‘Little Things’, ‘Change’, ‘Certainty’, ‘No Reason’, ‘Spud Infinity’… a finales de 2021 ya era muy evidente que Big Thief iban a entregarnos uno de los mejores discos de 2022, y así ha sido. A lo que han venido contribuyendo otras canciones nuevas como el que ha sido otro -otro más- de sus singles, ‘Simulation Swarm’, que es hoy nuestra «Canción del Día». Foto: Alexa Viscius.
‘Simulation Swarm’ se mueve cómodamente entre el folk clásico y aquella cosa que conocíamos como anti-folk, pues su melodía y su progresión de acordes están aquí claramente para quedarse décadas, pero su producción es muy cruda, deliberadamente feísta: no busca necesariamente el color más preciosista, sencillamente porque la vida no te ha ofrecido esa faz.
Los punteos se suceden a medida que se acumulan las numerosas estrofas, mientras nuevos detalles -como esas guitarras cada vez más incómodas- se van añadiendo sin que te des cuenta, torciendo el curso de la producción.
Como otras canciones de Big Thief, su texto es algo impenetrable desde el 31º piso de esta «simulación». Nada que Rolling Stone no pueda solucionar. Es en este medio donde Adrianne Lenker ha explicado que esta canción está inspirada por una serie de distintas experiencias intensas, cualquiera de las cuales podría haber llenado un álbum entero -bromea la revista americana-. Dos de las imágenes clave son el fluorescente, que parece referirse a la típica luz de hospital que viene y va; y el Andy del 5º verso, que no es otro que un hermano perdido al que pregunta si volverá.
Adrianne tuvo que ser hospitalizada en Brooklyn durante 4 días por agotamiento en 2020, tras 7 años girando sin descanso; también aparecen aquí la ruptura que inspiró su disco en solitario de 2020, su niñez desarrollada en una comunidad separatista del Medio Oeste, descrita como un «culto religioso»; y finalmente su continuo pensamiento en su hermano Andrew, al que nunca ha conocido, y al que ya dedicó ‘Mythological Beauty’ (2017). Explicaciones que nos harán adentrarnos aún más durante los próximos meses en esta pequeña delicia que en realidad ya calaba por su sonoridad desde la primera escucha. Os recordamos que estamos regalando copias de ‘Dragon New Warm Mountain I Believe In You‘, nuestro «Disco de la Semana».
En los últimos años encontramos muy pocas bandas que hayan gozado del prestigio de Big Thief. El grupo liderado por Adrianne Lenker ha presentado estos días su último disco, el inabarcable y bellísimo ‘Dragon New Warm Mountain I Believe In You’, que es nuestro Disco de la Semana, una obra mayor que los confirma como uno de los mejores grupos en activo. Tras cinco álbumes excelentes, conviene echar la vista atrás a su trayectoria, más concretamente a ‘Capacity’, su segundo largo, un proyecto que no solo subía un peldaño con respecto a ‘Masterpiece’, sino donde también se hallan algunas de sus composiciones más bellas y reconocibles.
Las letras de Lenker siempre se han caracterizado por ser crípticas y poéticas, creando múltiples capas durante sus canciones hasta que finalmente calan y uno se da cuenta de lo que realmente están contando. El disco se abre con un claro ejemplo de esto, con la enigmática y oscura ‘Pretty Things’, que pese a su melodía calmada se esconde una rabia soterrada que hace de su escucha una experiencia dura. La canción presenta una escena de sexo donde la mujer, víctima de la masculinidad tóxica y violenta, intenta hacerle comprender al hombre que lo masculino no está relacionado con lo violento y que lo femenino no lo está con lo débil: “Hay una mujer dentro de mí / hay otra dentro de ti también / y no hace siempre cosas bonitas”. Le sigue ‘Shark Smile’, la canción más exitosa de este disco (sobre todo en su versión recortada), retrata un accidente de tráfico donde una persona vive y la otra muere. Comienza con una amalgama de guitarras eléctricas y deriva en un gran número folk-rock que va ganando en su impacto emocional a medida que avanza.
Una característica común en las once pistas que forman ‘Capacity’ es la intimidad con la que el grupo va construyendo historias sobre traumas y situaciones emocionalmente complejas siempre desde la quietud. Big Thief nunca ha sido un grupo ostentoso ni pretencioso –aunque eso no quiere decir que no tengan ambición o que no hayan arriesgado a lo largo de su carrera- y aquí demuestran que desde la humildad y la calma de sus composiciones pueden llegar a lo más alto. ‘Watering’, sostenida por un ritmo de batería y un riff de guitarra que precede al estribillo, es especialmente espeluznante, y a un nivel narrativo, simplemente perfecta, donde se cuenta la historia de una mujer y su acosador, primero desde la perspectiva de ella, luego de la de él. ‘Comma’ se relaciona con esta, donde una mujer, víctima de abusos finge estar en coma para desconectar con el mundo.
Hacia la segunda mitad de ‘Capacity’, aparecen dos de las canciones más bellas del álbum. El núcleo emocional de este y el que fue el primer single, ‘Mythological Beauty’, dedicada a la madre de Lenker y comprendiendo que los errores que pudo cometer eran naturales (“Hay una niña dentro de ti/ que está intentando criar a la niña que soy”). La preciosa y única voz de la cantante se alza, llena de fuerza, cuando cuenta que su madre se quedó embarazada a los 17 y dio en adopción a su primer hijo: “Tengo un hermano mayor que no conozco / podría estar en cualquier sitio”. Otro de los grandes momentos aparece casi al final, en la penúltima canción, ‘Mary’, una preciosa balada dedicada a su mejor amiga en la que la que solo se necesita la delicada voz de Lenker y un piano para poner los pelos de punta.
‘Capacity’ es una fascinante colección de historias, de personajes heridos y de emociones desbordantes, donde Big Thief terminaron de consolidarse como una de las cosas más especiales que están pasando en la música actual. Un segundo disco que suena tan maduro y seguro de sí mismo y su sonido que podría ser la cumbre de muchos grupos pero que el cuarteto de Brooklyn ha ido incluso superando a base de arriesgar y experimentar con distintos géneros, siempre colaborando juntos con el mismo propósito: crear canciones inolvidables.
Cada domingo se repite el ritual: un nuevo episodio de ‘Euphoria’ llega a HBO para dar a la audiencia una nueva dosis de sufrimiento adolescente. No lo puedo negar: estoy enganchado a la serie como Rue a la cocaína, pero no puedo evitar ponerme en modo Sarah Jessica Parker y preguntarme: ¿es ‘Euphoria’ una buena serie o simplemente es… impactante?
Puede que la respuesta se encuentre en un punto medio. A favor de ‘Euphoria’ hay que decir que el reparto es estupendo, que especialmente Zendaya se crece en el papel protagonista cuando ya no nos acordamos de sus tiempos como cantante, que Hunter Schaffer es una estrella y que los diversos tipos de representación vistos en la serie están tan bien integrados que parece un delito comentarlos siquiera. No hace falta añadir que la serie visualmente es espectacular.
Luego está la trama, basada en un triángulo de sexo, drogas y violencia (bueno, y también en la serie original israelí) que el director Sam Levinson ha decidido intensificar al extremo en la segunda temporada. Hasta aquí todo OK pero… me asaltan las dudas como a Kat las voces de sus inseguridades. Cada capítulo nuevo de ‘Euphoria’ ha sido mejor que el anterior, pero también ha sido más chocante, y es en lo que se ha centrado la serie desde el comienzo, en el sensacionalismo.
Algunos ejemplos: la paliza de Fezco a Nate en el primer capítulo es brutal no, lo siguiente. Roza lo gore. También es larga, demasiado. No puedo ser el único que pensó que lo había matado. El sufrimiento extremo de Cassie por haber iniciado una relación con el ex novio de su mejor amiga Maddie (el mismo Nate) sugiere que en lugar de ‘Euphoria’ la serie debería llamarse «Histeria», el estado en el que vive Cassie cada segundo de su vida, sin descanso. El asalto de Nate a la habitación de Maddie pistola en mano es difícil de creer. Por supuesto, la adicción de Rue es el epicentro de la serie, pero su frenético consumo de drogas está obviamente sensacionalizado y el capítulo cinco es puro «trauma porn».
‘Euphoria’ da con algunas escenas brillantes en su misión constante por chocar al espectador: he de decir que no terminé de entrar en los dos primeros capítulos porque ver a un grupo de adolescentes privilegiados asistir al instituto o a fiestas vestidos como si fueran a la Met Gala no me parece interesante de por sí, pero el tercero empieza a dar ya muy buenos momentos: la escena en que Cassie echa la pota dentro del jacuzzi me parece sublime, la representación de la adicción de Rue, interpretativamente, es olímpica, y toda la subtrama de Cal, un hombre maduro trágicamente atrapado en una adolescencia perdida, está muy bien desarrollada: la escena del monólogo en el recibidor es tan surrealista que solo puede resultar verídica, porque muchas veces la realidad supera la ficción.
Aún así la serie parece dejarse algo por el camino. La parte estética es maravillosa, los títulos de los capítulos incluso añaden una dimensión culta, al inspirarse en obras del surrealismo francés, Bob Dylan o Lorca (el «martirio de Santa Eulalia»); incluso las habitaciones de los personajes están repletas de pósters de discos de M.I.A., Rihanna o Ariana Grande… pero los personajes no parecen tener más dimensiones más allá de la angustia que padecen en sus vidas. Quedan dos capítulos y la vida de Elliot sigue siendo un misterio. El personaje de Maddie no emite una sola palabra que me haga dejar de pensar que es insoportable. Y de repente los personajes de Jules o Kat parecen terciarios. Vale que la serie se centre en la adicción de Rue pero ¿es necesario llevar su trama al contexto de la prostitución y el tráfico sexual cuando la serie supuestamente no va sobre eso y además algunos personajes se están quedando colgados?
