Sunday (1994) es una banda de dream-pop afincada en Los Ángeles y compuesta por tres integrantes. Dos de ellos, la californiana Paige Turner y el británico Lee Newell, son pareja. El tercero, el batería, no revela su nombre, prefiriendo ser llamado «x».
La propuesta de Sunday (1994) no es ningún misterio, pero sí es bastante inmediata -como demuestra su viralidad en TikTok- para lo que suele ofrecer una banda de su estilo. Lo podrás comprobar tú mismo o misma cuando actúen en el VIDA Festival de Vilanova i la Geltrú (Barcelona) este mes de julio.
Con «inmediata» quiero decir que las canciones de Sunday (1994) no esconden su vocación pop, siendo tan apta para fans de Mazzy Star como de Lana Del Rey, The Cure, Ethel Cain, Cigarettes After Sex o los Cranberries, quienes obviamente tenían un tema llamado ‘Sunday’, aunque data de 1993. ‘Tired Boy’ es un single estrella, de momento.
‘Shame’ podría superarla. Este es el focus track de ‘Devotion [Deluxe]’, una ampliación de su EP de 2025, que incluía singles igualmente recomendables como ‘Rain’. El anterior trabajo de Sunday (1994), homónimo, también era un EP.
El grupo, que este año ha salido de gira por Europa con The Last Dinner Party, está llamado a que 2026 sea su año, y ‘Shame’ debería ser una de sus grandes bazas. La canción no puede contar con un estribillo más inmediato y cristalino, que no cuesta imaginar sonando en la radio alternativa durante los 90, y su producción dream-pop es simplemente inmaculada.
Hay que hablar también de la preciosa voz de Paige, que, en un timbre cálido y aterciopelado, pero también nasal y pop, resulta idóneo para transmitir las letras de amor y nostalgia de Sunday (1994). ‘Shame’ narra un romance imposible, juzgado por la sociedad: «Somos amantes inocentes / convertidos en villanos / porque la vida está enferma de la cabeza».
Hoy, 13 de marzo, salen discos destacados de James Blake, Kim Gordon y la banda revelación Haute & Freddy. También se pueden escuchar ya nuevos lanzamientos largos de nuestras artistas recomendadas Alexis Taylor, Googly Eyes, Comic Sans y Ouineta.
Entre los estrenos en forma de single, hay que mencionar nuevas propuestas de Lykke Li, Ca7riel y Paco Amoroso; y, en especial, Robyn, que ha dejado su viejo tema ‘Blow My Mind’ casi irreconocible.
Además, tenemos nueva era de Kacey Musgraves, nueva era de beabadoobee -que se alía con The Marías-, nueva era de Olof Dreijer, nueva era de Russian Red y nueva era de Rostam, mientras otros artistas siguen desgranando sus anunciados discos, como Arlo Parks, Holly Humberstone o Charlie Puth.
La jornada es generosa en interesantes estrenos nacionales: Natalia Lacunza colabora con Hofe, casi rehaciendo el ‘Aserejé’, y hay nuevo material recomendado de Hoonine, Ginebras, Pipiolas, Cómo Vivir en el Campo o Admire, cuyo ‘SEFUE’ comentamos en portada.
Pero ojo también a la cosecha internacional: no os perdáis las propuestas de Lip Critic, Jordan Adetunji, The Parade, Baby Queen, Iceage… Puedes escuchar un centenar de novedades en la playlist “Ready for the Weekend”, que actualizamos cada viernes.
Os hablamos de Admire hace meses a raíz de su single ‘Loto’, con el que la catalana Mireia Gómez reforzaba su apuesta como promesa del urban pop nacional. Mientras en ese tema se entregaba al afrobeat, en canciones previas como ‘Bikini mojao’ o ‘Babybad’ la artista ya había ampliado su paleta sonora con sonidos de inspiración dembow, dancehall o acústicos, manteniendo siempre una clara vocación pop.
‘SEFUE’ se suma hoy a la lista de sencillos destacados de Admire, siendo una de sus producciones más deudoras del hip-hop estadounidense y también una de las más ambiciosas.
La rítmica base remite a cosas como ‘Naughty Boy’ de Beyoncé o ‘Get Your Freak On’ de Missy Elliott, incluyendo trompetas y ecos de bhangra, y sirve a Admire para lanzar un mensaje de autoafirmación y poder: “Que yo te mande es lo que a ti te gusta / Mi libertad está aquí, eso no se disputa”, rapea la de Sant Cugat del Vallès. La rima siguiente, «ninguna mujer ha nacido pa’ ser puta», desafía la lógica machista que reduce a las mujeres a su sexualidad.
La energía rítmica de la primera parte de ‘SEFUE’ deriva en una segunda sección de estilo ambiental y coral que lleva la canción hacia lo espiritual. El mensaje pasa aquí directamente a lo político: mientras Admire denuncia que “el mundo está enfermo, hay que salvarlo”, aparece sampleado un discurso del famoso activista por los derechos civiles Kwame Turé, precisamente hablando de libertad.
‘SEFUE’, una de las novedades del viernes, se presenta con un videoclip grabado en el Claustre de Sant Cugat, dirigido por la propia Admire con la colaboración de Judit Vilarrassa en la dirección creativa.
Rufus T. Firefly han ganado el Premio Ruido, otorgado por la prensa musical al Mejor Disco Español de 2025, por su último trabajo, ‘Todas las cosas buenas‘, durante la ceremonia celebrada esta noche, 12 de marzo, en la Sala Berlanga de Madrid, en la que además han actuado. Eso sí, lo han hecho sin la presencia de su batería original, Julia Martín-Maestro, que no había podido asistir al evento. Rufus T. Firefly han interpretado ‘Canción de paz’ acompañados de Repion, otra de las bandas nominadas.
‘Todas las cosas buenas’ ha aparecido en multitud de listas de lo mejor de 2025, incluido el Anuario de JENESAISPOP, y recientemente ha figurado entre las recomendaciones musicales de Pedro Sánchez, presidente del Gobierno.
Rufus T. Firefly, banda procedente de Aranjuez (Madrid) y capitaneada por Víctor Cabezuelo, suele mostrarse reacia a la competición en ceremonias de premios, llegando incluso a dedicar una canción a los ‘Premios de la Música Independiente’, en los que actuarán próximamente.
Pero lo cierto es que ‘Todas las cosas buenas’ se ha impuesto a títulos destacados como ‘LUX’ de Rosalía, ‘Spanish Leather’ de Guitarricadelafuente, ‘DAISY’ de rusowsky o ‘Si abro los ojos no es real’ de Amaia. El galardón funciona también como un reconocimiento a toda su carrera, ya que ‘Todas las cosas buenas’ está siendo su disco más reconocido, siendo el octavo.
Rufus T. Firefly han recogido el Premio Ruido de manos de Julio Ruiz, sumándose a una notable lista de ganadores que incluye a Rosalía, premiada en dos ocasiones; Triángulo de Amor Bizarro, también galardonados dos veces; María José Llergo o, el año pasado, Alcalá Norte.
Del 28 al 30 de agosto de 2026 se celebrará en el Pingüinos Arena de Valladolid una nueva edición de Cosquín Rock, festival que en 2025 se hizo grande en nuestro país. Este año, JENESAISPOP vuelve a ser uno de los medios colaboradores.
El cartel de Cosquín Rock 2026 se ha revelado hoy al completo e incluye a Kaiser Chiefs como gran reclamo internacional, cabezas de cartel nacionales como M-Clan, y nuevas estrellas del panorama rock-indie actual como Ultraligera.
Puño Dragón, Comandante Twin y Oslo Ovnies figuran también entre los nombres confirmados, mientras que la música electrónica viene representada por Claptone, el DJ set de Olugbenga de Metronomy, el live de Dmasso e Ilan Amores.
