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Future & Metro Boomin / WE DON’T TRUST YOU

Tras toda una década cimentándose como uno de los duos más icónicos del trap estadounidense, Future y Metro Boomin nos regalan su primer álbum conjunto. Aunque ambos hacen lo que mejor saben hacer, es una pena que ya lo hayamos visto casi todo antes. La única novedad es el odio a Drake. Bases cambiantes y cinemáticas, versos sobre tomar más pastillas que un enfermo, colaboraciones de alto nivel (Travis Scott, Playboi Carti, Kendrick Lamar…) y una extensa lista de canciones. En pocas palabras, la mitad son temazos y la otra mitad nunca los recordarás.

Metro hace lo suyo, en momentos concretos con sobresaliente, hasta el punto de casi cargar en su espalda todo el disco. El build up de ‘Type Shit’, el imaginativo y potentísimo beat de ‘Like That’ o el sample old school de ‘Everyday Hustle’ son claros momentazos. Por otro lado, Future sigue en piloto automático. Es un experto en sonar super cool diga lo que diga, pero eso no quita que sus versos entren por un oído y salgan directamente por el otro de la poca sustancia que tienen. A veces, hay frases que se quedan, pero no por buenas (“I piss codeine on peasants”). Tiene más de 40 años, pero de lo que más habla es de drogas, chicas y mansiones. En momentos como este entiendo lo que decía André 3000. Gana muchísimo cuando se pone introspectivo.

‘Runnin Outta Time’ destaca en el tracklist por su vena melódica, apoyándose en una base de piano y órgano que se limita a acompañar la voz de Future. Es la única canción en la que este decide cantar y lo hace de forma muy sincera, tratando temas como la paranoia (“Sometimes even rich niggas get lost”) y la desconfianza. Esto conecta directamente con el núcleo temático del disco.

El título (“No confiamos en ti”), que referencia el clásico tag de Metro Boomin locutado por Future (“If Young Metro don’t trust you…”), hace pensar que se dirigen a alguien en concreto. La primera canción lo confirma (“Fake written all over you, hate written all over you”). Desde ahí, el tema de los falsos amigos no deja de aparecer. Esto también es hilado de forma bastante sutil a través de unas declaraciones de Prodigy (Mobb Deep) esparcidas por todo el proyecto en las que habla muy indignado sobre raperos cursis y blandos. Me pregunto quién podría cumplir estas características hoy en día…

El mal rollo con Drake es algo relativamente nuevo para Metro y Future, que han estado al lado del canadiense durante buena parte de sus carreras, pero no para Kendrick Lamar. Concretamente, Drake y Lamar llevan jugando a la guerra fría desde 2013, a raíz del incendiario verso del californiano en ‘Control’. Más de 10 años después, esta tensión acumulada ha explotado con ‘Like That’, una declaración de guerra en modo de hit. “Motherfuck the big three, nigga, it’s just big me” es la lapidaria frase que ha recorrido las publicaciones de hip hop de todo el mundo.

Kendrick es uno de los poquísimos raperos que es capaz de convertir un verso en un evento, pero el verdadero mérito de ‘Like That’ es que funcionaría igual de bien sin su aparición. Future derrocha carisma y Metro compone el beat más único del LP. Se deduce que hay una versión extendida, pero choca que la canción se termine con un fade out en medio de un verso. A pesar de esto, es el mejor corte de ‘WE DON’T TRUST YOU’. Drake ya ha publicado su respuesta y está muy a la altura. Ahora solo queda ver quien se queda con la corona del rap.

Aída Nizar adapta ‘Zorra’ contra los «chusqueros» y «mediocres»

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Aída Nizar, celebrity, presentadora, adoradora de la vida y generalmente mosca cojonera de la televisión española e italiana, en los últimos tiempos pesadilla encarnada de Giorgia Meloni, vuelve a la actualidad apropiándose el himno del momento, ‘Zorra‘ de Nebulossa.

En un vídeo subido a su cuenta de Instagram, Aída se graba a sí misma escuchando ‘Zorra’ y añadiendo coros para hacerla más personal. María Blas canta ‘Zorra’ de fondo mientras Aída adapta la letra gritando frases de cosecha propia, pasando del humor involuntario de «Ya sé que soy la oveja blanca, la incomprendida por los chusqueros» al puro surrealismo de «nací en un buen momento constantemente» (sic).

Aunque, en su versión de ‘Zorra’, Aída Nízar inserta repetidamente su lema vital «¡Adora tu vida!», no ha pasado desapercibido el hecho que, como muestra el vídeo, la residente de Marbella parece homenajear el disco ‘Conducción temeraria‘ de Alizzz conduciendo sin cinturón de seguridad. Algunos dicen que va subida a un bus turístico, pero el adorno colgado del retrovisor que asoma en el vídeo no opina lo mismo.

Seguro que no es la «naturaleza de una mujer empoderada» ser un peligro al volante, pero Aída no podía versionar ‘Zorra’ sin elevar la cuota de empoderamiento de la canción un 200% más o menos. Ella canta que «jamás será lo que quiere la mediocridad», desafía a quien la escuche que «venga y la mejore» y, en otro momento dadaísta, reivindica su droga favorita, el «zumo de naranja y el agua», a la vez que muestra dos botellas de ídem y deja el coche volando solo.

En esta versión a dos voces de ‘Zorra’ cantada en primera, segunda y tercera persona, Aída -además- reivindica la dignidad salarial («por algo soy la reina de Italia, y si no estoy en España es porque no me pagan lo que merezco») y comparte unas palabras de apoyo a Nebulossa. Dice que «ojalá» el grupo gane Eurovisión porque «se lo han currado mucho y se lo merecen». Nebulossa ya han sacado un remix de ‘Zorra’ con Gloria Trevi, pero este es de otro nivel.

Air, Jessie Ware y otros artistas esenciales de Sónar 2024

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Sónar celebra en 2024 su edición número 31 con una programación que vuelve a reunir algunos de los nombres clave de la electrónica global de ayer y hoy. De la confirmación de Air repasando su disco clásico ‘Moon Safari’, a la propuesta puramente contemporánea de Floating Points, pasando por el hedonismo disco de Jessie Ware, la programación de Sónar 2024 vuelve a apelar a diferentes gustos y sensibilidades. Sónar 2024 se celebra entre el 13 y el 15 de junio, como siempre, en los recintos de Fira de Montjuïc por el día y de Fira Gran Via por la noche. En este artículo repasamos los diez nombres clave de su cartel.

Air presenta ‘Moon Safari’
Sónar es un festival dedicado al futuro, y a futuro sigue sonando ‘Moon Safari’, el debut de Air de 1998, un disco que, en su unión de plácido downtempo y melodía canción francesa, se cuenta entre los más influyentes que ha producido la música electrónica en las últimas décadas. Air, el dúo formado por Nicolas Godin y  Jean-Benoît Dunckel, lo presenta al completo en su primera visita a Sónar en casi quince años.

Paul Kalkbrenner
Conocido inicialmente por sus lanzamientos en B Pitch, el sello de Ellen Allien, lo cual incluye el hit ‘Gebrünn Gebrünn’, y después por su papel en la película ‘Berlin Calling’, de Hannes Stöhr, Paul Kalkbrenner se ha labrado una prestigiosa carrera como productor de electrónica “emocional” que, en los últimos años, ha culminado definitivamente con el lanzamiento de su gran himno, ‘Sky and Sand’, que para Kalkbrenner ha supuesto su gran salto comercial, logrando un éxito masivo en listas de Alemania o Bélgica.

Jessie Ware
Autora de uno de los mejores discos de pop de la última década, ‘What’s Your Pleasure?’, el segundo mejor disco de 2020, Jessie Ware le ha dado continuación en el último año con ‘That! Feels Good!’, otro derroche de baile y purpurina que ardemos en deseos de ver en directo en el Sónar. Ware, por cierto, empezó cantando música electrónica con SBTRKT, aunque luego encaminara su carrera hacia el R&B. Sus dos últimos trabajos, entregados a la pista de baile, han convertido a Jessie Ware en esa diva disco que, en el fondo, siempre ha sido.

Charlotte de Witte presenta ‘Overdrive’
Una de las grandes superestrellas del tecno actual, Charlotte de Witte es la “segunda exportación más famosa de Bélgica después de las patatas fritas” en palabras del Sónar. Bromas aparte, la música de Charlotte de Witte, influenciada por el trance y por el “rico legado de la herencia rave belga”, es todo lo que se le puede pedir al tecno, y su nuevo show ‘Overdrive’ viene para poner los puntos sobre las íes.

