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Izaro: «Nos extinguiremos en 200 años, en 200 años no nos da tiempo a ser decentes»

Por
Sebas E. Alonso
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Izaro es una de las artistas con las que no ha podido la pandemia. Al ser tan accidentada la promoción de su tercer disco, la joven ha aprovechado para revisitar temas pasados en una edición deluxe de ‘Limones en invierno’ que ha llamado ‘Limones de oro’. Hay aparecen artistas de España (Zahara, Rozalén, Amaral), Cuba (Daymé Arocena), Brasil (Duda in the sky), México (Alex Ferreira, Bratty, Silver Rose)… Conviven temas recientes como ‘Invierno a la vista’ con Xoel López, con otros de sus inicios, como ‘Argia’ con Amaral. Hablamos con Izaro en una terraza de Madrid -en los días en que aún no llovía- y resulta ser una conversadora inquieta que no habla sólo sobre sí misma y sus más y sus menos con la fama -sobre todo los menos, que inspirarán su próximo disco-, el cambio climático, el futuro del mundo, nuestra capacidad de mejora como sociedad, etcétera.

Pero además, la artista está enfrascada en una gira con decenas de fechas como parte de su selección en Girando por Salas y como parte del ciclo San Miguel On Air. Estos son algunos de los conciertos que aún aguardan, tras haber visitado en semanas recientes varias provincias españolas:
10 de noviembre: OVIEDO (San Miguel), Sala Gong
11 de noviembre: PONFERRADA (Girando por Salas), Sala La Vaca
12 de noviembre: ZAMORA (Girando por Salas), Selvatika
17 de noviembre: CÓRDOBA (Girando por Salas), Long Rock
18 de noviembre: JAÉN (Girando por Salas), Sala La Mecánica
19 de noviembre: GRANADA (Girando por Salas), Industrial Copera
25 de noviembre: BADAJOZ (Girando por Salas), Teatro Cultura Off
26 de noviembre: CÁCERES (Girando por Salas), Boogaloo Café
8 de diciembre: VALENCIA (San Miguel), 16 Toneladas
9 de diciembre: BARCELONA (San Miguel), Sala Bóveda
7 de enero: GASTEIZ, Principal Antzokia
27 de enero: MADRID, Teatro Circo Price

Tengo unos calcetines tuyos, que me mandasteis de promoción. Me los he puesto y me dieron a conocer tu música. He leído lo que has ido contando sobre lo que significan los limones para ti, cuánto te sorprendió que no sea una fruta veraniega… ¿Pero por qué esa forma de promoción?
Te llegarían unos calcetines y un limón. En el primer disco, ‘Om’, el primer single era ‘KoiLarak’, que significa «cucharas», y hablaba sobre cómo sería mi vida si yo fuera una casa. Y ahí digo que antes de construir la casa, planté un limonero. Ahí planté una semilla. El segundo disco no hablaba de los limones, pero el tercero es ‘Limones en invierno’. Me di cuenta de que yo me parecía mucho a un limón, es una fruta muy llamativa, y al probarla es como «¡¡aaargh!!», pero quieres volver a probarla. Se parece a mí. No sé por qué me siento identificada. El primer single de ese tercer disco era ‘Invierno a la vista’ con Xoel López y para mí era pasar de estar con el corazón roto y tener miedo al invierno a estar curada del corazón. Me apetecía el invierno, la reconciliación con el hogar. Mantita, calor, casa, hogar. Bienvenido al universo de los limones.

El limón está mucho en nuestro folclore, pero también en ‘Lemonade’ de Beyoncé, que no sé si es tu mundo.
Es mi mundo. También Julieta Venegas sacó ‘Limón y Sal’ cuando era adolescente, tenía 13 o 14 años. Hasta esa época, mi cerebro estaba más en cosas para aprender a escribir. Mis padres ponían mucho ‘Ofrenda’ de Pedro Guerra. Fue inspirador proyectar imágenes con letras. El de Julieta fue de los primeros discos que me influyó más bien en pensar cómo cantar.

Es difícil dilucidar influencias escuchando tu música. Me han venido a la cabeza Ella Baila Sola en ‘Eider’ con Silver Rose. No sé si están entre tus reivindicaciones.
Sí, cuando era como adolescente escuché 3 canciones suyas en bucle: ‘Lo echamos a suertes’, ‘Amores de barra’… Tenemos una intelectualidad frágil, que es como cuando se dice «masculinidad frágil». Parece que si tienes un guilty pleasure, si escuchas algo que no está intelectualmente aprobado, eso te baja de tu estatus. Nunca me he sentido cómoda con eso. Si me gusta una canción, me gusta. Esa culpa de escuchar algo que pueda ofender tu intelectualidad… me parece contraproductivo.

Tu último disco es un viaje a través de varias cosas. A veces no es nada Ella Baila Sola realmente… ¿Qué te representa más ahora mismo?
‘Delirios’ con Zahara. Rozando la psicodelia pero no del todo. Ha sido muy importante hacerla con Zahara porque ella ha compartido mucho sobre que te hagan sentir una histérica y una loca. Quería reivindicar ser una mujer fuerte. Cantar con ella es catárquico y empoderador.

Zahara ha denunciado en ‘PUTA’ y ‘REPUTA’ el acoso, el abuso sexual, el machismo, el patriarcado… pero tú la descubriste con ‘El Deshielo’. ¿Cómo has visto su evolución desde que la entendíamos como una cantautora? ¿Te ves realizando una evolución hacia la electrónica, por ejemplo?
Para mí es un referente muy importante. Sobre todo desde que la teloneé en el DabaDaba. Yo tocaba sola, no había grabado ni el primer disco. La vi y vi una mujer libre. Y es muy dífícil ser libre siendo una mujer. Yo pensé: «quiero ser eso, quiero ser libre». Desde entonces he querido trabajar para subirme a un escenario y ser una mujer libre. Hacer del escenario un espacio libre. Zahara además hace un márketing increíble, un packaging increíble, sus letras las puedo ver. Me gustan las canciones que puedo ver. Siempre ha enseñado cosas íntimas, pero ha ido puliendo el diamante, de fuera para adentro, en lugar de al revés. Y así ha llegado a ‘PUTA’, ha llegado al corazón del diamante. Es interesante verla cavar, sin miedo a lo que pueda explotar.

«Es interesante ver a Zahara cavar, sin miedo a lo que pueda explotar»

¿Qué tipo de cantautora te ves? ¿Tipo Calamaro, Christina Rosenvinge, Adele, Ed Sheeran, de desangrarse? ¿O de los pudorosos que no quieren contar demasiado?
Yo me veo en el lado no pudoroso. Autor autobiográfico. Si escucho el CD de Zahara, siento que la conozco un poco más. Es lo que me gusta de Adele. Cada disco es un trocito de mí. Autobiografía total. Las canciones son reflejos de un momento exacto, como escupitajitos. Y el disco es un vómito entero (risas) Me mola reflejarlo así.

¿Cómo va a ser tu próxima música, entonces?
Llevo un tiempo escribiendo canciones. Este año ha sido complicado. He ido puliendo el diamante. Ya no hablo de limones. Son canciones diferentes. No estoy componiendo con guitarra sino con piano. Vamos a parar de tocar tras el fin de gira en el Circo Price de Madrid.

«Ponemos flores a Amy Winehouse en una calle, pero la hemos matado nosotros»

¿Por qué dices que ha sido un año complicado? ¿Por lo profesional, para los músicos, o en lo personal?
Me he dado cuenta de las cosas que he ido pasando. En relación a la fama, a la exposición. Empecé a estar expuesta en 2016, era algo muy lejano a mí. He ido dejando todas esas cosas a un lado siendo una chica joven, he pasado de las cosas que dicen. Ahora que estoy más pausada, estoy haciendo un lavado de todo esto. Cura, cura y cura… me apetece mogollón grabar lo que tengo.

El tema de la exposición me interesa mucho desde antes de las redes sociales. Cómo se han llevado a Kurt Cobain, a Cranberries, ¿cuál es tu visión?
A Amy Winehouse… Si no fuera en las redes, sería otra cosa. Las redes lo facilitan pero la generación de los 27, que la gente se iba suicidando, ya estaba ahí. Yo en terapia también lo he trabajado. Como sociedad tenemos que hacer una autocrítica sobre cómo tratamos a la gente expuesta. Cuando Billie Eilish sale y dice que no conoce a nadie que sea famoso y sea feliz, cuando Justin Bieber está todo jodido… Hillary Duff es la única que ha sobrevivido de las niñas Disney… Ponemos flores a Amy Winehouse en una calle, pero la hemos matado nosotros. Necesitamos una autocrítica. Nos convertimos en algo malo, en algo hostil. Nosotros hemos hecho que esa gente se sienta así.

No tenemos mucha pinta de ir en la dirección correcta. Y es un tema complicado, porque también está la cultura de la cancelación. Nadie sabe muy bien qué hacer con Arcade Fire… Hay un debate.
El debate es importante. Ahora está muy polarizado todo. Sí o no. Blanco o negro. La masa gris es la que tenemos que amasar. Es normal tener dudas, es importante llegar a un punto. Hay que seguir pensando. Me martirizo mucho con eso. Aprendo a hacerlo lo mejor que puedo. Es verdad que es difícil. Hay artistas que sí que he dejado de escuchar por cosas que han pasado, no lo puedo evitar. Me pesa más el dolor.

Pero entonces estamos condenando a una persona expuesta, que a lo mejor tampoco es la peor que hay.
Estamos haciendo un documental desde que llenamos el Velódromo de Anoeta en Donosti, he sido la primera mujer en llenarlo siendo vasca. Pero empecé a ir a terapia y quise sacar esa ira en el docu, que empezó a ser otra cosa. Luego me di cuenta de que había cruzado lo público y lo privado, me confundí totalmente y pensé que si no le contaba algo al público estaba manteniendo algo como secreto. Podía hablar con amigos o con mi terapeuta, pero si no se lo contaba al público, sentía que tenía un tabú. Mi terapeuta me dijo que no, que yo tenía sentido fuera del foco, que si quería contar algo al público «OC». Es verdad que yo empecé sacando todo fuera, recibes cosas, te hieres mucho… Ahora estoy en modo «me quiero cuidar». Al final el docu acabó siendo otra cosa. Va de reivindicar la ternura, de quererse, de ser líder desde la ternura, desde la feminidad… Sale a fin de año.

