Liam Gallagher, nuevo cabeza de cartel de Sonorama 2018

-

2 febrero, 2018

35

Las intenciones de Jennifer Lopez en cuanto a su carrera musical se van tornando cada vez más enrevesadas e incomprensibles: primero iba a publicar de versiones de clásicos latinoamericanos, que luego se convirtió en “disco cantado íntegramente en español«, del que se avanzaron –teóricamente– los singles ‘Ni tú ni yo’ y ‘Amor, amor, amor’.

Pero ahora, de manera inesperada, vuelve a dejarnos sin saber qué pensar al publicar ‘Us’, un tema de R&B contemporáneo firmado por el tándem Skrillex & Poo Bear (colaborador reciente de Justin Bieber, artífice del sonido de ‘Purpose’), que recientemente publicaban un estupendo single conjunto llamado ‘Would You Ever‘ y también colaboraban en algún tema del último disco de Fifth Harmony. Como podéis intuir con esos antecedentes, ‘Us’ se aleja del sonido latino de las últimas canciones de JLo e –insistimos, teóricamente– el concepto de ese supuesto álbum «en español», puesto que está cantada íntegramente en inglés.

Quizá la clave está en los rumores que indican que en breve podría haber un remix de este nuevo single junto a J Balvin, pero lo cierto es que nos da igual. Porque estamos ante un trallazo de pop bailable contemporáneo que bien podría firmar Rihanna, y que no nos sorprendería ver copando listas de éxito muy pronto, sobre todo gracias a ese “pam-pam-pam-pa-ria”, gancho apitufado post-estribillo que se pega locamente. Esperamos un (buen) clip de esto YA.

Carlos Sadness se acerca al estilo de Drake o The xx en la fantástica ‘Longitud de onda’

Por

-

2 febrero, 2018

3

El barcelonés Carlos Sadness, tal y como contábamos hace unos días, está muy próximo a publicar su tercer disco de estudio, ‘Diferentes tipos de luz’. Llega el día 23 de febrero y el disco había sido avanzado por el single ‘Hale Bopp’. Hoy presenta un nuevo avance del mismo que ofrece una perspectiva que es a la vez familiar y nueva en su música. Se trata de ‘Longitud de onda’, un tema en el que, aunque se reconocen sus clásicos arpegios de guitarra a lo Vampire Weekend o Two Door Cinema Club, su base rítmica y la producción está en sintonía con las últimas tendencias de pop urbano, las que van de Drake a The xx.

Este tema, de pegada instantánea, se presenta con un vídeo igualmente estupendo, repleto de planos llamativos y protagonizado por cuatro jóvenes que llegan a una época crucial en sus vidas. “La canción nace de la imposibilidad de volver a revivir un momento perdido a pesar de poder volver al lugar”, cuenta Sadness, que sentencia que es un tema sobre “la fuerza irreversible del tiempo”.

‘Diferentes tipos de luz’ sucede a ‘Ciencias celestes’ y a ‘La idea salvaje’, un disco que no solo ha obtenido un considerable éxito de ventas en España, sino también en México, donde se ha convertido en toda una estrella. El pasado año, además, publicó dos singles que reforzaron su éxito allí, ‘Amor Papaya’ y ‘Volcanes dormidos’. En marzo comienza su gira española para presentar este nuevo disco –las entradas en Madrid ya se han agotado–, y además acaba de confirmarse su presencia en el Festival FIV, junto a Lori Meyers, Elefantes, La Habitación Roja o Novedades Carminha, entre otros. Será entre los días 27 y 28 de abril en Vilalba (Lugo).

Lykke Li, ¿otra artista pop que se pasa al country-folk?

Por

-

2 febrero, 2018

2

Uno de los lanzamientos más sonados de este viernes 2 de febrero es un nuevo single de la sueca Lykke Li, una de las artistas del pop alternativo más populares y queridas de la última década. Se trata de ‘Time In a Bottle’, un precioso medio tiempo con una producción que rememora el country-rock crepuscular a lo Lee Hazlewood/Nancy Sinatra, especialmente reminiscente del clásico sonido Nashville en su estribillo.

Pero este giro al country y la música de raíces, que podría recordar al que recientemente hemos visto en otras dos artistas pop como Miley Cyrus y Kesha, tiene truco: en realidad, ‘Time In a Bottle’ suena country-folk porque se trata de una versión de Jim Croce, un cantautor de los años 70 bastante popular en Estados Unidos por sus baladas, siendo este ‘Time In a Bottle’ su mayor éxito.

Así que, y sin más información oficial por parte de Lykke en su web y redes sociales, no sabemos muy bien qué pensar: ¿será un avance de un nuevo disco que suceda al ya lejano y baladista ‘I Never Learn’? ¿Es una manera de celebrar los 10 años que cumplía esta semana su debut ‘Youth Novels’ –el cual aparentemente odiaba–? ¿Prepara un disco de versiones del que ya avanzó meses atrás su ‘Unchained Melody’? ¿Es un single suelto “just because”? Lo cierto es que esta semana hemos conocido su próximo regreso a los escenarios tras haber sido madre, lo cual incluye su presencia en Primavera Sound 2018. Pero, por otro lado, el pasado año también publicó dos singles con su proyecto psico-pop-rock LIV, que parecían formar parte de un proyecto más ambicioso. ¿Se quedará en nada? Esperamos saber más muy pronto.

La Canción del Día: The Weeknd y Kendrick Lamar se compenetran a la perfección en ‘Pray for Me’

Por

-

2 febrero, 2018

1

Hoy se estrena otra de las canciones de la banda sonora de ‘Black Panther’, comisariada por Kendrick Lamar, y de la que ya conocimos la canción ‘All the Stars’ de Lamar junto a SZA, que se está convirtiendo en un gran éxito, asentado totalmente en el top 15 del Global de Spotify.

Algunos recordaréis que comparábamos el estilo de aquella canción a The Weeknd… y ahora podemos escuchar la canción que Kendrick ha grabado junto al mismo Abel Tesfaye para este mismo proyecto. En ella el estilo más electropop y ochentero de nuestro «Starboy» favorito se da la mano con una base más oscura que podrían haber perpetrado Timbaland o The Neptunes en 2003. Todo al servicio de esta letra sacrificada en la que The Weeknd asegura estar «preparado para una nueva guerra» mientras pide que alguien «rece por él y salve su alma».