‘Euphoria’, como buena serie post-post-moderna, busca ser muchas cosas: es un drama adolescente, es un thriller de gánsters, es una sesión de fotos de Dave LaChapelle, es una película turbia de David Lynch, es una playlist de temazos de Orville Peck, Depeche Mode y Sinéad O’Connor. Pero sobre todo es una serie sensacionalista. Currada, pero sensacionalista. Una periodista recientemente ha explicado que, tras el visionado del quinto capítulo, su hermana sufrió un ataque de pánico. Y otro titular se pregunta si ‘Euphoria’ se está «preocupando lo suficiente por apoyar a los espectadores después de traumatizarlos». No sé si ‘Euphoria’ es TAN traumática pero después de seis capítulos sigo sin tener claro si es buena o simplemente debe todo al «shock value», y no creo que los dos capítulos que quedan vayan a resolverme las dudas. Eso sí, cada domingo, pegado a la pantalla.
Dallas Good, vocalista y guitarrista de la veterana banda de rock canadiense The Sadies, que en España hemos podido ver actuar en festivales como Monkey Week, ha fallecido a los 48 años de edad por «causas naturales» según el comunicado emitido por la banda. A Good (a la derecha en la foto) se le había diagnosticado una enfermedad coronaria la semana pasada.
The Sadies es desde hace varias décadas una banda muy querida en la escena de country alternativo canadiensel, que se encuentra «en shock» tras la prematura muerte de Good. En el comunicado, la banda se muestra también «sin palabras ante el shock que estamos sintiendo» y recuerda que Good fue «hijo, hermano, marido, amigo, compañero de banda, un líder y una fuerza de la naturaleza».
Conocidos su mezcla de rock, country, punk y Americana, y especialmente por canciones como ‘Hold On, Hold On’ o ‘The Most Despicable Man Alive’, The Sadies publicaron su primer disco en 1994 y han continuado lanzando trabajos hasta 2017. Además han colaborado con artistas como Neko Case, Neil Young, Kurt Vile o Buffy Sainte-Marie. El último single de The Sadies, ‘Message to Belial’, salió el mes pasado bajo la producción de Richard de Arcade Fire. El propio Good forjó una aclamada trayectoria al margen de su familia, pues su padre y tío fueron miembros de la legendaria banda de country canadiense, los Good Brothers.
Miss Caffeina, MissCa para lxs amigxs, son actualmente top 3 en España con su notable nuevo disco, ‘El año del tigre’, que han presentado a lo largo de casi toda la pandemia con temas como ‘Punto muerto’ con Ana Torroja, ‘Me voy’ o más recientemente ‘Por si’. El disco esconde igualmente algunas canciones que pueden crecerse con el paso de los meses, como ‘Las Vegas’, ‘Fuerte el aplauso’ o ‘Nadie bebe por el sabor’, como ya tendremos tiempo de comprobar en esa amplia gira en la que la banda va a embarcarse.
Siempre es un placer hablar con los miembros de Miss Caffeina, serviciales, humildes y dispuestos a echarse unas risas, en este caso los principales autores de la formación, Alberto Jiménez y Sergio Sastre, y Antonio Poza, que se encarga de bajo, sintetizadores y percusiones.
¿Cómo habéis llegado al sonido de este disco, que me parece de los más cohesionados de vuestra carrera?
Alberto: «Yo pensé que cada canción era de su padre y madre, y luego el resultado sí que es homogéneo. Max (Dingel, productor) tiene la capacidad de coger las canciones, verlas desde fuera y darles la unidad». ¿Cuáles te parecían las más extremadamente diferentes?
A: «Veo muy diferentes ‘Punto muerto’, que encajaría en el disco anterior, y ‘Me voy’, que a su vez no tiene nada que ver con ‘Fuerte el aplauso’, que es muy orgánica».
‘Me voy’ es como un reggaetón deconstruido pero creo que, como todas, está producida a vuestro estilo, que en este disco es una especie de synth-pop disco-funky.
A: «Puede ser. De la idea que yo tengo a lo que percibe luego la gente… Yo veía las estrofas más trap, el estribillo sí que es reggaetón. Hoy ya no me parece tan diferente o que sobresalga tanto, pero en un primer momento me daba ansiedad que no tuvieran nada que ver unas canciones con otras».
¿Cuál es el punto fuerte para vosotros si el disco no os parece cohesionado?
Sergio: «No nos parece homogéneo, pero sí que el estado de ánimo es constante, que tiene como un chorro de energía, un propósito de llevarte a un sitio más enérgico. No sé si funk porque no nos gustan las etiquetas, pero sí un lugar con ganas, que es lo que simboliza ‘El año del tigre'».
El disco sí tiene esas vibraciones de tirar para adelante, y contiene una frase muy significativa: «negarse a odiar es revolucionario».
S: «Sí, con varias pinceladas, pero sí. Incluso las relaciones personales, la manera de relacionarnos, nos lleva a ciertas dinámicas. Como lo que hablamos de Eurovisión: me niego a entrar en esa mierda. Es estúpido participar de algo que nos hace sentir mal».
A: «Nos dijeron en una entrevista que el disco es como abrazarse a uno mismo. Hay cosas de pareja por cómo hemos vivido estos dos años, pero también de cómo contribuir al mundo. Tú en el mundo, tú en una relación. Es de abrazarse a uno mismo. Todas las canciones son uptempo, como «he estado en esta mierda, pero vamos a otro sitio, por favor».
«El disco es como abrazarse a uno mismo»
¿Con todo esto os referís más a las redes, a la política…?
S: «Todo está incrustado, son dos caras de la misma moneda, el espacio social, el algoritmo que nos lleva a ver cosas crispadas y desagradables… La comunicación política no es ajena a eso, se mete en esos canales para lanzar y aprovechar ese tipo de mensajes».
No distingo las canciones que escribís Sergio y Alberto, tengo que mirarlo. Y Zahara me explicó una vez cómo las distinguía, ella lo tenía claro.
S: «Con Zahara he salido unos años, a Alberto lo conoce hace muchísimo tiempo… Ella tiene mucha información» (risas)
A: «En los primeros de Mecano no sabías quién componía cada cosa y eso los hacía más cohesivos que los últimos».
Toni: «Yo los calo súper bien. Las identifico muy bien, son muchos años ya».
‘Reina’ está claro que es de Alberto, pero en este disco, ¿cuál sería la más Sergio y la más Alberto?
T: «‘Las Vegas’ y ‘Autoayuda’ son muy de Alberto, además de ‘Punto muerto’ y ‘Me Voy’. Y de Sergio ‘Memoria Química’. Es muy…»
S: «¿Pesado?» (risas)
T: «Tiene ese fraseo más español».
A: «La influencia de una melodía rock» (canta una parte)
T: «Alberto es más melodía coplera».
¿Qué opinas como rockero de la colaboración con Ana Torroja, Sergio?
S: «Increíble, un sueño cumplido».
«Es estúpido participar de algo que nos hace sentir mal»
A ver, no me vas a decir ahora que fatal. ¿Pero verías a algún rockero colaborando en esta etapa de Miss Caffeina?
S: «Yo creo que no».
A: «Lo de hacer un tema con Ana Torroja se propuso con ‘Oh Sana’, cuando colaboramos con Iván Ferreiro. Y lo propuso Toni y pensamos que ella no iba a querer»
S: «Tú eres muy melómano, yo no me sé en qué mes de qué año salió tal single de Mecano. Pero cuando fuimos a ver a Ana, me di cuenta de que tiene un repertorio espectacular. Hay una ventana de heteros sin complejos también (risas)».
Cuando el grupo erais más rock, a mí no me gustaba tanto como ahora. Me pregunto qué os quedará de esas raíces rockeras.
S: «El rock en el grupo no me descuadra para nada».
T: «Sigue estando un poco ahí y es donde está nuestra seña de identidad. Cuando volvemos al rock como en este disco, se lleva muy bien con lo que nos ha llevado a este punto. Cuando Alberto canta algo del rock, le queda increíble».
«Venimos de dos años de mierda y queríamos representar el renacer con ‘El Año del Tigre'»
¿Cómo habéis llegado a esta estética oriental?
A: «Han pasado muchas casualidades. Cuando pusimos la fecha del álbum, nos dimos cuenta de que coincidía con el Año Chino. Habíamos decidido enfocar la estética a la China de Usera, no de Shangai, y nos dimos cuenta de que muchas letras hablaban de no encajar en situaciones, bien sean cotidianas, o en la industria, o en la escena musical. Nos han dado mucho, durante mucho tiempo, por no estar situados ni en un sitio ni en otro. Y dijimos de buscar un contraste visual. Hubo ideas: yo tuve la de Las Vegas, pero estaba muy vista, y decidimos llevar pieles a un supermercado chino de Usera. Es un ChinaTown que no tiene nada que ver con el mundo oriental. Y una vez que te metes ahí, hay un montón de imaginería en la que rebuscar. Con lo del Año Chino nos ha hecho el Ayuntamiento de Madrid toda la promo gratis (risas). Cuando nos enteramos de que el disco coincidía con el Año Chino, nos preguntamos qué año era. Y era el del Tigre. Pues perfecto, porque venimos de dos años de mierda y queríamos representar el renacer. Si nos hubiéramos callado hubiera sido guay, pero ha sido casualidad. El tigre significa valentía. No somos muy de decir «tienes que ser valiente», porque a veces no se puede ser valiente, pero sí que las canciones están hechas de ese querer ir de un sitio a otro».