Las entradas para Cosquín Rock Valladolid saldrán a la venta en varios tramos de precios. El primer tramo de 500 entradas será una promoción de bono general por 55 euros, después habrá un segundo tramo de 500 entradas por 60 euros, un tercero por 65 euros, un cuarto por 70 euros y las restantes por 75 euros.
Además habrá modalidad de Bonos VIP, que saldrán los 100 primeros a 85 euros, las 100 siguientes a 90 euros y los demás a 95 euros. Las entradas ya están disponibles a través de la web del festival.
Morrissey ha cancelado su concierto programado en el Palau de les Arts Reina Sofía de Valencia para hoy jueves 12 de marzo, el mismo día de su celebración, por falta de descanso. El culpable sería el ruido generado por los preparativos previos a las Fallas. Así lo sugiere el comunicado oficial, que alega que Morrissey no ha descansado y no puede realizar el concierto.
«El concierto programado para esta noche en Valencia se ha visto imposibilitado por falta de sueño», señala el comunicado recogido por Heraldo, que cuenta que el vocalista de los Smiths ha viajado de Milán a Valencia por su propios medios, conduciendo durante dos días, y que no ha podido descansar en el hotel «debido al ruido del festival, las voces tecno a todo volumen y los anuncios por megafonía».
Morrissey ha acabado en estado «catatónico» debido a esta circunstancia, y ha decidido cancelar el concierto. Además, pide al público que compruebe por sí mismo si considera que «el espectáculo sigue siendo posible en estas circunstancias».
El Periódico confirma que Morrissey se ha hospedado en un hotel de cinco estrellas situado en la Plaza de Manises, en el centro de Valencia, donde se han reunido miles de personas de las comisiones falleras y por la noche se ha celebrado una fiesta con música electrónica.
Valencia era la primera parada en España de la gira de Morrissey de 2026, que incluye otras dos fechas en Zaragoza el 14 de marzo y en Sevilla el 16 de marzo. Es de suponer que el artista recuperará el descanso durante los próximos dos días y no cancelará estas citas.
Las cancelaciones de Morrissey, claro, son habituales, y durante los primeros meses de 2026 ha anulado varios conciertos de su actual gira. El año pasado, Morrissey anuló su pase en Noches del Botánico, en Madrid, por prescripción médica.
En plena gira por España se encuentra una de las bandas actuales de las que se reporta mejor directo. Calequi y Las Panteras es un grupo entregado a la fusión de ritmos latinos, afropop y electrónicos, y su sonido destaca por la atención al detalle en la producción, sin renunciar a lo festivo.
El grupo, formado en Madrid durante la pandemia, está integrado por Lauri Revuelta, Luisa Corral y Javier Calequi, quien ha colaborado con Jorge Drexler y contó con el propio Drexler en el disco ‘Mezcla rica’ (2024), junto a otros invitados. ‘TRES’ es la culminación de los dos EPs previos del grupo, pero funciona como presentación de una banda que está sabiendo construir un sonido propio.
El enfoque de las canciones es alegre y fiestero, y temas como ‘Soy pantera’ o ‘No sé cómo llegamos a esto’ subrayan la importancia de las melodías corales y comunales, mientras que las letras, digamos, no buscan ser sutiles precisamente, sino capturar un humor gamberro y despreocupado.
Esto se encapsula en el estilo del disco con canciones como ‘Si te aleja del amor no puede ser bueno’, que a fuerza de ser una colaboración con ORTIGA, resulta en un divertido merengue gallego, pero envuelto en muchas otras texturas orgánicas y digitales llenas de detalle. Rimas como «Bailando un ritmo que es ancestral / Mover el ojete no es opcional» resumen el espíritu del álbum.
Algunas mezclas son especialmente sorprendentes, como la de ‘Analog-digital’, que atraviesa más géneros musicales de los que puedes contar en una mano, incluyendo R&B, electrónica, funk, una colaboración con Rocío Márquez y un sample del programa de televisión argentino ‘Domingos para la juventud’. En ‘La herida que prefiero’ o ‘Dulce picante’, los tempos se relajan, ofreciendo texturas más folk o downtempo, dando un respiro a la sensación de fiesta y mambo constante.
La maximalista -aunque no siempre minuciosa- producción de ‘TRES’, que en cortes como ‘La herida que prefiero’ incluso evoca algo tan improbable como la toytrónica de principios de los 2000, es claramente el punto diferenciador de Calequi y Las Panteras. Aunque composiciones como ‘De vida, baile y resaca’, que da bien de fiesta ska en el estribillo, corren el riesgo de perderse en sus propios conceptos, Calequi y Las Panteras presenta un disco muy difícil de confundir con otro.
Kanye West está liando una buena con las entradas de su concierto en el Estadio Metropolitano, programado para el próximo 30 de julio. Tras el inicio de la venta general hoy, 12 de marzo, varios usuarios en redes han detectado un abaratamiento repentino y sospechoso de los precios, que durante la preventa eran considerablemente más elevados.
Por ejemplo, las entradas de grada baja que inicialmente costaban 295 euros han pasado a costar 185 euros, mientras que las de grada alta, nivel 2, que costaban 225 euros han bajado su precio a 150. En algunos casos la diferencia supera los 100 euros, tratándose de la misma entrada.
Usuarios en redes denuncian una posible «estafa masiva» a los fans del rapero estadounidense, propiciada por la presión que la agencia de prensa encargada de difundir el evento en España, Yelivemadrid, estaría generando en redes para que el público compre entradas con urgencia. Yelivemadrid anunció en Instagram que se habían vendido más de 40.000 entradas en un día, el 85% de las localidades, pero El Confidencial contradice esta afirmación en un reportaje, señalando que en realidad se habrían vendido 28.259 entradas, el 46%.
Yelivemadrid ha dado una explicación a EuropaFM a través de un DM de Instagram, aludiendo a entradas desbloqueadas: “En algunos momentos de la venta, y dependiendo de la disponibilidad de zonas y de la configuración final del recinto y del concierto, se desbloquean entradas con peor visibilidad que las primeras”, ha explicado, indicando que quien quiera sustituir su entrada puede hacerlo.
Una de las empresas organizadoras del concierto de West en Madrid, Vibra Music, explica a El Confidencial que es habitual que se reserven entradas por «necesidades de producción, invitados y para personas con movilidad reducida», pero la cifra de entradas reservadas para la organización ronda las 8.000 y no marca una gran diferencia en la supuesta inflación de ventas.
Aun así, Vibra Music se muestra «segura» de que el concierto colgará el cartel de agotado e incluso abre la posibilidad de que se lancen entradas adicionales. Eso sí, pide al público que evite adquirir boletos en plataformas no oficiales, ya que varias páginas fraudulentas están vendiendo entradas a precios sospechosamente bajos.
Pussycat Dolls ha anunciado su enésimo regreso a los escenarios, revelando las fechas de su gira mundial por el 20º aniversario de su debut ‘PCD’ (2005) y lanzando un nuevo single, ‘Club Song’. Aunque no son exactamente las Pussycat Dolls que recuerdas, ya que aquellas eran seis integrantes y las actuales son tres, por supuesto siguen capitaneadas por la vocalista Nicole Scherzinger, quien pausa su carrera en el teatro -en 2025 ganó el Tony a Mejor actriz principal por ‘Sunset Boulevard’- para volver a la banda pop que la popularizó a nivel global con ‘Don’t Cha’ y otros éxitos.
Junto a Scherzinger vuelven a las filas de Pussycat Dolls Ashley Roberts y Kimberly Wyatt, pero no la integrante más famosa aparte de Nicole, Melody Thornton, conocida por sabotear de forma hilarante una de las actuaciones televisivas de la banda.