Kendrick Lamar, en la segunda estrofa, también se muestra preparado para «la lucha», mientras proclama: «¿quién necesita un héroe? / tú necesitas un héroe / pues mírate en el espejo / y ahí encontrarás tu héroe». Una canción, por tanto, con una fuerza y un potencial enormes, con armas para llegar tan lejos comercialmente como el ‘Gangsta’s Paradise’ de nuestros días. Atentos al gancho de esas ¿voces corales? tratadas.

Os recordamos que ambos artistas ya habían colaborado antes en la estupenda y muy diferente (más bluesera) ‘Sidewalks’ de ‘Starboy‘.

Primavera Sound vs Mad Cool: pros y contras de cada festival

Por

-

2 febrero, 2018

57

A nadie se le escapa que Primavera Sound y Mad Cool han confirmado a Arctic Monkeys -con uno de los discos más esperados de 2018 bajo el brazo- a la vez; o que Pearl Jam han confirmado fecha en Barcelona dos días antes de actuar en el festival madrileño. Ambos festivales no coinciden en fecha (uno es a finales de mayo, el otro a mediados de julio, coincidiendo con Bilbao BBK Live), pero quizá Mad Cool puede impedir que gran parte de los madrileños se desplacen a Barcelona como acostumbraban para acudir a uno de los festivales más grandes del mundo, y a su vez un evento de esta entidad es un reclamo inédito en Madrid para el público que no es ni de una ciudad ni de otra. Las cifras hablan: Mad Cool aspira a ser el mayor festival del país reuniendo a 80.000 personas por día, llegando mucho más allá que los 55.000 asistentes diarios que suele manejar Primavera Sound. En este artículo analizamos los pros y contras de cada festival.

Mad Cool

Pros:
1.-Mejor festival de rock: En la web ~~británica~~ americana Consequence of Sound lo tienen claro: el de Mad Cool es el «mejor cartel de rock» de este año, con una cabeza de órdago que incluye a bandas capaces de llenar estadios de 20.000 personas por sí mismas. Están Pearl Jam, Depeche Mode, Nine Inch Nails, Queens of the Stone Age, y también artistas de primera línea en cuanto a popularidad como Jack White, Massive Attack, Tame Impala, Franz Ferdinand, Snow Patrol, Alice in Chains, etcétera.

2.-La letra mediana: A nadie se le escapa tampoco que lo que podríamos llamar «línea mediana» es muy atractiva. El festival cuenta con Perfume Genius, Rag N Bone Man, Justice, Eels, MGMT, Fleet Foxes, Real Estate, Kevin Morby, Future Islands, Yo La Tengo, Japandroids, Leon Bridges, Porches, Sampha, Young Fathers, Sofi Tukker, Odesza, Kaleo…

3.-¡Por fin un macrofestival en Madrid!: Al margen de gustos, macrocabezas de cartel y artistas rara vez vistos en la capital, ya era hora de que una cita con la música de este tamaño -o la mitad- se asentara en Madrid cuando Barcelona tiene, además del Primavera Sound, nada menos que el Sónar, Cruïlla o, bastante cerquita, Vida Festival. ¿Cuándo vuelve el segundo día de Dcode?

Contras:
1.-La mujer no existe (o casi): El Mad Cool va bastante justito en paridad: ni uno solo de los nombres que vemos en grande es femenino. Van Wolf Alice, porque cancelaron el año pasado al no tener su disco a tiempo, y encontramos algún nombre como LP o Maya Jane Coles, pero el porcentaje de músicas mujeres sobre el escenario será realmente desolador. Concebido como macrofestival más bien rock, posiblemente tiene los mismos problemas de dar con un nombre de gran tamaño femenino que Azkena, y lo peor es que al público parece encantarle el lema «escrotos en el escenario» (© Zahara): los abonos están agotados y solo quedan entradas de día.

2.-La música urbana no existe (o casi): En el cartel de Mad Cool encontramos a Kase.O, que ha sido disco de oro con ‘El círculo‘, a Leon Bridges que en verdad hace soul clásico… pero hay una visible ausencia de trap o urban nacional (ni C. Tangana, ni One Path, ni Bad Gyal, ni Rels B, ni Miss Nina, ¡nadie!) y hip-hop o urban internacional (ni Frank Ocean, ni Drake, ni Kanye West, ni artistas similares de perfil más bajo). De nuevo: la estrategia ha funcionado, pues este tipo de música genera –o esa sensación da– una profunda animadversión entre el público general, pero es inevitable preguntarse mirando el cartel, contemplando nombres como Pearl Jam, Depeche Mode o Massive Attack en letras gigantes… ¿pero en qué año estamos? ¿De verdad es 2018 o 1999?

3.-La organización: La organización en cuanto a accesos, colas kilométricas en barras, camareros incapaces de abrir una botella de vino, accesos a escenarios y puestos de comida (insuficientes, pésimamente situados) ha dejado muchísimo que desear tanto en las ediciones 2016 como 2017. Si no han sido capaces de lidiar con 45.000 personas en La Caja Mágica, da un poco de miedo lo que resultará con 80.000 y en el IFEMA, en medio de la nada. Suponemos que se estarán preparando a tope para mejorar, pero la sensación inicial es que la organización ha querido dar este pedazo de salto «un poco antes de tiempo».

Primavera Sound

Pros:
1.-La organización: Después de décadas de experiencia, muchos años afianzado en el Fòrum de Barcelona, y superada la crisis del año de los ipads y lejano el de las huellas dactilares, la organización ha de ser pan comido para los responsables de Primavera Sound, a los que no va a pillar sin experiencia precisamente un hipotético sold out a estas alturas. Hay un par de kilómetros de punta a punta, pero el público ya lo sabe y no le sorprende lo que se va a encontrar.

2.-La variedad, la mujer, el urban y la línea editorial del cartel: Primavera Sound, muy afín a Pitchfork y Rockdelux, ambos medios con escenarios en el festival, tiene una línea editorial muy concreta. Pero además de la calidad reconocible y acreditada en Metacritic y similares de todos y cada uno de los artistas que pasan por allí, también hay que destacar la cuestión de número. Decenas y decenas de artistas pasan por su cartel, lo que implica casi todos los estilos y géneros, incluyendo la denostada -por otros festivales- música pop y las denostadas cantantes femeninas. Este año veremos a Lorde, Fever Ray, Björk, Chvrches, Ibeyi, Jane Birkin, Javiera Mena, Kelela, Charlotte Gainsbourg, Lykke Li… El cartel es tan completo en ese sentido que casi dan ganas de preguntar por qué no han traído a SZA. Y no, aquí no hacen ascos a la música urbana: están Migos, C. Tangana, Bad Gyal, A$AP Rocky, Vince Staples, Tyler the Creator… todo ello junto a Arctic Monkeys, The National, Spiritualized, Nick Cave y recuperaciones del pasado en plena forma como Sparks y Slowdive. RESPECT!

