Rigoberta Bandini ha sido la invitada musical de esta noche en el Late Xou de Marc Giró, el programa de entrevistas que La 1 emite después de La Revuelta. Bandini se halla en plena promoción de su nuevo disco, el ambicioso ‘Jesucrista Superstar‘, el Disco de la Semana.
La actuación de Paula Ribó en Late Xou ha recordado a la de ‘Tengo un pensamiento‘ de Amaia por formato. Bandini ha presentado ‘Amore Amore Amore’ interrumpiendo la entrevista de Blanca Suárez, que en ese momento se encontraba sentada en el sofá charlando con Giró.
Bandini ha aparecido en el escenario de Late Xou pintada de azul y vestida como una azafata de vuelo de los años 60. Acompañada de tres bailarinas, ha servido Manhattans a los presentes. El vestuario de ‘Amore Amore Amore’ puede responder al estilo retro -casi doo-wop- de la canción. La piel azul, claramente, a que Bandini dobla a la Pitufina en la próxima película de Los Pitufos.
No es la primera vez que Rigoberta Bandini promociona ‘Jesucrista Superstar’ en el Late Xou de Marc Giró. Hace un par de meses, Bandini llevó ‘Pamela Anderson’ a ese mismo escenario. ‘Kaimán‘ sonó después en otro espacio, el de la final de Benidorm Fest.
En realidad, el nuevo single de ‘Jesucrista Superstar’ -si es que el concepto de single sigue teniendo algún sentido- es ‘Busco un centro de gravedad permanente’, que se ha promocionado con videoclip.
2021 fue un año importante para Michelle Zauner. ‘Crying in H Mart’, su conmovedor libro autobiográfico sobre la muerte de su madre, recibió excelentes críticas y se convirtió en un best seller; publicó la música para el videojuego ‘Sable’; y ‘Jubilee’, su tercer disco con su banda Japanese Breakfast, la llevó a conseguir varias nominaciones a los Grammy. Aquel álbum tenía un propósito disruptivo en la discografía de la artista, que tras dos trabajos que reflexionaban sobre el duelo, ofrecía un sonido explosivo centrado en la alegría.
Cuatro años más tarde, Zauner ha tenido que hacer frente a ese éxito que la llevó a girar por medio mundo y a actuar en programas como Saturday Night Live o el show de Jimmy Fallon. Con todo ello, vino un periodo complicado de introspección y de pausa. La artista se marchó a Corea durante un año, para escapar del estrés, aprender mejor el idioma, empaparse de la cultura de sus raíces (su madre era coreana) y escribir un nuevo libro. Dentro de este proceso, surgió ‘For Melancholy Brunettes (& sad women)’, un trabajo que en lugar de seguir surfeando la ola indie pop de ‘Jubilee’, ofrece un espacio lúgubre y meditativo donde las guitarras vuelven a cobrar el protagonismo de sus dos primeros discos.
Para conseguir este sonido melancólico, Japanese Breakfast se acercó a Blake Mills, cantautor y productor de Perfume Genius y Fiona Apple, para que produjera el álbum. Una elección muy acertada teniendo en cuenta la deslumbrante belleza instrumental conseguida desde la primera hasta la última pista. La delicada voz de Zauner se acomoda en estas composiciones con fuerza, sirviendo de narradora excepcional para esta serie de viñetas sobre situaciones sentimentales amargas. La tristeza es el denominador común de todas las canciones, pero no es desgarrada, sino más bien un sentimiento asimilado que acompaña a los personajes.
En la hipnótica ‘Here Is Someone’, Zauner quiere huir de la frenética vida que siempre ansió con tener, pero a la vez no quiere decepcionar a sus seguidores. Pese al anhelo por días más sencillos, el órgano y los sintetizadores espaciales otorgan una sensación onírica y esperanzadora. En el chamber pop de ‘Orlando In Love’, la cantante se inspira en ‘Orlando innamorato’, el poema inacabado de Matteo Maria Boiardo, para contar la historia de un hombre que es seducido por una sirena hasta terminar ahogado. Esto es un tema recurrente a lo largo de todo el disco: las consecuencias de los errores de los hombres.
En el shoegaze de ‘Honey Water’, una de las canciones más espectaculares que ha firmado Japanese Breakfast, la narradora se pregunta por qué su pareja no puede serle fiel. Ella aguanta en la relación por pura cobardía mientras ve como él vuelve a hacerle daño una y otra vez. Finalmente, la abandona: “In rapturous sweet temptation, you wade in past the edge and sink in/ Insatiable for a nectar, drinking ‘til your heart expires [En un arrebato de tentación dulce, cruzas el borde y te hundes/ insaciable de néctar, bebiendo hasta que tu corazón caduque”]. En ‘Mega Circuit’, Zauner retrata la violencia intrínseca a la educación patriarcal que convierte a muchos hombres en “eunucos incels” y a las mujeres en simples objetos de deseo. Mientras, ‘Men In Bars’, un improbable pero fantástico dueto country con Jeff Bridges, narra una relación que se ha roto.
‘Little Girl’ y ‘Leda’ son dos de los cortes que revelan más abiertamente las experiencias personales de Zauner. Ambas baladas tratan sobre la complicada relación con su padre a partir de que su madre muriera y él se mudara a Tailandia y empezara una relación con una mujer más joven. La primera está narrada desde su perspectiva, ansiando saber algo de su hija, arrepentido por sus errores. La segunda está basada en una llamada de teléfono tras mucho tiempo sin hablar, marcada por la desconfianza, pero también por una profunda intensidad emocional y la esperanza de reestablecer el vínculo.
Inspirada en la dinámica con su marido, ‘Picture Window’, un potentísimo número indie-rock con un estribillo perfecto, versa sobre la ansiedad constante de perder a seres queridos. Zauner muestra, con cierto humor, su frustración al ver que su pareja no se preocupa por una muerte inminente como ella lo hace (“Do you not conceive my death at every minute / while your life just passes you by? [¿No concibes mi muerte a cada minuto / mientras la vida te pasa por delante?]”). La artista defiende sus preocupaciones en el estribillo, ya que ha experimentado la muerte de cerca: “All my ghosts are real [Todos mis fantasmas son reales]”.
En ‘For Melancholy Brunettes (& sad women), Japanese Breakfast construye un universo literario y musicalmente rico, con pasajes de guitarra y piano emocionantes, mandolina, órgano y percusión de gamelán. El álbum entero se erige como un sólido tratado sobre la melancolía, sobre aceptar la tristeza como una parte inevitable de la experiencia humana.
Tomavistas 2025 suma a Romy, Kelly Lee Owens, Yard Act, Frente Abierto y Xenia y da por cerrado el cartel de su edición de 2025.
La programación de Tomavistas 2025 ya contaba con Amaia, Mala Rodríguez, Caribou, Mogwai, Bombay Bicycle Club, Judeline, Love of Lesbian o María José Llergo entre sus principales nombres.
El festival celebra su próxima edición los días 29, 30 y 31 de mayo en la Caja Mágica de Madrid. JENESAISPOP es por primera vez medio colaborador.
El jueves 29 de mayo inaugurará el festival Amaia, Mala Rodríguez (con el 25 aniversario de ‘Lujo Ibérico’), Judeline, María José Llergo, Barry B, Jimena Amarillo, pablopablo, trashi, Ganges y Xenia.
El día siguiente, viernes 30, será el turno de Caribou, Bombay Biclycle Club, Love of Lesbian, Doves, Carlos Ares, Maika Makovski, Karavana, Carlangas, Parquesvr, Viva Belgrado y Las Dianas.
Finalmente, la clausura del sábado 31 de mayo será de Romy, Mogwai, Kiasmos, Kelly Lee Owens, Yard Act, Depresión Sonora, Biznaga, La Élite, Camellos, Frente Abierto y La Milagrosa.
Las entradas de día, abonos de dos días y abonos completos ya están a la venta en la web de Tomavistas.
Panda Bear vive un momento dulce tras el lanzamiento de su último disco, ‘Sinister Grift‘. La crítica nunca le ha dado la espalda y ‘Panda Bear Meets the Grim Reaper‘, su disco de 2015, le ganó nuevos fans cuando parecía que nunca iba a superar el impacto de ‘Person Pitch‘ (2007), por cierto, uno de los poquísimos discos nuevos puntuados en JENESAISPOP con un 10 sobre 10. Sin embargo, ‘Sinister Grift’ parece haber abierto una nueva fase de popularidad para Noah Lennox.
A Lennox le ha sentado de lujo en los últimos años de su carrera mudarse a Portugal y trabajar con Sonic Boom. Si no fuera porque, desde este medio, hemos defendido ‘Isn’t It Now?‘ (2023), el último disco de Animal Collective, se podría decir que Panda Bear escribe actualmente mejores álbumes que la banda que le dio a conocer. Por supuesto, sus millonarias colabos con Daft Punk y Dean Blunt han contribuido a mantener su nombre en el candelero, a pesar de su evidente timidez.
Una timidez -aparente, al menos- que se hace evidente en directo. El artista, subido al escenario de la sala Paral·lel 62 de Barcelona, donde antes ha tocado Alien Tango de telonero, actúa vestido muy de andar por casa, con una sudadera, y solo se dirige al público para agradecer su asistencia al final del show. En concreto, antes del bis con los guitarrazos de ‘Praise’. Previamente, Lennox ha hecho volar al público con la épica psicodélica de ‘Take Pills’. De hecho, Lennox aparece sobre el escenario para arreglar algunos instrumentos antes de salir. No se da a sí mismo ningún misterio.
Y, sin embargo, la música de Panda Bear en vivo suena potente, colorida y rica en matices. Su voz, más feroz que nunca. Es efectivamente una expresión de su mundo interior, una visión narcotizada del pop surfero de los Beach Boys que, en ‘Sinister Grift’, vuelve a acercarse a la perfección.
No extraña que Lennox experimente con el dub en ’50gm’, y de su voz hay que decir que su vibrato aletargado y humeante es perfecto para la psicodelia. Acompañado de una banda de cuatro músicos, entre ellos un teclado y un sampler, Lennox desgrana el repertorio de ‘Sinister Grift’ creando verdaderas wall of sounds psicodélicas que ennubilan a la audiencia, especialmente cuando estos muros de sonido se desarrollan a través de jams instrumentales que podrían durar horas. Las armonías surferas y los teclados psicotrópicos de Panda Bear en algunos momentos consiguen que Lennox desaparezca detrás de la música, para bien.
