El Top 5 de la lista de Discos España ha cambiado sustancialmente con respecto a la semana pasada. La entrada más fuerte de la semana, directa al número 1, es para Omar Courtz. El puertorriqueño de 26 años alcanza el mejor lugar del ranking con ‘PRIMERA MUSA’, su álbum debut. Aun así, incluye colaboraciones de primer nivel, como son las de Rauw Alejandro o Bryant Myers.
Katy Perry ha conseguido un gran dato en España con ‘143’, entrando en el número 3 de la lista. Katy Perry iguala por aquí el top 3 que consiguió con ‘Prism’ en España, mejora el top 4 de ‘Teenage Dream’ y el top 5 de ‘Smile’, pero no el top 1 de ‘Witness’. En el plano internacional, el álbum de Katy Perry ha entrado en el puesto 6 tanto en Reino Unido como en Estados Unidos e Italia. Su mejor dato es el australiano por razones evidentes, un top 2. De hecho, el español es su 2º mejor dato internacional. En Francia, ‘143’ ha quedado fuera del top 10 (número 14), y también en Alemania (número 16).
Por otro lado, Agoney entra en la cuarta posición con ‘Dicotomía’. En la primera mitad de la lista también entran ‘Viva Tu’ de Manu Chao (#22), ‘Yesterwynde’ de Nightwish (#36), ‘In Waves’ de Jamie XX (#40) y ‘Por amor al cante’ de Israel Fernández. Además, Chappell Roan ha escalado más de 30 puestos con ‘The Rise and Fall of a Midwest Princess’, que pasa del puesto 45 al 14. Hasta ahora, su posición más alta.
El recopilatorio de Cher, ‘Forever’, entra en el puesto 52, mientras que la reedición de ‘Love Deluxe’ de Sade se posiciona en el número 61. Por último, ‘The 1974 Live Recordings’ de Bob Dylan (#65), ‘MIXTAPE PLUTO’ de Future (#68), ‘Kintsukuroi’ de Alberttinny (#84) y ‘Música para bailar sobre el agua’ de Inazio (#85) también se cuelan en la clasificación.
Madonna ha sorprendido a sus fans compartiendo nuevas imágenes en el estudio con Stuart Price. El texto del post que ha subido a Instagram es claro: «London Calling: de vuelta en el estudio con Stuart Price».
Madonna hizo muy buenas migas con el miembro de Les Rythmes Digitales desde que le contrató como director musical de sus conciertos en los 2000. Con él grabó ‘Confessions on a Dancefloor’ en 2005, el que ha terminado siendo su disco más escuchado al completo en las plataformas de streaming. Después Stuart Price grabó con The Killers hits como ‘Human’ o ‘Spaceman’, y menos exitosos y rompedores fueron los álbumes que grabó junto a Pet Shop Boys.
Se desconoce si lo que graban es un tema suelto, un disco o simplemente post-producen el audio del ‘Celebration Tour’ que este mayo terminaba con un enorme éxito en Brasil. Ha sido una gira llena de detalles en lo musical, en la que Stuart Price ha insertado guiños minúsculos a toda su carrera. Sin embargo, no parece tanto esto último, pues en las fotos aparecen libros con notas y textos que apuntan más bien a una letra que Madonna no se sepa de memoria, es decir, nueva música.
Hasta ahora, los intentos de Madonna por trabajar con productores con los que en su momento creó magia, han sido recibidos con recelo por parte del público. William Orbit, con quien creó ‘Ray of Light’, solo estuvo imaginativo en parte en ‘MDNA‘; y Mirwais, con quien creó ‘Music’ y ‘American Life’, solo estuvo imaginativo en parte en ‘Madame X‘.
Con todo, la noticia ha sido recibida con los brazos abiertos por los seguidores de la artista: ya hace 5 años desde que publicara su último disco. En este tiempo la hemos visto desfilar por el estudio con Max Martin, o en compañía de Arca o Honey Dijon, pero no ha publicado nada más que singles sueltos junto a The Weeknd o Sam Smith.
María Bas y Mark Dasousa, de Nebulossa, han visitado el plató de Socialité para charlar sobre su nuevo tema, ‘Cotilleo’. Dado que el single trata directamente el asunto, la conversación ha girado en torno a las críticas que recibió Mery por su actuación en Eurovisión. Esta ha admitido que muchas consiguieron hacerle llorar. No solo eso, sino que muchas personas han pedido perdón.
Tras conseguir la 22ª posición en Malmö, Nebulossa ha explicado al programa de Telecinco que ‘Cotilleo’ era una forma de «relativizar» todo lo ocurrido en Eurovisión. «Quizás yo estoy en segundo plano, porque ella es la que ha recibido las críticas más duras», comenta Dasousa.
Así, este confirma cómo afectaron los insultos y las críticas a la cantante: «La veía en casa que se ponía a llorar y le afectaba. Estábamos en el foco y la gente tiene todo el derecho a opinar, y nosotros a tomárnoslo en broma», explica el productor.
Mery también desveló cuál fue el comentario que más daño le hizo en aquel momento: «Fue una manera de darle la vuelta a los haters. Lo que más me afectó fue que me dijeran «tu familia debe estar super avergonzada». Añadió que este tipo de comentarios «te llegan».
Además, la vocalista también contó que había gente que le había insultado sin prestar atención a ‘Zorra’: «Nos han escrito para pedir perdón porque la han escuchado bien y la han entendido», afirma.
A falta de cinco años para que termine la década, Pitchfork ya ha lanzado su lista de las mejores canciones de los 2020s, hasta ahora. La razón para no esperar los cinco años restantes y hacer la lista completa es «todo lo que ha pasado» en este tiempo. SZA, Troye Sivan, Beyoncé, Olivia Rodrigo y Bad Bunny, presentes.
El medio estadounidense corona a Lana del Rey y a su ‘A&W’, canción que ya fue nombrada como la mejor de 2023, como lo mejor de lo que llevamos de década. Kendrick Lamar (número 3), Caroline Polachek (número 4) y LOW (número 5) también consiguen un puesto en el Top 5 con ‘Not Like Us’, ‘Bunny Is A Rider’ y ‘Days Like These’, respectivamente.
Hacen honor a lo que mencionan en la introducción sobre la «ligera arbitrariedad» de este tipo de listas cuando la segunda mejor canción de los 2020s es ‘American tterroristt’ de RXK Nephew, un tema de 9 minutos que esta más cerca de una disertación ebria que de una canción. ANOHNI and the Johnsons, Alex G, Bob Dylan, Fiona Apple y Xaviersobased ocupan los puestos restantes del Top 10.
‘Poland’ de Lil Yachty ocupa el puesto 100 y hasta la mitad del ranking nos topamos con las menciones de boygenius, con ‘Not Strong Enough’ en el puesto 72; SZA con ‘Good Days’, en el 67; o Troye Sivan con ‘Rush’, en el número 49.
