Hoy es el lanzamiento de ‘LUX’, uno de los discos más importantes a nivel mundial, pero el comercio pequeño no va a disfrutarlo. Según denuncia El Diario en un artículo de nuestro ex redactor Francisco Gámiz, Sony España no está distribuyendo el nuevo álbum de Rosalía en las tiendas pequeñas. Ha priorizado Amazon, Fnac y El Corte Inglés. Por ejemplo, solo han llevado 3 copias a La Botiga de El Genio Equivocado en Barcelona. La misma dinámica de otras tiendas de Discos Oldies de Valencia o Discos Bora-Bora de Granada.
JENESAISPOP ha podido comprobar que la situación es la misma en la madrileña tienda Marilians. Nos responde Dani que ellos solo han recibido «3 vinilos y 8 CD’s», cuando su negocio es la venta de vinilos, apenas venden ninguna edición en CD. «Es indignante», nos indica. «3 vinilos y 8 CD’s es lo que nos han ofrecido para tener hoy. Una pena ya que para nosotros es el lanzamiento más importante del año».
En los tiempos que corren, cuando es tan difícil prever cuántas copias venderá un vinilo, y para ganar margen por supuesto, se está priorizando la venta a través de la web del sello y del propio artista. Hasta ahí, más o menos OK: es lógico y habitual que el artista quiera renunciar al coste de distribución si puede, para ganar margen tras la enorme inversión que supone costear un álbum.
El problema es cuando se activan preventas en grandes almacenes, pero no en el comercio pequeño. Y cuando se entregan muchas más copias a grandes almacenes que al comercio pequeño. «Ojalá algún día las majors vuelvan a mirar también hacia abajo, donde late de verdad la música», ha escrito La Botiga en una carta dirigida a Rosalía en sus redes. Desde Sony, llegaron a responder a La Botiga sobre el tema de la preventa: «Son estrategias comerciales y no podemos hacer nada».
El Diario ha contactado ahora con Sony para ampliar su versión de los hechos, sin obtener respuesta de momento. Este mismo medio revela que Miguel de la tienda Linacero de Zaragoza, suele trabajar con una distribuidora europea, donde le suelen entregar más copias de un álbum que la propia major española. Es el colmo del absurdo Sobre ‘LUX’, indica: “Lo vamos a traer de Holanda. ¡Fíjate qué disparate!», pues le habían advertido que desde el sello español “iban a llegar poquísimas copias”.
En el año 2001, la cantante mexicana Paquita la del Barrio (que en paz descanse) publicó ‘Rata de dos patas’, la canción de despecho más despiadada de la historia. Su espíritu recorre ‘La Perla’ de Rosalía, sobre todo su intención humorística.
Sobre un ritmo de vals, Rosalía describe a un «playboy» que es un «campo de minas para (su) sensibilidad» y que tiene la «medalla Olímpica de oro al más cabrón». En este corte de ‘LUX’, Rosalía hace un traje a un ex derrochador que se cree el centro del mundo, que miente a su terapeuta, que es un «terrorista emocional» y que colecciona «bras»… ¿de sus fans? Parece que Rosalía ya no busca esa perla en el fondo del mar, sino que la esquiva.
El humor de ‘La Perla’, una colaboración con el grupo estadounidense de regional mexicano Yahritza y Su Esencia, cuya vocalista tiene un timbre parecido al de Vila Tobella, tanto que sus voces se confunden ligeramente cuando armonizan; llega a su punto álgido en el puente recitado de la canción, en el que Rosalía retrata a un tío subidito de ego, llena de ironía.
Pero ese humor no se limita a la letra, sino que también se filtra en el arreglo musical, que, sobre todo en la entrada de los vientos, remite a las orquestas de los años 30 y 40. La coincidencia entre la palabra «doppelgänger” -una palabra tan inusual como inesperada- y el clímax orquestal de la canción construye un momento maravillosamente absurdo y cómico.
‘La Perla’ no es la canción más representativa de ‘LUX’, pues se inicia con unos acordes de guitarra acústica, aunque poco a poco la orquesta se impone. Pero, elegida como «focus track» en el día de estreno del disco, y colocada en primera posición del Today’s Top Hits, sin duda es una de sus composiciones más inmediatas y accesibles.
Las listening parties, ese evento por el que nadie en la industria habría dado un duro hace nada, continúa mutando y diría que puede ser para bien. Contra todo pronóstico, hay quien le está echando imaginación. Tras las aventuras de Kanye West, Billie Eilish y en España Aitana contando personalmente de qué iba aquello de ‘Cuarto azul’, Rosalía ha montado un evento medio secreto en el MNAC de Barcelona.
Los fans y la prensa lo vieron en grada, mientras por el patio de butacas desfilaban un desvarío de famosos de todo pelaje que incluyó lo mismo a músicos como Amaia, Guitarricadelafuente, Amaral y Rodrigo Cuevas, que a actores y presentadores como Rossy de Palma, Jordi Évole, Carmen Machi o Paco León. Los veinteañeros chillaban cuando veían pasar a alguien tipo Omar Montes o Belén Esteban. Curiosamente gritaron casi tanto al avistar a Noemí Galera.
La performance, de una belleza tamaño Marina Abramović, fue hasta donde yo sé inédita. Cuando te quieres dar cuenta, la artista, de nuevo de blanco, está ya tumbada sobre un escenario decorado en el mismo color. De lejos, solo se le distingue la melena. Y así, en silencio absoluto cual monja de clausura (la de la portada de ‘LUX’), permanecerá en todo momento, moviéndose tan solo en un par de ocasiones. Un texto en una pantalla donde después se proyectarán las letras, te invita a perderte durante esa hora. A veces la sala, protegida por gigantes cortinas también blancas, está completamente a oscuras. Las proyecciones sugieren que es «en la oscuridad donde puedes encontrar la luz». Sobre todo si te concentras «un segundo, un minuto, una hora». ¿Resistirás una hora escuchando música sin mayores distracciones?
Respective Collective
La solemnidad de la sala acompaña la nueva era conceptual de Rosalía, como no podía ser de otra forma. La espectacular bóveda del MNAC es casi centenaria porque la música de ‘LUX’ no conecta décadas como ‘Motomami’, sino siglos. Cuando estás maravillado por el acontecimiento, una voz en off informa de que la Generalitat está a punto de enviar una alerta de temporal a todos los móviles. El aviso nos conecta con el futuro. Porque el futuro será cuando de verdad nos vayamos a casa al recibir esto. Instantes después, a la hora programada, se empieza a pinchar el nuevo disco al completo, en su edición deluxe.
La alerta se anuncia para las 22.00 pero llega algo antes de tiempo. Seguro que Rosalía agradece que tal «distracción» ocurra durante el caos de ‘Porcelana’, como un arreglo más, y no durante la intimista ‘Mio Cristo’, poco después. Parece que la catástrofe bordea la promoción de este disco -las filtraciones, el single que iba a salir pero no, la posible multa del ayuntamiento de Madrid, el embargo de la información que luego se levantó-, pero al final no llega la sangre al río. La alerta de Illa se integra en un momento ruidista. Y una filtración a 2 días del lanzamiento no es tal drama. A Harry Styles se le filtró su último disco 2 meses antes y ya nadie lo recuerda. La gente continúa escuchándolo.
Respective Collective
El drama es que alguien me sugiera por los pasillos que este evento ha perdido fuerza con la filtración del álbum. Yo al menos no tengo tan espectacular equipo de sonido en mi casa. Ni a Rosalía haciendo otra performance que algún día entenderemos, con sus aristas como la de Callao. Mantiene, por supuesto, el halo teñido en rubio sobre su pelo. En los mejores momentos de toda esta promo, no es que parezca estar llamando a Dios, sino que parece Dios en sí misma.
