Alain Delon, uno de los actores claves del cine francés de los 60, ha fallecido a los 88 años. Así lo han anunciado sus tres hijos en un comunicado oficial compartido por la agencia France Presse, aclarando que Delon «murió pacíficamente en su casa de Douchy, rodeado de sus tres hijos y su familia». El actor sufría una grave enfermedad desde el accidente cerebrovascular que sufrió en 2019.
Delon fue una figura clave de la edad dorada del cine, protagonizando películas tales como ‘El silencio de un hombre’, ‘A pleno sol’, ‘Borsalino’, ‘El gatopardo’ o ‘Rocco y sus hermanos’ y llegando a ser conocido como uno de los hombres mas atractivos del cine. En total, ha aparecido en 90 películas.
Su prolífica vida amorosa ocupó las portadas de los tabloides franceses durante décadas, mientras que en los últimos años estos se han centrado en sus peleas familiares, comentarios homófobos, o amistad declarada con Jean-Marie Le Pen, lo cual empañó su imagen en el ojo público.
Tanto Le Pen como Macron han reaccionado al fallecimiento del actor, con este último describiéndolo como «más que una estrella»: «Era un monumento francés», ha escrito el presidente en X. Por su parte, Le Pen ha declarado que «una pequeña parte de la Francia que amamos se va con él».
Monsieur Klein ou Rocco, le Guépard ou le Samouraï, Alain Delon a incarné des rôles légendaires, et fait rêver le monde. Prêtant son visage inoubliable pour bouleverser nos vies.
Mélancolique, populaire, secret, il était plus qu’une star : un monument français. pic.twitter.com/1JTqPfVo5n
Bebe Rexha no gana para disgustos. La cantante de ‘Bebe’ fue vetada ayer de un vuelo tras lo que ha descrito como un «crimen de odio» por su ascendencia albanesa. Así lo ha contado en los Stories de Instagram.
La storie de la cantante la mostraba en el aeropuerto de Múnich asegurando, entre lágrimas, que un guardia de seguridad no le había dejado subir a su vuelo de Lufthansa: «He sido amenazada porque pensaba que el guardia de seguridad era albanés. Hablé con él en albanés preguntando donde podía conseguir mi ticket y ahora me está vetando del vuelo», escribió Rexha.
En otra publicación, la cantante describió lo ocurrido como un «crimen de odio por ser albanesa»: «No me dejaba saber su nombre. Ha continuado abusándome mentalmente para hacerme sentir que él tenía más poder del que tenía». Esta continuó asegurando que «ninguna de las mujeres» de Lufthansa intervino de ninguna manera.
Bebe Rexha says she’s being threatened at the airport for speaking Albanian:
“I've been threatened because I thought the security agent was Albanian. I spoke to him in Albanian asking where to get my ticket and now he is banning me from the flight.” pic.twitter.com/HgeOLVKj0h
La cantante franco-británica Julia-Sophie ha desarrollado dos carreras musicales. Como integrante de la banda de rock Little Fish trabajó con Linda Perry, publicó un disco y descubrió que no encajaba en el molde de las discográficas multinacionales (estuvo fichada en Universal Records). Fue en esta etapa en la que Julia-Sophie salió de gira con Hole y Blondie… y recuerda ambas experiencias de manera muy diferente. Como artista independiente, con su proyecto Candy Says grabó una versión de ‘Running Up that Hill (A Deal with God)’ que suma cerca de 3 millones y medio de streamings en Spotify. Y, sobre todo, se entregó al poder de los sintetizadores, los mismos que dan gasolina a las canciones de su fantástico álbum debut, y su primer disco en solitario. Hablamos con Julia-Sophie sobre ‘forgive too slow‘ y de su experiencia en la industria antes de la independencia.
¿Cómo es que viviste en Zaragoza?
Viví en Zaragoza cuando tenía 13 años. Mi madre impartía clases en una escuela española y fui con ella para acompañarla. Estudié un año en una escuela de Zaragoza, fue una gran experiencia. Estudié español, pero ya no me acuerdo… Entiendo el idioma, pero no lo hablo tan bien.
¿Zaragoza es muy diferente de Reino Unido o Francia?
En Francia, la educación, los descansos, la comida, la cultura… es todo muy diferente a España.
¿Cuál es el punto de origen de tu disco ‘forgive too slow’?
Saqué tres epés y pensé que era momento de lanzar un proyecto más largo. Los epés me fueron útiles para descubrir mi sonido y explorar diferentes lados de las canciones y de la música electrónica, y cuando ya hice eso me sentí preparada para trabajar en una obra más grande.
¿Cómo son tus primeros pasos en la música?
De pequeña no tuve demasiado acceso a la música “del exterior”. Sin embargo, varios miembros de mi familia cantaban y escribían canciones. Pensaba que todo el mundo lo hacía, no sabía que existía una industria. Empecé a escribir mis propias canciones a los 16 años. Para mí fue formativo escuchar a B.B. King porque mi padre ponía sus cintas en bucle, y de ahí nació mi gusto por el blues. De mi madre me vino mi interés por la chanson, la canción popular francesa.
Pero no fue hasta que cumplí 20 años cuando empecé a descubrir la música que realmente me gustaba. Lo primero que me llamó la atención fue el rock y artistas como Patti Smith y, después, descubrí a Beth Orton y su disco ‘Central Reservation’. Recuerdo escucharlo y sentirme muy identificada con su sonido. Siento que descubrí la música tarde y que por eso mi carrera ha sido un viaje.
¿En qué momento entran los sintetizadores en tu vida?
Empecé siendo una pureta porque el rock ’n roll era la única música que conocía. La filosofía era no grabar capas ni segundas tomas y tocar con lo que tuvieras. Era un sistema muy rígido. Empecé a coquetear con los sintetizadores en Candy Says, pero los descubrí de verdad después de Little Fish. Descubrí cómo hacían su música artistas que ya escuchaba, como Kraftwerk o Caribou. Me da un poco de vergüenza no tener esa historia que tienen algunos artistas que han tenido un vínculo con la música desde siempre, que siempre han sabido lo que querían hacer.
¿Cómo terminas fichada en una multinacional y trabajando con Linda Perry?
Es la magia de ser ingenua, que no sabes nada de la industria. Sigues el mito del rock ’n roll. Antes de internet montabas un grupo, tocabas sin parar y de repente milagrosamente te descubría un ejecutivo y te contrataba en un sello. Es lo que nos pasó a Little Fish. Grabamos una maqueta, la mandamos a las revistas locales, alguna la reseñó… pero tocamos durante años hasta que un representante de artistas nos descubrió y nos fichó. No teníamos amigos en la industria, fue como en una película. Entonces, Linda Perry escuchó una de nuestras canciones y el resto es historia. Y lo que pasó después, bueno, fue diferente a lo que esperábamos.
¿A qué te refieres?
Después de firmar las cosas empezaron a volverse muy… de la industria. Para mí todo cambió en ese momento.
¿Sabías quién es Linda Perry? ¿Qué recuerdas de trabajar con ella?
(suspira) Era muy ingenua, no sabía quién era y me negué a buscarla en Google. Quería conocerla por quién es y no montarme una imagen preconcebida de ella. Sabía que era la cantante de 4 Non Blondes y que había trabajado con P!nk. Mi conocimiento del mundo musical no era muy grande, mi mayor motivación era trabajar con una mujer, porque me gusta apoyar a las mujeres en la música todo lo que puedo. Pensaba que era una alianza ideal a pesar de que otros sellos habían mostrado interés en la banda.
…y no fue ideal.
Bueno, digamos que al hablar de este tema me vienen recuerdos muy dolorosos, y es un lugar al que prefiero no volver.
