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Sr Chinarro: «Parece que la gente tiene ganas de que llegue un dictador»

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Alfonso López

Sr Chinarro visita REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, para presentar su nuevo disco. ‘Cal viva‘ ya está en la calle en formato físico, aunque de momento ha decidido no subirlo al completo a las plataformas de streaming. Se trata de un álbum caracterizado por los arreglos de soul que han ido aportando sus músicos, como él mismo nos cuenta. En sus propias palabras va sobre «que cada vez hay más nazis, que el planeta se destruye, que la vida no tiene sentido, que el amor es agotador».

Gran parte de la conversación habla sobre «tener una edad» en base a la letra de ‘El muelle 1’. «Me gusta ver obras», afirma, al tiempo que indica que según una amiga educadora, y otra psicóloga infantil, podría tener el Síndrome de Asperger.

La conversación se enciende en la segunda parte del podcast en base al tema dedicado a ‘Carlos Haya’, un aviador del bando nacional que murió en la Guerra Civil. Antonio Luque habla de la Desbandada de Málaga, «una masacre casi más grande que la de Guernica, que casi nadie recuerda». «Pusieron un cartel en Málaga en memoria y de vez en cuando lo arrancan. Votan a un alcalde que tiene fotos con Franco. Me gusta ir a la playa a escuchar el mar y escucho conversaciones. Y se ve en las votaciones. En Madrid tenéis a Almeida y a Ayuso. Parece que la gente tiene ganas de masacre, de que llegue un dictador y se ponga a fusilar a gente. Son tan gilipollas que igual es buena idea bombardearlos. Están pidiéndolo. Están votándolo».

Reflexionando sobre la película ‘La zona de interés‘, Sr Chinarro se pregunta dónde está el salto para montar un Holocausto. «¿Empezarían a meternos en el horno para robarnos un abrigo de pieles, un perfume? Desde aquí digo que me tendrán en frente y llegado el momento mataré a todos los que pueda». Concluye en otro momento: «Les gustan las Holocaustos, a la vista está». Además, añade: «la Transición fue un timo. El timo de la UCD. ¿Qué es eso de «somos fachas pero sabemos gobernar»? ¿Cómo? ¿No recordamos lo que hicieron? No hace tanto tiempo».

Hablamos también de la atracción que siente la juventud hacia el fascismo y nos habla de una cita de Stefan Zweig de que se llegó a la II Guerra Mundial porque la gente estaba aburrida, después de los años 20. «Cuando el diablo se aburre, mata monjes con el rabo. Eso le está pasando a los jóvenes, que tienen de todo, mucho más de lo que teníamos en los años 70. Yo tenía unas zapatillas de deporte malísimas, y las tenías que llevar con agujeros un tiempito. Ahora tienen 25 pares de zapatillas. Es verdad que hay pobres en la calle, y más en Madrid, pero no son los que van a Ferraz a hacer el saludo nazi. Si eso cala entre la juventud como un rollo punki, igual es que se aburren, y lo que quieren es divertirse con una guerra. Como decían Ilegales, «Guerra excitante y prohibida solo es para menores de 40 años». Que se diviertan».

«Si hacer el saludo nazi cala entre la juventud como un rollo punki, igual es que se aburren, y lo que quieren es divertirse con una guerra (…) Que se diviertan»

En la parte final del podcast, repasamos la trayectoria de Sr Chinarro, con la cumbre que representaron ‘Fuego amigo’, ‘El mundo según‘ y ‘Ronroneando‘. Nos habla sobre sus altibajos en popularidad y en cuanto a pasos artísticos. Bromea sobre no haber seguido los pasos de algunos compañeros generacionales: «Si hubiera querido falsear mi discurso, hubiera intentado parecerme más a Los Planetas. ¡Pero no me sale! Todos escuchábamos lo mismo. No solo Los Planetas. Jota dijo «yo voy a hacer lo de los Jesus and Mary Chain» y nosotros nos hicimos un lío. Metimos un violonchelo. Nos pusimos poéticos. Y no hicimos lo que había que hacer: My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain, la música de la época. Siempre me he sentido marginado. Hasta cuando salíamos en Rockdelux con ‘El porqué de mis peinados'». Añade: «Uno de mis fallos ha sido no considerar mi carrera una carrera».

Fuera de bromas respecto a Los Planetas, a quienes considera unos «maestros», se para en fallos concretos: «Tuvimos mala suerte con el primer disco. No se acertó con la producción. Luego me equivoqué cambiando de banda, con la que me fui a New Jersey. Me equivoqué llevando solo un violonchelo. Unas cuerdas quedan bien, pero solo un violonchelo, no. Jota lo hizo bien, y además, lo fichó una multi. Pues nada, The winner takes it all», concluye jocosamente en referencia a ABBA.

Este 6 de abril Sr Chinarro actúa en Valencia. También estará en Contempopránea. Más fechas próximamente, en su página web.

Rosalía y Hunter Schafer fueron novias durante cinco meses

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Rosalía y Hunter Schafer fueron pareja durante cinco meses en 2019. Así lo ha confirmado la actriz de ‘Euphoria’ en una entrevista ofrecida a la revista QG, donde ha hablado de activismo e interpretación y ha soltado la bomba que muchos sospechaban.

«Se ha especulado mucho durante mucho tiempo. Una parte de nosotras quiere acabar con todo eso, y otra dice: ‘¡Pero por qué, si no es asunto de nadie!’. Es algo que me alegra compartir. Y creo que ella también lo siente así», cuenta Hunter Schafer en su entrevista, quien se refiere a Rosalía como alguien «de la familia pase lo que pase».

La actriz ha confesado que mantiene «amistades muy bonitas» con la gente con la que ha tenido «una relación sentimental». Hunter Schafer y Rosalía siguen siendo amigas, algo de lo que Schafer está «orgullosa». Tras hablarlo con Rosalía «la noche anterior», la actriz revela feliz que salió con ella entre otoño e invierno de 2019.

Asimismo, Hunter Schafer reconoce que tuvo que quedar varias veces con Rosalía para «darse cuenta del rollo que había» y que aquello «eran citas». Lo cierto es que la cantante compartió una fotografía junto a ella el 18 de diciembre de 2019, lo que podría ser un indicio de que por aquel momento eran novias. Fue esa misma semana cuando la artista mencionó a Schafer en su discurso de los Billboard Women in Music, a los que asistió acompañada de la actriz.

Desde el lanzamiento del single ‘TUYA’ en junio del año pasado, los seguidores de Rosalía habían especulado que la canción podría estar dedicada a Hunter Schafer. Aunque hasta el momento no ha habido ninguna confirmación al respecto, todavía sigue sin quedar claro si la artista canta «solo esta noche ere’ mío, mío» o «solo esta noche ere’ mía, mía».


Baby Lasagna y ‘Rim Tim Tagi Dim’: ¿otra victoria del rock en Eurovisión?

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Dora 2024 (HRT)

Pese a que es Nemo con su ‘The Code’ quien encabeza actualmente las casas de apuestas de Eurovisión 2024, ha sido Baby Lasagna de la mano de su ‘Rim Tim Tagi Dim’ el que había sido favorito durante las últimas semanas. El croata, que luchará por el micrófono de cristal en el escenario de Malmö el próximo mes de mayo, puede dar al rock otra victoria tras la lograda por Italia en 2021.

A escasas semanas para la celebración de la nueva edición del certamen europeo, todo está muy ajustado en las casas de apuestas. A estas alturas del año pasado, Loreen despuntaba muchísimo sobre el resto con ‘Tattoo’, pero todo indica a que la cosa estará más reñida en 2024. Y, si bien Nemo jugaba con la ópera y el rap para tratar de ganar Eurovisión, Baby Lasagna apuesta por el rock para hacerse con el ansiado trofeo.

«Estoy preparado para marcharme / Ciao, mamá», canta Baby Lasagna en una canción que invita a bailar con toques del divertido ‘Cha Cha Cha’ de Käärijä, pero con un aspecto rockero que nos hace volver a recordar el clásico eurovisivo ‘Zitti E Buoni’ de Måneskin. Lo del baile, de hecho, es literal: «Voy a echar de menos mi heno, voy a echar de menos mi cama / Pero, sobre todo, echaré de menos el baile / Así que vamos todos, vamos a bailar».

El mensaje de ‘Rim Tim Tagi Dim’ es en realidad más profundo. El artista, de 28 años, reflexiona sobre el éxodo rural y la fuga de talentos, algo con lo que se pueden sentir identificados muchos países de Europa, como es el caso de España. «No hay vuelta atrás / Mi presencia se funde de negro / Sí, no hay vuelta atrás», canta Baby Lasagna. Este también es el tema principal del videoclip, aunque siguiendo en la misma línea divertida de la canción.

Sin tomar mucha ventaja en las casas de apuestas pero empezando a afianzar una alta posición, Baby Lasagna será uno de los grandes candidatos a ganar Eurovisión el próximo 11 de mayo. A falta por conocer la puesta en escena definitiva, su actuación en la preselección croata lo ha metido de lleno en la pelea por el micrófono de cristal.

