Big Thief han lanzado estos días el single ‘Vampire Empire‘. Se trata de un tema que forma parte del setlist de Big Thief desde hace rato y que el grupo ha decidido grabar en estudio. Pero, además, ‘Vampire Empire’ es un tema muy querido por sus fans, tanto que algunos no se han tomado muy bien esta nueva versión. Es lo que tiene encariñarse con una maqueta o con un directo.
Atención a lo que ha llegado a publicar una persona en TikTok: «Los artistas deben entender que su música no es para ellos. Nosotros pagamos los pre-pedidos, pagamos las entradas, pagamos el merch. Vuestra función es hacer dinero escribiendo para nosotros. Bajaos del pedestal y no cambiéis la letra de una maqueta. Odiamos cuando hacéis esto. Cambiadla a como estaba antes. Las personas que apoyan esto sois unos lameculos».
La versión grabada de ‘Vampire Empire’ es diferente a la de la maqueta, algunos fans han expresado su descontento y Big Thief han querido contestar: «Los que preferís la versión en directo siempre podéis seguir escuchando la versión en directo. En nuestras grabaciones ya tocamos en directo, así que podéis verlo de la siguiente manera: el directo que preferís ya existe, y ahora otra versión existe. Cada vez que la tocamos en vivo es una versión diferente, y no íbamos a ir al estudio y reproducir exactamente lo que hicimos en el programa de (Stephen) Colbert. Además, hacer lo mismo habría sido imposible, porque nuestras canciones son vehículos para la expresión de nuestro yo actual, no preparados manufacturados y pulidos en función de la demanda».
‘Vampire Empire’, una de las dos canciones -en ese momento- inéditas que Big Thief tocaron a su paso por Madrid, es otra joya folk-rock de los estadounidenses, un retrato del amor, la cotidianeidad y la intimidad de la cama que Big Thief energizan con guitarras eléctricas y cazuelas. Y probablemente una de sus melodías más apasionadas, y ya es decir. En la segunda mitad de ‘Vampire Empire’, Adrienne adopta un registro gruñón, llevándola al clímax.
La curiosidad de ‘Vampire Empire’ la deja una referencia inesperada a Prince: ese «quería ser tu mujer, quería ser tu hombre, quería ser esa persona a la que pudieras entender» está evidentemente sacado de su éxito ‘I Would Die 4 U’.
Ya son muchos años desde que Maikel Delacalle adoptó el mote cariñoso que le puso su abuela («de la calle») por estar siempre fuera de casa y comenzó a hacer música. El artista de Tenerife lo hizo para salir de una vida que le había llevado a malos sitios, incluso a estar en un centro de menores. Y así, llegó a los oídos de mucha gente por canciones como ‘Mi Nena’, ‘Ganas’,’Condiciones’ y la colaboración con Mahmood, ‘Soldi’. Aunque el sonido R&B siempre le ha funcionado, ha hecho mucho reggaetón y trap. Despúes de 5 años de su último y único EP, ‘Calle y Fe’, Maikel Delacalle ha estrenado ‘CÓDIGOS’. Hablamos con él de este nuevo trabajo, del R&B, de la música de Canarias y de la fe. Todo lo responde con una sonrisa, incluso las cosas más personales.
Después de tantos singles y un EP. ¿Sientes que este álbum es tu primer gran trabajo?
Sí, sí que lo siento. No digo que en los otros trabajos no me haya implicado tanto, me he implicado 100%. Pero creo que este es el primer disco en el que del 1 al 100 trabajé todas y cada una las esquinitas. Me sentaba con el productor, las letras las cuadré todas sin nadie que metiera nada… Todo hecho exclusivamente por mí. Y también, el amor que le puse a este disco no tiene nada que ver con nada en lo que haya trabajado. Todo lo hago con amor, porque amo lo que hago y toda la música que he sacado la he hecho porque me gusta, pero es que esto me encanta. Es el trabajo de mis sueños.
Códigos es una palabra muy compleja, con muchos significados. ¿En ‘CÓDIGOS’, tu álbum, te refieres a códigos morales o de que tipo?
A todo un poco. Todos sabemos que al final, los códigos, son las leyes que no están escritas. Cosas que deben o no deben respetarse. En mi caso, soy una persona que me he movido por mis códigos toda la vida. Muchas veces no hago aquello porque aquello me puede traer X problema.
Tengo mis códigos y mis códigos hicieron que yo saque este disco. Para mí también significa demostrar lo que soy, sacando un disco que no tiene nada que ver con lo que está en la escena, no es nada mainstream ni está de moda. Estoy sacando lo que me da la gana, básicamente. Y haciendo lo que me gusta.
«Fui como un pionero en esto del R&B en España»
Has hecho un álbum de R&B. ¿Por qué es esto? ¿Has querido hacer un disco ajeno a la moda del reggaetón?
Ya no solo alejarme. En 2016 cuando yo me pegué, me pegué con R&B y algo de trap, pero básicamente R&B, melodías muy mías. Yo me di cuenta de que ese sonido es lo que a la gente le encanta de mí.
También fui como un pionero en esto del R&B en España. Y, quién mejor para seguir llevando la corona que yo. A día de hoy hay muchos que me dicen el rey del R&B en español. Y con orgullo llevo esa corona. En este disco quiero demostrar que sí, que eso está bien dicho.
«Hice el tema de góspel porque mi abuela era muy religiosa y por una película que me marcó: ‘Sister Act'»
¿Crees que es un género y estilo que están de vuelta? ¿O nunca se han ido del todo?
Nunca se ha ido. Es atemporal, yo siempre he pensado que el R&B y el hip hop son géneros atemporales. El hip hop, no el rap. El rap es diferente. Que me corrija la gente que sabe de estadísticas, pero para mí, el rap es el lado más underground y el hip hop lo abarca todo: rap, cultura hip hop, grafitis, DJ… Me encanta el R&B y el hip hop.
Hemos escuchado el góspel con Kanye, que lo usó con ‘Sunday Service’ y también lo ha hecho Pharrell para el último desfile de Louis Vuitton. ¿Por qué has querido hacer un tema de este estilo?
Nombraste a dos bestias. No he decidido hacerlo por ninguno de ellos dos, aunque soy fanático de Kanye y Pharrell está en mi top 5 de artistas. Lo hice porque en mi familia mi abuela era muy religiosa, y todos estos coros vienen de la Iglesia. Además, yo de pequeño vi una película que me marcó: ‘Sister Act’. En esa película sale Lauryn Hill, que, por cierto, también está en mi top 5 de artistas favoritos.
Es un tema con una letra bastante personal y emotiva. Hablas de perder a tu madre, ¿por qué has querido que suene, en cierta manera, alegre?
Cuando en la Iglesia dicen: “Oh, happy day!” o “Oh, Jesus is back!”, es como triste y alegre. Ellos hacen lo contrario, ellos dicen “hoy es un día alegre” pero lo cantan medio tristón. Yo quería hacer lo contrario: canto “Oh, mama se fue”. Y no es nada bueno, pero uno puede jugar con eso. El sentimiento triste va a llegar igual, porque hablo de algo muy duro. Pero también quería que sonara en todos lados. Si lo hubiera hecho más triste quizá no hubiese podido sonar en cualquier sitio.
«En Canarias somos unas islas que hemos estado en solitario mucho tiempo, apoyándonos entre nosotros solos»
Las cuatro colaboraciones de este disco son con artistas canarios: Quevedo, Bejo, Eva Ruiz y We$t Dubai. ¿Ha sido casualidad o intencionado?
Es aposta porque quería hacer todo de la tierrita. El que me conoce sabe que soy de los artistas que más featurings internacionales tiene aquí en España: Justin Quiles, Eladio Carrión, Cazzu… Y en mi disco podría haber sacado a cualquier artista internacional, sinceramente. Pero prefería hacerlo con producto nacional. Más que nada porque creo que es el año de los canarios.
Así que, elegí a unos de mis artistas canarios favoritos. Me gustan todos los artistas de mi tierra: Lucho, La Pantera, Juseph, cualquiera de Locoplaya, Cruz Cafuné es de los que más respeto… Con cualquiera me puedes esperar una canción dentro de poco. Pero en el disco elegí a estas 4 personas.
«La música canaria ha triunfado por la unión que hay entre nosotros»
Últimamente se ha hablado mucho de unión entre artistas canarios, casi como un movimiento propio. De hecho, Cruz Cafuné dice en su último álbum, en ‘Me Muevo Con Dios’, algo como “no hay competencia, cuando gana uno ganan todos”. ¿Lo vives así?