‘Club Song’ se basa en el grito de guerra «no traigas a tu novio a la discoteca», pero musicalmente no se come la cabeza, volviendo al sonido primigenio de Pussycat Dolls, exactamente el del primer disco. Ya que Tate McRae parece basar toda su discografía en el sonido de ‘Buttons’, las PCD se lo vuelven a apropiar sin ninguna vergüenza.
Los tambores y guitarras percusivas de ‘Club Song’ apuntan al estilo de ese primer disco y al trabajo de Justin Timberlake y Nelly Furtado con Timbaland, mientras la instrumentación incluye también el sonido de un sitar, como ya hacía ‘Beep’.
La gira de Pussycat Dolls no pasará por España y, si pensabas que podían enrollarse actuando en el BRAVA Madrid, sentimos comunicar que en las mismas fechas actúan en Amberes y París.
SEPTIEMBRE
9 – Copenhagen, Royal Arena
10 – Oslo Spektrum
13 – Luxembourg, Rockhal
14 – Munich, Olympiahalle
16 – Warsaw, COS Torwar
18 – Antwerp, AFAS Dome
19 – Paris, Accor Arena
21 – Zurich, Hallenstadion
23 – Prague, O2 Arena
26 – Dusseldorf, PSD Bank Dome
27 – Amsterdam, Ziggo Dome
29 – Birmingham, Utilita Arena
30 – Nottingham, Motorpoint Arena
OCTUBRE
2 – Leeds, First Direct Bank Arena
3 – Liverpool, M&S Bank Arena
5 – Dublin, 3Arena
7 – Glasgow, OVO Hydro
9 – Newcastle, Utilita Arena
10 – Manchester, Co-op Live
13 – London, The O2
Parece mentira, pero el calvario discográfico de Morrissey ha llegado a su fin esta semana con la edición de un nuevo álbum oficial llamado ‘Make-Up is a lie’. Por el camino han quedado álbumes cancelados, como ‘Bonfire of Teenagers‘, del que conocimos el single ‘Rebels Without Applause‘ y del que nunca más se supo; y también algún otro que ha ido mutando sobre la marcha.
En 2023 el artista llegó a anunciar un largo titulado ‘Without Music the World Dies‘ y en 2024 dijo que tenía dos álbumes, pero que de uno de ellos había desechado la mitad de las canciones y lo estaba regrabando. Hace 3 años llegamos a publicar el tracklist de ese «Without Music», y si lo revisitáis, veréis que se parece bastante a este ‘Make-Up is a lie’, pero por ejemplo falta el single principal.
Otro título de álbum barajado fue ‘You’re Right, It’s Time’ y finalmente esa es la canción que abre esta obra. En resumen, podemos concluir que tenemos entre manos la versión evolucionada y final de un disco que Morrissey ha ido cambiando durante años.
La mejor decisión que ha tomado Morrissey ha sido cambiar el título del proyecto. Digamos que «sin esta música» el mundo no es que «fuera a morirse». Más bien seguiría igual. Muchas de las composiciones que el artista ha arrastrado durante casi un lustro, como ‘Notre-Dame’, suenan completamente desgarbadas: nada justifica su agónico camino hasta la edición musical. Preguntándose por qué la catedral ardió y sugiriendo una teoría de la conspiración 7 años tarde, suena totalmente desubicada en 2026. No, no es precisamente el mejor tema que Morrissey ha hecho con Alain Whyte.
Tampoco queda muy justificada la versión de ‘Amazona’ de Roxy Music, en el centro de una primera mitad soporífera que completan dos grabaciones tan vacuas como ‘Headache’ y ‘Boulevard’. Nunca se termina de adivinar por qué el artista suena tan apesadumbrado. ¿Dónde está el autor, ya no digo de ‘Reel Around the Fountain’, sino de ‘Let Me Kiss You’?
La cosa mejora algo en la segunda mitad. El nervio de la post-punk ‘You’re Right, It’s Time’ -con su dardo envenenado contra la tecnología- y el poco que tenía el single ‘Make-up is a Lie’ al principio de la cara A, vuelven en cierta medida al principio de la cara B. ‘Zoom Zoom the Little Boy’ es una defensa de los animales bastante simpática, aunque sería mucho más simpática si el propio Morrissey hubiera sido más simpático durante los últimos tiempos.
Su amor por la música se refleja en ‘The Night Pop Dropped’ y ‘Lester Bangs’, con sus menciones a artistas y críticos musicales. Aunque estas cosas se les dan mejor a Saint Etienne, es una gozada escucharle hablar de sus grupos favoritos de siempre, como New York Dolls.
En ese tramo, dos canciones de vocación pop sobre la identidad elevan ligeramente un álbum que ‘Many Icebergs Ago’ habría condenado al ostracismo. ‘Kerching Kerching’ habla sobre «no ser lo suficientemente bueno, rico, hombre o rápido» y ‘The Monster of Pig Alley’ es lo más parecido a una canción recordable en el futuro que escuchamos en este álbum. El tema vuelve a París, pero solo para invitarte a volver a casa, porque «cuanto más alto escalas, menos encontrarás».
Es una pena que el primer álbum en 6 años de Morrissey, un Morrissey siempre controvertido, entre declaraciones políticas y cancelaciones varias, solo a veces sorprendente para bien, no nos cuente tanto sobre cómo se siente hoy por hoy el artista. Algo superficial, un cliché en sus momentos más vagos y definitivamente un meme en su portada, ‘Make-Up is a lie’ no será el trabajo que le introduzca a nuevas generaciones.
Kacey Musgraves ganó el GRAMMY a Álbum del Año por ‘Golden Hour‘ (2018), dedicado a su matrimonio. Pero tras un divorcio y varias relaciones, ahora está a dos velas. Ella misma lo cuenta en ‘Dry Spell’, el primer single de un nuevo disco que se lanzará en una fecha tan señalada como el 1 de mayo, bajo el título de ‘Middle of Nowhere’.
En español podría haberse titulado algo así como «El último pueblo», y la información oficial indica que este sexto álbum de Musgraves marca su gran regreso al country, el género que la popularizó gracias a sus dos primeros discos.
No hay más que ver los invitados del disco, que van desde Willie Nelson hasta Miranda Lambert. Hay canciones tituladas «Todo el mundo quiere ser un cowboy», «Coyote» y «Caballos y divorcios». Y sí, ‘Uncertain’ es un pueblo de Texas con ese nombre.
‘Dry Spell’ cumple la promesa de su título, sonando algo seca y áspera en producción e instrumentación, con guitarras eléctricas de estilo western y blues. Luego la letra aborda la sequía sexual con humor y un tono igualmente seco en la interpretación. Kacey lamenta que ya nadie la visita, que tiene el «bacon pero nadie con quien compartirlo», y que espera una «tormenta» que cure su sequía. En el estribillo directamente llama a emergencias: «911, es un grito de ayuda».
La información oficial de ‘Middle of Nowhere’ adelanta que el disco «se inspira en el amor por los clásicos de los salones de baile de Texas», que las letras exploran la condición humana desde un toque humorístico, y que la música experimenta con estilos regionales como el norteño o el zydeco.
Unas semanas después de ofrecer una sesión de DJ en el Canino FM de Barcelona, Olof Dreijer ha dado los detalles de su primer álbum en solitario. El que fuera integrante de la banda sueca de synth-pop The Knife junto a su hermana, Karen Dreijer, conocida como Fever Ray, lanzará ‘Loud Bloom’ el próximo 8 de mayo.
El disco se compondrá de 14 cortes, de los cuales la mitad se han lanzado como singles durante los últimos tres años, a través de diversos epés. Se trata de ‘Rosa Rugosa’, ‘Cassia’, ‘Coral’, ‘Acuyuye’, ‘Blood Lilly’, ‘Iris’ y una versión nueva de ‘Camelia’.