Shakira es top 1 en España con ‘Las Mujeres Ya No Lloran’

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Tras una primera semana repleta de promoción y pese a entender que sus hijos odien la película de ‘Barbie’, Shakira logra el número 1 en España con su disco ‘Las Mujeres Ya No Lloran’. La artista, que ha vuelto a tener una gran exposición en las radios de nuestro país desde que lanzara su tema ‘Bzrp Music Sessions, Vol. 53’, ha reunido todos sus hits de los últimos años en el que ha llamado su duodécimo álbum de estudio.

Aunque el éxito de canciones que Shakira ha incluido en el disco como ‘TQG’, ‘Monotonía’ o ‘Te Felicito’ servirán como salvavidas para darle estabilidad en las listas y no sufrir una caída al estilo Chanel, el debut de ‘Las Mujeres Ya No Lloran’ todavía estaba por ver. Hoy ya sabemos que la colombiana ha conseguido la máxima posición en España, haciendo descender un puesto a Estopa (#2) y Ariana Grande (#3).

Shakira se ha quedado a las puertas de debutar en el top 10 en el Billboard 200 de Estados Unidos, donde se ha conformado con el número 13. Se trata de su sexto mejor debut en la lista, superando el puesto de su anterior álbum, ‘El Dorado’ (#15). La artista nunca ha tenido un top 1 en EEUU, aunque lo rozara con ‘Servicio de lavandería’ (#3) en 2001 o con ‘Shakira.’ (#2) en 2014.

Olivia Rodrigo protagoniza la mayor subida de la semana, ascendiendo de la posición 33 a la 8 gracias a la edición deluxe de ‘GUTS’, que debutó en el número 1. Asimismo, la celebración del 30 aniversario de Elefantes lleva su disco regalo ‘Tratado sobre jardinería’ con sus grandes hits al puesto 11 en España. La sorpresa de la semana en Estados Unidos, el álbum colaborativo entre Future y Metro Boomin ‘We Don’t Trust You’ entra directo al número 14.

En cuanto al resto de entradas, destacan Le Sserafim con ‘Mini Album Easy’ (#24), Alicie In Chains junto a ‘Jar of Flies’ (#51), Jesus y Mary Chain de la mano de ‘Glasgow Eyes’ (#60), Tyla con su disco homónimo ‘Tyla’ (#73), Rojuu con su esperado ‘Los sueños de Nube’ (#75) y Wos con ‘Descartable’ (#82).




El Bobe y Omar Montes, top 10 en España con ‘El Conjuntito’

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¿En qué momento se convirtió Omar Montes en el gran creador de hits en España que es ahora? La respuesta daría para otro artículo, pero la realidad es que su nueva canción ha vuelto a ser un éxito inmediato. Su colaboración con el todavía poco conocido El Bobe, quien está detrás del tema ‘Ella’, los ha llevado a meterse en el top 10 de la lista de singles de nuestro país con ‘El Conjuntito’ (#7).

La canción ya ha acumulado más de 3 millones de reproducciones solo en Spotify y apunta a tener estabilidad con su permanencia en el top 5 de Spotify España. Se trata del mayor debut de la semana, por debajo de otros hits actuales como ‘Xclusivo’ de Gonzy (#1), Lola Índigo y Manuel Turizo con su ‘1000COSAS’ (#3) o Feid y Alt Jacob de la mano de su ‘Luna’ (#5).

Por último, el lanzamiento de ‘Las Mujeres Ya No Lloran’ hace que Shakira ocupe hasta cinco puestos de la lista, siendo tres de ellos nuevas entradas, una reentrada (‘Bzrp Music Sessions, Vol. 53’ en el #90) y una gran subida (‘TQG’ con Karol G del #68 al #49). Los tres temas del disco que debutan en la lista son su colaboración con Rauw Alejandro ‘Cohete’ (#28), ‘Puntería’ con Cardi B (#37) y ‘La Fuerte’ con Bizarrap (#67).


Beyoncé / Cowboy Carter

¿Qué has hecho con tu vida durante los últimos 5 años? Beyoncé, culminar este «Acto 2» de una trilogía cuyo primer paso fue el celebrado ‘Renaissance‘. Atia «Ink» Boggs, una de las cien personas aproximadamente implicadas en esto, aseguró que ‘Cowboy Carter’ estaba incluso preparado antes del disco anterior, pero el caos con el tracklist en las ediciones físicas de este nuevo álbum revela que se le han dado como mínimo toques finales hace muy poco.

5 años haciendo un disco en los tiempos en que la mayoría de trabajos duran 1 o 2 semanas en las listas de éxitos. 5 años de orfebrería en un momento en que un tuit escrito en 15 segundos, y pensado en menos, puede enfangar una campaña. 5 años en una industria obsesionada con el viral de usar y tirar. Experta en obras conceptuales mastodónticas desde el álbum audiovisual ‘Beyoncé’ y el perfecto ‘Lemonade’, la artista vuelve a entregar un disco-enciclopedia rico, complejo, abierto a las interpretaciones y al debate.

La primera cuestión la ha planteado ella misma, comunicando desde sus redes sociales que ‘Cowboy Carter’ no era «un disco de country». Como sucesor de un álbum que recuperaba la cultura ballroom, el house y la función pionera de la comunidad negra y LGTB+ al respecto, hay que decir que sí estamos ante un álbum, esencialmente, de música country. Porque incluso cuando no suena country, habla de una manera o de otra de imaginería country. Lo que quizá quiera decir cuando afirma que más bien «este es un disco de Beyoncé», es que esto no iba a ser un álbum sencillo de canciones folkies tan agradables como el primer single ‘TEXAS HOLD’EM’. Esto no iba a sonar a Kacey Musgraves, ni a la primera Taylor Swift, ni siquiera a Lil Nas X. Aquí tenía que haber mucho más.

La artista ya no sabe crear sin conceptualizar. Su modus operandi, detallado por ella misma, es ir escribiendo canciones, por ejemplo 100, y después currarse un puzzle con ellas en busca de una «obra sólida». Esta obra sólida ha sido creada mientras veía películas, sobre todo westerns, mencionando expresamente ‘5 Fingers for Marseilles’, ‘Cowboy de ciudad’, ‘Los odiosos ocho‘, ‘Más dura será la caída’ o ‘Los asesinos de la luna‘. Si eres cinéfilo habrás observado que se trata de cintas tanto antiguas como contemporáneas, de la misma manera que ella estaba dispuesta a meter en el mismo disco tanto a Willie Nelson como a Post Malone.

Y comienzo hablando de gente blanca, porque ‘Cowboy Carter’ no es ese disco que yo tenía claro en mi cabeza, lo cual solo puede ser bueno: el artista ha de ir siempre por delante de todos nosotros. Si en la era anterior Beyoncé convirtió todos los artistas blancos citados por Madonna en ‘Vogue’ en artistas exclusivamente negros para un remix de ‘Break My Soul’, ahora tenía que samplear a artistas afroamericanos pioneros del género desde el siglo XIX. Un disco que recordara que el banjo viene de África. Que si alguien cree que esta es música de blancos, solo es porque estos se la apropiaron.

Por supuesto, la lista de artistas negros reivindicados aquí es larga. Solo por descubrir al mundo a Linda Martell, todo esto ya habría merecido la pena. Martell, que sacó un único disco -maravilloso- en 1970, tiene interludio propio y aparece en otro tema. Por su parte, ‘Smoke Hour’ no es un interludio estúpido, sino una manera de dejar sonar pequeños fragmentos de ‘Down By the River Side’ de Sister Rosetta Tharpe, ‘Maybellene’ de Chuck Berry o ‘Don’t Let Go’ de Roy Hamilton, quien tanto inspirara a Elvis Presley.

Luego, de manera global y amigable, todos ellos aparecen hermanados con Dolly Parton, su ahijada Miley Cyrus o Patsy Cline, cuyo ‘I Fall To Pieces’ es sampleado en ‘Sweet ★ Honey ★ Buckiin’. Como retratando que Estados Unidos, cuya bandera Beyoncé ondea en la portada, es de todos, y todos habrán de caber si anhelamos un país, un planeta, un mundo mejor.

En busca de él, la artista comienza este disco hablando del backlash que sufrió cuando interpretó ‘Daddy Lessons’ junto a The Chicks, recordando haber sido criticada por haber sonado «demasiado country» como persona del sur, y después «no suficientemente country». Ese es el germen de este disco. Su reivindicación pasa de lo concreto a lo general en ese ‘AMERICAN REQUIEM’ con una frase tan reivindicativa como «para que las cosas se mantengan igual, tendrán que volver a cambiar», y esa metáfora sobre un padre que ha cometido «pecados» (su país) y «una bonita casa en la que nunca nos pudimos asentar» (de nuevo, su país).

La artista, que acaba de pedir más innovación y riesgos a toda la industria musical, se arriesga abriendo así un álbum con un tema de más de 5 minutos, de carácter casi progresivo, donde otros se habrían agobiado con el hit o el featuring de turno. Pocas veces ‘Cowboy Carter’ vuelve a ser tan político como en este corte, pues de hecho abundan las canciones sobre maternidad (‘PROTECTOR’), sexo (‘BODYGUARD’) y más sexo (‘LEVII’S JEANS’), pero su victoria es que es un álbum político que no lo parece tanto: como Caballo de Troya no tiene precio. Y para muestra, el éxito de ‘TEXAS HOLD’EM’, que ha logrado colarse en el número 1 de las listas country. De manera ambivalente nos advierte que un tornado está a punto de arrasarnos. Tengo claro a qué se refiere, ¿pero habría obtenido tal éxito si hubiera sido más explícita? En un mundo en el que la «canción social» de Oliver Anthony triunfa porque él dice que no es ni de izquierdas ni de derechas, lo dudo mucho.