Entiendo.
Aprendí mucho sobre el mundo y sobre la gente. Me di cuenta de que ese mundo no es para mí.
La nota de prensa dice que dejaste la multi porque no querías “lidiar con mucha mierda” que te “tiraban encima”. ¿Te refieres a esto?
Es complicado. No sé cómo explicarlo… Pasaron cosas que no tenían que haber pasado.
«Trabajando con Linda Perry descubrí que el mundo de las multinacionales no es para mí»
Volviendo a tu disco, me llama la atención que tus canciones siempre van muy arriba, parece que estás buscando la catarsis en todo momento.
¡Nunca lo he pensado! Ahora que lo dices es cierto, pero nunca lo había pensado de manera consciente. Quizá tenga que explorar no-crescendos (ríe)
‘Numb’ sube y sube y parece que no va a parar. ¿De qué va esta canción?
Cuando voy a discotecas me gusta que la música no dé tregua y que me lleve siempre más arriba, así que tiene sentido. ‘Numb’ va sobre tocar fondo y exhibir todas tus debilidades. En ‘Numb’ me muestro a mí misma en mi peor versión, en un momento en que también estoy arrastrando a otra gente a ese lugar. A la vez, trato de ser honesta con lo que me está pasando.
¿Bruce Aisher es el productor que trabajó en tus primeros temas y que al principio era «anónimo»?
Sí, exacto. Bruce es amigo mío. Él no quiere ser la “cara” del proyecto.
¿Qué significa ‘Telephone’ para ti y por qué cierra el álbum?
Es una canción muy nostálgica, en ella intento capturar esa sensación de descubrir en las pequeñas cosas, en los detalles, el encanto de una persona, aunque después la cosa se tuerza. Estoy segura de que no soy la única que ha estado pegada al teléfono llamando a otra para pedirle perdón… Es una canción de amor en el fondo, habla de lo complicado que puede ser querer a una persona cuando, en teoría, debería ser fácil. Cierra el disco porque no sabía cómo encajarla con el resto de canciones, porque es más clásica que el resto, más pop. Aunque me gusta escribir este tipo de canciones, sobre todo en el disco quería presentarme en un estilo más alternativo. Para mí el disco es un manifiesto de lo que soy capaz de hacer. También está en el final porque después de tanta intensidad es un alivio.
¿Cuáles son tus influencias a la hora de producir? ¿Buscas un sonido nostálgico o más bien el futuro?
La gente usa la palabra “vanguardia”, pero yo no me considero una artista de vanguardia. No soy Philip Glass. Otras artistas como Grimes o Charli xcx sí están innovando. Yo simplemente combino mi descubrimiento de la música electrónica con una manera de componer canciones que traigo de antes y que es clásica. Es la razón por la que me gusta escuchar a artistas como James Blake que hacen exactamente eso.
¿Cómo suelen evolucionar tus canciones desde el momento en que empiezas a escribirlas?
En los epés puedes escuchar que algunas canciones las he esculpido bastante antes de publicarlas. Todas las canciones las empiezo a componer en la guitarra, normalmente acompañada de una caja de ritmos, y suelo escribir una estrofa y el estribillo antes de llevarla al estudio. Bruce y yo revisamos las maquetas y las terminamos. Algunas canciones han tenido 20 versiones con beats y estructuras muy diferentes. En algunos casos acabamos una canción en una segunda visita al estudio. Puede tomar semanas o meses.
«No me quise interponer en el camino de Courtney Love, pensaba que era súper famosa y que debía estar demasiado ocupada»
En algunas canciones parece que intentas camuflar un poco la voz y la letra; ¿intentas esconderte detrás de la música?
En mi experiencia siempre bajo el volumen de la voz, así que probablemente sí intento esconderme, quizá me vuelvo un poco insegura. Pero también es una decision estética, a veces la voz y el sonido se funden en una misma textura y puede quedar muy bien.
¿Cómo terminaste tocando de telonera de Hole y qué recuerdas de conocer a Courtney Love?
Linda Perry ha trabajado con Courtney Love, la conexión viene de ahí. Courtney escuchó la música de Little Fish y nos invitó a salir de gira con Hole. Fue una experiencia… interesante. Con Courtney no pasé demasiados ratos, siempre pensé que no quería interponerme en su camino, me parecía que era muy famosa y que debía estar súper ocupada, así que yo iba un poco a mi bola. Courtney, en ese momento, estaba pasando por un momento difícil así que fue una época de muchas emociones. Y de mucha purpurina. Nunca había visto un camerino tan lleno de cosas, tan lleno de… golosinas. Podías abastecer una cocina entera.
¿Y cómo llegas a girar con Blondie?
Debbie Harry fue a ver a Hole en Nueva York y nos vio tocando de teloneros. De repente, una mujer me da un toque en el hombro y me dice: “eres increíble, ¿quieres venir de gira con nosotros?” Y yo me quedé, “bueno, OK”. Yo no había visto bien quién era porque el sitio estaba oscuro, me dijeron después que era Debbie Harry.
Viviste un sueño.
Yo evidentemente sabía de Debbie Harry y de Blondie, pero no sabía que la mujer que me había tocado el hombro era ella. En la gira de Blondie, Debbie y la banda fueron encantadores. Son las estrellas del rock más amables que he conocido nunca. Con Debbie me llevo muy bien, es un amor.
The Pains of Being Pure at Heart han anunciado una gira europea que pasará por España y Portugal en febrero y marzo de 2025, con motivo del 15 aniversario de su disco debut. Todo, 5 años después de su ruptura en noviembre de 2019. Las entradas estarán disponibles este martes a las 11 de la mañana.
La banda tocará en vivo por primera vez desde 2012, según un comunicado en redes de Kip Berman, con la excepción del bajista Alex Naidus, que no podrá estar debido a «(muy buenas) razones personales». TPOBPAH tocarán en Oporto, A Coruña, Oviedo, Tarragona, Madrid, Sevilla, Murcia, Valencia, Barcelona, Zaragoza y San Sebastián.
El grupo tocará su LP debut entero, además de canciones adicionales «de ese periodo»: «No sé si haremos más (o menos) de esto en el futuro. Por ahora, estamos emocionados por esta oportunidad de juntarnos y tocar estas canciones que, literalmente, cambiaron nuestras vidas», termina el post.
Paula Koops, la cantante de Madrid que se ha dado a conocer con temas como ‘Línea 7’, ‘b.o.b.o.‘, ‘Odio que te quiero’ o ‘Novia del año’, con los que ha traído el revival pop-punk a España colaborando con gente como Marmi, Noan o Ruslana, ha vuelto estos días con nuevo single y nuevo sonido.
‘Tan mona con la mini’ es el nuevo adelanto de ‘MOTEL’, el primer disco de Paula Koops, y se lanza a la moda country importada -también- de Estados Unidos. A Koops la mezcla de pop y country le sienta «bien, bien, bien», ya que ‘Tan mona con la mini’ se apoya en un ritmo bailongo y, sobre todo, en un estribillo que usa un léxico sonoro y pegadizo, cuando rima eso de «me sienta bien verte roto, ver que te vuelve loco, ver que le doy tus besos a otro y a otro».
A este simpático acercamiento al pop-country de Paula Koops que remite -vagamente- a ‘Timber’ de Pitbull y Kesha, más que a cualquier cosa de ‘Cowboy Carter‘ o de la discografía de Orville Peck, hay que añadir la gracia de una letra que mezcla «si hubiese el amor sentiría la tusa» con «el amor se siente, el amor no se usa». Aquella palabra popularizada por Karol G vuelve al pop.