‘Loud Bloom’ será un lanzamiento del sello dh2, que publica a artistas como Kelly Lee Owens o George Daniel, y se presenta con ‘Echoed Dafnino’, una saltarina y colorida producción electrónica que cuenta con la colaboración del vocalista sudanés MaMan.
En realidad, ‘Echoed Dafnino’ es un remix de una canción original de MaMan, ‘Dafnino’, editada en 2024. Dreijer ha remezclado la canción porque quería poder usar la «hermosa voz» del artista de Jartum en sus sesiones de electrónica. Sin embargo, considera el resultado «más que un remix» y lo ha incluido en el álbum.
Otra de las colaboraciones destacadas de Loud Bloom es la de la cantante sudafricana Toya Delazy, que rapea en zulú.
Pedro Sánchez ha presentado este miércoles una nueva iniciativa para combatir el odio en redes sociales, durante el primer Foro Internacional contra el Odio, celebrado en la Galería de las Colecciones Reales de Madrid, informa RTVE.
HODIO, siglas de Huella del Odio y la Polarización, será un mecanismo digital diseñado para rastrear y clasificar la presencia, evolución y alcance de los discursos de odio en distintas plataformas digitales utilizadas en España. Entre ellas se encuentran Instagram, TikTok, X, YouTube y Facebook.
La herramienta funcionará a través del Observatorio Español del Racismo y la Xenofobia y se basará en criterios académicos probados para analizar el fenómeno de la polarización y el odio en internet, combinando «análisis cuantitativo y revisión experta para garantizar precisión y representatividad».
Durante su intervención, el presidente del Gobierno ha señalado que el odio se ha convertido en un “arma política” y ha defendido la necesidad de visibilizar este problema en el entorno digital.
“El objetivo es sacar el odio de la sombra, hacerlo visible y exigir responsabilidades a quienes no actúan”, ha afirmado Sánchez. En este sentido, ha añadido: “ya no nos rendimos ante las plataformas; ahora son ellas las que tendrán que rendir cuentas ante las sociedades”.
El regreso de WU LYF a la escena musical parece repentino, pero en realidad se ha ido gestando desde la pandemia, cuenta el vocalista Ellery Roberts en esta entrevista con JENESAISPOP. El grupo de Manchester se dio a conocer por su estética oscura y esotérica, su apuesta por el anonimato -llegando a rechazar entrevistas a la prensa y a borrar su página de Wikipedia varias veces- y su enfoque radical de autogestión. El grupo rechaza trabajar con discográficas y publicar su música en las plataformas habituales, y cuenta con su propia plataforma de suscripción a través de la cual sus fans pueden invertir directamente en la financiación de las grabaciones de la banda.
A partir de este modelo discográfico, el grupo grabó su disco de debut ‘Go Tell Fire to the Mountain‘, que se publicó en 2011 y recibió grandes críticas. Sin embargo, la promesa se esfumó cuando el grupo anunció en 2012 su separación por motivos misteriosos. Durante este tiempo, Ellery ha formado la banda L.U.H. (disuelta en 2025) y sus integrantes han desarrollado también diferentes proyectos, pero no se podía decir que alguien esperara que volvieran después de tanto tiempo.
Así es, y además tienen nuevo disco entre manos, ‘A Wave That Will Never Break’, que se publica el próximo 10 de abril.
WU LYF también se encuentra desarrollando una gira que pasará por Barcelona esta misma semana, el sábado 14 y el domingo 15 de marzo. La sala LAUT acogerá la primera presentación en España de este disco, producido por Sonic Boom, que lleva el sonido de indie-rock épico de WU LYF a terrenos más luminosos y cercanos al folk-rock y al post-rock, como lo denotan las extensas duraciones de las canciones.
Valoráis muchísimo la autogestión, más que la mayoría de bandas, por eso me sorprende que casi no hayáis sacado música. Otros en vuestra situación habrían publicado quince discos en todo este tiempo…
Lo cierto es que nos separamos. Hay muchas razones por las que no hemos sacado música en estos 15 años. Pero, dependiendo de cómo lo mires, cada uno por separado ha seguido haciendo y publicando música con diferentes proyectos.
¿Quieres hablar de las razones de la separación o prefieres no tocar el tema?
Nos separamos porque dejamos de ser amigos. Eso ocurrió por diferentes razones, pero prefiero dejarlo en el pasado y centrarme en hablar de la expresión musical y de la situación global actual.
Bueno, eso ya es más contexto del que sabíamos. ¿En qué momento os reunís?
En 2020, durante la pandemia, volvimos a reunirnos gracias a contactos en común y decidimos reeditar el debut, porque en Discogs se estaba vendiendo a precios disparatados. Además, teníamos mucho material: canciones inéditas, vídeos, fotos… Para la reedición hicimos un libro con un amigo que es diseñador gráfico. El proceso de hacer ese libro, de recordar todos esos recuerdos, fue muy terapéutico: todo el bagaje negativo del pasado quedó atrás. Después tuvimos una conversación y acordamos que nos apetecía volver a tocar e improvisar en el estudio. Al principio fue complicado porque Tom vive en Nantes y el resto vivimos en Manchester, pero al final conseguimos escribir las canciones del nuevo disco.
Con Sonic Boom habéis trabajado un sonido bastante luminoso. ¿Cómo habéis negociado la producción con él?
Obviamente somos muy fans de Spacemen 3 y de Sonic Boom; es un héroe para nosotros. Así que, cuando surgió la oportunidad de trabajar con una leyenda y aprender de ella, la aprovechamos. Sonic Boom básicamente nos dejó hacer lo nuestro: escuchaba todo lo que hacíamos y nos daba consejos y feedback, pero en esencia se fumaba sus porros y nos dejaba a nuestro aire. Ha supervisado el proyecto, pero en realidad hemos hecho el disco que queríamos hacer. Sobre todo ha estado implicado en ‘Wave’, que es una canción muy especial.
‘Wave’ da título al disco, donde percibo cierta temática apocalíptica…
Hay una línea apocalíptica, porque el disco se creó durante tiempos difíciles. Pero creo que, más que apocalíptico, yo usaría la palabra renacimiento. Y ahí entra el título del disco, que alude a una ola que nunca se rompe.
Detecto esa luminosidad en el sonido y también en las letras. ‘Tib St. Tabernacle’ habla de trauma generacional, de gente buscando algo perdido… pero también de iglesias comunes, de lugares donde nos reunimos.
Esa alusión a la iglesia común se refiere a ese templo interior al que cada persona puede acceder. Para mí, tocar en la banda es eso. El título de esta canción alude a una librería de Londres que tiene una taberna subterránea en la que tocábamos, y cuando tocábamos allí percibíamos un ambiente muy espiritual pero a la vez cerebral en el público. Para mí la canción explora la dicotomía entre la espiritualidad de esa librería y el ambiente industrial de Manchester, lleno de gente que está sufriendo y que expresa ese sufrimiento a través de una cultura de la bebida bastante hedonista.
¿Ese dolor es algo contextual de Manchester o del Reino Unido, o tiene más que ver con lo global?
Diría que es todo a la vez. Manchester es una ciudad muy industrial: prácticamente existe para la industria y las fábricas. Esa desconexión con la tierra es extraña y genera una sensación de duelo. Hay diferentes formas de locura en distintas generaciones.
¿Has visto ‘Sirat‘? Tus palabras me hacen pensar en esa película.
¡La quiero ver!
Oliver Laxe dice que las raves son un lugar vulnerable, lo contrario de lo que puede pensar la gente: la gente no huye del dolor, sino que lo expone allí.
