Este miércoles 21 de septiembre viene cargado de novedades interesantes para nuestra playlist de música española o en castellano «Sesión de Control«. Hoy mismo se publica el primer adelanto del segundo disco de Vicente Navarro. La continuación del celebrado ‘Casi tierra‘ se presenta con un tema llamado ‘Una herida’, cuya portada muestra a Vicente vestido de novia. También es un estreno de horas recientes el regreso de Depresión Sonora. Su nuevo disco ‘El arte de morir muy despacio’ llegará el próximo 4 de noviembre en digital, aunque habrá que esperar un poquito más, hasta el 18 de noviembre, para tenerlo en físico. El adelanto es ‘Veo tan dentro’.
Hoy también conocemos el tercer sencillo del inminente disco de Sr Chinarro. ‘El detector’ es la tercera pista que conocemos de ‘Reality Show’, disponible el 28 de octubre, y Antonio Luque nos lo presenta así: «En la letra hablo de varios temas a la vez, como suelo hacer, aunque el principal es el paso del tiempo, que va sepultando no sólo nuestras músicas favoritas, los amores más vividos, sino a nosotros mismos y a las mayores civilizaciones. Aun así, siempre hay una nueva canción buena que escuchar”.
Hoy también se publica un nuevo EP de Silvana Estrada con 4 temas que sirven de acompañamiento a su excelente disco de estudio de este año, ‘Marchita‘. Ya conocíamos ‘Brindo’, os presentamos ‘Si me ocurre’, de final precioso.
Entre los artistas que han publicado álbum, están Amor Butano, cuyo ‘Ultravioleta‘ ya hemos reseñado. Compartimos el tema que se inspira en ‘Blue Monday’ de New Order. También hay largo de Hickeys, entregadas al post-punk (nos decantamos por la urgente ‘Oneness’); del rapero valenciano Hoke (escogemos ‘Desamparados’); o de daniel sabater, del que nos ha enamorado particularmente el ‘bolero de desamor’.
En cuanto a habituales del site, Carolina Durante han realizado una colaboración con Autotune junto a Orslok. Algora canta el tema ‘Sauna infierno’ junto a Centauros, el proyecto de Dani Balaguer. ‘Nadie sabe que te quiero’ es el siguiente adelanto del EP de Carlos Sadness tras el conocido dueto junto a La Bien Querida, ‘Perreo bonito’, que se acerca ya al millón de reproducciones. También hay una nueva colaboración de Delaporte con Irepelusa.
En cuanto a Marem Ladson, ha hecho una adaptación de Joan Jett para una serie de Amazon, ‘Bad Reputation’. ‘Otro lado’ es el tercer adelanto del que próximamente será el primer álbum de Margarita Quebrada, en este caso una canción bailable en la que el trío se acompaña de Xenia y Merina Gris. También os presentamos la ultra veraniega colaboración entre DELLAFUENTE y RVFV y una colaboración de Ms Nina con La Zowi, TAICHU y Ebhoni.
Jockstrap, el dúo de pop de Londres formado por Georgia Ellery y Taylor Skye, firma el Disco de la Semana con ‘I Love You Jennifer B’, otra muestra de su pop libre de barreras. Es una fórmula que el grupo ha seguido desde el principio. A partir de su formación clásica, Jockstrap ha pasado de la banda sonora de Disney (‘Wet’) a la electrónica de club (‘Robert’) y de ahí a mil cosas más, lo cual incluye folk, dubstep, tecno, bossa… y, por supuesto, su single destacado ‘Greatest Hits‘, que ya comentamos aparte. ¿Intrigado por Jockstrap? Estas son cinco de sus canciones esenciales con que descubrirlos.
I Want Another Affair (2017)
El single de debut de Jockstrap se basa en la bossa nova, pero la visión llega distorsionada y fragmentada, un recurso que el dúo explorará en futuros lanzamientos. Más cerca de Róisín Murphy que de Astrud Gilberto, el primer sencillo de Jockstrap es dulce y turbio al mismo tiempo.
The City (2020)
El atrevimiento de Jockstrap es evidente en ‘The City’. En principio una de sus canciones más baladescas y clásicas (después reconfigurada en ‘Concrete Over Water’), arranca con Georgia cantando una preciosa melodía al piano… hasta que se transforma en un pepinazo de Simian Mobile Disco que no ves venir. Imposible pero cierto.
Acid (2020)
El EP de ‘Wicked City’ incluye algunas de las composiciones más clásicas de Jockstrap, como ‘Yellow in Green’, que mezcla la banda sonora de ‘Fantasia’ con los sintetizadores de Isao Tomita. Sin embargo, ‘Acid’ llama especialmente la atención por su bizarra deconstrucción del sonido Motown. Nunca has escuchado el doo-wop de esta manera.
50/50 (2021)
El primer single de Jockstrap en el sello Rough Trade es, a día de hoy, el más bailable de su carrera. ’50/50′ es una agresiva producción electrónica que navega entre el tecno, el glitch y la IDM, mientras su onomatopéyico estribillo lleva a los tiempos del bloghouse de 2007.
Glasgow (2022)
Son muchos los cortes destacados de ‘I Love You Jennifer B’. Entre ellos se encuentra ‘Glasgow’, que arranca con el clavecín de ‘Cover Me’ de Björk y, poco a poco, se va convirtiendo en un temazo de pop en toda regla, en este caso, en uno guiado por el sonido de la guitarra acústica, muy 2000, pero también muy Joni Mitchell.
Si alguien dijera que Nicole Scherzinger, cantante de las (tristemente) extintas Pussycat Dolls, es la razón principal por la que Harry Styles es ahora mismo una de las mayores estrellas del pop del momento (aparte del propio Harry, claro), sería difícil creérselo. Pero hay cierta verdad en la afirmación, al menos, según la propia Scherzinger y un vídeo que acaba de ver la luz.
One Direction se formó en 2010 en ‘X Factor’. En aquel momento eran jueces Simon Cowell y Nicole Scherzinger, entre otros. En 2013, Cowell afirmó que él solo había formado a One Direction en 10 minutos y, de hecho, fue él quien los fichó en el sello Syco Music (división de Sony). Sin embargo, el vídeo citado muestra otra realidad, en concreto, que fue Scherzinger quien agrupó a Liam Payne, Harry Styles, Niall Horan, Zayn Malik y Louis Tomlinson en una única boy band, mientras Simon se mostraba más dubitativo.
El vídeo lo ha publicado el mismo canal de ‘X Factor’ en Youtube con motivo del 12º aniversario de la formación. En él se ve a los jueces decidiendo qué hacer con los finalistas del programa, y es Scherzinger quien junta a los chicos que después formarán One Direction, agrupando sus cinco retratos en una única fila vertical. Dice que deben estar juntos porque son «pequeñas estrellas».
Más de una década después de la formación de One Direction, Scherzinger finalmente ha decidido atribuirse el «pequeño» mérito de haber decidido los integrantes da la que después se convertiría en una de las boy bands más exitosas de todos los tiempos.
En una entrevista, Scherzinger ha llegado a afirmar que creía que el vídeo recién publicado por ‘X Factor’ ya no existía. «Nunca pensé que este vídeo vería la luz, pensaba que Simon lo había quemado», ha dicho. La sagrada hemeroteca vuelve a reescribir la historia.
Nicole Scherzinger talks to Sherri about the new footage that shows she formed One Direction in 2010. https://t.co/tgMb57eRnO
Este domingo 25 de septiembre se celebrará en la Sala Paqui (antigua Sala But) de Madrid la fiesta de tardeo COMMON PEOPLE, dedicada al indie de los 90 y los 2000 y previamente celebrada dos veces en Barcelona. De hecho, también habrá una tercera. Después del éxito de las dos ediciones celebradas en abril y julio de este año, la Sala Razzmatazz recibirá de nuevo a DJ Amable y a su inolvidable selección musical el domingo 16 de octubre, a partir de las 18 de la tarde. Las entradas para ambas citas ya están disponibles.
En la sesión madrileña de este día 25 de septiembre, DJ Amable será acompañado por Smart en una fiesta en la que sonarán clásicos de artistas como The Strokes, Blur, Arctic Monkeys, Pulp, The Smiths, New Order, The Chemical Brothers, Los Planetas y todo el indie de aquellos años dorados que se pueda imaginar, tanto de producción nacional como internacional. La apertura de puertas será a las 17 de la tarde. En Barcelona, repitiendo el papel de Maadraassoo y Bilbadino, será Legoteque quien acompañe a DJ Amable en una inolvidable tarde de throwbacks musicales.
Desde el sofisticado dance de LCD Soundsystem y Daft Punk hasta las enérgicas guitarras de The Clash y Nirvana, COMMON PEOPLE llenará la Sala Paqui y la Sala Razzmatazz de nostalgia y buen rollo, el 25 de septiembre y el 16 de octubre, respectivamente.
Taylor Swift ha sido estos días noticia después de recibir el premio a Compositora-Artista de la Década en los Nashville Songwriter Awards. La autora de ‘folklore’ ha recogido su premio por el trayecto de su carrera que abarca de 2010 a 2019.
En la gala, Swift ha explicado su proceso de composición. Ha dicho que divide sus letras en tres categorías, dependiendo de si se imagina escribiendo sus canciones con «pluma» clásica (‘ivy’), con «pluma estilográfica» (‘All Too Well’) o con «bolígrafo de gel» (‘Shake it Off’). En otras palabras, si la letra usa palabras anticuadas, o más modernas pero aún poéticas, o ya directamente pop, usa un instrumento de escritura u otro. En su mente, claro.
