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Mira Paula / Oh La La

En este océano perpetuo de decenas y cientos de novedades musicales, realmente necesitas una canción que destaque por encima de la media para debutar. Mira Paula ha conseguido llamar la atención no con una, ni con dos, sino con tres canciones incluidas en este EP de debut. En este caso, además, no estamos solos: las 3 se aproximan ya a los 100.000 streamings en Spotify.

Paula Ruiz es una joven artista multidisciplinar nacida en Alicante y afincada en Madrid, que además de haber dado sus primeros pasos en la danza y el teatro, toca en la banda de Natalia Lacunza, en Ganges y en un proyecto llamado Violeta. En Mira Paula mandan por encima de todas las influencias francesas. Y lo digo en plural porque a un universo sonoro en el que podríamos hablar del Benjamin Biolay más versátil, hay que sumar todo un universo cinematográfico muy variado. Su gran primer tema se llamó ‘Godard’; la actriz Marion Cotillard es la gran referencia por que apuesta su nota de prensa.

El «name-dropping» puede ser muy pedante, insoportable ya tantas décadas después de ‘Bande à part’ o ‘Vivre sa Vie’, que tantos blogs, música, otras películas han inspirado. En el caso de Mira Paula es más un vehículo para canalizar sus emociones que para dárselas de lista. ‘Godard’ es una canción post-ruptura que se avergüenza de su patetismo («Es todo tan absurdo que me da vergüenza mi estado mental»), conectando con el universo a flor de piel que nos suele presentar La Casa Azul.

Algo que confirma el costumbrismo de ‘Buena gente’, donde parece que va a salir Guille Milkyway en cualquier momento para hacer coros, en concreto en la parte de «me gustaría ser siempre buena gente». Es, en cambio, Ganges, quien se acerca a hacer un dúo en ‘Alice et Moi’: «he pensado un plan para las dos / Palomitas en el Cine Ideal / Y pinchar discos en cualquier bar / Tú y yo Alice et moi». En otra ciudad (da igual cuál), en otro género (más aún), esto podría ser una letra de ‘El sonido efervescente de La Casa Azul‘.

La producción, a cargo de Bearoid, es más francesa, insisto, y también más italo. Esa base musical es la perfecta para que las letras de Mira Paula sean más habladas que cantadas, lo que funciona especialmente en ‘Buena gente’ dada su cotidianidad. «Me siento a veces tonta» es su irresistible estribillo, uno de esos capaces de llevarte a las lágrimas, pero atención también a la segunda estrofa: «Bebo zumo a la mañana, hago cada día en la cama / Me dedico al deporte, me acuesto antes de las 12 / Voy al parque los domingos, cada tarde leo un libro / Hago yoga, nunca fumo, no me drogo, como mucho / He cerrado Tinder, ya no ligo entre semana». Mientras la producción de la canción pelea por levantarse, Paula lucha por autoconvencerse, por recomponerse a su vez.

Hay pocos casos en que el tema más bailable de un disco no resulte inmediatamente el mejor, y eso sucede en este EP con ‘Alice et Moi’, que no obstante viene muy bien situado en el centro de las 5 canciones, antes de que ‘Oh La La’ se cierre con una versión electropop de Édith Piaf y una balada acústica más en la onda de Carla Bruni. Ana Curra ya había castellanizado ‘Rien de rien’, y si aquella fue una rarísima reflexión sobre el fin de la Movida, esta llama la atención por su carácter violento. «Llevo capa y mortero y cuchillos de hierro, ahora en mis ratos libres puedo empezar de cero», proclama Mira Paula haciéndonos pensar en Maria Rodés en su teatralidad. Un EP riquísimo, nunca derrumbado por sus múltiples referencias, que debería augurar un 2023 fantástico para esta artista novel.

Cuando la gente da la chapa sin saber de qué está hablando

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Airbag han publicado estos días un nuevo álbum llamado ‘Siempre tropical’, encabezado por una colaboración con Jota, ciertamente muy planetera, llamada ‘Finales alternativos’. Entre títulos tan marca de la casa como ‘Viva John Hughes’ o ‘Secretos chinos’, me ha llamado la atención el tema ‘Una pena lo de Mario’. Es nuestra “Canción del Día”.

Sátira de ese nuevo personaje que se cree todo lo que lee “en cualquier diario”, ‘Una pena lo de Mario’ me ha sonado personalmente a ese amigo, vecino o tendero que de repente se pasó a votar a VOX (o a su presidenta afín Isabel Díaz Ayuso). Hablamos con los propios Airbag (responde Adolfo Díaz, el cantante) sobre esta canción. Sin dar nombres ni siglas, sí confirman su sentido político.

Indica Díaz: «Va sobre esa gente a la que de repente se le agria el carácter, gente que antes no era así y de repente empieza a dar la brasa con ciertos temas. No habla estrictamente de política, aunque la política es uno de los temas donde más dan la brasa este tipo de personas. Las chapas más impresionantes que da la gente por redes sociales suelen ser de carácter político o social. Es preocupante cuando la gente da la chapa encima sin saber de lo que está hablando. «De nada entiende y de todo habla», como dice la canción. Y todo lo arreglan excusándose con un «yo soy así». Uno piensa: «¿así cómo, gilipollas?». Nunca hemos entendido esa frase de «yo soy así» para un carácter de ese tipo».

¿Existe Mario realmente, es un nombre simbólico? ¿Cómo surgió la canción? Responde Adolfo de Airbag: «Lo primero que surgió fue el título. Queríamos hacer un guiño a ‘It’s a Shame About Ray’ de Lemonheads, disco y canción. Queríamos un título en esa onda, y nos salió ‘Una pena lo de Mario’. A raíz de eso, decidimos hacer una canción sobre este tipo de gente. Gente que empieza a hablar de todo, que no admite un no por respuesta, que no escucha, que cree llevar razón en todo y con la que no se puede hablar ni discutir. Primero salió el título y luego lo encajamos en ese perfil que desgraciadamente nos inunda no solo en las vidas personales, sino también en las redes sociales. No es una persona en concreto, sino un concepto de ese perfil».

Respecto a la música en sí, este tema es menos Ramones, y parece más inspirado por Yo La Tengo y Smashing Pumpkins. Airbag nos dan la razón, más o menos: «El riff de guitarra es muy indie rock de los 90, que siempre ha sido una influencia aunque no ha aflorado tan claramente. En los últimos discos sí está, en canciones como ‘El puente de los alemanes’ o ‘Disco Azul’ del EP (‘Discotecas’). Es muy Dinosaur Jr, también Smashing Pumpkins, cuya influencia siempre ha estado ahí. Con Airbag te viene a la cabeza el cliché de grupo ramoniano pero tenemos muchas más influencias de lo que parece. Yo La Tengo es el grupo favorito de Pepe, el bajista, y por algún lado tiene que salir. Está ahí y este disco tiene ese aura, creo yo».

La 5ª temporada de ‘The Crown’ se promociona con The Verve

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Muy mal se le tiene que dar a Netflix para que la 5ª temporada de ‘The Crown’ no sea un apoteósico éxito. Es la primera que se emite tras la muerte de Isabel II en la vida real, y es la que tratará los años finales de Lady Di.

Se podrá ver a partir del 9 de noviembre, y estos días se ha dado a conocer el tráiler, que recoge, entre otras cosas, una entrevista concedida por Lady Di en 1995, por la que la BBC ha pedido disculpas recientemente en cuanto a sus métodos.

En esta temporada Imelda Staunton, Dominic West de ‘The Affair‘ y Elizabeth Debicki serán los actores encargados de dar vida a Reina, príncipe Carlos y Diana de Gales, respectivamente; si bien hay otra cosa que llama la atención de los melómanos. La música que suena en el tráiler es ‘Bittersweet Symphony’ de The Verve.

