L’Beel es el proyecto de la barcelonesa Latifa Belkafir, quien lleva publicando música desde 2021. En 2022 debutó en directo en la Jamboree de Barcelona y en 2023 se subió por primera vez al escenario del Sónar, presentando un repertorio que se basa en la mezcla de estilos.
De familia marroquí, L’Beel (pronunciado «Lebél») trae la influencia musical andalusí de sus antecesores a su música, fusionándola con los ritmos urbanos y pop de moda. En ‘Lobos’ canta que va «de Marruecos al Cairo y de Cairo a París». ‘El arrepentido’ directamente se atreve con un beat de UK garage, aunque más notoria es esa mezcla de estilos en ‘Castigo’, una composición brillante que justifica la promesa de L’Beel.
No es ningún misterio que el flamenco -o una versión de este estilo- forme parte del imaginario de L’Beel, por ejemplo, en ‘Pena penita pena’, su colaboración con Dellachouen, pero en ocasiones el quejío típico del cante andaluz simplemente aporta una capa más a sus producciones, como en ‘La inocencia se fue’, que se apoya en una base de estilo caribeño.
En la intersección entre pop urbano y flamenco que se da en su música, presente también en su EP ‘Mis niñas’, L’Beel ha publicado recientemente la mejor canción de su todavía breve carrera. ‘Cruce de miradas’ es la Canción Del Día.
En ‘Cruce de miradas’ L’Beel da rienda suelta a sus influencias árabes, en una producción firmada por Lost Twin que mezcla el flamenco-pop moderno de hoy, en el estilo de ‘El mal querer‘ de Rosalía, con un arreglo de cuerdas majestuoso. La letra, desafiante, retrata a un chico «cobarde» que no valoró a Latifa. «Por ti sacaba los dientes, con lo que hubiese sido, ay mira, qué penita», canta L’Beel, mientras la composición -con su fondo melancólico- no la hace sonar abatida en absoluto, sino empoderada.
Hace unos días informábamos del regreso de ‘Rosas’, el éxito de La Oreja de Van Gogh de 2003, a la lista oficial de singles de España, en un puesto 70. Este dato es inmediatamente posterior a la recuperación de ‘Rosas’ en uno de los cuatro masivos conciertos que Karol G acaba de ofrecer en España, en el que Amaia Montero ha estado de cuerpo presente.
Semanas después de aquello, ‘Rosas’ está logrando una repercusión inaudita a nivel mundial, de manera misteriosa. ‘Rosas’ ha entrado este sábado en los 200 primeros puestos del top global de Spotify, concretamente en el puesto 184, rodeada de éxitos viejos y antiguos, de Dua Lipa o Tears for Fears. Hoy domingo escala al 165, subiendo 19 posiciones. No ha sido un espejismo.
El «misterio» es que ‘Rosas’ se ha vuelto a popularizar en literalmente media América Latina, como muestran los datos diarios de Spotify, probablemente tras su mediática recuperación en el segundo de los cuatro concierto que Karol G acaba de realizar en Madrid.
Lo que encontramos al desglosar este «top 165 global» de ‘Rosas’ es que la gran balada de La Oreja de Van Gogh se ha posicionado en el 28º puesto de Spotify México, en el 32 de Perú, en el 19 de Ecuador, en el 54 de España, en el 28 de Colombia, en el 23 de Guatemala, en el 48 de Chile, en el 67 de Argentina, en el 24 de Costa Rica, en el 35 de Bolivia, en el 29 de Venezuela, en el 15 de Nicaragua, en el 22 de El Salvador, en el 52 de Paraguay, en el 23 de Honduras, en el 33 de Panamá, en el 78 de Uruguay y en el 72 de República Dominicana. Lo dicho: media América Latina.
La re-popularización de ‘Rosas’ en América Latina no viene de la nada. Cuatro veces platino en España, ‘Rosas’ se considera un clásico del pop también fuera de nuestras fronteras, pues alcanzó el número 1 en las listas oficiales de muchos de los países citados, como México, Colombia, Argentina, Chile o Perú, hace más de 20 años.
La formación actual de La Oreja de Van Gogh se encuentra en una gira por festivales que acaba de llevar a la banda a Río Babel, por ejemplo. Aunque ni el factor «nostalgia» de esta gira habría hecho anticipar al público que La Oreja lograrían un éxito global en Spotify, en 2024.
El concierto de Louis Tomlinson, ex de One Direction, ha marcado la segunda jornada de Santander Music, para bien y para mal. Nada más abrir el recinto de la Magdalena, jóvenes de todas las edades cogieron sitio en las primeras filas del escenario principal. Y ahí se quedaron durante aproximadamente 7 horas. En un principio, Tomlinson estaba programado a la 1:50 de la madrugada, pero la organización adelantó 20 minutos la actuación tras «escuchar al público».
Me alegré mucho cuando iba a empezar el concierto de Alba Morena y vi a todas esas personas sentadas, esperando pacientemente, porque el show de la salouense lo merece. Cuando terminó y automáticamente todas se volvieron a sentar, ya entré en razón. Las camisetas tampoco daban lugar a error. En su primera vez en Santander, Alba saca a relucir su brillante voz desde los primeros temas, con ‘Yo te quiero pero’ y la gran versión de Dillom, ‘Amigos nuevos’.
En los conciertos de Alba Morena hay hueco para el humor, con sus constantes referencias a las preocupaciones de la Gen Z como los fifes o las eternas gestiones, la reivindicación («Toda esta música la he producido yo, porque hay mujeres que producimos») y la experimentación musical, mezclando boleros con reggaetón en ‘Sin Morir Espero’ o bachatas con electrónica en ‘Me Siento Muy Triste’. El público, por otro lado, se limitó a aplaudir y a moverse ligeramente con ‘Pirulí’. No estuvo a la altura de Alba Morena.
Toni Villén
Aunque todos y todas las fans de Louis hayan tenido que aguantar todos los conciertos previos, al menos los han disfrutado. Este fue el caso de Sen Senra, que dio el mejor concierto del día. Es un show que podría sostenerse solamente con las canciones base, pero el gallego también ofrece un espectáculo sónico. ‘Tumbado en el jardín viendo atardecer’ y ‘No quiero ser un cantante’ se suceden ante el asombro del público. Por un momento a alguien se le olvidó que iba a ver a un One Direction.
No hay dos conciertos de Sen Senra iguales, haciendo pequeños cambios en el setlist o en los arreglos de los temas. Es el caso de ‘Completamente Loco’, que ya no es el reggaetón de Sen Senra, sino una amalgama de sintetizadores y una potente batería que acaba recordando a Kavinsky. ‘Hermosa Casualidad’, con una sorprendente participación del público, y ‘Por Ti’, que coincidió mágicamente con unos fuegos artificiales al otro lado de la bahía, fueron los momentos más emocionantes del show. Así es fácil irse sonriendo al ataúd. Y una vez más, lxs directioners volvieron a sentarse.
trashi y Aiko el grupo han sido las inyecciones de energía descarnada que necesitaba Santander Music. Tanto Sergio, de trashi, como Tere, de Aiko, son pura electricidad en el escenario. El murciano salió al escenario fumándose un cigarro y desbordando carisma. Parecía tranquilito, hasta que empezó a subirse a las barras del escenario y a dejarse el alma gritando, en esa mezcla tan adictiva de pop, punk y autotune que propone la banda. Por otro lado, Tere y la guitarra son una, dejándose llevar por sus vibraciones en todo momento. Tanto a trashi como a Aiko se les está quedando un repertorio envidiable que además redondean con unas grandes versiones. Los murcianos rinden homenaje a Bad Gyal, mientras que Aiko aumentan en gran medida las revoluciones de ‘Toro’ con su cover particular.
Lo que más me sorprendió es que entre los dos grupos, cañeros como nadie, solo se formó un pogo, y fue porque lo pidieron los de trashi. Samuraï se encontraba entre el público y se encargó de abrir la pista para el petardazo de ‘mañaneo’. Irónicamente, uno de los mejores momentos del concierto de Aiko, si no el mejor, fue su baladón. Todas las canciones las hacen a tres voces y en ‘Por qué no dices la verdad’ esto brilló especialmente, siendo Tere la voz disonante que rompe la paz de los coros de Lara y Bárbara. Su set terminó de manera abrupta con ‘Peñacastillo’, adelantando la salida de Louis Tomlinson. «Pues nos tenemos que quedar así», dijo Tere. Al público no le gustó esto. «¡Que le follen!», se oye de fondo.
