Zahara estrena un vídeo para el segundo single oficial de su disco ’Astronauta’, que ha sido top 5 en ventas y top 14 en streaming en España. El vídeo de ‘Guerra y paz’ ahonda en la temática del álbum, inspirado por la soledad de un “astronauta” en paralelismo con la soledad que Zahara ha sentido al enfrentarse a retos personales como la maternidad. Para ello, en esta producción de Vermut Films, se ha vestido de “astronauta” y se ha subido a una nave espacial en la que la cantante recuerda imágenes de su vida en la Tierra. Santi Balmes, líder de Love of Lesbian y compañero vocal en esta canción, no se ha pasado por la nave pero sí por el set de rodaje, no precisamente para dejar buenas noticias, en sintonía con esta letra sobre una pareja que ya no se quiere como antes.
Así nos explicaba Zahara la canción hace unas semanas: “‘Guerra y Paz’ es una canción que habla de ese momento, al final de una relación, en el que te das cuenta de que la persona con la que estás no es aquella que conociste. Pero no es una canción de echar en cara, en la que uno sea el bueno y otro sea el malo, sino que es una canción en la que los dos pierden. Tiene que ver con las expectativas, con lo que esperamos del otro, con lo que uno al inicio de la relación muestra de sí mismo, también con lo que acaba siendo, y esa necesidad un poco masoquista de intentar recuperar lo que había, sin tener claro si era cierto”.
Os recordamos que Zahara se embarcará pronto en la gira de presentación del disco. Detalles, en su página web.
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El streaming tomó el mundo de la industria musical hace tiempo, como ya sabemos. Sin embargo, era normal que las ventas de álbumes se elevaran con motivo del Black Friday primero y la Navidad después. Al menos hasta ahora. La noticia que nos deja 2018 es que las ventas de álbumes apenas se han alterado durante este fin de semana pese a la fiebre de consumo, lo que se debe, por un lado, al cambio en los hábitos del melómano, pues cada vez menos gente compra discos y cada vez más gente consume música en streaming; y por otro, a este otoño concreto, bastante soso en cuanto a lanzamientos, sin ningún lanzamiento de una macroestrella tamaño Ed Sheeran o Adele.
6ix9ine acaba de lanzar su disco desde la cárcel debido a una filtración y parece claro que una de las razones es que con apenas 2 días de venta y streaming, podría ser top 1 en el Billboard 200 muy fácilmente. Según HitsDailyDouble, el número 1 de álbumes en Estados Unidos iba a ser -o «va a ser», aún puede serlo- la banda sonora de ‘Ha nacido una estrella’, pero con unas cifras de ventas totalmente impropias de un Black Friday: unas 55.000 copias, 32.000 de ellas físicas y el resto digitales o streaming (estas últimas no muy asociables a Black Friday). Algunos discos habrían vendido más que el álbum de Lady Gaga, si bien aparecerían por debajo en la tabla debido a su bajo streaming, como es el caso de 2 álbumes de Michael Bublé -uno navideño y uno nuevo- o el disco navideño de Pentatonix, pero ninguno habría sido capaz de llegar a las 55.000 unidades vendidas en plena semana de Black Friday. Desde luego, los tiempos en que Adele vendía 3 millones de copias de ’25’ una semana como esta son lejanos aunque solo haga 3 años de aquello y no 20 como parece; pero es que el año pasado ‘Reputation’ de Taylor Swift era número 1 en Estados Unidos en estas mismas fechas con 147.000 unidades, el triple de lo que estos días se está barajando (al menos hasta la llegada de 6ix9ine, ya totalmente ajena a Black Friday).
El mismo panorama encontramos en Reino Unido, con una sola excepción, ‘Odyssey’ de Take That, que sí superará las 100.000 unidades vendidas en sus 7 primeros días, tras haber vendido 89.000 unidades durante el fin de semana. Por lo demás, noticias tristísimas para todos sus competidores, Cliff Richard, Michael Bublé y sobre todo para Rita Ora, todos ellos a años luz, ninguno de los cuales superaba las 20.000 copias durante el fin de semana.
Como dejaban ver los teasers, si bien Javiera Mena aún no ha podido pasarse por las presentaciones en vivo del disco, siendo sustituida por Kuve en una ocasión, la cantante chilena sí ha podido rodar el vídeo de la canción junto a Dorian. Rojos y azules dominan, contrapuestos, la estética de este videoclip en el que Marc se acerca al vestuario de Brandon Flowers en el vídeo de ‘Spaceman’ de los Killers.
La canción plantea oficialmente “un paseo por el lado menos amable de la noche”, por lo que aparecen en el videoclip de la realizadora Andrea Bielsa y de Samantha Domínguez, colaboradora habitual de los trabajos audiovisuales de Dorian, una serie de personajes “tan noctámbulos y siniestros como frágiles, nobles y apasionados”. Curiosamente, pese a que la canción alude a «mil maneras de descarrilar», entre referencias a dispositivos policiales e incluso «un viaje urgente al hospital», el grupo y artista invitada aparecen impolutos, casi vestidos de gala. Una dualidad que parece reflejada también en el personaje desdoblado. Dorian actúan este viernes 30 de noviembre en Santiago (entradas, aquí), el sábado 1 de diciembre en A Coruña (entradas agotadas) y el 21 de diciembre en Santander (entradas, aquí).
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El pasado viernes 23 de noviembre debía publicarse ‘Dummy Boy‘, el disco llamado a consagrar comercialmente al artista de origen mexicano Daniel Hernández, conocido como Tekashi 6ix9ine –o simplemente 6ix9ine–. Sin embargo, su detención por parte de autoridades federales por pertenencia a organización criminal –entre otros delitos, por los que podría ser condenado de 20 a 25 años de prisión– de unos días atrás derivó en la cancelación del lanzamiento puesto que, entre otras cosas, sigue retenido preventivamente en dependencias policiales.
Algo que alguien de su equipo debió pasar por alto puesto que el pasado fin de semana se puso el disco en venta momentáneamente en su página web, el tiempo suficiente para dar lugar a la posterior filtración del disco en la red. Así las cosas, finalmente se ha decidido lanzar el disco igualmente y ‘Dummy Boy’ ya está disponible en tiendas digitales y plataformas de streaming. ‘Dummy Boy’ incluye colaboraciones sonadas entre las que destacan las de Nicki Minaj –que ya interpretaba con él su hit ‘Fefe‘– y Kanye West, que presta su voz a ‘Kanga’ y también a ‘Mama’, otro tema con la colaboración de Minaj que seguramente era objeto de aquel vídeo que fue interrumpido con un tiroteo mientras se filmaba. Ambos temas cuentan con producción de Murda Beatz, y otros colaboradores destacados son Tory Lanez, A Boogie Wit Da Hoodie, Bobby Shmurda o Lil Baby. También incluye ‘Bebe‘, número 1 en España con la colaboración del puertorriqueño Anuel AA, que participa en otro corte, ‘Mala’.
‘Dummy Boy’ es el segundo trabajo largo de 6ix9ine tras el lanzamiento a principios de año de ‘Day69: Graduation Day’, un disco impulsado por singles como ‘Gummo’. Curiosamente, antes de eso Tekashi ya se dio a conocer en nuestro país de la mano de Yung Beef, que contó con él en ‘No Fucks’, un corte de ‘Kowloon Mixtape‘. Los problemas con la justicia han empañado, en todo caso, la carrera del artista con el pelo arcoiris: está en libertad condicional tras admitir que abusó sexualmente de una menor para un acto sexual en 2015 y declararse culpable por la agresión a un agente el pasado mes de mayo.
A veces la dinámica disco-gira-disco-y-vuelta-a-empezar fuerza a los grupos y artistas a publicar álbumes sin que ni siquiera tengan nada que contar en ellos. Nada que no solucione un respiro y, en el caso de los británicos Art Brut, los 7 años que han pasado desde ‘Brilliant! Tragic!’, su cuarto disco de estudio (segundo consecutivo producido por Frank Black –Pixies–) desde luego han dado al simpar Eddie Argos unas cuantas cosas que contar: en este tiempo, el cantante y letrista se mudó a Berlín, se estableció como pintor, escritor de libros y cómics (su gran pasión al margen de la música, como deja claro el onomatopéyico título de su nuevo trabajo), tuvo un hijo con una mujer con la que luego rompió y casi murió de peritonitis. Todos estos temas, y algunos más relacionados con la frustración de no haber conseguido como banda todo aquello a lo que apuntaban con su fantástico debut de 2005 ‘Bang Bang Rock & Roll’.