La elección no es casual. La que fuera la Mejor Canción de 1997 estaba siendo un éxito justo cuando Diana murió. Lady Di falleció en un accidente de tráfico el 31 de agosto, mientras que la canción había sido editada en junio de 1997, alcanzando el número 2 en Reino Unido y sobreviviendo en las listas durante varios meses. Para el tráiler se ha ideado una versión con predominio de lo «agrio» sobre lo «dulce», suponemos que en sintonía con los hechos que aguardan en estos capítulos.

Os recordamos que finalmente en 2019 Mick Jagger y Keith Richards donaron los derechos del tema a The Verve. Así, Richard Ashcroft sería el único autor de la canción, tras décadas de conflicto, si bien los créditos de Spotify continúan diciendo lo contrario.

¿Cuál es el verdadero mejor disco de Tove Lo?

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‘Dirt Femme’ de Tove Lo es nuestro Disco de la Semana. Editado ya fuera de una multinacional, espera al álbum una distribución y una difusión en general mediocre. Sin embargo, ha entusiasmado a parte de la redacción, donde se ha llegado a escuchar que estamos ante el mejor disco de la artista.

Animados por este debate, 4 redactores de JENESAISPOP seleccionan su disco favorito de Tove Lo. De manera orgánica, los 4 participantes han escogido 4 discos diferentes, y solo nos ha faltado una 5ª persona para seleccionar el notable ‘Sunshine Kitty’, que también os recomendamos. Pasen, disfruten… y voten.

‘Queen of the Clouds’, por Sebas E. Alonso
Cuando escribí el libro sobre los mejores discos de la primera parte del siglo XXI (entre 2000 y 2019), tenía claro que Tove Lo tenía que estar. ¿Pero con qué álbum? Después de reescuchar los 4 que había por aquel entonces y comerme muchísimo la cabeza con unas cosas rarísimas, decidí volver al principio. Al más popular, para que aquel que todavía no conociera a Tove Lo comenzara por el principio también.

El debut ‘Queen of the Clouds‘ (2014), además de incluir la histórica ‘Habits’ y ‘Talking Body’, esto es, los 2 mayores éxitos de toda su carrera, con los que ni ‘Euphoria’ pudo, ya era un álbum conceptual. Se dividía en 4 partes: sexo, amor, tristeza y bonus tracks, por lo que realmente no ha habido gran revolución después, mucho menos en el deslavazado e inconexo ‘Dirt Femme’… ¿podemos decir ya que sobrevalorado entre sus fans? La atrevida ‘Like Em Young’, la canción de autoaceptación ‘Moments’, la loquísima ‘Timebomb’, la preciosa ‘Thousand Miles’… ya contienen la esencia de Tove Lo. De hecho, tengo la teoría de que urge a la sueca algún tipo de reinvención.

‘Lady Wood’, por Jordi Bardají
Tove Lo ha publicado varios hits a lo largo de su carrera. Sin embargo, ‘Lady Wood‘ (2016) es su obra mejor cerrada. Se trata de un disco conceptual dividido en dos partes que narra los «momentos altos y bajos de una relación y su inevitable final». El disco está hilado con interludios, y las buenas canciones se suceden una tras otra apoyadas en una producción electrónica elegante y refinada, tan fría, por cierto, como esa ‘Cool Girl’ que representa toda la carrera de Tove Lo en una canción.

Es uno de sus mayores éxitos y está aquí incluido, pero no se pueden pasar por alto tampoco el sensual house-pop de ‘Influence’, el synth-pop colosal de ‘True Disaster’, el tecno de ‘Keep it Simple’… Si el debut de Tove Lo prometía, ‘Lady Wood’ representaba lo grande que puede llegar a ser, aún a día de hoy.

‘Blue Lips’, por Pablo Tocino
Cinco años después de su edición, ‘blue lips‘ (2017) no ha perdido ni un ápice de la magia que le encontré a finales de 2017; de hecho, hoy le pondría una nota más alta que en aquella reseña, y si no me parece el mejor disco de 2017 es porque ese año se editó ‘Melodrama‘. Desde entonces, aunque Tove haya perfeccionado la producción, ningún disco le ha salido tan redondo: entre dos maravillas como ‘disco tits’ y ‘hey you got drugs?’ vemos que no sobran ni los interludios (a diferencia de otros forzados que confunden “álbum conceptual” con “pedante”, hoy sigo escuchando ‘LIGHT BEAMS’ y ‘PITCH BLACK’ incluso fuera de la secuencia).

Éstos separan un capítulo guarrísimo que grita “bop” en cada canción con otro en el que, en lugar de subir las pulsaciones de su corazón, nos lo muestra abierto en canal. Incluso los cortes más discretos (‘romantics’) exudan vísceras, porque en ‘blue lips’ Tove Lo sencillamente coge sus entrañas, las pasa por su maestría en la creación de melodías, estructuras (ese puente-outro de ‘stranger’, y la canción en sí, es sencillamente de lo mejor que ha hecho), atmósferas y ganchos, y lo convierte en un disco. Eso es ‘blue lips’.

‘Dirt Femme’, por Fernando García
Con cinco álbumes a sus espaldas, Tove Lo puede presumir de tener un buen número de canciones que, si suenan en una discoteca y estás cansado y a punto de irte, son capaces de que te quedes a darlo todo un rato más. Desde su debut, ha ido paulatinamente puliendo su fórmula: un electropop con estribillos explosivos y letras vulnerables y sexys. Su trabajo más logrado, para mí, es su último.

Dirt Femme’ es un álbum que si bien no ofrece nada particularmente novedoso, sí que es una colección de grandes canciones pop realizadas y producidas con buen gusto. Además, cuenta con algunos de los mejores cortes de su carrera como ‘Grapefruit’, en el que destaca su espectacular estribillo; el adictivo synthpop de ‘No One Dies from Love’, que crece a cada escucha; o la juguetona y divertidísima ‘2 Die 4’, que samplea ‘Popcorn’ de manera ejemplar.

Puede que la cantante aún no haya logrado un álbum incontestable (aquí ‘Kick in the Head’ está un poco fuera de lugar y ‘How Long’, aunque sea estupenda, es un cierre un tanto extraño), pero la impresión que deja ‘Dirt Femme’ es que está más cerca que nunca de hacerlo.

¿Cuál te parece el mejor disco de Tove Lo?

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Taylor Swift bate el récord de streamings diarios con ‘Midnights’

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Nunca un disco se había escuchado tanto en un día. Taylor Swift bate el récord de disco más escuchado en 24 horas tanto en Spotify -que tiene sus datos públicos-, como en Amazon Music, que ha comunicado el récord en una nota de prensa.

El single ‘Anti-Hero’ debuta en el número 1 global de Spotify con 17,4 millones de reproducciones en un día, seguido de ‘Lavender Haze’ en el número 2 con 16,4 millones… y a continuación el resto del disco al completo.

