Solo Bruno Mars, The Weeknd y Justin Bieber tienen más oyentes mensuales en Spotify que Taylor Swift. En YouTube, un productor experimental supera a la popstar más escuchada con una diferencia de más de 40 millones de personas. ¿Cómo es posible? La respuesta está en los memes.
Si alguna vez has entrado en el agujero de YouTube Shorts, aunque también es muy frecuente en TikTok y Reels, te habrás encontrado con algún ranking estúpido sobre pensamientos intrusivos o momentos satisfactorios. Todos acumulan decenas de millones de reproducciones y usan el mismo sonido de fondo: una canción capaz de aislarte del mundo real con su misteriosa melodía. No es ni feliz, ni triste. Está justo en algún punto entre las dos.
En TikTok también tiene un gran éxito, con 4 millones de vídeos usando el sonido viral. En esta plataforma, los edits de animales son el formato más común para emparejar con Aphex Twin. Un recopilatorio con clips de cocodrilos amasa alrededor de 13 millones de likes, mientras que otro con unos adorables búhos llega a los 15 millones.
La canción usada es ‘QKThr’, lanzada en 2001 por el productor irlandés como parte del disco ‘Drukqs’. Es viral desde hace meses, años incluso, y no parece que vaya a pasar de moda. Esta es la clave para entender cómo Aphex Twin tiene 438 millones de oyentes mensuales en YouTube Music, a diferencia de los 396 millones de Swift, según los datos oficiales de YouTube Music.
La audiencia mensual de la plataforma no refleja solamente las visitas a los vídeos de la cuenta oficial del artista, en los que Swift gana sobradamente, sino también el uso pasivo de YouTube Shorts. Es aquí donde Aphex Twin supera a Swift. Si solo tuviésemos en cuenta las visualizaciones que ha tenido el productor en sus vídeos en el último mes, el resultado menguaría hasta los 5 millones.
Es decir, cientos de millones de personas tienen la melodía de ‘QKThr’ asimilada en su cabeza, pero muy poco porcentaje de ese público parece ser consciente de que Aphex Twin está detrás de ella. Dentro de unos años, y pese a haberse lanzado en 2001, ¿las generaciones Z y Alpha sentirán nostalgia por una canción de Aphex Twin?
Gracias a bandas como .bd., el rock español tiene un futuro asegurado. El sexteto madrileño lanzó el pasado septiembre su primer EP en plataformas, ‘Economato Textil’, bajo el sello Humo Internacional. Eso sí, de humo no tienen nada. El valor de su melódico art rock, que puede recordar al de artistas como Black Country, New Road o Geordie Greep, es evidente en temas como ‘Hemos Roto Los Espejos’ o ‘Cien y Cientos’.
Manu, Samu, Alex y Marta, cuatro de los miembros de .bd., son los últimos invitados de nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic. La historia de la banda comenzó en la periferia, a base de infinitos trayectos de autobús, y eso es justamente de lo que han decidido hablar. Así, relacionan canciones y discos con la ciudad y el extrarradio, comparan el bus y el metro, y denuncian los problemas del transporte público en los pueblos: “Renfe a Navalcarnero ya”.
¿Por qué habéis querido hablar de trayectos de autobús y la periferia?
Manu: Los trayectos en bus son como un martillo pilón. Todos los días, una hora y media de ida, una hora y media de vuelta, todos los días. Te fuerzan a tener que entretenerte en una posición incómoda, a escuchar música con el traqueteo de las ventanas de fondo. De la misma manera que los trayectos en bus, vivir en la periferia creo que ha sido un factor determinante en el desarrollo de nuestras personalidades. Creo que es fácil entender lo raro que es escuchar Godspeed You! Black Emperor en un pueblo de 8.000 habitantes
Samu: Todo el mundo suele hablar de lo que vive o lo que quiere. Cuando vives en un pueblo o tu vida está determinada por el tránsito diario un bus a Madrid acaba por sentirse parte de tu identidad.
Alex: Al final, nos hemos visto obligados a construir nuestro ocio y, por tanto, nuestra personalidad, en esos ratos muertos diarios. Yo no hubiera escuchado tanta música como he escuchado, ni libros como he leído, si no me hubiera visto forzado a tener 4 horas muertas al día desde segundo de bachillerato. Un disco a la ida, un disco a la vuelta. Es curioso que luego en los momentos de mi vida en los que me he quedado sin esos ratos muertos los he acabado echando en falta.
¿Qué creéis que tiene de especial la periferia respecto a la ciudad? ¿Cuál ha inspirado más canciones?
Manu: La tranquilidad. La tranquilidad es lo que más se busca.
Samu: Los ritmos de vida, los saludos, el tipo de trabajos… También tiene sus contrapartidas. Se tiende a más homogeneidad de formas de vivir o normatividad, y para algunos puede ser más difícil.
Marta: Para mí, la periferia (el pueblo en el que he crecido) representa el hogar y la costumbre frente a la aspiración urbana. Nos hemos hecho adultos en un limbo en el que el «progreso», la educación académica, la escena artística… estaba fuera, en la ciudad. Eso te hace ser muy consciente de las diferencias, de las distancias, de los matices humanos entre tú y los que han vivido siempre en el meollo. Creo que, más que la ciudad o el pueblo, para mí lo más inspirador es ese «limbo» entre ellos, la tensión.
Alex: No creo que haya nada especial de la periferia ni creo que busquemos romantizarla ni nada así. Es otro contexto, otra manera de relacionarte con la gente y con los ámbitos. Al final, este entorno en que vivimos nos acaba formando de maneras de las que ni siquiera somos conscientes. En nuestro caso, es también nuestro punto de unión y de alguna manera siento que hemos sido capaces de entendernos desde el principio gracias a compartir esos condicionantes invisibles.
¿Qué canción/disco asociaríais a la periferia y cuál a la ciudad?
Manu: A la ciudad, ‘Untrue’ de Burial. A la periferia, ‘Spiderland’ de Slint.
Samu: A la periferia, ‘La primavera trompetera’ de Los Delinqüentes. A la ciudad, ‘Ruidos’ de Agorazein.
Marta: A la periferia, ‘Noche infinita’ de Javier Bergia. A la ciudad, el primer disco de Mecano, que además tiene una canción que escuché mucho cuando estaba en la uni: ‘Quiero vivir en la ciudad’.
Alex: Yo siempre recordaré mis primeros trayectos a la uni en el 46 con la banda sonora del ‘Turn On The Bright Lights’, de Interpol. Para mi pueblo elegiría el disco de Serrat dedicado a Antonio Machado, que además le gusta mucho a mi padre.
La banda ha nacido en la periferia rural de Madrid. ¿Cómo os encontrasteis? ¿Conocéis más bandas que hayan nacido en la periferia?
Manu: He conocido más bandas que les ha ido bien de la periferia norte de Madrid, pero no conozco muchas de Madrid sur.
Marta: Manuel y yo nos conocimos patinando en el skatepark de Navalcarnero. Nos hicimos amigos haciendo lo que te permite crear amistades grandes: compartir música. Luego empezamos a tocar de manera informal y se fueron uniendo el resto. Primero Álex (teníamos una amiga en común), Diego (éramos amigos de patinar), Javi (lo mismo) y Samu (era amigo del instituto de Álex). Javi se ha ido a vivir a Francia y se ha unido Bruno, que es el último fichaje. Con .bd. nunca se sabe, estamos abiertos al cambio y la evolución.
Alex: Conozco muchos músicos (y muy buenos) de nuestros pueblos gracias a las escuelas de música municipales. Grupos no. Supongo que no hay tantos espacios o tejidos sociales que lo permitan como en Madrid. Nosotros, al final, empezamos tocando juntos en las salas de ensayo de Metrónomo, a 60 km de mi casa.
«Yo no hubiera escuchado tanta música como he escuchado, ni libros como he leído, si no me hubiera visto forzado a tener 4 horas muertas al día desde segundo de bachillerato (en el transporte público)»
En general, ¿preferís el metro o el bus? ¿Por qué?
Manu: Yo personalmente prefiero el bus, porque controlo mejor los tiempos y me parece más cómodo. Aunque sí que es verdad que el metro, para lo que es dentro de la ciudad, me gusta más. En general, los trenes tienen la gran ventaja de no sufrir atascos. En la A5 se hacen unas caravanas por la mañana que son intransitables. Renfe a Navalcarnero ya.
Samu: El bus creo que es más romantizable, pero en términos de eficiencia prefiero un metro. Recuerdo que cuando iba a estudiar a otro pueblo, el bus siempre era una máquina a punto de romperse – si en verano te ponías atrás, cerca del motor era una experiencia tipo sauna vibrante-, y amplificaba siempre las temperaturas extremas exteriores. Pero ahora cuando estoy en la ciudad y no voy con prisas, prefiero coger un bus y poder mirar por la ventana.
Marta: ¡Yo el bus o la bici! Me gusta ver el mundo.
Alex: Mi línea de bus verde me da una paz tremenda. Por lo demás, soy un prisas así que metro.
Se os describe en la página de Humo Internacional como un sexteto “curtido en horas de transporte público”. ¿Cuál es la mejor y la peor versión del transporte público?
Manu: La mejor versión del transporte público es la que está bien cuidada y planificada. En general, el transporte público como servicio es la hostia en sí mismo. Ahora bien, no es normal que no haya una línea de Renfe para la zona suroeste de la Comunidad de Madrid y solo haya una autopista para todos los pueblos de la zona. En la A5 se concentran todas las mañanas los coches de las personas de toda la zona suroeste, desde El Álamo hasta Aldea del Fresno.
Samu: El transporte público es una decisión política. La peor versión es la dejación de zonas a sabiendas, o no reestructurar servicios pensando en los que todos los días van a trabajar o a estudiar cuando se empiezan obras. Por ejemplo lo de la A5, con decenas de personas esperando con la calor a buses en Cuatro Vientos, o el lío de la línea 6 con las obras, que el servicio de sustitución no cubría para nada las necesidades.
Marta: La mejor versión del transporte público es la que me permite ir leyendo: odio los transbordos y los trayectos tan cortos que son solo útiles, no disfrutables. ¿Me explico? La peor versión del transporte público se materializa en Cuatro Vientos, están soterrando la A5 y para ir al pueblo tenemos que esperar en una acera desolada y apartada del mundo, por la que pasa una carretera nacional.