Esa estética oriental, en cambio, luego no se corresponde con la música…
A: «Pero piensa en ‘Nothing Really Matters’ de Madonna, y enseguida piensas en la geisha, cuando no tenía nada que ver. Mola llevarlo a otro sitio. Y la gira será igual con todos los visuales».
¿De qué vídeo estáis más orgullosos esta vez?
A: «‘Por si’, me divertí muchísimo».
S: «Fue muy divertido hacerlo con los extras, le guardamos un cariño especial».
¿Este es un disco personal para vosotros?
A: «Sí… las canciones hablan de mi novio, de mi boda. De tu novia… (la de Sergio) Hay un tema más social como ‘No entiendo nada’, pero el resto es personal. Pero como nadie somos súper especiales, son cosas que le pasan a todo el mundo y ya no es tan personal».
No hay una canción sobre tu hija, que parece que eso solo se le pregunta a las mujeres.
A: «No ha llegado la canción a tiempo, pero la hay y saldrá».
Hay una canción llamada ‘Las Vegas’ y me recuerda un poco a los Killers ‘Nadie bebe por el sabor’…
S: «Alberto es igual de guapo que Brandon Flowers» (risas)
Es igual de guapo, pero Alberto todavía no es naranja. Todavía.
(risas).
Para vosotros Las Vegas es Céline Dion, pero Brandon Flowers suele dibujar un Las Vegas más desangelado. Yo no sé si os veis como los Killers españoles.
S: «La referencia que teníamos en esa canción era Katy Perry, pero como si le faltara la batería y hubiera que programar sus temas. Pero te puede sonar a The Killers, porque Max ha trabajado con ellos».
A: «Los primeros Killers nos gustan».
Bueno, a mí los últimos me gustan, aunque sea una opinión un poco viejuna.
S: «Los que menos nos gustan son los discos de en medio, pero el último ha sido una reconexión, y los que tiene Brandon en solitario».
A: «El primero que sacó solo».
Qué curioso lo que comentáis de Katy Perry, porque me ha recordado a ‘Roar’ ‘Fuerte el aplauso’.
S: «Para mí esa canción es Hanson».
A: «Nos han dicho Haim y eso sí que veo más influencia».
«Soy muy tímido y muchas veces lo paso mal. Hay momentos de disfrutar, y otros más down, y ‘Me voy’ salió de esto último, pero bueno, al día siguiente ya estaba bien»
¿Qué esperáis de esta era? Porque en ‘Me voy’ hay una despreocupación del éxito. Es como un retiro o «me da igual estar en la moda», o no petarlo como con ‘Mira como vuelo’.
A: «Si fuéramos híper famosos, sería como la canción después del estrellato, ese estrellato que no me está dejando disfrutar de las cosas y de mi gente. Cuando triunfas con la banda, eres un instrumento de la banda. Estás metido en una vorágine de gira y disco, y a lo mejor todo eso no va contigo tanto. Se crea un estrés, una especie de competencia, unos roles… y no me compensa decir que nos va muy bien y ganamos mucha pasta. ¿Compensa? Nos criticaban en Twitter porque ‘Me voy’ parecía una canción de ricos, pero no es de ricos. Es de haber dedicado 10 años a esto, que la gente opina todo el rato sobre ti y eso es algo que no va conmigo. Soy muy tímido y muchas veces lo paso mal. Hay momentos de disfrutar, y otros más down, y esta canción salió de esto último, pero bueno, al día siguiente ya estaba bien» (risas)
¿Qué opináis el resto?
S: «La carga cae sobre Alberto. Es la cara del grupo, yo no vivo esa dimensión…»
T: «Las giras suponen mucho estrés. Hay mucha gente opinando de todo y es difícil llevarlo a veces».
En producción, ‘Me voy’ es un tema diferente. ¿Nunca fue una opción llevar el disco a otro sitio?
A: «Es una decisión más orgánica».
S: «Me lo tendría que proponer a mí mismo, y por ahora prefiero hacer canciones con un propósito, sí, pero sin el propósito de encajar en un patrón. De forma natural no me sale. Para otros artistas sí».
¿Volver a trabajar con vuestro productor de siempre no era lo fácil?
A: «Trabajar con Max no era lo fácil, no es caer en lo fácil. Vive en Londres y para grabar con él hay procesos en el estudio, que lo hacen siempre un reto fuerte. Genera ciertos contextos para ser creativo. Y encima este año con la gira, la pandemia…»
Pero os conoce ya bien, podéis trabajar con cierta preproducción.
A: «Pero no solemos mandar preproducción. Con ‘Punto Muerto’ y ‘Me voy’ sí lo tuvimos que hacer así, pero las otras, con las demos, empezamos a hacer la producción desde el principio. Él se mete en un mundo de hacer un beat y puede tardar 6 horas. Tú le ves como 6 horas de reloj dándole a un «tin-tin-tin», preguntándote qué va a pasar, te quedas sin tiempo… (risas) pero luego nos encanta lo que nos enseña».
¿Con qué canción se ha tirado 6 horas para un beat?
Varios: «Replicantes», «Marzo», «Nadie bebe por el sabor», que la acabamos después de la grabación…
‘Nadie bebe por el sabor’, que es un varapalo para los enólogos.
(Alberto se ríe) S: «Nos pasó ya en el disco anterior. Con ‘Calambre’, no sabíamos qué estaba haciendo, se pasaba horas ahí sentado».
A: «Cada canción de cada disco es como trabajar con él por primera vez. Hemos trabajado de diferentes maneras, desde cambiar cosas pequeñas que ya llevábamos hechas, hasta empezar de cero, hacer una jam… En lo personal es guay, pero trabajar es siempre una aventura diferente».
He visto que habéis hecho campaña por Varry Brava, ¿pero cuál es vuestra otra favorita de Benidorm Fest, la que más habéis oído?
S: «La de Varry, es un temazo, la que más. Al tenerlos cerca entiendes cómo esa canción encaja en ese universo. Cero intención de engañar a nadie. Es una canción 100% ellos. Luego Tanxugueiras, que me recuerda a esas canciones que ganan por Finlandia. En la primera gala no hubo ni un desafine, 3 tías cantando súper bien».
A: «Todos cantaron mejor en la primera semifinal. Yo hice campaña con Varry, era mi favorita, pero tenía el corazón dividido entre ellos y Rigoberta, y le mandé un mensaje para explicárselo».
Everything Everything, uno de los grupos de art-pop favoritos del público por discos como ‘Get to Heaven‘ o ‘RE-ANIMATOR‘, vuelve con nuevo disco en mayo. ‘Raw Data Feel’ sale el día 20, su estética se inspira en la de la inteligencia artificial, y sus letras tocarán temas personales para el líder de la banda, Jonathan Higgs, que en este caso ha querido huir de escribir letras políticas porque no quiere que ser encasillado, y ha optado por ahondar en sus propios traumas, a través de la creación de diversos personajes.
Lo que no quiere decir que la tecnología de la inteligencia artificial no vaya a tener su parcela de protagonismo en el álbum: el grupo de Londres ha creado un programa de inteligencia artificial específicamente para desarrollar algunas de las letras contenidas en el disco (además de títulos de canciones y parte del artwork), y además ‘Raw Data Feel’ combinará sonidos electrónicos y orgánicos con la producción del guitarrista de la banda, Alex Robertshaw, y la ayuda de Tom Fuller (conocido por sus proyectos Kaines y Tom A.D).
Esa combinación de naturaleza y futuro es exactamente lo que muestra el primer single oficial ‘Bad Friday’. Se trata de un divertido tema de pop con influencias del afrobeat y detalles de electrónica de club, que presenta cierto componente teatral en el aspecto vocal, en el modo en que, en las estrofas, la voz de Higgs parece venir desde varios lugares al mismo tiempo, lo cual crea un ambiente de «surrealismo y desorientación».
La extraña composición de ‘Bad Friday’ da lugar no obstante a una de las canciones de Everything Everything más divertidas e inmediatas en mucho tiempo, y tiene su significado, pues la letra nos habla de una agresión sufrida por Higgs una noche sin que el mensaje sea nunca demasiado explícito o duro de afrontar, de ahí que el título prometa en realidad una historia más desenfadada, la de una noche de excesos.
1. Teletype
2. I Want A Love Like This
3. Bad Friday
4. Pizza Boy
5. Jennifer
6. Metroland Is Burning
7. Leviathan
8. Shark Week
9. Cut UP!
10. HEX
11. My Computer
12. Kevin’s Car
13. Born Under A Meteor
14. Software Greatman
Christina Aguilera y Ozuna ascienden con ‘Santo‘ al número 1 de JNSP gracias al movimiento fan de la primera, otorgando curiosamente el primer top 1 de la historia del site a Ozuna en un momento en el que dábamos el reggaetón un poco por agotado. Para ella es el segundo número 1 con nosotros después de la mucho más interesante ‘Accelerate’, para siempre en nuestros corazones. ‘Santo’ ha sido puesto 72 en España y puesto 80 en Alemania, si bien después no está teniendo un desarrollo en las listas y ya ha desaparecido de todas ellas. El tema no aparece entre los más escuchados de Ozuna.