3.-La letra pequeña: Por más puesto en música que estés, siempre habrá un par de decenas de artistas nacionales e internacionales en su cartel que no te sonarán. La gente va a Primavera Sound a descubrir música que no conoce de mañana y también de ayer, y que puede molar tanto como, por decir alguien, Playback Maracas o Superorganism. Esa sensación no la consigue Mad Cool pese a apostar por artistas noveles también: la impresión es que el recinto estará hasta los topes de, básicamente, fans de Pearl Jam, como el año pasado todo estaba lleno de fans de Green Day y Foo Fighters. Mad Cool basa su éxito más en la fidelidad que genera el rock que en la pasión por la música en general.

Contras:
1.-No hay factor sorpresa: El año pasado Primavera Sound consiguió a Grace Jones, y también a Frank Ocean, que se cayó del cartel (como unos años antes Fiona Apple). En realidad, hemos visto ya en vivo a casi todos los artistas que forman parte del Primavera, o al menos a todos los grandes reclamos. Los grandes cabezas, Arctic Monkeys, han actuado varios años en el FIB, Jane Birkin ha venido a nuestro país varias veces, Lorde acaba de visitar justo Barcelona, Slowdive hacen gira, Sparks no hace tanto estuvieron en Madrid y Barcelona, etcétera. ¿Merece la pena viajar a Barcelona esta vez para ver solo, qué sé yo, a Fever Ray (a la que ya vimos con The Knife)?

2.-Björk, en un festival: ¿Quién no recuerda el tuit de Gabi Ruiz de Primavera Sound con los billetes procedentes de la anterior cancelación de Björk? Un hito en la historia del pop español, y sin embargo, aquí está de nuevo, de momento postulada como actuación en el festival, tras pinchar en el Sónar el año pasado. La cantante islandesa viene de vez en cuando a nuestro país, y no hace tantos años estuvo en Poble Espanyol. Siempre será bienvenida, pero la pregunta del millón es si el entorno de Primavera Sound, o de cualquier festival, es el idóneo para las canciones intimistas de sus dos últimos discos. ‘Utopia‘ debería ser presentado en el Auditori, pero dado su gran número de fans, esa idea debe ser totalmente inviable. ¿Se oirá algo? ¿Sabrá ganarse a decenas de miles de personas sobre un escenario al aire libre con canciones como ‘the gate’? ¿Puede dar, por el contrario, el concierto más aburrido e incómodo de nuestras vidas? ¿Querremos matar al de al lado por no cerrar la boca o será culpa de ella por hacer este tipo de discos y luego escoger el festival más grande que había (o el segundo más grande) para presentarlo?

3.-La esclavitud de la calidad suprema: A colación del punto 1 de estos contras, cabe preguntarse si esa esclavitud por la guayedad no está impidiendo que Primavera Sound nos dé una sorpresa de verdad en su cartel. Por poner un ejemplo claro, Pearl Jam no son el grupo favorito ni de Pitchfork ni de Rockdelux. Glastonbury y Coachella, con los que puede mirarse cara a cara, de vez en cuando dan una sorpresa en su cartel tamaño U2, Eminem, Metallica o Beyoncé. ¿Encajarían estos nombres, al margen de su caché, en Primavera Sound? ¿Es su única limitación presupuestaria? ¿Tampoco pueden permitirse una Kylie Minogue como bromearon una vez, una Sade, unos Fleetwood Mac, un Paul Simon, un Stevie Wonder, una Dolly Parton, alguien que rara vez se pase por aquí?

Justin Timberlake, un «hombre de campo» en el divertidísimo vídeo de ‘Man of the Woods’

Por

-

2 febrero, 2018

30

Hoy llega al mercado el disco country que no es el disco country de Justin Timberlake, todavía co-producido por su mano derecha Timbaland, una década y media después.

Sony había anunciado que tendríamos 4 vídeos, 1 por semana, fuera cual fuera el funcionamiento de ‘Filthy’ (como adivinando que este no sería muy bueno), y la verdad es que los vídeos no están siendo para saltárselos, ni anecdóticos, ni rodados para cumplir y ya.

El estrenado hoy, correspondiente al tema que da título al álbum, ‘Man of the Woods’, es divertidísimo. En él vemos a Justin Timberlake entre “los bosques”, sorteando todo tipo de entretenimientos, retos y desafíos: cómo subir a la casa del árbol, cómo atravesar un río a través de un tronco, cómo bailar un baile regional, cómo ganarse al difícil público del interior de Estados Unidos… casi a modo de videojuego. Aparece su esposa, Jessica Biel.

La canción, por su parte, tiene un minúsculo gancho country, aunque también una guitarra algo funky (en la línea del Kiko Veneno más divertido) y una pequeñísima base urban, aunque lo que aquí predomina es un espíritu totalmente optimista, en la línea de ‘Don’t Worry, Be Happy’. La letra simplemente reivindica a su autor como «hombre de bosque», es una invitación para unirte a él y viene a concluir «sabes que soy hombre de sur». Podría ser una adaptación muy libre de ‘Tractor amarillo’.

Os recordamos que Justin Timberlake actúa este domingo en la Super Bowl. ¿Habrá tiempo para esta canción o se decantará por el dúo con Chris Stapleton, que está siendo un pequeño éxito?

‘El hilo invisible’: el retorcido romance de Paul Thomas Anderson

Por

Fernando García

-

2 febrero, 2018

5

La nueva película de Paul Thomas Anderson tras la divisiva ‘Puro vicio’ resultó ser la gran sorpresa de las nominadas a los Oscar, cosechando 6 nominaciones, incluidas las de mejor película y mejor director. En esta ocasión, el estadounidense abandona el estilo rocambolesco de su anterior filme para abordar de forma más “clásica” -sí, entrecomillado- la historia de Reynolds Woodcock, un diseñador londinense que durante los años 50 era de los más prestigiosos de la ciudad. Él y su hermana Cyril llevaban el negocio, vestían a la realeza y a las clases altas de la época, elaborando cada vestido con sumo cuidado. Cuando el señor Woodcock conoce a Alma, una camarera extranjera, no tarda en convertirse en su modelo, musa y amante.