Al show le cuesta arrancar irónicamente con ‘Ferry Lady’, una de las pistas destacas de su disco, que en vivo solo sirve para calentar motores; coge ritmo con ‘Ends Meet’ y asienta su energía definitivamente hacia el tramo medio con ‘Just as Well’ y sobre todo con la recuperación de ‘Last Night at the Jetty‘, una de las pocas concesiones del repertorio a los discos tempranos de Panda Bear. El momento álgido del show, también, antes del viaje nostálgico de ‘Take Pills’.
El concierto de Panda Bear funciona cuanto más funky y progresivo y cuando las capas sonoras construidas con los instrumentos inundan la sala por completo. Sin embargo, la energía del show se mantiene cohibida durante el recital, quizá porque la energía de Panda Bear se transmite al público y la energía del público se transmite a Panda Bear. No todos los conciertos de pop han de ser un subidón, no obstante. Basta con que el sonido sea excelente -que lo fue- y con que el público descubra que ‘Sinister Grift’ vuelve a ser un álbum de Panda Bear que vale la pena. Otro más.
Isabel Coixet ha revelado que sufrió un ictus en 2016. La directora de ‘Mi vida sin mí’ y ‘La vida secreta de las palabras’ ha narrado su historia durante una entrevista en el pódcast ‘Consulta Abierta’ de Podium Podcast, que se graba con la colaboración del Hospital Clínic de Barcelona. La entrevista de Coixet ha sido emitida este lunes en el programa de radio La Ventana de Cadena Ser.
En la entrevista, Coixet cuenta que sufrió un ictus mientras visitaba a su hija hospitalizada en el Clínic de Barcelona. Recuerda que, durante su visita, quedó paralizada durante un minuto mientras subía las escaleras hacia la habitación de su hija y que, cuando llegó y habló con los médicos, expresó palabras ininteligibles. A continuación, Coixet sintió una pérdida de sensibilidad en la mano derecha. Coixet acudió a Urgencias, donde le diagnosticaron un ictus.
Coixet detalla así su historia desde el principio: «Me acuerdo de que me llamaron para decirme que a mi hija la habían ingresado en el Hospital Clínico porque tenía algo en la vesícula y que le iban a operar. Y cuando subí las escaleras del hospital, me llamaron para decirme que un amigo mío estaba ingresado en otro lugar del mismo centro, con un ataque al corazón. Iba por el pasillo de abajo del Clínico y me quedé clavada. Ahí me quedé parada, no podía caminar. Sentí que mi cerebro daba órdenes a mis piernas y que estas no obedecían. Eso duró como un minuto. Entonces llegué a la habitación, donde estaban los médicos con Zoe, mi hija, y me doy cuenta que estoy haciéndoles preguntas a los médicos, pero que lo que digo no es inteligible. La tercera cosa es que cuando fui a lavarme las manos, me di cuenta que no tenía sensibilidad en la mano derecha, que no notaba si el agua estaba fría o estaba caliente. Y ahí ya pensé, esto es muy raro. Así que me fui a urgencias y allí ya vieron clarísimo que había tenido un ictus. Me llevaron a la unidad de ictus, conocí al doctor Chamorro que me explicó clarísimo todo lo que él creía que me había pasado».
Coixet, que en 2023 estrenó la película ‘Un amor‘, se encuentra rodando su nueva cinta, ‘Tre Ciotole’, una coproducción de Italia y España basada en la autobiografía póstuma de la activista italiana Michela Murgia.
Con Isabel Coixet, JENESAISPOP tuvo oportunidad de hablar en 2015. Podéis recordar aquella mina de titulares aquí.
David Archuleta es un cantante estadounidense que se dio a conocer en 2008 en la competición de la séptima temporada de American Idol. Archuleta, que entonces contaba 18 años, quedó segundo, por detrás de David Cook, e inició una carrera musical que a día de hoy abarca ocho álbumes. ‘Crush’, una cápsula del tiempo de 2009, es su mayor éxito.
Pasada su etapa de ídolo adolescente, Archuleta se encuentra desarrollando la segunda fase de su carrera. En los últimos tiempos, Archuleta ha sido noticia por salir del armario como persona queer y alejarse de la iglesia Mormona en la que creció y, también, por viralizar su directo sexy de ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter. No extraña que haya grabado una versión de ‘Freedom’ de George Michael.
Aquel viral ha influido en el sonido del nuevo single de David Archuleta, ‘Crème Brulée’, un disco-pop dulce como la crema catalana y relajadito como ‘Espresso’. Relajado, en su salsa, se halla también Archuleta en la canción mientras seduce a un muchacho al que vuelve «loco, loco». El spanglish de ‘Crème Brulée’ se explica con que Archuleta es hondureño por parte de madre.
‘Crème Brulée’ se ha lanzado al mercado con un videoclip sencillo pero efectivo que muestra a Archuleta y sus bailarines ejecutando una graciosa coreografía que tiene más detalle del que parece.
¿Es David Archuleta el pop star masculino que necesitamos? Con Justin Bieber retirado, los Jonas Brothers de nuevo reunidos, Bruno Mars secuestrado en Las Vegas, Harry Styles siendo Harry Styles, Zayn siendo Zayn y Louis Tom… bueno, ya me entendéis; la propuesta de David Archuleta no viene nada mal.
Warm Up Estrella de Levante se celebra los días 2 y 3 de mayo en Murcia y la organización ya ha anunciado que los abonos VIP están agotados. Posteriormente se han agotado los abonos normales y ya solo quedan las últimas entradas de día.
Como es habitual, JENESAISPOP es medio oficial de «Warm Up» y por tanto compartimos nuestro listado de 10 imprescindibles que no puedes perderte. A ellos hay que sumar una cantera de artistas también recomendables que comentaremos en semanas venideras: Barry B, Julieta, Rufus T Firefly a punto de editar disco, etcétera.
Amaia
Amaia decía estar nerviosa antes de actuar en el Wizink Center de Madrid, ahora el Movistar Arena. Todos los que presenciamos este concierto coincidimos en que ha supuesto un antes y un después en su carrera, y ahora llega el momento de trasladar todos los encantos de ‘Si abro los ojos no es real‘ a los festivales. Un disco que habla de la muerte, pero que también tiene temas tan divertidos como ‘M.A.P.S.’, ‘Tocotó’ o ‘Nanai’.
M.I.A.
Hace justo 20 años que se publicaba ‘Arular’, el formidable debut de M.I.A., que de alguna manera cambiaba el mundo, con temas como ‘Bucky Done Gun’ o ‘Pull Up the People’. Su segunda entrega, ‘Kala‘ -la que contenía ‘Paper Planes’ y ‘Jimmy’- sería aún mejor. Álbumes como ‘Matangi’ sumaban a un repertorio que siempre se ha construido de beats y samples desquiciados. Con esta apuesta por M.I.A., Warm Up presume de «la edición más alternativa, urbana y arriesgada de la historia del festival».
Franz Ferdinand
Franz Ferdinand han ofrecido tradicionalmente los conciertos más divertidos y llenos de «hits» de cada festival que han pisado, y solo con los temas de sus dos primeros discos podrían repetirlo de por vida. Tal es la energía de ‘Take Me Out’ o ‘This Fire’, que recientemente ha estrenado nueva versión. Su disco de este año, ‘The Human Fear’, suma algunas de sus canciones más glam, como ‘Audacious’: pocas veces habían sonado tan David Bowie.
Zahara
Entre quienes también acuden esta temporada a festivales con nuevo disco bajo el brazo, Zahara, que estrena el show correspondiente a ‘Lento ternura’. En él ha anunciado que habrá muchas concesiones a su pasado, «más que nunca», pero también una «representación del disco nuevo potente» para que aquel que no lo haya escuchado aún, pueda entenderlo igual.
Alcalá Norte
Flamantes ganadores del Premio Ruido a Mejor Disco Nacional del Año, elegido por la prensa musical, Alcalá Norte pasearán por Murcia ya una auténtica retahíla de clásicos underground que se han transformado en favoritos populares, gracias al boca oreja. ‘La vida cañón’, ‘La calle Elfo’ o ‘420N’ son algunos de ellos.
Carolina Durante
Tras actuar en el Movistar Arena también para 15.000 personas -como Amaia-, Carolina Durante han dado un salto igual de grande. Si os fijáis en la lista de discos oficial española, veréis que su tercer álbum ‘Elige tu propia aventura‘ lleva 21 semanas dando vueltas por el top 25 aproximadamente. Es decir, ya es el más exitoso de su carrera.
Ralphie Choo
Dos años después de ‘SUPERNOVA‘, Ralphie Choo se ha asentado como uno de los productores más avanzados de nuestro país. El año pasado se codeaba con la mismísima Rosalía en un tema llamado nada menos que ‘Omega’, y últimamente ha entregado un tema con pablopablo y Carin Leon. No obstante, apostamos a que su repertorio se sigue componiendo principalmente de hits propios como ‘BULERÍAS DE UN CABALLO MALO’, ‘MÁQUINA CULONA’ o ‘GATA’. Imprescindibles.
Fangoria
Sin material nuevo por el momento, ni noticias sobre la existencia del mismo, Fangoria se lanzan a la carretera este año para ofrecer su típica colección de hits, infalible en espacios como Warm Up Festival. Desde la organización aseguran que «en Murcia bailaremos temas como ‘Dramas y comedias’, ‘A quién le importa’ o ‘Espectacular’», y nadie que conozca el recinto lo pondrá en duda.
Dorian
Quienes sí acuden con disco nuevo y además uno que está muy bien, ‘Futuros imposibles‘, son Dorian. Las colaboraciones con Santiago Motorizado y Viva Suecia suman ya un millón de streams, pero pronto lo conseguirá también su single sin featuring ‘Materia oscura’, y lo merecen otras canciones propias nuevas como ‘Por ti’, la que entona por primera vez Belly.