La política está ahí, muchas veces de manera sutil. Beyoncé ha versionado a los Beatles únicamente porque ‘Blackbiird’ fue escrita para 9 estudiantes negros a los que se impidió asistir al instituto en 1957. Se les llamó «Los 9 de Little Rock«. ‘YA YA‘ está siendo noticia por sus interpolaciones de gente blanquita, en concreto Nancy Sinatra y Beach Boys, pero quizá sería más interesante detenerse en su mención fugaz al Chitlin Circuit, un grupo de recintos en los que actuaban artistas afroamericanos a los que no dejaban pasar a otros lugares. Aretha Franklin, Ray Charles, Ella Fitzgerald, Little Richard, los The Jackson 5 y Tina Turner son solo algunos de los que estuvieron allí. La lista completa de leyendas quita el hipo.

Es esta una de las producciones más ambiciosas y sorprendentes de ‘Cowboy Carter’. Una de las que cualquier otro artista nunca metería en un «disco country». Una que justifica por qué esto «es un disco de Beyoncé y no uno de country». Una alegría para todos aquellos que recibimos con pereza toda esta moda de la música country, más que nada por la mala copia que pueda venir detrás. La voz de Beyoncé está absolutamente maravillosa en momentos acústicos como ‘BLACKBIIRD’, ‘PROTECTOR’ o ‘DAUGHTER’. Tras años de experimentos con diferentes tipos de beats, suministrados por media humanidad, nada como volver a las raíces de lo sencillo: un simple rasgueo a las cuerdas de una guitarra para probar el valor de una preciosa melodía.

Pero lo importante es que el disco se crece con una serie de aportaciones sui generis. Hay varias transiciones que lo elevan, siendo uno de esos pocos discos en los que el interludio suma, nunca resta. Dolly Parton está divertidísima contando que lo de «Becky with the good hair», la amante de Jay-Z en ‘Sorry’, le ha recordado a alguien. Ese alguien es ‘Jolene’, aquí versionada con una letra adaptada a la conocida infidelidad. ‘DAUGHTER’ contiene un fragmento de un aria en italiano del siglo XVIII, ‘Caro Mio Ben’… lo cual ha decidido sucederse con un tema llamado ‘SPAGHETTII’ (western, LOL), que suena rap porque su texto precisamente está reivindicando la fusión de géneros. No es casualidad que Knowles cite y agradezca la influencia de Stevie Wonder, al que ha invitado a tocar la armónica: el doble ‘Songs in the Key of Life’ tiene que ser uno de sus discos de cabecera. A sus experimentos de los años 70 recuerda muy particularmente el paso de esa ‘OH LOUISIANA’ enchufada de helio, al inicio de ‘DESERT EAGLE’.

Porque la segunda mitad no se achanta como sí sucedía en ‘RENAISSANCE’. En lo que podríamos considerar la tercera parte del álbum está el nuevo single con Miley Cyrus, el canto a la sororidad que es ‘II Most Wanted’ (¿cuál era la película, ‘Bonnie & Clyde’, o mejor ‘Thelma y Louise’?); seguida del regusto indie de ‘LEVII’S JEANS’ con Post Malone. Y ahí hay que hablar del bien que hacen las guitarras eléctricas a un disco que podría haber sido un infierno en vida de banjos y violines. Se agradece que suenen rugosas ‘MY ROSE’, con esos delicados tarareos, y sobre todo ’16 CARRIAGES’, otro de los growers con la marca de la casa, recordando que el camino de Beyoncé, en esto desde los 15, no ha sido siempre un camino de rosas. ¿El de quién lo es?

Finalmente, hablando de violines irritantes de música country, hay espacio para el humor en el desenlace del álbum. ‘RIIVERDANCE’ suena como una alocada producción de Dan Deacon, conectada con el Acto 1, algo que constata la triada ‘Sweet ★ Honey ★ Buckiin’, resquicios de su era «Vogue». En medio, ‘II Hands II Heaven’, con un inesperado algo al mítico ‘Born Slippy’ de Underworld, y ‘Tyrant’ con Dolly Parton. Ahí es cuando querrás averiguar de dónde salió tal violín para machacarlo… solo para comértelo con patatas después. Si ‘Galway Girl’ de Ed Sheeran superó los 1.000 millones de streams, esperad a que esto caiga en las manos adecuadas/equivocadas en TikTok.

Después de tremendos sopapos a medio camino entre el villancico (principio de «SWEET», el préstamo de Patsy Cline) y el justificado cabreo por no haber ganado nunca el Grammy a Álbum del Año (final de la misma pista), parece que Beyoncé no sabía cómo cerrar toda esta fantasía, así que ha tirado de una especie de «outro» tipo góspel con vuelta al principio.

‘AMEN’ replica una letra de ‘AMERICAN REQUIEM’, en mi cabeza un recordatorio de que este año Estados Unidos se la juega con sus Elecciones Presidenciales. «Que Dios nos pille confesados» sería una traducción libre de ese repetido «Mercy on me». La artista nos está hablando sin duda de la historia de su país, de las «mentiras de piedra con que se ha construido», de los «huesos» que quedaron y de la «sangre» que se ha derramado. De su futuro incierto. Que el mundo siga tragándose mentiras en el Twitter. Ella seguirá soltando verdades como templos. Veremos quién dura más tiempo.

‘Right Back to It’ merece el éxito de ‘I Remember Everything’

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Molly Matalon

La carrera de Katie Crutchfield, más conocida como Waxahatchee, continúa después de discos como ‘Ivy Tripp‘ o ‘Saint Cloud‘. Incluso esta moda de la reivindicación de la Americana y el country podría beneficiarla. El sexto ‘Tiger Blood’ es una muy digna continuación de todo lo anterior, de la que escogemos como Canción del Día el single ‘Right Back To It’.

Se trata de una preciosa composición a dúo con MJ Lenderman, quien parece Rufus Wainwright a los coros. Ambos la han ideado pensando en duetos de country clásicos como los de Emmylou Harris y Gram Parsons (‘Love Hurts‘, más que ‘Ooh Las Vegas‘). De alguna manera, merecería qué menos que un 20% de la atención que ha tenido ‘I Remember Everything’, la también fantástica colaboración de Kacey Musgraves con Zach Bryan.

Cuenta Waxahatchee sobre la composición que la escribió en el backstage de su gira como telonera de Jason Isbell y Sheryl Crow. Habla sobre una relación de larga duración: «Me interesa mucho escribir canciones de amor que sean ásperas, y no románticas. Quería hacer una canción sobre el flujo y el reflujo de una historia de amor larga. Pensé que sabría poco tradicional pero estaría más en la línea de mi experiencia personal, escribir sobre sentirme insegura en mi interior, pero siempre encontrar tu camino hacia algo nuevo e íntimo con la misma persona».

La letra de ‘Right Back to It’ comienza por tanto observando «una foto de nosotros dos», mientras el estribillo cantado a dos voces, habla sobre ese continuo volver hacia la persona amada, comparándolo con una «canción sin fin». «He sido tuya por tanto tiempo / Y seguimos volviendo / A veces dejo que mi mente se vuelva loca / No sé por qué lo hago / Pero tú te instalas como una canción sin fin / Si puedo seguir el ritmo / Volveremos».

Esta preciosidad se decora con un memorable riff de guitarra eléctrica que aparece dos veces en la grabación: en un puente y a su término. El potencial de la canción ha quedado constatada esta Semana Santa en el late show de Stephen Colbert.

Las mejores canciones de marzo 2024

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Terminado marzo, recopilamos los mejores temas que hemos reseñado en semanas pasadas en una actualización de nuestra playlist mensual. Avanza lo que encontraréis en nuestra lista con lo mejor de 2024. El año no está escatimando en superestrellas que sacan disco. Apenas un par de semanas después del nuevo de Ariana Grande, ya tenemos el nuevo de Beyoncé. También han sacado álbum estrellas de primer nivel como Shakira (que tiene hit junto a Cardi B), Kacey Musgraves y reedición Olivia Rodrigo. En el mundo underground, hemos recomendado especialmente los trabajos de Julia Holter y Adrianne Lenker.

Todos aquellos enganchados al álbum «country no country» de Beyoncé, pueden dar una oportunidad a Hurray for the Riff Raff o a Waxahatchee. En cuanto a pop electrónico, hemos recomendado el cuarto álbum de Empress Of, pues luce como el mejor de su carrera.

Hablando de pop electrónico sofisticado, merece la pena detenerse en un montón de nombres que está aportando la escena nacional: Alba Morena sacó EP, también Suave, y también hay que celebrar de nuevo las producciones de María Escarmiento o Ganges. Completamos la playlist con otro enorme adelanto del inminente disco de Vampire Weekend, el inminente disco de Hinds, o revelaciones internacionales como 4batz o YG Marley.