‘Good Luck Babe!’ de Chappell Roan (#42) no puede superar el ‘Munch’ de Ice Spice (#41). Lo mismo con Charli XCX y Lorde en el puesto 25 frente al ‘ALIEN SUPERSTAR’ de Beyoncé en el 24. ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter (#30), ‘good 4 u’ de Olivia Rodrigo (#28), ‘WAP’ de Cardi B y Megan Thee Stallion (#22) y ‘Safaera’ de Bad Bunny (#17) también han entrado en lista.
Las 10 mejores canciones de la década de 2020 hasta ahora, según Pitchfork:
10 – Xaviersobased / ‘crisp dubs’ (2021)
9 – Fiona Apple / ‘I Want You To Love Me’ (2020)
8 – Bob Dylan / ‘Murder Most Foul’ (2020)
7 – Alex G / ‘Runner’ (2022)
6 – ANOHNI and the Johnsons / ‘It Must Change’ (2023)
5 – Low / ‘Days Like These’ (2021)
4 – Caroline Polachek / ‘Bunny Is A Rider’ (2021)
3 – Kendrick Lamar / ‘Not Like Us’ (2024)
2 – RXK Nephew / ‘American tterroristt’ (2020)
1 – Lana del Rey / ‘A&W’ (2023)
La reunión de Oasis pasará por Estados Unidos, Canadá y México. Los hermanos Gallagher cruzarán el charco después de llevar a cabo las fechas ya anunciadas en el Reino Unido e Irlanda. Sin embargo, también han aclarado que estas entradas no tendrán precios dinámicos.
La mítica banda de britpop ya dejó claro en su momento que no habría más fechas en Europa aparte de las anunciadas, pero sí adelantaron que era posible que se anunciasen más fechas internacionales. De esta forma, Oasis tocarán en Toronto, Chicago, Nueva Jersey y Los Ángeles a finales del verano de 2025. Además, Cage The Elephant se encargarán de telonear a los británicos en México.
Para decepción de algunos fans y alegría de otros, la banda también ha anunciado en un comunicado que en esta venta de entradas no se usará el modelo de precios dinámicos de Ticketmaster, como sí ocurrió con Reino Unido e Irlanda para sorpresa de los compradores.
«Está aceptado de forma general que los precios dinámicos son una herramienta útil para combatir la reventa de entradas y mantener los precios más bajos que la tasa del mercado para una parte significante de los fans, haciéndolos más asequibles», comienzan. Sin embargo, afirman que cuando la demanda de entradas se combina con una tecnología limitada, se vuelve «menos efectivo» y puede resultar en «una experiencia inaceptable para los fans».
Así, la palabra que más se repite en las respuestas al anuncio de Oasis es «robo», con muchísimos fans británicos pidiendo un reembolso por lo ocurrido durante la venta europea de entradas.
La sorpresa del nuevo disco de Lady Gaga compañero de ‘Joker: Folie à Deux’ ha sido recibida con entusiasmo por los fans, no tanto por el público general, que no se está acercando a escucharlo. Gaga lo conceptualiza como un disco interpretado por Harley Quinn, su personaje en la película, pero también como una extensión de ella misma. Gaga se identifica con ese personaje que representa a una “mujer compleja que quiere ser lo que quiera en todo momento” y que no permitirá que nadie “la encasille”. Una descripción que aplica a la misma Stefani Germanotta y a toda su carrera.
A falta de escuchar estas canciones en el contexto de la película, el acercamiento de Gaga al pop tradicional en ‘Harlequin’ la aleja del conservadurismo de sus dos discos con Tony Bennett sin liberarse del todo. Gaga vocalmente suena desatada en los alegres big band de ‘If Ny Friends Could See Me Now’ o ‘That’s Entertainment’ aunque, en el aspecto musical, sean dos adaptaciones francamente ordinarias; estupendamente arregladas, eso sí.
‘Harlequin’ sí es un disco que musicalmente no se encasilla. Que el resultado de ese experimento sea “interesante y original”, como prometió Gaga días antes del lanzamiento del álbum, se puede poner a debate. Esta observación se evidencia en las dos piezas originales escritas para la ocasión. ‘Happy Mistake’ sí es una buena balada de Lady Gaga en su faceta más Americana, y es una canción que probablemente está a la altura de ‘Million Reasons’. Por contra, ‘Folie à deux’ no pasa de ser un vals poco destacable en forma y fondo.
Luego, es cierto que Gaga hace lo que quiere con algunas canciones, para bien y para mal. Es sorprendente que haya elegido ‘The Joker’, una bossa de 1966, para meterle guitarras garajeras a lo Strokes. Además, Gaga suena especialmente entregada a su papel de Harley Quinn, aunque la versión no termine de funcionar. Por otro lado, su cover de ‘Close to You’ es una auténtica curiosidad. Gaga convierte el clásico de los Carpenters en una bossa, moldea la melodía a su antojo y, al final, deja que el instrumental corra libre. Es la canción del álbum que más se suelta, y se echa de menos que ‘Harlequin’ siga su pauta.
Sobre todo porque en ‘Harlequin’, a pesar de su concepto liberador, prima una sensación de guardar las formas, de no romper demasiado las reglas. En ‘Oh, When the Saints’ es honorable la decisión de recuperar este clásico de los black spirituals de los años 50, no tanto que Gaga lo convierta en un rock ‘n roll surfero básico a más no poder; su versión, tan estirada, la hace parecer música de stock. Del otro lado, Gaga suena pletórica versionando ‘Get Happy’ o ‘That’s Life’, pero el mundo no necesitaba nuevas covers de estas dos canciones adaptadas ya mil veces, sonando además exactamente igual que esas veces.
En ‘Harlequin’ esa sensación de suciedad y dejadez reflejada en portada e imágenes promocionales apenas se intuye en la pantanosa ‘World on a String’ y se echa de menos en el resto del álbum. Sin embargo, al final una buena interpretación y un arreglo pintón pueden imponerse a cualquier decepción inicial. Sobre todo es imposible resistirse al júbilo oldies de ‘Good Morning’, una canción de los años 30 que sonó en ‘Bailando bajo la lluvia‘. Gaga no la pervierte de ninguna manera, pero qué bien le sienta el doo-wop, de todas formas.
Ramper es una banda de Granada formada en 2017 que ha dado de qué hablar en los últimos años dentro del circuito underground. Su debut de 2020, ‘Nuestros mejores deseos’, lanzado a través de la autoedición, fue elegido Disco nacional del año por Hipersónica y, a una escala internacional, ese año fue nombrado «Essential release» por Bandcamp.
Este mes, Ramper ha lanzado su segundo álbum, ‘Solo postres’, esta vez con el apoyo del sello asturiano Humo internacional, que sigue publicando discos a toda mecha tras haber editado, solo en los últimos días, los últimos trabajos de Somos la herencia, Dame Area o Viuda.