«Nos extinguiremos en 200 años. En 200 años no nos da tiempo a ser decentes»

Tengo aquí una cita tuya brutal de una entrevista: «la humanidad se extinguirá antes de que consiga ser una especie realmente decente».
A mí me ha aliviado este pensamiento. Lo he hablado mucho con mi padre. Me he sentido muy culpable de ser parte de una sociedad tan mala. Romper el mundo como tierra. Mi padre me dijo «relaja, nosotros nos extinguiremos, pero el mundo seguirá girando, habrá otro tipo de animales, otro tipo de vida, no vamos a romper el mundo, vamos a romper el mundo para nosotros, será inhabitable sólo para nosotros». Y eso me alivió, por lo menos no vamos a mandarlo todo al garete. No creo que se acabe todo, pero nosotros nos extinguiremos en unos 200 años.

Tenía entendido que quedaban miles de millones de años.
200 años. En 200 años no nos da tiempo a ser decentes. A algunos sí, pero al conjunto no.

Espero que la ciencia avance lo suficiente, con cosas que no nos imaginamos. Hace 50 años internet era impensable, ha sido una revolución importante, y creo que habrá más. Si no, me voy a ir de aquí con un disgusto.
Hay varios ecologistas, zoólogos y biólogos que dicen que el daño es tan irreparable, que ya no nos da tiempo.

Bueno, también es verdad que hay gobiernos que niegan el cambio climático.
Exactamente.

Volviendo al disco, me ha sorprendido ver que ‘Argia’ no es de las canciones mejor valoradas.
Es una canción súper infravalorada. Es de mis favoritas. Le dije a Amaral que para mí era súper importante. Se llama además «Luz» en euskera. Que Amaral sí le vea ese brillo es como «¡menos mal!».

Tuve la suerte de veros cantarla juntas en los Premios MIN. Pero en directo no sueles llevar todas esas colaboraciones, ¿no?
El 27 de enero, en el fin de gira, a ver si podemos traer a toda la gente posible de aquí.

Te veo muy inquieta en lo sociopolítico. ¿Hay alguna canción vieja que ya no te represente?
Creo que no. Sí que es verdad que estoy haciendo un tratado de paz conmigo misma. Intento no juzgar mi pasado porque esas cosas me han traído aquí. Es verdad que ‘Errefuxiatuena’, que va de la gente que huye de las guerras, sobre refugiados… me hubiera gustado escribirla desde otro lado. Todos hemos sido refugiados en un momento u otro, y nuestra política de acoger refugiados es asesina. En la canción digo: «déjales que cuenten», porque yo ahora no soy una refugiada. Desde el privilegio asumes que tienes que dar una voz, y ahora no lo haría así. Sería cómo «cállate». Me callaría. Igual tiene que hablar otra persona. Igual que hay muchas canciones de hombres, sobre mujeres, en las que hablan de dejar a la mujer por ejemplo bailar. En vez de eso, habla tú de deconstruirte como hombre. En esa canción digo «déjales que vengan». Igual lo que yo tenía que hacer es deconstruirme como blanca, que es lo que he hecho en el siguiente disco. Pero bueno. Realmente es importante decir que estamos en contra de la guerra. Tenemos que aceptar el pasado, soy muy dura conmigo misma.

¿Por qué dices que nuestra política de refugiados es asesina?
Por Andalucía, por nuestras fronteras con otros continentes, los dejamos morir en el mar.

Pero en España hay refugiados. Tengo amigos profesores y hay muchos niños sirios en las aulas, por ejemplo.
Menos de los que debería haber. Todo lo que tenemos con el continente africano….

Mucha gente pensará que por cantar en euskera tu música es de una manera. Pero en ‘Limones de oro’ hay canciones latinas, que llevan a Brasil, de rock, no rock vasco, sino rock de estadio… Háblame del momento latino de ‘La felicidad’. ¿Qué has aprendido de lo que es la felicidad, desde que la hiciste?
La felicidad, ¿eh? Qué cosa. Lo más cercano que siento es que es un estilo de vida, y que en ese estilo de vida puedes estar alegre o triste por momentos. Puedes tener temporadas de bajona pero que en tu ser haya ganas de apegarte a la vida. El conocimiento de uno mismo, una estabilidad… es estar bastante cerca de la felicidad.

No me gusta preguntar por la pandemia, porque está muy sobado, pero veo a la gente muy tocada, creo que estamos peor de lo que pensamos.
Sí, hay mucha gente que nunca se había parado a pensar, hasta que se paró. Ves que tienes 60 años y no sabes si te gusta tu casa o con quién vives. Mucha gente se ha visto obligada a pensar y depurar muchos años. Va a traer mucha cola. Hay gente que le vendrá el año que viene.

Aun así, ‘La felicidad’ es una canción alegre. ¿Este sonido latino te representará para el futuro o lo ves como algo aislado?
Más para algún tema suelto. Soy muy bailonga. Con Daymé Arocena he aprendido un montón de la rumba habanera. Es maravillosa ella, al Velódromo pudimos traer 4 músicos cubanos, porque nosotros no podemos tocar eso. Hacer otro tipo de sonidos, ese sabor que dicen ellos, ha sido una gozada. Me gustaría no romperlo.

«Yo no lloro y he llorado mucho con ‘Motomami'»

¿Entonces harás un disco de nuevo variado?
Lo veo más aparte. Igual luego me sorprendo. Pero el disco que viene es otra cosa. El primero ‘Om’ era una terapia de amor de Izaro persona. Luego escribí un disco de amor a la ciudad de Donosti. «Limones» lo hice en años felices. Luego hice el Deluxe porque la pandemia se lo comió. Ahora vuelvo un poco al primero pero como Izaro artista. Mi propio «Motomami». ‘Motomami’ me ha tocado mucha fibra, a nivel producción, lo que cuenta, la hostilidad que ha vivido, de dónde lo cuenta. Cuando dice «Mi ambición, delirio de grandeza». El «hate». Intentar bajarla. Somos una sociedad que anima a la gente a que consiga cosas y cuando lo consigue, ya no nos gusta. Me compré el vinilo, lo abres y está con ramas, la cabeza de cierva, con zuecos, pintada… Yo también me identificaba con un animal en la terapia. La foto de portada la entendí cuando escuché el disco. Yo no lloro y lloré mucho con ‘Motomami’. Yo no puedo escucharlo como música de fondo.

O sea que un animal va a ser la imaginería de tu próximo disco.
Una parte.

¿Por qué lo has pasado tan mal respecto a la fama? ¿Es como cuando Amaia dice que no soporta ver artículos sobre si se depila las axilas o no?
Es más un «hate» político concreto. Algo que no me siento muy cómoda compartiendo. Creo que Rosalía ha tenido el suyo propio que no es como si eres fea o no, si tienes pelos o no. Es algo más sistemático. Estoy curando muchos traumitas de uno en uno, como la Rosi.

Sudan Archives no quiere que su pelo la represente

Por
Sebas E. Alonso
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Sudan Archives es una artista californiana de origen sudanés que logró situar su debut ‘Athena’ entre los mejores discos de 2019 en medios como The New York Times, donde la colocaron en el número 4 anual, The Line of Best Bit o Clash. También el Primavera Sound anunció su fichaje para la edición no celebrada de 2020, pero desde entonces, su nombre se ha consolidado gracias a su aparición en COLORS o en el disco de autoversiones de Neneh Cherry.

Violinista desde pequeña como ya era visible en la mencionada actuación, Sudan Archives se ha consolidado con un segundo álbum llamado ‘Natural Brown Prom Queen’ que será estos días nuestro “Disco de la Semana”.

Mi debilidad en este álbum son temas que remiten a la era trip hop como ‘Freakalizer’ o ‘Milk Me’ (con ese irresistible “I want you to fuck me, I want you to love me”), hacia el final de la secuencia, pero no cabe duda de que hay canciones más históricas aquí. Como ‘Home Maker’, cuyo vídeo ha sido rodado en una tienda de muebles, o el que está siendo el gran himno del álbum, ‘Selfish Soul’. Es nuestra “Canción del Día” para este lunes.

Sudan Archives comienza esta canción preguntándose qué hacer con su pelo, si cortarlo o dejarlo crecer, y ya sabéis -al menos desde ‘Don’t Touch My Hair’ de Solange– de las connotaciones racistas que esto puede tener. También feministas, cuando la artista se compara con “las chicas de las revistas” en la misma estrofa de partida. El vídeo, con Sudan Archives rodeada de chicas en el barro, sigue esa línea mientras la letra insiste en que “no quiere peleas ni miedos”, ni decepciones de un “tío que conoció la otra noche, llamado Jimmy Mac”.

Un tema rítmico, de producción abrasiva, que podríamos conectar con gente como Beyoncé, M.I.A., Santigold o, el año pasado, el espléndido trabajo de Genesis Owusu, y que ella misma presentaba así: «Creo que hay una estandarización en América de lo que es un pelo bonito. Y quería mostrar en este vídeo que esa no es toda la belleza que hay, quería mostrar diferentes tipos de pelo, de mujeres y de estilos. Me inspiré en ‘I Am Not My Hair’ de India.Arie, una de las primeras canciones que escuché sobre este tema. Habla sobre extensiones y ondas y pelo natural y sobre que ella no es su pelo, sobre que no se conformará con las comparaciones que saldrán si tienes extensiones o Afro. Eso no la representa».

Biznaga, Jimena Amarillo, Rocío Saiz… entre los elegidos de AIE 2023

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Sebas E. Alonso
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Durante las próximas semanas podréis ver en directo gracias a las giras de Artistas en Ruta del AIE a Chaqueta de Chandal, Ana Curra, el interesantísimo dúo de electrónica B1NO o la gran revelación Verde Prato, girar por todo el país. Las fechas repartidas por toda la geografía del país, están disponibles en la web oficial. Además, hay muchos artistas más.

Pero además, se acaba de desvelar la lista de nuevos elegidos para el próximo tour de AIE. Y hay nombres tan queridos por todos como Biznaga, Jimena Amarillo, Rocío Saiz, Suu, Vermú o Honnine, entre muchos otros. Del trap catalán de 31 FAM al folk electrónico euskera de Neomak.

Esta primera gira del AIE ya en 2023 (os recordamos que en 2022 aún quedan decenas de conciertos) será la XXVIII edición de este programa de la Sociedad de Artistas, Intérpretes y Ejecutantes (AIE). El programa fue creado en 1995, con los principales objetivos de ayudar a grupos emergentes y/o independientes a dar a conocer su propuesta allende su ámbito territorial, por un lado, y por otro, facilitar a las salas de pequeño y mediano aforo el mantenimiento de una programación estable y de calidad.