El disco. ‘LUX’ es una obra arriesgada, con momentos majestuosos, si bien más flamenca y R&B de lo imaginado tras la impresionante ‘Berghain’. Ha sido esta una catedral de canción que ha topado con mucho más éxito y teorías en la red de lo que en ninguna reunión de Sony se pudiera sugerir. Imagino que por eso se debe de haber abortado el segundo single. También hay pistas tan chocantes como ‘Novia Robot’, una de esas canciones empapadas de feminidad que prometían las numerosas colaboraciones femeninas del álbum. La gente arranca a aplaudir por primera vez al término de ‘Mio Cristo’, la 5ª pista. Se ríe después de la divertida ‘La perla’. Reconoce ‘De madrugá’ porque se la sabe hace años. Alguien reza por un álbum de Rosalía enteramente en italiano. Se emociona con el tratamiento de la muerte de ‘Magnolias’. Por segunda vez consecutiva, Rosalía cierra un disco hablando de su propio deceso.
Acaba el disco y aun sin mediar palabra en ningún momento, Vila se levanta, abandona el escenario caminando entre el patio de butacas, saludando con la mano a un par de afortunados. A continuación se expulsa a la plebe del MNAC con muy malas formas. Solo los famosos se salvarán en caso de riada, pero la noticia es que nos dejaran tocar el cielo por un momento. No puedo dejar de acordarme de la exposición que ha hecho Rosalía sobre la influencia de la música clásica o experimental en su obra. Frente a la teoría de su hermana y escudera fiel, la artista defiende que ella lo que hace es pop. Rosalía quiere que la escuchen lo mismo Rodrigo Cuevas que Belén Esteban. El vulgo presente y la Reina que debería haber venido (Letizia, Madonna ya le ha dado su visto bueno). Music makes the people come together. Acaso por eso ‘LUX’ referencia obras tan conocidas de Vivaldi o Mozart. Es el tipo de música clásica tan famosa y reconocible que es abiertamente pop. Canciones que todo dios podrá tararear en el futuro.
Las hermanas Crutchfield comenzaron juntas en el mundo de la música, pero sus caminos acabaron evolucionando de formas distintas. Katie crearía su exitoso proyecto Waxahatchee, mientras que Allison acabaría siendo vocalista de la ya extinta banda Swearin’ y lanzándose también como solista. Pero antes de todo eso, con veinte años, fundaron P.S. Eliot, un grupo que pese a su corta vida y su carácter underground consiguió captar la atención de muchos en la escena indie rock estadounidense de finales de los 2000-principios de los 2010s y que hoy en día cuenta con una suerte de estatus de culto. La cineasta Jane Schoenbrun (‘We’re All Going to the World’s Fair’, ‘El brillo de la televisión’) nombró su debut ‘Introverted Romance In Our Trouble Minds’ como el disco que puntuaría con un 10 de 10.
El regreso de las gemelas como banda no ha contado ni con singles ni con promoción, como si quisieran darle una sorpresa a todos los que recuerdan con cariño aquellos prometedores inicios. Está claro que ni Katie ni Allison son las mismas de aquel entonces y por ello, el sonido de Snocaps está más cerca de Waxahatchee que de P.S. Eliot. Aun así, todo lo que hacía especial a aquel proyecto continúa presente aquí.
La química creativa entre ambas sigue siendo un arma poderosa. Aunque cada canción está escrita por una de ellas en solitario y con una sola voz como protagonista, hay una simbiosis de estilos tal que a veces cuesta diferenciar quién es quién. Aunque el tono de cada canción puede dar alguna pista. Allison, en general, es la compositora de las producciones más guitarreras y luminosas como las pegadizas ‘Heathcliff’ y ‘Over Our Heads’ (donde las guitarras suenan gloriosas) o ‘Brand New City’, muy heredera de ese sonido twee-pop de su proyecto anterior. Katie, por el contrario, se encarga de las canciones más melancólicas, como ‘Doom’, ‘Hide’ o ‘I Don’t Want To’. Pese a que el sonido es más indie-rock que el de sus últimos discos, no se desprende del todo de ese twang country que tan buenos resultados le ha dado en los últimos años. De hecho, temas como ‘Wasteland’ o ‘Cherry Hard Candy’ no desentonarían demasiado en ‘Tigers Blood’.
Precisamente, dos partes esenciales de ese disco vuelven a aparecer aquí: MJ Lenderman a la guitarra y Brad Cook como productor. ‘Snocaps’ se beneficia de ello, pues ambos saben sacar el máximo partido de las composiciones, cuyas mezclas suenan siempre limpias y sofisticadas, dando espacio para que las voces y la poesía de las letras destaquen. ‘You In Rehab’ es un buen ejemplo, en la que se habla sobre la mezcla de preocupación y alivio cuando un ser querido por fin decide ir a rehabilitación para curar su adicción. La voz de Allison y las armonías de Katie conmueven por encima de las cálidas guitarras.
En lugar de recurrir a la nostalgia, las hermanas optan en este proyecto por mostrar una versión actualizada de ellas mismas, ofreciendo un disco indie-rock que representa sus intereses musicales en este momento. Sin pretensiones de inventar nada y con el objetivo de volver a crear música juntas y pasárselo bien, ‘Snocaps’ es una sólida exhibición del talento de ambas como dúo. Seguro que no defraudará a los fans de P.S. Eliot.
Hace unas semanas salía el Anuario de Fundación SGAE, que se puede descargar de manera gratuita. Ahí podéis encontrar todos los detalles de lo que está ocurriendo con la música en España. Cómo los ingresos por música grabada están subiendo, pero sobre todo cómo los ingresos por música en vivo están totalmente desbocados, tanto en cuanto a festivales como en cuanto a conciertos.
Las cifras las analizamos hace unos días, pero ahora Rubén Gutiérrez, director de Fundación SGAE, visita el podcast ALGO CAMBIÓ… para profundizar en las causas y analizar un montón de curiosidades.
Gutiérrez cree que la subida de la música en vivo en España se debe a conjunción de 3 factores: «la recuperación anímica de la crisis pandémica. Por otro lado, se nos suma el crecimiento sostenido en el tiempo que ya había en la industria antes de la pandemia, después de la crisis de 2008 a 2013. Y el tercer vector sería la tremenda expresión de creatividad que hay por parte de autores y autoras, que están sabiendo conectar con sus públicos».
Si sumamos la bajada del cine, que las artes escénicas (el teatro) no termina de remontar, y la caída también de televisión y radio, cabe preguntarse si los españoles somos conscientes de lo importante que es la música en España. «Deberíamos pedir más conciencia. Las instituciones están dejando pasar las posibilidades de la música, no solo como motor económico asociado al turismo, sino a la hora de generar una cultura rica y diversa que sostenga la sociedad en estos momentos tan complicados de polarización. Cuando ves en un festival que son capaces de convivir 50.000 personas de distintas edades, orientaciones sexoafectivas, estéticas… Que está todo el mundo pasándoselo bien. ¿Por qué no somos capaces de llevar eso a la vida diaria? Es una pena que las administraciones públicas no sepan ver ese valor de cohesión social».