Alex: La mejor versión del transporte público es la que funciona bien. Como dicen Manu y Samu, lo que han hecho con nuestros buses con las obras de la A5 ha sido casi un ataque directo. Yo mismo me he comido horas de esperar en verano a las tres de la tarde sin sombra a los buses en Cuatro Vientos, o quedarme sin poder subir en Navalcarnero porque estaba lleno de domingueros que van a bañarse al Alberche… Al final me he tenido que mudar a Madrid porque era imposible sostener el aumento en distancias y horas de viaje. Por lo demás, disfruto mucho en mis viajes de bus verde escuchando musiquita, viendo los paisajes preciosos por la ventana, dibujando… ¡¡verdaderamente me inspiran!! Esa es la cara buena.
«¡Renfe a Navalcarnero ya¡»
Vuestra ruta en bus más frecuentada es la que va del intercambiador de Príncipe Pío a Navalcarnero. ¿Qué es lo más raro que os habéis encontrado?
Manu: Yo realmente la que he hecho más es la que va a mi pueblo que pasa antes por Navalcarnero, pero vamos, en ese bus siempre estábamos los mismos y no recuerdo nada relevante.
Samu: Sí, aunque ahora con las obras en la A5 llegamos hasta Plaza Elíptica. En el día a día habitual no se suele encontrar casi nada raro. Los momentos más graciosos en un autobús es cuando volvías de fiesta al amanecer de un pueblo a otro, con la mitad del bus cantando y aporreando las ventanas, y la otra mitad cogiéndolo para ir a trabajar. A veces terminaba por venir la Guardia Civil.
Alex: Samu y yo somos vecinos de pueblo, así que cogemos la misma línea y tenemos las mismas experiencias más allá de Navalcarnero. En general no ocurre nada, pero de vez en cuando se sube algún personaje, o se vuelve loco el conductor, o se rompe el bus… Hablando de personajes, no voy a decir su nombre por si lee esto (no creo) pero me alucina un señor de mi pueblo que lo coge para ir de una parada a otra del mismo pueblo y saluda a todo el mundo como si lo conociera de toda la vida. Cuando no hay bus, hasta hace autostop. Da buena conversación, por lo menos.
Marta: Siempre ocurren cosas relevantes cuando se sube al bus la loca del pueblo, que es una pobre mujer que las lía pardas. Una vez insultó a unos chavales y llegaron a las manos. La Guardia Civil se la llevó y la gente del bus se quedó comentando que si era prima de esta o aquella, que si la semana pasada hizo esto o lo otro.
¿Qué es el Economatón, que tanto os fascina y se puede ver desde el bus? ¿Por qué os flipa tanto?
Manu: Es una valla publicitaria que está saliendo de Navalcarnero hacia la A5, fue la portada de nuestro primer EP (‘sala/pasos/perdidos’) y un poco la inspiración de la portada de este segundo EP (‘Economato Textil’). Hace años hubo un temporal de lluvia y viento, y con lo blando que estaba el suelo, el cartel hizo de vela y tiró solo una de las patas. Desde la perspectiva del bus quedaba como una espiral perfecta.
Se llamó «economatón» porque ya desde que fundamos el grupo veíamos llegando a la sala de ensayo un negocio que se llama Economato Textil. Fue Alex quien dijo ese nombre como broma y así se quedó.
Alex: Podría tirarme el pisto y ponerme intenso. Decir que el Economatón, además de una escultura curiosa, representa la belleza en lo accidental. Es un percance detenido en el tiempo, precioso para aquellos que se detengan un minuto a verlo o que, como nosotros, pase por delante todos los días. Como no es creación de nadie, alrededor de él nos podemos montar la historia que queramos: sobre la decadencia, sobre la pertenencia, sobre nuestros hogares, sobre lo que somos… Hay muchas cosas por las que te puede fascinar esta estructura accidental, supongo, y mucha gente de por aquí se ha acabado quedando con él por eso. Creo que para nosotros tiene sentido como imagen de grupo en parte porque habla de nosotros y nuestra casa. A lo largo de los años nos hemos ido quedando cada uno con nuestros símbolos, imágenes, paisajes, costumbres… y eso es quizá lo que tenemos en común como grupo por cercanía geográfica, no la estructura en sí. El Economatón no es más que otro de estos iconos que nos definen. Desde que hicimos las fotografías ahí, hará unos tres o cuatro años, se ha ido cayendo más y más, progresivamente. Ahora está mucho peor, pero creo que tiene sentido que acabe desapareciendo. Al final, la decadencia y lo accidental es lo que hacen que sea lo que es. Podría decir eso, o simplemente decir que es una una valla publicitaria abandonada y tirada por el viento que nos parece chula y bonita. Las dos cosas son verdad.
Marta: Siempre me ha gustado la forma del Economatón, muchísimo. Empecé a observarlo con detenimiento cuando estaba en segundo de bachillerato y estudiaba Historia del Arte. Veía esta figura todos los días al ir y volver del colegio, me resultaba poética, como una metáfora de la publicidad vencida por la naturaleza y el tiempo, de lo orgánico de la belleza que se puede encontrar en unos hierros, la perspectiva que crea con su forma… Me gusta esa figura que no es más que una valla publicitaria vencida y postrada en medio de un campo de trigo. Está encorvada y es finita, es la imagen de la modernidad postrada.
«Si tienes una red de amigos o familia, la periferia es un lugar que permite centrarse más en lo importante y cuidarnos más»
La vida en la periferia y en la ciudad son totalmente diferentes. ¿Dónde os gustaría vivir en el futuro y por qué?
Manu: Siempre periférico. No me veo viviendo en una gran ciudad. Para mí es raro salir a la calle y que haya gente. No poder ir al campo si quiero. Creo que las llanuras manchegas tienen un magnetismo extraño.
Samu: A largo plazo en la periferia. Yo soy de Cadalso de los Vidrios y, aunque no sea el ejemplo ideal de servicios o conexión – está bastante lejano y se han ido perdiendo cosas-, creo que es un buen lugar para criarte y vivir. Aquí siempre hemos tenido Unión Musical, escuela de música, deportes… Creo que si tienes una red de amigos o familia, la periferia es un lugar que permite centrarse más en lo importante y cuidarnos más.
Alex: Soy y seré siempre de mi pueblo (Villa del Prado). Ahí está mi casa, ahí he crecido y, sobre todo, ahí he sido muy feliz. Aun así, necesitamos formarnos y trabajar en Madrid, porque en nuestro pueblo es imposible. El trayecto diario, compaginando trabajo y estudios, es muy complicado. Por muy contento que esté ahí, que puedo coger la bici y salir al campo cuando esté agobiado, ir al bar y tomarme unas cañas con mi padre y sus colegotas, vivir tranquilo y sin prisa… La realidad es que, quiera o no quiera, necesito vivir en Madrid. No sé si a corto o largo plazo. Mi pueblo, aun así, siempre va a estar ahí esperándome. Acabar viviendo allí es mi objetivo.
Marta: Yo nunca sé qué responder a esto. Tengo un poco de aquí y de allá. Nací en Madrid y mis padres decidieron vivir la aventura rural mudándose a Navalcarnero. Me gusta la dicotomía entre estos dos lugares, todavía no sé en cuál podría ser más feliz. Creo que tengo alma de periferia, pero puedo ser una rata de ciudad como cualquier otra.
El nuevo álbum de Luz Casal, que también ha sido uno de los 20 discos más vendidos en España esta Navidad, tiene un planteamiento raro. Iba a ser un álbum de versiones en reivindicación de la mujer, pero composiciones originales surgieron en el proceso de manera muy rápida y al final es una mezcla algo incómoda, al 50% de una cosa y de la otra. Por sorpresa, funciona por lo bien elegido que está el repertorio, resultando el más sólido de sus últimos discos. Al fin y al cabo el álbum se llama ‘Me voy a permitir’ y habla de hacer lo que te dé la gana, adaptaciones incluidas.
Casi cada canción funciona como una declaración de intenciones, no solo relacionadas con el feminismo. Aquí hay mensajes muy potentes sobre permitirse amar (‘Te mereces un amor’), permitirse odiar (‘Bravo’), sobre libertad (‘Me voy a permitir’) y afrontar la vida con optimismo (‘Nada es imposible’). Las letras, muy directas, están muy bien construidas, siendo casi siempre indistinguible cuáles son propias y cuáles son ajenas. Y eso solo puede ser un piropo cuando se está adaptando a gente como Charles Aznavour, Mercedes Sosa o Amália Rodrigues.
Es un acierto también que el repertorio elegido no sea demasiado obvio, al menos para los oídos españoles. Así, consentimos que el fado de Rodrigues, ‘Lágrima’, pueda ser su nuevo ‘Piensa en mí’. Porque estamos pasando de «cuando quieras quitarme la vida, no la quiero para nada» a este otro drama similar: «Si yo supiese que muriendo llegarías a llorar / Por una lágrima tuya, qué alegría… me dejaría matar».
La producción de Luz junto a J.M. Baldomà es orgánica en baladas como esta o en la rítmica ‘Todo cambia’, amparada en percusiones y palmas. Una pequeña fiesta. Aunque quizá el álbum sea más recordado por el gran público por los cortes rock que ha producido Paco Salazar. En ese grupo estaría ‘¿Qué has hecho conmigo?’, un tema sobre el fenómeno fan; el guitarreo de ‘Parece ser’ o la misma ‘Me voy a permitir’. Composiciones todas ellas que nos recuerdan a la Luz Casal que conocimos, pegada a una chupa de cuero. No tanto a la dama que cantaba boleros.
Al margen del estilo, ‘Me voy a permitir’ justifica desde su mismo título toda su libertad creativa. El corte titular se permite «abrir la boca, decirle al idiota lo que pienso de él» y expresa con vehemencia su falta de necesidad de «encajar». Si un día la artista mandó a paseo a aquel periodista que la mandó a fregar platos en sus inicios, en ‘Nada es imposible’ retrata cómo las mujeres están «a prueba» desde que nacen, y además se levanta totalmente triunfal: «Cuando todos dicen «no puedes» / Yo lo intento el triple de veces / No dejo de luchar».
Da mucha alegría escuchar a Luz Casal con tantas ganas de vivir y darnos felicidad en un mundo que, como dice en ‘Parece ser’, «se ahoga en un mar de pantallas». Un álbum lleno de fuerza que solo decide apagarse al final cuando tras una prescindible colaboración de Carla Bruni -por alguna razón ‘Ella’ no logra ser un «highlight» de este álbum-, ‘Me voy a permitir’ decide cerrarse con un tema de Chris Barron de Spin Doctors llamado ‘El blues de la cebolla’. Parece que ahí Casal se relaja, y es cuando se mantiene alerta que en este álbum da lo mejor de sí.