La entrada más fuerte es la de Fangoria, seguidos por Mitski, FKA twigs y Caroline Polachek. También en el top 20 aparecen Miss Caffeina y El Último Vecino y por los pelos llega al top 40 el interesante nuevo tema de Biznaga, con aspiraciones de himno generacional: ‘Contra mi generación’.
Tras casi un año y medio en Orange TV, Los Felices Veinte dice adiós por decisión de la cadena y emitirá su último programa el próximo jueves 24 de febrero. Lo anunciaba Nacho Vigalondo, el presentador del programa, en un tuit en el que no puede esconder su tristeza aunque la intente disimular entre bromas: “acabamos de grabar la última entrega EVER” “Queda una semana de programas especialmente frágiles, extraños y tóxicos. THE FINAL COUNTDOWN”
Todas las personas que han estado involucradas en esta aventura se sienten derrotadas porque, como dice el guionista del programa Carles Cuevas en su cuenta de Twitter, “Los Felices Veinte se acaban antes de tiempo”. Además, Cuevas ha añadido que el equipo está deseando volver de alguna forma u otra, y ha lanzado un grito de esperanza: “Si lo pedís muy fuerte y sois impuros de corazón Los Felices Veinte puede volver, que nos rescate alguien, que puede ser”.
El late night de Nacho Vigalondo, Aníbal Gómez y Paula Púa siempre ha apoyado la música y la cultura, y es un placer poder ver un programa que apueste por voces como Carolina Durante, Icíar Bollaín, Bob Pop, Rigoberta Bandini, La Bien Querida o Chica Sobresalto. De la misma manera, es una pena reafirmar que a la cultura no se le da el espacio que merece y que vuelve a ser derrotada en la televisión. Con suerte, Los Felices Veinte volverán a sonreír a través de otras cámaras.
Acabamos de grabar la última entrega EVER de @felicesveinte, que podréis ver el jueves que viene. Queda una semana de programas especialmente frágiles, extraños y tóxicos. THE FINAL COUNTDOWN. pic.twitter.com/7eEIiLG952
Bueno, después de varios días en shock, puedo hablar. @felicesveinte se acaban antes de tiempo, y que quede claro, ha sido una decisión empresarial, el equipo está deseando volver de alguna forma u otra. Ha sido una putada, pero también un milagro⬇️ pic.twitter.com/xB3dTlbN9K
Hace un año que Omar Montes anunció en La Resistencia que C. Tangana y él habían grabado un tema para ‘El Madrileño’, pero que al final se había quedado fuera del disco porque Antón quería darle su propio videoclip. Pues bien, parece que ese momento ha llegado.
A tan solo un día de que C. Tangana se adentre en su gira ‘Sin Cantar Ni Afinar Tour’, El Madrileño ha lanzado ‘La Culpa’ junto a Omar Montes, Daviles de Novelda y Canelita, y su videoclip es ya número 2 en tendencias de YouTube, solo por detrás de la colaboración entre Becky G y Karol G. La canción es un tema con influencia flamenca que sigue la línea de ‘El Madrileño’, lo que C. Tangana ha aprovechado para publicar una reedición del álbum llamada ‘El Madrileño (La Sobremesa)’.
Este nuevo disco incluye todas las canciones originales, los temas ‘Me Maten’ y ‘Los Tontos’ del Tiny Desk, y varios singles que ha lanzado tras la publicación del álbum como ‘Ateo’ o este mismo ‘La Culpa’.
C. Tangana llama la atención en este nuevo single por el papel tan secundario que toma, desapareciendo casi de la canción hasta el último minuto, que canta solo una estrofa, y su voz ni se aprecia en el estribillo. Es una actitud que también se pudo ver en la actuación de la gala de los Goya, donde Rita Payés fue la clara protagonista de los minutos que compartían.
Little Spain vuelve a encargarse de la realización del videoclip, y la producción sigue siendo fiel a la imagen y esencia del madrileño. Por ejemplo, la manera en la que se tratan los colores y la decoración de los años 70 recuerdan ya al artista. El vídeo se ambienta en un Centro Masculino de Curación Integral que huele a secta: a lo largo de la canción los protagonistas del videoclip cantan mientras asisten a terapias de grupo, masajes o hacen deporte rodeados de gente que viste de la misma manera. Además, el hecho de que al final del video paguen una factura de más de 25.000€ junto a un folleto de bienvenida que recoge mensajes como «solo en el fondo de tu corazón podrás encontrar el perdón pleno” o “busca tu perdón compañero”, hace dudar sobre la naturaleza de este centro.
Cuando a mediados de los 90 llegaban a nuestros oídos los primeros beats que hoy identificamos como drum&bass, jungle y breakbeat, de alguna manera aquella música ya sonaba un poco a fin del mundo. La electrónica de aquellos tiempos parecía anticipar el siglo XXI -incluso en España se hizo un famoso programa de radio llamado así- y, pese a su componente renovador, adivinábamos también que una nueva era no traería necesariamente algo bueno.
El paisaje que dibuja el vallisoletano Erik Urano -también conocido como Flat Erik o como el rapero de la provincia menos vaciada de la España vaciada- en su nuevo disco ‘Qubits’ es más feo de lo que vaticinábamos por aquel entonces, pues casi cada verso llega para hablarnos de cómo la nueva tecnología no nos ha hecho mejores personas ni ha construido un lugar mejor. Ni muchísimo menos.
Sus letras se construyen en torno a «unos y ceros», «big data», «bots que no sienten nada», «logaritmos y fábricas», con frases como «no sé quién hay tras la pantalla» o «quieren mi info, quieren mis datos», para hacernos reflexionar sobre cosas como las «fake news», la manipulación de la realidad que vemos en las redes sociales o cómo el mundo se convirtió en una especie de Gran Hermano que ni ‘1984’.
Erik Urano se crió atendiendo al rap en español de gente como 7 Notas 7 Colores y Sólo Los Solo. La crudeza industrial del centro de Europa o en el último lustro el grime británico han ido sumando a su imaginería hasta dar con un sonido bastante identificativo en el que sus versos cortantes se complementan con una producción igualmente oscura. En este disco tiene mucho que ver la producción de Merca Bae, quien ya aparecía en el disco anterior, de manera muy ilustrativa titulado ‘Neovalladolor’ (2020), en concreto en el tema ‘Molecular’.
‘Qubits’ se sirve de una línea estilística parecida, con su variedad y recovecos, para hablarnos de los males del mundo actual, dejando en ocasiones un mal sabor de boca. La palabra «nada» es repetida constantemente en ‘Zero’ justo porque sus primeros beats nos transmiten el mismo nihilismo que ‘Idioteque’, la obra maestra de Radiohead influida por WARP Records. La angustia se palpa incluso en los momentos más instrumentales, como ‘ITER Riddim’, salpicando también a los momentos más pop del breve álbum.
Y es que en ‘Qubits’ encontramos ocasionalmente la inmediatez de una producción de Mad Decent, como por ejemplo en los temas llamados ‘Low’ e ‘I+D’, muy identificativos por sus insistentes títulos o visibles ganchos que apelan al «humo, sangre y sudor» o recuerdan cómo «se supo escapar pero nunca volver». En otras ocasiones son las flautas (tema titular), las máquinas (‘Looper’) o las sirenas en señal de auxilio (‘ITER RIddim’) quienes nos adentran en el particular mundo gris y desangelado de Erik Urano.
Cada vez es más frecuente que los actores decidan probar su talento detrás de las cámaras. Maggie Gyllenhaal es el último gran ejemplo, presentando su opera prima ni más ni menos que en la sección oficial del Festival de Venecia, donde acabó llevándose el premio al mejor guion. También ha conseguido colarse en las nominaciones a los Oscar en esa categoría, en mejor actriz (Olivia Colman) y actriz secundaria (Jessie Buckley).
Basándose en una novela breve de la italiana Elena Ferrante, ‘La hija oscura’ indaga en los problemas de la maternidad desde la mente de Leda, una escritora que está de vacaciones en una isla en Grecia cuando comienza a obsesionarse con una joven madre que también está veraneando allí.
La directora emplea un estilo psicológico para acercarse a su protagonista y demuestra solvencia a la hora de capturar su psique. Se apoya enormemente en esa presencia arrolladora que siempre es Olivia Colman, quien transmite el sufrimiento y tormento de su personaje sin grandes aspavientos, haciendo que sea su mirada nerviosa el principal elemento para que el espectador entienda su agitado estado. Gyllenhaal acude de manera algo excesiva a los flashbacks, un recurso que no siempre termina de convencer. Por un lado, otorga más profundidad al personaje protagonista, conociendo más detalles de su pasado, pero por otro uno piensa que realmente tampoco hace falta entrar tanto en detalles y que a veces es mejor sugerir que mostrar.
Estos flashbacks, a menudo, hacen que la película se vuelva un tanto dispersa y la alargan innecesariamente hasta las dos horas. Pero sí hay algo excepcional en ellos: la presencia de Jessie Buckley, una de las mejores actrices en activo, cuya capacidad para abordar a la perfección cualquier tipo de papel es sencillamente magistral.
