Rosie Carney encontró en sus canciones el remedio contra su enfermedad mental

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2 noviembre, 2018

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Diez años al frente de Los Zodiacs han servido para que Ignacio Garbayo se presente ahora como un solista solvente sobre las tablas cuando le toca presentar en vivo este disco de debut que acaba de editar. ‘Sonido forestal’ es un muy disfrutable debut de 10 canciones de unos 3 minutos que van al grano, encabezadas, como ha de ser, por un single tan certero como ‘Nitroglicerina’, un tema ciertamente “explosivo” y divertido sobre una relación que ha terminado fatal. Gran estribillo y gran puente hacia el final: solo tenía sentido emprender una carrera en solitario después de tanto tiempo si le había salido al menos un tema redondo y sin duda este lo es.

Pero hay más cosas destacables en ’Sonido forestal’. No hay canción que haya prescindido de su estribillo o frase suelta coreable: “mañana continuaré mi viaje a ninguna parte / quizá nos volvamos a ver más adelante” en ‘Natural y fresca’, “el amor pasajero es amor también” en la misma canción, “nada más mirarte a los ojos supe que esto era peligroso” en ‘Te dejaré atrás’ o “atraparme no podrás / te dejaré atrás” en el mismo corte son algunas de ellas, casi todas girando en torno al amor. La excepción, ‘En la televisión’, en la que se contrapone el asco que da la pequeña pantalla al placer, por ejemplo, de escuchar un disco de Jonathan Richman.

Garbayo se inspira en el rock clásico, como muestra expresamente la muy Rolling ‘Muévete’, y el pop clásico nacional de los 60, muy perceptible en algunos de los coros del álbum, como por ejemplo ‘En el bosque’ o ‘Soy un cerdo’. Solo que la gracia de que esta se pueda parecer a Los Brincos es que Juan y Junior nunca habrían cantado un mea culpa tan explícito como “alejaos todos de mí, que soy un cerdo”.

Esta última pista que deja con ganas de más es también una contrapartida para ‘Huye del monstruo’, una canción que habla de la locura o de una «psicótica» concreta, con frases algo ambiguas: “empieza por seguirte la corriente / y sabe chupártela bien / y pronto te vuelve un demente / y le dices a todo amén”. A veces victimizado, a veces verdugo, como la vida misma, Garbayo entrega aquí un disco poco ambicioso o modesto (sigue la moda de las mezclas y producciones sucias) pero que puede, al margen de las tendencias, hacerse con un público tan fiel como el que tienen Cooper o Airbag, cada uno en su subgénero rockero.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Nitroglicerina’, ‘Muévete’, ’Te dejaré atrás’
Te gustará si te gustan: los primeros Lori Meyers, Cooper, Jonston
Escúchalo: Spotify

Rosalía publica al fin ‘El mal querer’: curiosidades y detalles en los créditos del álbum

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2 noviembre, 2018

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Al fin está disponible ‘El mal querer’, el nuevo disco de Rosalía, uno de los discos más esperados de 2018 en España, si no el más esperado. La cantante lo ha presentado este miércoles en un histórico concierto gratuito en la Plaza de Colón de Madrid, donde se la ha podido ver muy emocionada ante la recepción del público.

Producido por El Guincho y la propia Rosalía, ‘El mal querer’ es un disco conceptual, dividido en capítulos, sobre una relación amorosa. Los singles ‘Malamente’ y ‘Pienso en tu mirá’ han sido ambos top 5 en España y single de platino, mientras el tercer avance, ‘Di mi nombre’, llegaba hace unos días acompañado de un videoclip dirigido por Henry Scholfield (Dua Lipa, AlunaGeorge) en el que Rosalía representa la ‘Maja’ de Goya.

C. Tangana aparece, algo inesperadamente, acreditado como autor en 8 de las 11 canciones del disco: las excepciones son ‘Reniego’, que cuenta con Jesús «Bola» Carmona, reputado compositor y arreglista –ex-miembro de Jarcha–, que ha trabajado para Rocío Jurado, El Lebrijano, Diego Carrasco o Falete; ‘Nana’ y ‘Preso’, el corte en el que la actriz Rossy de Palma aparece hablando sobre el amor, que define como un «infierno». Las Negris y Los Mellis, coristas y palmeros a los que hemos visto en sus actuaciones recientes, están recogidos como artistas invitados en ‘Que no salga la luna’ y ‘Di mi nombre’; mientras que ‘Bagdad’, que ha sido trending topic en las primeras horas del día, cuenta con la participación del Coro del Orfeón Catalán y arreglos de Joan Albert Amargós. Como apuntaban sus primeras escuchas, este tema se basa en un coro que referencia ‘Cry Me a River’ de Justin Timberlake, y por tanto figura en los créditos como co-autor.

‘El mal querer’ sucede a ‘Los ángeles‘, el debut de Rosalía junto a Raúl Fernández “Refree”, uno de los mayores “sleepers” que han conocido las listas de ventas españolas en los últimos tiempos. La popularidad de Rosalía no ha dejado de escalar desde el lanzamiento de aquel trabajo, y ‘El mal querer’ está destinado a consolidarla como una de las mayores estrellas que ha producido España en años.

Aitana, estrella del pop por cuenta… ¿propia o ajena?

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1 noviembre, 2018

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Aitana ha visitado recientemente El Hormiguero para dar detalles de su primer disco, que se publicará en dos partes porque “hoy devoramos más que consumimos”. Estas palabras, expresadas por la cantante barcelonesa con la naturalidad de quien recita una nota de prensa, buscaban denotar seguridad y conocimiento ante las decisiones tomadas por ella y su equipo en relación a su disco, pero lo peor venía después, cuando la cantante anunciaba que la primera parte de este, que sale en noviembre, se titula ‘Tráiler’ porque es el “avance de lo que está por venir”. “El nombre es un poco raro”, apuntaba con una risilla incómoda. No es la primera frase que esperaría escuchar de alguien que está entusiasmado, orgulloso, seguro con su trabajo.

Al contrario que Amaia, que pese a haber ganado Operación Triunfo, trabaja en su disco al margen de las limitaciones que dicta la industria, Aitana parece estar aprovechando el tirón del programa al máximo y este verano ha protagonizado dos de las canciones más exitosas de 2018, ‘Lo malo’ junto a Ana Guerra y ‘Teléfono’. Además, ha sacado un libro que recopila sus poemas y dibujos llamado ‘La tinta de mis ojos’ que recientemente ha sido objeto de polémica por plagiar la ilustración de una artista italiana, en un dibujo que Aitana realizó hace años y subió inocentemente a Tumblr (la artista trabaja actualmente en subsanar este error, que ha reconocido). Sin embargo, mientras Ana Guerra parece encantada de la vida colaborando con Juan Magán y haciendo “product placement” en Instagram, Aitana está desprendiendo cierto halo de incomodidad cuando habla de su trabajo que no se puede pasar por alto. La cantante, que acaba de cumplir 19 años, ha llegado a declarar a El País que se presentó a Operación Triunfo pensando que no iba a entrar (“no porque no creyera en mí, sino porque lo veía imposible”, apuntó no obstante a JENESAISPOP). ¿Y para qué se presenta una persona a un concurso televisivo si no es para entrar? La cosa parece que se le ha ido de las manos a Aitana, porque la cantante no solo ha llegado a entrar en Operación Triunfo, sino que además ha quedado segunda y es actualmente una de las mayores estrellas del pop en España. ¿No es todo esto un poco “too much” para alguien que no parecía tener nada claro hace un año que quisiera dedicarse a la música?

En realidad, en sus entrevistas actuales Aitana solo está reproduciendo un comportamiento que ya le habíamos percibido en la Academia. Durante una de sus clases con Los Javis, Aitana reconocía haberse sentido deprimida durante la semana, recordando con nostalgia lo que significaba la música para ella antes de entrar en Operación Triunfo, la sencillez que primaba en su vida meses atrás cuando, simplemente con encerrarse en su habitación a cantar y tocar su piano, sin preocuparse de que millones de personas la juzgaran por hacer las cosas bien o mal, era feliz. En ese momento, el concurso era demasiada presión para Aitana y lo hubiera sido para cualquiera. No es fácil pasarse meses encerrado en una Academia y además rodeado de cámaras, sobre todo cuando tras días intensos de clases toca presentar una canción ante millones de espectadores en uno de los programas de televisión más vistos de España. Aitana decía que no estaba “acostumbrada a cantar cosas que no me gustaran, y lo estoy haciendo y me cuesta mucho”, insinuando que parte de la magia que sentía por la música se estaba perdiendo durante su estancia en la Academia, cuando lo que era su “vía de escape” se estaba convirtiendo en algo parecido a una obligación. Cabe preguntarse, sin embargo, por qué no vimos en esta tesitura por ejemplo a Amaia, Alfred, Ana Guerra o Miriam en ningún momento del concurso, pero a Aitana sí.

