Una colaboración entre Diana Ross y Tame Impala es solo la primera de las noticias que giran en torno a la nueva banda sonora de ‘Los Minions’. La franquicia presenta el 1 de julio su nueva película ‘Minions: El origen de Gru’ con una banda sonora llena de grandes nombres, completamente inspirada en los años 70. Diana Ross y Tame Impala han preparado su canción original ‘Turn Up The Sunshine’, que acaba de ver la luz.
‘Turn Up the Sunshine’ es un tema funk en la onda de James Brown, en el que Diana Ross canta sobre transmitir su luz y calor «por todo el mundo». Sin embargo, no es un dueto entre Diana y Tame Impala, pues la participación de Kevin Parker se limita a aportar letras y percusión. De hecho, Parker ni siquiera ha producido la canción, cuando él es productor de todo su repertorio, porque ha sido Jack Antonoff el encargado de producir toda la banda sonora de ‘Minions: The Rise of Gru’. ‘Turn Up the Sunshine’ es la única composición original de todo el disco.
Además de Diana y Tame Impala, la película cuenta con las voces de St. Vincent, Phoebe Bridges, H.E.R., Caroline Polachek, RZA, y Brockhampton, entre otros. La mayoría de ellos versionan clásicos de los 70. Por mencionar alguno, St. Vincent interpreta ‘Funkytown’, de Lipps Inc., Phoebe Bridges canta ‘Goodbye to Love’ de Carpenters, Caroline Polachek versiona ‘Bang Bang’ de Nancy Sinatra, Kali Uchis se pasa al clásico bossa nova ‘Desafinado’ y Tierra Whack deja su huella en ‘Black Magic Woman’ de Santana.
RZA, por su parte, aportará una canción original llamada ‘Kung Fu Suite’. Además, los propios Minions también forman parte de la banda sonora, cantando el hit de Simon & Garfunkel ‘Cecilia’. El disco está producido por Jack Antonoff al completo, y verá la luz el 1 de julio, mismo día del estreno de la película.
Setlist:
1. ‘Turn Up The Sunshine’ – Diana Ross ft. Tame Impala
2. ‘Shining Star’ – Brittany Howard ft. Verdine White (Earth, Wind & Fire 1975)
3. ‘Funkytown’ – St. Vincent (Lipps Inc 1979)
4. ‘Hollywood Swinging’ – BROCKHAMPTON (Kool & The Gang 1974)
5. ‘Desafinado’ – Kali Uchis (Stan Getz & Joao Gilberto 1959)
6. ‘Bang Bang’ – Caroline Polachek (Nancy Sinatra 1966)
7. ‘Fly Like An Eagle’ – Thundercat (Steve Miller Band 1976)
8. ‘Goodbye To Love’ – Phoebe Bridgers (The Carpenters 1972)
9. ‘Instant Karma!’ – Bleachers (John Lennon 1970)
10. ‘You’re No Good’ – Weyes Blood (Linda Ronstadt 1975)
11. ‘Vehicle’ – Gary Clark Jr. (The Ides of March 1970)
12. ‘Dance To The Music’ – H.E.R. (Sly and The Family Stone 1967)
13. ‘Black Magic Woman’ – Tierra Whack (Santana 1970)
14. ‘Cool’ – Verdine White
15. ‘Born To Be Alive’ – Jackson Wang (Patrick Hernandez 1979)
16. ‘Cecilia’ – The Minions (Simon & Garfunkel 1970)
17. ‘Bang Bang’ – G.E.M. (Nancy Sinatra 1966)
18. ‘Kung Fu Suite’ – RZA
19. ‘Minions: The Rise Of Gru Score Suite’ – Heitor Pereira
JENESAISPOP asistió a la pasada edición del Festival de Málaga, que arrancaba con la expectación por ‘Alcarràs‘, apenas días después del histórico Oso de Oro a Carla Simón en la Berlinale. En un gesto que a algunos les pareció generoso y a otros condescendiente, la productora de ‘Alcarràs’ decidió renunciar a competir en la Sección Oficial, para dar oportunidad a otras películas. Pero tras la proyección de ‘Cinco lobitos’ -que curiosamente se había estrenado en la Berlinale también, en la sección Panorama-, y a medida que pasaban los días, se iba haciendo más unánime entre la prensa la idea de que, en caso de haber competido la película de Simón, ‘Cinco lobitos’ no se lo habría puesto nada fácil. De hecho, acabó llevándose no solo la Biznaga de Oro (máxima distinción del Festival), sino también los premios a Mejor Guión, Mejor Actriz (ex-aequo para sus dos protagonistas, Susi Sánchez y Laia Costa), el Premio ASECAN a Ópera Prima, el Premio del Jurado Joven y el Premio Feroz Puerta Oscura. Nada mal para una película que supone el debut de su directora, y cuya premisa es bastante sencilla: Amaia, una madre primeriza, afronta el primer año de su bebé. Pero la verdad es que ninguna de las dos cosas es 100% cierta.
Desde que se licenció en Filología Inglesa por la Universidad de Deusto y tras su paso por la ECAM, Alaúda Ruiz de Azúa ha acumulado una importante experiencia en distintos cortos y, sobre todo, en publicidad, aunque ‘Cinco lobitos’ suponga su debut en el largo. Y la película no va -o no solo va- de “una madre primeriza que afronta el primer año de su bebé”. De hecho, aunque rápidamente se ha colocado a Ruiz de Azúa junto a Carla Simón, Arantxa Echevarría, Belén Funes, Pilar Palomero y Clara Roquet por aquello de que son todo mujeres quienes se han llevado el Goya a Mejor Dirección Novel desde 2017 (este año todo apunta a ella o a Carlota Pereda), hay algo que ‘Cinco Lobitos’ comparte con todos estos debuts -con la excepción de ‘Carmen y Lola’-, y no es solo la alegría porque se esté reconociendo y abriendo la puerta a más mujeres en la industria española. Es que todas estas son películas en las que parece que no pasa nada… y realmente “pasa” mucho más que en otras películas donde no dejan de suceder cosas.
Sin ir más lejos, lo que en otras hubiese sido el final aquí es prácticamente el punto de partida: la protagonista, desbordada, pide ayuda a sus padres, y se muda al pueblo con ellos. Eso, lejos de funcionar aquí como un deus ex machina que solucione el conflicto de Amaia, acaba creando unos cuantos más, a la vez que mitiga otros… como la vida misma. Y es que uno de los puntos fuertes de ‘Cinco lobitos’ es la naturalidad de sus personajes, sus situaciones e interacciones, colocando al espectador casi como voyeur de una familia en la que te pueden caer todos mal, y al rato querer darles un abrazo. Ruiz de Azúa reconoció a Daniel Mantilla de El Español la influencia de Hirokazu Kore-eda y Yasujiro Ozu: revisó su cine antes de rodar “no tanto por copiar algo, sino porque quería hacer una película que resultara muy emocional desde un sitio muy cotidiano”.
Además de por la labor de su directora, a esto ayudan las fantásticas interpretaciones de su reparto: Laia Costa y Susi Sánchez están sencillamente maravillosas, mimetizándose e invirtiendo sus roles por momentos a medida que avanza el metraje, y tanto Mikel Bustamante como Ramón Barea cumplen con creces en un segundo plano que viene tanto por el foco narrativo como por sus dos tipos de ausencias. Existe una ausencia física regalito de nuestro sistema, y otra ausencia más emocional, la del personaje de Barea: “no es un villano, es un hombre de su época que no ha tenido las herramientas, ni una educación emocional que no se construye de la noche a la mañana”, comenta la directora, haciéndolo extensible también a esa generación: “entendían los cariños desde otro sitio. Para ellos, el afecto es cuidar a las personas, ser fuerte y, cuando pasa algo, enfrentarlo con mucha entereza. Esa manera de no hablar las cosas choca con mi generación, que ha sido más infantil, ha crecido más tarde”. Esto se expresa con maestría tanto en escenas sin diálogo (las miradas entre marido y mujer mientras él canta el ‘Txoria txori’ comunican más de lo que se dicen en prácticamente todo el filme) como en conversaciones (ese “tu aita ha sido un marido pésimo, pero un buen padre”).
Ruiz de Azúa destaca especialmente en su tratamiento del día a día y los sentimiento de esta familia entre ellos, mostrándolo sin maquillaje y sin edulcorar nada, pero a la vez comprendiéndolos, tanto en la visión de la maternidad (no hace falta que la peli sea un dramón con madre drogadicta para que en una escena se le caiga el bebé -ni mucho menos para que no le apetezca dar el pecho) como en la que ya hemos comentado de la familia, la experiencia y el legado. Es muy interesante el viaje de Amaia, que poco a poco irá entendiendo a su madre, y que pasa de pedir ayuda a sus aitas para que la cuiden como cuando era pequeña, a descubrirse cuidándolos y continuando el “ciclo sin fin” de Simba.
