Buscando el mejor disco de… The Weeknd

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19 abril, 2020

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Esta noche se ha transmitido en todo el mundo -en España a través del canal Playz de RTVE- el macroevento solidario ‘One World: Together at Home’ organizado por la Organización Mundial de la Salud y Global Citizen y comisariado por Lady Gaga. El evento ha reunido a un sinfin de artistas pop de primera línea que han ofrecido actuaciones desde sus casas con el objetivo de honrar el trabajo de los trabajadores de la salud que se encuentran al frente de la lucha contra la epidemia.

A lo largo de 8 horas de teletón que puedes ver bajo estas líneas se han ido sucediendo actuaciones muy esperadas como las de Lady Gaga, que ha cantado el estándar del jazz ‘Smile’ en solitario y también ‘The Prayer’ junto a Céline Dion, Andrea Bocelli, el pianista Lang Lang y John Legend; y Billie Eilish, que junto a su hermano FINNEAS ha interpretado ‘Sunny’ de Bobby Hebb. La sorpresa de última hora la han dado Rolling Stones, que no estaban confirmados, y Beyoncé, que ha mandado un mensaje de apoyo a todos los trabajadores que no «pueden permitirse el lujo de trabajar desde casa». Entre las presentaciones destacadas hay que mencionar también las de Paul McCartney, que ha cantado al piano ‘Lady Madonna’ de los Beatles; Taylor Swift, que ha emocionado con su ‘Soon You’ll Get Better’, y Jennifer Lopez, que ha puesto los pelos de punta con su interpretación de ‘People’ de Barba Streisand.

Todas las canciones escuchadas en ‘One World: Together at Home’ han presentado un hilo conductor, el de un mensaje de unión, persistencia y cambio, y así Stevie Wonder ha hecho ‘Lean on Me’, Lizzo ‘A Change is Gonna Come’ o Luis Fonsi ‘Yo no me doy por vencido’. Un recuerdo a las personas fallecidas ha venido de mano de Eddie Vedder y su ‘River Cross’. Otros nombres del pop presentes en el evento han sido Kacey Musgraves, The Killers, Billie Joe Armstrong de Green Day, Christine and the Queens, Adam Lambert, Annie Lennox, Kesha, Sofi Tukker, Jess Glynne, Ellie Goulding, Jessie J o Charlie Puth, y entre las personalidades que también han participado en el evento se han encontrado Matthew MConaughey, Oprah Winfrey o Lupita Nyong’o.

Mensaje completo de Beyoncé durante el especial #TogetherAtHome

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— Beyoncé Spain (@BeyonceSpainn) April 19, 2020

Mystery Jets / A Billion Heartbeats

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18 abril, 2020

Puede decirse claramente que Mystery Jets pertenecen a esa, digamos, “clase media-baja del rock británico” que no ha terminado de triunfar del todo (ni siquiera en Reino Unido: desde luego, no son como unos Kaiser Chiefs, que llenan estadios allí aunque luego actúen en España ante 600 personas) ni se han rendido aún. Pero claro, justo cuando parecía que su carrera languidecía con un giro inopinado hacia la americana (‘Radlands’), llegaba un ‘Curve of the Earth’ en el que se lanzaban a la psicodelia espacial y que, muy bien recibido por el público y la prensa, les daba un inusitado nuevo impuso. Y en esas llega ahora ‘A Billion Heartbeats’, su sexto disco de estudio, con otro giro estilístico más.

El singular grupo de Blaine Harrison, Matthew Twaites (que a los fans de Zahara sonará por la producción de ‘Astronauta’), Jack Flanagan (bajista y composito) y Kapil Trivedi (batería) presenta ahora su “disco concienciado”. Inspirado por los centenares de protestas y manifestaciones (contra y a favor del Brexit, el cambio climático…) que presenciaba desde su casa cercana a Trafalgar Square durante una convalecencia tras ser operado de la pierna (padece de espina bífida), Blaine escribió estas canciones (como siempre, con la ayuda de su padre, Henry; aunque dejara de tocar con ellos hace más de una década, sigue en la sombra). Lo dejan bien claro en su portada y su título, precisamente el lema que se lee en una pancarta tirada en el suelo. Pero, más que dar su propia visión de un conflicto social o político, los Harrison pretenden ejercer de espejo del malestar generalizado (de ahí, por ejemplo, la relativa tibieza hacia el Brexit en ‘Cenotaph’).

Esto se plasma, por supuesto, en sus letras, donde se tilda a los cuerpos policiales como “hooligans con uniforme” que “profanan la bandera con odio enmascarado de orgullo” (‘Screwdriver’), provocando que la gente corra despavorida “y desaparezca” (‘Endless City’). Pero en realidad Mystery Jets sí que se mojan, llamando a combatirles “con el poder del amor” (‘Screwdriver’), a “sonreír y lanzarles un beso” (‘History Has Its Eyes On You’) y a unirse en torno a la música como respuesta pacífica (‘A Billion Heartbeats’). Es, claro, un mensaje muy bonito y emotivo, aunque de una obviedad algo irritante, ejemplificada muy bien por la tontuela ‘Campfire Song’.

De manera generalmente acertada, esa mezcla de violencia y belleza se refleja en muy bien en un arranque álgido, que contrapone el sonido impetuoso con toques hardrockeros de ‘Screwdriver’ o ‘A Billion Heartbeats’ –entre Muse, Manic Street Preachers y los injustamente tratados y desaparecidos The Crookes– con el giro de psicodelia beatlesca en la enérgica ‘Petty Drone’ o el medio tiempo ‘History Has Its Eyes On You’, que ejemplifica la buena mano del grupo para la producción, llena de matices.

Pero el problema de ‘A Billion Heartbeats’ es que no logra sostener esas fuerza e inspiración que Mystery Jets demuestran en su inicio –con la digna excepción de ‘Hospital Radio’, que reivindica la importancia del Sistema Nacional de Salud británico, anticipándose a la crisis del Covid-19–. Así, la parte final del álbum les devuelve al impersonal espacio del “ni fu ni fa” que ocupan Stereophonics, Jamie T, Courteeners, The Cribs, Razorlight y similares, cuyo encanto parece desvanecerse tan pronto cruza el Canal de la Mancha.

Calificación: 6,2/10
Lo mejor: ‘Petty Drone’, ‘A Billion Heartbeats’, ‘History Has Its Eyes On You’, ‘Screwdriver’, ‘Hospital Radio’
Te gustará si te gustan: Muse, Manic Street Preachers, Stereophonics.
Youtube: vídeo de ‘Screwdriver’

‘Vámonos (para poder volver)’, una autobiografía de Jeff Tweedy que disfrutarán incluso los no-fans de Wilco

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18 abril, 2020

El subtítulo «Acordes y discordias con Wilco, etc.» que apostilla ‘Vámonos (para poder volver)’, el libro de memorias de Jeff Tweedy es un error –y ojo, no solo de la editorial Sexto Piso, responsable de la edición española: la original viene con un jueguito de palabras similar–. Puedo asumir que desde un punto de vista comercial era imprescindible colocar en portada la palabra Wilco por alguna parte, pero la verdad es que ese apéndice da a esta autobiografía un aspecto cutrongo, casi como de aquellos librillos de tapa blanda que llenaban cubetas en puestos callejeros que mezclaban biografía y letras de Bob Dylan, The Doors, Rolling Stones… Eran una manera tan buena como otra cualquiera de introducirse en las historias de aquellos artistas en una era que no existía Wikipedia, pero no tenían el valor literario que el género ha cosechado en los últimos tiempos. Esta autobiografía de Tweedy desde su infancia hasta la etapa actual –con su primer disco firmado del todo en solitario, ‘Warm’, como referencia final– no es así, pero lo parece y es injusto.

Detrás de ese chascarrillo de padre (literalmente) que titula la primera obra literaria de Tweedy hay mucho más tuétano: el músico se remonta hasta su niñez en la impersonal y cerrada ciudad del Medio Oeste en la que se crió, para trazar un minucioso retrato de sí mismo que, aunque no lo parezca –especialmente cuando parece dar rodeos innecesarios por anécdotas aparentemente intrascendentes–, explica quién es, qué ha hecho y hace (en sus discos y en el escenario) y por qué lo hace con bastante precisión y grandes dosis de un humor sardónico que, cuando se le pilla el punto, puede sorprenderse incluso rompiendo a reír –especialmente desternillantes son los diálogos en torno a este libro con su esposa e hijos–.

Tampoco es que el alma mater de Wilco se revele ahora como el nuevo Faulkner, no. Su prosa es por momentos infernal, confusa –mis respetos a Esther Villardón, porque es evidente que su traducción al castellano ha debido ser un parto, aunque hay pasajes que se intuyen inexactos, con errores tan llamativos como hablar de Michelle Shocked en masculino–, con soliloquios que dan rodeos de dudoso interés por la trastienda de una tienda en su Belleville natal o los baños de la legendaria sala de conciertos de Chicago Lounge Ax (crucial en su vida, en realidad) y que parecen (a veces lo son) callejones sin salida. Pero lo cierto es que, aunque se pague el peaje de leer algunos pasajes no tan brillantes, en general ‘Vámonos (para no volver)’ se antoja como imprescindible para cualquiera que admire o haya admirado a Tweedy en alguna de sus etapas.