Ya fuera, Aitana lo ha petado a lo grande con ‘Teléfono’, y sobre ella hablaba en aquella misma entrevista con El País el pasado mes de agosto, dejando unas declaraciones cuanto menos interesantes. Ante la petición del diario de definir su canción, Aitana contestaba que era “veraniega”. ¿Veraniega como… las canciones del verano? El País replicaba que esas “no suelen ser las mejores”, a lo que Aitana contestaba: “que se olvide no me importa, lo guay es que alguien recuerde el verano de 2018 con ella”. ¿A Aitana no le importa que se olvide su single de debut, que ha sido Doble Platino y será una de las canciones más exitosas de 2018 con absoluta certeza? ¿Una canción en la que ha trabajado con los mismísimos productores de ‘Despacito’ de Luis Fonsi y Daddy Yankee, la canción latina más exitosa de todos los tiempos? ¿Prefiere que se quede en “canción del verano” más que en clásico atemporal? Parecía que habíamos dejado atrás el disgusto de cantar canciones ajenas que no nos gustan, pero Aitana no sonaba en estas declaraciones especialmente orgullosa de ‘Teléfono’. Al contrario, “que se olvide no me importa” sonaba a todo menos a orgullo, y eso que Aitana había asegurado que ‘Teléfono’ era su canción favorita de todas en las que trabajó durante su primera visita a Los Ángeles. Pero quizá lo peor de todo es que esta reacción no podía sorprender a nadie que viera Operación Triunfo y atendiera al disgusto con el que Aitana y Ana Guerra se enfrentaban a la maqueta de ‘Lo malo’, muchos meses antes de que se convirtiera en una de las canciones del verano. De nuevo, esta inseguridad ante su propio trabajo de Aitana ya la habíamos visto.

En la misma charla con El País, Aitana reconoce abiertamente -y de manera totalmente lógica a su edad- no disponer de tanto “criterio” como le gustaría y que se deja influenciar, aunque no siempre, por decisiones que toman otros ya que “aún se está formando como persona”. Cuando le preguntan si se ha sentido «utilizada por la industria y los medios» su respuesta es: «Soy muy ingenua, igual sí y no me he dado cuenta». Sin embargo, es capaz de reconocer que convertirse en un “producto” es “bastante malo”, al contrario que desarrollar una “carrera de fondo” -en palabras del propio periódico- como está haciendo Amaia. Pero eso es exactamente lo que está pasando con Aitana. En manos de su compañía, la joven cantante se ha convertido en un producto comercial diseñado para invadir el “mainstream” y vender lo máximo posible, ya sea singles, discos o incluso libros, en el menor tiempo posible. Por razones obvias -Aitana tiene talento, juventud, buena imagen- Universal cree que lo mejor para Aitana es que grabe una canción comercial a más no poder llamada ‘Teléfono’, hacer remixes de ‘Lo malo’ y la misma ‘Teléfono’ para conquistar el mercado latinomericano y llamar a su disco ‘Tráiler’ aunque a ella le parezca “raro”. Todo el mundo recuerda la intervención de Noemí Galera durante la polémica de ‘Lo malo’ dentro de la Academia, cuando explicaba a Aitana y a Ana que eran los profesionales de Universal y no ellas los que realmente sabían qué era lo mejor para ambas, porque ellos son los expertos de la industria y ellas unas recién llegadas. Y sin embargo aquí estamos, con Aitana ya bastante curtida, insinuando que prefiere que se olvide su hit en el periódico más leído del país. ¿Realmente esto es lo mejor para Aitana? ¿No será que esto es lo mejor más bien para su sello? ¿No será que, como Amaia, lo que necesita Aitana es hacer una carrera de fondo y tomarse su tiempo para trabajar en proyectos que le apasionen de verdad? Porque Aitana se está buscando a sí misma, pero lo que parece es que Universal ya la ha encontrado. Mientras solo hay que ver a Aitana en las entrevistas, como en El Hormiguero, para percibir que sigue, o eso parece, un poco perdida.

La Canción del Día: sube a los cielos de Nao con y sin 6lack en ‘If You Ever’

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1 noviembre, 2018

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Esta semana se ha publicado el segundo disco de Nao, y aunque los resultados comerciales se prevén catastróficos (el álbum quedará fuera del top 40 británico según las midweeks, cuando el primero fue top 20), las críticas están siendo excelentes. Entre los singles que se han conocido de ‘Saturn’ están ‘Make It Out Alive’, ‘Drive and Disconnect’ o este ‘If You Ever’ que os presentábamos el pasado viernes en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend».

Hace unos meses celebrábamos una colaboración de Nao con nuestro admirado Mura Masa llamada ‘Complicated’ que no se ha incluido en el disco, pero el reconocido productor sí ha podido pasarse por ‘Saturn’ para participar en este ‘If You Ever’ que también ha sido extraído como single. Se ha publicado además una segunda versión de esta pista en la que aporta la segunda estrofa el rapero americano 6lack, que este año ha sido top 3 en Estados Unidos con su segundo largo, ‘East Atlanta Love Letter’, y lo cierto es que ambas versiones funcionan.

La versión original despunta por el típico ritmo tropical, aquí casi latino y también un poco ‘Love Is In The Air’, presumiblemente aportado por Mura Masa, pues es bastante distinto al del resto de singles del disco. La canción cuenta con su melodía decidida desde su arranque pero también en su pre-estribillo («We’re both a little scared / We’re both a little scared») y en su estribillo («Would you like to go, like to go with me?»), enriquecida por una serie de cuerdas sintetizadas que recuerdan a los mejores Lighthouse Family.

La segunda versión, con la voz masculina de 6LACK, suma, en tanto que estábamos ante una propuesta para «subir la escalera a los cielos» de Nao y él aparece para aceptar: «a los dos nos da un poco miedo, pero ahora vamos a dar un paso al frente».

Los Javis vuelven a OT como profesores; Javi Giner considera el despido de Castro «ruin», «inhumano» y «oscuro»

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1 noviembre, 2018

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El despido de Itziar Castro como profesora de OT, por no «conseguir objetivos» según el programa, fue velado en el programa emitido anoche por RTVE. Mientras, Fórmula TV informa en exclusiva de que Los Javis volverán como profesores a la Academia, pese a haber declinado en un principio esta nueva temporada por cuestiones de agenda. Según el citado medio, su objetivo será «intentar que los concursantes emocionen a la audiencia». La noticia no ha sido respaldada por Javier Calvo en su Twitter o Instagram, que no actualiza desde hace unos días.

El Javi que sí ha actualizado su Instagram ha sido Javi Giner, el director de ‘El amor me queda grande’ y profesor de interpretación de ‘Fama a bailar’. Y lo ha hecho con un sonoro post en el que ha sido muy duro criticando la decisión de Operación Triunfo, acusando al programa de usar a Castro de «cabeza de turco» cuando las cosas no están funcionando. Ha indicado: «Me da muchísima pena todo lo que ha pasado hoy con @itziarcastro. Que se ponga en duda su profesionalidad diciendo que deja un programa por decisión propia debido a otros compromisos cuando ha sido y es un ejemplo de profesionalidad (a lo largo de demasiados años como para tomárselo a la ligera). Que luego se demuestre que es una decisión unilateral de la productora que está necesitada de una cabeza de turco a la que lanzar a los pies de los caballos para culpar y humillar a quien sea con tal de salvar los trastos».

Continúa: «Que haya tanta falta de compañerismo y apoyo en un programa que vende justamente lo contrario. Que se haga de esta manera tan ruin. Que conviertan un talent show lleno de valores maravillosos y magia en un rincón oscuro que muestra su cara más inhumana. Da todo mucha pena y, lo peor de todo, mata la ilusión y confianza en un formato que se vendía como distinto. No creo que pueda hacerse todo peor. Todo mi ánimo y apoyo está hoy con Itziar, una ultraprofesional que se ha dejado la piel semanalmente en el proyecto que le entusiasmaba, que no estaba dispuesta a abandonar porque siempre ha sido una luchadora y a la que han despedido de la peor forma posible. No te merecen, Itzi». Además, después comentaba en Twitter que la actuación de Alba, ganadora de la noche en OT, «llevaba la firma de Itziar Castro».

Pues esta actuación de Alba, la mejor interpretada hasta la fecha de la edición, lleva la firma de @ItziarCastro. A ver si no va a ser cosa de la profesora. #OT18Gala6

— Javier Giner (@j_giner) 31 de octubre de 2018

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Me da muchísima pena todo lo que ha pasado hoy con @itziarcastro. Que se ponga en duda su profesionalidad diciendo que deja un programa por decisión propia debido a otros compromisos cuando ha sido y es un ejemplo de profesionalidad (a lo largo de demasiados años como para tomárselo a la ligera). Que luego se demuestre que es una decisión unilateral de la productora que está necesitada de una cabeza de turco a la que lanzar a los pies de los caballos para culpar y humillar a quien sea con tal de salvar los trastos. Que haya tanta falta de compañerismo y apoyo en un programa que vende justamente lo contrario. Que se haga de esta manera tan ruin. Que conviertan un talent show lleno de valores maravillosos y magia en un rincón oscuro que muestra su cara más inhumana. Da todo mucha pena y, lo peor de todo, mata la ilusión y confianza en un formato que se vendía como distinto. No creo que pueda hacerse todo peor. Todo mi ánimo y apoyo está hoy con Itziar, una ultraprofesional que se ha dejado la piel semanalmente en el proyecto que le entusiasmaba, que no estaba dispuesta a abandonar porque siempre ha sido una luchadora y a la que han despedido de la peor forma posible. No te merecen, Itzi ♥️

Una publicación compartida de Javier Giner (@javiginer) el 31 Oct, 2018 a las 10:31 PDT

Javier Álvarez / 10

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Raúl Guillén

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1 noviembre, 2018

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Felizmente Javier Álvarez presenta una nueva vida musical (tiene muchas, como los gatos) que está sirviendo para poner en valor una carrera repleta de buenos discos y canciones. El madrileño, toda una diva del pop (sin el más mínimo ánimo peyorativo, más bien al contrario) que trascendió hace ya muchísimo tiempo la tramposa etiqueta de cantautor, está logrando que una generación de público, artistas y medios que vivieron su fulgurante irrupción como estrella adolescente le valoren más allá de los recurrentes hits de su –eso sí, muy notable– debut. Uno de esos valedores es Ramón Rodríguez, The New Raemon, que propuso a Javier la idea de grabar este nuevo álbum en un momento de crisis personal, de renacimiento.

