Florence + the Machine ha publicado esta tarde, como había prometido, ‘Heaven is Here’, el segundo avance de su próximo álbum de estudio. El primero, ‘KING’, ha sido Canción Del Día recientemente en el site, y acaba de entrar en el top 40 de JENESAISPOP gracias a las votaciones de los lectores, directo al número 3.
‘Heaven is Here’ puede ser una de las composiciones más experimentales jamás publicadas por Florence Welch. Estamos ante menos de 2 minutos de canción marcados por el sonido de palmas y percusiones, en la que incluso piano y guitarra acústica son utilizados a modo de percusión.
La canción presenta un sonido tabernero y visceral, y la letra hace referencia a convertir océanos en desierto, o al arte. «Cada canción que escribí se convirtió en una cuerda atada a mi cuello, con la que escapar hacia el cielo», canta la británica.
Explica Florence que ‘Heaven is Here’ es «la primera canción que escribí en confinamiento, después de un largo tiempo en que no pude acudir al estudio». Señala que «quería hacer algo monstruoso, y este clamor a la alegría, la furia y la pena es lo primero que me salió».
«Con los estudios de danza cerrados», apunta Welch, «empecé a soñar con un día hacer una coreografía para la canción, y (‘Heaven is Here’) es una de las primeras piezas de música que he hecho con la danza contemporánea en mente».
El videoclip está efectivamente basado en este tipo de baile, y en la caja de información de Youtube, Florence manda «fuerzas» a dos de sus bailarinas, Marine y Nastia, ucranianas, que «actualmente se están cobijando» de la guerra.
Omah Lay es un músico de 24 años de Ikwerre, en el sur de Nigeria, que en los últimos tiempos ha dado que hablar con su hit viral ‘Bad Influence’, producido por él mismo, y que ya acumula un buen puñado de singles publicados entre temas propios y colaboraciones, además de un corta duración llamado ‘Get Layd’, editado hace ya dos años. Omah Lay actuará en España en mayo: el día 11 estará en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona y el 12 en la sala Cats de Madrid.
Stanley Omah Didia forma parte de la nueva ola de artistas nigerianos que están contribuyendo a poner el afrobeat en el mapa de la cultura popular occidental, junto a compañeros como Mr. Eazi, WizKid, Tems o CKay, y su EP ‘Get Layd’ contiene producciones tan opulentas en ese estilo como ‘Damn’ o ‘You’, además de la mencionada.
Algunos de los artistas mencionados han colaborado con artistas tan relevantes como J Balvin (en el caso de Mr. Eazi), Drake (Tems aparece en su último disco) o Justin Bieber. El canadiense ya se subió a un remix de ‘Essence’ de WizKid hace unos meses para recordarnos que era una de las mejores canciones del verano 2021, y ahora participa en un single nuevo de Omah Lay llamado ‘Attention’ que promete dar más alegrías a ambos.
Omah Lay practica un tipo de afrobeat relajadito y sensual, y eso es lo que nos ofrece ‘Attention’, un tema totalmente en la vena de Drake, el de ‘Passionfruit’, con el que Omah Lay reafirma su sonido a la vez que ofrece a Bieber un contexto sonoro ideal para su voz. Bieber canta la melodía de ‘Attention’ con suma calidez y cuidado, y nos convence de que este es un buen camino que perseguir en su carrera tras los fiascos artísticos de ‘Changes‘ y ‘Justice‘.
Omah Lay y Justin Bieber, que ya habían colaborado en un remix de ‘Peaches’, piden un «poquito de atención» a sus respectivas amantes en ‘Attention’, y tal es su angustia que buscan ahogar las penas en alcohol y marihuana. El ambiente de ‘Attention’ está lleno de ese mismo humo que exhalan ambos artistas, pero a la vez su sonido cálido reconforta, porque quizá no existe mejor escape que la música.
‘Lo de Évole’ se anotó anoche otro tanto entrevistando a Felipe González con motivo de su 80º cumpleaños, una entrevista rica en curiosidades de lo político -la invasión de Ucrania, su buena relación con el rey emérito- a lo personal -la revelación de que jamás se reúne con todos sus hijos a la vez y de que quizá no ha sido el mejor padre posible-.
La entrevista fue promocionada con su opinión sobre Isabel Díaz Ayuso: «No me atrevo a definirla, no, no… Sólo me imagino cómo sería su opinión, participación o decisión en uno de estos consejos de la OTAN hoy en la crisis de Ucrania. Y me cuesta encajar». Lo que no vimos venir fue que sería preguntado por cuestiones culturales de actualidad.
Felipe González pareció fingir saber por un momento qué era Fortnite, reconoció no haber visto ‘La casa de papel’, la serie española más internacional, pero despertó por completo cuando fue preguntado por ‘Ay mamá’, el tema de Rigoberta Bandini que un día aspiró a representar a España en Eurovisión, perdió, pero alcanzó esa semana el número 1 oficial de la lista de singles española.
El expresidente del gobierno resume lo que dijeron tanto Unidas Podemos como VOX sobre la canción, considerando que la opinión de Abascal fue «ofensiva para las mujeres»: “he visto una polémica que se podría haber evitado en la que Abascal respondía a Irene Montero, que decía que este es el temor del machismo a la sexualidad femenina de las tetas. No era lo que intentaba la autora, eso es seguro. «¿Te dan miedo las tetas de las mujeres?». Y el otro (Abascal) ha contestado ofensivamente para las mujeres, creo yo, “ah no, yo desde chiquitito me gustan””.
De 1 hora de duración, la entrevista sorprendió por lo parca que fue en comentarios sobre el actual ejecutivo socialista. Y vale que no se pueda revelar la conversación telefónica que han mantenido a raíz de la invasión de Ucrania, ¿pero quién iba a adivinar que González hablaría más de Rigoberta Bandini que de Pedro Sánchez durante una entrevista? La entrevista, al completo, está disponible en la web de laSexta.
Rosalía continúa con la promo de ‘MOTOMAMI’, el disco que publica a finales de la semana que viene, presentado por 3 singles: ‘La Fama‘, ‘Saoko‘ y ‘Chicken Teriyaki‘. Tras anunciar que el día de salida -18 de marzo- realizará de madrugada -hora española- un concierto de presentación del disco en TikTok, al fin ha compartido el tracklist del álbum, lo cual incluye nombres que ya conocíamos como ‘Hentai’, ‘Bizcochito’ y ‘Bulerías‘, que será la canción más pura del álbum.
Precisamente la cantante ha hablado del disco, que pese a sus 16 pistas será bastante corto, durante una entrevista con Fernando Navarro de El País Semanal, a la que acude con su hermana y su pareja Rauw Alejandro. En ella vuelve a contar cómo estuvo aislada de su familia durante 2 años debido a la pandemia, pues se quedó en Estados Unidos trabajando en este disco. Precisamente el tema final, ‘Sakura’, habla de eso, pues «Rosalía reconoce que alguna vez sintió que “petaba”». «Sakura» es «la flor del cerezo», aquí representa «la primavera y la feminidad» y la letra es una reflexión sobre la posibilidad de romperse.
La cantante indica que “solo hay riesgo si hay algo que perder” y responde las críticas por la letra de ‘Hentai» llevándose las manos a la cabeza: «Ostras, ¡compartí solo 15 segundos de canción! ¡No hay contexto! Entiendo que la gente se lleve al pecho algo, pero sería mejor juzgarla cuando haya salido la canción y mejor aún todo el disco. Tiene mucho sentido cuando ves el big picture». También habla por alguna razón sobre el hipotético final de su carrera al hablar sobre la popularidad: «Este entorno es muy hostil. Es complejo mantenerse en su centro. En estos tres años he buscado mi centro. Si el éxito acaba rompiéndome con los años, no pasa nada. Así es la vida y así es el trayecto. La vida y la muerte están muy cerca la una de la otra. Se trata de vivir lo más fuerte posible (…) Vivir la vida con honestidad».
