El grupo Carolina Durante ha querido rendir homenaje a Leo Messi con el estreno de su nueva canción después de la salida del mítico futbolista del Barça y su posterior fichaje en el PSG (Paris Saint-Germain).
’10’ es el nombre que ha recibido este nuevo tema, haciendo referencia al número que el jugador ha llevado en su espalda en los últimos tiempos. «Hicimos esta canción hace un tiempo y estará en nuestro segundo disco, pero igual hay que sacarla ahora», ha explicado el grupo. El tema fue grabado a finales de 2020, casi podríamos decir que se han marcado un ‘Los Simpsons’ ya que, a pesar de no hacer una mención específica, su letra lamenta la salida de Messi del Barcelona.
«Al que te llama traidor lo quemo vivo» o «se avecina un gran cambio, yo lo entiendo. Seguiré celebrando tus goles en otro equipo», dice por una parte la letra de la canción, que muestra su apoyo al futbolista vaya donde vaya, pero también pueden escucharse ciertas pinceladas de crítica a su decisión: «Y cuando dices que te vas es que ya te has ido» o «sé cómo acabaron las cosas, hay despedidas que dejan herida. Vistes ahora otra camiseta, no sientan bien esas rayas negras».
Lionel Andrés Messi, más conocido como Leo Messi o, simplemente, Messi, ha estado ligado al Fútbol Club Barcelona durante 20 años, donde ha ganado 35 títulos, entre los que cabe mencionar diez de La Liga, cuatro de La Liga de Campeones de la UEFA y siete de la Copa del Rey. Tras estas dos décadas como culé, el jugador argentino ha abandonado el equipo. El Club lo justifica debido a «obstáculos económicos y estructurales», pero Messi ha afirmado su descontento ya que «hace tiempo que no hay proyecto ni hay nada». Sea como sea, a partir de ahora habrá que acostumbrarse a verlo jugar en el Paris Saint-Germain. Foto de: Realmente Bravo.
¿Cómo le está yendo a Doja Cat con ‘Planet Her‘ en el plano comercial? En una palabra: fenomenal. El disco, uno de los mejores de 2021 en el mundo del pop, se mantiene en el número 5 de la lista de álbumes estadounidense, en el 6 de la británica, en el 17 de la española, y en el número 5 en la estimación global de Mediatraffic. Además, ‘Kiss Me More’ con SZA permanece entre las 10 canciones más escuchadas en todo el mundo, el single ‘Need to Know’ aparece en la misma posición y otro corte del disco lo acaba de hacer, aunque ya está fuera.
Ese corte no es otro que ‘Ain’t Shit’, uno de los más «downtempo» de ‘Planet Her’ pero también uno de los más macarras. ¿Recordáis cuando analizamos el fenómeno de las canciones inéditas que se viralizaban en TikTok y mencionábamos a Doja Cat porque había conseguido viralizar una canción nueva que todavía no había publicado? Nos referíamos a ‘Ain’t Shit’. Y de ese viral solo conocido por sus fans, la canción ha pasado a ser una de las más exitosas en todo el mundo a día de hoy.
El sonido de ‘Ain’t Shit’ nos lleva directamente a la época dorada del R&B contemporáneo, la de principios de siglo, cuando discos como ‘The Emancipation of Mimi’ de Mariah Carey o ‘Dangerously in Love’ de Beyoncé copaban las listas de éxitos. En ‘Ain’t Shit’ es un piano el que marca el tempo junto a la ralentizada base rítmica de la canción, produciendo un efecto retro muy elegante, hasta el punto de que ‘Ain’t Shit’ se podría considerar una balada más o menos.
Doja usa esta base para despotricar como solo ella sabe, con mala baba pero también una buena dosis de humor. El chico al que va dirigida la canción está «arruinado» y es incapaz de pagar el alquiler pero cree que puede aprovecharse de Doja, consumir su comida y encima acusarle de haberle engañado con otro cuando «no estábamos saliendo, gilipollas». Doja no tiene tiempo para perdedores y ‘Ain’t Shit’ es su ‘No Scrubs’ particular, como demuestra esta letra en la que la cantante critica a este chico por no ser capaz de ordenar su vida.
El mejor momento llega cuando Doja adopta una voz irónica hasta el delirio para humillar a su ex, al que le dirige «no soy tu madre, encuentra un hobby nuevo, deberías haberme pagado el alquiler, consigue un puto trabajo». El tono de Doja no puede ser más condescendiente… porque sabe que está hablando con un crío. Y ella descarga su rabia sin que le cueste la energía. Sabe que no vale la pena.
Zahara actúa el próximo 3 de septiembre en Toledo dentro de la gira de ‘Puta‘, uno de los mejores discos de 2021 hasta la fecha. El disco, una de las claras obras maestras que ha dejado la música pop en español en los últimos tiempos, difícilmente ha podido ofender a alguien pues trata temas tan sumamente importantes para los tiempos que vivimos como el efecto demoledor del machismo y del maltrato psicológico, entre otros. A nadie se le ha escapado la ironía presente en la portada de ‘Puta’, con una «Miss Zahara» a la que se la ha olvidado la elegancia fumándose un cigarro en un balcón, o en las imágenes promocionales, en las que la cantante de Úbeda aparece vestida efectivamente como una miss, enfrentándose a la cámara con un bebé en brazos y una banda con la palabra «puta» colgada en los hombros.
No todos han querido profundizar en el significado de ‘Puta’ ni mucho menos ahondar en sus desgarradoras letras. A María de los Ángeles Ramos, portavoz de Vox en el Ayuntamiento de Toledo, con ver el cartel de la gira de ‘Puta’ colgado en Toledo le ha bastado para solicitar a la alcaldesa de la ciudad, Milagros Tolón, no solo que retire los carteles de la gira de ‘Puta’ (donde se ve la imagen que ilustra este post) que hay colgados en la ciudad, sino también que el concierto sea cancelado. Como informa El Diario, Ramos considera que el cartel representa una “ofensa extrema a la imagen de la Virgen”.
En su comunicado, Ramos ha declarado que “estamos ante una nueva provocación intolerable por parte del Ayuntamiento de Toledo que ha permitido que se ataque la libertad religiosa de la mayoría de los toledanos”, y ha expresado que “no sólo el Gobierno socialista está siendo cómplice de esta ofensa extrema a la imagen de la Virgen, sino que además jalea viendo como se atacan los sentimientos religiosos”.
La portavoz de VOX opina que «es una incongruencia que Milagros Tolón y el presidente de Castilla-La Mancha, Emiliano García-Page, asistan el próximo domingo a la misa de la Virgen de Nuestra Señora del Sagrario, mientras a su vez patrocinan ataques a los toledanos católicos”, y advierte de que «si finalmente no actúan contra este ataque y deciden asistir a la eucaristía del domingo, van a demostrar que estamos ante la izquierda más totalitaria, sectaria y rancia que ha pasado por el Ayuntamiento de Toledo».
De momento, el Ayuntamiento de Toledo ha decidido retirar el cartel de los espacios públicos, como informa Huffington Post a través de La Tribuna de Toledo, “aunque es visible en diferentes lugares de otras ciudades y en sitios web”. El concierto sigue en pie.
