«Solo sobreviven quienes permanecen en sus casas»: cómics que parecían hablar de esta pandemia

22 abril, 2020

Según ha confirmado su hija Lola Calderón a Europa Press, ha fallecido Enrique Vargas Calderón, más conocido como El Príncipe Gitano. Tenía 88 años y ha perecido en la residencia donde pasaba sus últimos años, aquejado de coronavirus. Era hermano de la famosa bailaora Dolores Vargas «La Terremoto» –que fallecía algo menos de 4 años atrás–, a la que impulsó en su carrera y acompañó al cante durante años con su alias musical –que le pusieron en su Valencia natal porque era rubio y de ojos verdes, y su madre le llevaba hecho un pincel solo porque sí–. Se hizo especialmente popular a su lado en los años 60 y 70, gracias sobre todo a la célebre rumba ‘Obí obá, cada día te quiero más’ –popularizada internacionalmente por los Gipsy Kings, años después–. Y tuvo un algo mezquino revival a mediados de los 90, ¿gracias? a su versión de ‘In The Ghetto’ de Elvis Presley, que le convirtió en un hazmerreír para las nuevas generaciones. Pero ese sería un bagaje injusto con la carrera de El Príncipe Gitano.

Siendo apenas un adolescente, comenzó a hacer sus primeras actuaciones en el mismo teatro que nada menos que Lola Flores, en los primeros años 50. Y de hecho, pronto fue protagonista de su propio espectáculo de copla y flamenco, que llevó por varios países e incluía en su elenco a unos por entonces solo prometedores Carmen Sevilla, Manolo Escobar y Rocío Jurado, nada menos. Pero estos tuvieron más suerte y vista que su por entonces patrón: él fue el primero en cantar ‘El porompompero’ y ‘Tengo miedo’, pero decidió cedérselas a sus colegas… que luego las convertirían en éxitos descomunales. Su compañía fue también el trampolín de su hermana, donde estrenó su mítico ‘Achilipú’.

Vargas fue un visionario que atinó a modernizar el flamenco y la copla y acercarla a públicos jóvenes, como muestra su adaptación psico-funk de la misma ‘Tengo miedo’, las fusiones rumberas de grandes canciones latinamericanas como ‘Los ejes de mi carreta’ o ‘Cartagenera’ y, también, otras versiones de temas anglosajones –menos esperpénticos– como ‘Delilah’ de Tom Jones u ‘Ob-La-Di, Ob-La-Da’ de The Beatles. Por supuesto tuvo sus años de estrella cinematográfica, como todo cantante de la época que se precie. Pero, como una constante en su carrera, tampoco le fue especialmente bien como actor. Esa especie de malditismo fue casi una constante en su carrera, como cuando estuvo a punto de ir a Eurovisión en 1974 con su hermana y ‘Macarrones’. Al final fue Peret. Pero indudablemente, y pese a careciera de la fortuna indispensable (se dice también que de más cabeza y más voz), sin duda El Príncipe Gitano tiene un espacio significativo en la música popular española.

Fiona Apple / Tidal

Por

22 abril, 2020

Un buen día un joven llamado Tyson está en la cama de su colegio mayor enrollándose con una chica cuando de repente su ex novia Fiona Apple aparece en un vídeo en la tele, como «mirándole a los ojos». La joven, de 19 años, había hecho un disco en parte sobre él. Tyson se reconocería en varios apuntes de las letras, identificando en ‘Sleep to Dream’ más o menos lo que ella le había dicho en su última conversación. Después, ambos volverían a tratar amistosamente, como amistoso fue el encuentro entre Fiona y la chica por la que este muchacho se alejó de ella. Es una de las primeras historias atípicas de una artista que sería famosa por su atipicidad.

Corre el año 1996. Artistas como PJ Harvey y Björk acaban de publicar obras maestras como ‘To Bring You My Love’ y ‘Post’, Tori Amos ronda niveles multiplatino con ‘Little Earthquakes’ y ‘Under the Pink’ y Alanis no para de vender millones de copias al mes (sic) con ‘Jagged Little Pill’. Van a salir cantantes femeninas de debajo de las piedras, de Anouk a Meredith Brooks, y Fiona Apple es descrita oficiosamente «como la respuesta de Sony al éxito de Morissette». La propia Fiona, en un amplio perfil realizado por Rolling Stone en 1998, un mes antes de hacerse con su primer y único Grammy hasta la fecha por ‘Criminal’ en la subcategoría de Rock, lo reconoce: «Alanis abrió el camino, yo llegué a la oficina y dijeron: «¿chica? ¿joven? ¿autora?: firma aquí».

Aparte de por su tendencia a los títulos de disco imposibles de recordar que ambas desarrollarían a lo largo de sus carreras, Alanis y Fiona se parecen como un huevo a una castaña. Apple ha estudiado piano desde pequeña, sus grandes ídolos proceden del jazz como es el caso de Ella Fitzgerald -que fallece un mes antes de que salga este álbum- y en ‘Tidal’ no hay rastro ni de las extrañas cajas de ritmos con que se decidió producir ‘Jagged Little Pill’, ni guitarras eléctricas fieras aportadas por un Jane’s Addiction, ni bajos de un Flea de Red Hot Chili Peppers. Puede haber algo de la misma rabia, pero la contención predomina sobre la palabrota y el azote. A día de hoy hasta extraña que ‘Tidal’ termine convertido en un éxito comercial en América y sea el mayor logro en las listas de Fiona: las canciones carecen de inmediatez, algunos singles se extienden hasta los casi 6 minutos requiriendo de «radio edits», y para muestra el minuto final de ‘Criminal’, una canción inquietante sin prisa alguna por acabar. El álbum jamás se pasará ni a saludar por las listas británicas y muchos menos por las españolas.

‘Criminal’ será por mérito propio el gran clásico de la carrera de Apple, llamativo desde la primera línea «he sido una chica mala», tratando un tema espinoso como el uso de la sexualidad femenina -tan sobre la mesa en la era de las riot-grrrls- y acompañado de un vídeo de Mark Romanek más polémico todavía por mostrar a la cantante en paños menores en «honor» a la canción. Conflictiva y ambigua, décadas después consentirá una nueva lectura cuando sus beneficios sean donados a la causa de los refugiados. Otros «criminales» necesitados de una «buena defensa».

Es recurrente meter a Fiona Apple en el saco de otras cantantes de rock femenino y es verdad que en los 90 hay más autoras que escriben solas su propia música que en los artificiosos años 80. Menos recordadas son su vinculación con la escena trip-hop en el uso de alguna base y ambientaciones (sucede en ‘Slow Like Honey’); la conexión con los ritmos latinos en el estribillo de ‘The First Taste’, que suena paradisíaco y bailable como un hit de Sade; con la americana en la «steel guitar» de ‘Sullen Girl’ y también con el underground. Aunque no lo parezca, ‘Criminal’ melódicamente no está tan lejos de ‘Just’, un single de Radiohead del año anterior, y las melodías angulosas y las estructuras libres producen que la cumbre del álbum, ‘Carrion’, sea tan catárquica como lo había sido ‘Blow Out’ en ‘Pablo Honey’. Sin tener nada que ver, los pequeños detalles explican que Apple encaje en la MTV de la época cuando la cadena carece de poso jazz alguno en el verano en que se premia a Smashing Pumpkins, Foo Fighters y Beck. Un año después será su propio turno y Fiona hará su famoso «speech» recordando que el mundo es una buena mierda y que no debemos amoldarnos a lo que los demás piensen que es «guay».

Antes de revelarse las aristas de Fiona, ‘Tidal’ es un álbum quedo -en su segunda mitad algo de más- que, parafraseando ‘Shadowboxer’, no tiene por qué decidirse entre la «dulzura» y el «peligro». La cantante ni tiene nada que ver con las cantantes jóvenes que tarde o temprano colaboran con Disney ni era todo el día Courtney Love. Sus letras nos hablan sobre cosas como crecer (‘The Child Is Gone’) y la muerte del amor (‘Carrion’), con el reto amoroso sonando desafiante como una amenaza: Fiona no es pura candidez cuando en ‘Slow Like Honey’ advierte que quiere «cazar tu mundo interior». Los pianos suenan tan embriagadores como en el inicio de ‘Sullen Girl’ o ‘Pale September’, pero sobre ellos nunca se deshará ni una sola pastillita de sacarina.

‘Fetch the Bolt Cutters‘ es nuestro «Disco de la Semana», por lo que estos días continuaremos repasando la discografía de Fiona Apple.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Criminal’, ‘Sullen Girl’, ‘Shadowboxer’, ‘Carrion’
Te gustará si te gusta: Tori Amos, Radiohead, Sade, el George Michael de aquel año (‘Older’)
Youtube: ‘Criminal’ en Youtube

Sondre Lerche vuelve a ser quien era con este exuberante glam-pop

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22 abril, 2020

Después del oscuro disco post-divorcio ‘Please‘, ‘Pleasure’ suponía un considerable giro estilístico en la ya larga carrera de Sondre Lerche, introduciendo un componente de electrónica retro, casi tecnopop. Así que, aunque un año después entregara una versión desnuda de esas mismas canciones que además le llevaron a una extensa y exigente gira, había como poco curiosidad por ver hacia dónde nos llevaría el noruego en su próximo trabajo. Afortunadamente para los fans de su faceta más cercana al tweepop –la de ‘Sondre Lerche‘, por ejemplo–, parece que en ‘Patience’, anunciado para el próximo 5 de junio, Lerche vuelve a ser quien era. [Foto exterior: Jen Steele.]