1.SAOKO
2.CANDY
3.LA FAMA
4.BULERÍAS
5.CHICKEN TERIYAKI
6.HENTAI
7.BIZCOCHITO
8.G3N15
9.MOTOMAMI
10.DIABLO
11.DELIRIO DE GRANDEZA
12.CUUUUUUUUUUTE
13.COMO UN ♡
14.ABCDEFG
15.LA COMBI VERSACE
16.SAKURA
La pandemia ha dejado de ser mencionada en los telediarios -aunque no exactamente por las razones que nos gustaría-, y los estadios de mediano tamaño -en el mundo anglosajón conocidos como «arenas»- vuelven a llenarse con el público en pie y sin distancia de seguridad. C. Tangana, que no sé si ha conseguido que la gente le llame «El Madrileño» ni borrando casi por completo las palabras C. Tangana del cartel de su gira ‘Sin cantar ni afinar’, vendía las localidades para verle en el WiZink Center de su ciudad en cuestión de horas, teniendo anoche que explicar frente a su público que no quiso añadir una segunda fecha porque hay cosas que sólo tienen que pasar una vez cuando se acerca el final, apelando al de una era que ya ha cumplido un año en el top 10 de las listas de éxitos. ‘El Madrileño‘ fue el disco más vendido en España en 2021 y es aún top 2, certificado como doble platino, más un tercero seguramente por venir. Fotos: David Moya.
Tampoco creo que hubiera sido fácil la logística de reunir otra vez sobre el escenario a todo el personal que vimos anoche sobre las tablas. El equipo de El Madrileño consta de una treintena de músicos entre palmeros, coristas, vientos, cuerdas, guitarristas y percusiones. Para cualquiera preguntándose si los invitados en el álbum se pasaron, muchos de ellos sí, con la excepción principalmente de Andrés Calamaro, Jorge Drexler y Eliades Ochoa. Pero no se les pudo echar tanto de menos cuando en una misma noche habías visto aparecer a Nathy Peluso para interpretar ‘Ateo’, a Kiko Veneno para interpretar ‘Los tontos’ y un fragmento de ‘Volando Voy’, a Antonio Carmona para interpretar ‘Me maten’ y ‘No estamos locos’, y a La Húngara y Niño de Elche para interpretar apropiadamente ‘Tú me dejaste de querer’ y acompañar en casi todo el set, entre otros que incluyeron a Omar Montes y Rita Payés.
El resultado fue un fiestón a veces tipo tablao a veces tipo latino, situado en un país indeterminado entre España y América Latina, que es de lo que va el mismo álbum de ‘El Madrileño’, de un viaje por diversas tierras, como Cuba, Colombia y México. Pero Puchito no ha renunciado a su pasado como rapero underground y de ahí quizá la extraña decisión de comenzar con ‘Still Rapping’, justo cuando parecía por los arreglos orquestales que el show iba a comenzar con ‘Demasiadas mujeres‘.
El artista -¿alguien lo duda? ¿todavía? ¿en serio? ¿en qué planeta vivís?- se centra en el repertorio de ‘El Madrileño’ y su versión ampliada editada recientemente ‘La sobremesa’, incorporando algún guiño al pasado y alguna versión, pero renunciando a algunos de sus mayores hits que seguramente no le encajaban, como ‘Booty’, ‘Bien duro’ y ‘Mala mujer’. No habría adivinado, cuando escogimos esta última Mejor Canción de 2017, que vería un concierto de C. Tangana de 30 canciones sin que ninguna fuera ‘Mala mujer’ y que además me iría satisfecho. En lo que seguro que puso un granito de arena que el setlist sí incluyera una reconciliación con ‘Antes de morirme’, interpretada en plan minimalista junto a una vocalista que no era Rosalía, ahora mismo a otras cosas.
En su sección latina, el escenario se decora con varias mesas en las que se colocan músicos, coristas y botellas para chupitos y cócteles, sin que falte la sección «tiny desk» que tantas alegrías dio en Youtube. En las más raperas, las luces se apagan para dejar a Puchito solo sobre una pasarela de sombras, en la que canta algunas frases sobre pregrabados. Especialmente bien encajada suena -pese a presentarse enlatada- ‘Llorando en la limo’, después de que un barman haciendo de fucker pasadísimo, se quejase de que el show era muy «‘Circo del Sol’ y ‘Mayumaná'». Es el momento autoparódico del show, que El Madrileño dedica a quienes le vieron crecer después de darse a conocer como Crema, aunque hay que puntualizar que en este set, horteradas pocas, o más bien ninguna.
Sin grandes alharacas ni grúas voladoras, la dirección artística de ‘Sin cantar ni afinar’ parece haberse mirado en grandes giras internacionales de Kanye West (la parte rapera), Madonna (la tasca portuguesa) y Juan Luis Guerra (las alturas con vientos metales), resultando de lo más elegante en cuanto a composición e iluminación. Sobre todo esto último, acentuado por una pantalla panorámica coronando todo, en la que tuvieron a bien comenzar pidiendo que la gente no utilizara flash en sus fotos, y terminaron proyectando créditos con todos los participantes mientras Niño de Elche cantaba ya solo, como si acabáramos de ver una película.
Una de 2 horas, en concreto, en la que el público se dejó la garganta cantando cosas como ‘Nominao’, ‘Párteme la cara’, ‘Ingobernable’ o ‘Los tontos’, esta última aderezada con unos fragmentos de ‘Bizarre Love Triangle’ de New Order y ‘Alegría de vivir’. De la misma manera que unas líneas de ‘Lobo hombre en París’ (!) sonaron después de ‘Nunca estoy’, ‘Corazón partío’, ‘Noches de bohemia’ y una versión de ‘Suavemente’ se colaron en distintos puntos del repertorio, subrayando el carácter de fiesta sin prejuicios que se mira en la historia del pop español que siempre tuvo esta era. Todo tan españolete que el concierto termina con el equipo de C. Tangana aupándole a la primera fila de la pasarela como si hubiera cortado las dos orejas y el rabo.
Si bien hubo ciertos problemas de ecualización en las voces en determinados momentos -por otro lado un clásico en el WiZink Center de la capital-, fue divertido ver cómo C. Tangana agarraba del pelo a Nathy Peluso como en el vídeo de ‘Ateo’ mientras a ambos les daba un poco la risa, a Antonio Carmona completamente radiante y encantado de asistir a todo esto, o a Omar Montes hecho un nervio, incluso a un Auto-Tune pegado. El público respondió, acompañando en todo momento, aunque otro tema fue el de tratar de emular a los palmeros: si en Madrid se nos dio tan mal, no quiero ni pensar lo que sucederá con todo esto en Bilbao el mes que viene.
Fue, en todo caso, un show lleno de detalles muy vendible a una plataforma tipo Netflix o HBO, como ese momento en que la pantalla finge haberse averiado creando chispas antes de los bises -un par de veces falló, también, sin que estuviera planeado- o la dedicatoria de ‘Demasiadas mujeres’ al fallecido Sergio Larrinaga. C. Tangana estaba exultante, en la «noche más importante de su vida», y yo ya no me creo nada de aquello de que le importe más el punto de la lubina que ser el número 1 del ránking. Tras haber montado este pedazo de show de miras internacionales, está claro que es ser el rey lo único que le pasa por la cabeza. 9.
Tras firmar con el alias de Aries varios discos de pop psicodélico estupendos que exportó a países como Estados Unidos, Canadá o Japón, Isabel Fernández presenta nuevo proyecto junto a la multiinstrumentista María Romero. Magia Bruta toma su nombre precisamente del primer disco de Aries, publicado en 2012, y aunque las similitudes con discos como ‘Mermelada dorada‘ son evidentes, como quizá no podía ser de otra manera, ‘Un día nuevo’ explora un sonido mucho más místico que simplemente colorido y psicodélico.
Ese misticismo es muy evidente en las armonías vocales empleadas en las canciones, en melodías que en realidad son invocaciones, como sucede en la pista titular, y también en un material instrumental en constante mutación y expansión, lleno de capas y detalles, como el glissando resplandeciente de ‘Lo merezco’ o las arpas de ‘Biking (algo mejor)’. A su vez, las letras aluden al «polvo de estrellas» o a un «paisaje fluorescente», invocan a las «fuerzas elementales» o hablan de amores reflejados en el agua o sobre irse a pedalear al bosque.
‘Un día nuevo’ halla la magia de diversas maneras, por ejemplo, en la hermosa progresión de acordes de ‘Lees mi mente’ y en su base rítmica, que parece emular el movimiento de unas arenas movedizas, dando lugar a una de las mejores canciones jamás compuestas por Aries; en el feliz matrimonio de beats electrónicos y armonías bucólicas de ‘Un día nuevo’; o en el hipnótico fondo instrumental de ‘Atardeceres naranjas’, que trae a la mente una de las canciones más infravaloradas de Animal Collective, ‘What Would I Want Sky’?’.