Zahara ha contestado a VOX durante su concierto de este miércoles en Valencia. Visiblemente emocionada por los vitoreos de su público, la cantante ha declarado que «ojalá hubiese podido decirle a la María Azahara de 12 años que cuando la insultaban, la llamaban puta y nadie quería ser su amiga, que en el futuro, con 37 años, un día todas sus compañeras y compañeros de profesión, toda la gente que admira, todo su público y todas las personas queridas saldrían a defenderla». La artista ha dado las gracias a la audiencia por la «respuesta de amor brutal» recibida y ha dicho que «la única respuesta que voy a dar a todo eso que ha ocurrido lo voy a hacer en el escenario; defendiendo el arte, la música y la libertad de expresión».
Zahara, anoche en Valencia: "La única respuesta que voy a dar a todo lo que ha sucedido será encima de un escenario defendiendo el arte, la música y la libertad de expresión". pic.twitter.com/LLtxYGz7rz
Por supuesto, la imaginería de ‘Puta’ está intrínsecamente relacionada con la religión y la religión es un tema tratado en el disco. En la entrevista que mantuvimos con ella hace meses, Zahara recordaba con afecto a su párroco, pero daba detalles sobre su complicada relación con la religión. «Cuando era niña, era súper creyente, rezaba 3 Avemarías antes de dormirme a los 7, 8, 9, 10, 11, 12 años. No me podía dormir sin rezar porque pensé que me moría. Ya eso dice mucho de cómo tenía la cabeza. Cada día le pedía a Dios que me dejaran de pasar estas cosas o que me diera fuerza para decirle que no a las personas que me hacían daño. No lo conseguía y seguían pasándome. Al ver día tras día que me pasaban estas cosas y cada vez iba a más, yo entendía que Dios entendía que yo me merecía esto. Dios observaba mi vida y nunca intercedía. Sentía que Dios estaba de acuerdo con eso, entonces era mi culpa».
La autora de ‘Santa‘ explicaba: «Toda esta carga me viene de la religión. Cuando decía a mis padres que las de mi pandilla no eran mis amigas, nunca me dijeron: «algo habrás hecho». Me intentaron entender, nunca me hicieron sentir culpable. Pero un ser superior sí me estaba diciendo «es que no eres suficiente para el grupo, ni para el que llamáis «el de las tontas», eres tan tonta que ni en las tontas funcionas». Concluyes: «Soy una mierda de persona, obviamente». Entiendo que los textos religiosos tienen interpretaciones positivas y que lo que para mí es, no tiene que ser para otra persona, pero a mí me hizo mucho daño la interpretación que yo hice y se hizo en mi entorno».
La canícula no ha hecho sino estimular la creación de una nueva edición de Flores en el Estiércol y, si bien no se puede entender como una edición veraniega (me temo que mi querido Lo + Sabrosón es cosa ya del pasado), parece inevitable percibir en sus sonidos cierto contagio de la época estival, ya sea en los sonidos más reposados o en los más frenéticos y nocturnos.
Los últimos quedan plasmados en números tan hedonistas como los de Diplo junto a Jungle y el productor Damian Lazarus –una ‘Don’t Be Afraid’ que, sorprendentemente, bien podría venir apadrinada por Kevin Parker y sus Tame Impala-, la celebración queer lanzada por Planningtorock en pleno Orgullo LGTBIQ+ bajo el sugerente título de ‘Gay Dreams Do Come True’ o la tan enigmática como irresistible ‘Let’s Sing Let’s Dance’ de la surcoreana Hye Jin Park, trío con el que se abre esta playlist.
En una línea semejante, nuestras Flores quedan salpicadas por esa onda uptempo con números como la psicodelia pop de ‘Gemini and Leo’ de Helado Negro, la noventera ‘Whenever You’re Ready’ de la sugerente Mahalia, una ‘I Know You Know’ que enfatiza a lo grande el regreso del francés Anoraak con un nuevo EP repleto de disco funk en los cánones o ‘come over’ de Joan, que se dan la alternativa a sí mismos tras la inclusión de ‘so good’ en la selección del mes pasado. Como contrapuntos fuera de cánones, ‘Say Something’ marida disco y free-jazz de manera sorprendente como gran bandera del debut de la británica Emma-Jay Thackray, mientras que su compatriota Priya Ragu nos lleva a abrazar las influencias de sus raíces indo asiáticas tamizadas por un filtro contemporáneo en la estupenda ‘Kamali’.
Junto a estos nombres de perfil relativamente poco conocido, Damon Albarn y Sufjan Stevens aportan relumbrón al conjunto. El primero, con un grower bautizado ‘Polaris’ que justifica toda atención hacia su nuevo álbum en solitario; el segundo, retomando el embeleso acústico que tantas alegría nos ha dado, esta vez como parte de un nuevo disco que firma junto a su amigo y socio musical Angelo de Augustine, ‘A Beginner’s Mind’, que ve la luz el próximo 24 de septiembre. De no menos campanillas es el nombre de Beck, que ha colaborado en un nuevo single de Natalie Bergman, quien ya aparecía en nuestra selección previa por la publicación de su debut ‘Mercy’. Y el podio de veteranos este mes lo completa nuestra querida Françoiz Breut, que recientemente ha lanzado un nuevo álbum de cacofónico título: ‘Flux Flou de la Foule’.
Hablando de discos recién publicados, entre las nuevas Flores tienen cabida los lanzamientos de TORRES –‘Thirstier’, una vuelta al rock producida por la propia Mackenzie Scott junto al veterano Rob Ellis-, un nuevo EP de los siempre brumosos y ruidosos –aunque esta vez más pop- A Place To Bury Strangers, junto a los debuts de mujeres tan prometedoras como diversas en sus planteamientos artísticos: la sueca Shungudzo –a la que celebrábamos años atrás en sus singles con Rudimental y BC Unidos, y que ahora muestra una ecléctica visión musical en ‘I’m Not a Mother, but I Have Children’-, la insólita silbatriz (no, no es una broma) Molly Lewis y una Charlotte Day Wilson que en el R&B orgánico de ‘ALPHA’ recibe los favores de compatriotas como BADBADNOTGOOD o Daniel (sólo ha faltado en sumarse Kaytranada).
Proyectándonos hacia el futuro, la selección musical se propulsa con adelantos de los próximos trabajos de Unknown Mortal Orchestra, Zella Day, Yves Tumor o la esquiva Sophia Knapp (que quizá alguien recuerde como telonera de alguna gira de Bill Callahan) con los suecos Dungen, junto a la aportación de artistas tan prometedoras como Indigo De Souza, The Linda Lindas, The Lathums o shego.
Precisamente este tan joven como carismático cuarteto femenino de Madrid nos sirve para enfocar la atención al pop nacional: temas de nombres efervescentes como Flores, Morreo o valverdina (que no es otra que María Talaverano de Cariño) se codean con un fantástico avance del próximo disco de Exnovios o un epílogo a ‘Love and Squalor’ de J’aime en forma de ‘Seis versiones’. Y, confirmando que unas buenas covers pueden resultar de lo más emocionante, no cabe perderse el personal giro que las también navarras Melenas dan al himno underground ‘Eisbär’ de Grauzone. Tanto (o tan poco) como la maravilla de homenaje que Roldán –con la colaboración de El Hijo, Lorena Álvarez, Ibon Errazkin, Kiev Cuando Nieva y Alonson Carmona (Napoleón Solo)- realizan a ‘Ciudadao’ de Chico Buarque.
Parte de la redacción evalúa ‘Take My Breath’, el nuevo single de The Weeknd.