‘Solo postres’ puede llevar al grupo compuesto por Joserto, Antonio, Álvaro y Ángel al siguiente nivel de su carrera. Situado en un punto medio entre el post-rock preciosista y el folk progresivo, ‘Solo postres’ es un álbum doble que en 7 pistas sobrepasa la hora de duración. En un mercado que premia la inmediatez, Ramper no se toman ninguna prisa.
‘Solo postres’ suena, en palabras de Humo, como si lo hubieran creado «unos Black Country, New Road en un paso nocturno de Semana Santa». En las texturas de Ramper conviven la distorsión de las guitarras eléctricas con la belleza de flautas, trompetas y trombones. Ellos citan entre sus influencias lo mismo a Swans que a Slint o My Bloody Valentine. El nombre de la banda, inspirado en el del famoso payaso, nos lleva a una España antigua.
Pero esto no es música instrumental, y la voz cantante, la de Álvaro Romero Sepúlveda, sabe imprimir gran emoción a estas composiciones. La de Álvaro es la voz que guía esa canción que pasea con el corazón roto que es ‘Día estrellado’, la Canción Del Día de hoy. Casi 9 minutos de viaje medieval/pastoral al servicio de una historia que evoca el luto por un amor desaparecido. «Se fue la luz del sol y del mundo contigo, mi ángel», canta Álvaro, mientras clava la mirada en un «astro errante y fantasma».
Maya Hawke, la artista conocida por su papel de Robin en ‘Stranger Things‘, visitará España en 2025 dentro de su gira europea. La fecha es el 8 de julio en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona, donde presentará su tercer álbum de estudio, ‘Chaos Angel’ y también su próximo EP que, titulado ‘Clipped Wings’, verá la luz este próximo viernes. El primer adelanto, ‘Kamikaze Comic’, ya puede escucharse.
Las entradas se ponen a la venta el viernes 4 de octubre a partir de las 10 horas en los puntos de venta habituales.
‘Chaos Angel’ es el álbum que contiene ‘Missing Out‘, elegida Canción Del Día en JENESAISPOP el pasado mes de febrero. Antes, Hawke ha publicado otros dos álbumes, el recomendable ‘Moss‘ en 2022 y ‘Blush’ en 2020.
‘Chaos Angel’ representa la obra más elaborada musicalmente de la carrera de Maya Hawke. «A lo largo de 10 canciones», relata la nota de prensa, «Maya recorre experiencias de transformación, descubrimientos, equivocaciones y promesas incumplidas, mientras examina los patrones que seguimos al intentar madurar, perdernos y reencontrarnos».
Wilco es la primera banda confirmada en el cartel de ALMA OCCIDENT que celebrará su segunda edición en 2025 tanto en Barcelona como en Madrid. La fecha de Barcelona es el 26 de junio en el Poble Espanyol, y la de Madrid el 27 de junio en el Parque Tierno Galván.
La banda de Jeff Tweedy presentará su último disco, ‘Cousin‘, dentro de su anunciada gira europea. Las entradas se ponen a la venta el viernes 5 de octubre a partir de las 11 horas.
Este ciclo de conciertos en formato festival ha celebrado en 2024 una exitosa primera edición en Madrid por la que han pasado artistas como Evanescence, Róisín Murphy, Jorge Drexler, Deep Purple, Valeria Castro, Jamie Cullum, Nile Rodgers o Vetusta Morla. La edición en Barcelona ha contado con artistas como Take That, Queens of the Stone Age, Sheryl Crow, Hozier o Alice Cooper.
Travis Scott protagoniza la mayor caída histórica en el Billboard desde el número 1. ‘Days Before Rodeo’, su mixtape de 2014, publicado inicialmente en Soundcloud, y lanzado oficialmente este mes de agosto, es el primer disco en la historia de Billboard que cae desde el 1 fuera de la lista.
El paso de ‘Days Before Rodeo’ por la lista de álbumes de Estados Unidos ha sido inusual. Tras su re-lanzamiento el 18 de agosto, el disco abrió en el puesto 2, bloqueado por Sabrina Carpenter, gracias a las ventas de sus diferentes ediciones digitales y a sus reproducciones en streaming. Sumó 361.000 unidades equivalentes, de las cuales 331.000 pertenecen a ventas puras.
A continuación, ‘Days Before Rodeo’ cayó al 30 y después al 106 y, tras la distribución de los vinilos, vendidos exclusivamente en la web de Travis Scott, subió del 106 al 1. Esta subida es una de las mayores de la historia, pero luego ha venido la caída.
Travis Scott ha vendido 149.000 vinilos de ‘Days Before Rodeo’, lo cual ha propiciado su subida directa al número 1, un mes después de su relanzamiento. Una vez se han despachado estas copias y Billboard las ha contado, el disco ha caído en picado. ‘Days Before Rodeo’ es el vinilo de rap más vendido, pero también el único disco que ha caído del 1 fuera del Billboard. Es la mayor caída, pero no la única, como saben Bon Jovi, Céline Dion o Madonna.
Estos son los 10 discos que se la han pegado más fuerte en el Billboard, incluyendo también obras de los Killers o LCD Soundsystem, o de un artista tan joven como Tyler, the Creator:
1.- ‘Days Before Rodeo’ de Travis Scott, del 1 fuera (2024)
2.- ‘This House is Not For Sale’ de Bon Jovi, del 1 al 169 (2018)
3.- ‘Call Me If You Get Lost’ de Tyler, the Creator, del 1 al 139 (2022)
4.- ‘Courage’ de Céline Dion, del 1 al 111 (2019)
5.- ‘Science Fiction’ de Brand New, del 1 al 97 (2017)
6.- ‘Iridescence’ de BROCKHAMPTON, del 1 al 88 (2018)
7.- ‘Madame X’ de Madonna, del 1 al 77 (2019)
8.- ‘Boarding House Reach’ de Jack White, del 1 al 62 (2018)
9.- ‘Wonderful Wonderful’ de los Killers, del 1 al 59 (2017)
10.- ‘American Dream’ de LCD Soundsystem, del 1 al 56 (2017)
El éxito inmediato de ‘Days Before Rodeo’ demuestra el enorme poder de los fans de Travis Scott, que no han dudado en comprar en masa un disco que tiene 10 años de vida, y cuyo interés es muy limitado para el público general. En cualquier caso, nada mal que un disco que acaba de lanzarse oficialmente después de una década, sume ya medio millón de copias vendidas.
Kris Kristofferson, leyenda del outlaw country y estrella de Hollywood, ha fallecido a los 88 años en su casa de Maui, Hawái. Aunque no se ha revelado causa de la muerte, se ha informado de que Kristofferson ha muerto mientras dormía, rodeado de su familia.
Conocido por su voz desentrenada y sus poéticas letras, Kristofferson escribió éxitos como ‘Help Me Make It Through the Night’, ‘Sunday Mornin’ Comin’ Down’ o ese ‘Me and Bobby McGee’ que dio a Janis Joplin un single número 1 póstumo.