De nuevo vuelve a ser inevitable al hablar de un disco de Isabel Fernández mencionar a Animal Collective, que han sido una influencia a lo largo de su carrera, y en ‘Un día nuevo’ se nota no solo en las armonías, que esta vez tienen un punto bastante Fleetwood Mac también (su colaborador Alan Douche ha masterizado el disco), sino también en los extraños tempos usados en las canciones y en los densos paisajes sonoros. Y que la música de Magia Bruta recuerda a la banda de Baltimore no significa que no esté inspirada, más bien al contrario: el nivel de elaboración de melodías y bases instrumentales en ‘Un día nuevo’ es muy elevado, y su equilibrio entre accesibilidad y experimentación está muy conseguido.
Magia Bruta sigue fiel por tanto al sonido de Aries añadiendo un punto de oscuridad y esoterismo, y las influencias poco pueden importar cuando Isabel es capaz de entregar canciones tan cautivadoras como ‘Lees mi mente’, ‘Un día nuevo’ o la embriagadora ‘Trance secreto’. Sus canciones sobre «la alienacion, el amor, la verdad y la belleza» hechizan quizá como pretenden.
“Nos deja un iconoclasta”. Así le ha despedido a Pau Riba el presidente de la Generalitat, Pere Aragonès, en una entrevista a Catalunya Ràdio. El artista catalán ha fallecido este 6 de marzo a los 73 años en su casa de Tiana (Barcelona), tras haber hecho público que padecía un cáncer de páncreas el pasado diciembre de 2021.
Pau Ribas fue un referente de la música y la cultura alternativa desde sus comienzos en los años 60, en los tiempos de la Nova Cançó, un movimiento que reclamaba la normalización del uso del catalán en la música y denunciaba la represión franquista. Descendiente de una familia burguesa, cristiana y artística, Riba siempre rechazó ese estilo de vida lleno de ataduras para reivindicar la libertad individual, sexual, lo campestre, los derechos de la juventud y ser siempre la oveja negra.
Entre 1969 y 1970 publicó Dioptría I y II, dos discos que posteriormente se reeditaron como álbum doble y que los lectores de la revista Enderrock eligieron como el mejor disco de la discografía catalana del siglo XX. Claramente influenciado por la revolución hippie, el primer viaje en LSD de Pau Riba tuvo mucho que ver a la hora de conceptualizar este álbum. Posteriormente, el artista no ha dejado de trabajar hasta el final de sus días, en discos como ‘Jo, la donya i el gripau’ (1971) o ‘Disc Dur’ (1993), en libros, en películas, en guiones… De hecho, Riba estaba confirmado en el Vida Festival de este verano.
Morreo, autores de un disco que se sumergía en los años 70 nacionales y foráneos tanto como ‘Fiesta nacional’, son los nuevos invitados de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP. Germán y Joseca nos daban una agradable sorpresa cuando nos contaban que querían venir al podcast para hablar de Cher: nos cuentan cómo la descubrieron, cuáles son los momentos favoritos de su carrera -‘Believe’ aparte-, hablamos también por supuesto de su exitosa carrera cinematográfica y de su última y fascinante etapa como tuitera. Estos son algunos de los temas que tratamos en este podcast tan inesperado (al menos para nosotros):
-Nuestro primer recuerdo de Cher: alguien que la descubrió en Youtube.
-Cher como personaje sin edad, que no cae mal a nadie: «es todas las mujeres en una».
-El tanto que se apunta con el Auto-Tune, conocido como «el efecto Cher». ¿Pudo ser ‘Believe’ el mejor comeback de la historia?
-El Auto-Tune en la carrera de Morreo y una declaración estrella: «Que el Auto-Tune sea un tema de debate me parece una gilipollez como un castillo»
-La vida antes de ‘Believe’: discos que reivindicar durante los 60, los 70 y los 80. De ‘The Sonny Side of Cher’ a ‘Prisoner’ pasando por ‘Half-Breed’.
-Cher como actriz de éxito, entre Oscar, Globos de Oro y reconocimientos en Cannes: ‘Sirenas’, ‘Silkwood’, ‘Hechizo de luna’, ‘La máscara’…
-Cher como persona sobrevalorada por el colectivo LGTB+ pero infravalorada en otros ámbitos.
-Cher como tuitera: de la cuestión catalana al icónico ‘WTF is MDNA’.
-Otras cuestiones mencionadas son: el hilarante histórico de noticias de Cher en JNSP, el Rusical de RuPaul o su documental con un elefante.
Morreo actuarán el 2 de abril en Elche (CC L’Escorxador), el 8 de abril en Pamplona (Txintxarri), 9 de abril en Zaragoza (La Lata de Bombillas), 29 o 30 de abril en Murcia (Warm Up Festival), 6 o 7 de mayo en Granada (Festival En Órbita), 13 de mayo en Santander (Nyan Night), 14 de mayo en Salamanca (La Chica de Ayer) y 29, 30 o 31 de julio en Benidorm (Low Festival).
Like Me Or Dont ! NO1Changes Who I Am!RT@lausurpadora7:Chers shit,needs educate dirty mouth Wtf is MDNA,since working w/ Gaga,shes a bitch
KÅRP es, desde Gotemburgo, la banda liderada por Anna-Maria Lundberg, que lleva publicando música desde hace unos 5 años, cuando debutara con su single ‘Therapist^2’, a la postre incluido en su primer álbum. Bajo el imaginativo título de ‘Album 1’ (2019), el largo de 9 pistas y media hora incluía temas como ‘Freak Smile’ y ‘Kuiper Belt’, que llevaron a KÅRP a ganar un premio a mejor álbum de synth-pop en Suecia, recibiendo comparaciones con The Knife.
Lo nuevo va a ser un tríptico de EP’s a lo largo de este 2022, del que se ha extraído un single llamado ‘It Looks Bad’ que ha ganado recientemente el JNSP Song Contest de nuestros foros, presentado por el usuario 20thcenturyboy. Se trata de la música que han grabado durante la pandemia y que por ello, según su propio relato, por tanto retrata el sonido del apocalipsis. ‘It Looks Bad’ es nuestra Canción del Día hoy.
El EP ‘Kris’, que ya está disponible al completo, contiene momentos tenebrosos y otros en los que la sombra trata de encontrarse con la luz. Este ‘It Looks Bad’ es uno de los más oscuros pese a la vida que insuflan en el tema esos teclados tan The Knife que directamente parecen sampleados, si bien perfectamente aptos para estos tiempos que nos ha tocado vivir. Ellos lo definen así: «It Looks Bad’ es el retrato del mundo ardiendo, y de cómo nuestra generación tiene cero fe en el futuro. Es sobre cómo las cosas que te son cercanas son las que importan cuando el mundo se desmorona. Si es que algo importa. Vemos brutalidad policial, pandemia, nazis en el Parlamento Europeo, incendios forestales, George Floyd. Estamos jodidos. Pinta mal, por decirlo claro».
En el tema, las voces distorsionadas quieren ser «la representación sónica del caos global». Los 3 EP’s que se avecinan representan respectivamente «el caos, el silencio y el orden del nuevo mundo», por lo que es de esperar que los siguientes EP’s traigan mensajes un poco más optimistas.
En la noche de ayer Alemania elegía su candidato para Eurovisión, pero lo más comentado de la gala fue la actuación de Jamala, ganadora del festival en 2016 por Ucrania, quien interpretó el tema antibélico que le dio la victoria hace 6 años y que ahora cobra más sentido que nunca.
Hace 6 años decíamos en un articulo que «diez días después del Festival de Eurovisión, nada ha pasado comercialmente con la canción ganadora ‘1944’ de Jamala, y ya muy difícilmente pasará». Pues nada más lejos de la realidad. ‘1944’ fue la canción con la que Jamala se presentó al festival de Eurovisión en 2016, un relato sobre la expulsión de los tártaros de Crimea por parte de la Unión Soviética que se alzó con el primer puesto en el festival. La historia estaba inspirada en la experiencia de su propia bisabuela que tuvo que abandonar el país con sus hijos en 1944, y ahora, 78 años más tarde, Jamala ha tenido que hacer lo mismo hacia Rumanía. Su actuación de anoche en la preselección alemana fue escalofriante y la canción sonaba a himno, mientras ella sostenía la bandera de su país en señal de protesta.
El ganador de la gala fue el joven cantante Malik Harris con su propuesta ‘Rockstars’, una canción pop que recuerda al ‘Good Old Days‘ de Macklemore y Kesha en letra y estilo. El artista mostró su apoyo al pueblo ucraniano con una frase de gran tamaño inscrita en su guitarra que decía: “I stand with Ukraine” (Estoy con Ucrania).
