2 Chainz ha publicado esta noche un disco llamado ‘Rap Or Go to the League’ en el que ha contado con varias colaboraciones de lujo. Encontramos a Ariana Grande en el tema llamado ‘Rule the World’, a Kendrick Lamar en la hipnótica ‘Momma I Hit a Lick’, a Travis Scott en ‘Whip’, a Lil Wayne en ‘2 Dollar Bill’ y a Chance the Rapper en ‘It’s Not Crazy, Life Is’, entre muchos otros.
La inicial y ceremoniosa ‘Forgiven’ o ‘Money in the Way’, que va a encantar a los fans de ‘Misseducation of Lauryn Hill’, reivindican un sonido clásico, propio de los discos de hip-hop de principios de siglo; mientras otras pistas como ‘Statute of Limitations’, ‘High Top Versace’ con Young Thug o la mencionada ‘Whip’ apuestan por los ritmos escuchados en el último lustro.
En cualquier caso y con este elenco, el éxito en las listas para 2 Chainz parece garantizado: Ariana Grande, por ejemplo, está en el mejor momento comercial de su carrera y aporta aquí unos «hey, uh-huh» que acercan el álbum al pop. De todas formas ya el anterior álbum del rapero, ‘Pretty Girls Like Trap Music’, era top 2 y a la postre disco de platino en Estados Unidos.
Maluma llevaba unos días lanzando teasers sobre su nuevo single, ‘HP’, y este viernes se ha lanzado finalmente tanto el single como el vídeo de esta canción. ‘HP’ es exactamente lo que estabas pensando, “hijo de puta”, si bien este insulto aparece muy ligeramente censurado en la letra.
Lo que quizá no adivinaste es que se trata de otro himno-de-empoderamiento femenino en el que Maluma ensalza a una mujer que “no está buscando novio”, que “quiere salir a joder”, que “quiere olvidarse de ese bobo”, porque “el cabrón le fue infiel”. La conclusión es que no necesita a ningún “hijo de puta” que le haga sentir peor. Mientras el vídeo de Nuno Gomes está lleno de graffitis, ropa deportiva y arte urbano, la producción del tema ha corrido a cargo de Madmusick y Edge. La letra está siendo cuestionada por precisamente incluir la palabra «puta».
Esta semana también se ha sabido gracias a Instagram que Madonna acaba de grabar un dúo con Maluma, presumiblemente para el inminente disco de ella. Según el site de fans MadonnaTribe de hecho será el primer single de ese álbum influido por la cultura portuguesa (?), en el que lleva trabajando más de un año. El sencillo saldría a finales de abril o a principios de mayo, y el disco en junio.
Cero estrenaba ayer el nuevo programa de Mercedes Milá, en medio de una ametralladora de titulares sobre la depresión que sufrió los dos últimos años que presentó Gran Hermano, su salida de Telecinco o su deseo de ser periodista hasta que se muera. En ‘Scott y Milá’, siendo Scott su perro, un pequeño schnauzer monísimo, veremos a Mercedes mostrar su amor por los animales, buscar el significado de la palabra Cataluña o reflexionar sobre ecología.
Serán cuatro programas de momento, el primero de los cuales trató anoche sobre su propia salud y la de otras personas de su edad o mayores que ella. La presentadora de ‘Queremos saber’ acude a diferentes tipos de médicos y consultas en busca de su verdadera edad biológica o mejoras para su estado físico, mientras ella misma espeta a los médicos que ‘Scott y Milá’ va sobre «entretenimiento, provocación y ayuda». «La vida sin pedos no tiene sentido para mí», indicó al psiconeuroinmunólogo Xevi Verdaguer, al que mostró sus heces para su análisis completamente entusiasmada y ansiosa por averiguar lo que les pasaba, ante la mirada estupefacta de la audiencia (vídeo oficial bajo estas líneas).
Ese momento en el que Mercedes Milá saca su propia mierda del bolso y la pone sobre la mesa no precisamente dentro de un bote de cristal oscuro, es la parte de provocación que tiene el programa. Uno puede rezar para que sea «caca» -como ellos insistían en llamar- de Scott. ¿Pero qué revolución televisiva sería una mierda de perro seca? La presentadora que revolucionó la televisión asegurando que meaba en la ducha tenía que ofrecernos algo más y por tanto nos obsequiaba con un plano de heces al aire que ríete tú de Divine y John Waters. «Debería ser más alargada», dijo sin vacilar más que un par de segundos Verdaguer, un experto en lo que falta y lo que sobra en nuestros intestinos.
Por lo demás, ‘Scott y Milá’ no aprovechó la ocasión para realizar una investigación periodística sobre medicina alternativa o nuevas formas de medicina, para pasar de lo concreto a lo general. En ese sentido fue más un programa muy amable, personalista y personal, casi egocéntrico, en el que vimos a Milá abrazar a una enferma con demencia, a Milá haciendo taichi o a Milá preguntando a una mujer enferma si todavía puede limpiarse el culo. Es todo sobre ella, en realidad, pero como tantas personas de su edad, lo cierto es que tiene una verdad por difundir sobre lo que nos espera a nuestra jubilación, más allá de los 65 años.
Mercedes, que cumplirá 68 justo cuando acabe este show, se desnuda aquí al hablar de sus problemas mentales y al recibir sus resultados médicos frente a las cámaras como si fuera una concursante más del Gran Hermano, solo para que ahondemos en su personalidad. La cual es fascinante como muestra de ese tipo de persona liberal que siempre ha dicho lo que opinaba al margen de lo que pensaran los demás, y que cerca de los 70 va a cohibirse ahora menos que nunca. Haciendo una analogía con la sitcom sobre la tercera edad ‘Frankie y Grace’, ella quiere ser el personaje hippie interpretado por Lily Tomlin, pero en realidad le sale el pijo interpretado por Jane Fonda. En ambas vertientes resulta delirante.
Tal y como hizo la propia Solange con su anterior álbum, ‘A Seat at the Table‘, o su hermana Beyoncé con ‘Beyoncé’, la primera ha lanzado hoy de manera directa, sin singles de adelanto, su nuevo disco. Aunque algo podíamos intuir, después de que a lo largo de toda esta semana haya estado subiendo distintos teasers en sus redes sociales.
El disco se titula ‘When I Get Home’ y, pese a sus 19 cortes, dura 39 minutos. Y es que no sólo hay numerosos interludios, sino que además hay hasta 5 canciones que no superan los dos minutos de duración. Grabado en localizaciones de Nueva Orleans, Jamaica y California, el disco tiene una base de jazz aderezado con electrónica y hip hop. Solange declaró el otoño pasado, cuando se planteó lanzar este disco, que así quería «hacerlo explotar» y hacernos «menear el trasero».
Repasando los créditos que figuran en Spotify, ‘When I Get Home’ contiene numerosas colaboraciones, pero no se trata tanto de featurings (no hay ninguna acreditada como tal) como de participaciones en la producción de los temas: Metro Boomin participa en ‘Stay Flo’, Earl Sweatshirt y Dev Hynes (Blood Orange) en ‘Dreams’, Pharrell Williams en ‘Almeda’ y ‘Sound of Rain’, Sampha (como co-autor) en ‘Time (is)’, Tyler, the Creator en ‘My Skin My Logo’ y Panda Bear en ‘Binz’. Pithfork señala además participaciones vocales de Gucci Mane, Playboi Carti y Cassie. El disco también está ya disponible al completo en el canal de Youtube de la artista.
Doctor Music se celebra este verano, entre los días 11 y 14 de julio en el Vall D’Àneu de los Pirineos (provincia de Lleida). A falta de que se cierre el cartel, JENESAISPOP, que es «media partner» de este festival, destaca 10 de los nombres imprescindibles que ya se han sumado durante las últimas semanas. Os recordamos que existen distintas modalidades de abonos entre los 140 y los 225 euros disponibles en su web, donde por cierto han incluido una sección «comer, beber y hacer el amor«. En semanas venideras publicaremos la segunda parte de este artículo, así como otros sobre el festival en nuestro Especial Doctor Music.
Rosalía
Varios meses después de su edición, ‘El mal querer’ continúa siendo el disco en boca de todo el mundo, tras haberse situado como el 5º álbum más vendido de España durante 2018 y el 2º más escuchado. Como ha indicado la propia Rosalía varias veces a través de las redes sociales cuando le preguntan por su próxima gira, la cantante está preparando un gran show para festivales, el primero de los cuales será nada menos que Coachella. A poco que se parezca a lo visto en Colón en Madrid será histórico, pues su actuación ya ahí fue para cortar el hipo. En Doctor Music actúa el sábado 13.
The Strokes
Nadie sabe cuáles son los planes discográficos para The Strokes durante este próximo año. Su último EP data de 2016 y lo último que hemos oído de alguno de ellos es algún tema de Albert Hammond Jr, quien a su vez se ha dejado ver grabando nada menos que con Natalie Imbruglia. Lo seguro es que las giras de la banda principal de Julian Casablancas siempre han incluido todos sus hits y que al menos la última vez que tocaron en 2017 no privaron al respetable ni de ‘Someday’, ni de ‘Last Nite’, ni de ‘Reptilia’ ni de ‘Hard to Explain’.