«The Weeknd se marca este regreso junto a Max Martin, Oscar Holter y Belly, el mismo equipo tras los mayores hits de ‘After Hours‘, jugando sobre seguro. Y entre eso y que el gancho principal fuese “take my breath away” (la misma frase que la icónica canción de Berlin) reconozco que la primera escucha no me motivó mucho… pero tengo que decir que ‘Take My Breath’ es un grower, lleno de lugares que quieres volver a escuchar, desde ese inicio en el que parece que va a sonar ‘Edge of Seventeen’ de Stevie Nicks; el ambiente turbio que se va construyendo en la primera estrofa, el más sensual de la segunda; pasando por el eficaz estribillo, y hasta llegar a ese puente (ojalá durase más) en el que termina de cristalizar el regusto a ‘I Feel Love’ que hemos tenido hasta entonces en la canción. Abel sabe cómo llevar clásicos así a su terreno, y convertir ‘Take My Breath’ en otro temazo. Esperemos que tire en ‘The Dawn’ por este camino, y sobre todo por el space disco del interludio (y de aquel teaser), que junto a su oscuridad forman una bomba». Pablo Tocino
«Dicen que las segundas partes no son buenas, lo cual me quedó claro cuando escuché el segundo volumen de ‘The 20/20 Experience’ de Justin Timberlake. Parece que The Weeknd ha cogido un sendero similar. Después de arrasar con ‘After Hours’, de convertir ‘Blinding Lights’ en uno de los mayores éxitos de la historia, de sacarse de la manga una masterpiece como es ‘Save Your Tears’, el canadiense anuncia ‘The Dawn’, segunda parte de ‘After Hours’, y lo presenta con un single a todas luces de segunda. El sonido space disco pasado por las melodías de Bee Gees de ‘Take My Breath’ está bien en concepto, pero el resultado es una cara b que Max Martin y compañía han sacado del cajón de «canciones que desarrollar más adelante». Nos lo están intentando colar como un hitazo, y bien que hacen, pero no lo es». Jordi Bardají
Si Alejandro Sanz llegó a llamar a su último disco ‘El Disco‘, Yves Tumor es más bien lo contrario, eligiendo títulos tan sencillitos para sus álbumes como ‘Heaven for a Tortured Mind’ o, como en el caso que nos ocupa, ‘The Asymptotical World’. Podría parecer un poco boutade llamar así a un EP de seis canciones, pero tiene cierto sentido, porque, empezando por esa referencia a las asíntotas, en este nuevo trabajo Sean Bowie nos lleva con su música por una realidad alternativa que existe en la mente, como hiciera SOPHIE en muchos temas de ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides’. A cargo de Actual Objetcs, el videoclip para ‘Jackie’ (primer tema que conocimos del EP) jugaba ya con la psicodelia y con las continuidades entre varios mundos, mientras Yves decía con especial desgarro eso de “refuse to eat a thing”.
De nuevo se vuelven a mezclar distintos géneros musicales, y aquí encontramos glam rock, pop punk, nu gaze, dreampop, incluso el metal popero de los dosmiles, pero todo esto formando otra masa distinta, que es la que le artiste usa para moldear. Esto podemos verlo especialmente en el cambio que tiene en sus interludios la estupenda ‘Crushed Velvet’, en los ecos a My Bloody Valentine o Bring Me The Horizon en ‘…and Loyalty is a Nuisanche Child’ o en ‘Tuck’, la colaboración con Agnes Gryczkowska y Alex Johnson -la banda de noise industrial NAKED-, que nos recuerda a las últimas aventuras de Grimes. Precisamente con Chris Greatti, que ha trabajado para ella (además de para Poppy o YUNGBLUD), es con quien ha contado Yves para la producción, además de con su viejo colaborador Yves Rothman.
“They say I’m self-absorbed / I put my guard up / it’s so familiar (…) I touch the hand of my lord / it’s so familiar / how can I miss you? / you’re so familiar” canta Yves en el tema donde quizás destaca más la letra, ‘Secrecy is Incredibly Important to the Both of Us’, y que ha sido descrito por la periodista Guia Cortassa como “un cruce entre Prince y Ariel Pink”. Realmente la canción tiene cierto toque bowiesco que es, por otro lado, extensible a toda la obra de Yves Tumor; a su capacidad y su empeño en, más que fusionar géneros, hacerlos desaparecer y formar otra cosa.
El próximo 25 de agosto se cumplirán 20 años de la muerte de la cantante Aaliyah Dana Haughton, que falleció en un accidente aéreo a la temprana edad de 22 años y con tres álbumes publicados. De ahí surge esta polémica.
La música de Aaliyah nunca ha sido lanzada en las plataformas digitales. En Spotify, por ejemplo, solo están disponibles sus primeros sencillos y su primer álbum, ‘Age Ain’t Nothing But A Number’. Esto cambiará el próximo 20 de agosto, después de un acuerdo entre el sello discográfico Blackground Records 2.0, en asociación con Empire, para lanzar su segundo álbum, ‘One in a Million‘.
Sin embargo, el equipo que se encarga de gestionar el legado de la cantante, The Estate of Aaliyah Haughton, no autorizó el lanzamiento por parte de este sello. Esto sucede ya que el sello discográfico pertenece a Barry Hankerson, tío y dueño de los masters de la cantante, es decir, el resultado final de la música que se puede distribuir en diversos formatos. Sin embargo, la madre de Aaliyah, Diane Haughton, es la encargada del resto del patrimonio de su hija.
Con todo, The Estate of Aaliyah Haughton declaró el pasado 4 de agosto que «ha luchado entre bastidores, soportando sombrías tácticas de engaño con proyectos no autorizados» y criticó, además, «un esfuerzo sin escrúpulos por publicar la música de Aaliyah sin ninguna transparencia ni una rendición completa de cuentas».
Si los estos temas legales no llegan a más, el plan del sello Blackground Records 2.0 junto con Empire es lanzar en streaming el segundo álbum de la cantante el 20 de agosto, el tercero, ‘Aaliyah’, el 10 de septiembre y las compilaciones ‘I Care 4 U’ y ‘Ultimate Aaliyah’ el 8 de octubre. Foto de: ChristopherKolk.
Beyoncé tiene preparada nueva música, así lo ha confirmado en una entrevista concedida a la revista ‘Harper’s Bazaar’, de la que también será portada el próximo mes de septiembre, casualmente el mismo mes de su cumpleaños.
«Llevo más de un año y medio metida en el estudio de grabación», es lo más llamativo que ha mencionado la cantante en la entrevista en lo que al tema de la música se refiere. Su último trabajo relacionado con la música fue en 2019, cuando la escuchamos en la banda sonora del live action de ‘El Rey León’ poniendo voz al personaje de Nala, a sus canciones y y a otras recogidas en el álbum de la película, ‘The Gift‘.
La artista confirma en esa misma entrevista que este tiempo de parón se debe, entre otras cosas, a las circunstancias que vivimos desde el año pasado con el estallido de la COVID-19: «Con todo el aislamiento y la injusticia del último año, creo que todos estamos listos para escapar, viajar, amar y reír de nuevo». Además, también han estado presentes sus problemas de saludo como el insomnio, el estrés y algunas dietas a las que se sometía que le han perjudicado.
No ha querido entrar en detalles de cómo será ni cuándo llegará su nueva música ni su posible próximo álbum. La entrevista hace más hincapié en su trayectoria y en su 40 cumpleaños el próximo 4 de septiembre: «Mi deseo es que mis 40 sean divertidos y llenos de libertad. Quiero sentir la misma libertad que siento en el escenario todos los días de mi vida». De momento habrá que esperar a septiembre para ver si la artista revela más detalles. Foto: Instagram.