El director de Fundación SGAE elogia iniciativas como el bono cultural, porque con ese dinero mucha gente descubre más cosas. «Yo vengo de la economía. En la economía ortodoxa se estudia que la cultura tiene cualidades muy específicas. Hay un elemento muy propio de la cultura y es que necesitas cierta experiencia para conseguir una utilidad. Si le pones delante a alguien un concierto de música contemporánea no lo va a apreciar, no lo va a pagar. Para disfrutar de ciertas expresiones artísticas se necesita tiempo. Es muy importante que se empiece a generar ese gusto a través de la experiencia. Es como repartir caramelos en el cole».
El podcast incluye menciones a muchos de los conciertos más taquilleros del año, como los Bernabéus de Karol G, y el éxito de los macrofestivales. Los datos de 2024 no muestran indicios de burbuja festivalera, sino más bien todo lo contrario. «No hay indicios. Algo pasa con los festivales, que generan una corriente muy crítica pero de momento van bien. No todos, unos mejor que otros como todo en la vida. La sensación que tenemos es que los festivales se han metido muy dentro de los hábitos de ocio de la gente, cada vez en capas de edad más amplias. En festivales de verano te encuentras chavales de 18 y sus padres de 45. La gente hace sus agendas en función de los festivales. Puede haber un cambio de gustos en cualquier momento», indica apuntando a la buena marcha de la economía también.
Mad Cool anuncia mejoras para su edición 2026, cuya programación se revelará en los próximos días. La principal novedad es la reducción del aforo, que pasará a un máximo de 50.000 asistentes. El festival madrileño ha detallado además una serie de cambios y mejoras destinados a ofrecer una experiencia más cómoda y sostenible para el público, que son las siguientes:
–Ajustes de aforo para mejorar los flujos de acceso y la movilidad dentro del recinto.
–Reconfiguración de escenarios para optimizar horarios y mejorar la calidad acústica del evento.
–Nuevas distribuciones del espacio, con más amplitud en áreas de descanso, restauración y movilidad.
–Incremento de servicios: más puntos de agua potable gratuitos, más baños y mayor número de barras.
–Aumento de zonas de relax y sombra para mayor confort en las jornadas.
–Mejoras en accesibilidad (PMR): accesos especiales, baños adaptados, personal de apoyo, señalética inclusiva y préstamo de material especializado.
–Aumento de pantallas y mejora audiovisual para una experiencia más inmersiva.
–Un área de restauración que prioriza la calidad, con un espacio ampliado para para que la experiencia en esta área gastronómica sea mucho más cómoda.
Mad Cool explica que su renovado formato ha sido «concebido para ofrecer mayor comodidad, espacios más amplios y un ambiente más relajado, en línea con lo que el público ha trasladado a lo largo de los últimos años». El festival se celebra del 8 al 11 de julio en el espacio Iberdrola Music, en Villaverde.
Siguiendo con las reediciones de la discografía de Madonna, ‘Confessions on a Dancefloor‘ (2005) será reeditado esta noche en conmemoración de su 20 aniversario. El disco es visible en Spotify, aunque su escucha no estará disponible hasta la medianoche.
La reedición solo se producirá de momento en formato streaming y, además del tracklist original, incluirá tres bonus y cinco remezclas. Los temas “nuevos” son ‘Fighting Spirit’, editado originalmente en el boxset de «Confessions»; ‘Super Pop’, bonus exclusivo del club de fans de Madonna; e ‘History’, cara B de ‘Jump’. En cambio, ‘Triggering’, cuarto descarte del disco, vuelve a quedar fuera.
El lanzamiento parece improvisado, ya que no se lanzará en formato físico. Warner no parece haber puesto mucho empeño en elegir una portada que haga justicia a la importancia del lanzamiento ni en ofrecer contenido realmente novedoso para sus seguidores. Por ejemplo, la maqueta de ‘Keep the Trance’ lleva años filtrada, pero no se ha recuperado para este lanzamiento. Al menos, parece que se habría respetado el formato “sin interrupciones” del disco original, el cual tampoco estaba disponible en streaming.
13. Fighting Spirit
14. Super Pop
15. History
16. Hung Up (Chus & Ceballos Remix)
17. Sorry (PSB Mini-Mix)
18. Get Together (Jacques Le Cont Mix)
19. Jump (Axwell Remix)
20. Hung Up (Archigram Remix)
Radiohead ha comenzado su primera gira en 7 años en Madrid, por lo que todo el mundo musical tiene puesto los ojos en la capital española. Una de las grandes incógnitas de esta tanda de conciertos era el setlist. Sabíamos que la banda de Thom Yorke tenía tantas canciones en su repertorio que habían preparado alrededor de 65 temas para tocar en directo. No sabíamos que cada concierto sería una experiencia completamente diferente.
De momento, Radiohead solo han dado la mitad de los conciertos programados en Madrid, el 4 y el 5 de noviembre. El primer día las sorpresas incluyeron algunas de las canciones más queridas de la banda, como ‘Karma Police’, ‘No Surprises’ o ‘The National Anthem’. Ninguna de estas canciones sonó ayer.
En su lugar, las mencionadas de ‘OK Computer’ fueron sustituidas por ‘Exit Music (For A Film)’ y ‘Airbag’. Según lo que estaba escrito en el setlist, también iban a tocar ‘Climbing Up the Walls’, pero fue cambiada por ‘Myxomatosis’.
En general, el concierto se centró en ‘In Rainbows’ y ‘The Bends’, pero con matices. Del segundo LP sí tocaron ‘Planet Telex’ por primera vez desde 2017 y ‘(Nice Dream)’ por primera vez desde 2009. También incluyeron ‘The Bends’ y ‘Street Spirit (Fade Out)’, que no habían sonado el día anterior. Sin embargo, ni rastro de ‘Fake Plastic Trees’, la cual sí interpretaron el día 4.
Los amantes de ‘In Rainbows’, por otro lado, seguro gozaron con las inclusiones de ‘All I Need’, ‘Nude’, ‘Reckoner’ y ‘Jigsaw Falling Into Place’, que sonó por primera vez en 16 años. Por otro lado, canciones como ‘Everything in Its Right Place’ o ‘Let Down’ simplemente cambiaron radicalmente de sitio en el setlist. Esta última abrió el primer concierto y sirvió de comienzo del fin en el segundo, al ser la primera del bis.
¿Tendremos setlists radicalmente diferentes durante toda esta gira? ¿Se relajarán a medida que se completen las fechas? De momento, en Madrid todavía tienen que tocar los días 7 y 8 de noviembre. Lo que está claro es que si Radiohead quisiesen cambiar las 25 canciones del setlist en cada concierto, podrían. También es verdad que a muchos les quitaría el sueño por las noches.
Los Eclipses son el hipnótico dúo de música electrónica formado por la cantante francesa Eva de Marce y el productor mexicano Dan Solo. Sus nombres no es lo único que mola de ellos. Además de ser recomendados por Empire of the Sun, Los Eclipses también han abierto para artistas como Polo & Pan, Underworld o Delaporte. Ahora, preparan sus primeros conciertos titulares en España.
El debut del dúo, lanzado en 2024 con el nombre de ‘Eden Sauvage’ (‘Edén Salvaje’), también sirve como recopilatorio de toda la música publicada hasta ese momento. Por ello, encontramos un poco de todo, con el rompepistas ravero de ‘Sauvage’, el toque folclórico y psicodélico de ‘La Cumbia de los Corazones Rotos’ o ‘Mientras Tanto’, el tema más grande de su carrera y, a la vez, su primer sencillo.
La Canción del Día es ‘Elodie’, un atmosférico tema que te atrapa desde el primer momento gracias a sus inquietantes sintetizadores. Los Eclipses tienen canciones en inglés, español y francés, como es el caso de nuestra elección de hoy: «Eres muy hermosa en la noche, Elodie / Eres una forma de arte / La más bella forma de arte», canta Eva de Marce en el estribillo.