Taylor, que ya recibió el Premio a Artista de la década de los Billboard en 2019, donde aprovechó para reivindicar la influencia de Lana Del Rey, ha tenido oportunidad en la gala de Nashville de interpretar en directo la versión de 10 minutos de ‘All Too Well‘.
En otro orden de cosas, Taylor Swift saca nuevo disco el 21 de octubre, ‘Midnights’, y ha empezado a desgranar su contenido en TikTok. Esta «medianoche», Taylor ha anunciado una serie llamada ‘Midnights Mayhem With Me’ a través de la cual irá revelando los títulos de las canciones incluidas en su nuevo álbum. El primero de ellos pertenece a la pista 13, número clave en la numerología de Taylor, y que recibe el título de ‘Mastermind’. Será la pista de cierre.
‘Midnights’, el décimo álbum de Swift, contará la historia de «13 noches de insomnio» que han llevado a la artista a crear un álbum de concepto nocturno. Jack Antonoff vuelve a estar involucrado en el proyecto, como ya lo ha estado en otros de Taylor.
Michael Kiwanuka se encuentra estos días en España para realizar una serie de conciertos que anunció en 2019 pero que… en fin, ya sabemos cómo termina esta frase. Han pasado tres años pero quienes han guardado su entrada como oro en paño no han podido en absoluto salir decepcionados de ninguno de sus conciertos. Si ‘KIWANUKA‘ fue uno de los álbumes más brillantes que dejó 2019, tanto como para recibir posteriormente el premio Mercury, el más prestigioso de Reino Unido, que en el pasado ha caído en manos de Portishead o PJ Harvey, su presentación en directo no se queda corta.
Se me ocurren muchos discos que en el formato de directo no se crecen, o incluso no terminan de tener sentido. Con ‘KIWANUKA’, el cantante británico entregó una obra de soul psicodélico compuesta, arreglada y producida con el esmero de un verdadero artesano (en su caso, con la inestimable colaboración del productor Inflo, últimamente ocupado con su proyecto SAULT). Temía que no pudiera hacerlo brillar en vivo, pero estaba equivocado. El artista ha sabido llevar ‘KIWANUKA’ al directo con un sonido excelente, al que verdaderamente no se puede poner ningún pero, mientras las canciones siguen conmoviendo, emocionando, pero también divirtiendo, como el primer día.
El público de la sala Razzmatazz de Barcelona entiende esto desde el minuto cero. Cuando Kiwanuka y, antes que él, sus músicos y coristas salen al escenario, presidido por una proyección que reproduce la imagen de una espiral, y con los instrumentos decorados con flores blancas, el sonido es impecable desde la primera nota. Lo que significa, por ejemplo, que la audiencia está preparada para sumergirse en un silencio sepulcral cuando la música así lo pide, como es el caso de ‘Piano Joint (This Kind of Love)’, la canción de apertura, o más adelante la escalofriante ‘Solid Ground’. En estos momentos, la voz de Kiwanuka, y sus melodías más silenciosas, se convierten básicamente en el centro del universo.
Pero el concierto de Michael Kiwanuka no es una misa. Al menos, no el tipo que conocemos por estos lares. Más bien se parece a un góspel americano, y los momentos de arrebato y éxtasis no faltan. De hecho, abundan, por ejemplo, en el muro de sonido de ‘You Ain’t the Problem‘, donde las coristas suenan como verdaderos ángeles caídos del cielo, mientras el frenesí de los instrumentos eleva la canción a un lugar nuevo; o en la histórica ‘Black Man in a White World‘, donde el público empieza a tocar las palmas a destiempo, luego correctamente al imitar a Kiwanuka, y luego ya como le da la gana, porque el delirio al que llega la canción después es suficiente como para que la perfección no importe.
El show de Kiwanuka se debate entre esos dos estados. Con la intimidad de ‘Home Again‘ se para el mundo, y con la electricidad funk de ‘One More Night’ el público entra en éxtasis. Pero, sobre todo, la emoción de unas melodías preciosas y de unos arreglos espectaculares, manda en la escalofriante ‘Too Hard to Say Goodbye’, donde las coristas vuelven a parecer de otro mundo; y, sobre todo, en ese doble bis inmejorable que conforman ‘Cold Little Heart’ y la final ‘Love and Hate‘. Tres años de espera no pueden valer más la pena: Kiwanuka da exactamente el concierto que esperabas -y necesitabas- de él.
«Hay mucha gente fan desde ‘Ray of Light’ que piensa que Madonna es esa mujer seria, casada con Guy Ritchie, que escribía libros para niños… Pero es que esa no era Madonna. La Madonna de hoy en día es más parecida a la de ‘Erotica’ y a la de ‘Blonde Ambition’ e incluso te diría que puede que sea más Madonna que la de aquella época, que era disfrutable, pero era otra cosa».
Estas fueron las palabras de Alberto Jiménez de Miss Caffeina hablando en nuestro podcast de la Madonna «forever young» que conocemos desde ‘Hard Candy’ y que es la misma Madonna que vemos en el vídeo que estrena hoy.
Es claro que la artista está en una época de hedonismo total y su nuevo vídeo consiste en rebozarse junto a Tokishca con motivo del remix de ‘Hung Up On Tokishca‘ que publicaba el pasado viernes. Si el remix no termina de aprovechar el flow de Tokischa en ninguna dirección, que no deja ningún gancho nuevo de los que ella sabe hacer, el vídeo se revuelca en lo sexual, soez cual gorrino en el barro.
Madonna quiere volver a demostrar que se puede ser mujer y tener una sexualidad a los 64 años. Este supuesto escándalo es exactamente el mismo que vimos en ‘Justify My Love’ (1990), ‘Erotica’ (1992) y ‘S.E.X.’ (2015), pero llevado al extremo. ¿Que sabe que su público odia los grillz? Los hace más visibles. ¿Que su público la sigue viendo como una Diosa de rubia? Se tiñe de pelirroja y atenta contra sus propias cejas. ¿Que quieren ver una Madonna adulta? Ella se pone a hacer twerking con Tokischa y a enrollarse con ella.
Con una cuestionable iluminación e incluso un cuestionable sentido del ritmo, toda la dirección artística de este videoclip hace honor al rótulo que vemos al final: UNDERDIRECTED by Sasha Kasiuha /SKNX. Es un alivio saber que al menos estaba (des)hecho aposta.
Podcast: Alberto de Miss Caffeina repasa las giras de Madonna
Hoy ha tenido lugar en la Fábrica Moritz de Barcelona la rueda de prensa de presentación de la 20ª edición del Festival In-Edit, que tendrá lugar entre el 27 de octubre y el 6 de noviembre de 2022 en Barcelona. En total se proyectarán más de 50 documentales musicales con títulos sobre Sinéad O’Connor, Omara Portuondo, Joaquín Sabina, Leonard Cohen, XXXTentacion, Creedence Clearwater Revival, Coque Malla, King Crimson y muchos otros más, además de una selección de cortos y el especial del programa de TVE ‘Efecte Collins’.
La rueda de prensa la ha iniciado Uri Altell, director del festival, quien ha hecho un repaso sobre los cambios que ha vivido el evento en estos veinte años. Además, ha dado las gracias a todos aquellos que han hecho posibles las 20 ediciones del In-Edit. Este año el festival incluirá desde superproducciones hasta rodajes más modestos y un especial que incluirá pases memorables del In-Edit o que perduran como hitos del género, como ‘Anvil: The Story Of Anvil’, ‘Dig!’, ‘Jazz on a Summer’s Day’, ‘Soul Train: The Hippest Trip in America’, ‘Summer of Soul’, ‘The Devil and Daniel Johnston’ y ‘The Punk Singer’.
Para acabar la rueda de prensa se han anunciado los integrantes del jurado de esta edición. El internacional estará formado por Julien Temple, Matthew Herbert y la Directora General del Festival Internacional de Cine en Guadalajara, México Estrella Araiza, mientras que el nacional estará formado por Alizzz, Nathalie Poza y el director artístico de Cineteca Madrid Luis Enrique Parés.
Esta noche se ha celebrado la ceremonia del Polaris Music Prize, que reconoce el mejor disco canadiense del año. Es el equivalente canadiense al Mercury de Reino Unido o al Premio Ruido de España. El Polaris premia al artista ganador con unos suculentos 50.000 dólares.
El prestigioso premio ha ido a parar al cantante congoleño-canadiense Pierre Kwenders por su tercer álbum, ‘José Louis and the Paradox Of Love’, en el que fusiona ritmos de afrobeat con sonidos de pop y electrónica. Win Butler de Arcade Fire colabora en una de las pistas. El anterior trabajo de Kwenders, ‘Makanda at the End of Space, the Beginning of Time’, ya estuvo nominado en la edición de 2018.
El disco de Kwenders se ha antepuesto a otros nominados, entre los cuales se incluía ‘LABYRINTHITIS‘, el excelente último álbum de Destroyer. También aspiraban al galardón ‘ALPHA’ de Charlotte Day Wilson, ‘Pictura de Ipse: Musique directe’ de Hubert Lenoir, ‘Waves’ de Kelly McMichael, ‘Chiac Disco’ de Lisa Leblanc, ‘Sewn Back Together’ de Ombiigizi, ‘Frame Of A Fauna’ de Ouri, ‘TAO’ de Shad y ‘Life After’ de Snotty Nose Rez Kids.