Cuatro años separan ‘El mal querer’ de ‘MOTOMAMI’, más tiempo de lo que muchos habrían deseado, pero finalmente el tercer álbum de estudio de Rosalía verá la luz este 18 de marzo. Esa misma noche, a la 1:00 de la madrugada del 18 hora española, la cantante ofrecerá una actuación vía TikTok para presentar el disco, y cualquiera podrá acceder a ella.
Rosalía ha publicado un vídeo en su cuenta de Instagram donde parece estar en el set de grabación del concierto que ofrecerá el día 18, con el casco “motomami” en la cabeza al ritmo de unas palmas flamencas marca de la casa. El texto que acompaña el vídeo dice: “Hola :} estoy muY emocionada xk el dia 18 de Marzo sale por fiiiin Motomami y el día 17 en @tiktokmusic voy a hacer la presentación oficial de Motomami con una actuacion especiaL que hemos preparado y que no puedo esperar xa q la veáis”.
Hasta la fecha la artista ha lanzado oficialmente tres sencillos extraídos de este disco, ‘LA FAMA’, ‘SAOKO’ y ‘CHICKEN TERIYAKI’, que han dejado clara su intención a la hora de marcar un concepto, una imagen, una estética y un sonido que sean únicos y representativos, en un álbum que recoge “la transformación, la sexualidad, el desamor, la celebración, la espiritualidad, lo cotidiano también, el respeto por uno mismo y por lo que una es. Todo eso está ahí, está entendido y presentado al mismo nivel”, como contestaba Rosalía en una entrevista para la Rolling Stone.
¿Es ‘Sálvame’ el primer disco de Pantocrator, su esperada puesta de largo? Difícil de dilucidar cuando se extiende tan sólo 13 minutos. Por un lado, es el doble más o menos de lo que solían durar sus 3 EP’s de 4 temas cada uno, lanzados durante los últimos 2 años. EP’s donde encontramos pildorazos de genialidad tan históricos para el underground de nuestro país como ‘No te puto pilles’, ‘El gobierno de China’ y ‘Putas de internet’.
Por otro, a ‘Sálvame’ le termina faltando un poco de cuerpo para impactar un pelín más en el oyente: o bien un hit tan destacado como ‘No te puto pilles’ o un mayor desarrollo de algunas pistas que pasan desapercibidas pese a ser presentadas bajo una genial idea, que no es otra que hacer un disco conceptual en torno a ‘Sálvame’, el exprimido programa de cotilleo de Telecinco que ha empezado a caer en audiencia, tan sólo después de lustros cosechando éxitos millonarios.
«A mí me flipa ‘Sálvame’ porque es supersórdido y sale gente arrancándose las entrañas y cosas todavía más chungas», explicaba Marta Delmont, bajista y cantante en una entrevista con Rockdelux. Así, la mejor canción de esta tanda es ‘Polígrafo’, cuyo estribillo no dice otra cosa que «si te vuelvo a ver, que sea en un poli deluxe», e incluye una mención a Jorge Javier. «No necesito ayuda pero Sálvame» es el estribillo de ‘En anteriores capítulos’, y el disco concluye que en esta vida, a quien le va bien, es a los «Jetas».
Otros temas aportan su granito de arena desde su título (‘Teléfono de aludidos’, ‘Exclusiva’), campos semánticos («puro morbo») o desde su propia sordidez: el disco empieza con una ruptura manifestada a través de unas cuantas bragas entregadas en una bolsa de Carrefour (‘Sintonía del caos’). El punk garajero sigue siendo la sencilla base de fondo de Pantocrator, con algunos efectos electrónicos que no añaden demasiado (final de «Publicidad», ‘Gala de confrontación’), resultando lo mejor sus melodías más españoletas (‘En anteriores capítulos’, castañuelas incluidas) y esos momentos en que Marta se desgañita para pronunciar reivindicaciones tan riot como «nunca tendré control sobre mi vida» o «mi curro no me gusta, pero hay que comer». Tinder y diazepam, un «mal generalizado».
Este año Boy Harsher han dejado atrás ese sambenito que tenían de hacer música que parecía bandas sonoras para películas que nunca existieron, con una banda sonora real. La de su propia película.
En efecto, el dúo formado por Jae Matthews y Augustus Muller, siempre tan influido por John Carpenter, ha creado su propio corto de media hora bajo el nombre de ‘The Runner’, y el nuevo disco que han sacado este 2022 no es otra cosa que la banda sonora del mismo, con sus momentos más esclavos del concepto y otros que pueden aislarse de manera más independiente.
Entre estos últimos, los más pop, destacan poderosamente 2 temas: ‘Autonomy’ con Lucy de Cooper B. Handy y ‘Machina’, que escogemos como “Canción del Día”. ‘Machina’ cuenta con la colaboración de Mariana Saldaña, miembro de Ms. BOAN y Medio Mutante, que termina de ofrecer al tema un factor medio humano medio robótico que recuerda a Kraftwerk y muy especialmente a ‘Dare’, la obra maestra de Human League. Jae Matthews de Boy Harsher ha anunciado que sufre esclerosis múltiple, lo que ha condicionado también su propia película de terror, pero este tema es un remanso de luz en un trabajo que cuenta con momentos mucho más tenebrosos, como acostumbran por otro lado Boy Harsher.
Os dejamos también con el tráiler de la película ‘The Runner’, que versa sobre el viaje de “una extraña mujer que se desplaza a una ciudad rural en la que se van revelando sus impulsos más violentos”. .
El caso de la española Virginia Feito es bastante curioso. ‘La señora March’, su debut literario, lo escribió en inglés y se ha publicado con éxito en Estados Unidos antes de llegar traducido a España. La historia que narra también remite al ámbito anglosajón. Está situada en Nueva York, retrata a la alta sociedad local y tiene influencias de Daphne du Maurier (hay un guiño explícito a ‘Rebeca’) y Shirley Jackson.
¿Qué hace una madrileña, empleada en una agencia de publicidad de la capital, escribiendo sobre la clase adinerada neoyorquina con la soltura de alguien que desayuna todas las mañanas en una cafetería pija del Upper East Side?
La primera razón tiene que ver con su educación. La novelista es hija del economista y exembajador de España en la OCDE José Luis Feito. Este origen familiar privilegiado le ha permitido vivir en Nueva York, educarse en colegios americanos y estudiar literatura inglesa en la universidad Queen Mary de Londres. Vamos, que aprendió a leer y escribir casi antes en inglés que en español.
La segunda razón es su talento literario. El retrato que ha realizado Feito de una dama de la aristocracia neoyorquina va mucho más allá de la descripción precisa, evocadora y seguramente de primera mano de cómo va vestida la protagonista, cómo es el pisazo dónde vive, las fiestas a las que asiste o en qué pastelería elegante compra su pan de aceitunas favorito. La señora March es un personaje de gran riqueza y complejidad psicológica. Una mujer insegura, envidiosa y paranoica, obsesionada con las apariencias y el qué dirán, que la escritora ha conseguido que nos repela y fascine al mismo tiempo.
‘La señora March’ es una brillante novela de misterio donde el mayor misterio es la propia señora March (quien espere un whodunit al uso se sentirá defraudado). Un entretenidísimo relato de terror doméstico, con ecos de Hitchcock (el vestuario de miss March recuerda al de Kim Novak en ‘Vértigo’), Polanski (sobre todo de ‘Repulsión’) y ‘La señora Dalloway’, que se desarrolla principalmente en la cabeza de la protagonista. La novela está escrita en tercera persona, pero es tal la capacidad de Feito para recrear un estado de ansiedad y paranoia, y son tan detallistas sus descripciones, que parece escrita en primera persona.
La confesada influencia que ha tenido la literatura de Shirley Jackson en la ópera prima de Feito quizás haya tenido algo que ver para que Elisabeth Moss, quien interpretó a la novelista en la reciente ‘Shirley’, se haya interesado por la novela y comprado los derechos para su adaptación al cine. La actriz dará vida a la señora March en una producción de Blumhouse (ya hicieron juntos ‘El hombre invisible’), con guión de la propia Feito. ¿Estamos ante una nueva estrella del domestic noir?
‘SAOKO’ de Rosalía vuelve a ser el top 1 de nuestro top 40. Pese a las críticas encontradas que ha recibido el tema, parece que nuestros lectores tampoco es que hayan encontrado otra pista que les haya gustado más en las últimas semanas.