Floating Points
Los sonidos de Floating Points son incomparables desde su gran disco de 2015 ‘Elaenia’ hasta su último lanzamiento ‘Crush’ (2019) pasando por su aclamada colaboración con Pharoah Sanders en ‘Promises’ (2021). El británico Samuel Shepherd mezcla como nadie electrónica, música clásica y jazz y no ha salido ni saldrá nadie que suene como él. Los sintetizadores modulares de su último single ‘Birth4000’ han vuelto a resultar una sorpresa y en ellos centrará su directo en el Sónar.

Vince Staples
Es un privilegio volver a ver en España a uno de los visionarios del hip-hop actual. Con discos como ‘Summertime ’06’, ‘Big Fish Theory’ o su reciente álbum homónimo de 2021, el californiano Vince Staples ha definido el nuevo sonido del hip-hop de la Costa Oeste sin renunciar a la dimensión personal y social de sus letras. El hip-hop del momento presente suena a Vince Staples.

Folamour
La música de Folamour desprende la bella simplicidad de ese house y esa música disco que con pocos elementos te hacen soñar. Sin embargo, la formación de Folamour es académica, y él ha colaborado con artistas de pop y jazz, por lo que sus producciones suenan enriquecidas y profundas. Ayuda que los títulos de sus canciones sean poemas en sí mismos. Títulos como ‘These Are Just Places to Me Now’ o ‘I Miss Having Someone to Talk To’ cuentan historias o invitan a la reafirmación personal. Mientras, la música pone toda preocupación en segundo plano.

Laurent Garnier
No podía faltar en la cartelera de Sónar 2024 el nombre de Laurent Garnier, una de las primeras estrellas del tecno que, en 1994, actuaron en la primera edición del festival barcelonés. 30 sólidos años -y una pandemia- después, Garnier vuelve -aunque ya ha vuelto a actuar en otros años- a Sónar convertido en una de las mayores leyendas de la electrónica internacional. Por su emocionante mezcla de house y tecno no ha pasado el tiempo: sigue sonando igual de vigente y maravillosa.

Kaytranada
El canadiense Kaytranada es uno de esos beatmakers que en los últimos años han logrado definir una firma única y propia. Cualquiera que escucha una producción de Kaytranada sabe que es de él. En el imaginario de Kaytranada ha cabido disco, house, funky o hip-hop pero todo ha sonado pasado por filtro, y su último disco, ‘BUBBA‘, hasta le ha valido dos premios Grammy. Así que hay ganas de reencontrarse con él en Sónar. Además, prepara nuevo álbum.

Adriatique
Los fans de la música electrónica emocional no puede perderse tampoco el directo de Adriatique, el dúo de DJs suizo formados por Adrian Séala y Adrian Schweizer. En activo desde 2009, Adriatique ha firmado producciones panorámicas y hermosas como ‘The Echo’ o ‘Miracle’ con WhoMadeWho y su repertorio incluye también un remix oficial de ‘Moth to a Flame’, el éxito de Swedish House Mafia y The Weeknd. Tecno para volar e imaginar.

Blackpanda te hace sentir ‘BLU’ en su nuevo single

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Blackpanda, el dúo de Madrid compuesto por Marta Marlo y Andrés Lim autor de temazos de pop como ‘Aunque me duela’, ‘Antes de que acabe el verano’ o ‘Bailo x Fuera Lloro x Dentro’, publicará su primer disco, aparentemente titulado ‘Vapor y cielo’, en algún momento de 2024. Aunque escasean los detalles de este primer trabajo largo de Blackpanda, los dos primeros adelantos ya están disponibles.

Se trata, por un lado, de ‘EFÍMERO’ y, por el otro, de ‘BLU’. Ambos formarán parte del debut de Blackpanda que publicará Vanana Records, sello de Ginebras o Amatria. En todo su esplendor electrónico, ‘BLU’ es la Canción Del Día de hoy.

El «azul» ha sido usado en el pop históricamente para capturar un sentimiento de melancolía. Lo sabe Joni Mitchell y últimamente lo sabe también Billie Eilish. Este color a Blackpanda le sirve para entregar una producción envolvente e inmaculada que trae ecos de garage y deep-house. Se nota que la batuta no la ha llevado Agoney esta vez.

«No hay otro color para hablar de tú» es la licencia poética que se toma Blackpanda para hacer rimar esta frase con el título de ‘BLU’. Efectivamente el «azul» es, en este caso, atribuido a una segunda persona. «BLU es el anhelo simbolizado en un color, esa persona magnética que te atrapa y con la que nunca has podido estar, es el deseo idealizado y soy yo escribiendo en mi habitación», explica Marta sobre la canción.

‘BLU’ se ha estrenado acompañado de un precioso videoclip dirigido por Carlos Ojeda, con el que os dejamos.

Óscar Puente se declara fan de Taylor Swift: «Soy swiftie total»

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No es tan habitual como nos gustaría que un político se pare a hablar de cultura pop. Lo hizo Pedro Sánchez este verano durante su campaña y a saber cuántos votos le ayudó a recolectar (probablemente más de los que imaginamos). Quizás por eso haya quien ya no se cierra a hablar sobre ello. Thais Villas de El Intermedio de LaSexta ha ido al Congreso de los Diputados para preguntar a los políticos sobre sus aficiones musicales, y algunas respuestas son bastante sorprendentes.

Entre quienes responden se encuentra Borja Sémper, portavoz nacional del PP: «Recuerdo con especial cariño el primer concierto al que fui en mi vida, que fue con quince o dieciséis años, en el melódromo de San Sebastián, la última gira de Mecano«. Pese a que reconoce que le gustaban muchas canciones de Mecano, Borja Sémper confiesa cuál es de todas su favorita: ‘Entre el cielo y la tierra’. Parece que no le debe gustar demasiado, pues tal y como Thais Villas le corrige, la canción realmente se titula ‘Entre el cielo y el suelo’.

El portavoz de ERC en el Congreso, Gabriel Rufián, desvela que muy de pequeño fue con su madre a un concierto de Marta Sánchez durante su etapa en Olé Olé. Asiente cuando Villas le dice que es una maravilla, pero aprovecha para tirar la pullita: «Todavía no cantaba el himno español». Alguien que también lo interpreta en un vídeo viral en redes es Bisbal, pero Rufián reconoce que su sueño es cantar con él: «De sus canciones me gusta ‘El alma en pie’, que cantaba con Chenoa. Me declaro muy fan de esa historia».

Por su parte, Yolanda Díaz, líder de Sumar, dice que le queda por ver «de todo». Pese a que hace un año destacó a Taylor Swift porque su hija «está enganchada todo el día a ella», ahora dice lo que de verdad le encantaría es ir a «un concierto de Sting» y que esté allí «de voluntaria ayudándole». «Me gusta mogollón», confiesa la vicepresidenta.

Quien sí menciona a Taylor Swift es Óscar Puente, el Ministro de Transportes, que seguramente esté contando las horas para el lanzamiento de ‘The Tortured Poets Department’ como la hija de Yolanda Díaz. El ministro asegura que ya tiene entradas para uno de los dos conciertos de la artista en el Bernabéu y se declara un «swiftie total», convencido de que va a ser «lo más» aunque aún no tenga outfit para la gran cita. «Tengo una ilusión, que es conocer a Taylor Swift, mi cantante favorita», desvela Óscar Puente.

Hozier afianza su hit masivo ‘Too Sweet’

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TikTok está dominando Spotify. Tan solo unos meses después de que Universal Music quitara todo su catálogo de TikTok tras no llegar a un acuerdo con la plataforma, TikTok ha dado un golpe sobre la mesa llenando el top 5 de Spotify Global con hits de su cosecha. Uno de ellos es ‘Too Sweet’ de Hozier, y ya apunta a convertirse en el mayor éxito del artista por imposible que parezca tras el pelotazo que fue ‘Take Me To Church’.

«Si estás emborrachada de la vida / Me parece genial / Pero siempre y cuando estés en este mundo», canta Hozier en el tema antes de dar paso al estribillo. «Creo que tomaré mi whisky solo, mi café negro y me iré a la cama a las tres / Eres demasiado dulce para mí», dice el estribillo de ‘Too Sweet’. La canción narra el contraste entre dos personas que tienen diferentes estilos de vida, motivando al autor a cuidarse y llevar hábitos más saludables.