Con su victoria, Kwenders se suma a una lista de ganadores recientes del Polaris que incluye a Cadence Weapon con ‘Parallel World’ (2021), Backxwash con ‘God Has Nothing to Do with This Leave Him Out of It’ (2020), Haviah Mighty con ’13th Floor’ (2019) o Jeremy Dutcher con ‘Wolastoqiyik Lintuwakonawa’.
Entre los discos que han sido premiados con el Polaris en el pasado se encuentran ‘He Poos Clouds’ de Owen Pallett (2006), ‘Andorra’ de Caribou (2008), ‘The Suburbs‘ de Arcade Fire (2011), ‘Metals‘ de Feist (2012) o ‘La Papessa’ de Lido Pimienta.
Hoy se han publicado las nominaciones de los Latin Grammys, las cuales son lideradas por Bad Bunny con 10 menciones, entre las que se encuentran Disco del Año por ‘Un Verano Sin Ti’ y Grabación del Año por ‘Ojitos Lindos’. Los siguientes artistas con más nominaciones son Rosalía y Jorge Drexler, ambos con 9 nominaciones y compitiendo por los tres grandes premios del evento, incluido Disco del Año con ‘MOTOMAMI’ y ‘Tinta y Tiempo’, respectivamente. En cuarto lugar se encuentra Camilo con 6 nominaciones, compitiendo por Grabación y Canción del Año.
Mientras que Bad Bunny tiene el mayor número de nominaciones, en algunas categorías como Mejor interpretación de Reggaetón y Mejor canción urbana el puertorriqueño compite contra sí mismo, por lo que optaría a menos estatuillas. Lo mismo le ocurre a Camilo, que solo tendría la posibilidad de obtener 3 premios diferentes, pese a ser uno de los más nominados. De entre los cuatro artistas con más nominaciones, Rosalía y Drexler son los únicos presentes en las 3 grandes categorías: Disco del Año, Grabación del Año (‘LA FAMA’ y ‘Tocarte’) y Canción del Año (‘HENTAI’ y ‘Tocarte’).
Bomba Estéreo, Fonseca y Sebastián Yatra también destacan, pero a la sombra de los grandes nominados. La gala se celebrará el próximo 18 de noviembre y si quieres descubrir todas las nominaciones, visita la web oficial.
Disco del Año
Christina Aguilera- Aguilera
Marc Anthony – Pa’lla Voy
Bad Bunny – Un Verano Sin Ti
Bomba Estéreo – Deja
Jorge Dexler – Tinta y Tiempo
Elsa y Elmar – Ya No Somos Los Mismos
Fonseca – Viajante
Rosalía – MOTOMAMI (Digital Album)
Alejandro Sanz – Sanz
Sebastián Yatra – Dharma
Grabación del Año
Christina Aguilera, Becky G, Nicki Nicole feat. Nathy Peluso – Pa Mis Muchachas
Pablo Alborán – Castillos de Arena
Anitta – Envolver
Marc Anthony – Pa’lla Voy
Bad Bunny & Bomba Estéreo – Ojitos Lindos
Camilo – Pegao
Jorge Drexler & C. Tangana – Tocarte
Karol G – PROVENZA
Juan Luis Guerra – Vale La Pena
Rosalía feat. The Weeknd – LA FAMA
Shakira & Rauw Alejandro – Te Felicito
Carlos Vives & Camilo – Baloncito Viejo
Canción del Año
Ricky Martin feat. Reik – A Veces Bien y A Veces Mal
Daddy Yankee, Rauw Alejandro & Nile Rodgers – Agua
Mon Laferte – Algo Es Mejor
Carlos Vives & Camilo – Baloncito Viejo
Fonseca – Besos En La Frente
Carla Morrison – Encontrarme
Rosalía – HENTAI
Camilo & Evaluna Montaner – Índigo
Christina Aguilera, Becky G, Nicki Nicole feat. Nathy Peluso – Pa Mis Muchachas
Karol G – PROVENZA
Sebastián Yatra – Tacones Rojos
Jorge Drexler & C. Tangana – Tocarte
Mejor álbum vocal Pop
Elsa y Elmar – Ya No Somos Los Mismos
Kany García – Amor Que Merecemos
Jesse & Joy – Clichés
Carla Morrison – El Renacimiento
Sebastián Yatra – Dharma
Mejor álbum vocal Pop Tradicional
Christina Aguilera – Aguilera
Fonseca – Viajante
Marta Gómez – Filarmónico 20 Años
Kurt – La Vida
Sin Bandera – Frecuencia
Mejor canción Pop
Carlos Vives & Camilo – Baloncito Viejo
Fonseca – Besos En La Frente
Camilo & Evaluna Montaner – Índigo
Jorge Drexler – La Guerrilla de la Concordia
Sebastián Yatra – Tacones Rojos
Mejor Interpretación Reggaetón
Rauw Alejandro & Chencho Corleone – Desesperados
Anitta – Envolver
Bad Bunny – Yonaguni
Bizarrap & Nicky Jam – NICKY JAM: BZRP MUSIC SESSIONS, VOL. 41
Tainy, Bad Bunny y Julieta Venegas – Lo Siento BB:/
Mejor álbum de música urbana
Akapellah – Respira
Rauw Alejandro – TRAP CAKE VOL. 2
Arcangel – Los Favoritos 2.5
Bad Bunny – Un Verano Sin Ti
María Becerra – Animal
Mejor canción de Rap/Hip Hop
Akapellah – Amor
Trueno – Dance Crip
Bad Bunny – de Museo
Lito Mc Cassidy, Daddy Yankee – El Gran Robo, Pt. 2
Farina – Freestyle 15
Mejor canción urbana
Rauw Alejandro & Chencho Corleone – Desesperados
Tainy, Bad Bunny y Julieta Venegas – Lo Siento BB:/
Becky G & Karol G – MAMIII
Nicky Jam – Ojos Rojos
Bad Bunny – Tití Me Preguntó
Mejor álbum de Rock
Marilina Bertoldi – Mojigata
Él Mató A Un Policía Motorizado – Unas Vacaciones Raras
Fito y Fitipaldis – Cada Vez Cadáver
La Gusana Ciega – 1021
Wiplash – RPDF
Mejor canción de Rock
Eruca Sativa – Día Mil
Bunbury – Esperando Una Señal
Vetusta Morla – Finisterre
Fito Páez – Lo Mejor De Nuestras Vidas
Molotov – No Olvidamos
WOS – Que Se Mejoren
Mejor álbum de Pop Rock
Babasónicos – Trinchera
Bruses – Monstruos
Conociendo Rusia – La Dirección
Fito Páez – Los Años Salvajes
Vetusta Morla – Cable a Tierra
Mejor canción Pop Rock
WOS – Arrancármelo
Carlos Vives & Fito Páez – BABEL
Babasónicos – Bye Bye
Conociendo Rusia – Disfraz
Elsa y Elmar y Bruses – Qué Voy A Hacer Conmigo???
Mejor álbum de música alternativa
Afro-Andean Funk – The Sacred Leaf
Arca – KICK ii
Bomba Estéreo – Deja
CA7RIEL – El Disko
Rosalía – MOTOMAMI (Digital Album)
Mejor canción alternativa
CA7RIEL – Bad Bitch
Siddhartha – 00:00
Bomba Estéreo & Yemi Alade – Conexión Total
WOS feat. Ricardo Mollo – Culpa
Jorge Drexler – El Día Que Estrenaste El Mundo
Rosalía – HENTAI
Son buenos tiempos para Rina Sawayama. La cantante británico-japonesa está a punto de alcanzar el top 2 de álbumes en Reino Unido con su segundo álbum, ‘Hold the Girl’. Además, la artista va a aparecer en la cuarta entrega de la saga de acción ‘John Wick’ junto a Keanu Reeves. Y si son buenos tiempos para Rina, lo son también para el mundo, que no va precisamente sobrado de referentes asiáticos en el universo pop. La figura de Sawayama puede ser muy influyente. De hecho, ya lo ha sido, al haber logrado cambiar las reglas racistas del Mercury Prize, el premio musical más prestigioso de Reino Unido. No extraña que el mismísimo Elton John se cuente entre sus admiradores y colaboradores.
Todo esto hace preguntarnos por qué ‘Hold the Girl’ no es mejor de lo que es. La razón es que es un pastiche bastante evidente de mil cosas, lo cual no es necesariamente malo. De hecho, su debut ‘SAWAYAMA’ ya lo era y fue uno de los mejores álbumes de 2020. Sin embargo, a ‘Hold the Girl’ le pesa cierta falta de imaginación en melodías y producción. Miras la portada y, desde luego, esperas algo un poco más revolucionario que ese refrito de ‘Born this Way’ y de Shania Twain que es ‘This Hell’, en mi opinión, una de las peores canciones del año. Afortunadamente, ‘This Hell’ también es la peor canción del disco.
No suele ser buena señal que el primer single de un disco sea lo peor que este tiene que ofrecer, pero ‘This Hell’ no deja de ser un cebo populista, la típica canción que esperas de un aspirante a Eurovisión que luego o no se clasifica en la final o queda en último lugar, no de una pop star de primer nivel que, además, tiene mucho que demostrar en su segundo disco. La misma observación se puede realizar de la producción trance de ‘Holy (Til You Let Me Go)’ o de las guitarras a lo Cadena Dial de ‘Phantom’, tan sumamente anacrónicas que tienes que comprobar que el calendario no ha retrocedido 20 años en el tiempo al escucharlas.