La entrada más fuerte es la de Florence + The Machine con ‘King’, directa al top 3. Beach House siguen a Welch muy de cerca con ‘Hurts to Love’, directa al top 5. También aparecen en el top 20 Tears for Fears, Josef Salvat, Hikaru Utada, Tove Styrke y algo más abajo Sally Shapiro.
Lucas Bolaño ha titulado su segundo LP bajo el nombre de Estrella Fugaz con el título de la mejor canción del primero, ‘Luminosa’. No sé si es una manera implícita de dedicársela a su hija, aunque curiosamente la paternidad, que en ‘Un sendero fluorescente’ era un tema bastante presente, aquí apenas asoma. Pero Lucas sí sigue ahondando en la cotidianidad, en la precariedad e incertidumbre, pero esta vez de una manera algo más abstracta, menos concreta.
Estrella Fugaz ha pasado de Caballito Records a Sonido Muchacho. ‘Un sendero fluorescente’ era más parco, pero repleto de detalles imaginativos. Este es más exuberante, aunque las coordenadas no han variado mucho. Indie noventero, de Chinarro a, claro, Yo la Tengo, con escapes sintéticos propios de la indietrónica de principios de los dosmiles y sin miedo ninguno para hacer mezclas extrañas, ya sea recuperar el reggae sofisticado de los ochenta en ‘Las plantas’, o la cumbia en ‘No soy colombiano’. Un poco para guiar la escucha de ‘Luminosa’, Lucas Bolaño colgó esta playlist de canciones inspiradoras, en la que resulta significativa la presencia de The Notwist, uno de los grupos señeros de la indietrónica.
‘Luminosa’ es un disco más compacto y regular que ‘Un sendero fluorescente’, su secuencia es mucho mejor y la escucha apenas tiene altibajos, aunque quizás no hay canciones que toquen tanto la patata como algunas de ‘Un sendero fluorescente’. Pienso en ‘Max y Ellen’, ‘El verano español’ y ‘Luminosa’, que siguen siendo cimas bolañistas aún imbatidas. Eso no quita para que aquí las canciones, en general, sean buenas o muy buenas.
Empezando por ‘En el altillo de casa de tus padres’, que parece hablar de lo que allí escondemos (¿la niñez?), que abre trémula y acaba en un estallido de voces, proclamando que “todos estamos en el altillo». ‘Mortadela y Filemona’ tiene un inicio acústico, adusto, casi tristón, pero es una canción de celebración, que conmina a dejar trabajos y quehaceres frustrantes para abrazar los proyectos que realmente se aman. ‘La pastilla’ también festeja (¿el éxtasis y sus efectos?). Suena a unos New Order de baja intensidad, un sonido cortesía de la producción de David Rodríguez. La cadencia insolada, desértica y narcótica de ‘Una DDDH y el Electropura’, con la voz de Valdivia replicando en el estupendo estribillo, esconde la angustia existencial que trata de paliarse con frecuentes visitas a los baños de los garitos, pero cuya cura es, claro, una DDH: doble dry-hop IPA, un tipo de cerveza y, por supuesto, los Yo la Tengo.
‘En una cinta magnética’ es el tema más purista indie, pero su magia de melodía, guitarra y arreglos la empuja a otro nivel. ‘Uhuru y Sulu en un nave de blancos’ traspasa con su disco indie dosmilero, tan gélido, tan Röyksopp. Pero también hay chanzas acerca de la vida del artista alternativo, desde ese ‘No soportas mis canciones’ a ‘Aún no sonamos en la radio’, en la que recupera esa temática sobre la precariedad del mundillo indie sobre una estructura muy propia de los primeros Planetas.
‘Luminosa’ sigue la estela de artista libre, muy personal y también entrañable de Bolaño. Más ambicioso dentro es su perímetro. Y un puñado de melodías, estribillos y, claro, frases gloriosas. La gran baza de Bolaño son las letras. Como David Rodríguez, tiene un universo propio, que comparte tanto el extrañamiento ante la cotidianidad como la capacidad de hacer pupa con una sola frase: “Nuestra vida un destello entre muerte y muerte” (‘El altillo de casa de tus padres’). “Madrid tiene entrada, pero no tiene salida” de ‘Las plantas’. “Que la suerte que yo tengo / duerme a mi lado / o está entrenando” (‘En una cinta magnética”). Pasen y escojan en cuál de ellas acurrurcarse.
La gala de los Billboard Women in Music, que se celebra cada año desde 2007, ha tenido lugar esta semana en Los Ángeles con Ciara como anfitriona, y ha contado las actuaciones de Olivia Rodrigo, Doja Cat, Karol G, Bonnie Raitt, Phoebe Bridgers, H.E.R., Saweetie y la artista revelación Gabbie Barrett.
Todas las artistas mencionadas han recibido premios llamados cosas como «pionera» (Phoebe Bridgers) o «icono» (Bonnie Raitt) pero la mujer de la noche (por decirlo así) ha sido Olivia Rodrigo, que ha recogido el premio a Mujer artista del año de parte de Sheryl Crow. En su discurso, Olivia se ha dirigido a todas las jóvenes compositoras que están «escribiendo canciones cada día en sus diarios» para prometerles que «trabajaré cada día para que esta industria sea mejor para vosotras».
En cuanto a las actuaciones, únicamente la de Saweetie ha sido explosiva. El resto de artistas ha optado por un formato acústico, incluida Doja Cat, que ha interpretado ‘Alone’ vestida con un extravagante atuendo rosa. Olivia ha optado por ‘Deja vu’, Karol G ha cantado ‘El barco’, Phoebe Bridgers ha hecho una versión íntima de ‘Kyoto’, H.E.R. ha interpretado ‘Fate’ acompañada de su guitarra y lo mismo ha hecho Bonnie Raitt con ‘Angel from Montgomery’.
Christina Aguilera ha sido la invitada especial de la noche. No ha actuado, pero ha hablado de las NFT a raíz de las nuevas portadas digitales que Billboard ha preparado para la ocasión, dedicadas a Madonna, Mariah Carey y la propia Christina. La intérprete de ‘La Reina’ he tenido dificultades para leer el teleprompter («mierda, ¡no veo nada!») pero ha conseguido comunicar que parte de los beneficios obtenidos por el NFT irán dirigidos a una organización que lucha contra la violencia doméstica.
Por su parte, Ciara ha presentado la gala no sin antes hacer alusión a la guerra de Ucrania: “Antes de comenzar esta celebración quiero pedir un minuto de silencio y enviar nuestros pensamientos y plegarias para Ucrania, especialmente a las mujeres y niñas”.
Hoy sale el esperado nuevo disco de Stromae, el primero en 8 años, y editan nuevos trabajos Nilüfer Yanya, The New Raemon con David Cordero y Marc Clos, Diplo en solitario, aunque con colaboraciones a tutiplén; Fangoria (su anunciado EP), Marc Anthony, Vitalic o Moneo.
Entre las canciones que llegan a la playlist seguida por más de 5530 suscriptores y que hemos comentado en portada, Camila Cabello entrega su single con Ed Sheeran, Residente dispara contra J Balvin con la ayuda de Bizarrap, Charli XCX presenta su canción «más sexy», Belle & Sebastian avanzan su primer álbum en 7 años y HAIM destapan su «pista perdida».
Más música nueva llega de la mano de Jack White, que sigue avanzando los dos discos que publicará este año, y de Ana Mena, que estrena su primer single post-Sanremo. Especialmente curiosa es la colaboración de Griff, Sigrid, King Princess y MØ: todas ellas aparecen juntas en ‘Head on Fire’, por la que solo falta Lorde, a la que recuerda y mucho.
Editan single también Pixies, Sharon van Etten, Wet Leg, Red Hot Chilli Peppers o El Columpio Asesino, el rapero británico Dave avanza su tercer álbum, y entre las promesas nacionales e internacionales que presentan novedades hoy se encuentran Princesa Alba, García Picasso, AKA Matador o Kora.
Si deseas descubrir muchas más novedades te invitamos a suscribirte a las playlist de Sesión de control -dedicada a la música en castellano – o Flores en el estiércol, en la que Raúl Guillén selecciona sus novedades favoritas de las últimas semanas.
Stromae publica hoy ‘Multitude’, su primer disco en 8 años, del que ya conocíamos hasta dos adelantos, ‘Santé’ y ‘L’enfer’, el segundo de los cuales el belga presentaba en directo en un telediario, en mitad de una entrevista, para sorpresa del mundo entero.