‘El hilo invisible’ se centra en la relación que se establece entre Alma y Woodcock. Más cerca de ‘The Master’ que de ninguna otra de sus películas, Paul Thomas Anderson crea un detallado y retorcido estudio de la relación de pareja, analizando casi de manera psicológica cada gesto o cada movimiento de sus personajes. En ‘The Master’ -ambientada en la misma época que la película que nos ocupa- el telón de fondo era el mundo de las sectas, en esta lo es el mundo de la moda, pero ambas tienen en común que lo que verdaderamente importa son los «hilos invisibles» y poderosos que nos unen a otras personas. Y esos hilos no son siempre comprensibles, ni siquiera racionales.

Anderson -que además, en esta ocasión es también el director de fotografía- recrea con una elegancia exquisita las clases altas de la época logrando una puesta en escena impecable. Se sustituyen los largos planos secuencia y la enrevesada planificación de ‘Boogie Nights’ o ‘Magnolia’ por sutiles travellings que aportan delicadeza y, a la vez, cierta inquietud. La música de Jonny Greenwood, nominada al Oscar, presente durante gran parte del metraje y cuyo uso jamás resulta molesto o demasiado insistente, acompaña y enriquece el conjunto logrando momentos verdaderamente hermosos. La pieza principal, escrita para piano y viola, es solemne y sugerente. Se nota que el compositor ha entendido a la perfección el guion y ha plasmado ese tono misterioso que invade a la cinta en su partitura.

Daniel Day-Lewis encarna al meticuloso Woodcock (inspirado en el diseñador vasco Cristóbal Balenciaga), en la que se supone que será la última interpretación de su carrera, más contenido que otras veces, adecuándose al tono de la película, que le ha valido -con total justicia- otra nominación al Oscar. También la consiguió Lesley Manville, su hermana en la ficción, en uno de esos papeles secundarios discretos pero que realmente requieren un gran talento interpretativo para resultar creíbles y autoritarios (como el de Amy Adams, en ‘The Master’).

Incomprensiblemente, Vicky Krieps, quien es la protagonista de la película, ya que está narrada desde su punto de vista, no ha tenido ningún reconocimiento durante toda la temporada de premios. Ella es el alma (y nunca mejor dicho, ya que es el nombre de su personaje) de la película. Consigue transmitir una mezcla explosiva de dulzura y malicia. Tanto Alma como Reynolds Woodcock son dos de los personajes más fascinantes de la filmografía de su director, y su película es tan compleja y retorcida como ellos. Es imposible en tan solo un visionado sacar en claro todos los matices y pequeños detalles que esconden. Anderson se muestra quizá más preciso que nunca retratando su envenenada y enferma historia de amor, tejiendo minuciosamente cada matiz como si de un gran diseñador de moda se tratara.

Cabe destacar que no es, en absoluto, una película que vaya a agradar a todo el mundo. Habrá quién no entre en la enfermiza y densa propuesta del director californiano, especialmente si nunca ha conectado con su peculiar estilo psicológico. Pero ‘El hilo invisible’, pese a su complejísimo fondo, no deja de ser una historia de amor. Una tan romántica como perversa. 7.

Alborotador Gomasio / Luz y resistencia

Por

-

1 febrero, 2018

2

Es curioso cómo un disco te resulta especial casi desde el primer instante por circunstancias no estrictamente técnicas ni musicales, sino afectivas y personales o vaya-usted-a-saber-cuáles. Es lo que a mí me sucedió con ‘Los excesos de los niños’ de Alborotador Gomasio, un disco que me sonaba (y me sigue sonando, que quede claro) arrebatado y excitante. Supongo que es lo mismo que a muchos les puede suceder con ‘Luz y resistencia’, el tercer disco del grupo madrileño, aunque para mí haya perdido ese valor extra que supone el efecto de lo inesperado, la sorpresa.

Eso, que quede claro, es bueno si implica, como es el caso, que nos regalen otro buen puñado de canciones fantásticas, inapelables reinterpretaciones del power rock de Hüsker Dü/The Replacements con un filtro, como ellos mismos reconocen en su nota de prensa, de esa cosa tan indefinible que llamamos “pop madrileño” y que puede englobar tanto a Los Secretos u Hombres G como a Cosmen Adelaida o Rusos Blancos. Los “singles” ‘La reacción impotente’ y ‘Hacia el vacío’, junto con unos brutales ‘Parece que no pasa el tiempo’ y ‘Detrás de ti’ ejercen de ariete imparable con el que ‘Luz y resistencia’ entra en nuestras vidas, de nuevo, como un huracán.

Su título parece evocar su filosofía como banda: tras una década, su apuesta ha sido siempre la misma, tirar por las canciones y la melodía indefectiblemente. Sin embargo, apoyados en la producción rocosa e imaginativa –es una delicia escuchar el trabajo de las múltiples capas de voz con auriculares– de Carlos Hernández (Los Planetas, Triángulo de amor bizarro), en esta ocasión el cuarteto ha demostrado inquietudes por agitar la creatividad, no relajarse en patrones ya dominados. Más allá de la simpática trompeta de ‘Vendaval’ y la interesante coda al piano tras ella (‘Gritan sus nombres’), destacan, por un lado, las armonías vocales entre Koldo y Marco, con los coros de Miguel, que están cuidadas al máximo y se miran en Juan y Junior (‘El sitio donde empezó todo’) a lo largo de todo el álbum. Nunca sobra esforzarse por cantar lo mejor posible. Y por otro, el arrebato punkarra que en su anterior obra emergía en un par de ocasiones desaparece aquí y deja paso a coqueteos con la electrónica, en los que son capaces de lo mejor (‘Agosto, bailando el caos’ no solo es LA canción del disco, para mí, sino también una de las grandes canciones en español que escucharemos este año, también en el plano poético) y lo peor (‘Errores’ no es de sus mejores canciones y se nota más con el tratamiento sintético).

Apostaría a que ni ellos mismos lo ven así pero, desde fuera, ‘Luz y resistencia’ se percibe como un muy buen disco de transición entre los modos que manejan con sobrada soltura y otros nuevos con los que se atreven, valientes, y que pueden marcar su futuro. Aunque no me cabe duda que también habrá quien vea en él una inesperada revelación, y ‘Luz y libertad’ se tornará mágico. Qué grande es el pop.