Ambas intérpretes son lo más destacado de ‘La hija oscura’ –donde también está estupenda en un papel más breve Dakota Johnson- junto con la audaz puesta en escena de Gyllenhaal, cuyas ideas en la dirección dejan ver un talento prometedor. Es significativo que sea el guion quien más alegrías le esté dando en la temporada de premios, pues se siente que podría haberse pulido más. Dos horas parecen demasiadas para una historia que claramente no pide tanto, especialmente con ese tono severo y dramático que la película escoge. Es interesante pensar cómo sería si la directora hubiese añadido cierto toque humorístico o de histeria, que en este caso, podría haber ayudado a aligerar la trama y seguramente no le hubiera sentado mal. Aunque es justo reconocer que Gyllenhaal siempre aporta una reflexión sugerente sobre lo que supone ser madre y el trauma que esto puede llegar a causar en una mujer a la que la sociedad nunca entiende y que la juzga por sus decisiones.
‘La hija oscura’ está lejos de ser una película perfecta pero no deja de ser un debut prometedor. Y ver a un reparto tan entregado formado por actrices de primera línea es siempre un placer. Hay curiosidad por ver cuál será el próximo proyecto de Maggie Gylenhaal, una directora que no habrá que perder de vista y que esperemos que haya llegado para quedarse.
A Rosalía “le gusta la gasolina”. No es la primera vez que la cantante sale en un vídeo abriendo gas como un motero flipado en el parking de Cheste. El clip ‘De aquí no sales’ olía a gasolina quemada como la peluca de Nicolas Cage en ‘Ghost Rider’. En ‘Saoko’ las motos son las protagonistas. Rosalía, tras haberse puesto el casco en la portada botticelliana de ‘Motomami’, llena el depósito de su Yamaha y se pone a hacer caballitos con sus amigas malotas.
Valentin Petit ya había demostrado su gusto por filmar cabriolas en sus spots para Adidas o Paris 2024. En ‘Saoko’ vuelve a recrearse en las acrobacias de las motocicletas. Rodado en Kiev (¿no había otro sitio más tranquilín?), el director francés cambia la imaginería poligonera española tan característica de los primeros vídeos de Rosalía, por la de los extrarradios de las urbes estadounidenses. “Yo me transformo”, pero el espíritu permanece.
El dinamismo estilístico y la actitud “hedonista” de las chicas de ‘Spring Breakers’, la estética urbana dosmilera, las piruetas automovilísticas del videoclip ‘Bad Girls’ de M.I.A., los planos de culazos tipo porno POV, o la serie anime Durarara!! (los cascos con orejas de gato que tanto están dando que hablar los lleva el personaje de Celty Sturluson), son algunos de los referentes que se pueden encontrar en esta reunión de moteras que, como ocurre en el ‘Gasolina’ de Daddy Yankee, terminará abortada por la policía.
Big Thief prometen aparecer en todas las listas de lo mejor de 2022 con ‘Dragon New Warm Mountain I Believe in You‘, un trabajo de 20 pistas que explora diversos sonidos de folk, country e indie-pop con la soltura y capacidad de invención que caracteriza a la banda de Adrianne Lenker.
«Dragon» es el Disco de la Semana y Disc Recomendado en JENESAISPOP y en el site lo queremos celebrar regalando dos vinilos del disco a las dos personas que envíen la respuesta más divertida u ocurrente a la siguiente pregunta: «¿desde cuándo eres fan de Big Thief?» El correo al que se deben enviar las respuestas es jenesaispop (a) gmail.com.
IMPORTANTE: El vinilo de ‘Dragon New Warm Mountain I Believe in You’ ha sido prensado mediante medidas ecológicas, lo que significa que el color asignado a los dos vinilos que regalamos es totalmente aleatorio y no corresponde con el de la foto que encabeza el post. La redacción de JENESAISPOP desconoce el color de dichos vinilos. ¡Mucha suerte a todxs!
‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini es la canción del momento tras su éxito en Benidorm Fest y, como tal, se presta a diversas parodias como la de ‘Polònia’, que nos presentó las aventuras de «Rigoberto Borboni».
A esta se suma ahora la de Los Morancos, siempre dispuestos a versionar canciones de moda como ‘Malamente’ o ‘Despacito’ para repasar la actualidad española desde el humor. En ‘Ay omá’ Jorge y César Cadaval retratan la actualidad sanitaria de nuestro país para hacer una sátira del colapso sanitario provocado por la pandemia, a través de la música de ‘Ay mamá’.
Entre rimas tan zafias como «te muere en el sofá / me via a caga en los de la Seguridad Social», el penoso estado de la sanidad española según Los Morancos queda reflejado en algunas frases que meten bastante el dedo en la llaga, como «da igual si eres un niño o una abuela / tu dignidad pisoteá por el sistema» o «a los políticos tu vida se la pela».
El festival SanSan vuelve un año más a Benicàssim y esta vez lo hará en sus fechas habituales, los días 14, 15 y 16 de abril, tras celebrar su última edición en octubre a causa de la pandemia. El cartel está conformado por artistas de la popularidad de Steve Aoki, Dani Martín o Rozalén, y también por una serie de nombres interesantísimos algunos de los cuales tampoco son ajenos a las listas de éxitos, como La Casa Azul o Fuel Fandango. JENESAISPOP, que es medio colaborador, repasa 10 de los más imprescindibles. Los abonos para SanSan están disponibles aquí.
La Casa Azul
El proyecto de Guille Milkyway continúa su camino y en 2022 verá la luz un nuevo disco de La Casa Azul que no tardará ocho años en llegar, como el anterior (esperamos). Milkyway lo presentará presumiblemente en SanSan el jueves 14 de abril, y el single ‘Entra en mi vida’ ha supuesto un adelanto más que prometedor, otra batidora de sunshine-pop que escuchar en bucle, con la que enamorarse de la música.
La Bien Querida
Ana Fernández-Villaverde llega a SanSan después de dar varios pasos en el mundo del cine y la televisión. Ha compuesto la canción ‘Río de enero’ para el thriller ‘Express’ y firmado también ‘Llorando por ti’, la canción principal de la estupenda serie de HBO ‘Todo lo otro’, y además protagoniza ‘Matar a una madre’, el debut cinematográfico de Omar Ayuso. La Bien Querida está muy arriba, ha aparecido incluso en El Hormiguero, y su concierto el viernes 14 será uno de los más esperados.
Rojuu
Rojuu se ha convertido en poco tiempo en una de las mayores promesas del pop nacional. De sus inicios emo trap hemos pasado a colaboraciones fantásticas con Amaia u Orslok (su viral ‘Tofu Delivery’ ronda los 6 millones de streamings) y su debut en Sonido Muchacho le abrirá por seguro nuevas puertas: ‘KOR KOR LAKE‘ es su trabajo más pop, más luminoso y, en definitiva, el que promete introducir su nueva música a una nueva generación de seguidores. Lo presenta en SanSan el sábado 16.
Califato ¾
El jueves 14 será el turno de ver en directo a Califato ¾, uno de los grupos que están recuperando en folclore andaluz a su manera, MUY a su manera, mezclándolo con altas dosis de humor, irreverencia e improbables influencias que van del acid al footwork pasando por el hip-hop o la electrónica más erudita. Su objetivo es «explorar el cante andaluz y la música andalusí desde una doble óptica, la respetuosa y la irreverente», y lo hacen en un recomendable segundo álbum que ha sido nominado a Premio Ruido.
Kase.O Jazz Magnetism
El rapero zaragozano no publica disco desde 2016, cuando vio la luz el aclamado ‘El círculo’, pero en 2021 sorprendió publicando una de sus canciones más divertidas, ‘Ringui Dingui’, una colaboración con SFDK que se prestaba a infinitas escuchas, y que fue una de las mejores canciones de aquel año. Pero lo que presentará en SanSan el viernes 15 es otra cosa: Kase.O recupera su proyecto de jazz, conformado por él y por varios músicos de Barcelona, con el que no ha dejado de agotar entradas desde 2011.
Fuel Fandango
Otro grupo que presentará nuevo disco en SanSan, aún inédito, es Fuel Fandango. El dúo de Cristina Manjón y Ale Acosta, que actúa en SanSan el viernes 15, ha triunfado con su sonido de flamenco fusionado con electrónica y otros sonidos, llegando al número 1 de álbumes en España con ‘Origen‘, y su nuevo trabajo nace de dos viajes que ambos músicos han realizado a otros países y culturas. Es su trabajo «más ambicioso y redondo» e incorporará sonidos de «percusión africana, guitarra española, cajón flamenco y música urbana».
Crystal Fighters
El grupo de Londres conocido por coquetear con la música tradicional vasca (y con la electrónica u otros sonidos procedentes de diversas partes del mundo) lleva ya más de 10 años en activo durante los cuales ha explotado su potencial de banda festivalera por antonomasia. Nunca han tenido un viral tamaño Glass Animals, pero sus discos se han vuelto cada vez más comerciales, y no hay concierto que ofrezcan en festivales que no se pete de público. Una nueva oportunidad de comprobarlo será el jueves 14.
Tanxugueiras
El trío de cantareiras ya era un exitoso grupo de directo antes de llegar a Benidorm Fest, pero el certamen ha conseguido llevarlas al mainstream con un sonido que bebe de la tradición gallega, para mezclarlo con electrónica u otros sonidos contemporáneos. ‘Terra‘ es oficialmente un hit en España y tras su paso por el certamen su disco de 2019 ha entrado en la lista de álbumes española. Está claro que había todo un público ahí fuera esperando una propuesta como la suya, que en SanSan podrá reencontrarse con ellas el viernes 15.
