Corría el pasado mes de abril, en concreto el April Fool’s Day, esto es, el Día de los Inocentes en el mundo anglosajón, cuando os contábamos que Sky Ferreira volvía. Al fin tal regreso se ha materializado y la cantante ha anunciado que ‘Don’t Forget’, su nuevo single, saldrá la próxima semana. En concreto el 25 de mayo.
La confirmación no ha estado exenta de drama: el tuit de Capitol que anunciaba este lanzamiento ha desaparecido. Después, Sky Ferreira ha acudido a Instagram y ha escrito: «no entraré en pánico y no lo borraré esta vez», acompañando con una imagen promocional.
La cantante ya había publicado en redes un adelanto de ‘Don’t Forget’, el cual compartía junto a la leyenda «¿me recuerdas?». Un simple logo inspirado en los 80 y un breve fragmento musical en el que se escuchaban guitarras distorsionadas y voces bañadas en reverb eran suficientes para hacer las mieles de sus seguidores y generar un puñado de memes. Capitol Records, el sello de Sky, confirmaba su regreso.
El segundo disco de Sky Ferreira es uno de los mayores mitos del pop reciente. ‘Masochism’ se anunció en 2015, pero su lanzamiento se ha ido posponiendo, posponiendo, posponiendo… hasta que han pasado 9 años desde que la cantante editara su debut largo. ‘Night Time, My Time‘ salió en octubre de 2013. En entrevistas, Ferreira ha sido franca con los problemas de salud que le han llevado a retrasar su disco una y otra vez, tras serle mal diagnosticada una enfermedad que no ha hecho pública.
En todo este tiempo, las novedades musicales de Sky han llegado con cuentagotas. En 2019 lanzó single nuevo, el tenebroso ‘Downhill Lullaby’, que parecía dar un primer paso hacia el lanzamiento de su disco, pero que llevó a la nada. Antes incluso llegó a anunciar un EP del que nunca más se supo. En 2017 se pudo escuchar ‘Easy’, la canción de Sky para la banda sonora de ‘Baby Driver’ y, a lo largo de los años, la artista no ha dejado de colaborar con Primal Scream, Iceage o Charli XCX.
Entre los proyectos extramusicales que han mantenido a Sky ocupada en este tiempo, la autora de ‘Everything is Embarassing’ ha sido portada de Playboy, ha protagonizado un curioso cameo en la tercera temporada de ‘Twin Peaks’ y ha aparecido en la película ‘Elvis & Nixon’.
El regreso de Sky Ferreira ha subido el «hype» a sus seguidores, entre las cuales se encuentran sus amigas Charli XCX y Grimes, que han expresado su entusiasmo en redes. Ya se bromea sobre la posibilidad de que las tres posen juntas para una versión actualizada de aquella portada de V Magazine que protagonizaron, allá por 2012. Su editor creativo Patrik Sandberg y la propia Grimes aprueban la idea.
sky ferreira fans leaving rihanna and frank ocean fans in the album waiting room pic.twitter.com/OJtmgZEKqR
— don’t forget waiting room day 1 (@coIesIaww) March 31, 2022
Moderat anunció en 2017 su retirada de los escenarios por tiempo indefinido. El trío alemán compuesto por Sascha Ring de Apparat, y por Gernot Bronsert y Sebastian Szary de Modeselektor, se encontraba en el momento de mayor popularidad de su carrera, pero decidió parar para coger aire y centrarse en nuevos proyectos.
Cuando ya no hay nadie que considere a Moderat menos que uno de los grupos de electrónica más importantes de nuestros tiempos, el grupo presenta un nuevo álbum influido por la pandemia y por la sobrecarga informativa de la era digital. Tras su paso por el Sónar, la gira de Moderat pasará por el Sant Jordi Club de Barcelona y el Wizink Center de Madrid, los días 6 y 7 de noviembre, respectivamente. JENESAISPOP es medio colaborador de esta gira, en la que se presentará su nuevo álbum ‘MORE D4TA’.
17.000 personas atendieron vuestro último concierto antes de tomaros un descanso. ¿Veíais insostenible seguir si no os tomabais un descanso antes?
En general no tenemos problema con tocar grandes recintos porque seguimos haciendo la música que queremos. En 2017 llevábamos ya cuatro años de gira tocando con Moderat y con nuestros proyectos en solitario, de repente sale nuestro tercer disco… Fue buena idea porque estábamos inspirados pero, a la vez, terminó siendo agotador. No pensábamos que Moderat iba a ser un proyecto tan longevo…
Por otro lado, aunque (Gernot, Sebastian y yo) no nos llevábamos mal, subconscientemente sabíamos que si no nos dábamos un descanso nuestra relación se pondría fea en algún momento. De hecho, pasamos dos años sin vernos después de separarnos. Quizá estábamos saturados los unos de los otros. Y estábamos saturados de Moderat, porque nuestra vida prácticamente giraba alrededor de la banda, no había cosas nuevas… Y separarnos nos dio oportunidad de hacer otras cosas y de encontrar la ilusión de trabajar en Moderat de nuevo. Si no os visteis durante dos años, ¿en qué momento empezáis a trabajar en el disco?
Mientras trabajábamos en nuestros propios proyectos, Modeselektor dieron un concierto en Berlín, yo me reuní con ellos en el backstage y empezamos a hablar sobre trabajar en un nuevo disco juntos. El periodo de conversaciones también fue muy largo porque teníamos que averiguar en qué lugar estaba cada uno creativamente y como seres humanos. Pasó un año hasta que empezamos a planear la composición del disco. Entonces llegó la pandemia… Y eso nos dio más tiempo para pensar el álbum.
La nota de prensa dice que ‘MORE D4TA’ trata dos temas, el aislamiento y la sobreinformación. ¿Cómo os ponéis de acuerdo con el concepto del disco?
Siempre que hablábamos de posibles conceptos terminábamos en direcciones opuestas. Intentar encontrar puntos en común está bien pero no es sostenible. En este caso, la pandemia ha influido obviamente en el contenido del disco. La pandemia ha reforzado más si cabe nuestro vínculo con el mundo digital. Yo sigo teniendo reuniones por Zoom a día de hoy. El internet domina completamente nuestras vidas. Hace 20 años la idea de la web 2.0 era casi hippy. Representaba una democratización de internet. Todo el mundo contribuía a su creación. A día de hoy esa idea se la han comido las empresas que manipulan lo que debes pensar.
El capitalismo se ha comido internet. ¿De qué maneras el disco reflexiona sobre este tema?
Lo que te he contado es más bien la mentalidad que teníamos durante la creación del disco. El bombardeo de titulares… Estábamos saturados. Ante semejante pesadilla informativa buscábamos un escape. Y Moderat siempre ha sido un lugar en el que nos podemos separar del mundo. Nos concentramos en nuestra burbuja y miramos a nuestro interior.
«La sobreinformación es responsable de que la gente intente buscar la manera más digerible de explicar cosas complicadas»
Cada uno de nosotros buscábamos escapar a nuestra manera. Sebastian y Gernot se iban al campo, y yo visitaba museos con mi hija. Me quedaba observando cuadros durante horas. Observar esos cuadros me servía para entender que todo se repite. Los cuadros renacentistas van de lo mismo: enfermedades, guerras… Un solo cuadro está lleno de este tipo de información.
¿Te inspira la nostalgia?
Observar aquellos cuadros me aliviaba el alma. Sabes que el mundo ha vivido muchas crisis y esperas que no vuelvan a ocurrir, pero mirar esas pinturas te recuerda que estas crisis llevan pasando mucho tiempo. Que otra gente anterior a la nuestra ha pasado por lo mismo.
La gente suele romantizar el pasado, y olvida que las redes sociales han traído cosas buenas. Estamos tan conectados que el mundo se ha vuelto muy pequeño. ¿Qué opinas?
Yo ya no uso redes sociales. Ha perdido la gracia. Hay otras maneras de conectar con amigos que meterte en una web que te dicta la cantidad de palabras que puedes usar. Evidentemente uso mi teléfono, me encanta estar conectado con mis amigos… Y cuando la música electrónica empezó, lo hizo de mano con el auge de internet. Desde siempre han estado conectados. Sin embargo, las redes sociales también permiten conectar a personas en el odio. Es el lado malo.