Las 13 canciones de ‘Midnights’ ocupan el top 13 de lo más oído en todo el mundo, desplazando a ‘Unholy’ de Sam Smith y Kim Petras al puesto 14. La versión deluxe del disco de Taylor, llamada ‘3am’, aparece algo más abajo. Así queda el global de Spotify en este momento:

1.-Anti-Hero 17,390,253
2.-Lavender Haze 16,419,161
3.-Snow On The Beach (feat. Lana Del Rey) 15,030,183
4.-Maroon 14,422,463
5.-You’re On Your Own, Kid 12,842,734
6.-Midnight Rain 12,578,139
7.-Vigilante Shit 11,875,754
8.-Question…? 11,563,475
9.-Karma 10,776,931
10.-Bejeweled 10,483,302
11.-Labyrinth 9,841,164
12.-Sweet Nothing 9,211,064
13.-Mastermind 9,137,209
22.-The Great War 3,683,060
23.-Bigger Than The Whole Sky 3,643,214
26.-Would’ve, Could’ve, Should’ve 3,518,231
27.-Paris 3,416,679
34.-Glitch 2,916,058
37.-Dear Reader 2,779,744

Eso sí, a nivel global, el single ‘Anti-Hero’ no ha logrado batir el récord de streamings diarios del último primer single de Adele, ni tampoco alcanzar el mejor día de ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey, pero sí meter 2 temas en el top 4 histórico.
1. Easy On Me (19.749M)
2. All I Want For Christmas Is You (17.42M)
3. Anti-Hero (17.39M)
4. Lavender Haze (16.419M)

En el Spotify de Estados Unidos, Taylor Swift ocupa los 17 primeros puestos con canciones de ‘Midnights’, la última de las cuales está en el puesto 22. En Reino Unido, Taylor ocupa el top 13 al completo con la edición estándar, pero en el puesto 16 empiezan a aparecer temas de ‘The Car’ de Arctic Monkeys.

En España, todo este furor se diluye y no encontramos el single ‘Anti-Hero’ hasta el puesto 16, lo que dificulta su entrada directa al top 10. ‘Lavender Haze’ ha llegado al número 23 en Spotify España, el “dúo” con Lana del Rey al número 25 y hasta 7 canciones de ‘Midnights’ han llegado al top 50.

‘Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer’: relato de un asesino en serie con discurso social

Jeffrey Dahmer asesinó a 17 jóvenes entre 1978 y 1991. Su caso conmocionó al mundo entero y se convirtió en una de las figuras más aterradoras del siglo XX, no solo por la brutalidad de estos crímenes, sino porque también practicó canibalismo y necrofilia con algunas de sus víctimas. Su historia ha dado lugar a infinidad de libros, películas, reportajes y series de televisión desde su encarcelamiento en 1991.

‘Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer’, la última producción del prolífico Ryan Murphy para Netflix, se adentra en la psique del célebre asesino en serie a la vez que da voz a sus víctimas. El éxito de la miniserie en la plataforma demuestra que por mucho que la historia se haya contado en un sinfín de ocasiones, algo tan perverso, siniestro e inmoral nunca va a dejar de causar fascinación y morbo.

‘Dahmer’ despliega multitud de frentes y líneas temporales entrelazadas para buscar respuestas, hacer justicia a las víctimas y denunciar la negligencia policial -motivada por un arraigado racismo- que propició una mayor cantidad de crímenes.

Por un lado, se muestra la evolución de Dahmer desde su infancia y adolescencia. Ambas estuvieron marcadas por un ambiente hostil en su propio hogar, donde las continuas y acaloradas discusiones entre sus depresivos padres impedían que ninguno de los dos le prestase atención. De pequeño lo único que parecía interesarle era diseccionar animales muertos en el garaje, algo que su padre le había enseñado como experimento científico. Dahmer siempre se vio a sí mismo como un “outsider”, alguien que no encajaba en la sociedad. Algo que se fue haciendo progresivamente evidente cuanto mayor se hacía, dando lugar a su más oscuro secreto: un impulso irrefrenable de satisfacer sus deseos sexo-afectivos ejerciendo un pleno control sobre los chicos que le gustaban.

Por otro lado, la serie en ocasiones se aleja de Dahmer y elige diferentes puntos de vista externos para equilibrar la narración. Se apoya en los de las víctimas y los familiares de estas, pero más especialmente en el de Glenda Cleveland, la vecina de Jeffrey cuando este vivía solo en su apartamento de Milawaukee, quien llamó en innumerables ocasiones a la policía por el hedor que provenía del apartamento del asesino y por los múltiples gritos y ruidos que escuchaba constantemente desde su casa.

Aquí subyace un componente sociopolítico fundamental en la serie de Murphy. Las voces de la comunidad afroamericana estaban completamente silenciadas y su protección no era una preocupación para nadie. De hecho, que la gran mayoría de las víctimas fueran hombres negros o de etnias diversas, es un dato que la serie no expone como casual, sino que deja entrever que esto podía reflejar un rasgo de la inteligencia de Dahmer, quien sabía que era mucho más difícil que lo descubrieran atacando a minorías.

Es precisamente en la insistencia de su aspecto social donde ‘Dahmer’ evidencia su vertiente más efectista y la menos interesante. Subrayar su mensaje puede acercarla a un público más mayoritario, pero la serie siempre es mucho más relevante cuando sus temas están sugeridos que cuando te los lanza a la cara. La eterna cuestión acerca de si el mal existe per se –y si este puede ser hereditario- o si lo creamos está introducida de manera fascinante, haciendo que los momentos dedicados a Jeffrey y a su retorcida visión del mundo enriquezcan enormemente el discurso de la serie.

Y es que para descifrar el porqué de algo tan horrible hay que intentar acercarse a la mente del culpable y, de alguna manera, humanizarlo, por muy frívolo que esto pueda sonar. Dahmer (interpretado por un colosal y magnético Evan Peters) era una persona profundamente traumatizada por su pasado, muy consciente de que lo que hacía era horrible y aun así, imposible de frenarse a sí mismo. Su desensibilización y falta de empatía con el mundo y, a la vez, su búsqueda desesperada por no estar solo –comerse a sus víctimas y guardarlas en casa era una manera de que se quedaran siempre con él- es una paradoja que sigue siendo objeto de estudio, y una prueba extrema de lo lejos que pueden llegar los traumas infantiles si no se tratan a tiempo.

‘Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer’ no ofrece información que no se haya revelado anteriormente y tampoco es cinematográficamente revolucionaria, pero sí nos adentra en una psicología complejísima de la forma más accesible y entretenida posible a lo largo de sus 10 capítulos.

Daphni / Cherry

Cuando Caribou no está sacando disco estelar tras disco estelar, su mente pensante, Dan Snaith, dedica labor a su otro proyecto, Daphni. Producciones como ‘Sizzling‘, basada en el sample de un hit desconocido de los 80, han demostrado que Daphni puede llegar a ser más que un proyecto paralelo en el que verter ideas que no encajan en el principal.

‘Cherry’, el nuevo álbum de Daphni, confirma tal apreciación, aunque con matices. El disco, más una playlist que una obra bien cerrada como lo suelen ser las de Caribou, contiene buenos momentos, pero también otros que dejan menos huella o que se antojan directamente innecesarios, y que descompensan una secuencia que podría estar mejor pensada.

El LP arranca bien con el house emotivo de ‘Arrow’ y, sobre todo, con las campanitas dislocadas del corte titular, el más peculiar de todos. De aquí podría haber surgido la dirección artística del disco, pero Daphni prefiere irse por otros derroteros y, si en ‘Always There’ entrega una elaborada producción con influencias latinas, en ‘Takes Two’ se sumerge en un disco-house efectivo pero poco personal.

Es a continuación cuando ‘Cherry’ empieza a hacer aguas. Los arpeggios cósmicos de ‘Crimson’ no llevan a ninguna composición sólida, ‘Arp Blocks’ es directamente un experimento al sinte que no se sabe muy bien cómo ha terminado dentro del disco, ‘Falling’ promete un hit pero se queda en interludio, y los disparos sci-fi de ‘Karlpus’ tampoco desembocan en una composición interesante.

Esto no significa que no haya otros momentos a destacar en ‘Cherry’. Aún no hemos hablado del mejor single del disco, ‘Cloudy’, que, con su loop de piano, se presta a repetidas escuchas. Y, si las percusiones de ‘Mania’ y, sobre todo, los destellos de ‘Clavicle’, prometen ese álbum luminoso que ‘Cherry’ canción parecía avanzar, pero que realmente no es, la obra se cierra por todo lo alto con el piano house de ‘Fly Away’.

