Gyllenhaal es tan caótica como entretenida

Por
Fernando García
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Las tendencias en el cine muchas veces no se deben a que los artistas se copien las ideas entre ellos sino a la pura casualidad. Tan solo unos meses después del estreno de ‘Frankenstein’ de Guillermo del Toro, Maggie Gyllenhaal estrena ‘¡La novia!’, inspirada en la película de James Whale de 1935 ‘La novia de Frankenstein’. Sin embargo, la versión que entrega la directora estadounidense es libérrima y revisionista, decidiendo poner el foco desde el principio en su heroína, interpretada por una desatada Jessie Buckley. Su personaje se presenta como una mujer políticamente incorrecta, desquiciada e incomprendida, atrapada en un mundo de hombres que la utilizan a su antojo.

En la película original, la criatura de Mary Shelley acude al Doctor Praetorius para pedirle una compañera que le haga sentirse menos solo en un mundo tan hostil para alguien como él. En la actualización de Gyllenhaal, el científico es una científica, la Doctora Euphronius, interpretada por una simpática Annette Benning. Aquí son las mujeres las que tienen el mayor peso en la trama, dejando incluso a la célebre criatura de Mary Shelley en un segundo plano.

La directora añade, además, la subtrama de una brillante detective que va tras la pista de la monstruosa pareja, interpretada por una divertidísima Penélope Cruz, que no recibe el respeto que se merece dentro de su gremio, ya que son sus compañeros hombres los que se llevan todo el mérito. Estas reivindicaciones feministas, comprensibles e importantes, en ocasiones están demasiado subrayadas, pero en cualquier caso, en la naturaleza de la película no está la sutileza. Gyllenhaal no la busca en ningún momento, sino que quiere que se noten bien claros esos signos de exclamación que aparecen en el título.

Así pues, ‘¡La novia!’ es un cóctel molotov de referencias y géneros que se disfruta precisamente por su propia temeridad. Hay muchas ideas narrativas y visuales que funcionan, otras que no tanto, pero se aprecia siempre la ambición y las ganas de hacer algo diferente, una cosa bastante refrescante en el cine comercial actual. En su ímpetu por llevar a cabo cada una de las ocurrencias de la cineasta, desde convertir su película en un homenaje a los musicales de Ginger Rogers, a una de cine negro, pasando por una de monstruos, hasta una suerte de ‘Bonnie and Clyde’, reside el mayor defecto de la película. Por suerte, el conjunto termina por ser más encantador que irritante. Sobre todo, porque hay en todo momento un ritmo narrativo muy ágil que hace que sea difícil desentenderse de las peripecias de los protagonistas.

Buena parte del mérito la tienen una excelente y todoterreno Jessie Buckley, que está a un nivel de intensidad altísimo constantemente sin caer nunca en la sobreactuación, y en un memorable Christian Bale, que aporta la ternura y agresividad necesarias a su Frankenstein. Es evidente viéndola que tanto la cineasta como sus actores se lo han pasado en grande ideando este universo caótico y desenfrenado, y esa alegría es contagiosa. Pese a querer serlo todo a la vez y estar en todas partes, ‘¡La novia!’ es una película con personalidad propia y un entretenimiento tan fugaz como, sin duda, efectivo.

Bill Callahan / My Days of 58

Por
Mireia Pería
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No puedo evitar trazar cierto paralelismo con este nuevo disco de Bill Callahan y el de Jeff Tweddy. Ambos son dos instituciones del rock alternativo americano. Ambos tienen prácticamente la misma edad. Ambos comparten ahora esa mirada de viejos zorros, más sabios, menos airados, más profundos, si cabe. Y ambos han partido de premisas similares para fabricar sus últimas obras: como Tweedy, Callahan ha grabado el álbum con sus compañeros de tour, con los que hizo el directo ‘Resuscitate!’, lo que le da al disco una textura cálida, de concierto.

‘Resuscitate!’ recogía la gira del anterior álbum de estudio, ‘YTI⅃AƎЯ’ (2022), con lo que, a pesar de la distancia de cuatro años, ‘My Days of 58’ es una suerte de segunda parte. Lo esbozó con el batería Jim White y luego lo ensayó con los músicos, para ahondar en la improvisación y dar una impresión más vívida. “Es un disco de cuarto de estar”, bromea Callahan en su Bandcamp. También es un disco de señor que ya ve acercarse la vejez, pero que la enfrenta desde una óptica irónica, tierna, pero también angustiada a veces (‘Computer’).