Javier Bragado
Cuando estaba a punto de comenzar el concierto más esperado del día, quedó claro que había venido mucha menos gente que el primer día. Aun así, cuando Tomlinson pisó el escenario lo que se oyó fue un festival de gritos. «You guys are fucking loud», exclamó el cantante. Mantuvo las palabrotas durante todo el concierto. Otra estrategia para alejarse de su antigua banda fue hacer las versiones más cañeras posibles, porque sí, cantó temas de One Direction. En concreto, ‘Drag Me Down’, ‘Night Changes’ y ‘Where Do Broken Hearts Go’. Cuando sonó la primera de estas fue precioso, porque había muchos sueños siendo cumplidos en ese instante, solo por ver a un One Direction. Para las generaciones más jóvenes, es como ver a un Beatle. Para aquellas personas más creciditas fue lo mismo. Su niñx interior sanó.
El repertorio propio de Tomlinson también fue cantado a los cuatro vientos. En especial, ‘Out Of My System’, ‘Bigger Than Me’ y ‘Written All Over Your Face’. Había pocos momentos de silencio. Entre canciones, solo había más gritos. Lo cierto es que el concierto no está nada mal. Tomlinson se ha rodeado de una banda más que capaz y las canciones son simpáticas. Un alivio para los padres y madres que han tenido que estar aguantando desde las 19 de la tarde en el mismo sitio. ‘Where Do Broken Hearts Go’ la cantó antes de beberse de un trago una mini botella de alcohol que le habían dado desde el público, poniendo fin a dos días de música maravillosos. Ojo, que el Santander Music no ha terminado.
Hoy tiene lugar la fiesta de Brunch Electronik, por primera vez en Cantabria, para los mayores amantes de la electrónica. Uhmami, Héctor Llamazares, TSHA, Dennis Cruz y Honey Dijon despedirán la Campa de la Magdalena hasta el año que viene. Las entradas para la edición de 2025 estarán disponibles este lunes 5 de agosto a partir de las 12 del mediodía.
Adele ha iniciado su serie de conciertos exclusivos (o «residencia») en Múnich, Alemania, un total de 10 fechas que abarcan desde el 2 hasta el 31 de agosto. El estadio en el que está cantando Adele en Múnich ha sido diseñado y construido para la ocasión y se espera acoja unas 74.000 personas por noche, por supuesto venidas de Alemania y de otras partes del mundo.
El concierto planteado por Adele para Múnich es parecido al de ‘Weekends with Adele’, su show en Las Vegas, pues igualmente incluye «humo, fuego, confeti y juegos artificiales», además de «probablemente la pantalla de vídeo más grande de la historia», relata Billboard.
El tracklist de Múnich presenta alguna diferencia notable, por ejemplo, ‘Rolling in the Deep’ cierra, en lugar de ‘Love is a Game’, y Adele recupera ‘Chasing Pavements’, su primer single, que no cantaba en vivo desde hacía 7 años. Otra canción rescatada es ‘All I Ask’, un baladón co-escrito por Bruno Mars.
Es asombroso ver a Adele cantar ‘Love in the Dark’ -entre otras canciones- acompañada de una orquesta, frente a muchas decenas de miles de personas más de las que caben en el Caesars Palace, y al aire libre.
Aunque parte de la gracia del show ha vuelto a recaer en el humor y la espontaneidad de Adele. En la primera fecha se coronó describiendo el origen de ‘Someone Like You’: «La escribí en el peor momento de vida. Ojalá hubiera sabido que las cosas se iban a poner peor». Y en la segunda fecha ha interrumpido el show para emitir la carrera femenina en los Juegos Olímpicos.
Cabe recordar que la residencia de Adele en Múnich no significa el fin de su otra residencia en Las Vegas, sino un parón de verano.
Justice ha publicado este año ‘Hyperdrama‘, uno de sus mejores discos. Y parece que el público está de acuerdo con esta afirmación: 8 de las 10 canciones más populares de Justice en Spotify en este momento pertenecen a ‘Hyperdrama’, un disco que salió hace meses, en abril. El público no se cansa especialmente de las dos colaboraciones con Tame Impala.
‘One Night/All Night’ fue el single de presentación de esta nueva era de Justice. Pero es ‘Neverender’, la otra colaboración con Kevin Parker, la más popular actualmente: la canción de Justice nº1 en Spotify ahora mismo.
En la Canción Del Día de hoy, Justice no presenta a Tame Impala como «featuring», sino como estrella: «Neverender starring Tame Impala». En una entrevista con JENESAISPOP, Justice se deshace en elogios hacia el australiano: «Kevin Parker tiene mucho talento como compositor y productor, pero lo que nos llama la atención de su música es que parece simple, pero no lo es». Justice habla en detalle de ‘Neverender’ revelando que, durante la grabación de este tema, (Parker) nos volvía loco porque usaba una nota que no nos encajaba, pero después, mezclada con la música, tenía todo el sentido del mundo».
‘Neverender’ es la introducción perfecta a un álbum que presenta el sonido electro familiar de Justice pero pulido y estilizado al máximo. Los elegantes sintetizadores y ritmo disco de ‘Neverender’ esculpen un sonido futurista y galáctico; la canción suena como si Xavier de Rosnay y Gaspard Augé pilotaran una nave espacial dirigida a las estrellas. Ellos, por otro lado, saben crear y aliviar tensión en ‘Neverender’ cortando y reintroduciendo la base repetidamente.
A la ráfaga electrónica de ‘Neverender’ se suma Kevin Parker aportando su famoso falsete. La melodía vocal de ‘Neverender’ es 100% Tame Impala, y la letra también: Parker está arrepentido y sufriendo. «Debí haber sido honesto», «el dolor de mi corazón lo recuerdo como el más agudo», «el arrepentimiento es el sentimiento que más tarda en desaparecer», «los momentos malos son los que no olvido». Afortunadamente, Justice saben convertir el «hiperdrama» en puro escapismo.
De la sensación de mareo emocional que pueden causar las primeras experiencias sentimentales nace el concepto de ‘Vertigo’, el álbum debut de Griff. La artista británica muestra al fin su carta de presentación oficial tras unos estelares primeros pasos en la industria musical. La pandemia frenó ligeramente esos grandes planes que buscaban convertirla en una mediática estrella del pop pero, gracias a su contrato con Warner, no evitó que aun así formara parte de las giras de artistas tan consagrados como Dua Lipa, Ed Sheeran, Coldplay, o en una fecha del Eras Tour de Taylor Swift en Londres.
Ahora, tres años más tarde de que ganara el Rising Star Awards en los premios BRIT, por encima de Pa Salieu y Rina Sawayama, ha llegado el momento de materializar esas promesas y convertirlas en realidad. ‘Vertigo’ cumple ese cometido a medias. Por un lado, Griff evidencia un carisma que podría hacer de ella una estrella global, pero por otro, las composiciones de este trabajo no poseen ni la fuerza ni la personalidad suficientes para lograrlo.
La cantante se ha codeado de varios productores expertos en pop comercial como Mura Masa o Lostboy, que ha trabajado con Kylie Minogue (en su ‘Padam Padam’), Rita Ora, Ava Max o Little Mix, entre muchos otros. Aunque prácticamente en todas las canciones tanto la propia Griff como Sam Tseng están también acreditados como productores. El sonido es limpio y cuidado, utilizando las fórmulas del género de manera efectiva y consiguiendo melodías pegadizas como en la muy Taylor Swift pista homónima.
La sombra de la cantante más exitosa del mundo es alargadísima, y Griff es una de sus pupilas predilectas. Su influencia aquí está en todas partes: tanto en la estética sonora como en las estructuras o las letras. Algo que no es negativo per se, ya que la voz de la británica sí se distancia bastante de la tonalidad y cadencia de su ídolo, por lo que el resultado no se siente tan falto de visión como el de otros de los jóvenes nuevos artistas graduados con honores en la escuela swiftiana, véase Gracie Abrams.