El tema forma parte de la edición deluxe del último disco del artista, ‘Unreal Unearth: Unheard’. Es ahora el mayor hit del álbum superando a ‘Eat Your Young’, que había logrado acumular más de 150 millones de reproducciones en Spotify. Gracias a ‘Too Sweet’, el álbum se mantiene dentro del top 10 de discos más reproducidos de la semana en la plataforma, teniendo un mejor rendimiento que en su lanzamiento en agosto de 2023. Además, el single es número 1 en Reino Unido con una tremenda estabilidad y número 2 en Estados Unidos.

En una entrevista ofrecida al programa Radio X Evening Show, Hozier ha confesado que «ha sido una agradable sorpresa» ver cómo ‘Too Sweet’ se viralizaba en TikTok: «No siempre he sido bueno en las redes sociales, pero este tipo de cosas te hacen darte cuenta de verdad de lo que pueden hacer por una canción. Tienes un acceso tan directo con tus oyentes que, si conectan con algo, crean sus propias cosas con ello y lo convierten en algo propio. Así que estoy encantado. Ha sido increíble ver cómo sucedía».

L7 anuncia fechas en salas en Barcelona y Madrid

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L7, el grupo de grunge pionero del feminismo en el rock, autor de clásicos de la música riot grrl como ‘Pretend We’re Dead’ o ‘Shitlist’, ha anunciado dos fechas en salas en España. L7 actuará el día 22 de junio en la Sala Wolf de Barcelona y el 23 de junio en la Sala Mon de Madrid. Las entradas se pondrán a la venta a partir del 18 de abril a las 10 horas en la web de LastTour.

Con estas nuevos conciertos anunciados, L7 completa un trío de fechas en España, pues el grupo ya estaba confirmado en el cartel de Azkena Rock Festival, el día 21 de junio.

L7 está centrando su gira actual en el repertorio de ‘Bricks Are Heavy’, su popular disco de 1992, el que incluye ‘Pretend We’re Dead’ y otro de sus grandes clásicos, ‘Wargasm’. El último disco de L7, ‘Scatter the Rats‘, se publicó en 2019.

L7, formado por Donita Sparks, Suzi Gardner, Jennifer Finch y Demetra Plakas, compartió escena con Nirvana en la época de apogeo del grunge y publicó seis álbumes de estudio entre los años 1986 y 1999 antes de separarse en 2001. En 2014, L7 regresó a los escenarios.

WILLOW calibra sus «emociones» en su gran paso al jazz

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WILLOW es una de las artistas que ha publicado nueva música esta semana. ‘Big Feelings’ es su nuevo single y también el segundo adelanto de su nuevo disco, ‘empathogen’, que sale el 3 de mayo.

En este nuevo disco WILLOW se acompaña de dos artistas invitados, Jon Batiste y St. Vincent, pero, sobre todo, renueva su sonido. Tanto en el primer single ‘Symptom of Life’ como en ‘Big Feelings’ WILLOW deja las guitarras eléctricas a un lado y se empapa de jazz.

Usando pianos y patrones rítmicos atípicos propios del jazz y de la música prog, WILLOW se transforma en una artista completamente diferente a la que recuerdas en estas dos canciones. Dos piezas exquisitamente instrumentadas, por cierto, y cantadas con sumo gusto por la hija de Will Smith, que, dentro de este contexto sonoro, suena como pez en el agua.

Es el caso de ‘Big Feelings’, la Canción Del Día de hoy, una composición llena de esquinas y recovecos que musicalmente fusiona jazz-pop y rock. Es una canción de estructura libre que, a lo largo de su duración, deja varios caramelos a los que seguir la pista, como la actuación vocal arrugada de WILLOW, el teclado cósmico que emerge hacia la mitad o sus varios cambios de ritmo.

WILLOW dice que ‘Big Feelings’ habla de esos «sentimientos intensos» que le abruman de vez en cuando. «La escribí durante un momento en que empecé a darme cuenta de algunos patrones emocionales», ha explicado. «Musicalmente tiene una oscuridad y una complejidad que refleja aquello por lo que todos pasamos en nuestras cabezas. La canción va sobre aceptar esos sentimientos aunque no tengas ni idea de qué hacer con ellos».

The National actuará en Primavera a la Ciutat

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Graham MacIndoe

The National es el cabeza de cartel que quedaba por desvelar de Primavera a la Ciutat, la programación paralela de Primavera Sound que tendrá lugar en diferentes salas de Barcelona del 27 de mayo al 2 de junio.

The National se hará «un The Killers» personándose en la sala Razzmatazz de Barcelona el día 29 de mayo, dos días antes de su show en el Parc del Fòrum. Primavera Sound se celebra del del 29 de mayo al 2 de junio.

El cartel de Primavera a la Ciutat suma hoy a The National mientras ya estaba confirmada la presencia de Yo La Tengo, The Chamaleons, American Football, The Lemon Twigs, Dorian Electra, Él Mató a un Policía Motorizado, The Mountain Goats o Johnny Jewel.

Después, The National será headliner de Primavera Sound compartiendo letra grande con Lana Del Rey, SZA, Pulp, Mitski, Disclosure, FKA twigs, Vampire Weekend o PJ Harvey.

The National naturalmente viene a España sus dos álbumes publicados en 2023, ‘First Two Pages of Frankenstein‘ y ‘Laugh Track‘.

Primavera Sound anuncia la mecánica de reservas para Primavera a la Ciutat, Jornada inaugural y Brunch Electronik
La mecánica de acceso tanto a los conciertos de Primavera a la Ciutat como a la jornada inaugural del miércoles 29 de mayo en el Parc del Fòrum combinará un sistema de reserva para poseedores de abono de Primavera Sound Barcelona 2024 (disponible desde el 6 de mayo a las 12:00 CEST para poseedores de abono VIP y desde el 8 de mayo a las 12 CEST para poseedores de abono general) y un cupo reducido de entradas a la venta para cada evento (a la venta desde el 10 de mayo a las 12:00 CEST).

La mecánica de acceso a la fiesta Brunch Electronik del domingo 2 de junio en el Parc del Fòrum funcionará con un sistema de reserva para poseedores de abono de Primavera Sound Barcelona 2024 (disponible desde el 6 de mayo a las 12:00 CEST para poseedores de abono VIP y desde el 8 de mayo a las 12:00 CEST para poseedores de abono general). Las entradas generales para Brunch Electronik están a la venta en DICE.

Waxahatchee / Tigers Blood

Renovarse o morir. Un dicho al que muchos artistas deben enfrentarse para afrontar los siguientes pasos de su carrera, y algo que Katie Crutchfield, la persona tras el pseudónimo de Waxahatchee, tuvo que pensar cuando en 2020 cambió el indie-rock influido por los 90 que había marcado su trayectoria artística hasta ese momento por la americana y el country en ‘Saint Cloud’, un álbum que acercó su música a un público mayor y que supuso un clarísimo punto de inflexión para la artista.

‘Tigers Blood’, su sexto trabajo en solitario, recoge los frutos que sembró su antecesor -y también los de ‘I Walked With You A Ways’, su estupendo disco junto a Jess Williamson- y continúa esa misma senda sonora, refinándola y sofisticando ciertos elementos para construir un disco tan cálido como acogedor.

Tras ‘Saint Cloud’, Brad Cook vuelve a ser el productor, impulsando la voz de Krutchfield a explorar nuevos territorios dentro del country alternativo. Una de las primeras canciones que se gestaron fue la preciosa balada ‘Right Back to It’, para la que contaron con uno de los mejores representantes del género actual, MJ Lenderman, conocido tanto por su trabajo en solitario como por ser el guitarrista de la banda Wednesday. La química fue inmediata, por lo que Lenderman acabó quedándose durante el resto de la grabación del disco, convirtiéndose en uno de los puntos clave de este.

‘Tigers Blood’ no tiene una narrativa lineal. No se trata de un álbum conceptual o uno que orbite continuamente sobre los mismos temas. Más bien, ofrece un amplio abanico de experiencias y sentimientos que Waxahatchee narra desde una perspectiva más madura y segura que nunca. En la mencionada ‘Right Back to It’, canta sobre la seguridad de estar en una relación de muchos años, incluso cuando las inseguridades acechan de vez en cuando. Es una canción romántica no demasiado romántica, en la que está hablando de su relación con Kevin Morby.