Cada edición se divide en dos ciclos, el primero: va de enero a junio y el segundo, de septiembre a diciembre. Los grupos son seleccionados por un Comité formado por periodistas, programadores de salas y gestores culturales de todo el país. En total, son 16 los grupos y solistas que cuentan con cada edición con cuatro conciertos apoyados económicamente por AIE. Bajo estas líneas, los nuevos afortunados.

31 FAM, trap /urbana – Cataluña
Airu, indie pop – Euskadi
Biznaga, rock – Madrid
Carmen Xía, rapera coplera – Madrid
Hoonine, electrónica/ R&B – Murcia
Jimena Amarillo, urbana – Com. Valenciana
Kulto kultibo, rap/ reggae – Euskadi
La Sra Tomasa, Latin /electro-fusión – Cataluña
Lady Banana, rock – Aragón
Maria Jaume, pop mediterráneo – Baleares
Neomak, folk electronico – Euskadi
Rocio Saiz, pop – Madrid
Said Muti, rock de autor – Canarias
Suu, pop indie – Cataluña
Valentín Caamaño, jazz/ hard bop – Galicia
Vermú, neoFolk – Castilla-La Mancha

WTF: Louis Tomlinson visita La Resistencia

Por
Jordi Bardají
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Louis Tomlinson saca su disco ‘Faith in the Future’ el 11 de noviembre, en 2023 lo presentará en España, acaba de lanzar el single ‘Out of My System’ y a alguien de su equipo de management se le ha ocurrido que sería buena idea llevarlo a La Resistencia. ¿Mejor que El Hormiguero?

Entre repetidos «perfect», «cool» y «alright», durante 20 minutos Louis Tomlinson finge tener una mínima idea de lo que está sucediendo a su alrededor, pero es evidente que no está en absoluto sintonizado con el humor de Broncano y del programa, como es natural, aunque va riendo alguna gracia que otra.

El artista explica su afición al fútbol, muestra su sorpresa por que Broncano haya estado en Doncaster, de donde es el músico, y reconoce que no habría hecho cola para ver el ferétro de la Reina. Pero, sobre todo, se mete al público en el bolsillo cuando asegura que, de ser Primer Ministro de Reino Unido, su primera decisión sería legalizar la marihuana.

El momento más surrealista de la entrevista sucede cuando Broncano cuenta a Tomlinson que una espectadora le trajo una botella con leche de su propia teta, y que él se la bebió, tras lo cual nos imaginamos a Tomlinson directamente flipando y preguntándose dónde demonios se ha metido. Casi debió sentir alivio cuando salió del programa y fue recibido por una avalancha de fans histéricas: por fin un amago de normalidad.

La oficina como generadora de pesadillas, según Fever Ray

Por
Joric
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Un cuartucho atestado, sin ventanas, iluminado con flexos parpadeantes, con mobiliario viejo, aparatos electrónicos ruidosos, olor a comida recalentada… Si durante la revolución industrial la fábrica era el símbolo de la explotación proletaria, de la alienación de los trabajadores, el infierno en la Tierra, en el mundo contemporáneo es la oficina.

La idea de pasar la mayor parte de tu vida encadenado a un escritorio en un edificio deprimente, aplastado por el peso de la carga de trabajo y la responsabilidad, roto de estrés, ansiedad y desesperación (algo de lo que sabe mucho la propia Fever Ray), es un generador de pesadillas más potente que cualquier miedo atávico.

Este temor ha sido explotado en multitud de ficciones: de clásicos como ‘El empleo’ (1961) o ‘El apartamento’ (1960), a las más recientes ‘El club de la lucha’ (1999), ‘Separación’ (2022) o la novela ‘La hermosa burócrata’ (2018). ‘What They Call Us‘ juega también con esta idea. Filmado en formato cuadrado para acentuar la sensación de agobio y claustrofobia, el videoclip presenta una oficina de pesadilla donde trabaja una desmejorada Fever Ray.

Como si fuera un cuento de terror o un delirio kafkiano, la empleada –no por casualidad caracterizada como una muerta viviente de traje y corbata- lleva sus papeles por un pasillo convertido en pasadizo, en mazmorra iluminada por antorchas. A partir de ese momento las metáforas visuales se suceden: los folios cayendo como las hojas de los árboles, la luz de la fotocopiadora destellando como las luces de una discoteca, la desangelada fiesta de despedida convertida en un fiestón épico… Fugas de conciencia, visiones de una realidad anhelada, sueños de libertad de alguien que se siente atrapado en un lugar donde no quiere estar.

Bono pide perdón por meterse en tu iTunes

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Jordi Bardají
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Bono de U2 está a punto de publicar sus memorias, ‘Surrender: 40 Songs, One Story’. Estos días, The Guardian ha compartido un avance del texto en el que el músico irlandés vuelve a hablar sobre la debacle de ‘Songs of Innocence‘, el decimotercer álbum de U2.

Gracias a un acuerdo entre U2 y Apple, el día 9 de septiembre de 2014, durante una conferencia de Apple, el disco de U2 se publicó de manera gratuita en las librerías de todos los usuarios de iTunes. Sin embargo, lejos de acogerlo con los brazos abiertos, el público rechazó la idea al considerarla una invasión a su biblioteca musical. U2 aprendieron, en ese día, que no todo el mundo es fan de U2 y, sobre todo, que la biblioteca musical de cada persona es intocable.

En el libro, Bono asume «responsabilidad plena» por la decisión y explica sus motivos. Él quería «asegurarse de que a los músicos les pagan» y creía que iTunes podría funcionar a la manera de una plataforma como Netflix, que «compra la película y la distribuye gratis a sus suscriptores». Además, Bono creía que sería «hermoso regalar música a la gente». A Tim Cook le pareció una idea cuestionable pero la llevó adelante gracias a la persuasión de Bono.

El «backlash» fue inmediato y, a la semana siguiente, Apple dio la opción a los usuarios de eliminar el disco de sus bibliotecas. Bono creía estar ante otra obra maestra de U2 y consideró que la gente estaría encantada de escucharla. «Pensé que si poníamos la música al alcance de la gente, la gente se animaría a escucharla», cuenta en el libro.

Ya en su momento, Bono se disculpó por lo ocurrido, y confesó que le pudieron el ego, el espíritu competitivo y el miedo de que las nuevas canciones de U2 pasaran desapercibidas.

Madonna y Cardi B se enfadan y reconcilian a propósito de ‘SEX’

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Jordi Bardají
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Este mes de octubre, en concreto el día 21, se han cumplido 30 años desde el lanzamiento de ‘SEX’, el controvertido libro erótico que Madonna lanzó conjuntamente a su quinto álbum de estudio, ‘Erotica‘, en 1992. Madonna no ha dejado pasar la oportunidad de comentar la efeméride en sus redes sociales y ha querido subrayar la influencia que el libro ha ejercido en la liberación sexual de la mujer en el mundo del pop. Para ello ha nombrado explícitamente a tres personas.

«Hace 30 años publiqué un libro llamado ‘SEX’ con fotos de mí desnuda y otras de hombres besando a hombres, de mujeres besando a mujeres y de mí besando a todo el mundo», empieza el texto publicado por Madonna en sus stories. «También escribí sobre mis fantasías sexuales y compartí mi punto de vista sobre la sexualidad de manera irónica. Me pasé los siguientes años hablando con periodistas cerrados de mente que intentaban avergonzarme por empoderarme a mí misma como mujer. Me dijeron que era una puta, una bruja, una hereje y el diablo. Ahora, Cardi B puede cantar sobre su «WAP», Kim Kardashian puede aparecer en cualquier portada enseñando el culo, y Miley Cyrus puede (balancearse desnuda) en su bola de demolición».

Madonna apostilla su texto con la frase «de nada, perras» y el emoji de un payaso, y este ha sido el detalle que no ha gustado a Cardi B, quien ha entendido que Madonna le hacía de menos, y no al contrario. «He homenajeado a esta mujer tantas veces porque crecí escuchándola», ha escrito. «Ella puede hacer una observación sin usar emojis de payaso ni hablar de mala manera». La autora de ‘Invasion of Privacy‘ ha ido más allá al observar que «estos iconos del pop se convierten en decepciones una vez triunfas en la industria».

A propósito de este (supuesto) malentendido, Madonna y Cardi B han terminado hablando en privado y reconciliándose. Cardi ha dicho que «ha sido hermoso» hablar con ella, y Madonna ha expresado que «amo a Cardi B y siempre lo haré».

El mensaje de Madonna es especialmente polémico porque ella, Cardi B y Kim Kardashian han coincidido en el pasado, aparte de en una grabación de Quavo, ‘Champagne Rosé‘. De hecho, existe una icónica foto de las tres juntas. Entonces, Cardi ya mencionaba la influencia que Madonna había tenido en su vida. Por suerte, parece que el «drama» no irá a más.

Bronquio: «Von Trier es el relevo de Bergman en este presente de posverdad y absurdo»

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Sebas E. Alonso
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Las posibilidades de la electrónica aplicadas a estilos tan diversos como el flamenco o el trap tienen en Bronquio uno de los mayores exponentes de nuestro país. El artista ya tiene un lugar guardado entre lo mejor de 2022 gracias a su disco conjunto con Rocío Márquez, ‘Tercer cielo‘. Pero no hay que perder de vista ‘Sea lo que sea’, el álbum que ha entregado con 41VIL: ‘Fui a comprar a la cárcel‘ debería formar parte de la historia de nuestro país. Bronquio es el nuevo invitado de nuestra sección comisariada por Jägermusic, Meister of the Week, en la que cada artista habla de un tema favorito más o menos ajeno a su obra. El suyo es Lars Von Trier.

Bronquio y Rocío Márquez continúan presentando ‘Tercer cielo’ por toda la geografía española: el 13 de noviembre están en Cádiz, el 17 de noviembre en Valencia, el 19 de noviembre en Gijón y el 24 de noviembre en la Monkey Week de Sevilla.

¿Por qué te gusta tanto Lars Von Trier?
Pienso que cuenta relatos sobre los extremos a los que llega el ser humano desde una verdad que estremece.