Podemos esperar que ‘Elodie’ sea una de las canciones que suenen en el concierto de Los Eclipses en la sala Vesta de Madrid, el próximo 26 de noviembre. El dúo no solo actuará en la capital, sino también en Valencia (27 de noviembre, Loco Club) y Barcelona (28 de noviembre, Casa Elizalde). Entradas ya a la venta.
Con cuatro discos publicados a sus espaldas, y con tan solo 25 años, Suu es una de las artistas jóvenes nacionales más prolíficas en el ámbito del pop. Su propuesta de indie pop en castellano y catalán cobra su mayor brillo encima de los escenarios, donde se une a su gran carisma. Este sábado estará en Café La Palma de la mano de Vibra Mahou.
Suu también es conocida por haber trabajado con la mitad del panorama indie, comenzando por Carlos Sadness, La La Love You, Ginebras, Delafé o Dorian. Más recientemente, la artista catalana también ha lanzado sencillos con Despistaos, la nostálgica ‘Muérdeme’, y ELYELLA, revolucionando la pista de baile con ‘Me falta tu voz’.
La versatilidad de Suu es también muy evidente en su discografía en solitario, en la que podemos encontrar canciones que van desde el pop rock hasta la electrónica, pasando por versiones de Radio Futura. Su último disco, titulado ‘Material sensible’, tiene temazos tan instantáneos como ‘Passen cosas’, similar a un rayo de sol, o la canción que pone nombre al LP.
En su concierto en Café La Palma, Suu repetirá el formato acústico con el que consiguió un doble sold out en abril de 2024. El show tendrá lugar este sábado 8 de noviembre a las 22h. Las entradas ya están disponibles, desde los 18 euros, en la web oficial de la sala.
Rufus T. Firefly sigue promocionando su último disco, el sobresaliente ‘Todas las cosas buenas‘, por una gira en España que se extenderá hasta diciembre de 2025 y que continuará a lo largo de 2026, de momento hasta la recién anunciada fecha de la banda de Aranjuez en Canela Party.
‘Todas las cosas buenas’, que acaba de ser galardonado en la gala de Reconocimientos AUPA! 2025 por PROYECTO DISCOGRÁFICO, incluía varios temas exclusivos de su edición física, entre ellos uno que se acaba de liberar en streaming por razones evidentes.
‘He soñado que tocaba en Triángulo de Amor Bizarro’ llamaba poderosamente la atención por su título, pues además no es la primera canción del disco que alude directamente a una figura del indie español: ahí está ‘Premios de la Música Independiente’.
Una pieza de exquisita arquitectura indie-rock, donde convergen polirritmos, punteos de guitarra y teclados psicodélicos, ‘He soñado que tocaba en Triángulo de Amor Bizarro’ es una carta de amor a Triángulo y, por extensión, a la música: ‘»En la noche más oscura mi guitarra resplandecía / Aplastaba mil fascistas con la espada de la justicia / Nuestro muro de sonido, cambiaba el curso del río / Y Rodrigo me decía, así se hace amigo», canta Víctor Cabezuelo. Después, el «abrazo de shoegaze» de la banda atraviesa a Víctor, quien reconoce que «cuando Isa abría la puerta, se desataba la tormenta».
El lanzamiento de ‘He soñado que tocaba en Triángulo de Amor Bizarro’ en plataformas coincide con la publicación de una colaboración real entre Rufus T. Firefly y Triángulo de Amor Bizarro, ‘Estrella solitaria’, una versión del tema de ‘SED‘ (2023) donde Julia Martín-Maestro de Rufus T. Firefly pone la voz principal. ‘Estrella solitaria’ formará parte de ‘Cura mi corazón’, el disco tributo a Triángulo de Amor Bizarro que Mushroom Pillow publica el próximo 5 de diciembre.
España no es un país especialmente agraciado en cuanto a giras internacionales. «Tal artista anuncia gira sin parada en España» es un titular recurrente en nuestro país, que solo en los últimos meses ha afectado a fans de Lorde, Florence + the Machine o Halsey. Esta vez nos ha tocado el gordo: la primera gira de Radiohead en 7 años, que además no presenta ningún disco de estudio, comienza con 4 fechas en un pabellón de Madrid.
Un tour que no se asocia a álbum alguno se presume de «grandes éxitos». Las entradas, previo registro, volaron dejando a decenas de miles de personas fuera de un recinto con capacidad para 17.000 personas. Si sirve de algo, conozco a mucha más gente que ha quedado fuera del Movistar Arena que a gente que ha conseguido ticket. Y eso que Radiohead exprimen al máximo las posibilidades del recinto, al optar por un escenario circular en el centro de la pista, que permite usar la totalidad del graderío. Una fórmula 360º que ya se vio, entre otros, a Metallica.
El grupo de Oxford vive un momento de popularidad exquisito, gracias a la viralidad en redes y plataformas de ‘Creep’ y también inesperadamente de ‘Let Down’, un track de ‘OK Computer’ que iba a ser single pero se abortó porque su vídeo no les cuadró. Jamás Radiohead han estado tan presentes en las listas de éxitos como hoy en día. Tienen el doble de oyentes que U2. No hay semana en que no aparezcan en los charts británicos o globales con 1 o 2 canciones, con 1 o 2 discos. Todo ello a pesar de que el grupo ha sufrido cierto «backlash» al ser, en primera instancia, tibio en su condena del genocidio en Gaza. De hecho, es que no usaron tal palabra.
Semanas antes del inicio de esta gira, el grupo se ha explicado en una amplia entrevista en la que varios miembros han hablado largo y tendido de su visión. Aparte de los lazos personales de Jonny Greenwood con Israel a través de su pareja -el guitarrista es partidario de luchar contra el sistema desde dentro, acude a manifestaciones contra Netanyahu, toca con músicos «árabes y judíos»-, hay que recordar que la postura de Reino Unido, por razones históricas, no es la de España. Decenas de artistas anglosajones han recaudado fondos por Palestina, pero son mayoría inmensa los que han guardado un incómodo silencio.
A falta de comprobar la durabilidad, la eficiencia y el respeto al alto el fuego, diría que Radiohead han evitado vítores pro-Palestina en el inicio de su gira gracias a esta entrevista. Thom Yorke lo dijo claro: no quiere actuar ni a miles de kilómetros de Netanyahu. Pero la reconciliación de la que hablo en el titular es sobre todo musical. Los encantos de ‘A Moon Shaped Pool‘ (2016) y sobre todo los de ‘The King of Limbs‘ (2011), que existieron, se disolvieron con los años. Y demasiadas veces asistir a un concierto de Radiohead fue asistir a una sucesión de caprichos. «Hoy no queremos tocar ‘Creep'». «Mejor vamos a hacer este disco nuevo entero». «Mañana en este festival no queremos sonar alto porque perdemos nitidez».
‘Creep’ no sonó anoche. Estoy seguro de que lo hará en algún momento de esta gira, incluso puede que en alguna de las fechas que quedan en Madrid. Pero es que desde que Radiohead han viralizado tantas otras cosas en las redes, ya no hace falta, si es que alguna vez la hizo, porque es que hace ya 30 años que no es su mejor canción. Desde que el concierto empezó con los primeros acordes de ‘Let Down’ y el pabellón se vino abajo, supimos que iba a ser una noche de grandes emociones.