A mí me encanta el baile extático. Solía ser muy cerebral, estar muy metido en mi mente, y bailar ayuda a que afloren esos sentimientos, a sentirlos en el cuerpo. El ecstatic dance es un enfoque muy particular: bailas sobrio, haces yoga y trabajo de respiración. La música empieza muy lenta y evoluciona hasta llegar al éxtasis.
«Ahora mismo hay una narrativa muy judeosionista que está causando muchos problemas en Oriente Medio, porque toman el Libro del Apocalipsis de forma literal, en lugar de entenderlo como una metáfora»
La temática espiritual del disco la adelantasteis con ‘A New Life is Coming’, pero no la habéis incluido en el álbum. ¿Por qué?
La verdad es que no cabía en el vinilo. La editaremos en algún momento, pero en el vinilo solo nos cabían 45 minutos y queríamos que el disco funcionara como un objeto completo de principio a fin. En cuanto a la espiritualidad, nos consideramos una banda espiritual, pero no la veo tanto como una temática del disco sino como una temática de la vida misma. Creo que la espiritualidad le da oxígeno a la vida.
¿Qué opinas del auge actual de la religión?
Estamos viviendo lo que muchos llaman los “tiempos finales”. Ahora mismo hay una narrativa muy judeosionista que está causando muchos problemas en Oriente Medio, porque toman el Libro del Apocalipsis de forma literal, en lugar de entenderlo como una metáfora o un mito que habla de una revelación interior. Vivimos tiempos salvajes.
¿La decisión de no subir vuestra música a Spotify es política?
Es una decisión política, espiritual, moral y ética. Tiene que ver con cómo valoramos nuestra música y con cómo pedimos al público que la consuma. Spotify es como un patio de comida rápida de baja nutrición: hay todos los sabores del planeta, pero la música queda devaluada. No solo recibes fracciones de un céntimo por las reproducciones, sino que además banaliza la música.
Nosotros ofrecemos a la gente una pequeña suscripción -de unas cinco libras- para invertir en nuestra música, y así ya ganamos más que a través de Spotify. Spotify es una empresa horrible, igual que YouTube y otras plataformas. Se puede salir de ahí si uno quiere, simplemente tienes que desarrollar una estrategia alternativa.
La Casa Azul ha dado los primeros detalles de su nuevo disco y ha revelado sus dos primeras grandes fecha de presentación, que tendrán lugar en 2027.
Será el 5 de marzo de ese año cuando Guille Milkyway presente en el Movistar Arena de Madrid el contenido de su nuevo disco, ‘Fauna y flora subacuática’, que sigue sin fecha de lanzamiento. Después, el 13 de marzo será el turno de Palau Sant Jordi de Barcelona. JENESAISPOP es medio oficial de esta segunda cita.
Las entradas para el concierto de Madrid ya están a la venta, mientras que las de Barcelona se pondrán a la venta este viernes 13 de marzo a las 10 horas.
La Casa Azul ha estado muy presente en directo durante los últimos años, mientras se han cumplido siete años del lanzamiento de ‘La Gran Esfera’, su último álbum de estudio. Milkyway se marcó un WiZink en 2024; en 2025 inauguró el Primavera Sound y, en septiembre de ese mismo año, ofreció un concierto en la sala BUT de Madrid por su 25º aniversario.
También ha habido novedades musicales, como el single ‘No hay futuro’ (2022) o el repertorio fruto de la colaboración de Milkyway y Soleá Morente, reunido en el disco ‘Sirio B‘ (2025).
Durante el último año, también, Milkyway ha estado presente en televisión por su papel como jurado en Operación Triunfo 2025.
Podcast Revelación o timo: Entrevista a La Casa Azul
La cantante británica La Roux ha corroborado una acusación de agresión sexual contra Kanye West por parte de la modelo Jennifer Ann, quien asegura que West la tocó sin consentimiento durante el rodaje del videoclip de un remix de ‘In for the Kill’, en el año 2010.
Según el testimonio de Ann, durante el rodaje del videoclip West la “estranguló y le tapó la boca” y “le metió varios dedos en la garganta, moviéndolos continuamente hacia dentro y hacia fuera”, lo que, según la denuncia, “simulaba sexo oral forzado”. De acuerdo con la denuncia, West habría dicho: “Esto es arte. Esto es jodido arte. Soy como Pablo Picasso”.
En la demanda presentada originalmente en 2024, Ann afirmaba que la escena que rodaba con West «parecía más un fetiche BDSM o un vídeo porno» que un videoclip musical, y acusaba a la discográfica Universal de «discriminar sistemáticamente a las mujeres al seguir trabajando con artistas con historiales bien documentados de acoso sexual y discriminación», indicando que «tanto la discográfica como otras figuras de alto nivel dentro de la industria “intentaron ocultar el incidente”.
La Roux fue testigo del incidente y da fe de él en un mensaje de Instagram cuyas capturas de pantalla Ann ha incluido en los documentos judiciales presentados ante los tribunales. En los mensajes, la cantante afirma que “nunca podría olvidar lo que vio, fue horrible”, y explica: “Nunca he visto las imágenes (afortunadamente) y, obviamente, pedí que nunca se usaran ni que se vieran, ya que estabas comprensiblemente muy preocupada de que alguien o tu familia las viera”.
En 2020, La Roux contó que había presenciado comportamientos de Kanye que no le habían gustado, pero por respeto a la persona afectada no entró en detalles: “No voy a entrar en ello, pero vi un comportamiento que me pareció perturbador e inquietante. Y eso es todo lo que dije”.
La Roux trabajó con Kanye en el remix de ‘In for the Kill’ y también haciendo coros en el single de Kanye ‘All of the Lights’. La cantante también contó que Kanye la obligó a escribirle una disculpa a mano, después de leer que La Roux había contado en una entrevista que Kanye le había parecido una persona «extraña», tras trabajar con él.
La estadounidense Grace Ives, autora de la genial ‘Babyyy’ (2016), es uno de los actuales nombres del pop electrónico alternativo a tener en cuenta, y su disco ‘Janky Star‘ (2022) lo corroboró.
El próximo viernes ve la luz su nuevo disco, ‘Girlfriend’, que cuenta entre sus co-productores a Ariel Rechtshaid, al que conocéis por su trabajo con Sky Ferreira, HAIM y Charli xcx. Ningún fan de estas artistas se debe perder los sencillos extraídos de ‘Girlfriend’, como ‘Dance with Me’, que aúnan melodía pop y un trato retorcido de los sintetizadores, a la manera también de una Lorde o Vampire Weekend. De hecho, el productor John DeBold, que ha colaborado con los de Ezra Koenig, es otro de los nombres involucrados.
A otros suculentos adelantos como ‘Avalanche’ se ha sumado recientemente ‘Stupid Bitches’, que cierra el álbum y hoy lo elegimos como Canción Del Día.
‘Stupid Bitches’ es el sencillo más confrontativo de los cuatro, en lo lírico y en lo sonoro. Las baterías de ‘Stupid Bitches’ suenan épicas, estruendosas y grandilocuentas, mientras los sintetizadores crean un «wall of sound» de texturas electrónicas penetrantes y tempestuosas. Todo ello desemboca en un coro lleno de rabia, pero melódico.
En ‘Stupid Bitches’, Ives no se permite volver a ser herida por una persona que la ha tratado mal. Ya no se hace de menos a sí misma, acepta la vergüenza del desamor (“me permito pasar vergüenza”), reconoce que la otra persona tampoco era inocente (“tú no eres una víctima de mi soledad”) y sale más fuerte de la experiencia (“No me romperé después de todo / Soy una bala en la trayectoria de una flecha”).
Maria Arnal aparece en la primera secuencia de ‘TICTAC’ caminando junto a un muro con la intensidad dramática de Juliette Binoche dejándose los nudillos en ‘Azul’. Luego, como en un giro cuántico a lo ‘Tenet’, retrocede en el tiempo (tic, tac), “rebobina” dice la letra (¿cuánto le queda a este verbo para perder su significado original?), hasta llegar al setentero bar Skiro de la calle Escòcia para “volver a encontrarte a ti”.