Para mucha gente que en torno al año 2000 tenía 20 años, ‘Rompiendo las olas’, ‘Los idiotas’, ‘Bailar en la oscuridad’… fueron una revolución. El descubrimiento de lo que era Dogma. ¿Qué recuerdo guardas?
En aquella época yo era un niño y el único contacto que tuve con estas películas fue el lomo de los VHS en la estantería de mi hermano mayor. En mis primeros arranques de curiosidad por el cine recurrí al recuerdo de estos VHS y decidí verlas. Obviamente me impactaron y hasta me produjeron cierto rechazo.

A su vez, sus estrenos han ido siempre acompañados de la coletilla de que era un director sobrevalorado o directamente un timo. ¿Qué película dirías que ha fomentado esa visión o ha sido la más polémica?
Diría que sucedió durante la etapa del Dogma, ya que este movimiento descontextualizado se puede interpretar como una burla al espectador. Algo parecido ocurrió con el minimalismo escénico de ‘Dogville’. Puedo entender que la primera impronta sea esta pero si te nace el interés y se profundiza, la lectura cambia.

‘Dogville’ planteaba un debate ético sobre si tomarte la justicia por tu mano que en su momento se vivió con fervor en los foros de internet o con los grupos de amigos. ¡Había que tomar partido! Todo el mundo hablaba de lo mismo. ¿Tú estuviste ahí también opinando o eras más bien un espectador solitario de Lars Von Trier?
Con ‘Dogville’ tenía 12 años y me acabo de enterar con esta pregunta de que existió tal fervor. Si saliese ahora sería el espectador solitario sin duda. Algo que me gusta de estas películas es que las conclusiones sobre los debates éticos que depositan en nosotros no se pueden deducir de manera tan rotunda.

«En su momento me indignó la indiferencia del amigo con el que había ido a ver ‘Anticristo'»

Recuerdo ver ‘Anticristo’ en el cine con muchísimas ganas de levantarme y mirar qué cara estaba poniendo la gente en ciertas escenas. ¿Te ha pasado algo así? ¿Qué peli o pelis de Lars Von Trier realmente te han removido en la butaca?
Recuerdo perfectamente salir tan consternado de la sala con ‘Anticristo’ que me indignó la indiferencia del amigo con el que había ido a verla. Con ‘La casa de Jack‘ también recuerdo sentir cierta culpabilidad por haber convencido a una amiga de que me acompañara al cine. Bastante gente se salió de la sala. Al final el impacto visual se queda en anécdota y lo que tiene que permanecer en la memoria es el relato.

A la postre creo que ‘Melancolía’ es mi peli favorita. Es muy simbólica y tiene imágenes muy impactantes que espero que no sean premonitorias pero que igual sí lo serán en el fin de los tiempos. ¿Qué opinión te mereció a ti esta película?
También es de mis favoritas. La soledad que transmite Kirsten Dunst durante la escena de la boda y el convite, rodeada de una mediocridad tan bien representada (no creo que la elección del protagonista de una serie como ’24’ para el papel de padre fuese casual) y su descenso a la depresión nos caló a mucha gente. Para mí, Lars Von Trier es el relevo de Ingmar Bergman. Un equivalente en este presente de posverdad y absurdo.
El comienzo con el preludio de Tristán e Isolda conmueve desde el primer segundo y la metáfora onírica del choque de planetas es algo bellísimo, sí.

Björk ha contado cosas horribles de trabajar con Von Trier y de hecho abandonó el cine décadas en parte porque lo vivió como un infierno de experiencia. ¿Qué opinas al respecto? ¿Eres de los que separa artista y obra? ¿A ti Von Trier como persona te cae bien?
Ir dejando cadáveres en una carrera artística es algo injustificable. Trabajo con y para artistas y es algo que hay que tener claro para no hacer de esto un infierno. Por otra parte, esto no quita que seamos conscientes de que el grupo de artífices de la cultura que nos ha hecho ser como somos a nivel individual y como sociedad, para lo bueno y para lo malo, esté lleno de casos así de complejos. Creo que cualquier posicionamiento está lleno de aristas que se contradicen. Es un debate abierto. Lars Von Trier como persona me da igual. Si es cierto que ha hecho daño deliberadamente, la vida se lo estará devolviendo.

«La autoparodia más completa de Von Trier es ‘La Casa de Jack'»

Una de las cosas que sí ha hecho en su cine ha sido autoparodiarse como personaje misógino. Se ve claramente en ‘Nymphomaniac’, no sé qué te pareció aquella jugada.
Me encanta ‘Nymphomaniac’, pero yo diría que la autoparodia más completa la hace en ‘La Casa de Jack’. Cada capítulo de la película es una metáfora a través de la psicopatía sobre la crueldad con la familia, las mujeres, la tercera edad… no se salva nadie. Y ese final con “Hit de road Jack” me parece una jugada brillante que equilibra bien la balanza de su egocentrismo dentro de la película.

¿Has estado también atento a sus últimos pasos, como el regreso de su miniserie? ¿O más bien eres un fan de sus primeros trabajos?
De lo que más he aprendido ha sido de las películas a partir de ‘Dogville’ incluida, pero la filmografía entera es una experiencia que pienso que merece la pena. La panorámica de su trayectoria también es interesante contemplarla. La miniserie no la he visto. ¡Voy a ponérmela!

Si una canción tuya fuera una película de Von Trier, ¿qué canción y película serían?
Vincularía ‘Meri Fly’ con Melancolía. Sé que es venirse muy arriba hacer esta comparación (risas) Por la tragedia y la épica. Y además Meri Fly se llama una de mis mejores amigas con la que comparto la admiración por Lars Von Trier.

Mira Paula / Oh La La

Por
Sebas E. Alonso
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4

En este océano perpetuo de decenas y cientos de novedades musicales, realmente necesitas una canción que destaque por encima de la media para debutar. Mira Paula ha conseguido llamar la atención no con una, ni con dos, sino con tres canciones incluidas en este EP de debut. En este caso, además, no estamos solos: las 3 se aproximan ya a los 100.000 streamings en Spotify.

Paula Ruiz es una joven artista multidisciplinar nacida en Alicante y afincada en Madrid, que además de haber dado sus primeros pasos en la danza y el teatro, toca en la banda de Natalia Lacunza, en Ganges y en un proyecto llamado Violeta. En Mira Paula mandan por encima de todas las influencias francesas. Y lo digo en plural porque a un universo sonoro en el que podríamos hablar del Benjamin Biolay más versátil, hay que sumar todo un universo cinematográfico muy variado. Su gran primer tema se llamó ‘Godard’; la actriz Marion Cotillard es la gran referencia por que apuesta su nota de prensa.

El «name-dropping» puede ser muy pedante, insoportable ya tantas décadas después de ‘Bande à part’ o ‘Vivre sa Vie’, que tantos blogs, música, otras películas han inspirado. En el caso de Mira Paula es más un vehículo para canalizar sus emociones que para dárselas de lista. ‘Godard’ es una canción post-ruptura que se avergüenza de su patetismo («Es todo tan absurdo que me da vergüenza mi estado mental»), conectando con el universo a flor de piel que nos suele presentar La Casa Azul.

Algo que confirma el costumbrismo de ‘Buena gente’, donde parece que va a salir Guille Milkyway en cualquier momento para hacer coros, en concreto en la parte de «me gustaría ser siempre buena gente». Es, en cambio, Ganges, quien se acerca a hacer un dúo en ‘Alice et Moi’: «he pensado un plan para las dos / Palomitas en el Cine Ideal / Y pinchar discos en cualquier bar / Tú y yo Alice et moi». En otra ciudad (da igual cuál), en otro género (más aún), esto podría ser una letra de ‘El sonido efervescente de La Casa Azul‘.

La producción, a cargo de Bearoid, es más francesa, insisto, y también más italo. Esa base musical es la perfecta para que las letras de Mira Paula sean más habladas que cantadas, lo que funciona especialmente en ‘Buena gente’ dada su cotidianidad. «Me siento a veces tonta» es su irresistible estribillo, uno de esos capaces de llevarte a las lágrimas, pero atención también a la segunda estrofa: «Bebo zumo a la mañana, hago cada día en la cama / Me dedico al deporte, me acuesto antes de las 12 / Voy al parque los domingos, cada tarde leo un libro / Hago yoga, nunca fumo, no me drogo, como mucho / He cerrado Tinder, ya no ligo entre semana». Mientras la producción de la canción pelea por levantarse, Paula lucha por autoconvencerse, por recomponerse a su vez.

Hay pocos casos en que el tema más bailable de un disco no resulte inmediatamente el mejor, y eso sucede en este EP con ‘Alice et Moi’, que no obstante viene muy bien situado en el centro de las 5 canciones, antes de que ‘Oh La La’ se cierre con una versión electropop de Édith Piaf y una balada acústica más en la onda de Carla Bruni. Ana Curra ya había castellanizado ‘Rien de rien’, y si aquella fue una rarísima reflexión sobre el fin de la Movida, esta llama la atención por su carácter violento. «Llevo capa y mortero y cuchillos de hierro, ahora en mis ratos libres puedo empezar de cero», proclama Mira Paula haciéndonos pensar en Maria Rodés en su teatralidad. Un EP riquísimo, nunca derrumbado por sus múltiples referencias, que debería augurar un 2023 fantástico para esta artista novel.

Cuando la gente da la chapa sin saber de qué está hablando

Por
Sebas E. Alonso
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22

Airbag han publicado estos días un nuevo álbum llamado ‘Siempre tropical’, encabezado por una colaboración con Jota, ciertamente muy planetera, llamada ‘Finales alternativos’. Entre títulos tan marca de la casa como ‘Viva John Hughes’ o ‘Secretos chinos’, me ha llamado la atención el tema ‘Una pena lo de Mario’. Es nuestra “Canción del Día”.

Sátira de ese nuevo personaje que se cree todo lo que lee “en cualquier diario”, ‘Una pena lo de Mario’ me ha sonado personalmente a ese amigo, vecino o tendero que de repente se pasó a votar a VOX (o a su presidenta afín Isabel Díaz Ayuso). Hablamos con los propios Airbag (responde Adolfo Díaz, el cantante) sobre esta canción. Sin dar nombres ni siglas, sí confirman su sentido político.

Indica Díaz: «Va sobre esa gente a la que de repente se le agria el carácter, gente que antes no era así y de repente empieza a dar la brasa con ciertos temas. No habla estrictamente de política, aunque la política es uno de los temas donde más dan la brasa este tipo de personas. Las chapas más impresionantes que da la gente por redes sociales suelen ser de carácter político o social. Es preocupante cuando la gente da la chapa encima sin saber de lo que está hablando. «De nada entiende y de todo habla», como dice la canción. Y todo lo arreglan excusándose con un «yo soy así». Uno piensa: «¿así cómo, gilipollas?». Nunca hemos entendido esa frase de «yo soy así» para un carácter de ese tipo».