Aunque ‘Tan mona con la mini’ deja con ganas de más cuando decide despedirse de manera algo abrupta. La moda de no escribir puentes en las canciones pop llega también a España y, aunque algunas canciones se han beneficiado de esta estructura, como ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter, da la sensación de que ‘Tan mona con la mini’ termina antes de lo debido. Un puente y un estribillo final la habrían hecho acabar por todo lo alto.
No obstante, ‘Tan mona con la mini’ demuestra que Paula Koops se maneja con tremenda soltura dentro de un contexto más pop que rockero. Conoce el gancho de una palabra y de una buena melodía puesta donde toca. Ganas de entrar en su «Motel» y descubrir qué hay dentro.
El nuevo disco de Einstürzende Neubauten está construido en base a un concepto que bautizaron como “rampen”: las improvisaciones que iban ofreciendo en sus directos en 2022. Pero ¿y el “alien pop music”? Pues es un nuevo subgénero que han inventado. Como dice Blixa Bargeld en una entrevista en The Quietus: “No dejemos la popularidad de la música pop a la mayoría: hay una música pop minoritaria. Música pop para chicas diferentes, música pop para chicos diferentes, música pop para los extraterrestres”. Pero ‘Rampen’ también esconde una coña sobre los Beatles: la portada pretende emular el disco blanco… pero en amarillo. Según Blixa, porque existe un universo paralelo donde Einstürzende Neubauten son tan famosos como los Beatles.
Teorías aparte, en la práctica ‘Rampen’ es un muy buen disco de EN. Para estar basado en improvisaciones, suena muy poco improvisado. Las canciones son redondas, acabadas. Es largo, de 74 minutos, pero más por la abundancia de temas (quince) que por la longitud de las mismas. Es un disco inusualmente plácido y, ehem, agradable de escuchar. ‘Rampen’ por un lado es atmosférico, arrullador, pero contiene, efectivamente, buenas dosis de pop… a la Neubauten (rastro sonoro de los Beatles no hay, por eso): canciones suavemente marciales y extrañamente pegadizas, conducidas por la característica voz de Blixa, que suena siempre sardónico, ya esté susurrando o increpando. La instrumentación, basada una vez más en las percusiones de fabricación propia, está apaciguada, pero sigue siendo una locura maravillosa.
La primera canción, ‘Wie lange noch?’, no es un pepinazo como ‘Ten Grand Goldie’, pero sí un inicio subyugante, que rompe en furia comedida al final, con una línea de bajo y de cuerda que atrapa. Blixa pasa del susurro al grito. Tensa y pegadiza es también la siguiente ‘Is Ist’, marcial y misteriosa gracias a sus efectos de sonido (pianos fantasmagóricos, ruidos bucales).
Otros posibles “hits” que pueblan el disco son ‘Pestalozzi’, que toma el nombre del pedagogo suizo, en que Blixa recita una enumeración aparentemente inconexa, entre la Velvet y lo ambiental. O la nana ‘Before I Go’. O ‘Isso Isso’, como si la agresividad, más que formar parte de la canción, fuera paisajística. ‘Everything will Be Fine’, tras cierta morosidad rompe en un gran estribillo. Aquí Blixa narra una guerra apocalíptica, que cierra con ese estribillo sarcástico, “todo irá bien”, aunque la canción no suena sarcástica en absoluto: “Blessed are those who believe / It’s time and nothing else but time” (“Benditos sean los que creen. Es tiempo, y sólo tiempo”). El horror que ha de venir (y el que ya adivinamos), en vez de ser mostrado de manera espantosa, lo es de manera sosegada. ‘Planet Umbra’ hechiza con su introducción de cuerdas sintetizadas y sus sonidos acuáticos procesados. Es oscura y fascinante como su título: una viñeta de ciencia ficción calmada pero levemente amenazante.
En el último tercio el disco tira hacia las “baladas”, ‘Trilobiten’ a la cabeza. Y sí, va de eso: fósiles. Aunque Blixa señala en varias de sus entrevistas como su favorita la final ‘Gesundbrunnen’ (“fuente de salud”). Blixa explica que, poco antes de acabar el disco, su hijo se reveló como trans. Y para él fue como “abrir una puerta que ni siquiera estaba ahí”: un universo no binario a explorar. Para Einstürzende Neubauten la música es eso: nuevos mundos sonoros a explorar, una expedición que jamás acaba. Y ‘Rampen: apm (alien pop music)’ es, una vez más, una gozosa constatación de que los alemanes siempre miran más allá.
Hace un año, Manolo Martínez colaboró en el podcast REVELACIÓN o TIMO dejando la abierta puerta a un regreso de Astrud: «Quizá haya disco de Astrud el año que viene, quizá nunca». Sin un lanzamiento a la vista, Martínez ha concedido una extensísima entrevista a El Correo en la que repasa toda su carrera y comparte todo tipo de pensamientos sobre sus letras, canciones y el futuro de Astrud.
«Doy mis clases, escribo artículos e intento publicarlos. Ese es mi día a día», asegura Manolo Martínez al principio de la entrevista, ya como doctor en Filosofía y docente de la Universidad de Barcelona. Trece años después del «fin» de Astrud, Martínez ha compartido sus impresiones sobre su trabajo en la banda, desde lo «orgulloso» que se siente de ‘Mi fracaso personal’ o de la deriva semi comercial de ‘Gran fuerza’.
‘Cambio de idea’, ‘Minusvalía’ y ‘Hay un hombre en España’ son algunas de sus canciones favoritas del grupo, mientras que otras como ‘Riqueza mental’, que «no tiene mucha gracia», o ‘Acordarnos’, que «tampoco está bien resulta», son las que le provocan mayores dudas.
Martínez declara que si Astrud hiciese una gira hoy en día sería con «un punto más ‘remember’, en plan vuelven Los Pecos»: «A mí me daría pena, pereza y no sé si hace falta o si estaría guay», apunta. Aun así, no cierra la puerta a una reunión de la banda.
Ante la pregunta de si hay alguna posibilidad de volver a lanzar música como Astrud, Martínez lo tiene claro: «Yo siempre respondo lo mismo, que es que sí, pero creo que solo si hay canciones nuevas», asegura. Sin embargo, también aclara que lo más probable es que no suceda: «La experiencia de los últimos catorce años lo que me hace sospechar es que no lo voy a hacer, pero si pasara, si de pronto encontrara el hueco en mi vida para hacer esas canciones, me parecieran chulas, pues sí, yo creo que haríamos ese EP y una pequeña gira y yo me lo pasaría bien».
Halsey está creando cada vez más hype de cara a su quinto disco a base de interesantes singles. Después de ‘The End’ y ‘Lucky’, ‘Lonely is the Muse’ es otro gran añadido a la colección. Esta vez, a través del grunge y la poesía, Halsey se convierte en una musa martirizada en nombre del arte y regala una de sus interpretaciones más intensas.
«He pasado años haciéndome guay / Y en un solo segundo, tú puedes hacer desaparecer una década de esfuerzo», canta Halsey en las primeras líneas de la canción. ‘Lonely is the Muse’ comienza como una balada entre el emo y el grunge que va subiendo la intensidad poco a poco hasta dejarse la garganta en los últimos instantes del tema: «Y cuando acabes, me puedes descartar / Como siempre hacen los otros», entona en el último estribillo.
El día posterior al lanzamiento del tema, Halsey publicó en su cuenta de Tumblr que ‘Lonely is the Muse’ fue escrita como un poema que luego decidió convertir en canción. De hecho, el poema tiene estrofas exclusivas. El foco de la canción está en el estribillo, en el que Halsey asegura que siempre supo que era «una mártir» y que «Jesús lo era también». Sin embargo, ella fue construida con «piezas especiales» para «cualquiera que decida que soy útil».