El regreso a la “montaña mágica” de Olga Tokarczuk, lo nuevo de la premio Nobel Han Kang (lo incluimos porque fue publicado en diciembre de 2024), el celebradísimo debut de Rita Bullwinkel, la fabulosa biografía novelada del director G. W. Pabst a cargo de Daniel Kehlmann, la siempre interesante Sara Mesa… Seleccionamos los libros que más nos han gustado del año pasado.
Tierra de empusas (Olga Tokarczuk)
De premio Nobel a premio Nobel. Hace cien años, Thomas Mann publicaba su obra magna: ‘La montaña mágica’. Cien años después, Olga Tokarczuk publica ‘Tierra de empusas’ (Anagrama), una fabulosa novela que dialoga con el libro del escritor alemán y lo confronta a través de una mirada feminista y contemporánea. La escritora polaca (‘Los errantes’, ‘Los libros de Jacob’) sitúa su novela en 1913, en el sanatorio para tuberculosos de Görbensdof, en las montañas de los Sudetes. Hasta allí llegará el protagonista de la novela, un tímido estudiante de ingeniería. Durante su estancia conocerá a otros enfermos, con los que trabará amistad. Entre toses y sorbos de alcohol, discutirán, divagarán y pontificarán sobre cuestiones de todo tipo, en particular sobre las mujeres, siempre desde una posición de superioridad. Tokarczuk transforma la “montaña mágica” en una “tierra de empusas”, donde cuestiona los valores del viejo orden y los subvierte en un final sorprendente y catártico.
Imposible decir adiós (Han Kang)
Otra premio Nobel. La última novela de la coreana Han Kang, es una nueva demostración de la increíble capacidad de esta escritora para tratar temas extremadamente duros con una prosa delicada, poética y sofisticada, y una mirada humanista y compleja, sin caer nunca en la sensiblería o lo escabroso. En ‘Imposible decir adiós’ (Random House), Han Kang ofrece una meditación íntima sobre la pérdida, la memoria y los lazos invisibles que conectan a las personas a través del tiempo. La novela parte de una situación de duelo, para desplegar una narración polifónica y fragmentaria, donde el pasado y el presente se entrelazan constantemente. En la segunda parte, lo real se quiebra. No queda claro si los personajes están soñando, son espíritus, están muertos… Pero esa ambigüedad potencia la dimensión emocional del relato: el intento desesperado de comprender, de asimilar, de decir adiós cuando decir adiós parece imposible.
El director (Daniel Kehlmann)
La nueva novela de Daniel Kehlmann (‘La medición del mundo’, ‘Deberías haberte ido’) ha encabezado gran parte de las listas de lo mejor de 2025 a nivel internacional. El autor alemán ha hecho un retrato extraordinario de G.W. Pabst, una biografía novelada que intenta contestar a una pregunta: ¿por qué el prestigioso director que había encumbrado a Greta Garbo (‘Bajo la máscara del placer’) y Louise Brooks (‘La caja de Pandora’), que se había ganado el apelativo de “Pabst el Rojo” con la antibelicista ‘Cuatro de infantería’ (1930) y la izquierdista ‘Carbón’ (1931), y que había rodado en Francia y en Hollywood, decidió regresar al Tercer Reich en 1939? Kehlmann dibuja a Pabst como un hombre inseguro y conformista, que antepuso el interés personal al deber moral. ‘El director’ (Random House) explora ese pacto fáustico con el nazismo a través de una prosa ágil y cargada de tensión dramática, poniendo el acento en el conflicto interior de un artista atrapado entre la ambición, el temor y la necesidad de reconocimiento.
La picadura de abeja (Paul Murray)
Tragedia, humor y ternura. Esos son los tres ingredientes que ha mezclado el irlandés Paul Murray en su espléndida ‘La picadura de abeja’ (Anagrama). La novela se adentra en el núcleo de una familia de clase media precarizada (post 2008), marcada por los secretos, los silencios y los pequeños dramas cotidianos. A través de las diferentes (y distintivas) voces de sus cuatro miembros, la narración va componiendo un retrato de un hogar donde cada personaje carga con sus propios temores, traumas y heridas. Lo más notable es la manera en que el libro logra equilibrar el relato presente con las evocaciones del pasado, especialmente las infancias y adolescencias de los padres, cuyas experiencias terminan condicionando gran parte de los conflictos actuales. El autor construye así una historia emocionalmente rica, que combina tensiones familiares, secretos largamente guardados y una mirada empática a la complejidad de los vínculos afectivos.
Golpe de luz (Rita Bullwinkel)
Celebradísimo debut de Rita Bullwinkel, conocida por ser la editora de la revista literaria McSweeney’s Quarterly. Nominada al Booker, finalista del Pulitzer y, el espaldarazo definitivo para muchos: a Obama le voló la cabeza. En ‘Golpe de luz’ (Sexto Piso), Bullwinkel narra las vidas -pasadas, futuras e imaginadas- de ocho boxeadoras adolescentes durante un campeonato que se celebra en Reno, la versión barata y sórdida de la ya de por sí decadente Las Vegas. La novela se abre con el cuadro de los enfrentamientos y cada capítulo está dedicado a un combate. Es en ese espacio, dentro del cuadrilátero, donde la autora explora las interioridades de unos personajes extraordinariamente bien perfilados. El ring no es solo un escenario deportivo y de violencia física, sino también un espacio de revelación íntima donde, golpe a golpe, se condensan miedos, deseos y futuros posibles.
Oposición (Sara Mesa)
El título ‘Oposición’ (Anagrama, 2021) puede leerse de dos maneras: como el conjunto de pruebas para acceder a un cargo público y como un acto de resistencia. Sara Mesa juega con esa polisemia para construir un relato sobre la administración pública desde dentro, presentada como un espacio con reglas propias, a menudo absurdas y profundamente desconectadas de la realidad. La parte dedicada al lenguaje burocrático es sensacional: “realizar era mejor que hacer y recepcionar mejor que recibir”. En ese entorno, la protagonista se enfrenta a un dilema que puede marcar el resto de su existencia: ¿luchar por conseguir un trabajo de oficina tedioso, frustrante y la mayoría de las veces inútil, pero seguro y cómodo, “para toda la vida”; o lanzarse a un mercado laboral dominado por la precariedad, la explotación y la inestabilidad, pero cargado de posibilidades, estímulos y abierto a la creatividad y la iniciativa? ¿Cuánto hay de vocación e ilusión en una aspirante a funcionaria y cuánto de miedo y renuncia?
Unos cuantos sueños (Chimamanda Ngozi Adichie)
Chimamanda Ngozi Adichie es una figura controvertida. Más allá de polémicas (expuestas por mi compañero Jordi en este artículo), lo que es indudable es que Chimamanda –‘Medio sol amarillo’, ‘Americanah’- es una novelista fabulosa. ‘Unos cuantos sueños’ (Random House), su esperada nueva novela tras más de una década sin publicar ficción, no decepciona. Adichie narra la historia de tres pijas nigerianas y de la criada de una de ellas (personaje inspirado en la limpiadora de hotel que denunció la violación por parte de Dominique Strauss-Kahn), quienes cuentan en primera persona “unos cuantos sueños”: sus relaciones con los hombres, la maternidad, el poder económico, el colonialismo, la identidad africana y las contradicciones de una élite femenina atrapada entre el privilegio, las heridas que han dejado abiertas sus exparejas y el deseo de emancipación. Chimamanda se compra bebés como buena señorona rica, pero… qué bien escribe: qué manera de articular temas, hilvanar ideas y elaborar reflexiones.
El asesinato de los Aosawa (Riku Onda)
Hasta hace cinco años, nadie conocía a Riku Onda fuera de Japón, donde es una autora muy premiada y leída. Fue a raíz de la traducción al inglés de ‘El asesinato de los Aosawa’ (publicada originalmente en Japón en 2005) y de su inclusión en varias listas de lo mejor del año, cuando la autora se ha dado a conocer internacionalmente. ‘El asesinato de los Aosawa’ (Salamandra) es un absorbente thriller que destaca por su atractiva y poco convencional estructura narrativa. Todo comienza en una fiesta de cumpleaños celebrada en un sofocante día de verano (el ambiente caluroso y húmedo impregna toda la novela): diecisiete personas, entre ellas seis niños, mueren envenenadas. A partir de ese suceso, la historia se abre a múltiples perspectivas, distintas líneas temporales y diversos puntos de vista, como si se tratara de un rompecabezas metaficcional: una joven interesada en el caso contacta con una escritora que escribió sobre ese caso que a su vez fue testigo de la masacre.
Los náufragos del Wager (David Grann)
Con apenas dos novelas previas, ‘Z, la ciudad perdida’ (2010) y ‘Los asesinos de la luna’ (2019), David Grann se ha consolidado como uno de los más reconocidos escritores de narrativa de no ficción en la actualidad. A este reconocimiento han contribuido las adaptaciones cinematográficas de sus obras, en particular la reciente película dirigida por Martin Scorsese. Con su nuevo libro, ‘Los náufragos del Wager’ (Random House), la historia vuelve a repetirse: éxito de crítica y público, y futura adaptación al cine a cargo, nuevamente, de Scorsese y Leonardo DiCaprio, quienes han adquirido los derechos de la obra. La novela narra la increíble odisea de los tripulantes del buque británico HMS Wager, naufragado en las costas de la Patagonia en 1741. Grann reconstruye magistralmente esta terrible historia de supervivencia, motines y asesinatos, combinando una meticulosa labor de documentación con una prosa vibrante, de una potencia narrativa extraordinaria.
Los mensajeros de la oscuridad (John Connolly)
Por último, una debilidad personal. ‘Los mensajeros de la oscuridad’ (Tusquets) tiene todo lo que un fan de las novelas de Charlie Parker puede esperar: una absorbente trama criminal, que se va oscureciendo a medida que van apareciendo elementos siniestros y ominosos; una prosa enormemente fluida (más de 500 páginas que vuelan), con un ritmo que alterna la acción del thriller con pasajes reflexivos más pausados; unos diálogos llenos de ingenio y punzante ironía; una multiplicidad de voces hábilmente entretejidas con la voz central en primera persona del protagonista; y una atmósfera sombría y melancólica que impregna toda la novela como la niebla en los densos bosques de Maine. Veintiuna novelas después, Parker continúa persiguiendo fantasmas -los suyos y los ajenos- y arrastrando al lector por parajes tan oscuros y perturbadores como hipnóticos y evocadores.