Kristofferson, nacido en Texas, había servido en el ejército antes de dedicarse a la música, llegando a alcanzar el rango de capitán, lo cual le permitió pilotar un helicóptero. Además, fue estudiante de Oxford, en Reino Unido, gracias a la prestigiosa beca Rhodes. En 1965 abandonó las fuerzas armadas y decidió dedicarse plenamente a la música.
Con Johnny Cash, Waylon Jennings y Willie Nelson, Kristofferson formó el supergrupo country The Highwaymen, con el que logró éxitos como la maravillosa ‘Highwayman’. En su carrera, Kristofferson ganó tres Grammys, primero por ‘Help Me Make It Through the Night’, y después por sus duetos con Rita Coolidge, con quien estuvo casado entre 1973 y 1980.
Kristofferson también desarrolló una breve carrera en Hollywood. Es sobre todo recordado por protagonizar, junto a Barbra Streisand, la tercera versión de ‘Ha nacido una estrella‘ (1976), la segunda película más taquillera de ese año, o por su papel en ‘Blade’ (1998). Algunos de los últimos papeles de Kristofferson, como ‘Heaven’s Gate’, fueron recibidos con menos entusiasmo por el público.
También conocido por defender diversas causas sociales y políticas, últimamente la palestina, muchos recordarán a Kristofferson por ser la persona que consoló a Sinéad O’Connor la noche en que esta fue abucheada durante un concierto en homenaje a Bob Dylan, muy pocos días después de que O’Connor rompiera una foto del Papa en directo en Saturday Night Live.
David Bustamante tiene nuevo disco en la calle, irónicamente titulado ‘Inédito’, y en promoción de este trabajo, el cantante de San Vicente de la Barquera se ha sentado con El País para responder las preguntas de un breve cuestionario, y ha dejado un llamativo titular.
Cuando la periodista pregunta a Bustamante por qué valores cree que el público le conoce, el cantante responde que por ser buen cantante y también por su sensibilidad. Bustamante agrega que de hecho se considera «un adelantado» a su tiempo por haber mostrado la sensibilidad masculina en televisión, en un momento en que era menos aceptado. En la primera edición de Operación Triunfo, en 2001, Bustamante era conocido por su gran voz, pero también por llorar con frecuencia, más que sus compañeros.
Bustamante opina que todo artista debe ser sensible y, cuando recuerda su paso por Operación Triunfo, señala que sufrió acoso por «mostrar cómo un hombre lloraba en público». «Me hicieron bullying» son sus palabras. A continuación, añade: «Perdona, es que yo inventé la deconstrucción masculina: me criticaban por llorón, y hoy, gracias a Dios, con la evolución de la sociedad, ya no se ven esas cosas de forma negativa».
Aunque seguramente Bustamante bromea al sugerir que ha «inventado» cualquier cosa, tiene razón cuando recuerda que por llorar en público se le tachó de «llorón». De esta manera se le infantilizaba como si un hombre, por el mero hecho de serlo, no pudiera llorar en público. Por otro lado, evidentemente la deconstrucción masculina implica mucho más que simplemente llorar a la vista de todos.
En otros puntos de la entrevista, Bustamante habla del traspaso de valores a su hija, de la diferencia entre amor propio y autoestima, o de su afición a la poesía.
La primera Canción Del Día de 2024 en JENESAISPOP fue ‘Airplane Tickets‘, el afrobeat aéreo de Pharrell Williams, Rauw Alejandro y Swae Lee. En el último cuatrimestre del año, Rauw Alejandro vuelve al aeropuerto en su nuevo single, ‘Pasaporte’.
‘Pasaporte’ es el enésimo salto de Alejandro a la pista de baile de los ochenta, tras tus fructíferos experimentos con el género en ‘Todo de ti’, ‘Tiroteo’ o ‘Verde menta’. Junto a su colaborador, Mr. Naisgai, Rauw Alejandro factura un tiro de post-disco limpio y efectivo, iluminado con luces de neón.
Rauw Alejandro y The Weeknd son vecinos de sonido, pero no de filosofía vital. Mientras Abel Tesfaye vive atormentado, Rauw Alejandro encuentra la paz consigo mismo. En ‘Pasaporte’, tras una ruptura, Rauw ve nuevas oportunidades en el horizonte. Aboga por no sufrir y vivir el presente. Él, mientras, se entretiene viajando, mirando «las calles de Madrid», los «cherry blossoms de Japón» o «la moda de París». Eso sí, «nadie lo hace mejor» que Puerto Rico.
Aunque Rauw Alejandro menciona en ‘Pasaporte’ que se encuentra «con los Martinez, Skrillex y Tiësto», en realidad el que co-produce la canción -junto a Mr. Naisgai- es nada menos que SG Lewis, uno de los actuales revivalistas del synth-pop. Últimamente liado con sus diversas aventuras con Tove Lo, Lewis ha sacado tiempo para colaborar con el cantante boricua.
Por supuesto, la cita de Rauw a Skrillex en ‘Pasaporte’ no es casual, pues ambos han trabajado juntos en el maravilloso reguetón de ‘Volver‘, en el que Tainy juntaba a Alejandro no solo con Skrillex, sino también con Four Tet. El resultado fue una de las mejores canciones de 2023.
Con tan solo 24 años y en la cima del mundo, Tommy Richman se siente fuerte. Lo suficiente como para dejar fuera de su disco de debut los dos grandes hits con que se ha dado a conocer: ‘Devil Is a Lie‘ y muy especialmente el número 1 global, viralizado en TikTok, ‘Million Dollar Baby‘. La idea de convertirse en «one hit wonder» le repele. «Esa canción es grande, pero no me define. Es un «estoy aquí, acabo de llegar». No un «lo he conseguido». Es solo el principio». Nada que en cualquier caso, una edición deluxe en el futuro no pueda reparar.
Al margen de los récords de streams y de las estrategias futuras, ‘Coyote’ es una obra cerrada en torno al amor de Tommy Richman por el R&B, el funk y el soul. Nacido en Virginia aunque ahora resida en Los Ángeles, el artista creció escuchando discos de Lil Wayne y 50 Cent, y admirando a paisanos como The Neptunes y Timbaland. Esto último empapa algunas de las producciones que ha realizado junto a su colega Jonah Roy, e incluso van más atrás en el tiempo, recordando a Michael Jackson (‘Vanity’) o a Jackson 5 (‘Temptations’).
Que el álbum tiene flow se materializa ya cuando al final de la primera pista ‘Elephant In My Room’, oímos las primeras notas de la siguiente, ‘Whitney’. Y lo que primero fue una gran cantante, y después fue un buen grupo, ahora es un gran single también, de teclados hipnotizantes recién salidos de los 80’s. Esa vertiente más bailable de ‘Coyote’ continúa con la estupenda ‘Temptations’ justo después.