Christine and the Queens
Una de las artistas más esperadas en nuestro país porque no se prodiga mucho por aquí pese a proceder del país vecino es Christine and the Queens. ‘Chris‘ fue otro de los discos comunes en prácticamente todas las listas de lo mejor de 2018 y lo que es más importante en este caso, sus performances en directo son tan alucinantes que ha sido mediante ellas que ha podido conquistar territorios tan complicados como el Reino Unido.
The Smashing Pumpkins
El grupo de Billy Corgan visita al fin España este verano tras haber realizado durante el año pasado una gira de reunión con casi todos los miembros originales del grupo por Estados Unidos. Estamos a la espera de una segunda parte, pero su reciente disco ‘Shiny and Oh So Bright, Vol. 1: No Past. No Future. No Sun‘, contenía varios temas que parecían directamente ideados para el directo.
The Chemical Brothers
Cuando llegue el momento del Doctor Music Festival, el nuevo disco de Chemical Brothers ya estará en el mercado. ‘No Geography’ llegará a las tiendas el 12 de abril y de él hemos conocido sencillos tan inmediatos como ‘MAH (Mad as Hell)’. En todo caso, el espectáculo audiovisual y los viejos éxitos siempre han estado asegurados en su agradecido y jamás excéntrico repertorio.
The Good The Bad and The Queen
El culo inquieto de Damon Albarn nunca jamás se ha conformado con poco y el año pasado, casi sin avisar, lo que entregó fue un disco junto a su cuasi olvidado proyecto paralelo lleno de superestrellas The Good, The Bad and The Queen. El álbum contaba con la infalible producción de Tony Visconti, mano derecha de David Bowie, y al primigenio Bowie remitían temas como el pizpireto ‘Gun to the Head’, en el que analizaba las razones del sí al Brexit.
Primal Scream
Aparte de protagonizar Bobby Gillespie uno de los memes más delirantes y a la vez uno de los más justificados de 2018, Primal Scream publicaban sus grabaciones perdidas realizadas en Memphis en 1993, que no terminaron de constituir su disco ‘Give Out But Don’t Give Up’. Bajo el nombre de ‘Give Out But Don’t Give Up: The Original Memphis Recordings’, el álbum se editaba finalmente el año pasado con tomas alternativas. Suenen como suenen, hits tan incombustibles como ‘Rocks’ siempre han estado entre lo más loable de todo festival por el que la banda haya pasado.
Richie Hawtin Close
Aunque con una buena dosis de rock en su cartel, como ya fue tradición, y ahí están Berri Txarrak, Anathema, Sôber y Opeth para demostrarlo, Doctor Music no dará la espalda a la electrónica. Entre las propuestas más suculentas, el espectáculo ‘Closer’. Un show de 75 minutos en el que oficialmente «explora la relación entre la creatividad humana y las tecnologías innovadoras que permiten la libertad de la improvisación».
Sisters of Mercy
Hablando de rock, no podemos esquivar la que ha sido una de las bandas más influyentes del post-punk británico. El grupo liderado por Andrew Eldritch, el miembro original que sigue al frente, ha dejado realmente claro en qué va a consistir su show con la escueta pero definitoria declaración “Tenemos canciones antiguas y nuevas, luces cegadoras y muchas máquinas de humo”. La verdad es que ardemos en deseos de escuchar hitazos como ‘Temple of Love’ en vivo.
King Crimson
King Crimson están celebrando una gira de 50 aniversario, y su parada en Doctor Music no podrá estar más dotada de significado. Tres serán los conciertos que ofrecerá la banda durante los días que dura el DMF 2019. Es decir, actuarán tanto el viernes como el sábado y el domingo, repasando temas de todos sus álbumes, pues casi todos cuentan con temas habituales en su repertorio, lo que incluye varias pistas de su seminal disco ‘In The Court of the Crimson King’ (1969), entre ellas el primer corte, ’21st Century Schizoid Man’, a la postre sampleado por Kanye West en la exitosa ‘Power’.
Miss Caffeina han dejado atrás todo tipo de prejuicios en ‘Oh Long Johnson’, haciendo el disco de pop electrónico que antes no se hubieran atrevido según sus propias palabras. ‘Detroit‘ fue un avance en ese sentido, pues fue un álbum en el que cabían como referencia tanto los Killers más poperos como los años 80 de Tino Casal; y el nuevo es un paso más en esa misma dirección. Para muestra el tema titular y primero en la secuencia, con unos desvergonzados teclados a lo Camela y frases como «a males de muchos, Consuelo Berlanga».
La deriva artística de Miss Caffeina es indisociable del hecho de que su líder Alberto Jiménez se haya convertido en uno de los portavoces más importantes de la comunidad LGTB+, aunque haya sido de manera un tanto involuntaria o por descarte (porque no hay muchos más cantantes jóvenes en España que se hayan atrevido a dar el paso), como ha sucedido a Javiera Mena. El caso es que muchas de las canciones de este nuevo álbum son una invitación a ser uno mismo, como el propio single ‘Merlí’, escrito en este caso por el guitarrista Sergio Sastre e inspirado en la serie homónima de la TV3, de vibrantes pre-estribillo en catalán y contundentes teclados; o el buzz single ‘Reina’, escrito en ese caso por Alberto.
Puede que no lo apreciáramos en las primeras escuchas, pero ‘Reina’ es una de las composiciones más bonitas que haya escrito jamás Jiménez, pues en ella vuelve a su pueblo, Talavera de la Reina, para enfrentarse a sus miedos, a los tiempos en que sufrió bullying, y de manera significativa, también a los tiempos en que volvió, arrogante, mirando a los demás por encima del hombro: «Volveré con más cordura / Más sereno y con arrugas / Pasearé por el colegio / Esta vez sin tener miedo / Volveré para enseñarte / Que al final hice algo bueno / Con todas tus frases hechas / Con todos tus golpes secos». Esta historia de Alberto hablando de aquel lugar «donde solía tener un padre, donde jugaba a ser cantante» puede ser la más personal que ha escrito pero es a la vez la más universal. Jiménez no ha escondido nada y ha tenido el valor de llamar a esto ‘Reina’ (sorry, Tracey Thorn, te ha salido más competencia), ¿pero quién, hetero o gay, grande o pequeño, hombre o mujer, no se ha estremecido al volver a pasar por la puerta de su colegio recordando lo peor que le pasó allá dentro, en aquel lugar que recordaba tres veces más grande de lo que resultó ser?
En una línea similar, ‘Calambre’ parece dirigirse a aquellos que se levantan odiando en frases como «corrí a veces de puntillas por si no era bienvenido, por si nunca fui invitado» y «rogué no ser decapitado en la fiesta más bonita que preparas cada año» mientras al final ese «eres el hombre más viril y más osado» no puede sonar más irónico. ‘Planta de interior’, con un estribillo como ideado para sus conciertos que dice nada menos que «para ya de joder, ¡joder, joder!», evoca la «alta toxicidad» y las «polémicas» de las redes sociales que nos suelen amargar la tarde, sobre las que ironiza el propio título del álbum, inspirado en un meme.
Pero hay por supuesto otras temáticas en ‘Oh Long Johnson’ y así el segundo single oficial ‘Prende’, sirviéndose de un simpático modulador vocal, habla de tentaciones y hedonismo; mientras que, por contraste, el disco se cierra con ‘Ausentes presentes’. No me extraña que el padre de su autor, de nuevo Sergio Sastre, dijera «Perales» nada más escucharla: a mí me pasó exactamente lo mismo con esta composición triste y confesional que parece hablar sobre el miedo al olvido. Guiada por un piano muy 70’s -mitad Carole King mitad David Bowie-, la balada ha sido relegada al último lugar del álbum, hasta entonces muy focalizado hacia la electrónica, si bien no prescinde de los sintes.
‘Oh Long Johnson’ había ofrecido hasta entonces una colección de canciones entregadas al disco como ‘Planta interior’, de guitarras muy Chic, o ‘Fiesta nacional’; al acid y al dance noventero como el rompepistas ‘Cola de pez (fuego)’; al experimento, como ese ‘Calambre’ que comienza en plan balada pero termina con unos bajos duros que ni el trap; o al italo, que se asoma levemente por ‘El gran temblor’. El grupo ha confiado todo ello a su mano derecha, el británico Max Dingel, y a veces el aire retro dado a algunas producciones no es el óptimo. Al fin y al cabo uno no se va a Londres para sonar a Camela nada más empezar el disco y a Fangoria en la desaprovechada ‘El gran temblor’, cuya melodía y carácter épico merecían un tratamiento más fino. Igual Miss Caffeina ya están muy por encima en ambiciones de bandas producidas por Dingel tipo White Lies.
Pero no cabe duda de que el grupo ha dado en más de la mitad del disco con nuevas canciones con las que conectar con la nueva generación millennial a la que se dirigen con vídeos como el de ‘Merlí’, inspirado en los Stories de Instagram; e ilusionar a otra más talluda que no ha perdido la ilusión por la música nueva, a la que textos y teclados removerán ciertas cosas. «Esto va de cometer los mismos errores de siempre, los mismos putos errores, los mismos errores», se jacta ‘Bitácora’. Y la verdad, «menos mal que aún podemos cantar a voz en grito. Menos mal que aún nos queda este punto de conexión».