¿El vídeo de ‘Fast Land‘ reflexiona sobre las «sociedades aceleradas» de Hartmut Rosa? ¿De qué va?
¡Ojalá lo supiera! Cuando trabajo en bandas sonoras suelo ceder el control creativo a los directores. Y con mis proyectos propios hago lo mismo, dejo que los directores hagan lo que quieran, que expresen su visión. Para mí el vídeo tiene un aspecto más emocional que narrativo. Presenta un contraste entre momentos de claustrofobia y otros de euforia colectiva. Me gusta que el arte sea abstracto porque permite que la gente proyecte sus propias interpretaciones en él.
¿Qué opinas de las interpretaciones que hace el público de Moderat?
Me gusta que la gente llegue a sus propias conclusiones. Eso te abre nuevas perspectivas como artista. Y eso pasa cuando tu música es personal. Sin embargo, debo hacer un apunte. En una entrevista, Iannis (Philippakis, cantante de Foals) dijo que había dejado de esconderse en letras abstractas y que ahora eran más personales y autobiográficas, por los que las sentía más honestas. Entiendo que para algunos artistas sea importante actuar de manera honesta pero, para mí, leer sobre un momento concreto en la vida de una persona no tiene tanta magia. Prefiero la parte abstracta del arte porque la veo más poética.
¿Los títulos de las canciones significan algo? ‘DRUM GLOW’, ‘NEON RATS’, ‘DOOM HYPE’… parecen palabras juntadas de manera un poco random, pero tienen como una expresión tecno.
Algunas canciones son instrumentales así que sus títulos no hay que tomárselos demasiado en serio. Las que tienen voces sí tienen una historia detrás. ‘COPY COPY’ está influida por una historia que leí sobre el pintor Francis Bacon, y su obsesión con una pintura de Velázquez que representaba un Papa. Al Papa no le gustaba la pintura porque el estilo de Velázquez era demasiado realista. Años después, Bacon se obsesionó con el cuadro y pintó cincuenta copias del mismo. La reflexión a la que invita la canción es la siguiente: ¿llegas realmente a la perfección repitiendo la misma cosa una y otra vez, o debes saber cuando parar? El trabajo en el estudio es lo mismo. Es muy difícil dar una obra por acabada.
¿Qué significa la portada del disco?
Es obra de Pfadfinderei, colectivo visual con el que trabajamos desde el primer disco. En los tres discos previos salían personajes en las portadas, pero para el nuevo nos apetecía algo diferente. Representa una especie de Tierra plana que se va por el desagüe. La imagen iba a ser solo parte de la portada, en la que de hecho había otro personaje, pero al final se desechó. En Alemania hubo un movimiento enorme de personas que negaban el coronavirus. Algunas expresaban ideas propias de Q-Anon. Algunas personas está tan metida en el túnel que son incapaces de observar los datos. Es perversa la manera en que se creen a pies puntillas una información que es imposible probar. Antes cuando quemaban brujas podías decir que la gente era ignorante, pero hoy, a menos que vivas en Rusia o China, toda la información está a tu disposición. Parece que hayamos vuelto a la era de quemar brujas.
¿La solución pasa por prohibir esas fuentes alternativas?
Es una idea que explora ‘MORE D4TA’. Hay demasiada información. Y esta sobreinformación es responsable de que la gente intente buscar la manera más digerible de explicar cosas complicadas. Y esta gente termina creyendo las teorías más locas porque es fácil creérselas que creerse la verdad.
Rina Sawayama ha anunciado que su segundo álbum verá la luz el 2 de septiembre bajo el título de ‘Hold the Girl’, presentado por el single ‘This Hell’, sobre estas líneas, como se pronosticaba en foros, una mezcla entre Shania Twain y la Lady Gaga de ‘Born this Way‘. Sumamos a C.C. Catch. Además, la cantante británica ha compartido un tráiler en el que pueden escucharse fragmentos de lo que parecen canciones del disco.
‘SAWAYAMA‘, el debut de Rina Sawayama, es una de las sorpresas pop que han dejado los últimos años gracias a su recuperación de varios sonidos asociados al pop de los años 2000, como el teen-pop o el nu-metal. ‘Best Friend’ fue una de las mejores canciones de su año.
2022 será un año movido para Rina, que no solo publica disco sino que se encuentra rodando la cuarta entrega de la saga de ciencia ficción ‘John Wick: Chapter 4’ junto a Keanu Reeves. Será el debut de Rina como actriz, y a lo grande.
Rina se dio a conocer hace unos años gracias a producciones de pop dosmilero tan chulas como ‘Cyber Stockholm Syndrome’. Desde entonces ha conseguido cambiar las reglas del Mercury Prize, ha colaborado con artistas como Charli XCX o Pabllo Vitar o ha participado en el álbum de remixes de Lady Gaga.
Aparte de un par de colaboraciones aisladas que aparecen en su discografía de 2021 -un tema colaborativo a varias manos llamado ‘MPC 2021’ y una versión de ‘Man Next Door’ con U-Roy-, no sabíamos nada de Santigold desde 2018. Este fue el año en que publicaba ‘I Don’t Want: The Gold Fire Sessions‘, aquella mixtape de música jamaicana con la que siempre hacíamos la misma broma: ¿sería este acaso el proyecto que enterraría el esperado disco jamaicano de Rihanna con el que iba a suceder ‘ANTI’? ¿Acaso se parecían demasiado ambos proyectos? Foto: Frank Ockenfels.
En cualquier caso, Santigold está de regreso con un single potente llamado ‘High Priestess’ para el que esta noche se va a publicar un videoclip. De momento, la cantante comparte una larguísima carta en la que explica cómo ha sido el proceso compositivo durante los últimos 2 años hasta llegar a esta canción.
Santigold cuenta cómo fue abandonando «el modo mamá» a medida que fue remitiendo la pandemia, y habla de lo importante que es para ella trabajar con artistas mano a mano, con todos sus mentes y corazones en una grabación, en contraposición a lo habitual en campamentos de composición. Detalla cómo ha trabajado en ‘High Priestess’ con Boys Noize, explicando que quería unir rap y energía punk rock en esta grabación, pero que costó llegar al sonido punk rock que deseaba con elementos modernos.
«La energía que buscaba no podía ser la versión vieja del punk rock, tenía que ser el futuro sonido del punk rock», indica, agradeciendo a su equipo de trabajo una producción que podríamos situar cercana a Peaches.
El remix tenía que llegar este jueves, pero por alguna razón ha aparecido ya en Youtube, quizá por su activación en Nueva Zelanda y Australia. La mala noticia es que no cabe más amor en nuestra corazón para esta improbable resurrección de ‘Frozen’, de la que poco se ha sabido en nuestro país. La buena es que este podría ser el último y definitivo de todos los remixes de ‘Frozen’.
¿Por qué? Tiene nombre propio, se llama ‘Frozen On Fire’ y reúne simplemente a Madonna con el autor de la remezcla viral, Sickick. Este añade unas estrofas al modo en que ya había dejado caer en su canal de Youtube, pero sin que la remezcla se subiera a plataformas oficialmente. Con sus versos y ahora una grabación extra actual de Madonna que se identifica demasiado fácilmente, queda al fin algo parecido a una canción de 3 minutos. Igual hasta si la hubieran subido hace 6 meses ahora tendrían un hit de verdad…
Como era de prever, Bad Bunny es el flamante número 1 de discos en España. Os lo hemos contado en el análisis de la lista de singles porque Benito ha metido las 23 canciones del disco en el top 30, lo cual es la gran rareza de la semana.
Pero han pasado más cosas interesantes en la lista de álbumes de nuestro país. Guitarricadelafuente llega al número 3 de lo más vendido/escuchado en España con su disco producido por Refree, ‘La cantera’. Arcade Fire se sitúan en el número 6 de nuestro país con ‘WE’ tras haber sido número 1 en Reino Unido como acostumbran y número 6 en Estados Unidos. ‘WE’ ha podido ser top 1 en territorios como Irlanda y Holanda, pero no en su Canadá natal, donde ha sido número 3.
Otras gratas noticias son las que producen Belle & Sebastian, que llegan al número 27 en España con ‘A Bit of Previous’. Su álbum de 2015 «Girls In Peacetime» llegó a ser número 12 en nuestro país en aquellos «tiempos de paz» en que no contaba el streaming. En Reino Unido lo nuevo de la banda liderada por Stuart Murdoch llega al puesto 8, en lo que supone su 4º top 10 en total, igualando la máxima posición conseguida tanto por ‘The Life Pursuit’ como por ‘Write About Love’.