Qué barra, puto Cruzzi. Claro que lo vivo así. Yo soy de Tenerife y cuando Las Palmas (el club de fútbol) subió a primera, lo celebré como si fuese mi equipo. Porque pertenece a Canarias, y en Canarias somos unas islas que hemos estado en solitario mucho tiempo, apoyándonos entre nosotros solos.
Yo ya tenía canciones que estaban pegadas en mi tierra, pero nos hemos salido después. Y hoy en día ya no es que nos hayamos salido, es que Canarias está conectado directamente con Madrid. Creo que eso gracias a gente como yo, Cruzzi, todos los que llevamos más tiempo. Y también gente como Quevedo y todos los chavalitos que están saliendo ahora. Ellos están haciendo que se expanda y en futuro probablemente un canario abrirá la boca y lo que diga funcionará.
¿Por qué crees que ha sido ahora este boom de la música canaria?
Yo creo, sinceramente, que ha triunfado por la unión. Por separado cada uno hacía lo suyo y todos tienen mucho talento. Pero hay un dicho que dice: “Solo llegas más rápido, pero en equipo llegas más lejos”. Es lo que nos pasa a los canarios.
El ejemplo está en ‘Cayó La Noche’. No hace falta que sea en canciones en las que estemos todos, pero es que compartimos las cosas de todos, nos apoyamos. Aunque no lo compartamos en redes todos los días, sacan una canción y yo me alegro mucho, me la escucho el primero. Somos fanáticos entre nosotros mismos y nos queremos mucho, nos deseamos el bien.
Es verdad que entre artistas de la península parece que se muestra menos esa unión o buen rollo.
Quizá también porque el que es de Granada es de Granada, el que es de Sevilla es de Sevilla. Nosotros decimos: “Somos canarios”. Tenemos 7 islas diferentes y 7 acentos diferentes, pero somos uno. En España lo que hace falta es darse cuenta de que están todos en el mismo pedacito de tierra. Bueno, que nosotros somos canarios pero españoles, podemos apoyarnos entre todos.
«A mí me dieron un don para que yo llevase un mensaje: ama a tu familia y lucha por tus sueños»
El tema con Quevedo es un remix de una canción, ‘Mi Nena’, que tiene unos cuantos años. ¿Por qué rescatar ese tema para la colaboración con él?
Primero, porque es un himno. Y segundo, porque me lo pidió él (risas). Me decía “si algún día haces un remix quiero montarme”. Era de sus canciones favoritas. Y yo le dije: «Cabrón, vamos a hacerlo, ni me lo preguntes». El objetivo era que él se subiese a un tema que le gustase.
Yo subí un video a Instagram y en el vídeo me comentó algo. Yo por privado le dije: “Oye, no dejes muchos datos por si hacemos el tema”. Y así surgió todo.
«Me ha ayudado tener una fe a la que aferrarme para que las cosas me salgan bien»
Hace poco, en una entrevista con Rick Rubin, Rosalía decía que, para ella, Dios era creador y el artista, mensajero. Tú mencionas a Dios en varias ocasiones e incluso le dedicas ‘Con Dios Delante’. ¿Compartes esta visión?
Qué buena, qué bonito, tío. Lo veo así. Me acaba de dejar flipando Rosalía, porque ha dicho exactamente lo que yo pienso. En mis entrevistas digo que yo siempre llevo un mensaje. A mí me dieron un don para que yo llevase ese mensaje. Tengo el poder de hacer que ese mensaje llegue a las personas que me escuchen.
¿Cuál es ese mensaje?
Mi mensaje es: ama mucho a tu familia, eso es lo primordial. Pero también es que trabajan, en equipo, en familia y que luchen por sus sueños. Que visualicen una meta y la consigan. Eso siempre será lo que quiero transmitir.
¿A ti te ha ayudado Dios en el camino de ser artista?
Sí, claro. Me ha ayudado a tener una fe a la que aferrarme para que las cosas me salgan bien. Tengo que decir que, independientemente de mi fe, soy yo mismo el que he tirado para adelante. Pero sí, tengo mucha creencia.
¿Algún tema que tengas ganas de tocar en conciertos porque le tengas especial cariño?
Cualquier tema del disco. Sin ir mas lejos, la de góspel, por ejemplo. Me encantaría llevarme al corito por ahí.
Quizá este álbum es más diferente a lo que has hecho hasta ahora. ¿Te interesa evolucionar como artista y hacer cosas diferentes?
Ahora mismo estoy cómodo, pero como ya saben Maikel Delacalle es un artista polifacético, sé hacer de todo. En un futuro podrán escuchar cosas diferentes; ahora mismo quiero centrarme única y exclusivamente en este sonido, y que la gente explote mucho este disco. Durante mucho tiempo voy a darle caña.
Doja Cat sigue empeñada a ganarse la antipatía de sus seguidores. Después de insinuar que son «lerdos» por apreciar sus dos discos anteriores, ‘Planet Her‘ (2021) y ‘Hot Pink‘ (2019), los cuales ella considera «mediocres» por inclinarse demasiado hacia el pop, Doja ha acudido a Twitter para expresar su disgusto con que sus fans se pongan motes.
Los fans de Doja Cat quieren hacerse llamar «gatitos», pero Doja desaprueba que quieran ponerse un nombre en absoluto. Cree que tienen cosas mejores que hacer: «Mis fans no se tienen que llamar de ninguna manera», ha expresado en redes. «Si os hacéis llamar «gatitos» tenéis que dejar de usar el móvil, buscar un trabajo y ayudar a vuestros padres con la casa».
Cuando una persona que lleva una cuenta de Twitter dedicada a publicar noticias sobre Doja Cat ha pedido a la cantante que proponga ella un nombre que le guste, Doja ha sido tajante: «Bórrate la cuenta y revisa tu vida. Nunca es tarde».
La interacción no ha acabado ahí. Una persona, harta de que Doja trate a sus fans con desprecio, se ha dirigido a la rapera para pedirle que sea amable y les diga que «les quiere». Amalia ha seguido en las suyas: «Yo no os quiero, ni siquiera os conozco», ha respondido. Otra persona ha contestado a Doja que ellos la aman aunque no la conozcan personalmente porque apoyan su música y su carrera.
Un fan de Doja no ha consentido sus desprecios y le ha dado su propia medicina: «No te conocemos pero te hemos apoyado en las buenas y en las malas. No serías nadie sin nosotros. Estarías trabajando en un supermercado grabando canciones en GarageBand». Pero Doja tiene otra visión: «Nadie te ha obligado. No sé por qué me hablas como si fueras mi madre. Pareces un loco».
Las declaraciones de Doja se han producido en plena campaña promocional de su nuevo álbum: su single ‘Attention‘ salió hace apenas un mes y ha pasado algo desapercibido por listas. Claro que Doja ha dado a entender que ‘Attention’ no es una canción hecha para que triunfe, pues ha dicho que ni siquiera es «una canción», sino una «declaración de intenciones» con la que pretende avanzar la dirección creativa de su próximo trabajo.
Andrés Calamaro sigue recorriendo España con su gira y, a su paso por Tenerife este sábado 22 de julio, ha protagonizado un momento que está dando la vuelta por redes: el cantante argentino ha cantado la frase contra Pedro Sánchez «Que te vote Txapote» en directo. Vídeo: Dirty Rock Magazine
El concierto de Calamaro ha tenido lugar durante el Festival Mar Abierto en Tenerife, un día antes de las elecciones generales. En su interpretación de ‘La flaca’, su canción más popular, Calamaro ha insertado la frase «Que te vote Txapote», dejando implícito su apoyo al Partido Popular o, mirado desde otro punto de vista, su rechazo al PSOE.
Calamaro ha confirmado en alguna ocasión que no vota en España, pero visita el país con frecuencia durante sus giras y, de hecho, reside entre Buenos Aires y Madrid y cuenta con nacionalidad argentina y española.
En los últimos tiempos, el autor de ‘Dios los cría‘ ha sido muy crítico con la izquierda española y ha realizado declaraciones que insinúan su inclinación hacia Vox. En 2019, Calamaro expresó su preferencia por lo que él llama «patriotas y reaccionarios», y también cargó duramente contra el «discurso simplista antifascista» de Viggo Mortensen, después de que el actor criticara, en una carta pública, el uso de una imagen de Aragorn que Vox había hecho en una imagen de campaña.