Si nos atenemos al trabajo de producción del artista catalán en ’10’, podríamos afirmar que claramente es fan del Álvarez de sus dos primeros discos, eminentemente acústicos y clásicos. Como nos adelantó el autor en una extensa entrevista, en estas 10 canciones predomina un carácter ascético en la instrumentación y los arreglos, pop acústico ejecutado con el escueto voz y guitarra (Javier, claro, con añadidos de Ramón), bajo (nada menos que Ricky Falkner) y batería (Lluís Cots, colaborador habitual de New Raemon), con medidos –aunque cruciales– arreglos adicionales.

Por tanto, si queda algún nostálgico en la “sala” que prefiera al JÁ de los 90 por encima del imaginativo e inesperado de los 00, ’10’ puede ser su disco de reconciliación con él. Y canciones como la preciosa ‘El mar’, con su inesperado crescendo final sostenido, una ‘Sonata de otoño’ que por momentos evoca a los R.E.M. de ‘Automatic for the People’, la inmaculada ‘No fue’, la superpopera ‘Detr/s’ o la ortodoxa ‘Mi querida señorita’ podrían suponer nuevos referentes para aquellos. Hasta termina, a modo de guiño, con una bonita pero algo ajena a la globalidad del álbum versión de un clásico country (en este caso ‘If I Needed You’ de Townes Van Zandt, interpretada junto al cantautor irlandés afincado en Barcelona Matthew McDaid).

Cierto es que ’10’ es un disco más bien clásico que antepone el poder de las canciones, las melodías, a todo lo de más. Y en él no caben muchas sorpresas. Pero, ojo, tampoco hablamos de un disco canónico y hay sazón al más puro estilo Javier. No siempre tan evidentes como la de ‘Tuno’, magnífico número rock que, tras esos versos casi rapeados, esconden un auténtico tesoro con la melodía de su estribillo. Están también en esos arreglos vocales añadiendo profundidad y juego al ascético punto de partida instrumental de ‘En la cuarta’ (referencia a la planta del psiquiátrico en la que estuvo ingresado para tratar su adicción a la cocaína), un recurso que se repite con el ritmo sincopado de ‘Presente’ (con el cómico gritito emulando a su ídolo, Michael Jackson). O el singular tratamiento, dándole protagonismo a la batería y los coros-fantasma, en la maravillosa ‘Dicen’, con un estribillo de esos que te rompen y dan congoja sin que sepas muy bien de dónde ha venido ese montón de tristeza.

Pero sin duda lo que más difiere del Javier Álvarez de hace más de 20 años es que su madurez y su riqueza como artista se trasluce en unas letras inteligentes y juguetonas, que huyen de lo evidente. Valiéndose de ripios y juegos fonéticos que aportan un tono de humor y, por tanto, cercanía –con frecuencia se adentra en lo excesivamente naif, pero sin que eso incomode– en realidad el artista nos habla de sexismo, identidad de género, salud mental y muerte –un tema recurrente, a veces de manera velada, y otras explícita–. Graves conflictos humanos a veces demasiado escondidos –quizá se refería a esto cuando nos decía que ’10’ era un disco «denso»– en metáforas tan abstractas que no son muy evocativas ni, por tanto, hacen pupa. Sea esa o no su intención, la de relativizar el drama con una sonrisa, lo cierto es que ’10’ es un nuevo disco precioso que rehabilita el grandísimo talento de un autor personal como pocos, capaz de sobreponerse a todo.

Javier Álvarez presenta ’10’ con su nueva banda el día 19 de noviembre en el Teatro Lara de Madrid.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Dicen’, ‘Tuno’, ‘El mar’, ‘Detr/s’, ‘No fue’
Te gustará si te gustan: Antonio Vega y The New Raemon.
Spotify: Spotify

Red Hot Chili Peppers tocan por Halloween en el cole de los hijos de su batería

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1 noviembre, 2018

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Entre las sorpresas que aguardaban este Halloween, la que tenían preparada Red Hot Chili Peppers. Aunque la banda no está de gira y de hecho los conciertos que han ofrecido en directo este 2018 son contadísimos, limitándose a 3 shows en Lollapalooza en marzo y una actuación suelta en Los Ángeles en septiembre; el grupo ha decidido subirse a un escenario.

Y lo han hecho sin avisar y en el lugar menos esperado: la escuela de los hijos del batería Chad Smith. Así lo comunicaba este a través de Twitter subiendo un vídeo que era retuiteado por la banda y que mostraba de qué se habían disfrazado, a destacar el mono tipo esqueleto de Flea o el traje de Papa con máscara del propio Chad Smith.

Eso sí, no fue un concierto propiamente dicho sino una actuación matutina que incluyó tan sólo un par de canciones: ‘Spooky Scary Skeletons’ de Andrew Gold (el autor de ‘Thank You for Being a Friend’) y un tema propio, ‘Can’t Stop’. No por breve su set fue poco entregado y en el vídeo completo que ha sido subido al Youtube de la propia escuela vemos a Anthony y a Flea a tope.

Who rocks out at 9:30am at my kids’ school?….We do! pic.twitter.com/O7Pza6iXnm

— Chad Smith (@RHCPchad) 31 de octubre de 2018

Hookworms se separan tras las acusaciones de abusos recibidas por Matthew Johnson

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1 noviembre, 2018

La banda Hookworms ha decidido cancelar su gira y no seguir adelante tras las acusaciones de abusos recibidas por su líder Matthew Johnson. Hookworms habían editado este año el álbum ‘Microshift’, que pasaba por nuestra sección de Discos Recomendados y recibía las 5 estrellas del prestigioso crítico de The Guardian Alexis Petridis. Las acusaciones de abusos recibidas por el cantante de Hookworms se han conocido a través de Alanna McArdle, ex líder de Joanna Gruesome y actual cantante de Ex-Vöid. A través de su cuenta de Twitter este martes 30 de octubre, Alanna ha dicho que salió con Matthew y que una mujer a la que llama «L», que tuvo una relación con él durante 2016, le dijo haber sufrido un «abuso terrible» por su parte. El líder de Matthew Johnson ha sido categórico negando las acusaciones: «Para ser claro, niego y siempre negaré las acusaciones que aparecieron ayer en internet».

Pese a sus declaraciones, el grupo ha decidido no seguir adelante: «Estamos profundamente impresionados por las acusaciones que han salido a la luz sobre MJ, y las tomamos muy en serio. Como resultado, hemos cancelado todas las actuaciones de Hookworms y no podemos seguir como banda. Habrá un comunicado de MJ pero mientras tanto os pedimos por favor ser respetuosos con el hecho de que esta es una cuestión de MJ como individuo, externa a la banda y que los otros miembros de Hookworms, sus colaboradores, agentes y sellos no tenían conocimiento de esto antes de que la acusación fuese pública ayer y todavía están asumiendo la noticia”.

El comunicado de MJ ha llegado esta madrugada a través de Twitter, recalca que la imagen que se está dando de él es «falsa», recuerda que Alanna y “L” son dos personas diferentes, y cuenta que “L” le contactó hace poco para superar un historial de abusos sexuales, anterior a su relación. Asegura que «L» le presionó para identificar su relación como «abusiva», cosa que él dice haber aceptado para «ayudarla» y añade: «me arrepiento de haber aceptado mi parte de culpa». Su comunicado comienza criticando las decisiones rápidas que han tomado terceras personas, sin que se sepa del todo si se refiere a Alanna o a sus propios compañeros de grupo, cuya decisión urgente recuerda a la tomada hace unas semanas por Sigur Rós al aceptar la dimisión de su batería, también tras haber sido acusado de abusos.

pic.twitter.com/63AC3rIG75

— mj (@familyscraps) October 31, 2018

Nunca te metas con Najwa: bolsazo a Miki Nadal cuando este le gastaba una broma

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31 octubre, 2018

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Miki Nadal se ha disfrazado de payaso para dar una serie de sustos a varios famosos con motivo de Halloween para el programa Zapeando de laSexta. Entre las víctimas estaban Frank Blanco, Quique Peinado, Anna Simon, Lorena Castell, Cristina Teva o Flipy, pero el problema es que también estaba Najwa, un buen día en que esta se encontraba promocionando su nueva película ‘Quién te cantará’ de Carlos Vermut, en los estudios de Globomedia.

Cuando el payaso sale de la caja, Nimri se asusta, pero ni corta ni perezosa, suelta tremendo bolsazo al pobre infeliz, al tiempo que espeta: «Pero qué mierda es esto, ¿una broma?». El vídeo, preparado o no, resulta bastante divertido, y solo viene para confirmar la fortísima personalidad de la cantante y actriz, últimamente también noticia por su fichaje por ‘La casa de papel’.