Continuando con las buenas noticias, Soft Cell llegan al top 37 de nuestro país con ‘Happiness Not Included’, su primer disco en 20 años, que en Reino Unido ha sido puesto 7; y Cariño llegan al número 46 con su disco homónimo, ‘Cariño’. Ellas además no han podido editar su vinilo a tiempo, por lo que no se han beneficiado de la venta de LP’s como sí Guitarricadelafuente (número 1 en vinilos), Arcade Fire (número 2 en vinilos), Belle & Sebastian (número 10 en vinilos), Soft Cell (número 18 en vinilos) o los invitados de nuestro siguiente párrafo.
Volviendo al top 100 español que suma CD’s, vinilos, descargas y streaming, Kylie se sitúa en el puesto 48 ‘Infinite Disco’, Daft Punk en el 57 con una caja que une ‘Homework & Discovery’ y Neil Young en el 69 con el directo ‘Citizen Kane Jr Blues 1974’, en el 71 con ‘Royce Hall 1971’ y en el 79 con ‘Dorothy Chandler Pavilion 1971’. Como decíamos, todos ellos están entre los vinilos más vendidos del país. Como también Yawners o Nation of Language, que no logran llegar al top 100 del cómputo total.
Mención aparte para Jack Harlow, que es número 41 en España con el controvertido ‘Come Home the Kids Miss You’. El disco que contiene ‘First Class’, uno de los mayores éxitos del mundo en este momento, se ha agenciado un número 1 en discos en Canadá, Dinamarca y Nueva Zelanda, pero no en los principales mercados. Ha quedado en el puesto 3 en el Billboard 200 y en el puesto 4 en Reino Unido. Desde luego, no ha sido por falta de promoción para su sencillo principal.
Para sorpresa de nadie después de sus récords de streaming a nivel mundial, ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny, en toda la plenitud de sus 23 pistas, es el nuevo número 1 de discos en España. ‘MOTOMAMI’ de Rosalía asciende al puesto 2, lo que nos hace preguntarnos quién dominará el verano: si Bad Bunny con sus 23 canciones o ‘MOTOMAMI’ con la edición física y su amplia gira -esta vez, sí- por España.
En esta noticia, en cambio, nos vamos a centrar en la lista de singles, porque es reseñable que Bad Bunny la ha tomado casi por completo, en concreto aparece casi en el 30% del top 100. De manera oficial, los 23 temas de ‘Un verano sin ti’ han llegado a la totalidad del top 30, desde el número 1 de ‘Moscow Mule’ a la reentrada en el número 30 de ‘Callaíta’, certificada como cuádruple platino y tras haber sido número 1 también.
El top 100 español respecto a Bad Bunny queda como sigue:
1.-Bad Bunny / Moscow Mule
2.-Bad Bunny, Jhay Cortez / Tarot
3.-Bad Bunny, Chencho Corleone / Me porto bonito
4.-Bad Bunny / Tití me preguntó
5.-Bad Bunny / Después de la playa
6.-Bad Bunny, Bomba Estéreo / Ojitos lindos
7.-Bad Bunny, Rauw Alejandro / Party
8.-Bad Bunny / Me fui de vacaciones
9.-Bad Bunny / Un ratito
10.-Bad Bunny / Yo no soy celoso
11.-Bad Bunny / Neverita
13.-Bad Bunny / Un verano sin ti
14.-Bad Bunny, Tony Dize / La Corriente
15.-Bad Bunny / Enséñame a bailar
16.-Bad Bunny / Dos mil 16
17.-Bad Bunny / Efecto
19.-Bad Bunny / Aguacero
20.-Bad Bunny, Buscabulla / Andrea
21.-Bad Bunny / El apagón
22.-Bad Bunny / Un coco
23.-Bad Bunny / Agosto
24.-Bad Bunny / Otro atardecer
30.-Bad Bunny, Tainy / Callaíta
Además, Bad Bunny aparece en otras canciones de la lista, propias y ajenas, viejas y nuevas:
58.-Daddy Yankee, Bad Bunny / X última vez
61.-Bad Bunny / Yonaguni
71.-Bad Bunny / La zona
82.-Mora, Bad Bunny, Sech / Volando (remix)
99.-Bad Bunny, Jhay Cortez / Dakiti
Este huracán solo deja espacio para una entrada más en todo el top 100: JC Reyes con ‘Coronamos’ en el 68.
Para alegría de nuestros comentaristas, ‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny está conquistando a la crítica también. Un 7 sobre 10, la nota que también le pusimos en esta casa, es la nota más baja que se encuentra para el disco en Metacritic, procedente de la edición americana de Rolling Stone.
AllMusic le ha dado un 9, Pitchfork un 8,4 situándolo como “best new music” y tanto The Guardian como NME le han dado las 4 estrellas, dejando su media en 8,6 en el citado site que reúne críticas del mundo anglosajón. Esto es, muy cerca del 8,8 sobre 10 para la que se considera su gran obra maestra, ‘YHLQMDLG‘.
Hoy renovamos nuestra playlist «Sesión de Control», dedicada al pop nacional o en castellano. Comenzamos llamando la atención sobre el nuevo disco de Chill Chicos, que contiene algunas de las canciones sobre las que ya os habíamos hablado, como ‘NO CHILL’ o ‘Ni tan mal’. También locuras de drum&bass y otros estilos como ‘DICEDICEDICE’. Pero hoy seleccionamos el funky de ‘LUJO$$$O’, con la irresistible frase «Mi sabor favorito, tu toto».
Cristina Quesada presenta otro single del disco que saca en junio y que se llamará ‘Dentro Al Tuo Sogno’. ‘The Only One’ es puro italodisco, tendiendo casi a la balada. A después del verano se nos va el segundo álbum de Betacam, del que ahora conocemos el single ‘Un esclavo, un siervo’, homenaje a un personaje de José Luis López Vázquez y al sonido llenaestadios de los años 80.
Pipiolas, el dúo formado por Adriana Ubani Álvarez y Paula Reyes Morillas, desde Las Palmas y Alcorcón, respectivamente, estrena en Elefant nuevo single. El tema comienza hablando de vinilos de Miguel Bosé, mientras la segunda parte de la canción se rebela. También variada es la procedencia de tomásss, el proyecto de Tomás Estacio y Tomás Bensadón, de 23 y 24 años, y originales de Venezuela y Madrid. ‘veneno’, que estrena videoclip, tiene influencias tan variadas como Devendra Banhart y C. Tangana, y eso solo es durante sus 2 primeros minutos. Después, hay sorpresa.
Aunque para final sorpresa, el de lo nuevo de Califato ¾. El versátil grupo estrena un single de 2 temas, el principal de los cuales es una travesía de 9 minutos dividida en diversas partes. En él, «imaginan unos Romeo y Julieta de rave jonda», algo que comprenderás cuando escuches los últimos 2 minutos de ‘Lô amantê de Çan Pablo’.
Kylu Te Quiero es un grupo que surge en la facultad de Bellas Artes de València en agosto de 2021 de la mano de David (guitarra y coros), junto a Rin (voz y teclado), Sergio (batería) y Ainara (bajo y coros). Estrenan estos días ‘Responsabilidad emocional’, adelanto de un mini LP llamado ‘Bueno, esa es tu opinión’, que saldrá a partir de otoño en el sello Futuras Licenciadas.
Firmado, Carlota estrena ‘Malos tiempos’ en Mushroom Pillow, un tema oscuro en el que se alternan las influencias post-punk con la electrónica retorcida de un James Blake o un TR/ST. Nos recuerda que son «malos tiempos para creer en el amor». También una electrónica muy particular nos presenta Lucas Jesús, el nuevo proyecto del que fuera líder de Joe La Reina, que también se llegó a dar a conocer como Luca Yeezu.
También hay nuevo single de Ruiz Bartolomé (nuevo proyecto de Nine Stories), en este caso ‘El hombre de la Zanfona’. Este tema introduce un nuevo EP que sucede a su proyecto ‘Cancionero del Guadarrama’, que recogía leyendas, personajes, historias y leyendas de la Sierra del Guadarrama, mezclando tradición y vanguardia.