El lema «Que te vote Txapote», originario de una pancarta vista durante un acto de PSOE en Sevilla el pasado mes de septiembre, se ha convertido en el principal eslogan de PP y Vox contra PSOE durante esta última campaña electoral. Hace referencia a Javier García Gaztelu, alias Txapote, terrorista etarra condenado por el asesinato de varios políticos vascos. La frase, que utiliza la memoria del terrorismo para criticar la asociación del PSOE con la izquierda abertzale, y que ha dividido a las víctimas del terrorismo, insinuaba una clara derrota de PSOE en las elecciones generales, lo contrario de lo que ha ocurrido.
Calamaro ha sido noticia estos días después de ofrecer un errático concierto en Cartagena, en el que exhibió su frustración por el uso de teléfonos móviles en las primeras filas.
El Partido Popular celebraba este jueves 20 de julio su último mitin de Madrid de cara a las generales de este domingo, con la presencia del candidato Feijóo y también Almeida y Ayuso, que gobiernan Ayuntamiento y Comunidad con mayoría absoluta. El acto lo promocionaban en redes con el tema ‘Si quieres’ de Cariño.
El grupo ha acudido a las redes este sábado para protestar por este hecho y ha pedido abiertamente que se vote a la izquierda, concluyendo “FUCK PP, FUCK VOX”. Dicen: “Hoy nos hemos levantado y hemos visto que el PP ha usado nuestra canción en un post de Instagram lógicamente sin nuestro permiso. Nunca apoyaremos de ningún modo cualquier partido q vaya en contra de nuestros principios y de los derechos humanos. VOTA IZQUIERDA!!!! FUCK PP FUCK VOX”.
Entre los muchos artistas que han pedido que se vaya a votar están Rocío Sáiz, tras el polémico incidente de Murcia; Alice Wonder, que ha subido un vídeo en Instagram; y Diego de Carolina Durante en sus Stories.
hoy nos hemos levantado y hemos visto que el PP ha usado nuestra canción en un post de ig lógicamente sin nuestro permiso. nunca apoyaremos de ningún modo cualquier partido q vaya en contra de nuestros principios y de los derechos humanos.
Pocas «Good Vibes» llegan desde Malasia. The 1975, justo el año al que podemos volver esta noche, actuaban este viernes en un evento así llamado -Good Vibes Festival-, y el grupo decidió protestar contra las leyes anti-LGTB+ de este país. Las penas de cárcel por ser homosexual en Malasia llegan hasta los 20 años.
En concreto, Matt Healy dijo que era «jodidamente ridículo decirle a la gente qué podía hacer y qué no». «Si me queréis invitar a dar un concierto, os podéis ir a la mierda. Cogeré vuestro dinero, podéis censurarme, pero he hecho esto antes y no sienta bien, estoy jodido». Como ha hecho en otras ocasiones, ha besado al bajista Ross MacDonald en la boca durante 20 segundos.
El concierto se interrumpió poco después. Matt pudo decir que les habían censurado en Kuala Lumpur, y el concierto se dio por acabado. Y no solo eso, sino que todo el festival ha decidido suspenderse pese a que quedaban dos jornadas por cumplir. The Strokes y Kid Laroi están entre los que se han quedado sin actuar. Una persona responsable de la organización ha declarado a Billboard que teme que la decisión merme la confianza de los promotores en la escena del país.
Además, The 1975 han cancelado sus conciertos en Indonesia y Taiwan. El grupo no ve sentido a actuar en lugares donde «nos dicen con quién podemos tener sexo».
Noel Gallagher se levantó, eligió la violencia y fue a una entrevista. Y es que, el artista ha hecho unas declaraciones sobre Adele bastante… contundentes en el podcast de Matt Morgan, según ha informado NME.
A la pregunta de si era fan de Adele, Noel Gallagher respondía: «No me jodas. Dime una canción buena. Son una puta mierda. Son jodidamente horribles. Es la puta Cilla Blank. Me parece ofensivo».
El éxito de Adele le debe de parecer insignificante al artista, que incluso aseguraba que le gustaría trabajar con ella y «escribirle algunas canciones cuando él se retire de los escenarios». «Diré: ‘Poned a Adele a cantar esto'», explicaba el artista en el podcast. Ya que estaba, también le tiró dardos a Lewis Capaldi, a quien también le gustaría escribirle algún tema: «Quiero que Lewis Capaldi asesine esta canción, quiero que se cague en ella desde muy alto. ¡Hazme rico!”, bromeaba.
No es la primera vez que Noel Gallagher se mete con artistas del momento, en 2021, tras la victoria de Little Mix como Mejor Banda Británica en los Brits, comentó que «no estaban en la misma liga que Oasis» y que «su victoria mostraba un gran problema en la industria», según informó NME.
PVRIS consigue mantener a los fieles suficientes como para lograr aún colarse en el top 25 británico, lo cual no es fácil para un cuarto disco ya. El proyecto de Lyndsey Gunnulfsen apuesta en ‘EVERGREEN’ por un sonido variado en su reivindicación. En concreto, estamos ante «una reclamación de control en la cultura post-pandemia», tratando temas como la tecnología, la fama, la cultura del espectáculo o la autonomía femenina.
Esto último es claro en tanto que PVRIS se ha ido convirtiendo en un proyecto en solitario de «Gunn». El guitarrista Alex Babinski fue obligado a irse hace un par de años por acusaciones de acoso sexual, y pese a defender su inocencia, y al bajista y teclista Brian MacDonald ya solo le veréis en los directos. Además, uno de los sencillos principales, ‘GODDESS’, es precisamente una «celebración de la feminidad en todas sus formas».
Muchos temas entre la primera parte del disco continúan llevando la marca de la casa de alguien que asegura tener a Sum 41 y Florence + the Machine entre sus ídolos, indistintamente. Si el emo, lo industrial, el synth-pop… se han cogido de la mano en varios puntos de la carrera de PVRIS, este disco se abre con un tema tan épico como ‘I DON’T WANNA DO THIS ANYMORE’. ¿Y qué es eso que PVRIS «ya no quiere hacer más»? El tema habla de sufrir un «meltdown», de sentirte como en una rueda de hamster, y de la presión de los algoritmos en las redes sociales.
Si esta canción es más sintética, ‘GOOD ENEMY’ (que apunta a uno mismo como nuestro peor enemigo), se entrega más a las guitarras eléctricas. ‘ANIMAL’ juega con una distorsión controlada, ‘TAKE MY NIRVANA’ cuenta con la colaboración de Mike Shinoda de Linkin Park en la producción, mientras que ‘HYPE ZOMBIES’ termina en reversa, recalcando la sensación demoníaca que buscaba desde el principio la mezcla vocal.
A partir de ‘SENTI-MENTAL’, una canción agradable que prueba que el registro girl group también sienta muy bien a Lyndsey Gunnulfsen, ‘EVERGREEN’ desbarra un poco. No es tan «evergreen». Comienzan a sucederse las baladas, en un registro extrañamente mitad R&B, mitad trip hop; mitad Morcheeba, mitad Depeche Mode, hasta que el disco recupera fuerza con los dos últimos temas, ‘LOVE IS A’ y el titular. En esa segunda parte del disco, con cosas como la canción de hoguera ‘ANYWHERE BUT HERE’ y ‘HEADLIGHTS’, uno llega a dudar si estaba escuchando el mismo trabajo que al principio. ‘GODDESS’ hasta había sonado un poquito a Britney Spears.
YUNG PRADO es uno de los nombres dedicados a la electrónica en la escena de Barcelona. Ha conseguido hacerse un hueco gracias a remixes para Alizzz y otros artistas, y a temas propios como ‘Quiero volver a repetir’.
Si el año pasado publicaba un disco llamado ‘Yung Pradito’, ya hay continuación. Estos días ha sacado un EP llamado ‘CLUB BOY’, del cual había ido revelando diferentes singles. Entre ellos, por ejemplo, ‘Todo lo que quieras’, una colaboración con Marcelo Pantani, el DJ que convierte sus sesiones en una clase de spinning. Pero el tema que escogemos como Canción del Día es el cuarto sencillo, ‘Ganas de verte’.
‘Ganas de verte’ es la canción de cierre en ‘CLUB BOY’. Se trata de su composición más clásica en su melodía y más envolvente: te gustará si te gustan, por ejemplo, Junior Boys. Es claro por qué ha sido escogida para terminar. La artista argentina LUPE acompaña a YUNG PRADO en este dúo de corte extático, en que ambos expresan que no pueden «controlar las ganas de verse», ni tampoco «las ganas de bailar». «No puedo ni pensar que esto pueda acabar». El registro agudo de LUPE suma en esta orgía de coros, sensualidad y sensaciones celestiales, que ya se ha convertido en una de las favoritas de los seguidores de YUNG PRADO.
