Inicio Blog Página 373

Adé / Et alors?

Adé (alias de la francesa Adélaïde Chabannes) no sale de la nada: antes de este disco de debut formó parte del grupo Thérapie TAXI, nacido en París en 2013, un trío que se convirtió en fulgurante fenómeno de masas por éxitos como ‘Hit Sale’ (junto al hermano de Angèle, Roméo Elvis), ‘Candide Crush’ o (mi favorita y más reciente) ‘Été 90’. Tras ocho años y dos álbumes se separaron el año pasado (Le Monde calificó su último concierto en el Zénith de “funeral grandioso”).

Pongamos la evidencia sobre la mesa nada más empezar: a pesar de la estética que rodea al disco (portada, fotos de promo, literatura que adorna las notas de prensa), ‘Et alors?’ no es un disco de country ni de americana. Desde la primera escucha es evidente que en lo musical el toque americano no va más allá del uso de guitarras pedal steel y banjos que aparecen en momentos instrumentales puntuales de casi todas las canciones. Por lo demás, en lo que a factura estilística se refiere, estamos ante un disco de pop. Incluso la única canción con ese deje algo más pronunciado (‘Si tu partais’) está cantada con un estilo totalmente enmarcado en el pop francés, y sería el único ejemplo de ese híbrido entre country y pop que Adé originalmente planteaba, inspirada en su obsesión preadolescente por ‘Come on Over’ de Shania Twain y la más reciente por el ‘Golden Hour’ de Kacey Musgraves. Quizá el otro mash-up conceptual que la artista ha citado (“conciliar la modernidad de Lorde y el clasicismo de Joni Mitchell”) tenga más sentido en algunos momentos, pero en el fondo, ¿qué necesidad hay de etiquetar?

Porque junto a esa evidencia se encuentra la otra, que en realidad es la importante: estamos ante un disco de pop sensacional. Los adelantos de ‘Si tu partais’, la preciosa ‘Sunset’, y sobre todo esa maravilla titulada ‘Tout Savoir’ eran muy prometedores, pero ¿cómo imaginar que prácticamente todo el disco iba a estar lleno de buenas canciones, con impecables estrofas y estribillos? Impresiona bastante que composiciones tan brillantes sean 100% Adélaïde Chabannes en estos tiempos de comités compositivos.

A lo largo de toda la primera cara las alegrías son múltiples: canciones como la aparentemente inofensiva ‘Side by Side’ resultan placenteramente pegadizas y ‘Q’, con su estribillo que reza “mêle toi de ton cul, ouais” (“ocúpate de tus putos asuntos”) está destinada a convertirse en un himno tremendamente coreable por los fans nostálgicos del antiguo grupo de Adé (es de hecho la canción elegida para su nuevo vídeo). La propia ‘Avec des si’ podría ser casi una canción de Therapie TAXI, porque es otro banger instantáneo, con un post-estribillo delicioso y trepidante. En temas como este destaca la gran labor de los coproductores Romain Descamps y Egil Franzen, del grupo belga Puggy, que han dado a la música un empaque contundente sin perder la dulzura inherente a las composiciones y la voz de Adé. Un equilibrio de ingredientes que integra a la perfección guitarras acústicas, sintetizadores, bajos pulsantes y beats pop.

En el apartado letras es donde la artista se aleja más de su antigua banda: donde antes había textos a menudo provocativos (casi siempre escritos por sus compañeros), ahora encontramos reflexiones acerca de desamores, y sobre ganas de arriesgarse y avanzar en la vida. Esto choca en algunos momentos con el propio planteamiento muy pop de las canciones, reduciendo a veces los versos a una cierta insustancialidad. Pero cuando da en la diana, la combinación resulta perfecta. Como en ‘Tout Savoir’, que aparte de ser ya una de las mejores canciones de 2022, brilla con esa letra de incertidumbre y deseo de ver la luz: “sueño con comprender las cosas, y saber por qué / querría saberlo todo, ver en la oscuridad”. O en la estampa romántica de ‘Solitude imprévue’ y su soledad imprevista bajo un paraguas un día lluvioso (menos cliché de lo que suena y envuelta en un exquisito armazón pop 90s que recuerda a los Cardigans). Incluso en el irresistible estribillo de aceptación y positividad de ‘Insomnies’ (“en la violencia, bailo / ante el sufrimiento, prudencia”), un tema en el que la interpretación vocal es particularmente bella.

Las dos últimas piezas brillan especialmente: el compás de 3/4 de ‘Berceuse’, sus armonías vocales con vocoder y esos arreglos que tan bien integran sintes y esas guitarra pedal steel grabadas especialmente en los estudios Sound Emporium de Nashville aúpan otra de las mejores melodías del álbum. Y el cierre con ‘Bonne année’ te deja preguntándote maravillado cómo esta artista es tan capaz de inyectar vida nueva melódica a secuencias de acordes tan transitadas tras décadas de música pop. No es un logro fácil, y Adé tiene ese toque mágico.

‘Et alors?’ es pues un brillante eslabón más en esa tradición pop francesa de los últimos veinte años, que une con un hilo invisible de melodías irresistibles y bonitas voces- cada cual en su estilo- a Autour de Lucie, Keren Ann, La Femme, Clara Luciani, Vendredi Sur Mer, Pomme, Pi Ja Ma, Requin Chagrin y un sinfín más. Lo verdaderamente raro es encontrar una colección de canciones que -salvo un par de piezas más discretas- es completamente redonda.

Brian Cross y Santaflow, en el festival de VOX del Espacio Mad Cool

26

Con VOX cayendo en las encuestas tras el decepcionante resultado andaluz y la crisis propiciada por la marcha y abortado regreso de Macarena Olona, el partido de ultraderecha volverá a tratar de utilizar la proximidad del 12 de Octubre a su favor.

Los días 8 y 9 de octubre han montado un festival en el Espacio Mad Cool de Madrid (Valdebebas), de carácter gratuito, pero al que el público se puede inscribir. 17.000 asistencias se han confirmado para el evento llamado Viva 22, según el partido de Santiago Abascal.

La derecha siempre ha tenido dificultades para sumar apoyos del mundo de la cultura para actos, actuaciones, conciertos o simplemente para poder pinchar música sin que el artista se queje o incluso denuncie; por lo que es noticiable qué ha conseguido la ultraderecha para su cartel, en lo que parece un «más difícil, todavía».

El DJ de house Brian Cross, que en el pasado ha colaborado con gente como Mónica Naranjo o Sophie Ellis-Bextor, es el gran cabeza de cartel. El resto se compone casi en su totalidad por artistas desconocidos. El “rap protesta” de G. Babe y P.Amdrey se mueve entre los 200 y los 2000 oyentes en Spotify, mientras Green Velvet es un grupo de rock con 1000 followers en Instagram.

Los Meconios tienen temas llamados ‘Somos españoles’, ‘El machista no soy yo’ y el paródico ‘Stop Fachas’, que han funcionado sobre todo en Youtube. En Spotify tienen solo 700 oyentes, pero algunos vídeos sí se han viralizado algo más en el visor de Google. ‘Somos españoles’ se acerca, por ejemplo, al medio millón de visitas.

La gran estrella del evento, aparte de Brian Cross, parece Santaflow, que sí cuenta con varios éxitos en las diversas plataformas de streaming tanto en solitario como colaborativos, como ‘Las cartas sobre la mesa’ o ‘La locura está en mí’ con Porta y Eneyser. Esta incluía los versos:
«Me he follado a tantas divas que no sé si tengo el sida
Daría mi coche por tirarme a Angelina Jolie
Y grabarla haciéndome un paja con los pies
Quiero pegar al mariconazo de Jorge Javier
Y que quede muda la burra de Belén Esteban»


Kendrick Lamar y Sampha beben como machotes en la crítica ‘Father Time’

0

Kendrick Lamar ha acudido este fin de semana a Saturday Night Live para recordar que tiene un disco nuevo en la calle. ¿Ha pasado desapercibido «Mr Morale«? Sí más que otros discos del artista, pero tampoco podemos considerarlo un fracaso total: aún sobrevive en el top 25 de Estados Unidos y en el top 100 británico. Podría ser peor.

El artista ha reivindicado en SNL el que ha sido de momento el único pequeño hit del disco, ‘N95’, hace tiempo en cualquier caso desaparecido de las listas, junto a otros temas del álbum. En concreto ha retomado lo que era el tramo central del CD 1 de ‘Mr. Morale & the Big Steppers’. Primero ha unido ‘Rich Spirit’ a ‘N95’ en una minimalista actuación en la que la propia sombra de Kendrick Lamar se libera del rapero. Y después ha interpretado aparte ‘Father Time’, su colaboración con Sampha -con Sampha de cuerpo presente- que escogemos como «Canción del Día» hoy.

La canción arrancaba con unas cuerdas que nos hacían pensar en el Sampha más clásico, mientras escuchábamos a unas voces debatir si Kendrick necesitaba o no necesitaba terapia. Después, el tema se transformaba en un tema de neo-soul bastante clásico, en el que se produce una lucha de contrastes.