Otro habitual del site o de nuestras playlists es Paco Moreno, que presenta la fresquita rumbita ‘Así es’. Desde Sonido Muchacho, Mediapunta terminan de adelantar su álbum cantando al ‘Mañaneo’; y finalmente completamos la playlist con lo nuevo de LVL1, Maria Jaume con Núria Graham, Rusowsky, Cecilio G con Myto, Besmaya y Fresquito y Mango.
She & Him, el simpático dúo formado por el cantautor M. Ward y la cantante y actriz Zooey Deschanel, ha anunciado nuevo disco, el primero en ocho años. ‘Melt Away: A Tribute to Brian Wilson’ será lo que revela su título, un tributo al cancionero del líder de los Beach Boys, y verá la luz el 22 de julio. El anterior álbum de She & Him, ‘Classics’, también era de versiones.
En ‘Melt Away: A Tribute to Brian Wilson’, She & Him ofrecerán «fascinantes y deliciosos nuevos giros en clásicos consagrados y gemas (olvidadas) por igual». El álbum se compondrá de 14 canciones, entre las cuales se encuentran éxitos como ‘Wouldn’t It Be Nice’ o ‘Don’t Worry Baby’, y contará con la participación del mismísimo Brian Wilson en ‘Do It Again’. She & Him ya colaboraron con Wilson en su álbum de 2015, ‘No Pier Pressure’.
El dúo sitúa la génesis de ‘Melt Away: A Tribute to Brian Wilson’ en la primavera de 2020, en plena pandemia. «Comenzamos una lista de nuestras canciones favoritas de Brian. Elegimos canciones sin tener en cuenta su desempeño en las listas. Las oscuras nos golpean tan fuerte como las canciones más populares, y todas están maduras para volver a imaginarlas, reinterpretarlas y reinventarlas. Brian escribe canciones de belleza, soledad y vulnerabilidad mejor que nadie, y al secuenciarlas junto a canciones populares de confianza, amor y diversión, crea una imagen más completa de la vida en la tierra».
Como adelanto de ‘Melt Away: A Tribute to Brian Wilson’, She & Him han estrenado el videoclip de ‘Darlin’, la pista que abrirá el álbum mediante las armonías playeras que caracterizan a los Beach Boys. El colorido videoclip emplea el habitual recurso estético del anuncio de teletienda.
Darlin’
Wouldn’t It Be Nice
Til I Die
Deirdre
Melt Away
Good To My Baby
Don’t Talk (Put Your Head On My Shoulder)
Don’t Worry Baby
This Whole World
Kiss Me, Baby
Do It Again ft. Brian Wilson
Heads You Win, Tails I Lose
Please Let Me Wonder
Meant For You
García Picasso es el artista granadino afincado en Berlín que crea «música sin género» en sus propias palabras. Entre sus temas destacados se encuentran el house-pop de ‘Soy Picasso’, el híbrido flamenco y tropical de ‘Beso pegao’ con Vinila von Bismark o el indie festivalero de ‘T*nder Date’. Recientemente, Picasso estrenaba el flamenco electrónico de de ‘r e y d e l a l u z’.
Artífice de una estética musical y visual que bebe tanto de la tradición española como la new wave de los ochenta o el arte pop, el artista vinculado a la comunidad Acqustic ha lanzado estos días un nuevo single que se ha colocado inmediatamente entre los mejores de su breve trayectoria.
‘Capitán García’ llama la atención desde el segundo cero gracias a su simpático gancho de organillo de feria, pero García Picasso sube la apuesta después de diferentes maneras. Presenta, en realidad, su producción más bailable y disco-funky, también una de las más pegadizas gracias a las diferentes melodías de «órgano» y teclado que incorpora la grabación, sin renunciar a las siempre agradecidas palmas. La canción se guarda una sorpresa para el final con la entrada de unos sintes tipo rayos láser electro que podrían durar unos cuantos minutos más.
Una de las producciones más ambiciosas y completas jamás firmadas por García Picasso es este ‘Capitán García’ que nos cuenta tres historias diferentes en una sola. Por un lado, el artista se prepara para salir y no sabe si ponerse «una chaqueta dorada o un top del Zara». Por el otro, echa de menos a una persona en la que no deja de pensar. Y entre una cosa y otra, García Picasso desafía a quienes le miran por la calle y hablan.
‘Capitán García’ es un single en el que, según Acqustic, García Picasso «nos muestra su lado más vanidoso y presumido». La canción presenta «un contraste en cuanto a la temática respecto a su último lanzamiento» porque «esta vez García Picasso abandona las temáticas más profundas e introspectivas para adentrarse en un mundo más festivo, desenfadado y banal».
Ni siquiera la avalancha audiovisual de la era de las redes sociales, donde todo es imagen y en concreto vídeo, ha podido acabar con el poder paralizador que ostenta una vieja instantánea. Topas con una foto de tus padres cuando eran guapos y jóvenes, cuando de hecho resulta que se parecían demasiado a ti, y durante unos segundos eres presa de esa nostalgia que decías odiar. Ese es en parte el punto de partida del 7º álbum de Kevin Morby, como nos aseguran tanto su ilustrativo título como su portada: el artista rodeado de retratos enmarcados.
‘This Is a Photograph’ está marcado por dos momentos determinantes: los problemas de salud del padre de Kevin Morby, que le hicieron temer que la enfermedad fuera a llevarle por delante, y un viaje a Memphis en que el autor de la histórica ‘I Have Been to the Mountain’ visitó lugares que han sido determinantes para la historia de la música underground. Entre ellos, un muro dedicado al fallecido Jay Reatard, o el río donde se ahogó Jeff Buckley. Al primero está dedicado el divertido single ‘Rock Bottom’, muy necesario como contrapunto al grueso del largo; mientras el segundo se asoma muy abiertamente por ‘Coat of Butterflies’ y quizá también por ‘Disappearing’ («si vas a Memphis / por favor no vayas a nadar al Río Mississippi»).
Como pasa con los grandes melómanos, el amor por su familia es indistinguible de su amor por los músicos que admira. Los unos le sirven para apreciar a los otros: los arreglos bajo la supervisión del productor Sam Cohen son igual de dedicados en ambos casos. El tema titular es aquel en el que Kevin contempla la foto de su padre, «una ventana al pasado en el césped de la puerta principal, posando sin camisa». Una canción que es puro nervio guitarrero y que concluye «esto es lo que echaré de menos cuando muera / esto es lo que echaré de menos de estar vivo / mi cuerpo / mis chicas, mi chico, el sol».
La misma filosofía la encontramos en el interludio ‘Forever Inside a Picture’, que en la voz de Jerry Phillips recuerda en verdad a otro gran músico que se desarrolló en Memphis: Johnny Cash. «Dentro de una foto, si miras bien la expresión de nuestras caras / te estoy diciendo que te quiero, a ti y solo a ti». Lo cual nos lleva a la canción que le dedica a su pareja Waxahatchee, ‘Stop Before I Cry’, una de las más preciosistas del disco.
Otros momentos de ‘This Is a Photograph’ son más amargos. Kevin Morby no solo tiene amor para regalar o nostalgia hacia tiempos mejores que recordar con una sonrisa. También arrastra consigo ciertos demonios, alimentados por el miedo a la pérdida de un familiar, y así se siente en el recitado de las cosas que se nos agotaron de ‘A Random of Kindness’, que se va creciendo hasta parecer un homenaje a la Velvet, o en la soledad y el amor separado por el envejecer y la enfermedad de que nos habla ‘Bittersweet, TN’.
Kevin Morby, con un timbre que resulta el cruce perfecto entre Lou Reed y Bob Dylan, está muy bien rodeado en este disco. Erin Rae convierte la mencionada ‘Bittersweet, TN’ en un delicioso dueto de música country, con el banjo de Eric Johnson. Cassandra Jenkins está entre las deliciosas coristas de ‘It’s Over’, mientras una docena de pianistas (Jared Samuel), violinistas (Meg, Charlotte y Oliver Hill), saxofonistas (Cochemea Gastelum), etc, dan a ‘This Is a Photograph’ el aire de americana que necesita.