Polo&Pan
El «French touch» en Murcia lo pondrán Polo & Pan, que este mismo viernes 28 de marzo publican su nuevo álbum. De ’22:22′ han presentado de momento 3 singles, a cual de todos más bombástico. Uno de ellos cuenta con Metronomy. Otro, ‘The Mirror’, es el vivo retrato de Giorgio Moroder. Y el resplandeciente ‘Nenuphar’, de tintes disco, cuenta con las voces del grupo creado en Ciudad de México I.M YONI, y está en parte en castellano.
Bad Bunny vuelve estos días a ser número 1 en España con ‘Debí tirar más fotos‘. En total, son 10 las semanas que lleva en la cima de la lista de álbumes de nuestro país. Un doble platino que está a punto de ser triple, más los que vendrán en el que va ser -de nuevo- el gran año de Bad Bunny. Para algunos, es su disco definitivo, ¿pero no lo fueron antes también ‘YHLQMDLG’ o ‘Un verano sin ti’? ¿Es su dedicación a géneros más clásicos, como la salsa o la plena, lo que le ha dado una validación aún más grande de un público cada vez más transversal?
Analizamos todas estas cuestiones en un nuevo capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO. Para ayudarnos a comprender su figura en toda América, invitamos a la periodista Franchesca Guim, de Billboard Latin. Dominicana y experta en música latina tras haber entrevistado a personajes como Karol G, Luis Fonsi o Maluma, nos habla de cómo la música en español ha crecido en Estados Unidos en los últimos años, o de cómo ha permeado a un público cuya primera lengua es el inglés, a través de las redes sociales. «Mis sobrinas de Miami no hablan español y escuchan Bad Bunny. Y también a Quevedo», revela.
Tras una primera mitad dedicada a hablar del fenómeno Bad Bunny y de esta campaña de manera más genérica -la residencia, la influencia de Puerto Rico en el «disco más portorriqueño de Benito», el corto que ha introducido el álbum-, en la segunda mitad del podcast desgranamos el álbum «canción por canción». ¿Cuál será el tema que veremos en las listas de lo mejor del año o aspirar a los Grammy? TikTok al margen, apostamos por ‘Nuevayol’ o ‘Baile inolvidable’, aunque también señalamos otras favoritas como ‘KLOuFRENS’, ‘BOKeTE’ o ‘TURiSTA’. Supera todo esto, Rosalía…
Bad Gyal se ha superado a sí misma en el Top 50 España de Spotify. Mientras ‘Angelito’, su exitosa colaboración con Trueno, se encuentra en el número 11 de la lista, ‘Orilla’ ya ha alcanzado el séptimo puesto. Así, la reina del dancehall en España se ha juntado con 8belial para firmar un nuevo hit retro. Muy retro.
‘Orilla’ suena como volver a 2012. Aunque la percusión es totalmente dancehall, los sintetizadores que acompañan parecen directamente sacados de cualquier éxito de Juan Magán de la época. Hasta el videoclip tiene una calidad intencionadamente dosmilera. Esto es obra de 8belial, el joven madrileño que ha alcanzado la fama en los últimos meses como miembro del grupo Disobey.
8belial, cybernene, yyy891, roomtrash6 y El WiWi empezaron a hacer ruido a raíz de un comentado episodio de Gallery Sessions. La novedad del grupo es recuperar la estética y el sonido propios de la primera década de los 2000, recordando ampliamente a los inicios del trap y a las mixtapes de artistas como Chief Keef. En definitiva, mucho autotune, chulería y cutrerío intencionado.
De alguna manera, 8belial es el nombre que más destaca de todos, adoptando un gusto por el dancehall en su última mixtape, ‘Mr. Fino Riddim’, que bien recuerda a los inicios de la mismísima Bad Gyal. Por ello, ‘Orilla’ es una colaboración que también podría ser un relevo simbólico.
Matty Healy, líder y vocalista de The 1975, ha demostrado tener un amplio gusto musical tras publicar en Tumblr una lista con sus discos favoritos de la historia. La selección es rara, en cuanto a la increíble variedad de estilos. El artista británico incluye tanto a Bob Dylan, uno de los más aclamados e influyentes de la historia, como a Lil B, el inventor del término «basado».
La lista de Matty Healy incluye discos de post-hardcore y screamo, punk rock y post-punk, indie, lo-fi, outsider music, avant-garde, math rock, shoegaze, electrónica, hip hop, funk, folk y rock clásico. Un poco de todo, vaya. Como fuente de descubrimiento musical, es oro.
Dylan es el artista con más menciones en la lista. Los elegidos son ‘Highway 61 Revisited’, ‘Blood On The Tracks’, ‘The Freewheelin’ Bob Dylan’ y ‘Time Out Of Mind’, lanzado en 1997. Otros clásicos que Healy ha incluido son ‘Velvet Underground & Nico’, ‘Unknown Pleasures’ de Joy Division y ‘Crooked Rain Crooked Rain’ de Pavement.
No sorprende la inclusion de ‘Sound Of Silver’ de LCD Soundsystem, dado que en su último disco, The 1975 hizo un claro homenaje a la canción ‘All My Friends’ en la intro. ‘Original Pirate Material’ de The Steets, ‘Takk’ de Sigur Rós y ‘mvb’ de My Bloody Valentine también han conseguido su puesto.
Descubrimos que sus proyectos favoritos de Radiohead son ‘Amnesiac’ y ‘A Moon Shaped Pool’, de Bon Iver son ‘Bon Iver’ y ’22, a Million’ y de Yo La Tengo es ‘We Have Amnesia Sometimes’, el EP que lanzó el grupo en 2020.
Los discos favoritos de Matty Healy:
Nation Of Ulysses – ’13 Point Program to Destroy America’
Compound Red – ‘Press Play and Record: Songs Played and Recorded by Compound Red’
Nahawa Doumbia – ‘La Grande Cantatrice Malienne Vol 3’
Brainiac – ‘Bonsai Superstar’
Brainiac – ‘Hissing Prigs in Static Couture’
Brainiac – ‘Electro-Shock For President EP’
I Hate Myself – ‘Ten Songs’
Little Feat – ‘Feats Don’t Fail Me Now’
Little Feat – ‘Dixie Chicken’
The Meters – ‘Rejuvenation’
This Heat – ‘Made Available’
Modest Mouse – ‘The Lonesome Crowded West’
Daryl Johns – ‘Daryl Johns’
Howlin’ Wolf – ‘The Howlin Wolf Album’
Unwound – ‘Repetition’
Lil B – ‘6 Kiss’
Faces – ‘A Nod Is As Good As A Wink….To a Blind Horse’
Captain Beefheart & His Magic Band – ‘Trout Mask Replica’
Captain Beefheart & His Magic Band – ‘Clear Spot’
The Fall – ‘Hip Priest And Kamerads’
The Fall – ‘John Peel Session 15/9/81’
Robbie Basho – ‘Venus In Cancer’
The Streets – ‘Original Pirate Material’
Loren Connors – ‘Evangeline’
Suicide – ‘The Second Album + The First Rehearsal Tapes’
Sigur Rós – ‘Takk’
Glen Branca – ‘Ascension’
Theoretical Girls – ‘Theoretical Girls’
Trent Renor & Atticus Ross – ‘The Social Network’
Pesky – ‘Smells Like Tween Spirit’
Boards Of Canada – ‘Music Has The Right To Children’
Bob Dylan – ‘Highway 61 Revisited’
Bob Dylan – ‘Blood On The Tracks’
Bob Dylan – ‘Time Out Out Of Mind’
Bob Dylan – ‘The Freewheelin Bob Dylan’
The Velvet Underground – ‘Velvet Underground And Nico’
Joy Division – ‘Unknown Pleasures’
The Brian Jonestown Massacre – ‘Aufheben’
LCD Soundsystem – ‘The Sound Of Silver’
The Blue Nile – ‘Hats’
Steve Reich – ‘Music For 18 Musicians’
Glen Campbell – ‘Wichita Lineman’
Bon Iver – ‘Bon Iver’
Bon Iver – ’22, a million’
Labi Siffre – ‘Crying Laughing Loving Lying’
Big Star – ‘#1 Record’
James Taylor – ‘Pull Over (live)’
Brian Eno – ‘Taking Tiger Mountain (By Strategy)’
Radiohead – ‘Amnesiac’
Radiohead – ‘A Moon Shaped Pool’
Daniel Johnston – ”Welcome To My World’ The Music Of Daniel Johnston’
xxyyxx – ‘Xxyyxx’
Little Feat – ‘Waiting For Columbus (live)’
Satie, Alena Chery – ‘Gnossienne No. 1’
Yo La Tengo – ‘We Have Amnesia Sometimes’
Chamberlain – ‘The Moon, My saddle’
Liquid Liquid – ‘Optimo’
The Durruti Collumn – ‘Vinnie Riley’
Gustav Mahler & Antoni Wit – ‘Mahler, G: Symphony No. 5’
Jannis Xenakis – ‘ORCHESTRAL WORKS VOL/5’
Life Without Buildings – ‘Any Other City’
125 Rue Montmartre – ‘Discography’
One Last Wish – ‘1986’
Texas is the Reason – ‘Do You Know Who You Are?’
Moss Icon – ‘Lyburnum Wits End Liberation Fly’
Rival Schools – ‘United By Fate’
Glassjaw – ‘Worship and Tribute’
Indian Summer – ‘Woolworm’
Mineral – ‘endserenading’
Cursive – ‘Domestica’
Refused – ‘Songs to Fan the Flames of Discontent’
The Replacements – ‘Let it Be’
American Football – ‘American Football’
Iron & Wine – ‘Around The Well’
Braid – ‘Frame and Cavas’
Jets to Brazil – ‘Orange Rhyming Dictionary’
Embrace – ‘Embrace’
Rites Of Spring – ‘Rites Of Spring’
Heroin – ‘Discography’
Still Life – ‘from angry heads with skyward eyes’
Penfold – ‘amateurs and professionals’
Drive Like Jehu – ‘Yank Crime’
The Maple State – ‘At Least Until We’ve Settled in Hundred Reasons – Ideas Above Our Station’
Rival Schools – ‘United By Fate’
Pavement – ‘Crooked Rain Crooked Rain’
My Bloody Valentine – ‘mvb’
Rites of Spring – ‘Rites of Spring Algernon Cadwallader – Fun’
Hundred Reasons – ‘Ideas Above Our Station’
Duster – ‘Cooking’
Piebald – ‘We are the only friends we have’
Sunny Day Real Estate – ‘Diary’
Indian Summer – ‘Giving Birth to Thunder’
Miley Cyrus ha anunciado que su noveno disco, ‘Something Beautiful’, se pondrá a la venta el próximo 30 de mayo. El repertorio de ‘Something Beautiful’ se compone de 13 pistas originales escritas por Miley Cyrus y supervisadas por Shawn Everett y Cyrus en el papel de productores ejecutivos. En la portada de ‘Something Beautiful’, Miley Cyrus viste un traje de Thierry Mugler de 1997.