El exfutbolista y ganador de la quinta edición de ‘MasterChef’, Jorge Brazález, se ha lanzado al mundo de la música con la publicación de su primer single y con un nuevo nombre artístico, 1NCORDIO.
‘Tendente’ es el nombre que ha recibido este tema. Según la RAE, la palabra es un adjetivo «que tiende a algún fin», y así es como la define su autor. «Creo que las personas somos tendentes a nuestras pasiones y yo, en mi vida, tengo varias», explica Brazález en una entrevista concedida a la revista ‘Pronto’. También afirma que la música fue una «pasión» que llegó a él antes que el fútbol o la cocina.
La canción es una mezcla curiosa de ritmos de rap y de flamenco, con más presencia de lo primero que de lo segundo. Según esa misma entrevista en ‘Pronto’, su composición empezó durante el confinamiento: «Durante el confinamiento me puse a componer la letra de la canción». De hecho, afirma que hace «alusión» al coronavirus en la letra.
Granada y La Alhambra son las principales protagonista del videoclip de este single, ya que es la ciudad natal de Brazález. Una estética acertada para lo que pretende transmitir el artista, pero que podría haber dado mucho más juego. Hay que tener en cuenta es su primer trabajo musical ya que afirma que «no se había planteado nunca cantar». Todavía tiene tiempo de pulir aspectos como la estética comentada, su voz… Antes de que estrene su próximo tema que, según él, «espera que salga antes de que acabe agosto».
Big Thief, uno de los grupos de folk estadounidense más prestigiosos de los últimos años, si no el que más, ha vuelto con un par de singles nuevos de destino incierto. El single doble de ‘Little Things’ y ‘Sparrow’ conforma el primer lanzamiento oficial de Big Thief desde la publicación, a finales de 2019, de su aclamado disco ‘Two Hands‘, uno de los mejores discos de aquel año. Unos meses antes, en verano, el grupo lanzaba otro disco igualmente aplaudido por la crítica, ‘U.F.O.F.‘, presente también en diversos resúmenes de lo mejor de aquel año.
Los nuevos temas de Big Thief seguirán cautivando a quienes ya eran fans de la formación compuesta por Adrienne Lenker, Buck Meek, Max Oleartchik y James Krivchenia… o puede que incluso les haga ganar algún que otro adepto, porque si la balada ‘Sparrow’ sí entra en los cánones de lo que Big Thief han venido haciendo desde su querido debut de 2017, y su sonido de folk medievalista ya no sorprende tanto, ‘Little Things’, hoy la Canción Del Día, sí prueba cosas nuevas, empezando porque la canción ha sido producida por el batería de la banda, el mencionado James Krivchenia.
‘Little Things’ es una composición donde la percusión -en concreto las baterías- tiene especial protagonismo. No es en absoluto una cancioncilla acústica como las que ha solido hacer Adrianne Lenker en solitario. Por estilos nos sitúa en un folk-rock similar a Arcade Fire, también porque el sonido de las guitarras acústicas no puede ser más prominente y, cuando la canción llega a su clímax con la entrada de unas palmas, a las que acompaña el sonido de una guitarra eléctrica semi distorsionada, queda claro que estamos ante una de las composiciones más exuberantes y épicas de Big Thief. Como de costumbre, la producción de ‘Little Things’ vuelve a ser sobresaliente.
Sin mayor misterio, ‘Little Things’ nos habla de esas «pequeñas cosas» que Adrianne le gustan de su pareja, en contraposición con el estrés de la ciudad y, en concreto, de Nueva York. Lenker piensa en las «pequeñas cosas que me gustan de ti, en cómo dices las cosas cuando explicas qué es lo que haces» y recuerda que ve a su pareja «en el jardín bebiendo cerveza, y me dejas desnuda, como si fuera cualquiera película clásica barata», a lo que Adrienne concluye, en su estilo, yéndose por la senda más dramática posible: «quizá estoy un poco obsesionada».
Chromatics han comunicado su separación a través de Instagram. Aunque, más bien, han sido tres de sus cuatro integrantes, estos son, Ruth Radelet, Adam Miller y Nat Walker, quienes han anunciado la noticia. Johnny Jewel parece haberse mantenido al margen de la separación.
«Después de un largo periodo de reflexión, los tres hemos tomado la difícil decisión de poner fin a Chromatics», expresa el comunicado firmado por Ruth, Adam y Nat. «Nos gustaría daros las gracias a todos nuestros fans y amigos por vuestro amor y por vuestro apoyo. Este ha sido un capítulo inolvidable en nuestras vidas y no podríamos haberlo hecho sin vosotros. Estamos emocionados por el futuro y nos morimos de ganas de compartir pronto nuevos proyectos con vosotros».
Chromatics ha sido una de las bandas más influyentes de la música pop alternativa desde el lanzamiento, en 2007, de su tercer disco ‘Night Drive‘ a través del sello Italians Do It Better, co-fundado por Johnny Jewel. La banda, que había sufrido diversos cambios de formación desde sus inicios a principios de siglo, cuando era tan solo el proyecto unipersonal de Adam Miller, para después mutar en otras bandas, hallaba en el elegante y noctámbulo sonido italo, dark-disco y post-punk de aquel álbum su forma definitiva.
Eran los inicios de una fiebre por el italo disco y el synth-pop más humeante y onírico, salpicado de tragedia gracias a la voz y a las letras de Ruth Radelet, que culminaría con el estreno, en 2011, de la película ‘Drive‘. Protagonizada por Ryan Gosling, ‘Drive’ se convierte en un pequeño fenómeno cultural gracias, en parte, a su banda sonora, que influye a toda una generación de nuevos artistas interesados en su sonido de synth-pop noir, prominentemente a The Weeknd, que colabora con Johnny Jewel en un remix de ‘After Hours‘. Johnny Jewel es encargado de componer la música, si bien después es sustituido por Cliff Martinez, cuyo encargo es precisamente imitar el sonido de Chromatics y Glass Candy. ‘Tick of the Clock’ de Chromatics, la pista que cerraba ‘Night Drive’ (con una duración original de 17 minutos) aparece finalmente en la banda sonora junto a temas de Kavinsky o Desire, poniendo a estos artistas en el mapa como nunca antes.
Después de ‘Drive’ la carrera de Chromatics da diversos tumbos. En 2012 la banda edita ‘Kill for Love‘, uno de los «200 discos clave del siglo XXI». Pensado para ejercer de «banda sonora imaginaria» -seguimos en el mundo del cine- ‘Kill for Love’ pasa a la historia por ser el disco más completo de Chromatics, pero su impacto queda prácticamente eclipsado por el enigma de ‘Dear Tommy’, su sucesor, un disco que Johnny Jewel termina y después desecha al completo tras vivir una experiencia cercana a la muerte, y que es anunciado y re-anunciado varias veces para no ver la luz jamás. Se llegan a conocer multitud de singles de ‘Dear Tommy’, pero después una secuencia de 20 pistas que no los incluye, y el disco queda para siempre relegado al cajón de los misterios.