‘Quién te cantará’, la película que protagoniza y se estrenaba el fin de semana pasado, ha alcanzado el puesto 18 de la taquilla española, superando los 70.000 euros tras sus primeros 3 días de exhibición. Aunque hay quienes entienden este dato como una decepción, la anterior de Vermut, ‘Magical Girl’, se estrenaba con 40.000 euros recaudados, como apunta este tuit. El film, que cuenta la historia de una cantante que ha perdido la memoria, incluye la recuperación de un par de viejos temas de Najwa, así como un dúo con Amaral que estrenamos en JENESAISPOP. Podéis volver a disfrutarlo bajo estas líneas.

Rosalía se emociona durante la presentación de ‘El mal querer’ en Colón, entre gritos de «guapa» y «diosa»

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31 octubre, 2018

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Rosalía ha presentado durante la tarde-noche de Halloween, a eso de las ocho de la tarde -con casi tres cuartos de hora de retraso- las canciones de ‘El mal querer’ en la Plaza de Colón de Madrid, de manera gratuita. El concierto, para el que se agotaron las invitaciones en poco menos de una hora, ha podido seguirse a través de la web de Red Bull, patrocinador del evento.

La cantante, vestida de rojo, se ha acompañado de una decena de bailarinas de blanco sobre el escenario, además de la corte habitual que la ha seguido estos días por presentaciones y el programa de Jools Holland: El Guincho, co-productor del álbum, a las bases, un par de palmeros y un par de cantaoras a los coros. Han despuntado canciones nuevas como ‘De madrugá’ o ‘Bagdad’ con su préstamo de ‘Cry Me A River’, alternando de esta manera el poso flamenco de ‘Los Ángeles’ con ritmos R&B. Una de las canciones casi a capella está filtrada por el Autotune, pero el álbum no abandona en absoluto las raíces de su debut.

La ovación a ‘Pienso en tu mirá’ o la final ‘Malamente’ ha sido brutal desde el segundo cero, si bien el momento más emocionante ha sido la recuperación de ‘Catalina’ de su primer álbum, prácticamente a capella. La propia Rosalía no ha podido contener las lágrimas tras haber agradecido al público por el frío que ha tenido que pasar durante la espera para el show y tras revivir la intensidad de esta canción, claro. Una presentación de gran presupuesto que hasta ha incluido algunas proyecciones y algún recurso escénico como esa squad.

La artista también ha bajado a darse un glamouroso baño de masas entre el público cual Lana del Rey, mientras recibía gritos de “guapa”, “diosa” o “te quiero, gracias por existir”. Irónicamente, de fondo en algunos planos la realización permitía leer una promo de ‘Narcos’ que decía «Adios hijueputas» que parecía dirigida a sus «haters», porque el mini set ha sido grandioso. Tanto que incluso parece que le sobran los temazos: no habrá cabida en el disco para otro de los temas más llamativos y bailongos, ‘Esto está encendido’, que no obstante ha presentado como su momento favorito del set. ¿Somos conscientes de lo grande que es todo lo que se avecina? ‘El mal querer’, probablemente el disco más esperado del año en nuestro país, sale a la venta este viernes 2 de noviembre.

Sesión de Control: Ruido Paraíso, BFlecha, Exnovios, Neleonard, Shadow Girls, Pedropiedra…

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Raúl Guillén

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31 octubre, 2018

Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Ruido Paraíso, BFlecha, Exnovios, Neleonard, Shadow Girls, Pedropiedra, Holy Bouncer, I Am Dive, Santo Maltés, Sierra, John Grvy, Tú No Existes, Escuelas Pías. [Foto Exterior: Shadow Girls, por Almudena Oh; imagen interior: portada de ‘Te espero al final’ de Exnovios, por Jaime Zuverza]

Ruido Paraíso

Lo de la música para Aníbal Gómez va mucho más en serio de lo que pueda parecer por Ojete Calor. En paralelo a su carrera como actor y el dúo de electropop irreverente que viene manteniendo con su amigo Carlos Areces, también sostiene un proyecto de pop sin atisbo de broma llamado Ruido Paraíso. Tan en serio va que, tras autoeditar en 2015 su debut ‘Polifonía’, Universal Music ha anunciado la próxima publicación de su segundo trabajo, producido por Guille Mostaza y avanzado ya con este tema de pop sintetizado que bien podrían cantar una Soledad Vélez o unos El Último Vecino.

Exnovios

El segundo álbum del grupo pamplonés, ‘Amor droga’, supuso un claro paso adelante en su carrera como nueva referencia del rock garajero nacional, uno que no pierde de vista el pop y se nutre tanto de The Jesus and Mary Chain como de Los Saicos. Ahora el cuarteto se consolida con su fichaje por parte del sello The John Colby Sect (Las Robertas, Bifannah), que publica el certero ‘Te espero al final’, avance de un nuevo trabajo que debería servir para alcanzar a un público cada mayor.

BFlecha

Tras reaparecer la pasada primavera con ‘Ctrl.Escape’, el proyecto musical de Belén Vidal resurge ahora con un nuevo tema de su reconocible future pop. Se trata de ‘Arecibo’ que, aludiendo al radiotelescopio de aquella localidad puertorriqueña empleado para enviar señales al espacio, establece una pradoja sobre la incomunicación humana. Después de los 4 años transcurridos entre ‘ßeta’ y ‘Kwalia’, quizá no haya que esperar tanto por el nuevo trabajo de BFlecha.

Sierra

El grupo comandado por Hugo Sierra (Prisma en Llamas) ha demostrado que sabe hacer las cosas muy bien –ahí está su fantástico debut del año pasado, ‘A ninguna parte‘–. Y eso incluye las versiones de otros artistas: en un nuevo 7″ publicado esta misma semana, adaptan a su estilo dos canciones de grupos tan distintos (a ellos y entre sí) como Best Coast y Psychic TV. Hasta el punto, dice el sello Sonido Muchacho, que ya son dos de los puntos culminantes de sus conciertos. Precisamente este single sirve para promocionar el show que el grupo dará el próximo 9 de noviembre en el Teatro Barceló de Madrid, junto a La Plata: regalarán una copia a los 300 primeros compradores de entradas anticipadas, y sortearán 50 entre el resto del aforo.
<a href="http://sonidomuchacho.bandcamp.com/album/sm047-el-mundo-est-loco-como-la-arcadia">SM047 – El mundo está loco / Como la Arcadia by Sierra</a>

Tú No Existes

La tierrar parecía haberse tragado al grupo barcelonés después de que en 2014 nos sorprendieran para bien con singles como ‘Carl Sagan’. Pero este año reaparecían primero con ‘Nueva astronomía’ y ahora con ‘Tierra interior’, temas redondos y bailables de lo que ellos denominan como «mediterranean kraut» y que formarán parte de su álbum debut, ‘Tercera república’, que ve la luz este viernes 2 de noviembre.

John Grvy & Yung Beef & $kyhook & Innercut

‘Adderall’ da una idea del nivelazo que la nueva electrónica/hip hop /R&B nacional está alcanzando. En ella se suman los talentos del archiconocido Yung Beef y John Grvy en las voces –el primero habla de amor; el segundo de su amor… al trabajo– y de $kyhook e InnerCut como tándem en la producción.

Shadow Girls

Tras este nombre no hay chicas que se esconden en las sombras… o quizá sí. Se trata de un dúo formado por J’Aime, mitad de Souvenir y proyecto en solitario de nuestro colaborador Jaime Cristóbal, y Charlie Mysterio, alma mater de Los Caramelos y colaborador de proyectos fantásticos como La Ruleta China. A ambos les une una amistad basada en su amor por el pop, así que parecía cuestión de tiempo que llegara una colaboración. En este caso, en forma de EP de la serie Singularides del sello Jabalina, cuatro canciones que incluyen dos temas originales y dos versiones: una de The Go-Betweens y otra de Bobby Fuller Group. Una auténtica exquisitez coronada por un artwork para enmarcar, literalmente.

Santo Maltés

Albert Florent formó parte de Computadora, grupo de Toledo que se escindió dejando atrás buenas canciones de indie rock con ecos de La Movida. Ahora en solitario, ha comenzado una andadura como Santo Maltés, proyecto personal –aunque ha sido apoyado por Álex Marull, ex-Odio París– que refleja ecos de un outpop a lo Ariel Pink o Sean Nicholas Savage, como evoca el adelanto ‘Mar y cuchillo’. Fiel a la política del sello Snap! Clap! su primer disco, ‘Líneas muertas’, se publicará únicamente en formato cassette –además de digital– esta misma semana.

Neleonard

Tal y como se había anunciado cuando se presentó ‘El bufón’, hace unos días se publicaba ‘Un lugar imaginario’, segundo largo del combo barcelonés comandado por las canciones de Nele Navío. Un nuevo compendio de pop de guitarras a la antigua usanza –la de Housemartins, la de los primeros Cardigans, las de Camera Obscura– publicado por Elefant Records.

Holy Bouncer

Con una proyección internacional notable, gracias sobre todo a la factura impecable de su rock de inspiración psicodélica, Holy Bouncer se disponen a publicar la continuación de ‘Hippie Girl Lover’, que llega tan pronto como el 23 de noviembre. Cortes como este ‘Blink of an Eye’ muestran cierta sofisticación y una solidez y energía que debería interesar, sin duda, a los fans de los últimos Arctic Monkeys.