Todo ‘Hold the Girl’ adolece del mismo problema, en caso de que consideres que copiar estilos pasados descaradamente sea un problema o una simple decisión artística tan loable como cualquier otra. Rina ha adoptado esta fórmula desde el principio de su carrera y, cuando las canciones acompañan, no hay nada que objetar.
Ahí está, por ejemplo, el corte titular, un pastiche entre las melodías dramáticas de Lady Gaga y el beat garage de ‘Beg for You’, su reciente colaboración con Charli XCX que, por lo menos, sonaba más a 2022. Aun así, ‘Hold the Girl’ funciona. También lo hace, en un estilo completamente diferente, ‘Catch Me in the Air’, un homenaje declarado a los Corrs que podrá los pelos de punta a quien se deje. El punk-rock a lo 2006 de ‘Hurricanes’ es otro acierto y, ojo, juraría que la balada acústica ‘Send My Love to John’ no se corta en reproducir exactamente los acordes del ‘Xtatic Process’ de Madonna y la melodía de ‘hookup scene’ de Kacey Musgraves, pero la canción es tan bonita que termina dando igual.
‘Send My Love to John’ es también una de las pistas más importantes de ‘Hold the Girl’ y demuestra por qué vale la pena escuchar a Rina: sus temáticas son genuinamente personales y originales. La canción está escrita desde el punto de vista de una madre inmigrante que manda recuerdos al novio de su hijo, que es gay, y se disculpa con él por no apoyarle debido a sus creencias religiosas. Un mensaje que a la propia Rina, que es queer, le habría gustado recibir. ‘Catch Me in the Air’ habla sobre su relación con su madre, que la crió sola, y sobre cómo se han apoyado mutuamente.
Gran parte de ‘Hold the Girl’ se dedica precisamente a realizar un ejercicio de «reparenting» después que Rina haya recibido terapia para trabajar sus traumas provocados por el racismo o la homofobia. Si la balada a lo musical de ‘Minor Feelings’, inspirada en una colección de ensayos de la autora americano-coreana Cathy Park Hong, abre el álbum recordando la discriminación que sufre la población asiática, en la siguiente pista, ‘Hold the Girl’, Rina no espera a proteger su niña interior. A lo largo del álbum, Rina se reencuentra con sus traumas (‘Frankenstein’) y se compadece de sí misma (‘Forgiveness)’, pero no deja de mostrarse desafiante con esas personas que le discriminan por ser queer. En ‘Holy (Til You Let Me Go)’ canta que «con las piedras que me tirasteis me construí una catedral», entre campanas eclesiásticas.
Las letras de Rina presentan rimas como «estoy intentando ser normal, pero el trauma es inmortal» y poéticamente no van más lejos de hacer referencia a «flores que mueren» y «cielos azules» (‘To Be Alive’). Sin embargo, la visión de Rina no es la de cualquier otra persona, y esto se refleja en sus textos, muchos de los cuales cuentan experiencias que no suelen tener cabida en las canciones de pop, como el corte a lo Nine Inch Nails de ‘Your Age’, donde Rina cuestiona las decisiones tomadas por ciertos adultos después de haber alcanzado su edad, afirmando haber «sobrevivido un suicidio social».
‘Hold the Girl’ nunca llega a ser un excelente disco de pastiche ni el trabajo más confesional de la historia, pero, en él, Rina se reafirma en su posición de reciclar sus sonidos favoritos del pop y presentarlos desde una visión que, en los 2000, en la época en que se crió, no estaba tanto sobre la mesa como ahora. Y lo hace sin miedo a probar de todo: si ‘Imagining’ le da al garage y al piano house y se atreve incluso a «pitchearle» la voz, ‘Frankenstein’ apuesta por el bubblegum punk y ‘Phantom’ por el baladón a lo Avril Lavigne. ‘Hold the Girl’ es un disco valiente… solo se echa en falta cierto factor sorpresa que no dé la sensación que ya lo has escuchado todo antes, y mejor.
Como si no tuviéramos suficiente con Putin, a la gente le gusta demostrar que tiene un lado oscuro. Esa parece la principal inquietud de las chicas de BLACKPINK en su segundo disco lanzado a nivel mundial tras ‘THE ALBUM‘: contar que el «rosa» es su color de origen -el álbum se llama ‘BORN PINK’-, pero que también pueden esconder su poquita de «veneno».
El single principal de la era, el que llevaron de aquella manera a los VMA’s, ‘Pink Venom‘, juega con esa dualidad. Al igual que el tema conjuga un ritmo de hip hop relativamente tremebundo con instrumentos tradicionales de Corea. La canción ladra, al final las chicas parecen imitar el sonido de una metralleta.
Con una media de 26 años, Jisoo, Jennie, Rosé y Lisa han decidido romper también con el estereotipo de la mujer servicial en ‘Typa Girl’, que versa sobre la autosuficiencia de las mujeres. «Traigo dinero a esta mesa, no tu cena», proclama el texto escrito por la autora Bekuh Boom. Un tema con un juego entre inocencia y madurez que hace recordar al debut de Melanie Martinez. Nada que rompa con el obligado paso de «girl band» a la vida adulta que tantas veces ha orquestado la industria musical.
Lo que sí tiene de particular ‘BORN PINK’ es algunas de las mejores canciones que hemos escuchado a BLACKPINK. El prestigioso Ryan Tedder ha ido por ahí hablando de este disco, sin adivinar que sus participaciones iban a ser eliminadas del mismo, de lo cual deducimos que ha habido una criba considerable. La mencionada ‘Typa Girl’ suma por la vía del hip hop a lo visto en el single principal, con un precioso pre-estribillo primero cantado por Rosé y luego por Jisoo que podría haber escrito Lily Allen. Aunque es ‘Shut Down‘ la que se puede llevar el gato al agua a la larga. Ya es top 1 global con su sample de violín tomado de ‘La Campanella’ de Paganini, una composición de 1826. Clean Bandit deben de llevar toda la semana sin dormir, desde que salió esto, verdes de envidia.
Otro de los mejores momentos de la carrera de BLACKPINK nos lo deja ‘Yeah Yeah Yeah’, con créditos de las mismísimas Rosé y Jisoo, e ingredientes para agradar a los seguidores del synth-pop ochentero y el rock de plástico. Te gustará si echas de menos a la primera Katy Perry. Inspiración que parece insistir en la pista siguiente, una ‘Hard to Love’ a cargo de Rosé en solitario con ligeros toques de música disco y country. Te gustará si te gustan Shania Twain y Kacey Musgraves.
‘BORN PINK’ se completa indistintamente con baladones como ‘The Happiest Girl’ (escrita por Natalia Kills junto a su esposo), la arisca ‘Tally’ («digo «a la mierda» cuando me apetece» es su mayor osadía) y el EDM de ‘Ready for Love’, publicada para un videojuego. En esa última parte, es verdad que las virtudes se han dispersado. Todo lo que ha podido dar tiempo en otro lanzamiento que, estrictamente al igual que el anterior, se compone de 8 pistas y 24 minutos. Raperos, tomad nota.
Entre los artistas nacionales que has podido descubrir recientemente en la playlist Sesión de control se encuentra aroa ay. Este nombre escrito en minúscula pertenece al proyecto en solitario de Aroa Elvira Delgado, a quien probablemente conozcas aunque no lo sepas, pues forma una cuarta parte de Shego, una de las bandas de punk más prometedoras del momento.
Pero lo que ofrece aroa ay por elle misme es algo ligeramente distinto. El punto macarra y descarado de Shego queda a un segundo plano en unas composiciones de corte más tenebroso e incluso apocalíptico, como demuestra el sonido de ‘Azul’, incluido en su EP ‘Peligro’ (2021). Incluso una balada a lo The Cure como ‘Pañuelito – loquedequererte’ puede transformarse, por obra y gracia de un remix, en algo parecido a una producción de Crystal Castles. En estas coordenadas nos encontramos.
Las composiciones de aroa ay nos hablan de amores y anhelos y pueden esconder varias dimensiones. ‘Co Star’ -titulada como la famosa app de astrología- arranca en modo balada grunge pronto se convierte en otra cosa. De repente, el post-punk electrónico y los teclados new wave de los 80 emergen como una nueva posibilidad en el repertorio de aroa ay. En este estilo, el himno de su carrera es ‘Tu nombre’, pero Aroa también brilla en el registro más íntimo de ‘Refuerzo intermitente’, ahora sí, una balada grunge en todo su esplendor.
‘Xqnoo:(‘, el nuevo single de aroa ay, es otro acierto. En este caso, el sonido se acerca a esa cosa llamada coldwave: el sonido es más ligero, pero también más gélido. La voz de aroa ay suena a la vez distorsionada y ahogada en autotune. El resultado es otro himno atormentado que convierte el leit motiv «otro día triste» en un auto-exorcismo, mientras el beat electrónico y las guitarras construyen una urgencia hasta ahora inédita en su discografía.
Ese «por qué no» que se pregunta insistentemente Aroa en la canción, alude a un futuro improbable. La persona a la que dirige su despecho está construyendo otro futuro con otra persona, ya no le invita a sus fiestas y pasa el rato con «todas sus amigas» e inhalando «poper hasta las seis», mientras Aroa pasa «otro día triste». La melodía, robótica, incluso transmite cierta apatía, aquella a la que se llega cuando los días tristes empiezan a parecer el mismo.
Cuando publicamos una lista con los mejores discos de la década de los 2000, nos preguntabais mucho por qué no hacíamos una playlist con las mejores canciones de aquellos años. La respuesta era bien sencilla: no se podía hacer una playlist con las mejores canciones de los 2000 sin incluir la mejor, y la mejor no estaba.