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Reina’, ‘Merlí’, ‘Cola de pez (fuego)’, ‘Prende’ Te gustará si te gustan: Zahara, Dorian, Fangoria, la parte más electrónica de ‘Detroit’ Escúchalo:Spotify
Avanzamos en Ready for the Weekend las novedades que mañana viernes 1 de marzo llegarán a tiendas y plataformas de streaming. Esta semana se publican los nuevos álbumes de Solange, Miss Caffeina, Robert Forster, Rocío Márquez, Self Esteem (proyecto personal de Rebecca Lucy Taylor, de Slow Club), The Japanese House, Las Odio, Crystal Fighters, Hozier, Bryan Adams, Sun Kil Moon, LÉON, Weezer, Tom Walker, Basurita, Royal Trux, Ximena Sariñana, Pond, Clea Vincent, Backyard Babies, Mansionair… y muchos más. Además, en el mundo del hip hop T-Pain ha lanzado un álbum por sorpresa, ‘1UP’, 2 Chainz presenta un álbum repleto de estrellas y también recuperamos el retrasado álbum de Offset de Migos en solitario, que la pasada semana llegó a España a streaming con algo de demora. Lali Puna y Cookin Soul presentan sendos EPs.
Esta semana, como contábamos, parece llegar la auténtica cosecha pop de 2019 con los auténticos nuevos singles de MARINA, Ellie Goulding y Jonas Brothers –llegarán en las próximas horas–, Rita Ora con 6LACK y Selena Gomez junto a J Balvin y Tainy en una producción de benny blanco, a los que sumamos también los temas que han presentado a lo largo de los últimos días Carly Rae Jepsen y Emma Bunton, componente de Spice Girls.
A lo largo de la semana hemos conocido nuevas canciones de Anni B Sweet, Morrissey, Fuerza nueva (proyecto que suma a Los Planetas y Niño de Elche), Kevin Morby, Stella Donnelly, Cala Vento (avance de su tercer largo), Bad Religion (adelanto de su primer álbum en 6 años), Hatchie (primer single de su debut, cuya portada acompaña estas líneas), Tierra Whack, Rolling Blackout Coastal Fever, Ex Hex, Pixx y Big Thief. A estas se han sumado hoy el single debut de DORA (el proyecto de Dora Salvatore, hija de Bimba Bosé), The Cranberries (adelanto del último disco del grupo), Maluma, Sigrid, The Drums, Alphabeat (¡Alphabeat!), Dellafuente, Nick Lowe & Los Straitjackets, Enric Montefusco, Museless, Loyle Carner & Jorja Smith, Gesaffelstein & Pharrell Williams, Röyksopp, Vega & Iván Ferreiro, Kaydi Cain, Guided By Voices, Roi Méndez y Hombres G, entre otros.
Un extenso álbum recopilatorio de Tom Petty, un remix junto a Drake de un single de la artista de R&B Summer Walker, un tema de Tindersticks para la nueva película de Claire Denis interpretado por Robert Pattinson (!), un inédito de The Radio Dept. en formato remix y la visión de MNEK de ‘I’m So Tired’, el actual hit de Lauv & Troye Sivan, completan la extensa selección de este primer viernes de marzo.
Mónica Naranjo ha dado hoy los detalles de su gira Renaissance, que celebra sus 25 años en la música. Como se avanzaba hace unos días a raíz de la presentación de su programa Mónica y el Sexo, Mónica Naranjo celebrará también en otoño sus 25 años en la industria musical. En rueda de prensa ha adelantado una gira de 4 conciertos a la que se sumarán nuevas fechas. De momento se conocen las de Madrid (2 de octubre), Sevilla (12 de octubre), Málaga (19 de octubre) y Barcelona (24 de octubre). Las entradas salen a la venta esta noche.
En estos shows Naranjo repasará sus grandes éxitos, como ‘Desátame’, ‘Sobreviviré’ o ‘Europa’ en orden cronológico y con arreglos actualizados. Ha asegurado que en los shows habrá músicos clásicos y una gran coral, y por esto último realmente no podemos esperar más, pues a la larga ha quedado claro que la grandiosidad ha sido su gran aliada. Eso sí, ha explicado que la etapa de ‘Chicas malas’ quedará excluida porque “hay algo dentro de ese disco que le trae muy malos recuerdos”. Añade que “le sigue cayendo gordo”.
Aunque el tema titular de aquel disco de 2001 desde luego permanece en la imaginería popular, la cantante parece no haber superado aún la decepción que le supuso no haber dado con él el salto internacional prometido por Tommy Mottola, a punto por aquel entonces de dejar de pintar demasiado en Sony. Hace unos años lo definía como «el mayor tortazo de su vida», dejándola «frustrada y descolocada».
El disco fue top 4 en España y solo estuvo 9 semanas en lista, por lo que se consideró un gran flop: es el único álbum de Mónica que no ha sido número 1, con la salvedad de ‘Palabra de mujer’, que fue top 2 pero sobre todo un monstruoso sleeper capaz de vender 1 millón de unidades solo en nuestro país. La versión en inglés, ‘Bad Girls’, ha desaparecido de la faz de la tierra y por tanto se vende en Discogs a unos 300 euros.
A cuenta de ‘Hikomori’, canción de su álbum debut ‘Nuevas degeneraciones’, Escuelas Pías nos confesaban su gusto común por la reclusión y los paraísos artificiales, cierto carácter antisocial. La nota de prensa de este nuevo disco, firmada por Manolo Domínguez del extinto (y exquisito) webzine La Nadadora, habla de esa búsqueda de la invisibilidad que evoca también la portada de ‘Música ligera para un funeral’. Y, a la vez, destaca que Christian y Davis parecen querer (y a la vez, no querer) sacar un poco la cara de entre las sombras.
Se refiere, entiendo yo, a las melodías certeras de ‘Me muevo’, ‘Agujero negro’, ‘Última estación’ o ‘La carrera espacial’, puro pop en el fondo que además es realzado por la voz de Davis, una de las más bonitas del panorama indie con diferencia. En ese sentido, ‘Música ligera para un funeral’ –título que le va que ni pintado como definición– no supone una sorpresa por parte de aquellos que firmaban ‘Temporal’ o ‘La muerte dulce’. Sí lo es, en cambio, en la mayor presencia de guitarras que, como si Christian quisiera sacarse una espina tras la disolución de Blacanova, emerge en un torrente noise al más puro estilo Slowdive o Beach House. Un shoegazing que toma protagonismo y que, aunque no sustituye el electropop melancólico que evocaba (y sigue evocando) a The Radio Dept. (‘Última estación’), New Order (muy presentes en ‘Carrie Page’) o proyectos locales como Dar Ful Ful, sí que convive con él.
Pero Escuelas Pías parecen vivir en esa ambivalencia, esa duda sobre dejarse ver o seguir ocultos en la sombra (“todo lo que brilla necesita oscuridad”, cantan), especialmente en este trabajo. No sólo por la cadencia de temas taciturnos y sombríos que a veces encandilan con sus giros melódicos (‘Las cloacas del amor’ y ‘Galletas de la suerte’, sobre todo), sino porque a menudo parecen enredarse en progresiones instrumentales que alargan las canciones en exceso, por encima de los 5 minutos casi siempre, aminorando su pellizco. Pero, al fin y al cabo, ese espíritu algo hermético, que sin duda dificulta la tarea de entrar en este álbum, parece inherente a unos tipos que se sienten cómodos cantando algo tan demoledor como “la felicidad trae la enfermedad”. Escuelas Pías presentan ‘Música ligera para un funeral’ mañana, 1 de marzo, en el ciclo Acústics de la Sala Almodobar de Barcelona, junto a Algora.
Calificación: 6,9/10 Lo mejor: ‘Agujero negro’, ‘Me muevo’, ‘Las cloacas del amor’, ‘Última estación’, ‘Galletas de la suerte’ Te gustará si te gustan: The Radio Dept., Slowdive, New Order, Algora Escúchalo:«>Spotify
Día agridulce para aquellos que crecimos con las aventuras de los chicos de ‘Sensación de vivir’. Por un lado, Luke Perry, el actor que interpretaba a Dylan, ha sido hospitalizado en Los Ángeles este miércoles después de que los médicos recibieran una llamada de su casa indicando que el actor había sufrido «un derrame cerebral». Se desconoce la gravedad del accidente o la lesión, y su agente únicamente ha indicado que se encuentra «bajo observación». Durante la noche del jueves al viernes se ha informado de que está sedado.
Por otro lado, hoy justo se anunciaba que definitivamente FOX emitirá 6 episodios de la nueva tanda de ‘Sensación de vivir’ con hasta 6 de los actores originales. El nuevo proyecto no es exactamente un regreso, ni un revival, ni un reboot como lo que se hizo hace una década con Jennie Garth (Kelly), sino que sigue una idea un poco más meta. Esta ha sido que los actores visiten Beverly Hills 90210 diecinueve años después, cada uno interpretando versiones exageradas de sí mismos, jugando con la idea de realidad y ficción.
¿Quiénes son esos 6 actores y por tanto quiénes faltan del total de 8 personales principales? Los 6 que están son Jason Priestley (Brandon), Jennie Garth (Kelly), Ian Ziering (Steve), Gabrielle Carteris (Andrea), Tori Spelling (Donna) y Brian Austin Green (David). Los 2 que faltan son los 2 más esquivos, como habréis adivinado Shannen Doherty (Brenda), quien ha hablado recientemente sobre cómo sufrir un cáncer cambió su vida; y Luke Perry, que declaraba estar ocupado con otro proyecto, su participación en ‘Riverdale’.