La popstar también ha lanzado un tráiler que representa el primer vistazo real a la música y el mundo visual que saldrán en ‘Something Beautiful’. Aunque no se ha dado ningún detalle de la trama, Cyrus aparece caminando entre estudios y sets de cine mientras luce varios outfits de Mugler, Alexander McQueen y Jean-Paul Gaultier. El disco visual, dirigido por Miley, llegará a cines en junio.
La música, por otro lado, parece que continuará por la estética rock que Cyrus ya exploró previamente en ‘Plastic Hearts’, a juzgar por los diferentes snippets que se suceden en el clip. «Una ópera pop inigualable» o «una experiecia visual única alimentada de fantasía» son algunas de las promesas que aparecen en el tráiler.
El último lanzamiento de Miley Cyrus ha sido ‘Beautiful that Way‘, una balada escrita para la banda sonora de ‘The Last Showgirl’ (2025). ‘Beautiful that Way’ ha supuesto para Miley Cyrus y para una de sus co-autoras, Lykke Li, sendas nominaciones al Globo de Oro.
Las primeras informaciones aseguraban que ‘Something Beautiful’ es un álbum «conceptual» inspirado en la película de ‘The Wall’ (1979) de Pink Floyd, pero llevado al mundo pop de Miley Cyrus. El disco intenta «retratar una cultura enferma a través de la música», según el director de cine italiano Panos Cosmatos, que ha creado la parte visual del proyecto.
Un álbum que promete ser «tan musical como visual», ‘Something Beautiful’ también propondrá un sonido «experimental pero pop». Según Cyrus, «el componente visual» de ‘Something Beautiful’ «conduce el sonido» y el álbum explora temáticas como el amor, la destrucción o la muerte «de una forma hermosa».
‘Endless Summer Vacation‘, el anterior álbum de Miley Cyrus, se posicionó en el 11º puesto de los discos más vendidos de 2023 en el mundo, un dato relativamente bueno, pues el disco contenía la canción más exitosa de todo ese año, la número 1, ‘Flowers’.
🚨Miley Cyrus shares new trailer for her upcoming album, ‘Something Beautiful.’ pic.twitter.com/eLOZxg0lDZ
‘La Plena’ sigue liderando la lista de Singles en España. Debutando en segunda posición, Delaossa y Quevedo con ‘Still Luvin’, el mayor éxito del último disco del artista malagueño. ‘La Madrugá’, sin embargo, no ha llegado sin polémica. Hace unos días, algunos productores que habían trabajado en el disco cargaron contra Kiddo Manteca, acusándole de robar beats y créditos.
Aitana y Myke Towers firman la última entrada de la semana en el top 10 con ‘Sentimiento Natural’, que entra en séptima posición. En el número 12, JC Reyes y Dei V colocan ‘FLIPA’, sacada del último disco de Reyes, ‘NACER DE NUEVO’.
Pese a las polémicas que envuelven a su figura, el artista sevillano también ha conseguido posicionar ‘CONTAR’ (#47) y ‘MUEVE ESE CULO’ (#81). Además, ya contaba con ‘NINFO’ en el número 5 del ranking.
Bad Gyal firma otra buena entrada junto al novato 8belial con ‘Orilla’, entrando en el número 22. Por otro lado, Rvssian, Young Miko y Omar Courtz entran en la 41ª posición con ‘WOAHH’, Miguel Bueno y Juan Duque en la 69ª con ‘Solcito’ y Beéle con ‘Morena’ en la 97ª. Playboi Carti, por los pelos, entra en último lugar con ‘EVIL J0RDAN’.
La Bien Querida se arrepintió enseguida de que ‘Paprika‘, su disco anterior, no fuera más latino. Lo dijo ya en 2022 y se lo ha vuelto a contar estos días a Manuel Jabois. «Quizá fue por miedo. Esa cosa conservadora de pensar “a ver si ahora va a haber un rechazo muy grande”. Y nos hemos arrepentido».
Se ha arrepentido, pero no lo suficiente como para volver a abrir esa puerta. ‘LBQ’ se presenta como un retorno a sus inicios, a la sencillez, al «indie» (sic) si es que esa palabra tuvo alguna vez sentido para una cantautora que admitía comparaciones con Cecilia y Manuel Alejandro.
De manera nada sorprendente, al menos para quienes tenemos ‘7 días juntos‘ en un pedestal, el mejor tema de ‘LBQ’ es el único que tímidamente mantiene el pulso latino. Es como si su sonido clásico hubiera dado todo lo que podía dar de sí ya. ‘Noche de bodas‘ en cambio es un tema tremebundo, lleno de toxicidad, y tan influido por «el urban y la salsa», como por «Manuel Machado y Residente». «Me casaría contigo, cuando te dé la gana», canta Ana Fernández-Villaverde, pero con amargura, anticipando que la luna de miel será más bien ‘Lunas de hiel’.
‘S.O.S.’ es el otro tema oscuro de este 8º disco, una venganza planeada contra alguien que no quiso quedarse con nosotros: «Cuando estés solo y estés viejo / cuando te cuelguen los pellejos / Cuando tu enemigo sea el espejo, / te torturará que esté tan lejos».
Por lo demás, el álbum versa sobre el amor propio, el materno o el de pareja, en general con menos sinsabores, dejando buenos momentos cuando La Bien Querida le canta a su hija. Esa hija que pasa de su música -prefiere a Kanye y a Rihanna-, y cuyo destino no podemos controlar ni atar. «Te me escapas como el gato, como el tiempo, como el agua entre los dedos», le dice en ‘Una estrella‘. ‘Un milagro’ también habla de alguien que tiene que aprender a andar solo: «la vida me ha preparado la gran misión de tenerte a ti, y de enseñarte a vivir sin mí».
Nunca estamos, eso sí, ante las composiciones mejor redondeadas de La Bien Querida. El préstamo de ‘Bar Dixie’ de ‘Every Breath You Take’ y el de ‘Ni bien ni mal’ del pop llenaestadios de los 80 apuntan a una época no demasiado inspirada de Fernández-Villaverde y/o su productor y ex David Rodríguez. Una fan de Raphael no debería firmar una canción llamada ‘Como te amo yo’ que se acaba tan prontito.
Esa grandilocuencia que esperábamos en un tema así titulado la encontramos en otro corte del disco. ‘Mundaka’ sí tiene ese estribillo y esos coros que apuntan a Perales y a las grandes composiciones de otros tiempos. El rock indie de ‘Como un perro’ o la pequeña experimentación de ‘Naufragio’ podrían sumar a su repertorio, pero en verdad La Bien Querida aún tiene que entregar un discazo como los de antes a su nuevo sello, Sonido Muchacho.
JC Reyes, el hitmaker sevillano de la música urbana, ha sido noticia estos días por caerse de una moto en el escenario de Movistar Arena de Madrid mientras presentaba su último disco, titulado de manera apropiada ‘Nacer de Nuevo’. Las cámaras de los fans han captado el momento en que Reyes nace de nuevo cuando entra escopetado al escenario con su moto, atraviesa la pasarela y cae al suelo. Afortunadamente, el accidente no tiene mayor gravedad que un mal trago vivido en público.
El concierto de JC Reyes ha recibido críticas por otros motivos, como por empezar «40 minutos tarde» o encadenar diversos problemas técnicos. Según algunos asistentes, el micrófono de Reyes dejó de funcionar durante el show, y el rapero se retiró «sin despedirse».
Hablemos de Don JC Reyes:
-Sale 40min tarde. -Se mete una hostia con la moto estando a punto de dejar en anécdota el 11S. -Canta 4 canciones. -Se le corta el micro en mitad de una canción. -Decide pirarse sin despedirse.
Por otro lado, JC Reyes ha llamado la atención estos días por afirmar en una entrevista con El Mundo que el sistema fiscal español es una «puta mierda». Reyes ha dicho que es de «envidiosos» que le quiten el 47% en impuestos a las rentas más altas y ha señalado que el «sistema no quiere que uno sea una persona emprendía». Reyes se refiere al tipo máximo del Impuesto sobre la Renta de las Personas Físicas (IRPF), el tramo fiscal que supuestamente le corresponde.
Las declaraciones de JC Reyes se han topado con la respuesta de varias figuras públicas, entre ellas el portavoz de Compromís Joan Baldoví, que ha escrito: «Lo que es una puta mierda es que habiendo nacido en Palmete, uno de los barrios más pobres de la capital andaluza, hables como si hubieras nacido en el barrio Salamanca. Con impuestos se paga la escuela y la sanidad pública, el desempleo y se compensa -un poco- la desigualdad».
Las polémicas han acompañado a JC Reyes desde el inicio de su carrera. Muchos recuerdan al rapero por ser la persona que difundió una serie de nudes falsos de Rosalía en redes sociales. Reyes se encontró con la respuesta tajante de la propia Rosalía, que afirmó que el «cuerpo de las mujeres no es propiedad pública».
‘Nacer De Nuevo’, el último disco de JC Reyes, se ha presentado con singles como ‘Ninfo’, cuenta con colaboraciones de Ozuna, Sky Rompiendo o Gloosito y acaba de ascender al puesto 2 de los discos más exitosos de España, solo por detrás de Bad Bunny.