Beyoncé / TEXAS HOLD’EM
Vampire Weekend / Classical
Waxahatchee, MJ Lenderman / Right Back to It
Hurray for the Riff Raff / Hawkmoon
Empress Of / Lorelei
Ariana Grande / we can’t be friends (wait for your love)
Belén Aguilera, Julieta / Thelma & Louise
Alba Morena / Yo te quiero pero
Suave, D3llano / LA OTRA PUNTA DEL MUNDO
Camila Cabello, Playboi Carti / I LUV IT

María Escarmiento, Vau Boy / Te pedí que me olvidaras
Ganges / Un llavero
4batz / act ii: date @ 8
Hinds / Coffee
Olivia Rodrigo / obsessed
Beyoncé / YA YA
Julia Holter / Sun Girl
Kacey Musgraves / Deeper Well
Adrianne Lenker / Free Treasure
YG Marley / Praise Jah in the Moonlight
Mushkaa, Bad Gyal, Bexnil / SexeSexy

Meghan Trainor, T-Pain / Been Like This
Mala Cotton, Paula Zaire / La Salsa
Ariana Grande / bye
Belize / Asedio
Wallows / Your Apartment
garbí / setsunai
Perdón / Desaparecer
Amigas! / Afonía de alma
Ruinosa y las Strippers de Rahola / ET.S
Tinashe / Tightrope
Shakira, Cardi B / Puntería

The Killers actúan la semana que viene en Razzmatazz

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Parece una broma de April Fools, pero hoy ya no es 1 de abril. Uno de esos pocos grupos llenaestadios que quedan, The Killers, acostumbrados a encabezar festivales en todo el mundo, van a ofrecer un concierto en Razzmatazz, la sala barcelonesa con capacidad para 2.000 personas.

El concierto será enseguida, el próximo 10 de abril en la mencionada sala de Barcelona. Se trata de un concierto único antes de comenzar su gira que les llevará por las principales arenas y ser cabeza de cartel de festivales en Estados Unidos y Europa. Además, The Killers han anunciado una residencia especial en Las Vegas para el verano de 2024, en la que interpretarán su álbum ‘Hot Fuss’ al completo por primera vez para conmemorar su 20º aniversario.

Las entradas para el concierto de Barcelona saldrán a la venta este jueves 4 de abril a las 10h en livenation.es y ticketmaster.es. Además, las personas registradas en la web podrán acceder a una preventa exclusiva a partir del miércoles 3 de abril a las 10h en livenation.es. Ni que decir tiene que se van a agotar de manera instantánea.

Las últimas novedades de The Killers han sido un tema electrónico trabajado junto a Stuart Price y llamado ‘Your Side of Town‘, que no han querido desarrollar en un álbum entero.

Mientras, ‘Mr Brightside’ continúa en las listas de éxitos. Con más de 2.000 millones de streams en Spotify, hoy mismo la encontramos en el puesto 66 de las listas oficiales de Reino Unido en su 403ª semana de permanencia. Es decir, el tema lleva 8 años no consecutivos en el top 100 oficial británico.

Beyoncé pide más innovación y agradece a Stevie Wonder

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Esta noche la emisora estadounidense iHeart ha entregado sus premios, recayendo estos en ‘Kill Bill’ de SZA como Canción del Año y Taylor Swift como Artista del Año, entre otros. Han actuado Justin Timberlake, Green Day, Tate McRae y TLC con Latto. Pero casi todas las miradas estaban puestas en Beyoncé, que presenta nuevo disco estos días, ‘Cowboy Carter’, a un sombrero de cowboy pegada. Se le entregaba el premio a la Innovación.

Beyoncé se mostró especialmente agradecida con Stevie Wonder, que no en vano le hacía entrega del galardón. “Es un honor recibir este premio de tus manos, Stevie Wonder. Cuando alguien me pregunta a quién podría escuchar durante el resto de mi vida, siempre es a ti”. Después añadió otros nombres como Sister Rosetta Tharpe, Tracy Chapman, Linda Martell, Prince, André 3000, Tina Turner y Michael Jackson, muchos de ellos presentes en su nuevo álbum de una manera o de otra.

La artista, que sufrió el rechazo popular al adentrarse en el country junto a Dixie Chicks (ahora The Chicks) en ‘Daddy Lessons’, pidió más reconocimiento para los innovadores. “Ser innovador es decir lo que todo el mundo cree que es imposible. Ser innovador a menudo significa ser criticado, lo que a menudo probará tu fuerza mental. Ser innovador es apoyarse en la fe y confiar en que Dios te recoja y te guíe. Así que, a todos los sellos discográficos, a todas las emisoras de radio, a cada entrega de premios: mi esperanza es que estemos más abiertos al disfrute a la liberación que sale de disfrutar el arte, sin nociones preconcebidas”.


Podcast: Así innovó Stevie Wonder en los 70

Emocionante entrevista de Supersubmarina en El País

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Supersubmarina publicarán este mes un libro sobre su carrera, escrito por Fernando Navarro. ‘Algo que sirva como luz’ narrará su ascenso en la industria musical, así como el accidente que casi les cuesta la vida en 2016. El grupo ha concedido su primera entrevista desde entonces al diario El País, al propio Navarro, revelando que hace 3 años intentaron realizar un reportaje similar a este, pero que no se vieron preparados.

Aunque los cuatro miembros han sufrido secuelas (el bajista Pope sufrió la culpabilidad por ser quien conducía, el baterista Juanca estuvo a punto de morir por una infección en los pulmones), el guitarrista Jaime y el cantante José «El Chino» se llevaron la peor parte. Jaime quiso amputarse la pierna al no ver avances durante años e incluso pensó en suicidarse: “Estaba en un proceso de disgusto total conmigo y no podía aportar nada a los demás. Mi depresión afectó a mi familia y al grupo. No estaba en mis cabales”.

Los cuatro miembros de la banda, que habían sido amigos desde pequeños, se distanciaron. «Pasamos de estar todos los días juntos, ensayando, tocando y viajando, a no vernos. Nos afectó. Nuestra relación se enfrió”, afirma El Chino. “La comunicación de la banda no existía porque no sabíamos qué hacer con nada de nuestras vidas”, indica Juanca. Varios han pasado a desempeñar otros trabajos en empresas familiares.

El Chino estuvo 31 días en coma inducido. Los médicos no se podían creer que hubiera podido salvarse. Se sometió a varias intervenciones a vida o muerte y tuvieron que quitarle una parte de la pared ósea del cerebro para que pudiese oxigenarse y reducir el edema. Posteriormente, estuvo ingresado en una clínica madrileña durante un año y tuvo que volver a aprender a hablar o a andar. Además, sufre una secuela cerebral llamada anosognosia, que implica que le falta conciencia de su propia enfermedad. Este daño neurológico ha disminuido en los últimos años, pero sin desaparecer. Una neuropsicóloga indica a El País que es «un proceso muy lento, no sabemos hasta dónde llegará su evolución».

Respecto al futuro, el grupo se muestra prudente, aunque El Chino está seguro de que algún día habrá nuevo disco. Y eso que no recuerda nada de lo que ocurrió durante los años previos al accidente. “No sé lo que es subirme a un escenario”, llega a afirmar, sonriendo al revelar que solo a través de Youtube o lo que le han contado.

Nemo, favorito a ganar Eurovisión con su ópera-rap ‘The Code’

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A falta de poco más de un mes para Eurovisión 2024, ya conocemos todas las candidaturas de la próxima edición del certamen europeo. Y, como viene siendo costumbre, las casas de apuestas empiezan a dictar a los principales favoritos. A 1 de abril de 2024, es Nemo, representante de Suiza, el favorito a ganar el Festival con ‘The Code’.

Pero ¿qué hace tan especial su candidatura? Estamos ante una canción que bebe de dos grandes géneros para ofrecer una propuesta absolutamente original en el escenario de Malmö. Combinando la ópera con el rap, Nemo se aleja de los clichés pop eurovisivos y se sumerge en un adictivo tema que no puedes decir haber escuchado antes.

Siendo consciente del viaje que supone ‘The Code’, Nemo te da la bienvenida «al espectáculo» desde el primer verso. «Que todos se enteren de que ya he dejado de jugar, me libraré de mis cadenas», canta el artista. Desde ese momento, la canción cambia constantemente de ritmo para intercalar sonidos y dar cabida tanto a la ópera más épica como al rap más inesperado.

«‘The Code’ trata del proceso que inicié al darme cuenta de que no soy ni hombre ni mujer. Encontrarme a mí mismo ha sido un camino lento y a menudo difícil. Pero nada me hace sentir mejor que la libertad que he ganado al darme cuenta de que soy no binario», confiesa Nemo a OGAE Greece sobre su candidatura.

El artista reconoce que «es un honor increíble poder representar a Suiza en el Festival de Eurovisión». «Esta plataforma ofrece una enorme oportunidad de tender puentes entre diferentes culturas y generaciones. Por eso es muy importante para mí, como persona de género no binario, defender a toda la comunidad LGBTQIA+», cuenta Nemo.