Tengo un amigo activista que dice que no puede follar con alguien de derechas. Que, «como mucho, con un socialdemócrata». Ese es más o menos el espíritu del tema que acaba de publicar el gallego Montedapena (también miembro de Lontreira), en este caso junto a Platerías, solo que narrando la excepción de esa máxima. El estribillo dice «Me tiré a un facha», el título de esta canción, y al final aconseja, desde el humor más que desde la cátedra: «aunque pases una mala racha, nunca tires a un facha». «No estaba en mi mejor etapa», llega a justificar.
En la estela de ‘Las Nazis Rubias‘, el temazo de El Gavira, Ruïnosa y las Strippers de Rahola, cuenta la historia de alguien que, ligando por redes sociales, va a casa de alguien y se encuentra el pastel de las banderitas rojigualdas.
Nuestra Canción del Día para este sábado comienza acústica, solo para luego revelar su espíritu post-punk, incluso con un puente metalero. Además, hay una parte spoken word, que podría haber escrito Samantha Hudson, referenciando muletillas muy manidas sobre la «libertad de expresión» y que «ya no se pueda decir nada». Platerías -el proyecto de Mayra Vila- añade unas líneas en las que «folla con una Cayetana», que no «sabía que era lesbiana».
La nota de prensa de Ernie Records habla de «experiencia real», insiste en que parte de «hechos reales», y versa sobre «la contradicción que se canta y que se baila». Oficialmente versa sobre «cómo alguien que pertenece a un colectivo históricamente señalado, cuestionado o vulnerado puede llegar a apoyar opciones políticas que le niegan derechos, le persiguen o le colocan en el punto de mira». El tema «no busca consenso» sino «conversación».
Se trata del primer single de un nuevo EP de Montedapena, que saldrá en marzo, y cuyo vídeo ha dirigido él mismo. El vídeo comienza en un urinario, incluye planos tan chanantes como el que ilustra esta noticia. Ambos intercambian guitarra y batería, subrayando la importancia de la base rítmica de la canción. En verdad, con otra temática, el tema molaría casi, casi lo mismo.
La segunda película de Mary Bronstein, y su primera desde la desconocida y muy indie ‘Yeast’ (2008), es un asfixiante acercamiento a la maternidad en el que Rose Byrne, ganadora del Oso de Plata en la Berlinale a la mejor actuación protagonista y del Globo de Oro a mejor actriz en una comedia (¡ja, ja!), se apodera de todos y cada uno de sus 113 minutos de metraje.
Interpreta a Linda, psicóloga y madre de una niña preadolescente enferma, que está absolutamente desbordada ante las responsabilidades a las que tiene que atender ella sola, ya que su marido está siempre ausente, bien por motivos laborales o simplemente por no querer hacerse cargo de los problemas de su familia. Por si fuera poco, el techo de su apartamento, de repente, se viene abajo, formando un gigantesco agujero y obligándolas a abandonar su casa temporalmente y a vivir en un motel mientras lo arreglan.
La situación de la protagonista ya es crítica sobre el papel, pero además, la cineasta utiliza todos los recursos narrativos que están en su mano para atrapar al espectador en el abismo al que se enfrentan las madres por sacar adelante a sus hijos y a ellas mismas. Bronstein, muy premeditadamente, no quiere dar demasiados detalles externos: sabemos que la hija padece de una enfermedad y que está en estado grave, pero nunca se nombra qué es exactamente (aunque a lo largo de la película uno pueda llegar a sacar sus propias conclusiones sobre de qué se trata). Tampoco muestra su cara. Es el personaje de Byrne quien acapara todos los planos de la película. Es ella sola contra el mundo.
Esta visión oscura y fea de la maternidad es lo que hace que la película resulte original, pero también hace que esos sentimientos negativos opaquen todo lo demás. No hay ni respiro, ni un ápice de esperanza. Bronstein crea un pozo sin fondo de angustia que, aunque por momentos efectivo, ahoga al espectador hasta dejarlo sin aire. Los toques de humor negro buscan cierto alivio cómico, pero no son suficientes ni lo bastante divertidos como para hacer que realmente funcionen. Lo más admirable de la puesta en escena de la cineasta es su rigurosidad, su habilidad para sostener un concepto visual arriesgado y exprimirlo al máximo, haciendo que incluso metáforas que pudieran parecer demasiado obvias (el agujero en el techo en relación con el agujero en el estómago de la hija y el derrumbamiento de la vida de Linda) funcionen.
Pero lo que destaca por encima de todo de ‘Si pudiera, te daría una patada’ y por lo que se recordará, más que su intensa narrativa visual, es por una Rose Byrne que se entrega plenamente a un papel de enorme exigencia. Linda está siempre al borde de un ataque de nervios, hasta el punto de estar perdiendo la cabeza y su noción de la realidad. Su moralidad se ve puesta a prueba en incontables ocasiones, así como su instinto maternal, pero prevalece por encima de todo la ternura y sinceridad con la que la actriz la interpreta. Cada una de sus miradas agotadas expresan las complejidades y contradicciones de un personaje profundamente humano.
‘Si pudiera, te daría una patada’ expone que nunca hay que dar por sentada la entrega y el sacrificio de una madre. Su amor incondicional por salvar a una hija de un destino trágico mueve montañas, pero a veces el cuerpo no da más de sí. A veces, parece que todo alrededor de una es un inmenso agujero negro, y es ahí donde Bronstein quiere que el espectador se quede: engullido por la oscuridad, vislumbrando un lejano punto de luz y arrastrándose hacia él para no quedarse sin oxígeno.
Promusicae ha publicado sus informes anuales sobre lo más vendido y lo más escuchado en España durante 2025. En los próximos días desgranaremos los datos proporcionados.
De momento nos quedamos con un dato muy llamativo: frente al machismo imperante en las playlists de Spotify España, cuando no se trata de streaming, sino de vender vinilos, las mujeres mandan.
Promusicae destaca varios datos: en la lista de vinilos más vendidos en 2025 el 35% son mujeres, muy por encima de lo que sucede en el mundo streaming. Además, de los 19 artistas internacionales que logran llegar al top 100 en esta lista, 13 son mujeres.
También hay que destacar que los 4 vinilos más vendidos del país durante 2025 los han hecho mujeres. Rosalía es el top 1, obviamente, con ‘LUX’. Lo nuevo de Taylor Swift queda en el 2. Pero la sorpresa es que Aitana aparece en el puesto 3 y Amaia en el puesto 4 por encima de, por ejemplo, el nuevo de Viva Suecia, que es verdad que salió en el último trimestre del año. Ayuda, eso sí, que Bad Bunny no haya publicado vinilo de ‘Debí tirar más fotos’. En el top 5 encontramos a Extremoduro, reforzados tras la muerte de Robe, pero ojo, con 85 semanas de permanencia en esta lista con ‘La ley innata’. Es decir, venía de antes.
Hablando de Extremoduro, hay que destacar el gran número de vinilos antiguos que aparecen en la lista. Carolina Durante y Arde Bogotá están en el top 10 con álbumes de años anteriores, y Billie Eilish casi consigue colarse también (quedó en el top 14). Sin ir más lejos, Los Planetas están en el top 17 de vinilos en la lista anual con ‘Una semana en el motor de un autobús’. Han vendido más de la reedición que Guitarricadelafuente del nuevo ‘Spanish Leather’. Varios álbumes de Los Planetas, Extremoduro o Taylor Swift aparecen en el top 100 anual.
1.-Rosalía / Lux
2.-Taylor Swift / The Life of a Showgirl
3.-Aitana / Cuarto azul
4.-Amaia / Si abro los ojos no es real
5.-Extremoduro / La ley innata
6.-Carolina Durante / Elige tu propia aventura
7.-Arde Bogotá / Cowboys de la A3
8.-Sabrina Carpenter / Man’s Best Friend
9.-Fito y Fitipaldis / El monte de los aullidos
10.-Viva Suecia / Hecho en tiempos de paz
Servidor había perdido la fe en Pitchfork desde que dejaron de descubrir nuevos talentos históricos (Animal Collective, Dirty Projectors) para convertirse en… bueno, otra cosa. No me malinterpretéis: en el fondo siguen siendo los mismos, pero ese fondo es muy hondo y hay que saber encontrarlo.
En 2025 algo cambió, ya que algunos de sus discos distinguidos con el título de «Best New Music» han terminado acompañándome durante todo el año. El de Nick León es uno de ellos, y también el de Maria Somerville. ‘Luster’ es una joya dream pop como las recuerdas si viviste los años de gloria de 4AD, sello que, no en vano, edita el disco.
La música de Somerville debería conquistar a fans de artistas como Slowdive, Grouper o los primeros Cocteau Twins. Para empezar, la de la irlandesa es una de esas voces personales que, entre la apatía y la melancolía profunda, resultan ideales para transmitir unas letras llenas de misterio y anhelo que hablan de los límites entre lo real y lo imaginado (‘Projections’), del paso del tiempo (‘Garden’), que describen lugares desconocidos (‘Violet’) o que narran despertares personales (‘Trip’).
La música hace acopio de los ingredientes habituales del dream pop y estilos colindantes, pero los hace sonar frescos. Voces susurradas y aterciopeladas, montañas de capas vocales y eco que casi sepultan los instrumentos, acordes de guitarra estirados hasta horizontes sublimes, envolventes texturas shoegaze, una marcada estética lo-fi (aunque no tanto como en el debut) y destellos ligeramente góticos van dando forma a una obra que captura una esencia clásica desde un prisma nuevo.
Quizá algo del frío irlandés se cuele también en las composiciones de Somerville, como ya prometía una de sus gemas más tempranas: ‘This Way’. En ‘Luster’, ‘Projections’ cumple con la promesa de la propuesta de dream pop clásico de la que estamos hablando, siendo una canción de pop -muy Beach House– en toda regla. El disco se debate entre temas de este estilo, como la muy The Cure ‘Garden’, y otros que tienden a lo ambiental: ahí ‘October Moon’ resulta preciosa cerrando el disco, mientras que ‘Halo’ debe a Grouper su capacidad para crear un ambiente profundamente desolador y envolvente al mismo tiempo.