Así, ‘Wham! Bang! Pow! Let’s Rock Out!’ se convierte en una estupenda colección de ingeniosos textos de Argos esputados en la más pura línea próxima al “spoken word” de frontmen como Mark E. Smith o Jarvis Cocker. Textos que, entre rijosas referencias a la intrahistoria del grupo y a la cultura pop (Bob Dylan, Fleetwood Mac, Robyn Hitchcock, Amy Winehouse o The Crystals son citados directa o indirectamente), desmenuzan su ruptura como una fantástica noticia (“no es el fin de partida, conseguí una vida extra / Nací de nuevo, de una luz blanca y pura / ¡Viva!” canta en ‘Hooray!’) y sin acritud aparente (pero solo aparente, puesto que en ‘I Hope You’re Very Happy Together’ –“con suerte, la última canción de ruptura que voy a necesitar”– canta “espero que seáis muy felices juntos / y si no, pues mejor”).
También hay una cómica referencia a su experiencia cercana a la muerte en ‘Hospital!’, con los coros ejerciendo de sarcástica voz de la conciencia (“Cuando salga del hospital / Voy a ser imparable / Voy a beber mucha agua y comerme todas las verduras / (Se va a unir a la escena straight edge)”), cómicos altos (‘She Kissed Me and It Felt Like a Hit’) e hilarantes bajos (‘Awkward Breakfast’) del mundo de los polvos de una noche, y la asunción de que su carrera musical no será tan gloriosa como soñaba, después de todo. “Anoche soné que ganábamos el Mercury Music Prize / Nuestros padres estaban orgullosos, pero un poco sorprendidos”, entona en ‘Kultfigur’, mientras que en la ingeniosa ‘Veronica Falls’ se valen de los mayores éxitos del extinto combo británico –‘Waiting For Something To Happen’– y Del Amitri –‘Nothing Ever Happens’– para reírse de sí mismos: “Esperábamos que pasara algo, como Veronica Falls / Pero fue más bien como Del Amitri, y nunca pasó nada en absoluto”.
Con producción del artista folk Jim Moray, el atronador corte titular no es representativo en realidad de un sonido en el que la adición de metales a su recurrente rock de vena punk aporta un ingrediente fresco y divertido. Así, los impetuosos coros y vientos con los que irrumpe ‘Hooray!’ y que tienen eco en ‘I Hope You’re Very Happy Together’ o los simpáticos silbidillos de ‘Good Morning Berlin’ son la mejor noticia de un álbum que, pese a su encanto y personalidad, no anda sobrado de ganchos. Eso sin duda condena parte de los temas (‘Too Clever’, ‘Your Enemies Are My Enemies Too’ o ‘Kultfigur’, pese a sus reconocibles punteos iconoclastas) que, de no ser por sus divertidas letras, serían olvidables. Pero eso no quita que la sensación que deja este ‘Wham! Bang! Pow! Let’s Rock Out!’ sea de una total rehabilitación de Art Brut.
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘Wham! Bang! Pow! Let’s Rock Out!’, ‘Hooray!’, ‘I Hope You’re Very Happy Together’, ‘Hospital!’ Te gustará si te gustan: The Fall, Pulp, Los Campesinos! Escúchalo:Spotify
La primera obra que estudió la lengua castellana, y que fue a su vez el primer libro impreso sobre las reglas de cualquier lengua romance, es la Gramática Castellana de Antonio de Nebrija, de 1492… criticada décadas después por Juan de Valdés en ‘Diálogos de la lengua’ porque su autor era de un lugar “donde la lengua no está muy pura”. Si no sabíais de dónde era Nebrija, seguro que esto último os da una idea. Y es que no es nada nueva la idea del andaluz como algo negativo, fallido, de menor nivel cultural, algo que quita validez a tu discurso. Esto se traslada de la lingüística al resto de aspectos: “este tópico del andaluz como el que habla mal español conlleva el razonamiento de que quien habla mal piensa mal y, por tanto, es un incapaz” decía Pedro Carbonero, y una prueba de esto es la cantidad de gente a la que le “encanta” el acento andaluz… pero para contar un chiste, no para un contexto serio, hombre-por-favor. Manuel Alvar, ex-director de la RAE, defendía el hecho de que en los informativos de la televisión andaluza se neutralizase el acento: “buscar presentadores que hablen en andaluz para contar los partes de la guerra de Kosovo es una idea que me parece una sandez supina”. Él aseguraba, no obstante, valorar el andaluz. Quizás como valoraríamos un buen chiste o un buen baile, o incluso un buen polvo, y a la vez consideraríamos inapropiado hacer cualquiera de esas tres cosas en una reunión, en un contexto formal. Y quizás ahí está una de las claves, en lo que los propios andaluces tenemos interiorizado: el escritor onubense Vaz de Soto no aprueba que “se exagere el acento en un programa de chistes y luego en el informativo se intente disimular”, y lo ve un síntoma de esa especie de “andaluzofobia interiorizada”: “los primeros en aceptar el absurdo dictamen de que en Andalucía se habla mal son los andaluces, los individuos pertenecientes al sector discriminado, como todos los profundamente alienados, aceptan sus alienaciones”. Tiene sentido. Como lo tiene el hecho de que, cuando vas saliendo de esa alienación, vayas dejando de sentirte bien cada vez que te “piropean” diciendo que, para ser andaluz, hablas muy bien, que no lo pareces…. igual que fuiste dejando de agradecer los “¡qué guay, para ser gay no se te nota nada!”.
José María Pérez Orozco, Catedrático de Lengua y Literatura Española y director de la IV Bienal de Flamenco, fue conocido sobre todo por su activismo sindicalista y en defensa del andaluz, siendo especialmente viral su explicación del “no ni ná”. Consideraba el andaluz “la variedad de la lengua española, desde Hispanoamérica hasta Filipinas, más avanzada” y equiparaba sus peculiaridades a las de las lenguas romances cuando empezaron a derivarse del latín y a “acortar palabras para decir lo mismo con menos sonido, con menos esfuerzo”, animando a los andaluces a sentirse orgullosos de su acento, en lugar de sentir vergüenza cuando están frente a alguien de fuera. Porque ese sentimiento de inferioridad sigue bastante presente y, en la era digital, está evidentemente muy relacionado con la representación en ficción, y en no-ficción. La actriz e historiadora María Galiana comentaba, en una entrevista que le hizo Manu Sánchez, que es lógico el complejo de inferioridad de los andaluces teniendo en cuenta que al hecho de que la televisión nacional esté salpicada de estereotipos sobre nosotros se le suma “que en la propia televisión andaluza se pongan a hablar fisnos, como decimos nosotros”, aprovechando para ironizar sobre el amplio (y quizás no tan conocido como debería) pasado multicultural de la tierra de Blas Infante: “yo me siento muy romana y muy musulmana… cristiana-medieval me siento menos porque se lavaban poco”.
Y precisamente esta riqueza cultural nos lleva al motivo por el que estamos hablando de este tema en JENESAISPOP. El motivo está relacionado con una serie de nombres. De Miguel de Molina, Camarón, Lole y Manuel, Lola Flores, Morente, Pepa Flores/Marisol, Rocío Jurado o Raphael, a Fuel Fandango, Miguel Ríos, Los Planetas, Pata Negra, Lagartija Nick o Martirio; de Mala Rodríguez, David Bisbal, Manuel Carrasco, Vanesa Martín, Falete, Pablo Alborán, Sabina, Alameda o Chambao a Dellafuente, Gata Cattana, Zahara, Virginia Maestro, Medina Azahara, Pony Bravo, Anni B Sweet, Rocío Márquez, SFDK o Brisa Fenoy; de Yung Beef, Ayax y Prok o La Favi a Lori Meyers o El Kanka. Pasando, por supuesto, por la que personalmente considero la fusión musical más envidiable de nuestro país en las últimas décadas: la representada por Triana mezclando en los 70-80 el rock progresivo de Pink Floyd con el flamenco, y pariendo un himno generacional (‘Hijos del agobio’), uno de los más bellos temas escritos en español (‘Tu Frialdad’) y un viaje lisérgico-folclórico (‘Abre la puerta’), entre muchísimos otros “hijos” que son hitos de nuestra música, y cuya influencia es enorme (por citar solo un ejemplo reciente, el de los algecireños Atavismo). Lo que quiero decir con esto es que es innegable que Andalucía ha exportado multitud de artistas de una gran calidad, o de un gran tirón comercial, o ambas cosas a la vez… PERO. Pero, al mismo tiempo, parece que cuesta más tomarse en serio a un cantante/grupo si es andaluz, si se nota que es andaluz. Eso sin contar el tema de la centralización: ¿nunca habéis pensado eso de “si esta persona hiciese en Madrid o Barcelona en vez de aquí, lo petaría”?