Aunque todavía no se sabe nada sobre su puesta en escena, ‘The Code’ logra impactar lo suficiente como para no necesitar de un vestido gigante que cambie de color (Estonia en 2018) o pecar de aburrida por su sencillez (Alemania en 2022). Si Nemo juega bien sus cartas sobre el escenario, ¿estaremos ante la persona que coja el relevo de Loreen y su exitoso ‘Tattoo’?

Shakira entiende que sus hijos odiaran ‘Barbie’

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Jaume de Laiguana

Shakira acaba de publicar ‘Las Mujeres Ya No Lloran’, su duodécimo álbum de estudio. Y, en plena promoción del nuevo disco, la artista ha concedido una entrevista a Allure en la que se ha pronunciado sobre feminismo y ha desvelado algunas claves de su recién lanzado nuevo trabajo.

«Hacer este álbum ha sido una experiencia en la que he renacido como mujer. Me he reconstruido a mí misma de la forma que me parece adecuada. Nadie me dice cómo o cuándo llorar, nadie me dice cómo criar a mis hijos, nadie me dice cómo convertirme en una mejor versión de mí misma. Eso lo decido yo», confiesa Shakira.

Desde el lanzamiento de ‘Bzrp Music Sessions, Vol. 53’, que le valió a la cantante el Latin Grammy a la Canción del Año, Shakira ha optado por dar un mensaje de empoderamiento femenino. De ahí el título de su último trabajo discográfico, ‘Las Mujeres Ya No Lloran’. «En el pasado, cuando una mujer atravesaba una situación difícil, se esperaba que cuidara sus modales, que ocultara el dolor, que llorara en silencio. Eso se acabó. Ya nadie nos va a controlar. Nadie nos va a decir cómo tenemos que curarnos, cómo tenemos que sanar nuestras heridas».

Sin embargo, parece que la cantante no está del todo de acuerdo con una de las películas más feministas del año pasado, ‘Barbie’. «Mis hijos la odiaron. Les parecía castrante. Y estoy de acuerdo, hasta cierto punto. Estoy criando a dos niños. Quiero que ellos también se sientan poderosos a la misma vez que respetan a las mujeres», dice Shakira sobre la cinta. «Me gusta la cultura pop cuando intenta empoderar a las mujeres sin negarle a los hombres la posibilidad de ser hombres, de proteger y cuidar también», continúa.

«Pienso que hay que dar a las mujeres la confianza de que podemos hacerlo todo sin perder nuestra esencia, sin perder nuestra feminidad. Creo que los hombres tienen un propósito en la sociedad y las mujeres también. Nos complementamos, y eso no debe perderse». Para Shakira, «esperar que los hombres se comporten como hombres» no traiciona su feminismo.

Shakira publicó ‘Las Mujeres Ya No Lloran’ el 22 de marzo, un disco de hasta 17 de canciones en el que incluye temas como ‘Te Felicito’ con Rauw Alejandro, ‘TQG’ con Karol G o ‘Puntería’ con Cardi B. Para celebrar el lanzamiento ofreció un concierto gratuito en el Times Square.

Mark Ronson no aparecerá en el biopic de Amy Winehouse

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Se continúan sabiendo más detalles de ‘Back to Black’, la película sobre la vida de Amy Winehouse cuyo estreno en cines es inminente. Protagonizada por Marisa Abela, llegará a la cartelera de Reino Unido el próximo 12 de abril bajo la dirección de Sam Taylor-Johnson y el guion de Matt Greenhalgh. Sin embargo, una revelación parece no haber gustado a sus posibles futuros espectadores: Mark Ronson no aparecerá en la película.

A pesar de que es el principal productor de su disco ‘Back to Black’, del cual el filme toma precisamente su título, se ha decidido omitir por completo la inclusión del personaje de Mark Ronson en la película. La confirmación se produce después de que el actor canadiense Jeff Tunke le dijera a The Daily Mail que todas sus escenas filmadas interpretándolo habían sido eliminadas.

Asimismo, Jeff Tunke asegura que las escenas recortadas lo han hecho ser eliminado de los créditos de ‘Back to Black’. Las declaraciones han llevado a Sam Taylor-Johnson a tener que responder públicamente a través de un portavoz: «El personaje de Mark Ronson nunca ha aparecido en la pantalla de la película, por lo que no habría sido posible ‘recortar todas las escenas’ que involucran a Mark Ronson puesto que no existen».

Aunque Ronson no está involucrado con la producción de la película, confesó a principios de este año que había leído el guion: «Lo único que sé de ‘Back to Black’ es que conozco a Sam bastante bien y, leyendo el guion, creo que lo ha hecho genial. Me hizo recordar el humor de Winehouse y lo captó muy bien. Ella tenía un gran sentido del humor, uno de sus muchos dones, y la película ha sabido captar eso. Estoy deseando verla».

‘El Sucesor’: si te estoy haciendo daño, lo aprendí de ti

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“Por qué deberías ver ‘El Sucesor’”, podríamos haber titulado este artículo, o más bien “por qué deberías ver ‘El Sucesor’ y no leer nada sobre ella antes de entrar en la sala”. Lo cual incluiría esta reseña, sí. Pero voy a intentar no estropearte nada. Comencemos por el principio, porque el primer cortometraje de Xavier Legrand, ‘Avant que de tout perdre‘, fue nominado al Oscar y le valió su primer César. Su salto al largo con ‘Custodia compartida (‘Jusqu’à la garde)’ no decepcionó, llevándose los premios a Mejor Dirección y Mejor Ópera Prima en Venecia, y cuatro César, incluyendo el de Mejor Película. Pero Legrand se ha tomado su tiempo para volver: ‘El Sucesor’, su segunda incursión en el largometraje, nos llega 7 años después. Y, si su intención era asegurarse de impactar para no sufrir ningún “síndrome de la segunda película”, se puede decir que lo consigue.

‘El Sucesor’, coescrita con Dominick Parenteau-Lebeuf, es una adaptación de la novela de Alexandre Postel ‘L’Ascendant‘. Nos presenta a Ellias Barnès, un diseñador que acaba de ser nombrado director artístico de una reputadísima firma francesa, y que celebra este triunfo pero a la vez lo sufre, con ansiedad y pequeños “sustos” en forma de dolores en el pecho que le recuerdan que su corazón no está muy allá, algo que parece haber heredado de su padre. Pero no es el único recuerdo de su progenitor: coincidiendo con este dulce momento profesional, le comunican que su padre ha muerto, y que debe coger un avión y cruzarse el océano hasta Montreal para encargarse de las gestiones del funeral. La cosa es que hacía décadas que no se hablaba con él.

Una vez allí, y debido a la mala relación que tenían y a que al fallecido no le iban a dar el premio a Padre del Año precisamente, Ellias tiene intención de despacharlo todo lo más rápido posible y volver a París, organizando incluso una jornada de puertas abiertas en la casa de su padre para que gente necesitada se vaya llevando todo lo que ha heredado. En mitad de todo esto, aparecen diversos vecinos, entre ellos el mejor amigo de su padre, y las historias bonitas que le cuenta sobre él no casan con los recuerdos que tiene Ellias. Hasta aquí, podríamos estar hablando de un melodrama familiar, con un lindo relato de reconciliación… pero aquí es donde se inicia la locura que es ‘El Sucesor’ y que, como sugiere su título, tiene mucho que ver con la herencia, pero no la económica.

Porque heredamos en el sentido genético pero también en cuanto al aprendizaje durante la infancia y adolescencia, y en la herencia entra lo bueno que pueden tener nuestros padres, pero también lo malo. “Cuando hablamos de los lazos de sangre, está claro que ese concepto lleva implícito un condena, no los puedes borrar, tienes que asumirlos. Cuando alguien nos ata de manera inevitable a la violencia, a la monstruosidad, a la dominación, ¿cómo haces para construirte a ti mismo?”, reflexionaba Legrand recientemente en una entrevista para La Razón, donde añadía que “todo el mundo tiene capacidad para dejarse llevar por la oscuridad, por las sombras, por la violencia, algunos lo eligen y otros no. Y dentro de la gente que lo elige, hay quien consigue esconderlo”.

Además de esta herencia de padres a hijos, ¿tenemos los hombres una especie de “herencia” ancestral respecto a nuestro papel en la sociedad y en la violencia que se ejerce? ‘El Sucesor’ se hace también esta pregunta, pero no te creas que se organiza aquí ningún simposio: más bien se trata de un espectáculo que puede recordar a Lanthimos, Haneke o al punto juguetón de Brian de Palma, un thriller mamarracho que incluye grandes dosis de comedia negra mientras Legrand dice haberse inspirado en la tragedia griega. El desfile con el que abre la película guarda un pequeño guiño sobre lo que vamos a acabar viendo, y la verdad es que la atmósfera gélida del mundo de la moda (al principio es inevitable acordarse de ‘The Neon Demon‘) y de la rigidez de su protagonista rema totalmente a favor de la obra.