Teniendo en cuenta todo lo que se ha explotado la nostalgia con otras sagas, es casi extraño que no haya habido más entregas de Indiana Jones desde ‘El Reino de la Calavera de Cristal’, allá por 2008. 15 años después de esa entrega, y más de 40 después de la primera, llega por fin ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’, con la intención de poner punto y final a las aventuras del personaje interpretado por Harrison Ford. Si en 2008 se rumoreó una continuación con Shia LaBeouf como relevo, ahora se ha dicho algo parecido con Phoebe Waller-Bridge, pero no sucedió entonces y no parece que vaya a suceder ahora, entre otras cosas por los resultados que está teniendo en taquilla.
Sin ser objetivamente malas cifras, resultan una decepción teniendo en cuenta el enorme presupuesto de la cinta, y todo lo que Disney quería recaudar con ella. “Pero, ¿tan mala es?” En absoluto. Sin llegar al nivel de la trilogía original, ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’ sí supera a la entrega de 2008, siendo una película de aventuras divertidísima y de la que tanto Indy como Steven Spielberg (esta vez no dirige él) se pueden sentir bien orgullosos. Pero, sobre todo, es una despedida del personaje que ya quisieran muchas sagas alargadas hasta la náusea.
Spielberg le pasa el testigo a James Mangold, un director bastante heterogéneo: suya es ‘Inocencia Interrumpida’, pero también la oscarizada ‘Ford v Ferrari’, o ‘Logan’, la aclamada última entrega de Lobezno. Tampoco George Lucas escribe, pero los padres de la criatura se quedan como productores ejecutivos, y juntos han convencido a John Williams para que aporte de nuevo la banda sonora original (parece que Williams pensaba usar la película como canto de cisne, pero finalmente ha decidido no retirarse), y han armado un reparto que es uno de los puntos fuertes de la película.
Después de que la villana anterior fuese Cate Blanchett, ‘El Dial del Destino’ sigue apostando fuerte y planta a Mads Mikkelsen con un personaje que le viene como anillo al dedo. Que por cierto, curiosidad: en cierto modo, se puede decir que ahora las sagas de Indiana Jones y James Bond comparten universo por partida doble, ya que ambas tienen a Sean Connery (007 y padre de Indy) y Mads Mikkelsen (villano en ‘Casino Royale’ y aquí). Pero es que la tradicional compañera de aventuras es la mismísima Fleabagherself, Phoebe Waller-Bridge, a la que nunca imaginamos ver en escenas de acción y que está de lo más natural, cerca de ser la mejor compañera que ha tenido Indy (por detrás de Marion Ravenwood, obviamente). Junto a ellos, John Rhys-Davies retomando su papel de Sallah (al que dio vida en la trilogía original, con la excepción de ‘El templo maldito’), el inevitable chaval interpretado aquí por Ethann Isidore, y roles más secundarios para gente como Antonio Banderas o Toby Jones.
Como decíamos, Lucas no ha escrito el guión, cayendo la tarea en el propio Mangold junto al reputado David Koepp y a Jez y John-Henry Butterworth, así que es curioso que, cuando sí iba a encargarse, dijese a Total Film que quería incluir algo sobrenatural pero con cierta base realista, “que no sea una máquina del tiempo”. Yyyy sorpresa: en esta ocasión, tanto Indy como los demás personajes andan detrás de la Anticitera, un artilugio capaz de predecir grietas temporales. Pero, lejos de ser una mala idea, es un acierto casi meta, porque el tiempo tiene mucho que ver en esta película. El tiempo, el envejecimiento, la nostalgia, el sentir que el mundo ha seguido y tú te has quedado atrás… Mangold ya exploró esto en cierta manera en ‘Logan’, y aquí, aunque lógicamente con un prisma menos oscuro, resulta interesante ver cómo afecta esto al arqueólogo más famoso de la Historia del Cine, en lo que también podría ser un recadito al espectador y a la industria sobre lo que estamos haciendo con la nostalgia y los símbolos.
El propio Harrison Ford no quedó del todo contento con el final de ‘El Reino de la Calavera de Cristal’, y la verdad es que aquí puede estar orgulloso de un cierre de personaje que ahora tiene un magnífico equilibrio entre lo amargo y lo feliz. Pero no todo son buenas ideas, claro. El prólogo se alarga demasiado, y la modificación digital no ayuda, ni aunque sea una forma de señalar ese “recadito” antes mencionado. Hay personajes secundarios un tanto deslavazados, como el de Boyd Holbrook o el de Shaunette Renée-Wilson. Este último es casi un token, y el único caso en que puedo darle la razón a quienes critican la película por “haber hecho woke a Indiana Jones”. Los antiwoke llevan un tiempo siendo tan cansinos o más que sus odiadas némesis, pero aquí resulta especialmente llamativo que les moleste el personaje de Waller-Bridge (supongo que la Marion de ‘En busca del Arca Perdida’ sería ahora inclusión forzada) o el papel de los nazis como enemigos (!!!).
En resumen, ‘Indiana Jones y el Dial del Destino’ es una dignísima conclusión a la saga del látigo, que disfrutarán quienes crecieron con el aventurero, quienes le descubrimos con los DVDs o incluso quienes no hayan visto ninguna y simplemente quieran pasar un buen rato con una buena película de aventuras (o adorar a Phoebe Waller-Bridge). Incluso los más desconfiados seguro que sienten un cosquilleo con cierto momento. “¿Dónde te duele?”.
Hacía mucho tiempo que entre los estrenos cinematográficos no se colaba una película capaz de desatar tanta expectación y curiosidad como ‘Barbie’. Su mastodóntica campaña publicitaria ha hecho de ir a verla prácticamente un ritual donde cientos de personas se han vestido de todas las tonalidades de rosa imaginables para ver cómo Greta Gerwig (‘Lady Bird’, ‘Mujercitas’) daba vida a la mítica muñeca. Pese a haber visto decenas de imágenes promocionales durante meses, lo que podría salir de ‘Barbie’ seguía siendo un misterio que ansiaba ser descubierto.
La película propone a Margot Robbie, ejemplo superlativo de belleza canónica, como la Barbie Estereotípica: blanca, rubia, delgada, guapísima. En su hábitat, Barbieland, todo es de color de rosa, un lugar en el que nada cambia y poblado por miles de Barbies y Kens de diferentes razas, ellas con profesiones de importancia (porque Barbie con el paso de los años ha sabido adaptarse a las sensibilidades de los nuevos tiempos). En este mundo alegre y pop, las Barbies lo son todo, y los Kens… son solo Kens.
A nuestra protagonista, su colorida perfección le dura poco. Sus talones tocan el suelo por primera vez, dejando de estar en una continua posición de puntillas. Además, le invaden pensamientos intrusivos sobre la muerte. Está claro que algo que no va bien, por lo que no le queda otro remedio que ir al mundo real a encontrar a la niña que está jugando con ella para recuperar su normalidad perdida.
Gerwig imagina una sátira feminista y firma una simpática comedia que utiliza su humor absurdo para trazar un rotundo mensaje social. Aunque a este le falte algo de garra y mordacidad, es de celebrar que una superproducción de estas características no se parezca realmente a nada. Tanto en su concepto como en la ejecución, ‘Barbie’ es una cinta única y, en cierta medida, arriesgada. Esa extrañeza tan característica que da lugar a escenas divertidas y originales se ve en ocasiones opacada por las convenciones narrativas de una subtrama que no funciona. Cuando Barbie y Ken salen al mundo real y la película decide poner su foco en las complicaciones de una relación maternofilial para engalanar su reivindicación política, se convierte en algo mucho más mainstream y mucho menos interesante. En ‘Barbie’ hay una continua dicotomía entre la libertad creativa que supuestamente ha tenido la cineasta y los intereses corporativos que se encuentran detrás de un proyecto como este.
‘Barbie’ sirve en gran medida para lavar la imagen de la muñeca de Mattel, revirtiendo el discurso progresista que le acusó de reforzar unos estándares de belleza imposibles y perjudiciales para las niñas, y demostrando que al igual que los tiempos han cambiado, las Barbies también. La marca aprovecha para hacer un poco de autocrítica (mediante un par de diálogos y situaciones que deja el guion) y salir renovada.