Pero las letras del álbum no siempre aluden al aquí y al ahora, sino que rebuscan en momentos vividos y, a veces, ya superados, como en la emocional balada ‘365’, sobre lo doloroso de mantener una relación con un adicto, una temática que Crutchfield ha tratado a lo largo de su obra, especialmente en sus primeros discos. Ella misma dejó la bebida mientras trabajaba en ‘Saint Cloud’ y se ha mantenido sobria desde entonces. Un hecho que no solamente ha cambiado su vida, sino también su forma de escribir, ahora mucho más elocuente y clara. El lenguaje que emplea es bello y elaborado, y las descripciones tan metafóricas como directas.

En ‘Bored’ dice estar “excesivamente segura de sí misma” para inmediatamente después, en ‘Lone Star Lake’, admitir: “Mi vida está trazada como una T pero siempre estoy un poco perdida”. En esas contradicciones, en ese sentimiento de conocerse bien a uno mismo y a la vez no siempre saber por dónde ir, se encuentra el verdadero espíritu lírico de ‘Tigers Blood’. Algo que también se refleja a nivel sonoro, encontrando momentos de paz y sosiego como en las magníficas ‘Evil Spawn’ o ‘Burns Out at Midnight’, con otros de mayor rebeldía o rabia como en las más rockeras ‘Crowbar’ o ‘Bored’.

Los discos indie-rock de Waxahatchee ya vislumbraban su talento, pero ha sido su acercamiento al country lo que le ha hecho encontrar su verdadera voz. Si ‘Saint Cloud’ era un perfecto giro de guion, ‘Tigers Blood’ es la confirmación de que hay potencial para muchas más temporadas. Difícil será encontrar este año muchos álbumes más sólidos y gratificantes que este.

Courtney Love: «Taylor Swift no es interesante como artista»

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Promocionando su programa sobre mujeres para la radio británica, Courtney Love ha concedido una entrevista a The Standard en la que el titular está claro: «Taylor Swift no es importante. No es interesante como artista». Ha dicho también que «puede ser un lugar seguro para las chicas» y «la Madonna del momento», pero que no le parece «interesante como artista». Curiosamente, existe una foto en la que Courtney y Taylor aparecen juntas… en compañía de Lorde.

En cuanto a la amiga de Taylor Swift, Lana del Rey, y pese a que ambas giraron juntas en 2015, Courtney Love dice que ya se ha cansado de ella. ¿La razón? El viraje de la industria hacia el country.

«No me gusta Lana desde que versionó una canción de John Denver. Creo que debería tomarse un descanso de 7 años. Hasta ‘Take Me Home, Country Roads’ pensaba que era estupenda. Cuando estaba grabando mi nuevo disco, tuve que dejar de escucharla porque me estaba influyendo demasiado».

Muchos recordaréis un beef con Madonna, materializado en lanzamiento de objetos durante una entrevista en la MTV a mediados de los 90. Y eso no se ha arreglado. En 2007, Courtney Love escribió en su blog que «Madonna era una gran mujer de negocios», pero «débil como artista». «Me gusta Madge pero como música relevante es un chiste». Hoy por hoy, no hay reconciliación. Dice en la nueva entrevista: «No me gusta y a ella no le gusto yo. Me encantó ‘Buscando a Susan desesperadamente’, pero tanto por la ciudad de Nueva York como por ella».

En cuanto a las mujeres que sí le gustan, teniendo en cuenta que promociona un programa de 8 episodios con la BBC donde hablará de mujeres, elogia a Patti Smith, Nina Simone, PJ Harvey (pero solo los 4 primeros álbumes), Julie London, Deborah Harry y Joni Mitchell («pero los primeros, no la mierda experimental»).

Hoy justo publicamos un podcast sobre Kurt Cobain, en el que también hablamos brevemente de Hole y Courtney Love.

30 años sin Nirvana

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Este mes de abril se han cumplido 30 años desde que Kurt Cobain se quitara la vida cuando sólo tenía 27. La influencia de su música se sigue sintiendo en el underground anglosajón (de Phoebe Bridgers a yeule, pasando por Wolf Alice) pero también en el mainstream de Olivia Rodrigo o Selena Gomez, quien hace poco nombrara al líder de Nirvana su gran ídolo. El periodista Tomás Mayo visita REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, para hablar de cómo la influencia de la discografía de Nirvana (tan sólo 3 álbumes de estudio) se alarga hasta nuestros días y más allá.

En esta hora larga de conversación tenemos tiempo de hablar de lo que significó el grunge en su momento, su lucha contra el sistema y la industria musical, finalmente desde dentro del sistema, no sin sus contradicciones. También sobre los valores feministas que Kurt Cobain abanderó de manera muy adelantada a su tiempo, apoyando por ejemplo a las riot grrrls. O de su inquietud por combatir la homofobia o lo que ahora llamaríamos «masculinidad tóxica». O de cómo de manera lamentable en los años 90 se mitificaba un suicidio.

‘Nevermind’, la gran obra maestra de Nirvana, fue capaz de vender 30 millones de copias tras su edición en 1991, y le dedicamos gran parte del podcast. Pero hablamos también de ‘Bleach’ (1989) como su precedente, conteniendo ya algún pseudohit como ‘About a Girl’ (y eso que no fue single realmente), y de ‘In Utero’ (1993). Un difícil tercer disco de grabación y producción accidentada junto a Steve Albini, que no obstante Tomás Mayo defiende como un álbum igual de bueno o incluso superior a ‘Nevermind’. Por otro lado, continuamos recomendando ‘Come As You Are‘ como recomendable biografía.

Billie Eilish adelanta varias canciones de su próximo disco

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Billie Eilish ya prepara el lanzamiento de su tercer álbum de estudio. ‘Hit Me Hard And Soft’ fue anunciado hace tan solo unos días con la premisa de que no habría ningún single hasta su lanzamiento el 17 de mayo. Sin embargo, poco ha esperado la artista para darnos los primeros avances de su sonido. Hasta tres de los diez temas del disco sonaron durante el Coachella 2024.

«No voy a hacer singles, quiero dártelo todo a la vez», escribía Billie Eilish con el anuncio del álbum. Pero ese «todo a la vez» se ha convertido de pronto en un «todo poco a poco». En una de las fiestas del primer fin de semana del Coachella 2024, la cantante ha puesto en una discoteca tres canciones de ‘Hit Me Hard And Soft’: ‘L’Amour De Ma Vie’, ‘Chihiro’ y ‘Lunch’.

De los tres temas, el que más se ha viralizado en redes sociales es ‘Lunch’, la segunda pista del disco. Uno de los motivos es la narrativa lésbica de la letra: «Podría comerme a esa chica para almorzar / Sí, ella baila en mi lengua / Sabe a que podría ser la elegida / Y nunca tengo suficiente, podría comprarle muchísimas cosas… / Es un capricho, no un enamoramiento».

Todo apunta a que ‘Lunch’ será el primer single del álbum junto a su publicación el 17 de mayo, pues la autora de ‘Happier Than Ever’ reveló en su entrevista con Zane Lowe que ya había grabado su respectivo videoclip. De momento no hay más adelantos ni ninguna confirmación, pero algunos sí se atreven a especular que lo escuchado en Coachella son remixes de las grabaciones originales.

Ruslana (OT2023) entra en Singles España

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Mientras que nada se mueve en lo más alto de la lista de Singles España esta semana (Gonzy sigue en el top 1 con su hit ‘XCLUSIVO’), lo más interesante se encuentra en la parte baja de la misma. Ruslana se une a la lista de triunfitos que debutan en Singles España, como ya hicieran otros como Martin y Juanjo Bona, y mete su single post-OT en la posición 99. ‘Las chicas malas desafinan’, que va camino del millón de reproducciones en Spotify, firma una primera (y posiblemente última) semana en la lista.

La entrada más fuerte de la semana, no obstante, se la adjudican Young Miko y Feid. Aupados por el lanzamiento del disco debut de Young Miko, ‘ATT.’, la colaboración entre ambos artistas, titulada ‘Offline’ (#18), se mete dentro del top 20. Asimismo, Bizarrap y su nueva session junto a Natanael Cano logra el puesto 42. Son las dos únicas canciones que debutan dentro del top 50 de esta semana.