Hay un diálogo indirecto entre dos de las mejores frases de la película: “mañana será otro día de mierda, y luego otro, y otro”, y “todas esas vidas que no vives son siempre perfectas”. Se pronuncian en momentos distintos del metraje y, sobre todo, con un tono y una intención muy distintos. Una se dice fruto de la desesperación y la rabia, sin pararte a pensar en que lo que estás diciendo puede hacer daño, y otra desde el afecto y el cuidado, eligiendo las palabras con cariño para que consigan ayudar y sanar aunque sea un poquito a quien las está escuchando. Y lo cierto es que las dos representan muy bien el espíritu de ‘Cinco lobitos’.
A Becky G no le cupieron todos los hits que había venido presentando en su primer disco. En cambio, ‘Mala Santa’ buscaba cierta coherencia estilística, aunque la falta de ambición artística le terminaba jugando en contra. En ‘ESQUEMAS’, su segundo álbum, se percibe una intención por hacer el típico disco batiburillo con mil estilos que se estila hoy. Hay hits, pero son la excepción.
Quizá esto se deba a que Becky G no nos ha «duchado» de éxitos últimamente tanto como antes. ‘ESQUEMAS’ sí incluye su éxito actual ‘MAMIII’ junto a Karol G, pero este aparece inexplicablemente en último lugar, después de un buen puñado de canciones colocadas en el tramo medio del álbum que buscan ampliar la paleta sonora de Becky G, más que hacer arder las listas.
‘ESQUEMAS’ sí convence en su primera mitad. El arrebatado ritmo caribeño de ‘BUEN DÍA’ abre el disco entre pianos jazzy y un mensaje que grabarse a fuego, el de vivir la vida que cada uno quiera sin preocuparse por el qué dirán. El reggaetón salsero de ‘TAJÍN’ es otra canción divertidísima que sumar al repertorio de hits imprescindibles de Becky G, aquí compartido con Guaynaa. ‘FLASHBACK’ es un apañado doo-wop a la manera de Ariana Grande interpretado junto a Elena Rose. Y ‘BAILÉ CON MI EX’ produce mariposas en el estómago en su recuerdo de un amor pasado con el que la cantante se reencuentra en la discoteca. El sonido post-disco de la canción suena igualmente nostálgico y maravilloso.
Dos éxitos que probablemente has escuchado de Becky G encuentran cobijo en ‘ESQUEMAS’. Por un lado, el divertido reggaetón con saxo de ‘FULANITO‘, que incluye un verso igualmente imperdible de El Alfa, no merecía quedarse descolgado en la galaxia de singles de Becky G. El único inconveniente es el factor sorpresa ausente en un single que cuenta ya con un año de vida. Por otro, el más reciente ‘Ram Pam Pam‘ con Natti Natasha tampoco queda huérfano. Ninguno de los dos ha alcanzado la repercusión de ‘Mayores’ o ‘Sin pijama’, pero suenan a oro entre un puñado de producciones que se quedan lejos de ser estelares.
Sin embargo, la secuencia de ‘ESQUEMAS’ decae claramente a partir de la pista 5. ‘DOLORES’, dedicada a aquellas «Dolores» del mundo que lo dan todo por los suyos, presenta una interesante mezcla de trap, R&B y house deconstruido, pero ni el R&B latino de ‘UNA MÁS’, ni el afrobeat atmosférico de ‘BORRACHA’ ni los reggaetones de ‘KILL BILL’, ‘QUE LE MUERDA’ y ‘GUAPA’ consiguen levantar el ambiente. Tampoco lo logra el experimento machacón de ‘NO MIENTEN’. Las empoderadoras letras de Becky G inspiran, pero en ninguna de estas canciones ha obtenido un sonido excitante. Al final, a Becky le queda un disco con singles muy marcados, y temas «de relleno» también muy obvios.
En la rueda de prensa de Chanel celebrada en los estudios de RTVE tras su paso por Eurovisión, donde ha quedado e un histórico tercer lugar, la cantante ha confirmado que «se vienen cositas». No entra en detalles, pero da a entender que se encuentra preparando nuevo material.
De momento, Chanel sigue exprimiendo el «jugo» de ‘SloMo’, y La Casa Del Disco anuncia hoy el lanzamiento de un vinilo de la canción. La curiosidad es que la funda dentro de la cual se guarda el disco reproduce la forma de un «mengo» tropical. Sale en dos versiones.
El vinilo contará con 4 pistas, estas son, la versión original de ‘SloMo’, la versión acústica, el «dancebreak edit» que pelea actualmente por el número 1 de singles en España, y la versión «karaoke». Sale el 4 de noviembre en edición limitada a un precio de 29,99 euros.
Por otro lado, Chanel ha protagonizado recientemente un spot absolutamente delirante de Netflix España. Previo a la celebración de Eurovisión, Chanel protagoniza una nueva versión de ‘El juego del calamar‘ junto a artistas de los 2000 como Sonia de Sonia y Selena, Raúl o Melody. Su compañera de Benidorm Fest, Marta Sango, interpreta un divertido personaje.
Compartimos una nueva edición de nuestra sección «10 Fotos Que» con algunas de las fotos que más nos han divertido o sorprendido en redes sociales.
Adele se compra una casa
En otro de sus raros posts de Instagram, Adele ha ofrecido una actualización de su vida a sus fans. La cantante se ha comprado una casa junto a su pareja, el agente deportivo Rich Paul. En realidad, la autora de ‘30‘ adquirió la propiedad hace meses.
Katy protagoniza el nuevo anuncio de una conocida app de comida a domicilio. El anuncio es prácticamente un videoclip de Katy Perry: la canción es original y no faltan los «looks» 100% camp que suele llevar la artista, que se disfraza de sushi o de tarta de cumpleaños. También estrena sus tetas-lechuga.
Una de las mayores tragedias de la historia de Lana será siempre que el remix de ‘Summertime Sadness’ supere en escuchas al original. Que sea el mayor éxito de su carrera en streaming. Sin embargo, a Lana parece darle igual, y se la ha visto bailando el remix en una fiesta alegremente.
Madonna bailaba recientemente ‘Papi Bones’ de FKA twigs en sus stories. Ahora, la autora de ‘Madame X’ y la artífice de ‘CAPRISONGS’ han coincidido en una fiesta. Parece que ambas se han contado las penas mutuamente o, en palabras de Madonna, han «luchado contra sus demonios».
Olivia sigue con la gira de ‘SOUR‘ y, después de cantar ‘Complicated’ de Avril con la propia Avril de cuerpo presente, se ha animado a hacer una versión de ‘Just a Girl’ de No Doubt. Sin Gwen, eso sí. Por otro lado, Olivia ha conocido a Jack White.
Taylor Swift ha recibido el título de «honoris causa» en Bellas Artes por la Universidad de Nueva York. La cantante se ha puesto «por primera vez» un birrete y una capa, y en su discurso, ha aconsejado a los graduados de 2022 que no huyan de la «vergüenza ajena» porque es «inevitable».
Cuando no está ocupada rapeando o hablando pestes de tu artista favorito o favorita (recientemente Lady Gaga ha estado en su punto de mira), la autora de ‘Broke with Expensive Taste‘ se dedica a hacer jabones. En la foto, ella misma patina hacia correos para entregar una tanda de pedidos.
Alaska fue una de las presentadoras de Benidorm Fest junto a Màxim Huerta e Inés Hernand. A su vuelta de Eurovisión, Chanel ha acudido al programa La Noche D de RTVE presentado por Eva Soriano y se ha reunido con la cantante de Fangoria.
Selena Gomez ha sido la última presentadora de Saturday Night Live. Ahí, la autora de ‘Rare‘ ha imitado a Miley Cyrus, parece que con aprobación de la susodicha. Hasta el punto que ha impreso su frase «Hell yeah, I’m Miley Cyrus» en una camiseta.
Si creías que los mundos del ambient y la música experimental eran aburridos, nada más lejos de la realidad. No cabe duda que William Basinski y Eartheater son unos cachondos de la vida y que se comportan como auténticas estrellas del rock.
El nivel de la segunda temporada de ‘Drag Race España’ está siendo tal que ya casi ni nos acordamos de la primera. Pero allí hubo un episodio que merece la pena rescatar hoy: «La Noche de las 1000 Rosalías». La imagen de las drag participantes disfrazadas de distintas imágenes icónicas de Vila, aguardando el veredicto del jurado, entre la emoción y el llanto, es de lo mejor que ha dejado el programa. Sobre todo Pupi Poisson con las metralletas del vídeo de ‘Pienso en tu mirá‘ incrustadas en su cuerpo.
Rosalía ha visto todo esto y de hecho ha afirmado que quiere ir al concurso como invitada. Así lo ha manifestado en un Q&A esta semana en Twitter cuando alguien le ha preguntado si veía ‘Drag Race’. «Sí, kiero ir», ha sido su respuesta, logrando que volaran pelucas.