En ‘Vertigo’, son principalmente las interpretaciones vocales lo que más destacan, pero también hay algún atisbo de sensibilidad pop que sigue manteniendo viva la esperanza de cara al futuro, como en la juguetona progresión de la electrónica ‘Cycles’ o en la sencillez de la balada ‘Astronaut’, que pese a no inventar nada nuevo, aporta un punto sentimental que le sienta muy bien al álbum. En ‘Miss Me Too’, Griff entrega un estribillo eufórico, claramente influido por su experiencia actuando en grandes estadios, en una canción con verdadero potencial de hit.
Sin embargo, el mayor lastre que encuentra el debut de la cantante es que casi todo es un deja-vu sonoro. Las canciones caen a menudo en un terreno neutral y genérico, en el que ni molestan ni entusiasman. Hay momentos en los que Griff muestra su potencial, especialmente como vocalista, pero aún no ha encontrado un estilo propio. ‘Vertigo’ no consigue disipar la promesa, pero todavía parece muy lejano ese golpe definitivo que le haga competir con las élites del pop.
La Campa de la Magdalena vuelve a ser el recinto soñado para cualquier festival. A un salto de las playas de La Magdalena y Bikinis, Santander Music puede presumir de tener la temperatura y el ambiente perfectos. Cabe mencionar que, como siempre, no hay camping. Sin embargo, nunca había visto gente durmiendo en sacos hasta ahora, apelotonados en una acera a la entrada del recinto. Tras un cambio en la organización, la diferencia más clara es la desaparición del DJ entre actuaciones, que dinamizaba en gran medida el evento.
Aun así, la primera jornada de Santander Music ha brillado gracias a los conciertos complementarios de pablopablo y Mikel Izal, que entre los dos han abarcado todo lo que podemos esperar de un día centrado en las guitarras. Ciudad Jara comenzaron su set anunciando que este no era «uno más», sino «uno menos». El grupo valenciano tiene solo cuatro conciertos más antes de un parón de duración indefinida. Acompañaron perfectamente el inicio del festival, levantando al público hacia el final del show gracias a temas como ‘Bailé’.
Todo para que pablopablo coja todo ese hype y lo convierta en pura emoción. Pablo Drexler deslumbró totalmente en el concierto más único del día. Había guitarras, sí, pero nada cercano al rock. El primer sonido del show ya fue una muestra de las inquietudes del joven madrileño, juntando saxofón y teclado para conseguir algo parecido a un sintetizador que bien podría usar Hans Zimmer en una de sus bandas sonoras.
Toni Villén
En ‘Otra Vida’ ya brilló la gran voz de Drexler, modulada con un ligero autotune que la hace todavía más afilada y adictiva de lo que ya es por sí misma. Pablo tiene muchos trucos vocales preparados para sorprender al espectador en cualquier momento, ya sea un imprevisible cambio de pitch o un eco imposible de localizar. En cierta medida, recuerda a los directos de Guitarricadelafuente, con quien hizo la anhelante ‘Sidekick’, en sus elementos digitales, pero cambiando los boleros por la producción estadounidense.
«Mis canciones son un poco lentas para un festival, pero veo que tenéis ganas». Ciertamente, tal y como él cuenta, es un concierto lento, pero tremendamente emocionante. De los que te hacen mantener la boca abierta. Quien no lo conociese, seguro que quedó enamorado con temas como ‘Despierta’ o ‘Mi Culpa’, que ojalá fuese más larga. Eso pareció, porque a cada canción que terminaba, más volumen cobraban los gritos del público.
Además de presentar los singles de su segundo disco, pablopablo también tocó muchas canciones nuevas que seguramente entren en este próximo proyecto. O eso parecía, porque él no dio ningún tipo de información. «Esta canción la hice con un amigo», cuenta en un momento dado. Los que tenía al lado también pensaron que iba a cantar ‘Sidekick’, pero no. «Toco canciones pero no ha funcionado ninguna», entona en el precioso tema. A juzgar por lo escuchado, ‘Canciones en Mí’ llevará la carrera de pablopablo a otro nivel. Disponible en septiembre.
Javier Bragado
Ginebras dieron un giro de 180 grados al ambiente. Tras el trance de pablopablo, tocaba el primer gran concierto de Santander Music, en cuestión de volumen de público y espectáculo. Magüi, Sandra, Raquel y Juls comenzaron dudando del público norteño, pero rápidamente les convencieron de lo contrario. «A ver cómo acabamos», soltó Sandra. ‘Con Altura’, ‘Cosas Moradas’ y ‘Bailando Mal’ fueron suficiente para montar una de las mayores fiestas de la jornada, sobre todo con esta última. Hacia el final del show, Magüi, que actuó con placas en la garganta, estaba totalmente convencida: «Me ha sorprendido mucho esta energía».
El público cobró una intensidad espectacular en ‘La Típica Canción’, que terminó el show para dar paso al pop rock adolescente de Malmö 040. El grupo catalán sonó genial, si bien exhibieron un discurso bastante teen. Quizás, demasiado. Aun así, temas como ‘El Capítulo Final’ o ‘Matar La Pena’ son defendidos con gran entereza. Aunque, para aguante, el de Mikel Izal. El pamplonés dio el concierto más grande del día, además de presentar el set más elaborado. «En contra de todos los doctores he decidido seguir la gira», cuenta sentado en una silla de oficina después de romperse el menisco. ‘El miedo’, ‘El grito’, ‘La fe’ y ‘El paraíso’ son los cuatro capítulos que dividen el show, acompañados por una reflexión del cantante.
«Si tenéis algo que os está amargando la vida, os digo que lo soltéis, que se lo contéis a vuestra familia, colegas o un profesional», aconseja Izal al presentar el segundo capítulo. Si eres fan de Mikel Izal, supongo que seas fan de Izal, y viceversa. Disfrutarás el show como nadie. Tiene un poco de todo: temas de baile, de ‘Pausa’, medio funk y sobre todo mucho indie rock de autor. También muchísimas canciones de Izal, que acompañan a los temas de ‘El miedo y el paraíso’. Por otro lado, si no te gusta ninguna de las dos propuestas, el directo no te convencerá de lo contrario. No por baja calidad, sino por falta de novedad.
Toni Villén
La última parte incluye los mayores éxitos de la banda, como ‘Qué bien’ y ‘La mujer de verde’, que consiguió que salieran a bailar hasta los trabajadores del festival. Este tramo es el más alegre e incluye las mejores canciones. El público estuvo de acuerdo, porque cantó hasta las comas.
La La Love You despidieron la jornada con su «la la baile» particular. ‘El Fin del Mundo’ lleva en las listas españolas 104 semanas. Eso son casi dos años. En ciertos momentos, se notaba que lo único que quería escuchar la gente era esa canción, siguiendo las órdenes de la banda, pero sin mucha emoción. «Somos La La Love You y bienvenidos a nuestro prom party». Si Malmö 040 pecan de adolescentes, es normal. Si lo hace un grupo en el que algunos integrantes están cerca de los 40, me chirría un poco más…
Musicalmente, se podría decir que dieron la nota, con unos riffs poco o nada sorprendentes y un batería que parecía perderse por momentos. En otras ocasiones, esto último no ha ocurrido o no era tan evidente. «¿Cuál es para vosotros la canción del verano? Esta es nuestra candidatura», pregunta David Merino antes de cantar, sí, ‘La Canción del Verano’. Ojalá hubiesen hecho una versión de ‘360’ o ‘Von dutch’. Eso sí habría sido interesante.
Jugada maestra de Charli xcx convirtiendo un bonus track en el mejor debut de su carrera en el chart global de Spotify. Lo ha conseguido con la ayuda de Billie Eilish, en la primera vez que esta se presta a ser «featuring» en un tema.
El remix de ‘Guess‘ entra en el número 3 del global de Spotify con 6,857 millones de reproducciones, confirma chart data. Aunque no puede ni ‘Who’ de Jimin, que permanece en el 1, ni con ‘Birds of a Feather’ de la propia Billie, que sigue en el 2, es -como decimos- el mejor debut de xcx en Spotify.