Por un lado, Kendrick Lamar habla de la masculinidad tóxica, de cómo a los hombres nos enseñan a esconder nuestras emociones (“Daddy issues, hid my emotions, never expressed myself”) y a ser competitivos (“Daddy issues kept me competitive, that’s a fact, nigga”). “Daddy Issues” podría ser el nombre de esta canción que también referencia los reiterados beefs de Kanye West con Drake. Más de lo mismo.

Por el contrario, Sampha entona el dulce estribillo, en el que no obstante las emociones continúan siendo crudas. El juego de palabras “neat, no chaser, neat, no chaser…” apela a la costumbre de tomar chupitos a palo seco, sin complementos que rebajen el alcohol. Un tema de mensaje relevante, por tanto, que merecía la pena rescatar del olvido.

Las mejores canciones del momento: septiembre 2022

1

Una vez finalizado el mes de septiembre con las ardientes novedades del pasado viernes, como los nuevos discos de Shygirl y Björk, recopilamos en una playlist las canciones que más han gustado en la redacción en los últimos tiempos. Han sido o serán, ambas «Disco de la Semana», al igual que lo fueron en semanas recientes Angel Olsen -con motivo de su gira por España- y Jockstrap. Recordamos temas favoritos, nuevos singles o bonus tracks de otros artistas o discos que también fueron «Álbum de la Semana», como ha sido el caso de Magdalena Bay, Fontaines D.C. y León Benavente.

Entre los artistas que más nos han entusiasmado con sus últimos singles están Jamie xx, Kali Uchis, ALMA o la colaboración con REMA y Selena Gómez. Anticipan sus nuevos álbumes gente tan querida como Arctic Monkeys, Weyes Blood, Natalia Lafourcade, Alvvays o La Bien Querida, pero tampoco perdemos la vista a artistas nuevos o simplemente más desconocidos, como aroa ay, CATT o Rachel Bobbitt.

Adé / Tout savoir
Shygirl / Firefly
Jamie xx / KILL DEM
Fred again.. / Danielle (smile on my face)
Kali Uchis / No hay ley
ALMA / Summer Really Hurt Us
Björk / Atopos
Rema, Selena Gomez / Calm Down
Jockstrap / Greatest Hits
Weyes Blood / It’s Not Just Me, It’s Everybody

Miya Folick / Bad Thing
Alizzz / Que pasa nen
aroa ay / Xqnoo:(
Romeo Santos, Rosalía / El Pañuelo
La Bien Querida, Santiago Motorizado / La cruz de Santiago
Natalia Lafourcade / De todas las flores
Bizarrap, Quevedo / Quevedo: Bzrp Music Sessions, Vol. 52
Khalid / Satellite
WILLOW / curious/furious
Alvvays / Easy on Your Own?
Magdalena Bay / All You Do

CATT / Wild Heart
Rachel Bobbitt / more
Angel Olsen / Big Time
Arctic Monkeys / Body Paint
Freddie Gibbs / Dark Hearted
Vera Blue / Mermaid Avenue
Björk, Kasimyn / Fossora
León Benavente / Mítico
Dragonette / Twennies
Fontaines D.C. / The Couple Across the Way

Avalanches cancelan su gira por enfermedad grave

0

The Avalanches no van a poder cumplir con sus compromisos contractuales en Norteamérica por razones de causa mayor. El grupo autor de uno de los mejores discos del siglo XXI, ‘Since I Left You’, y más recientemente de uno de los también mejores discos de 2020, ‘We Will Always Love You‘, ha tenido que cancelar por razones de salud.

Sin especificar ni el miembro de la banda que está enfermo, ni tampoco la enfermedad, The Avalanches indican que no podrán actuar durante el mes de octubre en Nueva York, Chicago, Boston, Filadelfia, Detroit, Chicago, Toronto o Montreal. Este fin de semana que acaba de terminar actuaban el sábado 1 en Chicago y el domingo 2 en Detroit.

Sí han especificado que la situación es complicada, que la cancelación «se debe a una enfermedad grave». Anteriormente, la gira había sido pospuesta desde febrero y marzo por «continuos problemas de salud».

Indican: «Lamentablemente, debido a una enfermedad grave, hemos tenido que tomar la dolorosa decisión de cancelar el resto de nuestros conciertos estadounidenses y canadienses para volver a casa. Gracias a todos los que habéis hecho esta gira tan divertida, y disculpas a todo el que tuviera entradas para los conciertos que quedan. Todos los que compraron entradas serán contactados con los detalles de la devolución».

Actualmente, Robbie Chater y Toni Di Blasi son los miembros fundadores que continúan en Avalanches, tras la marcha en 2006 de Darren Seltmann. No se espera que el dúo, siempre receloso de su intimidad, dé más detalles en días venideros.

Confeti de Odio / Hijos del Divorcio

«Lucas domina como pocos el recurso del patetismo». No me quito de la cabeza esta frase promocional del segundo disco de Confeti de Odio, ‘Hijos del divorcio’. El debut del artista se llamaba ‘Tragedia Española‘, resultando muy querido en el underground patrio: listas de los mejores discos de 2020, nominación al Premio Ruido… está claro que el indie siempre ha gozado un poquito de revolcarse en el fango y este álbum sigue por ese sendero.

‘Hijos del divorcio’ parte de la sencilla teoría de que la mala educación que recibimos de nuestros padres provoca que hagamos daño al prójimo. Que todo el daño que nos hacen nuestras parejas o amigos termina revertido malamente en otras personas. Las madres son «fábricas de traumas» para Confeti de Odio en el tema de apertura de este álbum; los padres, aún peor, «despreciable fauna». A continuación, ‘Llamamiento’ no tarda en justificarles: «aprendemos por las malas / copiamos a nuestros padres / pero igual ellos tenían las mismas dificultades».

Esta excusa medio conceptual sirve a Lucas de Laiglesia para camuflar también canciones de desamor o sobre la fama y las redes sociales. Todas elaboradas desde el prisma de un «loser». ‘¡Ya no puedo más!’ es la contemplación de unas fotos del pasado que te lleva a las lágrimas. ‘Ochentas y ojeras’ recuerda que «nunca he sido el más listo de la clase». La acústica ‘Ángel triste’ termina retratando: «míranos a los dos bailando colocados / no nos ganan a dar asco».

Todo este arsenal de emociones sin fortuna no siempre se corresponde con canciones tan arrebatadas. Es muy noticiable que ‘Llamamiento’ se haya dejado embadurnar por la locura ‘Bohemian Rhapsody’, como también ‘Sálvese quien quiera’. Otras, en cambio, resultan más planas, como esa ‘Solo y sin ganas’ que quiere alternar la clásica balada 50’s con el Autotune, quedando un poco en tierra de nadie.

Lo mejor de ‘Hijos del divorcio’ es su autoconciencia y su voluntad de no estancarse. Algo que se ve en lo creativo dado su acercamiento indistinto al rock (‘Déjales entrar’) y al synth pop (‘Estrella‘, ‘En la oscuridad’), pero sobre todo de nuevo en sus letras.

‘Sálvese quien quiera’, penúltima antes de la catastrofista ‘Mundo cruel’, es un divertido retrato del mundo actual a través de los ojos del Rubius o Ibai. Aparte de que plantea un «no voy a rendirme hoy», contiene una declaración de intenciones que copiar: «mientras siga vivo, voy a intentar dar más luz de la que quito». Y sobre todo, Confeti de Odio ha decidido abrir todo esto con una canción en la que un coro infantil, el Coro Las Veredas, aka Coro de los Hijos del Divorcio, parodia todo el disco antes de que lo escuches: «Lucas, deja de pensarlo / Nadie quiere hacerte daño / No eres el centro del mundo / es que no importas tanto».

Leire habla de Amaia Montero: «La admiro y respeto»

15

Leire Martínez, vocalista de La Oreja de Van Gogh, ha concedido una entrevista al programa Socialité de Telecinco donde ha hablado públicamente sobre su relación con Amaia Montero. La cantante original de La Oreja abandonó la formación en 2007 y la polémica por una supuesta rivalidad entre ambas nunca ha dejado de estar en al aire, a veces alimentada públicamente por la propia Amaia, por ejemplo, cuando, en 2020, criticó que Leire firmara a fans CDs de los primeros años de La Oreja, en los que la vocalista era Amaia, cosa que ella no haría «por pura honestidad y respeto».

En la entrevista, Leire aborda brevemente el asunto de los discos firmados. Dice que “el disco cuando se vende es propiedad del que lo compra y esa persona decide quién quiere que se lo firme», pero también apunta que «yo hay determinados discos que no firmo porque no quiero generar malos rollos, pero si el propietario insiste, adelante”.

Por otro lado, Leire explica por qué ha solido mantenerse al margen de la polémica. “No me gusta pronunciarme con temas sobre Amaia porque no me gusta generar fuegos. Todo lo que no es razonable y normal no es agradable, pero intento estar la margen porque no es mi guerra. Yo vengo a trabajar». Leire confirma que «se han dicho cosas que no me han gustado», pero que su relación con Amaia es «correcta», si bien «no hay una relación más allá», y explica que, por este motivo, no ve posible una colaboración entre ambas, cuando el entrevistador le plantea esta posibilidad.