Chromatics, que, entre sus logros, pueden contar haber aparecido en la tercera temporada de ‘Twin Peaks’, serie donde su música no puede tener más sentido, sí publican varios singles sueltos a lo largo de la última década que aparecen y desaparecen de las plataformas de streaming; y un disco totalmente nuevo en 2019, ‘Closer to Grey‘, pero lo hacen un poco de aquella manera. Sale un martes, sin avisar, y se titula como un tema viejo de 2014. El contenido musical de ‘Closer to Grey’ decepciona y deja claro que no es precisamente el sucesor de ‘Kill for Love’ que sus fans llevan años esperando.
Mientras Kanye West se traslada a un nuevo estadio (no a un estudio) para terminar ‘DONDA’, el rapero ha vuelto a la actualidad musical a través de otro de esos trabajos de producción por los que es conocido. ‘Dreams Still Inspire’ es el nuevo disco de Abstract Mindstate, un dúo de hip-hop de Chicago que publicó su primer disco en 2001 para separarse cuatro años después.
En todo este tiempo, la vida de Olskool Ice-Gre y E.P. Da Hellcat ha seguido direcciones diferentes: el primero ha seguido trabajando en la industria de la música, por ejemplo en el sello GOOD Music de Kanye, además de como productor o compositor, y la segunda se ha sacado dos carreras universitarias en psicología y análisis conductual aplicado. Cuando empezaron a trabajar en nueva música se la mandaron a Kanye y este les propuso formar parte de su nuevo sello YZY SND junto con Teyana Taylor. ‘Still Dreams Inspire’, que ha sido producido por Kanye en su totalidad, es el primer lanzamiento oficial de dicho sello.
Abstract Mindstate dicen que hacen «hip-hop adulto» y ‘Dreams Still Inspire’ dota de sentido a esta afirmación. La música se basa tanto en samples como los primeros trabajos de Kanye, es nostálgica, cálida y sofisticada y desprende un marcado espíritu «old-school» pero, a la vez, permanece en un segundo plano por detrás de las letras. Kanye piensa que Abstract Mindstate han vuelto para «sanar el mundo» y, así, las letras del dúo nos hablan de madurar, no sucumbir a la negatividad y sobre la importancia de amarse a uno mismo por encima de todo lo demás.
‘Feel Good’, uno de los temas destacados, lleva el positivismo por bandera tanto en lo musical como en lo lírico y aboga por «curarse de dentro a fuera», «hacer reparaciones», «perdonar a la gente» y «darle las gracias por haberte enseñado lecciones». ‘A Wise Tale‘, el primer single, y otra producción exquisita de Kanye, defiende que la mejor manera de resolver los problemas es dialogando, no cayendo en la violencia. En ‘My Reality’, de producción llena de «scratches», E.P. Da Hellcat cuenta que, aún cuidando de sus hijos y acompañando a su padre en su lecho de muerte, ha sacado fuerzas para creer en sí misma y trabajar en el disco.
Si parece que ‘Dreams Still Inspire’ es una losa de escuchar por culpa de sus letras, nada más lejos de la realidad. La música es lo suficientemente sofisticada como para que demande ser escuchada con cascos, pero lo suficientemente ligera como para que eso no sea necesario. Algunas pistas, como la pegadiza ‘Move Yo Body’, apelan al hedonismo también a través de una base próxima al house primigenio; mientras otras son tan minimalistas como la inquietante ‘Elevation’. El disco falla cuando intenta aleccionar a la audiencia sobre los males de las «redes sociales» o cuando Kanye aparece en ‘The Brenda Song’ para dar la misa; por lo demás, ‘Dreams Still Inspire’ conforma un más que digno regreso.
El cantante canadiense Shawn Mendes ha adelantado a través de sus redes sociales un breve fragmento del que será su próximo tema junto a Tainy, ‘Summer of love’. Una canción que llega el próximo 20 de agosto, en el mejor momento del verano, pues vemos al cantante disfrutando del mar, de los viajes en coche con sus amigos y de alguna que otra copa.
Se especuló mucho sobre la posible grabación del videoclip del remix de ‘KESI’, canción original de Camilo, pero los fans más avispados se darían cuenta de que la mayor pista que dejó el cantante estaba escrita en su ropa con el nombre del single, ‘Summer of love’. Cuenta con la colaboración del cantante Tainy y el videoclip se ha grabado en Ibiza, donde las playas, el mar y las carreteras de la isla han sido los principales protagonistas de este nuevo trabajo.
«Era el verano del amor, un precioso ensueño y durante un par de meses sentí que teníamos dieciocho», canta Shawn Mendes en el adelanto que ha publicado y que puedes ver y escuchar aquí.
‘Pepas‘, de Farruko, se mantiene una semana más como número 1 de canción más escuchada en nuestro país. Y mientras Rauw Alejandro se mantiene en el puesto número 2 con ‘Todo De Ti’, sigue subiendo con su otro tema ‘Cúrame’, que ya está en el número 5. Otros artistas como J Balvin y María Becerra con ‘Qué más pues?’ o Justin Quiles, Chimbala y Zion & Lennox con ‘Loco’ suben otro puesto esta semana, llegando al tres y al cuatro.
Zzoilo con su tema ‘Mon Amour’ ha sido el artista que más posiciones ha subido esta semana, alcanzando el puesto 17 de la lista. Muy cerquita de él han quedado Bizarrap, Duki y Nicki Nicole, que han conseguido ser la entrada más fuerte de la lista esta semana en el puesto 19 con su tema ‘YaMeFui‘, que lideró las tendencias de vídeos en YouTube en cuanto salió hace unas semanas.
Y en cuanto al resto de nuevas entradas en la lista, también destacan Aventura y Bad Bunny con su tema ‘Volví’ en el puesto número 23; Billie Eilish con ‘Happier than ever’ en el puesto 60; Jhay Cortez y Skrillex con ‘En mi cuarto’ en el puesto número 64 y finalmente Nicky Jam en el 98 con ‘Miami’.
El último álbum de Billie Eilish, ‘Happier than Ever’, consigue llegar al número 1 de la lista de álbumes española después de que la artista haya ganado su segundo número 1 en Reino Unido con dicho álbum y con 238.000 unidades de discos vendidos en la semana que termina el 5 de agosto en Estados Unidos, según Billboard. De esa cifra, 73.000 copias pertenecen a las ventas del vinilo, y Soundscan estima que ‘Happier than Ever’ es el vinilo más vendido en Estados Unidos desde el año 91: hace 30 años.
Además de Rauw Alejandro, que ha bajado al puesto número 2 con su último álbum ‘VICE VERSA’, otros artistas como Camilo, C. Tangana u Olivia Rodrigo también bajan posiciones ligeramente con sus álbumes respecto a la semana pasada, quedando en los puestos tres, cuatro y cinco, respectivamente.
El mayor incremento en la lista ha sido para el álbum de Maneskin, ‘Teatro d’ira – Vol. I‘, que ha subido hasta llegar al puesto número 14. Esta semana hay muy pocas nuevas entradas y ninguna ha conseguido llegar a una posición relevante, como suele ocurrir. Por una parte tenemos la entrada de Prince en el puesto número 7 con su álbum ‘Welcome 2 America‘ y, por otra parte, a Foo Fighters en el 61 con ‘Dee Gees/Hail Satin’.
Y en cuanto a los artistas que vuelven a entrar en la lista, esta semana han sido David Bustamante en el puesto número 24 con ‘Veinte años y un desierto’; El Arrebato en el 88 con ‘Abrazos’; Zahara con ‘Puta’ en el puesto 92; Oques Grasses en el puesto 96 con ‘Fans del Sol’ y por último Hens en el último puesto, el 100, con su último álbum, ‘Hensito’.