Único escritor, compositor y productor de ‘Multitude’, Stromae entrega otro tema lleno de capas en ‘Fils de joie’, el «focus track» de su disco hoy viernes. «Fils de joie» significa «hijo de la alegría» y su letra hace un juego de palabras con la expresión «hijo de puta». En la canción, Paul Van Haver dice que sus «haters» le llaman «hijo de puta» y procede a defender a su madre, a la que dice «deshumanizan» con la mencionada expresión (algo con lo que muchas prostitutas no estarían de acuerdo, por otro lado), para apuntar que ella en realidad es una «heroína».
‘Fils de joie’ está llena de mala baba dirigida a esos mismos «haters». Stromae parece dirigirse a los periodistas que le critican para mal en los medios (¿alguien lo hace?) y canta que «mientras tanto soy yo quien les da de comer» y que sin él «sus vidas serían mucho más modestas» y «se habrían podrido». El artista se dirige en concreto a una mujer a la que acusa de no pagar impuestos, y a la que espeta: «váyase a paseo, señora, recupere lo que le queda de dignidad».
La composición de ‘Fils de joie’ es otra batidora sonora que junta ritmos de funk brasileiro con un arreglo de violines y clavecín de corte imperial, por lo que la producción fusiona ya no solo culturas -la europea occidental y la carioca- sino directamente varias épocas de la historia. Por debajo una capa de sonido sintetizado llena el espacio de burbujas y anima el ambiente.
‘Multitude’ es efectivamente el primer disco de Stromae desde hace casi una década: su último trabajo ‘Racine Carrée’ vio la luz en 2013, y antes su debut de 2010 le puso en el mapa gracias al éxito de ‘Alors on dance’. Gracias a su interesante propuesta de pop multicultural, a tan divertidos como ‘Papaoutai’ y a la calidad de sus videoclips, Stromae se ha convertido en una de las mayores estrellas actuales en Europa, especialmente en los territorios francófonos.
American Song Contest, el certamen musical inspirado en Eurovisión que pondrá a 56 artistas estadounidenses a competir en busca del nuevo hit (norte)americano, ya es una realidad y arranca el próximo 21 de marzo. Como es sabido, el concurso durará varias semanas en las que se celebrarán las clasificaciones y las semifinales hasta llegar a la gran final el 9 de mayo.
La lista de participantes de American Song Contest, un total de 56, se ha dado a conocer vía Oiko Times, y revela varios nombres conocidos. Macy Gray competirá por Ohio, y de hecho acaba de cantar el himno de Estados Unidos en un evento de la NBA celebrado en su estado. La cantante es conocida por su éxito de 1999 ‘I Try’ -su primer single- pero ha desarrollado una interesante carrera en los años siguientes, representada en discos tan reivindicables como ‘The Way‘ (2014).
Por otro lado, el crooner romántico Michael Bolton, intérprete de macrohits como ‘How Am I Supposed to Live Without You’ o ‘When a Man Loves a Woman’, competirá en nombre de Connecticut, y Jewel, estrella del country reconvertida en popstar muchos años antes de que nos sonara Taylor Swift, representará a Alaska. También Sisqó, estrella del R&B de los 90 e intérprete del hit ‘Thong Song’, participará, en su caso por Maryland.
Aunque la mayoría de artistas que participarán en American Song Contest son desconocidos para el público global, algunos como courtship. han logrado una nada desdeñable cantidad de streamings con su música pese a tratarse de una nueva promesa: su single de 2018 ‘Sunroof’ acumula 16 millones de streamings en Spotify. Os dejamos con la lista completa.
Alabama: Ni/Co
Alaska: Jewel
American Samoa: Tenelle
Arizona: Las Marias
Arkansas: Kelsey Lamb
California: Sweet Taboo
Colorado: Riker Lynch
Connecticut: Michael Bolton
Delaware: Nitro Nitra
Florida: Ale Zabala
Georgia: Stela Cole
Guam: Jason J.
Hawaii: Bronson Varde
Idaho: Andrew Sheppard
Illinois: Justin Jesso
Indiana: UG skywalkin
Iowa: Alisabeth Von Presley
Kansas: Broderick Jones
Kentucky: Jordan Smith
Louisiana: Brittany Pfantz
Maine: King Kyote
Maryland: Sisqó
Massachusetts: Jared Lee
Michigan: Ada LeAnn
Minnesota: Yam Haus
Mississippi: Keyone Starr
Missouri: Brett Seper
Montana: Jonah Prill
Nebraska: Jocelyn
Nevada: The Crystal Method
New Hampshire: MARi
New Jersey: Brooke Alexx
New Mexico: Khalisol
New York: ENISA
North Carolina: John Morgan
North Dakota: Chloe Fredericks
Northern Mariana Islands: Sabyu
Ohio: Macy Gray
Oklahoma: AleXa
Oregon: courtship.
Pennsylvania: Bri Steves
Puerto Rico: Christian Pagán
Rhode Island: Hueston
South Carolina: Jesse LeProtti
South Dakota: Judd Hoos
Tennessee: Tyler Braden
Texas: Grant Knoche
U.S. Virgin Islands: Cruz Rock
Utah: Savannah Keyes
Vermont: Josh Panda
Virginia: Almira Zaky
Washington: Allen Stone
Washington, D.C.: NËITHER
West Virginia: Alexis Cunningham
Wisconsin: Jake’O
Wyoming: Ryan Charles
Camila Cabello ha estrenado hoy 4 de marzo su nuevo single, como estaba anunciado, un día después de su 25 cumpleaños. ‘Bam Bam’ cuenta con la colaboración de Ed Sheeran y la artista lo ha presentado ya en el programa de James Corden. La actuación se podrá ver a partir de esta noche. El estreno del videoclip de ‘Bam Bam’ está programado para las 16.00 hora española.
‘Bam Bam’ es el segundo single oficial de ‘Familia’, el nuevo disco de Camila Cabello, y sigue el camino del sonido latino emprendido por ‘Don’t Go Yet‘, devaneando entre la cumbia mexicana de una Selena Quintanilla (cuyo ‘Bidi Bidi Bam Bam’ parece una referencia clara) y la salsa de una Celia Cruz, a la que Camila recuerda cuando pide «azúcar». La influencia tex-mex y salsera llega, eso sí, diluida por el formato «radio-friendly» y la aparición de Ed Sheeran a su guitarra pegado.
Camila ofrece también un mensaje positivo de superación, en una letra que alude a «surfear la ola» de la vida y a haber superado un «año intenso» y, junto a Ed Sheeran busca dejar el drama atrás cantando en español «así es la vida, así». ‘Bam Bam’ es ambigua y Camila puede referirse a la época del coronavirus o, de manera más personal, a su ruptura con Shawn Mendes o a la época en que era cancelada, y probablemente se refiera a todas estas cosas a la vez de manera velada.
Bizarrap entrega un nuevo single que cuenta con la colaboración de Residente, y que puede dar al portorriqueño su mayor viral desde ‘René‘. La «sesión número 49» es épica, pues dura cerca de 9 minutos, y en ella Residente aprovecha para meter «beef» contra J Balvin de manera despiadada.
El tema se divide en tres capítulos. En el primero, ‘En un lugar de la Mancha’, Residente observa el «género urbano» desde la distancia, como un «cocodrilo en el río Nilo», y se prepara para tumbar el «márketing de un tirón, como tumbamo’ la estatua de Cristobal Colón». Sin nombrar a Balvin explícitamente, el autor de ‘Flow HP’ se dirige a una persona que, según él, basa su valía en el dinero y los productos de marca en lugar de en el talento.
«No se compra el respeto por ser talentoso / una cosa es ser artista, otra cosa es ser famoso» es precisamente una de las rimas que deja el segundo capítulo, ‘Mis armas son mis letras’. Residente aprovecha para meterse con los artistas que cantan con pregrabados en directo («auto-tune y el playback activao’ / estos bobo’ cantan con el micrófono apagao») y con los artistas y mánagers que rascan créditos de composición («pa’ dos minuto’ de canción tienen veinte escritore’ / hasta los manejadore’ son compositore'»). Entre sonidos de son cubano que aligeran la escucha, la «sesión 49» de Bizarrap incluye referencias veladas a un artista que actúa «vestido de colores» y, poco a poco, va quedando claro a quién se dirige Residente.
El rapero nombra por fin a J Balvin en el capítulo tres, ‘El caballero de los espejos’, y deja una serie de rimas diseñadas para humillarle, en concreto por entregar canciones para ‘Bob Esponja’ y ‘Pokémon’, por su afición a la meditación o por su papel como portavoz de la salud mental.