Sin embargo, Leire sí empatiza con Amaia. «Hemos ocupado el mismo lugar en un grupo y empatizo con ella muchas veces. Ser la única mujer en un grupo de hombres, al ritmo al que se trabaja, tener que dar la cara en ciertos momentos… La admiro y la respeto profundamente». No obstante, la cantante asegura que le «hubiera gustado haberme sentado con ella a tomar un café y que me contara su experiencia», pero que no ha surgido.

Leire también ha recordado sus complicados inicios en La Oreja: «Pasar del anonimato a que la gente te conozca y opine de ti pues no agrada. Fue inevitable que mi círculo cercano leyera todo lo que se decía y les pedí que no miraran nada. Yo no es que no quisiera saber, quería protegerme. Siempre va a haber alguien que prefiera a Amaia, pero esto no es una competición. Ella es ella con todo su mérito y con todo lo que ella hizo, y yo soy yo. Miro hacia adelante. No voy a decir que no me planteara dejarlo, pero en firme nunca». Leire ha hablado sobre el parecido entre su voz y la de Amaia: «Mis compañeros estaban acostumbrados a un tipo de cantante y de voz y me pedían y buscaban eso en mí. Si de inicio yo hubiera aportado una personalidad distinta quizá la gente no lo hubiera aceptado”.

Por su parte, Amaia no se ha pronunciado sobre las palabras de Leire. En Instagram sí ha publicado un post con el audio de ‘Tan guapa’, bonus track incluido en el álbum de La Oreja de 2016 ‘El planeta imaginario‘, y ha dado las gracias a su ex compañero Xabi San Martín por «resumir en 3 minutos 25 años de una parte fundamental de nuestras vidas! Te quiero».

‘Easy On Your Own?’ de Alvvays es una conmovedora joya noise pop

3

Estamos cada vez más cerca de ‘Blue Rev’, el esperado tercer disco de Alvvays, disponible el 7 de octubre. La banda canadiense, tras 5 años de silencio, regresó con fuerza con ‘Pharmacist’, y desde entonces ya ha mostrado cuatro adelantos, todos ellos excelentes, expandiendo su sonido twee pop a terrenos más shoegaze. Hoy elegimos como Canción del Día ‘Easy On Your Own?’, una melancólica y conmovedora joya noise pop.

Molly Rankin canta con desagarrada emoción al vacío que se siente cuando no sabes qué hacer con tu vida en ningún ámbito y, además, tienes que lidiar con una ruptura. Su voz transmite el dolor y la apatía que viene tras la ausencia de alguien a quien has amado. La labor de volver a encontrarse a uno mismo no es nada fácil. Tampoco lo es afrontar un futuro incierto.

La canción, guiada por una fuerte presencia de guitarras ruidosas está iluminada por una melodía onírica, reforzada, además, por la característica musicalidad de las letras. Evidencia de ello es el exquisito pre-estribillo: “Cause we’re always / crawling in monochromatic hallways / dream we pull a one-eighty someday” (Porque siempre estamos / arrastrándonos por pasillos monocromáticos / soñando con hacer un cambio de 180º algún día).

En el puente, Molly reconoce que ha perdido los mejores años de su vida esperando a su ex-amante y concluye con una pregunta desesperada que sobrecoge por su honestidad: “¿Se te hace fácil a ti estar solo?”. Qué lujo es tener por fin a Alvvays de vuelta.

‘Debut’ fue el reinicio perfecto de Björk

«Debo de haber escuchado cada una de estas canciones más de 500 veces desde que empezamos. Las hemos terminado hace mucho, pero todavía escucho estas canciones cada día. Me pregunto si alguna vez podré parar». En toda mi discografía de CD’s, LP’s y libretos no recuerdo una nota tan entusiasta por parte de un productor. Nellee Hooper está preguntándose en 1993 si alguna vez será capaz de desengancharse de las grabaciones contenidas en ‘Debut’ de Björk Guðmundsdóttir y la respuesta es que no.

En 1992 la cantante islandesa no está a gusto con Sugarcubes. Considera que la música que hacen no la representa. Ella piensa más en Kate Bush y Brian Eno, en el acid, en la vanguardia electrónica del prestigioso sello Warp. El grupo se toma un descanso después de ‘Stick Around for Joy’ (1992) que realmente durará hasta hoy, con la excepción de una brevísima reunión en 2006 para un concierto. Björk graba una maqueta en la que ya aparecen ‘Aeroplane’ y ‘The Anchor Song’, y consigue un contrato discográfico. Y eso que aún no están incluidas las canciones que van a caracterizar su nuevo disco de «Debut».

Hay una intención simbólica en llamar así un disco que en realidad no es tu primero. Su álbum llamado ‘Björk’ cuando tenía 12 años había sido más comentado en los mentideros que escuchado, y titular ‘Debut’ este trabajo en solitario venía como a advertir del reinicio que iba a suponer, foto de Mondino incluida. Ese interés por la electrónica de moda está en estas canciones de manera sutil. Está ahí sin ser esclavo de ello, lo que ha beneficiado su atemporalidad. Es muy visible en ‘Violently Happy’, la única canción que podemos considerar abiertamente house, pero que se diferencia de otros hits coetáneos en sus arreglos.

Björk quiso grabar en directo ‘There’s More to Life Than This’, en concreto en un lugar de la escena que había en el Soho llamado Milk Bar, entregado a la escena emergente electrónica de principios de los 90. Björk se presentó a las 2 de la madrugada y grabó el tema yendo desde los baños a la calle. Su letra viene a decir «vámonos de esta fiesta, que se está poniendo aburrida, hay más vida que esto», por lo que la forma no podía tener más sentido. Hizo una grabación de estudio, pero no la usó, salvo en el CD single de ‘Venus as a Boy’ como cara B, donde aparece con el chanante subtítulo «NON TOILET».

En esa sensación de improvisación de ‘There’s More to Life Than This’ hay una influencia del jazz que fue muy importante en el desarrollo de ‘Debut’, esencial para comprender por qué el álbum es innovador en 1993 pero al mismo tiempo válido para ser disfrutado en 2007, 2022 o 2063. Björk había estado grabando versiones de estándares de jazz como ‘I Remember You‘ o ‘Life Is Just a Bowl of Cherries’, y para trabajar en este álbum contrató al saxofonista Oliver Lake y a la arpista Corky Hale. Están por ejemplo en ‘Like Someone In Love’, que entre sonidos de pájaros, niños riendo y oleaje, nos lleva al cine clásico de Hollywood, algo que volverá en ‘Post‘ con el vídeo de ‘It’s Oh… So Quiet’; y sobre todo en ‘The Anchor Song’.

Esta última, en su relato de fábula, es el momento más intimista y mágico de ‘Debut’. Cuando su voz se quiebra entre instrumentos de metal, Björk muestra su enorme talento como vocalista. En un mundo de voces perfectas pero tan aburridas como las de Mariahs y Whitneys, otras voces vehementes, apasionadas, libres, imprevisibles y enloquecidas como el amor son posibles. Y antes de llegar a ese ‘The Anchor Song’ tan apagado, su voz ha sido el vehículo idóneo para expresar diversas emociones.

Las letras de Björk son sencillas y es muy evidente, incluso a día de hoy, que el inglés no es su idioma materno, pero en su simplicidad es imposible no comulgar con ellas. Además, se llenan de magia a través de diversos trucos de producción. ‘Human Behaviour’, una melodía que escribió de pequeña pero desechó porque entonces estaba en «grupos de punk», habla de lo raras que somos las personas: «definitivamente no hay lógica en el comportamiento humano, pero aun así es irresistible». Esa relación con la infancia explica su vídeo con oso, bajo los mandos del gurú Michel Gondry. Cuando la canción ya es redonda con su sample de ‘Go Down Dying‘ de Antonio Carlos Jobim en la grabación de la Ray Brown Orchestra, suma unas cuerdas sintetizadas y, finalmente, explota.

‘Venus as a Boy’, sobre un sujeto cuya identidad nunca ha querido detallar, que ante todo «cree en la belleza», es sexual, sensible y sensual. El vídeo de Sophie Muller se inspira en ‘Historia del ojo’ de Georges Bataille, antes de que lo haga la obra maestra de of Montreal, mientras los arreglos orquestales del tema apuntan a Bombay. Aunque es más significativo el arreglo de sintetizador de Björk, que toca los teclados en todo el disco, llevándote a un universo paralelo de sonidos que jamás habías escuchado antes. Aquí el beat quería parecerse al sonido de una «botella rota».

‘Big Time Sensuality’, pese a lo que sugiere, habla de la pasión por el trabajo y está inspirada en su primer encuentro con Nellee Hooper, que no fue precisamente sexual, como poniendo en valor que el arte y su creación también puede ser excitante de mil explosivas maneras. Será ‘Violently Happy’ la canción que nos hable de un amor que no podemos contener. «Desde que te conocí, en esta pequeña ciudad no hay sitio para mis enormes sentimientos», comienza narrando antes de la catarsis del que fue el 5º single del disco, pero podría haber sido el 1º o el 9º.

¿Cuál es la canción floja entre toda esta salvajada de descomunales obras maestras? ¿’One Day’? ¿’Aeroplane’? La primera contribuye a la consecución del sonido del álbum, nocturno, misterioso, próximo al jazz aunque en la vanguardia electrónica. La segunda, todo eso y más, pudiendo presumir de haber pasado por el programa de Jools Holland. Y esta última sirve para encarrillar un final de disco de 20 sobre 10 que comienza con la escalofriante ‘Come to Me’, sigue con el hit ‘Violently Happy’ y termina con ‘The Anchor Song’.