Alborotador Gomasio presentan ‘Luz y resistencia’ este sábado, 3 de febrero, en el Café La Palma de Madrid.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Agosto, bailando el caos’, ‘Hacia el vacío’, ‘La reacción impotente’, ‘Detrás de mí’
Te gustará si te gustan: Puzzles y Dragones, Cosmen Adelaida, Hüsker Dü
Escúchalo: Spotify

Rhye / Blood

Por

-

1 febrero, 2018

6

Mike Milosh está aprovechando la promoción del lanzamiento del esperado segundo disco de Rhye para dejar un par de cosas claras: primero, que Rhye nunca fue un dúo, sino un proyecto suyo –Robin Hannibal grabó con él el celebrado ‘Woman’, sí, pero su trabajo en el proyecto quedó ahí–; y segundo, que en estos 5 años transcurridos ha estado lejos de estar inactivo. Más bien al contrario, el artista canadiense se ha dedicado a consolidar este proyecto con una banda en directo con la que ha ofrecido cerca de 500 conciertos, poca broma. De hecho, ese sonido de directo es el que ha conformado el sonido de ‘Blood’, su nuevo álbum

Y es que, en esta ocasión, las canciones han partido de las ideas que él y sus músicos han desarrollado durante las giras, y no al revés. Por eso la pátina electrónica en este nuevo disco cede peso ante sonidos más orgánicos y, en general, estamos ante arreglos mucho más sutiles y delicados. Pianos, coros, cuerdas y guitarras (eléctricas, pero también acústicas) constituyen un elegante, mullido y cálido tejido, perfecto para unas composiciones que se alejan casi completamente de los arrebatos bailables del debut, aquí limitados apenas a unas ‘Feel Your Weight’, ‘Count to Five’ y ‘Phoenix’ muy ‘Random Access Memories’ –serán esas guitarras tan Nile Rodgers–. En ese punto, se echa de menos aquella maravilla que Roosevelt creó a partir de la teórica «cara B» ‘Summer Days’.

Prácticamente todo el resto de ‘Blood’, a excepción de la fantástica ‘Taste’, alcanza a duras penas la cadencia de medio tiempo. Música perfecta para una quiet storm que recupera el soul y R&B sensual post-Barry White, con Sade como principal referente, pero también Luther Vandross o Anita Baker. Sensualidad que no solo debemos entender como sinónimo de sexo –que también: las apelaciones a la anatomía son constantes–, sino más bien de intimidad: susurros, miradas, caricias, confesiones y abrazos son el ecosistema en el que se desarrollan las historias de deseo, pero también de miedo, inseguridad y desesperanza, de Milosh.

En el plano de la cuasi-balada, ‘Blood’ llega a ser algo monocorde, con cortes que, pese a su innegable elegancia, recuerdan demasiado a otros pasajes del disco más carismáticos (‘Song for You’ y ’Blood Knows’ lastran el conjunto del álbum). En ese sentido, ‘Woman’ ganaba la partida porque ofrecía más variedad y, por tanto, se hacía más dinámico. Pero eso no quita que Rhye alcance momentos de auténtica sublimación en cortes como ‘Please’, ‘Stay Safe’ o ‘Sinful’ (una especie de reprise de ‘Taste’ con un tratamiento instrumental distinto al resto que se agradece horrores) que, en este caso sí, son perfectamente identificables y pugnan por ser lo mejor de un disco que funciona maravillosamente bien en conjunto, con algunos destellos puntualmente irresistibles. Quizá, se echa en falta alguno más de estos.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘Taste’, ‘Please’, ‘Count to Five’, ‘Stay Safe’
Te gustará si te gustan: Sade, How To Dress Well, Kindness, Anita Baker
Escúchalo: Spotify

Iggy Azalea estrena ‘Savior’, su single con Quavo que samplea a Lisa Stansfield

Por

-

1 febrero, 2018

27

Este viernes 2 de febrero se publican varios singles destacados, entre ellos el de Iggy Azalea con Quavo de Migos, ‘Savior’, que sin embargo ya ha llegado a la red, al ser ya viernes en Oceanía. La canción arranca con Azalea cantando la frase “been around the world, ya ya ya”, una melodía que extrae, lo has adivinado, de ‘All Around the World’, el exitazo de Lisa Stansfield de 1989.

‘Savior’ es una canción de ritmo caribeño, más en el estilo de Drake que en el de J Balvin, y con un punto oscuro en sus sonoridades electrónicas que puede recordar a ‘Bon Appétit’; en el que Azalea combina melodías cantadas con versos rapeados y nos canta sobre su búsqueda de un amor que la salve. La canción tiene bastante gancho -esos cánticos “na na na eh”- y su producción es bastante elegante: la duda es cómo encajará el público un gancho “sampleado” tan obvio como el de ‘All Around the World’.

‘Savior’ es un nuevo intento de Azalea por recuperar el éxito de antaño. Ninguno de sus canciones recientes, la durilla ‘Mo Bounce’ y la más amable ‘Switch’ con Anitta, han logrado gran repercusión en ninguna lista oficial o en streaming, con la mala suerte que para la segunda se llegaba a realizar un videoclip que más tarde se cancelaba, tras filtrase en la red. Nada se sabe, por tanto, de aquel disco titulado ‘Surviving the Summer’ en el que supuestamente Iggy está trabajando.

Curiosamente, ‘Savior’ coincide por poco con la salida del nuevo single de Stansfield, ‘Everything’, publicado el 8 de enero.

«Olé ese ritmito sexual»: todos con Nicoleta Sava a Eurovisión

Por

-

1 febrero, 2018

15

Si te sientes mal porque una canción latina, bailable y en castellano no representará a España en Eurovisión, si estás comprobando con frustración cómo ‘Lo malo‘ supera los ya de por sí salvajes streamings de ‘Tu canción’ en Spotify y cómo de hecho se posiciona entre los mayores virales a nivel global, tenemos una noticia que va a terminar de alegrarte el día: puede que otro u otros países acudan al festival con una canción latina, bailable y en castellano al completo o casi al completo.

Es el caso del enorme vídeo que trae flipe_gr a nuestro foro de Eurovisión, en el que vemos a Nicoleta Sava interpretar su canción. Se trata de una de las aspirantes finalistas para representar a Moldavia en el festival, lo que se decidirá en la gala que se celebra el 22 de febrero. No vemos la hora de que llegue este día del mes, pues Nicoleta va a montar toda una fiesta en el escenario al ritmo de su vibrante estribillo «Tú me haces sentir toda la esencia del sur». Aunque lo mejor viene en el puente final cuando esta canción, ‘La esencia del sur’, tan influida por los sendos tops 10 en el festival de ‘Bandido’ y ‘Dime’, se arranca: «olé ese ritmito sensual» (¿o dice sexuarl?) y «olé, olé y olá». Todo ello a «menos 12 grados centígrados», como bien apunta nuestro forero AdriEv.