En ‘My Days of 58’ encontramos mucho Callahan: ese pop-country-americana alternativo, de moroso desarrollo (con estupendas excepciones), orgánico, estupendamente bien tocado. Y sobre todo, estupendamente bien cantado. Cada vez que escribo una crítica de un disco de Bill Callahan tengo que incidir en su voz. Pero es este es su mayor valor: esa voz profunda, que recita más que canta, algo hierática, socarrona o grave según toca. Esa voz es la que hace que jamás pueda dar un disco suyo por malo.

Pero no solo por la voz, claro. Callahan siempre la acompaña con primor. Y es que fue escuchar por primera vez la inicial ‘Why Do Men Sing’ y caer rendida de inmediato ante lo que es puro canon Callahan. Ya lo canta nada más empezar: “Driving through the dark / Arriving in the rain / To sing my songs / All over again”. Cómo sube la emoción a través de vientos, pianos, guitarras y coros, para preguntarse “¿Por qué cantan los hombres?”.

Este inicio sirve para certificar que ‘My Days of 58’ es mucho más trotón que ‘YTI⅃AƎЯ’. Y lo remata con varias piezas mayores en su repertorio. El single de adelanto, ‘The Man I’m Supposed to Be’, es la pieza más pop, pero también lo acerca a Leonard Cohen. Reflexiona sobre sus ansias de ser mejor hombre, de ser “el hombre que se supone que tiene que ser”. La vibración que consigue en ‘Pathol OG’ (ojo al jueguecito de palabras), con los vientos y su discurso en progresiva subida y cómo rompe gozoso al final “Lay that ladder down, boy”, transmite una alegría contagiosa.

El aire que hay dentro de las canciones, el acercamiento musical tan cálido y tan poco forzado, hace que el conjunto fluya ligero, sin la aridez en la que a veces puede caer Callahan, a pesar de la gravedad de los temas que trata. Como en ‘Empathy’, una maravilla que merece meterse en el cajón de los clásicos de Callahan. Es una carta a su padre, donde reflexiona sobre la paternidad, a partir de la relación un tanto difícil que tuvo con su progenitor, pero también a través de su propia relación con sus hijos. Toca -y mucho- la fibra sensible con la impresionante voz de Callahan. Y esa letra: “Now I’m pushing sixty / With two kids of my own / I wonder what they’ll think of me when they’re fully grown (…) And now my daughter, she makes beauty / My son makes empathy (…) / So much more than me / So, so much beauty / So much empathy” («Ahora me acerco a los sesenta / con dos hijos / Me pregunto qué pensarán de mí cuando sean mayores / Mi hija tiene la belleza / mi hijo la empatía / mucho más que yo”).

No todo es tan tierno. ‘Computer’ es una diatriba de sonido oscuro, casi amenazante, contra la tecnología deshumanizadora, la IA y, de rebote, el autotune (“Autotune? I don’t wanna hear it”). Y una defensa de la humanidad y del humanismo frente a la alienación electrónica: “I’m not a robot, and I never will be”. Por suerte, ‘Highway Born’ nos saca de tanta gravedad. Es una tonada country arquetípica, sobre viajar y vivir en la carretera, que se salva de lo manido por esa gracia zumbona que le sabe dar, la fuerza que le imprime y el simpático silbido que la corona. O cuando se le acaba yendo la olla entre saxos y redobles de batería en ‘And Dream Land’, un cruce entre western y free jazz, del que emerge triunfante.

‘My Days of 58’ es un disco de aliento atemporal, puro Bill Callahan al 100%. Una obra que es una foto fija del Bill Callahan de aquí y de ahora, cuando se acerca a los sesenta. Y que sirve para explicarse (y explicarnos) un mundo que ya va demasiado rápido. Pero lejos de cualquier sombra de desánimo, Bill Callahan se enfrenta al futuro con brío.

Sunday (1994) te dan el mejor dream-pop en ‘Shame’

Por
Jordi Bardají
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Sunday (1994) es una banda de dream-pop afincada en Los Ángeles y compuesta por tres integrantes. Dos de ellos, la californiana Paige Turner y el británico Lee Newell, son pareja. El tercero, el batería, no revela su nombre, prefiriendo ser llamado «x».

La propuesta de Sunday (1994) no es ningún misterio, pero sí es bastante inmediata -como demuestra su viralidad en TikTok- para lo que suele ofrecer una banda de su estilo. Lo podrás comprobar tú mismo o misma cuando actúen en el VIDA Festival de Vilanova i la Geltrú (Barcelona) este mes de julio.

Con «inmediata» quiero decir que las canciones de Sunday (1994) no esconden su vocación pop, siendo tan apta para fans de Mazzy Star como de Lana Del Rey, The Cure, Ethel Cain, Cigarettes After Sex o los Cranberries, quienes obviamente tenían un tema llamado ‘Sunday’, aunque data de 1993. ‘Tired Boy’ es un single estrella, de momento.