En el apartado visual, incluida la portada del single, Halsey da otro significado a los conceptos de musa y mártir subiéndose encima de la tumba de Victor Noir, un joven periodista asesinado por un sobrino de Napoleón y reconvertido en símbolo de fertilidad. Ubicada en el cementerio de Père-Lachaise en París, la estatua de Noir es famosa por la leyenda que dice que cualquier mujer que desee quedarse embarazada debe tocar el pene de Noir para cumplir su deseo. Digamos que Halsey está haciendo algo más que tocar su entrepierna.
‘Longlegs’ venía precedida de una campaña de márquetin diabólicamente efectiva. Unos teasers más malrrolleros que la sonrisa de Pogo el Payaso, unos pósteres sinestros y enormemente sugerentes, un vídeo con los latidos del corazón de la protagonista (Maika Monroe, convertida en un icono del terror tras ‘It Follows’ y ‘El extraño’) acelerándose tras ver la caracterización de Nicolas Cage, y hasta la publicación de un número de teléfono al que se podía llamar para escuchar un mensaje de “piernas largas”.
La expectación generada ha sido enorme, claro. Además, los más fans del género se frotaban las manos dado quién estaba detrás de las cámaras: Oz Perkins, autor de tres largometrajes muy poco vistos pero interesantísimos, con una concepción del terror muy estilizada y personal: ‘La enviada del mal’ (2015), ‘Soy la bonita criatura que vive en esta casa’ (2016) y ‘Gretel y Hansel: Un oscuro cuento de hadas’ (2020).
Aparte, Perkins tiene una biografía que es casi una película de terror: nieto del actor Osgood Perkins, quien murió de forma repentina con 45 años mientras se estaba dando un baño, e hijo de Anthony Perkins, el célebre Norman Bates de la saga ‘Psicosis’, un actor que vivió torturado toda su vida por los problemas para aceptar su homosexualidad y murió de sida en 1992, y la fotógrafa de moda Berry Berenson, fallecida como pasajera de uno de los aviones que se estrelló contra las Torres Gemelas. Su hermano es el talentoso cantautor Elvis Perkins.
¿Ha colmado ‘Longlegs’ las expectativas generadas? Desde un punto de vista narrativo, no demasiado. Sobre todo en cuanto al relato criminal. El director juega la carta del thriller noventero con asesino en serie, de ‘El silencio de los corderos’ (1991) a ‘Seven’ (1995) (sin olvidar la posterior ‘Zodiac’ o el ‘Cure’ de Kiyoshi Kurosawa). Pero le sale más un refrito con asesinos juguetones y detectives con linternas a lo ‘El coleccionista de amantes’ (1997), ‘El coleccionista de huesos’ (1999)… y demás imitaciones que surgieron como pústulas a raíz del éxito de las obras maestras de Jonathan Demme y David Fincher.
Sin embargo, con respecto a la puesta en escena, las ha superado con creces. Perkins es un creador de atmósferas superlativo, alguien capaz de construir secuencias inquietantes, siniestras, de una belleza macabra y sobrecogedora, de esas que se te quedan dentro durante mucho tiempo. Ya solo por el extraordinario prólogo, un ejemplo de cómo poner en escena el horror, cómo representar lo maléfico a través de las imágenes, los encuadres y el diseño sonoro, merece la pena pagar una entrada.
El director saca mucho partido estilístico y dramático de la tensión y el contraste entre opuestos: el formato cuadrado con bordes redondeados para los años 70 y el panorámico para los 90, la tristeza, sobriedad y meticulosidad de la agente novata (una émula de Clarice Starling) con el histrionismo y la locura asesina de Longlegs, los códigos del thriller criminal con la imaginería audiovisual del terror satánico y sobrenatural, el ritmo moroso de la narración con los estallidos de violencia, la belleza melancólica de los escenarios exteriores con la sordidez y la frialdad de los interiores.
El resultado es una película desequilibrada en lo narrativo, con un final algo frustrante, pero absolutamente arrebatadora en lo formal. Un tenebroso cuento de terror que perturba y aterra mucho más por la manera en la que está contado, que por el cuento en sí.
Deseando ver la próxima película de Perkins, ya rodada: ‘The Monkey’, adaptación del relato ‘El mono’ (incluido en el volumen ‘La niebla’, 1986) escrito por Stephen King, con Elijah Wood y Theo James como protagonistas.
No solamente tienen la gira más comprometida con el medioambiente, sino que además es la que más ha recaudado en la historia en el mundo del rock. Así, la gira ‘Music of the Spheres’ de Coldplay ya se ha colocado como la segunda más exitosa de la historia, solamente por detrás de Taylor Swift.
Según los datos de Billboard, la banda británica lleva recaudados unos 945 millones de dólares tras haber vendido 8,8 millones de entradas desde el comienzo de la gira, en marzo de 2022. Sin embargo, y pese a que quedan 21 conciertos más, parece que el ‘Eras Tour’ de Taylor Swift seguirá siendo la gira más grande de la historia. En diciembre, se convirtió en la primera en tener unos ingresos brutos de mil millones de dólares.
Coldplay ha superado al ‘Farewell Yellow Brick Road’ de Elton John, que ganó unos 939 millones de dólares y ostentaba el récord previo. La leyenda británica consiguió estos datos con 328 conciertos durante 5 años de gira, desde 2018 hasta 2023. A su vez, superó a ‘The Divide Tour’ de Ed Sheeran, que consiguió 776 millones de dólares.
Además, se ha revelado el tracklist de ‘Moon Music’, el próximo disco de Coldplay que estará disponible el próximo 4 de octubre. Little Simz y Burna Boy aparecerán como invitados.
Lisa ha publicado su nuevo single, ‘New Woman‘, una colaboración con Rosalía que se lleva rumoreando un par de semanas. ‘New Woman’ es la canción que Rosalía había avanzado brevemente en sus redes, en la que decía aquello de «puta, soy la Rosalía, solo sé servir». Es la Canción del Día.
En ‘New Woman’, Rosalía rapea su parte en español, mientras el resto de la canción está escrito en inglés. Deja su impronta no solo presumiendo de «frontear» sino, sobre todo, empleando un vocabulario típico del flamenco, no demasiado ingenioso cuando Vila Tobella canta eso de que será la mejor «hasta la madrugá» (ok) y bajo «la noche estrellá».
Es Lisa la que introduce ‘New Woman’ impulsada por el maximalismo de la producción y, con la entrada de Rosalía, la intensidad se detiene… pero vuelve después. El cambio de tempo desconcierta al principio, pero aporta dimensión a una producción que no vuelve a bajar el ritmo.
En ‘New Woman’, Lisa apuesta por un sonido urban pop comercialote, similar al de su single anterior, ‘Rockstar‘, o al de la banda que le ha dado a conocer, BLACKPINK. Y se asegura -o eso se espera- un nuevo éxito contando en la composición con Max Martin, quien probablemente ha tenido algo que ver con el dinámico estribillo de la canción, y con Tove Lo; la élite del pop sueco.
‘New Woman’ además entra por los ojos, pues su videoclip llega lleno de escenas surrealistas, como esa en la que Rosalía junta su labio con la oreja de Lisa cruzando dos anillos, o esa en la que Rosalía aparece sentada en una silla colgada en la pared. A Lisa le gusta especialmente posar al lado de electrodomésticos: la cantante aparece apoyada sobre una impresora o refrescándose al lado de un frigorífico. Con el calor que hace, no nos extraña.