Desde el programa han manifestado rápidamente su entusiasmo con un tuit en el que indican: «Estado actual: MUERTAS. Una motomami tiene pase vip para venir cuando quiera a #DragRaceES». Ya solo queda cuadrar agendas de cara a la 3ª temporada del programa -que se da por hecha dado su impacto social-, lo cual adivinamos que será muy complicado, pero no imposible. Al menos hay intención.
En otros momentos de este Q&A, Rosalía ha recomendado la serie ‘Severance’ de AppleTV que reseñaremos en breve, ha recordado lo que le gusta ‘22 A Million‘ de Bon Iver, ha dicho que la canción nueva que más ganas tiene de interpretar en vivo es ‘Como un G’ y ha vuelto a compartir una playlist de influencias de ‘MOTOMAMI’ donde lo mismo aparece ‘A Love Supreme’ de John Coltrane que ‘Erotica’ de Madonna. ‘Dime’ de Lole y Manuel que ‘Venus as a Boy’ de Björk. Carla Bruni aparece con ‘Quelqu’un m’a dit’ porque es mencionada en ‘La Combi Versace’.
Por otro lado, Pitchfork publica ahora una entrevista con Rosalía realizada hace un mes, en la que habla sobre cuántas vueltas da a las canciones en el estudio. ‘La Combi Versace’ por ejemplo estuvo a punto de entrar en el álbum en una versión completamente diferente -¿quizá por eso suena un poquito a remezcla?-. La cantante afirma que ha estado un año eligiendo entre las muchísimas tomas vocales que ha hecho.
Laura Pausini encandiló a toda Europa la pasada semana con la presentación del Festival de Eurovisión. También con un par de actuaciones. En una semifinal interpretó junto a Mika una versión de ‘Fragile’ de Sting seguida de ‘People Have the Power’ de Patti Smith. Sobre todo después de esto último… ¿a quién le puede caer mal Laura Pausini?
La artista interpretaba en la final de Eurovisión un popurrí de ‘Bienvenido’, ‘Le cose che vivi’, ‘Lo canto’, ‘La solitudine’ y ’Scatola’… pero las cosas no acababan tan bien después de todo. Como muchos usuarios notaron, Laura Pausini se tuvo que ausentar durante 20 minutos de la presentación, mientras Mika y Alessandro Cattelan aguantaban el tipo.
Laura Pausini acudía rauda y veloz a las redes para asegurar que lo que había sufrido era una bajada de tensión, a consecuencia del duro trabajo de «los últimos 6 meses»: «Durante esta final tuve una bajada de tensión y por eso tuve que parar unos veinte minutos por consejo de los médicos que me ayudaron y a los que agradezco mucho», escribía en Instagram.
Sin embargo, finalmente ha resultado ser covid-19. Así lo ha comunicado la propia artista, reconociendo que tendrá que suspender sus próximos compromisos, como el concierto ‘Amor A La Música’ que iba a tener lugar en Florida. En el evento están confirmados Luis Fonsi, Sebastián Yatra y Carlos Vives, entre otros.
La ministra de Sanidad española, anoche en El Objetivo de Ana Pastor, rechazó hablar de 7ª ola de covid-19 pese a lo que podamos percibir en nuestro entorno, debido a la baja presión hospitalaria y la baja ocupación de las UCI’s. Pese a que la incidencia es mucho mayor que en 2021 por estas fechas (850 entre los mayores de 60 años), la ocupación de las UCI’s está en torno al 4%, en lugar de en torno al 18%, gracias al éxito de la campaña de vacunación.
Corría el pasado mes de abril, en concreto el April Fool’s Day, esto es, el Día de los Inocentes en el mundo anglosajón, cuando os contábamos que Sky Ferreira volvía. Al fin tal regreso se ha materializado y la cantante ha anunciado que ‘Don’t Forget’, su nuevo single, saldrá la próxima semana. En concreto el 25 de mayo.
La confirmación no ha estado exenta de drama: el tuit de Capitol que anunciaba este lanzamiento ha desaparecido. Después, Sky Ferreira ha acudido a Instagram y ha escrito: «no entraré en pánico y no lo borraré esta vez», acompañando con una imagen promocional.
La cantante ya había publicado en redes un adelanto de ‘Don’t Forget’, el cual compartía junto a la leyenda «¿me recuerdas?». Un simple logo inspirado en los 80 y un breve fragmento musical en el que se escuchaban guitarras distorsionadas y voces bañadas en reverb eran suficientes para hacer las mieles de sus seguidores y generar un puñado de memes. Capitol Records, el sello de Sky, confirmaba su regreso.
El segundo disco de Sky Ferreira es uno de los mayores mitos del pop reciente. ‘Masochism’ se anunció en 2015, pero su lanzamiento se ha ido posponiendo, posponiendo, posponiendo… hasta que han pasado 9 años desde que la cantante editara su debut largo. ‘Night Time, My Time‘ salió en octubre de 2013. En entrevistas, Ferreira ha sido franca con los problemas de salud que le han llevado a retrasar su disco una y otra vez, tras serle mal diagnosticada una enfermedad que no ha hecho pública.
En todo este tiempo, las novedades musicales de Sky han llegado con cuentagotas. En 2019 lanzó single nuevo, el tenebroso ‘Downhill Lullaby’, que parecía dar un primer paso hacia el lanzamiento de su disco, pero que llevó a la nada. Antes incluso llegó a anunciar un EP del que nunca más se supo. En 2017 se pudo escuchar ‘Easy’, la canción de Sky para la banda sonora de ‘Baby Driver’ y, a lo largo de los años, la artista no ha dejado de colaborar con Primal Scream, Iceage o Charli XCX.
Entre los proyectos extramusicales que han mantenido a Sky ocupada en este tiempo, la autora de ‘Everything is Embarassing’ ha sido portada de Playboy, ha protagonizado un curioso cameo en la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ y ha aparecido en la película ‘Elvis & Nixon’.
El regreso de Sky Ferreira ha subido el «hype» a sus seguidores, entre las cuales se encuentran sus amigas Charli XCX y Grimes, que han expresado su entusiasmo en redes. Ya se bromea sobre la posibilidad de que las tres posen juntas para una versión actualizada de aquella portada de V Magazine que protagonizaron, allá por 2012. Su editor creativo Patrik Sandberg y la propia Grimes aprueban la idea.
sky ferreira fans leaving rihanna and frank ocean fans in the album waiting room pic.twitter.com/OJtmgZEKqR
— don’t forget waiting room day 1 (@coIesIaww) March 31, 2022
Moderat anunció en 2017 su retirada de los escenarios por tiempo indefinido. El trío alemán compuesto por Sascha Ring de Apparat, y por Gernot Bronsert y Sebastian Szary de Modeselektor, se encontraba en el momento de mayor popularidad de su carrera, pero decidió parar para coger aire y centrarse en nuevos proyectos.
Cuando ya no hay nadie que considere a Moderat menos que uno de los grupos de electrónica más importantes de nuestros tiempos, el grupo presenta un nuevo álbum influido por la pandemia y por la sobrecarga informativa de la era digital. Tras su paso por el Sónar, la gira de Moderat pasará por el Sant Jordi Club de Barcelona y el Wizink Center de Madrid, los días 6 y 7 de noviembre, respectivamente. JENESAISPOP es medio colaborador de esta gira, en la que se presentará su nuevo álbum ‘MORE D4TA’.
17.000 personas atendieron vuestro último concierto antes de tomaros un descanso. ¿Veíais insostenible seguir si no os tomabais un descanso antes?
En general no tenemos problema con tocar grandes recintos porque seguimos haciendo la música que queremos. En 2017 llevábamos ya cuatro años de gira tocando con Moderat y con nuestros proyectos en solitario, de repente sale nuestro tercer disco… Fue buena idea porque estábamos inspirados pero, a la vez, terminó siendo agotador. No pensábamos que Moderat iba a ser un proyecto tan longevo…
Por otro lado, aunque (Gernot, Sebastian y yo) no nos llevábamos mal, subconscientemente sabíamos que si no nos dábamos un descanso nuestra relación se pondría fea en algún momento. De hecho, pasamos dos años sin vernos después de separarnos. Quizá estábamos saturados los unos de los otros. Y estábamos saturados de Moderat, porque nuestra vida prácticamente giraba alrededor de la banda, no había cosas nuevas… Y separarnos nos dio oportunidad de hacer otras cosas y de encontrar la ilusión de trabajar en Moderat de nuevo. Si no os visteis durante dos años, ¿en qué momento empezáis a trabajar en el disco?
Mientras trabajábamos en nuestros propios proyectos, Modeselektor dieron un concierto en Berlín, yo me reuní con ellos en el backstage y empezamos a hablar sobre trabajar en un nuevo disco juntos. El periodo de conversaciones también fue muy largo porque teníamos que averiguar en qué lugar estaba cada uno creativamente y como seres humanos. Pasó un año hasta que empezamos a planear la composición del disco. Entonces llegó la pandemia… Y eso nos dio más tiempo para pensar el álbum.
La nota de prensa dice que ‘MORE D4TA’ trata dos temas, el aislamiento y la sobreinformación. ¿Cómo os ponéis de acuerdo con el concepto del disco?