Residente compara al autor de ‘JOSE‘ con un malogrado Youtuber («la copia de un clon, el Logan Paul del reggaetón / Esto e’ más bajo que eyacular sin erección»), saca a relucir su supuesto privilegio («el pueblo luchando, lo’ están matando / y el tipo sube foto’ de Ghandi rezando»), le pinta de oportunista («pendejo mentiroso, se hace el espiritual / usando la salu’ mental pa’ vender un documental») y directamente le tilda de «racista» y de apropiador («es un imbécil con tinte de cabello / que puso a mujere’ negra’ con cadena de perro en el cuello»).
La canción deja un extraño sabor de boca. Residente actúa de guardián del rap y defiende una supuesta integridad artística que J Balvin no persigue -según él- cuando colabora con ‘Pokémon’, se viste de colores o escribe letras junto a otras personas. El estilo «infantil» de J Balvin no convence a Residente, y el portorriqueño va directo a castrar su «masculinidad» al tildarle de «corderito cobarde» porque tiene los «nudillos blanditos» por «no tener calle», insinuando que J Balvin no dispone de la suficiente hombría para dedicarse al rap. ¿De verdad seguimos en las mismas?
El «enfrentamiento» entre Residente y J Balvin empezó hace unos meses, cuando el autor de ‘Mi gente’ criticó las nominaciones de los Latin GRAMMYs por no apoyar el reggaetón. Residente señaló entonces que Balvin no recibe nominaciones porque hace música de usar y tirar, y sugirió al colombiano que «deje de hacer hot dogs». Balvin contestó con humor, publicando una imagen en la que posaba junto a un carrito de perritos calientes, para promocionar el remix de ‘Sal y perrea’ con Sech y Daddy Yankee. Balvin le quitaba hierro al asunto, Residente se lo vuelve a añadir.
Rufus T. Firefly estuvo a punto de separarse. Entonces sacaron ‘Magnolia‘, su cuarto disco, en 2017, y el grupo liderado por Víctor Cabezuelo y Julia Martín-Maestro no solo consiguió seguir en activo, sino que cada uno de sus álbumes resultó mejor que el anterior. ‘Loto‘ (2018) fue mucho más que una segunda parte de ‘Magnolia’, y ‘El largo mañana‘ es un trabajo compuesto exclusivamente por canciones maravillosas -un total de 8 (aunque la secuencia varía según el formato)-, influido por el soul psicodélico de los 70, pero en el que las influencias pasan a un segundo plano ante la atemporalidad de sus melodías vocales e instrumentales.
Publicado a finales de 2021, ‘El largo mañana’ es el Disco de la Semana en estas páginas, y hemos charlado con Víctor Cabezuelo vía Zoom sobre el proyecto. El músico nos atiende desde su casa de Aranjuez, unos días antes de que el grupo emprenda la gira de presentación del disco. Mañana hay bolo en Oviedo, el sábado en Vigo, y la gira pasará también por ciudades como Sevilla, Tarragona, Murcia, Granada, Toledo o incluso Lisboa. Puedes consultar todas las fechas aquí.
¿Contento con la recepción que ha tenido ‘El largo mañana’?
Estamos súper contentos y muy sorprendidos, es un disco que está bastante fuera de cualquier tendencia actual, que va por un camino un poco atemporal, y pensábamos que iba a pasar un poco desapercibido, pero aún siendo un disco muy homogéneo y denso, está teniendo muy buena aceptación de sitios muy diferentes. Me emocionó leer vuestra crítica y ver que nos quitábamos el sambenito de los Tame Impala españoles, que creó que se fue un poco de las manos. Nos quitó una carga y me hizo mucha ilusión que viniera de vuestro lado, porque me gusta mucho leer lo que escribís.
Cuando escuché el disco sentía la necesidad imperiosa de volver a escucharlo, y eso no pasa con tantos discos.
Nos lo está diciendo mucha gente y eso hoy en día me parece una victoria absoluta.
¿De dónde viene este cambio de sonido?
En cada uno de nuestros discos hemos intentado sorprender, llamar la atención incluso, ser un poco extremos en algunas decisiones que tomamos. Esta vez estábamos escuchando mucha música soul de los 70 y nos dimos cuenta de que los discos eran muy homogéneos, y queríamos mostrar ese lado de la música, conseguir un sonido recurrente en todo el disco y crear un momento de paz con la música.
Las canciones son muy melódicas, y los estribillos son instrumentales.
Somos un grupo hasta la fecha súper melódico, y en este caso muchísimo más, porque queríamos dar todo el peso de la emoción a la armonía. Hay muchos cambios de armonía en las canciones, pero hemos intentado que fluya y que no se note. En ‘El largo mañana’, la pista titular, hay un cambio de armonía brutal de la estrofa al estribillo, pero suena muy natural, no te pega una hostia extraña. En el disco ha participado mucho Marta, la nueva integrante, con unos coros que han hecho que parezca que canto mejor.
¿Qué discos de soul habéis tenido como referencia?
Los de Marvin Gaye, ‘What’s Going On’ pero sobre todo ‘I Want You’, que a nivel de sonido tiene más que ver con nuestro disco. Y el primer disco de Curtis Mayfield, que es muy bailable y tiene muchas congas. ‘Lafayette’ está muy influida por ese sonido. La música de Isaac Hayes también nos ha influido muchísimo, en canciones como ‘Polvo de diamantes’, por lo melódica que es y por el uso de violines. Los últimos discos de Michael Kiwanuka nos han encantado, y de hecho Kennie Takahashi, que ha trabajado con Kiwanuka, ha mezclado el disco.
¿Cómo llegáis a él?
Le escribimos por Instagram y aceptó, le gustó tanto nuestro proyecto que nos dijo que le pagáramos lo que fuera, sin importar su tarifa habitual, con la condición de trabajar sin plazos, aunque estábamos en pleno 2020 y no había muchísima prisa.
«Yo no puedo cantar como Thom Yorke, pero Thom Yorke tampoco puede cantar como yo»
¿Qué significa el título de ‘El largo mañana’? El disco está lleno de referencias a la curación, a personas que te salvan…
El título alude a la aceptación no de manera resignada, sino positiva, con visión al futuro. Habla de la aceptación del momento en el que te encuentras en este mundo, con las cosas buenas y malas. Puede ser duro, yo me he dado cuenta que muchas cosas que yo imaginé de la música, no se van a cumplir nunca y no pasa nada. Cuando aceptas eso te conoces más y puedes empezar a cambiar. Es un disco escrito en un contexto duro, pero que intenta mirar más allá. ‘El largo mañana’ significa la oportunidad de poder cambiar lo que no nos gusta.
Has comentado que como grupo no estáis donde queríais estar. ¿Te imaginabas llenando estadios?
Cuando empecé a tocar me imaginaba que los conciertos serían siempre una maravilla, y los conciertos son sitios en los que ene general se sufre muchísimo. Cuando te viene a ver mucho público, cuando tanta gente depende de tu trabajo, la responsabilidad crece, y cuando el dinero entra por medio, se complican las cosas. Yo de pequeño me imaginaba siendo como Radiohead, tocando por todo el mundo, haciendo discos súper memorables, pero no soy Thom Yorke. Y no pasa nada: yo no puedo cantar como Thom Yorke, pero Thom Yorke tampoco puede cantar como yo. La vida y la música me han demostrado que, sin tener grandes cualidades como músico o cantante, puedo llegar a emocionar a la gente. Yo lo que quiero es dar esperanza con la música que hago, vender más o menos cada vez me da más igual.
Existe un discurso según el cual la gente ya no escucha discos, pero luego Adele está en el número 1…
Ese discurso obvia la diversidad del público, porque hay muchísima gente en el mundo que no escucha ese tipo de música, que no escucha canciones de 2 minutos, y por eso nos parece un milagro lo de Adele, pero lo de Adele es lo más normal del mundo porque ha hecho un disco muy preparado, que está muy guay, y ella está bien posicionada, así que lo normal es que venda.
Con este disco hay gente que nos dice «no sé por qué no he escuchado a Rufus antes», porque la gente pensaba que el grupo era otra cosa, nos relacionaba con un sonido más indie, de tipo indie español, sea lo que sea eso, y nosotros estamos un poco fuera de eso.
¿Estás contento con lo que pasó con ‘Nebulosa Jade’?