El segundo disco de Jess Glynne ha terminado resultando un gran éxito en Reino Unido, animado por lo que han gustado sencillos como ‘I’ll Be There’, ‘All I Am’ y en plena Navidad, ‘Thursday’. La nueva apuesta de la cantante es la realización de un vídeo para el tema ‘No One’, aquel que tenía un puntito en común, sobre todo en las estrofas (en los estribillos no tanto), con ‘Rolling in the Deep’ de Adele.
En el vídeo nuevo, Jess Glynne aparece huyendo de los problemas de pareja, y más concretamente de esas discusiones constantes capaces de sacar lo peor de nosotros mismos. El vídeo dirigido por Declan Whitebloom parece que va a ser una road movie tras esa huida de Jess, en sintonía con algunos fragmentos de la letra (“nowhere to go”, “when I hit the ground running”), si bien luego evoluciona hacia otra cosa. Declan Whitebloom ya había trabajado con Glynne en muchas otras ocasiones, pero también se ha encargado por ejemplo del vídeo de Rita Ora para ‘Anywhere’ o del de Taylor Swift para ‘We Are Never Ever Getting Back Together’. Esta es su web.
Este nuevo single llega también cuando Jess Glynne está punto de actuar en nuestro país. El viernes 1 de marzo estará en La Riviera de Madrid y el 2 de marzo en Apolo, Barcelona. Solo quedan entradas para el show de Madrid, pues la sala tiene mayor capacidad, y es aquí.
Jonas Brothers han anunciado finalmente que su single de regreso, llamado ‘Sucker’, como el gran disco de Charli XCX, sale esta madrugada. El trío no quiere perder ni un solo punto de streaming de cara a las listas estadounidenses y eso significa que en España no podrá escucharse hasta las 6 de la madrugada. El anuncio les ha convertido en «trending topic» de manera instantánea. Algunos usuarios están sacando al adolescente que llevan dentro para recordar orgullosos que el fanatismo que mostraron por el grupo a los 11 o 12 años no se ha ido a ningún lado. El trío también ha compartido un teaser de lo que será su Carpool Karaoke junto a James Corden.
Jonas Brothers se separaron no hace tanto, en 2013, si bien la situación fue dramática, pues el grupo llegó a anunciar un disco llamado ‘V’ que finalmente decidía cancelar. Aunque hubo singles sueltos y conciertos, en realidad su último largo, ‘Lines, Vines and Trying Times’, sí data ya de hace 10 años, junio de 2009.
En este tiempo, Nick Jonas ha sacado dos discos en solitario que lograban conquistar las listas de éxitos. El último de ellos, ‘Last Year Was Complicated‘ recibía críticas bastante aceptables. Ahí estaba contenido su gran himno, ‘Close’ con Tove Lo, que a día de pulveriza cualquier dato de streaming que hayan obtenido Jonas Brothers, con 300 millones de reproducciones en Spotify y 200 millones en Youtube: muchísimo más que el mayor hit del trío. De hecho, Nick Jonas tiene 8,5 millones de oyentes en Spotify por solo 1,5 millones para Jonas Brothers. ¿Logrará este comeback dar la vuelta a esta tendencia o es solo un divertimento como lo fue para Robbie Williams su retorno a Take That?
*2010* Mi papá: nah seguro su obsesión por los Jonas Brothers se le pasa en uno o dos años
Si nunca te has despegado del todo de los 90 es posible que nunca hayas dejado de escuchar a L7; si hace poco te has reencontrado con Bikini Kill a causa del anuncio de su gira, es posible que te hayas reencontrado con L7; y si te has leído recientemente el libro del crítico musical Rob Sheffield sobre la pérdida de su esposa, también periodista musical, ‘Vives en las cintas que me grabaste‘, seguro que te has reencontrado con varias buenas canciones de L7.
Después de varias pistassueltas dejadas por el camino, al fin el regreso de la banda es una realidad y el grupo detalla ya todos los detalles de su próximo álbum, al tiempo que comparte el primer single. El disco se llama ‘Scatter the Rats’, saldrá al mercado el 3 de mayo a través del sello de Joan Jett Blackheart Records, y el single con el que se presenta se llama ‘Burn Baby’. Es totalmente fiel a su característico sonido.
El nuevo álbum de L7 ha sido producido por Norm Block y Nick Launay y ‘Burn Baby’ abre el álbum mientras que el corte titular lo cierra. El nombre ‘Scatter the Rats’ viene del deseo de hacer rock para «dispersar a las ratas» que de hecho había en el estudio.
01 Burn Baby
02 Fighting the Crave
03 Proto Prototype
04 Stadium West
05 Murky Water Cafe
06 Ouija Board Lies
07 Garbage Truck
08 Holding Pattern
09 Uppin’ the Ice
10 Cool About Easy
11 Scatter the Rats
El programa Jägermusic es una iniciativa del espirituoso Jägermeister que, desde hace ya varios años, auspicia bandas y artistas noveles del underground español, impulsando su proyección artística y comercial en eventos propios, escenarios de festivales o giras. Así, nombres como The Parrots, La Plata, Los Mambo Jambo, Los Tiki Phantoms, The Suicide of Western Culture, Disco Las Palmeras!, The Zephyr Bones, Los Bengala, Vulk, D’Valentina, Baywaves o Kaixo han contado con su apoyo para alcanzar a un público cada vez mayor.
Se acaban de anunciar las 10 nuevas bandas o solistas que se incorporan este 2019 al roster de Jägermusic, algunos de los cuales ya conocéis de otros artículos de esta web. Por ejemplo, el dúo Playback Maracas ya nos enganchó a finales del pasado año con el space-funk-rock de su debut, ‘Playback Maracas & The Electronic Moon Orchestra‘, que fue Disco Recomendado. Como también recomendamos ‘Corazón de cerdo con ginseng al vapor‘, el miniálbum debut del inclasificable y magnético Putochinomaricón. Otras que presentaron un debut notable y que ahora engrosan las filas de este proyecto son Uniforms y su shoegaze con un punto aguerrido. Y tampoco necesita presentación por aquí otro trío femenino que nos fascinó desde el principio, Cariño.
También hemos citado en distintas ocasiones a AWWZ, ecléctica productora de pop/R&B/electrónica afincada en Barcelona, los sevillanos Quentin Gas & Los Zíngaros, insignias del actual rock andaluz, a Goa, socio de Yung Beef en su última mixtape y con un interesante enfoque dark-rap-rock a lo Lil Peep, o la cumbia psicodélica de los heterodoxos Candeleros. También cabe destacar que Bronquio, audaz productor sevillano, y el cuarteto de rock garajero Hickeys han sido señalados entre las posibles Revelaciones nacionales 2019, dentro de nuestro especial anual. Así, confiamos verles pronto emular a otros compañeros del roster Jägermusic, creciendo mucho y bien.
La anunciada aparición de Taylor Swift en la gala de entrega de premios de la emisora californiana IHeartRadio el próximo 14 de marzo –donde se le entregará el premio a la mejor gira del año, pero no parece que vaya a actuar– ha desatado los rumores entre su fandom. Este, estimulado por tres fotos totalmente random en su perfil de Instagram, quieren ver en esa aparición el posible arranque de una nueva era de la artista, quizá con la continuación de ‘reputation’ a la vista este mismo año. Swift ha respondido a «las teorías» con una foto de su gato pasmado.
Pero lo cierto es que es llamativo que, tras el final del tour de presentación de su último álbum, haya acortado sus vacaciones y reaparezca tan pronto en la vida pública. La razón en realidad podría ser su participación en la adaptación cinematográfica del musical ‘Cats‘, en el que interpreta a Bombalurina. De hecho, su excusa para no acudir a la ceremonia de los Grammy 2019 fue que estaba inmersa en su rodaje.
Sin embargo, es un hecho el regreso a los medios de Swift, más allá de aquella simpática sorpresa a una pareja de fans en su fiesta de compromiso: hoy ha aparecido una columna firmada por ella en el nuevo número de la revista Elle. Salpicado con fotos de la típica sesión de moda, Taylor reflexiona sobre la situación de la música pop actual, y expone su teoría sobre las canciones que pasan a la historia. A través de casos personales, la autora de ‘1989’ expone que la música es una manera de viajar en el tiempo, transportándote a través de una canción a los sentimientos o la situación que atravesabas cuando te gustaba (cita a Dixie Chicks, Panic! At The Disco o The Fray en una serie de ejemplos personales).
Por eso ella, dice, escribe canciones con pequeños detalles que funcionan como una forma de captar recuerdos, «como si pusiera un marco a un sentimiento», del mismo modo que se hace una fotografía. Taylor considera que esa es la clave del pop actual: «en el pop moderno, las canciones/temones/temazos incluyendo detalles extremadamente personales como “Kiki, do you love me” y “Baby pull me closer in the backseat of your rover” se han abierto paso a un nivel cultural global. Este año estando de gira he escuchado estadios cantar apasionadamente con una mujer cubana cantando sobre ‘Havana'», dice.