Con pocas (por no decir ninguna) reserva, Jeff aborda con honestidad y claridad cómo nace su amor por la música y su convicción de que él iba a ser un profesional del rock (no exactamente una estrella), cómo nace su amistad con Jay Farrar y su primer gran proyecto, Uncle Tupelo, y cómo ambos –amistad y grupo– mueren para dar paso a Wilco y una historia que aún hoy permanece muy viva. No se deja atrás ninguno –aunque alguno lo trate muy por encima y es, obviamente, solo su parte de la historia– del resto de episodios más controvertidos en torno a él: la entrada y salida de su grupo del malogrado Jay Bennett, su polémica con Billy Bragg a cuenta de los discos dedicados al cancionero de Woody Guthrie, sus desavenencias con las compañías discográficas que derivaron en la creación de su propio sello, el doble cáncer (superados, por fortuna) de su mujer Sue, el alcoholismo de su padre, su depresión congénita, su consumo de calmantes para obviarlas y, sobre todo, la espiral de adicción a estos que estuvo a punto de costarle absolutamente todo.

Todo esto es evidentemente muy interesante para cualquier fan de la carrera de Tweedy, como decía, en cuanto a que en todo momento lo conecta –y en primera persona, no a través del filtro de un supuesto testigo– con cada etapa de su vida personal e intercalado con tan anecdóticos como jugosos episodios con tótems de la música como The Residents, Bob Dylan, Mavis Staples o Johnny Cash (¡nada menos!). Explica por qué ‘Summerteeth‘, ‘A Ghost Is Born’ o ‘Schmilco‘ son como son, y eso (aparte de animar a revisitarlos) está muy bien. Nos habla de su pasión por la música, de por qué cree que es su obligación compartirla con los fans, mientras, detallando su particular método de composición, se desmitifica a sí mismo como un genio creador para humanizarse como un simple proletario de la música, un miembro más de un equipo. Pero lo más conmovedor de todo esto no es tanto descubrir cómo es Tweedy en su interior o cómo entiende la creación artística –que también, porque hay fragmentos realmente inspiradores en ese sentido–. Sino vernos reflejados en él a través de sus propias fragilidades y aspiraciones, porque son las nuestras, las de cualquiera. En ese sentido, ‘Vámonos (para no volver)’ es un libro muy disfrutable para cualquier lector, no necesariamente seguidor de la música de Tweedy. 7,5.

Disponible en tu librería de barrio favorita (cuando abra) y en Amazon, aunque en estas circunstancias aconsejamos su versión Kindle.

‘Murphy’s Law’ de Róisín Murphy es un clásico perdido… de las sesiones de ‘Overpowered’

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18 abril, 2020

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Róisín Murphy parecía dedicada para siempre a llevar la contraria con sus últimos pasos artísticos. Sus dos últimos álbumes de estudio, ‘Hairless Toys‘ y ‘Take Her Up to Monto‘, por su componente experimental eran apreciados por unos pocos, y su serie de singles bailables con Maurice Faulton de 2018, entre los que destacaron temas como ‘Plaything’, se quedaron lejos de ser «para todos los públicos». La falta de atención mediática llevaba a Róisín, aquel año, a poco menos que protagonizar un «breakdown» en el día de su cumpleaños. Sin embargo, los singles más recientes de la cantante, como ‘Incapable’, han mostrado un sonido mucho más clásico y digerible por cualquiera.

Es el dilema que ha perseguido a Roísín toda la vida: ella quiere entregarse a hacer más discos de pop «arty» como ‘Ruby Blue‘, pero la gente quiere sudar en la pista de baile con otro ‘Overpowered‘. Y por otro lado, los fans de la artista insisten que el largo de Róisín de 2007 es la excepción de su carrera… como si Moloko no hubieran existido ni mucho menos triunfado con un remix disco de ‘Sing it Back’. Pero una cosa está clara: Róisín nunca ha dejado de ser una diva disco -a temazos como ‘Jealousy’ me remito- y en sus últimos singles se entrega completamente a esta faceta.

El más reciente, ‘Murphy’s Law‘, es hoy nuestra «Canción Del Día» (sábado 18 de abril). Su sonido post-disco es perfectamente identificable en los años 80 y a artistas como Michael Jackson, Evelyn «Champagne» King, Patrice Rushen o Imagination, cuyo ‘Just an Illusion’ parece un punto de partida para su elegante producción; y su melodía parece extraída de la época. La canción, como las inmediatamente anteriores, está producida por Richard Barratt, quien ya trabajó con Róisín en ‘Overpowered’ y es una estrella por cuenta propia: el músico de Sheffield es conocido por ser pionero del house y el tecno británico, con su banda Sweet Exorcist contribuyó a crear el denominado sonido «bleep techno» presente en su éxito ‘Testone‘ publicado por Warp, y en los 90, bajo el pseudónimo de Parrot, formó parte de la banda de breakbeat All Seeing I, que en 1998 triunfó en las listas británicas con su versión electrónica de ‘Beat Goes On’ de Sonny & Cher (top 11), la misma que Britney Spears versionaría después en su primer disco… y que esta llega incluso a presentar en la tele.

Con todos los debates sobre si Róisín debería volver o no a hacer un disco bailable como ‘Overpowered’ tiene guasa descubrir que ‘Murphy’s Law’ pertenece de hecho a las sesiones originales de aquel trabajo. Es como si la irlandesa hubiera pensado: «¿queréis ‘Overpowered’? Pues tomad unos descartes». Pero en este caso la idea ha funcionado: no tiene sentido rescatar canciones antiguas si no van a ser mejoradas, y aunque ha costado a Róisín 13 años publicar ‘Murphy’s Law’, la canción lo vale. En palabras a JENESAISPOP, el propio Barratt opina que a esta «le ha sentado bien el tiempo» aunque no parece recordar aquella época con demasiado cariño: «Fue una época extraña», cuenta. «En nuestra pequeña comunidad de músicos y artistas en Sheffield estábamos acostumbrados a ser independientes y a estar muy involucrados en todo lo que hacíamos, y de repente Murphy tenía detrás de ella toda esa maquinaria trabajando a su alrededor, con la que una canción podía pasar por un montón de estudios diferentes con un montón de gente aportando su parte. Es muy diferente a simplemente trastear en tu habitación con un sintetizador, una máquina de ritmos y nada de dinero».

«Antes, los DJs que se consideraban a sí mismos «underground» las producciones con voces les parecían impropias de su valor, pero ahora las cosas han cambiado para mejor»

El sonido de ‘Murphy’s Law’ también es muy diferente al de ‘Overpowered’: si aquel álbum sonaba moderno para su época, ‘Murphy’s Law’ suena retro y anacrónico, pues incluso alcanza los 8 minutos de duración en su versión original, a la manera de los «DJ mix» de aquellos tiempos (solo le falta ser publicada en vinilo dentro de un sobre blanco sin texto). Pero aparecer o no en playlists no es algo que preocupe a Barratt: «Creo que una canción debe ser todo lo larga que esta lo pida, dure un minuto o 15. Yo no estoy suscrito a ninguna playlist así que no tengo ni idea de cómo escribir una canción específicamente para meterme en una lista de reproducción de «agradables momentos en el retrete» o lo que sea». Paradójicamente, Barratt opina que el mercado está mucho más receptivo hoy que hace una década ante este tipo de producciones, y pone de ejemplo otro single de Róisín producido por él, ‘Simulation’, editado en 2012 y el cual superaba los 11 minutos: «Cuando hicimos ‘Simulation’ hace 10 años nos costó encontrar un sello que la publicara. Entonces muchos sellos se resistían a publicar canciones dance con intérpretes vocales. A los DJs que se consideraban a sí mismos «underground» este tipo de producciones les parecía impuro e impropio de su valor. Hubo una época en que apenas había letras en la música dance. Por suerte las cosas parecen haber cambiado para mejor y nuestros lanzamientos más recientes han obtenido una recepción muy buena de los DJs. Justo a tiempo para que las discotecas hayan tenido que cerrar…»

La parte más curiosa de ‘Murphy’s Law’ de hecho es la vocal: en la canción, la voz de Róisín suena distorsionada, como unos tonos por debajo de lo normal. Esta ha sido obviamente una decisión consciente por parte de sus autores. Cuenta Barratt: «En el periodo que hicimos ‘Jealousy’, Róisín se topó con la maqueta de ‘Murphy’s Law’, que es de 2007 y estaba olvidada, y decidió volver a grabar las voces. Hicimos 3 o 4 mezclas antes de que ella decidiera que no le gustaba el tono de la canción, así que la volvimos a guardar en el cajón. Un par de años después fui yo quien se topó con ella, y al acordarme que a Róisín no le gustaba el tono, empecé a trastear con él en el estudio. Rebajar la canción 9 BPM parecía proporcionar a su voz una agradable madurez que encajaba con la letra. En ella,
(Róisín) suena como si estuviera cansada de la vida. Y aunque el tono es más bajo del que ella suele usar, la canción está todavía dentro de su rango». En cuanto a la parte instrumental, Barratt se moja menos a la hora de apuntar a influencias concretas: «Nos inspira todo el mundo y todo lo bueno», explica. «A los dos nos gusta tanto la composición pop clásica como otras formas musicales más vanguardistas. Las cosas en las que solemos colaborar no suelen seguir un patrón predeterminado. Puede haber vagamente una zona a la que hemos intentado llegar, pero después de eso la canción cobra vida propia».