Es justicia poética que ‘Let Down’ haya terminado obteniendo tal éxito comercial este 2025. De alguna manera era la heredera natural, solo que futurista, de ‘Creep’. Entre sus ambiguas interpretaciones se consentía la de seguir representando a un «raro» alienado. «Aplastado como un bicho en el suelo». La conjunción entre guitarras y teclados fue además especialmente gratificante en las canciones acústicas en el remodelado y mil veces rebautizado Palacio de los Deportes de la ciudad. Todas las canciones acústicas fueron especialmente emotivas, en tanto que la voz de Thom Yorke brillaba y sentías vibrar hasta la última pandereta. A saber, ‘No Surprises’ seguida de ‘Videotape’ (!), en el bis una ‘Fake Plastic Trees’ de infarto (!!), y finalmente ‘Karma Police’ para terminar (!!!).
Los momentos rockeros fueron más complicados. Si en la hora previa al concierto, el grupo decidió apagar las luces y exhibir unas notas sueltas como sampleadas de su adorado Paul Lansky, en los momentos guitarreros muchas veces se rozaba el caos total. Deliberado quizá, en sintonía con el mundo retratado por Radiohead de toda la vida de dios, lo cierto es que en momentos como ‘Myxomatosis’, Thom Yorke podría haber cambiado la letra en favor de un dardo político, y nadie se habría enterado. El problema, para cuando llegó una espléndida ‘There There’ al final del concierto, parecía resuelto y quizá se vea reducido en días venideros.
O quizá Radiohead quieran hacer de él una seña de identidad. Los gritos y lamentos característicos de Thom Yorke que no transmitirían lo mismo si no estuvieran ahogados por la música. Las percusiones sonando fuera de tempo cuando no las esperas son clave, y la elección de meter una segunda batería o incluso una tercera forma de percusión en ciertas canciones es deliberada, quizá metafórica de los tiempos machacones y taladradores que nos ha tocado vivir.
El escenario circular estuvo protegido durante los primeros temas por pantallas LED de proyecciones borrosas, difuminadas y distorsionadas, en general de la propia banda en vivo. No se alzaron en parte hasta ‘Bloom’, el cuarto tema, y finalmente se recrearon en la friquez de Thom Yorke durante ‘You and Whose Army?’. Primerísimos planos de su cara y gesticulación hiperbólica para un líder que en general parece gozar de aparecer entre sombras. Tampoco faltaron sus movimientos alocados, que le valieron un meme en los tiempos de ‘Lotus Flower’. Sin dirigirse al público, para nada, en prácticamente ningún momento, hasta el punto de que cuando pronunciaba un «OK», se desataba el delirio (nunca fue su estilo hacerlo de otra manera), Thom Yorke sirvió para todos los que, como él, fuimos unos raros.
Tan raros como para ir a verle a Bilbao con 20 años en un autobús, con lo puesto, sin una peseta en el bolsillo, ni un sitio donde dormir; tan raros como para preferir ‘Let Down’ al último trend absurdo de TikTok, los asistentes respondieron sobre todo a un repertorio de órdago. No voy a decir «de 10» porque ‘Hail to the Thief’ no es su mejor disco y desplegaron de él hasta 6 composiciones; concordemos «de 9». Ahí estuvieron ‘Lucky’, las canciones rescatadas de los monumentales ‘Kid A’ e ‘In Rainbows’ -a destacar ‘Bodysnatchers’ seguida de ‘Idioteque’- o por supuesto ‘Paranoid Android’. Ya solo Rosalía arriesga con singles así. Radiohead, que se atrevieron a ir contra las normas en los tiempos en que MTV era tan inquisidora como hoy lo es Spotify, se dan su merecido baño de masas 3 décadas después.
Ante unas listas dominadas por el pop más inofensivo posible (un saludo a Taylor Swift, Olivia Dean y Alex Warren), se agradecen propuestas como la de Ashnikko, que vienen a sacudir el sistema. En ‘Smoochies’, su segundo largo, la cantante y rapera estadounidense coquetea continuamente con el mal gusto y lo porno, como en esa portada que pretende evocar ternura e incomodidad al mismo tiempo.
Concebido como un disco más inmediato y fresco que el debut, ‘WEEDKILLER’ (2023), ambientado en un “mundo distópico posapocalíptico”, ‘Smoochies’ pretende parecerse a una “conversación de comida con amigos en la que se dicen las mierdas más gráficas y groseras”. ‘Smoochies’ da de eso dos tazas.
En ‘Chichinya’, de corte k-pop, Ashnikko revela haberse “afeitado los pelos de los dedos de los pies por ti”. En ‘Sticky Fingers’ pide a su chico que “no tema su arbusto” y que le “adore los pies”. Hablando de fetiches, en ‘Liquid’ Ashnikko reconoce querer jugar a ser “sirenas con agujero”. Aunque la mejor expresión del disco aparece en ‘Microplastics’ en forma de orden: “Clitorisk it, bitch”.
“Te quiero dentro de mi cuerpo como los microplásticos” es una de esas expresiones que no abundan en el pop. Ashnikko corre clito-riesgos en ‘Smoochies’ y ofrece una alternativa incendiaria y disruptiva al pop comercial actual, aunque lo hace tirando demasiado de sus influencias, a veces a costa de su personalidad, y sin un hit tan claro como ‘Slumber Party’ o ‘Daisy’.
Son duros los beats creados junto a Slinger y Oscar Cheller, por ejemplo los de ‘Smoochie Girl’ (aún inspirados en M.I.A.) o ‘Full Frontal’, puro house rap en el que Ashnikko pide una lobotomía inyectándose bótox en el “lóbulo frontal”. A veces los beats electro-house resultan en canciones mejores (‘Itty Bitty’) o peores (‘I Want My Boyfriend to Kiss’). COBRAH aparece en ‘Wet Like’, quizá porque su estilo inspira varias pistas.
Es transparente el coqueteo de ‘Smoochies’ con los sonidos del pop estadounidense de los años 2000, con los que esta artista, criada brevemente en Estonia, creció. ‘Sticky Fingers’ parece de las Pussycat Dolls; Gwen Stefani casi parece invitada en ‘Microplastics’; ‘Liquid’ evoca los bops R&B de Cassie y Christina Milian; y las influencias del bhangra pakistaní y Bollywood que una vez empaparon el R&B de la época aparecen en pistas como la citada ‘Microplastics’ o ‘Lip Smacker’.
Otros recursos parecen directamente plantados, como si Ashnikko jugara a las adivinanzas pop. ¿Es la percusión de ‘Trinkets’ un sample directo de ‘It’s Not Right, But It’s Okay’ de Whitney Houston? ¿Es ‘Skin Cleared’ una interpolación de Kanye West? Otras ideas son arriesgadas pero funcionan menos, como el country robotizado de ‘She’s So Pretty’. Y da bajona que el álbum cierre con una pista acústica, ‘It Girl’, por si acaso lo anterior ha sido “too much”.
La propuesta de ‘Smoochies’ ofrece nostalgia pop a través de un sonido abrasivo y un estilo lírico irreverente y obsceno que hace parecer a Ashnikko la versión Death Grips del pop, sobre todo comparada con muchas de sus contemporáneas y contemporáneos. La arrolladora personalidad de Ashnikko marca el disco, aunque algunas pistas podrían reproducir menos ideas del pasado.
Ariana Grande tenía previsto asistir este martes 4 de noviembre al estreno de ‘Wicked 2: For Good‘ en Río de Janeiro, donde iba a acompañar a sus compañeros de reparto Cynthia Erivo y el recientemente nombrado el hombre más sexy del mundo, Jonathan Bailey. ‘Wicked 2: For Good’ tendría allí su primera presentación internacional, antes de llegar a otras ciudades como París y Singapur.