El disco se cierra con ‘Goodbye to Good Times’, no una catarsis épica, pero sí una canción cuquísima en que Kevin Morby recuerda cómo su madre bailaba a los 19, «como Tina, como Tina Turner», y recuerda cómo algunos murieron demasiado jóvenes (Otis Redding), pero subraya cómo algunos de los buenos sobrevivieron (Diane Lane). Un muy bonito 7º disco que se ha redondeado con una exposición llamada ‘This Is A Photograph Of Memphis’ que se ha podido ver en Brooklyn este mes.
Kevin Morby presenta ‘This Is a Photograph’ por primera vez este viernes 19 de mayo en Tomavistas.
Entre las novedades que has podido escuchar esta semana en la playlist de novedades se encuentra el single de regreso de Lidia Damunt. La cantautora murciana afincada en Suecia saca disco el 10 de junio y lo presenta con un estupendo tema en el que nos detenemos hoy.
‘EX’ es un disco de de «melodías directas e inclinación pop» que nace durante la pandemia. En el confinamiento, Damunt se encontró reflexionando sobre el oficio de músico y cómo enfocar la creación en un momento de aislamiento social», y ‘EX’ es el «resultado de un periodo de inactividad musical y creativa durante el cual llegó a considerarse a sí misma “ex-artista”». Lo cual, por supuesto, no se corresponde con la realidad. Y la realidad es que Damunt sigue gozando de inspiración en su oficio.
Un ejemplo de ello es ‘Olvídate de mí’, el segundo avance de ‘EX’. Es uno de los temas más inmediatos jamás escritos por Damunt, lo cual es mucho decir después de que ‘Nacer en Marte‘ ya fuera uno de sus mejores trabajos. Es la Canción Del Día.
Aunque ‘EX’ apostará por el pop, ‘Olvídate de mí’ aún dialoga con el pop-rock de los 80, en concreto con el británico, con un pop-rock luminoso que podemos asociar a bandas como The Housemartins o Prefab Sprout. Hay algo de surfero en las guitarras y las baterías, mientras la voz de Damunt suena tan afectada y carismática como de costumbre. El colofón final lo ofrece un solo de guitarra eléctrica que se acaba solo porque se ha decidido que la canción dure 3 minutos y no 6.
La dimensión veraniega de ‘Olvídate de mí’ se plasma también en una letra que incluye referencias a una playa, a una «palmera que se ríe cuando fumas porque te mareas», y también a un «lago salado donde las palabras nunca han funcionado». Es enigmática la historia que cuenta ‘Olvídate de mí’, y Damunt tampoco es capaz de explicarla. «En ocasiones se escribe sabiendo lo que se quiere contar… y luego están esas otras veces, en las que las cosas surgen de algún lugar para enseñarme algo que antes no sabía», cuenta la artista en Instagram. «Si me preguntas de qué va ‘Olvídate de mí’, aún siendo algo muy mío, no te lo sabría explicar con palabras».
Damunt sí recuerda con detalles la génesis de la canción. ‘Olvídate de mí’ comenzó con una vaga idea en mi cabeza de cómo sería la canción. Tenía tres acordes que iba repitiendo con la guitarra y sobre los cuales cantaba las frases que me iban saliendo. En algún momento de este proceso me di cuenta de que mi idea inicial había desaparecido. Ya no era yo la que escribía una canción sino que la canción me estaba escribiendo a mí».
Según el relato hilvanado por Rolling Stone, Taylor Hawkins tenía dudas de girar y no estaba seguro de si podría seguir siendo un miembro a tiempo completo si la banda seguía realizando giras a ese nivel de exigencia. Hasta 4 testimonios coinciden en esa versión de los hechos, lo cual parece relevante, pues Hawkins falleció en mitad de una gira en Colombia.
Sin embargo, 2 de estos testimonios han emitido comunicados distanciándose de lo publicado por la revista casi de manera inmediata. Afirman que el relato está sesgado, y culpan al periodista de haberse enfocado tan sólo en una parte de sus palabras, pese a que Rolling Stone no es conocida precisamente por su sensacionalismo. Es decir, no es TMZ.
Se trata de Matt Cameron de Pearl Jam y Chad Smith de Red Hot Chili Peppers. El primero ofrecía a Rolling Stone la cita “(Taylor) me dijo que no podía puto hacer esto ya más. Esas fueron sus palabras”. Ahora, se retracta: “Cuando accedí a formar parte del artículo de Rolling Stone sobre Taylor, pensé que sería una celebración de su vida y trabajo. Mis citas han sido sacadas de contexto para construir una narrativa que no tiene nada que ver con mi intención. Taylor fue un querido amigo y un artista de otro nivel. Le echo de menos. Solo tengo amor y respeto por Taylor, Dave y la familia Foo Fighters. Siento haber formado parte de esta entrevista y me disculpo por si mi participación ha generado daño a aquellos que solo respeto y admiro”.
La misma línea sigue Chad Smith, que aparece en el reportaje original diciendo que Taylor estaba “exhausto” y “colapsado”, además de “deshidratado y todas esas cosas”. Ahora afirma: “Me pidieron que compartiera con Rolling Stone lo que pensé que iba a ser el encantador tributo que merecía. En su lugar, la historia que han escrito es sensacionalista y confusa, y si lo hubiera sabido nunca habría accedido a participar. Me disculpo con su familia y amigos por el dolor que esto puede haber causado. Echo de menos a Taylor todos los días”.
La artista emergente Mónica Morado estará este jueves 19 de mayo en Madrid como parte de Vibra Mahou dentro de la programación Escenarios. La iniciativa ayuda a descubrir voces del panorama musical, y esta vez es Mónica Morado la que animará la sala Siroco en Malasaña. La cantante solo tiene tres singles publicados en Spotify, pero en esta actuación presentará su nuevo y primer álbum ‘Ademanes’.
Mónica Morado es una artista con preferencia por lo acústico en el estudio, pero que en Siroco estará acompañada de toda una banda al completo. En sus primeros tres singles se aprecia la influencia jazz y blues con arreglos orquestales, percusiones elegantes y sutiles guitarras.
Aunque Mónica sea madrileña, sus canciones desprenden un aire internacional: ‘Dinamitas’, cuyo vídeo está grabado en diversos rincones de la geografía asturiana, tiene influencias del R&B y el neo-soul. Su segundo single, ‘Final Abierto’, es la canción en la que intenta «tener el look de Harry Styles y la actitud de Beyoncé»: atención a su uso del Auto-Tune. Desde luego, a veces hace falta tener la actitud de Beyoncé para escapar a la presión, reunir valor y marcharte, como dice la canción.
El último de los tres singles, ‘Tierra Quemada’, es la balada del disco, la canción más íntima. Se trata del tema más privado, más reservado, pero es la más luminosa de las tres. «Aunque no pueda volver a brillar lo que al arder se ha consumido, es el principio que se esconde en un final». Un principio que conoceremos en su álbum debut y que se podrá disfrutar este jueves 19 a las 21:00 en la sala Siroco de Madrid. Entradas disponibles aquí.
Como prometió, Kendrick Lamar ha publicado esta semana su nuevo álbum doble, un nada decepcionante ‘Mr. Morale & the Big Steppers’ que incluye colaboraciones de Sampha y Beth Gibbons y será nuestro «Disco de la Semana». El single principal del disco es ‘N95’, que no en vano abre la codiciada playlist de Spotify Today’s Top Hits, donde también aparece más adelante otro tema del álbum, ‘Die Hard’.
‘N95’, hoy nuestra «Canción del Día», es una de las producciones más inmediatas que jamás haya entregado Kendrick Lamar. Dura tan sólo 3 minutos, provocando el modo «on repeat», y lo mejor de ella es su sección de sintetizadores ochenteros. Son esos golpes de teclado lo que recuerda a bandas sonoras gloriosas construidas por bandas de pseudo-jevi, que se encajaron en films tipo ‘Rocky’. Nombres como Survivor, Journey o incluso Europe pueden venir a la mente. Después, el texto grita Kendrick Lamar por los cuatro costados, y la pandemia es lo que está en su punto de mira, de manera más o menos críptica.
Las N95 que dan nombre a la canción son un tipo de mascarillas de protección equivalentes a lo que en España hemos conocido como FFP2. La primera frase hablada de ‘N95’ se refiere de manera muy explícita a la pandemia: «Hola, nuevo mundo, chicos y chicas / Tengo algunas historias verdaderas que contar / Estáis en la calle de nuevo, pero aun así os han mentido».