Al menos eso nos invita a pensar el primer single del disco, ‘You Are Not Who I Thought I Was’. Una canción presidida por un riff de guitarra eléctrica muy Marc Bolan y unas cuerdas despampanantes, mientras el cuerpo de la canción está conformado por un agitado ritmo de congas, un bajo funky y una guitarra acústica. Es el caldo de cultivo perfecto para una melodía que poco a poco se va revelando como una de las más seductoras que le recordamos.

Tras su apariencia sonora tirando a luminosa, su ambiguo título condensa una letra que reflexiona sobre cómo nuestra personalidad evoluciona a lo largo de la vida incluso cuando creíamos conocernos perfectamente, quizá inspirada también por la nueva vida que ha emprendido en Los Ángeles después de diez años viviendo en Nueva York. Así, partiendo de la idea de «qué pasaría si hubiera más versiones nuestras por ahí, espiando a nuestro yo percibido como auténtico», el clip que ha dirigido Jon Danovic para la canción presenta a Sondre espiándose a sí mismo, observándose y persiguiéndose a cualquier paraje por remoto que parezca.

Aunque todo apunte a un regreso a su yo más reconocible y haya sido grabado en Noruega con su equipo de músicos y productores habituales, lo cierto es que el punto de partida de ‘Patience’ es bastante insólito en su carrera. Porque, según Lerche, está inspirado, por la música ambient y su nueva pasión: correr. En nota de prensa, explica que aunque en su vida nunca había hecho algo «remotamente atlético», descubrió en ello una nueva manera de ir, paradójicamente, más despacio, algo que necesitaba tras la intensa gira de ‘Pleasure’. «He estado corriendo mucho, y escucho principalmente música abstracta que me ayuda a perder el sentido y la estructura cuando corro, lo que yo llamo «música paciente». En el tracklist revelado, cabe destacar el tema ‘Put the Camera Down’, que ha compuesto con el influyente Van Dyke Parks.

Tracklist de ‘Patience’:
1. Patience
2. I Love You Because It’s True
3. You Are Not Who I Thought I Was
4. There Is No Certain Thing
5. Are We Alone Now
6. That’s All There Is
7. Put The Camera Down
8. Why Would I Let You Go
9. I Can’t See Myself Without You
10. Don’t Waste Your Time
11. Why Did I Write The Book of Love
12. My Love Is Hard To Explain

Lo mejor del mes:

Anna Andreu / Els mals costums

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22 abril, 2020

Tras despuntar hace unos años como mitad del dúo de folk-rock Cálido Home, la cantautora catalana Anna Andreu ha publicado su primer disco en solitario. ‘Els mals costums’ es una bonita colección de miniaturas folk interpretadas en catalán que versan sobre el amor, la memoria y el paso del tiempo desde un punto de vista tan costumbrista como poético.

Producido por Jordi Matas (miembro y productor de Ferran Palau y de El Petit de Cal Eril, entre otros) y con la participación a la batería de la violinista Marina Arrufat, ‘Els mals costums’ se abre con el single ‘Torrent sanguini‘, un tema que habla de «horas azules» y «corrientes marinas» pero que desprende un sabor más norteamericano que mediterráneo, como todo el disco. Si el fondo folk-rock de esta canción recuerda a gente como Kurt Vile, la voz de Anna Andreu posee un timbre folclórico, ancestral, que la emparentan neceseriamente con artistas como Maria del Mar Bonet o Cecilia, y que Refree ya está tardando en producir. Con la producción adecuada, el hipnótico folk nocturno de ‘El que no som’, que cierra el álbum, sonaría sobrenatural. Dicho de otra manera, Anna Andreu puede ser una estrella.

De momento, lo que ofrece ‘Els mals costums’ es una modesta colección de canciones que beben sutilmente de estilos como el jazz o el soul, entre las que emerge de vez en cuando un teclado onírico, pero en las que prevalece la personalidad de una letrista que suena inspirada en la belleza de la poesía catalana. Es un goce leer letras como la de la balada ‘El part’, que describe eso, un parto, la llegada de una «criatura nueva» que «hendía a la madre de un grito», o la de ‘El crit al cel’, que reflexiona sobre el paso del tiempo: «hace tiempo que no llueve demasiado, y los padres se hacen viejos, quizá no haya valido la pena ser una mujer de provecho». Entre el ánimo tranquilo de ‘El desfici’ y la ternura arrebatadora de ‘La riuada’, Anna Andreu nos descubre en ‘Els mals costums’ un mundo rico que no necesita artificios.

Califcación: 7/10
Lo mejor: ‘Torrent sanguini’, ‘El crit al cel’, ‘La riuada’
Te gustará si te gusta: Maria Arnal i Marcel Bagès, The New Raemon, Sílvia Pérez Cruz, Tulsa
Youtube: vídeo de ‘Torrent sanguini’

El giro pop de Viva Belgrado; Mon Laferte se siente ‘Biutiful’ en casa… en Sesión de Control

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22 abril, 2020

Nueva edición de nuestra Sesión de Control, sección dedicada a repasar las novedades más destacadas del panorama alternativo de nuestro país y Latinoamérica. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify de esta sección que se renueva quincenalmente. [Foto exterior: portada de ‘Guíame’ de Cintia Lund; foto interior: Futuro Terror.]

Entre retrasos de discos ya anunciados y cierto pánico (comprensible, dadas las circunstancias) a anunciar nuevos lanzamientos, han sido pocos los lanzamientos discográficos que se han producido en las últimas dos semanas… pero haberlos, haylos, como las meigas. Al margen de los discos de Lido Pimienta, que reseñaremos en breve, y Anna Andreu, que hoy valoramos en portada, también han lanzado álbumes/mixtapes/EPs proyectos como Baiuca –con colaboraciones de Carlangas de Novedades Carminha y Nita de Fuel Fandango, entre otros—, el emo-rapero Goa, la artista argentina (aunque ha vivido casi toda su vida en Inglaterra) Malena Zavala y los debuts del grupo madrileño Los Telepáticos y Cápsulas de Sueño, un nuevo proyecto de Paco Tamarit (Serpentina, San Francisco) editado vía Elefant Records.

Cabe destacar temas de algunos valientes que sí publicarán discos en las próximas semanas/meses, como los cordobeses Viva Belgrado –que en ‘Bellavista’, su tercer disco en Aloud Music, dejan su post-metal screamo para orientarse más al pop contemporáneo–, Futuro Terror –que vuelven a Humo, el sello en el que dieron sus primeros pasos, para publicar ‘Sangre’–, Selecta –que presenta otro tema de su disco, de nuevo con su MC de referencia, Recycled J–, Pelomono –proyecto paralelo, enmascarado y aflamencado de Pedro De Dios (Guadalupe Plata), que regresa 7 años después, el 25 de mayo–, ISIUS –tras debutar el pasado año en Ernie Records con ‘Songs from Everywhere’, José Viqueira ha aglutinado una banda para su pop de guitarras de esencia británica con la que ha grabado ‘Fox & Castle’–, L E O –tras su single con Dorian, Leo López muestra ahora su colaboración con Santi Balmes de Love Of Lesbian– e Hidrogenesse, que poco después de ‘Joterías bobas‘, lanzarán un maxi con ocho temas escritos en torno a la exposición ‘Humor absurdo: una constelación del disparate en España’, incluidos el ya conocido ‘¿De qué se ríen los españoles?‘ y su nuevo remix.

Además, hay numerosos proyectos que presentan nuevos singles, sin que esté claro en todos los casos que tengan como destino un trabajo más amplio: Aterciopelados, La Habitación Roja, Cintia Lund –que se estrena cantando en español un tema propio–, Pavvla, Natos y Waor, dani, Ciccio, Luna Ki, Vic Mirallas o los primeros pasos de grupos como el sexteto madrileño Menta o Poetas Puestos, proyecto rap-rock en el que se implican los MCs Charly Efe y Teko. Aunque sin duda lo que abunda, sobre todo, son canciones creadas en pleno confinamiento: las de Mon Laferte, Kiko Veneno –los beneficios de ‘Hay gente‘ irán destinados a Médicos Sin Fronteras–, Ferran Palau, Mueveloreina con Valverdina (alias de María Talaverano de Cariño), Luichi Boy (de Cupido) con Alicia te quiero (otra Cariño) son nuestras predilectas de las editadas estos días.