«En realidad NO queremos que nuestro pop sea genérico. Creo que muchos amantes de la música desean un vistazo biográfico al mundo de nuestro narrador, una brecha en los muros emocionales que la gente construye a su alrededor para sobrevivir», continúa antes de rematar: «Ese vistazo a la historia del artista nos invita a conectarla con la nuestra, y en el mejor de los casos, nos permite asignar esa canción a nuestros propios recuerdos. Esta alianza entre una canción y nuestros recuerdos de los momentos en los que nos ayudó a curarnos, o nos hizo llorar, bailar o huir es la que realmente soporta la prueba del tiempo».
¿Recordáis cuando mucha gente se reía después de que Arenal Sound contara con Bad Bunny para su cartel? Quién nos diría por entonces que el puertorriqueño pasaría a ser, en menos de 12 meses, la gran estrella de festivales como Coachella, Sónar Festival… y, desde hace unos minutos, también Río Babel. El evento, nacido hace dos años en Madrid, se distingue por su hedonismo y su equilibrio de artistas internacionales de lo más diverso con nombres destacados de la música española y latinoamericana, acaba de cerrar su cartel con una potente batería de nombres, encabezada por el autor de ‘Amorfoda’.
Pero, además de Bad Bunny, se alinean artistas muy potentes en lo comercial. Por ejemplo, estará el dúo colombiano Bomba Estéreo, que recientemente veían como su viejo tema ‘To my love‘ adquiría una dimensión insospechada. También está en cantautor uruguayo, aunque instalado desde hace años en Madrid, Jorge Drexler, que poco triunfaba a lo grande en los Grammy Latinos. Y, como decíamos, el panorama nacional está representado por nombres tan recurrentes como eficaces en el entorno festivalero como Love of Lesbian y Fuel Fandango.
Aquellos, junto a otros nombres como Pedro Capó o Los Espíritus, se suman a las anteriores confirmaciones del festival: La Pegatina, Fatboy Slim, Mon Laferte, Dorian, Él mató a un policía motorizado y Trending Tropics. Todos ellos se distribuyen en tres jornadas, del 4 al 6 de julio, que tendrán lugar en el recinto de IFEMA Feria de Madrid. Los abonos de 2 y 3 días, así como las entradas por jornada, están a la venta en StubHub desde 20 euros.
No se puede decir que no se viera venir, después de que un festival como Primavera Sound incluyera en su cartel a J Balvin y, sobre todo, después de que el propio artista puertorriqueño fuera confirmado como cabeza de cartel en Coachella: Bad Bunny es la nueva gran confirmación de Sónar 2019.
El autor del notable ‘X 100PRE‘, que ya actuó el año pasado en Arenal Sound, encabeza la nueva tanda de confirmaciones del festival barcelonés, que también incluye otros nombres de campanillas: el rapero Lil Uzi Vert, el nuevo proyecto de Matthew Herbert (The Matthew Herbert Brexit Big Band), el tándem neoyorquino Louie Vega & Honey Dijon, el regreso del mítico productor japonés DJ Krush, el también nipón Daito Manabe, el dúo parisino Acid Arab, junto a proyectos de puesta en escena visual y tecnológica como los de Neon Chambers (Kangding Ray + Sigha), Quiet Ensemble, Hamill Industries & Shelly, Los Voluble o SebastiAn completan los nombres de este anuncio.
Todos estos nombres se suman a la extensísima programación anunciada en las últimassemanas, y que incluye nombres como A$AP Rocky, Skepta, Bad Gyal, Four Tet, Arca, Vince Staples, Kaytranada, Holly Herndon, DJ Koze, Snakehips, Floating Points, Paul Kalkbrenner, entre otros muchos. Sónar 2019 se celebra este año entre los días 18 y 20 de julio, en lugar del mes de junio habitual. Lo que no cambia es su ubicación: Sónar de Día, en la Fira Montjuïc de Barcelona, y Sónar de Noche en la Gran Via de L’Hospitalet. Los abonos están a la venta en la web del festival.
Tras presentarse con ‘Los campanilleros‘, Fuerza nueva, el proyecto que aúna bajo un sólo nombre y sensibilidad a Los Planetas y Niño de Elche, presenta hoy nuevo single. Y lo hace con toda la intención, aprovechando la coyuntura del Día de Andalucía, que se celebra hoy, 28 de febrero. Y es que ‘Santo Dios’, que así se llama la canción, es una versión sui generis de la canción popular en la que se basó Blas Infante, padre de la patria andaluza, para la composición de su himno.
Según explican en un nuevamente extenso e interesante texto que han subido a su página web, la «etnomusicología» revela que Infante se basó en esa canción que los segadores del pueblo sevillano de Cantillana cantaban para agradecer a Dios las buenas cosechas, estableciendo una conexión con ‘Els Segadors’, el himno de Cataluña. Y de ahí, interpreta que en realidad los nacionalismos catalán, vasco, gallego y andaluz parte de sus respectivas burguesías capitalistas (a la que en este caso representaría Infante), que «tomaron el nacionalismo como una forma de asentar su modelo de sociedad». De paso, señalan que esa versión de ‘Santo Dios’, quizá intencionadamente, borró los rastros de conexión que la original tenía con la cultura musulmana que nutrió lo que hoy es Andalucía durante 8 siglos.
Efectivamente, ‘Santo Dios’ se presenta como un himno religioso que podría ser interpretado –al menos en su primera parte– por la Velvet Underground, si bien poco a poco se va escorando hacia una instrumentación más enfangada, próxima a la psicodelia. Y es que, como dice la nota, «entonces (…) no se usaba la palabra lisérgico, pero hay que reconocer que tanto el himno patrio como el Santo Dios tienen algo de psicodélico. Más parece que sería el cornezuelo del centeno el que otorgaba tanta locuacidad y visiones muchas en tan sencillas y humildes palabras».
Su vídeo oficial, realizado por Andrés Duque, alterna imágenes de fieras con fieles que aguardan un milagro, para terminar, en lo más alto de la revuelta instrumental, con un desfile comandado por Franco (recordando que el himno andaluz se presentó sólo 8 día antes de su golpe de estado, y que fue perseguido durante la dictadura). La portada del single es, de nuevo, obra de Javier Aramburu, que esta vez emplea iconografía mística sobre la bandera de Andalucía.
Kero Kero Bonito han decidido reeditar una de las canciones incluidas en su último disco, ‘Time ‘n’ Place‘. Aunque no destacamos ‘Swimming’ en nuestra valoración original del disco, no es difícil entender por qué el grupo británico ha decidido volver apostar por ella, ya que es probablemente una de sus composiciones más preciosas y felices.
En el estilo indie-pop que ha adoptado en su segundo álbum la banda formada por Sarah Midori Perry, Gus Lobban y Jamie Bulled, ‘Swimming’ habla de la necesidad de evadirse por un momento de los problemas. La letra evoca a Sarah paseando junto a su madre en la playa, cuando esta, de la mano, le dirige hacia el mar para “nadar” en él. Midori siente que las “olas se mueven como si supieran que soy libre de nuevo” y empieza a nadar “a través del mar” para dejar sus “batallas atrás”. Sin embargo, la cantante nunca se sumerge del todo: “voy a la deriva, pero mantengo mi cabeza afuera para ver la costa”.
‘Swimming’ suena tan llena de esperanza pero a la vez tan melancólica como sugiere su letra, con un estribillo que no hace sino poner énfasis en ese “BONITO” incluido en nombre del grupo. Especialmente ese “swimming” final, que parece llegar a la costa como lo hace su protagonista tras un rato olvidándose del mundo en medio del océano, es ensoñador. ¿Quién puede echar de menos a los Kero Kero Bonito j-pop del principio con canciones como esta? Por cierto, la reedición, que se materializará en un single de 7″, incluye en su cara B la canción ‘The Open Road’, antes inédita, y que también os dejamos.
Ucrania se retira de Eurovisión 2019 y los países participantes de este año han pasado oficialmente a ser 41 en lugar de 42. Así se anuncia en la web Esc-today.com, donde se reproduce el comunicado original en el que este país explica su decisión.
La razón de la retirada es la polémica surgida tras la renuncia de su concursante electa MARUV. Esta se negó a representar finalmente a su país pese a ser ucraniana para no ser un títere político de la televisión nacional: «Soy ciudadana de Ucrania, pago impuestos y amo sinceramente a mi país. Pero no estoy lista para actuar con lemas, convirtiendo mi estancia en la competición en la promoción de nuestros políticos. Soy una cantante, no un murciélago en los lodos políticos», eran sus palabras.
Ahora la televisión ucraniana considera que no puede asistir a Israel finalmente debido «a la división que genera en la sociedad ucraniana el hecho de que la mayoría de artistas nacionales estén relacionados directa o indirectamente con el estado agresor, Rusia, bien sea a través de casas discográficas, productores o músicos». Consideran que este hecho genera preocupación entre su población.
No es la primera vez que el conflicto entre Ucrania y Rusia es noticia en Eurovisión. En 2017, Rusia decidió retirarse del concurso y no participó al celebrarse en Kiev. La entrada al país de su representante Yulia Samoylova era vetada por haber actuado en él sin permiso legal en 2015, y Rusia renunciaba a enviar a otra persona.
Y es que a principios de esta semana mostraba en Twitter una completa actualización de su perfil en BlackPlanet, una veterana red social estilo Tumblr. En ella podíamos ver numerosas fotos promocionales y gifs que muestran lo que a todas luces parece la estética que presentará a lo largo de esta nueva era artística. Cowboys (y cowgirls), coches clásicos, vestidos transparentes, vestidos metalizados, absolutamente ningún vestido… forman parte de su nueva imaginería, en la que, la verdad, merece la pena husmear.