Algunas ediciones incluyen también el bonus track ‘Play Dead’, lo que nos lleva a debatir la pertenencia del disco a la moda trip hop. En 1993 Portishead todavía no han publicado su propio «Debut», Massive Attack tan solo han sacado ‘Blue Lines’ y Björk, desde Islandia aunque entonces residente en Londres, no pertenece lógicamente a la escena de Bristol. Tampoco este disco que no se casa con ningún género y que solo se entrega a ese trip hop más orquestal en este tema realizado para la banda sonora de ‘The Young Americans’. Aparece entre sus créditos nada menos que Jah Wobble y David Arnold -curiosamente la dirección orquestal del disco es de nada menos que Talvin Singh- y lleva a Björk a su mejor resultado en la lista de singles británica, un top 12 (varios singles de ‘Post’ sí llegarán al top 10). Publicado en julio del 93, ‘Debut’ se reedita en noviembre con ‘Play Dead’ después de un elegante silencio que nos recuerda dónde acababa el disco original. Pero hay quien no lo considera parte del mismo, y mira que incluso narrativamente tiene su sentido. Diferentes versiones de ‘Debut’ con y sin ‘Play Dead’ circulan indistintamente por Spotify, Tidal o Apple: de manera random puedes disfrutar de esta grabación diferente pero relacionada o acabar en lo que eran las intenciones originales de Björk.

¿Soy yo o de repente parece que ‘Debut’ es la niña fea de Björk de los años 90, en comparación a ‘Post’ y ‘Homogenic’? En absoluto debería considerarse así. La base tribal de ‘Human Behaviour’ casa con el viraje musical que ha sido el siglo XXI, también los retazos psicodélicos de ‘Crying’ y sus acordes esquivos o la sensación de misterio de melodías y detalle. Cuenta Björk que con ‘Violently Happy’ quiso expresar lo que te lleva a hacer la ausencia de una persona deseada. «Corres por los tejados, te tomas 97 tequilas solo para sentir». ‘Debut’ capta a la perfección ese viaje. Nunca el camino de la felicidad a la locura, de la locura a la autodestrucción había sonado tan divertido.

María León niega «haber agredido a nadie» tras ser detenida

60

María León era detenida en la madrugada de este sábado por agredir a una agente de policía en Sevilla cuando se encontraba de fiesta con un grupo de amigos. La actriz se encontraba en la capital andaluza rodando ‘El hijo zurdo’, la nueva serie de Rafael Cobos.

Sin embargo, este lunes 3 de octubre, la actriz ha enviado un comunicado negando haber protagonizado ninguna agresión: “Quiero dar las gracias por las muestras de apoyo recibidas (…) Niego haber agredido a nadie. No es mi intención poner en entredicho (…) a los cuerpos y fuerzas de seguridad en nuestros días, pero sí debo denunciar que he sido víctima de un abuso policial por parte de unos agentes de la policía local de Sevilla. El caso está en manos de mis abogados y desde este momento pongo toda mi confianza en la justicia”.

Según fuentes policiales citadas por medios como El País o ABC Sevilla, todo empezó cuando la policía recibió el aviso sobre un ciclista que se encontraba pedaleando por la zona con una copa en la mano, por lo que fue detenido por resultar un peligro por la circulación.

El ciclista dio positivo en el test de alcoholemia y fue entonces cuando un grupo de personas, entre las cuales se encontraba María León, se acercó a los agentes de policía para recriminar su acción. En este momento, según fuentes policiales, León sacó su teléfono móvil y empezó a grabar a los agentes. Uno de ellos pidió documentación a León, pero ella no llevaba el DNI consigo y se le indicó que subiera al patrullero para acudir a comisaría e identificarse.

Las fuentes policiales narran que, en este momento, los amigos de León rodearon el vehículo de la policía mientras ella gritaba desde el interior del mismo. La actriz logró salir del coche y, cuando una agente intentó interceptarla, habría recibido la agresión de León, que le habría propinado un puñetazo en la cara y una patada en las piernas. La agente requirió asistencia médica.

En este momento, León fue detenida por un delito de atentado a agente de la autoridad y trasladada a comisaría, donde la actriz sufrió un ataque de ansiedad, por lo que requirió ser llevada a un centro hospitalario.

Danger Mouse & Black Thought / Cheat Codes

El álbum colaborativo entre Danger Mouse y Black Thought lleva en proceso más de 15 años. Los dos artistas comenzaron a trabajar juntos en cuanto se conocieron, alrededor del año 2005. Entre 2017 y 2018 desecharon la mayoría del material original, reforzaron su amistad y conexión artística y completaron ‘Cheat Codes’ durante la pandemia de 2020, aunque en ese momento el proyecto fue anunciado con el título de ‘Dangerous Thoughts’.

‘Cheat Codes’ es un bocadito de 38 minutos de hip hop del más alto nivel: complejas rimas plagadas de dobles sentidos, un vocabulario al alcance de pocos y letras cargadas de mensajes sociales aderezadas con unos beats grandiosos basados en samples vintage de los 60 y los 70, exclusivamente. Si no es el mejor disco de rap del año es porque no es más que eso, un pequeño capricho que disfrutas durante poco más de media hora, pero que no apasiona. Es una buena colección de canciones, con una primera mitad superior a la segunda, de la cual elegir los 6 o 7 temas para tu playlist personal.

Partimos de que Black Thought es uno de los mejores y más prolíficos MCs que existen. Con más de 30 años de carrera a sus espaldas, Tariq Trotter (su nombre real) no tiene que demostrar nada porque todos sabemos de lo que es capaz. Por esto mismo, Trotter no trae nada nuevo a la mesa, pero naturalmente tampoco decepciona. El rap de Black Thought es consistente en todo ‘Cheat Codes’, pero es en canciones como ‘Aquamarine’, que incluye algunos de los versos que más temas abarcan del disco («Me tomo el día como una bendición y la noche como una lección»), o ‘Because’ donde Tariq brilla especialmente, y siempre por encima de sus invitados («¿Qué coño es el amor?/ No necesitamos una razón para morir, morimos porque sí»).

La producción de Danger Mouse se nutre de samples a lo largo de la totalidad del proyecto. En algunas ocasiones, como en ‘Belize’, se usan samples vocales, mientras que en canciones como ‘The Darkest Part’ tenemos a un artista invitado que se encarga de grabarlas, como es el caso de Kid Sister en la canción mencionada. Además, Danger Mouse propone una especie de filtro vintage de sonido por el que pasa todas las pistas vocales, equiparando las grabaciones con los samples. Esto es un acierto en el apartado estético. Sin embargo, parece que la propia voz de Tariq está pasada por el mismo filtro, haciendo que en ocasiones no se escuche del todo bien. Si lo juntas con un mix pobre, como en ‘The Darkest Part’, tenemos a un Black Thought que parece estar rapeando desde la habitación de al lado del estudio.

A pesar de esos detalles, la producción de ‘Cheat Codes’ es uno de los mayores atractivos del álbum. Tenemos tracks épicos que recuerdan a introducciones de películas western (‘Sometimes’), canciones de corte psicodélico que siguen el legado de la época que samplean (‘Cheat Codes’), beats que se acercan al funk y al jazz (‘No Gold Teeth’) y otros temas más sutiles como ‘Belize’ o ‘Saltwater’. En este último, a raíz de la colaboración de Conway the Machine, Danger Mouse intenta mezclar, sin mucho éxito, el estilo grandioso que ha desplegado a lo largo del disco con el minimalismo que caracteriza a Griselda, el colectivo de rap al que pertenece Conway y que ha ganado popularidad en los últimos años.

En palabras de Black Thought, en ‘Cheat Codes’ no hay ninguna «primera versión», ya que todas las canciones fueron refinadas y mejoradas en algún momento, incluso la respiración y el «pronunciamiento de sílabas concretas»: «La cantidad de atención al detalle en este disco es lo que le convierte en único». Al escuchar el disco, y teniendo en cuenta el mix de algunas canciones, este cuidado minucioso a los detalles no es que se note mucho. Al final, aunque disfrutable y ameno, ‘Cheat Codes’ tampoco es la obra maestra que podría.

LCD Soundsystem buscan en «cuerpo nuevo» en ‘new body rhumba’

3

Hace cinco años que vio al luz ‘american dream‘, el hasta ahora último álbum de estudio de LCD Soundsystem. El grupo de James Murphy no ha dejado de tocar en directo y, por ejemplo, este mismo año ha ofrecido otro de sus directos pletóricos en el festival Bilbao BBK Live. Después, ha seguido tocando por Estados Unidos.

Se echaba de menos nueva música de LCD Soundsystem, y el grupo autor de ‘Dance Yrslf Clean’ acaba de lanzar su primer single en un lustro. ‘new body rhumba’ es el tema principal de ‘White Noise’, la nueva película de Noah Baumbach, y es una digna adición al repertorio de la banda.