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8 discos que escuchar si te ha gustado ‘Fetch the Bolt Cutters’ de Fiona Apple

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21 abril, 2020

‘Fetch the Bolt Cutters’ de Fiona Apple es nuestro «Disco de la Semana». En días venideros repasaremos la discografía de esta artista que ha publicado tan solo 5 discos en más de 20 años, y solo 2 durante la existencia de nuestro site. De momento os presentamos una lista de trabajos discográficos que pueden venir a la mente durante la escucha de ‘Fetch the Bolt Cutters’, tanto musicalmente como en espíritu.

Feist / Pleasure

Por su cercanía en el tiempo, ‘Pleasure’ de Feist parece la hermana perdida de ‘Fetch the Bolt Cutters’. Ambas son como la cara de una misma moneda. Las letras de Feist son más bonitas, fantásticas… y las de Fiona mucho más feístas y crudas. La honestidad de ambos trabajos se refleja en una producción que prioriza la imperfección y la crudeza, el sonido maquetero y como grabado en casa, frente a la fría perfección de un estudio profesional. Y las canciones de ambos discos hermanan por su fondo blues y también por su carácter surrealista, así como por la importancia de la percusión. Un ejemplo del disco de Feist es ‘Get Not High, Get Not Low’.

Tom Waits / Swordfishtrombones

La percusión caótica de ‘Fetch de Bolt Cutters’ ha recibido comparaciones razonables con el trabajo de Tom Waits, otro compositor peculiar. Especialmente su disco de 1993 ‘Bone Machine’ parece un punto de partida para Fiona por sus delirantes percusiones y el sonido jazz y blues de muchas canciones, pero yo me quedo con el álbum de Waits publicado 10 años antes, ‘Swordfishtrombones’, por lo extraño y rico de su instrumentación, que en muchos casos también es muy jazz, y por la brevedad de sus pistas. Desde que suena la primera, ‘Underground’, sabes que Fiona y él serían grandes colegas.

tune-yards / w h o k i l l

Decir que ‘Fetch the Bolt Cutters’ suena a ‘Hot Knife’ es decir que Fiona ha llevado el parecido de esa canción con el trabajo de tune-yards a su máxima expresión en este nuevo trabajo. Si Fiona ya sonaba a tune-yards en su anterior álbum, en ‘Fetch the Bolt Cutters’ vuelve a recordarnos al grupo autor de ‘w h o k i l l‘ en la prominencia de las percusiones, que además suenan orgánicas; lo visceral de la voz de Merrill Garbus e incluso en las melodías naíf de algunas canciones, como ‘For Her’ o ‘Relay’.

Xiu Xiu / A Promise

El nuevo álbum de Fiona presenta un punto completamente desquiciado e ido de olla que remite al trabajo de Xiu Xiu, un grupo que hace música que puede describirse exactamente en esos términos. Algunas voces de ‘Fetch the Bolt Cutters’, las que suenan como mal gritadas en un cuchitril, así como algunas texturas y frecuencias electrónicas presentes en este disco, remiten a obras como ‘A Promise’. Y si creéis que ‘Newspaper’ da miedo o angustia esperad a escuchar ‘Ian Curtis Wishlist’… o toda la discografía de Xiu Xiu en general.

Fleetwood Mac / Tusk

‘Fetch the Bolt Cutters’ es un disco poblado por canciones que en muchos casos pueden llegar a ser preciosas y conmovedoras. A pesar del espíritu experimental del álbum, a pesar de su interés por trastear con instrumentos, percusiones y samples, las canciones de ‘Fetch the Bolt Cutters’ tienen un fondo clásico muy Fiona, porque ella empezó en la música escuchando jazz y este género ha estado presente en todos sus trabajos. En este caso la relación con ‘Tusk’ de Fleetwood Mac que aparecía en algunas de las primeras reseñas, tiene sentido: el disco post-‘Rumours’ de la banda alternaba lo conmovedor (‘Sara’) con una mayor ambición experimental.

Joni Mitchell / Hissing of Summer Lawns

A pesar del 10 sobre 10 a ‘Fetch the Bolt Cutters’ de Pitchfork, son varias las voces discrepantes que hablan de un disco imperfecto, difícil, experimental para mal. Algunos trabajos de Joni Mitchell fueron recibidos en su momento con igual aprehensión, y entre ellos hay que mencionar ‘Hissing of Summer Lawns’, similar a ‘Fetch the Bolt Cutters’ en el sonido visceral de temas como ‘The Jungle Line’ y también en su interés por llevar las sonoridades del jazz hacia nuevos lugares. Ningún fan del pop vocal más inquieto debería perderse esta masterpiece de Mitchell de 1975.

Fiona Apple / The Idler Wheel…

Parece una elección fácil. Bueno, lo es. Pero no cuela que ‘Fetch the Bolt Cutters’ sea un disco TAN extraño. Comprobado está que muchos artistas han ido más lejos que ella en muchos sentidos (como Xiu Xiu), pero es que el sonido de ‘Fetch the Bolt Cutters’ explora caminos ya abiertos por Fiona en su trabajo anterior, sobre todo en cuanto a la prominencia de pianos y percusiones (‘Periphery’). Puede que lo haga de manera más radical, pero creo que es más fácil entender ‘Fetch the Bolt Cutters’ después de ‘The Idler Wheel…‘ que si hubiera salido después de ‘Extraordinary Machine’.

Nina Simone / Forbidden Fruit

Como Fiona Apple, Nina Simone fue una compositora valiente, con un sentido de la justicia y la dignidad brutal, y que no tenía miedo a expresar sus opiniones sin filtros y sin miedo a las represalias. Fiona creció escuchando a Ella Fitzgerald y Billie Holiday, pero también ha citado entre sus influencias a Nina Simone. En el fondo estos son los géneros que, de manera más o menos perversa, encontramos en ‘Fetch the Bolt Cutters’, un trabajo que es exactamente eso, valiente y hecho por una persona que no teme dar todo lo que hay en su interior.

Charli XCX, Selena Gomez, The Strokes, Empress Of y yaeji entran al top 40 de JNSP

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21 abril, 2020

Dua Lipa continúa en el podio de lo más votado de JENESAISPOP, ocupándolo al completo como viene siendo habitual en los últimos tiempos. La entrada más fuerte es ‘Forever’ de Charli XCX, seguida de la última de Selena Gomez. En la mitad baja encontramos también nuevos temas de The Strokes, Empress Of y yaeji, mientras es momento de despedirse de ‘Lost In Yesterday’, el gran single de Tame Impala, ya con más de 10 semanas y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por vuestras canciones favoritas, aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	2	1	11	Physical	Dua Lipa	Vota
2	1	1	3	Break My Heart	Dua Lipa	Vota
3	3	1	24	Don’t Start Now	Dua Lipa	Vota
4	4	4	20	Blinding Lights	The Weeknd	Vota
5	7	1	34	The Greatest	Lana del Rey	Vota
6	6	1	7	Stupid Love	Lady Gaga	Vota
7	8	8	4	In Your Eyes	The Weeknd	Vota
8	18	1	42	God Control	Madonna	Vota
9	17	9	2	Take Yourself Home	Troye Sivan	Vota
10	10	8	7	Say So	Doja Cat	Vota
11	12	1	55	bad guy	Billie Eilish	Vota
12	14	6	22	Everything I Wanted	Billie Eilish	Vota
13	–	13	1	Forever	Charli XCX	Vota
14	–	14	1	Boyfriend	Selena Gomez	Vota
15	15	10	9	Delete Forever	Grimes	Vota
16	16	6	24	sad day	FKA twigs	Vota
17	20	2	31	Really don’t like u	Tove Lo, Kylie Minogue	Vota
18	11	9	10	Are U Gonna Tell Her	Tove Lo	Vota
19	13	9	13	Bikini Porn	Tove Lo	Vota
20	9	9	3	Flashback	Javiera Mena	Vota
21	23	15	7	People I’ve Been Sad	Christine & the Queens	Vota
22	24	22	3	Je disparais dans tes bras	Christine and the Queens	Vota
23	29	12	6	Murphy’s Law	Róisín Murphy	Vota
24	19	12	11	Lost in Yesterday	Tame Impala	Vota
25	34	25	9	Bad Decisions	The Strokes	Vota
26	5	1	6	Desciende a mí	Pshycotic Beats, Pati Amor	Vota
27	–	27	1	Brooklyn Bridge to Chorus	The Strokes	Vota
28	27	18	5	Vigilantes del espejo	Triángulo de Amor Bizarro	Vota
29	30	27	5	Caution	The Killers	Vota
30	33	21	6	Never Come Back	Caribou	Vota
31	26	26	7	La difícil	Bad Bunny	Vota
32	21	21	7	Spotlight	Jessie Ware	Vota
33	22	22	6	Steps	Haim	Vota
34	25	9	5	Viniste a por mí	Soleá Morente	Vota
35	31	29	7	Describe	Perfume Genius	Vota
36	28	17	7	The Man	Taylor Swift	Vota
37	36	32	5	Comme des garçons (like the boys)	Rina Sawayama	Vota
38	–	38	1	Give Me Another Chance	Empress Of	Vota
39	38	38	2	La canción que creo que no te mereces	Carolina Durante, Jota	Vota
40	–	40	1	WHAT WE DREW 우리가 그려왔던	yaeji	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Held Down	Laura Marling	Vota
–	I Feel Alive	TOPS	Vota
–	Sábanas santas	Sr Chinarro	Vota
–	Teacher	Chromatics	Vota
–	they told us it was hard, but they were wrong	Ela Minus	Vota
–	Fontana	Cosmen	Vota
–	Porches	Patience	Vota
–	Here They Come	Hamilton Leithauser	Vota
–	I Don’t Know	Jamie xx	Vota
–	Every Color	Louis the Child, Mark Foster	Vota
–	Second Best	J’aime	Vota
–	Aries	Gorillaz, Peter Hook, Georgia	Vota
–	Call My Phone Thinking I’m Doing Nothing Better	The Streets, Tame Impala	Vota