Esta rigidez tan frágil está representada de manera excepcional por Marc-André Grondin, que debería haberse llevado el premio a mejor actor en el Festival de San Sebastián (‘El Sucesor’ formó parte de la Sección Oficial este pasado 2023 y fue una de nuestras preferidas, como comentamos en la crónica). Si te suena Grondin probablemente sea porque en su día te flipó ‘C.R.A.Z.Y.‘, la película con la que Jean-Marc Vallée (‘Big Little Lies’, ‘Sharp Objects’) dio el salto internacional, y donde el actor daba vida a aquel adolescente. En este sentido, ‘El Sucesor’ es una especie de “what if” turbio con ese padre y ese chaval, y Grondin se marca una interpretación dificilísima en la que consigue esquivar la autoparodia. En definitiva, ‘El Sucesor’ confirma que la carrera de Xavier Legrand hay que seguirla de cerca, que el gran público puede acercarse al llamado “cine de autor” sin miedo a quedarse dormido, y que, a veces, un relato divertido y mamarracho es una manera estupenda para reflexionar sobre cualquier tema, por serio que sea.

El rodeo de Vampire Weekend en ‘Classical’ tiene trasfondo político

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El nuevo disco de Vampire Weekend sale ya este viernes 5 de abril. Se llama ‘Only God Was Above Us’ y los 4 adelantos muestran a la banda en un estado de forma excelente. Esta semana hemos conocido el último ‘Mary Boone’, ‘Gen-X Cops’ puso el punto rockero y ‘Capricorn‘, con un piano precioso y unos bonitos arreglos de cuerda, simplemente es una de las mejores canciones de su carrera.

También lo es ‘Classical’, nuestra Canción del Día hoy. Si en singles anteriores, Vampire Weekend se habían inspirado en el Nueva York del siglo XX, en esta parecen irse de rodeo a merced de esa alegre lluvia de cuerdas que ejerce de estribillo instrumental.

La visita de la banda al mundo cowboy está llena de matices y torsiones, bajo la producción habitual de Ariel Rechtshaid. Asistimos a un inicio retorcido, incluso próximo a los territorios de Fatboy Slim, y después, a una esquizofrénica sesión de vientos de corte jazz. Muestra de una producción compleja a la que atender con cuidado.

Vampire Weekend están reflexionando en ‘Classical’ sobre la versión de la historia que predomina con el tiempo, sobre cómo «la crueldad se convierte en clásico». En un mundo en que «los puentes arden» y «los cuerpos se destrozan», el grupo se pregunta qué «clásico» permanecerá.

Siendo la primera línea del tema «en tiempos de guerra, la gente que ha recibido educación siempre sabrá qué hacer», parecen reflexionar sobre los privilegios y las oportunidades, consciente o inconscientemente luchando contra esa fama de hipsters de Brooklyn que siempre persiguió al grupo. Esta es otra victoria en su carrera, y van unas cuantas 16 años después de su celebrado debut.

Lo mejor del mes:

Empress Of / For Your Consideration

Empress Of no es tan famosa como Rosalía, ni tan mediática como Harry Styles, ni tiene el ejército de fans organizados de Kali Uchis. Y sin embargo, ella también está escribiendo una de las páginas más interesantes del pop actual. Especialmente desde que publicara aquel ‘Me’ que contenía la fundamental ‘How Do You Do It’. Ha tenido sus tropiezos, ha dado pasos en falso, cada uno de sus discos no ha sido una tremenda victoria. Por eso es una alegría aún mayor que su nuevo disco, el cuarto ya, sea el mejor de toda su carrera.

‘For Your Consideration’ parte de una ruptura. Lorely Rodriguez estaba saliendo con un director de cine, que un buen día la dejó porque «no estaba disponible emocionalmente». El día siguiente de recibir tan extraña explicación, Empress Of se enteró de que él empezaba tranquilamente su campaña para los Oscar con un mailing llamado «For Your Consideration». Dolida por que su ilusión estuviera en otro lado en lugar de junto a ella, comenzó a hacer canciones evitando hacer un disco post-ruptura porque ‘I’m Your Empress Of‘ ya había sido eso mismo. Este es más bien un álbum que se plantea qué espera la artista de una pareja, al tiempo que se reencuentra con su sexualidad.

De hecho, estamos ante un disco bastante divertido, con sus momentos melancólicos, sí, como la preciosa melodía de ‘Kiss Me’ junto a Rina Sawayama, a piano, pero también tan chanantes como ‘Femenine’. En castellano tenemos la suerte de que «quiero un hombre femenine» rime con «que me cocine» y «que me lleve al cine», pero solo Empress Of se ha dado cuenta. Como Rosalía en ‘MOTOMAMI’, Empress Of hace funcionar estos momentos un tanto «cheesy» con producciones excelentes que en sus puntos más creativos suenan influidas por Björk (las voces del tema titular) o M.I.A.

La artista se beneficia de sus orígenes latinos (su padre es un músico de Honduras) para integrar las diferentes influencias con plena naturalidad. Del medio tiempo acústico medio R&B ‘Baby Boy’ pasamos a la gran cumbre del álbum que supone la grabación junto a MUNA justo llamada ‘What’s Love’. ‘For Your Consideration’ es un disco constantemente en Spanglish con un gran carácter rítmico, muy ágil, puntualmente amparado en lo que podríamos llamar post-reggaeton. ‘Preciosa’ y ‘Fácil’ no son canciones estrictamente pertenecientes al género, sino beneficiadas por sus potentes beats.

Después, tampoco se queda ahí. Si ella misma considera a su colega Nick León responsable de un «reggaeton futurista» (con él ha hecho ‘Cura’ y ‘Preciosa’), con Casey MQ ha hecho la medio salsera ‘What Type of Girl Am I’. Específicamente ha querido trabajar con Kyle Shearer por su obra junto a Carly Rae Jepsen y Caroline Polachek. A Hot Chip recuerda la electrónica de ‘Lorelei’ en ese caso junto a Billboard… Y por mucho que Empress Of se deshaga en elogios hacia la factura pop que ha alcanzado esta vez junto a su equipo (completado con Valley Girls, Cecile Believe y Umru), todos ellos aparecen al servicio de su escritura, de su personalidad, de sus necesidades como autora esta vez. La cantante de Los Ángeles, la ciudad de los sueños frustrados, está cada vez más cerca finalmente de hacerlos realidad. Ver portada del disco.

Róisín Murphy dice que su polémica transfóbica no fue para tanto

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Róisín Murphy ha concedido una entrevista a France 24 English en la que habla sobre la polémica que embarró la campaña de su último disco, ‘Hit Parade’. En aquel momento, la cantante fue acusada de transfóbica por pronunciarse en contra de los bloqueadores hormonales en personas trans, cuando se han utilizando durante décadas en niños cis.

En el minuto 11.30 de la entrevista, quita hierro al asunto, diciendo que no fue para tanto y no la afectó en nada. Lejos de disculparse con la comunidad LGTB+, Murphy va más allá: “No fue tan mal, la verdad. Internet no estuvo tan mal. No recibí amenazas de muerte ni nada por el estilo. Obtuve mucho apoyo. Tres o cuatro personas me pidieron que les devolviera las entradas. Así que no fue tan terrible”.

Continúa diciendo, sin que la presentadora apele directamente a las personas trans o a la polémica de manera concreta: “No creo que lo que dije fuera visto como algo enormemente difícil de comprender, al menos para la gente que sabe de dónde vengo. Así que sigo aquí, haciendo el mejor tour de mi vida, creo”.

Podcast: ¿hemos cancelado a Róisín Murphy?

Vetusta Morla presentan nuevo show y se coronan como lo mejor de SanSan

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Daniel Cruz

Las terceras jornadas siempre son las más complicadas. En este caso, coincidió con la llegada del mal tiempo y con el cambio de hora, que a la hora de escribir una crónica siempre es un inconveniente. Para equilibrar la balanza, también se dieron los mejores conciertos del festival, que fueron presenciados por otras 22.500 personas, llegando a las 66.000 personas a lo largo de tres días y consiguiendo un récord de asistencia en la historia de SanSan.

Iván Ferreiro inauguró la velada presentando ‘Trinchera Pop’ y cerró el círculo que empezó su hijo, Andrés Ferreiro, el viernes con Querido. ¿Cuándo ha sido la última vez que padre e hijo comparten cartel de festival? Sin embargo, en cuanto a cantautores se refiere, la palma se la llevó Travis Birds. La artista madrileña se enfrentó a un público nuevo que supo ganarse poco a poco hasta tenerlo en el bote. Abriendo con ‘A Veces Sueño’, enseguida se pudo apreciar la diferencia entre el directo y las canciones de estudio. En vivo cada tema es una celebración, acentuada con una banda que quita el hipo, especialmente la trompeta y la guitarra eléctrica, y con un sonido magistral. Travis no tardó en ponerse con los temas de su último disco, ‘Perro Deseo’, desvelando que sus directos son mucho más cañeros y movidos de lo que uno se puede esperar.

Javier Bragado

‘Cada Minuto’ es todo un fiestón y ‘Grillos’ se alarga hasta que tu corazón se funde por completo. Ella, si no está bailando de un lado al otro del escenario, está ocupada tocando la guitarra. No parece que el público se sepa las canciones, pero están muy metidos en el concierto. En un momento dado, Travis lo reconoce: “Estáis inspirados”. El set se pasa demasiado rápido, con apenas una hora de duración. “Que rápido pasan los momentazos”, se lamenta la madrileña. Y nosotros con ella.