«Siempre tenemos una canción o dos en varios estados de compleción, así que es muy posible que todas ellas aparezcan juntas en un álbum en un futuro muy cercano»

Escrita en la época mencionada, en un estudio instalado dentro de una habitación, junto a otros dos compositores, Michael Ward y Dean Honer, ‘Murphy’s Law’ surge en la misma sesión que ‘Cry Baby’, uno de los grandes pepinazos de ‘Overpowered’. Es la canción de los cencerros sin fin, y ese instrumento es usado en los remixes nuevos de ‘Murphy’s Law’ que acaban de ver la luz. Como productor de electrónica, Barratt, que firma estas revisiones con su alias Crooked Man, es aficionado a las remezclas, las cuales ve como una forma de disfraz: «Cuando trabajo en una canción me es difícil no empezar a imaginar cómo sonaría en diferentes envoltorios. Es como disfrazarse. ¿Qué pasaría si llevara estos pantalones? O quizá esta camiseta, y una gorra… ¿y si no llevara pantalones en absoluto? Una cosa sugiere otra, y luego esa cosa lleva a otra cosa y antes de que te des cuenta ya tienes cuatro o cinco versiones diferentes de una canción y la gente termina totalmente confundida. Afortunadamente, a Róisín le gusta tener su hueco para disfrazarse, así que lo entiende y no me grita por hacerlo. Bueno, no demasiado».

¿Significa tanto single suelto que Róisín trabaja en un nuevo álbum? El productor responde ambiguamente pero deja la puerta bastante abierta. «Siempre tenemos una canción o dos en varios estados de compleción, así que es muy posible que todas ellas aparezcan juntas en un álbum en un futuro muy cercano». De momento, la artista trabaja en otra canción vieja, ‘Demon Lover’, que promete ser otro single memorable en su carrera reciente. ‘Murphy’s Law’ ha demostrado que no importa cuántos años tenga una canción si el resultado final es así de bueno.

Taylor Swift cancela todos sus conciertos de 2020, lo que incluye a Mad Cool

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17 abril, 2020

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Taylor Swift ha cancelado todos sus conciertos de 2020, lo cual afecta a su presencia confirmada en el festival Mad Cool de Madrid, donde era una de los cabezas de cartel. El festival ha lamentado la baja de Taylor de su cartel y aunque sigue sin tomar una decisión definitiva en cuanto a su celebración este año, la cual es muy improbable debido a la crisis sanitaria, que ya ha forzado la cancelación y/o postergación de numerosos festivales y conciertos; ha reconocido que «las posibilidades» de que este tenga lugar este año «se van reduciendo» cada día.

En un comunicado, Taylor ha explicado la cancelación: «Luchar contra el COVID-2019 es un reto sin precedentes para nuestra comunidad global y la seguridad y bienestar de mis fans debe ser siempre la prioridad principal. A la vista de que muchos eventos alrededor del mundo han cancelado, y siguiendo las directrices de los equipos sanitarios con la intención de mantener a mis fans en un lugar seguro y ayudar a la prevención de la propagación del COVID-19, tristemente todos los conciertos de Taylor Swift de este año quedan cancelados».

El festival madrileño se celebra -en principio- los días 8, 9, 10 y 11 de julio, y se aferra a las ínfimas posibilidades que aún existen de que las pautas de distancia social se hayan relajado para entonces. Lo cual es improbable y tampoco resolvería el problema de los viajes internacionales que los artistas y sus equipos deben realizar para llegar hasta el festival, como tampoco el problema del público que ya no desee acudir al festival debido a las modificaciones en su cartel.

Hace unos días, El Mundo explicaba que la razón por la que festivales como Mad Cool o Bilbao BBK Live aún no han dado un paso definitivo es porque están esperando a que «el Gobierno anuncie medidas restrictivas y los organizadores puedan entonces acogerse a la cláusula de fuerza mayor para poder así romper los acuerdos y contratos adoptados tanto con artistas como con proveedores como empresas de montaje de escenarios, de sonido o de seguridad», cláusula gracias a la cual los festivales amortiguarían el palo económico que se les avecina.

I'm so sad I won't be able to see you guys in concert this year, but I know this is the right decision. Please, please stay healthy and safe. I’ll see you on stage as soon as I can but right now what’s important is committing to this quarantine, for the sake of all of us. pic.twitter.com/qeiMk2Tgon

— Taylor Swift (@taylorswift13) April 17, 2020

Algunos sueños solo tardan un poco más en cumplirse. Taylor Swift no podrá estar con nosotros este año, pero haremos todo lo posible por contar con ella en próximas ediciones 💛✨

+ INFO 👇 pic.twitter.com/Sx5kyChoQu

— Mad Cool Festival (@madcoolfestival) April 17, 2020

Fallece el cantante francés Christophe a los 74 años

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17 abril, 2020

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El cantante francés Christophe ha fallecido a los 74 años, poco después que el periódico Le Parisien publicara que el artista había contraído coronavirus. El equipo del músico no ha confirmado ni desmentido esta información, pero su mujer sí ha confirmado que la causa de la muerte ha sido un enfisema.

Christophe era recordado por su gran éxito, ‘Aline’, incluido en su debut de 1965, y también por otros éxitos como ‘Les mots bleus’ o ‘La même tribu’. El primero tituló su quinto álbum, en el que Christophe colaboró extensamente con el productor de electrónica Jean-Michel Jarre, autor de la mayoría de las letras. Pero a quien Christophe marcó sin duda fue a Christine and the Queens.

La autora de ‘La vita nuova‘ ha publicado un extenso mensaje en Instagram en el que recuerda al músico. En él expresa su tristeza por la muerte de Christophe, su «cantante favorito»; explica que «adoró» todos sus discos, «desde el primero al último», y señala a los «periodistas ingleses» les hablaba sobre el álbum de Christophe de 2008 ‘Aimer ce que nous sommes’ porque lo considera «extraordinario». También desvela que envió ‘People I’ve been sad’ a Christophe para que aportara su grano de arena, pero él declinó la propuesta.

8 discos que escuchar si te ha gustado ‘After Hours’ de The Weeknd

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17 abril, 2020

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‘After Hours’ de The Weeknd es nuestro «Disco de la Semana». Después de repasar el ascenso comercial del artista y antes de decidir cuál es su mejor disco este domingo, sugerimos qué discos escuchar si te ha gustado este álbum.

B.S.O. ‘Flashdance’

Desde el principio ‘Blinding Lights’ nos ha recordado mucho al pop alrededor de 1983. Tanto que hubiera molado recomendar el ‘Boom’ de aquel año, pero no se editó el primero hasta 1985. En muchos casos, los artistas referenciados se libraron por los pelos de ser vistos como “one hit wonders”, así que habida cuenta de la vocación cinematográfica pero hedonista de ‘After Hours’, recomiendo una banda sonora. La de ‘Flashdance’ se cerraba con ‘Maniac’ de Michael Sembello, pero también incluía varios temas de Giorgio Moroder (como el icónico ‘What a Feeling’), el dramático «Love Theme», ‘Lady, Lady, Lady’, el robotizado ‘Romeo’ de Donna Summer y un tema que podría haber sido sampleado perfectamente por The Weeknd, ‘I’ll Be There Where The Heart Is’. Este disco vendió 20 millones de copias. Intenta eso, Abel Tesfaye.

B.S.O. ‘Drive’

Ya que ‘After Hours’ basa toda su estética en películas como ‘Joker’ y ‘Casino’ y en cierta forma tuvo como punto de partida ‘Uncut Gems’ (allí conoció a Oneohtrix Point Never y Abel Tesfaye hizo un cameo), continuamos con las bandas sonoras. La más evidente referencia, entre neones y carreras de coches, es ‘Drive’. El italo disco es una inspiración en canciones como ‘In Your Eyes’ y ‘Save Your Tears’ y el sello Italians Do It Better es uno de los que mejor ha traído ese sonido al nuevo siglo, con gente como Chromatics y Desire. Por otro lado, The Weeknd llegó a colaborar con Kavinsky en el tema ‘Odd Look’, ¿alguien lo recordaba?

John Carpenter / B.S.O. Halloween

No hay más película de terror en ‘After Hours’ que la de enfrentarte a tus propios miedos y soledad, pero si hablamos de «películas» y de Abel Tesfaye, hay que hablar de su inspiración en John Carpenter como músico, aunque solo sea porque el primer nombre dado a su canción ‘Kiss Land’ fue precisamente ‘John Carpenter’. En este disco se nota aún el influjo de bandas sonoras como ‘Halloween’ en las ambientaciones oscurísimas dadas a algunos temas como el corte titular y en la parte más pesadillesca de ‘Faith’. Intro y pasajes instrumentales contribuyen a que entendamos ‘After Hours’ como esa historia en Las Vegas sobre dinero, fama, desamor y, finalmente, arrepentimiento.

Electric Light Orchestra / Discovery

Si hay una canción en ‘After Hours’ cuyas influencias son excitantes y algo indescifrables es ‘Save Your Tears’. ¿Balada italiana? ¿Disco-Abba? ¿Daft Punk (Kraftwerk) en el tratamiento de las voces al final? ¿Synth-pop? La E.L.O. era conocida por su versatilidad y ‘Discovery’ es la interpretación de Jeff Lynne de la música disco (‘Last Train to London’): a pesar de las concesiones a otros estilos en su minutaje, el teclista Richard Tandy rebautizó el álbum como «Disco Very». En este álbum de 1979 lo mismo caben las baladas más grandes que la vida, que las voces a lo crooner, que las robotizadas, todo ello dentro incluso del mismo tema, como sucede con ‘Confusion’, una canción construida a partir del descubrimiento de un sintetizador, el Yamaha CS-80.