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‘Dime Bbsita’ de Robledo y Alex Martini es incluso peor que su título, y ya es top 4 en España

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21 abril, 2020

La entrada más fuerte de la semana en la lista de singles española es una canción publicada el pasado 9 de abril que ahora mismo ocupa la segunda posición de las canciones más reproducidas en Spotify España, y que entra en el número 4 de la mencionada lista de singles, lo que la coloca solo por detrás de ‘Safaera‘ de Bad Bunny, ‘Amarillo‘ de J Balvin y ‘Tusa’ de Karol G y Nicki Minaj. Se trata de una composición de reggaetón llamada ‘Dime Bbsita’ bien salpicadita de machismo y sexualización barata que firman el trapero madrileño Robledo y su colaborador, Alex Martini. Nos gustaría decir que al menos la canción, como tal, es buena, pero tampoco.

Muy por detrás de ‘Dime Bbsita’ han entrado las siguientes dos canciones: por un lado, ‘Sigues con él’ de Arcangel, Sech y Romeo Santos, tres artistas que no sabemos cuántos millones de veces han colaborado ya, entra en el número 44; y por otro, ‘MAMACITA’ de Black Eyed Peas, Ozuna y J. Rey Soul (si, esta canción existe) lo hace en el número 58. La reinvención latina de Black Eyed Peas, probablemente la peor desde la reinvención electrónica de Black Eyed Peas, ha sido a todas luces un acierto comercial, como ha demostrado el exitazo de ‘RITMO’ con J Balvin. ¡Conseguirá ‘MAMACITA’ igual repercusión?

Finalmente, Manuel Carrasco, autor del exitosísimo ‘La cruz del mapa’, un disco que sigue sin salir de la lista de álbumes dos años después de su lanzamiento, entra en el número 59 con ‘Prisión esperanza’, su nueva canción solidaria compuesta durante el confinamiento, y con la que el cantante busca apoyar a los bancos de alimentos; y Dani Martín y Juanes lo hacen en el 80 con su single conjunto, ‘Los huesos’.

The Strokes, número 6 en España con ‘The New Abnormal’

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21 abril, 2020

The Strokes han conseguido entrar dentro del top 10 de ventas de unos pocos países con su nuevo trabajo, ‘The New Abnormal‘. El disco ha sido top 3 en Reino Unido, top 8 en Estados Unidos… y poco más. A estos países hay que sumar ahora España, donde el álbum ha entrado en el número 6 de la lista de discos más escuchados de la semana, dato que mejora el de ‘Comedown Machine‘, que fue número 16 en 2013, pero no el de ‘Angles‘, que fue número 4 en 2011. Curiosamente, ‘Is This It?’ tan solo alcanzó el número 70 de ventas en nuestro país, pero eran otros tiempos.

La segunda entrada más importante de la lista es la de ‘Por primera vez’ de Camilo, en el número 13. Camilo es un famoso cantante colombiano conocido por éxitos como ‘Tutu’ con Pedro Capó o ‘Desconocidos’ y ‘La boca’ con Mau y Ricky… y también por haber co-escrito el macrohit ‘Sin pijama’ de Becky G y Natti Natasha. ‘Por primera vez’ es su tercer disco.

En esta enésima semana de confinamiento total solo dos discos más han entrado en lista. Por un lado, ‘La casa de papel’, el nuevo EP de Rayden inspirado en la famosa serie del mismo nombre de Netflix, que entra en el número 49; y ‘The New Toronto 3’, la nueva mixtape del rapero canadiense Tory Lanez, que entra en el número 90.

Rina Sawayama / SAWAYAMA

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21 abril, 2020

La industria de la música se ha edificado a partir de la estandarización de sus productos manufacturados, vampirizando las tendencias más atractivas del underground y deglutiéndolas aptas para un consumo masivo. Durante décadas ha sido así y es una mecánica que, aún a día de hoy, perdura. Pero en estos tiempos tan extraños, hay toda una corriente de artistas que están haciendo su propia revolución haciendo justo lo opuesto: tomando el pop mainstream y su estética para retorcerla de manera perversa y devolvérsela al mundo de una manera mucho más divertida y transgresora, aprovechando además para que envuelvan un contenido lírico más arriesgado, sobre drogas, sexo, depresión, violencia de género, orgullo LGTBI+, etcétera. Una línea que comenzaron a dibujar PC Music y SOPHIE, que han sabido hacer suyas (cada una a su manera) artistas como Charli XCX, Tove Lo, Kim Petras, Poppy, Dorian Electra… y, desde ya, Rina Sawayama.

Si bien esta joven japonesa educada en Reino Unido sentaba ya las bases de su personalidad como artista pop en ‘RINA’, es el recién publicado ‘SAWAYAMA’ el que consolida su espacio propio, a base de extremar su propuesta: por un lado, ofreciendo un amplio abanico de sonidos propios del pop de radiofórmula de los años 2000 para construir su espacio musical (con la ayuda de su socio más destacado, el productor Clarence Clarity); y por otro, con un contenido lírico que exhibe sin filtros sus posicionamientos sobre medio ambiente (‘Fuck This World’), capitalismo (‘XS’), machismo (‘Comme des Garçons (Like the Boys)’, racismo (‘STFU!’), acoso escolar (‘Who’s Gonna Save U Now?’) mientras, de manera llamativa, desnuda su historia familiar: como explicó profusamente a Pitchfork, su padre las abandonó a ella y a su madre en Reino Unido, después de trasladarse allí desde Japón por el trabajo de aquel, derivando en un traumático divorcio y miseria económica para las dos.

Esa traumática experiencia recorre de cabo a rabo en este segundo trabajo de Rina, desde el comienzo, con una ‘Dynasty’, en la que poéticamente trata de apartarse de una herencia familiar que no es otra cosa que dolor, hasta la final ‘Snakeskin’, en la que habla precisamente de entregar al público esa parte de su vida como si fuera una piel de serpiente para que los demás lo admiren o lo usen, como si fuera un complemento. Significativamente, termina con la voz de su madre hablando en lengua materna sobre su difícil vida mientras suena una sonata de Beethoven al piano que su progenitora solía tocar. Entre ambos extremos, Sawayama explicita el desarraigo que siente hacia su familia por todo lo que ha sufrido (‘Akasaka Sad’) y busca la redención de una adolescencia complicada en la que se avergonzaba de su madre y le devolvía todo el dolor en forma de rebeldía (‘Paradaisin´’), a la vez que muestra cierto apego por su Tokyo natal, sufriendo por el maltrato que los turistas (incluida ella misma en alguna ocasión, como confiesa en un momento del disco) profieren a sus habitantes por su carácter extremadamente amable y educado (‘Tokyo Love Hotel’).

Aunque toda esta pesada carga emocional y personal se plasme en versos de notable ingenio –reconoce que, pese a lo dicho en el primer párrafo, su colaboración con experimentados compositores de la industria la ha ayudado a mejorar mucho como escritora y compositora–, lo mejor de todo es que lo haga con un envoltorio musical que desprende una luminosidad y optimismo (incluso en sus momentos más oscuros), en una especie de caricatura no malévola de la música pop que triunfaba 20 o 25 años atrás. Así, los ecos de las producciones de Timbaland para Justin Timberlake o Nelly Furtado, los arrebatos hardrockeros de Xtina circa ‘Stripped’, la Britney de ‘Gimmie More’ (de hecho, esos “more” de ‘XS’ parecen casi un homenaje), el nu-metal de Linkin’ Park (al que tanto partido ha sacado últimamente Poppy), los primeros trabajos de Robyn junto a Max Martin, el pop-rock que coqueteaba con el sonido 8-bits, el hardcore de peluche de la primera Avril Lavigne, el post-new jack swing de *NSYNC o el pop electro de la Lady Gaga de ‘The Fame’ se suceden como un bombardeo.