Para momentazo, el de Ginebras rememorando su SanSan de hace dos años, en el que, al parecer, reventaron la carpa. “Fue el mejor concierto de nuestra vida y jamás vamos a olvidarlo, pedisteis escenario principal y aquí estamos”, soltó Magüi emocionada. Una parte del exitazo de Ginebras radica en el buen rollo que desprenden todas, derivado del hecho de ser chicas normales y naturales. A veces esa es la clave. No hay más que ver sus conversaciones improvisadas en el escenario o el comentario de Sandra después del discurso de Magüi: “Pensaba que el mejor regalo de mi vida era la Switch, hasta ahora”. Desde el momento en el que irrumpen en el escenario, la energía se contagia. Lo saben, y por eso lanzan confeti en el primerísimo tema, ‘Alex Turner’.

Este año compitieron con Emlan por el set de escenario más divertido. Ellas, con su ya mítica montaña rusa. “Hemos convertido el SanSan en un parque de atracciones”, dijeron aludiendo a la noria del recinto. El artista de pop punk catalán lo convirtió en una rampa de skate funcional que se utilizó durante toda la actuación. Sin embargo, en cuanto a canciones, las de Ginebras fueron menos empalagosas. Estas desplegaron su tracklist habitual, destacando ‘Con altura’, que cada vez la versionan mejor, y ‘Muchas gracias por venir’, en la que Magüi puso repetidas veces cara de flipar al ver todos los móviles del público encendidos. Así lo explicó: “Vivimos cada momento como si fuera lo más grande que hemos hecho”.

Javier Bragado

Si saqué algo de los buses de ida y vuelta al recinto de SanSan, es que Arde Bogotá era de las bandas más esperadas de todo el cartel. No había viaje de vuelta en el que alguien no cantase ‘Qué Vida Tan Dura’. En el momento de la verdad, todo esto se demostró de manera considerable. La mencionada, ‘La Salvación’ y ‘Virtud y Castigo’ protagonizaron algunos de los instantes colectivos más masivos de la edición. En esta última, los chicos se bañaron totalmente en los coros de los asistentes, alargando el final de la canción todo lo que pudieron. El público está totalmente entregado a los de Cartagena y lo hacen notar. La música es un rock robusto y contundente, mientras que el vocalista, Antonio García, tiene la presencia y actitud de un Alex Turner hiperactivo. Nadie diría que hasta hace poco era abogado en un despacho. En cuanto a la experiencia del concierto, se disfruta más si conoces las canciones. A nadie le gusta quedarse fuera de este tipo de experiencias comunitarias. En cambio, con Vetusta Morla, esto no es necesario.

El mítico grupo madrileño estaba de estreno, de show y de gira. El nuevo escenario es un portento técnico que entra directamente por los ojos. Circunferencias en cuadrículas y decenas de luces adornando el techo y el borde. En esta nueva etapa, siguen apostando por el espectáculo visual. Sin embargo, es con el apartado sonoro con el que Vetusta Morla se coronan como el mejor grupo de SanSan 2024. ‘Puentes’ abre el set y continúa con un abrasivo y atronador sonido electrónico, en el mejor de los sentidos. Todo esto, juntado con los esperpénticos bailes de Pucho, hace que no puedas despegar los ojos del escenario. Sus movimientos son una mezcla entre lo tribal y una lombriz, muy expresivos. En ‘Consejo de Sabios’, imita el aleteo de un pájaro. Si el de Arde Bogotá era hiperactivo, Pucho directamente no tiene la capacidad de parar. A veces, desaparece del escenario. No te queda otra que quedarte con la boca abierta.

Patry Martin

‘Catedrales’ y ‘La Sábana de mis Fantasmas’ suenan deliciosas en directo, al igual que los clásicos. Me encanta que ‘Copenhague’ siempre suene en la primera mitad del concierto, teniendo en cuenta el inmenso himno en el que se ha convertido. Los fans del primer disco encontrarán sorpresas, con versiones más intrincadas, sin llegar a la complicación, de canciones como ‘Sálvese Quien Pueda’ o ‘Valiente’. Siendo Vetusta Morla, es casi imposible no saberse ninguna canción. Aun así, seguiría siendo un concierto imperdible en cualquier festival. Es toda una experiencia que culmina con la majestuosidad de ‘Los Días Raros’, que también se encargó de despedir la décima edición de SanSan. No hay mejor final posible.

Tinashe hace malabares emocionales en ‘Tightrope’

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Tinashe sigue presentando su minidisco ‘BB/ANG3L‘ y, en las últimas semanas, lo ha promocionado de diversas maneras, por ejemplo, a través de una performance de 20 minutos coreografiada, ‘The BB/ANG3L Experience’, estrenada Youtube el pasado mes de febrero, o a través de un directo de Vevo en el que ha cantado el último corte del disco, ‘Tightrope’.

‘Tightrope’ es justamente el primer tema que Tinashe interpreta en ‘The BB/ANG3L Experience’. Claramente le está dando un trato especial, de single. Y lo merece, pues es uno de esos temas de ‘BB/ANG3L’ que se han ido creciendo con el paso de los meses.

‘Tightrope’ es la mejor producción drum’ n bass de ‘BB/ANG3L’. Por un lado, Tinashe acaricia la melodía con la gracia que le caracteriza. Por el otro, Machinedrum firma una base envolvente y rítmica que haría llorar a PinkPantheress, fresca como la menta.

En ‘Tightrope’, Tinashe utiliza la metáfora de la «cuerda de equilibrista» para describir su propio «desequilibrio» emocional. Tinashe sale de una relación tóxica y necesita una «ruta de escape». Sus sentimientos devanean entre la «nostalgia» por las buenas experiencias vividas, y la necesidad de sanar de las malas. Seguro que conducir su «Tesla» por Los Ángeles ayuda.

Y cuando Tinashe canta «he escrito una canción sobre ti, la estoy escuchando sin parar», solo se puede estar refiriendo a esta canción, en un momento meta y de pura reafirmación: es imposible no escuchar ‘Tightrope’ en «replay».

Por cierto, Machinedrum acaba de lanzar nuevo single con Tinashe, ‘Zoom’, en un estilo parecido al de ‘Tightrope’ aunque con un enfoque mayor en la pista de baile. En ‘Zoom’, la voz de Tinashe hipnotiza como si fuera un péndulo de hipnosis.


Sobredosis de nostalgia: La Oreja de Van Gogh y Amaral toman SanSan

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Ainhoa Laucirica

Como ya hemos visto con los 500 Wizinks de Dani Martín, la nostalgia es algo muy poderoso. La organización de SanSan lo tenía claro, programando a La Oreja de Van Gogh y a Amaral de forma consecutiva. De esta manera, la segunda jornada del festival recibió a 22.500 personas, completando el aforo total del recinto y superando al primer día.

Tanto La Oreja como Amaral llevan alrededor de 25 años subiéndose a los escenarios y regalándonos una colección de canciones que nos acompañarán para siempre. No solo a los que les han seguido desde el principio, sino también a todas las generaciones que vinieron después. Son dos de los grupos que más han vendido en la historia de este país. Además, la casualidad también ha hecho que el concierto de SanSan fuese el primero de sus respectivas giras. Eva Amaral explicaba perfectamente la relación que tienen con la banda de San Sebastián: “Nos hace mucha ilusión tocar con ellos esta noche porque llevamos muchos años coincidiendo y son compañeros excelentes. Hemos sobrevivido a mucho ruido”.

Javier Bragado

Desde el primer acorde, el público de Benicàssim ya estaba reviviendo sus mejores años. La Oreja comenzó el set con ‘Cuídate’, ante los gritos de euforia de una audiencia masiva. Nivel: no hay internet. A esta le siguieron ‘El Último Vals’, ‘Diciembre’ e ‘Inmortal’, con la que absolutamente todo el mundo se dejó la voz. Tras estas, de forma consecutiva, ‘Soledad’, ‘Rosas’ y ‘Cometas por el cielo’. En concreto, ‘Rosas’ convirtió el SanSan en un mar de móviles y la banda dejó que el público se encargase él solo del último estribillo. Los pelos como escarpias. Claro, en este punto uno se empieza a preguntar: “¿Cuál será el temazo que dejarán para el final?”, porque parecía que no se estaban reservando nada. Los vascos tienen muchos más clásicos de los que recordabas.

“Hemos visto crecer este festival desde la primera edición, en la que también estábamos”. Eva, guitarra en mano y con un vestido rojo imperial, demuestra en los primeros segundos que ellos tampoco se quedan atrás en cuanto a temazos. ‘Sin ti no soy nada’, ‘Mares igual que tú’, ‘Días de Verano’ y ‘Toda la noche en la calle’ se sucedieron ante un mar de gente que debe ser de los más grandes que se han visto en la historia del festival. Da gusto ver a Eva pasárselo como una niña en el escenario, bailando de aquí para allá y dejándose llevar por la música de su (y nuestra) vida. Todavía más gusto da escuchar el vozarrón que mantiene intacto después de todos estos años. Los aragoneses sí que reservaron la artillería fuerte para el final del set y en su lugar decidieron hacer un repaso extenso de toda su carrera. Desde su primer disco, con la cañera ‘No sé que hacer con mi vida’, hasta lo más reciente, con ‘Nuestro Tiempo’.