Si bien el trap colaborativo de ‘Tennessee’ con Trevor Spitta y Zachary Moon parece perdido en el tiempo -demasiado tarde para la moda, demasiado pronto para un revival-, la segunda mitad del disco remonta a lo grande. El R&B de ‘Thought You Were the One’, el single principal del álbum, y ‘Letterman’ es de nivel. En esta última, bombea el mejor bajo escuchado en meses hasta que un tal Paco nos habla de una chica a la que le gusta el sexo hasta las 5 de la mañana. El último Justin Timberlake habría matado por este tema.
La ambiental ‘Green Therapy’, de bonito piano, habla de una familia problemática a pesar de que la relación de Tommy con sus padres no es la peor que hemos oído (su padre batería le ha prestado discos y su madre es fan, incluso siendo sorda). Después, el disco pasa a despedirse con 2 canciones que ocupan 1/3 de la duración del álbum.
Efectivamente, si las canciones de ‘Coyote’ se caracterizan por durar un par de minutos o poco más, Tommy Richman se explaya finalmente en una ‘Vanity’ que cambia de tempo hacia su mitad mientras ese “solo lo hago por mí mismo” repetido hasta la saciedad solo puede ser una declaración de intenciones. Y a continuación, ‘seems like time moves forever’ suena bien como cierre desde su meditación, y con un featuring esta vez más integrado, el de mynameisntjmack. Sin ser tan complejo como Janelle Monáe, con quien sin duda comparte todas y cada una de las influencias, Tommy Richman sí nos cuenta quién es y qué le gusta en este disco de debut. Y no, no son solo los «millones».
En la montaña de novedades musicales que salen cada semana corre riesgo de quedar sepultado el nuevo trabajo de Kate Pierson, ‘Radios & Rainbows’. Publicado hace apenas seis días, el nuevo disco de la ex cantante de los B-52’s es una muestra de su versatilidad al explorar diferentes estilos musicales, de la balada pop al reggae pasando por supuesto por la música de baile.
El homenaje a la disco más evidente del álbum es un tema llamado abiertamente ‘Take Me Back to the Party’. Es uno de los mejores temas asociados a un miembro de los B-52’s que se han oído en mucho tiempo.
‘Take Me Back to the Party’, la Canción Del Día de hoy, no disimula su intención de recuperar el sonido de la música disco de finales de los 70 y principios de los 80. En su propuesta se unen dos mundos, por un lado, el de los Blondie de ‘Rapture’ y, por otro, el de su posterior revival durante los 2000. Aquí hay que mencionar el término «indie sleaze» y, sobre todo, recordar que existió un grupo llamado The Ting Tings que podría haber firmado una canción como esta… y haberla colado en un anuncio de Apple.
‘Take Me Back to the Party’ lo tiene todo para introducirse en el revival indie dosmilero actual: un riff de guitarra que es puro Strokes / New Young Pony Club, un ritmo disco glamuroso y decadente que es puro Studio 54, un gancho de «ooh oohs» de lo más bobalicón, y la carismática presencia de esta vocalista que sigue en plena forma a pesar de llevar ya casi medio siglo en esto.
También presenta ‘Take Me Back to the Party’ una historia de amor etílico comprensible por cualquiera: «borracha y sola, no me quiero ir a casa sin ti, no puedo enfrentarme a ello sola, así que llévame de vuelta a la fiesta», canta Kate Pierson. Puro hedonismo atemporal.
Rastrear la historia de la sociología queer puede deparar sorpresas como las que encontró el novelista Justin Torres en la librería de San Francisco en la que trabajaba. Según cuenta en esta entrevista en el New York Times, Torres, mientras ordenaba una caja de libros usados que alguien había donado, se topó con un extraño manual médico publicado en 1941 titulado ‘Sex Variants’. El estudio le llamó la atención por dos cosas: el año de publicación, siete años antes del célebre Informe Kinsey, y el nombre de uno de los firmantes, Jan Gay.
Detrás de ese nombre se encuentra la investigadora Helen Reitman, hija del médico anarquista Ben Reitman (autor de ‘Boxcar Bertha’ y famoso por dedicar su vida a la asistencia de mendigos y prostitutas y por ser pareja de Emma Goldman, “la mujer más peligrosa de América”) y discípula del sexólogo Magnus Hirschfeld en el Instituto de Investigación Sexual de Berlín (saqueado por los nazis como combustible para sus hogueras). Helen se cambió el nombre en 1927 posiblemente como un guiño para entendidos (era lesbiana y el término “gay” empezaba a usarse en el ámbito LGTB+).
Jan Gay fue pionera en la introducción del nudismo en Estados Unidos (en 1932 publicó el libro de fotografías ‘On Going Naked’ y escribió el guion del documental ‘This Naked Age’) y en la investigación de la sexualidad queer, con las dificultades que ese tema entrañaba. Gay tuvo que publicar ‘Sex Variants: A Study of Homosexual Patterns’ bajo el amparo de un psiquiatra “respetable”, quien además no dudó en manipular el estudio con fines patologizantes.
‘Blackouts’, premiado con el National Book Award, es fruto de la investigación de Justin Torres y de su imaginación. En cuanto a lo primero, la novela incluye partes del manual, con fragmentos tachados, y una profusa documentación fotográfica que sirve como complemento y contrapunto poético de la narración. Con respecto a lo segundo, el autor juega a imaginar que el propietario de ese ensayo que acabó en su librería fue un anciano homosexual, un hombre que Torres ha convertido en Juan Gay, uno de los dos protagonistas de su novela. El otro es el narrador, un hombre joven que acompaña al moribundo Juan en su lecho de muerte.
Con ‘Pedro Páramo’ (1955) y ‘El beso de la mujer araña’ (1976) como principales referentes, ‘Blackouts’ está articulado por medio de las conversaciones nocturnas que mantienen estos dos personajes en la habitación del asilo donde agoniza el anciano. A partir de esos diálogos, impregnados de ironía, melancolía y tensión sexual, se construyen las tres historias que son resumidas así por el narrador: “(1) mis historias de prostitución, contadas a retazos, en la oscuridad, para su diversión; (2) la historia del propio ‘Desviaciones sexuales’, la historia de Jan Gay, que se contaría tras la muerte de Juan; (3) la historia final, la de Juan”.
Tres relatos entrelazados que van componiendo un fascinante y ambicioso mosaico, de gran riqueza y belleza narrativa, donde se mezcla, no siempre armoniosamente, la ficción con el ensayo, lo narrativo con lo metatextual y lo experimental con lo clásico. Un viaje a los oscuros, olvidados y “tachados” orígenes de la historia queer (el autor juega con la polisemia de la palabra “blackout”) a través de los recuerdos de dos hombres y su hermosa relación de amistad.