Este martes, esto cambiaba de repente. La discografía de La Buena Vida perteneciente a su primer sello, Siesta, aparecía al fin en Spotify y el resto de plataformas de streaming. Y eso incluía ‘Qué nos va a pasar’, elegida como mejor canción del indie nacional por Radio 3, recientemente revisitada por Amaia, pero hasta ahora solo disponible en las plataformas de streaming a través de la versión de Reina Republicana.
Sin embargo, según ha podido saber JENESAISPOP, esta subida no se producía ni por parte del sello ni por parte del grupo, sino por parte de un tercero desautorizado. Es habitual que a través de distribuidoras internacionales aparezcan grabaciones no autorizadas por artistas ni sello en las plataformas de streaming, y este ha sido el caso, en concreto a través de una distribuidora rusa.
El caso se ha denunciado, por lo que los discos de La Buena Vida editados por Siesta han desaparecido finalmente de las plataformas de streaming. Esperemos al menos que el revuelo formado durante esta semana (echad un ojo por ejemplo a nuestro Instagram con casi 1.000 likes a la noticia y decenas de comentarios) sirva para que Siesta y La Buena Vida puedan acordar que el catálogo del grupo sea subido de manera oficial a Spotify, Tidal, Amazon Music, Apple, Deezer y compañía.
De momento, pues, lo único oficial que encontramos en las plataformas de streaming son los discos de La Buena Vida que publicó Sinnamon y recientemente han sido reeditados en vinilo por Mushroom Pillow.
El catálogo de Siesta de La Buena Vida incluye sus inicios naíf en el Donosti Sound (dos primeros discos), su rareza electrónica ‘Panorama’ (1999) o su gran obra maestra ‘Hallelujah’ (2001). Disco este último que apareció en el libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘ editado por este site. En cuanto a ‘Soidemersol’ (1997), para muchos su mejor disco, publicado por Siesta pero licenciado a Universal, ha aparecido y desaparecido cual Guadiana, como dependiendo del humor de las editoriales y los negocios del mercado.
En todo caso, el bot ruso se olvidaba de subir a plataformas algunos singles como ‘Magnesia’, que en 1995 supuso un punto de inflexión para la banda; también falta ‘Harmónica’ (2002), el EP que servía de complemento a ‘Hallelujah’, así como otros singles.
Esperemos que todo se resuelva próximamente. Porque dejando muy atrás la etiqueta «indie» o «Donosti Sound», las canciones de La Buena Vida nacieron para ser disfrutadas por cualquier persona de cualquier edad y cualquier tiempo. Así seguro que le habría gustado a su bajista y co-autor Pedro San Martín, fallecido en accidente de tráfico; y esta seguro que es la voluntad de los miembros restantes de la banda, separada hace tiempo, especialmente tras el abandono de Irantzu Valencia en 2009 y el posterior fallecimiento de San Martín en 2011.
Los nuevos invitados de «Revelación o Timo: el podcast de JENESAISPOP» son Paco León y DORA, que vienen a presentar su nueva película, ‘Rainbow’. Se trata de una adaptación muy libre de ‘El Mago de Oz’ de L. Frank Baum que tras su paso por el Festival de San Sebastián, llega este viernes 23 de septiembre a los cines de toda España y el día 30 lo hará a Netflix.
Paco León nos explica cómo ha llegado a hacer una película tan arriesgada y diferente a las «Carminas» y ‘Kiki, el amor se hace‘: «Me aburro pronto de mí mismo y meterme en camisa de once varas me gusta. Quería salir del realismo y adentrarme en la fantasía sin perder ese tono. Aunque no es un musical como género: es un musical no musical. En el musical americano se canta sin ninguna razón, solo por convención y aquí queríamos que hubiera un porqué. No quería perder esa relación con la realidad, porque en la realidad hay mucha magia también».
De hecho, la música de la película ocupa gran parte de la conversación de este episodio del podcast, lo que incluye a Blondie, Arca o C. Tangana. Este de hecho ha regrabado una versión de ‘Nunca estoy’ con DORA, quien nos confiesa que se encerró en el baño a llorar de los nervios y/o felicidad de grabar con uno de sus referentes.
Sobre las críticas que pueda tener esta película, Paco León responde: «Tengo intriga, es verdad que por primera vez he sentido el peso de las expectativas. Empecé a dirigir como una actividad extraescolar. Yo soy actor y luego hago mis cosas con mi madre. Pero tras ‘Arde Madrid’, la cosa se ha puesto importante. La gente me dice «a ver, a ver, a ver», y yo digo: «¡bajad!». Creo que he conseguido hacer a medida lo que me ha dado la gana. Habrá gente que le guste y gente que no. Y estoy bastante bien con eso».
León nos habla sobre la faceta LGBT+ de la película (justo el personaje del «león»), sobre la dirección artística, sobre la conversación que mantiene toda la película entre lo viejo y lo nuevo y sobre los cameos, que incluyen a un montón de artistas nacionales que reconocerás si eres habitual de JENESAISPOP y también por ejemplo, Sister Deborah, una activista de Ghana.
DORA nos habla sobre por qué descartó un tema que le parecía demasiado comercial para la película (llamado ‘Unión Soviética’), sobre cómo ha sido trabajar con dos grandes titanas como Carmen Maura y Carmen Machi, y sobre la derriba de géneros musicales en nuestros tiempos. «Qué momento más bonito para vivir en la música. Yo que soy muy prejuiciosa y muy de «todo lo de antes era mejor», pero me pongo a pensarlo y es que se han roto todas las barreras. Antes unos eran así, los rockeros así, los otros así… Ahora todo vale, tú puedes hacer lo que te salga de los cojones».
Smashing Pumpkins ha anunciado nuevo disco. ‘ATUM: A Rock Opera In Three Acts’ es un trabajo efectivamente dividido en tres partes, conformado por un total de 33 pistas, que podrá escucharse entero en abril de 2023. Sin embargo, no habrá que esperar hasta entonces para escucharlo, al menos, en partes.
Como Beach House con ‘Once Twice Melody‘, o como tantos grupos y artistas hoy en día, el grupo de Billy Corgan publicará su duodécimo álbum por epés o fascículos: el primero saldrá el 15 de noviembre, el segundo el 31 de enero, y la colección se completará el 21 de abril. Ese mismo día saldrá una edición especial del disco con forma de caja, que contendrá 10 pistas inéditas.
Pero tampoco será necesario esperar mes a mes para descubrir el contenido de ‘ATUM: A Rock Opera in Three Acts’. Cada semana y a partir de hoy, 20 de septiembre, Corgan revelará una canción el disco a través del podcast ‘Thirty Three with Billy Corgan’. Las 10 inéditas del boxet no se estrenarán en el podcast.
La primera de esas canciones, ‘Beguiled’, ya está disponible, y es «classic» Smashing Pumpkins en su sonido situado a medio camino entre el punk-rock y el college rock de los 90. Su videoclip se estrena oficialmente esta tarde a las 18.30.
Por envergadura, uno de sus trabajos más ambiciosos, ‘ATUM: A Rock Opera In Three Acts’ se considera la secuela de otros álbumes dobles de Smashing Pumpkins, Mellon Collie And The Infinite Sadness (1995) y ‘Machina/The Machines Of God’ (2000). Es el sucesor de ‘CYR‘, publicado en 2020.
Rigoberta Bandini ha anunciado esa «cosa redonda» de la que hablaba hace unos meses. Se trata -sorpresa- de su primer disco, que recibe el título de ‘LA EMPERATRIZ’ y saldrá tan pronto como el próximo 7 de octubre, en menos de tres semanas.
En redes, Rigoberta ha adelantado el contenido de ‘LA EMPERATRIZ’ y, en concreto, ha informado que «gran parte de las canciones que lo conforman ya son vuestras, otras inéditas lo completan». Cabe esperar que el álbum recoja todas o casi todas las canciones que ha publicado, muy especialmente su éxito número 1 ‘Ay mamá’, pero también ‘Too Many Drugs’, ‘In Spain We Call it Soledad’, ‘Julio Iglesias’, ‘A todos mis amantes’ o la reciente ‘Así bailaba‘ con Amaia.
La portada de ‘LA EMPERATRIZ’ es obra de Pedro de Madrazo y muestra a la «emperatriz» Rigoberta suspendida sobre las nubes y rodeada de querubines, entre ellos, uno con la imagen exacta de Caillou, personaje animado al que Paula Ribó dobló cuando era niña.
‘LA EMPERATRIZ’ representará la culminación de la carrera de Rigoberta hasta la fecha, desde que la conociéramos en plena pandemia con ‘In Spain We Call it Soledad’. La demanda popular por un disco de Rigoberta que recogiera todos sus éxitos solo ha aumentado con los años. La pregunta es si los incluirá absolutamente todos o se dejará en el tintero algunos menos esenciales -para el público- como ‘The Fuck Fuck Poem’, el cual, no obstante, no ha dejado de interpretar en sus directos.
A partir de octubre, Rigoberta presentará ‘LA EMPERATRIZ’ a través de su «RIGOTOUR» con conciertos repartidos por toda España, en los recintos más grandes en los que ha tocado hasta la fecha, entre ellos, el Palau Sant Jordi de Barcelona y el WiZink Center de Madrid
El campo no es una moda, ni el folclore un estilo recurrente en el pop de hoy. Para la manchega Karmento -en concreto proviene de Albacete- es un símbolo de libertad. Así lo manifiesta en esta charla en la que nos habla sobre ‘Este devenir‘, el disco que sacó durante la pandemia pero que aún está presentando en directo. En él, aparte del single ‘Cri cri’ o lo bien que ha funcionado su tema ‘La manchega en la azotea’, hallábamos más canciones que se han quedado para siempre con nosotros, muy especialmente la balada ‘Danzar sobre la tierra’.