Pero lejos de resultar una simple retahíla de referencias, lo más divertido de esto es la mezcla de cariño y parodia que Sawayama y Clarity aplican a todo el conjunto, y cuyo culmen podría ser el falso directo de ‘Who’s Gonna Save You Now’ –una referencia explícita al ‘A Star Is Born’ de Bradley Cooper y (de nuevo) Lady Gaga–, con ese loco solo en el que la voz emula a la guitarra eléctrica y que remite al enfoque extremo de su amiga Dorian Electra. Al margen de la diversidad de estilos y lo recurrente que pueda ser tal o cual canción, ‘SAWAYAMA’ brilla sobre todo por ser sobre todo un fantástico disco de pop repleto de canciones de esas destinadas a acompañarte un tiempo largo y, a poco que te alcancen en el momento adecuado, a quedarse contigo para siempre.

Tras su arranque impetuoso con los fantásticos singles del disco, sumándoles la magnética ‘Akasaka Sad’ y sobre todo el prodigio melódico de ‘Paradaisin´’, es tangible que la última parte del disco está más poblada de fillers (casi siempre correctos, pero algo faltos de chispa) de lo que nos gustaría, rebajando el impacto del disco. Pero incluso ahí emergen maravillas en forma de medio tiempo, como la gran ‘Bad Friend’ –siguiendo con las confesiones, Rina busca recuperar la relación con una de sus mejores amigas, a la que dio de lado sin razón, recordando sus fiestas bailando Carly Rae Jepsen… con una canción creada con Kyle Shearer, uno de los colaboradores frecuentes de la canadiense– o la tan naif como sentida ‘Chosen Family’ –una balada en la que incluso su voz evoca a la de Germanotta, dedicada a los fuertes vínculos con sus amigos en la comunidad LGTBI+–. Ambas evidencian que, por encima de su ingenioso concepto estético, Rina Sawayama es también una buena compositora, y que ‘SAWAYAMA’ puede ser apenas un paso de gigante para una estrella del pop del futuro, atípica y fuera de normas… a base de apropiarse de ellas.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Paradaisin´’, ‘Comme des Garçons (Like the Boys)’, ‘Bad Friend’, ‘XS’, ‘Dynasty’
Te gustará si te gustan: Charli XCX, Dorian Electra, SOPHIE; las Gaga, Britney y Xtina de mediados-finales de los 00
Youtube: ‘XS’ en Youtube

La «drag race» como disciplina olímpica, lo mejor de ‘I’m Ready’ de Sam Smith y Demi Lovato

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JNSP

21 abril, 2020

Parte de la redacción evalúa ‘I’m Ready’, el single conjunto de Sam Smith y Demi Lovato.

«Entiendo bastante bien por qué a alguien en el equipo de Sam Smith se le pudo ocurrir lo de la parafernalia olímpica para ‘I’m Ready’: ese estribillo-no-tan-estribillo tan over the top evoca cierta grandilocuencia que le va que ni pintada al espectáculo deportivo y sus ceremonias de apertura y clausura. Es una lástima que la vil Covid-19 haya arrebatado a Smith y Demi Lovato la oportunidad de cantarse este tema en uno de esos galotes, con bien de pirotecnia… porque realmente fuera de ese ámbito suena algo desubicado. Y eso que la oscuridad reminiscente del ‘Yeezus’ de Kanye West en los versos y el pre-coro del tema co-escrito por sus intérpretes con el exCardigans Peter Svensson y los productores ILYA y Savan Kotecha parecen un buen punto de partida. Pero por desgracia al gancho principal le falta algo de enjundia, como si en realidad fuera el pre-coro y alguien se olvidara de rematar la canción con un buen estribillo. Así que no, esta vez no cabe culpar a Demi, que está relativamente bien hasta su ya recurrente grito. Lo mejor que nos deja ‘I’m Ready’, sin duda, es el momento en el que en su vídeo la «drag race» se postula como disciplina olímpica». Raúl Guillén.

«Sam Smith conquistó a muchos con el breakbeat de ‘Money On My Mind’ en 2014, después se excedió con las baladas y el año pasado remontó con un par de producciones bastante chulas, ‘How Do You Sleep?’ y ‘Dancing With a Stranger’. Su tercer álbum, en cambio, no pinta nada bien tras la decepcionante ‘To Die For’ y esta ‘I’m Ready’ cuya producción apunta sin motivo al citado 2014: el año después de ‘Yeezus’ y ‘Beyoncé’. Sonando así de viejuna, se acompaña además de una melodía rancia que solo cuela por el recurso de la repetición. Una de las producciones más feas oídas últimamente en el mundo mainstream». Sebas E. Alonso.

«Siempre he sentido una predilección especial por las voces que suenan a medio camino entre molar y ser muy desagradables. Es decir, por las voces tipo Anastacia (¡arriba Anastacia!). O Sam Smith. La de Demi Lovato me parece desagradable sin matices, así que ‘I’m Ready’ me gusta necesariamente un 50% menos antes de haberla escuchado. Después, la valoración es incluso peor: ya no es que la producción suene anticuada y desesperadamente épica, es que ese estribillo no debería haber salido nunca de un estudio. Lo mejor de la canción es la incorporación del coro góspel, pero incluso esta puede considerarse un recurso fácil. En definitiva, ‘I’m Ready’ vuelve a ser ejemplo de que este tipo de colaboraciones entre artistas de primer nivel tienden a restar más que a sumar». Jordi Bardají

J’aime retrata la excitación del poliamor en ‘Second Best’

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21 abril, 2020

J’aime, el proyecto de nuestro colaborador Jaime Cristóbal (Souvenir, Popcasting), ha publicado esta primavera finalmente su disco de debut, precedido de un tema colaborativo con la cantautora de los 90 Françoiz Breut de ligera inspiración synth/kraut. Lo que encontramos en el álbum es en cambio bien diferente, con ecos de las músicas populares de los años 50 y 60, y del indie pop de los 80. Entre tanta guitarra «twang» y «jangle», alguien ha decidido llamarlo «twangle» pese a/debido a su apasionante polisemia.

El álbum ‘Love and Squalor’ recoge historias personales de Cristóbal procedentes de muy diferentes épocas, pues ha sido escrito muy lentamente a lo largo de varios años, por lo que las vibraciones contenidas van indistintamente desde la zozobra a la euforia. ‘Second Best’ pertenece al último grupo. Es comprensible que se haya presentado el disco con ‘700,000 Records’ con Breut -de la misma manera que lo es que Morrissey haya presentado el suyo con una leyenda de la Motown, Thelma Houston-; pero aquí también había composiciones más inmediatas, como esta o la balada orquestada ‘Tell Me Not to Weep’.

‘Second Best’ se sumerge en las «noches de verano», bajo las «estrellas», como una especie de paseo en el que los dos protagonistas «se balancean entre la poesía romántica y la tentación del poliamor» (atención a la sonoridad de la palabra «polyamory»), lo cual termina dando nombre a la canción («And they could choose a second best / Somebody not too hard to tack»).

Al margen de su sentido final, ambiguo como lo es el título, entre la inquietud y el conformismo; el espléndido riff de guitarra y la viveza de la batería tienen el nervio de los mejores Primitives o The Go-Betweens. Entre letra y locura guitarrera hacia el final, la excitación es tal que uno parece estar viendo una de esas películas de Éric Rohmer en las que todo el mundo se lía con quien supuestamente no se tiene que liar… después de haberle dado un par de millones de vueltas.

Lo mejor del mes:

Kali Uchis publica este viernes nuevo EP, de explícita portada: «Mi era ‘Isolation’ comiéndole el coño a mi era ‘Por vida'»

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21 abril, 2020

Tras triunfar en 2018 con ‘Isolation‘, la colombiano-estadounidense Kali Uchis no ha dejado de trabajar para afianzarse como una de las artistas del nuevo pop R&B más eclécticas y personales, acentuando su cultura natal en sus canciones. En los últimos meses, la hemos visto y escuchado colaborando con artistas como Free Nationals (la banda de directo de Anderson. Paak), Kaytranada (cantando ‘10%‘ en su disco ‘BUBBA’) o, muy recientemente, con Little Dragon. También ha publicado la fabulosa ‘Solita‘, que podíamos intuir como un primer adelanto del tercer disco de estudio en el que trabaja y que posiblemente planeaba comenzar a presentar en festivales como el madrileño Mad Cool 2020, ahora mismo en el aire por razones de sobra conocidas.

La pandemia ha truncado sus planes, sí, pero ella ha decidido no dejar que eso la hunda y continuar trabajando. Así, en un post de Instagram anuncia hoy que, aunque «no puede darnos aún su nuevo álbum», este viernes 24 de abril va a lanzar un EP completamente nuevo y separado de ese otro trabajo. Se trata de una serie de demos que, explica, ha grabado en su habitación para sus seguidores y recopilará bajo el título de ‘To Feel Alive’ e irá presentado con una llamativa portada.

Se trata de una pintura de la pintora afincada en Los Ángeles Oh De Laval, especializada en coloridas piezas con un frecuente contenido sexual explícito. De hecho, la obra que ha escogido Kali retrata un cunnilingus de una mujer morena a otra rubia en un salón en el que, a través de la ventana, vemos arder una cabina de una noria. Aunque Uchis ha autocensurado la pieza en su perfil, en el de la autora puede verse completo. Kali le ha buscado una curiosa interpretación a esta portada: para ella representa «Mi era ‘Isolation’ comiéndole el coño a mi era ‘Por vida'», en referencia a su segundo y primer disco respectivamente. Veremos si eso se plasma también en su sonido.