Siempre que hablábamos de posibles conceptos terminábamos en direcciones opuestas. Intentar encontrar puntos en común está bien pero no es sostenible. En este caso, la pandemia ha influido obviamente en el contenido del disco. La pandemia ha reforzado más si cabe nuestro vínculo con el mundo digital. Yo sigo teniendo reuniones por Zoom a día de hoy. El internet domina completamente nuestras vidas. Hace 20 años la idea de la web 2.0 era casi hippy. Representaba una democratización de internet. Todo el mundo contribuía a su creación. A día de hoy esa idea se la han comido las empresas que manipulan lo que debes pensar.
El capitalismo se ha comido internet. ¿De qué maneras el disco reflexiona sobre este tema?
Lo que te he contado es más bien la mentalidad que teníamos durante la creación del disco. El bombardeo de titulares… Estábamos saturados. Ante semejante pesadilla informativa buscábamos un escape. Y Moderat siempre ha sido un lugar en el que nos podemos separar del mundo. Nos concentramos en nuestra burbuja y miramos a nuestro interior.
«La sobreinformación es responsable de que la gente intente buscar la manera más digerible de explicar cosas complicadas»
Cada uno de nosotros buscábamos escapar a nuestra manera. Sebastian y Gernot se iban al campo, y yo visitaba museos con mi hija. Me quedaba observando cuadros durante horas. Observar esos cuadros me servía para entender que todo se repite. Los cuadros renacentistas van de lo mismo: enfermedades, guerras… Un solo cuadro está lleno de este tipo de información.
¿Te inspira la nostalgia?
Observar aquellos cuadros me aliviaba el alma. Sabes que el mundo ha vivido muchas crisis y esperas que no vuelvan a ocurrir, pero mirar esas pinturas te recuerda que estas crisis llevan pasando mucho tiempo. Que otra gente anterior a la nuestra ha pasado por lo mismo.
La gente suele romantizar el pasado, y olvida que las redes sociales han traído cosas buenas. Estamos tan conectados que el mundo se ha vuelto muy pequeño. ¿Qué opinas?
Yo ya no uso redes sociales. Ha perdido la gracia. Hay otras maneras de conectar con amigos que meterte en una web que te dicta la cantidad de palabras que puedes usar. Evidentemente uso mi teléfono, me encanta estar conectado con mis amigos… Y cuando la música electrónica empezó, lo hizo de mano con el auge de internet. Desde siempre han estado conectados. Sin embargo, las redes sociales también permiten conectar a personas en el odio. Es el lado malo.
¿El vídeo de ‘Fast Land‘ reflexiona sobre las «sociedades aceleradas» de Hartmut Rosa? ¿De qué va?
¡Ojalá lo supiera! Cuando trabajo en bandas sonoras suelo ceder el control creativo a los directores. Y con mis proyectos propios hago lo mismo, dejo que los directores hagan lo que quieran, que expresen su visión. Para mí el vídeo tiene un aspecto más emocional que narrativo. Presenta un contraste entre momentos de claustrofobia y otros de euforia colectiva. Me gusta que el arte sea abstracto porque permite que la gente proyecte sus propias interpretaciones en él.
¿Qué opinas de las interpretaciones que hace el público de Moderat?
Me gusta que la gente llegue a sus propias conclusiones. Eso te abre nuevas perspectivas como artista. Y eso pasa cuando tu música es personal. Sin embargo, debo hacer un apunte. En una entrevista, Iannis (Philippakis, cantante de Foals) dijo que había dejado de esconderse en letras abstractas y que ahora eran más personales y autobiográficas, por los que las sentía más honestas. Entiendo que para algunos artistas sea importante actuar de manera honesta pero, para mí, leer sobre un momento concreto en la vida de una persona no tiene tanta magia. Prefiero la parte abstracta del arte porque la veo más poética.
¿Los títulos de las canciones significan algo? ‘DRUM GLOW’, ‘NEON RATS’, ‘DOOM HYPE’… parecen palabras juntadas de manera un poco random, pero tienen como una expresión tecno.
Algunas canciones son instrumentales así que sus títulos no hay que tomárselos demasiado en serio. Las que tienen voces sí tienen una historia detrás. ‘COPY COPY’ está influida por una historia que leí sobre el pintor Francis Bacon, y su obsesión con una pintura de Velázquez que representaba un Papa. Al Papa no le gustaba la pintura porque el estilo de Velázquez era demasiado realista. Años después, Bacon se obsesionó con el cuadro y pintó cincuenta copias del mismo. La reflexión a la que invita la canción es la siguiente: ¿llegas realmente a la perfección repitiendo la misma cosa una y otra vez, o debes saber cuando parar? El trabajo en el estudio es lo mismo. Es muy difícil dar una obra por acabada.
¿Qué significa la portada del disco?
Es obra de Pfadfinderei, colectivo visual con el que trabajamos desde el primer disco. En los tres discos previos salían personajes en las portadas, pero para el nuevo nos apetecía algo diferente. Representa una especie de Tierra plana que se va por el desagüe. La imagen iba a ser solo parte de la portada, en la que de hecho había otro personaje, pero al final se desechó. En Alemania hubo un movimiento enorme de personas que negaban el coronavirus. Algunas expresaban ideas propias de Q-Anon. Algunas personas está tan metida en el túnel que son incapaces de observar los datos. Es perversa la manera en que se creen a pies puntillas una información que es imposible probar. Antes cuando quemaban brujas podías decir que la gente era ignorante, pero hoy, a menos que vivas en Rusia o China, toda la información está a tu disposición. Parece que hayamos vuelto a la era de quemar brujas.
¿La solución pasa por prohibir esas fuentes alternativas?
Es una idea que explora ‘MORE D4TA’. Hay demasiada información. Y esta sobreinformación es responsable de que la gente intente buscar la manera más digerible de explicar cosas complicadas. Y esta gente termina creyendo las teorías más locas porque es fácil creérselas que creerse la verdad.
Rina Sawayama ha anunciado que su segundo álbum verá la luz el 2 de septiembre bajo el título de ‘Hold the Girl’, presentado por el single ‘This Hell’, sobre estas líneas, como se pronosticaba en foros, una mezcla entre Shania Twain y la Lady Gaga de ‘Born this Way‘. Sumamos a C.C. Catch. Además, la cantante británica ha compartido un tráiler en el que pueden escucharse fragmentos de lo que parecen canciones del disco.
‘SAWAYAMA‘, el debut de Rina Sawayama, es una de las sorpresas pop que han dejado los últimos años gracias a su recuperación de varios sonidos asociados al pop de los años 2000, como el teen-pop o el nu-metal. ‘Best Friend’ fue una de las mejores canciones de su año.
2022 será un año movido para Rina, que no solo publica disco sino que se encuentra rodando la cuarta entrega de la saga de ciencia ficción ‘John Wick: Chapter 4’ junto a Keanu Reeves. Será el debut de Rina como actriz, y a lo grande.
Rina se dio a conocer hace unos años gracias a producciones de pop dosmilero tan chulas como ‘Cyber Stockholm Syndrome’. Desde entonces ha conseguido cambiar las reglas del Mercury Prize, ha colaborado con artistas como Charli XCX o Pabllo Vitar o ha participado en el álbum de remixes de Lady Gaga.
Aparte de un par de colaboraciones aisladas que aparecen en su discografía de 2021 -un tema colaborativo a varias manos llamado ‘MPC 2021’ y una versión de ‘Man Next Door’ con U-Roy-, no sabíamos nada de Santigold desde 2018. Este fue el año en que publicaba ‘I Don’t Want: The Gold Fire Sessions‘, aquella mixtape de música jamaicana con la que siempre hacíamos la misma broma: ¿sería este acaso el proyecto que enterraría el esperado disco jamaicano de Rihanna con el que iba a suceder ‘ANTI’? ¿Acaso se parecían demasiado ambos proyectos? Foto: Frank Ockenfels.
En cualquier caso, Santigold está de regreso con un single potente llamado ‘High Priestess’ para el que esta noche se va a publicar un videoclip. De momento, la cantante comparte una larguísima carta en la que explica cómo ha sido el proceso compositivo durante los últimos 2 años hasta llegar a esta canción.
Santigold cuenta cómo fue abandonando «el modo mamá» a medida que fue remitiendo la pandemia, y habla de lo importante que es para ella trabajar con artistas mano a mano, con todos sus mentes y corazones en una grabación, en contraposición a lo habitual en campamentos de composición. Detalla cómo ha trabajado en ‘High Priestess’ con Boys Noize, explicando que quería unir rap y energía punk rock en esta grabación, pero que costó llegar al sonido punk rock que deseaba con elementos modernos.
«La energía que buscaba no podía ser la versión vieja del punk rock, tenía que ser el futuro sonido del punk rock», indica, agradeciendo a su equipo de trabajo una producción que podríamos situar cercana a Peaches.