Aunque sería injusto reducir las composiciones de Somerville a un «name-dropping» continuo, ya que la artista -natural de Connemara, al oeste de Irlanda- se esfuerza por construir una atmósfera específicamente irlandesa, utilizando instrumentos que rara vez escuchamos en discos de su estilo. En ‘Luster’, Somerville ha trabajado por primera vez con terceros, ya que ‘All My People‘, su debut de 2019, era completamente autoproducido.
Así, las arpas que nos reciben en ‘Réalt’ o las gaitas irlandesas que colorean la adictiva ‘Violet’, a su vez una de las piezas más distintivas del disco gracias a su ritmo electrónico lo-fi, enriquecen la paleta sonora del álbum, empujando sus referencias cada vez más atrás hasta hacerlas llegar a un tiempo ancestral. Dentro de este abanico sonoro caben también los ritmos vagamente trip-hop de ‘Trip’ o las ambientaciones de ‘Flutter’, que a algunos ha recordado -con razón- a la influyente ‘Aquatic Ambiance‘, de la banda sonora de un videojuego (de los 90, claro).
‘Luster’ es un álbum precioso que recuerda a algunos trabajos iniciales de artistas que hoy consideramos indispensables, como ‘Devotion’ (2008), de Beach House, o ‘Ekstasis’ (2012), de Julia Holter. Somerville se encuentra, en este trabajo, en un evidente momento de efervescencia que se refleja brillantemente en este trabajo y que, estoy seguro, seguirá burbujeando en futuros lanzamientos.
A Gorillaz se les escapan los singles de las manos. A falta de 41 días para el lanzamiento de ‘The Mountain’, el grupo de Damon Albarn ya ha publicado 5 adelantos. Sin embargo, ‘The Hardest Thing’ y ‘Orange County’, en realidad son mejor presentadas como una sola pieza. Una de las más bonitas y emocionantes de la discografía de Gorillaz. Además, se puede bailar.
‘The Hardest Thing’ y ‘Orange County’, además de las Canciones del Día, son inseparables porque ambas reflejan el tema clave de ‘The Mountain’: la pérdida. Es por eso que la presencia de Tony Allen, fallecido en 2020, en la primera de estas no es ninguna casualidad. «Oya, e dide erori», repite en yoruba, lo cual se traduciría como «Despierta, querida».
Entre elevados arreglos orquestales, llenos de motivos orientales y centrados en la melodía principal de ‘Orange County’, Albarn introduce la frase más repetida en la canción. Seguramente, la que puede definir el próximo álbum de Gorillaz: «Lo más difícil que hay es decir adiós a alguien que amas». Tan simple como contundente.
Durante los dos viajes a la India que inspiraron ‘The Mountain’, tanto Damon Albarn como Jamie Hewlett perdieron a sus padres. El líder de Blur quedó fascinado por la positividad con la que se trata la muerte en la cultura hindú y, por eso mismo, ‘Orange County’ está diseñada para llorar mientras se baila.
Kara Jackson y Albarn intercambian versos sobre tener la oportunidad de «envejecer» o «amar otra vez», mientras que Bizarrap aporta el toque fiestero en la producción, pese a que su toque es casi irreconocible. Aquí no hay nada parecido al reggaeton o al trap, pero las trompetas sí evocan directamente a los corridos mexicanos.
En el contexto de la larga discografía de Gorillaz, ‘Orange County’ transmite el mismo sentimiento nostálgico que ‘On Melancholy Hill’. Es una melodía alegre transformada en una emoción agridulce. Jackson se preguntaba en su debut de 2023 por qué la Tierra nos regala personas para amar. Para echarles de menos, diría Albarn.
Hoy 16 de enero se edita el esperado nuevo disco de Robbie Williams, pospuesto (probablemente) debido a Taylor Swift. A$AP Rocky ha lanzado también su trabajo, postergado ad nauseam, y Madison Beer es otra de las artistas que publican álbum hoy (lo presentará en España este año), así como los recomendados en esta página Nat & Alex Wolff. En el ámbito nacional, recibimos nuevas obras de Metrika o Walls.
Harry Styles NO ha lanzado su single este viernes, pero Mitski sí. Otras artistas que han anunciado nuevo disco adelantando su primer single son Tove Styrke, José González, Kim Gordon o Arlo Parks. Entre quienes han continuado presentando sus próximos álbumes están Charlie Puth, MARTIN, Hemlocke Springs, Charli xcx, Slayyyter o Hilary Duff: su ‘Roommates’, si nos dicen que es de Taylor, nos lo creemos.
El pop internacional deja nuevos lanzamientos de Astrid Pierce, Danny L. Harle, nuestra recomendada googly eyes, Daughter o Flea, que ha anunciado su debut en solitario y que, en su novedad de esta semana, se alía con Thom Yorke. La mayor curiosidad la firman Gorillaz, que han tenido la ocurrencia de unir en una canción a Bizarrap y Kara Jackson: ver para creer.
Entrando en España o en lengua hispana, hay que subrayar interesantes novedades de Erik Urano, Carlangas con Leiva, Luna Ki, Mujeres, Ginebras, Anna Ferrer o Conociendo Rusia. Sale un tema titulado ‘Me tiré a un facha’, de Montedapena y Platerías, y javicrespo es el enésimo concursante de Operación Triunfo 2025 en lanzar su single de debut.
Las decenas y decenas de novedades del viernes —incluidas las de Sports, Anjimile, el nuevo EP de Skrillex, Girlfriend, Cavetown, Ana Torroja, Daphni o una inédita de J.Lo— están disponibles en la playlist Ready for the Weekend en Apple Music.
Kenny Morris, batería y uno de los miembros fundadores de la banda de post-punk y rock gótico Siouxsie and the Banshees, ha fallecido a los 68 años. No se ha revelado la causa de su muerte.
Morris, británico de padres irlandeses, nació en 1957 y se unió a Siouxsie and the Banshees en enero de 1977, a los 20 años, tras asistir a la primera actuación de la banda en el mítico Club 100 londinense unos meses antes.
Aunque Morris solo tocó en los dos primeros álbumes de estudio de Siouxsie and the Banshees, ‘The Scream’ (1978) y ‘Join Hands’ (1979), su sonido fue crucial en el desarrollo del estilo oscuro y primitivo del grupo. Stephen Morris, de Joy Division y New Order, y Kevin Haskins, de Bauhaus, reconocieron que el sonido de Morris influyó en el suyo propio. Lol Tolhurst, de The Cure, afirmaba que el estilo de Morris había “dado forma a la estética de Siouxsie and the Banshees”.
Morris abandonó Siouxsie and the Banshees en septiembre de 1979, horas antes de un concierto del grupo programado en Aberdeen, por desavenencias internas con la banda, junto al guitarrista John McKay.
Morris fue sustituido a la batería por Budgie, de The Slits, con quien Siouxsie and the Banshees lanzaron su mítico disco ‘Juju’ (1981). Tras dejar la banda, Morris siguió tocando la batería en directos y grabaciones de estudio, dirigió cortometrajes y exploró su interés por la enseñanza y la pintura. Dirigió una galería de arte y, en los últimos años, había retomado la batería tocando con la banda post-punk de Dublín Shrine of the Vampyre.
Morris terminó de escribir sus memorias durante la pandemia. Se publicarán póstumamente, en principio, a lo largo de este año.
Ante las denuncias presentadas en la Audiencia Nacional de dos mujeres que acusan a Julio Iglesias de haberlas agredido y abusado sexualmente mientras trabajaban como empleadas internas en dos mansiones del cantante en el Caribe, Julio Iglesias ha roto su silencio emitiendo un comunicado en redes sociales en el que niega categóricamente los hechos.
Escribe el cantante: «Con profundo pesar, respondo a las acusaciones realizadas por dos personas que anteriormente trabajaron en mi casa. Niego haber abusado, coaccionado o faltado el respeto a ninguna mujer. Esas acusaciones son absolutamente falsas y me causan una gran tristeza. Nunca había sentido tanta maldad, pero aún me quedan fuerzas para que la gente conozca toda la verdad y para defender mi dignidad ante un agravio tan grave».
Al final de su mensaje, Iglesias agradece el apoyo de quienes le han “mandado mensajes de cariño y lealtad” durante los últimos días, indicando que ha sentido “un gran consuelo” con ellos.
Iglesias podría enfrentarse, en caso de que la Audiencia Nacional admita a trámite las denuncias, a una investigación por hasta seis delitos de trata, grupo criminal, varios delitos sexuales, lesiones y delitos contra los derechos de los trabajadores, según información de eldiario.es.
El cantante es acusado de haber agredido, abusado y humillado a dos exempleadas durante su estancia en sus casas del Caribe entre 2021 y 2022. En la investigación de eldiario.es y Univisión se relatan relaciones sexuales bajo coacción y humillaciones y se muestran documentos que demostrarían que Iglesias imponía a sus trabajadoras la realización de pruebas de VIH o clamidia y revisiones ginecológicas después de ser contratadas.
Mitski ha dado los detalles de su esperado octavo disco, el primero desde que ‘My Love Mine All Mine‘ lo petara en streaming durante 2023 y, sobre todo, 2024. Estamos hablando de cerca de 2 mil millones de reproducciones para un tema editado en Dead Oceans, discográfica independiente conocida por lanzar, por mencionar un par de nombres, a Wednesday o Waxahatchee.
‘My Love Mine All Mine’ era un tema de ecos noir jazz que, además, ha solido viralizarse en el último par de Navidades. El nuevo single de Mitski, sin embargo, no puede estar más alejado de su sonido: ‘Where’s My Phone’ es un tiro de indie-rock que supone un retorno a sus inicios guitarreros y distorsionados.
‘Where’s My Phone’, el primer adelanto de un disco llamado ‘Nothing’s About to Happen to Me’ que se pone a la venta el 27 de febrero, en cuestión de un mes, es un tema puramente Mitski en sus riffs, energía, desarrollo y, sobre todo, historia. Un tema atravesado por la desorientación de alguien que pierde el teléfono como pierde el rumbo de la vida. Os dejamos con videoclip y tracklist, a continuación:
1. In a Lake
2. Where’s My Phone?
3. Cats
4. If I Leave
5. Dead Women
6. Instead of Here
7. I’ll Change for You
8. Rules
9. That White Cat
10. Charon’s Obol
11. Lightning
Con las gravísimas acusaciones a Julio Iglesias -que podrían sentarle en el banquillo- a muchos se les ha «caído un ídolo». Qué sorpresa, resulta que los ídolos eran humo. De eso canta Xoel López en su canción ‘Sombras chinas’, y es inevitable pensar en tantos ídolos caídos de los últimos años. Y no hace falta irse a quienes, como Michael Jackson, ya están muertos, ni tampoco a figuras que han cometido delitos. Basta con que defiendan valores extremadamente opuestos a los tuyos, como Róisín Murphy negando la existencia de las personas trans o Nicki Minaj abrazando de repente a la ultraderecha americana.