Paulina Rubio la vuelve a liar: «help coronavirus»

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20 abril, 2020

Lo has visto en los medios generalistas, en las redes sociales, seguramente alguien te lo haya pasado por Whatsapp… Paulina Rubio vuelve a ser noticia por liarla en un lugar. En este caso, su casa.

Este fin de semana la intérprete de la gran ‘Ni una sola palabra’ ha hecho un directo en Instagram con sus fans, y el comportamiento que ha mostrado frente a la cámara ha sido cuanto menos peculiar. Un vídeo viral recopila las escenas más inusuales de esta comparecencia y esta es la transcripción que sale: «Me uno a esta causa, yo me quedo en causa. Yo me quedo en casa. Bueno, help coronavirus. Muy contenta, emocionada. Todo esto es nuevo para todos nosotros. Le mando un beso a Thalía, mi compañera de toda la vida, le mando un beso muy grande».

Después el directo de Instagram «me oyen, me escuchan» de la mencionada Thalía, probablemente el mejor de la historia, la reciente aparición de Paulina en esta red social vuelve a ser un ejemplo icónico de lo absurdo de la condición humana. Muchos se reirán de ella, pero yo ya me sé el discurso «help coronavirus» de memoria, que ya es más de lo que puedo decir de muchas canciones que salen cada viernes. ¡Arriba Paulina!

Es precioso cómo los famosos dedican su tiempo libre a instruirnos en tiempos de coronavirus. Hoy Paulina Rubio nos ha enseñado cómo drogarse en directo y que se note mucho ❤pic.twitter.com/GtnoHErLAP

— Soy Una Gafapasta 🦔 (@SoyUnaGafapasta) April 19, 2020

Fiona Apple / Fetch the Bolt Cutters

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20 abril, 2020

No nos merecemos a Fiona Apple. Si miramos el mundo para pensar qué ha cambiado en él durante los ocho años que han pasado desde que la artista sacó su último álbum, son muchas las cosas relacionadas con ella misma a las que ella llegó antes. Se habla más y con más naturalidad de problemas mentales, también de la manera en que afecta la depresión a las superestrellas de música pop. El surgimiento del movimiento #MeToo ha cambiado la manera en que vemos el mundo tras ser conscientes de hasta qué punto las mujeres han sufrido abusos en el mundo laboral y fuera de él. La sororidad ha pasado a un primer plano y ahora sabemos que no es justo enfrentar a unas mujeres con otras cuando rara vez hemos hecho lo mismo con los hombres. El bullying está en la mente de todos. Con unas letras que de manera directa y «cruda» -fue una de las primeras palabras que se utilizaron para definir este disco, en boca del bajista Sebastian Steinberg-, lo fácil es entender ‘Fetch the Bolt Cutters’ como la visión de la nueva Fiona Apple sobre estos temas. Sin embargo, ella no caería en el cliché de hacer un disco sobre todo esto, ni aunque quisiera.

Se está hablando mucho de la extensa entrevista concedida por la artista a The New Yorker anticipando los pormenores de este álbum. Debería hablarse más de la recientemente rescatada por Rolling Stone de un número de 1998. La cantante habla ya entonces con detalle sobre depresión, sobre el destinatario de su primer disco ‘Tidal’ y sobre cómo se arregló con él, sobre la violación que sufrió a los 12 años cuando se disponía a entrar en su casa, sobre otras cantantes femeninas como Alanis Morissette… y es difícil diferenciar a la Fiona que tiene 20 años de la que tiene 40. Y no es precisamente porque su discurso ahora sea post-adolescente o porque no haya madurado como artista, porque su evolución desde ‘Tidal’ ha sido muy arduamente trabajada. La cuestión es que ya sonaba como una adulta cuando entonces decía que ella no estaba avergonzada de hablar de su violación en las entrevistas porque ella no había hecho nada de lo que avergonzarse. En una industria llena de artificio, no estamos acostumbrados a su falta de rodeos, a su naturalidad, a su necesidad de cuestionar la realidad que nos rodea, a que alguien nos haga partícipes de sus pensamientos más íntimos y que además los consideremos interesantes, cuando no propios. Hay una línea en este disco en la que Fiona Apple se mete con los influencers, en concreto les dedica en ‘Relay’ lo de «me molesta que presentes tu vida como un folleto de propaganda». Fiona dice que los influencers «son exactamente el tipo de persona que no debería influir a nadie». ¿A alguien le sorprende viniendo de la persona que al recibir un premio MTV dijo que «el mundo es una mierda y no deberíais moldear vuestras vidas en función de lo que se considere que es guay»?

La pregunta es cómo demonios hemos consentido como sociedad que tantos males en el mundo de 1998 sigan tan vigentes. ‘Fetch the Bolt Cutters’ es una frase escuchada a Gillian Anderson en la serie ‘The Fall’, en concreto en una escena en la que su personaje topa con una puerta cerrada detrás de la que hay una habitación en la que han torturado a una chica. Aquí, Apple nos vuelve a abrir la puerta de sus inquietudes durante estos años, para dejar salir los demonios que había ocultos detrás de ella. Oficialmente el álbum va sobre «liberar la prisión en que te has recluido a ti mismo, cualquiera que sea, independientemente de que te hayas construido tú mismo dicha prisión o alguien te la haya construido alrededor y tú simplemente la hayas aceptado. «Trae el puto cortacadenas» y libérate de esta situación y de todo aquello que no te guste».

Muchas de las canciones, por tanto, apelan a la libertad, con una gran cantidad de letras tratando sobre el machismo de la sociedad, normalmente desde un prisma peculiar. ‘Ladies’ puede ser un himno más sobre la sororidad cuando dice que «sería una pena convertir esto en una competición», va efectivamente sobre «estar enfadada con la persona equivocada», pero solo ella usaría como estribillo algo tan impensable como «Fruit bat / Cuter than a button, mutton-head maniac». ‘Newspaper’ es una atípica conversación con otra mujer sobre un novio en común de comportamiento abusivo («estábamos malditas desde el momento en que nos besó»). Y ‘Under the Table’ nace de una cena real en la que Apple no pudo morderse la lengua cuando un hombre dijo algo ofensivo. «No me callaré, no me callaré», repite.

No hay grandes productores implicados en el álbum, ni mucho menos co-autores, y la aportación del guitarrista David Garza y Steinberg en ‘Ladies’ parece una anécdota. Este último describía el disco recurriendo al sonido de ‘Hot Knife’ del largo anterior y quizá ha lastrado un poco sin saberlo el mismo, pues ‘Fetch the Bolt Cutters’ no conlleva una evolución sonora que vaya a identificar esta etapa de Fiona Apple diferenciándola de la de hace ocho años. Lo que no impide que el disco se desarrolle por otras vías.

Seguidora de Billie Holiday y Ella Fitzgerald desde siempre, el jazz continúa siendo una base importante para la artista. Es una gozada escucharla improvisar al final de la preciosa ‘I Want You To Love Me’ o atender a cómo pronuncia la frase «it was just a coochie-coo-coups» en ‘Rack of His’, una canción con mellotron y gancho instrumental muy definido. Los juegos vocales están especialmente mimados, de nuevo con la colaboración de su hermana Maud, una cantante de cabaret, como ya sucedía en la ahora sabemos que seminal ‘Hot Knife’. Los pianos, instrumento en el que Fiona se curtió desde pequeña, pueden sonar hermosos o ásperos; y la percusión y los ritmos creados de las formas más impensadas, al modo del álbum anterior, dejan producciones tan detallistas como ‘Newspaper’. «El ritmo es la base de todo para ella», ha indicado Garza.

A su vez, Fiona consigue que cada canción sea una jodida aventura en la que no sabes por dónde va a salir: cuando ‘For Her’ llega a su repugnante clímax «me violaste en la misma cama donde nació tu hija», ahí parece haber comenzado una canción nueva parecida pero diferente a la que estábamos escuchando. A pesar de que esa segunda mitad del álbum agradecería pistas tan atemporales como ‘I Want You to Love Me’ y ‘Shameika’, no es que el oyente pueda aburrirse entre letras que hablan sin circunloquios sobre la depresión (‘Heavy Balloon’, un visceral tema enriquecido por el desenlace de Alison, uno de los personajes de la serie ‘The Affair’, a la que Fiona Apple donó el tema de la cabecera), monogamia (‘Cosmonauts’) o meditación Vipassana (‘On I Go’). Y luego, están las notas a pie de página. La escritura de Fiona no es nada obtusa, es realmente muy «cruda» en sus opiniones de los demás o en el modo de enfrentarse a sí misma, pero es que además ha ideado un «canción por canción» para Vulture en el que cuenta todos los entresijos de estas historias, dándoles aún más valor y universalidad.