Sin embargo, el viaje de Ariana a Brasil no ha podido complicarse más. Tras un primer vuelo retrasado durante 16 horas, el segundo fue cancelado después de que todos los pasajeros tuvieran que desembarcar por un problema de seguridad y mantenimiento. El vuelo se reprogramó para las 11 de la mañana del día siguiente, lo que hacía imposible que la cantante llegara al evento a tiempo.
A través de Instagram, Ariana ha explicado que ella y su equipo exploraron todas las opciones posibles, incluido el alquiler de un avión privado, para el que no iban a poder obtener a tiempo los permisos necesarios. A pesar de ello, muchos fans han expresado su decepción con mensajes de odio y amenazas en redes sociales, lo que ha llevado a la autora de ‘eternal sunshine‘ (2024) a publicar un nuevo comunicado pidiendo calma y empatía.
“Por favor, no nos deseéis ningún mal”, ha escrito Grande. “Hemos hecho todo lo posible y os prometo que nadie está más molesta que yo, de verdad. Entiendo vuestro enfado pero, por favor, no nos deséis mal ni penséis que no lo hemos intentado… No había otro momento en el que pudiera viajar y estos planes estaban organizados desde hace meses».
Ariana ha añadido que, por razones de agenda, no iba a poder volar días antes: «Terminé de grabar otra película el día 31 y trabajé todo el día el 1 y el 2 también, igual que Jonny, Cyn y Jon, que han estado trabajando. Todos teníamos previsto volar el mismo día. Simplemente ha ocurrido que este avión ha tenido un problema de seguridad, y ya he explicado por qué ha sido imposible encontrar otra opción… He estado esperando este momento durante un año… así que, por favor, sabed lo decepcionada que estoy”. ¿Quién quiere fans cuando tienes… esto?
El Economista confirma en exclusiva que Rosalía asistirá a La Revuelta el próximo lunes 10 de noviembre para promocionar su nuevo disco, ‘LUX’, que se pone a la venta este viernes 7 de noviembre, aunque lleva horas filtrado en internet y siendo difundido por redes sociales, según El País, debido a un ataque informático. La pista 2, ‘Reliquia’, fue publicada en Spotify durante la tarde de ayer y después retirada.
La noticia de la visita de Rosalía a La Revuelta puede suponer un pequeño varapalo para El Hormiguero, programa rival y que ha contado con la presencia de Rosalía en hasta tres ocasiones, en 2018, 2022 y 2023. Fue, por ejemplo, donde Vila Tobella promocionó su último disco, ‘MOTOMAMI‘, además a lo grande, protagonizando un divertido sketch en el que se disfrazaba de reportera y entrevistaba a gente en la calle.
Esta vez, Rosalía ha elegido el programa de David Broncano, quizá porque nunca ha ido, ni siquiera cuando era La Resistencia, o quizá para desmarcarse del ideario católico-conservador de El Hormiguero y de colaboradoras como Tamara Falcó, dado que ‘LUX’ se inspira en temas como la religión, el misticismo o el culto a los santos, si bien desde una visión feminista y cosmopolita.
Kylie Minogue ha anunciado una nueva edición de su disco navideño. Recibirá el nombre de ‘Kylie Christmas (Fully Wrapped)’, incluirá cuatro nuevas canciones y se publicará el próximo 5 de diciembre.
Esta reedición celebra el décimo aniversario del álbum e incluye las mejores canciones de las dos ediciones previas (2015 y 2016), añadiendo cuatro temas nuevos: ‘Hot In December’, ‘This Time Of Year’, ‘Office Party’ y ‘XMAS’, que ha sido lanzada hoy exclusivamente en Amazon Music.
No pueden faltar clásicos como ‘Santa Baby’, ‘It’s The Most Wonderful Time of the Year’, ‘At Christmas’ o ‘100 Degrees’. Esta edición décimo aniversario contiene también una nueva portada que muestra a una de las grandes divas del pop en todo su esplendor.
Tracklist:
1. It’s The Most Wonderful Time Of The Year
2. Santa Baby
3. Hot In December (canción nueva)
4. At Christmas
5. Santa Claus Is Coming To Town
6. This Time Of Year (canción nueva)
7. 100 Degrees
8. Office Party (canción nueva)
9. White December
10. Let It Snow
11. Christmas Isn’t Christmas Til You Get Here
12. Have Yourself A Merry Little Christmas
Canela Party ha anunciado otra tanda de confirmaciones para su edición de 2026, que tendrá lugar en Torremolinos del 27 al 29 de agosto. Al denominado «pitote del verano» se suman 10 bandas más: Amor Líquido, Deafheaven, High Vis, La Paloma, Mala Gestión, Man/Woman/Chainsaw, Mannequin Pussy, Maruja, Me and the Bees y Skegss.
Los nuevos nombres del cartel, que incluyen art punk, pop, rock, garage y metal, se unen a los anteriormente confirmados: Ángeles Toledano, Carolina Durante, Getdown Services, joseluis, Karen Dió, Las Petunias, Rufus T. Firefly y Wavves.
Con este anuncio, Canela Party ha presentado una oferta de abonos para parejas, con abonos a 95€ más gastos, y grupos de cuatro personas, con abonos a 90 euros. Como es normal en estos casos, estas ofertas son limitadas y suelen agotarse con rapidez.
La parte musical de Fira B! está a punto de empezar. La décima edición del mercado profesional de música y artes escénicas de las Islas Baleares dará comienzo mañana, 6 de noviembre, y terminará el próximo sábado 8 de noviembre. En JENESAISPOP ya hicimos una selección de las 6 actuaciones que no te puedes perder, pero no es todo lo que ofrece el evento.
El objetivo principal de dar a conocer las creaciones más recientes y representativas de las Baleares se complementa con las Jornadas Profesionales Fira B! PRO. Estas son un punto de encuentro entre profesionales especializados del sector y los creadores del mundo de la música y las artes escénicas. Al igual que las entradas para los conciertos, la inscripción es gratuita.
Viernes 7 de noviembre
El Teatro Municipal Maruja Alfaro, donde tendrán lugar estas jornadas, recibirá su primera ponencia el viernes 7 a las 10h. Como todas, esta durará 50 minutos: ‘¿Cómo ampliar tu base de fans? ¿Cómo interactuar con los fans que tienes?’. Será moderada por Ruth Fisher, que cuenta con más de 20 años de experiencia como presentadora de radio en Jazz FM, la emisora de jazz más importante del Reino Unido.
En la charla participarán Chris Blackmore (Fundador de Holy Smokes Records), Eloisa Mendez (EM Marketing Musical), Lorena Montón (Periodista musical de La Vanguardia, RTVE y RNE) y Fran Leo (Project Manager en Subterfuge Records).
El mismo viernes también se podrá disfrutar de los showcases de Anna Colom y Two Little Rooms, a las 11h y 13h respectivamente. Una hora antes del dúo de folk y pop psicodélico, a las 12h, tendrá lugar la segunda ponencia del día, en la que se discutirá la ‘Relevancia de las Conferencias de Música’ bajo la moderación de Arlette Hovinga, de That Jazz Girl.
Las ponencias llegarán de la mano de Xavier Barceló (Supervisor de Fira B!), Lizon Lavaud (Centre National de la Musique), Dino Lupelli (Music Innovation Hub) y Oskar Strajn (Eurosonic Noorderslag).
Sábado 8 de noviembre
La jornada del sábado 8 de noviembre comenzará directamente a las 10h con una de las charlas más interesantes de Fira B! PRO, en la que se harán una simple pregunta: ‘¿Qué perfiles de artistas tienen éxito hoy en día?’. Moderará Chris Phillips, que cuenta con más de 40 años de experiencia poniendo jazz en la radio londinense.