Billie Eilish ha estrenado el videoclip de ‘Birds of a Feather‘, el tema que va camino de convertirse en el mayor éxito de toda su carrera. En pocos meses ha superado los mil millones de streams en Spotify, y en menos tiempo del esperado sobrepasará también los streams de su tema más reproducido, ‘lovely’ con Khalid, que supera los 2 mil millones.
En varios puntos del año situado en el número 1 global, ‘Birds of a Feather’ permanece en el 3, por encima de singles más recientes de Sabrina Carpenter o Jimin, muchos meses después de la edición de ‘Hit Me Hard and Soft‘, y certificado con varios Disco de Platino en multitud de países como Estados Unidos o Reino Unido. Es además Disco de Oro en España.
Por eso, probablemente los fans de Billie Eilish esperaban un videoclip a la altura o, mejor dicho, acorde a sus expectativas, pero eso no es lo que se han encontrado. Dirigido por Aidan Zamiri, quien últimamente ha trabajado a Eilish en el vídeo de ‘Guess‘ con Charli xcx, el vídeo de ‘Birds of a Feather’ muestra Eilish sola dentro de una oficina vacía, siendo arrastrada por fuerzas invisibles. Abundan los primeros planos de su cara y también una sensación de surrealismo.
A pesar de que el vídeo de ‘Birds of a Feather’ evoca simbólicamente el sentir de Billie Eilish expresado en la letra de la canción, que habla de un amor no correspondido que lleva a la cantante a un estado de obsesión, los fans de la cantante están decepcionados y uno de ellos se lo ha hecho saber a Aidan Zamiri, encontrándose con la respuesta de este.
Aidan, mucho más respetuoso que este fan que le abre en Instagram para decirle que el vídeo que ha creado «es una mierda», contesta con mucho saber estar: «Me sabe mal que te sientas de esta manera, a Billie y a mí nos encanta el vídeo, pero entendemos que a otras personas no compartan la misma opinión». Aidan apunta que «al menos estamos de acuerdo en que la canción es preciosa».
Puede que ‘Birds of a Feather’, con su sonido mágico y libre, pidiera un videoclip en un exterior, una superproducción a la altura de su éxito. Pero Billie y Aidan se han apuntado el tanto de ofrecer algo diferente y sorprendente, no predecible, un vídeo mucho más psicológico que simplemente bonito, y que probablemente contiene más capas de las que algunos de sus fans quieren ver.
Mientras Lady Gaga continúa pegada al número 1 global de Spotify gracias a ‘Die with a Smile‘, su dueto con Bruno Mars, su nuevo disco de versiones de jazz, ‘Harlequin‘, no correrá una suerte parecida, de manera más o menos esperada. Más porque ‘Harlequin’ es una colección de estándares ya muy conocidos, de dudoso interés para un público que demanda novedades; menos porque es Gaga la que lo lanza y, además, se trata de un disco anunciado por sorpresa, cuya existencia se desconocía hasta hace pocos días.
Pero lo cierto es que ‘Harlequin’ no ha generado interés suficiente para que alguno de sus temas aparezca en el chart global de Spotify en su día de estreno. Con 7 millones de reproducciones en total, ninguno de los 13 cortes de ‘Harlequin’ se ha colado entre los 200 primeros puestos del global de Spotify, ni tampoco entre los 200 primeros puestos del Spotify de Estados Unidos, ni de Reino Unido. ‘Happy Mistake’, la balada original, escrita para la ocasión, ha llamado la atención más que ninguna otra pista del álbum hasta superar el millón de escuchas en su primer día, pero no ha sido suficiente para que entre en el global de Spotify.
En el universo Apple Music la cosa cambia ligeramente: ‘Happy Mistake’ se posiciona en el puesto 13 de Brasil, el 27 de Noruega o el 28 de Suecia, y ‘The Joker’ aparece en el 11 de Brasil, el 19 de Líbano o el 34 de Serbia. ‘Harlequin’, el álbum, se posiciona en el número 1 de hasta 24 países, recordemos, en Apple Music. En España entra en el 2 de esta plataforma.
El desempeño de ‘Harlequin’ en Spotify podría mejorar tras el estreno de la película ‘Joker: Folie à deux’, en la que suenan algunas de sus pistas. La película se estrena el 4 de octubre. Aún así, no cabe ninguna duda que el primer single del nuevo disco real de Gaga, que sale en octubre, será un éxito instantáneo.
Volviendo a Spotify, la entrada más importante la deja otro artista, The Weeknd. Nada menos que el artista número 1 más escuchado en el mundo, The Weeknd coloca su nuevo tema ‘Timeless’ con Playboi Carti directo en el 2. En otras palabras, no puede con ‘Die with a Smile’, pero entra con mucha fuerza. ‘Timeless’ abre con más de 10 millones de reproducciones en Spotify, y dobla prácticamente el dato inicial de ‘Dancing with the Flames‘, que en su primer día decepcionó entrando en un discreto puesto 10 y marcando 5,7 millones de streams en el global de Spotify.
‘Dancing with the Flames’, primer single oficial del nuevo disco de The Weeknd, ‘Hurry Up Tomorrow’, tampoco ha entusiasmado a la audiencia y aparece ya fuera del top 50 de Spotify y hoy saluda desde el puesto 65. Parece que ‘Timeless’ salvará los muebles.
En un mundo lleno de fichajes musicales surgidos de un viral de TikTok de los que no te vuelves a acordar al día siguiente, Doechii se ha propuesto la misión de convertirse en una estrella duradera. En su mixtape ‘Alligator Bites Never Heal’ te demuestra que va en serio, que no por nada es la primera rapera mujer firmada en Top Dawg Entertainment, el sello de Kendrick Lamar; que en absoluto su legado empieza y termina en un viral llamado ‘Yucky Blucky Fruitcake’.
De momento, la aparición de Doechii en un single de Katy Perry la dará a conocer a un público que se presume mayor en un momento de baja popularidad para la autora de ‘143‘, aunque Doechii ya cuenta un fanbase considerable, y no solo porque su single ‘What is It’ sume 300 millones de streamings. Doechii -su nombre real es Jaylah Ji’mya Hickmon- lleva en esto más de un lustro: ‘Alligator Bites Never Heal’ es su segundo trabajo largo tras su debut de 2020 ‘Oh the Places You’ll Go’. El single de debut de Doechii, ‘Girls’, data de 2018.
En ‘Alligator Bites Never Heal’ la premonición del título del primer mixtape de Doechii se hace real, pero con el éxito profesional vienen otras preocupaciones inesperadas. Doechii usa estas nuevas canciones para desahogarse de las presiones a las que le ha sometido la industria. En ‘Boiled Peanuts’ se pregunta por qué su sello no la deja crear libremente, en ‘Denial is a River’ les acusa de exigirle que haga “música de TikTok”, en ‘Bloom’ lamenta haber “descuidado” partes de su vida por el éxito, en ‘Death Roll’ se pregunta cómo demonios ha llegado hasta aquí y qué piensan de ella sus amigos, esos a los que ya no puede ver.