En Estados Unidos, el remix de ‘Guess’ con Billie Eilish sube escopetado al número 1 tras debutar en el puesto 183 con apenas dos horas de conteo. Suma 2,183 millones de reproducciones en su primer día de estreno, en el país norteamericano. ‘Guess’ da Charli su primer número 1 en Spotify USA desde ‘Fancy’, hace 10 años.
El videoclip del remix de ‘Guess’, por otro lado, suma cerca de 5 millones de visualizaciones en Youtube. La curiosidad es que se rodó el pasado domingo, hace seis días.
La era ‘BRAT‘ sigue dando éxitos a Charli XCX. El disco, por cierto, ya había dado a xcx su mejor debut en Spotify también, con 15,4 millones de reproducciones en su primer día.
Kanye West y Ty Dolla $ign han escogido hoy sábado 3 de agosto para publicar la segunda parte de su disco conjunto, ‘Vultures‘. Ya disponible en Spotify, ‘Vultures 2’ incluye 16 cortes.
De manera notable, el corte 3 ‘Field Trip’ samplea ‘Machine Gun’ de Portishead de nuevo sin autorización. The Weeknd no pudo licenciar el sample cuando lo usó hace unos años, y Geoff Barrow ha dado a entender que vuelve a ser el caso con Kanye: «Otra vez no, joder».
‘Vultures 1’ ha dado a Kanye su 5º single número 1 en Estados Unidos, con ‘Carnival‘. Por otro lado, se ha retirado de su tracklist uno de sus mejores temas, ‘Good (Don’t Die)’, por su uso no autorizado de un sample de Donna Summer.
01 Slide
02 Time Moving Slow
03 Field Trip
04 Fried
05 Isabella
06 Promotion
07 Husband
08 Lifestyle
09 Maybe
10 Bomb
11 River
12 530
13 Dead
14 Forever Rolling
15 Sky City
16 My Soul
Marilyn Manson vuelve, tratando de dejar atrás sus problemas legales, tras haber sido acusado en los últimos años de violación y abusos sexuales y psicológicos por varias mujeres; entre ellas, su ex mujer, la actriz Rachel Evan Wood, a la que Brian Warner señala por difamación. Con otras mujeres, Manson ha llegado a un acuerdo extrajudicial, mientras otras demandas han sido desestimadas.
El regreso de Marilyn Manson se materializa con el lanzamiento de un nuevo single, ‘As Sick as the Secrets Within’, y con el inicio de una gira de Marilyn Manson por Estados Unidos y Canadá.
‘As Sick as the Secrets Within’ es una balada clásica de Marilyn Manson. Aunque la melodía y la suavidad de los arreglos remiten al trabajo de ‘Mechanical Animals (1998), la letra lleva al imaginario de ‘Antichrist Superstar‘ (1996) con sus menciones a la «comunión», a los «gusanos de la carne», a los «huesos» de un «cuerpo» o a una «jaula» en la que Manson y su amante se encuentran «atrapados».
La intención por parte de Marilyn Manson de recuperar la estética visual de ‘Antichrist Superstar’ es notoria en el videoclip de ‘As Sick As The Secrets Within’, que busca un elemento abiertamente oscuro y grotesco que trae a la mente el clip de ‘Tourniquet’. Dirige su colaborador habitual, Bill Yukich, por cierto, conocido también por su trabajo en los visuales de ‘Lemonade‘ de Beyoncé.
Se desconoce si ‘As Sick As The Secrets Within’ presenta un nuevo proyecto largo de Marilyn Manson. Su último trabajo, ‘We Are Chaos‘, se editó hace cuatro años.
Omar Apollo ha publicado este verano su nuevo disco, ‘God Said No‘, que vuelve a incluir un buen puñado de canciones que pueden contarse entre las más destacadas de su carrera. ‘Spite’ es una de ellas, y la más escuchada de esta era. ‘Dispose of Me’ también ha logrado repercusión entre sus seguidores. Y luego está la joya que es ‘Done with You’.
En ‘Done with You’, Omar Apollo presenta un sonido de R&B y soul parecido al de los 60 y 70, un arreglo de cuerdas en el estilo del Hollywood clásico, y un cameo de John Mayer a la guitarra eléctrica. Es la Canción Del Día.
El sonido de ‘Done with You’ remite al del smooth soul de gente como Bill Withers o Al Green. Sobre todo la mezcla de cuerdas y grooves suaves evoca el sonido de Minnie Riperton y, concretamente, el de su disco de 1975 ‘Adventures in Paradise’. La propuesta de Apollo se moderniza con el uso de sintetizadores, pero el fondo es clásico, y ‘Done with You’ se puede calificar de atemporal. ¿Y de clásico también, tan pronto?
‘Done with You’ suena feliz y luminosa, quizá porque, tras la ruptura que narra Apollo en la letra, aguarda al cantante un futuro mejor. Aunque las cosas no son siempre tan fáciles: el vínculo sigue ahí. Apollo sigue recibiendo mensajes que decide no leer, y sigue «llevando la ropa» de su amante. Incluso, cuando en la segunda estrofa canta, rogando, suplicando a esa persona que le «deje ir», queda claro que esa conexión todavía no se ha roto del todo.
Sin embargo, Apollo lo tiene claro: «tú y yo hemos acabado» es exactamente la frase que repite una y otra vez en el estribillo. Aunque el mensaje que grabarse a fuego de ‘Done with You’ es otro: «a veces el amor no lo puede todo». Sabiamente, Omar sugiere que en una relación puede existir amor, pero también pueden faltar otras muchas cosas igual de importantes.
Apollo acaba de ser noticia por haber sido confirmado en el reparto de ‘Queer‘, la nueva película de Luca Guadagnino (‘Challengers’, ‘Call Me By Your Name’), que se estrena próximamente en el Festival de Venecia. Seguro que ‘Done with You’ podría formar parte de la banda sonora, de alguna manera. Puedes recordar nuestra entrevista con Apollo aquí.
No es desdeñable que el mayor éxito relacionado con Empire of the Sun de los últimos años sea el remix de ‘Cold Heart’ de Elton John con Dua Lipa producido por PNAU, un macrohit histórico que ya querría cualquier otro artista para su propio catálogo. Nick Littlemore, integrante de PNAU, recupera ahora el proyecto que le dio a conocer hace 15 años, Empire of the Sun, lanzando un nuevo álbum que vuelve a tener sus pros y sus contras.
Juntos, Littlemore y Luke Steele (previamente conocido por formar parte de The Sleepy Jackson) han trascendido su época firmando dos singles eternos, ‘Walking on a Dream’ y ‘We Are the People’. Su tecno-pop divino ha dado forma a un proyecto peculiar a inimitable. Pero Empire of the Sun ha desarrollado este sonido tan único en solo tres discos, dispersos en el tiempo. Tanto que el cuarto, ‘Ask that God’, llega ocho años después del anterior.
Como de costumbre, un nuevo disco de Empire of the Sun incluye adiciones dignas a su repertorio. El single ‘Changes’ vuelve a hacer un buen uso de las guitarras acústicas, recordando al estilo de Fleetwood Mac, y ‘Cherry Blossom’ sabe retratar musicalmente la “majestuosidad y la belleza” del mundo que nos rodea, pues de eso mismo habla le letra, entre referencias a la “sinestesia”, el “arcoíris” y el “conocimiento que filtra su luz sobre lo desconocido”.
Su gusto por la fantasía y el misticismo, sumado a sus arreglos que mezclan synth-pop, tecno-pop iluminado, yacht-rock, disco y pop, entre otros estilos, prueban que en ‘Ask that God’ Empire of the Sun no ha buscado en absoluto un gran “cambio” o «evolución», sino que su propósito ha sido aferrarse a su fórmula clásica. Esta funciona especialmente en el banger disco-house de ‘AEIOU’, el más parecido a ‘Cold Heart’, y también en el single ‘Music on the Radio’, que no es ‘Walking on a Dream’, pero, como muestra de lo que Empire of the Sun sabe hacer, funciona.