Kendrick Lamar no se embarca en ninguna teoría de la conspiración, sino que dedica el primer verso -un tanto U2 circa ‘Numb’- a devolver al mundo la libertad, animándole a quitarse otro tipo de mascarillas. Entre sus enumeraciones, desconectar el Wi-Fi, olvidar a tus ídolos, deshacernos de nuestras inseguridades, de las «banderas falsas» y sobre todo de los lujos. Los Chanel, los Dolce y los Birkin no siguen con nosotros en la recomendación de Kendrick, en caso de que los tuvieras.
Cabe el humor en el estribillo, en concreto en referencia a los rostros desconocidos post-pandemia («eres feo como la mierda», proclama), mientras los siguientes versos vuelven a sonar apocalípticos. Entre las cosas que menciona, un «mundo en pánico de mujeres abandonadas y hombres que corren», como él en el videoclip que acaba de publicar para el tema.
Kendrick Lamar termina preguntándose quiénes son los hipócritas y por la empatía entre las diversas comunidades, acabando la canción con una referencia a Oprah y Jay Z, y otra a la cultura de la cancelación. En concreto, el debate entre Oprah y «Jigga» consistía en si hay que censurar la palabra «nigga» o más bien hay que darle un nuevo significado. No nos alecciona aquí, por tanto, el autor de ‘HUMBLE’, tanto como más bien nos da que pensar.
Rocío Saiz es cantante de Las Chillers y Monterrosa, y últimamente has podido verla en directo como artista en solitario presentando las canciones de su disco ‘Amor Amargo‘. Entre ellas, hits como ‘Autocensura’ o ‘Cortisol en sangre’.
La artista ha presentado ya el disco varias veces en directo, pero le aguardan muchas fechas como Mallorca Live Festival, Vida Festival, MadCool, Santander Music Faestival, Sonorama y un largo etcétera. Por eso es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week», patrocinada por Jägermusic, en la que un artista escoge un tema que no tiene nada o casi nada que ver con su carrera. Para sorpresa de nadie, su opción han sido los afters.
¿Por qué has elegido hablar de afters y personas de afters?
Pues voy a ser sincera: porque son las personas más maravillosas, honestas y reales que he conocido en la noche. Cuando llegas al after ya estás de vuelta y media, no importa quién eres y lo que haces, estás en el mismo universo. Ese sí que es el metaverso de verdad. Aclaro que para mí los afters no son en los garitos, sino en el momento en el que ya has pasado por todos y acabas en una casa.
El hecho de que alguien a quien no conoces de nada decida compartir contigo tu intimidad y con otras 20 personas y ofrecerte lo que quieras y necesites coger de la cocina, me parece uno de los gestos más bonitos que te pueden hacer. Muchas veces conoces su verdadero yo, allí no hay trabajos, no hay horarios, no hay orientación sexual ni odio, allí puedes ser quien y como quieras. Puedes pasar de la alegría a la tristeza y viceversa en un segundo, que la gente te va a cuidar.
Evidentemente has pasado muchas fases hasta llegar a ese espacio seguro, se ha caído gente por el camino y ya solo quedáis los que, como decía una amiga mía, «he venido a dar la chapa y a recibirla». En los after se habla muchísimo, muchísimo más que en la vida real, muchísimas más cosas que no tendrías la valentía de hacer en tu día a día. Puede que no vuelvas a ver a esas personas nunca más y eso hace que sea un entorno mágico para dar vueltas a todas esas ideas que te remueven en tu cabeza. O puede que comiencen unas nuevas relaciones de amistad increíbles que nunca te van a fallar.
Para empezar claros: del 1 al 10, ¿cuánto de fácil te lían para ir a un after?
Un 2. Yo no suelo ir mucho de after porque siempre tengo que viajar y luego la cabeza me pasa factura, pero la verdad es que cuando me lío me lío de verdad y me voy tarde. Depende de la gente y el ambiente.
La gente tiene pensado con quién se tomaría un café si tuviera la ocasión. Yo creo que es mucho más divertido y sensato irse de after con esa persona. Dinos cinco personas que juntarías para iros de after.
¡Es que ha habido grandes mixes ya de after! No voy a desvelar secretos pero hay muchas personas con las que no he coincidido. Me encantaría coincidir a día de hoy con Brigitte Vasallo, Pol Guash, Yolanda Díaz, Emma Watson y aunque nunca quedaría con ella, me encantaría coincidir con Ayuso para ver qué diría con la guardia baja. Tengo muchísima curiosidad.
«Me encantaría coincidir con Ayuso en un after para ver qué diría con la guardia baja»
Una canción ajena imprescindible de after, y otra tuya propia que encajaría o incluso has llegado a escuchar.
Canciones mías de after, hemos quemado mucho ‘El Descanso del guerrero’ y ‘Si mañana me muero’. Las que tocan la patata entran mucho en los corazones. Yo siempre pongo ‘Only You’ de Yazoo, bastante en bucle, nos abrazamos todas y veo cómo nos empezamos a mirar y a decirnos a nosotras mismas si estas somos las que queremos ser. Tiene algo el riff de esta canción que te da paz, melancolía y a la vez te inquieta y hace que se muevan cosas en tu subconsciente.
¿Cuál ha sido el after más largo en el que has estado?
Uno en casa de Ana Morgade después de aquel concierto de Las Chillers en el Ocho y Medio cuando hicimos «sold-out». Me fui a las 19.00.
¿Cuando sale el sol, eres de las que les agobia el día y cierran todas las persianas o disfrutas de la radiación solar?
No lo soporto, cierro a muerte todo. Cuando sale el sol me da el sentimiento de culpa y en verano como haga calor con todo lo que llevas encima me parece hasta peligroso. Sobre todo cuando llega el momento de irte a casa y te tienes que ir andando porque estás en alguna ciudad pequeña de festival y no hay taxis.
¿Eres de las que ponen casa o esperas a que tus amigas lo organicen?
Yo nunca he puesto mi casa, excepto en Nochevieja y fue durísimo. Admiro muchísimo a las que incluso les gusta poner su casa. Una vez estuve en una en Barcelona después de una fiesta techno, que tenía un garito instalado en el salón, con luces, bola de discoteca… Estaba preparada para el after.
Un after que nunca olvidarás.
Uno en el piso de arriba del teatro Pavón después de las fiestas de San Cayetano cuando nos dijeron que iban a cerrar.
«Lo que saco de todo esto es que es increíble la voluntad y las ganas que hay de salir de fiesta porque en general todo el mundo lo está pasando mal o tiene una vida muy complicada»
Los afters pueden desencadenar conversaciones de un nivel que solo se pueden dar en esas circunstancias. ¿Alguna vez has dado con una melodía o con alguna canción en estas dilatadas horas?
Pues la obsesion con alguna melodía me suele dar un poco antes, durante la cena. Cuando llego ahí lo único que me importan son las personas, su vida y sus problemas. Y de todo eso sí que he escrito y escribo letras, ideas, o momentos. Lo que saco de todo esto es que es increíble la voluntad y las ganas que hay de salir de fiesta porque en general todo el mundo lo está pasando mal o tiene una vida muy complicada. Y se levantan día tras día con una sonrisa y sin que nadie se entere por lo que están pasando. Eso es lo que más valoro de las personas, la resiliencia.
Hoy, 17 de mayo, es el Día Internacional contra la LGTBIfobia y el Día de las Letras Gallegas. Ambos mundos se derriten y se unen en el último single de Tanxugueiras ‘Pano Corado (Paño Colorido)’. El trío gallego no lanzaba nueva música desde ‘Averno‘ hace casi cinco meses, su colaboración con Rayden, y lo han hecho deshaciéndose de las oscuridades, tinieblas y sombras que las caracterizan para firmar una oda al amor libre, luminoso y diverso.
«Llevamos tiempo guardando un paño. Tiene todos los colores y es para vosotros. Para todos los que merecéis amores». Así presentaron Tanxugueiras el single en sus redes sociales. El paño es un elemento del traje tradicional, y ellas lo transforman en uno lleno de colores: «Paño de todos los colores. Los que lo quieren negro, no merecen amores». La canción va acompañada de un videoclip que quiere romper moldes y estereotipos, con todo tipo de parejas besándose apasionadamente. Desde dos futbolistas contrincantes, a dos bomberos, el grupo ha intentado plasmar situaciones en las que la heteronormatividad está muy presente.