Chanel volverá a Eurovisión tres años después de su histórica actuación con ‘SloMo’ para dar los puntos de España en la final del 17 de mayo en Basilea, confirma FormulaTV. RTVE ha seleccionado a Chanel para el papel. Soraya Arnelas -representante de España en Eurovisión 2009- comunicó los «12 points» de España el año pasado.
La reconciliación de Chanel y RTVE parece una realidad después de que Chanel cargara contra la cadena pública el año pasado por no contar con ella en la final de Benidorm Fest. En aquella gala, Abraham Mateo cantó ‘Clavaíto’ solo en un popurrí de sus éxitos. Chanel consideró esta decisión de RTVE una «falta de respeto a los eurofans y a mí».
Chanel ha explicado, además, que se encuentra enfocada preparando nueva música. «En todos los artistas, cuando uno está trabajando de puertas para adentro, parece que estás apartado. Pero en mi caso ha sido un camino muy fructífero. Tengo una propuesta, estoy feliz con las canciones que tengo. «Tengo cosas que contar. Una propuesta musical que casa con mi situación. Vengo guerrera y con ganas de cantar y dar el show».
Este año, Melody representará a España en Eurovisión con ‘Esa diva’, que se acaba de relanzar en una nueva versión mejorada. Sin embargo, Melody ha defendido ‘Esa diva’ asegurando que ‘Esa diva’ ya era un temazo antes de su actualización. “Esa Diva es un gran tema, es una gran canción. Ha habido personas que después del cambio de arreglos han dicho «ahora es un temazo». No, el temazo ha existido siempre”.
Además, Melody ha comentado su baja posición en las apuestas actuales, donde aparece en el puesto 30 de 37 artistas. «El artista no se define por las casas de apuestas, la calidad se define en el escenario. Entiendo todo lo que envuelve Eurovisión, y que los fans son muy pasionales, pero yo no puedo estar mirando una casa de apuestas. No me conocen a mí como artista, no saben lo que voy a hacer», ha asegurado.
El cineasta palestino Hamdan Ballal, uno de los directores ganadores de un Oscar por el documental sobre la ocupación de Cisjordania ‘No Other Land’, ha sido liberado por las fuerzas israelíes tras su detención de esta noche en Susiya, la ciudad de Cisjordania en la que reside. «Después de estar esposado toda la noche y haber sido golpeado en una base militar, Hamdam Ballal es libre y está a punto de volver a su casa con su familia», ha anunciado el co-director de ‘No Other Land’, el israelí Yuval Abraham.
Ballal ha sido apaleado y detenido este lunes por colonos israelíes cuando se encontraba siendo tratado de heridas dentro de una ambulancia. El co-director de ‘No Other Land’, el israelí Yuval Abraham, había comunicado que Ballal se encontraba en paradero desconocido tras su detención.
“Lo golpearon y presenta heridas en la cabeza y el estómago, sangrando”, ha contado Abraham en un comunicado publicado en redes. “Los soldados irrumpieron en la ambulancia que había llamado y se lo llevaron. No hay rastro de él desde entonces”.
El ejército israelí ha negado el arresto de palestinos «dentro de una ambulancia» y ha explicado que sus detenciones se han producido por defensa propia después de sufrir un «lanzamiento de piedras» por parte de «varios terroristas».
El Ministerio de Salud de Gaza ha comunicado que la cifra de muertos desde el inicio de la ofensiva militar de Israel en 2023 supera ya la marca de los 50.000 fallecidos. A la cifra de muertes se siguen sumando periodistas y reporteros que informan desde la zona de conflicto, como el reportero de 23 años Hossam Shabat, asesinado mientras cubría los acontecimientos para Al Jazeera.
La embajadora de Estados Unidos en Naciones Unidas, Dorothy Shea, ha declarado este lunes que Hamás, el grupo terrorista palestino, es «único responsable» de la guerra en Gaza y de la violación de las condiciones del alto al fuego. «Cada muerte habría sido evitada si Hamás hubiera aceptado la propuesta de negociación que Estados Unidos ofreció el miércoles pasado», ha señalado.
Ora the Molecule es el proyecto de la cantante, compositora, productora y DJ noruega Nora Schjelderup. ‘The Human Fear’, su primer disco, publicado en 2021, recorría influencias de Cocteau Twins, Fleetwood Mac y Kraftwerk -sus tres principales referentes- y contenía el mini éxito ‘Helicopter’. El segundo álbum de Ora the Molecule toma un camino diferente, como sabréis aquellos que habéis participado en JNSP Song Contest.
‘Dance Therapy’ -como sugiere su título- es un álbum enfocado en los ritmos bailables y electrónicos. Su sonido surge no solo de las sesiones de Nora como DJ, sino también de sus experiencias como telonera de Röyksopp y como músico de Todd Terje y Lindstrøm. Temas como ‘Intergalactic Dance’ denotan una influencia evidente de los ritmos nudisco e italo disco. ‘Dance Therapy’ se puede escuchar desde el viernes.
La música de Ora the Molecule puede ser también lo más parecido a Annie que ha surgido desde Annie. La comparación es fácil ya que ambas son mujeres noruegas que hacen música pop electrónica. Sin embargo, canciones como ‘Løveskatt’ se prestan a la comparación gracias al tipo de melodía vocal de Ora the Molecule y al estilo de producción.
‘Løveskatt’ es un chute de electropop y nudisco fino y elegante que se titula con una palabra inventada compuesta por dos palabras individuales, ‘Løve» y «skatt», que juntas significan algo así como el «impuesto del león» o el «tesoro del león». En la Canción Del Día para hoy martes, Ora the Molecule aúlla como Shakira.
Ora the Molecule ha creado una palabra nueva para describir un sentimiento específico, como FKA twigs y ‘EUSEUXA’. En el caso de Nora, ‘Løveskatt’ plantea una «celebración de crear un nido y un espacio seguro con la persona amada» porque esa es una «necesidad humana básica y, a veces, la más importante». Igual de importante es bailar: eso también es terapia.
Lizzo interpretará a Sister Rosetta Tharpe en el biopic sobre la pionera guitarrista estadounidense que prepara Amazon MGM. A la película no se le ha asignado director todavía, pero sabe que han escrito el guion Natalie Chaidez y Kwynn Perry y que Forest Whitaker se encargará de la producción junto a Nina Yang Bongiovi, Kevin Beisler y la propia Lizzo, según la información de The Hollywood Reporter. Entre las cintas musicales producidas por Amazon MGM se encuentra la oscarizada ‘Sound of Metal’ (2019).
Sister Rosetta Tharpe fue una de las pioneras del rock ‘n roll en Estados Unidos cuya figura las redes sociales han viralizado en los últimos años, sobre todo mediante la circulación de un vídeo de Tharpe actuando en directo en 1964. Entonces, Tharpe tenía 49 años y llevaba más de tres décadas de carrera musical. Gracias a sus innovaciones en la guitarra eléctrica y en el góspel, Tharpe influyó a artistas como Little Richard o Elvis Presley.
Conocida por ser la «abuela del rock’ n roll», es generalmente aceptado que Rosetta Tharpe -aunque se casó con hombres- mantuvo relaciones románticas y sexuales con mujeres que tuvo que esconder del ojo público. Su biopic contará esta parte de su vida, también, pero se centrará «en un período clave de la vida de Tharpe, cuando recibía elogios por su sonido de guitarra y se preparaba para dar el primer concierto de estadio de la historia».
Lizzo, por su parte, prepara este año el lanzamiento de su nuevo disco, el primero después de las acusaciones que recibió en 2023 por parte de sus bailarinas por acoso sexual y por crear un ambiente de trabajo hostil. Los primeros dos sencillos del nuevo álbum de Lizzo han sido ‘Love in Real Life‘ y ‘Still Bad’. Ninguno de estos singles ha producido impacto en las listas de éxitos.
Recientemente, Lizzo ha defendido su música de las voces que han criticado sus dos nuevos singles por ser «demasiado positivos en un mundo post-covid». Lizzo ha argumentado que las críticas poseen un sesgo racial porque la «alegría negra aún incomoda a la gente». Lizzo ha declarado que el mundo sigue «tratando a las mujeres negras peor que a nadie» y ha comparado el odio que ha recibido con el odio que vivieron en el pasado iconos como Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner o Bobby Brown. Sobre todo, Lizzo ha reivindicado que seguirá haciendo música positiva.
Bad Bunny recupera el número 1 de Discos en España, tras el paréntesis Lady Gaga, quien baja al puesto 4 con ‘Mayhem‘. ‘Debí tirar más fotos’ vuelve a ser el álbum más popular del país. En el puesto 2 queda ‘Nacer de nuevo’ de JC Reyes, que de hecho es la subida más fuerte de la semana al pasar del puesto 17 al puesto 2. Este álbum salió un jueves en lugar de un viernes, lo que produjo una entrada más modesta de lo que correspondería a un totem del streaming. Esta semana sube a lo grande, pero no logra derrocar a Bad Bunny.
La entrada más fuerte de la semana es la de ‘Music’ de Playboi Carti. El actual número 1 en Reino Unido y Estados Unidos, por mucho, consigue un digno puesto 5 en España. La entrada en España es más o menos similar a la conseguida en Alemania (3), Italia (3) o Francia (4).
También hay buenas noticias para Steven Wilson. El músico de culto llega al top 10, nada menos, con un disco tan experimental como ‘The Overview‘, compuesto por 2 únicas pistas en una de sus versiones. El vinilo ha llegado al puesto 4 en España. En Reino Unido este álbum ha llegado al puesto 3, lo que iguala su mejor marca histórica. En Alemania ha conseguido el número 1, todo un hito.
Otra entrada que tenemos que destacar es la de Valeria Castro con ‘El cuerpo después de todo‘, nuestro último Disco de la Semana, que encontramos en el puesto 27. Valeria mejora así enormemente lo conseguido con su primer álbum, que quedó en el puesto 64 a su salida.
Otras entradas de la semana son ‘Europa’ de Loquillo (puesto 30), ‘Puente aéreo’ de Lucas Curotto (puesto 31), ‘Nuevos trapos’ de Dano (puesto 33), ‘La madrugá’ de Delaossa (puesto 64), ‘Ecdisis’ de Ciclonautas (puesto 93) y ‘5TH Mini Album Hot’ de Le Sserafim (puesto 97).