Pero eso no es todo: en las últimas horas también ha subido un clip en Twitter en el que, además, podemos escuchar nueva música como parte de lo que parece el teaser de un nuevo vídeo. Una hilera de bailarinas alineadas en un pasillo y vestidas con traje de chaqueta realizan movimientos coordinados mientras suena una suerte de balada que, instrumentalmente, recuerda al soul de los 70 que, por ejemplo, Kendrick Lamar homenajeaba en ‘To Pimp a Butterfly’ o Thundercat en ‘Drunk’. El primer adelanto de este nuevo trabajo podría estar al caer y, con un poco de suerte, lo presentará en Primavera Sound 2019.
Chaka Khan ha vuelto tras 12 años con un disco producido principalmente por Switch, mano derecha de M.I.A y fundador junto a Diplo de Major Lazer. ‘Hello Happiness’ es un breve álbum de 7 temas y 27 minutos que, por su duración, nos traslada a los tiempos vividos de primera mano por la propia Khan, que antes de triunfar con ‘Ain’t Nobody’ o ‘I’m Every Woman’ fue cantante de Rufus, en los que era bastante habitual editar discos de vinilo de 6, 7 u 8 pistas (pienso en obras de Chic o Donna Summer) debido a las limitaciones del formato.
Hoy en día está de moda publicar álbumes cortos, pero lo que tiene mérito es que Khan, a sus 65 años, haya buscado renovarse sonando bastante dub, como demuestra el single ‘Like Sugar’. Este tema disco, con su gorda línea de bajo y sus campanillas, logra sonar bastante más “cool” de lo que consiguió cualquier trabajo reciente de Prince, cuya muerte en 2016 animó a Khan a entrar en una clínica de rehabilitación para tratar su adicción a los analgésicos. Cabe recordar que uno de los mayores éxitos de la carrera de Khan es ‘I Feel for You’, una versión de Prince, y que el músico de Minneapolis trabajó habitualmente con la artista, por ejemplo en su álbum de 1988 ‘CK’ o, 10 años después, en el olvidado ‘Come 2 My House’.
Aunque ‘Hello Happiness’ no olvida los ritmos disco y funk tipo “Nueva York años 70” con los que asociamos a Khan, la producción de Switch, Sarah Ruba y compañía está siempre salpicada de sonoridades psicodélicas propias del “dub”, incluso cuando la composición es tan abiertamente Motown como la de ‘Too Hot’. De hecho, ‘Don’t Cha Know’ y ‘Isn’t That Enough’ son abiertamente dub, aunque hay que lamentar que, en estas composiciones en las que Khan canta sobre estar “en control”, no parezca realmente estarlo: en todas ellas quien se luce más que nada es Switch y sus disparos radiactivos, lo cual tampoco es mucho decir, pues estas no son tampoco sus producciones más estimulantes.
Los mejores momentos de ‘Hello Happiness’ los ofrecen sus canciones más disco. ‘Like a Sugar’ es la mejor, ‘Hello Happiness’, en la que Khan pide “take me back to the dancefloor, so I can dance away my blues”, abre desde la euforia y sería un acierto en cualquier fiesta y ‘Like a Lady’, en la que Khan se desgañita viva rogando a su hombre que la trate como la mujer que es, la más clásica, aunque quizá no fuera tan buena como para merecer una versión acústica como la que aparece al final de la secuencia. En todos los casos Khan consigue al menos entretener durante media hora que pasa volando, aunque sus fans reconocerán que la artista merecía canciones un poco mejores en su regreso tras más de una década.
Calificación: 6/10 Lo mejor: ‘Like a Sugar’, ‘Hello Happiness’, ‘Too Hot’ Te gustará si te gusta: que los artistas veteranos busquen renovar su sonido Escúchalo:Spotify
Delaporte presentan hoy 28 de febrero en la Sala But de Madrid su nuevo disco, ‘Como anoche‘, con el que se han consolidado como uno de los grupos clave del pop electrónico en castellano. Las entradas están agotadas. El dúo de Sandra Delaporte y el italiano Sergio Salvi pegó un pelotazo televisivo al colocar ‘Un jardín’ como sintonía de la temporada anterior de ‘Fama’, pero lejos de quedarse ahí, han estado muy rápidos sacando singles sueltos, colaboraciones y diversos lanzamientos hasta llegar a este disco de 8 temas en los que encontramos algunos con el mismo potencial o más que ‘Un jardín’. Es el caso de ‘Supermán’, ‘No te vas a olvidar’ o ‘Algo baila en mí’. El grupo va a actuar también en el SXSW de Austin, el 3 de mayo en el Warm Up (Murcia), el 2 de agosto en Arenal Sound y el 13 de agosto en Mad Cool (Madrid), entre otras fechas. La semana pasada hablamos con Sandra y Sergio justo un día después de que pasaran por La Resistencia.
La verdad es que cuando os vi teloneando a Giorgio Moroder hace un par de años, no me esperaba que pegarais este pelotazo, ¿cómo lo habéis vivido vosotros?
Sandra: «Poco a poco. Queremos crecer de manera orgánica, que la gente vaya a los conciertos, no hacer «bumba» y luego caer. Pasó lo de Fama, que ayudó pero tiene una doble cara. Te salen muchas oportunidades, pero no se corresponde con los pasos que queremos dar, que queremos que ocurran de manera orgánica y lógica».
¿Dónde creéis que estaríais de no haber salido lo de Fama?
Sergio: «A lo mejor actuando en la Sala Sol en lugar de But».
Sandra: «Seguiríamos adelante, quiero pensar que en un sitio parecido».
Sergio: «Fama es un escaparate impresionante pero luego de cada 100 personas que te escuchan se quedan 10. Es un petardazo que no es real, lo real es un pequeño porcentaje de eso».
¿Cómo sucedió? ¿Alguien os dio un «push»?
Sandra: «Me escribió por Instagram Omar, un fan nuestro, cuando teníamos como 3000 oyentes mensuales. Es muy melómano y trabaja en Movistar. Se encarga de las bandas sonoras, de la música de los programas, mete la música que sale en la guía… Y estaban buscando un grupo genuino para Fama, porque lo que tenían les sonaba con poca personalidad o demasiado a marketing».
Sergio: «No querían que un grupo compusiera para Fama, ni una canción hecha aposta para Fama».
Sandra: «Querían algo más genuino y por eso me escribió por Instagram».
¿Ya no se necesita que un mánager te mueva unos hilos?
Sandra: «Sí, sí se necesita. Se necesita un equipo muy grande para salir adelante».
El disco está enteramente escrito y producido por vosotros dos solos. Es muy llamativo ahora que cada hit lo escriben hasta 10 personas. Me ha hecho esto pensar en Yelle y en cómo la liaron por dejarse producir por Dr Luke. ¿Cómo imagináis vuestro futuro en ese sentido?
Sergio: «Nos encanta colaborar, tener featurings incluso en la producción, pero que la persona con que colaboremos aporte su sonido».
Sandra: «Y que suene a nosotros, tiene que ser nosotros. No nos imaginamos producidos por otra persona».
«Fama es un escaparate impresionante pero luego de cada 100 personas que te escuchan se quedan 10. Es un petardazo que no es real, lo real es un pequeño porcentaje de eso»
AlunaGeorge también se perdieron un poco al renunciar a la autoproducción.
Sergio: «Nosotros ya hemos estado en «songwriting camps» y la experiencia nos ha encantado siempre. Al colaborar con otros productores salen cosas muy guapas que no habían salido de nosotros dos porque hay algo distinto que llega. Pero siempre hemos querido aportar nuestra identidad».
Sandra: «Hay veces que algo suena a todo, pero a nada concreto. Hay que ser superconcreto, buscar tu sonido, y ser superhonesto con esto. Es mejor quedarte sin ideas y hacer algo que sea una mierda pero que suene a ti, que hacer un hit que no suene a ti».
¿En qué campo de escritura habéis estado? ¿Por ejemplo escribiendo con John Grvy?
Sergio: «Para otra gente y para nosotros. Con Grvy era para nosotros, también hemos estado con unos bichos impresionantes de Portugal que se llaman Redmojo».
Sandra: «Yo estuve para Lola Indigo de songwriter».
«Trabajamos mucho en que algo suene a nosotros. Me da igual que sea comercial, que sea underground, pero que suene a nosotros».
Justo os iba a preguntar por ella porque se parece a vosotros.
Sandra: «Hay una parte que sí, pero nuestro sonido es más nosotros. Nosotros trabajamos mucho en que algo suene a nosotros. Me da igual que sea comercial, que sea underground, pero que suene a nosotros».
Sergio: «Redmojo son justo también los que han hecho los últimos temas de Lola Indigo».
Sandra: «Con ellos estamos abiertos a tantear una colaboración, pero el resultado final lo traemos a nuestro estudio y lo acabamos nosotros. Que no te den el producto hecho. Trabajar con otros es estupendo, pero poniéndote siempre en los mandos».
El caso es que no hay ninguna colaboración en vuestro disco.
Sandra: «Ha sido casual. Al principio lo hablamos con John Grvy, pero su mixtape salía primero, Amatria también lo mismo, lo quería sacar él primero. Con Najwa queríamos pero por fecha no pudo ser. Pensamos en Bomba Estéreo, pero al final no daba tiempo. Más adelante sacaremos singles con colaboraciones u otro disco».