El otro Alex Turner que también «triunfó» en 2022

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La edición de ‘The Car’ de Arctic Monkeys nos recuerda que hubo otro Alex Turner que «nos conquistó» este verano. Y nótense las comillas, porque realmente el «triunfo» de este otro Alex Turner es relativo.

Se trata del primer single del segundo disco de las exitosas Ginebras, tras la aceptación de ‘Ya dormiré cuando me muera‘. A día de hoy este ‘Alex Turner’ está por encima del medio millón de reproducciones en Spotify. Con sus posibilidades de aparecer en las listas de lo mejor de 2022, la recuperamos hoy como «Canción del Día».

‘Alex Turner’ tiene toda la energía habitual de los singles verbeneros de Ginebras. Esta vez suman el atractivo de la palabra «GILIPOLLAS» en uno de sus estribillos más certeros. Y es que la canción no es exactamente sobre Alex Turner sino sobre alguien que trata de parecerse a él tan sólo para impresionarnos. Entre ‘That Don’t Impress Me Much’ de Shania Twain y el refranero español («aunque la mona se vista de seda, mona se queda»), su público grita ya en sus conciertos eso de «yo sigo siendo la misma y tú sigues siendo un gilipollas».

Oficialmente, la canción de Magüi, Sandra, Raquel y Juls estaba «dedicada a todas aquellas personas que pasan de ti y al tiempo vuelven por algún interés. Porque estás más guapa, porque tienes éxito o por el motivo que sea se acerca intentando imitar a Alex Turner porque sabe que te mola».

En el videoclip Ginebras se dedican a gritar su lema a los cuatro vientos. Dirigido por Martina Hache y protagonizado por Paula Verdera, muestra a muchos «Juanes» que ofrecen muchas caras, pero «la misma decepción». Hay mansplaining, caballeros de siglos pasados, salvavidas y laca en forma de parodia. También está disponible ‘Ansiedad’, el segundo single del próximo largo de Ginebras.

Ed Sheeran, frustrado por el abandono de James Bond

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En algún momento de 2019, algunos medios publicaron que Ed Sheeran iba a escribir el tema principal de lo que iba a ser la nueva película de James Bond. El rumor era cierto, pero al final a quien escuchamos escribir y entonar la canción fue a Billie Eilish. El autor de ‘Thinking Out Loud’ acaba de explicar lo que ha pasado.

Edward Christopher sí se encontraba escribiendo el tema principal de la película de James Bond que se estrenó finalmente después del tramo duro de la pandemia. Pero hubo un cambio drástico de decisión. “Cambiaron a los directores y entonces cambiaron a los guionistas y eso fue todo. Habíamos hecho todas las reuniones, había empezado a escribirla… No voy a fingir que no me dolió no hacerlo”, ha declarado en un podcast. ¿Quizá sus acordes y melodías suelen ser demasiado luminosos para lo que se espera de las bandas sonoras de James Bond?

No fue tampoco 100% gratificante la experiencia para Billie Eilish, quien vio cómo la canción se estrenaba meses y meses antes que la cinta, debido a la pandemia. Para cuando ‘Sin tiempo para morir’ llegaba a los cines, el recorrido comercial de la canción ‘No Time to Die’ había terminado: hacía nada menos que un año y medio que el tema había salido. Eso sí, Billie Eilish puede presumir de haber ganado un Oscar con ella.

Tras la edición de ‘=‘, que no ha sido precisamente su disco más vendido -sin ser tampoco un “flop”-, Ed Sheeran lleva un 2022 de lo más entretenido entre colaboraciones con Taylor Swift, J Balvin, Lil Baby y ahora Pokemon. Con el juego de ‘Pokemon’ ha presentado el tema ‘Celestial’.

The 1975 triplican las ventas de Red Hot Chili Peppers en UK

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Sabíamos que The 1975 era un grupo muy querido en Reino Unido. Pues bien, lo sigue siendo aunque ‘Being Funny In A Foreign Language‘ no sea su trabajo más comercial. El 5º disco de The 1975 es el 5º número 1 para The 1975 en este país y lo es con cifras de lo más saludables.

‘Being Funny In A Foreign Language’ ha vendido en 1 sola semana casi 41.000 copias, lo que le asegura el disco de plata (60.000) y probablemente el de oro (100.000) si Radio 1 continúa radiandoI’m In Love With You‘ de aquí a la Navidad. De esas 41.000 unidades, 15.000 han sido vinilos, 12.000 han sido CD’s, 4.000 han sido cassettes y 1.000 han sido digitales. Además, hay que sumar 8.000 en puntos de streaming.

The 1975 se unen a la lista de bandas que han llegado al número 1 de las listas británicas con todos sus álbumes: The Beatles (11), Coldplay (9), Oasis (7), The Killers (7) y Arctic Monkeys (6, pronto 7 si Taylor Swift lo permite).

The 1975 han vendido más que el resto de todo el top 5 al conjunto, y eso se lleva por delante las modestas ventas del nuevo disco de Red Hot Chili Peppers. ‘Return Of The Dream Canteen’ queda en el número 2 con 12.000 copias, tan sólo. Es su peor dato desde que debutaran en 1991 con ‘Blood Sugar Sex Magik’. En 2006, llegaron a vender más de 200.000 unidades en sólo 7 días de ‘Stadium Arcadium’.

En Estados Unidos, teniendo en cuenta que los Red Hot son americanos, hay un pequeño cambio de tornas. Se espera según HDD que The 1975 lleguen al puesto 7 con “Being Funny” y los Red Hot al puesto 3. Pero quien se queda el número 1 es Lil Baby con las 210.000 unidades vendidas de ’It’s Only Me’.

Este mismo año Red Hot Chili Peppers debutaban en el número 1 de medio mundo (Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Alemania, Australia, largo etcétera) con ‘Unlimited Love‘. Parece que el público ha interpretado esta como una triste segunda parte, pues las canciones fueron grabadas durante las mismas sesiones.

Yeah Yeah Yeahs logran su 2º top 1 en JENESAISPOP

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Puede que Yeah Yeah Yeahs llevaran 9 años sin sacar disco, pero en su momento fueron un grupo muy querido en JENESAISPOP. ‘Zero’ fue número 1 de nuestro top, ‘Sacrilege’ quedó cerca (fue top 2 tan solo por detrás de un tema de ‘The Next Day’ de David Bowie), y ahora es el momento de ‘Wolf’, la canción más comercial de su última entrega ‘Cool It Down’. Es lo más votado de la semana, dejando a la mismísima Rigoberta Bandini en el número 2 con su último single.

La entrada más fuerte es la balada de The 1975, ‘I’m In Love With You’, directa al top 6. Un puesto por encima de lo nuevo de Christine and the Queens. Entran lo nuevo de SAULT, Ralphie Choo, Menta, mariagrep y Tegan and Sara. Pero también hay que hablar de la subida de Fred again… que tras 5 semanas de escalada, al fin lo encontramos en el top 20 con “Danielle”.