Katy B / On a Mission

Otra de las sorpresas de este disco es su entrega a algunos ritmos UK Garage y drum&bass, más que nada porque The Weeknd procede del otro lado del charco. Entre todas las propuestas imaginables recomendables para aquellos que tengan ‘Too Late’ y ‘Hardest to Love’ entre sus canciones favoritas de ‘After Hours’, me quedo con el debut de Katy B por su vocación pop y comercialota, y porque también contiene algo de R&B.

Michael Jackson / Bad

Si ‘Off the Wall’ era un discazo en el que Michael Jackson se beneficiaba de sus conocimientos de la Motown adquiridos al frente de los Jackson 5, en ‘Thriller’ y ‘Bad’, sus discos más millonarios, se abría a otros estilos. En ‘Bad’ ahondaba en las guitarras eléctricas de ‘Beat It’, ofreciendo pistas tan agresivas como ‘Smooth Criminal’, pero sin abandonar la sensualidad de la balada ‘Liberian Girl’. Ante todo Michael Jackson es un artista que no se conforma con quedarse en un nicho de mercado sino que sigue queriendo conquistar el globo terráqueo, como se percibe en canciones tan universales como ‘The Way You Make Me Feel’ o ‘Man in the Mirror’. The Weeknd, tan fan de ‘Bad’ que sampleó ‘Dirty Diana’ en su primer año de carrera, es exactamente eso en sus últimos discos: un artista que no teme abandonar sus raíces en el R&B, que quiere conquistar cada emisora de radio (cada playlist) por encima de cualquier género musical.

George Michael / Faith

¿Qué artista de los 80 mezcló también R&B, synth-pop, soul, etcétera? George Michael, que en ‘After Hours’ parece una referencia concreta en ‘Scared to Live’. Por mucho que esta cuente con un sample de ‘Your Song’ de Elton John, su tipo de instrumentación como balada sintetizada remite más bien a canciones como ‘Father Figure’, ‘One More Try’ y ‘Hand to Mouth’. Puede que no veas a Abel Tesfaye en el pseudo-country de ‘Faith’ concretamente, pero nos lo imaginamos tanto sampleando el órgano de iglesia con que comenzaba aquella canción… Aunque igual solo estamos sugestionados porque en ‘After Hours’ hay un tema que se llama -ejem- ‘Faith’.

Elton John vs Pnau / Good Morning to the Night

Es verdad que The Weeknd ha reivindicado al Elton John de los 70, pero quizá sus fans no comulguen mucho con álbumes como ‘Goodbye Yellow Brick Road’. Hay una manera más moderna de acercarse al catálogo de Elton John que no puede ser pasada por alto, aunque sea a modo de pie de página. El dúo australiano Pnau publicaba en 2012 un disco de remezclas de Elton John llamado ‘Good Morning to the Night‘. Publicado en plena moda chillwave, no tiene casi nada que ver con el entorno de The Weeknd, salvo en el interludio psicotrópico aportado por Tame Impala (‘Repeat After Me’) y cuando ‘Telegraph to the Afterlife’ suena un poquito a sus adorados Portishead.

Fiona Apple vuelve a abrirse en canal en ‘Fetch the Bolt Cutters’: primeras impresiones más allá de lo de los perros

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17 abril, 2020

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No nos ha fallado en el último momento, cual Kanye West. Fiona Apple ha publicado a las 6 de la mañana -medianoche en Nueva York- ‘Fetch the Bolt Cutters’, su primer disco en 8 años, tras haber avanzado algunas de sus claves en una extensa entrevista con The New Yorker. Su título es una frase de Gillian Anderson en ‘The Fall’.

Se trata de 13 canciones que se extienden hasta los 52 minutos, siendo por tanto un álbum menos conciso que el anterior ‘The Idler Wheel…‘, pero similar a él en algunas cosas: la importancia de las líneas de pianos y las percusiones, y el desarrollo de los juegos de voces que escuchamos en ‘Hot Knife’. El tema que cerraba el álbum anterior parece decisivo en ‘Relay’, ‘Newspaper’, ‘Cosmonauts’ y ‘For Her’, en ocasiones volviendo a llevarnos al sonido tune-yards o a ‘Medúlla’ de Björk. ‘Fetch the Bolt Cutters’ se abre con dos cortes bastante inmediatos, el anhelante ‘I Want You To Love Me’ y el agitado ‘Shameika’ y de hecho es este último el que se ha confiado a los «New Music Friday» de las plataformas de streaming. Después, el disco se adentra en territorios más obtusos, de nuevo entre coqueteos con el jazz, aunque sin renunciar a los estribillos repetidísimos (‘Heavy Balloon’) ni a los ganchos instrumentales (‘Rack of His’).

Conocido por todos es el amor que profesa Fiona Apple por los perros, pues canceló una gira sudamericana cuando su perra Janet enfermó; y en la mencionada ‘Shameika’ la escuchamos cantar que «su perra, su hombre y su música es su santa trinidad». En el corte titular, se oyen ladridos durante un buen rato y -en serio- hay varios perros acreditados en el disco. Se supone que los restos de su perra han sido utilizados como percusión en la grabación (o al menos la caja que los contenía), lo que sin duda marcará la promoción del álbum y circulará de boca en boca. Menos se comentará entre el público casual que dicho tema contiene una referencia muy evidente a ‘Running Up That Hill’, la mejor canción de Kate Bush.

Pero ante todo ‘Fetch the Bolt Cutters’ es otro recorrido por las pasiones íntimas de Fiona Apple, quien vuelve a abrirse en canal frente a su audiencia, convirtiendo su inestabilidad en su arte, como presume la loca portada del álbum, que además subraya su carácter casero para bien (gran parte de la grabación se ha hecho en casa, aunque no se note especialmente). Al margen de las detalladas canciones de amor y de momentos de inseguridad como el que escuchamos en ‘Rack of His’ («me han usado tantas veces que he aprendido a usarme yo misma del mismo modo / intento tocar, intento escribir / no sé hacerlo bien pero no importa»); Apple recuerda cómo la vida en el instituto nos marca (‘Shameika’) y presenta nuevos himnos de autoafirmación, como si aún fuera aquella post-adolescente. En ‘Under the Table’ repite una y otra vez que por mucho que lo intentes no conseguirás que se calle.

Por otro lado, como ya se había comentado, su relación con otras mujeres es el foco de varias canciones: en ‘Newspaper’ habla con otra mujer con la que ha compartido pareja amorosa sin que el tema hable precisamente sobre celos; en ‘Ladies’ -un medio tiempo tipo Lou Reed- afirma que «nadie puede sustituir a nadie, por lo que sería una vergüenza hacer una competición» en aparente referencia a la sororidad y ‘For Her’ habla del #MeToo inspirándose en el impacto del caso Brett Kavanaugh, sin andarse con medias tintas: «me violaste en la misma cama donde nació tu hija».

Obviamente los créditos en un disco como este quedan en segundo plano porque aquí todo va sobre Fiona, pero por si alguien se lo pregunta, ‘Fetch the Bolt Cutters’ ha sido producido por gente de su entorno como Amy Aileen Wood, Sebastian Steinberg y David Garza, y curiosamente los chicos aparecen como co-autores en un solo tema, justo el que se llama ‘Ladies’.

Joji, un científico loco con ganas de escapar en el simpático vídeo de ‘Gimme Love’

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17 abril, 2020

Entre las novedades musicales que más visualizaciones están obteniendo en el día de hoy en Youtube España, aparte de las de gente tipo Rozalén, Anuel AA, Izal y Ana Guerra, etcétera, hay que contar la del cantante australiano-japonés George Kusunoki Miller, más conocido como Joji. Sin quererlo ni beberlo, el que fuera youtuber se está labrando una exitosa carrera musical gracias a canciones como ‘SLOW DANCING IN THE DARK’, ‘YEAH RIGHT’ O ‘CAN’T GET OVER YOU’ con Clams Casino que cuentan con cientos y cientos de millones de reproducciones en las plataformas de streaming. Su regreso por tanto es muy esperado y su próximo disco, ‘NECTAR’, verá la luz el próximo 10 de julio.

El sonido de R&B y hip-hop atmosférico de Joji le ha reportado una considerable cifra de seguidores, pero lo que propone el artista en su nuevo single, ‘Gimme Love’, es algo distinto. El tema presenta un ritmo minimalista y acelerado que le acerca al trabajo de grupos como Gorillaz… al menos hasta que llega su segunda parte, la cual, dejando de lado las percusiones, cede el protagonismo a las armonías bucólicas y al dramatismo de unas cuerdas.

El simpático vídeo de ‘Gimme Love’, el 34º más visto en estos momentos en Youtube España, refleja el elemento frenético de la primera parte de la canción. Rodado en estética VHS e inspirado en ‘The Office’, Joji interpreta en él a un científico loco en su misión por viajar al espacio. Con él el artista ha querido capturar, según Billboard, la «necesidad psicológica de escapar».