Es por eso que descubrir ‘Fetch the Bolt Cutters’ está siendo una experiencia tan enriquecedora. Tan viva. La agitada ‘Shameika’ habla muy obviamente sobre la escuela con frases como «no sonreía, porque una sonrisa siempre parecía ensayada / no tenía miedo de los acosadores, y eso hizo que los acosadores fueran a peor». Ahora Fiona nos explica que no sabía si Shameika, la chica que la animó, era real o imaginada, y que una profesora con la que aún tiene contacto ha identificado a Shameika y le ha mandado una foto. No es la única vez que vas a sonreír escuchando este disco porque el humor en medio del caos está en el ADN de la artista. Es cuestión de tiempo que la verdadera Shameika nos diga qué opina de la canción, como antes hemos escuchado a otros destinatarios de canciones de Fiona opinar sobre canciones de Fiona. Pero lo más grande de todo es que aunque ella dé detalles, hasta el punto de contarnos que Maud estaba amamantando a su bebé mientras grabó ‘Newspaper’, por irrelevante que esto sea o sólo lo parezca, estas canciones tienen los suficientes recovecos como para seguir guardando secretos durante años.

Calificación: 8,4/10
Lo mejor: ‘I Want You To Love Me’, ‘Shameika’, ‘Rack of His’, ‘Under the Table’
Te gustará si te gusta: Tom Waits, Tori Amos, Nina Simone, tune-yards, el disco anterior de Fiona Apple
Youtube: ‘I Want You to Love Me’ en Youtube

Michael Kiwanuka aplaza su gira española a septiembre y octubre

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20 abril, 2020

Al tiempo que el gobierno ha anunciado nueva prórroga del estado de alarma hasta el sábado 9 de mayo, y ciertos sectores y comercios reanudan poco a poco su actividad, la industria de la música sigue haciendo frente a la emergencia sanitaria con conciertos aplazados, cuando no cancelados. Y si Taylor Swift acaba de caerse del cartel de Mad Cool, hoy es otro nombre de primera línea que anuncia el aplazamiento de su gira española.

Se trata de Michael Kiwanuka, que en octubre de 2019 publicaba uno de los mejores discos de aquel año. El cantante británico, conocido por éxitos como ‘You Ain’t the Problem’, ‘Love & Hate’ o ‘Black Man in a White World’, llegaba este mes de mayo a España para presentar su tercer disco, pero las fechas quedan postergadas a los meses de septiembre y octubre. Las nuevas fechas son confirmadas para la gira de Kiwanuka en España son el 10 de septiembre en el Auditorio Mar de Vigo, el 12 de octubre en la Sala Multiusos de Zaragoza, el 15 de octubre en La Riviera de Madrid y el 17 de octubre en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas para las dos últimas fechas están agotadas.

Al no tratarse de un concierto multitudinario sino de salas, la gira de Kiwanuka peligra menos que la de un artista de estadios. De hecho, José Luis Martínez-Almeida, alcalde de Madrid, descarta la posibilidad de que vayan a celebrarse eventos multitudinarios en verano. “Veo muy complicado que haya espectáculos multitudinarios ya sea partidos de fútbol u otros deportes o conciertos de música», ha dicho en palabras recogidas por El País. «Antes del verano, casi con total seguridad, no va a ser y en otoño va a haber que analizarlo muy cuidadosamente”.

Romy Madley Croft de The xx trabaja en su «divertido» disco en solitario, del que adelanta ‘Weightless’

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20 abril, 2020

Justo cuando Jamie xx ha lanzado su primer single en solitario en un lustro, su compañera Romy Madley Croft también mueve ficha y anuncia que se encuentra trabajando en su primer disco en solitario. La cantante ya había hecho sus pinitos sola al co-escribir temas para artistas como Halsey (‘Still Learning‘, una co-autoría de Ed Sheeran), Dua Lipa (la ganadora del Grammy ‘Electricity’) o Jessie Ware (‘Share it All’), por lo que la noticia parecía inevitable, aunque no por ello menos esperada.

En un directo de Instagram, Romy no ha detallado la fecha de lanzamiento de su debut en solitario, pero sí ha perfilado su sonido. Ha dicho que será «mucho más animado» que el trabajo de The xx, que no será «exactamente un disco de guitarras» y que será «divertido». Estas palabras obligan a pensar en posibles influencias como Beyoncé, Aaliyah o Mariah Carey, tres artistas por las que The xx han expresado admiración desde sus inicios, y cuya música no se ha caracterizado nunca por la presencia de guitarras, pero sí por su renovación de los sonidos del R&B contemporáneo.

Sin haber compartido más información sobre este nuevo trabajo, en el que sí cabría esperar, al menos, la participación de sus compañeros de banda, Jamie Smith (para devolverle el favor de ‘Loud Places’) y Oliver Sim, Romy Madley Croft sí ha adelantado una canción de este nuevo proyecto. Se llama ‘Weightless’: un título más The xx imposible.

Romy hizo live; cantó Angels, Weightless ? (la del video) canción nueva de su proyecto solista, Electricity y Brave For You.
Oliver y Robyn estaban en la audiencia. Qué mega fantasía
😍✨👏🏼 pic.twitter.com/ICHOJNdbAq

— guillo-teen (@PatricioBG) April 19, 2020

Ela Minus deslumbra con la electrónica palpitante de ‘they told us it was hard, but they were wrong.’

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20 abril, 2020

Aunque la presentemos en nuestra sección «Revelación o Timo», dedicada a artistas emergentes, en la biografía de Gabriela Jimeno llama poderosamente la atención que comenzara su carrera musical con apenas ¡once años! Y no fue en el típico grupo infantil onda Parchís u Onda Vaselina, sino en un grupo de hardcore-screamo llamado Ratón Pérez que formó integró con tres adolescentes en su Bogotá natal. Pero, cuando se deshizo el grupo, emprendió un periplo personal en Nueva York, donde cursó estudios en la prestigiosa Berklee College of Music, especializándose en batería de jazz y construcción de sintetizadores. Paralelamente, comenzó a desarrollar su propia música bajo el alias de Ela Minus, centrada en esa pasión por esos sintetizadores, que crea y programa ella misma. Bajo ese alias y con esa premisa sonora, ha venido editando de manera independientes canciones y EPs (‘First Words‘, ‘Grow‘, ‘Adapt.‘) en los últimos cinco años, produciendo una electrónica palpitante y nerviosa sobre la que sitúa su voz dulce y vaporosa, con algún remix notable como el que Nicola Cruz realizó para ‘Juan Sant‘. [Foto: Teddy Fitzhugh.]

Ahora le llega una gran oportunidad al atraer la atención del reconocido sello británico Domino Recordings, que acoge su nuevo single ‘they told us it was hard, but they were wrong.’ Un contundente título con cierto espíritu reivindicativo que parece estar inspirado en Fugazi, dejando salir su bagaje hardcore, que en realidad arroja sobre todo esperanza: “Si tienes que ir al fondo de un agujero para encontrar qué va mal, déjalo estar / Todos nos dijeron que es difícil, pero se equivocaban / Cuando amas, amas a fondo y nada parece imposible», dice en una parte de su letra. «Cuando se nos quita todo», explica Minus, «la capacidad de elegir nuestra actitud y crear nuestro propio camino hacia adelante es la única certeza que tenemos».

Es un mensaje fantástico para una canción vibrante que, conectando con la electrónica vaporosa y atemporal de proyectos como Austra, seduce contraponiendo una parte ensoñadora –la de su voz y los ecos fantasmales que la envuelven– y otra más orgánica y viva –su base rítmica, contundente y agitada–, que se desboca en su parte final. Una fantástica carta de presentación global para Ela Minus que reivindica sus raíces en su clip oficial, evocando con neblinas y colores vivos la cultura de los Andes colombianos, donde se crió. Ela Minus ya figura en la programación de festivales tan conocidos e importantes como Coachella y Primavera Sound, que se han aplazado a finales de próximo verano.

Escucha los «Revelación o Timo»

Lo mejor del mes:

‘Underwater Moonlight’, la obra maestra de The Soft Boys por la que pasa a la historia Matthew Seligman, fallecido por Covid-19

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20 abril, 2020

Tras unos primeros pasos como Dennis and the Experts en pleno bullir del punk británico, Robyn Hitchcock, Rob Lamb (sustituido más tarde por Kimberley Rew), Morris Windsor y Andy Metcalfe decidían pasar a llamarse The Soft Boys. Desde Cambridge, el grupo se postuló con su debut de 1979, ‘A Can of Bees‘, como una suerte de respuesta británica a la no-wave neoyorquina, teniendo como ente paralelo a los Television de Tom Verlaine. Para entonces Metcalfe había dejado el grupo, y ya había sido sustituido por Matthew Seligman (a la derecha en la foto), un bajista del entorno de Thomas Dolby y Bruce Wooley, co-autor como miembro de The Buggles de la histórica ‘Video Killed the Radio Star’.