‘new body rhumba’ puede ser una de las composiciones más desenfadadas jamás publicadas por LCD Soundsystem, hasta el punto que parece coger el testigo de los B-52’s ahora que estos han anunciado su disolución, o de bandas hermanas como Devo o Talking Heads. De hecho, esas voces femeninas gritando «super, super, super» bien podrían ser las de Cindy Wilson y Kate Pierson; mientras los sintetizadores suenan tan caricaturescos como en el debut de la banda de Georgia. Eso sí, la maraña de riffs y, sobre todo, el in crescendo de ‘new body rhumba’, nos llevan a los apoteósicos directos de Murphy y compañía.

El éxtasis de ‘new body rhumba’, su voluntad de hacer sudar, como, por otro lado, consiguen siempre los conciertos de LCD Soundsystem, tiene un propósito. En la letra, Murphy efectivamente busca un «cuerpo nuevo». Canta que necesita «más forma y tono» y que, además, necesita dejar de «dormir solo» porque se siente «desplazado» y «extraviado como un perro que no puedes dejar en casa».

Según Filmaffinity, ‘White Noise’ narra la historia de Jack, un profesor universitario que «ha vivido rodeado del ruido blanco de la alta tecnología, las señales electromagnéticas y el consumismo» y que «se ve obligado a enfrentarse a su propia mortalidad» cuando «un accidente industrial causa un terrible incidente medioambiental en una bucólica ciudad del medio-Oeste americano, cubriéndola en una nube tóxica».

Sam Smith y Kim Petras montan un teatro en el vídeo de ‘Unholy’

24

Sam Smith y Kim Petras están arrasando con ‘Unholy‘, su single colaborativo, que lleva días amarrado al número 1 de Spotify Global. El tema es oficialmente número 1 en la lista de singles británica, lo que da a Smith su octavo top 1 en las islas, y el primero a Petras. Ni cabe decir que el éxito de ‘Unholy’ supone un momento histórico para la representación no binarie y trans, y puede ir más lejos, ya que en Estados Unidos se prevé que el tema también debute en el primer puesto.

El éxito de ‘Unholy’, fraguado en TikTok, donde un fragmento del tema se había viralizado, ha reencauzado la carrera de sus dos intérpretes. Smith venía de fracasar con su tercer disco, ‘Love Goes’, y su single suelto ‘Love Me More‘ tampoco había conseguido mejorar las cosas pese a recuperar el sonido de pop-soul con el que Smith se dio a conocer.

Por su parte, Kim Petras nunca había logrado colarse en las listas mainstream y, últimamente, se encontraba relatando su penosa situación profesional en Twitter: incapaz de publicar una sola canción por razones contractuales, su disco ‘Problématique‘ ni siquiera iba a ver la luz, pese a estar completado. Su sello había decidido tirarlo a la basura y sus fans solo pueden escuchar una filtración en Youtube, mientras piden su lanzamiento oficial.

‘Unholy’ es un punto de inflexión en la carrera de Smith y Petras y todo su equipo está poniendo la carne en el asador para que el tema genere un impacto real. Así, su videoclip ha contado con la dirección nada menos que de Floria Sigismondi, conocida por haber dirigido vídeos como ‘The Beautiful People’ de Marilyn Manson, ‘Fighter’ de Christina Aguilera o ‘The Next Day’ de David Bowie.

EL vídeo de ‘Unholy’ traslada a imágenes la historia de la canción, donde un hombre se escabulle de su mujer acudiendo a un club sexual. Toda una superproducción en la que Smith y Petras aparecen convertidos en performers de un cabaret erótico lleno de strippers y drag queens, el vídeo cuenta con apariciones de Violet Chachki y Gottmik, de ‘Drag Race’, y también del actor porno Paddy O’Brian.

Beyoncé, Suede, Bad Bunny, Bizarrap, Jamie xx… en el top 40 de JENESAISPOP

0

Mientras seguimos sin saber absolutamente nada sobre los vídeos de ‘RENAISSANCE‘ o sobre su segunda parte, Beyoncé entra al top 2 de lo más votado de JENESAISPOP con ‘CUFF IT‘, el que se ha decidido de manera espontánea su segundo single. Eso sí, Björk sigue teniendo bien amarrado el número 1 con la que es la canción principal de ‘FOSSORA‘, su nuevo disco, nuestro «Disco de la Semana».

Llegan al top 3 Suede, un grupo aún muy querido por nuestros lectores. Más tímidamente aparecen por el top 20 Bad Bunny y Bizarrap con Quevedo. En la zona baja de la tabla encontramos a Jamie xx.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 3 Atopos Björk Vota
2 2 1 CUFF IT Beyoncé Vota
3 3 1 The Only Way I Can Love You Suede Vota
4 3 1 4 There’d Better Be a Mirrorball Arctic Monkeys Vota
5 7 5 2 Que pasa nen Alizzz Vota
6 8 2 6 Oh, Lover Röyksopp, Susanne Sunfør Vota
7 4 4 3 No hay ley Kali Uchis Vota
8 10 6 5 Eleanor Hot Chip Vota
9 5 1 5 Hold Me Closer Elton John, Britney Spears Vota
10 2 2 3 Almas gemelas Malamute Vota
11 6 6 2 It’s Not Just Me, It’s Everybody Weyes Blood Vota
12 12 1 14 Break My Soul BEYONCÉ Vota
13 20 2 9 Despechá Rosalía Vota
14 14 1 El apagón Bad Bunny Vota
15 37 15 2 Greatest Hits Jockstrap Vota
16 24 9 4 Firefly Shygirl Vota
17 9 1 8 2 Die 4 Tove Lo Vota
18 28 18 2 Esta era Amor Butano, valverdina, Ciberchico Vota
19 19 1 Sesión Vol. 52 Bizarrap, Quevedo Vota
20 15 1 10 Free Yourself Jessie Ware Vota
21 33 3 9 Hypnotized Sophie Ellis-Bextor Vota
22 16 3 26 As It Was Harry Styles Vota
23 26 2 14 BIZCOCHITO Rosalía Vota
24 11 11 5 Phantom Rina Sawayama Vota
25 35 1 25 SAOKO Rosalía Vota
26 13 4 7 boy The Killers Vota
27 18 10 7 Weird Goodbyes The National, Bon Iver Vota
28 38 23 3 Las manos Fuel Fandango Vota
29 23 1 28 My Love Florence + the Machine Vota
30 25 1 12 Así bailaba Rigoberta Bandini, Amaia Vota
31 29 29 2 Danielle Fred again.. Vota
32 31 1 30 Candy Rosalía Vota
33 33 1 KILL DEM Jamie xx Vota
34 19 8 6 Super Freaky Girl Nicki Minaj Vota
35 17 17 3 Calm Down Rema, Selena Gomez Vota
36 34 1 20 La canción que no quiero cantarte Amaia, Aitana Vota
37 36 11 5 Her Megan Thee Stallion Vota
38 21 2 8 Beach House Carly Rae Jepsen Vota
39 22 22 3 El Pañuelo Romeo Santos, Rosalía Vota
40 40 7 4 Tristeza Silvana Estrada Vota
Candidatos Canción Artista
Surround Sound JID Vota
Tout savoir Adé Vota
Xqnoo:( aroa ay Vota
Bad Thing Miya Folick Vota
Summer Really Hurt Us ALMA Vota

Vota por todas las canciones que te gusten

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

El truco de prestidigitación de Angel Olsen

3
Tráiler del tour

Un telón al fondo del escenario mostrando una imagen campestre parecía anticipar una velada muy centrada en los sonidos cercanos al country del último disco de Angel Olsen, en los minutos previos al comienzo del concierto. Y es verdad que -tal como se había anunciado- el peso de ‘Big Time’ sería muy elevado en el setlist del concierto (sonaron 7 canciones), pero de alguna manera la producción tan marcadamente “roots” del álbum se diluyó notablemente, dando lugar a un repertorio coherente entre sí ya desde los primeros compases del concierto.

Ayudaba el hecho de que Angel Olsen no hubiese traído una banda de sonido americana, priorizando una estupenda mini-sección de cuerda (violín y violoncello) para aportar adornos y texturas frente a esa guitarra pedal steel tan presente en el disco, y sumado a un refrescante segundo guitarrista nada interesado en tocar al estilo tradicional. Eso, junto a una teclista y segunda voz que alternaba pianos y sintetizadores, consiguió ese efecto amalgamante durante todo el set.

Y, claro, luego está el asunto de la voz. Es muy distinto disfrutarla en un disco que tener delante la presencia física de la artista, más diminuta de lo que podría anticiparse pero con un enorme carisma y poder vocal. De repente los matices, el volumen, se apreciaban con muchísima más intensidad. De manera que Olsen -aunque suene a cliché- se ganó al público además de por unas canciones que casi todo el mundo conocía y había venido a degustar, por hacer una interpretación vocal técnicamente perfecta, espectacular. Tras un buen comienzo con ‘Dream Thing’, en el estribillo extra que añadieron al final de ‘Big Time’ Angel cantó una octava más agudo con increíble fuerza y sentimiento, como si fuera un aviso de los múltiples momentos en los que su voz deleitaría a partir de entonces.