Entre los temas que hay que despedir esta semana está ‘SAOKO’ de Rosalía, que fue número 1 y ha durado 27 semanas en lista.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 4 1 2 Wolf Yeah Yeah Yeahs Vota
2 3 2 2 Canciones de amor a ti Rigoberta Bandini Vota
3 1 1 4 CUFF IT Beyoncé Vota
4 6 4 2 Easy On Your Own? Alvvays Vota
5 2 1 6 Atopos Björk Vota
6 6 1 I’m In Love With You The 1975 Vota
7 7 1 rien dire Christine and the Queens Vota
8 15 8 2 Ocultismo Los Punsetes Vota
9 13 1 7 There’d Better Be a Mirrorball Arctic Monkeys Vota
10 8 3 4 The Only Way I Can Love You Suede Vota
11 9 9 2 El bien Viva Suecia Vota
12 22 12 2 Father Time Kendrick Lamar, Sampha Vota
13 19 11 3 La Cruz de Santiago La Bien Querida, Santiago Motorizado Vota
14 23 6 5 It’s Not Just Me, It’s Everybody Weyes Blood Vota
15 15 1 Angel SAULT Vota
16 5 5 3 Fossora Björk Vota
17 28 17 5 Danielle Fred again.. Vota
18 30 1 15 Así bailaba Rigoberta Bandini, Amaia Vota
19 11 5 5 Que pasa nen Alizzz Vota
20 33 2 9 Oh, Lover Röyksopp, Susanne Sunfør Vota
21 21 1 Bulerías de un caballo malo Ralphie Choo Vota
22 22 1 Lo que me falta Menta Vota
23 36 23 3 De todas las flores Natalia Lafourcade Vota
24 7 7 2 Coochie (a bedtime story) Shygirl Vota
25 10 1 8 Hold Me Closer Elton John, Britney Spears Vota
26 16 1 17 Break My Soul BEYONCÉ Vota
27 20 3 29 As It Was Harry Styles Vota
28 34 1 11 2 Die 4 Tove Lo Vota
29 17 10 3 This Is Why Paramore Vota
30 21 2 12 Despechá Rosalía Vota
31 25 2 17 BIZCOCHITO Rosalía Vota
32 39 1 31 My Love Florence + the Machine Vota
33 40 1 33 Candy Rosalía Vota
34 34 1 Parpadeando mariagrep Vota
35 35 1 I Can’t Grow Up Tegan and Sara Vota
36 14 14 2 What They Call Us Fever Ray Vota
37 18 1 13 Free Yourself Jessie Ware Vota
38 26 17 4 Sesión Vol. 52 Bizarrap, Quevedo Vota
39 24 9 7 Firefly Shygirl Vota
40 32 3 12 Hypnotized Sophie Ellis-Bextor Vota
Candidatos Canción Artista
Body Paint Arctic Monkeys Vota
Sunset Caroline Polachek Vota
Spaceship Soto Asa Vota
Vamos a olvidar Soleá Morente, La Casa Azul Vota
Vegas Doja Cat Vota
Blood in the Snow Totally Enormous Extinct Dinosaurs Vota
Grapefruit Tove Lo Vota
Happy Ending Kelela Vota
City of Angels Ladytron Vota
Basakabi Mirua, Kiliki Vota

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‘Un año, una noche’: sobrevivir a Bataclan no era solo salir vivo de allí

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“Lo primero que viene a mi memoria es una luz sobrecogedora. Un resplandor repentino me sacude la mente y veo la sala devorada por su aura. Ya no estamos a oscuras. Ya no toca la banda. A mi alrededor, en el foso, hay cientos de personas, como yo, tiradas en el suelo. Mantienen la cabeza escondida entre los brazos y tiemblan. Muchos aún no son conscientes de lo que ocurre. Algunos morirán sin saberlo”. Ramón González, superviviente del atentado que el terrorismo islamista perpetró en la sala Bataclán el 13 noviembre de 2015, empezaba así su libro ‘Paz, amor y death metal’ (el atentado fue durante un concierto de Eagles Of Death Metal).

Tanto Isaki Lacuesta como Ramón Campos se emocionaron con la lectura del libro, y decidieron hablar con González para llevarlo al cine con algunas variaciones, dando como resultado ‘Un año, una noche’, cuya presentación en la Berlinale ya fue algo histórico para nuestro cine: era la primera vez en décadas que dos películas españolas (la otra fue, ejem, ‘Alcarràs‘) competían en Sección Oficial. Pudimos verla no en el Festival de Berlín sino en el Festival de San Sebastián, y la verdad es que hubiese sido tan digna ganadora del premio como la estupenda cinta de Carla Simón.

‘Un año, una noche’ viene generando hype desde hace bastante, tanto por la temática como por ser el regreso de Isaki Lacuesta tras su película más aclamada (‘Entre dos aguas‘ se llevó precisamente la Concha de Oro en el Zinemaldia de 2018) y por su ambicioso reparto: la pareja protagonista está interpretada por dos de los chicos de moda en el cine europeo, ambos de los mejores actores de su generación.

Se trata de Nahuel Pérez Biscayart y Noémie Merlant, protagonistas de las excelentes ‘120 pulsaciones por minuto‘ y ‘Retrato de una mujer en llamas‘, las dos sin duda obras clave del cine LGBT reciente. Pero a ellos se les unen tres valores seguros de nuestro cine como Quim Gutiérrez (brillante en un complicado papel), Natalia de Molina y Enric Auquer, la menos conocida pero igualmente estupenda Alba Guilera y, ojo, ¡C. Tangana!. ‘Un año, una noche’ supone también el debut en el cine de quien a estas alturas ya es una estrella de nuestra música, y ojo porque no es ningún cuadro: Antón sale bastante bien parado. Todos ellos se ponen a las órdenes de Lacuesta, aunque quienes llevan el peso del guión (obra de Lacuesta junto a Isa Campo y Fran Araujo) son Pérez Biscayart y Merlant.

Porque ‘Un año, una noche’ no va sobre los atentados del Bataclán. Al menos no en el sentido que esperamos si leemos que va a tratar de eso. Lo que le interesa a Lacuesta es lo mismo que contaba González en su relato autobiográfico: cómo tanto él como su pareja salieron ilesos de aquella sala en lo físico, pero muy tocados en lo psicológico. Cómo puedes luchar para no olvidarlo o luchar para no recordarlo. Cómo el terror puede hacerles replantearse sus vidas, su visión del mundo actual, sus ideas políticas, sus principios… y, sí, también su amor.

Isaki Lacuesta salta con maestría entre lo íntimo y lo histórico, lo personal y lo universal, y lo hace con la ayuda de las excelentes interpretaciones de sus protagonistas, muy basadas en la contención y que te arrastran cuando salen a flote y lo hacen a borbotones. Lo demuestra, por ejemplo, la larga escena de la discusión en su domicilio de París, que directamente contiene uno de los mejores planos vistos en 2022. Curiosamente, Lacuesta introduce pequeños toques de humor incluso en los momentos más intensos, como puede verse sobre todo en la visita española, o en los momentos de discusión sobre política de la pareja, que de alguna manera recuerdan a ‘Antes del anochecer’ y a ese vacío que conseguía vencer a la esperanza en Jesse y Céline. El relativismo moral que trae consigo el individualismo salvaje de nuestro tiempo.

El protagonismo por supuesto no lo tienen los terroristas (a quienes ni siquiera se llega a ver), y de hecho los flashbacks que sí se usan son una decisión arriesgada. Personalmente me hubiese funcionado mejor, o bien no mostrar nada, o bien mostrar todo al principio y dejar el aftermath de ahí en adelante. También entiendo que no es para dosificar morbo (eso sí me hubiese parecido muy incoherente con lo que se cuenta), sino que es una manera de adentrarnos en la psique de ellos, especialmente del personaje de Merlant.

En cualquier caso, problemas menores dentro de la que es una de las mejores películas que ha dado nuestro cine este año, y eso son palabras mayores porque 2022 es ya uno de los mejores años que se recuerdan de nuestro cine: ‘Alcarràs‘, ‘Cinco Lobitos‘, ‘El Agua’, ‘La Maternal’, ‘La Consagración de la Primavera‘, ‘Mi Vacío y Yo’, ‘As Bestas’ y esta ‘Un año, una noche’ (y probablemente tengamos que sumar en breve ‘Mantícora’ de Vermut). Decía Isaki Lacuesta hace poco “si quieres hacer un cine que tenga capacidad de llegar al público pero que no pierda intensidad personal ni vocación artística hacen falta presupuestos equivalentes a los europeos”, agradeciendo que él sí los había tenido para rodar ‘Un año, una noche’. Pues adelante porque desde luego esto es, como se suele decir, “dinero bien gastado”. Al igual que el de nuestra entrada.