La sorpresa de ‘Ask that God’ -la única del disco, realmente- la ofrece ‘The Feeling you Get’, que parece buscar ser un clásico perdido de Pet Shop Boys. Aunque Neil Tennant y Chris Lowe habrían escrito una letra más interesante, probablemente contando alguna historia, no tantos grupos están queriendo recuperar el sonido clásico de los “Pechos” en 2024. O usar sintetizadores que recuerdan a los de la época de Stock, Aitken & Waterman. Cómo se nota que son australianos.
El camino de la segunda mitad de ‘Ask that God’ es irregular. A derivados menos interesantes del sonido Empire of the Sun como ‘Happy Like You’ o el corte titular que, inspirado en la muerte repentina de una fan, recuerda -muy- vagamente al clásico del pop ‘I Drove All Night’, hay que sumar una serie de baladas y medios tiempos que no logran estar a la altura de las mejores composiciones del álbum. El folk digital de ‘Wild World’ es una de ellas, y el cierre con ‘Friends I Know’ no da carpetazo al disco con nota. Más bien, su arreglo de violines parece desaprovechado.
En ‘Ask that God’ Empire of the Sun sabe enriquecer su fantástico imaginario, por ejemplo, escribiendo ‘Rhapsodize’ desde la perspectiva de un narrador que enseña a un robot palabras e idiomas. Pero al disco le faltan estribillos más claros en su segunda mitad, como el del tema que cierra la primera, ‘Television’, que sí sabe acercarse a ser un nuevo himno de Empire of the Sun.
Odd Mobb es el alias del productor y DJ australiano Henry Hope, cuyos ritmos de house y tecno llevan una década sonando en emisoras y clubs de medio mundo. Tras su debut en 2014 con ‘It’s a Banger’, Odd Mobb ha amasado millones de reproducciones con sus singles y recibido el beneplácito de estrellas como Calvin Harris, Diplo, David Guetta o Disclosure.
Afincado en Brisbane, Odd Mobb practica una mezcla de house y tecno que se diferencia por su estilo futurista y su inclinación melódica. En este sentido, singles como ‘Left and Right’, ‘Intrinsic’ o ‘Lithium’ se encuentran entre los destacados de su carrera. ‘Losing Control’ especialmente se halla entre sus producciones más subidas de adrenalina, un banger absoluto.
Últimamente, Odd Mobb ha firmado un remix oficial de ‘Get Busy’, el clásico de Sean Paul de 2004. Odd Mobb estará actuando este sábado 3 de agosto en Razzmatazz compartiendo cartel con DJ2D2. La gira europea de Odd Mobb pasará también por Tomorrowland, Parookaville o Elrow en Amnesia (Ibiza).
Este artículo incluye SPOILERS de ‘Deadpool & Lobezno’, la nueva película de Marvel protagonizada por Ryan Reynolds y Hugh Jackman.
‘Deadpool & Lobezno’ está siendo un exitazo de taquilla. Solo en su primer fin de semana de estreno, la nueva superproducción de Marvel distribuida por Disney ha recaudado 205 millones de dólares en Estados Unidos y 438 millones en todo el mundo. ‘Deadpool & Lobezno’ se ha convertido, en solo un fin de semana, en la sexta película más exitosa de 2024.
‘Deadpool & Lobezno’ ha sido noticia también por su banda sonora, pues en una de sus escenas suena una canción tan difícil de licenciar como ‘Like a Prayer‘ de Madonna. Muchos no lo han conseguido.
Otros éxitos que incluye la banda sonora de ‘Deadpool & Lobezno’ son ‘I’m with You’ de Avril Lavigne o ‘You’re the One that I Want’ de John Travolta. Pero son otros dos clásicos los que se están llevando el gato al agua. Sobre todo uno.
‘Bye Bye Bye’ de *NSYNC se usa en la primera escena de ‘Deadpool & Lobezno’ y acaba de subir al puesto 11 de las canciones más escuchadas en todo el mundo, tras debutar en el 16. ‘Bye Bye Bye’ vuelve a ser uno de los mayores éxitos del momento, más de 20 años después de su estreno.
También tienen motivos de celebración los Goo Goo Dolls, cuyo ‘Iris’ suena en ‘Deadpool & Lobezno’ en una impresionante escena rodada a cámara lenta. ‘Iris’ ha llegado al puesto 32 del global de Spotify, aunque después ha caído fuera de las 50 primeras posiciones, hasta el 62.
Aunque ‘Deadpool & Lobezno’ sigue lógicamente liderando la taquilla mundial, el resto de canciones de su banda sonora no ha corrido la misma suerte que estas dos, ni siquiera ‘Like a Prayer’ a pesar de aparecer también en otra de las mejores escenas de la cinta, si no la mejor. Al menos, este es el caso… de momento.
No muchos artistas publican disco en estos primeros días de agosto. Se atreven a hacerlo Jack White y JPEGMAFIA -ambos anunciados por sorpresa-, Khalid o los Smashing Pumpkins. Además, Orville Peck amplía ‘Stampede‘ con la segunda tanda de canciones que quedaban por salir.
También se pueden escuchar desde hoy nuevos trabajos de Meshell Ndegeocello y Why?, o la edición deluxe del último de Kacey Musgraves.
Algunos artistas han anunciado nuevo disco esta semana, como Soccer Mommy, Porridge Radio o Father John Misty, quien edita recopilatorio. Otros han seguido adelantando sus próximos proyectos, como es el caso de Magdalena Bay o Confidence Man.
Caribou, en el plano electrónico, y FLO, en el R&B, firman también novedades destacadas este viernes. Se les suman Suki Waterhouse, stivijoes, The Softies, Aleesha, The Flints, Pom Pom Squad, MJ Lenderman, etcétera.
Britney Spears encara nuevo proyecto: su propio biopic, ha confirmado Variety. Universal Pictures ha adquirido los derechos de ‘La mujer que soy‘, el libro de memorias de Spears, y producirá una película basada en el texto con la colaboración de la cantante, «tras una competitiva subasta».
La adaptación a la gran pantalla de ‘La mujer que soy’ será dirigida por Jon M. Chu, director que, este año, estrena ‘Wicked’, con Ariana Grande y Cynthia Erivo en los papeles protagonistas. Marc Platt se encargará de producir la película.
Universal ya ha producido varios biopics, entre ellos, algunos tan exitosos como los de ‘Straight Outta Compton’ de N.W.A. u ‘8 Millas’ de Eminem.
Spears había anunciado en X que trabajaba en un «proyecto secreto» junto al productor Marc Platt, quien se encuentra detrás de sus «películas favoritas».
En ‘La mujer que soy’, Spears narra sus vivencias familiares, sus experiencias en la industria musical y su vida bajo la tutela de su padre, terminada en 2021. Las ventas globales del libro se estiman en 3 millones de copias.
Estos días, Spears ha sido noticia por publicar y luego borrar un mensaje condenando el videoclip de ‘Lucky’ de Halsey -canción que utiliza el estribillo de ‘Lucky’, el éxito de 2000 de Spears- por representarle «de manera superficial». Spears reculaba inmediatamente asegurando que no había escrito ella el mensaje, y que le «encanta» Halsey.
El nuevo remix de ‘BRAT‘ de Charli XCX es el de ‘Guess’, uno de los bonus tracks incluidos en la edición deluxe del disco y, sí, incluye la participación de Billie Eilish, destacada porque Eilish rara vez se ofrece a ser artista invitada en la canción de otro artista. Y mucho menos colabora con otras personas que no sean su hermano, Finneas (‘lovely’ con Khalid y ‘Lo vas a olvidar’ con Rosalía eran oficialmente dúos). ‘Guess’ es el primer proyecto de Eilish en el que la artista ejerce de «feauturing».
El remix de ‘Guess’ es fiel a la producción original de The Dare, tanto que no admite cambios sustanciales de ningún tipo. Se trata de una producción 100% electro, con ecos al ‘Technologic‘ de Daft Punk, sobre la que Charli -y ahora Billie- recitan sus respectivos versos.
Esta vez, ante el desafío de Charli («quieres ver el color de mi ropa interior»), Billie responde aportando una estrofa nueva. Billie no tiene que «adivinar» nada: ella misma compró las bragas que Charli lleva puestas, «en Tokio». Y si Charli piensa que Billie le tiene ganas, la americana confirma: «a Charli le gustan los chicos, pero sabe que me la ligaría».