Al interpretar ‘Ghost On’, el interesante solo de guitarra a medias entre ella y Stewart Bronaugh tenía mucho más que ver con las guitarras angulares y post-punk de Durruti Column que con el arreglo del álbum, tal como nos anunció la propia Angel en nuestra entrevista de hace unas semanas. Un cambio muy gratificante que hizo la transición a la sección de canciones “antiguas” prácticamente imperceptible (‘en ‘Shut Up Kiss Me’ volvieron las guitarras dobles a lo Vinnie Reilly). Mención especial a una espectacular ‘All Mirrors’, en la que las cuerdas y los dos sintetizadores (Angel tocando uno) se fundieron a la perfección, caja de ritmos incluida. Además de un disfrutabilísimo y evocador extra de reverb en la voz (como no podía ser de otra forma), la sección de cuerda hizo un uso especialmente atmosférico de los pedales de efectos (de los cuales llevaban sorprendentemente un montón).

Para ese momento, además del evidente triunfo musical, la conexión dialogada con el público era ya absoluta, gracias a las interacciones y comentarios humorísticos de Angel entre canción y canción, que sintonizaron muy bien con un público que era una equilibrada amalgama de extranjeros y locales, y gente de 40 pero también de 20. Fue muy celebrado su “tuve un novio una vez… lo sé, ¿raro, verdad?”. Tras contar una anécdota sin chiste al final, comentó para risas de la audiencia que “no tengo chistes… sólo canciones tristes”, y también se rió de los bailes de Tik Tok de cintura para arriba: “¡no mueven las piernas! Habría que hacer vídeos sólo de piernas a partir de ahora”.

Al retomar el repertorio de ‘Big Time’ con ‘This Is How It Works’, de nuevo se hizo evidente lo mucho más ricas en dinámica que suenan estas canciones en directo, sobre todo las acústicas, como ya había pasado con ‘Right Now’. Los cambios entre momentos intensos y paradas te sometían a un vaivén emocional que ninguna grabación puede realmente plasmar: algunos de esos silencios se quedaban como suspendidos en el aire durante unos segundos, y cuando la banda reanudaba la pieza la sensación era embriagadora.

Algo que facilitó la antesala del momento álgido de la noche: su interpretación de ‘Go Home’. Como en un sutil homenaje al drama-pop de las Shangri-La’s que la canción evidentemente referencia (pianos incluidos), Angel soltó la guitarra y la cantó con las manos libres, que inicialmente retorcían algo nerviosamente el nudo de su camisa, pero que finalmente propiciaron un baile algo tímido pero tremendamente hipnótico, perfecto para la cadencia sesentera de esa canción, y que junto a la espectacular voz enloqueció a lxs fans.

Tras recuperar ‘Sister’ de ‘My Woman’ sonó el último tema escogido de ‘Big Time’, ‘All The Good Times’, cuya amarga letra presentó como “una canción sobre estar cabreada… sobre esas veces en las que la otra persona sabe decir exactamente eso que te va a sacar de quicio”. La despedida pre-bis la protagonizó una bella y larga ‘Chance’, de nuevo repescada de ‘All Mirrors’, que Angel interpretó una vez más sin instrumentos, moviéndose por el escenario y sentándose en el borde, en otro guiño un poco cantante melódica de los 60.

Ajosado, Madrid

El regreso para el único bis fue muy sorprendente: tras decir que esperaba que si conocíamos la canción cantásemos con ella (“y os aseguro que es la primera y única vez que os voy a pedir algo así”), iniciaron una increíble interpretación de ‘Without You’ de Nilsson, por supuesto coreada por todo el mundo. Que a pesar de que la muy fiel interpretación (redobles cruciales pre-estribillo calcados) la canción siguiese sonando a Angel Olsen (con un toque casi gótico en el primer estribillo de voz grave) es prueba concluyente de por qué Olsen destaca entre tantos intérpretes de su generación. Su voz tiene algo indescriptiblemente personal, y con su presencia carismática la combinación es imbatible.

Eso explica también otro de los misterios de la noche: mientras el público abandonaba las sala con sonrisas de satisfacción, o comentando en qué canción se habían emocionado especialmente, un vistazo rápido a la setlist que un ávido fan había conseguido revelaba la sorpresa: Angel sólo había interpretado 12 canciones más el bis. Tratando de entender por qué no me había parecido corto, pensé en si las canciones habían sido tan largas, o si quizá para el público, además de lo puramente musical, también había tenido valor la constante conversación, esa interacción bastante fascinante sobre la comida vegana que había disfrutado ese día (“y ni siquiera soy vegana”), o la dedicatoria al fan que se había encontrado hoy por la calle en Madrid (“de nuevo te digo, lo siento”) o sus preguntas sobre discotecas cercanas (“o mejor aún, ¿alguna roller disco?”).

¿Habíamos sido víctimas de un genial truco de prestidigitador o realmente lo bueno si breve, intenso y emocionante es dos veces bueno? A fin de cuentas fue hora y cuarto de concierto. Teniendo en cuenta que, como la mayoría de la gente presente, salí completamente satisfecho, yo diría que me decanto por lo segundo.

Nacho Cano detalla la marcha de Chanel

27

En lo que puede ser el culebrón favorito de la temporada en el mundo musical, ni Chanel está sacando nueva música, ni tampoco está protagonizando ‘Malinche’. Así que hasta que haga algo que no sea lanzar una canción de 1 minuto o 2 para la banda sonora de ‘Pinocho’, toca que continuemos dando vueltas a lo mismo.

Cada entrevista a Nacho Cano es una chuchería y la nueva de Espejo Público recogida por Vertele no decepciona. Podríamos ser malos extrayendo de sus palabras el titular «Ojalá no vuelva a ‘Malinche'» porque de hecho lo ha dicho, pero eso sería sacar sus palabras de contexto.

Lo seguro es que el autor de ‘El 7 de septiembre‘ ha explicado por qué Chanel finalmente no ha protagonizado ‘Malinche’: «Lo que pasa es que, cuando te ven triunfar de esa manera 120 millones de personas, te llueven ofertas de todos los lados. Y yo esa experiencia la he vivido no una, muchas veces. Sé lo que es y he sido el primero en animarla. Cuando terminó el tema de Eurovisión le dejé mi casa de Miami, y ella se fue allí a componer con sus compositores porque soy consciente de que ella tiene que apostar por su carrera mundial. Yo lo haría también y la voy a apoyar en ese sentido”.

Curiosamente, Nacho Cano no pierde la cabeza por que Chanel protagonice algunas sesiones de ‘Malinche’, como ella misma dejó caer en ‘El Hormiguero’: “Yo no sé si con la agenda que ella tiene, y las exigencias que yo tengo para que el personaje de Malinche se ponga encima del escenario con el rigor que merece, vamos a poder cuadrar esas agendas. Ojalá que no sea posible, porque querrá decir que Chanel está triunfando muchísimo en el mundo entero”.

Finalmente, ha justificado la polémica de ‘Malinche’ y su veracidad histórica de la siguiente manera: “Hay una corriente que está silenciada, que es la corriente que está orgullosa de nuestra genética, de nuestra historia, de la fusión, de la creación y de la celebración. Y luego hay otros que están rebotados hasta consigo mismos y con su propia sangre, y que todo nuestro pasado lo tiran por tierra y lo denostan. En Italia a los romanos, que hicieron cada barbaridad tremenda, los tienen como una civilización increíble».

‘La consagración de la primavera’: follar o no (poder) follar, esa es la cuestión

0

Laura acaba de cumplir 18 años y llega a Madrid desde su Mallorca natal para empezar en la universidad la carrera de Química, quedándose en un colegio mayor regentado por monjas. Tremendamente tímida e insegura, puede parecer que sus amigas viven en 2022 y ella en 1982 (y no en el de la Movida) en cuanto a relaciones y sexoafectividad, pero a ella le gustaría que esto no fuese así.

La casualidad hace que, a cuenta de un accidente que tiene mientras reflexiona sobre esto, acabe conociendo a David, un chico de 26 años con parálisis cerebral con el que irá sintiendo una conexión especial. A raíz del activismo de David en su blog, Laura acaba descubriendo qué es eso de la asistencia sexual para personas con discapacidad.

A pesar de que ha seguido trabajando como montador después de estrenarse en el largo (‘Viaje al cuarto de una madre’ es de 2018), hace mucho que Fernando Franco es considerado director a secas. Su debut con ‘La Herida‘ dejó con la boca abierta a la crítica, llevándose el Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián y el Goya a Mejor Director Novel (y hay que sumarle el Goya a Mejor Actriz que se llevó su protagonista Marian Álvarez). Se tomó su tiempo para volver, con la también aclamada ‘Morir’, y ha vuelto a esperar unos años para regresar, haciéndolo con la que seguramente sea su película más redonda, y también la más accesible.

‘La Consagración de la Primavera’ vuelve a ser una historia íntima, y el carácter algo más dulce que en sus anteriores cintas pone al espectador como un tercero en esa amistad/pareja/whatever que forman Laura y David, sintiendo complicidad con ellos (y con esa madre con la que Emma Suárez amadrina este proyecto).

Franco consigue un estudio de personajes de primera categoría, y esto es tanto por la completa entrega de Valéria Sorolla y Telmo Irureta como por el fascinante juego de espejos que plantea. Porque, pese a la controversia que ha generado por la asistencia sexual (reforzada por la diferencia de edad), la película no plantea “una verdad” al respecto, en todo caso un debate. O ni eso, porque el tema central no es ese sino el paralelismo que apuntamos entre sus dos protagonistas, en los que además no llega a estar claro quién tiene el poder, o si incluso hay un equilibrio en algunos momentos, y es lo que les lleva a sentirse tan cómodos el uno con el otro.