¿Existe Mario realmente, es un nombre simbólico? ¿Cómo surgió la canción? Responde Adolfo de Airbag: «Lo primero que surgió fue el título. Queríamos hacer un guiño a ‘It’s a Shame About Ray’ de Lemonheads, disco y canción. Queríamos un título en esa onda, y nos salió ‘Una pena lo de Mario’. A raíz de eso, decidimos hacer una canción sobre este tipo de gente. Gente que empieza a hablar de todo, que no admite un no por respuesta, que no escucha, que cree llevar razón en todo y con la que no se puede hablar ni discutir. Primero salió el título y luego lo encajamos en ese perfil que desgraciadamente nos inunda no solo en las vidas personales, sino también en las redes sociales. No es una persona en concreto, sino un concepto de ese perfil».

Respecto a la música en sí, este tema es menos Ramones, y parece más inspirado por Yo La Tengo y Smashing Pumpkins. Airbag nos dan la razón, más o menos: «El riff de guitarra es muy indie rock de los 90, que siempre ha sido una influencia aunque no ha aflorado tan claramente. En los últimos discos sí está, en canciones como ‘El puente de los alemanes’ o ‘Disco Azul’ del EP (‘Discotecas’). Es muy Dinosaur Jr, también Smashing Pumpkins, cuya influencia siempre ha estado ahí. Con Airbag te viene a la cabeza el cliché de grupo ramoniano pero tenemos muchas más influencias de lo que parece. Yo La Tengo es el grupo favorito de Pepe, el bajista, y por algún lado tiene que salir. Está ahí y este disco tiene ese aura, creo yo».

La 5ª temporada de ‘The Crown’ se promociona con The Verve

Por
Sebas E. Alonso
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12

Muy mal se le tiene que dar a Netflix para que la 5ª temporada de ‘The Crown’ no sea un apoteósico éxito. Es la primera que se emite tras la muerte de Isabel II en la vida real, y es la que tratará los años finales de Lady Di.

Se podrá ver a partir del 9 de noviembre, y estos días se ha dado a conocer el tráiler, que recoge, entre otras cosas, una entrevista concedida por Lady Di en 1995, por la que la BBC ha pedido disculpas recientemente en cuanto a sus métodos.

En esta temporada Imelda Staunton, Dominic West de ‘The Affair‘ y Elizabeth Debicki serán los actores encargados de dar vida a Reina, príncipe Carlos y Diana de Gales, respectivamente; si bien hay otra cosa que llama la atención de los melómanos. La música que suena en el tráiler es ‘Bittersweet Symphony’ de The Verve.

La elección no es casual. La que fuera la Mejor Canción de 1997 estaba siendo un éxito justo cuando Diana murió. Lady Di falleció en un accidente de tráfico el 31 de agosto, mientras que la canción había sido editada en junio de 1997, alcanzando el número 2 en Reino Unido y sobreviviendo en las listas durante varios meses. Para el tráiler se ha ideado una versión con predominio de lo «agrio» sobre lo «dulce», suponemos que en sintonía con los hechos que aguardan en estos capítulos.

Os recordamos que finalmente en 2019 Mick Jagger y Keith Richards donaron los derechos del tema a The Verve. Así, Richard Ashcroft sería el único autor de la canción, tras décadas de conflicto, si bien los créditos de Spotify continúan diciendo lo contrario.

¿Cuál es el verdadero mejor disco de Tove Lo?

Por
JNSP
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23

‘Dirt Femme’ de Tove Lo es nuestro Disco de la Semana. Editado ya fuera de una multinacional, espera al álbum una distribución y una difusión en general mediocre. Sin embargo, ha entusiasmado a parte de la redacción, donde se ha llegado a escuchar que estamos ante el mejor disco de la artista.

Animados por este debate, 4 redactores de JENESAISPOP seleccionan su disco favorito de Tove Lo. De manera orgánica, los 4 participantes han escogido 4 discos diferentes, y solo nos ha faltado una 5ª persona para seleccionar el notable ‘Sunshine Kitty’, que también os recomendamos. Pasen, disfruten… y voten.

‘Queen of the Clouds’, por Sebas E. Alonso
Cuando escribí el libro sobre los mejores discos de la primera parte del siglo XXI (entre 2000 y 2019), tenía claro que Tove Lo tenía que estar. ¿Pero con qué álbum? Después de reescuchar los 4 que había por aquel entonces y comerme muchísimo la cabeza con unas cosas rarísimas, decidí volver al principio. Al más popular, para que aquel que todavía no conociera a Tove Lo comenzara por el principio también.

El debut ‘Queen of the Clouds‘ (2014), además de incluir la histórica ‘Habits’ y ‘Talking Body’, esto es, los 2 mayores éxitos de toda su carrera, con los que ni ‘Euphoria’ pudo, ya era un álbum conceptual. Se dividía en 4 partes: sexo, amor, tristeza y bonus tracks, por lo que realmente no ha habido gran revolución después, mucho menos en el deslavazado e inconexo ‘Dirt Femme’… ¿podemos decir ya que sobrevalorado entre sus fans? La atrevida ‘Like Em Young’, la canción de autoaceptación ‘Moments’, la loquísima ‘Timebomb’, la preciosa ‘Thousand Miles’… ya contienen la esencia de Tove Lo. De hecho, tengo la teoría de que urge a la sueca algún tipo de reinvención.

‘Lady Wood’, por Jordi Bardají
Tove Lo ha publicado varios hits a lo largo de su carrera. Sin embargo, ‘Lady Wood‘ (2016) es su obra mejor cerrada. Se trata de un disco conceptual dividido en dos partes que narra los «momentos altos y bajos de una relación y su inevitable final». El disco está hilado con interludios, y las buenas canciones se suceden una tras otra apoyadas en una producción electrónica elegante y refinada, tan fría, por cierto, como esa ‘Cool Girl’ que representa toda la carrera de Tove Lo en una canción.

Es uno de sus mayores éxitos y está aquí incluido, pero no se pueden pasar por alto tampoco el sensual house-pop de ‘Influence’, el synth-pop colosal de ‘True Disaster’, el tecno de ‘Keep it Simple’… Si el debut de Tove Lo prometía, ‘Lady Wood’ representaba lo grande que puede llegar a ser, aún a día de hoy.

‘Blue Lips’, por Pablo Tocino
Cinco años después de su edición, ‘blue lips‘ (2017) no ha perdido ni un ápice de la magia que le encontré a finales de 2017; de hecho, hoy le pondría una nota más alta que en aquella reseña, y si no me parece el mejor disco de 2017 es porque ese año se editó ‘Melodrama‘. Desde entonces, aunque Tove haya perfeccionado la producción, ningún disco le ha salido tan redondo: entre dos maravillas como ‘disco tits’ y ‘hey you got drugs?’ vemos que no sobran ni los interludios (a diferencia de otros forzados que confunden “álbum conceptual” con “pedante”, hoy sigo escuchando ‘LIGHT BEAMS’ y ‘PITCH BLACK’ incluso fuera de la secuencia).

Éstos separan un capítulo guarrísimo que grita “bop” en cada canción con otro en el que, en lugar de subir las pulsaciones de su corazón, nos lo muestra abierto en canal. Incluso los cortes más discretos (‘romantics’) exudan vísceras, porque en ‘blue lips’ Tove Lo sencillamente coge sus entrañas, las pasa por su maestría en la creación de melodías, estructuras (ese puente-outro de ‘stranger’, y la canción en sí, es sencillamente de lo mejor que ha hecho), atmósferas y ganchos, y lo convierte en un disco. Eso es ‘blue lips’.

‘Dirt Femme’, por Fernando García
Con cinco álbumes a sus espaldas, Tove Lo puede presumir de tener un buen número de canciones que, si suenan en una discoteca y estás cansado y a punto de irte, son capaces de que te quedes a darlo todo un rato más. Desde su debut, ha ido paulatinamente puliendo su fórmula: un electropop con estribillos explosivos y letras vulnerables y sexys. Su trabajo más logrado, para mí, es su último.

‘Dirt Femme’ es un álbum que si bien no ofrece nada particularmente novedoso, sí que es una colección de grandes canciones pop realizadas y producidas con buen gusto. Además, cuenta con algunos de los mejores cortes de su carrera como ‘Grapefruit’, en el que destaca su espectacular estribillo; el adictivo synthpop de ‘No One Dies from Love’, que crece a cada escucha; o la juguetona y divertidísima ‘2 Die 4’, que samplea ‘Popcorn’ de manera ejemplar.

Puede que la cantante aún no haya logrado un álbum incontestable (aquí ‘Kick in the Head’ está un poco fuera de lugar y ‘How Long’, aunque sea estupenda, es un cierre un tanto extraño), pero la impresión que deja ‘Dirt Femme’ es que está más cerca que nunca de hacerlo.

¿Cuál te parece el mejor disco de Tove Lo?

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Taylor Swift bate el récord de streamings diarios con ‘Midnights’

Por
Sebas E. Alonso
-
102

Nunca un disco se había escuchado tanto en un día. Taylor Swift bate el récord de disco más escuchado en 24 horas tanto en Spotify -que tiene sus datos públicos-, como en Amazon Music, que ha comunicado el récord en una nota de prensa.

El single ‘Anti-Hero’ debuta en el número 1 global de Spotify con 17,4 millones de reproducciones en un día, seguido de ‘Lavender Haze’ en el número 2 con 16,4 millones… y a continuación el resto del disco al completo.