Pedropiedra

Tras las aventuras pseudo-folclóricas que desarrolló en ‘Ocho’, el chileno Pedropiedra vuelve a hacer un pop rock más ortodoxo, pero no menos magnético. Así es ‘Perder ganar’, primer avance del nuevo álbum –el quinto de su carrera– que ha grabado bajo la producción del reputado Cristian Heyne (Javiera Mena, Gepe, Dënver) y masterizado por el también reconocido Greg Calbi (The National, Vetusta Morla).

Escuelas Pías

El dúo sevillano formado por miembros de los extintos Blacanova y Sundae ha anunciado la continuación a su álbum debut, ‘Nuevas degeneraciones’, al que sucedía un EP editado a principios de año con canciones como ‘La muerte dulce’. El Genio Equivocado lanza en el inminente mes de noviembre ‘Música ligera para un funeral’, que ha sido presentado por la popera –aún dentro de los márgenes de la electrónica ruidosa– ‘Me muevo’, quizá una de sus canciones más certeras.

I Am Dive

Curiosamente, otro dúo y también proyecto de un ex-Blacanova, I Am Dive, acaba de editar su nuevo trabajo. Se trata de ‘Mauve’, un EP con cinco canciones nuevas que, en contra del carácter experimental de ‘Music for Silent Running’, suenan más pop que nunca. José A. Pérez y Esteban Ruiz (de The Baltic Sea) apuestan por su perfil más luminoso –no muy distante de los Death Cab For Cutie más electrónicos– en canciones como ‘Equals’ o ‘Not Friends’.

La canción del día: Milton James y La Bien Querida, juntos en la tormenta emocional de ‘Tanta devastación’

Por

Raúl Guillén

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31 octubre, 2018

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Después de la disolución de Dënver culminada el pasado verano, Milton Mahan se ha puesto ya manos a la obra –al igual que su ex-compañera de grupo, Mariana Montenegro– con su carrera en solitario. Tras haber vuelto a emplear otro nombre de una capital de estado norteamericano en Nueva Orleans, esta vez ha optado por algo más unipersonal, adoptando el nombre de Milton James. Sin demasiado ruido y bajo ese apelativo, publicaba meses atrás ‘Tanta devastación‘, un primer single que parece abandonar el hedonismo de ‘Sangre Cita‘ para reconciliarse con los profusos arreglos orquestales del maravilloso ‘Música, gramática, gimnasia‘.

Producido por él mismo con la asistencia de Fernando Herrera (Javiera Mena, Gepe), ‘Tanta devastación’ cuenta con unos espectaculares arreglos de cuerdas grabados en Ciudad de México bajo la dirección de Cecilia Papillón, que aportan gran dramatismo a la canción, que parte de unos acordes arpegiados de guitarra acústica. Milton nos cuenta que es «una canción de estructura más bien clásica, pero en la que privilegiamos la contención de las emociones a través de atmósferas que se pasean entre el caos y la organización. Me parecía que era la mejor forma de evocar la intensidad lírica de la canción; paisajes sonoros neblinosos que se alternan en un juego de timbres y frecuencias, juego que al menos a mi, me traslada a la devastación como principio cósmico de la vida».

A partir de ahí, el contrapunto de nada menos que La Bien Querida matiza el diálogo vocal de una composición que «busca indagar en el lado más sensible y oscuro del género balada», derivando en la experimentación. Porque, a partir del minuto 1:25, la canción comienza a retorcerse en un crescendo que explota en un minuto final donde la batería desata la épica. Tan épico como los planos de dos bailarines danzando entre imágenes de tormentas que evocan el dolor de una relación truncada que vemos en el clip oficial de la canción que hoy estrenamos en exclusiva en JENESAISPOP.

Acerca del vídeo, dirigido por él, Milton declara que «es para mi una carta de presentación, creo que los juegos visuales, lo corpóreo, la niebla, los claroscuros definen muy bien la atmósfera que siento en mis pensamientos. El resto fue tratar de mirar y enfrentar a la cámara lo más espontáneamente posible». ‘Tanta devastación’ se convierte, efectivamente, en una estupenda carta de presentación para ‘Pretemporada’, el primer álbum de Milton James que ya tiene listo –prevé su publicación en los primeros meses de 2019–.

Massive Attack confirman fechas en Barcelona y Madrid para el 20 aniversario de ‘Mezzanine’

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31 octubre, 2018

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Massive Attack han anunciado recientemente las primeras fechas de su gira mundial en conmemoración del 20 aniversario de su tercer disco, el influyente ‘Mezzanine’. Las fechas transcurrirán de hecho hasta marzo, antes de que se lleguen a cumplir 21 años de la salida del disco, que salió el 20 de abril de 1998.

Las primeras noticias de la gira no incluían a España entre los países afortunados, pero hoy el grupo suma dos fechas españolas a la misma. Estas son el 16 de febrero en Sant Jordi Club y el 17 de febrero en el Palacio Vistalegre de Madrid, como puede comprobarse en su página web (que escribe mal el nombre de la sala madrileña). Las entradas para la fecha en Barcelona salen a la venta el 5 de noviembre y para la de Madrid el 7 de noviembre.

En esta gira, el dúo “re-imaginará ‘Mezzanine’ usando material antiguo reconstruido a partir de los samples e influencias originales”, según la nota de prensa. ‘Mezzanine’ es el álbum de Massive Attack que incluye el single más exitoso de su carrera, ‘Teardrop’, interpretado por una Elizabeth Fraser -líder de Cocteau Twins- que de hecho acompañará al dúo en algunas fechas de la gira.

Hardy Fox, miembro fundador de The Residents, fallece a los 73 años

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31 octubre, 2018

Hardy Fox, miembro fundador del colectivo de rock de vanguardia estadounidense The Residents, ha fallecido a los 73 años debido a un tumor cerebral. El propio Fox había anunciado la noticia de su enfermedad en las redes sociales, asegurando que tenía una “cosa en el cerebro que no me va a hacer durar mucho”. Decía: “sí, estoy enfermo, y me preparo para abandonar este mundo, pero ‘todo’ está bien”.

El grupo, en nombre de su equipo de management The Cryptic Corporation, ha despedido a Fox en el siguiente comunicado: “como presidente de la empresa desde 1982 hasta 2016, la compañía se benefició del instinto de Hardy para la dirección y el liderazgo, pero su valía real procedía de su asociación con The Residents. Como productor, ingeniero y colaborador del grupo, la influencia de Fox en The Residents fue indeleble: aún sin ningún tipo de educación formal, su musicalidad era en cualquier caso única, prolífica y de un refinadísimo gusto”.

Autores de canciones como ‘Constantinople’ y ‘Voodoo’ o de discos como ‘Meet the Residents’ (1974) -cuya portada parodiaba la del debut de los Beatles-, ‘The Third Reich ‘N’ Roll’ (1976) o los aclamados ‘Freak Show’ (1990) y ‘Wormwood’ (1998), The Residents son conocidos por su visión estrambótica y “friki” del rock experimental, llegando tanto a versionar (o más bien deconstruir) clásicos del pop como ‘1999’ de Prince como a componer suites de 18 minutos. Enormemente llamativa y fundamental ha sido siempre también su estética, que se traduce en atuendos y performances realmente surrealistas (especialmente conocido es el casco con forma de ojo que suelen llevar en sus conciertos, uno de los cuales está expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York). El colectivo ha editado también numerosos DVDs y experimentado con formatos como el CD-ROM, siendo pionero.

Kanye West niega su asociación con el “Blexit” y asegura que se distancia de la política

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31 octubre, 2018

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Después de reunirse en la Casa Blanca con Donald Trump, a quien ha mostrado su apoyo reiteradamente en las redes sociales y en las entrevistas, llegando a llevar un gorro de “Make America Great Again”, y después de realizar declaraciones cuanto menos impactantes sobre la esclavitud y el racismo, Kanye West asegura que ha “abierto los ojos” y que se distancia de la política, al considerar que ha sido “usado para difundir ideas en las que no creo”.

Estas sorprendentes (¿o no tanto?) declaraciones de Kanye vienen a colación de su supuesta participación en el Blexit, el movimiento de la periodista y activista conservadora Candace Owens que anima a los afroestadounidenses a abandonar el Partido Demócrata. Owens y West de hecho han visitado juntos Uganda recientemente, y Owens había declarado a Breitbart que el logo de Blexit fue creado por ella con la ayuda del rapero, quien según ella llegó a expresarle, justo después de solicitar su colaboración: “¿conoces al mejor diseñador de todos los tiempos y no me has pedido ayuda?”

Sin embargo, West, quien publica nuevo disco, ‘Yandhi’, el mes que viene (se esperaba originalmente para el 29 de septiembre), niega ahora cualquier participación en el Blexit. “presenté a Candace a la persona que hizo el logo, pero como no quería usar su nombre, puso el mío”, ha escrito en Twitter. “Yo nunca he querido involucrarme con el Blexit. No tengo nada que ver con él”. West ha aclarado que lo que apoya él es la “creación de trabajos y oportunidades para la gente que más lo necesita, la reforma laboral, la creación de leyes de armas de sentido común que hagan nuestro mundo más seguro” y también a “aquellos que arriesgan sus vidas en servir y protegernos y que se responsabilice a las personas que han abusado de su poder”. Es entonces cuando el rapero finalmente anuncia que se “distancia de la política” tras haberse dado cuenta de que ha sido “usado”.