Este cruce entre costumbrismo charnego, desplazamientos temporales y poética de la desaparición articula el videoclip ‘TICTAC’ (tema incluido en su disco ‘AMA’), producido por CANADA y dirigido por Celia Giraldo, autora de la recomendable ‘Un lugar común’ (2024) y responsable también de algunos de los últimos clips de la Bandini.
El contraste entre lo prosaico -ese café “con la leche muy caliente” pedido en la barra de un bar de viejos regentado por chinos- y lo fantástico, configura un relato con pinceladas surrealistas –esas hormigas dalinianas- y de realismo mágico, atravesado por una historia de amor (¿fraternal, su prima fallecida a los 15 años con VIH?) y una promesa de reencarnación.
El clip es tan fértil en ideas como el talento musical de Arnal. Sobre todo en lo relativo al montaje, con analogías y rimas visuales tan expresivas como la secuencia de espirales rizo-café-reloj-hormigas-ventilador que podría haber firmado cualquier surrealista parisino de los años 20 en el café Cyrano.
Y, al final del bucle, la transformación de Arnal, con ese vestuario que recuerda al de Rey en ‘Star Wars: El despertar de la Fuerza’, parece anunciar otra vida posible, como si el tiempo pudiera realmente rebobinarse.
Entrevista Maria Arnal: «Inteligencia artificial no hay una sino millones»
Rostam Batmanglij, el ex-integrante de Vampire Weekend y productor estrella del pop alternativo (ha trabajado con HAIM, Frank Ocean o Clairo), vuelve con su primer disco en un lustro, un trabajo titulado ‘American Stories’ que se podrá escuchar a partir del 15 de mayo, y que trae una personal propuesta.
‘American Stories’ es una obra basada en la fusión de dos tradiciones musicales, la estadounidense y la persa, ya que Rostam es estadounidense-iraní. En un momento de horrible tensión y desgracia en la guerra iniciada por Estados Unidos e Israel contra Irán, que suma ya unos 1.300 muertos, el lanzamiento de Rostam tiende un feliz puente musical entre dos culturas.
Cuenta Rostam que llegó al concepto de ‘American Stories’ casi por casualidad, pero que la fusión de tradiciones le llegó a obsesionar durante el proceso de creación del álbum. «Combinar las melodías de saz microtonal con acordes de guitarra occidental me desconcertó al principio», recuerda, «pero cuanto más escuchaba, más me atraía esa fusión, me volví adicto».
Los ecos country de ‘Like a Spark’, que después incluye un laúd de estilo persa, introducen el nuevo álbum de Rostam, que cuenta con colaboraciones destacadas de la misma Clairo en ‘Hardy’, Amir Yaghmai de The Voidz tocando saxo, violín y guitarra, o Tobias Jesso Jr co-escribiendo un par de temas.
1. Like a Spark
2. Back of a Truck
3. Different Light
4. Hardy
5. Forgive Is To Know
6. To Feel No Way
7. The Road to Death
8. Come Apart
9. The Weight
Cuando vi la portada del nuevo disco de Harry Styles me pareció que el cantante británico estaba bailando en el Basoa del Bilbao BBK Live, con la bola de discoteca haciendo de luna iluminando la oscuridad. Después recordé que el artista había sido avistado en el público del Kalorama Madrid asistiendo a un concierto de LCD Soundsystem, una de las bandas que inspiran el sonido de su nuevo disco.
Sorprende, al escuchar ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’, lo poco que el disco cumple con las expectativas de estas dos pistas visuales, aunque luego miras los créditos y lo entiendes un poco más, ya que vuelven a estar profundamente involucrados Kid Harpoon y Tyler Johnson, como en los discos anteriores de Styles. El mensaje es que Styles ha querido arriesgar, pero sin pasarse de la raya.
Llama la atención la cautelosa manera en que Styles habla en las entrevistas de sus experiencias en el mundo de las discotecas. Los clubs de Berlín han sido otra de sus influencias, y no hay que ser muy listo para entender lo que quiere decir Styles cuando cuenta que la música electrónica le ha permitido vivir experiencias “trascendentales” y “espirituales” en los clubs que ha frecuentado. El mensaje está implícito, y lo está también la propuesta musical.
‘Aperture’ ha sido un single sorprendente, entregado a la electrónica introspectiva, de exquisita línea melódica, pues Jamie xx y Floating Points son otros artistas que han inspirado al ex-integrante de One Direction. Pero el álbum después no es tan electrónico, ni mucho menos «disco», sino que recupera un poco de soslayo distintos sonidos del indie de décadas pasadas, como el dance-punk, el art-rock -la actuación de Styles en los BRITs tenía mucho de David Byrne-, los sintes a lo Future Islands en ‘Carla’s Song’ e incluso algo de pop clásico: atención a la cantidad ingente de cuerdas incluidas en los créditos.
El cambio de dirección es evidente y de agradecer, sobre todo porque ‘As It Was’ (2022) sigue petándolo tres años después y nadie quería más de lo mismo, pero sorprende lo poco lejos que llega Styles con estos nuevos sonidos, y eso que se ha convertido en runner.
El dilema que presenta ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’ -aparte del expuesto en este título tan sumamente treintañero- es que las canciones son eficientes porque Styles trabaja mano a mano con profesionales, pero estas no cumplen con su promesa de riesgo. Una promesa materializada en ‘Aperture’ pero que después se diluye: la influencia de la electrónica es muy puntual y comedida, y las texturas sintéticas y orgánicas se conforman con evocar otras propuestas que sí son originales, pero sin explorarlas a fondo en absoluto.
Styles, con todos sus recursos, millones e influencia, podría haber colaborado con un productor de electrónica reconocido, ya que tan bien habla de gente como Four Tet, o habernos descubierto un talento nuevo, como ha hecho FKA twigs con Koreless, pero ha preferido contar con Kid Harpoon, su colaborador de confianza, para escribir las mejores recreaciones del sonido de otros artistas que se les han ocurrido.
Esta colaboración garantiza que Harry entregue canciones correctas y eficientes en lo compositivo, tanto cuando se visten de LCD Soundsystem en ‘Ready Steady Go’ como de Vampire Weekend / Talking Heads en la polirrítmica ‘Are You Listening Yet?’, o de disco triste en la sorprendentemente vulnerable ‘American Girls’, que examina la racha de uniones conyugales de sus amigos mientras él permanece soltero. Pero también significa que composiciones como ‘Pop’ suenen aburridamente cómodas. Styles no es el vocalista con más carácter, pero la paleta de sonidos nueva podría haberse estirado más. En su lugar, pisa sobre seguro y cohibe el potencial artístico de sus propias canciones, asegurando un producto comercialmente asequible, pero no demasiado interesante en lo artístico. Al final, que no haya hits «obvios» es lo de menos.
La gran ironía, por tanto, de ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’ es que los coros comunales y la energía bailable de piezas como la dance-punk ‘Season 2 Weight Loss’ -sobre convertirse en la mejor versión de uno mismo- o la disco-glam ‘Dance No More’, que visita Studio 54 por la vía de Jessie Ware y Prince, no dan tanto la talla de sus aspiraciones como las canciones que casi ni tocan la electrónica en absoluto. Lo que nos lleva a preguntarnos para quién es este disco entonces.