Es posible que ‘Barbie’ no sea la exaltada celebración de cultura pop que cabría esperar -precisamente porque se desvía hacia lo publicitario, preocupándose en exceso de subrayar por activa y por pasiva su mensaje- pero sí consigue crear alguna imagen para el recuerdo, sobre todo gracias a sus dos protagonistas. Margot Robbie encarna de manera brillante a la Barbie Estereotípica y es especialmente destacable a nivel interpretativo la progresión humana en su forma de moverse desde que comienza la película hasta que conoce el mundo real. Por otro lado, Ryan Gosling es un Ken excelente, derrochando carisma y gracia en cada una de sus escenas.
Una parte muy importante de la campaña publicitaria de Barbie se basó en la música, con una banda sonora formada por algunos de los nombres más interesantes del mundo del pop actual, y la película le brinda un momento de protagonismo a todos ellos. El número de ‘Dance the Night’ de Dua Lipa está particularmente bien integrado, así como la preciosa balada ‘What Was I Made For?’ de Billie Eilish que suena hacia el final de la cinta o el psicodélico tránsito de Barbieland al mundo real de la mano de Tame Impala y su ‘Journey to the Real World’. No tanto la mejor canción de todas: ‘Angel’ de PinkPantheress, que se conforma con una breve y decepcionante aparición entre escenas.
En ‘Barbie’ conviven el lado más prometedor del nuevo Hollywood (uno feminista, desenfadado, libre de estereotipos de género) con el más clásico y rancio (con subrayados innecesarios y humor pasado de moda). Pese a todo, Greta Gerwig logra dotar al proyecto de personalidad, inyectándole sus preocupaciones feministas y esperando que su mensaje igualitario haga mella en espectadores de todas las generaciones. Al final, aunque la ‘Barbie’ tenga algún que otro defecto de fábrica, se le acaba cogiendo el suficiente cariño como para no ir a devolverla.
Coincidiendo con el anuncio de los primeros conciertos de Cupido en 2024, Pimp Flaco ha publicado su primer disco en solitario (‘Terremoto Turquesa’ era una colaboración con su hermano, Kinder Malo). Años después de ‘<3’, este emoji sigue definiendo a la perfección el estilo de Daniel Pedraja Batista, un chico de barrio que está enamorado: “Me dijiste, trae dinero, fui a la calle y te lo traje, porque soy un empresario aunque nunca llevo traje” es la primera frase que escuchamos en el disco.
Este tipo de rimas aparentemente naíf, aparentemente simples como un lápiz, pero en realidad no exentas de sabiduría, han desmarcado a Pimp Flaco de muchos compositores de su generación. Frases como “no me digas que me quieres ni que soy muy guapo, porque soy eso que usas pa’ pasar el rato” son identificables en el estilo de Pimp Flaco, tanto en Cupido como en su obra en solitario.
‘Mmmua’ es diferente a Cupido en tanto el sentimentalismo de la banda queda en un segundo plano. Las canciones de ‘Mmmua’ son desenfadadas. Digamos que Pimp Flaco sabe qué hacer con esa cosa llamada bedroom pop: se nota en ‘Un parque’, la pista inicial, encantadora; también en la funky ‘Nada dura para siempre’ y, especialmente, en ‘Barrio’, que añade a la fórmula dos simples ingredientes: un ritmo disco y la colaboración de Marc Seguí, en su salsa.
A veces, Flaco le pone bastante más imaginación a sus letras que el 90% de los artistas actuales. ‘Vida al revés’, otra monada de bedroom-pop, es una graciosa viñeta de una persona que nace con 83 años, busca trabajo a los 65 e imagina “qué quiere ser de pequeño” mientras le faltan “40 años para que vaya al colegio”. Es imposible que no se te dibuje una sonrisa escuchándola.
Después, a Flaco le basta con probar diferentes géneros para rematar un disco realmente entretenido y variado. ‘Olofísmo’ es su descarga punk contra los “borregos” que siguen modas (desde luego no son esos los fans de Cupido), ‘Por qué tanto lío’ aparece por la mitad con guitarras flamencas y la colaboración de Miguel Campello y ‘Todavía’ se “ríe de la vida” a golpe de electropop.
‘Mmmua’ puede pasar de lo adorable (‘Antes molabas’ al ukelele) a usar ritmos electrónicos bastante contundentes, como los de la pista titular, o incluso próximos al hyperpop, como los de ‘Vente conmigo’. ‘Skate’ es el mayor éxito de ‘Mmmua’: más pop-punk naíf que probablemente nadie podría haber hecho exactamente de esta manera.
Troye Sivan ha entrado directamente al top 22 en Reino Unido con su nuevo single, el veraniego ‘Rush’. Pero en JNSP logra ser número 1 en su primera semana, desplazando al fin ‘Padam Padam’ de Kylie al número 2. Troye ha ganado tanto entre los votos de la web como en el desempate de Twitter. Es es 2º número 1 para Sivan en nuestra humilde web, tras ‘My! My! My!’. Curiosamente, en aquel 2018 ‘Dancing’ de Kylie Minogue le arrebató el top 1 una semana después. Ambos son australianos.
La segunda entrada más fuerte es la de ANOHNI con ‘Sliver of Ice’, pero también Rita Ora llega al top 10 tras haber sido entrevistada por nuestro medio. Entran en el top 20 Billie Eilish, Taylor Swift y Grian Chatten.
El cierre de campaña de cara a las elecciones generales de este domingo no ha estado exento de referencias musicales. Ada Colau, ex alcaldesa de Barcelona por En Comú Podem, se ha unido a Sumar y ha ofrecido este jueves un mitin en L’Hospitalet junto a Yolanda Díaz. En él ha introducido unas frases de ‘Despechá’ de Rosalía, y también su disco ‘Motomami’.
Colau, que en su momento no se perdió el MOTOMAMI TOUR, ha felicitado a Yolanda Díaz por su victoria en el debate a 3 de RTVE (del que salió el meme de ‘Barbie’ sobre estas líneas), y le ha dicho que salió de allí «como una reina». «Una reina de las buenas, no de las que lo son por herencia sanguínea. Como una reina de las que elige el pueblo. Como Rosalía. Vas a salir de L’Hospitalet «coroná» y todas nosotras, que somos tus motomamis y tus gyales, vamos a ir en masa a votar el domingo, y vamos a ganar las elecciones».
Ada colau haciendo un discurso para SUMAR mencionando a Rosalía como una reina, estaremos votando👏👏 pic.twitter.com/RfK4E0kw3r
Mientras Feijóo ofrecía su último mitin en Madrid, a ritmo de ‘The Final Countdown’ de Europe, como informa El País (también en otros de sus mítines llegó a sonar ‘People Have the Power’ de Patti Smith); Pedro Sánchez se guardaba un as en la manga. Si ayer en ‘Al rojo vivo’ aseguró que durante la pandemia le generaba mucha tristeza no escuchar desde la Moncloa los conciertos de Noches del Botánico de lejos, y volvió a mencionar a Bronquio y Rocío Márquez, hoy celebraba el #DíaMundialDelPerro en redes sociales.
Reapropiándose del insulto de la derecha Perro Sanxe, últimamente convertido en meme, Pedro Sánchez ha posado con los dos perros de agua de los que habló en el podcast de La Pija y La Quinqui. Allí también mencionó que era muy fan de Rigoberta Bandini. Después de que esta tuitease la entrevista escribiendo «Perra Sánchez», el presidente del gobierno ha recogido el guante y ha incluido la canción ‘Perra’ como fondo en su foto de Instagram.
Por otro lado, Caroline Polachek también ha reaccionado a su mención en el podcast de La Pija y La Quinqui, posteando el vídeo y preguntando «cómo se dice en español GOATED».
Bad Bunny y The Weeknd se han unido a Travis Scott en ‘K-POP’, un single que pertenece a su próximo álbum, ‘UTOPIA’. Aunque el título hace referencia a la música surcoreana, no hay ni rastro de este género en la colaboración. Es más, los tres artistas se unen en un estilo funk que les favorece mucho, pero alejado de lo que suelen hacer Travis Scott y The Weeknd. A Benito le va que ni pintado.
El beat es muy cálido, suave y bailable (incluso Travis se deja ver moviéndose en el vídeo). Es un ritmo que podríamos esperar de artistas como Bad Bunny, pero en esta colaboración todos aportan su personalidad sin que suene forzado. Se ponen de acuerdo en la letra, que habla de la atracción física (quizá no se le puede llamar amor) en el caribe o Saint-Tropez (donde está grabado el videoclip). «Esa noche fue demasiado ardiente / Necesito que vuelvas pronto», reza Travis Scott en el estribillo. Pues eso, una perfecta definición de las pasiones de las que hablan.