Mejor aún, como recopilaban en Vanity Fair hace unos días, son muchísimos los países que cuentan entre sus candidaturas con temas en castellano, a remolque del éxito que han tenido ‘Mi gente’, ‘Despacito’, ‘Me enamoré’ o ‘Felices los cuatro’ en muchos de los países de la Europa continental, así cantados en castellano tal cual.

Aunque insistimos en que todos estos temas aún tienen que superar la respectiva final nacional, y algunos más que latinos son EDM muy pasado de rosca, es probable que alguno lo consiga o surjan otros nuevos. Al fin y al cabo, si no gana este año un tema reggaetón o latino, debe de estar al caer…

Os dejamos con ‘Enamórame’ y ‘Puerto Rico’, propuestas de Armenia; ‘Renacer’ por Rumanía interpretada por Waleska de Espania, y ‘Una oportunidad’, también por ‘Rumanía’.

Charlie Puth, de acuerdo con el 3,7/10 de su debut en Metacritic

Por

-

1 febrero, 2018

13

Charlie Puth ha concedido una entrevista en profundidad a Billboard que supone todo un lavado de cara, el definitivo para su carrera tras el éxito de sus últimos singles, ‘Attention‘ y ‘How Long’. El cantante y autor para otros artistas habla con mucha amargura de su disco de debut, y además el artículo incluye una declaración de Dionne Harper de Atlantic Records, quien reconoce que el primer álbum de Puth tuvo que adelantarse por el éxito mastodóntico de ‘See You Again’, que nadie vio venir.

Dice el bueno de Charlie: “Me pasó todo lo que no quería que me pasara: todas las típicas cosas que oyes que le pasan a un chico joven al que contratan en la industria musical me pasaron a mí. Me dijeron que hiciera esto, esto y esto. No quería hacer nada de eso, y simplemente fui donde me llevaban los golpes». Para empezar, él nunca quiso cantar ‘See You Again’, que escribió para Sam Smith, y ahora dice estar de acuerdo con la nota que su debut ‘Nine Track Mind’ terminó teniendo en el site que reúne críticas de decenas de medios, Metacritic, un 37/100. «Tiene la puntuación más baja de la historia de Metacritic, ¿verdad?», pregunta, cuando según Billboard tiene la 15ª puntuación más baja de la historia. «Pues estoy de acuerdo con la nota», sentencia. «Ese álbum no soy yo en absoluto», dice, aunque más tarde rescata de él el dúo con Selena Gomez, ‘We Don’t Talk Anymore’.

Ahora dice que no se sintió «artista» hasta que salió ‘Attention’. “Y creo que la gente está empezando a entenderlo”, añade, asegurando que ha tomado el control de su carrera y que está produciendo él mismo todo su segundo disco, ‘VoiceNotes’, que ha retrasado de enero a mayo para poderlo perfeccionar.

Mientras reconoce que Ryan Tedder es su modelo a seguir, cuenta que quiere hacer un disco de pop que le dé a los adolescentes la misma emoción que sienten cuando escuchan “algún tipo de hip-hop” y cita ‘Mask Off’ de Future como ejemplo. También asegura que quiere hacer «la versión moderna de ‘Come Back To Me’ de Janet Jackson», una deliciosa producción de ‘Rhythm Nation 1814’ (1989), con la que os dejamos.

Joe Crepúsculo, Nada Surf y Modelo de Respuesta Polar, entre los 8 confirmados de WAM

Por

-

1 febrero, 2018

WAM, que se celebra a principios de mayo en Murcia, en concreto los días 4 y 5 en La Fica, y encabezado por las actuaciones de Kasabian, alt-J, Vitalic, Izal, Biznaga, El Columpio Asesino o la Yelle Club Party, ha confirmado nuevos nombres para su cartel. Se trata de Nada Surf y The Bloody Beetroots, junto a Joe Crepúsculo (que tuvo que cancelar el año pasado en el último minuto por un problema familiar), Cooper, Modelo de Respuesta Polar, Nunatak, Murciano Total y The Yellow Melodies. Los abonos, que cuestan 45 euros ahora mismo, suben de precio esta noche. La organización informa de que los abonos VIP están a punto de agotarse. Ambas modalidades están disponibles a través de Ticketea.

Mientras Nada Surf acuden en el marco de la gira del 15º aniversario de ‘Let Go’ (también tocando hits de sus 20 años de carrera), los rockeros The Bloody Beetroots presentarán su tercer largo ‘The Great Electric Swindle’. Cooper presentará nuevo álbum (‘Tiempo, Temperatura, Agitación’) tras celebrar sus 30 años en la música, y Modelo de Respuesta Polar harán lo mismo con su disco editado el año pasado, ‘Más movimientos‘, que curiosamente contenía una gema oculta llamada como la canción de moda ahora mismo en España, ~~‘Lo malo’~~ ‘Tu canción‘.

La Canción del Día: Wye Oak lanzan un «gran hechizo contra los males del mundo»

Por

-

1 febrero, 2018

El dúo de Baltimore Wye Oak llega a su quinto disco el próximo 6 de abril. El largo se llama ‘The Louder I Call, The Faster It Runs’ y se presenta con un single homónimo estupendo que se ha estrenado esta misma semana.

Esta canción de Wye Oak nos lleva de la mano al mejor indie-rock llenaestadios de la década pasada, en concreto a aquel que conocimos de mano de Death Cab for Cutie, Broken Social Scene, Stars o Spoon. Y es que en esta producción en cuyo estribillo se repite el título ‘The Louder I Call, The Faster It Runs’ de manera obsesiva, y con alguna variación, cabe tanto la fuerza de las guitarras eléctricas como una serie de sintetizadores muy ajustados a la letra.

Estamos ante una canción in crescendo en la que la frustración (“puedes tenerlo todo y aún no tener nada”) va dando paso a la esperanza, porque “cuanto más largo es el día, más cerca nos quedará el sol”. Según la nota de prensa, la paradoja es deliberada, pues se describe este tema muy acertadamente como “un bucle de ansiedad y exuberancia, con un estribillo derivando en cascadas de armonía magnética”; como “un hechizo que gritar contra los males del mundo”.

Esa nota anuncia el disco «más grande, atrevido y expansivo que Wye Oak han hecho jamás» y desde esta canción, nos lo creemos un poquito.

The Human League, Texas, Gregory Porter… en La Mar de Músicas

Por

-

1 febrero, 2018

La Mar de Músicas de Murcia llega a su 24ª edición anunciando un cartel de lujo por el que pasarán artistas tan interesantes y variados como son Texas, Songhoy Blues, Cécile McLorin Salvant, Gregory Porter, La M.O.D.A., Fatoumata Diawara, The Human League y Trending Tropics, la nueva formación de Visitante (Calle 13), junto al cantautor dominicano Vicente García, entre otros. De momento se ha adelantado una docena de grupos de los 50 que compondrán el cartel y que se terminarán de dar a conocer a principios de abril.