Aunque no queda claro si West se refiere únicamente a Owens o a todas las polémicas que ha protagonizado recientemente con su apoyo a Trump, lo que es evidente es que su popularidad no ha quedado demasiado mermada con todo esto, al menos, si atendemos al éxito de ‘I Love It’, su colaboración con Lil Pump, que ha alcanzado el número 6 en la lista del Billboard Hot 100.

I support creating jobs and opportunities for people who need them the most, I support prison reform, I support common-sense gun laws that will make our world safer.

— ye (@kanyewest) October 30, 2018

I support those who risk their lives to serve and protect us and I support holding people who misuse their power accountable.

I believe in love and compassion for people seeking asylum and parents who are fighting to protect their children from violence and war.

— ye (@kanyewest) October 30, 2018

I would like to thank my family, loved ones, and community for supporting my ACTUAL beliefs and my vision for a better world.

— ye (@kanyewest) October 30, 2018

I introduced Candace to the person who made the logo and they didn’t want their name on it so she used mine. I never wanted any association with Blexit. I have nothing to do with it.

— ye (@kanyewest) October 30, 2018

My eyes are now wide open and now realize I’ve been used to spread messages I don’t believe in. I am distancing myself from politics and completely focusing on being creative !!!

— ye (@kanyewest) October 30, 2018

Mon Laferte, Albert Pla, la BSO de ‘Bohemian Rhapsody’ y muchísimo rock en las listas de álbumes españolas

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31 octubre, 2018

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El cantante Antonio José es esta semana número 1 en la lista de ventas española con su nuevo disco, ‘A un milímetro de ti’, que representa además la subida más fuerte de la clasificación, ascendiendo del 48 directamente al 1. ‘La calma’ de Pastora Soler es top 2 y en el resto del top 10 destacan las entradas de ‘Som’ de Els Pets (3), ‘Trece rosas’ de Medina Azahara (4) y la BSO de ‘Bohemian Rhapsody’, la interesante nueva película sobre Freddy Mercury (9). En streaming, Ozuna firma el disco más reproducido esta semana, ‘Aura’.

Destaca en la tabla oficial de ventas la entrada de numerosos discos de rock, confirmando la buena salud comercial de este género que no tiene tanto éxito en las plataformas de streaming, dominadas por el reggaetón, el trap, el hip-hop y el pop. 12 de las 18 entradas en la lista de ventas son discos de rock y, al margen de los de Medina Azahara y Queen, entran ‘Evolution’ de Disturbed (22), ‘Mussexum’ de Sex Museum (53), ‘Spaceman’ de Ace Frehley, miembro de Kiss (56), ‘Unzipped’ de Whitesnake (60), ‘Natural Rebel’ de Richard Ashcroft (62), ‘Helix’ de Amaranthe (64), ‘I Loved You at Your Darkest’ de Behemoth (66), ‘From the Fires’ de Greta von Fleet (73, y eso que el grupo ha sacado disco este mismo año, ‘Anthem of the Peaceful Army’, que sí entra en streaming, en el número 48), ‘Inmortal’ de Triana (85) y ‘Desira’ de Desira (96).

El resto de entradas en la tabla de ventas las protagonizan Full con ‘Capadocia’ (14); RM, proyecto de uno de los miembros de la exitosa boyband surcoreana BTS, con su mixtape ‘Mono.’ (19), Santiago Auserón con Vagamundo (35); Mon Laferte (foto), que posiciona su disco de 2017, ‘La trenza’, en el puesto 76 tras su paso por Operación Triunfo (Laferte publica nuevo álbum en noviembre), y ‘Miedo’, el disco conjunto del terror de David Broncano Albert Pla junto a Raül Refree (84).

En streaming entran también varios discos de Operación Triunfo (el CD de la gala 4 es la subida más fuerte, del 48 al 9, mientras el de la gala 5 entra en el 67), la BSO de ‘Bohemian Rhapsody’ (29), ‘Suncity’, el nuevo EP de Khalid (31), el álbum conjunto de Future y Juice WRLD (56) y ‘Mono.’ DE RM (72).

‘La maldición de Hill House’: el trauma y el dolor después de la casa encantada

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31 octubre, 2018

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La serie más hypeada de este Halloween se la ha vuelto a llevar Netflix sin necesidad de recurrir a la tercera temporada de ‘Stranger Things’, retrasada tras las críticas tibias que recibió la segunda. Esta vez se trata de ‘La maldición de Hill House’, la adaptación que ha realizado Mike Flanagan de la novela de 1959 de Shirley Jackson. Flanagan, que ya había adaptado ‘Gerald’s Game’ de Stephen King para esta misma plataforma, ha logrado poner esta serie de 10 episodios en la carrera de los premios Emmy, acompañado de un elenco espectacular y con todos los medios aportados por la monstruosa plataforma televisiva.

Se han hecho cientos y cientos de películas sobre espacios encantados, algunas tan influyentes como ‘El resplandor’ o ‘Al final de la escalera’, y algunas arrastrando leyendas tan terroríficas como la muerte de la niña de ‘Poltergeist’ por una enfermedad muy pocos años después de su rodaje. En la última década, el éxito de las sagas ‘Expediente Warren‘ o ‘Paranormal Activity’ ha vuelto a marcar un pequeño hito en la historia de este subgénero gracias a su éxito comercial; pero Flanagan se ha valido del formato serie para permitirse el lujazo de ahondar en un terreno casi inexplorado por falta de tiempo en una película: la psicología de los personajes a largo plazo. La pregunta que plantea ‘La maldición de Hill House’ es: todo esto de las casas encantadas está muy bien, ¿pero cómo pueden sobrevivir los personajes al trauma de haber vivido en un lugar lleno de espíritus?

A través de constantes saltos en el tiempo, la acción nos presenta a un matrimonio y a sus cinco hijos en la (supuesta) casa de sus sueños cuando estos son solo unos niños; y también a los mismos protagonistas 20 años después lidiando aún con los fantasmas que marcaron su infancia y su huida de la casa maldita. Más cerca de la caracterización de grandes personajes de ‘A dos metros bajo tierra’ (y la comparación es inevitable, pues uno de los hijos termina trabajando en una funeraria) que de una ficción de terror típica, ‘La maldición de Hill House’ nos muestra cómo se ha desarrollado la vida de esos 5 hijos. Y lo que vemos hace pupa: Steven, el hijo mayor y guaperas, vive de explotar el drama familiar a través de sus libros cuando la noche que hubo que huir de la casa se la pasó «durmiendo»; Shirley es quien regenta una funeraria, a la que conduce a la ruina porque es incapaz de cobrar apropiadamente a la gente en un momento tan delicado; Theo ha de usar guantes para poder soportar su condición de medium; Luke, el encantador niño de gafotas y aspecto de nerd, es un adicto a las drogas con un pie en la tumba; y Nelly, la gemela de Luke, y la más pequeña de todos, permanece como la miembro más vulnerable, sin poder olvidar lo que sucedió en la casa. Especialmente los capítulos 4 y 5 son para ver con el corazón en un puño, con el espectador luchando por aguantar las ganas de llorar como pocas veces ha pasado con una peli de miedo. ¿Puede haber esperanza para gente que ha sufrido tanto de pequeña?

Lo cual no quiere decir que la serie no sea de terror. Es verdad que cuando el calado de tantos personajes está tan conseguido, cuando todos logran ser tan identificativos, los sustos son lo menos recordable. Pero los hay. De hecho, en ‘La maldición de Hill House’ hay tantos fantasmas que están, sí, los que te asustan, pero también los que no has visto: toda una colección de espíritus en segundo plano que incluso pasan desapercibidos y ya están llenando artículos con capturas que muestran que se te ha pasado ver el 90%. Es, pues, de principio a fin, una serie de terror en la que la búsqueda de profundidad en los personajes solo llega a molestar en los últimos capítulos de la serie, algo edulcorados.

En este desarrollo que ya era de lujo, Netflix se ha permitido un caprichito extra: el rodaje del episodio 6, ‘Dos tormentas’, con formato de 5 planos secuencia. El presupuestazo manejado permitió parar la producción durante un mes (!!) para que los actores -incluidos niños muy pequeños- pudieran ensayar los movimientos en un escenario creado ad hoc que conecta la casa con la funeraria. Un episodio histórico que no es lo único a desentrañar palmo a palmo: la serie ha generado tal entusiasmo que ya hay quien incluso busca teorías sobre el desarrollo de la trama. Según una de las mejores, los 5 hermanos, de mayor a menor, representan las cinco etapas principales del duelo tras la muerte de un ser querido, de la que parte toda la serie: la negación (Steven), la ira (Shirley), la negociación (Theo), la depresión (Luke) y la aceptación (Nelly). Una serie rica sobre la que seguir documentándonos durante los próximos meses que además presenta un atractivo extra: Netflix podrá darle mil vueltas, pero en principio termina con los 10 episodios que se han subido este mes de golpe. 8,5.

Itziar Castro asegura que ha sido despedida de Operación Triunfo “sin que lo esperase”

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31 octubre, 2018

29

La actriz y cantante Itziar Castro había sido uno de los fichajes más sorprendentes de la presente edición de Operación Triunfo por su participación en series y películas como ‘Vis a vis’, ‘Campeones’ o ‘Pieles’. Castro impartía, desde el inicio del programa el pasado mes de septiembre, clases de interpretación, recogiendo el testigo de Javier Ambrossi y Javier Calvo, que asumieron dicho rol durante la exitosa edición anterior.