En su verso, Bad Bunny hace uso del autotune y consigue el sonido característico de Travis Scott. Pero hablando de lo suyo: «Como aquello’ tiempo’ de camino a Maya / Tú ni fumaba’ y chingando te arrebaté». Por su parte, The Weeknd, también quiere subirse al carro latino y suelta algunas palabras, muy básicas en castellano: «Love when she’ll call me, «Papi» (Mm-mm) / Even though she Korean (Mm-mm)». Referencia a Corea, aunque la palabra «K-POP», en este caso, se refiere a una piruleta de ketamina que reciben ese nombre también. «Ya sabes que estoy colocado por ese K pop», canta The Weeknd.
En el videoclip, solo podemos ver juntos a Travis Scott y The Weeknd, Bad Bunny no se reúne con ellos. Además de las apariciones estelares de SZA y Pharrel, el cantante de ‘goosebumps’ va publicitando su disco ‘UTOPIA’.
Tony Bennett ha fallecido este viernes en Nueva York, ha confirmado su publicista. Bennett tenía 96 años y padecía Alzhéimer desde 2016, diagnóstico que se hizo público en 2021 y que, ese año, le llevó a anunciar su retiro de los escenarios.
Bennett fue uno de los vocalista de jazz y de pop más queridos de Estados Unidos durante 7 décadas en las que se hizo con una veintena de premios Grammy y colaboró con artistas de diferentes generaciones, últimamente con Amy Winehouse y sobre todo con Lady Gaga, con la que forjó una alianza que le llevó a publicar dos discos y a ofrecer conciertos conjuntos.
Nacido en Nueva York en 1926, Bennett empezó a cantar a los 10 años y después combatió en la última fase de la Segunda Guerra Mundial. En 1951 obtuvo su primer single número 1 con ‘Because of You’, durante los 50 publicó varios discos de éxito y en 1962 lanzó su canción más popular, ‘I Left My Heart in San Francisco’.
Entre los 50 y los 60 Bennett se consolidó como uno de los vocalistas de jazz y estándares de pop más queridos de Estados Unidos. ‘The Way You Look Tonight’, ‘Rags to Riches’ o ‘Steppin’ Out with My Baby’ fueron otros de sus grandes éxitos y sus versiones de ‘Fly Me to the Moon’, ‘Blue Velvet’, ‘For Once in My Life’ o ‘Smile’ se cuentan entre las más conocidas.
La carrera de Bennett sufrió un importante declive en la década de los 70, debido al auge del rock, que le llevó a pasar una temporada sin contrato discográfico. Bennett grabó el programa de televisión de ‘Tony Bennett at the Talk of the Town’, que tampoco dio grandes frutos. En 1979, Bennett sufrió una sobredosis de cocaína que casi le costó la vida.
Las siguientes décadas fueron de recuperación. En los 80, Bennett grabó la canción nominada al Óscar ‘Life in the Looking Glass’ y en los 90 todo un nuevo público le descubrió gracias a MTV. El disco ‘MTV Unplugged: Tony Bennett’, de 1994, ganó el Grammy a Álbum del año.
En el siglo XXI Bennett también ha estado muy presente gracias a sus colaboraciones con artistas como Amy Winehouse, que grabó con él ‘Body and Soul’, John Mayer, Norah Jones o por supuesto Lady Gaga, con la que grabó los discos ‘Cheek to Cheek‘ (2014) y ‘Love for Sale‘ (2021) y con la que salió de gira.
Primavera Sound comunica que su edición en Madrid no se repetirá en 2024 debido a las dificultades logístiuas que ha supuesto celebrar el festival en la ciudad, en concreto, en un recinto como el ubicado en Arganda del Rey. «Después de varias semanas de exhaustiva valoración de la primera edición de Primavera Sound Madrid, las circunstancias actuales nos llevan a comunicar que en 2024 el festival no podrá celebrarse».
«Aunque tanto la ciudad de Madrid como toda la Comunidad nos recibieron con los brazos abiertos, con un cariño que se reflejó a través de las instituciones, los agentes culturales y por supuesto el público, las dificultades externas que el festival tuvo que afrontar en la recta final de la preproducción dieron lugar a una de las ediciones más complicadas que Primavera Sound ha tenido que afrontar nunca», explica el festival. «Y a día de hoy, de cara a 2024, la ciudad no cuenta con un recinto capaz de albergar con garantías un evento de nuestra magnitud y formato en lo que a exigencias del público, requisitos de producción y despliegue musical se refiere».
Almudena Heredero, directora de Primavera Sound Madrid, ahonda en la decisión de no traer el festival a Madrid en 2024: «Como consecuencia, a pesar de que el balance del festival fue más que satisfactorio en un plano musical, no se cumplieron las expectativas que teníamos y la experiencia del público por determinados aspectos logísticos no fue la deseada. Dentro de la Ciudad del Rock se vivió un festival lleno de grandes momentos musicales, pero no somos ajenos a algunos inconvenientes. Y eso nos lleva a reconocer que, actualmente, no se dan las condiciones necesarias para que Madrid tenga un Primavera Sound como se merece en 2024”.
No obstante, la posibilidad de volver a celebrar el Primavera Sound en Madrid no se cierra del todo. Explica Alfonso Lanza, director de Primavera Sound, que “seguiremos estudiando la posibilidad de celebrar un Primavera Sound en Madrid porque mantenemos un diálogo continuo y constructivo con las instituciones de la ciudad. La voluntad de proseguir esta relación por todas las partes implicadas existe, y la relación con la ciudad, que ya venía de lejos, no ha hecho más que estrecharse en los últimos meses. Lo que no hay, ahora mismo, son garantías para poder ofrecer un festival en 2024 que responda a los estándares de calidad que acostumbra a ofrecer Primavera Sound. Ha sido una primera edición de la que extraemos muchas lecciones y no queremos desaprovecharlas de cara al futuro”.
Primavera Sound aclara que tanto la edición de Barcelona como la de Madrid se han llevado a cabo exitosamente: «El festival que vosotros queréis y el que nosotros deseamos están cada vez más en sintonía. Tras la pandemia y la excepcionalidad de la edición doble de 2022, esta vuelta a la (new) normalidad ha reconfirmado nuestra idea sobre cómo tiene que ser un festival de Primavera Sound allá donde se celebre. Las sobresalientes fechas de Barcelona y Porto han encarnado esta idea y nos marcan el camino: reconectando con la esencia del festival y combinando la irrenunciable singularidad artística con reclamos de peso mundial y una experiencia de máxima comodidad para los asistentes. No es un equilibrio fácil, pero es el equilibrio que queremos y el que hemos conseguido alcanzar».
La próxima edición de Primavera Sound en Barcelona tendrá lugar del 30 de mayo al 2 de junio, y la de Porto del 7 al 9 de junio.
El pasado mes de abril os presentábamos un ciclo de conciertos llamado Cultura de Sala en apoyo precisamente de las salas de nuestro país. El ciclo ha continuado recorriendo toda España y de hecho aún quedan citas tan interesantes como las de Mr Kilombo hoy 21 de julio en Informal de Tafalla (Navarra), Biznaga en Loco Club de Valencia el 26 de julio y Los Vinagres en Aguere Cultural (San Cristóbal de La Laguna, Tenerife) el 29 de julio.
Desde JENESAISPOP hemos querido preguntar a tres responsables de tres salas del país por la importancia de seguir yendo a conciertos en pequeños y medianos recintos. Son Mónica Pérez de Círculo de Arte y Sala Pícaro (Toledo), El Indio del Gruta 77 (Madrid) y Pepe Doré desde el Garufa en A Coruña. Es este último quien nos da el primer titular: las salas son «indispensables» para el desarrollo de artistas y para «crear tejido cultural y musical»: «Las Salas de Concierto de pequeño y mediano formato son indispensables para que músicos y artistas escénicos comiencen su andadura dándole a esta ya un sesgo profesional. Permiten a su vez que se cree una red de espacios, dotada de las infraestructuras necesarias, que conforma el mapa musical y cultural de una comarca, un estado o una comunidad más amplia. En definitiva son el soporte ineludible, en «primera instancia», para crear tejido cultural y musical».
Indio del Gruta 77 coincide y habla de la cercanía con el artista: «El Rock and Roll nace, crece y se multiplica en pequeños clubs. No hay ninguna banda en la historia que no haya pisado uno de sus escenarios. Nuestra capacidad como salas promotoras para captar nuevos talentos acelera ese proceso. Y, sin duda, proporcionamos la mejor manera posible de disfrutar de una banda, nuestro público está a medio metro del cantante del grupo que ocupa el escenario».