A Doechii le siguen preocupando los problemas comunes: “Soy una estrella”, rapea en el slow jam de ‘Bloom’, “pero tengo que pagar el alquiler”. Sin embargo, Doechii no se enfrenta a sus baches con pesimismo sino con irreverencia y una considerable dosis de humor. En ‘Boom Bap’, sobre un beat de soulful hip-hop a lo Kanye West, mete pedorretas para mofarse de sus fans. Y en ‘Denial is a River’ saca a pasear sus múltiples personalidades: un rato gruñe como Nicki Minaj, el otro jadea como Missy Elliott. Al final esos ejercicios de respiración, que parodian una sesión de terapia, sirven de percusión a una Doechii que ha tirado el micro rapeando sobre el catfishing, la fama, TikTok, las drogas o hasta Wendy Williams.
Sumida en una especie de histeria post-fama que le lleva a cuestionarse absolutamente todo, incluido su valía como rapera, Doechii tira shade a otros pero sobre todo se reivindica a sí misma -cuando no se azota a sí misma también- en estas 19 canciones que transitan influencias muy evidentes del hip-hop y el R&B del pasado con un tacto ligero y ameno. Del título de ‘Alligator Bites Never Heal’ se extrae la conclusión que Doechii se deshará de todo estorbo que le impida convertirse en una estrella. Ahí entran amantes y amigos. Y en las canciones se nota que va a por todas.
El buen gusto de Doechii se hace evidente cuando suena a Ol’ Dirty Bastard, como en ‘Boiled Peanuts’, tirando de puro rap old-school, y también cuando evoca el neo-soul de Erykah Badu en ‘Hide n’ Seek’. Aunque las canciones entran muy bien en su breve duración, un primera duda surge cuando descubres que no es tan fácil ubicar la personalidad musical de Doechii en ninguna de estas producciones en las que realmente no está proponiendo nada novedoso. Aunque en ‘Wait’ rapea «he venido para quedarme», en realidad te imaginas que siga diciendo «para seguir copiando a Kendrick Lamar». El sonido del tramo final del disco se solapa muy claramente con el de Tinashe, aunque la seductora ‘Huh’ parece de Jessy Lanza. El estilo Florida club de ‘Slide’ es un buen punto del que seguir.
La verdadera Doechii se esconde en el potencial de su voz y de su flow; en ‘Catfish’ te convence de que es la “rapera más dura” espetando un verso como “Copped the Dior shit on Ventura / Took a midnight swim in my jeweler / Hatin’ bitches clog my medulla / I showed the bitch my pen, then I schooled her”. A Doechii le sobra actitud y empezar imitando a Nicki Minaj ya se puede considerar una declaración de intenciones. Sin embargo, ella en realidad quiere parecerse a otras: en el uptempo ‘Nassan Altima’, el temazo del disco, declara ser la “Madonna del hip-hop” y la “Grace Jones del trap”. De momento no se parece a ninguna, pero el “fake it ’til you make it” suele ser un buen comienzo.
Diez años después de protagonizar una de las actuaciones más vistas de toda la historia de la Super Bowl, Katy Perry se ha montado un show muy parecido en Australia. En el país oceánico ha tenido lugar la gran final del Australia Football League, y Perry ha ofrecido el show musical previo al inicio del partido, que ha enfrentado a Brisbane contra Sídney. La victoria se la ha llevado Brisbane.
A pie de campo en el Melbourne Cricket Ground, Katy Perry ha repasado sus viejos éxitos sin olvidar el repertorio de su nuevo álbum, ‘143‘. Katy ha aparecido montada encima no de un tigre gigante, sino de una especie de carro futurista, y de ‘Roar’ ha pasado a ‘Dark Horse’, ‘Gorgeous’, ‘California Gurls’ y ‘Teenage Dreams’, apoyada en un enorme ejército de bailarines.
El despliegue de medios ha contado con la instalación en medio del campo de un gigante escenario esférico también plateado, y Perry ha actuado completamente sola salvo por la aparición en un punto del show de la cantante australiana Tina Arena. Juntas han cantado ‘Chains’, el clásico de Arena de 1994. En pantalla se han proyecto efectos especiales durante la actuación de Katy Perry, que ha llevado su show al clímax con ‘Lifetimes’ y finalmente ‘Fireworks’.
Me repito más que una película de Marvel. Cada vez que reseño una serie de la BBC digo lo mismo. Pero es que no dejo de maravillarme: flipo con lo bien narradas que están las ficciones de la televisión británica. No serán los mejores estilistas -sus series nunca han destacado por la sofisticación visual- pero a la hora de armar un relato, de estructurarlo, de dosificar la información, de construir los personajes… son increíbles. Sus creadores tienen más oficio que un guionista del Hollywood dorado.
En el caso de la premiada miniserie ‘El quinto mandamiento’ (Filmin, Movistar+), Sarah Phelps -guionista que lleva dos décadas firmando estupendas adaptaciones de Agatha Christie y Charles Dickens para la televisión- es capaz de contar en solo cuatro episodios lo que en otras series necesitan diez o doce. Aquí no hay relleno: nada de sobrexplicaciones ni secuencias innecesarias ni capítulos alargados ad nauseam. Y eso que pasan muchas cosas: drama, crímenes, persecución policial, juicios…
‘El quinto mandamiento’ (en el título original es el sexto, pero es que los anglicanos los ordenan así) es un drama criminal basado en el caso real ocurrido en 2015 en un pueblo cercano a Buckingham: un joven religioso (interpretado por el muy prometedor Eanna Hardwicke) sedujo a un viejo profesor universitario (un magnífico Timothy Spall, quien le quitó el Bafta al favorito Brian Cox) y a una anciana directora de escuela (fabulosa Anne Reid), los dos solteros y también religiosos, con la intención de acabar con sus vidas y quedarse con sus bienes.
Phelps y el realizador Saul Dibb (cuyo trabajo de dirección adolece de cierta funcionalidad) narran este terrible suceso utilizando una estrategia dramática a contracorriente del true crime actual: sin poner nunca al asesino por encima de las víctimas ni los familiares de estas; sin caer en el sensacionalismo, el efectismo o la truculencia.
En la serie hay un asesino calculador y desalmado, una absorbente investigación policial, un vibrante juicio lleno de tensión y dramatismo… Pero, sobre todo, lo que más le interesa a sus creadores es contar una historia íntima y tristísima de represión, soledad y vulnerabilidad sentimental. Un caso de manipulación psicológica y violencia emocional enormemente cruel y cobarde. Un relato sobre el vacío, la culpa y la devastación que sienten los familiares de esas víctimas. Lo dicho, otra gran serie de la BBC. Y van…
Rosalía ha estrenado ‘Omega’, su nuevo single, en el Piromusical, el evento de fuegos artificiales de la Mercè, la fiesta mayor de Barcelona. A continuación, ‘Omega’ se ha subido a las plataformas de streaming en el día de cumpleaños de Vila Tobella, hoy 25 de septiembre. ‘Omega’ es una colaboración de Rosalía con el ciudadrealeño Ralphie Choo, actual número 1 de álbumes en España, y su evocación -intencionada o no- de la obra maestra de Enrique Morente y Lagartija Nick se limita a su título.