Ningún alcance de fama ni poder debería blindar a Julio Iglesias -quien ya prepara su defensa y niega los hechos- ni a ningún artista, por “universal” que sea, de rendir cuentas (legal y públicamente) Aun así, no han faltado amigos muy amigos de Iglesias que han salido en su defensa en los medios. Ana Obregón ha pretendido sembrar la duda preguntando si Rebeca y Laura habrán “cobrado” por sus declaraciones, mientras Jaime Peñafiel ha calificado las acusaciones de “canalladas”. No sabes si dicen tales disparates en serio o solo para provocar: es sabido que ciertos programas de televisión se alimentan de virales y sensacionalismo.
Isabel Díaz Ayuso se ha llevado la palma sacando el tema de Irán cuando no venía a cuento y asegurando que la Comunidad de Madrid no contribuirá al “desprestigio” del artista español “más universal” retirándole sus distinciones, como ha propuesto, por ejemplo, Rita Maestre. Julio Iglesias es Hijo Predilecto de Madrid desde febrero de 2015, cuando Ana Botella le entregó el título por “su brillante y meritoria carrera artística reconocida internacionalmente”.
La coletilla del “artista universal” da un poco de pereza, sobre todo porque revela cierto complejo con la españolidad, como si para ser un español digno hubiera que ser “universal” o reconocido a escala internacional. Además, la expresión suena pasadísima de moda: hoy ser universal es la norma. Muchos artistas españoles lo son, y no es necesario remontarse a su hijo Enrique, sino por ejemplo a Rosalía o Ana de Armas.
Peor aún, las palabras de Ayuso suenan preocupantemente desconectadas de la realidad, porque aquí sí conviene separar no la obra del artista, sino al artista de la persona. Lo que se reconoce con títulos es una contribución cultural, y de lo que se habla ahora es de presuntas agresiones sexuales ocurridas no hace 30 o 25 años y que podrían haber prescrito, sino entre 2021 y 2022: hace nada. El MeToo surgió en 2017 y la industria musical española aún lo aguarda.
Lo preocupante también es la manera en que la “universalidad” de Julio Iglesias, su iconicidad y fama, para algunos debería blindarle de ser señalado por comportamientos ya no cuestionables, sino potencialmente delictivos. Aquí entran en funcionamiento dos cosas: la cultura de la violación, que trata de desacreditar a las víctimas poniendo en duda sus acusaciones, y la influencia o poder del artista como símbolo, la manera en que su prestigio artístico influye en la percepción pública, como si le hiciera inmune a todo ataque del exterior. Y, peor aún, como si esos ataques no solo fueran injustos, sino además imposibles.
Hasta Alberto Núñez Feijóo, Presidente del PP, se ha desmarcado de las declaraciones de Ayuso, quien argumenta que las acusaciones son un «montaje» de la derecha, la típica estrategia trumpista de crear teorías de la conspiración donde para ganarse a los votantes de ultraderecha. No me creo que no esté ni un poquito preocupada por las acusaciones vertidas hacia su amigo e ídolo musical, sobre todo porque las imágenes de él besuqueando a mujeres en conciertos o programas de televisión aparentemente sin su consentimiento, que se están viralizando en las últimas horas, ya bastarían hoy para generar un considerable escándalo nacional. Es que era más Rubiales que Rubiales.
En parte -solo en parte- entiendo la resistencia que muchos ponen a este tipo de denuncias a personajes públicos. No puedo ser el único que, estos días, se ha acordado del temazo de Rigoberta Bandini, ‘Julio Iglesias‘, que era totalmente nostálgico. Julio Iglesias ha estado ligado a una identidad nacional y su caída duele. Aceptar que un personaje al que admiramos es problemático es difícil, requiere atravesar una incomodidad. Pero más duele escuchar las declaraciones de las presuntas víctimas. Podemos reconocer la presunción de inocencia de Julio Iglesias y el derecho de las víctimas a ser escuchadas: las dos cosas, de forma simultánea.
No sé si es prematuro retirar títulos a Julio Iglesias, aunque Yolanda Díaz apuesta por hacerlo a modo de acción «ejemplarizante», pero no sé estoy seguro de que a la gente le importe esto realmente. El debate que se ha abierto refleja un problema mayor: en España, solo el 11% de mujeres que han sufrido agresiones sexuales llegan a denunciarlas, según el XV Informe Anual del Observatorio Estatal de Violencia sobre la Mujer 2021, citado por mi compañera Mireia Pería en su artículo sobre abusos en la industria musical publicado en nuestro Anuario 2023. Ese mismo texto señalaba que, de un 40,4% de mujeres que habían sufrido acoso sexual, solo el 2,5% lo había denunciado.
El artículo recogía además la creación de una cuenta de Instagram para denunciar de forma anónima casos de acoso o agresión sexual dentro de la industria musical. Pería recordaba que en España nunca ha habido un verdadero “#MeToo” en la música, lo que ha permitido que muchas figuras señaladas (siempre de forma anónima) sigan trabajando sin consecuencias públicas, mientras las víctimas conviven con las secuelas. Zahara apelaba a ello en los Premios Ruido 2024, pidiendo más investigación periodística en este ámbito.
Así que este asunto no va solo de Julio Iglesias. Esto va de que si Julio Iglesias puede ser destapado, si el artista español «más universal» y poderoso, puede caer, también pueden y deberían hacerlo los demás. Y no, no se trata de tumbar reputaciones ni de «arruinarle» la vida a nadie porque sí, sino de entender que no queremos figuras públicas -culturales o de cualquier ámbito- que vulneren derechos humanos y su poder, influencia y simbolismo cultural los proteja.
La espera ha terminado. Harry Styles acaba de revelar que su cuarto álbum, titulado ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’, estará disponible el próximo 6 de marzo.
Tras la aparición de unos misteriosos carteles en diferentes ciudades alrededor del mundo, con mensajes como «we belong together» o «see you very soon», el exmiembro de One Direction ha anunciado la llegada del sucesor de ‘Harry’s House’.
Se sabe que este tendrá 12 canciones y que estará coproducido por Kid Harpoon, que ya estuvo ampliamente involucrado en los tres discos anteriores del artista británico y también fue una parte clave de otros macrohits, como ‘Flowers’ de Miley Cyrus. De momento, no hay información sobre el primer single del proyecto.
‘Harry’s House’ fue el segundo disco más escuchado de 2022 y todo indica que ‘Kiss All The Time. Disco, Occasionally’, pese a su misterioso título, también será uno de los grandes lanzamientos de 2026.
Si hay alguna garantía en la música de Zach Bryan, es que se va a abrir en canal. Sus canciones exponen sus pensamientos, emociones y heridas sin ningún miedo a mostrarse imperfecto y vulnerable. Este característico derroche de apasionada sensibilidad vuelve a ser el motor de ‘With Heaven On Top’, su sexto álbum de estudio.
El prolífico cantautor de Oklahoma comienza el disco, como ya es habitual, recitando un poema (‘Down, Down, Stream’), en el que utiliza el agua como metáfora del fluir del tiempo. La primera canción como tal es ‘Runny Eggs’, una balada existencialista que comienza con el sonido de la harmónica y guitarra acústica donde Bryan busca un propósito, algo que le haga sentirse vivo, incluso si eso conlleva el riesgo de morir, como correr en los encierros de Pamplona o subirse a un toro en los rodeos de Oklahoma. El tono grave y el estilo americana sienta las bases de lo que se encontrará en buena parte de las canciones restantes.
Aún así, a lo largo de ellas también hay tiempo para momentos más eufóricos en los que se acerca al heartland rock, dejando a un lado sus meditaciones intimistas en favor de enérgicos y pegadizos estribillos, como en ‘Santa Fe’, ‘Apetite’ o ‘Dry Deserts’, todas ellas impulsadas por unas festivas secciones de vientos; o en ‘Rivers and Creeks’ y ‘Slicked Back’, que son animados números country-rock que hacen respirar el conjunto.
Otros cortes se adentran en dolorosos terrenos personales, como ‘DeAnn’s Denim’, donde el cantautor recuerda a su madre, quien sufría de alcoholismo. Este tipo de problemas de adicciones y depresiones se extienden a lo largo de otras generaciones en su familia. A veces los genes pueden ser algo feo, concluye. Pero en la sentida balada ‘Aeroplane’ está listo para dejar ese pasado atrás (“Y digo adiós a quien solía ser / voy a empezar un incendio forestal en mi árbol genealógico”) mientras viaja en avión a España, donde nunca había estado. Nuestro país tiene presencia en este álbum ya que Bryan acaba de casarse en San Sebastián, la única fecha española hasta el momento en su gira mundial durante esta primavera.
La voz del cantante continúa siendo un poderoso vehículo para transmitir sentimientos honestos. En ‘Plastic Cigarette’, sobre un amor frustrado, su registro grave brilla sobre unos expresivos punteos de guitarra, mientras que en ‘Bad News’, una extraordinaria canción sobre la reciente pérdida de la identidad estadounidense debido a su tumultuoso estado actual (deportaciones masivas, polarización, extremismos, etc), a Bryan se le llena la voz de rabia al llamar a los agentes de ICE “hijos de puta engreídos”. La enorme desilusión de ver a su adorado país en un momento tan preocupante se traduce en la desesperanzada entonación de versos como “tengo malas noticias, se desvanece nuestro rojo, blanco y azul”.
Todas las canciones de ‘With Heaven On Top’ funcionan a la perfección por separado. Están excelentemente escritas e interpretadas, y la producción y arreglos siempre consiguen elevarlas. Sin embargo, al ser un disco tan largo (25 canciones y casi 80 minutos) y no demasiado innovador en sus formas, termina agotando por simple acumulación. Hay grandes momentos a destacar, pero también otros que resultan excesivamente redundantes, hasta el punto de que es inevitable pensar que si durara media hora menos, sería un álbum bastante mejor.