The Afghan Whigs / How Do You Burn?

The Afghan Whigs prosiguen con su feliz regreso sin dar ninguna muestra de fatiga. No sólo eso, sino que es probable que este ‘How Do You Burn?’ sea el mejor disco de esta especie de “trilogía de retorno” y el que más les acerca a su época dorada en los 90.

Como toda la obra de los Whigs, se sitúa en un marco atemporal de rock y soul. Esta vez le han dado una pátina aún más brillante, más pop respecto a ‘In Spades’ o ‘Do the Beast’. El sonido de ‘How Do You Burn?’, obra de Greg Dulli y de Christopher Thorn, es más nítido y clásico respecto a discos anteriores. No en vano, Fleetwood Mac es uno de los nombres más invocados en su web. Esta factura también hace destacar (aún más) la portentosa voz de Dulli, que aumenta su ya importante carga dramática para narrar unas canciones cinematográficas, puros thrillers de carreteras abiertas y polvorientas.

Y además está la voluntad de querer mostrar alguno de los temas más pegadizos y accesibles de su carrera. La tríada inicial es de aúpa. ‘I’ll Make You See God’ es un pepinazo que muerde, lleno de furia y cataratas de guitarras hard rock, cercano a los Queens of the Stone Age. En ‘The Getaway’ asoman unos sutilísimos arreglos orquestales y nos retrotraen los Beatles psicodélicos, con el plus de poder escuchar al añorado Mark Lanegan de segunda voz. En ‘Catch a Colt’ los coros de Susan Marshall, que ya participó en ‘1965’, llenan de furia y brillo extra esta pieza de pop poderoso y dramático que haría palidecer de envidia a los U2.

Luego los Whigs se toman el disco con más calma. Las películas oscilan entre el blues de los Gutter Twins (‘Jjya’), la balada tierna ribeteada de órgano Hammond en que Dulli se quiebra (‘Please, Baby, Please’) o la épica bien llevada (saludos a U2 de nuevo) en ‘A Line of Shots’. Pero para pieza mayorcísima, ‘Domino and Jimmy’, donde recuperan a Marcy Mays, voz de la legendaria ‘My Curse’ en ‘Gentleman’, que abre de manera emocionantísima esta torch song expansiva. Marcy prácticamente se come con patatas a Dulli, lo que ya dice mucho y bueno de su capacidad vocal y expresiva.

El cierre es quizás un poco demasiado más suave de lo esperable tras tremenda sacudida emocional, pero ninguno de los tres temas finales contradicen la capacidad de The Afghan Whigs de parir diez canciones recias, clásicas y sexys en solo cuarenta minutos. No necesitan más para sentar cátedra.

Arctic Monkeys sólo actuarán en Bilbao BBK Live 2023

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Hemos visto muchas campañas virales de Bilbao BBK Live. El viejo eslogan «nivel Bilbao» era como sexy. Después, idearon un «que viene el lobo» para dejar caer que llevarían a Depeche Mode al festival. Los vídeos «Festivaleros» de Pantomima Full fueron muy graciosos… Y la campaña de este año parece estar clara.

El día de salida de ‘The Car’ de Arctic Monkeys, el festival sitúa un coche aparcado en el recinto del festi en una foto compartida en redes sociales. Exactamente al modo del Toyota Corolla 90 de la portada del disco de la banda de Alex Turner, que retrata un extraño aparcamiento en un tejado de Los Ángeles. Pero es que hay más: Arctic Monkeys acaban de tocar en Cala Mijas, festival organizado por la misma promotora Lastour.

Finalmente, hoy 27 de octubre, Bilbao BBK Live ha anunciado que Arctic Monkeys es efectivamente el primer artista confirmado en su cartel y, por supuesto, también, el primer gran cabeza de cartel. La de Bilbao será la única fecha de Arctic Monkeys en España de 2023, como lo ha sido la de Cala Mijas en 2022.

Os recordamos que, a partir de hoy, habrá una preventa de abonos desde las 10 de la mañana, y que la venta general se activará el 2 de noviembre. Bilbao BBK Live se celebra entre los días 6 y 8 de julio de 2023.

Iggy Pop, Lucinda Williams, El Drogas… en Azkena Rock

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Azkena Rock Festival, que se celebra en Mendizabala del 15 al 18 de junio, ofrece su primera tanda de confirmados. Además, se informa de que quienes hayan acudido antes al icónico festival de rock, podrán acceder a la compra de entradas a un precio especial de 110 euros desde el lunes 24 de octubre. El resto tendrá que esperar hasta el día 28 de octubre, cuando los bonos valdrán 130 euros.

Iggy Pop, Lucinda Williams y Rancid son los primeros cabezas de cartel. Y también se han confirmado grandes nombres como Steve Earle (en acústico), Melvins, Calexico, Queensrÿche, Monster Magnet y El Drogas con repertorio de Barricada. Iggy Pop ya estuvo en Azkena en 2003 y 2006 y la organización asegura que vuelve ahora «en su mejor estado de forma». Lucinda Williams también vuelve tras su paso en 2016 y Rancid actuarán en Mendizabala por primera vez con motivo de su 30º aniversario.

En cuanto a nuevos valores se apuesta por Brigade Loco o Pasadena, el nuevo proyecto de Jon Basaguren y Libe García de Cortázar. Para apoyar a la gente joven, se va a poner a la venta el llamado Bono Gaztea, un ticket a precio reducido de 100 € para personas de 15 a 23 años. El acceso para los menores de 14 años (inclusive) será gratuito como en las anteriores ediciones. Esta es la lista de confirmados.

IGGY POP
RANCID
LUCINDA WILLIAMS
BONES OF MINERVA
BRIGADE LOCO
CALEXICO
STEVE EARLE
EL DROGAS (BARRICADA – 40º)
GWAR
LUCERO
MATCHBOX
MELVINS
MONSTER MAGNET
OS MUTANTES
PASADENA
QUEENSRYCHE
Y MUCHOS ARTISTAS MÁS…

RFTW: Carly Rae Jepsen, Ellie Goulding, Phoenix, Meghan Trainor…

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Hoy viernes coinciden dos de los lanzamientos discográficos más importantes del año, los de Taylor Swift y Arctic Monkeys, cuyo ‘The Car‘ reseñamos ya en portada. Además publican nuevos discos Carly Rae Jepsen, el «hype» británico Dry Cleaning, Meghan Trainor, Parade o Tegan and Sara, y Burial lanza EP por sorpresa.

En cuanto a sencillos, Ellie Goulding publica el primer avance de su nuevo álbum, Kelela por fin nos da el tema rítmico que queríamos, Phoenix siguen desgranando su disco, y vuelven Petite Meller, Çantamarta, Bonobo, Jeremih, la revelación alemana CATT… Por otro lado, los eurovisivos Rosa Linn y Duncan Laurence presentan tema conjunto tras el éxito de sus respectivos temas.

Entre los singles que hemos comentado durante la semana se encuentra la nueva cumbia rumbera de Soleá Morente y La Casa Azul, la maravilla latina de Caroline Polachek, la bachata de Shakira con Ozuna, el debut a solas de Carlangas (Novedades Carminha) o el tema que avanza el próximo largo de Young Fathers. Todos ellos están disponibles en la playlist.

En la playlist encontrarás, a su vez, novedades de Alice Boman, Röyksopp, la también eurovisiva Amanda Tenfjord, Rocio Saiz, Anna of the North, Biig Piig, Crawlers, Architects, Paula Koops, sunking, Alien Tango, Devon Cole, Safree, Vistas y muchos más.