El videoclip de ‘Guess’ -dirigido por Aidan Zamiri- sigue la estética de los clips de ‘Von dutch’ y ‘360’ primero, y después saca la cabeza al exterior. Billie entra en acción como una apisonadora, estrellando su tractor contra la casa de Charli, y después ambas estrellas se revuelcan en una montaña hecha de sujetadores.
El remix de ‘Guess’ es el quinto de ‘BRAT’, tras ‘Girl, so confusing‘ con Lorde, ‘360’ con Robyn y Yung Lean, y los dos de ‘Von dutch’ con Addison Rae y A.G Cook, y con Skream y Benga.
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Podcast: ‘BRAT’, el disco definitivo de Charli XCX
En 2013 se publicaron dos discos llamados ‘AM‘: uno incluía ‘I Wanna Be Yours‘ y el otro, ‘Señorita’. Pero, al contrario de lo que se piensa, ‘AM’ no fue el primer disco de Abraham Mateo, que, en 2009, con solo diez años, lanzó su debut homónimo tras su paso por ‘Menuda Noche’ (es impagable este vídeo con las versiones mini de dos estrellas pop de nuestro país).
Los programas de televisión de niños, ya sean de música, cocina o registradores de la propiedad, suelen ser una fábrica de juguetes rotos, y ése podría haber sido el caso de Abraham Mateo. De hecho, si los últimos diez años has vivido en España (y especialmente en Andalucía), es imposible que no hayas escuchado/hecho coñas con ‘Señorita’ y su “waticonteia”, por no hablar de otras gracietas-sin-gracia que mejor ignoraremos. Pero él no ha cejado en su empeño y ha seguido sacando temas y discos, entre ellos, alguna producción bastante interesante como la de ‘All the Girls (La La La)’, previa a ‘Loco enamorado’ y a su paso al reggaeton durante los últimos tres elepés. ‘Insomnio’ es su ¡séptimo! trabajo y, sin ser redondo, es quizás el disco en el que más control ha tenido. Es una buena noticia.
‘Insomnio’ confirma que Abraham Mateo tiene mucho talento. ¿Quizás, de no habernos dejado llevar por los prejuicios, habríamos ido viendo pequeños destellos de esto en sus anteriores trabajos? Puede ser. También es cierto que ‘Insomnio’ es un claro salto de calidad, y el cañaílla es consciente de ello: “Era importante hacer entender a la gente que esto es una nueva era, un renacer de algo que ha fluido solo. En este disco me he dejado ver más en la faceta de productor (…) es el disco más personal que he sacado hasta la fecha”, ha declarado hace poco.
La publicación reciente de ‘Tienes que saber‘, el adictivo tema con Naiara (sé que estoy un poco solo en esto, pero me parece la versión mejorada de ‘Quiero decirte’) donde la producción es 100% suya, nos ha hecho profundizar en este ‘Insomnio’ que de hecho incluye otra de sus producciones, la exitosa ‘Clavaíto‘ de Chanel (‘Tienes que saber’ podría perfectamente incluirse en un deluxe, incluso se hace referencia en la letra a un “insomnio crónico”).
Así, aunque en ‘Insomnio’ Abraham se acompaña en la producción de nombres del urban y el pop como Garabatto (Lola Índigo, Quevedo, Luna Ki), Came Beats (Saiko), KICKBOMBO (Belén Aguilera, Vicco), Tunvao (Rels B, Luna Ki), Max Borghetti (Anuel AA, Mora), Rebbel (Pole) o Sherman Music (Maluma), además del cantante David Cuello (en cuyos créditos como productor encontramos una dupla curiosa: Danny Romero y Thalía Garrido); el mejor tema es otra de sus producciones firmadas a solas (repite tras hacerlo en su anterior trabajo con ‘Esta cuarentena’). Se llama ‘El amanecer’ y tiene sentido que cierre el disco, porque se distancia de lo escuchado en él y parece más el típico teaser de lo que escucharemos en el siguiente… y ojalá, porque el acercamiento al techno y una letra más centrada en lo hedonista le sienta como un guante. Por un momento, incluso, parece que Abraham va a decir “essspiraaal”, como en el mítico tema de Germán Bou.
También funcionan muy bien la inicial ‘Me acuerdo de ti’, ‘Bailarina’, ‘Riendo y llorando’ o el medio tiempo ‘Me quedaré’, donde Abraham entrega algún que otro verso tierno como “allí estabas tú cuando no estaba ni yo” o “me quedaré / hasta que sea viejito / ya ni pueda ver”. Además, ‘El emanecer’ viene precedida de la estupenda ‘Desgraciaíta’, una colaboración con Rorro (no, no es la tiktoker que tiene a medio país hablando de trad wife, fundy voice y demás conceptos importados de Estados Unidos, sino la interesante artista de la que os hemos hablado en otras ocasiones). Incluso, superado el shock inicial por atreverse a tocar ‘Maniac’, la verdad es que ‘Maníaca’ tiene su gracia. Sobre todo cuando te la defiende así de bien.
Que Mateo sea buen performer ayuda bastante. Porque, aunque hay unas cuantas canciones en ‘Insomnio’ que bajan el nivel del disco (‘Supermal’, ‘Me di cuenta’, ‘Incomplete’, ‘Falsos recuerdos’, ‘Billete de vuelta’ o incluso el pop-rock con Yatra ‘XQ sigues pasando’), y otras que, como ‘La Idea’, se quedan a la mitad por beber demasiado de su referente, los aciertos prometen. Y, como decimos, es de agradecer que, dentro de los artistas del mainstream en España, Abraham sea de los pocos que se propone servir coño cuando se sube a un escenario. Como pasa con Belén Aguilera (o con Paul Thin, quizás más similar en estilo), se nota que Abraham es un artista pop al que le encanta el pop. Y es un gustazo cuando eso ocurre.
Mucha gente sigue cuestionando su talento en base a las cosas que hacía/decía cuando era un crío. Ese motivo es un poco ridículo, pero, si Abraham sigue avanzando (por ejemplo, cultivando la faceta presente en los temas que cierran este ‘Insomnio’), su siguiente disco puede callar la boca definitivamente a cualquiera que se atreva a cuestionarle agarrándose a eso… lo cual sería aún más ridículo.
Los indicios de fraude electoral en Venezuela, tras la anunciada victoria de Nicolás Maduro, líder chavista, en las últimas elecciones generales celebradas en el país latinoamericano, el pasado domingo 28 de julio, han sumido a Venezuela en el caos social. Miles de venezolanos están saliendo las calles a protestar por la falta de transparencia en la emisión de los resultados electorales, mientras la policía se encuentra reprimiendo duramente las manifestaciones, que han dejado ya seis muertos y 700 detenidos. La oposición, capitaneada por Edmundo González, acusa a Maduro de esconder los verdaderos resultados de las actas electorales y, en España, exigen claridad tanto la derecha (PP) como la izquierda (Podemos).
En el mundo de la cultura no son pocos los artistas relacionados con la música que se han pronunciado sobre la situación política actual en Venezuela, pidiendo transparencia. Alejandro Sanz ha sido de los primeros artistas en cuestionar públicamente la victoria de Maduro. Ha afirmado que «nadie, con un mínimo de sentido común, se puede creer que Maduro ganó las elecciones», y ha tildado la situación de «abuso», apostillando que «lo de Venezuela no se llama democracia si no descaradocracia».
Residente, por su parte, ha pedido específicamente que se hagan públicos los resultados electorales, «mesa por mesa». Para el rapero, «es razonable pedir al gobierno de Venezuela que muestre los datos que en verdad acrediten el triunfo que ha proclamado, para que todo el mundo pueda creerles», y ha pedido a la «comunidad internacional» que intervenga exigiendo transparencia «para que se respete la decisión popular». Residente ha añadido que «el cansancio del pueblo venezolano se siente y se escucha en las calles» y que la población venezolana «pide cambios al actual sistema».