Escucha lo nuevo de Bob Dylan, Fiona Apple, Florence + The Machine, Bunbury, Lido Pimienta, Ed O’Brien…

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17 abril, 2020

8

Un nuevo viernes de confinamiento en España (y el mundo) que, lejos de ser anodino en cuanto a novedades musicales, viene cargadísimo y llena a los topes nuestra playlist Ready for the Weekend. Para empezar, el gran protagonista es Bob Dylan, que lanza su segundo single nuevo en pocas semanas, después de haber conseguido su primer número 1 de Billboard (un poco de aquella manera, pero es un hecho) con su tema de 17 minutos sobre el asesinato de JFK. Y con él Fiona Apple, que ha publicado por fin su esperadísimo nuevo álbum ‘Fetch the Bolt Cutters’. No está sola: Lido Pimienta, EOB (Ed O’Brien de Radiohead), Rina Sawayama, Ron Sexsmith, DaBaby, Anna Andreu, Enter Shikari, Malena Zavala, Gerry Cinnamon, dvsn, Goa, Duke Dumont, RJD2, Shabazz Palaces, The Howling Hex (proyecto de Neil Hagerty, de Royal Trx) y Camilo (uno de los responsables de éxitos ajenos como ‘Sin pijama’ o ‘Mi mala’) estrenan hoy largos. También encontramos un EP con caras B de Incubus y otro del singular productor gallego Baiuca.

A lo largo de la semana La Oreja de Van Gogh, The Streets & Tame Impala, Pshycotic Beats (tema que adelantábamos en exclusiva), Jamie xx, Sr. Chinarro, Parcels o Kelly Clarkson (ft. Blas Cantó) han adelantado nuevos temas. A ellos hoy le sumamos hoy temas de IZAL, Bunbury, Chromatics, The Magnetic Fields, Becky G, Faye Webster, Don Patricio, Austra, Kelly Rowland, Aterciopelados, DMA’s, Jehnny Beth, Futuro Terror, Selecta & Recycled J & C.R.O, Kid Cudi, Belako, Yung Beef, girl in red, Car Seat Headrest, Pretenders, Pavvla, Clea Vincent, Pimp Flaco & Kinder Malo, junto a nombres que prometen dar mucho que hablar en el futuro como Joji, Claire Laffut, maye (con una sugerente versión de ‘La canción’ de Bad Bunny & J Balvin) o el nuevo fichaje de Sonido Muchacho, el sexteto madrileño Menta.

Al margen de esto, hay una buena cantidad de artistas que publican canciones grabadas en confinamiento y/o inspiradas por él, como Zahara (versión de Nueva Vulcano junto a Manuel Cabezalí), Kiko Veneno, Mueveloreina o Pablo Alborán. Además, Florence ´The Machine aprovecha el descanso para recuperar un descarte inédito de ‘High As Hope’, La Roux sorprende con un remix a cargo de Tyler, the Creator de ‘Automatic Driver’, uno de los temas del reciente ‘Supervision‘, e Hidrogenesse lanzan un remix estilo Swinging London ’91 del reciente ‘¿De qué se ríen los españoles?’, con el que anticipan un próximo disco. Y, por último, destacamos la llegada a plataformas de streaming por primera vez de los primeros discos y singles que publicaron Kokoshca antes de dar un salto de popularidad, en su etapa en el ya extinto sello Birra y Perdiz.

Escucha la playlist «Ready for the Weekend»

‘Patience’ de Porches es una emotiva balada 80s a punto de desmoronarse

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17 abril, 2020

1

Porches acaba de publicar su nuevo disco, ‘Ricky Music‘, otra muestra de su peculiar forma de entender el synth-pop de los años 80. La personal deconstrucción «DIY» que el estadounidense Aaron Maine ha perpetrado de este sonido a lo largo de su breve carrera ha producido canciones maravillosas como ‘Mood’, ‘Underwater’, ‘Find Me’, ‘By Your Side’, ‘Goodbye’ o ‘rangerover’ a las que este año se han sumado otras que han contribuido a seguir construyendo el personal mundo musical de este artista.

Una de ellas es ‘Patience’, que abre ‘Ricky Music’. Mi compañero Sebas E. Alonso no la destacaba entre las mejores del disco, pero en mi opinión es una canción cautivadora, de esas hechas para sumar fans. La música de Porches se caracteriza por su imperfección: el artista puede tener entre manos una gran balada synth-pop de los 80 como ‘Patience’ que después pervierte de diversas maneras, como queriendo realzar la imperfección humana frente a la perfección de la maquinaria pop. Muchas de sus composiciones suenan a maqueta a propósito, y ‘Patience’ ni siquiera parece una canción terminada: dura 2 minutos y medio y parece un esqueleto de canción más que otra cosa. Sin embargo, es arrebatador lo que hace instrumentalmente: utiliza un ritmo con gran eco a la manera de la época, pero tocado como a destiempo, y también una dramática melodía de teclado que suena desafinado y mal tocado. ‘Patience’ suena pendiente de un hilo, como si estuviera a punto de desmoronarse en cualquier momento, y este debe ser el secreto por el que es una composición tan extraña y a la vez sobrecogedora. El vídeo de ‘Patience’ refleja visualmente todo esto: en él, Aaron interpreta a un pringadete de instituto que junto a una compañera realiza una extraña coreografía frente a sus compañeros en una pista de baloncesto. El baile es recibido con ridículo, pero Aaron y su nariz roja no se dejan pisar y siguen mandando besos al aire para defender su dignidad.

Si el sonido de ‘Patience’ vuelve a reflejar la visión distorsionada que Porches tiene del pop, su mensaje sí es más universal al hablarnos de ese anhelo que cualquiera ha sentido por un amor pasado. «Siempre estaré a tu lado» es la frase más repetida en una letra que puede llegar a ser misteriosa («I’m rooting for your patience») pero que sobre todo suena anclada en los recuerdos: «pongo mi cabeza en tu falda, y grito todo el día, y tú gritas toda la noche, creo que nada está bien, pero quiero que sepas que he estado pensando en ti». Es simplemente un fragmento de la mente de Aaron Maine que este ha sabido transformar en una bellísima composición pop que solo él, y nadie más, podría haber escrito.

Lo mejor del mes:

‘Dear Tommy’ de Chromatics da señales de vida: secuencia del álbum y vídeo de ‘Teacher’

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17 abril, 2020

5

El disco fantasma de Chromatics, ‘Dear Tommy’, da un paso para ser una realidad. Anunciado en 2014, luego retrasado y finalmente destruido por su autor Johnny Jewel, parecía pasar a la historia como uno de esos álbumes malditos que jamás ve la luz, pero ahora resulta que tiene secuencia y todo.

‘Dear Tommy’ incluirá nuevas versiones de canciones que ya escuchamos en su momento, como la titular, ‘Just Like You’ y ‘Time Rider’, y también un nuevo tema llamado ‘Teacher’ que ha salido hoy. Este sigue la estela italo y cinética de la banda autora de ‘Kill for Love‘, popularizada con la ayuda de la película ‘Drive’. El año pasado se publicaba un nuevo disco al margen de este, un ‘Closer to Grey‘ algo irregular, pero con pistas tan pegadizas como ‘You’re No Good’ o la folkie ‘Move a Mountain’ que ejerció involuntariamente de villancico para muchos de sus seguidores la pasada Navidad.

Este será el tracklist de ‘Dear Tommy’, con el nuevo single ‘Teacher’ situado justo a la mitad. De momento, no hay fecha de edición.

01 Fresh Blood
02 Glitter
03 Never Tell
04 Just Like You
05 She Says
06 The Moment
07 Time Rider
08 White Fences
09 Teacher
10 Between the Lines
11 Too Late
12 Dear Tommy
13 Melodrama
14 Ultra Vivid
15 Colorblind
16 Sometimes
17 Dream Sequence
18 Endless Sleep

Sorry / 925

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17 abril, 2020

3

Citar como influencias en la creación de ‘925’, el primer disco de Sorry, nombres tan antitéticos e insólitos como Hermann Hesse, Dean Blunt o Tony Bennett puede ser una completa boutade que se marca el grupo liderado por Asha Lorenz y Louis O’Bryen. Especialmente cuando un vistazo somero a sus primeros singles y a adelantos tan fulgurantes y magnéticos de este disco como ‘Starstruck’ y ‘More’ dejaba claro que en su música hay un fuerte poso de indie rock noventero algo desaliñado y sucio, que les ha valido comparaciones con proyectos con voz femenina como L7, Hole o PJ Harvey. Pero este debut deja claro que hay algo más, algo diferente en ellos.

Basten el arranque del álbum con la extraña ‘Right Round the Clock’, con esos ramalazos pseudo-jazzísticos a lo Bowie que se repiten esporádicamente a lo largo del disco (el saxo en ‘Rosie’ y en la fabulosa ‘Rock ’n’ Roll Star’, aunque obviamente no tiene nada que ver con Oasis), o ese gusto en las disonancias de las guitarras que explican por qué son tan fans de Mica Levi (‘Wolf’ o la arisca ‘In Unison’ podrían perfectamente venir de parte de sus Micachu & The Shapes) para dejar claro que Sorry no son un mero émulo de nada. Son, más bien, una amalgama informe y con tantas aristas afiladas como suaves curvas: esa particular capacidad para crear ganchos melódicos sexys –si es que tal calificativo puede aplicarse a un sonido– que explotan mezclando sus voces masculina y femenina. Y, en todo caso, si hubiera que buscar un referente en el rock de los 90, lo encontraríamos más bien en anomalías como Salad o Helium, como dejan claro cortes a la vez directos y dislocados como ‘Perfect’ o la ya citada ‘More’, que realza maravillosamente la recta final de la secuencia.