El remix tenía que llegar este jueves, pero por alguna razón ha aparecido ya en Youtube, quizá por su activación en Nueva Zelanda y Australia. La mala noticia es que no cabe más amor en nuestra corazón para esta improbable resurrección de ‘Frozen’, de la que poco se ha sabido en nuestro país. La buena es que este podría ser el último y definitivo de todos los remixes de ‘Frozen’.
¿Por qué? Tiene nombre propio, se llama ‘Frozen On Fire’ y reúne simplemente a Madonna con el autor de la remezcla viral, Sickick. Este añade unas estrofas al modo en que ya había dejado caer en su canal de Youtube, pero sin que la remezcla se subiera a plataformas oficialmente. Con sus versos y ahora una grabación extra actual de Madonna que se identifica demasiado fácilmente, queda al fin algo parecido a una canción de 3 minutos. Igual hasta si la hubieran subido hace 6 meses ahora tendrían un hit de verdad…
Como era de prever, Bad Bunny es el flamante número 1 de discos en España. Os lo hemos contado en el análisis de la lista de singles porque Benito ha metido las 23 canciones del disco en el top 30, lo cual es la gran rareza de la semana.
Pero han pasado más cosas interesantes en la lista de álbumes de nuestro país. Guitarricadelafuente llega al número 3 de lo más vendido/escuchado en España con su disco producido por Refree, ‘La cantera’. Arcade Fire se sitúan en el número 6 de nuestro país con ‘WE’ tras haber sido número 1 en Reino Unido como acostumbran y número 6 en Estados Unidos. ‘WE’ ha podido ser top 1 en territorios como Irlanda y Holanda, pero no en su Canadá natal, donde ha sido número 3.
Otras gratas noticias son las que producen Belle & Sebastian, que llegan al número 27 en España con ‘A Bit of Previous’. Su álbum de 2015 «Girls In Peacetime» llegó a ser número 12 en nuestro país en aquellos «tiempos de paz» en que no contaba el streaming. En Reino Unido lo nuevo de la banda liderada por Stuart Murdoch llega al puesto 8, en lo que supone su 4º top 10 en total, igualando la máxima posición conseguida tanto por ‘The Life Pursuit’ como por ‘Write About Love’.
Continuando con las buenas noticias, Soft Cell llegan al top 37 de nuestro país con ‘Happiness Not Included’, su primer disco en 20 años, que en Reino Unido ha sido puesto 7; y Cariño llegan al número 46 con su disco homónimo, ‘Cariño’. Ellas además no han podido editar su vinilo a tiempo, por lo que no se han beneficiado de la venta de LP’s como sí Guitarricadelafuente (número 1 en vinilos), Arcade Fire (número 2 en vinilos), Belle & Sebastian (número 10 en vinilos), Soft Cell (número 18 en vinilos) o los invitados de nuestro siguiente párrafo.
Volviendo al top 100 español que suma CD’s, vinilos, descargas y streaming, Kylie se sitúa en el puesto 48 ‘Infinite Disco’, Daft Punk en el 57 con una caja que une ‘Homework & Discovery’ y Neil Young en el 69 con el directo ‘Citizen Kane Jr Blues 1974’, en el 71 con ‘Royce Hall 1971’ y en el 79 con ‘Dorothy Chandler Pavilion 1971’. Como decíamos, todos ellos están entre los vinilos más vendidos del país. Como también Yawners o Nation of Language, que no logran llegar al top 100 del cómputo total.
Mención aparte para Jack Harlow, que es número 41 en España con el controvertido ‘Come Home the Kids Miss You’. El disco que contiene ‘First Class’, uno de los mayores éxitos del mundo en este momento, se ha agenciado un número 1 en discos en Canadá, Dinamarca y Nueva Zelanda, pero no en los principales mercados. Ha quedado en el puesto 3 en el Billboard 200 y en el puesto 4 en Reino Unido. Desde luego, no ha sido por falta de promoción para su sencillo principal.
Para sorpresa de nadie después de sus récords de streaming a nivel mundial, ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny, en toda la plenitud de sus 23 pistas, es el nuevo número 1 de discos en España. ‘MOTOMAMI’ de Rosalía asciende al puesto 2, lo que nos hace preguntarnos quién dominará el verano: si Bad Bunny con sus 23 canciones o ‘MOTOMAMI’ con la edición física y su amplia gira -esta vez, sí- por España.
En esta noticia, en cambio, nos vamos a centrar en la lista de singles, porque es reseñable que Bad Bunny la ha tomado casi por completo, en concreto aparece casi en el 30% del top 100. De manera oficial, los 23 temas de ‘Un verano sin ti’ han llegado a la totalidad del top 30, desde el número 1 de ‘Moscow Mule’ a la reentrada en el número 30 de ‘Callaíta’, certificada como cuádruple platino y tras haber sido número 1 también.
El top 100 español respecto a Bad Bunny queda como sigue:
1.-Bad Bunny / Moscow Mule
2.-Bad Bunny, Jhay Cortez / Tarot
3.-Bad Bunny, Chencho Corleone / Me porto bonito
4.-Bad Bunny / Tití me preguntó
5.-Bad Bunny / Después de la playa
6.-Bad Bunny, Bomba Estéreo / Ojitos lindos
7.-Bad Bunny, Rauw Alejandro / Party
8.-Bad Bunny / Me fui de vacaciones
9.-Bad Bunny / Un ratito
10.-Bad Bunny / Yo no soy celoso
11.-Bad Bunny / Neverita
13.-Bad Bunny / Un verano sin ti
14.-Bad Bunny, Tony Dize / La Corriente
15.-Bad Bunny / Enséñame a bailar
16.-Bad Bunny / Dos mil 16
17.-Bad Bunny / Efecto
19.-Bad Bunny / Aguacero
20.-Bad Bunny, Buscabulla / Andrea
21.-Bad Bunny / El apagón
22.-Bad Bunny / Un coco
23.-Bad Bunny / Agosto
24.-Bad Bunny / Otro atardecer
30.-Bad Bunny, Tainy / Callaíta
Además, Bad Bunny aparece en otras canciones de la lista, propias y ajenas, viejas y nuevas:
58.-Daddy Yankee, Bad Bunny / X última vez
61.-Bad Bunny / Yonaguni
71.-Bad Bunny / La zona
82.-Mora, Bad Bunny, Sech / Volando (remix)
99.-Bad Bunny, Jhay Cortez / Dakiti
Este huracán solo deja espacio para una entrada más en todo el top 100: JC Reyes con ‘Coronamos’ en el 68.
Para alegría de nuestros comentaristas, ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny está conquistando a la crítica también. Un 7 sobre 10, la nota que también le pusimos en esta casa, es la nota más baja que se encuentra para el disco en Metacritic, procedente de la edición americana de Rolling Stone.
AllMusic le ha dado un 9, Pitchfork un 8,4 situándolo como “best new music” y tanto The Guardian como NME le han dado las 4 estrellas, dejando su media en 8,6 en el citado site que reúne críticas del mundo anglosajón. Esto es, muy cerca del 8,8 sobre 10 para la que se considera su gran obra maestra, ‘YHLQMDLG‘.
Hoy renovamos nuestra playlist «Sesión de Control», dedicada al pop nacional o en castellano. Comenzamos llamando la atención sobre el nuevo disco de Chill Chicos, que contiene algunas de las canciones sobre las que ya os habíamos hablado, como ‘NO CHILL’ o ‘Ni tan mal’. También locuras de drum&bass y otros estilos como ‘DICEDICEDICE’. Pero hoy seleccionamos el funky de ‘LUJO$$$O’, con la irresistible frase «Mi sabor favorito, tu toto».
Cristina Quesada presenta otro single del disco que saca en junio y que se llamará ‘Dentro Al Tuo Sogno’. ‘The Only One’ es puro italodisco, tendiendo casi a la balada. A después del verano se nos va el segundo álbum de Betacam, del que ahora conocemos el single ‘Un esclavo, un siervo’, homenaje a un personaje de José Luis López Vázquez y al sonido llenaestadios de los años 80.
Pipiolas, el dúo formado por Adriana Ubani Álvarez y Paula Reyes Morillas, desde Las Palmas y Alcorcón, respectivamente, estrena en Elefant nuevo single. El tema comienza hablando de vinilos de Miguel Bosé, mientras la segunda parte de la canción se rebela. También variada es la procedencia de tomásss, el proyecto de Tomás Estacio y Tomás Bensadón, de 23 y 24 años, y originales de Venezuela y Madrid. ‘veneno’, que estrena videoclip, tiene influencias tan variadas como Devendra Banhart y C. Tangana, y eso solo es durante sus 2 primeros minutos. Después, hay sorpresa.
Aunque para final sorpresa, el de lo nuevo de Califato ¾. El versátil grupo estrena un single de 2 temas, el principal de los cuales es una travesía de 9 minutos dividida en diversas partes. En él, «imaginan unos Romeo y Julieta de rave jonda», algo que comprenderás cuando escuches los últimos 2 minutos de ‘Lô amantê de Çan Pablo’.