Rosalía estrujando limones, Lisa empuñando una cámara digital, botas ardiendo, un encuadre de sombrillas multiplicadas… y más escenas que llevarse a la boca en esta -lo vamos a decir- chuchería de videoclip dirigido por Dave Meyers, el director de las superestrellas.
beabadoobee entra en el número 1 de álbumes en Reino Unido con ‘This is How Tomorrow Moves’, su tercer disco. Desplaza a Chappell Roan, que alcanzaba el número 1 de álbumes en las islas la semana pasada, además, con un disco publicado en septiembre de 2023, prueba de su creciente popularidad. Se rifaba el número 1 con Charli xcx, que finalmente quedaba en segunda posición.
‘This is How Tomorrow Moves’ ha despachado 11.714 unidades equivalentes en Reino Unido en su semana de lanzamiento. De esta cifra la mayoría de ventas, 10.566 unidades, pertenecen a venta de formato físico. Además, el disco suma 1.062 puntos de streaming y 86 descargas, informa UKMix.
beabadoobee se puede considerar un icono alternativo generacional después del éxito, hace unos años, de su single ‘Coffee’, sampleado en la canción lo-fi más famosa de la historia. De hecho, la británica está acostumbrada a colocar sus discos dentro del top 10 de la lista de álbumes británica; ‘Beatopia‘, su segundo álbum, alcanzó el puesto 4 en 2022, y ‘Fake it Flowers‘, su debut, quedó en el 8.
La longevidad es ahora el reto de beabadoobee, quien no tiene ningún single del disco dentro de la lista de singles británica… al contrario que Chappell Roan, que tiene dos, ‘Hot to Go’ (12) y ‘Red Wine Supernova’ (31), además del single posterior, ‘Good Luck, Babe!’ (3). ‘Death Bed (Coffee for Your Head)’, el mayor éxito de beabadoobee, compartido con Powfu, llegó al cuarto puesto.
beabadoobee ha llegado a colocar otros de sus singles dentro de la lista de singles británica, entre ellos, el single principal de su nuevo disco, ‘Take a Bite’, que marcó un puesto 68 hace unas semanas. ‘Glue Song’, su dueto con Clairo, es su mayor éxito, pues alcanzó un puesto 38. Después, ‘A Night to Rememeber’, su single con Laufey, llegó al 84 y ‘The Way Things Go’ quedó en el 86.
Paige Tomlinson es una de las promesas de la electrónica de baile provenientes de Liverpool. Con sus bailongos sets inspirados en el house de los 90, como ha reconocido ella misma, Tomlinson ha puesto de patas arriba el Glastonbury o el Hide & Seek y también ha pinchado en reconocidos recintos como el Printworks de Londres o La Terrazza de Barcelona. El prestigioso sello de Manchester Dansu Discs no ha tardado en echarle el ojo incorporándola a su catálogo.
Las producciones de Tomlinson buscan la inmediatez del piano house más festivo de los 90, y tanto ‘Butt Bumpin’ como ‘Get Funky, Get Down’ suenan a clásicos de la época. ‘Show Me Love’ de Robin S. o ‘Don’t Stop Movin’ de Livin’ Joy pueden haber inspirado a Tomlinson, aunque ella cita entre sus influencias exactamente a R.M project, Direct 2 Disc, X-Press 2 o Klubbheads & Bass Bumpers. En cualquier caso es absolutamente imposible mantenerse quieto con sus canciones.
Además de por firmar pepinazos para la pista de baile como son también ‘Floor Burn’ o ‘Rocked It,’ Tomlinson es conocida por mezclar en sus sets electro, tecno y breakbeat, por si cabía alguna duda de que es británica. Si estás en Barcelona este fin de semana tendrás ocasión de comprobarlo asistiendo al set de Tomlinson confirmado este sábado 17 de agosto en La 1 de la Razzmatazz de Barcelona. Las entradas siguen disponibles.
It’s raining bras! El videoclip ‘Guess’ se suma a la lista de lluvias extrañas en la ficción que podría encabezar la mítica secuencia de la lluvia de ranas de ‘Magnolia’ (1999). Sobre las cabezas de Charli XCX y Billie Eilish caen sujes y bragas como en una gota fría valenciana, como un dios volcando contenedores de Humana. De hecho, como se explica al final, «toda la ropa interior que no ha sido usada [sic], será donada a una organización benéfica para mujeres que han sobrevivido a la violencia de género».
La metáfora parece clara. Desde que el 7 de septiembre de 1968 varias manifestantes contra el concurso de Miss América se quitaron sus sostenes y los tiraron al “cubo de basura de la libertad” (no, no los quemaron como si fueran unas Goebbels feministas), desde ese día, desprenderse de la ropa interior si eres mujer, sobre todo del “opresor” sujetador, lleva implícita una carga reivindicativa, es un símbolo popular de empoderamiento.
‘Guess’ mezcla la alegoría feminista con la actividad puramente lúbrica. Un éxtasis festivo interrumpido por la aparición estelar de la Eilish montada en una retroexcavadora a modo de relectura irónica del conocido estereotipo lésbico. La fiesta termina con las dos cantantes subidas a una montaña de ropa que parece un probador del Primark un sábado por la tarde, una pila de bragas para revolcarse en ellas, tanto literal como metafóricamente.
No está siendo la mejor semana de Katy Perry. Tras los pobres datos de ‘Lifetimes’ en plataformas, la Conselleria de Medio Natural del Govern balear ha comenzado un investigación para esclarecer si el rodaje de este videoclip ha sido perjudicial para el medio ambiente de las Islas Baleares.
El videoclip de ‘Lifetimes’, en el que Katy Perry se da una vuelta por las calas y los clubes de Ibiza y Formentera, también fue grabado en las dunas protegidas del islote de s’Espalmador. Resulta ser uno de los enclaves de mayor valor ecológico de las Baleares. La zona en cuestión está delimitada por palos, cuerdas y señales de prohibido. Para más inri, desde la Consejería apuntan que la productora del vídeo no había solicitado la autorización pertinente.
Desde la Dirección General de Medio Natural señalan que no se podría calificar como un «delito contra el medio ambiente», pero sí como una infracción, ya que la grabación de reportajes o vídeos «son autorizables», siempre y cuando se siga el proceso debido.
El sello de Katy Perry, Capitol Records, ha respondido a la noticia de la investigación por el videoclip de ‘Lifetimes’ aclarando que el rodaje ha contado con todas las garantías excepto por un único permiso que no aún no se había aprobado en el momento de la grabación: «La compañía de producción local nos garantizó que todos los permisos para rodar estaban asegurados», ha explicado el sello a Billboard. «Desde entonces hemos sido informados de que uno de esos permisos estaba en proceso de aprobación, aunque sí se nos dio autorización verbal para seguir adelante con el rodaje».
Los datos iniciales de ‘Lifetimes‘ fueron aún peores que los de ‘Woman’s World’. Entró en el puesto 145 global de Spotify con 1.426.000 reproducciones en streaming en su primer día. En el segundo, cayó de los 200 primeros puestos marcando cerca de 3 millones de reproducciones.
Hoy 16 de agosto se editan nuevos discos de Post Malone, Tinashe, Foster the People, Maude Latour, Charly Bliss, Ray LaMontagne, Pom Poko, Blind Pilot o NSQK. Unos días atrás, el martes 13 de agosto, se ha puesto en circulación un disco de Latto.
La gran novedad de hoy llega en forma de colaboración entre dos titanes, Bruno Mars y Lady Gaga, que se marcan un baladón. En un estilo más enérgico y uptempo, el dúo de Lisa y Rosalía también dará de qué hablar.