También os iba a preguntar por Bomba Estéreo, en relación al pelotazo que han dado y cantando en castellano, actuando en tantos países…
Sergio: «Los Grammy latinos ya son como los otros (risas)».
Sandra: «Me encantaría vernos girando por todo el mundo, 6 meses haciendo festivales, desde Coachella hasta un campo en Bélgica…»
Sergio: «Bomba Estéreo siempre han sido una referencia, musicalmente y también por cómo han crecido. Tienen un sonido suyo y en lo personal, son encantadores. Su éxito es sincero, es un grupo que ha crecido poco a poco, no ha sido por un tema que te encuentras por todas partes. Y además son fieles a sus raíces por cómo suenan».
¿Tenéis un plan o estrategia concreto para intentar llegar a otros mercados?
Sandra: «Este año nos vamos a Austin y a México, estuvimos en Nueva York y fue superbién. Ahora en México queremos hacer colaboraciones para volver de gira en 2020. La idea es crecer. A raíz de tocar en Groningen (Holanda) nos ha salido un festival en Italia».
Supongo que con estas perspectivas, la escenografía ya no será solo una piña como cuando os vi.
Sandra: «Ahora es la ninfa» (risas).
Sergio: «Pero el concepto sigue».
Sandra: «Viene de hacer piña. Trabajamos con gente que quiera hacer piña con nosotros. Quien venga con intereses propios no nos interesa tanto».
¿Qué queréis decir?
Sergio: «Nombres no se pueden decir pero te pongo un ejemplo con el show del 28 (de febrero). Estamos trabajando el tema luces y había propuestas de técnicos muy top que hubieran venido con su caché. Y a lo mejor otro más joven quiere formar parte de la familia. No es una cuestión de caché, porque se les paga, pero queremos que sea gente con la que podamos seguir contando y venga con ilusión, no que simplemente vengan a hacer un show».
Pero hay que tener cuidado con eso, muchos grupos llevan de técnico de sonido a un colega y se generan verdaderos desastres.
Sandra: «Tiene que ser gente top. A nuestro técnico de sonido yo le llamo Santo Santi y siempre digo «pon un Santi en tu vida». Ha hecho el disco de Rozalén, fue a los Grammy… Es gente top que curra increíble y que crea en el proyecto».
Sergio: «Que curre con motivación económica, pero también personal».
He leído que trabajáis mandando un beat el uno al otro, ¿qué canción ha dado más vueltas esta vez?
Sergio: «Es que en este disco ha cambiado la forma. Fuimos a componerlo al campo, a la montaña, cogimos días en julio. Un amigo, Raúl, me dejó una casa en Picos de Europa en un pequeño valle. Fuimos con todo el equipo y el estudio lo montamos en el salón. ‘Azul marino’ era de antes, pero el resto de temas los hicimos allí. Luego en Madrid grabamos, editamos, hicimos la mezcla, pero la composición la hicimos allí. Nos gustó tanto, salieron tantas ideas, que para preparar el directo fuimos a casa de otro amigo, Jaime, en Cantabria».
Sandra: «En una semana sacamos cosas como para mil años. Les dijimos a nuestros amigos: «Esta semana no existimos» y es la única manera de trabajar bien».
¿Y calculasteis bien el tiempo, una semana?
Sandra: «Por nosotros habríamos estado más. De hecho, haremos igual para próximos discos y esperamos estar 15 o 20 días».
Sergio: «Hay un trabajo previo, cuando fuimos a componer el primer día abrimos un beat que ya teníamos, y esa idea quita la fobia de la página en blanco».
Sandra: «Claro, cuando llego del Sónar llego con mil ideas en la cabeza y las guardo».
Precisamente vuestro disco me suena como si hubierais cogido ideas de 4 o 5 escenarios del Sónar de Día a la vez, aunque luego la melodía es clásica.
Sandra: «Es pop».
Leo que James Blake o Arca están en vuestras influencias y puedo verlo en el tratamiento de las voces, pero por ejemplo ‘No te vas a olvidar’ empieza de una manera, más R&B, luego es más Diplo…
Sergio: «Es Diplo, Major Lazer».
Sandra: «Ser un poco macarra».
Sergio: «Un poco Crystal Fighters».
Sandra: «Queríamos hacer algo en «mayor», happy, supermacarra y a la vez dulce».
Sergio: «Es el único tema en mayor porque los demás son más melancólicos, son menores. Salió porque Sandra estaba cocinando, habíamos estado improvisando con el piano y no le dimos ningún crédito, pero lo grabamos por si acaso. Y se fue a cocinar, le grabé los bombos y luego Sandra empezó a cantar una melodía y dijo: «no me gusta». Y yo: «¿cómo no te va a gustar, Sandra? ¡escúchalo!». Se empezó a entusiasmar un montón, a hacer piano-voz…».
Sandra: «Esto funciona por entusiasmos. Tengo que hacer: «BUAH»».
No me digáis que siempre cocinaba Sandra, con el mensaje de empoderamiento femenino que lleva incluso la portada del disco…
Sandra: «Él cocina también pero todo el rato pasta y para ir al baño todo el rato pasta… Yo hago menestra, tortilla…»
En la portada está muy bien explicado el doble sentido de «ninfa», por su belleza pero también por su libertad de ataduras. Aun así el diseño es como feísta…
Sandra: «Es un poco transgresor. Te quedas como «no sé si me gusta», pero luego lo ves y tiene un encanto. Primero te quedas como «no lo entiendo, lo voy a ver otra vez». Y al final nos enamoró. Es como los discos que tienes que volver a escuchar y al final te enamoras».
Sergio: «Además hay una cosa detrás de la portada. Nos pasaron esta y otra sin ninfa en negro. De las distintas opciones esas eran las 2 que nos gustaban más. Al final apostamos por la ninfa, pero queríamos que la ninfa se iluminase en la oscuridad. Luego, por razones técnicas, que se iluminara el «Delaporte». Al final lo que ves por la noche es otra portada sin ninfa, así que nos hemos quedado con las dos versiones que nos gustaban».
«Hay en el disco un sentimiento sexual, pero también un sentimiento de quitar hierro al asunto de que si este me quiere o no me quiere. En ese tema soy abiertamente sincera»
También nos habéis enviado una copia del disco con unas gafas de sol y un condón. El disco es muy sexual. ¿Es más difícil encajar el tema sexual en una canción sin que sea algo chabacano o bruto? ¿O buscáis ser brutos? En ‘Vamos a la cama’ los efectos me parecen un poco cómicos…
Sandra: «Tiene ironía, el disco en general tiene ironía. Parte del concepto de que lo que te esté pasando no es tan importante porque nos pasa a todos desde las ninfas, desde que somos humanos. Hay un sentimiento sexual, pero también un sentimiento de quitar hierro al asunto de que si este me quiere o no me quiere. En ese tema soy abiertamente sincera. Nos gustamos: ¿quieres o no quieres? Muchas veces no se dice abiertamente y hay que ser honesto. El sexo se ha tratado desde un punto de vista muy basto, muy poco sensual o excesivamente sexual. El reggaetón y a veces también el trap han tenido un punto canalla pero sin erotismo. Y eso no es el amor ni el sexo. También quería decir que por qué una chica no puede decir: «oye, te lo estoy poniendo fácil: ¿tú quieres o no quieres?». Se lo cuento a una amiga y me dice: «¿pero cómo le dices eso?». No quiero perder el tiempo.
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Tú, Sergio, ¿cómo has lidiado con el mensaje feminista de Delaporte? ¿Siempre has sido feminista o últimamente más?
Sergio: «Siempre he tenido una visión totalmente feminista. No ha cambiado mi visión de la mujer, aunque sí de los millennials (risas). Yo le llevo (a Sandra) 12 o 13 años, y desde que me rodeo de gente mucho más pequeña que yo, estoy descubriendo cosas, todo esto que dicen de que es una generación que no presta atención a nada… Y tú ves que hay cosas positivas, como la inmediatez que tienen».
No sé en qué jardín, literal en este caso, me voy a meter. Pero no me había dado cuenta de que os llevarais tantos años.
Sergio: «Tenemos 24 y 37. Si me hubieras conocido pre-Delaporte, te habrías dado cuenta (risas)»
Sandra: «Le hago llevar camisetas más anchas y zapatillas más molonas. Él se hace esto a lo napolitano (apunta a un doblez de la manga de su camiseta)».
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Háblame de la escena italiana, Sergio, no conozco prácticamente nada.
Sergio: «Hay producciones muy guapas. Hay un cantante con el que hemos intentado colaborar pero de momento no ha salido, que se llama Cosmo».
Sandra: «Es muy guay, tiene un punto hortera».
Sergio: «Produce muy bien y tiene el mismo concepto de live que nosotros, con mucha electrónica que es pop, pero luego hace directos de puro groove».
Sandra: «Clap! Clap! es un productor del que he cogido ideas para hacer beats, cosas rítmicas más africanas, de lo mejor de Europa».
Sergio: «Napoles tiene una escena muy guay. Nu Guinea son dos napolitanos que viven en Berlín, ahora van con banda y fusionan afrobeat con un tipo de funk napolitano viejuno».
Sandra: «Ghali en plan trap».