Rubén Blades, en declaraciones parecidas a las de Alejandro Sanz, ha citado los supuestos porcentajes obtenidos durante las elecciones, asegurando que «ese 51% vs 44% no se lo cree ni el pajarito que conversa con Maduro». Randy Malcom, integrante de Gente de Zona, ha comparado la situación política de Venezuela con la de Cuba, dando por cierto también el fraude: «Desgraciadamente, le arrebataron al pueblo de Venezuela el sabor a libertad y ojalá, no sea por 65 años más como los que va a cumplir la dictadura de Cuba. Me entristece ver como los sueños de libertad de millones se desvanece».
Más escueta, Nathy Peluso ha mostrado su apoyo a Venezuela también, destacando la «fuerza descomunal» y el «arte» de su población.
Arca, venezolana de nacimiento, ha acusado al gobierno de Venezuela de «dar a Maduro como ganador de manera fraudulenta» en unas elecciones que considera «amañadas». En una serie de mensajes, Arca ha pedido el «fin del régimen autoritario» de Maduro y ha exigido que el gobierno actual deje de «permanecer en el poder a base de modificar la Constitución y de defraudar» a los votantes. También ha pedido «cambio» para que Venezuela deje de ser «ese país corrupto del que todo el mundo emigra en busca de una vida mejor, desde hace ya más de una generación». Ningún país, afirma Arca, debería poder «salirse con la suya» después de cometer fraude electoral.
Otro famoso artista de Venezuela, Carlos Baute, también da por hecho que en Venezuela «hubo fraude», y critica la dura represión que se vive en las calles: «Matan jóvenes inocentes y se llevan preso al pueblo que alza la voz», escribe Baute, que se muestra «con ganas de cambios y sueños».
En 2024 ha pasado tiempo suficiente para que la nostalgia del «indie sleaze» vuelva a nuestras vidas. Se ha visto en la moda, se ha visto en el cine (‘Saltburn‘), y se ha visto en la música, pues a esa época remite ‘BRAT‘ de Charli XCX, quien estuvo allí -de adolescente- aunque lanzara su primer disco unos años más tarde. Justice pusieron al mundo a bailar en la época con ‘D.A.N.C.E.’ y su remix de ‘We Are Your Friends’ de Simian y, en los años siguientes, no solo no han parado, sino que han seguido evolucionando su excitante mezcla de electrónica y sonidos metaleros, reflejada en su propia manera de vestir.
Quizá cuando nadie lo esperaba, pues de hecho han pasado ocho años desde que editaron su último disco, ‘Woman’ (2016), Justice han publicado una de las mejores obras de su carrera. En ‘Hyperdrama‘, Xavier de Rosnay y Gaspard Augé suenan más Justice que nunca, pero también suenan mejor, solos o acompañados de sus amigos Tame Impala o Miguel, mientras la música ofrece un excitante viaje a través de diferentes ritmos y estilos que combaten por hacerse oír como si de una batalla en el espacio se tratase. Es el Disco de la Semana.
JENESAISPOP tiene ocasión de reunirse con Xavier y Gaspard un rato en el día que actúan en Primavera Sound, donde ofrecen uno de los conciertos destacados de la jornada. Xavier se muestra hablador y de hecho es quien contesta la mayoría de preguntas, mientras Gaspard prefiere mantenerse en segundo plano, escondido tras sus gafas de sol.
¿Por qué habéis tardado ocho años en sacar disco?
Xavier: No es que hayamos tardado ocho años, en realidad hemos estado ocupados con otros proyectos. El disco anterior, ‘Woman’, salió en 2016, la gira terminó en 2018 y, a continuación, publicamos ‘Woman Worldwide’, el disco en directo. ‘Iris’, la película del concierto, salió después. Cuando terminamos con todo esto ya era 2019. Después nos tomamos un descanso, Gaspard sacó un disco solo, ‘Escapades’… Empezamos a trabajar en este nuevo disco en 2020 y nos ha llevado tres años terminarlo. En realidad nunca hemos parado, las cosas llevan su tiempo y a nosotros no se nos da bien hacer múltiples cosas al mismo tiempo. Si hacemos la gira, nos ocupamos de la gira, y si hacemos un disco, nos ocupamos del disco. Y, al hacer todo nosotros solos, nos lleva más tiempo.
¿Alguna parte del disco se trabajó en la pandemia?
Xavier: Nada de nada… Empezamos a trabajar en el disco justo antes de la pandemia y, cuando llegó el encierro, detuvimos el trabajo. Nos vino bien aislarnos durante un par de meses, aunque sabemos que la pandemia fue horrible por otros motivos. Y cuando el encierro terminó, allá por julio de 2020, retomamos el trabajo en el disco.
Tame Impala no tiene featurings en sus discos, pero le gusta colaborar con otros artistas. ¿Qué destacáis de la faceta colaborativa de Kevin Parker?
Xavier: (Kevin Parker) tiene mucho talento como compositor y productor, pero lo que nos llama la atención de su música es que parece simple, pero no lo es. Cuando escucho un nuevo disco de Tame Impala, en principio me gustan una o dos canciones, pero, con el tiempo, me doy cuenta de que me gustan todas, y todas terminan formando parte de mi vida. Cuando le ves en concierto te das cuenta de que toca 20 canciones y de que todas son hits.
Las melodías que canta Kevin en ‘Neverender’ y ‘One Night/All Night’ parecen simples, pero cuando trabajas con él te das cuenta de todo el curro que tienen detrás, de toda la intuición natural que pone Kevin a las grabaciones. Con ‘Neverender’ nos volvía loco porque usaba una nota que no nos encajaba, pero después, mezclada con la música, tenía todo el sentido del mundo. En el disco a veces hemos repetido melodías de diferentes canciones para darle continuidad al conjunto, pero la melodía de ‘One Night/All Night’ va a su bola y no encaja con ninguna otra del disco.
‘Afterimage’ me parece una catedral sonora. ¿Qué me podéis contar de ella?
Xavier: ‘Afterimage’ nos tomó mucho tiempo resolverla. La base de la canción la apañamos enseguida, pero ninguna de las voces que probamos nos encajaba. Entonces, al final de la grabación, conocimos a RIMON y ella encontró la pieza de la canción que faltaba. El cambio de ritmo al final de ‘Afterimage’ se nos ocurrió más adelante. A veces das rápidamente con el concepto de una canción, pero hasta que la terminas pueden pasar dos años y medio.
He leído que todos los samples del disco los habéis creado vosotros. Gaspard, no sé si quieres contestar esta pregunta…
Gaspard: Hemos usado samples de otros temas, pero la mayoría de samples los hemos creado nosotros para poder hacer todo a nuestro gusto. Nos gusta crear nuestros propios loops y usarlos en la música porque añaden armonías y aspectos interesantes a las grabaciones.
Xavier: Creo que nadie ha entendido muy bien lo que hemos querido decir con esto. Cuando decimos que queremos que nuestra música suene como si usara muchos samples, lo que queremos decir es que estamos procesado la música sin parar. En ocasiones hemos usado samples, claro, pero en general trabajamos en una canción y la mezclamos, la importamos, la volvemos a mezclar, la procesamos una y otra vez.
Ponme un ejemplo.
Xavier: ‘Incognito’, por ejemplo, el loop principal es todo sintetizadores, salvo una parte que encontramos en internet. En ‘Incognito’ grabamos cuatro o cinco capas de sintetizadores, la mezclamos, la pasamos por diferentes procesos, la importamos, y repetimos este proceso varias veces hasta que era imposible diferenciar qué es un sample, qué no, dónde está el bajo… Queríamos que la grabación sonara así. Por eso todas las canciones del disco suenan tan compactas, la mayoría las hemos trabajado de esta manera.
Últimamente en el pop se samplean sin parar éxitos de los 80 y 90, como David Guetta fusilando el ‘Blue’ de Eiffel65.
Xavier: Una cosa es samplear y otra hacer versiones de mierda de éxitos antiguos.
¿No creéis que la industria necesita airearse un poco?
Xavier: No somos nadie para opinar sobre lo que necesita la industria. La diferencia, en mi opinión, está en lo que digo. Si sampleas ‘Blue’ es porque buscas un hit y usas una canción que es conocida. Nosotros creamos nuestros propios samples porque no queremos usar algo que ya está hecho y porque añaden una textura a la música que nos gusta. Y no opinamos nada de la industria, la gente puede hacer lo que quiera.