Conocida también por sus colaboraciones con compañeros de su sello El Tragaluz como Vicente Navarro o Idoipe, Karmento nos habla sobre su futuro y sobre sus próximas fechas en concierto como parte del programa Girando Por Salas. Este mismo viernes 23 de septiembre estará en Zaragoza, continuando por Lleida, Sevilla, Granada, etcétera. Las entradas están disponibles en WeGow.
23/09 La Lata de Bombillas (Zaragoza) GPS
24/09 Cafè del Teatre (Lleida) GPS
29/09 Sala Long Rock (Sevilla) GPS
30/09 Sala Lemon Rock (Granada) GPS
01/10 Elche de la Sierra (Albacete)
14/10 Festival Tablas Folk (Daimiel, Ciudad Real)
15/10 Porzuna (Ciudad Real)
21/10 Sala Wolf (Barcelona) GPS
09/11 Sala El Sol (Madrid) GPS
19/11 Becerril de la Sierra (Madrid)
25/11 The Irish Theatre (Salamanca) GPS
Como todos los lanzamientos de El Tragaluz, tu disco tiene un fuerte poso folclórico. ¿Fue lo que siempre te gustó de verdad o en algún momento de tu vida fuiste más punk, indie… o alguna cosa que no imaginemos?
Como consumidora, siempre he sido muy ecléctica con la música. Las distintas épocas de mi vida han tenido bandas sonoras muy diversas. Por ponerte un ejemplo, me vienen a la cabeza los años de universidad en Madrid, donde me dio por el rock español: Marea, Los Delinqüentes y Los Piratas fueron algunas de las bandas que me camelaron. También descubrí algunas bandas de rock internacional, como los Red Hot o Skunk Anansie, y el universo de las solistas, Sheryl Crow, Alanis Morissette o Shakira. Luego imagina, en Madrid, durante mis años de juventud, el circuito de cantautores estaba bastante activo, y toda provinciana en la capital tenía que ir a escuchar acústicos en directo si quería sacar verdadero y moderno provecho de su estancia en la capital. Recuerdo ‘Atrapados en azul’ de Ismael Serrano, prácticamente se me rayó en el compact disc, y Sabina era Sabina.
Pues así toda la vida, según donde haya vivido, y con quién, y qué procesos estuviera atravesando, pero lo cierto es que cuando me pongo a componer me sale lo que me sale y parece ser que sí, que tiene un fuerte poso folclórico. No creo que todo lo que he compuesto tenga un carácter folk tan definido, pero el feedback que estoy recibiendo con ‘Este devenir’ así lo manifiesta y a la vez aumenta mi curiosidad y deseo de seguir explorando ese camino, que parece tan natural en mí y con el que disfruto tanto. Lo folclórico es descarado, exagerado y permite la libertad de una forma muy única, no hay más que escuchar, por ejemplo, una letra original de Sabina, cantada por María Jimenez, en ‘Con dos camas vacías’, y dices, a ver, ¡esto otro nivel de intensidad!
Tu último disco se publicó en la primavera de 2020, ya sabemos cómo estaba el mundo en aquel momento. ¿Qué supuso para ti lanzarlo en un momento tan delicado?
Me han hecho esta pregunta algunas veces y no creas que sé muy bien cuál es la verdadera respuesta. Siento que tuve la suerte de poder aferrarme a un objetivo. En realidad no teníamos idea de por dónde iba a salir, pero al menos teníamos un proceso a medias y lo único que tenía sentido era terminarlo. En mitad de la tragedia, donde parecía que todo podía desaparecer abruptamente, tener algo por lo que moverse, currar, pensar, ilusionarse, luchar, y a veces, sencillamente mantenerse ocupada, parecía una buena forma de cordura. No tenía ningún sentido parar el proceso, porque teníamos todo el material hecho, y tocaba sacarlo en el curso ordinario de los acontecimientos. Todo era ya demasiado extraordinario, así que decidimos que lo mejor era seguir con el plan trazado. A día de hoy creo que fue la mejor decisión, quizás la única con sentido.
¿Cómo has ido desarrollándolo a lo largo de los años? Sabemos que has ido lanzando algunos vídeos poco a poco… ¿Crees que es posible mantener vivo un disco hoy en día durante 2 años, cuando parece que su impacto dura 15 días, más bien?
Buff, no lo sé, la velocidad del mundo me abruma. La consciencia de la velocidad ha sido una de las grandes tomas de consciencia durante el recorrido del proyecto Karmento. He tenido que ponerme muy dominanta para lidiar con mi adicción a la velocidad y la intensidad. Entiendo que esto es una profesión y que tiene sus tiempos, a veces hay que empujar, y también hay momentos en los que toca parar y es importante respetarlos. Para ese equilibrio, también confío en el trabajo de El Tragaluz, y de mi mánager David. Juntos, vamos marcando el camino y el ritmo que podemos necesitar. En este caso, creo que sí hemos conseguido darle más de dos años de vida a este disco y ha sido precisamente en este último año cuando el disco ha cogido impulso.
Puede que los ritmos de la industria musical van un poco “cocainómanos», pero también observo que la forma en la que se mueve, se escucha, se comparte y se transmite la música en este momento, admite giros inesperados, y da márgenes que apenas podemos predecir pero suceden. Sacaré otro disco, cuando haya otro disco que sacar, y estoy segura de que será en el momento adecuado… Amigo, «sucederá lo conveniente”.
Sorprende ver que ‘Cri Cri’ finalmente no ha sido una de las canciones favoritas de tus seguidores. ¿Te ha sorprendido también? ¿Sucede lo mismo en tus directos?
Intuyo por tu pregunta, y ese estupendo artículo que escribiste sobre ello, que a ti te gusta mucho ‘Cri Cri’, cosa que me alegraría porque para mí es una canción muy especial, que se acerca a ese universo de fuerza y folclore enraizado, que forma parte del estilo de Karmento, una canción de poder y autorreconocimiento que decidimos sacar como primer single en un momento donde sentimos que lo era, y a día de hoy, lo seguimos creyendo, y que en los directos, es la canción que presenta a la banda y da el pistoletazo de salida al espectáculo… esa entrada me pone los pelos de punta.
No obstante, he ahí la magia de la música, nunca sabes del todo cómo va a ser el recorrido de una canción ni cuál va a ser la que destaque, y eso lo demuestra el público día tras día, sobre todo en proyectos como estos, cuyo crecimiento se da de forma muy orgánica.
«El ritmo de la industria es cocainómano, pero admite giros inesperados»
¿Hay alguna canción tuya que te haya sorprendido cómo ha crecido a lo largo del tiempo?
Para mí, la sorpresa fue ‘La manchega en la azotea’. Sabíamos que era una buena canción, pero yo no imaginaba que conectaría tan bien con la gente y que me ayudaría a ampliar mi público, a través de ese sentimiento de identificación y alegre pertenencia, como siento que ha ocurrido.
Para los que somos unos catetos totales en cuanto a música manchega, ¿por qué crees que ‘La manchega en la azotea’ nos puede sonar un poco a sevillana? ¿Qué puede tener en común en cuanto a tipo de melodía, ritmo o lo que sea?
Bueno, yo diría que las sevillanas son básicamente unas «seguidillas castellanas» y que en su evolución, por la influencia de las culturas y las músicas «del sur» fueron adquiriendo aires más flamencos. La sevillana hereda la estructura de la seguidilla. Todo es folclore, música del pueblo, la expresión de la cultura compartida. Lo que pasa es que cada folclore va cogiendo elementos y matices de las regiones o tierras donde se produce.
Tu disco es anterior a ‘Alcarrás‘. Ahora mismo al ver la portada, recuerda un poco a la que parece la película española del año. Independientemente de que la hayas visto o no, ¿hay un discurso potente en la defensa del campo en tu música? ¿Vives en el campo, lo añoras o cuál es exactamente tu relación con él?
No me había percatado, de hecho he buscado la portada de la película al leer tu pregunta. Me gusta mucho la portada, y veré la película sin duda… (mi grado de desconexión de la actualidad, por momentos, es para hacérmelo mirar). A lo mejor por eso me gusta el campo, porque me conecta con la permanencia, con los ciclos, con la vida no contaminada, con el trabajo sencillo, con la historia de mi familia, de mi región y de todas las tierras, con mi pasado… Soy una melancólica, y quien me escucha ya se habrá dado cuenta, ¡digo yo!
Tu colaboración con Vicente Navarro ha tenido muy buena acogida. Parece que es obligatorio hoy en día hacer colabos, aunque sea con un artista de tu mismo sello. ¿Qué te parece el mercado de la colaboración constante que hay ahora mismo?
Yo creo que hay que intentar hacer buenas canciones, canciones que tengan sentido para nosotros como artistas. Para mí, una colaboración como ‘La juventud’ es un regalo, una oportunidad para ofrecer al público una verdadera simbiosis creativa entre artistas que se han escuchado, entendido y han conseguido componer juntos una canción con la que ambos se sienten a gusto. Ese es para mí el mayor sentido de una colaboración, y los temas así construidos, aportan valor a la música, desde mi punto de vista… Respecto a lo que hacen los demás, sinceramente no es cosa mía, y confío en verdad en el público. ¿Qué otra cosa una artista puede hacer si no confía en que su público la encontrará (a veces) a través de una bonita colaboración?