¿Qué pasa con Laura? Racionalmente, no ve que el sexo sea algo malo, pero no se lo puede quitar de la cabeza cuando se acerca demasiado con cualquier persona; lo siente incrustado en su fondo. No sabemos si es por sus muy conservadores padres, si es por sus inseguridades y por los complejos que vemos que tiene con su cuerpo, si es por algún trauma, si es un problema anatómico, si es una manifestación de un posible TOC, o si es todo esto a la vez; el motivo es lo de menos, el caso es que Laura querría disfrutar de su sexualidad, pero no sabe cómo. A efectos prácticos, no puede. Pero con David, sí.

Esto, evidentemente, tiene más matices en los que no entramos para no hacer spoiler, pero el proceso por el que Laura va pasando está reflejado con especial delicadeza por Franco y Sorolla. Habrá quien eche en falta más riesgo a nivel técnico, hay también decisiones que quizás podrían haberse evitado para conseguir que más personas le diesen una oportunidad a la película, alguna trama más caótica y un final un tanto abrupto, pero, en líneas generales, ‘La Consagración de la Primavera’ es una de las grandes películas españolas que pudimos ver en este Festival de San Sebastián, y, como suele ocurrir con Fernando Franco, un delicioso acercamiento a sus personajes.

Björk / Fossora

Cuando Björk declaró que se encontraba grabando un álbum de “rave doméstico”, saltaron las alarmas. ¡Björk volverá a hacernos bailar por fin! ¡Ha dicho la palabra “clubbing”! Lo que dijo después ya no nos interesó tanto: que las canciones se moverían “como si fueran virus”, que no serían bailables sino que irían a 80 o 90 bpm porque “ese es el ritmo al que yo camino” (¿puede ir más a su bola?)

En parte teníamos razones para esperar, al menos, un disco más centrado en los beats de gabber, puesto que este es el estilo del dúo de productores indonesio que colabora en el álbum. Y cuando dices que el estilo de tu disco es el “tecno biológico”, la palabra “tecno” llama poderosamente la atención. ‘Atopos’, en este sentido, ha sido un single engañoso al que debemos agradecer otras cosas.

Hacía mucho tiempo que un tema de Björk no daba de qué hablar, pero ‘Atopos’ se ha convertido en meme, y estoy seguro de que la islandesa ha sido la primera en reírse. Frente a la expectativa de un disco naturalista, doméstico, inspirado en el mundo de los hongos y centrado en conceptos como el amor o la familia, Björk ha decidido que es momento de sacar una canción de reggaeton. ‘Atopos’ lo es a su manera, y su final de beats aporreados es lo más loco que ha firmado Björk en años. Además, la canción está dedicada al amor entre dos personas que se quieren por encima de sus diferencias, pero admite una segunda lectura sobre la cultura de la cancelación en la que no se ha reparado tanto, pues Björk la escribe como reacción al #MeToo, que sucede, cabe recordar, cuando ‘Utopia’ (2017) acaba de salir al mercado.

‘Atopos’ es el single claro de ‘Fossora’, como ya lo era ‘Earth Intruders’ de ‘Volta’ (2007), pero no tiene tanto que ver con el resto del disco, en el que Björk sigue básicamente construyendo su propio folclore, a través de un cancionero centrado en el sonido de los clarinetes y otros instrumentos que no son necesariamente electrónicos.

Los beats de Gabber Modus Operandi vuelven a construir una completa ida de olla en la pista titular, probablemente la más accesible de todas, pero sobre todo están presentes para conferir un latido a las composiciones, como es el caso del romántico segundo single, ‘Ovule’, que parece se va a convertir en un afrobeat pero no, opta por una forma más abstracta, mientras la melodía de trombones evoca un viaje en barco de vela. Y en una de las pistas del album, Björk directamente interpreta una canción folclórica islandesa, escrita por una poeta de siglos pasados, que versa sobre los fiordos escandinavos.

Ese componente “popular”, de canción antigua, dirige la mayoría de composiciones. El concepto micológico puede llegar tan lejos como en ‘Fungal City’, donde, entre cuerdas ufanas y beats de gabber, parece que va a asomar la cabeza de David el Gnomo en cualquier momento (en su lugar aparece serpentwithfeet), y la voz como instrumento principal forma la base de muchas de las piezas, entre ellas el curioso interludio ‘Mycelium’ (el micelio es una especie de tejido de los hongos).

Björk definitivamente sigue componiendo durante largos paseos por la naturaleza islandesa, como cuando de niña cantaba sus propias tonadas mientras regresaba a casa de la escuela, desafiando el temporal con un chorro de voz salvaje que el paso del tiempo ha domado; y se nota en lo completamente libres y personales que siguen sonando sus melodías. La diferencia es que ahora tiene la madurez suficiente para hablarnos de vínculos no solo románticos, sino también familiares, hasta el punto que sus dos hijos, Sindri e Ísádora, nacidos con 20 años de diferencia, entre el primer disco de los Sugarcubes y ‘Vespertine’ (2001), aportan voces en el disco.

El vínculo maternal también es explorado desde el punto de vista inverso. ‘Sorrowful Soil’, la primera de dos canciones dedicadas a Hildur Rúna, madre de Björk, fallecida en 2018 y muy conocida por su activismo y estilo de vida hippy, es un enorme himno coral, de iglesia, que no puede sonar más ‘Medúlla’ (2004) ni su letra ser más Björk en su descripción de una madre que pone “huevos y nidos” y los cubre con su “tejido emocional”. ‘Ancestress’, la elegía siguiente, donde pone coros Sindri, toma una forma mucho más épica, como de canción imperial china, en la que Guđmunsdóttir relata durante siete angustiosos y bellísimos minutos la muerte de su madre con la franqueza lírica que la caracteriza, mientras la instrumentación incluye percusiones de gong y cortantes beats que reproducen una batalla de espadas (¿entre la vida y la muerte?).

En este contexto emociona especialmente el cierre de ‘A Mother’s House’, donde Ísadóra visita la casa de su madre ya no como inquilina, sino como invitada, entre preciosos arreglos de clarinete y cuerda que transmiten una sensación acogedora.

No obstante, Björk ha aclarado que ‘Fossora’ no es en absoluto un disco de luto y, de hecho, la composición más oscura del largo, ‘Victimhood’, asfixiante en su mezcla de clarinetes disonantes y angulosos y beats de tecno industrial, está dedicada a su divorcio. Y, aun así, no se regodea en la miseria; al contrario, busca salir de ella. «Creía que el mundo me debía amor» es una de las frases que salen de la boca de Björk mientras supera el sentimiento de víctima que le dejó la pérdida de su familia, de su «misión común» con Matthew Barney, tal y como relató en ‘Vulnicura’.

En contraposición, la islandesa no puede sonar más enamorada en ‘Freefall’, donde es posible escuchar -ojo- influencias del pop de los años 50; ni tampoco más feliz en ‘Allow’, una fantasía de flautas sacada de las sesiones de ‘Utopia’ donde la noruega Emilie Nicolas hace coros. Está cantada desde el punto de vista de una planta que crece gracias al amor, una imagen que viene a resumir todo el contenido de ‘Fossora’, un trabajo que rinde homenaje a los vínculos familiares y románticos, pasados y presentes, en los que Björk encuentra su fortaleza.

Billboard Latinos: Xtina deslumbra con ‘La Reina’, Elvis Crespo versiona a Bad Bunny…

24

Esta noche se ha celebrado la gala de los Premios Billboard de la Música Latina. Miami ha sido la ciudad que ha acogido la ceremonia, donde ha arrasado Bad Bunny, que se ha llevado nueve premios, entre ellos el de Álbum del año por ‘Un verano sin ti‘.

Solo gracias a su éxito ‘Pepas’, Farruko ha sido el segundo artista más premiado de la noche al llevarse cuatro galardones. Le ha seguido con tres Karol G, que se ha hecho con varios premios de artista y otro por ‘MAMII’, su éxito con Becky G.

De los tres artistas mencionados, solo Farruko ha actuado, pero la gala no ha estado exenta de momentos memorables. Para empezar, Elvis Crespo ha vuelto a los escenarios para cantar la icónica ‘Suavemente’ y, antes, para versionar ‘Neverita‘ de Bad Bunny, después que este le haya homenajeado en su videoclip.

Por otro lado, Christina Aguilera ha actuado de cara al lanzamiento de su nuevo EP, ‘La Luz’. Sin embargo, no ha cantado su nuevo single, sino que se ha decantado por ‘La Reina‘, la ranchera que cerraba el primero de los epés que conforman su nuevo álbum largo.

Otro de los artistas que han amenizado la gala ha sido Chayanne, que ha recibido un premio por su trayectoria, mientras por el escenario han pasado también Camilo (que ha actuado solo y junto a Grupo Firme), Manuel Turizo, Nicky Jam o Raphael, que ha presentado nuevo single y también ha recibido premio honorífico.