No sé, quizás sean solo cosas mías… pero la cosa es que, antes incluso de que toda la polémica de Rosalía saltase al mainstream, mucha de la gente que veía el vídeo de ‘Malamente’ y luego escuchaba una entrevista suya se sorprendía de que no fuese andaluza, se sorprendía de “lo bien que habla en realidad” (recuerda el caso a cuando preguntaron a Melody cómo podía hablar tan bien siendo de Dos Hermanas, ese “¿has estudiado?” que ojalá Melody hubiese respondido con el “si lo has visto es porque es, ¿no?” de su coetánea María Isabel. No, éste no es otro artículo sobre la polémica de Rosalía, porque pienso que eso sería injusto tanto para ella como para el problema real, y mucho más complejo, que hay con Andalucía. Pienso que Rosalía tiene talentazo y respeto por lo que hace (pude comprobarlo en primera persona cuando la entrevisté), y la rabia que se le ha echado encima me parece errónea… especialmente porque se equivoca de objetivo: igual estamos proyectando en ella el sentimiento de rabia hacia una prensa y, en sí, una sociedad que tiene una doble vara de medir. Por un lado, esa sociedad flipa cuando Rosalía pone ese acento y usa esa imaginería pero, por otro, cuando Dellafuente habla en su vida diaria tal y como habla en sus canciones, reacciona con esa sonrisita de condescendencia a la que muchos andaluces estamos acostumbrados. Esa sonrisita que asume que, como decía Carbonero, si hablas mal es porque piensas mal y por tanto eres un incapaz. Es un error poner el foco en Rosalía; es un acierto ponerlo en los problemas a los que se tienen que enfrentar los artistas andaluces. Y de eso, ahora sí, disculpad la larga pero necesaria introducción, de ESO va este artículo. ¿Son sólo cosas mías? Para evitar que la intención se pierda entre lo que podría ser una opinión personal, incluso victimista o exagerada –un argumento al que también estamos acostumbrados–, he querido preguntarles a aquellos de los que hablo. Para así no hablar (tanto) en su nombre. He querido preguntarles a artistas musicales andaluces.
De todo tipo. Jóvenes y adultos, mainstream y underground, pop, rock, flamenco y hasta rap, hombres y mujeres, payos y gitanos, heteros y no heteros, etc. Mala Rodríguez lo tenía claro: “siempre estamos en un mal momento”, me decía sobre la posición de los andaluces en la escena musical española, “no me creo que si eres andaluz no hayas sentido cómo cuando salimos fuera a trabajar tenemos que cambiar nuestro acento para que no se nos ridiculice y menosprecie”. “Quiero pensar que por el simple hecho de ser andaluz no van a pensar que tienes menos cultura o menos nivel intelectual, quiero pensar bien de los mesetarios”, comenta entre risas Dellafuente, “pero sí… lo vemos en la misma tele, el tonto es el andaluz, y luego lo de subtitularnos… no sé si llamarlo menosprecio, pero desde luego aprecio no es”. “Fíjate que para mí tener acento es tener cultura, me flipan los acentos, es algo que me parece tan bonito…”, me dice Anni B Sweet, que no ha notado mucho esta discriminación, “pero quizás porque siempre he achacado que no me tomen en serio al hecho de ser mujer, he pensado que era por eso, por ser mujer y joven, no he pensado en que era por ser andaluza… pero igual es todo junto”. El alma tras Lola Índigo, Mimi Doblas, me habla de la sorpresa que le produjeron los comentarios sobre que “fingía un acento latino” en ‘Ya no quiero ná”: “¡es acento andaluz y es el mío! Mucha gente no sabe mis raíces, y no será porque yo no lo llevo por bandera… pero bueno, en el próximo single diré “la vin compae” a ver si así se enteran”. La granadina también cree que en la televisión se estereotipa al andaluz: “me da coraje que se encasille el acento andaluz en papeles solo cómicos”. Su tocaya Mimi Barbz, cuyo trap feminista va ascendiendo gracias a clips como el de ‘Dios Fálico‘, estudió precisamente Arte Dramático, y me habla del “machaque constante para quitarnos el acento” que vivió durante toda la carrera. Ella lo tiene claro: “sin duda el acento andaluz es el acento más castigado de toda España, no hay por donde discutirlo.”
Quisimos hablar también con Roberto Leal porque, aunque evidentemente no es un ejemplo de músico andaluz, sí es un ejemplo de personalidad pública andaluza, de profesional de los medios que reivindica sus raíces, y de hecho muchos de los músicos entrevistados sacaron a Roberto en la conversación. El presentador de Operación Triunfo nos atendió con mucha amabilidad e interés: “me parece muy bien que saquéis esto, veo necesario que este debate esté ahí; con suerte, no será necesario dentro de unos años porque la gente apreciará lo bonito de las distintas formas de hablar.” Leal continúa: “es tan bonito el tener un acento propio… que se entienda, claro, pero, si se entiende, ¿cuál es el problema? Me da mucha pena cuando veo algún andaluz o andaluza tratando de esconderse detrás de un acento que no le pertenece, porque al final se te ven las costuras, te traiciona el subconsciente y te sale una zeta por ahí, etc. Me da mucha pena también cuando alguien andaluz viene a Madrid con veinte años y, por el hecho de adaptarse, al final con treinta parece que nació en Chamberí. Y yo no tengo nada contra Chamberí, pero yo nací en el barrio de Pablo VI, en Alcalá de Guadaira”. El periodista cuenta además que muchos alumnos a los que imparte clases en distintos cursos le preguntan si debe quitarse el acento. “Y yo lo que les digo es: para trabajar, ¿tú te preguntas si te quitas o no te quitas la ropa? ¿Para qué te vas a quitar el acento? Es algo que va pegado a tu piel. Sigue habiendo mucho miedo… pero eso solo se combate siendo normal y defendiendo tus raíces, como lo hace un gallego, un catalán o un mallorquín.” Mimi Barbz habla precisamente de la relación entre estos prejuicios y la televisión: “es normal que la gente piense que los andaluces son machistas, vagos, catetos y graciosillos si ponen la televisión y los personajes andaluces son machistas, vagos, catetos y graciosillos. Es lógico. Y es que no se trabaja por erradicar ese prejuicio. Pero ni siquiera por nuestra propia televisión, tú pones Canal Sur y te ves programas que no representan lo que realmente es Andalucía.”
El artículo continuará en una segunda entrega donde ya cedemos el protagonismo absoluto a las declaraciones de los artistas, con cuatro incorporaciones: Zahara, Lin Cortés, Antonio Arias (Lagartija Nick) y Warmi se unirán a Dellafuente, Mala Rodríguez, Mimi Doblas, Anni B Sweet, Mimi Barbz y Roberto Leal. Todos ellos nos hablarán de sus dificultades al empezar, de la andaluzofobia interiorizada, de los complejos con el acento y comentarios que han escuchado incluso en su vida profesional, del doble techo para los gitanos, de la relación entre estereotipos andaluces y el capitalismo, del centralismo Madrid/Barcelona… y hasta de Alberti y Lorca, de la serie de animación ‘Bandolero’ y de la (in)existencia de “un Bad Bunny maricón”. Enlace a la parte 2 del artículo.
Este jueves 29 de noviembre se publica uno de los singles más esperados del año en el mundo del pop, el que junta al productor británico Mark Ronson con la cantante estadounidense Miley Cyrus. En las últimas horas, ambos han publicado en las redes sociales pequeños avances de lo que será su colaboración, que llevará por título ‘Nothing Breaks Like a Heart’, lo cual no deja de tener gracia teniendo en cuenta que el gran éxito del famoso padre de Miley, Billy Ray Cyrus, se llamaba ‘Achy Breaky Heart’.
Ronson ha hablado con UK Charts sobre ‘Nothing Breaks Like a Heart’. Su declaración más sorprendente alude a una frase en la letra de la canción, que contiene una referencia a una “casa en llamas”… justo cuando la casa de Miley en Malibu acaba de ser devorada por los fuegos en California. Una coincidencia cuanto menos impactante. Sin embargo, Ronson asegura que la autora de ‘Younger Now‘ es como un “fénix” y que “seguramente pronto construirá otra casa con todos sus cerdos y perros y la convertirá en un lugar mágico”.
El autor de ‘Uptown Funk’, que también prepara colaboración con Lykke Li de cara a su próximo disco, cita además el momento exacto en que descubrió que quería trabajar con Miley. Fue en 2015, después de verla cantar ’50 Ways to Leave Your Lover’ de Paul Simon en Saturday Night Live. Ronson se quedó prendado con el “tono grave de Miley y la textura áspera de su voz”, y en ese momento pidió a su mánager que contactara con Cyrus, con la que desde entonces empezó a escribir la canción que lanzan este jueves. Por cierto, ambos la presentarán en directo el mes que viene en Saturday Night Live. Se cierra el círculo.
Los británicos Foals son hoy la nueva confirmación de Low Festival, que se celebra los días 26, 27 y 28 de julio en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm. El grupo presentará nuevo álbum en Low Festival, como ya sucediera con el anterior, según recuerda su nota de prensa: «El cuarto británico presentó en Low Festival 2015 en primicia los temas de su -hasta la fecha- último disco de estudio. “Mountain At My Gates” o “What Went Down” sonaron en directo en Benidorm antes que en ninguna otra parte. Cuatro años más tarde, la historia se repite, ya que los británicos se encuentran inmersos de lleno en la preparación de su quinto álbum de estudio, previsto para el próximo año». Los abonos de tres días están disponibles desde 52€ hasta este jueves a través de Ticketea. Después habrá aumento de precio. También están disponibles los abonos VIP (115€) y VIP Pool (170€).