En cuanto al resto de entradas, TINI mete su recién publicado tema ‘PA’ (#52) dentro de la lista. Le siguen Arde Bogotá con su single ‘La Salvación’ (#70) y Rvsiian, Rauw Alejandro y Ayra Starr con su colaboración ‘Santa’ (#78).






Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, top 1 en España

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Hay nuevo número 1 en España. Derby Motoreta’s Burrito Kachimba ha logrado posicionarse en la cima de discos en España gracias a su disco ‘Bolsa amarilla y piedra potente’. Desbanca de esta forma a Beyoncé, que debutó en el top 1 de la lista después de que Promusicae republicara la lista con los datos actualizados.

Durante la segunda semana de ‘Cowboy Carter’, Beyoncé abandona el top 10 y se conforma con la posición 14. Mayor suerte corre Shakira, que repite en el top 2 de la lista gracias a la estabilidad que está presentando ‘Las Mujeres Ya No Lloran’.

En cuanto a las nuevas entradas, destaca Young Miko con su debut dentro del top 10 con ‘ATT.’ (#10), su primer trabajo discográfico. Asimismo, el estadounidense Conan Gray mete otro disco en la lista gracias a ‘Found Heaven’ (#15), donde colabora con productores de la talla de Max Martin.

Otro grupo que hace aparición esta semana es Tomorrow x Tomorrow, que mete su ‘Minisode 3: Tomorrow’ (#21). Además, de cerca le sigue The Black Keys con ‘Ohio Players’ (#23). Otro de los lanzamientos más comentados de los últimos días, Vampire Weekend y su ‘Only God Was Above Us’ (#34), se hace notar en España con su buena posición.

Por último, el artista del momento en TikTok, Benson Boone, entra en nuestro país con su disco debut, ‘Fireworks & Rollerblades’ (#55). Las nuevas entradas de la semana las cierran Depedro y su ‘Un Lugar Perfecto’ (#66), J. Cole con el disco de rap ‘Might Delete Later’ (#74), Khruangbin de la mano de ‘A La Sala’ (#79) y Celtian con ‘Secretos de amor y muerte’ (#83).







Almácor y Tiburona, en Escenarios Madrid de Vibra Mahou

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Almácor y Tiburona serán algunos de los artistas que se suban a los Escenarios Madrid de Vibra Mahou este mes de abril. Mahou ha anunciado su cartel de conciertos en varias salas de Madrid para las próximas semanas, con la intención de seguir repartiendo pop, rock o hasta jazz en la ciudad.

«Llevamos más de 15 años apoyando a las salas de conciertos de manera continuada y nuestro corazón ya late al ritmo de la música que agita los Escenarios Vibra Mahou. Grandes directos en locales míticos donde la energía de los sonidos nos recarga por completo», anuncia la compañía con este nuevo lote de citas.

Destacamos dos de los conciertos anunciados. Uno de ellos es el de Almácor, que visitará Independance Club este jueves 18 de abril a las 20h para hacer su primera gran aparición tras su paso por el Benidorm Fest 2024. No cabe duda que la canción estrella de su repertorio será ‘Brillos platino’, con la que intentó representar a España a Eurovisión y que, pese al rechazo del jurado del Benidorm Fest, ya acumula más de 2 millones de reproducciones en Spotify. La entrada anticipada desde 12 euros está disponible aquí.

El segundo es el que ofrecerá Tiburona en El Sol el 27 de abril a las 20:30h. La banda madrileña, formada por Laura del Amo (guitarra y voz), Rita Dolores (bajo y voz) y Supercarmen Merino (batería y voz), promocionará su recién publicado álbum ‘Nos extinguimos’. Y no será el único grupo que esa noche se suba al escenario, pues estará acompañado por Cometa, que también fue uno de los confirmados para el Festival RELEVO 2024. La entrada anticipada desde 13 euros está disponible aquí.

«Queremos volver a llenar de vida nuestras salas, respirar el ambiente único de los directos, emocionarnos con los nuestros, sentir cómo el volumen crece y comprobar cómo el talento no deja de evolucionar. Porque la música, cuando suena en los Escenarios Vibra Mahou, es todo eso y mucho más. ¡Que arranquen los conciertos y empiece la diversión!», señala la organización.

Coca-Cola Music Experience 2024 aterriza en Madrid con Niña Polaca, Judeline, Veintiuno, Besmaya…

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Aunque apenas estamos comenzando la primavera y nos aguarda una temporada de festivales repleta de música, los organizadores de Coca-Cola Music Experience están un paso adelante. Ya están tramando el cierre perfecto del verano con otra edición de su recomendable festival. En 2024, prometen una gran selección de artistas.

Al igual que Coca-Cola satisface nuestra sed con su sabor único, la marca también sabe cómo deleitarnos musicalmente. Han reunido un elenco fascinante de artistas para su fiesta, donde la diversidad estilística es la norma.

Este festival no escatima en ofrecer más de 20 horas de música en vivo para todos los gustos, desde estrellas internacionales hasta talentos emergentes. Su flexibilidad para adaptarse a las preferencias del público y su enfoque en la sostenibilidad lo hacen destacar, convirtiéndolo en un evento de gran atractivo tanto dentro como fuera del país.

Judeline, entre los confirmados de Coca-Cola Music Experience, sigue su ascenso
Coca-Cola Music Experience vuelve en 2024 Tras su exitosa edición del año pasado, que reunió a 50.000 personas en La Caja Mágica de Madrid en cada una de sus dos jornadas y rompió el récord de streaming registrando cerca de 700.000 conexiones. Fue aquella una edición marcada por la presencia de artistas nacionales a internacionales de la altura de Quevedo, Ava Max, Estopa u Ozuna. Una edición de CCME -la decimotercera- que volvió a poner en valor el compromiso de Coca-Cola con la música y también con el ocio sostenible.

En 2024 la programación de CCME vuelve a reunir a algunos de los artistas más pujantes del pop actual. Entre ellos se encuentra Manuel Turizo, autor de uno de los mayores éxitos de los últimos años. Otro caso es el de Íñigo Quintero, artista revelación donde los haya, que ha pasado a la historia por convertirse en el primer español que llega a la cima de la lista global de Spotify completamente en solitario, con su balada ‘Si no estás’.

Uno de los reyes del reguetón, Myke Towers, es otro de los artistas confirmados en el cartel de CCME 2024, que se celebra los días 13 y 14 de septiembre con Tony Aguilar en el papel de anfitrión y presentador del evento. Towers encabeza un programa musical que también contará con Chanel, con nombres tan queridos en el indie actual como Niña Polaca o Besmaya y con revelaciones que darán de qué hablar en el futuro como son Almácor o Mar Lucas.

Brilla con especial fuerza en el cartel de Coca-Cola Music Experience 2024 el nombre de Judeline, a todas luces una de las nuevas estrellas con mayor proyección del pop nacional.

Después de cautivar a la audiencia hace unos años con sus primeros lanzamientos en Sonido Muchacho, tales como el EP ‘De la Luz’, publicado en 2021, y los sencillos ‘De una Manera’ o ‘Sustancia’, donde presentaba su distintivo sonido que fusiona la canción aflamencada con la electrónica onírica, la artista gaditana Lara Blanco ha dado un gran salto en el último año al firmar con la multinacional Interscope y lanzar las mejores canciones de su carrera hasta la fecha. Entre ellas destacan el reguetón envolvente ‘Zahara’, una de las mejores canciones de 2023, y el vibrante funk carioca de ‘Canijo’. Además, el nombre de Judeline ha ganado notoriedad al colaborar con Tainy, una de las grandes superestrellas del reguetón, en la canción ‘Si Preguntas Por Mí’, perteneciente a su disco ‘DATA’ (2023), donde Judeline comparte créditos con reconocidos artistas como Bad Bunny y Skrillex.

Tainy es conocido como uno de los productores de confianza de J Balvin y precisamente el cantante colombiano autor de éxitos como ‘Mi Gente’ está respaldando a Judeline al haberla seleccionado como telonera para la gira europea ‘Qué Bueno Volver a Verte’. Esto incluye todas las fechas desde Alemania hasta Portugal, así como la única parada en España, que será en Barcelona. Con este emocionante escenario, las expectativas son altas para el próximo sencillo de Judeline, ‘Mangata’, que ha sido lanzado este jueves, además de su actuación en CCME el próximo mes de septiembre.