Entre las novedades que se han podido escuchar durante la semana se encuentran el nuevo single de Kylie Minogue y The Blessed Madonna o los nuevos adelantos de los próximos discos de Nilüfer Yanya, Hinds o Christopher Owens (sí, el ex-cantante de Girls publica disco en solitario). También está disponible -por sorpresa- el tercer single del álbum de Halsey.
Recién salidos del horno quedan, por otro lado, nuevos temas de Mushkaa y Julieta (co-producido por Nusar3000), Elias Rønnenfelt, líder de Iceage, que se aventura en solitario; Peggy Gou yendo a por su segunda canción del verano; bb trickz invocando a ‘Pharrell’, The Linda Lindas estresadas; Coco Jones, Tanxugueiras, Benson Boone, Xiu Xiu…
Bruno Mars no ha publicado disco propio en siete años -sí con su proyecto Silk Sonic- y Lady Gaga en cuatro. Dos de las potencias del pop estadounidense unen sus fuerzas en un nuevo single llamado ‘Die with a Smile’, que ha salido esta noche a las 21.00 horas de Los Ángeles, 6.00 de la mañana en España.
La nota de prensa de ‘Die with a Smile’ prometía una «balada atemporal» y no ha mentido. Bruno y Gaga, expertos en escribir grandes baladas, se marcan un baladón que sabe agarrarse a las grandes emociones sin sonar trillado. Ni siquiera su consigna apocalíptica («si el mundo acabara, me gustaría que acabara junto a ti») quita a ‘Die with a Smile’ de ser memorable.
‘Die with a Smile’ parece una balada de Bruno y no tanto de Gaga, pues está más cerca de ‘Leave the Door Open’ que de ‘Shallow’. La propia Gaga ha confirmado esta observación y, en una entrevista, ha explicado que Mars ya había empezado a escribir la canción cuando le llamó para terminarla juntos.
La noticia la había desvelado originalmente el portal HITS Daily Double, conocido por filtrar información de la industria desde dentro, y después la han confirmado Bruno Mars y Lady Gaga.
Primero han venido los teasers. Gaga había subido un vídeo de ella tocando el piano con una camiseta de Bruno Mars puesta, y Bruno Mars subía después una imagen de él portando una camiseta de Gaga. Ambos han revelado finalmente la portada de ‘Die with a Smile’.
Por un lado se dice que ‘Die with a Smile’ podría formar parte del nuevo disco de Bruno Mars. Por otro, que la canción estaría vinculada a la banda sonora de ‘Joker: Folie à deux’, la nueva película del Joker protagonizada por Joaquin Phoenix y Lady Gaga, que se estrena en octubre. Ninguna de estas dos opciones ha sido confirmada. Gaga, al menos, ha dejado un dato: que ‘Die with a Smile’ sale «mientras esperáis LG7».
Muchos artistas emprenden un proyecto, lo abandonan y vuelven a empezar de cero. Pero pocos pueden decir que ese proyecto les haya llevado a salir de gira con Courtney Love y Blondie y que ni por esas hayan querido seguir con él. A Julia-Sophie su fichaje en una multinacional le dio más problemas que alegrías, así que dio carpetazo a esa etapa y emprendió su propio proyecto desde la independencia.
Fue con la banda de garage rock Little Fish, cuyo único disco estaba producido por Linda Perry, con la que Julia-Sophie llegó a girar con dos de sus ídolos. Sin embargo, la artista se cansó de buscar una fama que no le interesaba y decidió empezar su propio proyecto en solitario tirando de sintetizadores. Tras debutar en 2020 con su primer EP, estos días ha llegado al mercado su debut oficial, ‘forgive too slow’, una lección de pop electrónico como pocas oirás este año.
Las canciones de Julia-Sophie cuentan decepciones amorosas, y la música puede sonar hedonista o atormentada dependiendo del momento. En ‘Lose My Mind’ invade a Julia-Sophie una borrasca digital que parece reflejar su inestabilidad emocional (“dime en qué nos equivocamos, eras el amor de mi vida”). Las texturas “glitch” recuerdan a Björk o Imogen Heap; la densidad y melodía vocal, a los Portishead de ‘Third’. También en ‘Comfort You’ se establece un contraste entre el nerviosismo de la base rítmica y la serenidad de Julia-Sophie; la artista franco-británica suena distante, fría, disociada del mundo.
Pero, como buscando escapar de la oscuridad, Julia-Sophie se entrega en casi todas las canciones de ‘forgive too slow’ a la magia del crescendo. Las composiciones de Julia-Sophie crecen y crecen, se hacen grandiosas a cada paso. En el tecnazo de ‘Numb’ -el mayor banger del disco- Julia-Sophie se aferra a un “loco sueño” del que no quiere despertar… mientras la base sube y sube y, cuando parece que no puede subir más, sigue escalando. A veces, Julia-Sophie recurre al cambio de tempo para destensar; en ‘Falling’ yuxtapone una primera parte dream-pop, devastadora, con una segunda en la que los sintetizadores sacan pecho y emprenden una nueva subida a las alturas.
El sueño del que Julia-Sophie no quiere despertar se disipa como la niebla al final del álbum. Una niebla que, por cierto, puede empañar parte del camino en cortes como ‘Just Us’ en los que la atmósfera se coloca un paso por delante de la composición. De presentar más cortes como ‘i was only’ que, situado en el inicio del álbum, destaca gracias a su hipnótico y pegajoso estribillo, y menos viajes etéreos como ‘better’, estaríamos hablando de un disco casi perfecto.
Aunque ‘forgive too slow’ remonta en sus minutos finales. Después de darnos un banger synth-pop como es ‘Wishful Thinking’, todo el tormento de Julia-Sophie tan bien proyectado en la densidad y tensión de sus producciones recibe su mayor recompensa en la balada que cierra el disco. ‘Telephone’ plantea el fin de ese sueño en la frase que define todo el disco: “Tenía la sensación de que estaba perdiendo el tiempo”. ‘Telephone’ es una producción de synth-pop maravillosa que apunta a la épica de ‘Purple Rain’ y, ojo, no se queda tan lejos del blanco. Si Julia-Sophie logra hacer un disco lleno de canciones como esta, no nos imaginamos las alturas a las que puede llegar.
Ravyn Lenae es desde hace rato una de las grandes promesas del R&B de Estados Unidos. A sus 26 años ha salido de gira con SZA y colaborado con Steve Lacy, y su debut de 2022, ‘HYPNOS‘, se cuenta entre los mejor valorados del género de su año.
Nacida en Chicago, Lenae se dio a conocer en 2016 con su EP ‘Moon Shoes’, el cual contiene su canción más escuchada, ‘Free Room’ con Appleby. Después, en 2018, el EP ‘Crush’ la puso en el mapa gracias a la magnífica ‘Sticky’. Con Steve Lacy facturó la maravillosa ‘Skin Tight’ y, últimamente, Renae ha aparecido en el disco de KAYTRANADA.
Dotada de una voz sedosa y angelical, parecida a la de Minnie Riperton, Lenae acaba de publicar su segundo disco, ‘Bird’s Eye‘. En este trabajo, Lenae coquetea con el pop de los 70 (‘Genius’), los ritmos afrolatinos (‘Dream Girl’) o incluso el reggae ‘Candy’). Entre las joyas escondidas del disco se encuentra ‘Love is Blind’ y, entre los singles destacados, ‘One Wish’.
‘One Wish’ es una de esas canciones de Ravyn Lenae que justifican las comparaciones de Lenae con Minnie Riperton más allá de que sus voces se parezcan. La base de ‘One Wish’, que retoma el sonido clásico del R&B y el soul, suena divina y floral como la música de Ripperton, aunque la letra esconda un fondo más triste y oscuro. Es la Canción Del Día de hoy.