Foals es la tercera incorporación de un cartel que ya contaba con Bastille, y uno de los grupos más masivos del país, Vetusta Morla, que este verano actuaban en Madrid para 40.000 personas. Lógicamente, habrá más confirmaciones.
Coldplay han editado hoy un tema nuevo como Los Unidades, como se rumoreaba. Parlophone Records, su sello, había publicado en las redes sociales hoy un póster con la imagen difuminada de cuatro personas y el nombre “Los Unidades”, presentándolo como su “nuevo fichaje”. Sin embargo, los fans de Coldplay descubrían que debajo de la imagen podía apreciarse el código “Y02LPAC81ODL”, un anagrama bastante evidente de “COLDPLAY2018”, y que los nombres de los integrantes de Coldplay (Chris Martin, Jon Buckland, Guy Berryman y Will Champion) aparecen en internet como titulares de una marca legal llamada “Los Unidades”. Todo esto sin tener en cuenta que los propios Coldplay han dado “like” al tuit de Parlophone Records.
Finalmente, se ha revelado el primer tema de Los Unidades, ‘E-Lo’, una colaboración con Pharrell que formará parte de un EP en el que también aparecerán Stormzy, la voz de Nelson Mandela y David Guetta, entre otros. El EP será ‘Global Citizen EP 1’, se presentará en el festival “Mandela 100” de Global Citizen y contendrá las siguientes colaboraciones:
01 Stargate: “Rise Up” [ft. Nelson Mandela]
02 Los Unidades / Pharrell Williams: “E-Lo” [ft. Jozzy]
03 Cassper Nyovest / Los Unidades : “Timbuktu” [ft. Stormzy and Jess Kent]
04 Stargate / Los Unidades: “Voodoo” [ft. Tiwa Savage, Wizkid, Danny Ocean and David Guetta]
Coldplay publicaron el EP ‘Kaleidoscope‘ el año pasado, también el año en que triunfaron masivamente con ‘Something Just Like This’ con The Chainsmokers. Su último álbum de estudio, ‘A Head Full of Dreams‘, data de 2015. Chris Martin, al que esta semana hemos visto con unas pintas muy interesantes, llegó a declarar en 2016 que aquel álbum podría ser el último que el grupo publicase como Coldplay: “me sorprendería si vuelve a haber un álbum de Coldplay convencional. Creo que estamos donde tenemos que estar y que este es el último capítulo de algo”.
Pese a que no han publicado música en todo 2018, Coldplay son uno de los grupos que más dinero ha ingresado este año según Forbes. Aunque ya hace bastante tiempo que Coldplay pueden tomarse la libertad de publicar música con el nombre que les dé la real gana, parece que el momento ha llegado y es hoy. ¿Será un proyecto aislado y benéfico o el principio de una era totalmente nueva?
‘Adán y Eva’ es el nuevo número 1 oficial en la lista de singles en España tras su impresionante escalada durante los últimos días en Spotify. La canción de Paulo Londra logra así llegar al puesto de honor en la que es su tercera semana en lista. El cantante argentino de tan solo 20 años ha ido ganando popularidad gracias a colaboraciones con Becky G (‘Cuando te besé’) o Piso 21. Ni que decir tiene que las reproducciones de ‘Adán y Eva’ se cuentan por decenas de millones en cuestión de días.
En el camino, Londra desplaza de la cima a ‘Di mi nombre’ de Rosalía, que pasa del número 1 al número 7, si bien ‘Malamente’ continúa en el número 2. ‘Booty’ de C. Tangana y Becky G vuelve a subir al puesto 3. Como curiosidad, hay nuevo máximo para ‘Antes de morirme’ de Puchito y Rosalía: ya es puesto 46.
La entrada más fuerte en singles es ‘Bambino’ de Recycled J y Selecta, que acaba de pasar por nuestra sección “Canción del Día”, y llega directamente al puesto 53. Más tímidas son las apariciones de ‘Reggaeton’ con J. Balvin en el puesto 74 (aunque subirá la próxima semana); la de Mau y Ricky con Manuel Turizo y Camilo con ‘Desconocidos’ en el puesto 79 y finalmente la de Nerea Rodríguez con ‘Y ahora no’ en el número 96.
Esta semana tienen lugar giras de las que ya os acabamos de hablar, como las de US Girls o Morcheeba y en los próximos días recordaremos la llegada a nuestro país de gente como The Vaccines, Idles o el cierre de gira en Madrid de Tulsa. En este artículo repasamos otras 10 citas imprescindibles en la agenda de esta semana.
Jon Hopkins en Madrid
Vimos en el BIME una buena presentación en vivo de ‘Singularity‘, lo nuevo de Jon Hopkins, y este miércoles 28 el artista vuelve a nuestro país para presentar su disco en La Riviera de Madrid. Entradas y horarios, disponibles aquí.
La gira de Wire
Wire, tan citados siempre que se habla del punk de finales de los años 70, están de gira por nuestro país durante toda la semana y, tras su paso anoche por Cádiz; les quedan otros 5 conciertos que dar. Este martes 27 de noviembre están en Sevilla, el miércoles 28 en Madrid, el día 29 en Donosti, el viernes en Gijón y el sábado en Lugo.
Skepta, en Madrid
Como anunciamos en su momento, una de las rarezas de la temporada será poder ver al rey del grime británico en la capital, por su cuenta y al margen de las programaciones en festivales. Skepta actúa en Joy Eslava este jueves 29 de noviembre. Las entradas están disponibles en Ticketmaster.
The Field, en Barcelona
El viernes 30 el Nitsa Club de Apolo recibirá la visita de uno de los grandes genios de Kompakt, The Field. Se anuncia un «live» en la web oficial, al que se sumarán la misma noche DJ Fra y Oma Totem.
Kero Kero Bonito, en RazzClubs
Los encantadores Kero Kero Bonito terminan el año de gira por Europa presentando ‘Time N Place‘, y su única parada en nuestro país será este sábado 1 de diciembre para actuar en Razzmatazz, Barcelona, en horario de club. La entrada anticipada son 15,50 euros incluyendo una consumición.
La gira de Public Service Broadcasting
El trío londinense Public Service Broadcasting, emparentado con el movimiento math-rock y para algunos conocidos por su rareza junto a Tracyanne Campbell de Camera Obscura ‘Progress’, actúa esta semana en Barcelona (28 de noviembre, Apolo), Sevilla (29, Sala X), Madrid (30, Sala 0) y Valencia (1 de diciembre, Marina).
Mavi Phoenix, de gira
La austriaca Mavi Phoenix, con quien pudimos charlar el año pasado a raíz del éxito de ‘Aventura’, es la nueva invitada de Trvmp, la fiesta urban de OchoyMedio en Madrid. Presentará las canciones de su EP ‘Young Prophet II’ este viernes 30 de noviembre y las entradas cuestan 12 euros en Ticketea. También estará el 29 de noviembre en Sidecar, Barcelona, y el 1 de diciembre en Dabadaba, Donosti. Detalles de las dos últimas fechas, aquí.
Vega en acústico
Este año Vega ha publicado el notable ‘La reina pez‘, el cual será presentado en acústico durante las próximas semanas. Este viernes 30 de noviembre será el turno de que el show llegue a El Gran Café de León (entradas, aquí) y en un par de semanas Vega estará en la Sala El Sol de Madrid para hacer lo propio (entradas, aquí).
Refree, en L’Auditori
Este fin de semana se estrena ‘Entre dos aguas’, la película ganadora de la Concha de Oro en la pasada edición del Festival de Cine de San Sebastián, a la que Refree y Kiko Veneno han puesto música. Refree, que también está de actualidad por su disco junto a Albert Pla, ofrecerá este sábado 1 de diciembre un concierto en L’Auditori de Barcelona. Detalles, aquí.
La Plata, en Valladolid
La Plata están de enhorabuena tras haber sido nominados al Premio Ruido a Álbum del Año, junto a grandes titanes como Rosalía o Niño de Elche, gracias a la solidez de su debut. Este 1 de diciembre lo presentan en El Desierto Rojo de Valladolid, con entradas a la venta por tan sólo 10 euros.
Vanesa Martín es número 1 de ventas en España con su nuevo disco, ‘Todas las mujeres que habitan en mí’. El álbum entra además en el número 3 de la tabla de streaming, que sigue liderada por Rosalía con ‘El mal querer’, aunque este baja al 2 en la lista de ventas. Destaca también la entrada en la lista de ventas de Zahara, cuyo ‘Astronauta‘ debuta en el top 5, dos puestos por debajo de ‘Santa’ en 2015 (además, es top 14 en streaming). En el resto del top 10 encontramos las entradas de Bunbury con ‘Canciones 1987 – 2017’ (4), Mark Knopfler con ‘Down the Road Wherever’ (6, 85 en streaming), Michael Bublé con ‘love’ (7, 23 en streaming) y Little Mix con ‘LM5’ (8, 13 en streaming).