Kokoshca
Disco a disco, Kokoshca han ido puliendo su sonido, experimentando con diversos estilos y entregando mejores canciones. La proporción de temazos incluidos en su reciente álbum homónimo da lugar probablemente a su mejor disco, y miedo da (en el buen sentido) lo que venga más adelante. El sábado 16 será el momento de que el grupo navarro presente en directo su himno de la generación Tinder, ‘Te sigo esperando’, o la polémica ‘Himno de España’, entre otros hits que han lanzado a lo largo de una década.
Amatria
El proyecto de pop electrónico de Joni Antequera se ha superado a todas luces con su quinto álbum de estudio, un disco simplemente titulado ‘Un disco‘ que es más que «un disco»… es probablemente el más refinado de su carrera, lo cual es evidente en singles como ‘Un alud’ con Delaporte o «deep cuts» de la calidad de ‘Una voz‘. Lo presentará en SanSan el viernes 15.
Kanye West ha compartido el tracklist de su nuevo disco, ‘Donda 2’, la segunda parte de su último trabajo, que debería ver la luz el 22 de febrero. El listado de temas parece provisional (como suele ser el caso de ye) ya que en la imagen que comparte el rapero, aparece enumerada una pista 22 a la que no se ha adjudicado título alguno, y el orden de algunas de ellas parece sujeto a cambios.
01 Security
02 Lift Me Up
03 Get Lost
04 Pablo
05 True Love
06 Keep It Burnin’
07 Broken Dad
08 I’m Finna Love Me
09 Sci-Fi
10 We Did It Kid
11 Flowers
12 Maintenance
13 530
14 Mr. Myagi
15 Selfish
16 First Time
17 Louie Bags
18 Candyland
19 Closed for Business
20 Do I Look Happy
21 Things Change
22
El rapero comparte detalles de su nuevo disco en medio de la polémica por su continuado acoso a Kim Kardashian y a su nueva pareja, el cómico Pete Davidson. Kanye y Kim anunciaron su divorcio el año pasado y, desde entonces, el rapero ha emprendido una campaña de acoso contra Kardashian para «recuperar a su familia» y ha incitado a sus seguidores a gritar a Davidson la frase «KIMYE FOREVER» si se lo encuentran por la calle. Kanye ha llegado tan lejos de enviar a Kim una furgoneta con rosas por San Valentín y a publicar mensajes privados mantenidos entre Kardashian y él en los que la influencer le pide que respete la integridad de Davidson y que deje de publicar dichos mensajes.
‘Donda 2’ no será un disco accesible para el pueblo. Kanye West ha decidido que publicará la segunda parte de su exitoso álbum ‘Donda’ de manera exclusiva a través de su propio reproductor musical Stem Player, un dispositivo parecido al reproductor MP3 que permite personalizar canciones al gusto. El reproductor está disponible en el mercado a un precio de 200 dólares.
La intención de Kanye con el lanzamiento exclusivo de ‘Donda 2’ es «liberar la música del sistema opresor» que representa la industria musical, porque «hoy en día los artistas solo ganan el 12% de los beneficios que la música genera» y «ya es hora de tomar el control y construir nuestro propio sistema». Por eso, ‘Donda 2’ no estará disponible para escuchar «ni en Apple ni en Amazon, ni en Spotify, ni en Youtube», solo a través de su dispositivo de creación propia.
El dispositivo salió al mercado incluso antes que la primera parte de ‘Donda’, pero su lanzamiento pasó desapercibido, por lo que la decisión de Kanye lo pondrá definitivamente en el mapa de mucha gente. Aunque las primeras reacciones ante la noticia están siendo de rechazo incluso en la sección de comentarios de Instagram de West, donde el público advierte que «no va a pagar 200 dólares por escuchar un disco».
Troye Sivan protagoniza una de las novedades de la semana de la mano de Jay Som con ‘Trouble’. La canción forma parte de la banda sonora de ‘Three Months’, la nueva película que Troye protagoniza Y que narra la historia de un adolescente que contrae VIH antes de su graduación.
‘Trouble’ se vale de la producción del australiano Styalz Fuego para continuar por el interesante camino mostrado por Troye en su excelente mini álbum de 2020. Es como una versión luminosa de aquel. Una producción medio alternativa, próxima al indie-pop y bastante uptempo, basada en un animado patrón de puñetazos rítmicos, sirve a Troye Sivan para contarnos que ha conocido un nuevo amor cuando menos lo esperaba, mientras la autora de ‘Anak Ko’ simplemente acompaña con sus cálidas tomas vocales.
En la canción, Troye se dirige a un «amante accidental» que se ha presentado en su vida en el momento más oportuno, justo cuando «no necesitaba un amigo» y «había dejado de esperar algo más». El australiano está «loco» por esta persona y está encantado, en pocas palabras, de estar «en problemas». La excitación es tal que Troye exclama «¡oh Dios mío»! en alguna ocasión, y la música transmite esa misma euforia y exultación en su conjunción de ritmos de indie-pop ochentero, atmósferas psicodélicas y guitarras acústicas.
Una guerra interna como no se recuerda en 40 años de historia se ha abierto en el Partido Popular. Los españoles hemos asistido, atónitos, a un durísimo cruce de palabras entre Isabel Díaz Ayuso, presidenta de la Comunidad de Madrid, y Teodoro García Egea, secretario general del mismo partido conservador. Se han lanzado cuchillos como «cruel», «injusto» y se ha apelado a la «honorabilidad» de familiares, con un dramatismo que ni en el mejor capítulo de ‘Juego de Tronos‘. Imagen: El Jueves.
Todo comenzaba a raíz de unos rumores que apuntaban a la contratación de un detective privado por parte del PP para averiguar si hubo corrupción en la asignación de un contrato de mascarillas compradas por 1,5 millones de euros en el peor tramo de la pandemia. Ayuso se las habría comprado a una empresa amiga de Ayuso. Que Almeida compareciera hablando de detectives y que Mortadelo y Filemón se convirtieran en «trending topic» de manera inmediata fue todo uno. En el punto de mira estaba una supuesta comisión de 286.000 euros para el hermano de Ayuso en la venta de dichas mascarillas, mientras unos decían que ni siquiera se dedicaba originalmente a ellas y ella asegura que su hermano es «comercial sanitario hace 26 años».
La bomba ha explotado. El Partido Popular niega haber contratado a tal detective, pero Ayuso ha comparecido para acusar abiertamente al entorno de Pablo Casado de urdir una «campaña de desprestigio» contra ella, calificando la actuación de la dirección del PP como «cruel e injusta». Creerse que el fondo de todo esto era por el Congreso del PP de Madrid era de ilusos, aquí ya estábamos hablando de la Moncloa a largo plazo. Ayuso, crecida por su evidente apoyo popular frente a Casado (lo de su Instagram es completamente insólito), entonaba, rotunda, y sin admitir preguntas, su propio «que no me voy, que me quedo»: «El que dirigentes del Partido Popular hayan actuado así es un hecho gravísimo (…) No puede haber nada más grave que acusar a alguien de la propia casa, con responsabilidades de Gobierno, de corrupción. Y hacerlo sin pruebas metiendo de por medio a mi familia (…) Que la oposición me ataque es lógico; pero que lo haga la dirección de mi partido porque quiero presentarme al Congreso del PP de Madrid es insensato».
Teodoro ha comparecido solo 1 hora después para denunciar también la actitud de Ayuso e informar de que se le ha abierto un expediente, que según los expertos puede acabar con su destitución: «Ha vertido acusaciones gravísimas, casi delictivas, contra el presidente y toda la formación. Es algo nunca visto en nuestro partido», indicaba al tiempo que recordaban que la han apoyado durante 17 años y que fue Casado quien apostó por ella, «cuando más sola estaba». Ayuso, que ganaba las últimas elecciones en Madrid con una mayoría que Mañueco no ha logrado en Castilla y León, se burlaba de cuántos votos para el PP habían conseguido otros «de pasillo en pasillo», «sin tener que gestionar» un gobierno. Cabe por ver si sus 65 diputados en Madrid la respaldan y en qué medida, o si estos apoyan a la dirección nacional.
Twitter ha estado a la altura como no podía ser de otra manera, y los memes no se han hecho esperar, siendo especialmente brillante, como siempre, la ocurrencia de El Mundo Today: Biden anuncia que mandará tropas a la sede del PP en la calle Génova de Madrid. Puedes opinar en nuestro foro de Política Superficial.
🔴ÚLTIMA HORA | Llegan las primeras imágenes del hermano de Ayuso. La fotografía se habría tomado segundos después de que oyera su nombre en la televisión. pic.twitter.com/ySCKMOM7BG
Hoy sale el nuevo disco de Beach House (o, más bien, el último de los cinco capítulos que se han ido conociendo a lo largo de los últimos meses), y también ‘La Sobremesa’ de C. Tangana, una especie de pie de nota de ‘El Madrileño’ que incluye temas nuevos y viejos. Metronomy, Sally Shapiro, Josef Salvat, Hurray for the Riff Raff, BROODS, Estrella Fugaz y Ptazeta entregan hoy también sus nuevos discos. Un miércoles cualquiera Alice Glass ha compartido su debut en solitario.