En cualquier caso, esto no parece preocupar lo más mínimo a su autor, cuya productividad creativa no conoce límites. Lanza prácticamente un álbum al año, más varios EPs y sencillos sueltos. Y es difícil encontrar en su catálogo una canción mala. En ‘With Heaven One Top’ no la hay. El cantante compone un extenso documento sobre el crecimiento personal y la reconciliación con su propio pasado dentro de un complejo contexto político. Y, sí, puede que la bandera de Estados Unidos esté cada vez más desgastada, pero Zach Bryan puede hacer brillar sus colores, aunque solo sea mientras dura una de sus canciones.
Tove Styrke, la cantante sueca que nos regaló temazos pop como ‘Say My Name’, ‘Mistakes’, ‘On the Low’, ‘Ego’, ‘Borderline’ o ‘Show Me Love’ (y podríamos seguir, su versión de ‘Liability’ de Lorde era tremenda), y que, durante un breve momento, pareció la segunda venida de Robyn, gracias al innovador sonido de sus discos, sobre todo del tercero, ha anunciado cuarto álbum.
Aunque ya puedes esperar sentado o sentada para escucharlo, porque saldrá en otoño. Se llama ‘The Afterparty’, al fin y al cabo. Es decir, es probable que, para cuando salga, ya hayas escuchado la mayor parte de su contenido.
El primer adelanto es sorprendente. ¿Recuerdas el single house que presentó el último disco de Tame Impala? Va más o menos por ahí. ‘Prayer’ es un anti-single, un mantra electrónico que sirve de introducción a la nueva era de Tove Styrke más que de single que escuchar en bucle.
‘Prayer’ es un crescendo de club-house de más de 5 minutos que tiene un puntito electro, un punto Jamie xx también, evidentes en sus saltarines efectos electrónicos, y algo de dance-punk gracias a su prominente punteo de bajo. La letra, que repite «puedo tenerlo, si quiero, yo lo valgo», también sirve de repetitivo leitmotiv, casi hipnótico.
Cuenta Styrke que ‘The Afterparty’ es el álbum «más ambicioso» de su carrera. Y explica así su concepto: «Siento que estamos viviendo en la fase de afterparty de nuestra época. El álbum reflexiona sobre lo que eso le hace a una persona, contado a través del lente de una afterparty real.
‘Prayer’ es «exactamente lo que su título sugiere: una oración, una afirmación». «Para mí transmite una sensación de esperanza y anticipación», añade la artista, «como el atardecer en una ciudad llena de posibilidades. Es la canción que abre el álbum y el único lugar lógico para empezar a contar esta historia».
Ariana Grande pasa página de ‘Wicked‘ después de dos películas promocionadas en una de las campañas cinematográficas más comentadas, divertidas y surrealistas que se recuerdan, y confirma su vuelta al teatro de la mano de su compañero en ‘Wicked’, Jonathan Bailey.
Ambos protagonizarán de nuevo un musical: una adaptación teatral de ‘Sunday in the Park with George’, la célebre obra de 1984, que podrá verse en el Barbican de Londres en el verano de 2027. Imaginamos que conseguir entradas será una lucha a vida o muerte.
Se trata de un musical escrito por James Lapine, con música y letras de Stephen Sondheim, cuya historia se inspira en la famosa pintura de Georges Pierre Seurat ‘Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte’, realizada entre 1884 y 1886. Grande y Bailey han confirmado su participación en el proyecto fotografiándose sentados delante de dicha obra.
La adaptación de ‘Sunday in the Park with George’ es el primer proyecto confirmado de Grande para 2027, ya que conviene recordar que la artista estará de gira durante 2026 presentando su disco ‘eternal sunshine‘ (2024) y su reedición, con la última fecha prevista para agosto. Son solo 10 fechas concentradas en Estados Unidos, Canadá y Londres.
Por supuesto, no es la primera vez que Grande participa en el teatro: en 2008 debutó en Broadway con el musical ’13’ y en 2016 actuó en ‘Hairspray Live!’, emitido por televisión.
Parte de la redacción evalúa ‘ROCCO’ y ‘TENTACION’, la nueva dupla de singles de Ralphie Choo. ‘TENTACION’ es nuestra Canción del Día.
Os recordamos que Ralphie Choo debuta este año en grandes recintos: el 20 de febrero actúa en el Movistar Arena de Madrid y, un mes después, el 27 de marzo, en el Sant Jordi Club de Barcelona.
«‘ROCCO’ y ‘TENTACION’, los nuevos adelantos del segundo álbum de Ralphie Choo, son exactamente lo que cabría esperar de un artista como él: sorprendentes e impredecibles. Ambas composiciones comienzan pareciendo una cosa y acaban en un lugar completamente diferente. No son hits inmediatos y sí, requieren de varias vueltas para exprimirlas al máximo, pero ¿acaso no es así la música que perdura en el tiempo?
Huyendo de estructuras convencionales, Ralphie Choo apuesta por crear atmósfera jugando y experimentando con los sintetizadores que resultan en una amalgama de sonidos futuristas que dialogan felizmente los unos con los otros. La mezcla imposible de ideas y géneros da resultados tan extravagantes como frescos. La pseudobalada ‘ROCCO’ ofrece su faceta más melódica sin dejar nunca de ser estimulante, y recuerda, en su primera mitad, a una suerte de Mk.gee en versión electrónica. Mientras que ‘TENTACION’ es pura diversión marca de la casa, empezando por su letra surrealista, que tan pronto te mete un “se pone puerca con historias que le escribo” como un “desayuno cigarrito con salsa tártara”, hasta su originalísima progresión, con más giros que una película de M. Night Shyamalan.
Ralphie Choo continúa expandiendo los límites de lo urbano y lo pop con dos exquisitas muestras de música fusión para abrir apetito antes del gran menú degustación que promete ser su nuevo disco». Fernando García
«Admiro a Ralphie Choo por sus inquietudes creativas y compromiso con la anti-perfección. Ambos principios los pone en práctica en ‘ROCCO’ y ‘TENTACION’, supuestos nuevos adelantos de su segundo disco, y los ejecutaba también en ‘PIRRI’ y en ese ‘D’amor traficante’ que fue el primero en salir de todos. Sin embargo, ninguna de estas producciones me transmite una evolución o un perfeccionamiento de la técnica, más bien me suenan dispersos y experimentales de más.
Por supuesto, el estilo de Ralphie Choo es el que es. Pero ‘ROCCO’ y ‘TENTACION’ no parecen singles dignos de un segundo disco. ‘ROCCO’, en un ánimo romántico, parece inspirado en los collagistas R&B actuales, como Dijon, pero la melodía merecía algo mejor que una suma de ideas instrumentales que bordea el exceso, sobre todo ese break de batería final que suena ya tirado sin ton ni son.
‘TENTACION’, por su lado, sorprende por su inspiración new jack swing, un estilo musical que pocos artistas están recuperando. Ralphie propone una extraña base rítmica que suena ralentizada, jugando con la percepción de lo que este sonido debe ser, pero la obra final me suena debilucha, nada «embriagadora», como si fuera el borrador de una canción futura. ‘ROCCO’ y ‘TENTACION’ resultan experimentos interesantes, pero solo eso». Jordi Bardají
Eurovisión ha agotado entradas para la gran final de Viena en tiempo récord a principios de enero, a pesar de la baja de varios países -entre ellos España- por la continuada participación de Israel en el festival. Eurovisión está en crisis, pero no tanto. Ahora, por primera vez en su historia, anuncia una gira europea para celebrar su 70º aniversario. ¿Alguien duda de que será un éxito?
La gira recorrerá diez ciudades europeas -lógicamente, ninguna española- y contará con participantes veteranos del festival, así como con representantes de la edición de 2026. Aún no se conoce el line-up, pero sí todas las fechas, ciudades y recintos. Una cantante eurovisiva que -imaginamos- NO estará es Conchita Wurst, que se ha desvinculado de Eurovisión para «perseguir otros proyectos».
Eurovisión ha explicado brevemente la dirección creativa de la gira: «Para celebrar siete décadas del Festival de la Canción de Eurovisión, todo el concierto estará dedicado a las canciones que amas. Los artistas interpretarán sus propias canciones de Eurovisión, además de versiones especiales de sus clásicos favoritos de los 70 años de historia del certamen».
«Creada especialmente para el 70º aniversario, esta experiencia de concierto única ha sido diseñada especialmente para sus fans; reuniendo a intérpretes clásicos de Eurovisión y a las grandes estrellas de Viena 2026 para celebrar el legado del certamen, su comunidad global de seguidores y siete décadas de música que une a las personas», lee el comunicado.
Monday 15 June – London, United Kingdom – O2 Arena
Wednesday 17 June – Hamburg, Germany – Barclays Arena
Friday 19 June – Milan, Italy – Arena Milano
Saturday 20 June – Zürich, Switzerland – Hallenstadion
Monday 22 June – Antwerp, Belgium – AFAS Dome
Tuesday 23 June – Cologne, Germany – Lanxess Arena
Thursday 25 June – Copenhagen, Denmark – Royal Arena
Saturday 27 June – Amsterdam, Netherlands – Ziggo Dome
Monday 29 June – Paris, France – Accor Arena
Thursday 02 July – Stockholm, Sweden – Avicii Arena
Harry Styles, Jessie Ware, James Blake o Mitski son algunos de los artistas que están a punto de anunciar sus nuevos lanzamientos. Entre quienes se les han adelantado se encuentra la cantautora británica Arlo Parks, que ya ha dado los detalles de su tercer álbum. Y no será continuista precisamente: en ‘Ambiguous Desire’, Parks cambia a su “banda de directo” por “sintetizadores modulares, plugins de Ableton y samplers que reflejan los espacios frenéticos y vibrantes en los que ha estado inmersa”. Todo ello sin renunciar a la “lírica poética por la que es conocida”.
Si la descripción suena bien, el primer adelanto suena mejor. ‘2sided’, la Canción Del Día de hoy, utiliza ritmos de breakbeat y sintetizadores envolventes puestos al servicio de una melodía irresistible, sonando bailable y brumoso al mismo tiempo.
«En esencia», explica Arlo, «‘2SIDED’ trata sobre el anhelo y la tensión», un trasfondo convincentemente plasmado en la canción. La canción, dice, «habla de verse atravesada por un relámpago de deseo y de reunir el valor necesario para poner en palabras ese sentimiento, para hacerlo real».