Teo Lucadamo es una de las revelaciones de los últimos años. Las cifras alcanzadas por ‘Ritmo’ desde la autoedición le han validado al margen de su condición «nepobaby» (es hijo de Aitana Sánchez-Gijón). Ahora en Universal, publica su primer disco, ‘El dilema del rapero blanco’. Hablamos con Teo sobre la influencia de su familia, sobre rap, sobre escenas y sobre conciencia política. De manera totalmente sorprendente, resulta ser un firme defensor de la prensa y de su valor. No solo hablamos de música, pues el artista hace toda la promo con una chapa de Palestina, el mismo día en que Israel fortalece sus ataques, dejando otros 400 muertos en la Franja de Gaza.
En este disco dices que sudas de ser rapero. ¿Esto no es en serio, no?
Me guío mucho por los sentimientos y los impulsos del momento. Cuando digo algo y lo digo de corazón, lo suelo dejar. ¿Suena bien, suena mal, es real, no es real? Da igual. Esto es ya al final del disco y es como la catarsis. ¿No es en serio? Pues no. O no sé.
¿No eres rapero?
No. Soy artista, soy productor, soy intérprete, soy performer, pero no soy rapero.
Te estuve viendo en Monkey Week, que me lo pasé muy guay, estuvo muy divertido. Me pareció ver un rapero. Hasta donde yo sé.
Me identifico más con MC, con una cosa más de host. El pavo con el micro que prende la fiesta. Respeto el rap demasiado como para considerarme rapero. Rapero es Q-Tip. Yo no soy rapero. Yo soy Teo, soy un fan, adoro este género, adoro los raperos, las raperas, ese sonido me fascina, pero «distancia»…
«Respeto el rap demasiado como para considerarme rapero»
La influencia del disco, la más importante, es el rap de los 2000, y de los 90. Mucho muchacho, 7 Notas 7 Colores… ¿Cuándo has descubierto esta música?
Mucho muchacho siempre había estado un poco ahí, pero a mí no me interesaba eso, a mí me interesaba Nach. Cuando Roy (Borland) me descubrió «7 Notas» y realmente les puse oreja, me voló la cabeza porque rompía con todas las bases de lo que yo creía que era el rap en español. Era un estilo muchísimo más libre y me acabó interesando más. Yo venía de una escuela mucho más… de la métrica y de la estructura. Mucho Muchacho fue un descubrimiento, y se convirtió en la referencia número 1.
¿Qué te creías que era el rap español, pues?
Yo era más fan de algo mucho más lírico, de algo que tenía que ver más con un storytelling, narrar historias en textos más largos, con una coherencia, una cosa más lírica. Y esto es puro punk, tío. Mucho muchacho es real. Hip hop.
En el disco hay también ambientes muy de aquella época en cuanto a pianos, saxos, incluso en el single ‘UMG’.
Sí, lo que planteó Roy fue: «¿Tú cómo ves el disco, más de instrumentos o de sintes?». Y era una pregunta que él me hizo para decir lo que él pensaba. Para comprobar que estábamos alineados. Y él me dijo que quería sintes. Y a mí me pareció muy bien. Tenemos una química brutal. Entonces, el disco son sintes. Luego hay pianos y saxos, pero se han añadido después. Realmente no son los protagonistas. Los protagonistas son los samples, las «bates» y los sintes. Pero claro, nuestras influencias son las que son. A nosotros nos gusta el jazz rap, a nosotros nos gustan las influencias del R&B, el rap, nos gusta más ese subgénero que algo más sucio. Mucho más A Tribe Called Quest que Wu-Tang.
¿Cómo ha sido la gestación? ¿Tú llevaste maquetas sobre bases o lo que sea y luego habéis trabajado o ha sido todo en el estudio a la vez?
Sobre todo ha sido en el estudio de cero. Yo traje un par de basecillas. Traje la base de ‘Llamadas’, mucho más adelante llevé la base de ‘Simón’, también la de ‘Tengo un amor’ y luego se hizo la producción, se tomó la decisión de meter chelos aquí y allá, pero sobre todo ha sido partiendo de cero, muy alineados con lo que buscábamos.
‘Te vas a acordar’, al final es como una bossa nova o easy listening. ¿Qué os ha inspirado?
Jordi, de Ciutat, trajo el piano. Con Ciutat llevamos ya un añito y medio de amistad. Y entonces esto salió muy natural. Él trajo esta idea de bossa, porque ellos hacen jazz pop, por decirlo de alguna forma. Jazz, pop y electrónica. Trajeron esa idea de piano y con Roy y Mario Caballero la terminamos en un día. Salió del tirón.
En la nota de prensa dices que «A los indies les va a encantar el disco. No sé a los raperos y no sé los demás, pero a los indies les va a encantar».
Es que la escena del rap de mi edad… 7 años para arriba, 2 para abajo… Es que estoy totalmente fuera. Yo me identifico muchísimo más con Amore, con Irenegarry, con «Rus», con Tristán, con Azuleja, con Roy… Con toda esta esfera. Y para mí los indies son un poco ellos. Y los que los escuchan a ellos, sobre todo. Creo que a esta peña le va a interesar.
«Yo en el Madrid Salvaje no pinto nada. Pero en el Observatorio, sí»
¿Y a ellos qué les pareces tú?
Irene sí que le hacen gracia mis vídeos y tal… No sé tampoco. Tristán, Roy, Azuleja, Mori… yo creo que les gusta mi movida. Te lo digo un poco por una sensación de que yo en el Madrid Salvaje no pinto nada. Pero en el Observatorio, sí. Entonces, yo soy «team» Observatorio y Madrid Salvaje dudo que me programe a no ser que tengan que programarme porque sí, porque toca, pero esa es la diferenciación que yo hago. Se nota mucho en los festis.
¿Tú como público a cuáles vas? ¿Cuáles te gustan?
A mí me gustan los frikis. Me gusta la peña friki. La peña que es friki de movidas, porque yo soy un friki y soy friki de movidas, sé lo que es ser fan siendo friki y me parece que estos fans son fans muy reales y muy sanos también. Siento que la gente que me sigue es muy sana. Y eso me encanta, la verdad.
¿A qué festivales vas?
¿Sabes qué pasa? Que tengo muchas carencias a nivel de cultura musical. Yo me estoy poniendo las pilas en los últimos años. Entonces, normalmente en los carteles de los festivales es como que no sé quién es nadie. Por ejemplo, el Primavera Sound del año pasado: los nombres más grandes sí los tenía, pero bueno. Yo voy a descubrir bandas. Y siempre me llevo cosas. Yo no sabía qué era Justice. Para que te hagas una idea. Y fue como: «Hostia, estos cabrones cómo suenan».
«Soy muy fan de Lady Gaga. Los primeros discos que escuché yo una y otra vez fueron ‘The Fame Monster’ y ‘Good Girl Gone Bad’ de Rihanna»
Lana del Rey sí la conocerías, ¿no? ¿Te gusta el pop?
Me gusta el pop, sí. Yo soy muy fan de Lady Gaga. El primer disco. Me gusta mucho Lady Gaga y me gusta mucho ese pop, la verdad. Los primeros discos que escuché yo una y otra vez fueron ‘The Fame Monster’ y ‘Good Girl Gone Bad’ de Rihanna. Y ‘Nothing But the Beat’ de David Guetta. Y ‘Un día en Suburbia’ de Nach. Este es mi inicio en la música. Entonces, es electrónica, supermegapop, bangers. ‘Good Girl Gone Bad’ tiene absolutos temazos, tiene algunos un poco más flojos. ‘The Fame Monster’ es un puto discazo con alguna más floja, pero por lo general es «estoy aquí a nivel de energía y a nivel de gozar del pop».
Hablas del dilema del rapero blanco, ¿qué te parecen los raperos blancos tradicionales que ha habido? Eminem, Macklemore, Mac Miller…
Eminem es el rapero blanco por antonomasia, que tiene dos buenos discos, los primeros. Luego su carrera cae en picado hasta ya la desgracia absoluta, en mi opinión, pero tiene ese momento dorado que es el principio, cuando está más fresco, cuando está más sano, supongo, también. Macklemore ha tenido el dilema del rapero blanco, tiene esa autoconciencia que es como, «bueno, ¿qué haces luego con eso?». Cuando Kendrick sacó ‘DAMN’, ganó Macklemore el Grammy a Mejor Álbum de Rap y él subió a Instagram el chat escribiéndole a Kendrick: «Tío, deberías haber ganado tú». No sé qué opino al respecto, pero ya es un poco el show. ¿Y por qué es tan grande Mac Miller? ¿Es tan buen rapero? Quién sabe, a lo mejor no, pero claro, ¿con quién me voy a identificar yo más? Pues con Miller en 2018 o 2019. Obviamente esa ha sido mi referencia porque yo soy más parecido a él que a cualquier otro rapero negro súper talentoso, incluso mucho más talentoso que Mac Miller.
De todas formas, tú has hecho un disco muy divertido, que estás muy serio, te veo muy serio.
Ya, no sé. Es que soy también una persona muy seria (risas) También he necesitado sentarme un momento y decir «tengo que hablar de cosas». Hago mi equilibrio entre esa seriedad y la ironía absoluta.
¿Cuáles son las cosas importantes de las que habla el disco? ¿Qué canciones? Hablas muchísimo de tu familia…
Hablo muchísimo de mi familia. Se lo puse a mi hermana y cuando yo hago reír a mi hermana con una frase, yo ya siento que lo he conseguido. Cuando mi padre, que no le gusta nada el rap, le carga mogollón, menos Kendrick, reacciona a algo… Busco mucho la reacción de mi familia. Cuando uno es honesto, accede a cosas universales, a sensaciones universales, que todo el mundo se pueda sentir apelado o lo que sea. Yo creo que ahí está la magia.
Me reí mucho cuando en los Goya la gente en Twitter empezó a preguntar qué hacías tú llorando viendo a Aitana Sánchez Gijón.
(risas) Qué afectado está, ¿no? ¿Qué coño hace? Pues mira, qué bien que haya mucha peña que se da cuenta de que mi madre es conocida después de estar escuchando mi música y no a raíz de eso. Pero es que siento que es la forma natural, cómo ha sido todo, porque yo en ningún momento he querido subirme a esa burra. Un poco todo lo contrario.