JOON traerá su synth-pop a la gira de Future Islands en España

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JOON es el alias de la cantante y productora maltesa Yasmin Kuymizakis. Conocida sobre todo por su canción ‘E.T.’ y por sus versiones de diferentes clásicos del pop, JOON es una de las últimas incorporaciones al catálogo de artistas de Italians Do It Better, el icónico sello estadounidense que diera a conocer a Chromatics, a Johnny Jewel en solitario, o a Desire.

El synth-pop de tintes noir de JOON encaja con el de los artistas mencionados, si bien las producciones de JOON subrayan la parte «synth-pop» y no tanto la parte «noir». Esto se percibe en sus singles ‘Watch the Sky’ o ‘Good Times’ y, sobre todo, en los resplandecientes teclados de ‘I Think They Call it Love’, que tanto contrastan con la dulzura de su voz.

JOON, que tomó la decisión de dedicarse a la música después de sufrir un accidente de tráfico que por poco le cuesta la vida, publicó su primer disco, ‘Dream Again’, en 2021, y, en los últimos tiempos, ha captado la atención del público adaptando hits archiconocidos del pop como ‘Cruel Summer’ de Bananarama o ‘Papa Don’t Preach’ de Madonna. ‘E.T.’ no es una versión de Katy Perry, pero ‘Just Can’t Get Enough’ sí es una cover de Depeche Mode. Eso sí, ralentizada.

El sonido de JOON es suficientemente nostálgico como haber llamado también la atención de Future Islands, que se la llevarán de gira este año. JOON abrirá los conciertos de Future Islands en la gira de presentación de ‘People Who Aren’t There Anymore‘, lo cual incluye las dos fechas en España. Future Islands actuará el 12 de mayo en La Riviera de Madrid y, el día siguiente, el 13, en la Razzmatazz 1 de Barcelona.

Diez años atrás, allá por 2014, Yasmin era otra de esas personas obsesionadas con ‘Seasons (Waiting on You)’ de Future Islands. Por eso, a la artista le parece «increíble y surrealista» que la banda de Sam T. Herring la haya llamado para abrir sus conciertos. Escuchando la música de JOON cualquiera diría que este «match» era solo cuestión de tiempo.





Blur desubicados y otros momentos de Coachella 2024

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La primera parte de Coachella se ha celebrado este fin de semana dejando un puñado de momentos para recordar. Algunos buenos y otros malos. Lana Del Rey se ha dado un baño de masas ofreciendo una actuación que ha pasado a la historia. Grimes, por su parte, ha vivido el peor día de su vida afrontando un DJ set plagado de problemas técnicos.

El paso de Lana Del Rey por Coachella ha sido icónico desde el principio, cuando ha llegado al festival subida a una moto, seguida por un ejército de moteros, hasta el final, cuando se ha despedido de su público mientras una canción de The Caretaker ha sonado de fondo. En medio, la visita de Billie Eilish ha desatado la locura. Lana y Billie han cantado juntas ‘Ocean Eyes’ y ‘Video Games’. Lana ha llamado a Billie la «voz de una generación». Billie ha señalado que Lana «es la razón por la que todos estos artistas estamos aquí, incluida yo».

La de Billie ha sido una de tantas apariciones estelares que se han vivido durante el primer fin de semana de Coachella 2024. Justin Bieber, retirado de los escenarios, ha hecho un cameo en el show de Tems. Olivia Rodrigo se ha pasado por el concierto de No Doubt y, junto a Gwen Stefani, ha cantado ‘Bathwater’. Y Kesha se ha dejado caer por el show de Renée Rapp y ha cantado ‘TikTok’ modificando la parte de la letra que menciona a Puff Daddy. De «looking like P Diddy» la letra ha pasado a «fuck P Diddy». El rapero, acusado de acoso sexual por varias personas, está en su peor momento.

Otra estampa curiosa que ha dejado Coachella es la que ilustra esta noticia, la de Vampire Weekend y Paris Hilton compartiendo escenario. Paris ha jugado al cornhole -un juego típico de Norteamérica- «por primera vez desde ‘The Simple Life’, ha hecho el bobo y se ha ido.

Pero Coachella ha sido catastrófico para concretamente dos artistas. Grimes ha tenido que pedir disculpas por ofrecer un DJ set lleno de errores técnicos. Ella ha culpado al equipo de Coachella por preparar erróneamente el set, pero también se ha culpado a sí misma por permitirlo y dejar esta labor en manos de otras personas «para ahorrar tiempo». Grimes tratará de quitarse la espinilla volviendo a pinchar la semana que viene, y promete que el set será «impecable» porque lo organizará completamente ella misma.

Y luego está el asunto de Blur. A Damon Albarn no le ha gustado nada el público de Coachella, que parecía desconocer la mayor parte del repertorio de la banda inglesa. Cuando Damon ha intentado involucrar a la audiencia en un «sing along» de ‘Girls and Boys’, se ha encontrado con el silencio. «Cantadla porque esta seguramente será la última vez», ha dicho. Parece que Blur en Estados Unidos no es el grupo relevante que sigue siendo en Reino Unido. ¿Cura de humildad para Damon o síntoma de un público festivalero cada vez más disperso?

Otras sorpresas y/o curiosidades vistas en el primer fin de semana de Coachella son el concierto lleno de pelos de Doja Cat y el regreso de la banda de reggae Sublime, esta vez liderada por Jakob, hijo del fallecido vocalista original, Bradley Nowell. Sublime se separó en 1996 después de que Bradley falleciera por una sobredosis. Jakob ha lucido contento de ocupar su lugar.

Dagny sueña con Bridget Jones y fresas en su ‘Strawberry Dream’

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Dagny, la heroína del pop, prepara el lanzamiento de una trilogía de minidiscos este año. El primero, ‘ELLE’, verá la luz el 7 de junio. Del disco se conocían ya los singles ‘Heartbreak In The Making‘, ‘Same Again (For Love)’ y ‘Ray-Bans’, a los que acaba de sumarse un cuarto.

A este paso pocas sorpresas quedarán por descubrir en ‘ELLE’. Pero no es ninguna sorpresa que ‘Strawberry Dream’ es otro temazo de la autora de ‘Somebody’. Es la Canción Del Día de hoy lunes.

‘Strawberry Dream’ es otra de esas canciones eufóricas que dan ganas de gritar desde el descapotable de un coche. La base synth-pop firmada por los hermanos Cato y Kent Sundberg explota derrochando el sabor dulce y ácido de la fresa. El estribillo lo ha escuchado Katy Perry y se está dando cabezazos contra la pared, preguntándose por qué no lo ha escrito ella. Katy ya llamó a Dagny para pedirle prestada una canción, y le da corte hacerlo otra vez.

Inspirada en las comedias románticas, pues incluso la letra incorpora una referencia a Bridget Jones, ‘Strawberry Dream’ es la banda sonora de la vida romántica de Dagny. En esta «fantasía de fresa» ni Dagny ni la persona amada se atreven a dar el siguiente paso. Ambos se privan de vivir un auténtico amor de verano. Las dudas les invaden. Pero Dagny pide acción: «deberías acercarte un poco más, mientras el verano aún es dulce, ven antes de que cambie de estación».

«Si es ahora o nunca, más nos vale que sea ahora» es el gran lema que deja ‘Strawberry Dream’. Otra gran canción pop por parte de la cantante noruega autora de ‘Strangers/Lovers‘, a la que finalmente podremos atribuir un segundo álbum, cuatro años después del primero.

‘Dizzy’ de Olly Alexander ganaría Eurovisión en un universo paralelo

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Eurovisión 2024 está condenado, y con razón, a ser noticia únicamente por la lamentable participación de Israel en medio del genocidio en Gaza, donde han muerto ya más de 30.000 personas, muchas de ellas, niños. Han fallecido 13.000 menores de edad. Olly Alexander ha sido uno de los artistas más activos con su condena, y uno de los que más están siendo cuestionados por ello a través de las redes sociales.

Aunque en este momento a nadie le pueda importar el festival, el artista ha presentado una de las mejores canciones en representación de Reino Unido. El líder de Years & Years ha publicado en solitario una producción de Danny L Harle (Charli XCX, Sophie) que no puede sonar más a nuestros tiempos.