La semana de San Valentín ha llegado cargada de novedades románticas como ‘Santa’ de Cupido, ‘I Love You’ de Fontaines D.C. o la destacada ‘Avatars of Love’ de Sondre Lerche, a las que se han sumado estos días también las nuevas propuestas de Lola Indigo (una oda a las «solteras», eso sí) o Snail Mail (‘Adore You’ es la maqueta de su tema ‘Valentine’).
Esta semana han adelantado por primera vez sus nuevos álbumes Ibeyi, Kurt Vile o Stars y han seguido avanzando sus inminentes lanzamientos Nilüfer Yanya, La Plata, Rex Orange County, Destroyer, Rumer (otro disco de caras B), Tinashe (una reedición de ‘333’) o Antònia Font.
Entre las novedades del viernes y de la semana destacan la colaboración inesperada de Troye Sivan y Jay Som, la colaboración no tan inesperada de Baiuca y Carlos Núñez, la colaboración tampoco inesperada de Biznaga y Triángulo de amor bizarro, el nuevo hit de Future Islands, el single de Nathy Peluso para un videojuego o el regreso de Cariño.
Hoy también lanza single rockero J Balvin y presentan novedades Clean Bandit, la promesa del pop nacional Rorro o la amiga de Olivia Rodrigo Sabrina Carpenter, mientras el también prometedor Isaac Dunbar saca de quicio a su padre con su nuevo «look». ¿Y conseguirán Regard un nuevo hit en Reino Unido de la mano de Years & Years con ‘Hallucination’?
Cuando se va a cumplir un año de su paso por los Goya, Nathy Peluso publica un nuevo single que recibe el nombre de ‘Emergencia’ y que viene acompañado del lanzamiento del videojuego Horizon Forbidden West, a través de un evento que podrá verse en abierto en Youtube y Twitch.
Aquel que no sepa de qué estamos hablando, lo comprenderá mucho mejor cuando vea el videoclip que se ha estrenado para este tema, ‘Emergencia’, con la mismísima Nathy Peluso convertida en una protagonista de videojuego realizando también una coreografía en medio del desierto… solo para pasar después a otro escenario con un vestuario más glamouroso. Finalmente, el entorno vuelve a ser urbano, probablemente en metáfora de cuánto muta la propia producción.
‘Emergencia’ es un tema de beat machacón incansable, co-producido entre varias personas, entre ellas ODDLIQUOR (uno de los primeros productores que trabajaron con Peluso), y que contiene la letra «me dijeron que me calle y no me he callado / he perdido mis anillos por el batalleo / Estoy cansada pero no he abandonado».
En ‘Emergencia’ Nathy Peluso apuesta por una actuación vocal robótica a la vez que es prácticamente engullida por la estructura mutante de la canción, que contiene varios cambios de ritmo, inspirada por sonidos de «club» como el dance o el trance.
Os recordamos que Nathy Peluso tiene una amplia gira programada por España que pasa por Bilbao BBK Live, festival del que JENESAISPOP es medio colaborador. Estas fueron nuestras 10 grandes primeras recomendaciones, incluyendo Pet Shop Boys, Moderat y un largo etcétera.
Hurray for the Riff Raff es une de las artistes internacionales confirmades en el cartel del festival Tomavistas de Madrid, que se celebra los días 19, 20 y 21 de mayo. Tras este curioso nombre se esconde (o se revela, más bien) le cantautore nuyorriqueñe Alynda Segarra, una persona que empezó tocando en la calle, tras huir de casa subiendo a trenes de carga o haciendo autostop por todo Estados Unidos en compañía de una banda de vagaundos, y que hoy lleva ya ocho álbumes de estudio publicados. El último, ‘LIFE ON EARTH’, sale este viernes y le traerá a España en primavera.
En el álbum hablas sobre la crisis climática, los derechos humanos… pero también sobre sanar a un nivel personal. ¿Por qué era importante para ti poner el foco en estos temas?
Hace tiempo que no toco en directo y que no saco disco y necesitaba conectar otra vez con la gente. La gente que escuche el disco se puede sentir identificada con los temas que abordo, todos estamos sanando, todos intentamos adaptarnos y sobrevivir. Hacer el disco para mí ha sido muy sanador. Es como el mensaje en una botella que he echado en el océano a espera de que alguien lo encuentre.
En los últimos años has practicado algunas formas de terapia, como la terapia verbal.
Escribir también ha sido una forma de terapia para mí… y pasear por la naturaleza me ayuda muchísimo. Todos pasamos por momentos de miedo y estrés y conectar con la naturaleza para mí es una experiencia atemporal. Obtienes sabiduría de las plantas, que son criaturas que han sobrevivido muchísimos años. Cuando escribo intento compartir las experiencias que he vivido durante mi camino hacia la sanación.
En las entrevistas has hablado de tu fascinación por las plantas, y una de las canciones del disco se llama ‘Rhododendron’. ¿Cuál es tu relación con ellas?
Me crié en el Bronx, por lo que al principio no tenía mucho conocimiento sobre el mundo natural, aunque en el Bronx hay parques muy bonitos, pero vivir en Nueva Orleans me ha abierto la mente a toda la naturaleza y toda la luz que hay alrededor. Siento que estaba cegade a ella. Cuando estoy en la naturaleza, sentada en un parque o en la bahía, intento meditar, sentir el presente, observar la luna. Así es como sobrevivían nuestros ancestros. Creo que se puede aprender mucho de las plantas, y tengo la suerte de que en Nueva Orleans viven muchos herboleros que practican medicina con plantas. En el disco doy las gracias a las plantas por haberme ayudado.
El álbum suena poderoso y luminoso. ¿Qué buscas transmitir a la gente?
Quiero transmitir la verdad de las dificultades por las que todos pasamos. Y quería ser honesta sobre mi determinación por experimentar esta vida en todas sus facetas. La vida también puede ser maravillosa. Aunque seguramente haya gente en el Gobierno que nos quiere deprimidos, también quiero hablar sobre lo bella que es la vida, y sobre mi determinación por afrontar el futuro con intención de experimentar la belleza y el amor que hay en el mundo.
Te has desligado incluso del término Americana porque crees que carece de cierta conciencia social.
Se me metió en la cajita de la Americana cuando saqué mi disco ‘Small Town Heroes’ en 2014, pero creo que el género «Americana» y mi música tienen intenciones diferentes. No quiero ser «hater» pero la Americana no me interesa, yo intento hacer música que es auténtica y que habla de las cosas que suceden en el mundo, especialmente en Estados Unidos. Creo que la Americana no quiere escuchar este tipo de temas, sobre todo si vienen de una persona portorriqueña.
«No quiero ser «hater» pero la Americana no me interesa»
¿Por eso has dicho que haces «nature punk»?
Me parecía un término divertido con el que referirme a mi música, porque en mis canciones hablo de la vida natural, con intención de dirigirme a todas las criaturas que existen en este mundo… pero también guardan cierto espíritu rebelde. Además me resulta divertido irritar a la gente que se toma el punk súper en serio (ríe).
¿Qué recuerdas de tu etapa punk inicial?
Tocaba punk acústico…. daba un poco de vergüenza (ríe) Cuando me fui de casa y llegué a Nueva York, tocaba en la calle y, dado que cuando vivía en el Bronx no podía tocar ningún instrumento eléctrico, me llevé una guitarra acústica. Pero lo más importante de aquella etapa fue crear una comunidad y aprender de todas las personas que había a tu alrededor. Es lo que me llevo.
Has dicho que una de las influencias del disco es Bad Bunny, supongo que por el ritmillo de ‘Jupiter’s Dance’.
Me encanta Bad Bunny. Mi español es muy malo así que no entiendo la mayoría de cosas que dice en sus canciones, pero me encanta su energía y todo lo que representa. Es auténtico y no pide perdón a nadie. Es muy poderosa su manera de retar la homofobia y cuando le veo en directo percibo que se lo está pasando bien, que se divierte con lo que ha creado, y eso me inspira.
Ha llegado a un punto que a la gente le da igual si la relación de Bad Bunny con lo queer es performativa o no.
El propio público queer se lo ha apropiado. Hace poco acudí a una manifestación en Puerto Rico y, en un descanso, un grupo de drag queens empezaron a actuar con sus canciones de fondo. Bad Bunny ha creado algo que ha cobrado una nueva vida gracias a la comunidad queer.
¿Estás entusiasmade por salir de la gira?
Muchísimo. Empiezo a girar en primavera, tengo muchas ganas de tocar en Tomavistas y de conectar con la gente otra vez.
Vaya ojo tenemos a veces los prescriptores musicales (qué bien queda así dicho, parecemos científicos): cuando salió el disco de Dua Lipa mencionamos ‘New Rules’ de pasada, convencidos de que sería una canción irrelevante en la carrera de la británica, cuando fue la que le terminó llevando hacia la estratosfera; cuando escuchamos ‘Heat Waves’ de Glass Animals la abordamos de igual manera y ahora es la canción más exitosa en todo el mundo 2 años después de su lanzamiento, y cuando llegó a nuestros oídos ‘SloMo’ de Chanel la descartamos de inmediato como potencial ganadora del Benidorm Fest porque nos pareció un remedo de ‘Booty’ de C. Tangana y Becky G publicado unos cuantos años tarde, y ahora va a representar a España en Eurovisión. Que nos contraten en RTVE: ¡podemos hacerlo peor!
En nuestra defensa hay que decir que las primeras impresiones no suelen equivocarse, aunque hay excepciones sonadas como la mismísima ‘Ay mamá’ de Rigoberta Bandini; y canciones como ‘SloMo’ ya se han escuchado antes y mejor. Lo peor no es su letra materialista -aunque se queda cerca- sino que la melodía y los ganchos suenan tan sobados que el impacto de una primera escucha es inexistente. La escuchas y y dices «thank you, next«.