Kylu Te Quiero es un grupo que surge en la facultad de Bellas Artes de València en agosto de 2021 de la mano de David (guitarra y coros), junto a Rin (voz y teclado), Sergio (batería) y Ainara (bajo y coros). Estrenan estos días ‘Responsabilidad emocional’, adelanto de un mini LP llamado ‘Bueno, esa es tu opinión’, que saldrá a partir de otoño en el sello Futuras Licenciadas.
Firmado, Carlota estrena ‘Malos tiempos’ en Mushroom Pillow, un tema oscuro en el que se alternan las influencias post-punk con la electrónica retorcida de un James Blake o un TR/ST. Nos recuerda que son «malos tiempos para creer en el amor». También una electrónica muy particular nos presenta Lucas Jesús, el nuevo proyecto del que fuera líder de Joe La Reina, que también se llegó a dar a conocer como Luca Yeezu.
También hay nuevo single de Ruiz Bartolomé (nuevo proyecto de Nine Stories), en este caso ‘El hombre de la Zanfona’. Este tema introduce un nuevo EP que sucede a su proyecto ‘Cancionero del Guadarrama’, que recogía leyendas, personajes, historias y leyendas de la Sierra del Guadarrama, mezclando tradición y vanguardia.
Otro habitual del site o de nuestras playlists es Paco Moreno, que presenta la fresquita rumbita ‘Así es’. Desde Sonido Muchacho, Mediapunta terminan de adelantar su álbum cantando al ‘Mañaneo’; y finalmente completamos la playlist con lo nuevo de LVL1, Maria Jaume con Núria Graham, Rusowsky, Cecilio G con Myto, Besmaya y Fresquito y Mango.
She & Him, el simpático dúo formado por el cantautor M. Ward y la cantante y actriz Zooey Deschanel, ha anunciado nuevo disco, el primero en ocho años. ‘Melt Away: A Tribute to Brian Wilson’ será lo que revela su título, un tributo al cancionero del líder de los Beach Boys, y verá la luz el 22 de julio. El anterior álbum de She & Him, ‘Classics’, también era de versiones.
En ‘Melt Away: A Tribute to Brian Wilson’, She & Him ofrecerán «fascinantes y deliciosos nuevos giros en clásicos consagrados y gemas (olvidadas) por igual». El álbum se compondrá de 14 canciones, entre las cuales se encuentran éxitos como ‘Wouldn’t It Be Nice’ o ‘Don’t Worry Baby’, y contará con la participación del mismísimo Brian Wilson en ‘Do It Again’. She & Him ya colaboraron con Wilson en su álbum de 2015, ‘No Pier Pressure’.
El dúo sitúa la génesis de ‘Melt Away: A Tribute to Brian Wilson’ en la primavera de 2020, en plena pandemia. «Comenzamos una lista de nuestras canciones favoritas de Brian. Elegimos canciones sin tener en cuenta su desempeño en las listas. Las oscuras nos golpean tan fuerte como las canciones más populares, y todas están maduras para volver a imaginarlas, reinterpretarlas y reinventarlas. Brian escribe canciones de belleza, soledad y vulnerabilidad mejor que nadie, y al secuenciarlas junto a canciones populares de confianza, amor y diversión, crea una imagen más completa de la vida en la tierra».
Como adelanto de ‘Melt Away: A Tribute to Brian Wilson’, She & Him han estrenado el videoclip de ‘Darlin’, la pista que abrirá el álbum mediante las armonías playeras que caracterizan a los Beach Boys. El colorido videoclip emplea el habitual recurso estético del anuncio de teletienda.
Darlin’
Wouldn’t It Be Nice
Til I Die
Deirdre
Melt Away
Good To My Baby
Don’t Talk (Put Your Head On My Shoulder)
Don’t Worry Baby
This Whole World
Kiss Me, Baby
Do It Again ft. Brian Wilson
Heads You Win, Tails I Lose
Please Let Me Wonder
Meant For You
García Picasso es el artista granadino afincado en Berlín que crea «música sin género» en sus propias palabras. Entre sus temas destacados se encuentran el house-pop de ‘Soy Picasso’, el híbrido flamenco y tropical de ‘Beso pegao’ con Vinila von Bismark o el indie festivalero de ‘T*nder Date’. Recientemente, Picasso estrenaba el flamenco electrónico de de ‘r e y d e l a l u z’.
Artífice de una estética musical y visual que bebe tanto de la tradición española como la new wave de los ochenta o el arte pop, el artista vinculado a la comunidad Acqustic ha lanzado estos días un nuevo single que se ha colocado inmediatamente entre los mejores de su breve trayectoria.
‘Capitán García’ llama la atención desde el segundo cero gracias a su simpático gancho de organillo de feria, pero García Picasso sube la apuesta después de diferentes maneras. Presenta, en realidad, su producción más bailable y disco-funky, también una de las más pegadizas gracias a las diferentes melodías de «órgano» y teclado que incorpora la grabación, sin renunciar a las siempre agradecidas palmas. La canción se guarda una sorpresa para el final con la entrada de unos sintes tipo rayos láser electro que podrían durar unos cuantos minutos más.
Una de las producciones más ambiciosas y completas jamás firmadas por García Picasso es este ‘Capitán García’ que nos cuenta tres historias diferentes en una sola. Por un lado, el artista se prepara para salir y no sabe si ponerse «una chaqueta dorada o un top del Zara». Por el otro, echa de menos a una persona en la que no deja de pensar. Y entre una cosa y otra, García Picasso desafía a quienes le miran por la calle y hablan.
‘Capitán García’ es un single en el que, según Acqustic, García Picasso «nos muestra su lado más vanidoso y presumido». La canción presenta «un contraste en cuanto a la temática respecto a su último lanzamiento» porque «esta vez García Picasso abandona las temáticas más profundas e introspectivas para adentrarse en un mundo más festivo, desenfadado y banal».
Ni siquiera la avalancha audiovisual de la era de las redes sociales, donde todo es imagen y en concreto vídeo, ha podido acabar con el poder paralizador que ostenta una vieja instantánea. Topas con una foto de tus padres cuando eran guapos y jóvenes, cuando de hecho resulta que se parecían demasiado a ti, y durante unos segundos eres presa de esa nostalgia que decías odiar. Ese es en parte el punto de partida del 7º álbum de Kevin Morby, como nos aseguran tanto su ilustrativo título como su portada: el artista rodeado de retratos enmarcados.
‘This Is a Photograph’ está marcado por dos momentos determinantes: los problemas de salud del padre de Kevin Morby, que le hicieron temer que la enfermedad fuera a llevarle por delante, y un viaje a Memphis en que el autor de la histórica ‘I Have Been to the Mountain’ visitó lugares que han sido determinantes para la historia de la música underground. Entre ellos, un muro dedicado al fallecido Jay Reatard, o el río donde se ahogó Jeff Buckley. Al primero está dedicado el divertido single ‘Rock Bottom’, muy necesario como contrapunto al grueso del largo; mientras el segundo se asoma muy abiertamente por ‘Coat of Butterflies’ y quizá también por ‘Disappearing’ («si vas a Memphis / por favor no vayas a nadar al Río Mississippi»).
Como pasa con los grandes melómanos, el amor por su familia es indistinguible de su amor por los músicos que admira. Los unos le sirven para apreciar a los otros: los arreglos bajo la supervisión del productor Sam Cohen son igual de dedicados en ambos casos. El tema titular es aquel en el que Kevin contempla la foto de su padre, «una ventana al pasado en el césped de la puerta principal, posando sin camisa». Una canción que es puro nervio guitarrero y que concluye «esto es lo que echaré de menos cuando muera / esto es lo que echaré de menos de estar vivo / mi cuerpo / mis chicas, mi chico, el sol».
La misma filosofía la encontramos en el interludio ‘Forever Inside a Picture’, que en la voz de Jerry Phillips recuerda en verdad a otro gran músico que se desarrolló en Memphis: Johnny Cash. «Dentro de una foto, si miras bien la expresión de nuestras caras / te estoy diciendo que te quiero, a ti y solo a ti». Lo cual nos lleva a la canción que le dedica a su pareja Waxahatchee, ‘Stop Before I Cry’, una de las más preciosistas del disco.
Otros momentos de ‘This Is a Photograph’ son más amargos. Kevin Morby no solo tiene amor para regalar o nostalgia hacia tiempos mejores que recordar con una sonrisa. También arrastra consigo ciertos demonios, alimentados por el miedo a la pérdida de un familiar, y así se siente en el recitado de las cosas que se nos agotaron de ‘A Random of Kindness’, que se va creciendo hasta parecer un homenaje a la Velvet, o en la soledad y el amor separado por el envejecer y la enfermedad de que nos habla ‘Bittersweet, TN’.