Seligman, que ya participara en algunas de las grabaciones del primer disco de The Soft Boys, sería su bajista de pleno derecho en ‘Underwater Moonlight‘ (1980), el segundo disco del grupo, por el que ambos músico y banda, pasan a la historia del rock. Un disco fundamental que, aunque no consiguió dilatar la vida del grupo más allá de algún EP-epitafio, sí resultó ser una influencia crucial para muchos grupos que nacieron inmediatamente después en la década de los 80, con especial influencia en la escena Paisley Underground de Los Ángeles (The Dream Syndicate, los Rain Parade de David Roback), pero también en bandas emergentes aquellos días como R.E.M., The Replacements o The Flaming Lips.

Con Hitchcock como front-man, The Soft Boys se mostraban en este álbum como una seductora amalgama de power rock, funk y psicodelia, con la melodía y la imaginación por delante. Una mezcla seductora que centelleaba (y aún lo hace, como el primer día) en canciones enérgicas y vibrantes como ‘I Wanna Destroy You’, ‘Positive Vibrations’, ‘Tonight’ o la propia ‘Underwater Moonlight’ que han ido sido descubiertas (y seguirán siéndolo, con suerte) como un preciado tesoro por melómanos de todas las épocas.

Aquel no fue exactamente el canto del cisne de The Soft Boys porque, pese a la fructífera carrera en solitario de Robyn y la de Rew como miembro de Katrina and the Waves, se reunirían para un par de giras (en 1994 y 2001) e incluso editarían un tercer álbum (‘Nextdoorland’, 2002). Pero sí marcó el fin del periplo de Seligman con ellos, puesto que Hitchcock se reconciliaría luego con Metcalfe, que formaría parte de su banda de apoyo más mítica, The Egyptians. Hace unas horas el mismo Robyn ha confirmado el desgraciado fallecimiento a la edad de 64 años de Seligman, a causa de la Covid-19. En un emotivo texto, Hitchcock, recuerda cómo conoció a Seligman, sus fantásticas aportaciones a ese disco de The Soft Boys en particular y al grupo en general («él creía de verdad en The Soft Boys», dice) como músico e ideólogo. «Matthew es, fue y siempre será uno de los grandes», recalca.

Curiosamente, Matthew Seligman no es solo conocido por su presencia en The Soft Boys y ese álbum, sino que después formaría parte del exitoso grupo nuevaolero Thompson Twins (los de ‘Hold Me Now‘ y ‘Doctor! Doctor!’) y trabajaría codo con codo con Thomas Dolby en varios proyectos. Entre ellos es especialmente notoria la participación de ambos en el equipo de David Bowie en discos como la banda sonora de ‘Dentro del laberinto‘ y ‘Absolute Beginners‘, siendo especialmente significativa su presencia en la actuación del Duque Blanco en el Live Aid de 1985. Durante el resto de su carrera se dedicaría sobre todo a trabajar como músico de sesión en discos de artistas del renombre de Morrissey, Tori Amos, Stereo MC’s, The Waterboys, Sinéad O’Connor, Transvision Vamp y Peter Murphy, entre otros.

La Mandanga ilustra con Nils Frahm cuando no perrea con Ms. Nina

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20 abril, 2020

La Mandanga es Noemí Rebull, ilustradora y diseñadora de Barcelona que está triunfando gracias a sus simpáticos y coloridos retratos de la vida cotidiana. La artista acumula más de 100.000 seguidores en Instagram y hace unos meses publicaba su primer libro, ‘Lo que descubrirás a continuación te sorprenderá’, a través de la editorial Temas de hoy de Grupo Planeta. Noemí nos descubre su música favorita.

¿Tienes canción favorita de todos los tiempos?
Qué complicado. Las canciones favoritas van mutando, depende mucho del día y mi momento vital. Quizás hablaría de géneros que me siguen gustando aunque pase el tiempo, como el dream-pop, el shoegazing o el power pop. Por decir una, digo ‘Get Away’ de Yuck.

¿Una canción que te haya obsesionado últimamente?
Hace poco descubrí Nation of Language, un grupo de synth-pop que va lanzando singles poco a poco y me están flipando. Especialmente ‘What Does the Normal Man Feel?’. Y ‘September Again’.

¿Canción que asocies a un recuerdo infantil?
Cualquiera de la Trinca. Por ejemplo, ‘La Patata’.

¿Qué canción odias con toda tu alma?
«Des-pa-ci-to». No hace falta decir nada más.

¿Sueles ponerte música para ilustrar? Si es así, ¿qué es lo que más te gusta escuchar?
Normalmente sí. Suelo ponerme música melódica o ambiental, que me permita pensar y concentrarme. Algunas de mis recomendaciones podrían ser Nils Frahm, The Duruti Column, Brian Eno, Slowdive, Pye Corner Audio, Bibio, Carla dal Forno, Jenny Hval o Cocteau Twins.

¿Sigues comprando discos? En caso afirmativo, ¿cuál fue el último y en qué formato?
¡Claro! Aunque con la situación actual he hecho un parón. El último que compré fue ‘Gran Pantalla‘ de Biznaga.

¿Cuál es tu plataforma favorita para escuchar música ahora mismo? Por ejemplo, al margen de Spotify/Apple Music, ¿escuchas discos enteros en Youtube?
Casi siempre estoy en Spotify, aunque de vez en cuando escucho alguna sesión en Soundcloud. Últimamente también tiro de podcasts de radios como NTS o Dublab.

«No veo mal que haya un revival del vinilo y el cassette, ya que incentivar la compra de música siempre es algo bueno»

¿Qué opinas del supuesto revival del vinilo o peor aún, del cassette? ¿Es puro postureo o te interesa especialmente?
Creo que el vinilo nunca ha muerto, aunque es verdad que hay un cierto auge entre la modernez. Sin ir más lejos, algunas tiendas de ropa están empezando a comercializar vinilos. En realidad, no veo mal que haya un revival y que estén de moda, ya que incentivar la compra de música siempre es algo bueno.

Una de tus ilustraciones dice «los que perrean se desean». ¿Canción favorita de reggaetón?
No soy muy oyente de reguetón, pero las canciones de Ms. Nina siempre entran bien con un cubata en la mano.

¿Alguna canción que, en algún momento, te haya avergonzado que te guste o no existe tal cosa como el “guilty-pleasure”?
No suelo avergonzarme de lo que he escuchado de adolescente o en el pasado. De hecho, los guilty-pleasure son preciosos. Todos hemos tenido algún cassette de Spice Girls o de Aqua que forma parte de nuestra historia.

¿Qué necesita una canción para ser perfecta?
Sonar en el momento ideal.

Un remix que te haya vuelto loca.
Khidja – Mustafa (Timothy J Fairplay Remix).

La honestidad brutal de Halsey desarma en la «radio-friendly» ‘Still Learning’

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19 abril, 2020

Halsey era una de las primeras artistas que publicaban disco en 2020, en concreto durante el mes de enero, cuando la pandemia global todavía no era una realidad. Entonces destacábamos ‘Manic‘ como Disco Recomendado y también como Disco de la Semana por su maduro y variado contenido musical, que iba de la balada electrónica al emo-rock pasando por el trap o el country y hacía pensar en diversas influencias, y también por la honestidad brutal de muchas de sus letras, aspecto que caracterizaba a temas destacados como el que nos ocupa hoy.

‘Still Learning’ es la canción de ‘Manic’ que reúne en sus créditos de composición a Ed Sheeran (con quien Halsey ya había trabajado en ‘Eastside’ con Khalid) y a Romy Madley Croft de The xx. La producción de Louis Bell y FRED utiliza un ritmo de tropi-pop que obliga a pensar en ‘Shape of You’ y contiene un fondo tenebroso que podemos emparentar vagamente con los autores de ‘I See You‘, pero la melodía lleva muy claramente la marca de Sheeran. Sin embargo, Halsey lleva la canción totalmente a su terreno gracias a una letra en la que profundiza en sus problemas de autoestima y a una actuación vocal expresiva y llena de emoción. Si Ed Sheeran, por lo que ha demostrado, jamás habría conseguido tal cosa, cabe pensar que ‘Still Learning’ es una canción hecha a medida de Halsey y de nadie más.

En esta canción tan melancólica y a la vez tan «radio-friendly», Halsey saca sus mierdas personales sin caer en el victimismo fácil. La cantante, que ha hablado abiertamente sobre su experiencia con el desorden bipolar, empieza contándonos que debería «estar viviendo un sueño», pero que «vuelvo a casa y no tengo autoestima» y que la «paranoia» le hace «ver cosas que nunca creerías», y reconoce que su comportamiento le ha llevado a hacer daño a algunas personas: «nadie a mi alrededor sabe quién soy, ni qué estoy tramando, ni a quién hecho daño y dónde ellos han ido, yo sé que he hecho algunas cosas mal». Su franqueza desarma, también cuando incorpora a la canción una capa romántica e incluso feminista: «ningún hombre quiere comprometerse, se sienten intimidados porque recibo un sueldo y esas mierdas». Su expresiva interpretación en esta frase es escalofriante, y el estribillo de la canción («aún estoy aprendiendo a quererme a mí misma») funciona como el bálsamo perfecto para todo esto.

TOPS / I Feel Alive

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