Uno de los lanzamientos destacados de la semana, ‘Caution‘ de Mariah Carey, registra posiciones modestas tanto en la tabla de ventas (19), donde entra por encima de ‘Memoirs of an Imperfect Angel’ (23) pero por debajo de ‘Me. I Am Mariah… The Elusive Chanteuse’ (10), ‘The Emancipation of Mimi’ (15) y ‘E=MC2’ (16); como sobre todo en la de streaming (57).
Otra entrada interesante en ventas es la de ‘Delta‘ de Mumford & Sons. El álbum es número uno en Estados Unidos y número dos en Reino Unido pero en España entra en el top 17, bastante por debajo que el anterior, ‘Wilder Mind’, que llegó a ser top 7. En streaming es top 8.
El resto de entradas en la lista de ventas son ‘Equinoxe Infinity’ de Jean-Michel Jarre (13), ‘Anillos y raíces’ de Second (14, 67 en streaming), ‘Aquellos años locos’ de El Canto del Loco (16), ‘Aeternus’ de Saratoga (21), ‘Effet miroir’ de Zaz (25, 88 en streaming), ‘De la luz y la sombra’ de Luis Eduardo Aute (26), ‘Shiny and Oh So Bright’ de The Smashing Pumpkins (47, 93 en streaming), ‘The Number of the Beast’ de Iron Maiden (69), ’50 Years – Don’t Stop’ de Fleetwood Mac (82), ‘Merrie Land’ de The Good, the Bad, and the Queen (86) y ‘Chris Cornell’ de Chris Cornell (99).
Pocos días después de celebrarse en España el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer, la artista estadounidense U.S. Girls visita España para presentar su último disco, ‘In a Poem Unlimited‘, cuyas letras son relevantes en este día ya que hablan sobre la violencia del género o el patriarcado. Este lunes 26 de noviembre, Meghan Remy ha actuado en Sala El Sol de Madrid, hoy 27 lo hace en Sala Apolo de Barcelona y mañana 28 en Dabadaba de Donostia.
Eran varias las canciones deslumbrantes en ‘In a Poem Unlimited’ que hablaban de los temas mencionados, como ‘Mad as Hell’, ‘Velvet 4 Sale’ o ‘Rosebud’. Otro de ellos era ‘Rage of Plastics’, por cierto una versión de una canción llamada igual publicada por el grupo candiense Fiver en 2013, en su disco ‘Lost the Plot’. Si la versión original era más lenta y sombría, U.S. Girls la aceleraba en su disco, realzando además el elemento feísta de sus arreglos, sobre todo el de esa trompeta borracha que suena a lo largo de la canción, desprendiendo cierta decadencia y desolación.
‘Rage of Plastics’ trataba un tema poco comentado en el pop, el de la esterilidad de las mujeres que trabajan en refinerías de petróleo. Son las mujeres que producen esos “vestido de poliéster” tan de moda, pero de las que nadie realmente habla. “Hay decenas de nosotras nacidas en la primavera silenciosa, cuyos úteros no soportarán nada, él quería una hija, y yo quería un hijo”, canta Remy antes de concluir con una reflexión tan oscura como la propia canción: “vivir así solo provoca la muerte”.
No habrá, como era de prever, canciones de Klaus&Kinski en el repertorio del nuevo proyecto de su único autor, Alejandro Martínez Moya. Ni siquiera cupieron cuando la nueva banda, Alexanderplatz, tenía solo en el mercado un EP de 4 canciones, de las que 2 eran instrumentales; así que no van a caber ahora que la banda tiene más de una veintena de canciones editadas. La presentación del álbum ‘Muera usted mañana’, de 18 pistas, en el Maravillas Club de Madrid el pasado sábado, sí implicó la experiencia de Alejandro como músico y de alguno de sus compañeros en «Klaus» (así los llama él mismo), como Antonio de Vicente-Yagüe a los teclados, lo que supone que en todo momento veamos a una banda rodada y con ciertas tablas. La timidez de Alejandro como vocalista es palpable, aunque solo sea porque el de este fin de semana ha podido ser más o menos su tercer concierto como cantante, pero también lo son su experiencia a la guitarra y su humor. En cuanto a esto último, la anécdota de haberse cruzado ese mismo día por Madrid con José María Cano paseando un perro con la bandera de España como collar; y en cuanto a lo primero, todo un arsenal de pedales y efectos a sus pies, o ese momento en un tema en el que incluso cabe un cambio de cejilla para unos segundos de punteo.
También hay recuerdo a las melodías de Klaus&Kinski en canciones como ‘La muerte y la vida’ o ‘Sí pero no’, pero en otro sentido ver a Alexanderplatz es ver a una banda totalmente nueva sobre las tablas. Los interludios instrumentales, lejos de provocar la distracción del respetable, logran meterle más en el universo de la banda, y en las canciones con letra el protagonismo de la batería -instrumento que brillaba por su ausencia en «Klaus»-, los sintetizadores y la guitarra les inclinan más hacia la banda sonora, el kraut o incluso el post-rock. En un par de momentos puntuales, hasta recuerdan a esa apisonadora llamada Toundra. El show, que se había abierto como el disco con ‘Vivan las cadenas’ y ‘Homenaje’, reservó sus momentos más pop para el final: de ‘Podías haberte quedado quieto’ hasta el supuesto cierre con ‘Dios ahoga aunque no apriete‘ y ‘Odio el siglo XXI‘. En el bis cae la preciosa ‘Bucle’ del anterior EP ‘Contrarreforma’, una canción que no debería caer en el olvido, muestra de que el grupo puede ofrecer ya conciertos llenos de interesantes composiciones en la próxima temporada festivalera. 7,5.
Ejercieron de teloneros Shadow Girls, el proyecto de Jaime Cristóbal (J’aime, Souvenir, Popcasting) y el siempre enigmático y carismático Charlie Mysterio, a eso de las diez de la noche a unas gafas de sol pegado, que además justo acaba de publicar esta semana un álbum como Mysterio. Shadow Girls han publicado en Jabalina un EP de cuatro canciones en el que destaca ‘Flowers for my Sweetheart’, pero también se incluye otro tema propio, junto a sendas versiones de Go-Betweens (‘Bachelor Kisses’) y Bobby Fuller (‘I Fought the Law’). Los 11 minutos que dura el EP se doblan en vivo con la incorporación de otras versiones, como la que utilizaron para cerrar, también de The Go-Betweens, en concreto de ‘Don’t Let Him Come Back’, con Cristóbal sentado a su guitarra «lap steel»; y otras de The Church y The Shortcuts. Canciones que incluso cuando proceden de Australia se presentan pasadas por el filtro de la música americana más tradicional y evocadora.
MOST! ha anunciado su cancelación. El festival se estrenaba en Vigo el próximo sábado 15 de diciembre, pero finalmente no se celebrará, como se explica en el siguiente comunicado: “The Clover Music lamenta informar de que se ha tomado la decisión unilateral de cancelar el evento MOST! MUSIC FESTIVAL, previsto para el próximo sábado, 15 de diciembre, en el IFEVI de Vigo”.
El festival pasará ahora a efectuar la devolución de las entradas a las personas que las hayan adquirido. “Ya ha sido ordenada la devolución de entradas a las diferentes plataformas de venta online, que se efectuará de manera automática en los plazos previstos por la Ley con respecto a este tipo de situaciones, incluyendo los gastos de gestión”, informa en el mismo comunicado. “Las entradas compradas -de forma física- deberán de ser reclamadas en los puntos de venta ticketmaster. La devolución será efectiva en los próximos días dependiendo de los tiempos de movimientos bancarios ajenos a la empresa”.
Entre los artistas confirmados en el festival gallego se encontraban Mando Diao, Viva Suecia, Sidecars, Cycle y Los Tiki Phantoms, además de los DJ sets de Colburn (Belle and Sebastian), Peter Hook (New Order/Joy Division), Edwin Congreave (Foals), Graeme Park & Marshall Jefferson y The Black Ladder. El objetivo del evento era ofrecer “la mejor emergencia independiente y bailable, la que sabe fusionar la esencia de la mejor guitarra actual con la electrónica indie de baile”.
Ariana Grande es también número 1 en JENESAISPOP con su hit mundial ‘thank u, next’, que poco a poco va escalando en popularidad en España al tiempo que permanece en el top 1 tanto en Reino Unido como en Estados Unidos. La entrada más importante de la semana en nuestra lista es la de Zahara junto a Santi Balmes en ‘Guerra y paz’ y curiosamente también se cuela en la lista el nuevo tema de Love of Lesbian para una banda sonora. La lista de entradas se completa con los últimos singles de Nacho Vegas, yaeji y el dúo entre The New Raemon y Rocío Márquez. Es el turno de despedirse de los temas de Mala Rodríguez, Soleá Morente y Alexanderplatz, ya con 10 semanas de permanencia y en la segunda mitad de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
Ariana Grande publica “pronto” el esperadísimo videoclip de su éxito ‘thank u, next’, que estará basado en cuatro de sus comedias favoritas, estas son, ‘Mean Girls’, ‘Una rubia muy legal’, ‘El sueño de mi vida’ y ‘A por todas’. Parece que el vídeo sale este mismo viernes 30 de noviembre y que habrá un adelanto diario hasta que llegue el día.