Porque resulta que, aparte de la sorpresa de ‘Aperture’ y de la melancolía sintética de ‘Carla’s Song’, las mejores canciones de ‘Kiss All the Time. Disco, Occasionally’ son las orquestales y folk. Y ahí hay que hablar de la apacible ‘The Waiting Game’ -la primera que escribió Harry tras asentarse en Italia por un tiempo- y sobre todo de la chamber pop ‘Coming Up Roses’, donde las cuerdecillas pulsadas dibujan un sonido adorable. Esta canción es un intento de Styles de escribir una canción navideña, pero se convierte en una reflexión sobre las sensaciones agridulces después de una ruptura.
Es revelador que Styles cuente en una reciente entrevista -la de los runners- que lo pasó regular durante su anterior gira porque no terminaba de entender «qué aportaba de valor al mundo», mientras cada noche se bañaba en la adoración y los aplausos de su enorme audiencia. Da la impresión de que a Styles saberse un gran pop star, pero no tanto un autor con mirada propia como esos en los que se inspira, le genera cierto conflicto interno, y de ese conflicto parece nacer este agradable aunque insustancial cuarto disco.
Conocimos a Sarah Kinsley hace unos años por su éxito viral ‘The King‘, aunque nosotros recomendamos también su espectacular single ‘Lovegod‘, muy representativo del estilo de pop orquestal que después encontramos en su debut de 2024, ‘Escaper’.
El perfil de Kinsley en el pop es especialmente interesante por dos motivos. El primero es su formación clásica. El segundo, su papel como productora de toda su música. Después de un 8 de marzo en el que varias mujeres artistas, como Alba Morena, han reivindicado el papel de las mujeres productoras en la música, Sarah Kinsley también tiene cosas que decir.
Nos las cuenta a raíz de la publicación de su EP ‘Fleeting’, donde, junto a su colaborador Jake Aron, evoluciona hacia un sonido más pop y electrónico que en cortes como ‘Truth of Pursuit’ remite claramente a la Kate Bush más viral.
Tu EP ‘Fleeting’ acaba de salir, y no ha pasado tanto tiempo desde tu debut ‘Escaper’. ¿Cuáles son tus sensaciones después del lanzamiento? ¿Están relacionados de alguna forma?
En realidad este es el quinto EP que publico. Me encanta el formato EP para lanzar música porque es más accesible para la gente. Estoy muy contenta: la recepción está siendo muy buena. Como compositora, normalmente no sé exactamente de qué tratan mis discos hasta que los termino. Este EP fue tomando forma durante muchos meses, y solo más tarde me di cuenta de que hablaba sobre el deseo y los anhelos, sobre todo cuando la gente empezó a señalar que esos eran los temas que aparecían en las canciones.
No sé si concebiste este EP como una simple colección de canciones o como la destilación de una visión concreta que querías expresar, pero de forma condensada.
Simplemente escribí canciones, como estallidos de emoción y de expresión basados en cosas que estaban ocurriendo en mi vida. De manera casi inconsciente, el EP fue tomando forma por sí mismo.
Aquí parece que exploras sonidos más sintéticos que en tu trabajo anterior. ¿Intentabas alejarte un poco del sonido de tu debut?
Mi colaborador Jake y yo fuimos mucho más audaces con nuestras decisiones, inclinándonos por sonidos de sintetizador que realmente destacan. La producción musical es complicada porque tienes que crear espacio dentro de una canción para que todo encaje. Cuanto más audaz eres, más riesgo corres de perder algunos de los elementos más sutiles, los que son más difusos o más difíciles de escuchar. En canciones como ‘Lonely Touch’ intentamos llevarlo lo más lejos posible para que se convirtiera en algo realmente grandioso. Hacía tiempo que no asumía ese tipo de riesgos, pero también se trataba de experimentar y divertirse.
¿Qué significa para ti ‘Truth of Pursuit’?
Esta canción trata sobre estar completamente atrapada por una persona. Creo que la infatuación es un sentimiento muy poderoso porque se disfraza de amor, pero en realidad no tiene intención de convertirse en amor. Ese estado emocional es muy intenso, y es algo que he experimentado muchas veces. Estaba escribiendo sobre la verdad de perseguir a alguien o algo y descubrir que, aun así, puedes acabar sintiéndote muy sola y vacía. La primera parte de la canción habla de quedar atrapada en ese sentimiento, y la segunda trata sobre la toma de conciencia de lo perjudicial que puede llegar a ser.
¿Cómo ha influido tu formación clásica en tu carrera como compositora?
Cuando era más joven nunca pensé que sería posible para mí convertirme en cantante. Cuando creces tocando música clásica hay caminos muy definidos: ir al conservatorio, tocar en una filarmónica, convertirte en directora, compositora, profesora o investigadora musical. Es un mundo muy lineal, y yo seguí ese camino durante los primeros 18 años de mi vida.
Luego fui a la universidad y de repente me encontré rodeada de músicos completamente distintos a mí. Eran mucho más libres en su forma de pensar: tocaban en sótanos, en iglesias, en conciertos DIY bastante salvajes. Me fascinó ese mundo. De pronto tenía delante dos caminos totalmente opuestos.
Al principio sentía que tenía que renunciar a quien era para convertirme en la artista que quería ser. Incluso me sentía un poco ridícula, porque toda mi formación clásica no me ayudaba realmente a entender cómo escribir canciones. Entendía la melodía y la armonía, pero estaba atrapada en todas las reglas y los binarios de la música clásica: qué acordes eran correctos, qué intervalos funcionaban… No sabía cómo conectar con la emoción. Estaba empezando a abrazar cosas que me habían enseñado a evitar, y con el tiempo me di cuenta de que esos dos mundos estaban mucho más entrelazados de lo que pensaba. Pero me llevó un tiempo entenderlo.
¿Te acercas a la composición intentando romper las reglas y expectativas que te dejó tu formación clásica?
Lo intento. Si me siento al piano, mi cerebro ya conoce todas las combinaciones posibles de lo que podría tocar para que suene bien, y a veces odio eso porque siento que no hay verdadera libertad frente a mi formación. Las progresiones de acordes “correctas” que tengo en la cabeza son muy occidentales y muy específicas. Así que ahora intento ser más libre con mi intención: quizá tocar algo que no esperaba o moverme en una dirección que mi yo más joven nunca habría tomado. Intento sorprenderme a mí misma, aunque no siempre es fácil.
¿Qué música escuchabas cuando crecías? ¿O solo escuchabas música clásica?
Tocaba música clásica todo el tiempo, pero en realidad no la escuchaba demasiado. Escuchaba mucha música de los años 70 y 80. Mi padre me ponía mucho U2, ABBA, The Carpenters o Foreigner… También había por ahí una cinta de Madonna.
Hay un vídeo viral de Mary J. Blige en el que se queja de que algunos colaboradores -entre ellos Diddy, pero vamos a ignorarlo- le quitan el alma a su música con la mezcla y la producción. ¿Cómo afrontas tú la producción intentando preservar esa emoción de la que hablabas antes?
Estoy bastante de acuerdo con lo que dice. Cuando trabajas con cien tomas de voz y muchas capas, se pierde mucha crudeza. Puedes salir del estudio completamente agotada después de trabajar así en una canción, toda la energía artística que tengas se te va en eso. Creo que al final todo se reduce a la intuición y a saber qué es lo que se siente correcto para ti, sin caer del todo en lo que se considera “presentable” o en lo que dicen tus colaboradores.
Pero tampoco sé si existe algo como ser demasiado crudo. Uno de mis músicos favoritos es Nick Drake, y todas sus grabaciones son imperfectas de alguna manera. Pero precisamente eso es lo que las hace perfectas para mí. La instrumentación es muy mínima y las canciones son muy íntimas, y eso es exactamente quien era él. Capturó el sentimiento porque se alejó de la perfección.
El porcentaje de mujeres productoras sigue siendo muy bajo. ¿Sientes una responsabilidad de ser visible en ese espacio?