El trío canta para reventar las viejas cadenas de los amores prisioneros. Esos que no viven en libertad. «Queremos normalizar el amor y la vida. Queremos destruir barreras. Que cada cual se sienta libre de amar a quien quiera, que cada cual disfrute del amor, de la vida, de si misma, de su sexualidad o de su identidad como quiera». Es muy positivo que los más jóvenes puedan encontrar referentes que los entiendan y los apoyen como las tres pandeireteiras en esta canción.
Nuestro Disco de la Semana durante la semana pasada fue ‘Dance Fever’ de Florence + the Machine, y el de esta semana será ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ de Kendrick Lamar. Ambos parece que serán número 1 en sus respectivos países de origen: ella en Reino Unido, y él en Estados Unidos.
‘Dance Fever’ de Florence + the Machine ha vendido 26.000 copias durante el pasado fin de semana, sólo dentro de Reino Unido. 23.000 de ellas son físicas, lo que le sirve para doblar los números de Kendrick Lamar. ‘Mr. Morale & The Big Steppers’ está en el equivalente a 13.000 unidades en UK, aunque ojo: todo su disco está tan fuerte en streaming en el top 75 de Spotify en Reino Unido que incluso podría dar un disgusto de última hora a Florence de seguir tan sólido.
Florence + the Machine fue número 1 en Reino Unido con sus tres primeros discos, pero el último hasta ahora ‘High As Hope’ tuvo que conformarse con el puesto 2 por culpa de ‘Scorpion’ de Drake, un disco que tenía 25 pistas, por las 18 de lo nuevo de Kendrick Lamar. ¿Se repetirá una historia similar? La resolución de la batalla se conocerá el próximo viernes.
Estados Unidos es, por supuesto, pan comido para Kendrick Lamar. Hits Daily Double está pronosticando entre 315.000 y 325.000 copias en la primera semana para el esperado ‘Mr. Morale & The Big Steppers’, lo que implicaría el número 1 más abultado de todo el año en Estados Unidos. Uno de los grandes éxitos de 2022.
Respecto a Florence + the Machine, de éxito más moderado al otro lado del Atlántico, se esperan unas 40.000 ó 50.000 copias de cara al Billboard 200, lo cual tampoco está nada mal para los tiempos que corren y teniendo en cuenta que Welch es británica.
Esa nueva versión, más torera y tribal, no se ha subido a las plataformas de streaming hasta que no ha pasado el día de Eurovisión, pero ha sido recibida con los brazos abiertos. Con el nombre “Eurovision’s Dancebreak Edit” y producción adicional de District 78, ha entrado directamente en el puesto 44 de Spotify España, así como en la lista de otros países como Suecia o Finlandia. De hecho, puede ser fundamental para llevar el tema al número 1 oficial en España.
Ha sido muy comentado que Chanel no ha llegado al número 1 en Spotify España este domingo, sino que quedaba en el puesto 2 por detrás de ‘Moscow Mule’ de Bad Bunny. Sin embargo, esa es solo la vieja versión. Si sumamos la nueva, como suponemos que el sello BMG encargará a Promusicae, ‘SloMo’ sí se transformaba en la canción número 1 de este domingo.
De hecho, en los datos de ayer lunes, aunque la vieja versión de ‘SloMo’ baja del puesto 2 al puesto 6, la nueva avanza del número 44 al número 30. La suma continúa dando para el número 1. La tendencia quizá sea indicativa de que esta nueva es la versión que sonará en todas las fiestas de este verano, la que incluye todos los efectos que nos hacen pensar en la puesta en escena de Chanel.
Por otro lado, es este nuevo «edit» el que encontramos en el número 1 de iTunes por mucha diferencia, lo cual termina siendo determinante en la lista oficial española, pues una sola descarga equivale a un par de cientos de streamings. Fue iTunes, por ejemplo, quien terminó dando hace unos meses el número 1 oficial en España a ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini, aunque en Spotify tenía números muy ajustados.
Las últimas horas han sido trepidantes para Chanel. La hemos visto interpretar ‘SloMo’ en las fiestas de San Isidro cuando ni habían pasado 24 horas desde el Festival de Eurovisión en Turín, la hemos visto acudir a una rueda de prensa en RTVE y recibir las felicitaciones y los ánimos tanto del presidente del gobierno Pedro Sánchez, cuyos gustos musicales apuntan más bien hacia el FIB, como de los Reyes de España.
Lana Del Rey ha ofrecido una entrevista a W Magazine en la que ha charlado con el director creativo de Gucci Alessandro Michele. En ella, además de conversar sobre el proceso creativo de la cantante, también ha revelado detalles de su próximo trabajo discográfico.
En los álbumes que ha publicado hasta la fecha, Lana Del Rey ha expresado una especial sensibilidad por los colores. Por ejemplo, su canción ‘God Knows I Tried’ de ‘Honeymoon‘ dice: «A veces despierto por la mañana a cielos rojos, azules y amarillos. Es tan loco, podría beberlo como Tequila Sunrise».
Sin embargo, al ser preguntada por qué colores describen su futuro trabajo, ella revela que su nuevo proceso creativo no tiene nada que ver con los colores: «He estado practicando la meditación del canto automático, donde no filtro nada. Simplemente grabo lo que sea que me viene a la cabeza en mi aplicación de notas de voz». «He estado mandando estos archivos muy crudos a un compositor, Drew Erickson, y él añade una orquesta bajo la letra». «Cuando estoy practicando el canto automático, no tengo tiempo para pensar en colores».
Este álbum no tiene nada que ver con los colores. «Es más como: estoy enfadada». Lana ha declarado que las nuevas canciones son muy conversacionales. La primera de ellas, por ejemplo, dice: «Cuando miro atrás, pasando las yemas de los dedos sobre las bolsas de plástico, creo que desearía poder extrapolar alguna pequeña intención o quizás llamar tu atención por un minuto o dos».
Además del nuevo álbum, Lana Del Rey ha confesado que ya no trabaja tan bien como antes cuando está sola. «Ahora hay muchas menos palabras que se me ocurren cuando estoy sola. Siento que necesito estar sentada con alguien. Es un poco frustrante, porque durante tantos años he sido muy rica en ideas. Ahora necesito a alguien que me obligue a entrar en el estudio. Las ideas ya no me vienen en un coche, mi sitio favorito».
Antes del clásico de Britney Spears ‘I’m not a Girl, Not Yet a Woman‘, Julio Iglesias tuvo una vez un disco llamado ‘De niña a mujer’. Aquella cassette siempre estuvo en casa de mis padres, con una inquietante foto de portada en que Julio posaba junto a su hija Chabeli. Había algo un poco perverso en todo aquello, mucho antes del ‘Lemon Incest’ de Serge Gainsbourg y su hija Charlotte. «Tu mirada buscaba la mía, jugabas a ser mujer», decía la letra de aquel tema entre unos efectos psicotrópicos más vinculables al segundo disco de Amaia que el mojigato baladón de Britney.
El éxito tipo «sleeper» de ‘El encuentro’ de Amaia junto a Alizzz ha marcado de manera decisiva el segundo álbum de la cantante. Se trataba de un single más gamberro y sexualizado, que dejaba atrás las referencias del también notable debut de Romero ‘Pero no pasa nada‘. ‘El relámpago’, ‘Quedará en nuestra mente’ y ‘Quiero que vengas’ eran temas que nos hacían pensar en Cecilia, La Buena Vida y Nosoträsh, y a ello contribuía su trabajo con dos hombres procedentes del indie nacional o latinoamericano como fueron primero Refree en alguna co-autoría y luego Santi de Él Mató a un Policía Motorizado. ‘Cuando no sé quién soy’ presenta un registro más atrevido, divertido y electrónico, producido por el mismo Alizzz, y ofreciendo lo que parecen los segundos, terceros y cuartos singles de un disco que se presentaba con ‘El encuentro’. Por mucho que este pertenezca realmente al disco de Alizzz, no desentonaría para nada como bonus track aquí.