Los ganchos planeteros de Nadie Patín, esta noche en Madrid

0

Nadie Patín, que os presentábamos el año pasado con motivo de sus primeros EP’s y su actuación en Monkey Week, continúan con su carrera. El dúo de Jerez asentado en el power pop noventero y el noise pop planetero actúa hoy 30 de septiembre en Madrid. Su concierto en el Café La Palma está enmarcado en el ciclo Escenarios Vibra Mahou, que durante todo el otoño llevará a las salas conciertos de todos los estilos. Las entradas están disponibles aquí.

Nos cuentan Nadie Patín, también definidos por su estética y nombre skater, que han terminado un disco que ya tienen grabado y masterizado. Su primer single verá pronto la luz. Es posible que forme ya parte de su repertorio, como también los pequeños hits que hemos escuchado durante el último par de años. Destacaba la urgencia de ‘Siete láminas’ (2021), donde en ‘Pedregalejo’ se pegaba como una lapa su estribillo «de haberlo sabido, no me hubiera ido», y donde desafiaban la tradición romántica de ‘Romeo y Julieta’ con la frase «por cosas del amor no se ha muerto nadie».

Son ciertamente pegadizos sus estribillos y trotona su base rítmica, haciendo que imaginemos ‘Nunca es suficiente’ como una fiesta de pogo: «dime cuántas veces lo he intentado y no he conseguido nada», repite cual hit que podía haber estado contenido en ‘Súper 8’. Solo que Selu no disimula nada su acento andaluz, dotando de un encanto especial a las grabaciones.

‘Las 7 menos 10’, ahora mismo su tema más oído en Spotify, y ‘María Terremoto’, el tema más destacado en Apple Music con su gancho «yo ya estaba roto», daban cuenta de la solidez compositiva de ‘Siete láminas’, ya antes de dar el paso definitivo hacia su puesta de largo. Próximamente, habrá novedades de Nadie Patín.


Rosalía y Wisin & Yandel apuntan a hit con su revisión de ‘Besos moja2’

27

Con ‘El pañuelo‘, su nueva bachata con Romeo Santos, recién llegada a la lista de singles española (esta semana ocupa el puesto 17), Rosalía sigue colaborando con otros artistas y hoy presenta nuevo single junto a otro grupo que ha sido importante en su vida.

‘Besos mojados’ es uno de los mayores éxitos de Wisin & Yandel, un clásico del reggaetón, original de 2009, y el dúo puertorriqueño lo revive hoy con la ayuda de Rosalía, que no solo se intercambia los versos y el estribillo con el grupo sino que, también, agrega una nueva letra con referencia a ‘Motomami‘ y a ‘Milionària’, además de palmas.

La nueva versión de ‘Besos moja2’ (así se ha titulado la canción) trae una producción definitivamente más refinada que la original y rebaja la agresividad de antaño. En su lugar, la aportación vocal de Rosalía la acerca a un terreno más pop. ‘Besos moja2’ forma parte de ‘Última misión’, el nuevo álbum de Wisin & Yandel que también trae colabos de Rauw Alejandro, J Bavin o Chencho Corleone.

Como muchos recordaréis, Wisin es intérprete, junto a Daddy Yankee, de otro clásico del reggaetón que ha sido clave en la creación de ‘Motomami’. ‘Saoco’ es, evidentemente, el tema en el que se basa ‘Saoko‘, el tema de apertura del disco de Vila Tobella.

El dúo formado por Juan Luis Morera Luna y Llandel Veguilla Malavé ha anunciado este año su retirada de los escenarios. Con su gira de despedida celebrarán 25 años de carrera y, en 2023, se estrenará un documental sobre ellos.

RFTW: Javiera Mena, LCD Soundsystem, Pixies…

1

Este viernes 30 de septiembre ve la luz el esperado álbum de Björk, ‘Fossora’, que no es el único lanzamiento importante del día, ya que Yeah Yeah Yeahs entregan su primer álbum en 9 años, y Javiera Mena el primero desde 2018. También será momento de escuchar nuevos trabajos de Pixies y Shygirl, así como lanzamientos de The Big Pink, Kid Cudi, Slipknot, Rumia, Titus Andronicus o Freddie Gibbs.

Entre las novedades que hemos podido escuchar en los últimos días, además de la nueva locura de Björk, se encuentran regresos tan esperados como los de Paramore, The Go! Team y La Bien Querida, también el segundo single del disco de Arctic Monkeys, el ídem de Christine and the Queens, el enésimo tema que avanza el próximo álbum de Tegan and Sara, y lo nuevo de Travis Birds que hemos destacado en portada.

Desde el viernes puede escucharse al fin el single que presenta ‘La Luz’, el EP de Christina Aguilera, así como ‘Beep’, el tercer adelanto del próximo trabajo largo de M.I.A., co-producido por Skrillex, entre otros. Da la casualidad que también vuelven LCD Soundsystem, eso sí, para poner música a una película, ‘White Noise’.

Más música recién salida del horno la ofrece Ed Sheeran con ‘Celestial’, su enérgico tema para el nuevo videojuego de Pokemon, mientras Ciara se alía con Summer Walker en ‘Better Thangs’. Nuestros queridos Nation of Language, así como Men I Trust, Hyd, Melody’s Echo Chamber o Beck con su versión de Neil Young, firman otras de las novedades incluidas en la playlist.

Además de lo mencionado, hoy es una buena oportunidad también de descubrir nueva música de Sure Sure, Nia Archives, Oh Wonder, Låpsley, L’objectif, Oh Wonder, modernlove, yunè pinku, Bill Callahan, Nation of Language, SIMONA, Men I Trust…

Neil Young sufre la primera consecuencia de haber vendido su catálogo

13

Entre las novedades musicales que ha dejado la semana y que ya podéis ir escuchando reunidas en la playlist «Ready for the Weekend» se encuentra ‘Old Man’ de Beck. Se trata de una versión de Neil Young que ha sonado en un anuncio de la NFL.

La noticia tiene más miga de lo que parece ya que Neil Young nunca ha cedido sus canciones a ninguna marca. Como recuerda Stereogum, su canción de 1988 ‘This Note’s for You’ precisamente criticaba el uso del rock en la publicidad, y su videoclip incluía la presencia de un imitador de Michael Jackson cuyo cabello empezaba a arder.

En la canción, cuyo paródico vídeo ganó el MTV Video Music Award a Vídeo del año, aunque hoy extrañe recordarlo, Neil declaraba: «Yo no canto para Pepsi, yo no canto para Coca Cola, yo no canto para nadie, me hace verme como una broma». Young cantaba que no se vendía ni a los políticos ni a las marcas de cerveza porque él tiene «algo auténtico».

Pero ahora, una canción de Neil Young ha sonado en un anuncio, eso sí, en voz de Beck, y es porque, el año pasado, Young decidía vender todo su catálogo al fondo de inversión Hipgnosis Songs Fund por una suma que se desconoce pero que se presume millonaria. El acuerdo probablemente permite que canciones de Neil Young cantadas por otros puedan ser licenciadas en anuncios, no así las propias grabaciones de Young. Pero, como indica Stereogum, las cláusulas se desconocen.

Eso sí, Young no ha pasado la oportunidad de comentar indirectamente el uso de ‘Old Man’ en el spot de NFL y, en Instagram, ha colgado una imagen de él sosteniendo una botella de cerveza en la que se puede leer la frase «patrocinado por nadie», similar a la registrada en el videoclip de la canción original.

Bruce Springsteen celebra el soul clásico en su disco de versiones

5

Bruce Springsteen ha anunciado que publicará un disco de versiones el 11 de noviembre. El disco recibe el título de ‘Only the Strong Survive’ y su repertorio se compone exclusivamente de clásicos del soul popularizados por gente como Diana Ross, Scott Walker en su primerísima etapa o Jerry Butler, entre otros.

En un comunicado, Springsteen ha declarado: «Quería hacer un disco en el que solo cantara, ¿y qué mejor música para hacerlo que el gran cancionero americano de los 60 y 70?» El Boss ha intentado «hacer justicia» a estos artistas y también a los «compositores detrás de esta gloria música». Su intención es acercar el soul a las nuevas generaciones.

Una de las canciones que Bruce ha versionado en ‘Only the Strong Survive’ es el clásico de northern soul ‘Do I Love You (Indeed I Do)’ de Frank Wilson. Publicada originalmente en 1965, Su alegre ritmo es el que Bruce ha elegido para presentar por primera vez este nuevo lanzamiento.

Bruce, que este mes de septiembre ha cumplido 73 años, llega con ‘Only the Strong Survive’ a su álbum de estudio número 21. El anterior, ‘Letters to You‘, vio la luz a finales de 2020.

Tracklist:
01 “Only The Strong Survive”
02 “Soul Days” (Feat. Sam Moore)
03 “Nightshift”
04 “Do I Love You (Indeed I Do)”
05 “The Sun Ain’t Gonna Shine Anymore”
06 “Turn Back The Hands Of Time”
07 “When She Was My Girl”
08 “Hey, Western Union Man”
09 “I Wish It Would Rain”
10 “Don’t Play That Song”
11 “Any Other Way”
12 “I Forgot To Be Your Lover” (Feat. Sam Moore)
13 “7 Rooms Of Gloom”
14 “What Becomes Of The Brokenhearted”
15 “Someday We’ll Be Together”