En realidad las guitarras acústicas forman el acompañamiento principal de ‘Omega’, a las que Rosalía y Juan Casado agregan arreglos sutiles y decorativos de palmas y voces autotuneadas. En una especie de nuevo ‘Hentai’, Rosalía combina amor y sexo en una tonada acústica de bonito estribillo, en el que rima «me he puesto sentimental / antes de hacerte acabar». Más sentimental se pone Ralphie Choo, que se compara con Céline Dion, aunque dice también ser un «tígere». Quédate con quien sea ambas cosas.
‘Omega’ es una composición digna de la faceta más romántica de Rosalía, a la que se añade la capa de la referencia a ‘Omega’, el disco, que Rosalía usa para expresar que la persona amada es siempre el destino al que vuelve, su principio y fin. Pero ‘Omega’ tampoco pasa de ser una curiosa anécdota en su carrera. Ni siquiera sus autores parecen darle demasiada importancia, vista la portada. Como regalo de cumpleaños de Rosalía, eso sí, es un precioso gesto.
«Omega es el final, es la celebración de haber encontrado aquello que tanto deseabas y la seguridad con la que uno ama que hace que no quieras estar en ningún otro lugar que no sea ahí», explica Rosalía en nota de prensa. «Es un gusto compartir con Ralphie, él es un torbellino de energía en el estudio. Nos mandamos muchas canciones antes de realmente ponernos a hacer la nuestra porque los dos somos muy melómanos y rápido me di cuenta que nuestros gustos musicales son muy parecidos. Mi intuición me decía que nos entenderíamos seguro en el estudio y ¡así fue! Me acuerdo que nos reímos mucho mientras componíamos y mientras rodábamos el video, de hecho si mañana me llama Ralphie yo volvería a echar la tarde en un parque de atracciones con él sin pestañear. Personalmente me siento muy agradecida de haber podido colaborar con alguien como Ralphie y de ser testigo de su pasión y su gran talento en la música».
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Este sábado, Vila Tobella había usado su canal de WhatsApp oficial para avanzar una canción nueva. En su último mensaje, enviado el pasado domingo, compartía un audio de 21 segundos de ella cantando a capela una letra de amor: «Tú y yo perdidos entre amapolas / Tus ojos relucen, son dos pistolas / Las lenguas se abrazan, ya no están solas / En la memoria me has disparado». Este verso ha resultado ser el primero de la letra de ‘Omega’.
El título de ‘Omega’ y el avance de guitarra eléctrica apuntaba a una influencia muy clara de ‘Omega‘, la obra maestra de Enrique Morente y Lagartija Nick de 1995. Un trabajo fundamental en la evolución reciente del flamenco por su unión con el indie, que ha influido a grupos como Los Planetas. Rosalía y Ralphie son dos artistas que han actualizado el flamenco, a su manera. Finalmente, el concepto de ‘Omega’ se usa, en el dúo de Rosalía y Ralphie Choo, desde un punto de vista personal y romántico, sin aparente conexión con el citado disco. «Tú eres mi Omega», canta Rosalía.
En el audio de WhatsApp de Rosalía no se oían guitarras, pero la cantante había sugerido la influencia de ‘Omega’ en una de sus últimas publicaciones de Instagram, compartiendo una fotografía de una hoja de papel de cuaderno con el símbolo de «omega» dibujado. Por si fuera poco, en la misma imagen aparecía una guitarra eléctrica de color negro. En la leyenda de la publicación, Rosalía añadía cinco emojis que deletrean la palabra «Omega».
Imagínense esto con una melodía de guitarra electrica
Sobre ‘Omega’, sobre Rosalía y sobre flamenco, JENESAISPOP ha hablado recientemente con Soleá Morente, hija de Enrique Morente y autora de discazos como ‘Ole Lorelei‘ (2018), en la última entrega del podcast Algo cambió.
Rosalía tiene un hit actualmente en las listas globales, ‘New Woman‘, una colaboración con la cantante tailandesa LISA, integrante de BLACKPINK. Por su parte, Ralphie Choo se acaba de anotar su primer número 1 de álbumes en España gracias a la edición en vinilo de ‘Supernova‘.
FKA twigs sostiene el número 1 semanal en JENESAISPOP al obtener el 35% de los votos en X. Nebulossa ascienden al puesto 3 con ‘Cotilleo’, mientras la entrada más fuerte es la de Nilüfer Yanya, seguida muy de cerca por Tate McRae, TR/ST y Floating Points. Las entradas se completan con Somos la Herencia y Bad Bunny.
Paco Pil, uno de los reyes de los maxis de los 90 en España, ha concedido una entrevista a Icon, con motivo de la edición de un libro llamado ‘Me debes una fiesta: La loca historia de Paco Pil’. Lo ha escrito Santiago Alonso a partir de decenas de horas de charla telefónica con el propio Paco Pil.
La entrevista es una mina de titulares, aunque no tanto como podría. El DJ realiza un discurso de política y economía de media hora que después pide que no se publique. Pero ahí va una pista: es de los que llama a El País “Lo País”.
Paco Pil, a quien se presenta como pionero por ser a la vez cantante y DJ, es muy crítico con los dj’s que no pinchan de verdad. También habla de sus problemas con la mafia al acostarse con “uno de los narcos más buscados del mundo”, o dentro del mismo sello Max Music. Su cofundador terminó entre rejas, como se puede ver en el documental ‘Megamix Brutal’.
El autor de ‘Viva la fiesta’ (1993) y ‘Johnny Techno Ska’ (1994) cuenta que no quiso remezclar a Madonna porque, cuando le surgió, pidió 3.000 dólares «con porcentaje» por dicho trabajo y el equipo de Madonna no quiso dárselos: “me dijeron ‘Oye, que es Madonna’. Yo les respondí ‘Pues decidle a Madonna que soy Paco Pil’. Si mi trabajo no tenía ese valor, yo no quería que acabase en sus manos”.
Y también es crítico con Bad Bunny: “Bad Bunny es una bazofia, ha nacido para apoyar la Agenda 2030 y que los tíos que iban de malos se pinten las uñas (…) Pero me parece bien, el machismo del reguetón era ya una cosa insoportable”.
E incluso duda de la perdurabilidad de Benito y, ya puestos, de la de Rosalía: “Yo estoy en la memoria del 70% de la gente. Eso no tiene precio. No hablamos de ser famoso un momento, como el de la canción del dónut. ¿Dónde están Rosalía y Bad Bunny? Ellos le han pegado, pero de aquí a 10 años Rosalía y Bad Bunny no van a ser Paco Pil”.
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