«No somos nadie para opinar sobre lo que necesita la industria»
¿Saben vuestros hijos qué es el “indie sleaze”?
Xavier: Lo sabrán pronto porque el revival no ha terminado. Imagino que para la gente de esa generación es lo mismo que para otros la época de la new wave o la música disco.
¿Qué recordáis de esa época? Vosotros estabais allí de hecho poniendo la banda sonora…
Xavier: Fue una época divertida. Lo que ocurre cuando formas parte de un movimiento, es que siempre surge un grupo de gente que decide que va a escuchar cierta música, vestir de cierta manera, comportarse de cierta manera… Es el «zeitgeist», no se puede explicar. Somos afortunados de haber estado en el lugar oportuno en el momento adecuado.
El country vuelve a estar de moda. ¿Qué opináis?
Xavier: Recuerdo que hace diez años sonaba una mezcla de country con beats de EDM… Nosotros somos muy abiertos de mente con la música, escuchamos muchas cosas. Country no es una de esas cosas, es una cosa muy americana, pero tiene que haber algo para todo el mundo. Y nos encanta el look de los artistas de country. Orville Peck me encanta, y me encanta su personaje.
Cada vez lleva la máscara más corta, al final se la terminará quitando.
Xavier: ¡Espero que no! Seguro que es guapo, pero el personaje es tan chulo…
¿Sabíais que era un artista de punk antes?
Xavier: Sí, no me sorprende porque no canta country como todo el mundo. Lo que quiero decir es, aunque en la música pasen cosas que no entendemos, nuestra posición es la de no juzgar.
WiZink Center ha publicado un comunicado en el que recrimina a Travis Scott, que acaba de traer su gira ‘Utopia’ a Madrid, los días 30 y 31 de julio, haber incumplido las «normas del recinto en materia de emisión de sonido», normas establecidas «para no afectar a los vecinos de los edificios próximos».
La amonestación de WiZink Center a Travis Scott consiste en que «previamente a una futura nueva actuación en el recinto madrileño», el rapero estadounidense «deberá asumir garantías extraordinarias de cumplimiento de las normativas internas».
El WiZink Center detalla que «tiene establecido por contrato con los promotores que alquilan el espacio un máximo de emisión de sonido de 102 dB en las bandas hasta los 100 Hz y un máximo de 105 dBA», límite que el rapero «ha incumplido alcanzando cotas de 120 dB en los subgraves». Según WiZink Center, Scott fue alertado repetidas veces de su infracción, «a través de sus promotores e, incluso, directamente a sus técnicos de sonido», pero que se superaron los límites de sonido en ambas fechas.
En el texto, WiZink Center recuerda que ha invertido una gran suma de dinero para aislar acústicamente el recinto, pero que «es necesaria la colaboración de los artistas y bandas» para reducir las emisiones «para no afectar al exterior» y también a los propios asistentes, cuya salud puede verse afectada por el impacto «nocivo» de un «volumen demasiado elevado».
El comunicado de WiZink Center pretende sobre todo ser una llamada al sector musical para que se respete la normativa medioambiental en los festivales y conciertos, «para que los conciertos, festivales o cualquier tipo de actuación musical, tanto en espacios cerrados como abiertos, y especialmente si son urbanos, sean respetuosos con el entorno y todos hagamos nuestros mayores esfuerzos para minimizar su impacto en el vecindario».
Jack White ha dado la sorpresa estos días lanzando un nuevo disco de una forma única: regalándolo con una compra en las tiendas Third Man Records, disponibles en Londres, Nashville y Detroit. Cabe destacar que Third Man Records fue fundada por White en 2001. Finalmente, el disco de White, titulado ‘No Name’, se publica de forma oficial este viernes 2 de agosto.
Algunos afortunados clientes de estas tiendas de discos se han encontrado recientemente una copia de un misterioso vinilo junto a su compra. La portada, sin información sobre el contenido aparte de una etiqueta en la que se podía leer «Sin nombre». Según Rolling Stone, el publicista de White tampoco era consciente de este lanzamiento sorpresa.
Al mismo tiempo, la estación de radio de Detroit WDET, situada en la misma calle que la tienda de Third Man Records, emitió el disco completo en directo, subiéndose a YouTube posteriormente. Aunque no se conoce si el disco tendrá un lanzamiento en físico más extendido, los suscriptores al servicio de Third Man Records también han recibido el disco en su correo electrónico.
Disponible de forma online, el disco deja claro que es obra de Jack White, con una serie de potentes temas de blues y rock con sus reconocibles riffs.
El esperado segundo disco de Jamie xx, ‘In Waves‘, se publica el próximo 20 de septiembre repleto de interesantes colaboraciones, entre ellas la de Robyn en ‘Life‘, la de todos los xx en ‘Waited All Night’, y también la de los Avalanches en el nuevo single que se acaba de dar a conocer.
En ‘All You Children’, Jamie xx y los Avalanches -el dúo australiano formado por Robbie Chater y Tony Di Blasi- unen fuerzas sampleando dos joyas desconocidas de los años 70, por un lado, ‘Dance Poem’ de la poeta estadounidense Nikki Giovanni y, por otro, las voces de un disco infantil hebreo, en concreto las de un tema llamado «el vestido de Sabbat».
‘All You Children’ vuelve a ser una producción excitante de Jamie xx con la que el productor británico crea magia a través de los dos samples citados, por supuesto mano a mano con los Avalanches. En ‘All You Children’ el texto recitado de Giovanni, que invita a «bailar, juntarse y dejar de llorar», suena ya no tierno, sino imperativo. Parece hecho para acabar en una producción como esta, diseñada en el estilo del techno-house clásico.
En la Canción Del Día de hoy, las voces aniñadas de «el vestido de Sabbat» aportan el acabado «Avalanches» a ‘All You Children’, tanto que los Avalanches, tan fans de este tipo de sonido, ya habían usado este sample anteriormente, en su tema de 2016 ‘Sunshine‘, incluido en ‘Wildflower‘.
Como recordaréis, Jamie xx y los Avalanches ya habían colaborado en ‘Wherever You Go’, tema incluido en el último álbum de los australianos, ‘We Will Always Love You‘ (2020).
La lista de álbumes de España sigue encabezada por Karol G y su ‘Mañana será bonito‘, disco que ha vuelto al número 1 con razón de los recientes conciertos de Karol G en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid, a pesar de que cuenta con más de un año de vida. En el puesto 2 se mantiene ‘La libreta roja’ de Chiara Oliver, y en el 3 entra el nuevo EP de Cruz Cafuné’, ‘blu€s’, que aparece casi en su totalidad también en la lista de singles.
El top 10 deja otras dos entradas y ambas pertenecen al género k-pop. Stray Kids, en primer lugar, coloca su disco ‘Ate’ en el puesto 6. Y en el 8 aparece Jimin con ‘Muse’. Jimin, integrante de BTS, es el actual número 1 de la tabla global de Spotify con ‘Who’.
En 26ª posición aparece por primera vez el lista el nuevo disco de Pablo López, un directo llamado ‘Pab10 Lopez en Conciert10’.
Una de las entradas más interesantes de la lista la firma Childish Gambino con su nuevo disco, ‘Bando Stone & the New World’. Donald Glover, que alguna fuera número 1 de visitas en Youtube España con el videoclip de ‘This is America‘, coloca «Bando Stone» en el puesto 89 de la tabla de álbumes española. Es uno de los peores datos comerciales de «Bando Stone» en general, pero también es un pequeño éxito para Childish Gambino en España, pues ninguno de sus discos había entrado antes en lista.
El mejor dato de ‘Bando Stone & the New World’ es un empate en Canadá y Noruega en el puesto 17. En Estados Unidos, el disco ha entrado en el puesto 16, por detrás del top 5 de ‘«Awaken, My Love!»‘; y en Reino Unido ha quedado en un puesto 33.
Las dos últimas entradas en la tabla de álbumes española pertenecen también a trabajos originales. Por un lado, Deep Purple, el gigante del hard rock, sitúa ‘=1’ en el 42, y Danny Ocean coloca su nuevo EP, ‘Venequia.’, en el 76.
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