En ‘One Wish’, Lenae nos lleva a su infancia para contarnos un recuerdo que ha marcado su vida: el día en que su padre no se presentó a su décimo cumpleaños. En ‘One Wish’, Lenae interpreta una letra dolida («no te puedo perdonar, por mucho que lo intente») mientras el artista invitado, Childish Gambino, hace el papel de padre arrepentido.
‘One Wish’ está escrita desde la perspectiva de una niña que descubre que los padres rompen sus promesas… pero también desde la visión de una mujer que sigue anclada en ese trauma y lo traslada a sus relaciones sentimentales. Una vieja historia contada de manera muy bonita en el metafórico videoclip de ‘One Wish’, donde la imagen de un coche -y de quién lo conduce- nos dice todo.
Cuando aún no has asimilado su single con Tove Lo y Bebe Rexha, ‘My Oh My‘, cuando todavía no te ha dado tiempo de cansarte de su colaboración con Orville Peck, ‘Midnight Ride‘, cuando quizá todavía sigues escuchando otra de sus colaboraciones recientes, ‘Dance Alone’ con Sia, Kylie Minogue presenta nueva canción, inmersa en la estrategia del «cuanto más, mejor».
‘Edge Of Saturday Night’ une a Kylie Minogue con una de las titanes de la música electrónica mundial, The Blessed Madonna. Recordarás a The Blessed Madonna por su hitazo junto a Fred again.., ‘Marea (we’ve lost dancing)’, por su disco de remixes colaborativo junto a Dua Lipa, ‘Club Future Nostalgia‘, o por su sesión de cierre del Sónar de hace unos años, apoteósico.
Juntas, Minogue y Marea Stamper (este es el nombre real de The Blessed Madonna) facturan en ‘Edge Of Saturday Night’ una producción de puro dance con ecos de high-NRG, future disco y house progresivo que incorpora teclados de piano house y disparos láser. ‘Edge Of Saturday Night’ es un rompepistas que ya se ha presentado oficialmente en una discoteca de Ibiza. ¿Dónde si no?
‘Tension‘, el último álbum de estudio de Kylie Minogue, se publicó hace casi un año, conteniendo el single-fenómeno ‘Padam Padam’, ganador del Grammy a Mejor grabación de pop dance, el primero de su categoría, y también el fantástico sencillo titular.
Gena Rowlands, leyenda del cine independiente de Estados Unidos y actriz predilecta del director John Cassavettes, con el que estuvo casada, ha fallecido a los 94 años en su residencia de Indian Wells, California, después de cinco años viviendo con Alzhéimer, enfermedad que ella misma interpretó en uno de sus últimos personajes, el de Allie, en la película dirigida por su hijo Nick Cassavettes ‘El diario de Noa’ (2004).
Con John Cassavettes -con el que estuvo casada desde 1954 hasta la muerte del director en 1984- Rowland dio vida a sus personajes más queridos, como el de Myrtle Gordon en ‘Opening Night’ (1977), encarnando a mujeres de mediana edad emocionalmente complejos, fuertes e independientes a la par que vulnerables y atormentados. Con sus papeles en ‘Una mujer bajo la influencia’ (1974) y ‘Gloria’ (1989), Rowland recibió sendas nominaciones a los Oscar. En total, con Cassavettes, Rowlands rodó diez cintas.
Durante su matrimonio, Rowlands y Cassavettes formaron una de las parejas de oro del cine independiente de Estados Unidos durante los 70 y 80. Cassavettes, detrás de la cámara, y Rowlands, delante, fueron pioneros en apostar por un cine independiente realista y crudo que rechazaba el estilo de las grandes producciones de Hollywood y ponía el foco en la sutileza de los sentimientos de sus protagonistas.
El cine de Cassavettes y, concretamente, el trabajo de Rowlands en sus películas ha inspirado diferentes obras en los últimos tiempos. Róisín Murphy se inspiró en Rowlands en la era ‘Hairless Toys’ (2015). Además, ‘Opening Night’ dio título a una canción de Jessica Pratt, mientras en la película ‘Estoy pensando en dejarlo‘ (2020) de John Kaufman se dedicaba una escena a analizar el papel de Rowlands en ‘Una mujer bajo la influencia’.
Pero Rowlands no solo trabajó con Cassavettes y en ‘Another Woman’ (1988) de Woody Allen interpretó otro de sus mejores y más aclamados personajes. Su último papel en una película fue en 2014, en ‘Six Dance Lessons in Six Weeks’.
Entre los artistas que han publicado nueva música estos días se encuentra el canadiense Shawn Mendes, que ha anunciado nuevo disco. ‘Shawn’ sale el 18 de octubre y, de momento, se presenta con dos adelantos, ‘Why Why Why’ e ‘Isn’t that Enough?’.
Mendes, como Katy Perry, ha protagonizado una de las caídas más inexplicables de los últimos años. De vender 3 millones de copias de ‘Shawn Mendes’, su -primer- disco homónimo, pues ahora sabemos que habrá dos; pasó a pegársela en listas con ‘Wonder‘, su disco de 2020, que ni la colaboración de su compatriota -e imaginado rival- Justin Bieber, ni su edición en Navidad, la época del año en que más discos se venden, lograron levantar en listas.
‘Wonder’, el single principal de aquel disco, no puede considerarse un fracaso comercial cuando ronda los 600 millones de streamings en Spotify. Sin embargo, es cierto que no se apoderó del mundo como sí lograron en el pasado ‘There’s Nothing Holdin’ Me Back’, ‘Treat You Better’ o por supuesto ‘Señorita’ con Camila Cabello. Las bajas ventas de ‘Wonder’, muy inferiores a las de los discos anteriores de Mendes, supuso que no se editaran más que dos sencillos de aquel trabajo.
Los pasos siguientes de Shawn Mendes fueron igualmente inestables. Aunque los streamings de ‘When You’re Gone‘ y ‘It’ll Be Okay’ serían envidiables por cualquiera -ambas rondan los 300 millones- ambos temas pasaron sin pena ni gloria por las listas. En 2022, Mendes canceló su gira mundial para cuidar su salud mental. Mientras las revistas del corazón no dejaron de hablar de las idas y venidas de su relación con Camila Cabello. En 2023, Mendes lanzó un tema solidario, ‘What the Hell Are We Dying For?’, del que no se habló demasiado.
El porqué del desinfle comercial de Mendes puede deberse a varios motivos. Puede que su propuesta sea demasiado similar a la de Ed Sheeran, o puede que el sonido nostálgico de Bruce Springsteen no termine de encontrar su sitio en las listas de éxitos. Puede que, simplement,e las últimas canciones de Mendes no hayan estado tan inspiradas. Pero es difícil atribuir la caída de Mendes simplemente a la mala suerte cuando entra en acción el factor de su relación con Camila Cabello y la ristra de momentos cringe que dejó, todos los cuales han quedado inmortalizados en internet. Cuando pasas de ser un ídolo inalcanzable, un Dios, a dar vergüenza ajena, es de esperar que algunos fans se bajen del barco.
Todos estos factores han podido tener que ver en que, en una industria altamente competitiva que se deshace de ídolos a la velocidad de un rayo, Mendes lleve prácticamente un lustro sin impactar en listas como en su época -no tan lejana- de gloria comercial. Esto puede cambiar gracias a ‘Why Why Why’, el single principal de ‘Shawn’, pues el tema está empezando a dejar poco a poco su huella contra todo pronóstico. De momento no se puede hablar de milagro, pero que ‘Why Why Why’ suba hoy al 144 de la lista global de Spotify -después de debutar en el puesto 60-, escalando 49 posiciones, tras una semana en el mercado, significa que la canción no ha desaparecido completamente de vista. Y eso es una buena noticia.