Una secuencia que revela que Sorry, además, saben explotar su particular visión de la producción (les ha asistido James Dring, colaborador habitual de Gorillaz, pero Asha y Louis han estado a los mandos) en canciones no tan incisivas sino más iconoclastas. Los mejores ejemplos son la bonita ‘As the Sun Sets’, que parte de lo acústico hacia un maximalismo casi Disney-esco, o la extraña pareja de cortes casi-pop que cierra el disco, ‘Ode to Boy’ y la nueva versión de su viejo tema ‘Lies’. Esa parte esquiva en Sorry resulta fascinante en muchos momentos, pero a la vez supone a veces una barrera entre sus canciones y el oyente (la oscura ‘Snakes’ es quizá el ejemplo más evidente). Barrera en la que las esquivas letras, llenas de imágenes desconcertantes sobre amor, sexo y muerte, funcionan a modo de alambrada de espino que las corona. Pero eso no hace sino invitar a que sigamos asomándonos a ese espacio inquietante y atractivo que hay al otro lado del que, con suerte, podremos vislumbrar más y mejor en el futuro.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘More’, ‘Starstruck’, ‘Right Round the Clock’, ‘Rock ‘n’ Roll Star’, ‘As the Sun Sets’
Te gustará si te gustan: Porridge Radio, Micachu & The Shapes, Salad (si es que los recordabas)
Youtbue: vídeo de ‘Right Round the Clock’

Izal sorprenden en la segunda parte de ‘La buena sombra’, grabada en confinamiento

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17 abril, 2020

109 semanas después de su lanzamiento, ‘Autoterapia’ de Izal continúa en el puesto 23 de los discos más escuchados en España. Pese a que por tanto este álbum está de plena actualidad para el público de nuestro país, es normal que 2 años después de su lanzamiento, el grupo esté ávido de lanzar algún corte inédito, y la cuarentena les ha parecido un buen momento. De hecho, cada componente ha realizado su parte desde su domicilio intercambiando ideas por «teléfono y mail». Santos y Fluren han ejercido de productores del tema a la postre, tras haberse encargado de los dos últimos álbumes.

Con ‘La buena sombra’, Izal quieren compartir el mensaje de que «cualquier experiencia negativa aporta algo positivo», por lo que tanto letra como melodía son «un himno al optimismo y a ver el lado bueno de las cosas, algo tan necesario en estos momentos difíciles». Ese optimismo se manifiesta en frases como «por cada luna hay un sol / por cada náufrago, un mar / por cada tormenta, la calma que queda», pero lo que más llama la atención es la segunda parte de la composición. Ahí el ritmo se ralentiza cual canción río de Decemberists, en busca de una instrumentación más acústica y clásica de lo habitual. En ese momento dejan el pop-rock para referenciar más bien a gente como Serrat, María Dolores Pradera, José María Cano o los R.E.M. más apegados a la tradición (americana en su caso).

La artista plástica Rebeca Khamlichi ha realizado el vídeo mediante animación, mientras Ángela Notario ha montado las imágenes de la grabación del tema. El lanzamiento coincide con el concierto que tenían que haber ofrecido en el WiZink Center y que ha tenido que aplazarse -como otros de este fin de gira- por razones evidentes.

Sam Smith y Demi Lovato suenan al borde del precipicio en ‘I’m Ready’

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JNSP

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16 abril, 2020

25

Previsto inicialmente para el próximo día 1 de mayo, el futuro es incierto para el tercer disco de estudio de Sam Smith. Tal y como anunció días atrás, su lanzamiento sigue pospuesto sin nueva fecha por el momento –tal y como ha ocurrido con otro de los lanzamientos más importantes del año en el pop, ‘Chromatica’ de Lady Gaga–. Y, lo que es más chocante aún, sin título definido, puesto que Smith descartaba ‘To Die For’ al no considerarlo apropiado dada la enorme cantidad de fallecimientos que padece la humanidad estas semanas a causa de la pandemia.

Sin embargo, eso no evita que lance un nuevo single del mismo tras los temas lanzados el pasado año, el monster-hit ‘Dancing With a Stranger‘, el también exitoso ‘How Do You Sleep?‘ y la más moderada repercusión de la balada que da(ba) nombre al álbum. Se trata de ‘I’m Ready’, un dueto con la recuperada Demi Lovato. Sam aseguraba en Twitter que «esta vez va del todo sobre diversión», reafirmándose en que su nuevo disco sería sobre todo para bailar. Sin embargo, esta nueva canción tiene un punto muy oscuro.

El tema viene envuelto en una parafernalia olímpica sui generis (alguna disciplina que se juegue con tacones), incluso a pesar de que los Juegos de Tokio 2020 han sido pospuestos al año que viene. Los coros que van emergiendo apuntan tanto hacia lo grandilocuente como la melodía del tipo superación, y el vídeo de hecho se desarrolla en una piscina olímpica. Ahí vemos a Sam rodeade de unos cuantos bailarines, y a Demi como a punto de saltar desde un trampolín, acentuando la sensación de peligrosidad de la producción, que suena como si ambos estuvieran «preparados para el amor»… pero al borde de un precipicio. Los sonidos, pura década pasada, se mueven entre el hip-hop y el dubstep, si bien haciéndonos entender por qué el álbum se llamaba ‘To Die For’.

Como se había filtrado, están en los créditos ILYA y Savan Kotecha, socios de estudio de Max Martin que además de en numerosos temas de Ariana Grande se encargaron el año pasado del single debut en solitario de Normani –que colaboraba con Smith en el gran hit de este álbum– y, también, la citada ‘How Do You Sleep?’. También Peter Svensson, el exmiembro de The Cardigans que se ha hecho rico escribiendo canciones para Ariana, Carly Rae Jepsen, Troye Sivan, The Weeknd, largo etcétera. Sebas, Raúl.

Kelly Clarkson apuesta todo a la diversidad en ‘I Dare You’, en España con Blas Cantó

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16 abril, 2020

13

El nuevo single de Kelly Clarkson se llama ‘I Dare You’ y se trata de una canción que interpreta en inglés, pero también en otras lenguas junto a diferentes cantantes. En Francia se potenciará junto a Zaz, en Alemania junto a Glasperlenspiel, en los países árabes con la marroquí-canadiense Faouzia, en Israel con Maya Bouskilla y en España el agraciado ha sido Blas Cantó, en la primavera más triste de su vida profesional tras la cancelación del Festival de Eurovisión.

El tema habla «del amor en todas sus formas, desde el punto de vista de la adversidad», y parece una canción benéfica para entretener a sus seguidores durante la crisis del coronavirus, pero realmente se iba a lanzar el pasado mes de marzo y se ha retrasado debido a la COVID-19, por lo que parece que venía ideada desde hace tiempo.

El EP con todas las versiones ya está disponible en las plataformas digitales, pero además ha salido un «lyric video» que hace dudar sobre si la canción va sobre la adversidad o sobre la diversidad, a tenor de los protagonistas que hallamos en ella: parejas gays besándose, familias interraciales, personas en la tercera edad, unas chicas musulmanas… Por acordarse se han acordado hasta de aquellos que prefieren tener perros que hijos. Muy bonito todo, Kelly, pero en los anuncios de refrescos le están echando más imaginación y pasión…

Amaral, Bunbury, Love of Lesbian… desde este domingo en ‘La 2 es Música’

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16 abril, 2020

2

El lema «La 2 es Música» detrás de espacios como ‘La hora musa’, ‘Un país para escucharlo‘ o ‘Cachitos’ será ahora un programa de televisión en sí mismo. Se empezará este domingo 19 de abril por el mayor fenómeno superventas de los últimos años en España, Pablo Alborán, pero no desesperéis, porque después seguirán artistas bastante variados entre sí, como Enrique Bunbury, Amaral, Coque Malla, Niña Pastori, Love of Lesbian, 091, Vanesa Martín y Loquillo, como informa Vertele.

Dicha nota de prensa especifica que los protagonistas serán personajes «del panorama musical en castellano», con lo cual suponemos que se descarta la aparición de Russian Red. En cualquier caso, parece que no serán programas de producción propia, sino ya conocidos por sus seguidores, pues se anuncia una «serie de conciertos y documentales monográficos sobre artistas» y algunos son bastante populares.

Y es que lo que se emitirá de Bunbury será el MTV México de 2015, lo que implica la aparición de gente como Carla Morrison o Vetusta Morla. En cuanto a Amaral, será el concierto Nocturnal en el Palacio de los Deportes de Madrid; y en cuanto a Coque Malla, el documental ‘Mujeres’. El primer programa, el de Pablo Alborán, es un concierto en Sevilla grabado en 2018.

No te pierdas el directazo de Parcels que presenta su nuevo disco grabado en vivo

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16 abril, 2020

7

Parcels, uno de los mejores grupos del momento, así en general, anuncia su primer disco en directo. Se llama ‘Live Vol. 1’, sale el 30 de abril y es una interpretación en vivo de la canciones incluidas en su excelente debut.