‘Shame’ podría superarla. Este es el focus track de ‘Devotion [Deluxe]’, una ampliación de su EP de 2025, que incluía singles igualmente recomendables como ‘Rain’. El anterior trabajo de Sunday (1994), homónimo, también era un EP.

El grupo, que este año ha salido de gira por Europa con The Last Dinner Party, está llamado a que 2026 sea su año, y ‘Shame’ debería ser una de sus grandes bazas. La canción no puede contar con un estribillo más inmediato y cristalino, que no cuesta imaginar sonando en la radio alternativa durante los 90, y su producción dream-pop es simplemente inmaculada.

Hay que hablar también de la preciosa voz de Paige, que, en un timbre cálido y aterciopelado, pero también nasal y pop, resulta idóneo para transmitir las letras de amor y nostalgia de Sunday (1994). ‘Shame’ narra un romance imposible, juzgado por la sociedad: «Somos amantes inocentes / convertidos en villanos / porque la vida está enferma de la cabeza».




RFTW: James Blake, Lykke Li, Robyn, Haute & Freddy…

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Jordi Bardají
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Hoy, 13 de marzo, salen discos destacados de James Blake, Kim Gordon y la banda revelación Haute & Freddy. También se pueden escuchar ya nuevos lanzamientos largos de nuestras artistas recomendadas Alexis Taylor, Googly Eyes, Comic Sans y Ouineta.

Entre los estrenos en forma de single, hay que mencionar nuevas propuestas de Lykke Li, Ca7riel y Paco Amoroso; y, en especial, Robyn, que ha dejado su viejo tema ‘Blow My Mind’ casi irreconocible.

Además, tenemos nueva era de Kacey Musgraves, nueva era de beabadoobee -que se alía con The Marías-, nueva era de Olof Dreijer, nueva era de Russian Red y nueva era de Rostam, mientras otros artistas siguen desgranando sus anunciados discos, como Arlo Parks, Holly Humberstone o Charlie Puth.

La jornada es generosa en interesantes estrenos nacionales: Natalia Lacunza colabora con Hofe, casi rehaciendo el ‘Aserejé’, y hay nuevo material recomendado de Hoonine, Ginebras, Pipiolas, Cómo Vivir en el Campo o Admire, cuyo ‘SEFUE’ comentamos en portada.

Pero ojo también a la cosecha internacional: no os perdáis las propuestas de Lip Critic, Jordan Adetunji, The Parade, Baby Queen, Iceage… Puedes escuchar un centenar de novedades en la playlist “Ready for the Weekend”, que actualizamos cada viernes.

‘SEFUE’ es el manifiesto de Admire: «Ninguna mujer ha nacido pa’ ser puta»

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Jordi Bardají
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Os hablamos de Admire hace meses a raíz de su single ‘Loto’, con el que la catalana Mireia Gómez reforzaba su apuesta como promesa del urban pop nacional. Mientras en ese tema se entregaba al afrobeat, en canciones previas como ‘Bikini mojao’ o ‘Babybad’ la artista ya había ampliado su paleta sonora con sonidos de inspiración dembow, dancehall o acústicos, manteniendo siempre una clara vocación pop.

‘SEFUE’ se suma hoy a la lista de sencillos destacados de Admire, siendo una de sus producciones más deudoras del hip-hop estadounidense y también una de las más ambiciosas.

La rítmica base remite a cosas como ‘Naughty Boy’ de Beyoncé o ‘Get Your Freak On’ de Missy Elliott, incluyendo trompetas y ecos de bhangra, y sirve a Admire para lanzar un mensaje de autoafirmación y poder: “Que yo te mande es lo que a ti te gusta / Mi libertad está aquí, eso no se disputa”, rapea la de Sant Cugat del Vallès. La rima siguiente, «ninguna mujer ha nacido pa’ ser puta», desafía la lógica machista que reduce a las mujeres a su sexualidad.

La energía rítmica de la primera parte de ‘SEFUE’ deriva en una segunda sección de estilo ambiental y coral que lleva la canción hacia lo espiritual. El mensaje pasa aquí directamente a lo político: mientras Admire denuncia que “el mundo está enfermo, hay que salvarlo”, aparece sampleado un discurso del famoso activista por los derechos civiles Kwame Turé, precisamente hablando de libertad.

‘SEFUE’, una de las novedades del viernes, se presenta con un videoclip grabado en el Claustre de Sant Cugat, dirigido por la propia Admire con la colaboración de Judit Vilarrassa en la dirección creativa.

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