Patry Martin

Eva se mostró mucho más habladora (con sustancia) y carismática que Leire, que se limitó a disfrutar del baño de masas con una sonrisa permanente, y de vez en cuando tenía cosas que decir: “De llamarme niñata, enseguida pasaron a llamarme señora mayor, como si fuera un insulto, pero yo estoy orgullosa de ser una señora mayor”, soltó antes de recibir el vitoreo del público. También le dedicó unas palabras a Nicolas Cage antes de ‘Moriría por vos’: “Molaría que se enterase de que hay unos españolitos que llevan 20 años gritando su nombre”.

Otra diferencia notable entre ambos conciertos fue el sonido. Mientras que el de Amaral no era nada menos que excelente, con los instrumentos y la voz perfectamente diferenciados, La Oreja sufrió de un cambio repentino en el volumen del micro. Desde ‘La niña que llora en tus fiestas’ hasta el final del set, se escuchaban quejas continuas alrededor mío: “Que suban el volumen, mira que es fácil”. En canciones como ‘La Playa’ o ‘Puedes contar conmigo’, se oía más al público que a Leire, aunque creo que tenía más que ver con la euforia colectiva que con un volumen defectuoso.

Entonces, ¿quién ganó la batalla de la nostalgia? No tiene sentido decidir. Los de San Sebastián terminaron con ‘Pop’, ‘Muñeca de trapo’, que incluyó un espectacular e inesperado solo de theremín, y ’20 de Enero’. Por otro lado, ‘Resurrección’, ‘Kamikaze’, ‘Revolución’, ‘Marta, Sebas, Guille y los demás’ y ‘El universo sobre mí’ dieron fin al set de Amaral. El público coreó el nombre de ambas cantantes por igual. Son dos bandas que han dejado una marca imborrable tanto en la historia del pop español como en la vida de millones de personas. Estas melodías hace ya mucho que no les pertenecen. Me sorprendió el número de banderas de España que ondearon durante ambos conciertos, lo cual no había ocurrido, ni creo que vuelva a ocurrir, en todo el festival. Me parece bien. Amaral y La Oreja de Van Gogh sí son España.

Patry Martin

Después de casi tres horas de nostalgia concentrada, la jornada continuó su curso. Veintiuno resistieron a la atracción de Amaral y consiguieron reunir un buen número de gente en el escenario SeeTickets, pero hacía falta algo más contundente para mantener el nivel de la jornada. La clave era algo que fuese todo lo contrario a estos dos grupos. La respuesta era La Élite.

Nil Roig y David Burgués (un apellido muy irónico) son especialistas en ofrecer el concierto más random de cada festival. Al mismo tiempo, siempre consiguen que te lo pases como en ninguno. Sus conciertos son el reflejo perfecto de la música que hacen. Burgués no para de lanzar perlitas: “Quien NO haya estado en el concierto de Amaral que se pire” o “Llevarle unos porros a Don Carlos, nuestro técnico de sonido”. No es que se generasen pogos continuos, es que había un gran pogo permanente y simplemente estabas o no. En un momento dado, Burgués se atrevió con una versión improvisada de ‘Tu calorro’, y la verdad es que no sonaba nada mal. Las risas pueden dejar en un segundo plano a la música, pero temas como ‘Nuit Folle’, ‘Bailando’, ‘Vampireando’ o ‘Transpotting’ son dignos de disfrutar en directo. La Élite siguen siendo la mejor opción alternativa (de verdad) de cualquier festival.

Ainhoa Laucirica

“Es la primera vez que estoy en un escenario tan grande, estoy cagada y no tenemos luces ni tenemos nada”, sentenció Rocío Saiz al comenzar su set. Lo que da gusto de Saiz es que siempre es ella misma y no se calla una. Al parecer, hubo un problema con los visuals y no pudieron reproducirse. “El show iba a empezar con un mensaje: el arte tiene la intención de provocar”, sacándole los colores, amistosamente, a la organización. Saiz hizo de todo menos parar a tomar aire. “Como estoy nerviosa, me voy con mi gente”. Rocío se bajó con el público, pero no al foso, sino directamente a la pista. En la segunda canción. Solo me puedo imaginar el dolor de cabeza de los fotógrafos mientras la intentaban buscar, pero es que ni siquiera nosotros sabíamos donde estaba. Solo la escuchábamos. De repente, apareció en lo más alto de la zona VIP. Al regresar al escenario, realizó un mix entre su último disco y el anterior, con temas como ‘El Hartazgo del Mundo’, ‘Si me muero te habré dicho que te quiero’, ‘Guapa y lista’ o ‘1N84’, su colaboración con Nebulossa. Con su caótico, pero auténtico discurso, Rocío Saiz despidió la segunda noche de SanSan.

Lizzo dice que deja la música

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Lizzo ha dicho que «deja» la música, o eso ha dado a entender en una publicación de Instagram en la que ha lamentado el trato denigrante que dice sufrir continuamente de personas tanto de internet como de su propio entorno.

«Estoy cansada de que la gente en mi vida y en internet no pare de machacarme», ha escrito. «Solo quiero hacer música y hacer feliz a la gente y ayudar a que el mundo sea un poco mejor de lo que lo encontré. Pero estoy empezando a pensar que el mundo no quiere que yo pertenezca a él». Lizzo asegura que «constantemente me enfrento a que se digan mentiras sobre mí para ganar capital social y visitas, o a que se hagan bromas a costa de mi aspecto, o a que gente que no me conoce de nada me falte el respeto», y añade que ella «no ha firmado» para que esto suceda. Finalmente, en mayúsculas escribe: «LO DEJO».

Un repaso a las recientes publicaciones de Lizzo en Instagram revela que la artista recibe de manera continuada mensajes denigrantes sobre su cuerpo.

Varios artistas y celebridades han transmitido su apoyo a Lizzo en Instagram, entre ellos, Owen Pallett, quien le ha dicho que es «un rayo de luz». También Queen Latifah y Paris Hilton han mandado ánimos.

Recientemente, Lizzo ha sido acusada de acoso sexual, bullying y otro tipo de abusos por tres bailarinas que han participado en sus giras. Ella ha negado las acusaciones tildándolas de «falsas». Desde las acusaciones, Lizzo ha mantenido un perfil público bajo. Su último single, ‘Pink’, es el tema que abre la banda sonora de ‘Barbie’.

Olly Alexander y Megara piden un alto al fuego en Gaza

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Olly Alexander, Megara y otros siete artistas que concursarán en Eurovisión este año han firmado un comunicado conjunto pidiendo el alto al fuego en Gaza.

En el texto, los artistas firmantes afirman que no pueden quedarse en silencio «a la luz de la situación actual en los territorios ocupados, particularmente en Gaza, y en Israel, y transmiten su «solidaridad» con aquellos que están «oprimidos» y su «deseo más sincero» de paz y de un «alto al fuego inmediato y duradero», además del «regreso seguro de todos los rehenes».

En el comunicado, los artistas expresan su oposición «a todas las formas de odio, incluido el antisemitismo y la islamofobia.

«Creemos firmemente en el poder unificador de la música, que permite a las personas superar sus diferencias y fomentar conversaciones y encuentros fructíferos», sigue el comunicado. «Creemos que es nuestro deber crear y mantener este espacio, con la profunda esperanza de que pueda generar más compasión y empatía».

Además de los representantes de Reino Unido (Olly) y San Marino (el grupo español Megara), firman el texto Bambie Thug (Irlanda), Gate (Noruega), Iolanda (Portugal), Saba (Dinamarca), Sylvester Belt (Lituania) y Windows95Man (Finlandia).

Olly Alexander, por su cuenta, ha respondido a la carta que ha recibido de Queers for Palestine pidiéndole su retirada del concurso. Alexander ha respondido que «retirarme del concurso no nos llevaría más cerca de nuestro objetivo», y que ha optado por unirse a sus compañeros de certamen para «pedir paz» de manera conjunta.

Bad Gyal y Mushkaa se hermanan en ‘SexeSexy’

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Mushkaa ha publicado ‘SexeSexy’, el tema de su mixtape ‘SexySensible‘ que hasta este momento no se podía escuchar. Se trata de un tema cantado a dueto con su hermana, Bad Gyal, en una colaboración que se veía venir más o menos, por la que la prensa ha estado preguntando a Bad Gyal durante la promoción de su disco ‘La joia‘, pero que ella no había confirmado.

‘SexeSexy’ une a Mushkaa y Bad Gyal en un base de sonido afrobeat producido por Bexnil, mano derecha de Mushkaa en su primer lanzamiento. Cada una se dedica a cantar sobre sus experiencias sexuales: Mushkaa tiene a su chica «romantizada, encima de mí desatada», mientras Bad Gyal se entretiene haciendo «juegos de roles» y «cositas frikis, cositas raras».

Estas últimas frases, Bad Gyal las canta en catalán, y no ha sido tan habitual en los últimos años escuchar a Alba Farelo cantar en este idioma. Ella, por supuesto, lo lleva a su terreno mezclando catalán e inglés cuando canta cosas como «Em poso maluca amb el teu flow, bad boy». Después firma la canción anunciando que «la pussy que mana» se junta con «la germana». El videoclip se ha rodado en Vilassar de Mar, lugar de nacimiento de las hermanas. Todo queda en casa.