Sin embargo, Castro ya no formará parte de Operación Triunfo. La exclusiva de Formula TV informa que Castro “habría tenido difícil volcarse en ‘OT 2018’ tanto como se esperaba” y que “el propio programa habría decidido prescindir de ella”. Al parecer, Castro “ha preferido volcarse en otros compromisos profesionales”, aunque las primeras explicaciones apuntan más bien a que Castro ha sido despedida.

La actriz, pese a sus celebradas declaraciones sobre el “bullying”, nunca pareció cien por cien comprometida con sus alumnos durante su paso por la Academia, y de hecho una de las críticas recurrentes que han recibido los concursantes de esta edición es su incapacidad para transmitir emoción durante sus interpretaciones.

De momento no se han dado detalles sobre quién tomará el relevo de Castro como profesor o profesora de interpretación. Sí se sabe que los concursantes serán informados de esta noticia en el día de la gala 6. Y como suele acontecer en estos casos, “Itziar” es ya uno de los temas más comentados en Twitter, así como Los Javis, cuya vuelta al programa piden varios usuarios.

Actualización: Castro ha emitido el siguiente comunicado sobre su marcha de OT en Facebook, asegurando que no se ha marchado del programa por cuenta propia sino que ha sido despedida “sin que lo esperase”:

“Tras las informaciones publicadas en varios medios de comunicación acerca del despido de Itziar Castro del programa Operación Triunfo desde su oficina de representación y en nombre de la actriz queremos hacer las siguientes puntualizaciones:

.- La decisión de que Itziar Castro no continúe como profesora ha sido tomada de forma unilateral por la dirección del programa y comunicada de forma precipitada y sin que Itziar Castro se lo esperase.

.- Itziar Castro ha dejado otros compromisos profesionales para dedicarse de lleno al programa y su implicación en el está fuera de toda duda, ya que en estas seis semanas se ha volcado en su trabajo como profesora de Operación Triunfo.

.- No tiene otros compromisos profesionales a los que vaya a dedicarse, como se ha insinuado en varios medios, y este no es el motivo por el que deje el programa.

.- En 22 años de carrera jamás ha dejado un proyecto a medias ya que es una luchadora nata y las críticas no son para ella un problema por que lleva años acostumbrada a ellas.

.- Participar en Operación Triunfo ha sido un maravillosa experiencia para Itziar , con la que ha aprendido mucho como persona y como actriz. Y si volviesen a llamarla volvería a la Academia encantada y haría exactamente el mismo trabajo.

A partir de este momento no vamos a hacer más declaraciones sobre este tema , conceder entrevistas , ni participar en los falsos rumores que circulan.

Rogamos respetéis nuestra decisión.

Un cordial saludo.”

Beauty Brain, Cupido, La Plata, Pájaro, Los Nastys… entre las nuevas confirmaciones de Monkey Week

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31 octubre, 2018

Monkey Week sigue confirmando nombres en el cartel de su próxima edición, con la que además conmemora su décimo aniversario. El festival tendrá lugar en la Alameda de Hércules y alrededores, en Sevilla, entre los días 18 y 24 de noviembre, con la presencia de artistas confirmados como Maria Arnal i Marcel Bagés, Novedades Carminha, Pony Bravo, Toundra, The Parrots, Ex-Novios, Biznaga o Perro, y diversas actividades.

Destacan en la nueva tanda de confirmaciones de Monkey Week Beauty Brain, el dúo de trap y electro-reggaetón gaditano autor de ‘Veneno’ o ‘Friki’; Cupido, el proyecto conjunto de Kinder Malo, Pimp Flaco y Solo Astra, que ha sorprendido en los últimos días con su single de debut y el llamativo videoclip del mismo, ‘No sabes mentir’, y La Plata, el grupo de post-punk madrileño autor de uno de los mejores discos del año, ‘Desorden‘.

Se suman también al festival sevillano el grupo experimental f/e/a (Forces Elèctriques d’Andorra, que en realidad es de Mallorca), además del dúo de fusión punk tropical Los Manises, Los Nastys, autores de ‘Noche de fantasmas con Los Nastys‘ (feliz Halloween); Noiserv, Pájaro, Space Surimi y Xtrarradio Dj’s. Desde el 30 de octubre se encuentran disponibles, junto a los abonos, las entradas de día para las jornadas de viernes y sábado de Monkey Week.

Thom Yorke / Suspiria (Music for the Luca Guadagnino Film)

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31 octubre, 2018

25

No estoy muy seguro de que el mundo necesitara un remake de ‘Suspiria’, uno de los grandes clásicos del giallo de mano del maestro del terror italiano de los 70 Dario Argento, aún entre nosotros. Lo que sí necesitábamos es que Thom Yorke desarrollara su faceta como compositor de bandas sonoras, y encargarse de la música de este proyecto ha demostrado ser para él una experiencia satisfactoria que quizá pueda darle una carrera paralela a Radiohead como sus discos solo o el de Atoms for Peace no han terminado de conseguir. Algo así como lo que ha estado haciendo Trent Reznor de Nine Inch Nails en los últimos años, incluso llevándose a su casa un Oscar.

La banda sonora no ha sido ajena a la carrera de Radiohead, que han colaborado en varias cintas, de manera muy significativa donando ‘Exit Music (for a Film)’ para ‘Romeo y Julieta’ a mediados de los 90; pero hasta ahora había sido Jonny Greenwood el chico de la «música para películas», llegando a ser nominado a un Oscar y convirtiéndose en mano derecha de Paul Thomas Anderson, quien ha contado con él hasta en 5 de sus proyectos. El reto de Yorke no era nada fácil, pues la música original de ‘Suspiria’, de Goblin, fue un hito, hasta el punto de verse reeditada recientemente con motivo de su 40º aniversario. Sin emularla, el artista ha salido airoso del desafío.

En primer lugar, el nuevo tema principal de la cinta, ‘Suspirium’, es la mejor canción que Thom Yorke ha firmado en solitario hasta la fecha. Su melodía y ritmo tipo vals son estupendos; su letra sobre la muerte, aplicable a la película pero a la vez independiente y comprensible por cualquiera; y su línea de piano culminando cercana a la PJ Harvey de ‘White Chalk’, embelesa. Esperemos que su equipo tenga contactos en Hollywood y logre introducir el tema en la carrera de los Oscar, pues cada vez que aparece en este disco doble a modo de single o reprise (‘Suspiria Finale’ introduce cuerdas y otros arreglos), significa disfrutar del que es uno de los mejores compositores de las últimas décadas, haciendo lo que mejor sabe.

Ese gran mérito de servir para el guión de la película y a la vez para el mundo repite en otros temas como ‘Unmade’, que comienza tristón como una balada jazzy atemporal para terminar resultando engañoso y dando miedo («ven bajo mis alas (…) juro que no hay nada bajo mis mangas»). O también ‘Has Ended‘, esa canción que avanzamos desde El Palacio de Linares que sonaba trip-hop: como si en 1994 Thom Yorke hubiera publicado ‘Dummy’ en lugar de ‘My Iron Lung’. Pega en ‘Suspiria’ por sus referencias a «brujas» y espejos» («las brujas cantaban / el agua se volvió gris / y los espejos y los teléfonos / ardieron, ardieron»), pero igualmente refleja sus conocidas inquietudes políticas («y los fascistas se avergonzaron de su títere rey bailarín»). Su estribillo no puede ser más ambiguo: «no cometeremos el mismo error otra vez».

El hijo de Thom Noah Yorke ha tocado la batería en este tema, pero no ha sido la única colaboración del álbum, pues de manera muy perceptible aparece la London Contemporary Orchestra y su coro, dando un poso monacal a ‘The Conjuring of Anke’ o ‘Sabbath Incantation’ y tremendo a ‘A Choir of One’, que con sus 14 minutos ocupa casi un 20% del minutaje de la banda sonora. La riqueza instrumental es palpable en la sintética ‘Klemperer Walks’ o ‘Volk’, que suena como un barco a la deriva por el Océano Índico; y también lo es la sensación de misterio, muy conseguida en varias pistas, como ‘The Hooks’, ‘Belongings Thrown In a River’, ‘A Light Green’ y de manera muy clara en la terrorífica ‘Voiceless Terror’.

En conclusión, Thom Yorke entrega su mejor disco al margen de Radiohead, muy vinculado a la banda sonora por estructura y estilo, con pasajes muy ambient, y por las letras (‘Open Again’ tiene una guitarra muy ‘In Rainbows’ pero habla de «demonios» para mostrar «demonios»); e igualmente disfrutable a menudo sin haber visto la nueva adaptación de ‘Suspiria’. Abiertamente Thom ha dicho que los textos se han inspirado en Trump y en el Brexit, intentando encajarlos en las escenas del guión, como una en la que aparece una marcha militar. Al fin y al cabo, ¿qué puede dar más miedo que los tiempos que corren?

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Suspirium’ y ‘Suspirium Finale’, ‘Unmade’, ‘Voiceless Terror’
Te gustará si te gustan: las diferentes etapas del artista
Escúchalo: Spotify.

C. Tangana ft. Becky G, Luis Fonsi ft. Ozuna, La Oreja, Beret… en la lista de singles

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31 octubre, 2018

4

‘MIA’, el single conjunto de Bad Bunny y Drake, sigue en el número uno de singles más exitosos en España por segunda semana consecutiva, tras debutar en esta posición el pasado 23 de octubre, dando a Drake su primer número uno en nuestro país. De hecho el resto del top 3 permanece como la semana pasada, con ‘Taki Taki’ de DJ Snake con Cardi B, Selena Gomez y Ozuna en el número 2 y 6ix9ine con ‘Bebe’ en el número 3.