Mónica Pérez del Círculo de Arte y Pícaro añade que las salas suelen ser la «primera vez para muchas bandas». «Nos involucramos directamente en el desarrollo de las bandas tanto locales como nacionales, apostamos por lo emergente con una programación constante. Estamos en la vanguardia musical, con lo cual valoramos y apostamos por la cultura musical en nuestras ciudades».
Se ha hablado mucho sobre si la cultura festivalera beneficia o perjudica a la sala pequeña. Pepe Doré es el más crítico: «La expansión festivalera en una gran mayoría de casos -entendida esta como crecimiento centrado más en la cantidad que en la calidad, que es realmente lo que está pasando- en mi opinión a quien pone en peligro es a la propia música, degradándola y despojándola de sus aspectos más culturales, sobresaliendo claramente sobre estos la intencionalidad de generar un mercado, que va infinitamente más allá de lo que representa como manifestación cultural. En lo que atañe a las Salas evidentemente las perjudica, es una lucha de «David contra Goliat» con la peculiaridad de que en este caso gana Goliat sin paliativos, máxime cuando más de un 80% de festivales están «dopados» con dinero público en cantidades ingentes, frente al escaso y deficiente apoyo que reciben las Salas».
«Un 80% de festivales están «dopados» con dinero público en cantidades ingentes, frente al escaso y deficiente apoyo que reciben las Salas» Pepe Doré.
Indio cree que «el daño está hecho» y el tema ya no puede ir a peor: «Las instituciones han favorecido ese formato sin tener la sensibilidad de pensar que el 90% de los conciertos que se producen en una ciudad se realizan en salas de pequeño y mediano formato. Somos agentes culturales con recompensa muy baja por nuestro trabajo. Los festivales nos han arrebatado una generación entera de posibles fans de la música. Chavalas y chavales que no han llegado a sentir la vibración de ver una banda de cerca y tomar una cerveza con ellos después del concierto. En Gruta 77 somos afortunados, nuestra programación es tan específica que no le afecta especialmente las producciones millonarias. Pero esa falta de relevo generacional sí se nota, y mucho».
Más conciliadora es Pérez, respecto a la relación entre salas y festivales, aunque se rebela contra los contratos de exclusividad: «Son dos circuitos totalmente diferenciados, somos partes y partícipes de la música en vivo. Sin salas no hay festivales, sin festivales no hay bandas, si no hay bandas no hay salas. Creo que nos retroalimentamos. Las salas tenemos el circuito de invierno, y los festivales, más o menos, el verano. Lo que estoy totalmente en desacuerdo y me parece una forma de trabajo antigua, son los contratos de exclusividad, ya que como he dicho antes somos totalmente complementarios».
En la línea, se muestra reacia al enfrentamiento, y tiene una petición: «No considero que sea cuestión de enfrentarse salas y festivales, somos todos parte de la industria musical. Eso sí: nos gustaría tener más presencia como marca en los festivales, sobre todo si se realizan en nuestra provincia, ya que la mayoría de las bandas, han ido creciendo en nuestras salas. Siempre agradecimiento a aquellos artistas que recuerdan con cariño el paso por la ciudad con su primer concierto».
¿Qué más medidas echan de menos desde las salas o qué posibles soluciones o ideas se plantean para que la gente acuda más a las salas? ¿Mayor apoyo institucional, apoyo de medios, educación por parte del público…? Indio responde: «Pues todas esas medidas que propones y más. Estaría bien que, de una vez por todas, se tratara a la música como parte fundamental de la Cultura y no como «industria del entretenimiento». Hay mucho cine malo y nadie cuestiona si ese producto es cultural o no, Hay mucha Literatura mediocre y nadie se atrevería a tratar un libro como un producto no cultural. ¿Qué pasa con la Música? Habría que empezar a plantear cambios desde la base, la asignatura de Música se plantea en edad escolar como un trámite aburrido y sin creatividad. La sección de música en prensa escrita pasó a la historia. Cada gran ciudad apoya al menos un festival local de música y gasta cantidades grandes durante su programa de fiestas patronales. Un 25% de esos presupuestos invertido en las salas que programan cada semana garantizaría un cartel estable de alta calidad en las escenas locales y un trato más justo con las bandas emergentes. No parecen medidas muy complicadas, si las explicamos bien, es muy probable que nos escuchen.
«Hay mucho cine malo y nadie cuestiona si ese producto es cultural o no (…) La sección de música en prensa escrita pasó a la historia» El Indio
Pérez responde a la misma pregunta: «Echo muchas cosas de menos… Por supuesto el apoyo local y apoyo cultural por parte de las administraciones públicas, ya que las salas de conciertos y espectáculos colaboramos directamente con la programación cultural de la ciudad, ofreciendo una amplia oferta de tendencias que nos permite llegar a diferentes nichos de consumo musical. Más apoyo de medios de comunicación local, apostando no solo por lo ya consagrado musicalmente, sino por lo que nos viene en el futuro. Dar valor a lo emergente». Y recuerda: «El público es lo mejor que tenemos, es el que hace que valoremos nuestro trabajo, tanto por la parte de la organización como por la parte artística. Sin público no existimos».
Finalmente, Pepe Doré añade: «Efectivamente, las Salas de Concierto deberían ser elementos a proteger desde las instituciones, en España dependen básicamente de su actividad hostelera, de hecho su licencia de actividad que les permite actuar legalmente así las recoge, y esa dependencia las induce en no pocos casos a jerarquizar sus funciones, relegando la cultura a un segundo plano para proteger su supervivencia. Pero para que se nos proteja y se nos dé la visibilidad que reclamamos es primordial que haya una política cultural pedagógica previa, en la que público y demás «actores» implicados en el sector nos reconozcamos como una forma orgánica de un sistema en la que todos somos elementos fundamentales».
«Los medios locales deberían apostar no solo por lo consagrado, sino por lo que nos viene en el futuro» Mónica Pérez
Concluye: «Prácticamente a nadie se le ocurre discutir la existencia de una Red de Auditorios y Teatros Públicos (ni sus residencias, sean estas Orq. Sinfónicas, Compañías de Teatro/Danza o Bandas de Música) soportadas por las Instituciones, sin las cuales desaparecerían del Mapa Cultural del país, pues, un tratamiento si no equivalente sí próximo a él, es lo que sería imprescindible para mantener la «buena salud» de nuestras Salas».
Preguntados por los conciertos que más ilusión les ha hecho programar, Doré no se moja entre «32 años de tradición» y 4.000 conciertos del Garufa. Indio resalta que «el mayor placer es ver crecer a las bandas de la ciudad». Incluso aunque a veces pierdan al artista: «Ese momento en que una banda que has apoyado tiene que buscar una sala con el doble de aforo que la tuya para tocar es muy especial para nosotros. Es ver al Rock and Roll triunfar y nos da fuerzas para repetir el proceso una y otra vez». Mónica es la única que sí nos da un par de nombres: «Muchos, muchos, son demasiados. Siempre recuerdo los de mi comienzo como programadora. Si tengo que destacar alguno sería Javier Krahe, creo que tardé 3 meses en atreverme a llamarlo. Y por supuesto Antonio Vega, todo un honor poder disfrutar de estos dos genios, de sus directos, de sus charlas…»
Lana Del Rey ha sido vista este jueves trabajando en un local de gofres en Florence, Alabama, sirviendo cafés y vestida con uniforme de trabajo. El uniforme incluso lleva una etiqueta con su nombre, el de «LANA», no el de Elizabeth Grant.
En un vídeo que está circulando por redes, Lana aparece detrás de la barra advirtiendo amablemente a una persona llamada Charlie de que no grabe a otra persona sin permiso. A continuación, Lana coge su teléfono móvil para mirar algo.
Según cuenta The Independent, Lana saludó a algunos fans, que no daban crédito con la situación. Una persona incluso consiguió que Lana firmase su copia de su libro de 2019 ‘Violet Bent Backwards Over the Grass’. Algunos se hicieron fotos con la artista.
Lana se encuentra definitivamente de vuelta en Estados Unidos, después de haber visitado Europa para seguir con la gira de su disco ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocean blvd‘ y dar una serie de conciertos íntimos anunciados por sorpresa. Excepto el de Londres, que ya se conocía, Lana improvisó conciertos en Toscana, Ámsterdam, Dublín y París.
Por otro lado, Lana ha sido noticia estos días después de que un hombre haya sido detenido por amenazarle de muerte.
Lana Del Rey working a shift at Waffle House in Alabama.