El pop coreano está de moda y el cine, o mejor dicho, Hollywood no va a dejar pasar el tren de contar una historia sobre este fenómeno musical. Variety confirma que Lynda Obst, productora de ‘Interstellar’, y Miky Lee, productor ejecutivo de ‘Parásitos‘, ganadora del Oscar a Mejor película en 2019, producirán una nueva «road movie» con el k-pop como eje central.
La película se titulará ‘K-Pop: Lost in America’ y narrará la historia de una boyband surcoreana que pretende volar a Nueva York para realizar su debut internacional pero se encuentra con que su avión ha aterrizado en Texas por error, dos días antes de su gran puesta de largo. El grupo intentará llegar a Nueva York «con poco dinero y poco tiempo».
La dirección de ‘K-Pop: Lost in America’, cuyo estreno se espera para 2023, correrá a cargo de JK Youn, director de dos taquillazos coreanos como fueron ‘Haeundae’ (2009) y ‘Oda a mi padre’ (2014). El director ha explicado que el casting de ‘K-Pop: Lost in America’ contará con «estrellas del k-pop y también con iconos de la industria del pop para apelar a una audiencia global».
Actualmente se encuentra en producción otro largometraje centrado en el k-pop, una película musical sobre una girl group de k-pop cazademonios. Dirigirán la cinta Maggie Kang (The Lego Ninjago Movie) y el ilustrador Chris Appelhans (‘La princesa y el sapo’) y están involucrado también en la producción Aron Warner (‘Shrek’), entre otros.
PinkPantheress es el alias de otra de esas artistas misteriosas de las que no existe demasiada información en la red. Sin embargo, la artista británica (sí se sabe que es procedente de la ciudad de Bath) es conocida por el público tiktoker gracias a sus canciones popularizadas en dicha plataforma, gracias a la cual han amasado ya decenas de millones de reproducciones en Spotify.
La joven de 20 años tiene una voz apta para la escuela PC Music, pues suena a medio camino entre Hannah Diamond y Tirzah, pero su música apunta a un pasado retrofuturista, eso sí, sin salir de las islas británicas. Uno de sus mayores éxitos, ‘Break it Off’, que se ha hecho viral gracias a su estribillo “One day I just wanna hear to say, ‘I like you’ / What’s stopping you?», y hoy es la Canción Del Día, utiliza una base de jungle (no, Tinashe no lo hizo antes); y ‘Passion’, otro de sus temas más escuchados, de breakbeat, lo cual los diferencia radicalmente de muchísimos otros éxitos recientes generados en el underground. En este estilo, ‘Pain’, en realidad su single más escuchado, samplea la ‘Gimnopédie’ de Erik Satie.
Pero PinkPantheress no se limita solo a estos estilos asociados a los años 90. La artista cuenta entre sus ídolos a Lily Allen, Imogen Heap y Charli XCX, a quien ha pedido colaborar a través de TikTok, mientras su tema ‘Just a Waste’ es disco y samplea ‘Off the Wall’ de Michael Jackson. En este estilo se enmarca también el sonido de ‘Attracted to You’ que, a la moda actual, apenas dura 1 minuto. ‘Evian’, su colaboración con GoldLink, se sumerge en el deep-house, estilo que sienta a su voz como un guante. En Spotify, PinkPantheress comparte una playlist con música de Gwen Stefani, Paramore, Ashanti, beabadoobee, Rina Sawayama, Blink 182, Kelela o Good Charlotte, entre otros.
Inspirada también por la estética de las películas de terror, como ‘Saw’ o los «vídeos emo de Linkin Park o Papa Roach», PinkPantheress ya ha conseguido el sueño de muchos artistas indies que se promocionan (o no) en TikTok: fichar por una multinacional. En este caso, es Parlophone el sello que ha echado el ojo a esta artista cuya popularidad pronto podría trascender la pantalla del smartphone para darse a conocer a un público más amplio. Ya prepara un primer lanzamiento con todas sus canciones.
A partir de ahora, la banda alternativa de rock inglesa de los hermanos Yan y Hamilton Wilkinson, Martin Noble, Mathew Wood, Abi Fry y Phil Sumner, conocida como British Sea Power, pasará a llamarse simplemente Sea Power. Así lo han comunicado junto a la presentación de su nuevo tema, ‘Two Fingers’.
«Ha quedado claro que es posible malinterpretar el nombre British Sea Power como indicativo de nacionalismo», se explica en un comunicado de prensa. «El nuevo nombre de la banda es un modesto gesto de separación de la ola de nacionalismo grosero que ha atravesado nuestro mundo recientemente», continúa explicando.
En los últimos tiempos, esta clase de decisiones son muy frecuentes, dadas las polémicas que desatan. Por ejemplo, el grupo femenino Dixie Chicks cambió su nombre el año pasado por The Chicks para no aludir con el término «dixie» a los estados sureños que en la Guerra de Secesión defendían la esclavitud. El mismo hecho hizo que la banda antes llamada Lady Antebellum pasara a llamarse Lady A, también el año pasado.
Sea como sea, parece que este cambio de nombre no se debe solo a cuestiones políticas, sino que también ha sido una gran oportunidad para promocionar el nuevo tema de la recién rebautizada banda británica y también su próximo disco, ‘Everything Was Forever’, que saldrá el próximo 11 de febrero con el siguiente tracklist:
Es difícil situar en el tiempo cuál fue exactamente el último disco bueno de Prince. Algunos dirían que la llama de la inspiración se le apagó en los 80, después de ‘Sign o’ The Times’; otros que en los 90, después de ‘The Gold Experience’; otros que en los 2000, después de lo que fuera que sacara en esa época (estoy de broma, ‘3121’ y ‘ART OFFICIAL AGE‘ no estaban mal). La calidad de la obra de Prince fue inversamente proporcional a su envergadura, absolutamente inabarcable por cualquiera, pero él siguió produciendo discos a cascoporro, a su bola. Ahora llega al mercado un disco de material inédito que dejó grabado en 2010 pero que nunca publicó a pesar de que pensaba llamar una gira en su nombre.
El primer álbum de estudio póstumo de Prince propiamente dicho, compuesto de canciones hasta entonces jamás escuchadas por el público, a excepción de una pista que apareció en el último álbum que publicó antes de morir, ‘Welcome 2 America’ es otro disco ajeno a las modas y a los sonidos contemporáneos en general, hecho por un artista estancado en el tiempo. Hay un momento irónico en ‘Welcome 2 America’, la canción, en el que Prince cuestiona la perdurabilidad de la música contemporánea, irónico porque precisamente sus últimos trabajos discográficos no han perdurado en absoluto: más bien se conformaban con ser vendidos en internet o a través de periódicos. Claro que nadie tiene a su alcance grabar otro ‘Purple Rain‘, pero cuando te pasas 30 años sin hacer un disco relevante, quizá es momento de hacer un poco de autocrítica.