Las 13 canciones de ‘Midnights’ ocupan el top 13 de lo más oído en todo el mundo, desplazando a ‘Unholy’ de Sam Smith y Kim Petras al puesto 14. La versión deluxe del disco de Taylor, llamada ‘3am’, aparece algo más abajo. Así queda el global de Spotify en este momento:

1.-Anti-Hero 17,390,253
2.-Lavender Haze 16,419,161
3.-Snow On The Beach (feat. Lana Del Rey) 15,030,183
4.-Maroon 14,422,463
5.-You’re On Your Own, Kid 12,842,734
6.-Midnight Rain 12,578,139
7.-Vigilante Shit 11,875,754
8.-Question…? 11,563,475
9.-Karma 10,776,931
10.-Bejeweled 10,483,302
11.-Labyrinth 9,841,164
12.-Sweet Nothing 9,211,064
13.-Mastermind 9,137,209
22.-The Great War 3,683,060
23.-Bigger Than The Whole Sky 3,643,214
26.-Would’ve, Could’ve, Should’ve 3,518,231
27.-Paris 3,416,679
34.-Glitch 2,916,058
37.-Dear Reader 2,779,744

Eso sí, a nivel global, el single ‘Anti-Hero’ no ha logrado batir el récord de streamings diarios del último primer single de Adele, ni tampoco alcanzar el mejor día de ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey, pero sí meter 2 temas en el top 4 histórico.
1. Easy On Me (19.749M)
2. All I Want For Christmas Is You (17.42M)
3. Anti-Hero (17.39M)
4. Lavender Haze (16.419M)

En el Spotify de Estados Unidos, Taylor Swift ocupa los 17 primeros puestos con canciones de ‘Midnights’, la última de las cuales está en el puesto 22. En Reino Unido, Taylor ocupa el top 13 al completo con la edición estándar, pero en el puesto 16 empiezan a aparecer temas de ‘The Car’ de Arctic Monkeys.

En España, todo este furor se diluye y no encontramos el single ‘Anti-Hero’ hasta el puesto 16, lo que dificulta su entrada directa al top 10. ‘Lavender Haze’ ha llegado al número 23 en Spotify España, el “dúo” con Lana del Rey al número 25 y hasta 7 canciones de ‘Midnights’ han llegado al top 50.

‘Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer’: relato de un asesino en serie con discurso social

Por
Fernando García
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69

Jeffrey Dahmer asesinó a 17 jóvenes entre 1978 y 1991. Su caso conmocionó al mundo entero y se convirtió en una de las figuras más aterradoras del siglo XX, no solo por la brutalidad de estos crímenes, sino porque también practicó canibalismo y necrofilia con algunas de sus víctimas. Su historia ha dado lugar a infinidad de libros, películas, reportajes y series de televisión desde su encarcelamiento en 1991.

‘Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer’, la última producción del prolífico Ryan Murphy para Netflix, se adentra en la psique del célebre asesino en serie a la vez que da voz a sus víctimas. El éxito de la miniserie en la plataforma demuestra que por mucho que la historia se haya contado en un sinfín de ocasiones, algo tan perverso, siniestro e inmoral nunca va a dejar de causar fascinación y morbo.

‘Dahmer’ despliega multitud de frentes y líneas temporales entrelazadas para buscar respuestas, hacer justicia a las víctimas y denunciar la negligencia policial -motivada por un arraigado racismo- que propició una mayor cantidad de crímenes.

Por un lado, se muestra la evolución de Dahmer desde su infancia y adolescencia. Ambas estuvieron marcadas por un ambiente hostil en su propio hogar, donde las continuas y acaloradas discusiones entre sus depresivos padres impedían que ninguno de los dos le prestase atención. De pequeño lo único que parecía interesarle era diseccionar animales muertos en el garaje, algo que su padre le había enseñado como experimento científico. Dahmer siempre se vio a sí mismo como un “outsider”, alguien que no encajaba en la sociedad. Algo que se fue haciendo progresivamente evidente cuanto mayor se hacía, dando lugar a su más oscuro secreto: un impulso irrefrenable de satisfacer sus deseos sexo-afectivos ejerciendo un pleno control sobre los chicos que le gustaban.

Por otro lado, la serie en ocasiones se aleja de Dahmer y elige diferentes puntos de vista externos para equilibrar la narración. Se apoya en los de las víctimas y los familiares de estas, pero más especialmente en el de Glenda Cleveland, la vecina de Jeffrey cuando este vivía solo en su apartamento de Milawaukee, quien llamó en innumerables ocasiones a la policía por el hedor que provenía del apartamento del asesino y por los múltiples gritos y ruidos que escuchaba constantemente desde su casa.

Aquí subyace un componente sociopolítico fundamental en la serie de Murphy. Las voces de la comunidad afroamericana estaban completamente silenciadas y su protección no era una preocupación para nadie. De hecho, que la gran mayoría de las víctimas fueran hombres negros o de etnias diversas, es un dato que la serie no expone como casual, sino que deja entrever que esto podía reflejar un rasgo de la inteligencia de Dahmer, quien sabía que era mucho más difícil que lo descubrieran atacando a minorías.

Es precisamente en la insistencia de su aspecto social donde ‘Dahmer’ evidencia su vertiente más efectista y la menos interesante. Subrayar su mensaje puede acercarla a un público más mayoritario, pero la serie siempre es mucho más relevante cuando sus temas están sugeridos que cuando te los lanza a la cara. La eterna cuestión acerca de si el mal existe per se –y si este puede ser hereditario- o si lo creamos está introducida de manera fascinante, haciendo que los momentos dedicados a Jeffrey y a su retorcida visión del mundo enriquezcan enormemente el discurso de la serie.

Y es que para descifrar el porqué de algo tan horrible hay que intentar acercarse a la mente del culpable y, de alguna manera, humanizarlo, por muy frívolo que esto pueda sonar. Dahmer (interpretado por un colosal y magnético Evan Peters) era una persona profundamente traumatizada por su pasado, muy consciente de que lo que hacía era horrible y aun así, imposible de frenarse a sí mismo. Su desensibilización y falta de empatía con el mundo y, a la vez, su búsqueda desesperada por no estar solo –comerse a sus víctimas y guardarlas en casa era una manera de que se quedaran siempre con él- es una paradoja que sigue siendo objeto de estudio, y una prueba extrema de lo lejos que pueden llegar los traumas infantiles si no se tratan a tiempo.

‘Monstruo: La historia de Jeffrey Dahmer’ no ofrece información que no se haya revelado anteriormente y tampoco es cinematográficamente revolucionaria, pero sí nos adentra en una psicología complejísima de la forma más accesible y entretenida posible a lo largo de sus 10 capítulos.

Daphni / Cherry

Por
Jordi Bardají
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3

Cuando Caribou no está sacando disco estelar tras disco estelar, su mente pensante, Dan Snaith, dedica labor a su otro proyecto, Daphni. Producciones como ‘Sizzling‘, basada en el sample de un hit desconocido de los 80, han demostrado que Daphni puede llegar a ser más que un proyecto paralelo en el que verter ideas que no encajan en el principal.

‘Cherry’, el nuevo álbum de Daphni, confirma tal apreciación, aunque con matices. El disco, más una playlist que una obra bien cerrada como lo suelen ser las de Caribou, contiene buenos momentos, pero también otros que dejan menos huella o que se antojan directamente innecesarios, y que descompensan una secuencia que podría estar mejor pensada.

El LP arranca bien con el house emotivo de ‘Arrow’ y, sobre todo, con las campanitas dislocadas del corte titular, el más peculiar de todos. De aquí podría haber surgido la dirección artística del disco, pero Daphni prefiere irse por otros derroteros y, si en ‘Always There’ entrega una elaborada producción con influencias latinas, en ‘Takes Two’ se sumerge en un disco-house efectivo pero poco personal.

Es a continuación cuando ‘Cherry’ empieza a hacer aguas. Los arpeggios cósmicos de ‘Crimson’ no llevan a ninguna composición sólida, ‘Arp Blocks’ es directamente un experimento al sinte que no se sabe muy bien cómo ha terminado dentro del disco, ‘Falling’ promete un hit pero se queda en interludio, y los disparos sci-fi de ‘Karlpus’ tampoco desembocan en una composición interesante.

Esto no significa que no haya otros momentos a destacar en ‘Cherry’. Aún no hemos hablado del mejor single del disco, ‘Cloudy’, que, con su loop de piano, se presta a repetidas escuchas. Y, si las percusiones de ‘Mania’ y, sobre todo, los destellos de ‘Clavicle’, prometen ese álbum luminoso que ‘Cherry’ canción parecía avanzar, pero que realmente no es, la obra se cierra por todo lo alto con el piano house de ‘Fly Away’.

El otro Alex Turner que también «triunfó» en 2022

Por
Sebas E. Alonso
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1

La edición de ‘The Car’ de Arctic Monkeys nos recuerda que hubo otro Alex Turner que «nos conquistó» este verano. Y nótense las comillas, porque realmente el «triunfo» de este otro Alex Turner es relativo.

Se trata del primer single del segundo disco de las exitosas Ginebras, tras la aceptación de ‘Ya dormiré cuando me muera‘. A día de hoy este ‘Alex Turner’ está por encima del medio millón de reproducciones en Spotify. Con sus posibilidades de aparecer en las listas de lo mejor de 2022, la recuperamos hoy como «Canción del Día».

‘Alex Turner’ tiene toda la energía habitual de los singles verbeneros de Ginebras. Esta vez suman el atractivo de la palabra «GILIPOLLAS» en uno de sus estribillos más certeros. Y es que la canción no es exactamente sobre Alex Turner sino sobre alguien que trata de parecerse a él tan sólo para impresionarnos. Entre ‘That Don’t Impress Me Much’ de Shania Twain y el refranero español («aunque la mona se vista de seda, mona se queda»), su público grita ya en sus conciertos eso de «yo sigo siendo la misma y tú sigues siendo un gilipollas».

Oficialmente, la canción de Magüi, Sandra, Raquel y Juls estaba «dedicada a todas aquellas personas que pasan de ti y al tiempo vuelven por algún interés. Porque estás más guapa, porque tienes éxito o por el motivo que sea se acerca intentando imitar a Alex Turner porque sabe que te mola».

En el videoclip Ginebras se dedican a gritar su lema a los cuatro vientos. Dirigido por Martina Hache y protagonizado por Paula Verdera, muestra a muchos «Juanes» que ofrecen muchas caras, pero «la misma decepción». Hay mansplaining, caballeros de siglos pasados, salvavidas y laca en forma de parodia. También está disponible ‘Ansiedad’, el segundo single del próximo largo de Ginebras.

Ed Sheeran, frustrado por el abandono de James Bond

Por
Sebas E. Alonso
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En algún momento de 2019, algunos medios publicaron que Ed Sheeran iba a escribir el tema principal de lo que iba a ser la nueva película de James Bond. El rumor era cierto, pero al final a quien escuchamos escribir y entonar la canción fue a Billie Eilish. El autor de ‘Thinking Out Loud’ acaba de explicar lo que ha pasado.