El disco ha sido «grabado en vivo en cinta y mezclado a través de una consola hardware en el legendario Hansa Studio de Berlín» y es «una colección de 18 canciones que representa todo lo que los fans adoran de Parcels», según la nota de prensa. «Un disco en el que podemos escuchar las canciones más exitosas de la banda pero con la sonoridad mejorada y única que da el directo. Todas ellas complementadas con las experimentales transiciones que dan a sus actuaciones un toque único».

El grupo ha explicado que “ideamos este disco hace dos años como el epílogo perfecto para nuestro álbum debut” y que «sorprendentemente, a día de hoy todavía lo sentimos como una buena idea, algo que solo sucede si estás haciendo lo correcto”.

El primer avance de ‘Live Vol. 1’ es la interpretación en directo de Parcels de ‘IknowhowIfeel’, exactamente su séptima canción más escuchada en Spotify en este momento. Esta suena entre dos interludios instrumentales, ‘Redline’ y ‘Elude’. Las tres pistas pueden escucharse en Spotify, y también en un videoclip dirigido por la directora Carmen Crommelin, quien ha alabado el trabajo del grupo: “La magia que son capaces de crear Parcels en el estudio no necesita una narrativa adicional, por eso quería que la cámara fuera tanto pasiva como íntima para que el espectador pudiera observar cortésmente desde la distancia mientras camina por el estudio como un amigo”.

Sr. Chinarro sorprende con la rumba afrancesada de ‘Sábanas santas’

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16 abril, 2020

6

Sr. Chinarro es uno de los artistas que han anunciado disco durante la cuarentena, que ya no son pocos, y su nuevo largo, ‘El bando bueno’, verá la luz el próximo 26 de mayo a través de Mushroom Pillow, sello que en 2018 editó el que hasta ahora era el último trabajo de estudio de Antonio Luque, ‘Asunción‘.

El primer avance de este nuevo álbum con portada pictórica, ‘Sábanas santas’, estaba anunciado para hoy 16 de abril y ha salido puntual esta madrugada a las 00.00. Se trata de una alegre rumba marcada por el sonido de la guitarra acústica y también el de un acordeón. Sobre la canción, Luque ha dicho que es «un poco rumba» pero ha aclarado que ‘El bando bueno’ no es «un disco de rumbas», y ha añadido: «La grabé de esa manera por llevarme la contraria. Y porque estamos en España, no se puede evitar, hay que ir al revés. Somos asín. Bueno, yo pude evitarlo en su día, pero ya pa qué. Ole con olé, y olé con ole, a elegir».

Si te has quedado ojiplático leyendo la última frase del párrafo anterior, el mismo efecto produce la letra de ‘Sábanas santas’, que bordea el surrealismo entre menciones a la polución nocturna, la cultura del alcohol «por ver a todo cristo en las urnas» y a un elefante, y que además rima «Mimosín» con «Turín» e incorpora la frase «mi padre tuvo alergia al polvo demasiado tarde». Un sinfín de insospechados pareados (perdón), en cualquier caso, que podéis escuchar bajo estas líneas.

‘Toosie Slide’ de Drake arrasa gracias a TikTok pero… ¿lo merecía?

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JNSP

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16 abril, 2020

19

Parte de la redacción evalúa el single de Drake, que ha logrado colocarse en el número 1 del Billboard Hot 100 y en el número 2 en Reino Unido.

«Oh, vaya sorpresa: Drake sacando provecho de la mina de oro en que se ha convertido TikTok para los artistas que consiguen que viralizarse en la red social china, e idea un tema con bailecito adosado –ligado a uno de los tiktokers más seguidos e imitados, el dichoso Toosie–. ¿En serio alguien esperaba que esto no pitara cuando lo ha hecho el enésimo autohomenaje con Future? Porque, por más rabia que dé y/o tirria que le tengamos –lo de enseñarnos su ostentosa mansión era del todo innecesario, además de una temeridad–, ‘Toosie Slide’ es un gancho tan evidente como bien construido en su canon de rap lento y elegante –mucho ojo a los arreglos de órgano que OZ va desarrollando por detrás–, una nueva muestra de la maestría de Aubrey para con el pop contemporáneo y su mercadotecnia anexa. Y, esta vez, sin featuring que valga». Raúl Guillén.

«Lo peor de ‘Toosie Slide’ no es que Drake haya hecho una canción específicamente para TikTok. En su derecho está a hacerlo. Lo peor de esta canción es que suena a Drake en piloto automático: ha tenido suerte de viralizarse gracias a la aplicación de moda incluso antes de ser publicada oficialmente (¿sería la filtración previa un «inside job»?), pero no suena mucho mejor que cualquier canción de relleno de ‘Scorpion’ o de cualquiera de sus discos o mixtapes o como los llame. Hay que recordar que Drake ha sacado una cantidad ingente de singles y que no lo ha petado con todos ellos. El autor de una obra maestra como ‘In My Feelings’ o de canciones tan finas como ‘Passionfruit’ lo sabe hacer muchísimo mejor. Con enfocarse más en la música y en evolucionar un poquito, porque esta canción es más de lo mismo pero peor; y menos en los dólares, le basta». Jordi Bardají.

«Hace un año algunas emisoras de radio de diferentes países de todo el mundo boicotearon la música de Michael Jackson ante la duda de que las proclamas del documental ‘Leaving Neverland’ fueran ciertas, algo bastante discutido. Lejos de «cancelar a Michael Jackson» y tras unos meses en que mucha gente no sabía qué hacer al respecto, en ‘Toosie Slide’ Drake vuelve a asumir al cantante como algo «cool» frente a millones de adolescentes enganchados a TikTok. Drake había forzado un dúo entre ambos en 2018, ‘Don’t Matter to Me‘, pero este mismo año había hecho una mención confusa a Jackson en la reciente ‘When To Say When’. Decir que quieres ser como Michael Jackson en homenaje al «moonwalk» es el único riesgo de esta composición simpática, pero no a la altura de una superestrella que, en la plenitud de su carrera, debería exigirse un poquito más a nivel artístico. Ya no recuerdo qué año corría la última vez que se apuntó un tanto en ese sentido. ¿’Nice for What‘ en 2018? ¿‘Passionfruit’ en 2017? ¿Realmente el dembow de ‘One Dance’ en 2016? Gracias, Rihanna, por no meterte en estas: por no intentarlo demasiado cuando no hay nada que decir». Sebas E. Alonso.

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Rosalía, Lady Gaga, Justin Bieber, Mala Rodríguez, Cardi B, Los Punsetes… en 10 fotos que no debiste perderte

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16 abril, 2020

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Vuelve nuestra sección 10 fotos que no debiste perderte, dedicada a mostrar fotos y vídeos de nuestros artistas favoritos en las redes sociales que te gustará ver (o recordar, si ya las has visto). Dado que el confinamiento por la pandemia retiene en sus casas a prácticamente todo el mundo, la sección está capitalizada por los efectos y reacciones del coronavirus en las estrellas del pop.

La Covid-19 salva Abbey Road

Que el coronavirus es más malo que la ETA lo sabe ya todo pichichi. Pero mira, incluso siendo de lo peor visto en cuestión de virus, se le puede ver una ínfima parte positiva: las medidas de confinamiento han posibilitado que el célebre paso de cebra de Abbey Road sobre el que se fotografiaron The Beatles para la portada del disco así llamado, ha podido por fin ser repintado al no haber turistas haciendo cola para imkitar a John, Paul, George y Ringo. Teniendo en cuenta que para cuando vuelvan a abrirse las fronteras será imprescindible un visado para visitarlo, el alcalde de Londres puede olvidarse de su mantenimiento por un tiempo.

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they were finally able to repaint Abbey Road ‘cause everyone is inside

Una publicación compartida de Stereogum (@stereogum) el 26 Mar, 2020 a las 4:12 PDT

Justin Bieber busca qué hacer

Menos amable está siendo la dichosa infección con las pobres estrellas del pop, que si no pueden salir por ahí a estrellear no tienen más remedio que aburrirse encerrados en sus ostentosas mansiones millonarias con piscinas privadas, gimnasios y miles de metros cuadrados de zonas verdes. ¡Pobres! Así, no les queda otra que matar el tiempo saltando por los muebles, como hace Justin Bieber con el famoso juego infantil de «the floor is lava».

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THE FLOOR IS LAVA

Una publicación compartida de Justin Bieber (@justinbieber) el 28 Mar, 2020 a las 6:28 PDT

Dorian Electra, maestrx de la espada (o casi)

Perdón por la ironía de antes. Ya sé que la proporción de cantantes y músicos que malviven de su profesión es exponencialmente mayor que la de millonetis. Pero igual se aburren, así que han de encontrar algo que hacer, desde cocinar a dar conciertos online… Incluso hay quien, como lx bizarrx Dorian Electra, aprovecha para aprender a usar una espada, así, porque sí. No lo hace mal, pero como muestra el ¿inesperado? final del vídeo, le queda margen de mejora.

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⚔️😤⚔️caption contest: "While you were ____(?)…I studied the blade."

Una publicación compartida de DORIAN ELECTRA (@dorianelectra) el 27 Mar, 2020 a las 10:57 PDT

Elige tu propio Diplo

Dicen que lo más importante estos días, en nuestro encierro, es mantenernos conectados, especialmente si vivimos solos, porque si no nos podemos quedar incluso más cucú de lo habitual. Diplo es uno de estos, pero no se aburre: ya sea porque se rodea de un montón de «amigos» hechos a su imagen y semejanza, o porque, imitando un ingenioso meme que ha corrido por ahí estos días, se atavía con lo que encuentra por casa para que puedas elegir «tu novio favorito».