Esos singles que tantas alegrías están dando ya a los seguidores de ‘El encuentro’ son ‘Quiero pero no‘ junto a Rojuu, ‘La canción que no quiero cantarte‘ junto a Aitana, ‘Bienvenidos al show‘ y también podría serlo en el futuro ‘Dilo sin hablar’. ‘Quiero pero no’ está surtida de gritos al igual que ‘Bienvenidos al show’, la canción que dice aquello de «ya no soy pequeña, tampoco soy mayor», una curiosa producción que nos hace pensar en musicales de la era glam por concepto, mientras sus teclados son más bien propios de Antònia Font circa ‘Wa Yeah!’ o, como ella asegura, de Mecano. Teniendo en cuenta que el disco lidia en parte con la salud mental (‘La persona’), esos pequeños arrebatos de locura en producción resultan todo un acierto.
El tema con Aitana está tan lleno de efectos grunge sacados de los 90, como de guasa. «¿Quieres ser mi amigo? ¡Cómeme el higo!» funcionará para siempre como invitación a alguien que ya no nos da bola en el amor, pero encima no quiere desaparecer de nuestras vidas. Y también muy destacable es el mencionado ‘Dilo sin hablar’. Hay voces pitcheadas, bajos llenos de soul, arreglos disco-funky… constituyendo una de las producciones más exquisitas que nos ha entregado Amaia. La evolución respecto a su debut es muy clara.
Cambiando de tercio, Beach House son la referencia concreta de ‘La vida imposible’, si bien su frase con «los 7 millones de veces» apunta a Los Planetas, lo mismo que las guitarras de ‘Pesimista’. Por no hablar de que una versión de ‘Santos que yo te pinte’ aparece en el tramo final de ‘Cuando no sé quién soy’. Con toda la pereza que pueda dar que Amaia incluya una versión en un disco suyo, tras haberse dado a conocer en Operación Triunfo, donde ya hizo suficientes versiones, esta es preciosa sobre todo en su caída de cuerdas y sus efectos de percusión.
El disco se completa con las baladas ‘Yo invito’, también muy peliculera, y con un tema de corte folclórico, ‘Yamaguchi‘. El registro le sienta muy bien a su voz y a su estilo, aunque es en las canciones más acústicas donde quedan más al descubierto ciertas debilidades compositivas aún. No es Amaia todavía «una mujer» en sus habilidades como autora, pero lo que sí consigue es imponer su estilo a los muy diferentes géneros mostrados en este disco, darles una perfecta unidad y desarrollo, y lograr que todo el talento desplegado en las sesiones de composición esté completamente a su servicio. Jugad vosotros a tratar de adivinar qué aportaron como co-autores C. Tangana, Confeti de Odio, Antonna, Rigoberta Bandini y compañía. Yo aquí solo siento la arrolladora personalidad de Amaia.
Parte de la redacción evalúa ‘SUPERMODEL’, el nuevo single que Måneskin estrenaron en vivo en la gala final de Eurovisión. Con Damiano cojo de una pata, por cierto.
«El otro día leía que la mitad de los oyentes de Måneskin quiere que Damiano David les reviente, y que la otra mitad quiere reventarle. Bestia pero cierto: la propia banda es consciente del estatus sexual de su cantante, y no duda en tirarde ello. Los guitarrazos dosmileros de ‘Supermodel’ no son lo único que comparten con Maroon 5 porque, al igual que el éxito de ese grupo se debía en un 90% a Adam Levine, el de los italianos lo tiene Damiano en su mano. ‘Supermodel’ vuelve a confiar en el carisma que el frontman derrocha tanto en imagen como, sobre todo, en su voz, perfecta para contar aquí cómo el morbo le atrae sin remedio a esta chica con todas las red flags posibles. La sugerente cadencia de Damiano hace piña con el siempre eficaz Max Martin y con una letra que tiene claro lo que quiere contar para crear otro hit más del grupo que -a estas alturas podemos decirlo- ha revitalizado Eurovisión para el público general». Pablo Tocino
«La fórmula Max Martin es distinguible desde los primeros acordes de guitarra de ‘SUPERMODEL’. Los diferentes ganchos melódicos (esos «ah ah ah» de las estrofas) no pueden llevar más su firma. Tanto que la personalidad de Måneskin queda completamente diluida en la canción. Se agradece el intento de hit, pero se echa en falta más alma y, sobre todo, más suciedad. Sobra la marca Max Martin y el apego a los clichés de su letra, dedicada a una «supermodelo de los 90 que toma drogas y está casada con el rock ‘n roll». ¿No las hay más actuales? Måneskin es el grupo de rock más creíble en años. Sus integrantes son la viva imagen de la «vida rockera» a la vieja usanza. No sé si Damiano es el nuevo Iggy Pop o el nuevo Mick Jagger, pero ‘Supermodel’ está muy lejos de ser la canción que el público quiere de Måneskin. Y el éxito de sus singles viejos lo demuestra». Jordi Bardají
La sobreimpresión, el efecto de hacer coincidir dos o más imágenes en un mismo fotograma, es una técnica poco utilizada en el audiovisual actual. Está asociada a una caligrafía clásica, incluso pasada de moda. Se usaba mucho en las películas para hacer transiciones suaves entre secuencias o como solución expresiva en la narración (la típica escena de una persona dormida que se levanta “desdoblada” en la sobreimpresión).
Uno de los cineastas actuales que más utiliza este efecto es Paul Thomas Anderson. Y otro es Jim Jarmusch (en ‘Ghost Dog’ hay escenas fabulosas). Tras quince años sin rodar un videoclip -‘Steady, As She Goes’, The Raconteurs– el director de ‘Paterson’ ha dirigido el nuevo clip de Cat Power. ‘A Pair of Brown Eyes’ destaca por el uso de la sobreimpresión. Jarmusch superpone hasta tres imágenes en movimiento en un mismo plano. Esta solución expresiva le permite al cineasta crear un ambiente hipnótico y evocador, en sintonía con la delicada reinterpretación que hace Chan Marshall del tema de The Pogues.
El otro recurso visual que destaca en el vídeo es el difuminado. Jarmusch, junto a su director de fotografía habitual, Frederick Elmes (también el de David Lynch), experimenta con este efecto para dotar a la imagen de un carácter etéreo, algodonoso, como si la música de Cat Power surgiera de una nebulosa, de un lugar celestial o fantasmal. Una sensación acrecentada por la profusión del uso del color blanco, en contraste con el negro de la vestimenta de la cantante.
‘A Pair of Brown Eyes’ es un buen ejemplo de cómo a veces la sencillez, la utilización de dos o tres recursos expresivos combinados con habilidad y talento, es suficiente para traducir a imágenes el discurso, el espíritu o la poética de una canción.
Amaia Romero Arbizu Roldán López López García Duque Rodríguez Pérez Murillo Elortegui Maestresadas ha vuelto a La Resistencia para presentar su segundo disco, ‘Cuándo no sé quién soy’. Sobre el álbum hemos podido hablar con la navarra en el podcast de JENESAISPOP.
La propia Amaia revela todos sus apellidos en el programa de David Broncano, preguntada por el presentador, que se interesa por ellos. No es el único momento entre divertido y surrealista que protagoniza la cantante en el programa.
La entrevista empieza con un recuerdo de la anterior, en la que Amaia mencionó de pasada que era fan de La La Love You. Desde entonces, el grupo ha ganado un premio MTV y obtenido millones de streamings. «Ahora son más famosos que yo», señala la artista.
La promo de ‘Cuándo no sé quién soy’ se limita a la muestra del vinilo y el CD, si bien Broncano tiene a bien de recordar a Supersubmarina porque la portada le recuerda a la de ‘Santacruz‘. A Amaia le suena el nombre de la banda pero reconoce no haberla escuchado nunca.
En otro punto curioso de la entrevista, Broncano pregunta a Amaia cuán viejo es el mensaje de WhatSapp que tiene sin contestar, y la cantante recupera un mensaje de 2018 en el que «Eva piano», una persona con la que tocó en una boda en Tudela, le felicita por su paso por Operación Triunfo. Amaia contesta cuatro años después.
Es habitual que los invitados a La Resistencia traigan un regalo a Broncano, pero Amaia se pasa el nivel y, en un momento casi propio de una película de David Lynch, saca al escenario al silbador profesional José Julio Apesteguía para que ofrezca una actuación de más de tres minutos.
Finalmente, Amaia se va del plató no sin antes merendar… y sin imitar el sonido de un semáforo para ciegos que se encuentra en Madrid. «Esto es lo más parecido a una conversación entre extraterrestres que hemos tenido», señala el presentador.