Fan y colaborador de Pet Shop Boys, Olly Alexander recuerda a ‘It’s a Sin’ en los primeros segundos de la canción, desarrollando luego un ejercicio sobre ese amor que te trastoca y te nubla la mente. Alguien que te besa y te «marea», te deja «atontado» es el destinatario de este ‘Dizzy’ que hace de la contención y del crescendo su virtud en la que sin duda es la mejor canción que Reino Unido ha presentado a Eurovisión en décadas. No ha gustado mucho ni va a ganar, pero perdurará en los zappings como lo hizo Sébastien Tellier.

En entrevista con JENESAISPOP, Alexander nos contaba que no estaba pensando específicamente en Eurovisión cuando escribió ‘Dizzy’ junto a Danny. Ha hecho un disco enteramente con él y esta es una de las dos composiciones que presentó a la preselección. La influencia más específica fueron Stock, Aitken & Waterman.

«A Danny y yo nos ha influido muchísimo la música de los ochenta. El pop de los ochenta ha tenido y sigue teniendo un enorme impacto cultural, y el reto para mí ha sido hacer algo que sonara fresco pero también auténtico a lo que soy yo como artista. Danny tiene un gusto musical muy particular, además de un talento fuera de lo común. Su cerebro es increíble. Entre los dos hemos llevado ‘Dizzy’ a ese lugar que suena como nuestras influencias pero también a algo que es mío». En cuanto a nombres, dio los de Erasure, Pet Shop Boys, New Order, Mel & Kim, Adamski y Seal.

En cuanto a la letra, la relacionaba con la que será la actuación en Eurovisión: «Básicamente habla de un chico que te hace sentir tal subidón de emoción que te «marea». En la letra hemos llevado esa idea del «mareo» al extremo hablando sobre la idea del tiempo circular, el tiempo que se repite y vuelve a su origen. En la música esto se traduce por ejemplo en la presencia de sintes arpegiados y de contrarritmos. En la sensación de que no sabes qué va a pasar después. En la actuación vamos a jugar con eso para que la gente se sorprenda».

Fabiana Palladino

De un lado tenemos a los proponentes del collage, la microcanción y el hit fresco e improvisado supeditado al algoritmo. Del otro, aquellos que ofrecen un producto esmerado y cuidado hasta el máximo detalle. Fabiana Palladino entra en la segunda categoría. Palladino, que se dio a conocer hace una década con una serie de singles producidos junto al enigmático Jai Paul, lleva todo este tiempo preparando su primer disco, sin prisa pero sin pausa, confiada de que nunca su obra podrá llegar demasiado tarde si el resultado es atemporal.

Es el caso de su debut homónimo diseñado nuevamente junto a Jai Paul, aunque es ella la productora principal de todas las canciones. El disco de Fabiana Palladino es a la vez nostálgico y actual: basándose fielmente en el sonido del pop de los años 80, en concreto el de Janet Jackson y Prince, Palladino le pasa un paño y lo hace sonar completamente nuevo y reluciente. No está de más que Fabiana viene cargada con una serie de canciones estupendas que ningún pero merecen.

El disco de Fabiana es, desde el principio hasta el final, un ejercicio de elegancia y virtuosismo musical de los que no sobran. A Fabiana el «expertease» le viene de serie: ella es hija del reputado bajista de sesión Pino Palladino, al que has escuchado por ejemplo en ‘Voodoo’ de D’Angelo (2000), y a lo largo de su carrera ha tocado con Jessie Ware o Sampha. Ware se encuentra entre las artistas que han recomendado el disco de Fabiana en sus redes. También Lorde, quien la considera una de las mejores artistas del momento.

Pero Fabiana solo se necesita a sí misma para convencerte de que su disco vale la pena. Las canciones son sobresalientes y la producción absolutamente exquisita del primer segundo al último. Es especialmente excelente la labor a las percusiones, la cual, añadido a la calidad de las melodías y las armonías vocales, hace que canciones como la inicial ‘Closer’ hagan sonar los ochenta mejor incluso de lo que recuerdas. Los teclados, cuando resuelven el estribillo de ‘I Care’, la gran balada del disco, son de una elegancia díficil de superar.

Un disco que toma como temática central el concepto de “solitud”, que no soledad, el de Fabiana Palladino es uno de esos álbumes de pop que cobran vida en la noche. Y ella, que durante su vida se ha empapado de la influencia de Stevie Wonder, Kate Bush o Todd Rundgren, sabe escribir una buena melodía. La de ‘Stay With Me Through the Night’ es la más clásica, y la balada más atormentada de los ochenta tampoco se le resiste en el single ‘I Can’t Dream Anymore’.

Fabiana Palladino -nativa de Londres- huye de los clichés aportando ideas y texturas sonoras que saben a siglo XXI, en una producción que hace sonar el pop y el R&B de los ochenta como si ocurrieran hoy. Pero también esquiva tópicos en unas letras que revierten expectativas. ‘I Care’ se inspira en los duetos románticos de la Motown, pero solo para darles la vuelta y “explorar la normatividad en las relaciones amorosas”. Cuando Fabiana canta que se siente “más cerca” de su amado, en ‘Close’, se engaña a sí misma, porque, en realidad, canta, “no estoy segura de que te quiera a mi lado”.

Y tampoco se resiste Fabiana a indagar en su debut en diferentes estilos. Aún sonando cohesivo y dotándose de un acabado inmaculado, hay en el debut de Palladino ecos al Prince rockero en ‘Shoulda’ y también a los sintetizadores de Depeche Mode en ‘Deeper’, que “profundizan” en el sonido de los remixes de 12 pulgadas de la época. Pero ni siquiera la actualización del sonido Aaliyah en ‘In the Fire’, fantástica, te prepara para la maravillosa balada final, ‘Forever’. Una promesa a la eternidad, de sonido setentas, que recuerda con añoranza un antiguo amor: “aunque mi vida es más simple ahora que no estamos juntos, te seguiré echando de menos”. Suena a cliché pero, en manos de Fabiana Palladino, te convence de que es algo nuevo.

‘El problema de los tres cuerpos’: decepción de los creadores de ‘Juego de tronos’

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Las últimas temporadas de ‘Juego de Tronos‘, especialmente la última, fueron una decepción para la mayoría de sus seguidores. Un defecto que se repetía en las críticas era cómo, frente a la cocción a fuego lento que había caracterizado hasta entonces las tramas de la serie, hacia el final el ritmo se había acelerado tanto que muchas decisiones de los personajes no se entendían… precisamente en una saga que, tanto en el material original como en gran parte de su adaptación, había cuidado la evolución de los personajes.

George R.R. Martin les había contado el final a David Benioff y D.B. Weiss para que pudiesen terminarla pese a no existir aún los libros, pero la ejecución fue lo que falló. Esto nos puede decir, por un lado, que la calidad de ‘Juego de Tronos’ se debía más al material original que al talento de Benioff y Weiss… y, por otro, que éstos tenían prisa en acabarla, ya que se sabe que la propia HBO pidió al menos una temporada más.

Se ha hablado mucho sobre si el motivo fue esa trilogía de ‘Star Wars’ que finalmente no llegó a materializarse, o el exclusivo acuerdo firmado con Netflix… El caso es que, cinco años después del final de ‘Juego de Tronos’, ha llegado a Netflix el primer resultado de ese acuerdo, y la primera serie de Benioff y Weiss tras el final de la exitosa saga.

‘El problema de los tres cuerpos’ adapta la novela homónima de Liu Cixin, primera entrega de una saga de ciencia ficción que, como ‘Canción de hielo y fuego’, se consideraba imposible de adaptar. Benioff y Weiss, que otra cosa no pero confianza en sí mismos tienen un rato, volvieron a canalizar su John McClane interior y se pusieron manos a la obra con una historia que, sí, es ciencia ficción, pero con el “ciencia” en luces de neón (no en vano Cixin es ingeniero, y trabajó como tal hasta que el éxito de los libros le permitió vivir de su pluma).

La saga incluye descripciones densas sobre física cuántica y pasajes sobre cuestiones existenciales y morales de la raza humana, nada de lo cual uno espera encontrar en una serie de Netflix, así que el trabajo del dúo dinámico ha sido aligerar un poco esto sin quitarle su esencia, y también occidentalizarlo: del científico Wang Miao hemos pasado a un grupo de amigos físicos de Oxford. Y, aunque China sigue teniendo un hueco importante, aquí el escenario principal es Londres, la máxima autoridad (en materia de ocultismo) es un señor inglés, y las críticas a la Revolución Cultural y a la dictadura china son más explícitas.