Kevin Morby, con un timbre que resulta el cruce perfecto entre Lou Reed y Bob Dylan, está muy bien rodeado en este disco. Erin Rae convierte la mencionada ‘Bittersweet, TN’ en un delicioso dueto de música country, con el banjo de Eric Johnson. Cassandra Jenkins está entre las deliciosas coristas de ‘It’s Over’, mientras una docena de pianistas (Jared Samuel), violinistas (Meg, Charlotte y Oliver Hill), saxofonistas (Cochemea Gastelum), etc, dan a ‘This Is a Photograph’ el aire de americana que necesita.
El disco se cierra con ‘Goodbye to Good Times’, no una catarsis épica, pero sí una canción cuquísima en que Kevin Morby recuerda cómo su madre bailaba a los 19, «como Tina, como Tina Turner», y recuerda cómo algunos murieron demasiado jóvenes (Otis Redding), pero subraya cómo algunos de los buenos sobrevivieron (Diane Lane). Un muy bonito 7º disco que se ha redondeado con una exposición llamada ‘This Is A Photograph Of Memphis’ que se ha podido ver en Brooklyn este mes.
Kevin Morby presenta ‘This Is a Photograph’ por primera vez este viernes 19 de mayo en Tomavistas.
Entre las novedades que has podido escuchar esta semana en la playlist de novedades se encuentra el single de regreso de Lidia Damunt. La cantautora murciana afincada en Suecia saca disco el 10 de junio y lo presenta con un estupendo tema en el que nos detenemos hoy.
‘EX’ es un disco de de «melodías directas e inclinación pop» que nace durante la pandemia. En el confinamiento, Damunt se encontró reflexionando sobre el oficio de músico y cómo enfocar la creación en un momento de aislamiento social», y ‘EX’ es el «resultado de un periodo de inactividad musical y creativa durante el cual llegó a considerarse a sí misma “ex-artista”». Lo cual, por supuesto, no se corresponde con la realidad. Y la realidad es que Damunt sigue gozando de inspiración en su oficio.
Un ejemplo de ello es ‘Olvídate de mí’, el segundo avance de ‘EX’. Es uno de los temas más inmediatos jamás escritos por Damunt, lo cual es mucho decir después de que ‘Nacer en Marte‘ ya fuera uno de sus mejores trabajos. Es la Canción Del Día.
Aunque ‘EX’ apostará por el pop, ‘Olvídate de mí’ aún dialoga con el pop-rock de los 80, en concreto con el británico, con un pop-rock luminoso que podemos asociar a bandas como The Housemartins o Prefab Sprout. Hay algo de surfero en las guitarras y las baterías, mientras la voz de Damunt suena tan afectada y carismática como de costumbre. El colofón final lo ofrece un solo de guitarra eléctrica que se acaba solo porque se ha decidido que la canción dure 3 minutos y no 6.
La dimensión veraniega de ‘Olvídate de mí’ se plasma también en una letra que incluye referencias a una playa, a una «palmera que se ríe cuando fumas porque te mareas», y también a un «lago salado donde las palabras nunca han funcionado». Es enigmática la historia que cuenta ‘Olvídate de mí’, y Damunt tampoco es capaz de explicarla. «En ocasiones se escribe sabiendo lo que se quiere contar… y luego están esas otras veces, en las que las cosas surgen de algún lugar para enseñarme algo que antes no sabía», cuenta la artista en Instagram. «Si me preguntas de qué va ‘Olvídate de mí’, aún siendo algo muy mío, no te lo sabría explicar con palabras».
Damunt sí recuerda con detalles la génesis de la canción. ‘Olvídate de mí’ comenzó con una vaga idea en mi cabeza de cómo sería la canción. Tenía tres acordes que iba repitiendo con la guitarra y sobre los cuales cantaba las frases que me iban saliendo. En algún momento de este proceso me di cuenta de que mi idea inicial había desaparecido. Ya no era yo la que escribía una canción sino que la canción me estaba escribiendo a mí».
Según el relato hilvanado por Rolling Stone, Taylor Hawkins tenía dudas de girar y no estaba seguro de si podría seguir siendo un miembro a tiempo completo si la banda seguía realizando giras a ese nivel de exigencia. Hasta 4 testimonios coinciden en esa versión de los hechos, lo cual parece relevante, pues Hawkins falleció en mitad de una gira en Colombia.
Sin embargo, 2 de estos testimonios han emitido comunicados distanciándose de lo publicado por la revista casi de manera inmediata. Afirman que el relato está sesgado, y culpan al periodista de haberse enfocado tan sólo en una parte de sus palabras, pese a que Rolling Stone no es conocida precisamente por su sensacionalismo. Es decir, no es TMZ.
Se trata de Matt Cameron de Pearl Jam y Chad Smith de Red Hot Chili Peppers. El primero ofrecía a Rolling Stone la cita “(Taylor) me dijo que no podía puto hacer esto ya más. Esas fueron sus palabras”. Ahora, se retracta: “Cuando accedí a formar parte del artículo de Rolling Stone sobre Taylor, pensé que sería una celebración de su vida y trabajo. Mis citas han sido sacadas de contexto para construir una narrativa que no tiene nada que ver con mi intención. Taylor fue un querido amigo y un artista de otro nivel. Le echo de menos. Solo tengo amor y respeto por Taylor, Dave y la familia Foo Fighters. Siento haber formado parte de esta entrevista y me disculpo por si mi participación ha generado daño a aquellos que solo respeto y admiro”.
La misma línea sigue Chad Smith, que aparece en el reportaje original diciendo que Taylor estaba “exhausto” y “colapsado”, además de “deshidratado y todas esas cosas”. Ahora afirma: “Me pidieron que compartiera con Rolling Stone lo que pensé que iba a ser el encantador tributo que merecía. En su lugar, la historia que han escrito es sensacionalista y confusa, y si lo hubiera sabido nunca habría accedido a participar. Me disculpo con su familia y amigos por el dolor que esto puede haber causado. Echo de menos a Taylor todos los días”.
La artista emergente Mónica Morado estará este jueves 19 de mayo en Madrid como parte de Vibra Mahou dentro de la programación Escenarios. La iniciativa ayuda a descubrir voces del panorama musical, y esta vez es Mónica Morado la que animará la sala Siroco en Malasaña. La cantante solo tiene tres singles publicados en Spotify, pero en esta actuación presentará su nuevo y primer álbum ‘Ademanes’.
Mónica Morado es una artista con preferencia por lo acústico en el estudio, pero que en Siroco estará acompañada de toda una banda al completo. En sus primeros tres singles se aprecia la influencia jazz y blues con arreglos orquestales, percusiones elegantes y sutiles guitarras.
Aunque Mónica sea madrileña, sus canciones desprenden un aire internacional: ‘Dinamitas’, cuyo vídeo está grabado en diversos rincones de la geografía asturiana, tiene influencias del R&B y el neo-soul. Su segundo single, ‘Final Abierto’, es la canción en la que intenta «tener el look de Harry Styles y la actitud de Beyoncé»: atención a su uso del Auto-Tune. Desde luego, a veces hace falta tener la actitud de Beyoncé para escapar a la presión, reunir valor y marcharte, como dice la canción.
El último de los tres singles, ‘Tierra Quemada’, es la balada del disco, la canción más íntima. Se trata del tema más privado, más reservado, pero es la más luminosa de las tres. «Aunque no pueda volver a brillar lo que al arder se ha consumido, es el principio que se esconde en un final». Un principio que conoceremos en su álbum debut y que se podrá disfrutar este jueves 19 a las 21:00 en la sala Siroco de Madrid. Entradas disponibles aquí.
Como prometió, Kendrick Lamar ha publicado esta semana su nuevo álbum doble, un nada decepcionante ‘Mr. Morale & the Big Steppers’ que incluye colaboraciones de Sampha y Beth Gibbons y será nuestro «Disco de la Semana». El single principal del disco es ‘N95’, que no en vano abre la codiciada playlist de Spotify Today’s Top Hits, donde también aparece más adelante otro tema del álbum, ‘Die Hard’.
‘N95’, hoy nuestra «Canción del Día», es una de las producciones más inmediatas que jamás haya entregado Kendrick Lamar. Dura tan sólo 3 minutos, provocando el modo «on repeat», y lo mejor de ella es su sección de sintetizadores ochenteros. Son esos golpes de teclado lo que recuerda a bandas sonoras gloriosas construidas por bandas de pseudo-jevi, que se encajaron en films tipo ‘Rocky’. Nombres como Survivor, Journey o incluso Europe pueden venir a la mente. Después, el texto grita Kendrick Lamar por los cuatro costados, y la pandemia es lo que está en su punto de mira, de manera más o menos críptica.
Las N95 que dan nombre a la canción son un tipo de mascarillas de protección equivalentes a lo que en España hemos conocido como FFP2. La primera frase hablada de ‘N95’ se refiere de manera muy explícita a la pandemia: «Hola, nuevo mundo, chicos y chicas / Tengo algunas historias verdaderas que contar / Estáis en la calle de nuevo, pero aun así os han mentido».