La ganadora del Mercury Prize ha producido ‘Ambiguous Desire’ en Nueva York junto al productor Baird (Brockhampton, Kevin Abstract), inspirándose en la obra de artistas como Burial, LCD Soundsystem o los Streets. El disco se pone a la venta el 3 de abril.
Cuenta que ha «bailado más que nunca» creando el álbum: «También hice más amigos que nunca; me encontré en el extraño submundo de las noches de juke de Nueva York, desatada, riendo y riendo y riendo. El núcleo de este disco es el deseo. El deseo es una fuerza vital: es querer, anhelar, impulso; todos estamos vivos porque hay algo o alguien que deseamos; el deseo es un motor. Pero también es misterioso, enredado, aleatorio, revelador y HUMANO».
Hace poco estaba escuchando música en Spotify y empezó a sonar una canción que me recordó sospechosamente a una de Lana Del Rey. La canción es ‘Colour of Sense’ y el artista, un tal «woming pai music». La canción suma más de 34.000 escuchas pero tiene toda la pinta de haber sido creada con inteligencia artificial, básicamente porque la voz de Lana y la melodía de ‘Young & Beautiful’ son fácilmente reconocibles, aunque manipuladas.
Lo más preocupante es que el algoritmo de Spotify la haya incluido en mi cola de reproducción, cuando hago todo lo posible por no consumir música generada con IA que copia de forma tan evidente grabaciones originales, de Lana Del Rey nada menos.
Según Last.fm, la canción que escuché antes de esa fue ‘Almost a Lover‘ de BEA1991. Es decir, «woming pai music” parece haberse colado en el ecosistema de recomendaciones de BEA1991, y probablemente de otros artistas similares, imitando sus patrones sonoros y emocionales para engañar al algoritmo y, de paso, a los oyentes. Hablando de oyentes, este «artista» tiene casi 15.000.
Por no hablar de las playlists de ambient y música para relajarse o dormir, que está completamente plagadas de sonidos generados por IA, que pasan desapercibidos debido a la naturaleza de este estilo musical.
El problema empieza a ser realmente preocupante, ya que artistas fake como The Velvet Sundown se popularizan. El último nombre en hacerlo es Sienna Rose, una supuesta promesa del soul que acumula millones de reproducciones con canciones como ‘Into the Blue’, pero que ha recibido denuncias por haber sido generada por IA, y todo apunta a que lo es.
No hablamos de «slop» en este caso, sino de creaciones extremadamente realistas que se confunden con seres humanos. El público empieza a generar tolerancia a este tipo de productos y a asumirlos como una opción más: solo hay que recordar la manera en que Bad Gyal elogiaba su dueto con Bad Bunny hecho con IA. Decía que era un «temazo»: era verdad. ¿Pero lo queremos en una plataforma que usamos bajo suscripción?
Como recoge Stereogum, Deezer ha comunicado que 50.000 canciones publicadas en su plataforma al día están creadas con inteligencia artificial, el 34% de toda su música nueva. Spotify, por su lado, ha prometido deshacerse de la basura «AI-generated» -de nuevo, aquella llamada «slop», que en inglés significa algo así como «chapuza»- pero sus esfuerzos parecen en vano, ya que los oyentes se siguen topando con canciones como la que cito, sin quererlo. Es cierto que Sptify permite la opción de «denunciar» contenido engañoso, pero las canciones fake siguen proliferando. En el peor de los casos, estamos hablando de auténtica basura musical flotando por las plataformas como si nada.
Ahora Bandcamp, una de las plataformas que mejor trata a sus artistas, ha lanzado un rayo de esperanza: a partir de ahora, la música generada con inteligencia artificial está prohibida en su servicio. Y no solo se refieren a la música «completamente» generada por IA, sino también a la que lo ha sido solo «parcialmente». Tienen faena, ya que la cantidad de música que se sube a Bandcamp diariamente es considerable. La plataforma ha publicado pautas claras para la música hecha con IA:
1.- La música y el audio generados total o sustancialmente por IA no están permitidos en Bandcamp.
2.- Cualquier uso de herramientas de IA para hacerse pasar por otros artistas o estilos está estrictamente prohibido, de acuerdo con nuestras políticas existentes que prohíben la suplantación y la infracción de propiedad intelectual.
Bandcamp explica: «Si te encuentras con música o audio que parezca haber sido creado totalmente o con una fuerte dependencia de IA generativa, utiliza nuestras herramientas de reporte para marcar el contenido y que nuestro equipo lo revise. Nos reservamos el derecho de eliminar cualquier música bajo sospecha de haber sido generada por IA».
Bandcamp no es la plataforma de streaming más usada, ni su experiencia de streaming es la más fluida, ni su algoritmo el más potente, pero sí es un oasis para artistas y oyentes que buscan consumir música de forma más ética (y comprarla directamente si así lo desea). Ahora, dan un paso firme al prohibir la IA en su servicio, y espero que otras plataformas sigan su ejemplo.
La tercera temporada de ‘Euphoria‘ se ha hecho esperar hasta lo indecible; incluso parecía que nunca iba a estrenarse debido a la apretada agenda de sus principales actores, especialmente Zendaya, Jacob Elordi y Sydney Sweeney, que se han convertido en auténticas superestrellas en los últimos años.
Pero ‘Euphoria’ vuelve, y la fecha de estreno de su tercera temporada es el 13 de abril. Además, se había anunciado que uno de los nuevos personajes estaría interpretado por Rosalía. La primera imagen de su papel la mostraba con un collarín en el cuello, en pose chulesca.
Rosalía no ha revelado demasiada información sobre su personaje en las entrevistas, ni antes ni después del lanzamiento de ‘LUX’. Sin embargo, el tráiler que HBO estrena hoy -y que puede verse doblado al español- incluye un breve momento de Vila Tobella actuando en uno de los episodios. Simplemente, la vemos bailar en una barra de striptease, de manera similar a como lo hacía en el vídeo de ‘Bagdad’ (2018), y aún con el collarín puesto.
Rosalía alternó el rodaje de ‘Euphoria’ con la grabación de su cuarto disco. En una entrevista con Billboard, contaba que fue «todo un reto». «Estaba grabando el álbum mientras filmaba Euphoria. Tuve que dividir mi mente entre las dos cosas y, además, era la primera vez que hacía algo así: preparar un personaje, estudiar los diálogos. Por alguna razón, no me volví completamente loca».
La autora de ‘Berghain’, que fue seleccionada para el papel tras superar un casting, explicaba que se siente especialmente conectada con Sam Levinson y su obra porque ambos comparten una sensibilidad. «(Sam) y yo somos ambos personas muy sensibles. Por alguna razón, todo lo que crea él para mí resuena con este momento», explicaba al portal estadounidense.
No vemos a Rosalía en el avance pronunciar palabra, pero eso lo descubriremos cuando la serie se estrene. De momento, sí vemos a Rue metida de nuevo en problemas, a Maddy -y especialmente a Cassie- completamente en su salsa, y a Jules relajándose, pensativa, en el interior de un enorme ático durante la noche. Una serie de mafias y drogas ya, más que de adolescentes.
Dentro de exactamente un mes, conoceremos al 5º ganador de Benidorm Fest tras las victorias de Chanel, Blanca Paloma, Nebulossa y Melody. Por primera vez, el ganador no irá a Eurovisión: así lo decidió en votación el Consejo de RTVE, debido a la reiterada vulneración de las normas por parte de la televisión israelí y al genocidio en Gaza.
El target del festival parece comulgar con esta decisión casi por unanimidad: no hay grandes voces discordantes. Por tanto, esta ha de ser la ocasión de convertir la necesidad, en virtud. Será el momento de celebrar y valorar las canciones y la música sin muletillas como «esto no lo veo en Eurovisión». Dedicamos el nuevo capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO a esta cuestión.
La primera mitad de este podcast es apta para quienes aún no habéis escuchado las playlists que hay en Spotify, Apple Music, Amazon y demás sobre Benidorm Fest 2026. Hablamos de Eurovisión en general, de la subida en audiencias de RTVE, de qué puede hacer la cadena para mantener el hype en torno al certamen y de cuestiones más generales. Mostrar «teasers» de actuaciones en Instagram y TikTok, o fotos de los ensayos, podría ayudar.
La segunda parte del capítulo sí es el desbarre habitual sin censuras sobre lo que pensamos de las 18 canciones aspirantes. Miranda con Bailamamá, Kenneth y Luna Ki continúan entre los más escuchados y algunos de ellos son de nuestras favoritos también. En los últimos días están destacándose también ‘Velita’ o ‘Turista’, dado su uso en cortinillas televisivas incluso de otras cadenas. No obstante, hay que recordar que el gran salto de virales como ‘Nochentera’ y ‘Zorra’ se dio cuando se presentaron en frente de una audiencia millonaria y generalista, es decir, en las semifinales. Tradicionalmente, alguien sorprende con su puesta en escena para bien o para mal. Esta vez, con la supervisión de Sergio Jaén, solo puede ser «para bien».
Tras una parte media en la que hablamos de posibles virales futuros como ‘Las damas y el vagabundo’, dedicamos los últimos minutos del podcast a las canciones que menos nos han gustado. Muchas de ellas serán interpretadas por «nepobabies», por casualidad, o no.
Jesús Vázquez, Javier Ambrossi e Inés Hernand conducirán las semifinales y la gran final el próximo mes de febrero, con el aliciente de que el ganador se llevará 150.000 euros. No está nada mal para una industria, la musical, que lleva por apellido «precariedad».
Hasta hace cinco años, nadie conocía a Riku Onda fuera de Japón, donde es una autora muy premiada y leída. Fue a raíz de la traducción al inglés de ‘El asesinato de los Aosawa’ (publicada originalmente en Japón en 2005) y de su inclusión en varias listas de lo mejor del año, cuando la autora se ha dado a conocer internacionalmente. ‘El asesinato de los Aosawa’ (Salamandra) es un absorbente thriller que destaca por su atractiva y poco convencional estructura narrativa. Todo comienza en una fiesta de cumpleaños celebrada en un sofocante día de verano (el ambiente caluroso y húmedo impregna toda la novela): diecisiete personas, entre ellas seis niños, mueren envenenadas. A partir de ese suceso, la historia se abre a múltiples perspectivas, distintas líneas temporales y diversos puntos de vista, como si se tratara de un rompecabezas metaficcional: una joven interesada en el caso contacta con una escritora que escribió sobre ese caso que a su vez fue testigo de la masacre.