En tu disco había muchas baladas, ¿eso ha propiciado que te sientas más cómoda presentando el disco en espacios muy reducidos e incluso con el público sentado o te ves también carne de festival?
Jajaja, pues mira, tengo que decirte que esa es la última bromita de la banda. Yo estaba más en ese discurso de los espacios reducidos y el público limitado, pero nos plantamos en el festival Nits de Vivers, en Valencia, este verano, y el caso es que íbamos a modo «teloneras» de Muchachito Bombo Infierno, y digamos que las medidas de escenario, e incluso de público, se nos subieron bastante, y al bajarnos del escenario, con el subidón, decíamos: «Odo, a ver si no le van a ir mal los festivales a la Karmento”. Y con eso estamos… y, al margen de la broma, estoy descubriendo, explorando este camino de la música, y abierta a las experiencias que aparezcan. La adrenalina del festival es difícil de explicar, y esa idea de poder elevar tu espectáculo a otro nivel, es por momentos muy tentadora, pero también implica miedos, vulnerabilidad y saltos abismales… Veamos qué sucede…
¿Qué podemos esperar de esta gira de conciertos que aguarda? ¿Presentas ya temas nuevos para un siguiente disco? ¿Cómo sonarán? ¿Hay algún cambio estilístico en tus próximas canciones?
Pues lo cierto es que ahora mismo tengo el show en un lugar donde me siento muy cómoda, y sobretodo para la gira GPS, donde tocaremos en ciudades de España donde todavía no me conocen, voy a llevar el espectáculo tal y como está definido. Partiendo de ahí, siempre someto a cierta flexibilidad el show, primero para no caer en patrones demasiado artificiales de mí misma, y por otro lado, porque es mi tendencia natural. Más allá de las coplas y cantos improvisados, que pueden adelantar algunas pistas de mi próximo disco, el repertorio que presentaré en GPS, serán las canciones de ‘Este devenir’, con un par de mi primer álbum ‘Mudanzas’. Me gustaría tal vez, tener una versión de ‘La juventud’ para mi banda, y versionar bonita alguna copla… pero no tengo presión por ello.
¿Qué nos puedes avanzar sobre el futuro? Por tu experiencia estos años, ¿qué podemos esperar de las nuevas letras?
Sobre el futuro puedo avanzar, que parece haberlo, jajaja. Quiero decir, que estoy componiendo algunos temas con los que me apetece trabajar y se van definiendo las posibilidades para el tercer disco. No me atrevo a estimar lo que podéis esperar de las nuevas letras, ni cuándo tenemos pensado publicarlo, y siento cierto pudor, además, porque todo está en el aire, y eso lo hace más vulnerable. Lo que espero es construir un proyecto bello y coherente con lo que soy, y donde estoy, y sentirme bien, pero ya hablaremos de esto…
Bomba Estéreo, una de las bandas latinas más importantes del momento después del éxito de singles como ‘Fuego’, ‘Somos dos’, ‘Algo está cambiando’, el remix de ‘To My Love’ o su colaboración con Bad Bunny en ‘Ojitos lindos‘; y Manu Chao, icónico cantautor conocido por su compromiso social y político, se han unido en un nuevo single llamado ‘Me duele’.
Pese a la potencia de los nombres involucrados, ‘Me duele’ no se puede considerar uno de las más ambiciosas de la carrera de ninguno de ellos, pero cumple su propósito de alegrarte el día con sus ritmos afrolatinos, como quizá ya conseguía ‘Me gustas tú’ en otro estilo. Quizá, la razón de esto sea que la canción es escrita casi de improviso, lo cual se nota: es una canción campechana, insustancial, pero mona al fin y al cabo.
«Esta canción fue creada de sorpresa durante una sencilla y maravillosa colaboración orgánica en casa de Lili el día que nos conocimos Lucky Salvadori y yo. Y de ahí emprendimos el camino juntos”, ha contado Manu Chao en su cuenta de Instagram.
Chao explica: «Es una canción sobre cómo el dolor siempre puede encontrar su alivio en los momentos difíciles y así la vida sigue… con esa fuerza que da la gloriosa sensación de que el dolor ya pasó». El cantautor añade que «parte de las ganancias de la canción será donada a la fundación Costeño Social, una escuela en Guachaca, cerca de casa de Li en Colombia».
Acorde al sonido de la canción, Bomba Estéreo y Manu Chao presentan para ella un cuco videoclip animado, de corte infantil, lleno de formas geométricas y colores básicos, y dirigido por Gustavo Cerquera Benjumea.
Os recordamos que Bomba Estéreo visita España en diciembre para presentar su álbum ‘Deja‘, y que JENESAISPOP es medio oficial de la gira. El grupo colombiano actuará el 1 de diciembre en el WiZink Center de Madrid, y el 3 de diciembre en el Sant Jordi Club de Barcelona.
A Feid, el lanzamiento atropellado de su nuevo disco ‘FELIZ CUMPLEAÑOS FERXXO’ le ha salido bien. El nuevo álbum del rapero portorriqueño, rebautizado con el título de ‘FELIZ CUMPLEAÑOS FERXXO TE PIRATEAMOS EL ÁLBUM’, iba a salir dentro de tres meses. Sin embargo, Feid adelantaba su estreno tras una filtración, y el disco ha entrado en el top 3 de la lista de álbumes española. Es, por supuesto, la mayor entrada de la semana, desafiando los puestos de Bad Bunny (1) y Rosalía (2).
Se nota que la industria musical está movidita, porque el top 10 de álbumes en España deja hasta tres entradas más. En primer lugar, el nuevo trabajo de los raperos Natos y Waor, ‘Luna llena’, llega al número 5. El dúo había sido número 1 en la vieja lista de streaming (antes de fusionarse con la de ventas) con ‘Cicatrices’, en 2018, mientras ‘Hijos de la ruina’, su álbum colaborativo con Recycled J, también había llegado al 5 en 2021.
Por otro lado, Ozzy Osbourne logra colocar su álbum número 13, ‘Patient Number 9’, en el número 8 de la lista de álbumes española. Es una de sus peores posiciones en las listas oficiales. Así de bien le ha ido: el álbum ha entrado en el número 2 de Reino Unido, Australia, Italia, Alemania, Finlandia, Suecia y Escocia, en el 3 en Estados Unidos y Suiza, en el 4 en Noruega, en el 6 en Bélgica y Nueva Zelanda… Ha gustado menos en Japón (10) o Irlanda (22).
La última entrada dentro del top 10 de álbumes española la protagoniza Robbie Williams. Su nuevo recopilatorio de éxitos, de nudista portada, y que celebra el ‘XXV’ aniversario de su carrera como solista, entra en el 10. El disco también ha registrado buenas posiciones en listas. Aparte de los números 1 en Reino Unido, Irlanda, Escocia y Países Bajos, ‘XXV’ ha alcanzado los puestos 3 de Alemania y Bélgica, 4 de Suiza, 8 de Australia y 13 de Italia. En Nueva Zelanda ha entrado en el 40.
Fuera del top 10 hay que hablar de las entradas de Hoke y Louis Amoeba (dúo valenciano de rap) en el 21 con ‘BBO’, de Imagine Dragons en el 44 con ‘Night Visions’, y de Manic Streep Preachers en el 82 con la reedición de su último álbum, ‘Know Your Enemy’.
En paralelo, varios álbumes que acaban de ser reeditados en vinilo aparecen en la lista general de álbumes española. Por un lado, el directo ‘Rebel Heart Tour’ de Madonna entra en el 51. Por el otro, el recopilatorio ‘Diario de un peatón’ de Joaquín Sabina lo hace en el 87. Finalmente, la colección de ‘Lo mejor’ de Marta Sánchez entra en el 94. Estos discos ocupan los puestos 5, 6 y 7 de la tabla de vinilos, respectivamente.
En cuanto a la venta de vinilos, aparte de los mencionados, Built to Spill colocan su nuevo álbum ‘When the Wind Forgets Your Name’ en el 30 y Oliver Sim su debut ‘Hideous Bastard‘ en el 33. Además, el de Cariño pega el subidón de la semana, subiendo del 94 al 14, y alguien se ha acordado de la existencia del disco ‘Human After All’ de Daft Punk: su reedición en vinilo entra en el 25.
Como hemos comentado en el último episodio de nuestro podcast Revelación o timo, y como sabe todo el mundo, por otro lado, el título de Canción del verano se ha repartido este año entre la colaboración de Bizarrap y Quevedo, y ‘DESPECHÁ’ de Rosalía. Estos temas siguen siendo los más escuchados en España una semana más, exactamente en este orden.
Eso sí, las buenas noticias se le acumulan a Quevedo. Esta semana, el cantante canario coloca su nuevo single, ‘Vista al mar’, directamente en el top 3 de singles, solo por detrás de los hits mencionados. Además, su single ‘Sin señal’ con Ovy on the Drums continúa en el número 5, lo que significa que Quevedo suma hasta tres éxitos solo dentro del top 5 de singles en España.
En cuanto a Rosalía, por supuesto la edición deluxe de ‘MOTOMAMI’ deja varias entradas, aunque no tantas como quizá esperabas, ni tan arriba. En concreto, ‘CHIRI’ entra en el 44 y ‘AISLAMIENTO’ lo hace por los pelos, en el 100. Son, efectivamente, las mejores del disco.