Cupido han anunciado el concierto más importante de su carrera hasta la fecha. El 14 de febrero de 2024, en el Día de los Enamorados, Cupido ofrecerán un concierto en el WiZink Center de Madrid. Antes, el 20 de enero, Cupido estarán tocando en la sala Razzmatazz de Barcelona. Las entradas para ambos eventos saldrán a la venta el viernes 21 a las 12 horas del mediodía. JENESAISPOP es medio oficial del evento.
San Valentín ha sido históricamente una fecha clave en la carrera de Cupido, como quizá no podía ser de otra manera dado su nombre y el contenido de sus discos. Su debut ‘Préstame un sentimiento‘ vio la luz el 14 de febrero de 2019. Después, ‘La pared’, a la postre el mayor éxito de su carrera, con 20 millones de streamings en Spotify, salió ese día al año siguiente.
El amor romántico atraviesa evidentemente todas las canciones del grupo integrado por Pimp Flaco y Solo Astra, también en su excelente segundo disco, ‘Sobredosis de amor‘: «En un mundo en el que todo artista joven tiene que hablar de las maldades del amor tóxico, de que es mejor no regodearse en el sufrimiento en pos de cuidar la salud mental y la autoestima; Cupido cantan al desamor sin descanso ni miedo a resultar ñoños».
‘Sobredosis de amor’ confirmaba la promesa del debut de Cupido con otro repertorio de canciones excelente, en el que destacaban ‘Santa’ o ‘Un cabrón de suerte’, además de ‘La pared’, allanaba el terreno para el anuncio de esta nueva fecha.
Cupido, además, presentan novedades musicales, pues acaban de estrenar el single, ‘Lo dejo’, otra composición marca de la casa. Por su parte, Pimp Flaco acaba de lanzar nuevo disco en solitario, de título igualmente romantiquillo: ‘Mmmua’.
«Superestrella global. Ya no vivo con mi abuela» es una de las mejores presentaciones que hemos leído de una artista. Detrás de ella (o delante) se encuentra CMAT, cantautora irlandesa que ha pasado alguna vez por estas páginas. ‘I Don’t Really Care for You’ y ‘Every Bottle (Is My Boyfriend)’, en toda su miseria convertida en humor, fueron dignas Canciones Del Día hace unos pocos años.
Este otoño, CMAT publica su nuevo disco, ‘Crazymad, For Me’, del que ya se conocían dos singles, ‘Whatever’s Inconvenient’ y ‘Have Fun!’. A estos se ha sumado un tercero que ha llegado con el beneplácito de Robbie Williams, que lo ha recomendado en sus redes.
‘Where Are Your Kids Tonight?’, la Canción Del Día de hoy, es un dueto entre Ciara Mary-Alice Thompson y John Grant que continúa con el sonido clásico de la artista de Dublín, arraigado en ese country de los 60 y 70 que traía dosis de easy-listening y pop. Glen Campbell o Linda Ronstadt pueden haber sido influencias, así como buena parte del country-pop de la época.
En ‘Where Are Your Kids Tonight?’, CMAT reflexiona sobre el hecho que ya no es una niña. Cuenta que la canción le viene en el momento en que se da cuenta de que se ha «convertido en su madre», que tiene el mismo aspecto que ella. En un momento de la letra parece vivir en «1988». La canción está ambientada en una fiesta, pero CMAT se aburre, ya no baila como cuando tenía 19 años, ahora prefiere el vino a la coca, y solo es capaz de ver a personas adultas que han dejado a los niños en su casa. De ahí la pregunta del título.
Explica CMAT que la colaboración con John Grant se dio porque le «acosó» en redes hasta que él aceptó su propuesta de colaborar. El videoclip, tan deliberadamente vintage, es una reproducción casi exacta de un vídeo mucho más antiguo, no de 1988 sino de 1985, de una canción publicada el año anterior que los fans de los musicales conocerán muy bien, ‘I Know Him So Well’ de Barbara Dickson y Elaine Paige, del musical ‘Chess’ (1984) compuesto por Benny Andersson y Björn Ulvaeus, de ABBA. Bromea CMAT: «Me han dicho que soy la Elaine Paige del indie… bueno, nadie me ha dicho tal cosa».
Hoy 21 de julio se ponen a la venta nuevos discos de Blur, Greta Van Fleet, Rels B o Andrew Bird, además de la banda sonora de ‘Barbie‘, tras el estreno de la película ayer, revelando temas antes inéditos de Sam Smith o Ava Max. También está disponible el nuevo EP de NewJeans.
En materia del singles, el día de novedades de hoy deja varios regresos. Además de Britney, vuelve Zayn con el primer adelanto de su próximo disco, y lo mismo hace Travis Scott muy bien acompañado por The Weeknd y Bad Bunny, nada menos. También vuelven Tinashe, Cigarettes After Sex y Burial.
Entre las novedades destacadas hay que comentar la colaboración de Stormzy y RAYE, la nueva de Big Thief que tanto triunfaba en sus conciertos, el dueto Alba Reche y Ginebras, el adelanto del disco de The Mountain Goats o el enésimo avance de Róisín Murphy, el más extraño de todos.
Además de todo esto, traen novedades Mala Rodríguez con Omar Montes, Young Miko, Slayyyter, Hozier, Natalia Lacunza haciendo reggaeton con Nickzzy, Gucci Mane, Liz Forte, Egyptian Blue, Bea Pelea, beabadoobee, NCT DREAM, Bombay Bicycle Club con Holly Humberstone, Maria Jaume, Slowdive, Junco y Mimbre…
Como siempre, terminamos comentando las curiosidades del día, en este caso, curiosidad en singular, porque bien merece ser comentado aparte lo que han hecho Morreo con ‘Las 12’ de Ana Mena y Belinda, llevándola a las discotecas de los 70.
will.I.am. y Britney bitch han estrenado ‘Mind Your Business’, su nueva colaboración, la quinta entre ambos después de ‘Big Fat Bass’, ‘Scream & Shout’, ‘Work Bitch’ e ‘It Should Be Easy’. ‘Mind Your Business’ es -aparentemente- un descarte rescatado de ‘Britney Jean‘ (2013), pero esto no se ha confirmado.
La buena noticia que da ‘Mind Your Business’ es que Britney está de vuelta. La mala es que la canción es absurda hasta el punto de parecer una broma. Lo cual no está mal per se: ‘Gangnam Style’ también lo parecía y fue macrohit. Las playlists de novedades de hoy se curan en salud y colocan ‘Mind Your Business’ bien abajo, no vaya a ser que espante al personal.
‘Mind Your Business’ busca un gancho deliberadamente infantiloide. La letra, repetitiva, a menudo no parece inglés: si lo de ‘Womanizer’ sonaba a «wachi wachi», si estabas harto de tanto «Padam Padam», espera a escuchar estos «mind your b, mind your b», «lookyloos», «watchy woahs» que prometen devorarte el cerebro.
Con evidentes ecos a ‘Scream & Shout’ en la producción, en un estilo de electro oscuro y machacón, solo que más robótica aún, ‘Mind Your Business’ incluye un puente vocoderizado y alcanza la categoría de dadaísta con la entrada de un coro góspel en los últimos treinta segundos que provoca risa y terror a partes iguales.
Con ese título, ‘Mind Your Business’ iba a ser un comentario sobre la fama, y así es: Britney canta que va por Hollywood y por Londres y que va escuchando a los paparazzi allá donde va. «Soy la economía», canta, en el momento más rotundo de la letra. Las (probables) referencias a ‘Every Breath You Take’ y ‘Who Let the Dogs Out’ ya son más inexplicables.
Esto no lo vimos venir: Lauren Mayberry, la icónica líder de Chvrches, anuncia una gira en solitario que pasará por nuestro país. La cantante actuará en Barcelona y Madrid en octubre de mano de la promotora de Primavera Sound. Será el 24 de octubre en La Nau en el primer caso, y el 25 de octubre en Copérnico en el segundo.
Las entradas estarán a la venta en DICE a partir del próximo 24 de julio a las 10:00 a un precio de 25 € más gastos de distribución
La nota de prensa nos indica que la cantante, que tanto ha hecho por la lucha feminista en la industria musical, «está lista ahora para centrarse en su carrera en solitario». Eso sí, no hay más datos, pues se concluye simplemente con un «a falta de desvelarse más detalles de esta nueva aventura», sin referencias a single ni disco nuevos.
Las entradas para estos conciertos se podrán adquirir con el Bono Cultural Joven a través de la web de Redtkt. Esta gira forma parte de las celebraciones que Primavera Sound realiza por su vigésimo aniversario.
Cargando ...