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customize your boyfriend

Una publicación compartida de Thomas Wesley (@diplo) el 12 Abr, 2020 a las 11:56 PDT

Cardi B, cerca de la Casa Blanca

La rapera y showwoman Cardi B es una de las artistas que más nos están amenizando estos días en casa. No tanto por aquella canción sobre «el bicho» que nació a partir de una de sus bufonadas, sino más bien porque comparte y genera memes desopilantes. Aunque, puesta a buscarse un hobby, parece que podría haberle dado por la política. Hace unas horas entrevistaba al ya ex-candidato en las primarias del Partido Demócrata, Bernie Sanders, dejando claros sus posicionamientos izquierdistas y congregando a casi un millón de personas para ver su charla en Instagram. Ojo, Joe Biden, que Cardi todavía te come la tostada.

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Listen I don’t talk like a CNN corespondent and I don’t use all this fancy vocabulary but I do give you THE REAL while entertaining you at the same time to keep your attention on what’s important. I have a platform of 62.7 million followers and yesterday my live had 133K viewers and almost a million people tuned in. I just want to bring awareness to what’s going on in our country and around the world. I want to make sure all my followers are AWARE and make a CHANGE! WE HAVE THE POWER TO MAKE A CHANGE! And a special thank you to Bernie, you’ll always be my favorite candidate!

Una publicación compartida de Cardi B (@iamcardib) el 15 Abr, 2020 a las 5:26 PDT

Lady Gaga y su profética sesión de fotos

Pese a demorar la salida de ‘Chromatica‘ sine die, la maquinaria de promoción del sexto álbum de Lady Gaga estaba en marcha y… algo así resulta difícil de parar. Por eso la vemos en la portada de la revista de moda ‘InStyle’ del mes de mayo, en la que protagoniza un curioso reportaje fotográfico. Porque entre los estilismos que su amigo y colaborador Nicola Formicheti preparó para la sesión de fotos, encontramos uno que cuenta con una máscara transparente que a todas luces nos vendría ahora de perlas a todas para bajar a comprar levadura al Pryca. Es obvio que la sesión de fotos tiene, como poco, muchas semanas: ¿es Formicheti el Nostradamus de nuestra era? Y diría más, ¿es el nuevo ‘Los Simpson’?

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Una publicación compartida de Lady Gaga (@ladygaga) el 8 Abr, 2020 a las 6:02 PDT

Sr. Chinarro, protección low cost

Ahora bien, si no puedes permitirte una máscara protectora de pichiglás de varios cientos o miles de dólares para tu máximo confort, siempre puedes recurrir a versiones low cost como la que se ha hecho Antonio Luque, Sr. Chinarro, reutilizando una garrafa de agua de cinco u ocho litros (según el volumen de melón que calces). Ya que en algún momento hemos visto al personal sanitario de nuestro país protegiéndose lamentablemente con bolsas de basura, este casco les iría a juego. En el texto que comparte con la imagen, Luque asegura que antes que su cara sobre ‘El caballero de la mano en el pecho’ como portada de ‘El bando bueno‘, pensó en la imagen de un casco protector del siglo de la peste. Otro Nostradamus.

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Normalmente uso las botellas de agua usadas para rajarlas y meter dentro otros envases y ocupar así menos espacio en el contenedor amarillo. Se me ha ocurrido hacer con esta un casco protector, abriéndola en T por detrás. Si los médicos y enfermeros quieren usarla, dado que parece que en los hospitales no había ni papel higiénico, ahí va mi invento, libre de derechos. Los que tengan más cabeza pueden usar las de 8L. Por cierto, que quise que #elbandobueno tuviese como portada un casco militar del siglo de la peste, antes de saber nada de la pandemia. Pero ganó la otra opción, que de todas formas es como de aquellos siglos de desastres humanos que creíamos del pasado. Muy modernos que éramos hace nada.

Una publicación compartida de Antonio Luque (@sr.chinarro) el 30 Mar, 2020 a las 10:10 PDT

Mala Rodríguez y el mejor/peor tutorial de belleza

Volviendo a las ocupaciones que implican no poder salir de casa, la intensidad de convivir con niños aburridos es una de las más bonitas/terroríficas (elige tu propio adjetivo al gusto). Porque si decimos que Mala Rodríguez ha empleado el confinamiento para hacer un tutorial de maquillaje, puede hasta sonar bien. Ahora, si resulta que María se limita a poner su rostro mientras que la que maneja los potingues y los útiles de belleza es su hija pequeña, la cosa cambia y se convierte en un «tutorial mal». O bien, según se mire, porque es una de las cosas más divertidas y tiernas que hemos visto estos días.

Tutorial parte IV pic.twitter.com/EioJROzYug

— malarodriguez (@malarodriguez) March 27, 2020

Los Punsetes dicen ‘¡Viva!’… a los ganchitos

Otra de las mejores cosas que ha surgido de este confinamiento en Instagram es la cuenta Album Cover In Lockdown, que reta a usuarios de la red social a emular con lo primero que encuentren por casa portadas de discos más o menos célebres. Y el ingenio del personal para recrear las carátulas de obras de Belle And Sebastian, Feist, Fleetwood Mac, Rodrigo Cuevas, Airbag, Blind Melon y un largo e inopinado etcétera es realmente increíble. Pero nos quedamos, sin duda, con la propuesta que recrea el cuadro de Mirena Ossorno que Los Punsetes emplearon para su disco ‘¡Viva!‘… ¡hecha con ganchitos! ¡Bravo!

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La portada de VIVA con ganchitos by @albumcovers_inlockdown ❤️ @mirenaossorno @fulgenciopimentel

Una publicación compartida de Los Punsetes (@lospunsetes) el 11 Abr, 2020 a las 2:10 PDT

Rosalía ¿emula? la portada de ‘Dolerme’

Una de las artistas que ha optado por animarnos la reclusión con nueva música ha sido Rosalía. Más que con las múltiples entrevistas que, desde la casa de su manager Rebeca León en Miami, viene ofreciendo o el corte de flequillo autoinfligido (que también), con el lanzamiento de su nueva canción ‘Dolerme‘. En este llamaba la atención la imagen de su portada que, firmada por el artista Jonny Negrón, mostraba a una chica semidesnuda tumbada en la cama con un móvil, un cuchillo, un chihuahua enfadado y una mascarilla protectora en el suelo. La pregunta es ¿en qué se inspiró Negrón? Porque la imagen que publicó la propia Rosalía horas después del lanzamiento del single prácticamente en la misma pose lleva a pensar si Rosalía emula la portada o fue ella la que, con esa foto, sirvió de musa.

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Una publicación compartida de ROSALÍA (@rosalia.vt) el 25 Mar, 2020 a las 2:01 PDT

Bad Gyal pide perdón por colaborar con Kafu Banton pero afirma que él ya no es homófobo

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16 abril, 2020

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Bad Gyal, ya lejos del underground de sus inicios y en plena primera línea del pop después de arrasar hace unos meses con el single multiplatino ‘Alocao’ con Omar Montes, número 1 en España durante varias semanas, es la artista invitada en una remezcla de ‘Tu eres un bom bom’, el nuevo single del cantante panameño Kafu Banton. La canción ha superado el millón de reproducciones en Spotify en menos de una semana y se mantiene dentro del top 20 de canciones más escuchadas en el top 50 de Spotify España.

El «remix» de ‘Tú eres un bom bom’ ha llegado con polémica en las redes después de descubrirse una canción vieja de Kafu Banton cuya letra contiene un mensaje abiertamente homófobo y violento. La autora de ‘Worldwide Angel‘, que ignoraba esta canción y asegura haber recibido numerosos ataques a través de las redes debido a su colaboración con el cantante panameño, ha pedido perdón a sus fans LGBT por «haberlos decepcionado» y por no haberse «informado mejor» y ha asegurado que donará parte de los beneficios obtenidos por la canción a una asociación que apoya los derechos LGBT+ en Panamá.

Antes, la cantante catalana había compartido en sus stories una interesante reflexión sobre la existencia de la canción cuestionada, ‘Pato’: «Kafu es un artista de Panamá, un país caribeño que siempre ha sufrido mucha homofobia y la sigue sufriendo actualmente. Lo que pasa en Panamá se refleja en la música, pasa también en Jamaica con el dancehall y en otros lugares del mundo. Para la gente que escucha música caribeña no es novedad que el género tiene mucha historia homófoba y machista». La artista subraya que está «en contra de estos valores» y explica que, por lo que ha conocido a Kafu Banton, él «ya no es una persona homófoba» y «respeta a la comunidad LGBT+ de su país», a lo que añade que «todo el mundo tiene derecho a aprender y cambiar».

bad gyal habla sobre la polémica de kafu banton y dice que va a donar parte de sus beneficios a una asociación de panamá ❤️ pic.twitter.com/yUgZmUK4Wi

— varcradel (@haringtonsnows) April 14, 2020

Bad Gyal te amo demasiado pic.twitter.com/RUvF8CPeDI

— tu hoe favorito (@frxngonzxlez) April 12, 2020

‘Every Color’ de Louis the Child funcionaría incluso sin Mark Foster

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