El primer avance del vídeo de ‘thank u, next’ replica una escena de ‘Mean Girls’ y de hecho parte del reparto de aquella película protagonizada por Lindsay Lohan aparece en el vídeo, incluido Jonathan Bennett. Como podéis ver, también hará un cameo en ‘thank u, next’ el cantante australiano Troye Sivan, que este año ha colaborado con Grande en ‘Dance to This’. Una doble de Ariana aparece al final del adelanto, mientras la Ariana original hará de Regina George.
En otro orden de cosas, ‘thank u, next’ sigue triunfando -es número uno tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, además de en la lista de éxitos global de Spotify- y en las últimas horas The 1975 la han versionado en BBC Radio 1 Live Lounge, aunque transformándola hacia el terreno del neo-soul. Ariana ha aprobado la versión compartiéndola con un “black heart emoji” en Twitter.
“Esto es música pa’ putas y ganstas na’ más”, dice La Zowi para remachar ‘Putas’, el adelanto en forma de “remix” de ‘Moonlight’ de XXXTENTACION que abre significativamente ‘Ama de casa’, la primera mixtape de la artista de Granada desde que debutara en un ya lejano 2013. Y no hay duda de que precisamente esa canción, con el MC Flynt Hustle entonando “a mí me gustan toa las putas, toa mis exes son putas” en el gancho de la canción, marca la línea entre el rechazo de los que se escandalizarán con una lectura sexista y los que comprenden que, por reprobable que resulte, se enmarca dentro de los códigos del trap.
Si has cruzado la línea, encontrarás un EP que quizá decepcione un poco, en parte por su escasa duración –6 cortes que duran poco más que un cuarto de hora–, y en parte porque (salvo excepciones) no tiene la pegada directa que había venido demostrando en cortes como ‘Mi chulo’ –aquel tema que El Último Vecino convirtió en himno de la parroquia indie–, ‘Obra de arte’ o ‘Random Hoe’. Por ambas razones sorprende que esta puerta de entrada al universo de una de las voces más personales del nuevo hip hop español se permita el lujo de prescindir de temazos como ‘Bitch te quemas’, ’Llámame’ o la apabullante ‘Bitch Mode’ que La Zowi ha venido lanzando en el último año.
La explicación podría ser que todo este disco parece caracterizado por un tono especialmente oscuro y duro, en evidente contraposición a un título con connotaciones amables y positivas que referencian a su papel de madre joven (es dominio público que tiene un hijo en común con Yung Beef), desmontando arquetipos con letras sobre venta y consumo de drogas, sexo y broncas con otras raxetas. Con ese perfil, destacan ‘No lo ves’, una lúgubre producción de Steve Lean para unos versos que sí emplea su faceta lírica más divertida (“tengo el pussy clean / no me lo irrites”) para vacilar de billetes (“tengo dinero pa mi entierro, ¿es que no lo ves?”), y sobre todo ‘Oscuro’, una tenebrosa y reposada base experimental de los productores británicos barla & Oddlaw que sirve a Zoe Jeanneau (su padre, por cierto, es el famoso tocaor francés Yerbita) para esbozar un asfixiante relato sexual: “Oscuro, pa que no nos vean, y que me des duro / El amor es absurdo, el amor es duro / pero si te pego el culo ya no disimulo (…) Cuando ahí te muerdo, eso está duro / Pero no es la cola, llevas la pistola / Estamos de luto, le pego la tota, le pego el culo y eso le rebota”.
Así, el único oasis de esta breve mixtape es la deslumbrante ‘Lo siento’, colaboración con el tándem formado por Goa y Pochi (que perpetraron con Yung Beef la fantástica ‘Guns N Roses’ y, más recientemente, ‘Red Hot Chili Peppers’) que es un puro trallazo pop a ritmo de riff de guitarra eléctrica que, por tono, casi parece ajeno al conjunto (aparte que en ella apenas hay un único verso de la protagonista del disco). Aunque La Zowi ya ha mostrado que sus temas suelen ser de maduración lenta, esos tres cortes son los claros highlights –la base del yanqui DP Beats (Lil Uzi Vert, Gucci Mane…) no mata especialmente– de un lanzamiento que, si bien no cumple del todo las altas expectativas (tampoco las alcanza en el aspecto lírico), tampoco deja lugar a dudas de que estamos ante uno de los nombres fundamentales de la escena y que lo seguirá demostrando, quizá mejor en formatos (aún más) cortos.
Calificación: 6,7/10 Lo mejor: ‘Lo siento’, ‘Oscuro’, ‘No lo ves’ Te gustará si te gusta: Yung Beef, Bea Pelea, Pedro LaDroga Escúchalo:Spotify
Días atrás reseñábamos “Tú y yo (y todos los demás)”, la segunda parte del disco final de Hazte Lapón. Con él, el pasado septiembre culminaban el lanzamiento de ‘Tú siempre ganas’, un tercer y definitivo álbum que han ido revelando a lo largo del año, primero con un volumen inicial de 10 canciones bajo el subtítulo de “La vida adulta”, ampliado luego con un interludio de dos canciones de temática estival y, al fin, culminado con otros 10 temas inéditos, coincidiendo con la publicación del disco en formato físico. A este dedicamos hoy este artículo de nuestra sección “El físico importa”, que si para algo fue ideada fue, precisamente, para hacernos ecos de ediciones como esta.
Totalmente conscientes de que este lanzamiento que pone fin a los 10 años de carrera del dúo malagueño formado por Lolo Lapón (Manuel González Molinier, a partir de ahora) y su pareja Saray Botella sería su pirueta final, Hazte Lapón han cuidado los tempos y la edición de esta obra al máximo detalle. Si sus 22 canciones, tal y como las habíamos conocido, ya suponen una sublimación de su estilo –que, por si aún no lo sabes, se podría situar entre The Magnetic Fields y Klaus & Kinski, con paradas en Pulp, The Wedding Present y Belle and Sebastian–, el formato físico del disco supone además una pirueta que acota también su ética y estética: rebelándose contra la fiebre del vinilo –Lolo nos decía que le parecía delirante que sus compradores reconocieran no reproducir esos discos–, el grupo convenció al sello El Genio Equivocado para, empleando la clásica carpeta de ese formato, albergar una obra conceptual mucho más compleja y rica en matices.
Así, al abrir la carpeta de ‘Tú siempre ganas’ en su reverso se despliega un tablero con casillas, y en su funda no encontramos un disco de plástico circular de 10”, sino un libro blanco en formato A5 y un archivador transparente que contiene pequeñas cartas de juego al estilo Magic. Cada una de estas cartas representa a uno de los personajes que pueblan las canciones del disco –incluidas en un CD que contiene sus 22 cortes en una secuencia distinta a la de cada una de sus partes–, y que van desde parejas reales o ficticias como los propios Lolo y Saray, Véra y Vladimir Nabokov, Ulises y Penélope, Johnny Cash y June Carter o Leopold y Molly Bloom, a familias como Los Panero o figuras individuales como Walt Disney, Santa Teresa, Hervé Falciani, Wes Craven o Andy Warhol. Cada una de esas cartas cuenta con unas características y poderes que se miden en batallas dispuestas al azar que tendrán lugar en el tablero, y que implican la lectura de los episodios del libro que se refieren a ellos y la reproducción física o digital (cada tema cuenta con un código DR que redirige nuestro móvil a un reproductor de Souncloud) de la canción.
Así, el disco irá ligado al desarrollo de la partida, ofreciendo una secuencia aleatoria e inesperada en cada ocasión, en una especie de ‘Rayuela’ musical. Además, la lectura de esos relatos escritos por Lolo –psiquiatra de profesión– ofrecen, además de pequeñas obras literarias en sí, claves sobre el origen de cada canción y en qué manera están relacionadas entre sí y con sus autores, puesto que, como cada disco de Hazte Lapón, nunca dejan de ser proyecciones de su propia relación sentimental, y sobre cómo la familia, los amigos o el arte influyen en ella.
Pero además, siempre existe la posibilidad de disfrutar de cada uno de esos elementos de forma independiente, pudiendo ser un juego adulto sobre relaciones, un libro de relatos interesantes y muy bien escritos y el disco como tal. Disco que, rizando el rizo, muestra en lo que nosotros interpretamos como su secuencia definitiva –y que el propio Lolo ha subido a Spotify en forma de playlist– toda la coherencia y dinamismo que, quizá, se echaban en falta a la hora de escuchar sus partes separadas. “El Salmón Lapón”, como lo acuñaba su propio autor, cobra así toda su magnitud, mostrando en su conjunto un peso que lo convierte en uno de los discos nacionales más destacados de 2018. Un punto y final, como ya habíamos dicho, inmejorable. Sin duda, disco-libro-juego recomendado.