En ‘Welcome 2 America’ no hay autocrítica. Si la hubiera habido, Prince no se habría conformado con hacer las canciones de R&B-soul más genéricas posible (‘1000 Light Years Away from Here’; en ‘Born 2 Die’ busca hacer una canción de Curtis Mayfield y se queda corto), con darle al funk-rock más insípido imaginable (‘Running Game’) o con dotar a las grabaciones de una producción e instrumentación tan rancias, pasadas de rosca y tan poco interesantes a nivel musical o sonoro que te hacen alucinar un poco con el nivel de agotamiento creativo que demostraba Prince en esta época. En general, las composiciones son formalmente correctas pero es todo lo bueno que se puede decir de ellas. Tan correctas, de hecho, como las habría hecho cualquier músico de sesión que solo sueña con vender 100 millones de discos.
El spoken-word de ‘Welcome 2 America‘ tiene cierta gracia porque menciona a Google, los iPads y los iPhones y una supuesta «escuela para las celebridades», pero la letra no es tan polémica como para que Prince decidiera no editarla: este mismo año, M.I.A. lanza un disco mucho más controvertido en el que se atreve a acusar a Google de asociarse con el gobierno (lo cual se demuestra más tarde). La canción deja claro una vez más que Prince no estaba interesado en vivir en la actualidad, que la modernidad le parecía un timo. Bueno, menos TIDAL. Lo más interesante que ‘Welcome 2 America’ tiene que ofrecer son dos cosas: por un lado, ‘Hot Summer’, el corte más uptempo del largo, que parece de los B-52s, y ‘Check the Record’, un tema que prácticamente predice el sonido de Yves Tumor. Sí, en serio.
Hay un verdadero abismo cognitivo entre lo que Prince cree que está haciendo y lo que está haciendo en realidad. En 2010 no se puede decir que canciones sobre el racismo como ‘1000 Light Years from Here’ sean visionarias ni mucho menos que ‘Hot Summer’ presente un «sonido futurístico». Si Prince fue un visionario lo fue por su complicada relación con la industria de la música, a la que vuelve a dedicar otra canción, ‘Running Game (Son of a Slave Master)’. Prince siempre anheló ser un artista independiente y hoy en día la idea de «pop star» independiente no nos suena extraña en absoluto, y ahí está Tinashe para demostrarlo. Es una pena que Prince perdiera el interés por innovar en lo musical porque, si en ‘Welcome 2 America’ tuvo algo interesante que contar, desde luego la música no vale tanto la pena como para haber esperado 11 años para escucharla.
Dennis Thomas, conocido como «Dee Tee», saxofonista y uno de los miembros fundadores del grupo Kool & the Gang falleció a los 70 años de edad el pasado sábado según un comunicado de su propio grupo.
«Esposo, padre y cofundador de Kool & the Gang, falleció mientras dormía a los 70 años en Nueva Jersey», escribían en Facebook sus compañeros de banda hace dos días en un extenso homenaje para Thomas. «Era conocido como el gato genial por excelencia en el grupo, amado por su ropa y sombreros y su comportamiento relajado», prosigue el texto. Es la segunda despedida del grupo en dos años, puesto que en el 2020 también falleció a los 68 años Ronald Bell, uno de sus líderes en los inicios de la banda junto con Robert Bell, Spike Mickens, Ricky Westfield, George Brown, Charles Smith y el propio Dennis Thomas. En sus inicios se hacían llamar los Jazziacs.
Como también señala este homenaje, Dennis nació el 9 de febrero de 1951 en Orlando, Florida, y fue residente de Montcalir, Nueva Jersey, donde estuvo casado con su esposa Phynjuar Saunders Thomas. Thomas fue uno de los miembros originales de Kool & the Gang, que combinaba estilos como el funk, el soul, R&B y el pop, características que los convirtió en una de las bandas más influyentes en la música. Dennis no fue solo saxofonista, también fue el flautista, el percusionista y el maestro de ceremonias en los shows del grupo. Foto: Instagram.
El cantante británico Ed Sheeran vuelve a los escenarios el próximo mes encabezando el concierto que iniciará la próxima temporada de la NFL, la Liga Nacional de Fútbol Americano. Supone el primer paso para convertirse en la estrella de la Super Bowl.
La propia liga lo confirmó en sus redes sociales hace tres días. «¡Nos vemos en Tampa el 9 de septiembre, Ed Sheeran!», escribían en un reel publicado en Instagram donde podemos ver al cantante tocando la guitarra y con las camisas de los Dallas Cowboys y de los Tampa Bay a sus espaldas, que son los que abrirán el campeonato. El mismo vídeo aparece publicado en el perfil del artista.
A pesar de la posible decisión del cantante de retirarse de la música explicada en una entrevista concedida a SiriusXM, dentro de exactamente un mes volveremos a ver a Ed Sheeran en el escenario del Julen B. Lane Riverfront Park en Tampa, Florida, Estados Unidos. Podremos ver parte de la actuación del artista en los programas previos al partido en la NBC y en el canal de la NFL. La actuación completa podrá verse en streaming desde la web de la NFL, además de en su página de Facebook y en su app.
En cuanto a la Super Bowl, todavía se desconoce quién será la estrella de este año para el partido final de la NFL, pero Ed Sheeran ya ha presentado su candidatura y para entonces ya estará de promoción con su próximo trabajo musical tras el lanzamiento de su éxito ‘Bad Habits‘. Foto: Nic Minns.
El rapero Nas ha publicado estos días su nuevo disco, ‘King’s Disease II’, la secuela de su disco de 2020 que incluye colaboraciones de Eminem, YG y Ms. Lauryn Hill. La autora de ‘The Miseducation of Lauryn Hill‘ aporta un rap a la grabación, algo no tan habitual estos días.
En los últimos tiempos, a Lauryn la hemos podido escuchar cantar en ‘Guarding the Gates’, canción de la banda sonora de ‘Queen & Slim’; en ‘Coming Home’ de Pusha T o en aquel disco tributo a Nina Simone que vio la luz en 2015, además de, por supuesto, en sus directos, pues Lauryn nunca ha dejado de tocar en vivo, pero pocas veces se la ha vuelto a escuchar espetar versos como hace en ‘Nobody’, llevándonos a los gloriosos tiempos de su debut. Lauryn pasa más tiempo llegando tarde a sus conciertos que sacando música pero, por lo menos, nos regala algún tema de vez en cuando.
‘Nobody’ no es, por lo tanto, exactamente una continuación de ‘If I Ruled the World (Imagine That)’, la primera colaboración de Ms. Lauryn Hil con Nas, publicada en 1996 y en la que se limitaba a cantar el estribillo y a hacer coros. ‘Nobody’ es una elegante y sutil producción de neo-soul y hip-hop con tintes jazzy que empieza como una producción de Pharrell pero en realidad es de Hit-Boy, y en la que Lauryn tiene a bien de reírse en sí misma cuando rapea que su «consciencia es como la de Keanu en ‘Matrix’ y que ella «está salvando vidas» mientras los demás «os quejáis de mi poca puntualidad».
La voz de Lauryn al rapear suena desinteresada, despreocupada, como si supiera que ‘Nobody’ no va a cambiar su vida pero, a la vez, la artista deja un verso lleno de confianza en sí misma, empoderado incluso, cuando espeta: «deja que te lo dé con claridad, no necesito convertirme en una parodia de mí misma, yo no estoy en esta mierda por la popularidad». Nadie pensaba lo contrario pero qué bien tenerla de vuelta, aunque sea por un instante.