Es muy difícil que tú ganes un fan por ser hijo de Aitana Sánchez Gijón. Pero a mí me da un pedazo de titular.
Sí, es que es curioso. Al final, ¿qué artículo te vas a leer? Yo lo sé, yo sé que salgo en Icon porque esto es el gancho. A lo mejor podría haber salido también, porque ahora está Universal empujando y tal, tengo una propuesta buena, todo lo que sea, pero es que aquí está la cosa. Aquí está realmente. El momento Nepobaby es ese, el momento de la exposición, de que los medios te tengan más en cuenta porque tal y que te den esa visibilidad porque el titular está ahí. ¿Cómo no lo vas a poner?
En cualquier caso, tu familia es súper importante para ti: está en el disco. Hay un primo también.
Mi primo Simón (risas). Intento siempre meter a todo el mundo de mi círculo, porque es la gente con la que más a gusto estoy. Trabajo súper bien, tenemos un ambiente de trabajo muy bueno. He trabajado con mi primo mil veces. Mi padre ha participado en el arte del disco.
Los padres salen mucho en las carreras de Eminem, Kendrick, es muy del hip hop realmente…
Seguramente eso también haya jugado un papel, después de haber estado escuchando toda esta música durante tantos años… No te das cuenta pero al final puede haber tenido que ver.
¿Y qué más hay de ti en el disco?
Habiendo hecho ‘Mi colega’ y ‘Ritmo’ que son como más cómicas… ‘UMG’ es un drama, ¿sabes? Es un poco tragicomedia. Luego está ‘Llamadas’ que es como un sketch. ‘Te vas a curar’ tiene ese «speech» final, ‘6pm’ tiene también chascarrillos… Todas tienen chascarrillos pero ‘Simón’, ‘Tengo un amor’, ‘Calcula’, ‘Superdope’, ‘360’ ya es más liviana, ‘Con esta cara, con este pelo’… todas tienen algo, es verdad, pero muchas de ellas son solemnes. Al menos para mí. Son densas.
Justo ‘Calcula’ tiene las frases que más risa me hacen. Como cuando dices quién es ese señor que te persigue…
Es de cuando éramos niños, que te decían «saluda a este señor, que es el amigo de». Tú en plan: «¿Quién es este tío?»
Y cuando dices «el amor son cosas de pibas», ¿cuán en serio va esto?
Totalmente crítica. Totalmente crítica a esa masculinidad que tengo. He tenido que trabajar mucho para poder salir de esa mentalidad. También es la exageración. La canción siempre te va a mostrar la cara más fea. La más apática. Pero es una crítica a eso. Pero por suerte yo no lo veo así.
Para mí es súper interesante ver cómo la gente de tu edad ve este tema, porque hubo un momento en el que parecía como que el amor iba a dejar de ser cosas de chicas, pero ahora de repente hay una regresión y las mujeres y los hombres de vuestra edad votáis cosas súper diferentes. Se han radicalizado mucho las cosas. En un momento dado, tú has identificado que tienes una masculinidad que es tóxica.
Hay cosas insanas en mi masculinidad y en mi forma de ser que son normales y que van también mucho por los tiempos y esas mierdas, la verdad. Tiene que ver con mi situación familiar, cosas personales que he vivido y tal. Aunque siento cierta desesperanza con respecto a este tema en general, todo el mundo anhela eso. Porque todos hemos visto Disney y todos hemos visto a nuestros padres juntos, y sabemos la potencia de ese amor romántico, normativo, clásico, lo que sea.
Estás haciendo la promo con una chapa de Palestina. ¿Te la has puesto esta mañana por las noticias?
La llevo en la riñonera, pero me la he puesto por las noticias.
Hay una conciencia política en ti, que no se ve tanto en el disco.
No, no lo he dicho mucho en el disco, pero sí, tengo mucha conciencia política. Me gusta mucho la prensa, el periodismo y tal. Y leo sobre estas cosas y me preocupa mucho y estoy pendiente.
«Salgo de las redes para informarme. Hay que leer los artículos»
¿Te informas en la prensa, no en las redes?
Claro, es que esa es la movida. O sea, salgo de las redes para informarme. Sigo El País y algún otro medio. Pero es que hay que leer los artículos. Nunca doy la chapa con esto, pero siempre me enorgullezco de hacerlo, porque es algo que he tenido que entrenar también. Desayuno con el periódico y abro cuatro periódicos y miro y leo e intento mantenerme al día.
Has metido la palabra «zurdo» en el disco, esto me ha hecho mucha gracia, EN ‘360’. ¿Tienes esta lucha con la autenticidad, el mantenerte independiente, que no te corrompa el sistema, ahora que estás encima en una major? ¿Esto es un tema para ti de verdad?
Sí, porque joder, ¿cómo voy a estar concienciado con la causa palestina y estar en el Banco Santander? Pero bueno, llega un punto que sientes que no hay escapatoria, que todo son oligopolios y que tú estás consumiendo en una empresa que es filial de una más grande, que es filial de otra muchísimo más tocha. Que hay comercio de armas, las farmacéuticas, toda esa puta mierda, están todos untados. Entonces, sí, tengo un conflicto político grande con estar en una major y sacar mi música a través de ellos y hacer camisetas que van a acabar en la basura, toda esa puta mierda, y llevar Adidas y todo. O sea, soy consciente y hay días que me rallo más, hay días que me rallo menos, he decidido jugar las reglas de este juego durante un tiempo y a ver dónde me lleva esto.
¿Te ves en un rap más político?
Rap no, la verdad. No me veo. O a lo mejor sí. Pero tiene que ser algo con mucha claridad, tiene que llegar a un momento que me lo pida el cuerpo, porque es que no me voy a poner en plan chapa. Como te digo, estoy bastante concienciado con la situación política internacional y demás, y ya va a tocar empezar a hacer canciones sobre esto, pero no sé si van a ser rap. A lo mejor van a ser más rollo guitarra.
Nunca la industria musical desaprovechará la oportunidad de explotar artísticamente una relación sentimental, sobre todo si esta relación se ha formado dentro de la propia industria, como la de Selena Gomez y Benny Blanco. Una relación que, públicamente, tiene su morbo, pues hay que recordar que Blanco ha sido uno de los productores de confianza de Justin Bieber, ex de Selena.
Más allá de ese supuesta fascinación, la relación de Selena y Benny a nivel mediático tiene el mismo interés que verles comer juntos alitas de pollo picantes. Su disco colaborativo, ‘I Said I Loved You First’, como la típica relación que empieza, no se quiere poner etiquetas, pero tampoco sabe qué es o qué quiere ser.
El estado de ánimo de ‘I Said I Loved You First’ es el mejor de todos, romántico pero tristón, y el primer single, ‘Scared of Loving You’, es acústico y cuqui porque se inspira en ‘Juno‘ (2007) y en la música de los Moldy Peaches. Sin embargo, su letra se complica -para bien- cuando Selena reconoce que «no teme morir joven», pues lo que verdaderamente teme es perder a la persona amada.
Las mejores piezas de ‘I Said I Loved You First’ esconden un espíritu melancólico y decadente que sienta bien al estilo vocal de Selena. Sobre todo cuando se envuelve de teclados ochenteros pseudo-lofi como los de ‘Sunset Blvd’ -a Chromatics les habría gustado escribir un estribillo tan bueno- o la mejor canción del álbum, ‘Don’t Wanna Cry’, que pasa del synth-pop al disco-funk con la gracia del último The Weeknd -con el que Selena salió- y la ayuda del productor francés SebastiAn.
Los teclados románticos vintage sientan a Gomez de lujo en ‘Ojos Tristes‘, una inesperada y preciosa adaptación de ‘El muchacho de los ojos tristes’ (1981) de Jeanette que incluye la participación vocal de María Zardoya de las infravaloradas The Marías, cuyo timbre vocal recuerda al de la cantante de ‘¿Porque te vas?’.
Por tanto, hay que lamentar que ‘I Said I Loved You First’ no ahonde en este estilo y derive en otras cosas, sobre todo en el sonido Lana Del Rey, cuyo nombre sobrevuela demasiadas canciones. ‘Younger and Hotter than Me’ -co-escrita por Finneas- suena sincera en su exposición de las inseguridades de Selena, sobre todo en el contexto de una industria musical que cambia de pop stars como de cromos; pero la timidez vocal de Gomez no le hace ningún favor. Y lánguida ‘Cowboy’ es una de varias pistas del largo que no hacen más que demostrar que Taylor Swift tenía razón cuando llamaba a Lana la «artista más influyente de su generación».
‘I Said I Loved You First’ nunca da con un sonido concreto, pero lo peor es que tampoco se compromete a contar los matices de una relación sentimental expuesta al ojo público. Que Benny Blanco cite entre sus influencias el disco conjunto de Beyoncé y Jay-Z extraña cuando las letras de Selena revisan relaciones (‘Don’t Wanna Cry’) o experiencias negativas (‘Don’t Take it Personally’) pasadas, en lugar de profundizar en las complicaciones de su relación actual o de ponerle un poco de imaginación al asunto, como hacen Tennis.
La indecisión artística de Selena y Benny tampoco gana enfoque gracias a sus artistas invitados. Solo María Zardoya aporta una voz externa justificada en ‘Ojos Tristes’ porque canta como Jeanette, pero la presencia de Gracie Abrams en el olvidable bedroom-pop de ‘Call Me When You Break Up’ solo es estratégica. Por no hablar de la inclusión en la secuencia de ‘I Can’t Get Enough‘ de J Balvin y Tainy, una canción tan vieja que unió a Selena y Benny hace seis años, cuando todavía no eran pareja. Selena justifica su inclusión en la secuencia usando palabras románticas, pero no engaña a nadie.
El estilo de producción de Benny Blanco no es el más ambicioso del lugar y en ocasiones suena holgazán, pero sienta bien a una Selena Gomez que ha encontrado en ‘Sunset Blvd’ un hilo del que tirar. Sin embargo, a pesar de su dilatada experiencia profesional, ni Selena ni Benny esquivan los típicos vicios de los discos del pop mainstream de su estilo, como incluir interludios inservibles o pistas cuyo estilo no encaja en el estilo global. En ese sentido, al menos el house hyperpop de ‘Bluest Flame’ aporta color al conjunto, pero dentro del álbum, solo hace de aguantavelas.