Amanda Bynes aparece en la portada de otoño-invierno de 2018 de PAPER Magazine, una revista que ha dado mucho que hablar en los últimos tiempos por sus impactantes portadas y sesiones de fotos para gente como Kim Kardashian (2014), Miley Cyrus (2015), Kylie Jenner (2016), Nicki Minaj (2017) o Christina Aguilera (2018).
La portada de Bynes no es tan impactante, de hecho es bastante modesta, porque lo sorprendente de ella es que confirma la “re-aparición” (horrible palabra) de la actriz en los medios después de años de retiro en los que ha sido noticia, entre otras cosas, por su extraño comportamiento en las redes sociales. En la entrevista, Bynes asegura que todo esto se debió a su abuso de algunas drogas como la marihuana y a una depresión, pero cuenta que lleva cuatro años sobria y que de hecho ha vuelto a la universidad, donde estudia matemáticas.
Aunque no es muy conocida en España, al menos de nombre, y desde luego sus idas y venidas en los últimos años no han interesado tanto aquí como en Estados Unidos, Bynes sí ha protagonizado o aparecido en películas bastante conocidillas en nuestro país como ‘Un sueño para ella’ (2003), ‘Ella es el chico’ (2006), ‘Hairpsray’ (2007) o ‘Rumores y mentiras’ (2010).
Sin embargo, no terminará 2018 sin que conozcamos en qué ha estado trabajado Grimes todo este tiempo, ya que la autora de ‘Art Angels‘ ha revelado en sus redes que publica nueva música este mismo jueves 29 de noviembre.
Aunque la cantante se ha limitado primero a actualizar su página web con nuevo diseño y productos de merchandising, finalmente ha subido a Youtube una imagen de la portada de un nuevo single llamado ‘We Appreciate Power’ en colaboración con HANA. Antes había publicado en Twitter una imagen de ella disfrazada que retuiteaba HANA, quien se ha fotografiado vistiendo un atuendo similar, por lo que parece que ambas han rodado ya el vídeo de esta canción.
Carmen Boza, autora este año del notable ‘La caja negra‘, sobre el que charlamos con ella el pasado mes de septiembre, ha sido la última persona en visitar la Academia de Operación Triunfo para charlar con sus concursantes. Una de ellas, Julia, es fan de Boza y la ha versionado a la guitarra en diversas ocasiones, por ejemplo su canción ‘El mayordomo’.
Antes de cantar en acústico su canción ‘Gran Hermano’, Boza habla a los concursantes sobre la diluida línea que separa a Operación Triunfo del talent y el “reality”, aunque cree que eso trae cosas tanto buenas como malas. Dice que la exposición puede condicionar a la gente a que un concursante le guste más o menos dependiendo de cómo le caiga, pero no cree que Operación Triunfo sea un “atajo” directo a la fama como mucha gente piensa, ya que “cuando sales fuera, te das cuenta de que has vivido en una burbujilla y que luego hay que currar como una hija de puta”.
Boza recuerda también sus primeros pasos en la música, como el exitoso “crowd-funding” que inició para su primer disco y la gira que realizó antes con Auryn, apuntando que de esa época aprendió a no tener prejuicios con otros tipos de música, pues es “muy osado ser jueza de esa manera, decir esta música es una mierda y esta es la que mola porque te mola a ti”. Además, habla de la suerte de vivir en una ciudad cuya escena musical sea activa, como Madrid, donde se mudó cuando le salieron los primeros bolos.
Morcheeba están estos días presentando en España su disco editado este año, ‘Blaze Away’, en el que además de Roots Manuva en el single homónimo, podemos escuchar a Benjamin Biolay. Aprovechando el paso del ahora dúo por Madrid, hemos querido hablar con Skye Edwards, que volvió a la banda hace unos años tras haberla abandonado, y con el carismático Ross Godfrey. Ambos sacaron un álbum en 2016 como Skye y Ross tras la marcha de Paul Godfrey, pero finalmente han comprado a este su participación en la banda para poder usar el nombre de Morcheeba sin él. El dúo se muestra feliz e ilusionado en esta nueva etapa. La banda actuará este martes 27 de noviembre en La Riviera de Madrid como parte del ciclo Madtown Days by Jim Beam, con los recomendables Volver como teloneros. Las entradas se pueden comprar en Ticketea.
¿Qué ha significado este nuevo disco para vosotros?
Skye: «Una oportunidad maravillosa de viajar. Llevamos de gira desde marzo por Sudamérica, Australia, Sudáfrica, Marruecos, China, ahora Europa… Hemos hecho festivales y ha sido maravilloso volver con un disco nuevo que ha tenido buena recepción entre los fans, y además haberlo podido sacar como Morcheeba, a diferencia del anterior».
¿Cómo han ido cambiado las canciones durante este tiempo?
Ross: «Hemos ido metiendo nuevas partes a la guitarra, y con estas nuevas canciones hemos podido reconquistar el mundo. Sentimos que hemos dado un paso adelante después de haber estado un tiempo con la energía bloqueada. A veces ha sido como dar un paseo por un campo de flores».
Hay elementos muy diferentes, por ejemplo, ‘Love Dub’ suena a Jamaica, y ahora mismo hay muchos artistas acercándose a Jamaica, pero vuestra canción no suena como Drake y Rihanna. Es más clásica…
Ross: «Sí, es más retro. Nos gusta lo más antiguo de Jamaica, cosas como King Tubby».
Skye: «Es normal para Morcheeba mezclar estilos. Si te fijas en ‘Who Can You Trust’, había trip-hop pero también estaba ‘Col’, que era una canción con solo voces y cuerdas. En ‘Big Calm’ estaba ‘Friction’, que era reggae, dub… ‘Part of The Process’ tenía country, folk y blues… Es normal para nosotros, esa mezcla nos funciona».
¿Por qué creéis que tenéis vuestro propio sonido entre todos estos estilos?
Ross: «No sé, es lo bueno de ser trip-hop. Antes no nos gustaba nada la etiqueta trip-hop, pero ahora nos parece mona. Es como un paraguas en el que cabe jazz, country, rock, electrónica… con el típico ritmo de sonar un poco fumado. Eso fue el trip-hop, y es un buen crisol porque no tienes que sonar siempre igual. Puedes expresar cosas como autor explorando diferentes áreas. De todas formas, cuando estás haciendo el disco, no tomas decisiones conscientes, simplemente escribes las canciones, no piensas si es dub o folk. La música te guía, no al revés. Si no, no funciona».
Portishead odiaban la etiqueta «trip-hop» hasta el punto de prohibir la palabra en sus notas de prensa.
Skye: «¿En serio, y cómo se llaman a sí mismos?».
La verdad es que no sé, y también hace justo 10 años que no sacan, así que no sé qué pensarán ahora mismo.
Ross: «Su último disco era experimental, no era fácil de oír (Sky se ríe). El primero fue rompedor e innovador. Fue el referente para cualquier banda que se llamara trip-hop. Era psicodélico, por el tipo de beats, y la importancia de la voz de Beth… Para las bandas británicas fue muy influyente. La gente británica no es muy buena rapeando, el acento británico rapeando tiene un punto cómico, así que a los grupos a los que le gustaba cierto tipo de música americana le salían otras cosas. Es más psicodélico.
«Los Ángeles es una factoría de destrozar los sueños de la gente»
He leído que ‘Sweet L.A.’, una de mis canciones favoritas del disco, es sobre un amor a distancia de tu hija, Skye, ¿qué significa la frase final «Who’s the fool in California’s dream?»?
Sky: «Él es el tonto al final (se ríe)».
Ross: «Viví en California durante 6 meses. Como inglés, quieres creerte el sueño californiano, que no es el sueño americano, pero luego te das cuenta de que todo está vacío. Detrás de todo ese «todo el mundo sonriendo», todo el mundo está enfadado y frustrado. Cientos de personas creen que van a ser famosas y sus sueños se rompen. Los Ángeles es una factoría de destrozar los sueños de la gente».
‘Mezcal Dream’ es como la canción perfecta para cerrar un concierto antes de un bis, pero he visto que ni siquiera la tocáis. ¿Y eso?
Ross: «Es demasiado difícil, tiene demasiadas capas. Tenía una idea para una canción desde hacía años y la recuperé porque sonaba mucho a Morcheeba. Quería hacer un viaje psicodélico. Fumábamos mucha marihuana, aunque ya no, y normalmente teníamos un problema para tratar de acabar las canciones, porque nos duraban 7 minutos o así. Quería hacer una canción que fuera así. Después de 8 o 9 álbumes trabajando intros, estrofas, estribillos, está bien volver a ser un adolescente que fuma y dejar las cosas fluir».