Por otro lado, la mesa de ponientes estará formada por Alexandra Benvides Idiart (CBC-Radio Canada), Joan Vich (Director de Ground Control Management y descubridor de Hinds), Sam Gill (Earth Agency) e Ivone Lesan (Booking en Primavera Sound).
En esta última jornada, When the robing sings y Anouck presentarán sus showcases a las 11h y 13h, respectivamente. Entre medias, a las 11:30h, tendrá lugar la última conversación profesional de Fira B!, que además se desarrollará en español: ‘Cómo construir audiencias para espacios y festivales’.
La periodista Marta Terrasa conducirá una charla que contará con la experiencia de David Valle (Club Mutante y Festival Mutante), Curro Caravaca (Mallorca Live Festival), Toni Jaume (Mobo Fest) y Marina Fernández (Plataforma Jazz España).
Stivijoes no es todo tristeza. El artista nacido en Barcelona se volvió viral el año pasado con ‘Terapia’, un monumento al ‘oversharing’ en el que el catalán enumeraba algunas de las personas más importantes de su vida, a la vez que pedía perdón a otras. En ‘Toda una vida’, su acercamiento particular al indie rock, mezcla su marca personal con lo romántico. Es la Canción del Día.
El segundo single de ‘El único ser sin talento’, el debut de Stivijoes que verá la luz el próximo 14 de noviembre, no engaña de ninguna forma. Desde los primeros segundos, ‘Toda una vida’ deja claro que se trata de un tema de pop con guitarras y eso es lo que es durante toda su duración, directo y al grano. Y así de efectivo resulta también.
Acompañando a una pegadiza melodía en las estrofas, la letra de Stivijoes no se centra tanto en la sobreexposición, pero sí en la honestidad y en esos elementos con los que cualquiera se puede sentir identificado. «Desde que te has vuelto la prota de mi galería» o «Desde que eres mi amuleto has cambiao’ mi suerte» son algunas de las frases más románticas de la canción.
Stivijoes, que ahora sabe «qué día libran los taxis», deja la mejor parte de la letra para el absoluto final, en el que asegura que le da «rabia» que a su pareja le hayan «hecho daño antes de mí», pero este relativiza: «Imagino que yo también hice llorar así / Yo también fui un capullo», admite.
Guitarricadelafuente tendrá su ‘closing chapter’ particular. El autor de ‘Spanish Leather’ despedirá esta era con un último concierto en el Movistar Arena que tendrá lugar el 2 de octubre de 2026. Después de recorrerse Europa, Estados Unidos y Latinoamérica, la gira de su último disco terminará en Madrid.
De esta forma, Álvaro Lafuente repetirá la fantasía sexual que llevó a cabo el mes pasado en el mismo recinto y que incluía, entre otras cosas, una piscina de barro y mucho, mucho sudor. Por otro lado, su segunda vuelta en el recinto madrileño presentará un show «especial» y una «producción elevada».
Las entradas para la despedida de ‘Spanish Leather’ estarán a la venta desde hoy 5 de noviembre a las 12h en Fever.
Sadie Jean es una joven cantautora de Los Ángeles que se dio a conocer en 2021 gracias al viral de su single ‘WYD Now?’, la historia de una persona que, ya en sus veintitantos, sigue pensando en un amor de la adolescencia. Un par de años después, Jean ha publicado su primer disco, ‘Early Twenties Torture’, donde reflexiona sobre las lecciones emocionales que deja la juventud. Jean lo presentará en España en diciembre: el día 7 en la sala Razzmatazz 3 de Barcelona (entradas) y el 8 en la Changó de Madrid (entradas). Ningún fan de Taylor Swift, Gracie Abrams u Olivia Rodrigo se la debería perder. Hablamos con Jean vía Zoom, justo el día antes de que salga su disco, sobre sus primeros pasos en la música, su nuevo disco y sus canciones favoritas de Taylor: no se decide en una.
Tu disco sale ya. ¿Te sientes preparada para dejarlo ir? ¿O le tienes demasiado cariño?
Tengo muchas ganas de que salga, y cuanto más espero más ansiosa me pongo. No quiero seguir guardando estas canciones en mi Dropbox, tengo ganas de que la gente las escuche.
¿Cuál es tu canción favorita de las que no han salido?
‘This Time Around’ es la que más ganas tengo de que la gente escuche. O ‘Know You Forever’. Ambas muestran una faceta diferente de mí, y tengo ganas de saber qué piensa la gente. Además, me gusta mucho cantarlas en directo. ‘Know You Forever’ puede ser mi favorita de las dos, habla sobre mis amigos y la letra es divertida y ocurrente.
Para quien no te conozca, naciste en 2002, ¿qué precipitó tu amor por la música?
Mis padres dicen que me inventaba canciones antes incluso de saber hablar. Me inspiraban mucho las canciones que sonaban en la radio, porque pasaba muchas horas en el coche con ellos: Katy Perry, OneRepublic, Taylor Swift, Coldplay… Cuando escuchaba a esos artistas pensaba que yo también quería escribir canciones como las suyas.
¿Recuerdas la primera canción que aprendiste a tocar?
‘Teardrops on My Guitar’ de Taylor Swift. Me encantaba esa canción y quise aprenderla con la guitarra.
¿Cuál es tu canción favorita del nuevo disco de Taylor, y cuál es tu favorita de toda la historia?
Del nuevo disco, ‘The Fate of Ophelia‘. De todos los tiempos… ‘I Almost Do’. Con perdón de ‘All Too Well’. Todo el disco ‘Red‘ (2012) me encanta. ‘Enchanted’ es otra de mis favoritas.
‘Early Twenties Torture’ es un título curioso. ¿Por qué es una tortura tener 20 años?
En mi experiencia, en mis veintes me he sentido adulta por primera vez y he tenido que asimilar la pérdida de la infancia, y eso da un poco de miedo. Por otro lado, en esta época de la vida una no toma las mejores decisiones y se mete en situaciones que no son convenientes. Pero soy joven, digo que lo hago por la trama (ríe). La adultez temprana es una montaña rusa emocional.
¿La esperanza es que entonces los años buenos vienen después?
(ríe) ¡Yo creo que sí! Al menos, eso espero. Espero estar un poco mejor a los 25.
Estaba pensando más bien en tener 40, 50… La gente dice que la vida mejora mucho a los 60.
Espero que sea así, cuando haya aprendido todas mis lecciones.
¿Cómo describes el sonido del disco?
Yo me considero cantautora, sobre todo, así que las canciones destacan principalmente por la voz y las letras. Pero en el disco me ha gustado experimentar con diferentes sonidos; por ejemplo, la última canción, ‘See You On Sunday’, tiene influencias del jazz, y otras tienen influencias del pop de los 2000. Escribo mis canciones primero con instrumento y voz, y después decido la producción.
¿Cuál es la cronología del disco?
La primera canción que escribí fue ‘I Tried’, la compuse hace dos años y es la que abre el disco. Supe en el momento en que la escribí que iba a estar en mi debut. Y la última la escribí el mes pasado: ‘See You On Sunday’.
‘The One That I Want’ es mi favorita personal. ¿Qué me puedes contar de ella?
La escribí hace dos veranos. Estaba muy obsesionada con un chico que me daba largas todo el rato, fue la situación más frustrante del mundo y me consumía cada día, pero por alguna razón él me seguía gustando, a pesar de que sabía que no tenía suficientes cualidades positivas que compensaran todo lo demás. ‘The One That I Want’ es importante porque es la canción que incluye el título del disco.