Esta edición se celebrará del 20 al 28 de julio en Murcia, y de hecho habrá un escenario llamado Somos de Aquí, con grupos de la región, como Moy Gomar, Kuve, Karmacadabra, Jamones con Tacones y Poolshake. En cuanto al país invitado, esta vez será Dinamarca. Nueve grupos musicales, diez películas, ocho exposiciones y una decena de autores literarios mostrarán la gran calidad de la cultura danesa.

Mientras el 22 de julio será el día de Texas y Songhoy Blues, Gregory Porter actuará el 24 de julio, La M.O.D.A. el 27 de julio y a The Human League les tocará cerrar el ciclo el 28 de julio presentando oficialmente «temas de antaño y algunos de su último disco ‘Credo'», que editaban en 2011.

Grimes confirma que su nuevo disco sale este año

Por

-

1 febrero, 2018

5

Grimes ha estado en contacto con sus fans en las últimas horas en Twitter, y a ellos y ellas ha confirmado la mejor de las noticias, que su próximo disco sale “este año”. La cantante y productora canadiense ha añadido que este nuevo trabajo podría salir “en primavera”, si bien ha apuntado que, “para ser realistas, [más bien saldrá] en otoño”.

El quinto álbum de estudio de Grimes sería el sucesor del aclamado ‘Art Angels‘, el 7º mejor disco de 2015 para la redacción de JENESAISPOP. De este trabajo se extrae ‘Venus Fly’, una colaboración con Janelle Monáe para el que se realizaba un vídeo espectacular que se estrenaba el año pasado, el pasado mes de febrero.

Desde el lanzamiento de ‘Art Angels’ en 2015, pocas novedades musicales ha habido de Grimes, si bien en 2016 llegó a incluir una canción, ‘Escuadrón suicida’, en la banda sonora de ‘Suicide Squad’. No es su canción más escuchada en streaming, que sigue siendo ‘Flesh without Blood’. El disco, por cierto, se anunció una semana antes de su salida… ¿Pasará lo mismo con el próximo?

actually it's 2012 so 6 yrs and a nu one out this year so 3 albums in 6 years is not a bad level of productivity … 7 years i'd be judging myself a bit

— Grimes (@Grimezsz) February 1, 2018

i would say spring but realistically, fall

— Grimes (@Grimezsz) 1 de febrero de 2018

‘Get Out’ de Chvrches… ¿un “grower” o lineal y plana?

Por

JNSP

-

1 febrero, 2018

9

Parte de la redacción evalúa ‘Get Out’, el nuevo single de CHVRCHES:

«Es normal que, con las ganas que hay de oír algo nuevo de CHVRCHES, este primer adelanto de su tercer disco sepa a poco para muchos, pero a mí me ha gustado ‘Get Out’, aunque tiene unos puntos fuertes muy identificables. La base de las estrofas, a medio camino entre los sonidos de PC Music y el ‘M.I.L.F. $’ de Fergie (quizás sea también el resultado de la mezcla de Greg Kurstin y los sonidos de la propia banda), palidece frente al -en comparación- más minimalista estribillo y, sobre todo, frente a su fantástico puente. El “you are a kaleidoscope” entonado por Lauren se recupera para acabar con elegancia la canción… y que quieras ponértela otra vez. Lo cual es un buen síntoma.» Pablo N. Tocino

«Es escuchar ‘Get Out’ y entender perfectamente lo que Chvrches querían decir en aquella entrevista en la que hablaban sobre su nuevo disco: es lo más pop que han hecho nunca –lo cual evidencia ese estribillo que no sorprendería en boca de Taylor Swift; y no, esto no es algo negativo– y a la vez es algo sucio y raro –los sintes tan sucios de su arranque, las estrofas de cadencia bastante lenta–. Puede no parecer a la altura de sus mejores singles de primeras, pero apuesto un chupito a que esto es un grower.» Raúl Guillén

«Como apunta mi compañero Raúl Guillén en el veredicto anterior, Chvrches han afirmado que su próximo disco será el más pop que han hecho nunca. Difícilmente Chvrches han podido hacer canciones más pop en temazos tan redondos como ‘The Mother We Share’, ‘Leave a Trace’ o ‘Clearest Blue’, pero en ‘Get Out’ sí se percibe el intento de realizar una canción pop más radiable y convencional. Y eso no juega a favor de Chvrches. ‘Get Out’ es dramática, épica incluso, en estructura y desarrollo, pero peca de una melodía lineal y plana que, en lugar de elevar la canción, la convierte en repetitiva. Para ser de lo más pop que han compuesto, no dan muchas ganas de ponérsela otra vez…» Jordi Bardají

«‘Get Out’ es una canción muy mona, tiene un arranque prometedor; el riff duro de sintetizador en contraste con la dulzura de la voz de Lauren augura muchas cosas buenas. Sin embargo, la segunda parte del estribillo, la de “good intentions”, resta fuerza al resto, paradójicamente. Y, aunque remonta con la leve épica que adorna la tercera mitad, cuando canta “You are a kaleidoscope”. ‘Get Out’ me acaba por resultar excesivamente repetitiva. A eso hay que sumar que suena como si Chvrches se estuvieran reprimiendo el sentimiento. Todos esos lastres juntos hacen que se evapore el hechizo. Con lo que me gustaban a mí las explosiones y la fuerza de ‘Never Ending Circles’ y ‘Leave a Trace’». Mireia Pería

Mark Kozelek comparte 2 temas de su 18º disco, homónimo

Por

-

1 febrero, 2018

Mark Kozelek no puede parar de crear y un año después de su disco doble ‘Common as Light and Love are Valleys of Blood’, su último proyecto con Sun Kil Moon, que se negó a presentar en Madrid por la acústica de Teatro Lara, llegando a cancelar a último minuto; y de sus dos últimos álbumes firmados con su nombre, ‘Yellow Kitchen’ con Sean Yeaton y ‘Mark Kozelek with Ben Boye and Jim White’, que llegaba el pasado mes de octubre, el músico de Ohio anuncia un nuevo álbum en solitario titulado, simplemente, ‘Mark Kozelek’.