Creo que es más importante que nunca. Incluso en el caso de alguien como Addison Rae, que solo tenía dos productoras mujeres, eso todavía sorprende a mucha gente. Yo siento una responsabilidad conmigo misma, pero también soy muy perfeccionista y muchas veces simplemente quiero hacerlo yo misma. Es un equilibrio complicado entre el tokenismo y la representación real.
«El 95% de los compositores que estudiaba en la universidad eran hombres blancos que habían muerto y que procedían de Europa del Este o de Inglaterra»
Catherine Anne Davies, que publica como The Anchoress, dice que gran parte de su trabajo como productora es actuar como una especie de terapeuta, y que las mujeres abren la vulnerabilidad en los artistas de una forma que los hombres no siempre consiguen. ¿Te sientes identificada con esa idea?
Estoy de acuerdo con esa idea de ser un poco terapeuta. De hecho, algunas de las personas con las que he trabajado también han acabado siendo casi mis terapeutas. No puedes hacer una canción con un artista sin entender realmente de qué trata y qué hay detrás.
¿Crees que la gente entiende realmente el trabajo de un productor?
Creo que las definiciones pueden ser confusas porque el papel del productor cambia mucho de un disco a otro. Yo trabajo con Jake y a veces llevo canciones que ya están bastante desarrolladas. En otros casos, el productor es prácticamente el cerebro detrás de todo. A veces el artista es la voz y el vehículo, mientras que los productores construyen todo lo demás.
También creo que a veces se le da demasiado crédito a alguien que no es el artista, pero si no estás dentro de la sala realmente no sabes quién tomó cada decisión. Dependiendo del caso puede infravalorarse o sobrevalorarse. A mí me gusta pensar que, la mayoría de las veces, es un proceso bastante equilibrado. El productor puede encargarse de encontrar el sonido, pero depende mucho del artista.
¿Por qué crees que hay tan pocas mujeres en roles de producción? ¿Qué haría falta para que la industria se pusiera al día?
Esto ocurre en muchas industrias, no solo en la música. Simplemente no se presenta como una opción. Cuando yo era más joven, si quería ser músico, lo que veía en películas o en los medios era que tenía que ser cantante, intérprete o una especie de vehículo para las ideas de otros.
El 95% de los compositores que estudiaba en la universidad eran hombres blancos que habían muerto y que procedían de Europa del Este o de Inglaterra. Hace cien años ni siquiera era una opción.
Creo que el hecho de que todavía sorprenda ver bandas femeninas o equipos deportivos femeninos dice mucho. El día en que deje de sorprendernos será cuando las cosas hayan cambiado de verdad. Se trata de animar y dar espacio sin tratarlo como algo excepcional: las productoras existen, y cada vez hay más que hacen su propia música o trabajan en otros proyectos como productoras o mezcladoras. Yo, al menos, me siento esperanzada y optimista de que las cosas van a cambiar en el futuro.
Parte de la redacción evalúa ‘Risk it All’, el nuevo éxito de Bruno Mars:
«‘Risk It All’ es tan difícil de odiar como de amar y ese es su mayor defecto: es totalmente inofensiva. Para una canción que trata sobre aprender a volar, escalar montañas o nadar mares enteros por amor, despierta muy pocas pasiones. Todo lo que hay en ‘Risk It All’ está técnicamente bien, pero no propone nada que no hayamos escuchado antes, que a la vez es en lo que se podría resumir todo ‘The Romantic’.
Y es que ni siquiera es el refrito más interesante del LP. Ahí están otros como ‘Cha Cha Cha’ o ‘God Was Showing Off’, e incluso ‘I Just Might’, instrumentalmente más completos y con letras más inspiradas. Sí, ‘Risk It All’ estaba destinada a convertirse en un éxito mundial, pero también está condenada a ser un cliché de las bodas venideras». Gabri Carey
«Si ‘Die with a Smile’ era el clásico nupcial de Bruno Mars dirigido al mercado anglosajón, ‘Risk it All’ apela a la audiencia latina, siendo igual de buena. ‘Risk it All’ vuelve a ser una gran balada romántica, clásica hasta los huesos, pero ahora la estética apunta a Cuba en el ritmo de bolero, y a México en la presencia de un mariachi tocando metales.
Las trompetas de ‘Risk it All’ son claramente la mejor parte de la canción, introduciendo en los primeros segundos su melancólica melodía. El arreglo está escrito y tocado con un gusto exquisito, y aunque ‘Risk it All’ líricamente no da la vuelta más original al típico mensaje «moriría por ti», la composición melódica sí innova sobre lo que ya conocemos de Bruno Mars, resultando una grata sorpresa». Jordi Bardají
Bilbao BBK Live ha revelado la segunda tanda de confirmaciones de la 20ª edición del festival. Calvin Harris, DELLAFUENTE y hemlocke springs son los nombres más potentes, que se unen a los ya confirmados: Lily Allen, Robbie Williams, David Byrne, Alabama Shakes, Interpol, Charlotte de Witte… JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial del evento.
El festival, que celebrará su 20 aniversario durante los días 9, 10 y 11 de julio de 2026 en Kobetamendi, su recinto habitual, también ha ampliado su cartel con Westside Cowboy, el Vampirina Club de Metrika y D.Basto, la Hotcore Party de Taichy y amigos, La Paloma y BARRRK.
De esta forma, el festival bilbaíno vuelve a juntar en la misma edición una selección de nombres internacionales (Richie Hawtin, Belle & Sebastian, Nu Genea, Fatoumata Diawara…) con lo mejor del panorama nacional (Belén Aguilera, Ralpie Choo, Bb trickz, Depresión Sonora…). Las nuevas promesas también estarán en Bilbao BBK Live, desde CMAT hasta AMORE o Las Petunias.
Los bonos para el festival siguen a la venta en la web oficial del evento, con un precio promocional disponible hasta el martes 17 de marzo a las 11h.
Jack White está harto de la cultura del «clickbait». Así lo ha hecho saber en un comunicado, ahora borrado, en el que aclaró sus últimas declaraciones sobre Taylor Swift y su forma de escribir. Él le contó a The Guardian que le parece «un poco aburrido escribir sobre mí mismo». El público, por supuesto, ha interpretado que estaba llamando aburrida a Swift.
«Se ha vuelto muy popular la forma que tiene Taylor Swift de escribir sobre todo lo que tiene que ver con sus rupturas públicas, lo cual no me parece demasiado interesante. Creo que es un poco aburrido para mí escribir sobre mí mismo», declaró White en The Guardian. «Si es algo realmente doloroso, no voy a poner ahí esta cosa importante y dolorosa por la que pasé para que algún idiota en Internet lo pisotee», concluyó, explicando que prefiere escribir desde la perspectiva de un personaje.
Por supuesto, sus palabras fueron malinterpretadas. «No dije que la música de Taylor es aburrida o lo que sea que el clickbait esté intentando arrastrar», comenzó su comunicado. Mientras explicaba que simplemente dio su opinión respecto a cómo le gustaba escribir a él, con «personajes imaginarios» pareciéndole más interesantes que la realidad, White dejó claro que no era una crítica a Swift: «Estoy muy feliz de que haya tenido éxito con tantos amantes de la música a su propia manera».
«Simplemente porque diga que tengo una manera de hacer las cosas no significa que piense que todos tengan que hacerlo igual. Deberían hacer lo que funcione para ellos», se podía leer en el comunicado. Jack White acabó asegurando que el hecho de que se hayan sacado sus palabras de contexto le ha hecho tener «menos y menos ganas de hacer entrevistas» en una época en la que hay una «demanda masiva por el clickbait y el contenido».
no se muy bien cuál es el contexto pero me gustó este comunicado de Jack White en su exilio cubano contra la literatura del yo desde la literatura del yo. Está cuenta es orgánica de Jack White pic.twitter.com/S2KpqLt83S
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