Sin embargo, la actuación es otra cosa, una sobrada de tablas sobre el escenario que no tantas artistas pueden replicar. Un show basado totalmente en la coreografía, con momentos que quitan el hipo, y cantado totalmente en directo, y diseñado para el lucimiento total de la artista. Cuando llega el paso «baile a cámara lenta» sabes que Chanel está aprovechando para recuperar el aliento pero, gracias al juego de luces, ni se te pasa por la cabeza. Desde el principio hasta el final no puedes despegar los ojos de ella.
Chanel ha contado que ‘SloMo’ llegó a sus manos después que el asesor de RTVE en Eurovisión Tony Sánchez-Ohlsson se la ofreciera porque le «pegaba» mucho. ¿Por qué? ¿Porque es disfrutona y bailable? Vaya ojo también: ‘SloMo’ ya está fuera del top 100 de Spotify Spain. Su momento viral ha caducado. En la lista de Promusicae pinta que solo caerá en picado. Más bien diría que a Chanel la canción le pega poco o, mejor dicho, que le queda pequeña: ella aspira a mucho más que a una composición tan sumamente básica, con tan poco gancho, que ni entre cinco autores ha conseguido sonar a otra cosa que a «reducto de». Es de esperar en este tipo de hits hechos en laboratorio en los que las idiosincrasias de cada autor quedan diluidas a favor de la «fórmula», ¿pero de verdad no había nadie en RTVE que dijera «esta canción vuelve al cajón»? ¿De verdad alguien la presentó despacho en despacho convencido de que sería un hitazo?
Benidorm Fest ha servido para poner en el mapa a un puñado de artistas estupendos, y una de esas artistas es Chanel. Esta persona que era una completa desconocida para la mayoría del público de repente es famosa cuando ya ha cumplido los 30 años (como le pasó a Jennifer Lopez) pero lleva años trabajando sin descanso para ser la mejor cantante y bailarina posible: comenzó a bailar a los cuatro años, estudió ballet, jazz o baile contemporáneo, en su vida adulta ha actuado en musicales como ‘El Rey León’, ‘Mamma Mia!’, ‘El guardaespaldas’ o ‘Flashdance’, en programas de televisión como ‘Tu cara me suena’ y durante los ensayos de ‘SloMo’ practicó corriendo en la cinta con tacones de aguja. ¿Perdona? ¿Eres Beyoncé? A eso se llama determinación y ambición, de las que Chanel va sobrada: ya ni nos acordamos cuando los concursantes de Operación Triunfo decían que no se sentían preparados para ir a Eurovisión. Gracias, Benidorm Fest, por cambiar las tornas.
Tras la victoria de Chanel en Benidorm Fest hubo clamores de tongo, luego se descubrió que la artista catalano-cubana ya era una de las favoritas del jurado en las votaciones originales previas a la emisión del certamen, y todavía hay que seguir repitiendo que el jurado no está ahí para representar el voto del público, porque para eso ya está el público: Chanel ha sido la apuesta de RTVE, y hay que agradecer al jurado que haya puesto en el mapa (incluso a nivel internacional) a una artista de la categoría de Chanel que merecía mayor repercusión. La sensación que ha quedado es que lo ha hecho a la fuerza, de manera subrepticia, ignorando el deseo de la audiencia, pero el sistema «corrector» cumple una función, el voto demoscópico también ha hablado y no ha habido corrupción de ningún tipo demostrable. Chanel es justa ganadora como lo hubieran sido otros y, de no haber sido por RTVE, quizá nos habríamos perdido para siempre un gran talento.
A nivel simbólico, sí, la victoria de Chanel representa una derrota para la apuesta independiente, pero no se puede subestimar a una persona que baila como Chanel, a la altura de atletas del pop como Beyoncé o Jennifer Lopez y que derrocha tanto carisma y confianza sobre la tarima. Más bien hay que pedir que le lleguen mejores canciones a la mesa, con las que incluso pueda lucirse más en el terreno de la coreografía, porque para llevar ‘SloMo’ yo me quedo con Luna Ki por mucho autotune que tenga por medio: por lo menos llevaba una canción digna. ‘SloMo’ es un «slo-no». Y aún así, no subestimaría que el poderío de Chanel sobre el escenario conquiste a Europa. ¿Y si gana? Ahí sí la celebraremos. Ahí sí nos saldrá la vena patriota. Ahí sí veremos el talento de Chanel. Y a Chanel se le abrirán todas las puertas que merece: será cuestión de que juegue bien sus cartas y demuestre, a la larga, cuando el público está por fin mirando, que el jurado tenía razón.
Spoon llegan a su décimo álbum en plena forma. Los de Austin se ha hecho un nombre entre los grupos más aclamados del rock contemporáneo gracias a discos de la calidad de ‘Kill the Moonlight’ (2002), ‘Ga Ga Ga Ga Ga‘ (2007) o ‘They Want My Soul‘ (2014), discos en los que han sabido como pocos equilibrar su buen gusto para las melodías (instrumentales y vocales) y unas producciones de primera categoría, y en ‘Lucifer on the Sofa’ apuestan por la inmediatez sin renunciar a ninguna de sus virtudes.
‘Lucifer on the Sofa’ es el disco «más puramente rock ‘n roll» de la carrera de Spoon según la nota de prensa oficial, pero el grupo de Britt Daniel sigue siendo uno de los grupos mejor producidos del rock actual, y para esta labor han contado esta vez con la ayuda de Mark Rankin, conocido por su trabajo con Queens of the Stone Age. La producción de ‘Lucifer on the Sofa’ es inmaculada incluso cuando las canciones persiguen un sonido próximo al garage-rock, como sucede en la anacrónicamente titulada ‘On the Radio’, exuberante en el modo en que suma diversas capas instrumentales.
En este disco que grita «nominación a los Grammy» por los cuatro costados, Spoon se valen del componente directo del rock ‘n roll para entregar una serie de canciones en realidad sumamente melódicas, como suele ser habitual en ellos. La inicial ‘Held’ se vale de un pedazo de riff por lo que muchos grupos de rock matarían para hablarnos sobre la aceptación del amor («por primera vez en mi vida he dejado que me abraces como si fuera un bebé, y me he entregado a tu caridad»); y la final ‘Lucifer on the Sofa’ tampoco debería pasar desapercibida debido a su hipnótica base electrónica, por la que caben referencias a unos «vinilos y casetes» olvidados, abandonados por la (ex) amante de Britt Daniel, con los que este no sabe qué hacer.
Es también estupendo el single principal ‘The Hardest Cut’. No es una revelación como lo fue ‘Inside Out’ (de las que no hay ninguna en este disco), pero es un tema de rock ‘n roll más que efectivo que critica los dogmas, y ‘Wild‘ es otro de esos singles adictivos que Spoon sacan de vez en cuando (bueno, en realidad siempre), realmente excitante en sus juegos de tensión y relajación, que Daniel navega vocalmente con toda la maestría y la garra que le caracteriza.
Entre las pequeñas sorpresas que deja ‘Lucifer on the Sofa’ hay que mencionar los arreglos ultra retro de ‘The Devil & Mister Jones’, que parece sacar sus saxos (y parte de su título) del mismísimo ‘Back to Black‘, aunque por sonido cae más bien en el blues-rock de los mejores Black Keys o de Alabama Shakes; y ‘Feels Alright’ es una de esas pistas que pueden parecer redundantes en el contexto del disco, pero que al valerse de más melodías fabulosas, resulta un auténtico «grower».
Entre medios tiempos tan dignos como ‘My Babe’, los diversos ganchos en ‘Satellite’ (ese solo de guitarra distorsionada) y la necesaria tranquilidad aportada por ‘Astral Jacket’, a partir de canciones supuestamente menores que en realidad son muy disfrutables, Spoon terminan por redondear otro disco notable que sumar a su ya de por sí excelente discografía. Spoon no volverán a ser el «hype» de turno -aunque lo merezcan- pero su música sigue esquivando peros.
Olivia Rodrigo es de esas artistas que transmiten cercanía, simpatía, que parecen accesibles. Quizás sea porque la fama en esta dimensión es prácticamente nueva para la cantante y actriz, pero la manera en la que ha experimentado la popularidad está fuera de lo común. Un álbum debut que la ha lanzado al estrellato llegando al top 1 en diversos países como Estados Unidos y España le ha cambiado la vida, y ahora quiere contar cómo ha sido el camino para darle forma a su primer disco en una nueva película llamada ‘Driving Home 2 U (A Sour Film)’.
La cinta, que se estrenará el 25 de marzo en Disney Plus, consiste en un viaje por carretera (haciendo referencia a su primer single ‘drivers license’) a través del desierto, desde la ciudad donde comenzó a escribir su álbum, Salt Lake City, a Los Ángeles. A lo largo del recorrido, Rodrigo compartirá con sus fans las experiencias que ha vivido gracias a ‘SOUR’, mostrará fotos y videos del proceso de grabación, y se sincerará sobre sus sentimientos más profundos.
Además, la película incluirá actuaciones de todas las canciones de su álbum debut cantadas a lo largo del viaje, en enclaves únicos, y con nuevos arreglos que las harán sonar únicas. Olivia Rodrigo ha compartido en redes sociales el adelanto de la película.
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