La entrada más fuerte en la lista de singles es para Beret con ‘Te echo de menos’, que entra directamente en el número 4. Le siguen Luis Fonsi y Ozuna con ‘Imposible’ en el número 10 y La Oreja de Van Gogh con ‘La chica del espejo’, su nuevo single solidario por el cáncer de mama, en el número 11, y esta es la última entrada que encontramos en la tabla hasta llegar al número 55, donde debutan C. Tangana y Becky G con su cacareada colaboración, ‘Booty’, que ha dividido a nuestra redacción.

Entran también en tabla ‘No!’, el ultra dramático single conjunto de Miriam Rodríguez y Pablo López, en el número 57; ‘Inventas’ de Vanesa Martín, en el 58; ‘Kiss and Make Up’ de Dua Lipa junto al cuarteto surcoreano Blackpink, en el 68, y la versión de ‘Toxic’ (espectacular “performance” mediante) de Natalia Lacunza y Alba Reche, concursantes de Operación Triunfo, en el 80. La subida más fuerte es para ‘Replay’ del rapero canario Maikel Delacalle, que sube del 53 al 31.

4 razones para ver ‘Bohemian Rhapsody’ y 3 cosas bastante mejorables

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30 octubre, 2018

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El biopic de Queen, centrado en la figura de Freddie Mercury y con la aprobación de los miembros restantes de la banda, no llega a las salas exento de polémica. Sacha Baron Cohen fue descartado como protagonista en los primeros años de pre-producción, y el director Bryan Singer fue despedido a los dos tercios de rodaje por ausentarse del mismo, teniendo que ser su trabajo rematado por Dexter Fletcher, si bien es Singer finalmente quien aparece como director. Sumando que el grupo no ha querido oficialmente «dañar el legado de Mercury» y sí ofrecer «una película apta para toda la familia», ¿estamos ante el predecible y aburrido film biográfico que solo sirve para ensalzar a los protagonistas? No exactamente. En este artículo apuntamos 4 razones para ver la película y 3 cosas que se podrían haber mejorado sin «ensuciar» la imagen del artista.

Razones para ver ‘Bohemian Rhapsody’

1.-Queen fue un grupo de masas y su biopic tenía que ser apto para las masas
Uno de los aspectos más criticables de ‘Bohemian Rhapsody’ es cómo su guión está amoldado para las masas. Sin embargo, Queen, por mucho que editasen un single de 6 minutos (el que da nombre a la película) cuando su sello no les dejaba, era un grupo destinado a las masas, que componía himnos a sabiendas de que decenas de miles de personas iban a corearlos en grandes estadios (se ve muy claro en la creación de ‘We Will Rock You’) y, por lo tanto, no habría tenido mucho sentido presentar un biopic de ínfulas underground y experimentales que viera tan poca gente como ‘Last Days’, la peli que hizo Gus Van Sant sobre Kurt Cobain. Era pertinente la realización de una cinta apta para el gran público que acude masivamente a ver musicales o giras actuales de Queen y ‘Bohemian Rhapsody’ sí logra, en ese sentido, su objetivo de tocar la patata. La cinta refleja la soledad que sentía Mercury (esa escena encendiendo y apagando tristemente una lámpara), su vulnerabilidad, pero también por supuesto su fuerza escénica y su carisma. Su relación con los miembros de Queen, a través de su intento de carrera en solitario, deja también algunos de los momentos más divertidos y emotivos de la cinta. Manipulados o no, para bien o para mal, muestran al espectador cómo tus compañeros de grupo pasan a ser tu verdadera familia.

2.-La recreación de Live Aid 1985
La cinta parte y desemboca en la realización de Live Aid, un concierto benéfico en favor de África que tuvo lugar en 1985 y sobre el que se han escrito ríos de tinta. Se celebró simultáneamente en Londres y Filadelfia (Queen estuvieron en el show del estadio de Wembley) y la lista de artistas incluyó a David Bowie, Bob Dylan, Paul McCartney, U2, The Who, Dire Straits, Mick Jagger o Elton John, solo por mencionar a unos pocos. Sí, aquello fue un campo de nabos (bueno, también estuvieron Tina Turner o Madonna, que recibe una mención muy «Madonna, tú antes molabas» en el guión), pero aquello fue un momento realmente histórico para la música que es una gozada ver recreado en la gran pantalla. Igual se ha escatimado algo en cromas, extras o efectos especiales creados por ordenador, pero desde luego no en minutaje. La actuación de Queen en Live Aid duró poco más de 20 minutos y ocupa aquí casi lo mismo sin aburrir ni remotamente al espectador. Al contrario: a través de una medida actuación de Rami Malek es imposible no percibir cómo Freddie Mercury ha influido de manera salvaje como performer a una generación de músicos, de Brandon Flowers a Lady Gaga, pasando por Robbie Williams o Matt Bellamy.

3.-La homosexualidad de Freddie no se ha escondido
Otro de los puntos más criticados de la película es cómo se ha velado la homosexualidad de Freddie Mercury. Aunque es verdad que el tratamiento del personaje de Paul Prenter, mánager y pareja del artista durante unos años, huele a homofobia por los cuatro costados (ojo, la Queenpedia en español le define directamente como «el asesino de Freddie Mercury»), el guión no esquiva su atracción hacia el cruising, el travestismo, lo que emulaba su bigote, lo que supuso el vídeo de ‘I Want to Break Free’ ni el hombre con el que decidió terminar sus días. Está documentado que Mercury evitaba aparecer en público con Jim Hutton y que dejó en herencia su casa de Londres a Mary Austin, la destinataria de ‘Love of My Life’ y no a él, por lo que dar otro tratamiento a la homosexualidad del artista igual habría sido traicionar lo que fue su vida en una década como la de los 80. ¿Ya nos hemos olvidado de que Elton John se casó con una mujer en 1984? La cinta no evita lo que significaba tratar con la homofobia de medios y público, o lo que suponía decirle a tus compañeros de grupo heterosexuales que habías contraído el sida. En ese sentido, probablemente sea respetuosa con lo que el artista habría querido, dándole a su sexualidad una importancia equilibrada en una época llena de tabúes. «Freddie, eres gay (no bisexual)», le dice uno de los personajes en un momento fundamental. Esto no es lo que yo entiendo por velar la homosexualidad de alguien en un guión. Es más, la película termina reflejando cómo fue un artista gay quien interpretó algunos de los himnos futboleros más coreados de todos los tiempos, como ‘We Are the Champions’ o ‘We Will Rock You’.

4.-¡Si te gustan Queen!
No por obvio podemos pasar por alto el último punto. Queen, incluso en la era streaming, tienen una audiencia multimillonaria, muy superior a la de los Beatles según muestra Spotify. Sus fans se cuentan por decenas de millones y si bien a los más documentados les van a rechinar un par de datos, el 99% restante va a disfrutar de lo lindo de ver recreados los momentos en que se gestó ‘A Night at the Opera’ desafiando a la industria musical de la época, o nacieron algunos de sus mayores hits, como ‘Another One Bites the Dust’, ‘We Will Rock You’ y sobre todo ‘Bohemian Rhapsody’ (“¡tengo los huevos en el pecho!”).

3 cosas bastante mejorables

El maniqueísmo
Paul Prenter como villano, Mary Austin como ángel llegado del cielo, el padre como un sufrido emigrante que no hace más que repetir la misma frase sobre principios éticos, la madre como una bondadosa mujer de su casa a quien tirar un besito desde un concierto benéfico… El retrato de todos los secundarios de la película es el que haría un principiante: carece por completo de matices. Los mismos Queen se presentan como personajes inocuos, siempre puntuales en el estudio, como ejemplares padres de familia y con cara de no haber roto un plato en su vida. ¿Son los mismos Queen a los que supuestamente no les preocupan los éxitos comerciales y que tanto quieren a Freddie, los mismos Queen que siguen haciendo giras casi 30 años después de la muerte de su cantante, con Adam Lambert como sustituto?

La dramatización hasta el error biográfico
En su intento por «respetar el legado de Mercury» o de Queen, más bien, hay un par de tics que no habría costado mucho corregir o reparar aun siendo respetuoso con el cantante. La pedazo de tormenta en una de las escenas con Paul Prenter es más de caspa cinematográfica que de agua y hay errores biográficos graves. Según Jim Hutton, Freddie supo que había desarrollado sida en abril de 1987 y en la película aparece anunciándolo antes de Live Aid (1985), condicionando la actuación, cuando no pudo hacerlo. El guión ha ido un pelín más allá del recurso narrativo comprensible.

El exceso de prótesis dental
Freddie Mercury tenía dientes de más. Gracias, nos hemos enterado. Esta malformación pudo marcar la carrera del cantante, al servir para aumentar su capacidad vocal, pero con algún plano exagerado y un par de menciones habría sido suficiente. Malek ha hecho un gran trabajo recreando a Freddie Mercury y sus gestos. Por eso es una pena que en algunos de los planos su caracterización esté tan sumamente exagerada que no eres capaz de ver nada más. No era necesario y, sobre todo, ver a Mercury en televisión en los años 80, no era esto. Ver en pantalla a Brian May y el resto de integrantes de Queen termina siendo más fidedigno: se nota que han sido ellos quienes han aprobado la película. 6.

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