Todo comienza cuando la hija de un físico presencia el asesinato de su padre por “traidor a la revolución”, y es enviada a un campo de trabajos forzados, donde su interés por la ciencia se mantiene, pero no su esperanza por la Humanidad. Y esto tiene mucho que ver con los extraños sucesos que empiezan a ocurrir sesenta años después, en nuestro presente: los aceleradores de partículas se vuelven locos, una especie de secta milenarista actúa de forma invisible (literalmente), científicos del más alto nivel se suicidan, y otros se enganchan a un videojuego de realidad virtual sobre una raza extraterrestre condenada a extinguirse. Todo esto, aunque no lo parezca, guarda relación y acaba cobrando sentido.

De hecho, la mitología de la serie es uno de sus aspectos más destacados, ayudando a que quieras devorar los episodios y, en definitiva, a que quede algo muy entretenido. Pero también queda la sensación de que, con este material, podría haber sido mucho mejor: Weiss y Benioff vuelven a creerse más listos de lo que son, y no sirve de mucho la asociación con el otro showrunner de la serie, Alexander Woo (guionista de ‘True Blood’), ni la recuperación de exes de ‘Juego de Tronos’ como Ramin Djawadi para la BSO (mucho mejor su trabajo allí; aquí parece una copia de lo que hicieron M83 para ‘Oblivion’) o Liam Cunningham, John Bradley-West y Jonathan Pryce para el reparto (Davos, Sam y Gorrión Supremo, respectivamente).

Como decimos, el aspecto científico, y la mitología de la serie en general, es interesante, pero su manejo no se parece mucho a series como ‘The Leftovers‘ y ‘Years and Years‘, sino más bien al de ‘El Barco’. Entre agujeros de guión, situaciones forzadísimas y su incapacidad para transmitir el caos global (que por momentos llega a eliminar la suspensión de incredulidad del espectador), la sensación es que a sus creadores esta historia les queda grande, como les ocurrió en parte con el mundo de Poniente.

Recuerda un poco a ‘Scandal’ porque, si aceptas que no vas a encontrar una gran serie y pones de tu parte en abrazar su locura, sí que resulta una cosa de lo más entretenida. Y también podemos decir que recuerda a ‘Scandal’ respecto a su moral: viéndola estos días, es inevitable acordarse de los crímenes del gobierno de Israel con cierta trama (que cuenta con la escena más potente de la serie, eso sí) y su falta de consecuencias. En su manejo de dicha trama (que podría ser clave a nivel narrativo) Benioff y Weiss parecen pensar solo en el shock value y no en la psicología de sus personajes, y mira que lo tenían fácil para conectarlo con la misantropía de Ye Wenjie y las reflexiones de Cixin.

Lo cual nos lleva al otro gran problema de la serie: sus personajes. En el reparto, además de los tronistas mencionados antes, encontramos a Benedict Wong (la mano derecha del Doctor Strange en las pelis de Marvel), Eiza González (‘Baby Driver’), Sea Shimooka (‘Arrow’), Saamer Usmani (‘Succession’), Jovan Adepo (‘Watchmen’), Vedette Lim (‘The Undoing’), Rosalind Chao (‘Six Feet Under’, ‘Star Trek: The Next Generation’), Alex Sharp (‘El juicio de los 7 de Chicago’, ‘How to talk to girl at parties’), Marlo Kelly (‘The Dare’), Jess Hong o Zine Tseng. Un cast sin grandes estrellas, en los que los personajes deberían estar cuidados (pista: no es así) para enganchar al espectador, y sobre todo para evitar algo que muchas críticas han mencionado: si no nos importa el presente de estos personajes, ¿cómo nos va a importar lo que les suceda a sus descendientes (¿o a ellos?) en 400 años? Hay aquí un buen simbolismo con el cambio climático que, por supuesto, también se desaprovecha más allá del guiño con ‘Primavera Silenciosa’.

Pese a todo esto, como decía antes, si te olvidas de los problemas de ‘El problema de los tres cuerpos’, puedes disfrutar mucho. Y, si hay más temporadas (las audiencias han sido buenas, pero no lo esperado para lo carísima que ha sido su producción), estaremos atentos a la conclusión de esta historia, ya que la primera temporada se queda a mitad del segundo libro. Si no, siempre nos quedará la versión china.

5 razones por las que ‘Mr. & Mrs. Smith’ es una de las mejores series de 2024

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Todavía quedan muchas por llegar: ‘El pingüino’ (HBO), ‘Fallout’ (Prime Video) ‘The Acolyte’ (Disney+), ‘Los años nuevos’ (Movistar+), ‘1992’ (Netflix), ‘El simpatizante’ (HBO)… Pero entre las “series más esperadas de 2024”, la que por ahora ha cumplido con creces todas las expectativas ha sido ‘Mr. & Mrs. Smith’ (Prime Video), el nuevo trabajo de Donald Glover/Childish Gambino. Y eso que el proyecto amenazó con torcerse cuando lo abandonó Phoebe Waller-Bridge por “diferencias creativas”.

1. Es mucho mejor que la película. ‘Sr. y Sra. Smith’ (2005) fue un exitazo. Pero no porque fuera buena, sino por el inmenso tirón popular que tenía su pareja protagonista. A principios de siglo, Brangelina podían llevar multitudes al cine con solo guiñar un ojo en un tráiler. ‘Mr. & Mrs. Smith’ rompe completamente con la acción glamurosa y tontorrona de la película. Y lo hace de la mejor manera: con un estupendo prólogo protagonizado por Eiza González y Alexander Skarsgard, que sirve tanto de parodia y guiño al filme como de declaración de intenciones.

2. El cambio en la premisa inicial. Los Smith ya no son un matrimonio que descubre que son espías, ahora son espías que trabajan juntos fingiendo ser un matrimonio. Esta vuelta de tuerca argumental permite a Glover incorporar una línea narrativa inesperada: ‘Mr. & Mrs. Smith’ es principalmente una comedia de acción, pero también una sorprendente crónica de una relación de pareja, mucho más reflexiva de lo que cabría esperar. Una estupenda historia de amor dentro de un vibrante y divertidísimo thriller de espías.

3. Personajes, no estrellas. Pitt y Jolie pueden ser buenos actores. Sin embargo, en ‘Sr. y Sra. Smith’ eran dos estrellas de Hollywood jugando a hacer de espías. La mayor dificultad que tuvieron con sus papeles fue aprenderse el guion. En la serie, solo en los diez minutos iniciales hay más profundidad dramática y psicológica en los personajes que en toda la película. Donald Glover y Maya Erskine (conocida por ‘PEN15’, inédita en España) tienen tanta química como Brangelina, pero no solo sexual. Sus personajes trasmiten muchas emociones más allá de la atracción erótica. Su humanidad, lejos de restarles carisma y glamur, los hace irresistibles (además de muy divertidos).

4. Su estimulante estructura narrativa. No sé si terminará siendo una tendencia, pero la estructura “caso de la semana”, con la fantástica ‘Poker Face’ como abanderada, parece que está regresando poco a poco a las series tipo thriller. Cada capítulo de ‘Mr. & Mrs. Smith’ narra una misión, a cada cual más ingeniosa y emocionante. Y todos los episodios están articulados a través de la narración de la relación de la pareja. Un desarrollo explicitado en los títulos de cada capítulo: ‘Primera cita’, ‘Primeras vacaciones’, ‘Terapia de pareja’, ‘Infidelidad’… Una mezcla de narrativas y tonos -acción, romance, humor- que funciona de maravilla.

5. El enorme partido que saca a las guest stars. Enlazando con lo anterior, cada capítulo tiene la “aparición estelar” de un actor o actriz invitado: John Turturro, Paul Dano, Sharon Horgan, Ron Perlman, Sarah Paulson… Hasta aparece Úrsula Corberó (que da lugar a una broma tronchante). No son simples reclamos para atrapar la atención del espectador, sino personajes muy atractivos y con entidad propia, fundamentales para la trama y para ayudar a la caracterización de la pareja protagonista.

¿Lo próximo de este dúo? La serie ‘The Perfect Nanny’ (HBO), en la que Maya Erskine es creadora y protagonista junto a Nicole Kidman, y ‘Lando’, película de Star Wars (en un principio iba a ser una serie), con el rapero como guionista y protagonista.