Tu mujer, Ross, canta en este tema. Tu hijo, Skye, toca la batería. Da la impresión de que sois como una familia en Morcheeba, que se lleva mejor que nunca, aunque durante un tiempo no estuvierais juntos.
Skye: «Han pasado casi 10 años desde que volví a la banda. No es algo que pasara anoche. Siempre ha sido como una familia con el hermano de Ross, con mi marido Steve tocando el bajo… Su mujer canta con nosotros, tengo un estudio en casa y puedo decir: «¡Steve, ven a grabar el bajo!». Es una suerte tener músicos buenos tan cerca».
«Nos apreciamos más al volver, cuando fue el momento correcto para hacerlo».
¿Cómo fue volver a la banda?
Skye: «Tener un descanso de 7 años fue muy importante para nosotros. Nos apreciamos más al volver, cuando fue el momento correcto para hacerlo».
He visto que tenéis en el repertorio ‘Enjoy the Ride’, que es una canción de la que no eres la cantante original.
Skye: «No la tocamos mucho, pero muchas veces la gente la pide o me enseña un tatuaje con parte de la letra. A la gente le encanta. No la tocamos siempre, porque tenemos mucho material, pero de vez en cuando, sí».
No entiendo por qué te enseñan un tatuaje de una canción que no cantas…
Skye: «No saben que yo no la canto (risas). Depende de cuán fan son. Son fans que se tatúan la letra pero no saben que yo no la canto. (risas) Pero yo les digo: «vale, la tocaremos para ti»».
¿No es una opción reeditar vuestro disco como Skye & Ross como Morcheeba?
No… Es un disco muy dulce y sentido, porque teníamos mucha presión. En mi cabeza es un disco de Morcheeba, pero al volver con el nuevo, tiene algo más del sonido de Morcheeba. La colaboración con Roots Manuva nos devolvió la energía, ha estado bien volver con cosas más bombásticas y enérgicas. Hemos disfrutado de la gira, y queríamos recuperar esa energía. Los primeros discos eran suaves hasta el punto de dejarte incluso adormilado. Y ahora queríamos traer energía y que el disco fuera más como las giras.
¿Tenéis algún feedback de Paul sobre los dos últimos álbumes?
Ross: «No he hablado con él de eso, no».
«Morcheeba es un buen proyecto para colaborar con gente muy diferente y que aún suene a Morcheeba»
¿Cómo habéis llegado a colaborar con Benjamin Biolay?
Ross: «Mi mujer es francesa, y en Francia tenemos una base de fans muy extendida. Francia es un país muy importante para el grupo. Me gusta mucho Gainsbourg, por ejemplo el disco de Melody Nelson, y me encantan los dúos que solía hacer. Obviamente Gainsbourg está muerto, así que me pregunté quién se podía parecer a él, y mi mujer sugirió a Benjamin. Yo ya le conocía pero no le había prestado atención como posible colaborador, le mandamos un mail y en una semana estábamos en París bebiendo mucho vino y fumando. Teníamos un par de melodías, y él escribió la letra. Morcheeba es un buen proyecto para colaborar con gente muy diferente y que aún suene a Morcheeba».
¿Tienes algún álbum favorito de Benjamin?
Ross: «El rockero que sacó hace unos 6 o 7 años, no recuerdo el nombre. Es muy buen músico al piano y a la guitarra. Me gusta oírle tocar».
¿Qué opinaba él de vosotros?
Ross: «Creía que éramos más hip-hop. Entre toma y toma ponía cosas como Wu-Tang Clan. Intentaba acercarse al hip-hop, y funcionó. Fue una buena colisión entre lo francés y el hip-hop».
¿Cómo funciona el single ‘Blaze Away’ en vivo sin Roots Manuva?
Skye: «Yo canto su parte. Es fácil. Tenemos parte de su voz también, pero su rap fue muy fácil comparado con el de Chali 2na en ‘Face Of Danger’ de ‘Head Up High’. Me pasaron la voz de Chali, la hice más lenta… Comparado con esa, fue fácil. O comparado con tener que cantar en francés. Hace un par de semanas tocamos en París, y claro, teníamos que cantar ‘Paris sur Mer’. Llevo aprendiéndomela desde marzo, pero finalmente fue brillante».
¿Benjamin Biolay no pudo pasarse?
Skye: «Estuvimos cerca, primero dijo que sí, pero al final no pudo ser. Está muy ocupado siempre, toca mucho. Nos han pedido que grabemos una versión de ‘Paris sur Mer’ sin Benjamin. Quizá lo hagamos».
De hecho París es la ciudad en la que más se os escucha según Spotify. No sé si esta canción tendrá algo que ver.
Ross: «No tenemos ni idea. No es como que «vamos a hacer una canción sobre París por esto»».
Skye: «No es como funciona (risas)».
Rossk: «Ahora haríamos una canción sobre Madrid (risas)».
Skye, he leído que no te consideras una gran cantante. ¿Y eso?
Skye: «Pffff. Nunca en mi vida iría a un concurso televisivo, pero yo no tendría ninguna opción en ellos con todas las dinámicas de voz, el rollo de cantar muy alto… Creo que soy una buena cantante ahora. Sigo dando mis clases con mi profesor desde hace 22 años. Ejercito mi voz, todavía puedo ponerme retos en este área».
De todas vuestras viejas canciones que seguís tocando, «Rome», ‘Blindfold’, ‘The Sea’… ¿cuál os gusta más tocar?
Ross: «‘The Sea’. Es una buena canción, es lo que hacemos mejor, la mejor mezcla, y me encantan las guitarras wah-wah».
Skye, recuerdo verte convirtiendo al público en «el mar» con las manos en un concierto. ¿Sigues haciendo esto?
Skye: «No, ya no lo hago (ambos se ríen). A lo mexicano. Igual vuelvo a hacerlo».
«La música ha perdido toda cronología»
¿Qué música os ha gustado este año?
Ross: «Me encanta el disco de Khruangbin, son de Texas y la palabra significa «avión» en tailandés. Es música de guitarras funky y psicodélica. También me gusta el disco de Barr Brothers, ‘Queen of the Breakers’. Hay mucha música de guitarras muy buena. ‘Pleasure‘ de Feist es alucinante, y su directo también. Siempre está bien escuchar algo nuevo. Hay un extraño giro en la música, antes se hablaba de retro. Hay un grupo en Sub Pop que se llaman La Luz y cuando los oí me sonaban a los 60. Pero ya no pienso que sean sesenteros, sino que son música de guitarras. La música ha perdido toda cronología. Internet ha destruido eso de oír blues, rock, heavy… Antes todo tenía un orden. Ahora puedes oír cualquier cosa de cualquier lado en cualquier momento. Es difícil descubrir música sin un prescriptor, tengo 5 o 6 amigos que me dicen qué escuchar, de diferentes estilos, y recolecto cosas de sus recomendaciones».
¿No te fías de ningún medio tipo The Guardian?
Ross: «No puedo soportar las críticas de The Guardian, son muy negativas, es perjudicial para la música. No es muy amable. No hables de música, no tiene sentido hablar de algo que no te ha gustado».
Skye: «Exacto, no hables de algo que no te ha gustado».
Ross: «Hay emisoras que me gustan, KCRW en Los Ángeles, 6 Music en Reino Unido… Paso mucho tiempo haciendo compilaciones de cosas que he oído en la radio».
Joaquín Sabina ha hablado con El País sobre varios temas, entre ellos la música actual y, en concreto, el rap. No es fan: “No sé si soy una voz autorizada porque oigo poca música y no estoy al tanto. Y a veces, como todos los viejos, reacciono contra lo nuevo. Me decepcionó mucho el rap, que se ha ido convirtiendo con los años en poesía de analfabeto y para analfabeto que habla fundamentalmente de quién la tiene más larga. Ahora pones la radio y es un desastre su maléfica influencia. Cualquiera cree que puede rimar y versificar”.
No se sabe a quién se refiere Sabina cuando habla de raperos que no saben rimar, pero seguro que al reciente ganador del premio Pulitzer Kendrick Lamar no. Por sus palabras, parece referirse más bien a la moda actual del “mumble rap” representada en España por traperos que “balbucean” las palabras como Yung Beef o La Zowi, por lo que quizá tampoco esté al tanto de quién era Gata Cattana. Sin embargo, cabe destacar la honestidad de Sabina al reconocer que no escucha música nueva, y además por sus palabras se entiende que sí hubo un rap que llegó a gustarle, pero que con el actual no se da el caso.
En otro punto de la entrevista, Sabina sí reconoce que hay cosas interesantes pasando ahora en la música, como Rosalía o Vetusta Morla, aunque no cree que haya equivalente español actual a sus ídolos Bob Dylan y Leonard Cohen pese a gustarle “Leiva y Vanesa Martín”. Tampoco deben interesarle las (magníficas) letras de la reciente ganadora del Premio Nacional a Las Músicas Actuales, Christina Rosenvinge.
Sabina ha sido noticia este año tras cancelar la gira de su último disco, ‘Lo niego todo‘, debido a problemas con su voz.