Los sonidos latinos que tanto mandan en España siguen presentes en las siguientes entradas: ‘Pantera’, la nueva colaboración de RVFV y DUKI, actualmente el tercer videoclip más visto en Youtube España, entra en el 16, y ‘Luces de neón’ de Myke Towers lo hace en el 56.
El cantante de afrobeat Rema protagoniza la siguiente entrada, ya que ‘Calm Down’ entra en el número 85 y, aparentemente, sin la ayuda de Selena Gomez. En el 90 colocan Natos y Waor su nuevo single ‘Tenías razón’, cuarto adelanto de su álbum ‘Luna llena’. Finalmente, ‘Aeropuerto’, otro temita buenrollista de Camilo, entra en el 91.
Es difícil ver a Brett Anderson con los mismos ojos después de la publicación de sus memorias. Suede ya era una de las bandas más queridas de los 90 gracias a su reivindicación del glam. Pocos habían mostrado sus respetos hacia David Bowie con tanta vehemencia y además hits como ‘Trash’, ‘New Generation’, ‘Beautiful Ones’, ‘Animal Nitrate’, ‘So Young’ y tantísimos otros volaban por su cuenta sin ninguna deuda particular. Oasis habían copiado ‘All the Young Dudes‘ con muchísimo más descaro. Varias veces.
Cuando ya dábamos a Suede por perdidos, los libros ‘Mañanas negras como el carbón‘ y ‘Tardes de persianas bajadas‘ enriquecieron el discurso de Brett. Le descubrían como un joven acomplejado que tuvo que hacer la cola de los alumnos más necesitados para comer en el cole. Narraba la difícil relación con su familia, así como su pérdida. También el lado más absurdo de la vida de rockstar. Tras un disco pomposo llamado ‘The Blue Hour‘, con su coartada conceptual teatral -un proyecto para el olvido-, ‘Autofiction’ es un feliz reencuentro con dos cosas que anhelábamos. En primer lugar, los Suede inmediatos y pop. En segundo, el Brett Anderson dispuesto a desnudarse frente a la audiencia.
Evidentemente cualquiera esperando un hit del tamaño de ‘Trash’ saldrá escaldado. O una balada tan apañada como ‘She’s In Fashion’. Sin embargo, ‘Autofiction’ -que presentan como su disco «punk»- habría sido un gran sucesor para ‘Coming Up’, pues aun sin un himno realmente digno de las listas de lo mejor del año, ofrece un conjunto compacto, como pocos se han oído en la carrera de Suede desde el siglo pasado.
Anderson comienza el disco con el single ‘She Still Leads Me On’, que nos habla de su madre. «Cuando pienso en todas las cosas que mi madre me dijo, cuando pienso en todos los sentimientos que le escondí / En muchísimos sentidos todavía soy un niño». Es en verdad un tema de rock, que emparenta por temática con ’15 Again’, cuyo título y energía lo dicen todo. Vuelve la imaginería glam (esos tacones «kitten» en el baño); vuelven los Suede con ganas de morir en el escenario, los que vimos en Tomavistas 2022.
Es también rugiente ‘Personality Disorder’, con un tipo de ritmo que no se ha oído tantas veces a Suede y que Brett dice haber inspirado en The Fall y Mark E Smith, porque específicamente él los percibe en gente actual como Dry Cleaning, Working Men’s Club, Fontaines DC, Yard Act y Shame. Entre todas estas canciones y la casi comercialiota ‘The Only Way I Can Love You’, repetitiva como los momentos más inmediatos de la carrera de Suede, tenemos una cara A exultante con la que nos vamos a hartar de botar el año que viene en vivo.
En ‘Autofiction’, encontramos también dos baladas, en este caso algo más antipáticas, pues la línea de piano de ‘Drive Myself Home’ se antoja demasiado sencilla y ‘What Am I Without You?’ presenta una letra demasiado obvia, frente al espejo, en una imagen que ya se había utilizado en el álbum con anterioridad. En este caso, como si tuviera ganas de darlo todo sobre el escenario, parecen más trabajadas las canciones uptempo, como muestra el paso de ‘Shadow Self’ a ‘It’s Always the Quiet Ones’, dos temas de trasfondo post-punk que ya hubieran querido Interpol para su último disco; o la final ‘Turn Off Your Brain and Yell’, que anima a la «revelación».
En la mencionada ‘The Only Way I Can Love You’, Brett se abre en canal, al menos todo lo que permite un título como ‘Autofiction’: «no soy el tipo de persona que nunca se siente insegura, hay tantas maneras de hacer las cosas que yo hago mal / Mi amor tiene muchas caras, secretos, vicios, y todos están aquí para ti». Hay varios puntos en que Anderson parece estar cantando a su pareja, aunque la entrega esta vez es tal que su esposa también parece la audiencia. Así lo reconoce el artista en las entrevistas, donde dice que nosotros somos los verdaderos destinatarios de ‘What Am I Without You?’. Y es que si uno de los libros de Brett hablaba de su infancia, el otro lo hacía de su carrera musical, y sobre esto mismo versa ‘That Boy on the Stage’. Un tema sobre un animal escénico que «no puede controlar su rabia». ¿Quién será?
La Vanguardia ha entrevistado a Woody Allen con motivo del lanzamiento de ‘Gravedad cero’, su nueva colección de relatos, y es en el periódico español donde Allen ha declarado que la película que se encuentra preparando probablemente será la última de su carrera.
«Mi próxima película será la número 50, creo que es un buen momento para detenerse», ha explicado Allen a La Vanguardia. «Mi idea, en principio, es no hacer más cine y centrarme en escribir, estos cuentos y, bueno, ahora estoy pensando más bien en una novela, que sería mi primera novela”.
Sin embargo, el portavoz de Woody Allen ha desmentido las declaraciones de Woody. Variety cita sus palabras: «Woody Allen en ningún momento ha dicho que vaya a retirarse, y tampoco que esté escribiendo otra novela. Ha dicho que está pensando en no hacer más películas porque no le emociona hacer películas que se estrenan rápido en las plataformas de streaming, ya que él es un gran amante de la experiencia de ir al cine. Actualmente, (Allen) no tiene intención de retirarse y está muy emocionado de estar rodando su nueva película, que será la número 50».
La próxima película de Allen recibe el título provisional de ‘Wasp 22’ y se empezará a rodar en un par de semanas, íntegramente en francés. En La Vanguardia, Allen ha dicho que se parecerá a ‘Match Point’ porque será “emocionante, dramática y también muy siniestra”. Su última película hasta la fecha, ‘Rifkin’s Festival‘, se estrenó en 2020.
Esta no es la primera vez que Allen alude al posible fin de su carrera. El pasado mes de junio, el director ya advirtió que ‘Wasp 22’ podría ser su último trabajo en este campo porque estrenar películas ya no le emociona tanto como antes, debido a que las películas ya no se estrenan solo en cines como años atrás, sino también en plataformas de streaming, lo que hace que duren menos en taquilla.
En los últimos tiempos, Allen ha publicado también sus memorias, ‘A propósito de nada’, cuya publicación se complicaba debido a las acusaciones por abusos sexuales que recibía el director en 2019, por parte de Mia Farrow y de su hija Dylan. Estas acusaciones han provocado que sus películas se estrenen en menos cines que antes.
Maria Becerra es otra de esas artistas latinoamericanas que se están haciendo un nombre a golpe de reggaetón. ‘Ojalá’, publicado este mismo año, es su mayor éxito en solitario, pero antes la argentina ha estado involucrada en hits mastodónticos del tamaño de ‘Miénteme’ de Tini y ‘Qué más pues?’ de J Balvin.
A Becerra se la ha visto también colaborando con Camila Cabello en el synth-pop de ‘Hasta los dientes’, adaptando al español (y al reggaetón) el ‘No Scrubs’ de TLC con la compañía de Mariah Angeliq y Bad Gyal, en ‘BOBO’, y también ha coqueteado con el dancehall en ‘Felices x siempre’. Muy lejos quedan los tiempos de ‘222’, su primer single, en clave de balada R&B.
Tan lejos quedan, de hecho, que los recientes sencillos de Becerra no pueden estar más pensados para las discotecas. Siguen anclados en el reggaetón, pero traen sonidos más agresivos y contundentes. Ahí está el reciente ‘AUTOMÁTICO’. Las trompetas parecen anunciar el fin del mundo, pero el tema es otro festín de innuendos sexuales escondidos detrás de referencias automovilísticas. Lo cual incluye, por supuesto, a Daddy Yankee y su famosa ‘Gasolina’ (y también el «dale don dale»). Está en el 21 de Youtube España.
Más tremebunda si cabe es ‘DISCOTEKA’, la reciente colaboración de Becerra con Lola Indigo (con quien ya colaboró en el remix de ‘High’) que ha pasado desapercibida en listas inmerecidamente. Otra producción en modo «bombazo» que parece va a entrar en combustión espontánea en cualquier momento. ¿Lo mejor? Su referencia a las «tetas-montaña» de Shakira. ¿Lo peor? Que ninguno de estos singles muestra precisamente una imaginación desbordante, más bien al contrario, no logran diferenciarse demasiado de la masa reggaetonera que ocupa el 99% de las listas españolas.
Este año, Becerra prepara el lanzamiento de ‘La nena de Argentina’, su segundo álbum. ‘AUTOMÁTICO’ es el primer single de este trabajo que NO traerá colaboraciones, según Los 40, pero que alternará el reggaetón con la cumbia o el dancehall, entre otros estilos. Sale a finales de octubre o principios de noviembre.