Estoy contento con lo que pasó con ‘Magnolia’ en general. Nos cambió la vida. En la época estábamos de vuelta de todo, económicamente el proyecto era inviable, se fueron dos miembros del grupo, nuestro sueño romántico se había roto, así que nos propusimos hacer un disco de despedida, y de repente todo se disparó: nos llamaban para tocar en todas partes, y tuvimos que rehacer el grupo. Nos llamamos igual pero somos un grupo diferente.
Soléis incluir referencias a películas en vuestras canciones, ¿’Lafayette’ es una de ellas?
El título de ‘Lafayette’ viene de un grupo francés de afrobeat, Lafayette Afro Rock Band, la canción está inspirada en el sonido de este grupo, y no tiene nada que ver con la letra.
¿De qué habla ‘Polvo de diamantes’?
Básicamente habla de un polvo. Queríamos darle el carácter metafórico y bonito, pero habla de un polvo. Además yo soy muy fan de ‘Los caballeros del zodiaco’ y «polvo de diamantes» es el ataque asociado a Hyōga, que es mi caballero del zodiaco favorito. Y en la letra hay más referencias a esta serie, en concreto a Andrómeda y a Aldebarán, que es el Caballero de Oro de Tauro, y yo soy tauro. ‘Polvo de diamantes’ fue una de las canciones más largas de componer, empezó con un rollo muy Isaac Hayes, con muchas cuerdas y melodías muy bonitas, y creo que la intro es una de las mejores composiciones al sinte que hemos hecho nunca. No sé ni cómo nos ha salido…
¿No crees que cuanto más ejercitas la creatividad, mejor es el arte que creas?
La creatividad sigue un camino extraño, no puedes darle un botón y que salga, con el tiempo se gana experiencia pero eso no significa que la creatividad vaya a salir cuando quieres. En este disco me costó mucho que me salieran canciones porque sentía que, por primera vez en la carrera de Rufus T. Firefly, había expectación ante nuestro nuevo trabajo, sentía que por fin nos había llegado la oportunidad de hacer algo súper rompedor, pero a veces las oportunidades no encajan con lo que tú buscas en ese momento concreto, y lo que buscábamos nosotros no era hacer algo rompedor, sino dar esperanza.
Habéis alterado la secuencia del disco dependiendo del formato, y por ejemplo en el CD y en el vinilo hay temas que no están disponibles en streaming.
Es una decisión un poco anticomercial, pero queremos dar importancia al hecho de conseguir un objeto que quieres, ponerlo en el aparato, hacer el ritual de escuchar el disco entero, leer las notas y los créditos… Sabemos que el mundo va por otro camino y no queremos cambiar las reglas pero queremos compartir esa visión romántica de la música porque sabemos que hay gente que conecta con ella también. Es más, los vinilos volaron a su salida, se agotaron en 12 horas, y salieron antes de que el disco estuviera disponible en Spotify, la gente aún no lo había escuchado.
«La música tiene que encontrar una manera nueva de subsistir, pero los perjudicados vamos a ser siempre los que estamos abajo»
‘Tempelhof’ es un parque maravilloso de Berlín, ¿cuál es la inspiración?
La canción está inspirada en una historia personal. El antiguo teclista de Rufus, Alberto, se fue a vivir a Berlín, le fuimos a visitar y nos enseñó sus sitios favoritos, y nos llevó a Tempelhof, que es un antiguo aeropuerto nazi situado en medio de Berlín, convertido en parque. Es un sitio increíble, lleno de raves y de gente haciendo barbacoas o volando cometas. Cuando lo visité por primera vez me pareció un templo de la libertad e incluso del antifascismo, justo lo contrario de lo que era cuando fue concebido. Al final la vida se impone, no importa cuán duro sea el mal…
¿Quieres añadir algo a tus palabras sobre el streaming?
Me gustaría aclarar que no estoy en guerra contra el streaming. A mí me encanta tener en el móvil toda la música del mundo. No critico el streaming sino cómo funciona, porque cuando lo usas te das cuenta de que todo tiene un precio. Hace poco que leí que en Spotify se sube una canción cada segundo, y si tú tienes una suscripción de 9 euros, eso no da para que todas las canciones que se suben al segundo puedan ser recompensadas, las matemáticas no suman. En un momento dado, supongo que con intención de huir de la piratería, se llegó al consenso de llevar a la música por este camino, y la idea era buena, pero creo que no se pensaron en las consecuencias, y ahora es muy difícil arreglarlo porque ¿ahora cómo le dices a una persona que está pagando 9 euros por una suscripción, que pague 50? Sería la ruina de las plataformas de streaming.
Con estos tuits no quiero meterme con nadie, solo quiero que la gente sea consciente de la realidad. Mucha gente nos escribe muy emocionada que nos acaba de descubrir y que no puede dejar de escucharnos en Spotify, en plan «estoy muy contento porque estoy apoyando a mi grupo», y aunque estamos agradecidos, lo cierto es que, a nivel de sustento de la banda, con la venta de un CD en un día ganamos muchísimo más y nos ayudas muchísimo más que escuchándonos en Spotify durante un mes entero.
¿Cuál es la solución?
Supongo que en el futuro habrá una legislación -en Reino Unido ya se está estudiando- que regule este tipo de servicios, los precios a los que se paga cada escucha, que haya un consenso, porque todo depende de si el usuario es Premium o no, del país en que se escuche, pero ahora mismo todo es súper ambiguo. Ahora mismo te llega un cheque cada tres meses de Spotify, pero no sabes de dónde viene nada, todo es muy opaco y te tienes que fiar de lo que lees. Y lo que se quiere ahora es regular esa opacidad, que sea todo más transparente, pero ¿cómo controlas si el que te ha escuchado es una persona que te ha estado prestando atención o es un bot en Indonesia que reproduce tu canciones aleatoriamente durante un día porque le estás pagando 100 euros al mes para lo que haga? La música tiene que encontrar una manera nueva de subsistir, pero los perjudicados vamos a ser siempre los que estamos abajo.
Tampoco tenéis grandes acuerdos publicitarios, y ahora mucho dinero viene de ahí.
Nosotros somos uno de los grupos afortunados que sacamos un vinilo y lo vendemos, pero el 98% de los grupos no tienen esa suerte, y la única manera que tienen de que alguien les pueda escuchar, es subir su música a las plataformas con la ilusión de que la gente la descubra y la escuche, pero todo es un ojalá gigantesco. Yo pienso en todas las profesiones del mundo y muy pocas están basadas en el ojalá, y curiosamente las que lo están suelen estar relacionadas con el arte y la creación.
Ahora subes tu disco al streaming y si tiene éxito, se crea una demanda para que se fabrique un disco que después la gente compra.
Ahora estamos premiando lo que ya tiene éxito, y estoy en contra, es una redundancia y nos reduce el espectro, porque hace que el foco solo vaya a la punta de la pirámide, y nos empobrece musicalmente y culturalmente. Alabar a la gente que tiene tanto éxito, cuando ya lo tiene todo… Prefiero enfocarme en otra gente y en otro camino.
Bad Bunny se estrenará este verano como actor en la gran pantalla, encarnando a un asesino a sueldo en la película de acción ‘Bullet Train’. Del director de ‘Deadpool 2’ David Leitch, esta trama tiene lugar dentro de un tren bala japonés donde varios asesinos coinciden y parecen tener objetivos comunes y cruzados. El reguetonero compartirá cartel con el protagonista Brad Pitt, Sandra Bullock y Michael Shannon, entre otros.
El tráiler es un absoluto festival de cuchillos, catanas, sangre y golpes dentro de un mismo tren pero con tiempo para el humor y la comedia. Tanto Bad Bunny como el resto de los protagonistas son asesinos que se suben al tren con el objetivo de acabar con la vida de alguien, pero parece que los planes de los criminales se tuercen cuando los caminos de cada uno se cruzan con los del resto. El cantante hace una aparición en el tráiler vestido de blanco y con un cinturón en el que se lee “México”, y protagoniza una pelea con Brad Pitt mientras este le dice “¡si ni siquiera te conozco!”.
Sandra Bullock, a la que solo se le ven las manos y la boca en el tráiler, juega un papel secundario en esta trama. Asimismo, es casi casualidad que la actriz haya conseguido el papel en ‘Bullet Train’, ya que en principio era Lady Gaga la que iba a tomar su puesto. Sin embargo, la cantante tuvo que dejar marchar este proyecto por problemas de incompatibilidad con la grabación de ‘House Of Gucci’.
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