Kendrick Lamar no se embarca en ninguna teoría de la conspiración, sino que dedica el primer verso -un tanto U2 circa ‘Numb’- a devolver al mundo la libertad, animándole a quitarse otro tipo de mascarillas. Entre sus enumeraciones, desconectar el Wi-Fi, olvidar a tus ídolos, deshacernos de nuestras inseguridades, de las «banderas falsas» y sobre todo de los lujos. Los Chanel, los Dolce y los Birkin no siguen con nosotros en la recomendación de Kendrick, en caso de que los tuvieras.
Cabe el humor en el estribillo, en concreto en referencia a los rostros desconocidos post-pandemia («eres feo como la mierda», proclama), mientras los siguientes versos vuelven a sonar apocalípticos. Entre las cosas que menciona, un «mundo en pánico de mujeres abandonadas y hombres que corren», como él en el videoclip que acaba de publicar para el tema.
Kendrick Lamar termina preguntándose quiénes son los hipócritas y por la empatía entre las diversas comunidades, acabando la canción con una referencia a Oprah y Jay Z, y otra a la cultura de la cancelación. En concreto, el debate entre Oprah y «Jigga» consistía en si hay que censurar la palabra «nigga» o más bien hay que darle un nuevo significado. No nos alecciona aquí, por tanto, el autor de ‘HUMBLE’, tanto como más bien nos da que pensar.
Rocío Saiz es cantante de Las Chillers y Monterrosa, y últimamente has podido verla en directo como artista en solitario presentando las canciones de su disco ‘Amor Amargo‘. Entre ellas, hits como ‘Autocensura’ o ‘Cortisol en sangre’.
La artista ha presentado ya el disco varias veces en directo, pero le aguardan muchas fechas como Mallorca Live Festival, Vida Festival, MadCool, Santander Music Faestival, Sonorama y un largo etcétera. Por eso es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week», patrocinada por Jägermusic, en la que un artista escoge un tema que no tiene nada o casi nada que ver con su carrera. Para sorpresa de nadie, su opción han sido los afters.
¿Por qué has elegido hablar de afters y personas de afters?
Pues voy a ser sincera: porque son las personas más maravillosas, honestas y reales que he conocido en la noche. Cuando llegas al after ya estás de vuelta y media, no importa quién eres y lo que haces, estás en el mismo universo. Ese sí que es el metaverso de verdad. Aclaro que para mí los afters no son en los garitos, sino en el momento en el que ya has pasado por todos y acabas en una casa.
El hecho de que alguien a quien no conoces de nada decida compartir contigo tu intimidad y con otras 20 personas y ofrecerte lo que quieras y necesites coger de la cocina, me parece uno de los gestos más bonitos que te pueden hacer. Muchas veces conoces su verdadero yo, allí no hay trabajos, no hay horarios, no hay orientación sexual ni odio, allí puedes ser quien y como quieras. Puedes pasar de la alegría a la tristeza y viceversa en un segundo, que la gente te va a cuidar.
Evidentemente has pasado muchas fases hasta llegar a ese espacio seguro, se ha caído gente por el camino y ya solo quedáis los que, como decía una amiga mía, «he venido a dar la chapa y a recibirla». En los after se habla muchísimo, muchísimo más que en la vida real, muchísimas más cosas que no tendrías la valentía de hacer en tu día a día. Puede que no vuelvas a ver a esas personas nunca más y eso hace que sea un entorno mágico para dar vueltas a todas esas ideas que te remueven en tu cabeza. O puede que comiencen unas nuevas relaciones de amistad increíbles que nunca te van a fallar.
Para empezar claros: del 1 al 10, ¿cuánto de fácil te lían para ir a un after?
Un 2. Yo no suelo ir mucho de after porque siempre tengo que viajar y luego la cabeza me pasa factura, pero la verdad es que cuando me lío me lío de verdad y me voy tarde. Depende de la gente y el ambiente.
La gente tiene pensado con quién se tomaría un café si tuviera la ocasión. Yo creo que es mucho más divertido y sensato irse de after con esa persona. Dinos cinco personas que juntarías para iros de after.
¡Es que ha habido grandes mixes ya de after! No voy a desvelar secretos pero hay muchas personas con las que no he coincidido. Me encantaría coincidir a día de hoy con Brigitte Vasallo, Pol Guash, Yolanda Díaz, Emma Watson y aunque nunca quedaría con ella, me encantaría coincidir con Ayuso para ver qué diría con la guardia baja. Tengo muchísima curiosidad.
«Me encantaría coincidir con Ayuso en un after para ver qué diría con la guardia baja»
Una canción ajena imprescindible de after, y otra tuya propia que encajaría o incluso has llegado a escuchar.
Canciones mías de after, hemos quemado mucho ‘El Descanso del guerrero’ y ‘Si mañana me muero’. Las que tocan la patata entran mucho en los corazones. Yo siempre pongo ‘Only You’ de Yazoo, bastante en bucle, nos abrazamos todas y veo cómo nos empezamos a mirar y a decirnos a nosotras mismas si estas somos las que queremos ser. Tiene algo el riff de esta canción que te da paz, melancolía y a la vez te inquieta y hace que se muevan cosas en tu subconsciente.
¿Cuál ha sido el after más largo en el que has estado?
Uno en casa de Ana Morgade después de aquel concierto de Las Chillers en el Ocho y Medio cuando hicimos «sold-out». Me fui a las 19.00.
¿Cuando sale el sol, eres de las que les agobia el día y cierran todas las persianas o disfrutas de la radiación solar?
No lo soporto, cierro a muerte todo. Cuando sale el sol me da el sentimiento de culpa y en verano como haga calor con todo lo que llevas encima me parece hasta peligroso. Sobre todo cuando llega el momento de irte a casa y te tienes que ir andando porque estás en alguna ciudad pequeña de festival y no hay taxis.
¿Eres de las que ponen casa o esperas a que tus amigas lo organicen?
Yo nunca he puesto mi casa, excepto en Nochevieja y fue durísimo. Admiro muchísimo a las que incluso les gusta poner su casa. Una vez estuve en una en Barcelona después de una fiesta techno, que tenía un garito instalado en el salón, con luces, bola de discoteca… Estaba preparada para el after.
Un after que nunca olvidarás.
Uno en el piso de arriba del teatro Pavón después de las fiestas de San Cayetano cuando nos dijeron que iban a cerrar.
«Lo que saco de todo esto es que es increíble la voluntad y las ganas que hay de salir de fiesta porque en general todo el mundo lo está pasando mal o tiene una vida muy complicada»
Los afters pueden desencadenar conversaciones de un nivel que solo se pueden dar en esas circunstancias. ¿Alguna vez has dado con una melodía o con alguna canción en estas dilatadas horas?
Pues la obsesion con alguna melodía me suele dar un poco antes, durante la cena. Cuando llego ahí lo único que me importan son las personas, su vida y sus problemas. Y de todo eso sí que he escrito y escribo letras, ideas, o momentos. Lo que saco de todo esto es que es increíble la voluntad y las ganas que hay de salir de fiesta porque en general todo el mundo lo está pasando mal o tiene una vida muy complicada. Y se levantan día tras día con una sonrisa y sin que nadie se entere por lo que están pasando. Eso es lo que más valoro de las personas, la resiliencia.
Hoy, 17 de mayo, es el Día Internacional contra la LGTBIfobia y el Día de las Letras Gallegas. Ambos mundos se derriten y se unen en el último single de Tanxugueiras ‘Pano Corado (Paño Colorido)’. El trío gallego no lanzaba nueva música desde ‘Averno‘ hace casi cinco meses, su colaboración con Rayden, y lo han hecho deshaciéndose de las oscuridades, tinieblas y sombras que las caracterizan para firmar una oda al amor libre, luminoso y diverso.
«Llevamos tiempo guardando un paño. Tiene todos los colores y es para vosotros. Para todos los que merecéis amores». Así presentaron Tanxugueiras el single en sus redes sociales. El paño es un elemento del traje tradicional, y ellas lo transforman en uno lleno de colores: «Paño de todos los colores. Los que lo quieren negro, no merecen amores». La canción va acompañada de un videoclip que quiere romper moldes y estereotipos, con todo tipo de parejas besándose apasionadamente. Desde dos futbolistas contrincantes, a dos bomberos, el grupo ha intentado plasmar situaciones en las que la heteronormatividad está muy presente.
El trío canta para reventar las viejas cadenas de los amores prisioneros. Esos que no viven en libertad. «Queremos normalizar el amor y la vida. Queremos destruir barreras. Que cada cual se sienta libre de amar a quien quiera, que cada cual disfrute del amor, de la vida, de si misma, de su sexualidad o de su identidad como quiera». Es muy positivo que los más jóvenes puedan encontrar referentes que los entiendan y los apoyen como las tres pandeireteiras en esta canción.
(@azealiabanks)
Una motomami tiene pase vip para venir cuando quiera a #DragRaceES». Ya solo queda cuadrar agendas de cara a la 3ª temporada del programa -que se da por hecha dado su impacto social-, lo cual adivinamos que será muy complicado, pero no imposible. Al menos hay intención.