Kelela entrega el banger prometido en ‘Happy Ending’

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Kelela engañó a sus fans con su primer single en 5 años. Después de «hypear» su regreso lo más grande en las redes sociales, recopilando mensajes de fans que se preguntaban dónde diantres se había metido, la cantante estadounidense lanzaba ‘Washed Away’, una canción ambiental. Ese no podía ser el gran regreso de Kelela que anhelábamos.

Y no lo era. Kelela prometía que su segundo single sería un «banger» para los clubs y, efectivamente, ‘Happy Ending’ se parece más a lo que esperábamos de su regreso tras un lustro.

‘Happy Ending’ se mira en los 90 del UK Garage, y se sustenta en una base de breaks rotos que nos llevan directamente a las raves de la época. Sin embargo, los sintetizadores y la voz de Kelela llevan la canción definitivamente hacia lo etéreo. En algún universo paralelo, ‘Happy Ending’ ya está sonando a las 3 de la mañana en alguna discoteca.

En medio de todo este baile sudoroso y delirante, en ‘Happy Ending’, Kelela no se saca de la cabeza a una persona. Con ella podría haber tenido algo, pero las circunstancias no lo han permitido. Sin embargo, ella todavía no se rinde y sigue dispuesta a vivir esa experiencia que es «más profunda que la fantasía».

Para el videoclip de ‘Happy Ending’, Kelela no ha hecho otra cosa que irse a una discoteca. La estética no puede ser más noventera, y nada objetaremos si esta es la dirección que el disco toma al final.

Taylor Swift vuelve al pop en su disco de medianoche… y de medianías

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Taylor Swift publica hoy su nuevo disco, ‘Midnights‘. Además, durante la mañana, ha lanzado una versión extendida con 7 pistas nuevas. Esto significa que, desde hoy, tenemos 20 canciones nuevas de Taylor Swift que descubrir y degustar.

Después de dos álbumes de folk, ‘Midnights’ supone el regreso de Taylor a un synth-pop que ya habíamos escuchado en ‘1989’ o ‘reputation‘. Sin embargo, esta vez las canciones son más discretas e íntimas que explosivas. Parecen «album tracks» perdidos de ambos discos.

Las expectativas empiezan a regularse en ‘Lavender Haze’. Para ser la primera pista no es especialmente impactante, y esta sensación prevalece en el disco. Destaca el single ‘Anti-Hero’, cuyo vídeo ya está disponible, pero, en general, las composiciones se conforman con resultar dignas y monas sin más. No hay revelación. Pueden ser «growers» pero, de momento, parecen simplemente medianías.

Gran parte de la responsabilidad de que ‘Midnights’ no resulte una sorpresa como ‘folklore’ la asume por supuesto Jack Antonoff, que vuelve a producir un álbum de Taylor y a emplear trucos que ya le conocemos. En lo lírico, Taylor canta sobre sus temas favoritos, el amor y la fama, pero cuando alude al escrutinio o al «karma», la «vieja Taylor» que se vengaba del mundo parece volver de repente.

La misma sensación parece estar dejando ‘Midnights’ en nuestros foros. AdriEv opina: «El disco está guay y se agradece el cambio de sonido, que parece un poco la continuación de la segunda mitad de Reputation (King of my Heart, Dress, Call It What You Want, etc). Que sea cortito juega mucho a su favor, entra estupendamente y debe ser uno de sus discos con menos relleno evidente». »

Y añade: «Como principal pega, en letras me parece un paso atrás respecto a las maravillas que se sacó de la manga en folklore/evermore». No hay obras maestras en ese sentido como the last great american dinasty, peace, champagne problems o ivy. También juega un poco en contra la estética de la era, no pega nada con lo que luego es el disco. Y echo en falta un poquito más de ambición en general. En resumen, no creo que esté a la altura de sus mejores discos (Red, 1989, folklore, evermore) peeero sigue estando lleno de canciones estupendas que llevan su marca».

En un marco parecido, Frikomid apunta: «Igual las canciones ganan mucho por separado (Me puedo imaginar Karma por ejemplo como una de las más llamativas) pero en general el álbum se me ha hecho largo al sonar casi todas las canciones igual. Es un álbum con un sonido demasiado coherente hasta tal punto que si te gusta este sonido el álbum te va a encantar pero si no eres fan te va a costar digerirlo. Veo el álbum como un conjunto de lo más característico de casi todos sus trabajos pasados, 0 innovación, pero ya a estas alturas Taylor Swift solo busca divertirse y yo que me alegro».

Por otro lado, a Victornoe el disco le ha parecido «un Lover sin cringe o sin rellenos», y apunta que «esperaba más con esa estética, y me parece un album casual de pop, muy agradable pero no lo veo trascendiendo como sus anteriores trabajos».

Si en otros foros como el de Popjustice hay quien habla maravillas del disco (aunque las opiniones son mixtas), solo hay que atender a las críticas de medios profesionales para asimilar que ‘Midnights’ está llamado a dividir: por cada reseña de 5 estrellas que emerge, como la de Rolling Stone, lo hace otra mucho más tibia, como la de The Line of Best Fit. ¿Obra maestra o álbum menor? Seguramente la respuesta se encuentre en un punto medio.

Joni Mitchell confirma su regreso a los escenarios

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Ayer tuvimos que frotarnos los ojos cuando Brandi Carlile anunciaba en The Daily Show que Joni Mitchell iba a ofrecer un concierto completo. ¿Esta era la manera de anunciar el primer concierto como cabeza de cartel en 23 años de la autora de ‘Blue’? Pues sí, esta ha sido.

Joni Mitchell ha confirmado a través de sus Stories de Instagram que el próximo 10 de junio se subirá al escenario del Anfiteatro Gorge de Washington para ofrecer un concierto de cabeza de cartel, en compañía de la propia Brandi Carlile, que actuará en solitario un día antes.

El evento recibe el nombre de Echoes through the Canyon y también Joni Jam II. La Joni Jam I sucedió cuando Mitchell apareció por el festival de folk Newport junto a Brandi este mismo verano de 2022. Joni se presentó por sorpresa, sin avisar, por eso Brandi Carlile está vendiendo esta nueva cita como «la primera vez que se van a poder comprar entradas para ver a Joni Mitchell en más de 20 años».

El pasado mes de julio, en Newport, Joni Mitchell llegó a interpretar 13 canciones según Setlist.fm. Lucius (emocionadísimas, al borde de las lágrimas) y Marcus Mumford estuvieron entre los artistas invitados.

En 2015, Joni Mitchell sufrió un aneurisma cerebral, del que se ha venido recuperando muy poco a poco. Os dejamos con unos vídeos profesionales de Newport, en los que se ve a Joni Mitchell cantar en un sofá, pero también tocar la guitarra.


Memes: Lana del Rey sólo hace coros en ‘Snow on the Beach’

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Hoy viernes se publica ‘Midnights‘, el nuevo álbum de Taylor Swift, y uno de sus cortes más esperados era ‘Snow on the Beach’. Lana Del Rey canta en esta canción, como la propia Taylor había anunciado en redes con una sonrisa cómplice… pero el «featuring» ha resultado ser un tanto engañoso.

En ‘Snow on the Beach’, un atmosférico medio tiempo que no habría desentonado en ‘folklore’, Lana se limita a hacer coros en la ultima frase del estribillo. Suyos son esos inequívocos «snow on the beach, snow on the beach» que llevan la canción definitivamente a un terreno dream-pop. Sin embargo, Del Rey no canta ningún verso entero, ni siquiera canta una frase que no sea la del título de la canción, lo cual ha decepcionado a algunos fans de ambas… mientras otros se ríen de la situación mediante memes.