Edward Christopher sí se encontraba escribiendo el tema principal de la película de James Bond que se estrenó finalmente después del tramo duro de la pandemia. Pero hubo un cambio drástico de decisión. “Cambiaron a los directores y entonces cambiaron a los guionistas y eso fue todo. Habíamos hecho todas las reuniones, había empezado a escribirla… No voy a fingir que no me dolió no hacerlo”, ha declarado en un podcast. ¿Quizá sus acordes y melodías suelen ser demasiado luminosos para lo que se espera de las bandas sonoras de James Bond?

No fue tampoco 100% gratificante la experiencia para Billie Eilish, quien vio cómo la canción se estrenaba meses y meses antes que la cinta, debido a la pandemia. Para cuando ‘Sin tiempo para morir’ llegaba a los cines, el recorrido comercial de la canción ‘No Time to Die’ había terminado: hacía nada menos que un año y medio que el tema había salido. Eso sí, Billie Eilish puede presumir de haber ganado un Oscar con ella.

Tras la edición de ‘=‘, que no ha sido precisamente su disco más vendido -sin ser tampoco un “flop”-, Ed Sheeran lleva un 2022 de lo más entretenido entre colaboraciones con Taylor Swift, J Balvin, Lil Baby y ahora Pokemon. Con el juego de ‘Pokemon’ ha presentado el tema ‘Celestial’.

The 1975 triplican las ventas de Red Hot Chili Peppers en UK

Por
Sebas E. Alonso
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7

Sabíamos que The 1975 era un grupo muy querido en Reino Unido. Pues bien, lo sigue siendo aunque ‘Being Funny In A Foreign Language‘ no sea su trabajo más comercial. El 5º disco de The 1975 es el 5º número 1 para The 1975 en este país y lo es con cifras de lo más saludables.

‘Being Funny In A Foreign Language’ ha vendido en 1 sola semana casi 41.000 copias, lo que le asegura el disco de plata (60.000) y probablemente el de oro (100.000) si Radio 1 continúa radiando ‘I’m In Love With You‘ de aquí a la Navidad. De esas 41.000 unidades, 15.000 han sido vinilos, 12.000 han sido CD’s, 4.000 han sido cassettes y 1.000 han sido digitales. Además, hay que sumar 8.000 en puntos de streaming.

The 1975 se unen a la lista de bandas que han llegado al número 1 de las listas británicas con todos sus álbumes: The Beatles (11), Coldplay (9), Oasis (7), The Killers (7) y Arctic Monkeys (6, pronto 7 si Taylor Swift lo permite).

The 1975 han vendido más que el resto de todo el top 5 al conjunto, y eso se lleva por delante las modestas ventas del nuevo disco de Red Hot Chili Peppers. ‘Return Of The Dream Canteen’ queda en el número 2 con 12.000 copias, tan sólo. Es su peor dato desde que debutaran en 1991 con ‘Blood Sugar Sex Magik’. En 2006, llegaron a vender más de 200.000 unidades en sólo 7 días de ‘Stadium Arcadium’.

En Estados Unidos, teniendo en cuenta que los Red Hot son americanos, hay un pequeño cambio de tornas. Se espera según HDD que The 1975 lleguen al puesto 7 con “Being Funny” y los Red Hot al puesto 3. Pero quien se queda el número 1 es Lil Baby con las 210.000 unidades vendidas de ’It’s Only Me’.

Este mismo año Red Hot Chili Peppers debutaban en el número 1 de medio mundo (Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Alemania, Australia, largo etcétera) con ‘Unlimited Love‘. Parece que el público ha interpretado esta como una triste segunda parte, pues las canciones fueron grabadas durante las mismas sesiones.

Yeah Yeah Yeahs logran su 2º top 1 en JENESAISPOP

Por
Sebas E. Alonso
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Puede que Yeah Yeah Yeahs llevaran 9 años sin sacar disco, pero en su momento fueron un grupo muy querido en JENESAISPOP. ‘Zero’ fue número 1 de nuestro top, ‘Sacrilege’ quedó cerca (fue top 2 tan solo por detrás de un tema de ‘The Next Day’ de David Bowie), y ahora es el momento de ‘Wolf’, la canción más comercial de su última entrega ‘Cool It Down’. Es lo más votado de la semana, dejando a la mismísima Rigoberta Bandini en el número 2 con su último single.

La entrada más fuerte es la balada de The 1975, ‘I’m In Love With You’, directa al top 6. Un puesto por encima de lo nuevo de Christine and the Queens. Entran lo nuevo de SAULT, Ralphie Choo, Menta, mariagrep y Tegan and Sara. Pero también hay que hablar de la subida de Fred again… que tras 5 semanas de escalada, al fin lo encontramos en el top 20 con “Danielle”.

Entre los temas que hay que despedir esta semana está ‘SAOKO’ de Rosalía, que fue número 1 y ha durado 27 semanas en lista.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 4 1 2 Wolf Yeah Yeah Yeahs Vota
2 3 2 2 Canciones de amor a ti Rigoberta Bandini Vota
3 1 1 4 CUFF IT Beyoncé Vota
4 6 4 2 Easy On Your Own? Alvvays Vota
5 2 1 6 Atopos Björk Vota
6 – 6 1 I’m In Love With You The 1975 Vota
7 – 7 1 rien dire Christine and the Queens Vota
8 15 8 2 Ocultismo Los Punsetes Vota
9 13 1 7 There’d Better Be a Mirrorball Arctic Monkeys Vota
10 8 3 4 The Only Way I Can Love You Suede Vota
11 9 9 2 El bien Viva Suecia Vota
12 22 12 2 Father Time Kendrick Lamar, Sampha Vota
13 19 11 3 La Cruz de Santiago La Bien Querida, Santiago Motorizado Vota
14 23 6 5 It’s Not Just Me, It’s Everybody Weyes Blood Vota
15 – 15 1 Angel SAULT Vota
16 5 5 3 Fossora Björk Vota
17 28 17 5 Danielle Fred again.. Vota
18 30 1 15 Así bailaba Rigoberta Bandini, Amaia Vota
19 11 5 5 Que pasa nen Alizzz Vota
20 33 2 9 Oh, Lover Röyksopp, Susanne Sunfør Vota
21 – 21 1 Bulerías de un caballo malo Ralphie Choo Vota
22 – 22 1 Lo que me falta Menta Vota
23 36 23 3 De todas las flores Natalia Lafourcade Vota
24 7 7 2 Coochie (a bedtime story) Shygirl Vota
25 10 1 8 Hold Me Closer Elton John, Britney Spears Vota
26 16 1 17 Break My Soul BEYONCÉ Vota
27 20 3 29 As It Was Harry Styles Vota
28 34 1 11 2 Die 4 Tove Lo Vota
29 17 10 3 This Is Why Paramore Vota
30 21 2 12 Despechá Rosalía Vota
31 25 2 17 BIZCOCHITO Rosalía Vota
32 39 1 31 My Love Florence + the Machine Vota
33 40 1 33 Candy Rosalía Vota
34 – 34 1 Parpadeando mariagrep Vota
35 – 35 1 I Can’t Grow Up Tegan and Sara Vota
36 14 14 2 What They Call Us Fever Ray Vota
37 18 1 13 Free Yourself Jessie Ware Vota
38 26 17 4 Sesión Vol. 52 Bizarrap, Quevedo Vota
39 24 9 7 Firefly Shygirl Vota
40 32 3 12 Hypnotized Sophie Ellis-Bextor Vota
Candidatos Canción Artista
– Body Paint Arctic Monkeys Vota
– Sunset Caroline Polachek Vota
– Spaceship Soto Asa Vota
– Vamos a olvidar Soleá Morente, La Casa Azul Vota
– Vegas Doja Cat Vota
– Blood in the Snow Totally Enormous Extinct Dinosaurs Vota
– Grapefruit Tove Lo Vota
– Happy Ending Kelela Vota
– City of Angels Ladytron Vota
– Basakabi Mirua, Kiliki Vota

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‘Un año, una noche’: sobrevivir a Bataclan no era solo salir vivo de allí

Por
Pablo Tocino
-
5

“Lo primero que viene a mi memoria es una luz sobrecogedora. Un resplandor repentino me sacude la mente y veo la sala devorada por su aura. Ya no estamos a oscuras. Ya no toca la banda. A mi alrededor, en el foso, hay cientos de personas, como yo, tiradas en el suelo. Mantienen la cabeza escondida entre los brazos y tiemblan. Muchos aún no son conscientes de lo que ocurre. Algunos morirán sin saberlo”. Ramón González, superviviente del atentado que el terrorismo islamista perpetró en la sala Bataclán el 13 noviembre de 2015, empezaba así su libro ‘Paz, amor y death metal’ (el atentado fue durante un concierto de Eagles Of Death Metal).

Tanto Isaki Lacuesta como Ramón Campos se emocionaron con la lectura del libro, y decidieron hablar con González para llevarlo al cine con algunas variaciones, dando como resultado ‘Un año, una noche’, cuya presentación en la Berlinale ya fue algo histórico para nuestro cine: era la primera vez en décadas que dos películas españolas (la otra fue, ejem, ‘Alcarràs‘) competían en Sección Oficial. Pudimos verla no en el Festival de Berlín sino en el Festival de San Sebastián, y la verdad es que hubiese sido tan digna ganadora del premio como la estupenda cinta de Carla Simón.

‘Un año, una noche’ viene generando hype desde hace bastante, tanto por la temática como por ser el regreso de Isaki Lacuesta tras su película más aclamada (‘Entre dos aguas‘ se llevó precisamente la Concha de Oro en el Zinemaldia de 2018) y por su ambicioso reparto: la pareja protagonista está interpretada por dos de los chicos de moda en el cine europeo, ambos de los mejores actores de su generación.

Se trata de Nahuel Pérez Biscayart y Noémie Merlant, protagonistas de las excelentes ‘120 pulsaciones por minuto‘ y ‘Retrato de una mujer en llamas‘, las dos sin duda obras clave del cine LGBT reciente. Pero a ellos se les unen tres valores seguros de nuestro cine como Quim Gutiérrez (brillante en un complicado papel), Natalia de Molina y Enric Auquer, la menos conocida pero igualmente estupenda Alba Guilera y, ojo, ¡C. Tangana!. ‘Un año, una noche’ supone también el debut en el cine de quien a estas alturas ya es una estrella de nuestra música, y ojo porque no es ningún cuadro: Antón sale bastante bien parado. Todos ellos se ponen a las órdenes de Lacuesta, aunque quienes llevan el peso del guión (obra de Lacuesta junto a Isa Campo y Fran Araujo) son Pérez Biscayart y Merlant.