‘Mark Kozelek’ llega el 11 de mayo a través de Caldo Verde y se presenta con dos singles que ya pueden escucharse en la web del músico, ‘This is My Town’ y ‘My Love for You is Undying’. Ambas, a guitarra y voz, y bastante largas, además de emotivas en su introspección, no distan de las divagaciones acústicas a las que nos tiene acostumbrado Kozelek, de modo que sorprende que Kozelek haya esperado a su 18º disco en solitario (entre los publicados con su nombre y los publicados bajo Sun Kil Moon) a titular uno con su nombre. ¿Nos querrá decir que supone un punto de inflexión en su carrera?

‘Mark Kozelek’:

01 This Is My Town
02 Live In Chicago
03 The Mark Kozelek Museum
04 My Love For You Is Undying
05 Weed Whacker
06 Sublime
07 Good Nostalgia
08 666 Post
09 The Banjo Song
10 Young Riddick Bowe
11 I Cried During Wall Street

Yung Beef retuerce ‘De plata’ de Rosalía en un tema de su nuevo disco dedicado a ella

Por

-

1 febrero, 2018

9

Yung Beef, integrante de Los Santos (antes PXXR GVNG), publica hoy finalmente su nuevo disco, ‘Adromicfms 4’, ya disponible en Spotify. ‘Andromicfms 4’ llega varias semanas después de la salida de ‘Kowloon Mixtape‘ e incluye hasta 17 pistas, entre ellas una particularmente interesante, la 5.

‘Rosalía’ se dedica, has adivinado, a la cantaora Rosalía, pero además contiene un sample de ‘De plata’, que Yung Beef distorsiona hasta el extremo, haciéndola sonar casi holográfica. La voz de Rosalía aparece hacia la mitad de esta canción que no llega a los 2 minutos de duración y cuya base principal es una guitarra eléctrica distorsionada, por encima de la cual Beef clama cosas como “yo hablando con la muerte como Rosalía”, “los diamantes brillan como Rosalía”, “me voy a meter en los Grammys como Rosalía” o “me voy a follar a tu puta como Rosalía”.

La alusión a la muerte en la letra de ‘Rosalía’ es evidentemente una referencia al tema principal de ‘Los ángeles’, el exitoso debut de Rosalía con Raül Fernández “Refree”. No queda claro si ‘Rosalía’ es un homenaje real o una sátira -por momentos la letra parece ironizar sobre el éxito de Rosalía en frases como “me ponen vestíos como a Rosalía” o “mira las entradas, están toas vendidas”, pero la idea es mucho más que una ida de olla, en contra de las apariencias.

Kylie intenta salvar ‘Dancing’ «bailando» en su videoclip, ya estrenado

Por

-

1 febrero, 2018

133

Crisis en los foros de Kylie: su regreso con ‘Dancing’ ha dividido, no está logrando el éxito esperado y la canción no solo ha quedado fuera del top 40 británico en su semana de salida, sino que se espera que desaparezca de todo el top 100 en su segunda semana, si no pasa algo.

Ese algo puede ser el lanzamiento de su videoclip, que sale mañana 1 de febrero y ya ha avanzado en las redes sociales mediante un teaser en el que podemos ver cuál será su look en ese vídeo, y en qué consistirá dicho vídeo. En él, veremos a Minogue bailando.

Kylie logró un número 13 en Reino Unido con ‘All The Lovers’ y un top 12 con ‘Timebomb’, si bien es cierto que ‘Into the Blue’ quedó en el puesto 46, que es el mismo alcanzado por este ‘Dancing’ de momento. Aunque la canción ha sido top 15 en descargas, el streaming no ha acompañado ni la radio tampoco: a sus 49 años, Minogue no ha conseguido meter esta canción en la playlist de Radio 1, aunque sí en la adulta de Radio 2.

Hay tiempo, eso sí, de sobra, para un segundo sencillo: su álbum no sale hasta el 6 de abril.

Actualización: El vídeo de ‘Dancing’ se ha estrenado finalmente y no ofrece grandes sorpresas. Este muestra a Minogue bailando en varios sets y presumiendo varios atuendos, o tocando la guitarra acústica al principio. La coreografía final se realiza junto a un par bailarines vestidos de monstruo, si bien estos no tienen tanto protagonismo al final.

#Lovers, on February 1st we will be #Dancing! 😘 pic.twitter.com/fwTwikdFMG

— kylie minogue (@kylieminogue) January 30, 2018

Rural Zombies / From Home to Hospital St.

Por

-

1 febrero, 2018

4

Los guipuzcoanos Rural Zombies se han hecho un hueco en la industria gracias al considerable éxito de su debut ‘Bat’, que contenía canciones tan chulas como ‘Stones’ o ‘Fall’, y cuyo gran hit al final fue el tema ‘Golden’, aproximándose al medio millón de streamings en Spotify. ‘From Home to Hospital St’ es su segundo disco, que publican en Mushroom Pillow, de nuevo bajo la producción de Eñaut Gaztañaga de Grises, y llega en un momento mejor de lo que parece para el rock noventero: Pearl Jam son el gran reclamo de un macrofestival a nivel europeo como es Mad Cool, y Wolf Alice continúan triunfando, ahora con un segundo disco en el que han ampliado miras.

No hay canción «girl group» en el segundo disco de Rural Zombies, pero sí alguna intencionalidad electrónica en sintes y teclados como se aprecia en el inicio de ‘Runaway’ o en el gancho principal de ‘BI‘, cuyo estribillo parece un canto a la libertad («¡esto es lo que queremos ser!»). En todo caso, la comparación con la banda coetánea de Ellie Rowsell es pertinente porque Rural Zombies se siguen caracterizando por el contraste entre la dulce voz de Julia Urreaga y la fuerza de las guitarras eléctricas, que en ‘Wanted’ llegan a acercarse a los territorios de Red Hot Chili Peppers y Rage Against the Machine.

El grupo sorprende también en el arranque de su álbum, recordando casi más a Chris Isaak y a Cocteau Twins que a The xx como sucedía en alguna de sus primeras canciones, en esa ‘Nana’ que es una pena que no hayan desarrollado más, pues podría haber sido tan icónica como ‘California Nights’ de Best Coast. En verdad, y pese a los pequeños experimentos, aquí siguen prevaleciendo los guiños al math-rock (‘Home’) y la búsqueda de himnos de rock, eso sí, a veces a través de estructuras tan trabajadas como la que presenta ‘Whateverest’, o detalles tan curiosos como ese bajo, tan ¿involuntariamente? Donosti Sound, de ‘Ethereal’.

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘BI’, ‘Whateverest’, ‘Runaway’
Te gustará si te gustan: Wolf Alice, Foals, Bloc Party
Escúchalo: Spotify

Justin Timberlake dice que su disco, ya filtrado, no es country

Por