El éxito de ‘Why Why Why’ debería ser pan comido por dos motivos: la canción, con sus ecos country-pop y su banjo, es la típica que las radios anglosajonas se comen con patatas. El estribillo cantado a coro, en el estilo tabernero de los Lumineers o Mumford and Sons, es un caramelo y el ritmo de la canción es alegre y pegadizo. Pero, sobre todo, Shawn Mendes vuelve en un ecosistema lleno de cantautores (masculinos) de su mismo estilo de los que probablemente nunca has oído hablar: ahora mismo Benson Boone, Myles Smith, Mark Ambor y Richy Mitch & The Coal Miners firman algunas de las canciones más exitosas en el mundo tirando de tradición americana. Shawn Mendes, quien, por cierto, solo tiene 26 años, encaja en el mismo molde y, además, entrega una canción que está bastante bien. Como mínimo, no se pasa de intensa como la gritona ‘Beautiful Things’…
Llevábamos un tiempo sin saber de J Balvin después del decepcionante ‘José‘… y del beef con Residente. Se esperaba que le respondiese en su nuevo disco, sobre todo al haber un tema que comparte título con otro de René, ‘Bajo y batería’ (el que habla de estar “suelta como Madonna en los 90”), pero no es el caso… a priori. No hay mención alguna a Residente, y la letra no habla de beef con absolutamente nadie, pero la canción parece una manera de Balvin de demostrar que puede hacer una canción bien sencilla y que a la vez sea un tema tan eficaz como los que hacía antes de “venderse” (uno de los dardos de René). Por desgracia, son solo destellos lo que vemos en este álbum; en genenal no tiene interés en “demostrar” nada o, si lo tiene, es en demostrar que sigue siendo relevante. Y eso no suele funcionar bien.
‘Rayo’ debe su nombre al coche que tenía Jose en su primera época, un Volkswagen Golf con el que iba al estudio. “Los carros marcan mucho a quienes han tenido la oportunidad de tenerlo (…) Cuando estaba en el estudio grabando ‘Rayo’ estaba sintiendo el mismo gozo que sentía cuando grababa en un barrio que se llama Robledo La Pola, a las afueras de Medellín, y sentía ese mismo entusiasmo”, comenta Balvin defendiendo un disco que sucede al que ya era “su álbum más personal”. La mencionada ‘Bajo y batería’ incide en eso, en su talento para hacer temazos cuando aún no había actuado en la Super Bowl. Pero no es lo que nos encontramos en este disco.
Por un lado, es de justicia decir que, aunque no hay nada aquí a la altura de ‘La Canción’, ‘Ambiente, ‘Qué pretendes’ o ‘Mi Gente’, sí que hay buenos momentos. Hay temazos tanto románticos (‘Sólido’) como guarros (‘Gangster’, ‘Polvo de tu vida’), y hay algún giro interesante como ‘Origami’ (hecha junto a los colaboradores de ‘Chromatica‘ LIOHN y Klahr), ‘Doblexxxó’ (la producción; lo demás es otro cantar) o el cierre con la trapera ‘En Alta’, uno de esos cortes colaborativos que funcionan bien, en la línea de ‘Los del espacio’, ‘LEYENDAS’ o ‘Si mañana me muero’.
Pero lo demás suena intercambiable y desesperado por conseguir hits, con colaboraciones a las que Balvin no sabe sacarles jugo (por ejemplo, ‘Gato’, que tiene a Bad Gyal como podría tener a quien sea) y unas letras que hablan por sí solas. “Te gustan las mujeres, tú eres bi / adicta a lo prohibido, ya le di” dice en ‘Lobo’ (“está tan buena que le tiran hasta las mujeres” insistirá en ‘Gangster’); “puede estar a fuego y to, pero se da a respetar” suelta en ‘Gato’; “qué peligroso una mujer con despecho / y eso que no quería” en ‘Doblexxó’; o “te dije las cosas como la leche, en la cara” en ‘Cosa de locos’ (ésta al menos tiene su gracia). Cuando viene “Una mano por tu pelo, tu boca ponla en mi boca, la otra mano vas a sentirla en donde te la pongas” en ‘Polvo de tu vida’, de repente recuerdas que Balvin sabía ser sexual sin dar cringe (¿hola, ‘Ambiente’?), y que no era rancio como el drama de ‘Stoker’. Asombroso también que letras como la de ‘Gaga’ necesiten hasta a ¡10! compositores, pero ése es otro tema.
De hecho, Balvin acredita cerca de 40 productores en este disco, algunos con los que ya ha trabajado (Sky Rompiendo, Taiko, Alex Killer, Dee Mad, DJ Luian, Hydro, KEITYN, L.E.X.U.Z, Mosty, Michäel Brun, O’Neill’ o Sael) y fichajes como Ciey (colaborador de Rels B), Cheka (Don Omar), Filly (Maluma), Jeremy Ayala (Duki), JULiA LEWiS (Arcangel), Lou Xtwo (Mora), Neneto (Quevedo) o NoiseUp (Ozuna). Y no, al contrario que en los trabajos de Beyoncé, esto no se traduce en grandes temas. En general hay un intento de repetir sus temazos, pero que llegan con falta de autenticidad: ‘Swat’, por ejemplo, es más dura, pero es como si fuese más dura en su intención y en sonidos que en la actitud real. No es que ‘Rayo’ sea un disco insoportable de escuchar; tampoco lo es el último de Myke Towers… pero hubo un momento en que la comparación la hacíamos con Bad Bunny.
The Smile publicó en enero ‘Wall of Eyes‘, su segundo disco. Meses después de aquel lanzamiento, The Smile -el grupo de Thom Yorke y Jonny Greenwood de Radiohead y Tom Skinner de Sons of Kemmet- tiene nueva música en el mercado, en concreto, un vinilo de 12″ que incluye dos canciones nuevas, ‘Don’t Get Me Started’ y ‘The Slip’. Con la llegada de la fecha de envío de este vinilo, el 8 de agosto, se ha editado en streaming el primero de estos cortes, e imaginamos que el segundo no tardará en aparecer.
Mientras ‘The Slip’ sigue el estilo de post-punk esquinado de The Smile, especialmente del primero, ‘Don’t Get Me Started’ se compone de una base totalmente electrónica, recordando a los experimentos de Radiohead en ‘Kid A’ y sobre todo de Thom Yorke en solitario.
Sam Petts-Davies vuelve a encontrarse detrás de la producción de ‘Don’t Get Me Started’, cuyo título no puede ser más propio de Thom Yorke, pues se podría traducir con la expresión de «no me hagas hablar». La firma Yorke está presente también en el sonido denso y dislocado de la base, revolviéndose después en una ráfaga de sonido digital; en el acorde escalado de los teclados, tan pegadizo, y -por supuesto- en la languidez de la melodía vocal de Thom Yorke, su marca.
Con estos ingredientes, The Smile entrega una pieza intrigante y cautivadora que, en su minimalismo, no suena a tantas cosas que puedas recordar. Su letra escrita «in medias res», por otro lado, añade misterio a la canción, pues empieza con una acusación que no se sabe de dónde viene: «no soy el asesino, no me hagas hablar, yo no soy el villano, escoge a otra persona», canta Yorke en su faceta más acusatoria. Alguien se ha equivocado de enemigo, parece.
La nueva música de The Smile llega semanas después de que la banda haya cancelado su gira (que incluía una parada en el Kalorama de Madrid) debido a los problemas de salud de Jonny Greenwood; el músico ha requerido ingreso hospitalario tras contraer una infección.
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