Porque ‘Un año, una noche’ no va sobre los atentados del Bataclán. Al menos no en el sentido que esperamos si leemos que va a tratar de eso. Lo que le interesa a Lacuesta es lo mismo que contaba González en su relato autobiográfico: cómo tanto él como su pareja salieron ilesos de aquella sala en lo físico, pero muy tocados en lo psicológico. Cómo puedes luchar para no olvidarlo o luchar para no recordarlo. Cómo el terror puede hacerles replantearse sus vidas, su visión del mundo actual, sus ideas políticas, sus principios… y, sí, también su amor.

Isaki Lacuesta salta con maestría entre lo íntimo y lo histórico, lo personal y lo universal, y lo hace con la ayuda de las excelentes interpretaciones de sus protagonistas, muy basadas en la contención y que te arrastran cuando salen a flote y lo hacen a borbotones. Lo demuestra, por ejemplo, la larga escena de la discusión en su domicilio de París, que directamente contiene uno de los mejores planos vistos en 2022. Curiosamente, Lacuesta introduce pequeños toques de humor incluso en los momentos más intensos, como puede verse sobre todo en la visita española, o en los momentos de discusión sobre política de la pareja, que de alguna manera recuerdan a ‘Antes del anochecer’ y a ese vacío que conseguía vencer a la esperanza en Jesse y Céline. El relativismo moral que trae consigo el individualismo salvaje de nuestro tiempo.

El protagonismo por supuesto no lo tienen los terroristas (a quienes ni siquiera se llega a ver), y de hecho los flashbacks que sí se usan son una decisión arriesgada. Personalmente me hubiese funcionado mejor, o bien no mostrar nada, o bien mostrar todo al principio y dejar el aftermath de ahí en adelante. También entiendo que no es para dosificar morbo (eso sí me hubiese parecido muy incoherente con lo que se cuenta), sino que es una manera de adentrarnos en la psique de ellos, especialmente del personaje de Merlant.

En cualquier caso, problemas menores dentro de la que es una de las mejores películas que ha dado nuestro cine este año, y eso son palabras mayores porque 2022 es ya uno de los mejores años que se recuerdan de nuestro cine: ‘Alcarràs‘, ‘Cinco Lobitos‘, ‘El Agua’, ‘La Maternal’, ‘La Consagración de la Primavera‘, ‘Mi Vacío y Yo’, ‘As Bestas’ y esta ‘Un año, una noche’ (y probablemente tengamos que sumar en breve ‘Mantícora’ de Vermut). Decía Isaki Lacuesta hace poco “si quieres hacer un cine que tenga capacidad de llegar al público pero que no pierda intensidad personal ni vocación artística hacen falta presupuestos equivalentes a los europeos”, agradeciendo que él sí los había tenido para rodar ‘Un año, una noche’. Pues adelante porque desde luego esto es, como se suele decir, “dinero bien gastado”. Al igual que el de nuestra entrada.

The Afghan Whigs / How Do You Burn?

Por
Mireia Pería
-
8

The Afghan Whigs prosiguen con su feliz regreso sin dar ninguna muestra de fatiga. No sólo eso, sino que es probable que este ‘How Do You Burn?’ sea el mejor disco de esta especie de “trilogía de retorno” y el que más les acerca a su época dorada en los 90.

Como toda la obra de los Whigs, se sitúa en un marco atemporal de rock y soul. Esta vez le han dado una pátina aún más brillante, más pop respecto a ‘In Spades’ o ‘Do the Beast’. El sonido de ‘How Do You Burn?’, obra de Greg Dulli y de Christopher Thorn, es más nítido y clásico respecto a discos anteriores. No en vano, Fleetwood Mac es uno de los nombres más invocados en su web. Esta factura también hace destacar (aún más) la portentosa voz de Dulli, que aumenta su ya importante carga dramática para narrar unas canciones cinematográficas, puros thrillers de carreteras abiertas y polvorientas.

Y además está la voluntad de querer mostrar alguno de los temas más pegadizos y accesibles de su carrera. La tríada inicial es de aúpa. ‘I’ll Make You See God’ es un pepinazo que muerde, lleno de furia y cataratas de guitarras hard rock, cercano a los Queens of the Stone Age. En ‘The Getaway’ asoman unos sutilísimos arreglos orquestales y nos retrotraen los Beatles psicodélicos, con el plus de poder escuchar al añorado Mark Lanegan de segunda voz. En ‘Catch a Colt’ los coros de Susan Marshall, que ya participó en ‘1965’, llenan de furia y brillo extra esta pieza de pop poderoso y dramático que haría palidecer de envidia a los U2.

Luego los Whigs se toman el disco con más calma. Las películas oscilan entre el blues de los Gutter Twins (‘Jjya’), la balada tierna ribeteada de órgano Hammond en que Dulli se quiebra (‘Please, Baby, Please’) o la épica bien llevada (saludos a U2 de nuevo) en ‘A Line of Shots’. Pero para pieza mayorcísima, ‘Domino and Jimmy’, donde recuperan a Marcy Mays, voz de la legendaria ‘My Curse’ en ‘Gentleman’, que abre de manera emocionantísima esta torch song expansiva. Marcy prácticamente se come con patatas a Dulli, lo que ya dice mucho y bueno de su capacidad vocal y expresiva.

El cierre es quizás un poco demasiado más suave de lo esperable tras tremenda sacudida emocional, pero ninguno de los tres temas finales contradicen la capacidad de The Afghan Whigs de parir diez canciones recias, clásicas y sexys en solo cuarenta minutos. No necesitan más para sentar cátedra.

Arctic Monkeys sólo actuarán en Bilbao BBK Live 2023

Por
Sebas E. Alonso
-
10

Hemos visto muchas campañas virales de Bilbao BBK Live. El viejo eslogan «nivel Bilbao» era como sexy. Después, idearon un «que viene el lobo» para dejar caer que llevarían a Depeche Mode al festival. Los vídeos «Festivaleros» de Pantomima Full fueron muy graciosos… Y la campaña de este año parece estar clara.

El día de salida de ‘The Car’ de Arctic Monkeys, el festival sitúa un coche aparcado en el recinto del festi en una foto compartida en redes sociales. Exactamente al modo del Toyota Corolla 90 de la portada del disco de la banda de Alex Turner, que retrata un extraño aparcamiento en un tejado de Los Ángeles. Pero es que hay más: Arctic Monkeys acaban de tocar en Cala Mijas, festival organizado por la misma promotora Lastour.

Finalmente, hoy 27 de octubre, Bilbao BBK Live ha anunciado que Arctic Monkeys es efectivamente el primer artista confirmado en su cartel y, por supuesto, también, el primer gran cabeza de cartel. La de Bilbao será la única fecha de Arctic Monkeys en España de 2023, como lo ha sido la de Cala Mijas en 2022.

Os recordamos que, a partir de hoy, habrá una preventa de abonos desde las 10 de la mañana, y que la venta general se activará el 2 de noviembre. Bilbao BBK Live se celebra entre los días 6 y 8 de julio de 2023.

Iggy Pop, Lucinda Williams, El Drogas… en Azkena Rock

Por
Sebas E. Alonso
-
2

Azkena Rock Festival, que se celebra en Mendizabala del 15 al 18 de junio, ofrece su primera tanda de confirmados. Además, se informa de que quienes hayan acudido antes al icónico festival de rock, podrán acceder a la compra de entradas a un precio especial de 110 euros desde el lunes 24 de octubre. El resto tendrá que esperar hasta el día 28 de octubre, cuando los bonos valdrán 130 euros.

Iggy Pop, Lucinda Williams y Rancid son los primeros cabezas de cartel. Y también se han confirmado grandes nombres como Steve Earle (en acústico), Melvins, Calexico, Queensrÿche, Monster Magnet y El Drogas con repertorio de Barricada. Iggy Pop ya estuvo en Azkena en 2003 y 2006 y la organización asegura que vuelve ahora «en su mejor estado de forma». Lucinda Williams también vuelve tras su paso en 2016 y Rancid actuarán en Mendizabala por primera vez con motivo de su 30º aniversario.

En cuanto a nuevos valores se apuesta por Brigade Loco o Pasadena, el nuevo proyecto de Jon Basaguren y Libe García de Cortázar. Para apoyar a la gente joven, se va a poner a la venta el llamado Bono Gaztea, un ticket a precio reducido de 100 € para personas de 15 a 23 años. El acceso para los menores de 14 años (inclusive) será gratuito como en las anteriores ediciones. Esta es la lista de confirmados.

IGGY POP
RANCID
LUCINDA WILLIAMS
BONES OF MINERVA
BRIGADE LOCO
CALEXICO
STEVE EARLE
EL DROGAS (BARRICADA – 40º)
GWAR
LUCERO
MATCHBOX
MELVINS
MONSTER MAGNET
OS MUTANTES
PASADENA
QUEENSRYCHE
Y MUCHOS ARTISTAS MÁS…

RFTW: Carly Rae Jepsen, Ellie Goulding, Phoenix, Meghan Trainor…

Por
Jordi Bardají
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Hoy viernes coinciden dos de los lanzamientos discográficos más importantes del año, los de Taylor Swift y Arctic Monkeys, cuyo ‘The Car‘ reseñamos ya en portada. Además publican nuevos discos Carly Rae Jepsen, el «hype» británico Dry Cleaning, Meghan Trainor, Parade o Tegan and Sara, y Burial lanza EP por sorpresa.

En cuanto a sencillos, Ellie Goulding publica el primer avance de su nuevo álbum, Kelela por fin nos da el tema rítmico que queríamos, Phoenix siguen desgranando su disco, y vuelven Petite Meller, Çantamarta, Bonobo, Jeremih, la revelación alemana CATT… Por otro lado, los eurovisivos Rosa Linn y Duncan Laurence presentan tema conjunto tras el éxito de sus respectivos temas.

Entre los singles que hemos comentado durante la semana se encuentra la nueva cumbia rumbera de Soleá Morente y La Casa Azul, la maravilla latina de Caroline Polachek, la bachata de Shakira con Ozuna, el debut a solas de Carlangas (Novedades Carminha) o el tema que avanza el próximo largo de Young Fathers. Todos ellos están disponibles en la playlist.

En la playlist encontrarás, a su vez, novedades de Alice Boman, Röyksopp, la también eurovisiva Amanda Tenfjord, Rocio Saiz, Anna of the North, Biig Piig, Crawlers, Architects, Paula Koops, sunking, Alien Tango, Devon Cole, Safree, Vistas y muchos más.

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