Te formaste en el Clive Davis Institute of Recorded Music. ¿Cuál es tu mayor aprendizaje?
Aprendí a componer canciones con otras personas. Aprendí mucho, porque cuando era pequeña nadie a mi alrededor hacía música. Si hubiera dicho en voz alta que quería ser una pop star, nadie me habría tomado en serio. En el Clive Davis Institute me sentí comprendida por primera vez. La mayor lección, sin duda, fue aprender a colaborar.
«Si hubiera dicho en voz alta a la gente de mi alrededor que quería ser una pop star, nadie me habría tomado en serio»
¿Cómo has aplicado ese afán colaborativo en el disco?
En el disco he escrito canciones con personas que eran compañeros en el Clive Davis Institute; de hecho, solo he escrito una canción sola en el disco: ‘I Miss My Friend’.
‘WYD Now?’ fue un momento viral muy importante para ti. ¿Crees que esa canción siempre representará lo que haces, o que se convertirá en un momento naíf en tu carrera?
Me encanta esa canción y me siento afortunada de que sea mi «hit», o como quieras llamarlo… pero al mismo tiempo siento que he evolucionado mucho como artista y estoy segura de que en diez años no creeré que me representa del todo, como artista y persona. Pero me sigue gustando mucho.
¿Nunca fue una opción meterla en el disco? ¿Ni siquiera revisitada?
Sentía que no formaba parte de este nuevo mundo que he creado. Salió en mi primer EP, que hablaba de mis años adolescentes y mi primer amor. No tenía sentido encajarla en la historia de ‘Early Twenties Torture’ y nunca consideré incluirla, porque se siente mucho más joven que el disco.
¿Tienes alguna colaboración soñada?
Dolly Parton, puestos a soñar… y con Olivia Dean, ¡la amo! También Chris Martin y, por supuesto, Taylor Swift.
Hay cierta voluntad en el bedroom pop de utilizar la música como forma de conocerse a uno mismo, de exorcizar fantasmas y de compartir el proceso con el mundo, por si a alguien le sirviera de algo. No sé si julia amor hace bedroom pop -la etiqueta podría resultar reduccionista si tenemos en cuenta su apego por un synth-pop tan deliberadamente sombrío-, pero lo cierto es que comenzó trasteando con sintes en casa para hablarnos de su visión del amor.
‘lo que pensé que era el amor’ -también en minúsculas, por supuesto- fue el título de su primer disco en 2023, incluyendo canciones con tanta pegada como ‘heridas’. Este nuevo ‘algo para regresar’ que edita Primavera Labels amplía paletas sonoras y puntos de vista.
Poco a poco Júlia Coll -verdadero nombre de la artista andorrana residente en Barcelona- ha querido introducir en su música elementos más orgánicos. Es curioso que entre sus principales influencias, además de Mecano y Abba, aparezcan grandes del rock como Robe y Él Mató a un Policía Motorizado. Así es que las guitarras eléctricas protagonizan algunos de los mejores momentos de ‘algo para regresar’.
‘hielo afilado’ es una buena canción para que nos adentremos en su nuevo mundo porque empieza con unos teclados envolventes, luego aparece un piano, y finalmente irrumpe la guitarra punky. Un recurso similar al que luego encontramos en ‘fino y transparente’: de la caja de ritmos a la explosión final.
A veces las melodías son tan buenas que da igual el arreglo del que decidan acompañarlas ella y su escudero Chri Blau. Es el caso de ‘quan et miro’, una colaboración con cavinet que emparenta con el mejor dream pop; y sobre todo de ‘buscando unos brazos‘, que luce como el gran hit electropop de este álbum. De hecho, uno de los aciertos de todo el álbum de julia amor es cerrarse con el instrumental ‘hacia donde vuelan los patos’. A Badalamenti le habría encantado.
En ese momento piensas fugazmente que el bosque de ‘Twin Peaks‘ podría ser el de la portada. Sin embargo, los textos se orientan menos hacia el misterio y el surrealismo y más hacia la salud mental, el autoconocimiento y el amor propio. ‘buscando unos brazos’ pasa 4 angustiosos minutos buscando un punto de apoyo; ‘armadura’ habla de la fuerza extra que necesitamos antes de hablar y, como ellas, ‘algo para pasar los días’ hace honor a su título. Canciones en las que refugiarse «esperando a que pasen» los malos tiempos.
julia amor actúa el 8 de noviembre en Valencia, el 20 de noviembre en Alicante y el 4 de diciembre en Barcelona junto a Doble Pletina.
Como queriendo pasar página rápidamente de la era ‘143‘, aunque la gira que promociona el disco continúa y que entre esta semana y la que viene llega a España, Katy Perry lanza nuevo single, ‘Bandaids’.
‘Bandaids’ es una canción de desamor, en concreto de ruptura, probablemente inspirada en la separación de Perry y Orlando Bloom. En ‘Bandaids’, Perry detalla las maneras en que intentó salvar la relación, sin éxito: «Probé todos los medicamentos, rebajé mis expectativas, tú te justificabas de todas las maneras, me desangro lentamente». La producción une pop y elementos de rock alternativo bajo producción de Justin Tranter, no de Max Martin como se rumoreaba en principio, y en un estilo que recuerda a ‘Deja vu’ de Olivia Rodrigo o a la última Alanis Morissette.
‘Bandaids’ se presenta con un videoclip inspirado en ‘Destino final’, o más bien en ‘1000 maneras de morir’, en el que Perry vive todo tipo de desgracias. Solo al final la imagen de una margarita parece salvarle de la muerte más horrible -una evidente metáfora sobre su hija Daisy- pero, entonces, cierta canción de cierto disco lo hace saltar todo por los aires.
Recientemente, Perry había sido vista rodando un proyecto misterioso en el Puente Hills Mall, conocido por ser una de las localizaciones donde se rodó la primera parte de ‘Regreso al futuro’ (1985). Este es uno de los sets del vídeo de ‘Bandaids’.
La gira ‘143’ llega a España de forma inminente: el día 9 de noviembre pasa por el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 11, por el Movistar Arena de Madrid. Perry ha anunciado estos días dos fechas adicionales en España, ya para 2026, en los festivales O Son do Camiño (Galicia) y Río Babel (Madrid).
Cruïlla sigue confirmando nombres para su próxima edición y hoy añade dos interesantes incorporaciones. Por un lado, Renée Rapp, actual ídolo juvenil, visitará Barcelona por primera vez para presentar su segundo disco, el recomendable ‘Bite Me‘ (2025). Es un trabajo que ha alcanzado el número 1 de discos en Reino Unido gracias principalmente a las ventas físicas.
Por otro, Cruïlla ofrecerá una gran oportunidad de presenciar en directo a Ezra Collective, una de las bandas más destacadas de la escena jazz-fusión contemporánea, y ganadora del prestigioso Mercury Prize en 2023 por su álbum ‘Where I’m Meant to Be.
El festival ya había revelado los nombres de los primeros artistas la semana pasada, entre ellos los cabezas de cartel Pixies, David Byrne, Two Door Cinema Club y Bomba Estéreo.
Cruïlla contará además, como se desveló hace días, con Polo & Pan, Yami Safdie, Mishima, Mind Enterprises, Sampa The Great, Son Rompe Pera, Chico Blanco y Dan Peralbo i el Comboi.
La próxima edición de Cruïlla se celebrará del 8 al 11 de julio de 2026, como siempre en el Parc del Fòrum de Barcelona. Los abonos y entradas de día están disponibles en la web del festival.
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