Sergio: «O Liberato que tocó en Sónar y hace una electrónica muy fina. En Napoles hay muchos músicos que rozan lo hortera, pero que tienen esa clase. O DJ Borut que también estuvo en Sónar y gira un montón».
Por lo que veo Sónar es una referencia muy clara para vosotros.
Sandra: «Para mí en España de electrónica es el festival más top. Vas a descubrir cosas».
¿De qué manera has ido cultivando tu voz? Me sorprendió mucho escucharte hablar en La Resistencia.
Sandra: «Empecé a estudiar canto lírico con 12 años. Mis profesores me echaban bronca porque dicen que canto mejor que hablo, cuando hablo mi voz se transforma y siempre volvía afónica porque la he usado mal a la hora de hablar».
¿Qué referentes tienes?
Sandra: «Estudié con Barbra Streisand, es enorme, a nivel técnico. Beyoncé, lo típico, florituras… Ella Fitzgerald me ha inspirado mucho porque siendo lírica, sin mucho volumen, ni mucho grito, hacía cosas bonitas. Transmitían más que esos fuegos artificiales que intento evitar».
¿Cómo os habéis visto en La Resistencia?
Ambos: «No lo hemos visto».
Sergio: «Sí la noté nerviosa en La Resistencia, y sí me dije «esta parece la versión fumada de Sandra». Pero La Resistencia es el lugar donde ser más tonto de lo normal»
Bueno, ¿qué os han dicho los amigos por WhatsApp?
Sandra: «Hay amigos que me han dicho que parece que voy fumada todo el rato. Conocía a David (Broncano) de un evento, pero era diferente. Yo estaba muy nerviosa y el caso es que era un sitio cutrísimo».
Ya… no parabas de decirlo.
Sandra: «Porque fuimos a Late Motiv y era todo lleno de focos, grande… (La Resistencia) era un equipazo, superpros y supermajos todos, que es algo muy raro, pero era un sitio pequeño».
Si estabas tan nerviosa, ¿por qué no optaste por quedarte un poco callada? ¿Es algo que te pasa normalmente?
Sandra: «Pero no lo hago conscientemente. Soy sincera, me disperso, me hago notar».
¿Tú qué pensabas, Sergio?
Sergio: «Ya la conozco, desde hace 3 años todos los días (risas) Sí la noté nerviosa, y sí me dije «esta parece una Sandra fumada», la versión fumada de Sandra. «Oh, un coche azul», todo le está sorprendiendo…»
Sandra: «Había cámaras y un montón de gente».
Sergio: «Si ya en su día a día normal parece drogada… Pero La Resistencia es el lugar donde estar así. Es el sitio donde ser más tonto de lo normal».
Sandra: «Si me llevan a El Intermedio, a Ana Pastor, a El Hormiguero, lo pasaría peor. Pero ahí estaba a gusto».
Habéis mencionado bastantes canciones sueltas. ¿Iréis sacando singles o lo siguiente será un disco corto?
Sandra: «Por ahora singles, hay que rodar el disco, darle amor, hay que jugar la pelota. Vamos a colaborar pero no se puede decir nada».
Sergio: «Los de Napoles somos muy supersticiosos. El formato todavía no sabemos si serán singles como «adelantos de» o «singles sueltos»».
La llegada de ‘True Detective’ en 2014 marcó un punto de inflexión en la historia del género policiaco en televisión. Por un lado, mantuvo al público (o a un determinado público, ya que muchos llegaron tarde vía La Sexta y su célebre corte del plano secuencia) enganchado a una intriga criminal semana tras semana como no se veía desde los tiempos de ‘Twin Peaks’. Por otro, permitió ver algo que iba a ser muy habitual en los siguientes años: una serie de televisión concebida desde unos parámetros narrativos, visuales y de producción plenamente cinematográficos. ‘True Detective’ estaba mas cerca de una película de David Fincher que de cualquier serie policíaca que se hubiera hecho hasta entonces.
Un año después llegó la (apresurada) segunda temporada. Y aunque empezó relativamente bien, con una intriga prometedora y unos personajes interesantes, terminó convertida en una serie bastante intrascendente: recargada, mecánica y con muy poca personalidad visual. Fue la constatación de que el peso creativo del director Cary Joji Fukunaga en la primera temporada era como mínimo igual de importante (sino más) que la del guionista Nic Pizzolatto.
‘True Detective 3’, producida con más calma, parecía una vuelta a los orígenes, a los ambientes góticos sureños y a la pareja de policías atormentados de la primera temporada. Sin embargo, se ha quedado en un anodino paseo por el profundo sur. Al igual que ocurría en la segunda temporada, la serie empieza bien. Su ambición narrativa, combinando tres líneas temporales; la atractiva pareja de policías protagonista, que además incluye un estimulante contrapunto racial; el casting, que vuelve a mezclar a una de las estrellas del momento (Mahershala Ali) con otra que ya tuvo su momento (Stephen Dorff); la atmosférica intriga, un misterioso caso de desaparición infantil situado en un decadente pueblo de Arkansas… Todo parecía indicar que estábamos ante el ‘True Detective’ que todos esperábamos. Nada de eso.
Esta tercera temporada ha ido perdiendo interés capítulo a capítulo. Primero, por culpa de una subtrama, la relación entre Ali y la profesora interpretada por Carmen Ejogo, más aburrida y anodina que los Oscar de este año. Luego, por una puesta en escena plana y funcional, sin ningún tipo de inventiva estilística. Después, por una falta de ritmo cada vez más acusada, producto de un guión al que le sobra la mitad de las escenas de diálogo. Y, por último, por un desarrollo de la intriga confuso y cada vez menos interesante, que termina con una explicación final digna de un capítulo (malo) de ‘Se ha escrito un crimen’. Todo esto de la obsesión por un caso sin resolver ya lo narró Fincher en ‘Zodiac’, y muchísimo mejor.
¿Habrá cuarta temporada? Por ahora no hay nada confirmado, pero teniendo en cuenta lo que ha hecho Fukunaga con ‘Maniac’, ¿no podría HBO contratar a un relator para que el director se de la mano con Pizzolatto y vuelvan a trabajar juntos? 5.
2 Chainz ha publicado esta noche un disco llamado ‘Rap Or Go to the League’ en el que ha contado con varias colaboraciones de lujo. Encontramos a Ariana Grande en el tema llamado ‘Rule the World’, a Kendrick Lamar en la hipnótica ‘Momma I Hit a Lick’, a Travis Scott en ‘Whip’, a Lil Wayne en ‘2 Dollar Bill’ y a Chance the Rapper en ‘It’s Not Crazy, Life Is’, entre muchos otros.
Maluma llevaba unos días lanzando teasers sobre su nuevo single, ‘HP’, y este viernes se ha lanzado finalmente tanto el single como el vídeo de esta canción. ‘HP’ es exactamente lo que estabas pensando, “hijo de puta”, si bien este insulto aparece muy ligeramente censurado en la letra. 
Cero estrenaba ayer el nuevo programa de Mercedes Milá, en medio de una ametralladora de titulares sobre la depresión que sufrió los dos últimos años que presentó Gran Hermano, su salida de Telecinco o su deseo de ser periodista hasta que se muera. En ‘Scott y Milá’, siendo Scott su perro, un pequeño schnauzer monísimo, veremos a Mercedes mostrar su amor por los animales, buscar el significado de la palabra Cataluña o reflexionar sobre ecología.
Tal y como hizo la propia Solange con su anterior álbum, ‘
Doctor Music se celebra este verano, entre los días 11 y 14 de julio en el Vall D’Àneu de los Pirineos (provincia de Lleida). A falta de que se cierre el cartel, JENESAISPOP, que es «media partner» de este festival, destaca 10 de los nombres imprescindibles que ya se han sumado durante las últimas semanas. Os recordamos que existen 
Miss Caffeina han dejado atrás todo tipo de prejuicios en ‘Oh Long Johnson’, haciendo el disco de pop electrónico que antes no se hubieran atrevido según sus propias palabras. ‘
Avanzamos en 
Mónica Naranjo ha dado hoy los detalles de su gira Renaissance, que celebra sus 25 años en la música. Como se avanzaba hace unos días a raíz de la presentación de su programa 
A cuenta de ‘
Día agridulce para aquellos que crecimos con las aventuras de los chicos de ‘Sensación de vivir’. Por un lado, Luke Perry, el actor que interpretaba a Dylan, ha sido hospitalizado en Los Ángeles este miércoles después de que los médicos recibieran una llamada de su casa indicando que el actor había sufrido «un derrame cerebral». Se desconoce la gravedad del accidente o la lesión, y su agente únicamente ha indicado que se encuentra «bajo observación». Durante la noche del jueves al viernes se ha informado de que está sedado.
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Chaka Khan ha vuelto tras 12 años con un disco producido principalmente por Switch, mano derecha de M.I.A y fundador junto a Diplo de Major Lazer. ‘Hello Happiness’ es un breve álbum de 7 temas y 27 minutos que, por su duración, nos traslada a los tiempos vividos de primera mano por la propia Khan, que antes de triunfar con ‘Ain’t Nobody’ o ‘I’m Every Woman’ fue cantante de Rufus, en los que era bastante habitual editar discos de vinilo de 6, 7 u 8 pistas (pienso en obras de Chic o Donna Summer) debido a las limitaciones del formato. 
La llegada de ‘