Ethel Cain ha anunciado que su segundo disco, ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’, se pone a la venta en agosto, en una fecha por determinar. ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ es la precuela de ‘Preacher’s Daughter‘ (2022) y se ambienta en 1986, el «año en que cambió todo». En el universo ficticio de Ethel Cain, Willoughby Tucker es el nombre de su primer novio de instituto.
Cain -cuyo nombre supuestamente de pila es Hayden Anhedonia- comparte la noticia de la llegada de su segundo larga duración en el día de su 27º cumpleaños, hoy 24 de marzo.
Ethel Cain presentará ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ en una gira que recorrerá América del Norte y Europa y que incluye dos penúltimas fechas en España, el 7 de noviembre en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 8 de noviembre en el Teatro Eslava de Madrid. Las entradas se ponen a la venta este viernes 28 de marzo a las 10 horas.
‘Perverts‘, el proyecto publicado por Ethel Cain a principios de año, se considera un EP a pesar de su hora y media de duración. ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ se espera sea la verdadera continuación pop de ‘Preacher’s Daughter’, uno de los mejores discos de su año.
Gwen Stefani está plenamente dedicada a su etapa conservadora, tanto que ha publicado un disco de country (no muy bueno) y, recientemente, ha publicado un tuit alabando el trabajo del comentarista político conservador Tucker Carlson, conocido por promover conspiraciones de la extrema derecha. En concreto, Stefani ha elogiado la charla de Carlson con el actor Jonathan Roumie sobre cristianismo.
El mensaje de Stefani ha causado revuelo en redes y ha llevado a muchos usuarios a asumir que Stefani se ha sacado la careta como simpatizante de Trump y de la extrema derecha estadounidense (Stefani reside junto a su marido, el cantante Blake Shelton, en Oklahoma, un estado mayoritariamente republicano).
Stefani, además, ha sumado un nuevo proyecto a su carrera, el de promocionar la app para rezar del actor Mark Wahlberg, Hallow, porque no hay nada más espiritual que orar previo pago.
El influencer queer estadounidense Matt Bernstein ha analizado la supuesta deriva conservadora de Gwen Stefani en un nuevo episodio de su podcast A Bit Fruity en el que Bernstein directamente llama a Stefani «fascista». En este podcast, Bernstein y sus comentaristas invitadas revelan que Stefani siempre ha dicho ser una «chica católica tradicional» aunque haya parecido lo contrario. El trabajo de hemeroteca de Bernstein descubre que Gwen realizó numerosas declaraciones conservadoras en la época de No Doubt y de sus primeros discos en solitario y que, en entrevistas, siempre se desmarcó del discurso feminista. Por ejemplo, durante una convención pro-aborto, Stefani declaró que ella nunca abortaría. A pesar de que Stefani ha proyectado una imagen de mujer moderna, cool y no normativa, Stefani siempre ha sido una chica rica de Orange County que soñaba con casarse y criar a «catorce hijos». Una ‘Orange County Girl’, como se titula uno de sus temas.
Hace tiempo que el mundo no ve a Gwen Stefani de la misma manera que la veía a principios de este siglo. Aunque su debut en solitario de 2004, ‘Love.Angel.Music.Baby‘, sigue sonando avanzado, su apropiación de la cultura japonesa, en concreto de la estética «harajuku», era sumamente racista. No lo sabíamos cuando éramos fans hace 20 años, pero los (no tan) nuevos discursos antirracistas se han encargado de abrirnos los ojos durante la última década. Ya no es aceptable que Stefani se acompañara durante la promoción de ‘Love.Angel.Music.Baby’ de un grupo de cuatro bailarinas japonesas que le seguían a todas partes y a las que solo permitía posar detrás de ella, nunca hablar, y a las que llamó con las cuatro palabras que titulan su disco, como si fueran mascotas. Gwen nunca ha reconocido el racismo de esta acción promocional y siempre ha justificado su decisión asegurando que ama la cultura japonesa, pero esta excusa solo revela una falta de sensibilización con las implicaciones de la apropiación cultural.
Una nueva polémica racista volvió a sacudir a Gwen Stefani en 2012 cuando el videoclip de ‘Looking Hot‘ de No Doubt fue retirado de plataformas por mostrar una imagen estereotipada de los nativos. En esa época, Stefani contaba un segundo álbum en solitario, ‘The Sweet Escape‘ (2006), cuyo primer single, ‘Wind it Up’, era otro ejercicio de apropiación cultural, en concreto del canto tirolés alpino. Una canción, no obstante, divertidísima en todo su absurdo que la crítica de la época no quiso entender por falta de humor, pero que el público abrazó convirtiéndolo en un éxito internacional, después opacado por el single titular.
Las recientes revisiones culturales de la obra de Gwen Stefani claramente han llevado a la artista a tomar menos riesgos en sus siguientes trabajos, reduciendo la apropiación cultural a mínimos ya casi inexistentes. El problema no ha radicado en esa explotación, sin embargo, sino en la manera en que Stefani ha representado estas culturas desde una posición de superioridad, como se analiza en el citado podcast. El tercer álbum de Stefani, ‘This is What the Truth Feels Like‘, publicado en 2016, simplemente se sumaba a la moda de pop tropical de la época y fue criticado por su falta de innovación, y el siguiente era directamente navideño. Es decir, la música de Stefani ha ido cerrando sus puertas al mundo y reduciéndose al consumo estadounidense. Y, en este contexto, ha llegado ‘Bouquet’, un disco de country que no ha arrasado en listas: apenas se ha anotado un puesto 95 en Estados Unidos y un 44 en Reino Unido.
En la última década, Stefani ha intentado volver a la gloria de sus inicios lanzando una serie de singles de sonido vagamente ska, como ‘Baby Don’t Lie’ (2015), ‘Let Me Reintroduce Myself’ (2020) o el extraño ‘Slow Clap‘ (2021), pero ninguno ha tomado las listas. Y, aunque Stefani se marcó un breve comeback en 2024 actuando con No Doubt en el Coachella de ese año, su imagen pública parece seriamente deteriorada, sobre todo de cara a sus fans mujeres y LGBTQ+, que tanto la apoyaron al principio. Hoy es necesario recordar que la Gwen Stefani que crecimos adorando, en realidad, siempre fue una ilusión, una mera imagen proyectada desde los medios de comunicación. ¿Quizá de esto iba el pop, también?
El talento de Stefani, por tanto, va más allá del musical, el cual se da por hecho, pues ella es co-autora de ‘Don’t Speak’, entre otros éxitos de No Doubt, y por supuesto de sus propias canciones y, además, posee un timbre vocal único; sino que se define también por una actitud chaquetera y abiertamente capitalista: ella se convirtió en una diva gay porque así lo pedía el mercado, y cuando este papel dejó de funcionar, probó otra cosa. Ahora, Stefani dirige su carrera musical hacia el conservadurismo porque el clima actual en Estados Unidos -que ha vuelto a dar la victoria en la presidencia a Trump- se lo permite. Que haga country y promocione un app para rezar solo forma parte de la agenda.
Restinga es uno de los fichajes de Raso Estudio (Baiuca, Rodrigo Cuevas, Parquesvr) que en 2025 publican su álbum debut. Detrás de este alias saluda la cantante y compositora hispano-marroquí Herminia Loh Moreno, que propone en su música una mezcla de sensibilidades: ‘Salina’ recuerda al reguetón club alien de Arca, ‘abrazaditas’ se relaja en una forma de bedroom-pop y ‘tú y yo’ incorpora un sample de ‘Sayidati’ (2017) de Zina Daoudia, una melodía árabe como las que escuchaba Restinga de niña cuando viajaba en taxi por Tetuán, ciudad en la que creció antes de mudarse a Sevilla.
Aunque Restinga empezó en la música pinchando como DJ en salas y azoteas de Sevilla, ella toca música desde los ocho años y y formó parte de distintas bandas durante su etapa escolar. Actualmente, Herminia toca el bajo en la banda Pony Pool Club.
Restinga ha despuntado en solitario con el lanzamiento, en 2023, de su primer EP, انا و ياك, que contiene los temas ‘tú y yo’ (este es el título del EP) y ‘abrazaditas’. En ‘abrazaditas’, Restinga explora su bisexualidad como persona proveniente de un contexto que rechaza las sexualidades no normativas. «Durante muchos años he odiado la cultura marroquí”, ha declarado Restinga a El Periódico de España. “Con el tiempo, he aprendido a quedarme con lo bueno, pero creo que si no hubiera sido bisexual todo habría sido muy diferente. El hecho de poder cantar libremente abrazaditas en lugar de “abrazaditos” para mí es muy importante».
La perspectiva de Restinga, añadida a la frescura de su sonido, convierten su propuesta en una de las más originales del underground nacional actual. ‘Salina’, el primer single de su debut, revisaba el «imaginario de Papá Levante» a la vez que mezclaba «música gnawa (típica de Marruecos) con sonidos de club». En la letra, Herminia cantaba «en darija y castellano». Y ‘Desvelhada’, el segundo adelanto, propone un sonido accesible y pop. Es la Canción Del Día de hoy.
El mapa de ‘Desvelhada’ vuelve a ser diverso, fusionando beats propios del UK garage británico con teclados de marcado estilo synth-pop y el sonido de cuerdas pulsadas que evocan algún tipo de laúd. Además, ‘Desvelhada’ cuenta con la colaboración del cantante mexicano dieglitter, artista vinculado al hyperpop. Aunque la estrella de ‘Desvelhada’ es la melodía tarareada de «pa pa pas», siempre infalible. Juntos, Restinga y dieglitter cantan una canción de amor y deseo marcada por el desapego emocional: esperando horas delante del teléfono, a Restinga le consuela saber que su almo-hada aún huele a él.
Conciertos Restinga
24 de abril: Madrid. Sala Siroco – Sound Isidro
5 de junio: Móstoles. Picnic Sessions
7 de junio: Barcelona. Primavera Sound