«Lana» esperando en una esquina a que Taylor le deje cantar, «Taylor» mandando a callar a Lana como Lorde a sus fans, quitándole el micro en lugar de darle otro, eliminando sus partes en el ordenador cual Shakira sentada en el escritorio… las reacciones al «featuring» de Lana en Taylor dan a entender que muchos fans esperaban una colaboración más sustancial. Por otro lado, se ha confirmado que ‘Midnights’ será un álbum visual, es decir, todos sus cortes contarán con videoclip… ¿Mejor ni esperamos a Lana en el de ‘Snow on the Beach’?

Thom Yorke pide elecciones en UK a ritmo de ‘No Surprises’

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En 1997, ‘No Surprises’ fue uno de los singles clave de ‘OK Computer’. A pesar de ser el tercero, su icónico vídeo protagonizado por un Thom Yorke en primer plano que se ahogaba dentro de un casco de astronauta, aguantando la respiración y finalmente tratando de sobrevivir, la situaron rápidamente como una de las composiciones fundamentales de Radiohead y de los 90 en general. En la era del streaming, ahora mismo es la 2ª canción más popular de la banda de Oxford, tan sólo por detrás de la sempiterna ‘Creep’.

La letra de ‘No Surprises’ era muy crítica con el poder, con frases como «no hablan por nosotros», la crítica de «un trabajo que te mata lentamente» o cuestiones aspiracionales como «un bonito jardín y una bonita casa» en propiedad. El mismo día en que la primera ministra británica Liz Truss ha dimitido -siendo la 5ª mandataria de los conservadores en 12 años-, Thom Yorke ha explotado en Twitter.

Parafraseando la letra de ‘No Surprises’, en concreto «bring down this (UK) government, they do not speak for us», Yorke ha hablado en esta red social de “derrocar a este gobierno del Reino Unido, no hablan por nosotros, ahora mismo». Continúa: «No tienen autoridad, ni mandato, ni idea. Gatos en una bolsa haciéndose pedazos a sí mismos, mientras el país sufre una extrema angustia. Basta de esta mierda. Qué vergüenza dan». Thom Yorke está pidiendo claramente unas elecciones generales y según las últimas encuestas, habrá una enorme mayoría laborista, ahora mismo con un 60% de intención de voto.


David Summers defiende el «marica» de ‘Devuélveme a mi chica’

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Vuelve el debate de cuán políticamente correctas han de ser las canciones del pop. Antes de que Mecano defendieran el uso de “mariconez” en ‘Quédate en Madrid’, muchas viejas letras de Loquillo, Siniestro Total o Antonio Flores fueron cuestionadas por su machismo, misoginia, violencia, etcétera.

El nuevo nombre en tela de juicio es el de Hombres G, una de las bandas más populares de los años 80. ‘Devuélveme a mi chica’ fue su mayor hit. Hoy se acerca a los 400 millones de streamings en Spotify, doblando a cualquier canción de Mecano, quizá porque no hace tanto que decidieron llenar un estadio como el Calderón o realizar giras de reunión.

Esta semana, ‘Devuélveme a mi chica’ ha aparecido en Pasapalabra, pero a la presentadora Ana Morgade se le ha ocurrido decir que, aunque le gustaba la canción, y la canta y la baila, no apoya ni el uso de la palabra “marica” en la letra (“voy a vengarme de ese marica”) ni tampoco la visión de la mujer como un objeto a merced del hombre.

El presentador Roberto Leal le da la razón, indicando que el tema “ha envejecido mal” (¿quizá nunca estuvo «bien»?), y la gota que ha colmado el vaso es que el propio programa Pasapalabra ha emitido su juicio ético: “Damos la razón completamente a Ana Morgade en su reflexión sobre la letra de la canción”.

Esto ha sido demasiado para David Summers, autor principal de Hombres G, artista en solitario, y autor de una de las mejores canciones de 1997, también. Así se ha justificado en Twitter: “la canción fue escrita hace 40 años, sabéis perfectamente que es una broma y que no pretende ofender a nadie, pero, si tanto os ofende, ¿por qué la ponéis en vuestro programa?”. Al fin y al cabo, nadie en serio se venga de nadie lanzando «polvos pica-pica».

Manuel Jabois, escritor y columnista de El País, ha comentado irónicamente: “la ponen, la cantan, la bailan a todo trapo, el público se viene arriba y luego dicen que está mal. Les pasa por no poner ‘Matar jipis en las Cíes’».

Una usuaria llamada Silvia defiende en el hilo de Twitter que “en el año 2022 hemos progresado”, a lo que Edu Galán ha comentado: “hemos progresado, sí. No distinguimos una canción pop del manifiesto comunista”. Niño de Elche apunta: “estas gentes pasan de las palabras, del lenguaje, de la literatura, del contexto y de su ironía. Peor que los materialistas marxistas o los conservadores de la censura franquista diciendo lo que está bien o mal según su interpretación. Envejecer mal, ejem… Ana, Ana…»


Young Fathers vuelven no tan «heavy, heavy»

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Young Fathers, autores de discos como ‘Dead‘ o ‘White Men Are Black Men Too‘, el primero de los cuales recibió el prestigioso Mercury Prize a Álbum del Año, anuncian nuevo disco.

El sucesor de ‘Cocoa Sugar‘ (2018) se llama ‘Heavy Heavy’ y viene hoy presentado por un single llamado ‘I Saw’. Antes habían dado a conocer un tema llamado ‘Geronimo’ que también estará en el álbum.

Pese al título del largo, ‘I Saw’ no es una producción tan «heavy» como una canción continuista respecto a la maraña de rock y rap que ha solido identificar a Young Fathers. De hecho el álbum habla de «dejar los demonios salir, lidiar con ello y tratar de darle sentido a posteriori». Para escuchar ‘Heavy Heavy’ al completo habrá que esperar al 3 de febrero.

01 Rice
02 I Saw
03 Drum
04 Tell Somebody
05 Geronimo
06 Shoot Me Down
07 Ululation
08 Sink or Swim
09 Holy Moly
10 Be Your Lady

La electrónica evocadora de Garza, este finde en San Miguel On Air

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Estos días está teniendo lugar en Barcelona el ciclo San Miguel On Air Barcelona, el cual apoya el talento emergente. En el último mes, grupos como Echando Leña o Lessus han presentado sus propuestas en locales tan interesantes de la ciudad como El Paraigua o El Pumarejo y, este sábado 22 de octubre, será el turno de Garza, que presentará su «electrónica evocadora» en Espai Niu, donde también está confirmado Gigi D’Amico.

Garza es el proyecto de Adrián Charlín, joven músico que, tras tocar la batería en varias bandas de rock alternativo gallegas durante años, por fin ha cumplido su sueño de emprender una carrera en solitario como productor de electrónica.

La música de Garza aborda estilos como el ambient, el trip-hop o la IDM y es tan atmosférica, preciosista y emocional como lo puede ser la de artistas como Bonobo, Pantha du Prince o Boards of Canada. Por otro lado, en directo utiliza baterías, teclados y sintetizadores, por lo que sus conciertos no son una sesión de electrónica sin más.

Garza, cuyo nombre proviene del de un ave típica de Galicia, publicó su primer EP en 2021, ‘Alborada’, una «pequeña historia de mi infancia en clave de música instrumental» que recoge «mi propio imaginario de una Galicia de mar y tierra». Y, este año, ha llegado ‘Interferencias’, su primer larga duración, en el que Garza profundiza en su propuesta.

El gusto de Garza por las atmósferas y las texturas es evidente en cortes como ‘Bin Jip’, que recuerda ligeramente a los olvidados Télépopmusik, pero el artista tampoco tiene miedo de visitar la pista de baile, como sucede en ‘Arien’. Entre cortes más Boards of Canada (‘Crisálida’) y otros más ambientales (‘Mare’ podría ser de Sigur Rós), ‘Interferencias’ resulta un producto muy emotivo y cuidado.