‘333’ de Tinashe es el Disco de la Semana. Es el octavo álbum de la cantante estadounidense en total, lo que incluye sus tres primeras mixtapes, ‘In Case We Die’ (2012), ‘Reverie’ (2012) y ‘Black Water’ (2013), además del EP ‘Amethyst’ (2015), que no están disponibles en las plataformas de streaming; y ‘Nightride‘ (2016), editado durante la ardua espera de ‘Joyride‘ (2018). Tinashe solo edita oficialmente dos trabajos a través de la multinacional RCA, su debut oficial ‘Aquarius‘ (2014) y el mencionado ‘Joyride’, y tanto ‘Songs for You‘ (2019) como ‘333’ son lanzamientos independientes.
La extraña discografía de Tinashe da buena cuenta de lo tumultuosa que ha sido su trayectoria. En la época de sus mixtapes parecía que se avecinaba la nueva The Weeknd porque sus canciones, enmarcadas en una categoría de R&B alternativo que más adelante Tinashe rechazará, abogando por la abolición de los géneros musicales, presentan un componente experimental y semi avanzado que llama la atención de la crítica. Pero las aspiraciones de Tinashe siempre serán mucho mayores de lo que su música indica. Dispuesta a convertirse en la nueva gran diva del pop, la artista cita entre sus mayores influencias a Janet Jackson y Britney Spears; sus videoclips y actuaciones en directo enfatizan las coreografías como si permanecieran en la época de TRL y MTV, y además canta como una verdadera superestrella. Tinashe lo tiene todo pero… no es suficiente y la industria nunca termina de acogerla como su talento merece.
Tinashe no logra dominar el mundo como espera, culpa al colorismo de no haber sido aceptada por el público afroamericano porque «en el R&B, o eres Beyoncé o eres Rihanna» y, durante un breve periodo de tiempo, su carrera parece abocada al fracaso con el lanzamiento de una serie de singles irrelevantes (‘Flame‘) que culminan con la publicación de ‘Joyride’, un álbum medio digno pero a todas luces decepcionante en lo musical, que su sello apoya con videoclips de gran factura pero que termina olvidado con el tiempo. A partir de este momento, Tinashe vuelve a la independencia y su carrera vive una segunda vida. Está inspiradísima en ‘Songs for You’, un trabajo generoso en estilos y excepcional en lo vocal que conforma uno de los mejores discos de 2019, y vuelve a estarlo en ‘333’, un disco a la vez más experimental y accesible por raro que parezca, en el que Tinashe sigue resistiéndose a ser encasillada en un solo género.
Es algo que hace a lo largo de toda su carrera, como expone la playlist con sus 30 mejores canciones que ya podéis escuchar en Spotify. Su canción insignia, ‘2 On’, marca el camino para que Tinashe siga explorando su sonido de R&B atmosférico en otras grabaciones como ‘Cold Sweat’, de espectacular final con ecos a James Blake; la hipnótica ‘Soul Glitch’ o la adictiva ‘I Can See the Future’, pero la voz de Tinashe se adapta a muchas otras cosas. La artista demuestra que es capaz de darle al synth-pop de ‘Save Room for Us’, al house de ‘Just Say’ de KDA, al funk de ‘Die a Little Bit’ o al hyper-pop de ‘Bouncin’ e incluso entrega un tema súper-pop llamado ‘Superlove’ que es un «grower» inesperado. A Kachingwe le sienta como el guante el trap-pop de ‘Cash Race’ y ‘X’ tanto como el electropop de ‘Perfect Crime’ o ‘Undo (Back to My Heart)’, hoy Canción Del Día; los ritmos caribeños de ‘Me So Bad’ y el R&B-hop de ‘Throw a Fit’ y ‘Link Up’, es pura sensualidad en ‘So Much Better’ y como baladista se crece especialmente en ‘Bated Breath’, una de sus composiciones más finas.
Componente de la banda adolescente The Stunners entre 2007 y 2011, Tinashe se convertirá con el tiempo en una de las artistas de R&B más importantes de las últimas décadas. Ariana Grande y Lil Nas X se cuentan entre sus seguidores, colabora con su ídolo Britney Spears en una nueva versión de ‘Slumber Party’ que es una de las mejores canciones de 2016; y es este mismo año cuando logra su primer Grammy gracias a su colaboración con Kaytranada en ‘The Worst in Me’. A Tinashe siempre le perseguirá el sambenito de estar «infravalorada» pero no se puede describir de otra manera a una artista con tanto talento y a la vez tan poco reconocida por el gran público. Como otras artistas antes que ella, a Tinashe le ha pesado ser a la vez «demasiado» mainstream y «demasiado» alternativa, pero quienes tienen en estima su obra saben que ya es una leyenda.
Lo recuerdo como si fuera antesdeayer: es verano de 2006 y entro en el MySpace de Christina Aguilera por curiosidad. Lo primero que veo es una imagen de Christina que nunca había visto antes, la de ella de rubio platino, sentada en el suelo escuchando viejos discos de vinilo. Se supone que un nuevo álbum se acerca, han pasado eones desde el lanzamiento de ‘Stripped’ y ya toca. Cuando me quiero dar cuenta ha aterrizado en las emisoras de radio, o como fuera que me enterara de las novedades musicales entonces, ‘Ain’t No Other Man’. Christina presenta un nuevo sonido que tiene todo el sentido del mundo.
2006 es un año interesante para la música, de cambios. James Blunt firma el disco más vendido del año. Justin Timberlake y Nelly Furtado arrasan con sus álbumes producidos por Timbaland. Aparecen unas tales Pussycat Dolls. Kelly Clarkson triunfa con su segundo disco. Es el año de ‘Hips Don’t Lie’ de Shakira y ‘Crazy’ de Gnarls Barkley. Evanescence aún son capaces de colarse entre lo más vendido del año. Beyoncé no es ni de lejos la prestigiosa artista que es hoy. Rihanna nos suena de algo. iTunes se afianza. MySpace, una red social, convierte en estrellas a Arctic Monkeys y Lily Allen. Y Christina se reinventa, dando lugar a probablemente el mejor disco de su carrera.
Tres años después de ‘Stripped’, un album ambicioso en el que Christina nos presenta una versión más auténtica de ella, menos encorsetada por las necesidades de una industria que ya se ha cansado de buscar nuevas Britneys en todas partes, y a la vez menos exitoso que su debut, la artista vuelve con un trabajo más ambicioso todavía. ‘Back to Basics‘ es un disco doble de concepto retro, inspirado en la música que escuchaba de pequeña de los años 30, 40, 50, 60 y 70, y tan basado en samples como un disco de Kanye West, que trabajará más tarde con Aguilera en ‘Liberation‘ (2018). Faltan meses para que vea la luz un disco parecido en título y concepto, ‘Back to Black’ de Amy Winehouse, y su productor principal Mark Ronson aparece aquí en uno de los cortes, ‘Slow Down Baby’, que llega a ser single aunque nadie se acuerde. La reinvención va más allá de lo musical: Christina presenta nuevo alter ego, Baby Jane, basado en la película de 1962, y se muestra en las imágenes promocionales como una verdadera diva del Hollywood clásico.
En varios sentidos, ‘Back to Basics’ es la era más completa de Aguilera: el disco produce tres hits como son ‘Ain’t No Other Man’, ‘Hurt’ y ‘Candyman’, que suenan todo el día en MTV y similares, pero sin parar; el álbum es sólido como un diamante, la gira es un gran éxito (en 2007, la más exitosa protagonizada por una artista femenina). La estética retro, que se nutre de la era del jazz, el circo, el cabaret, el burlesque, etc. no puede sentar mejor a la artista, que parece haber nacido para encarnarla. Christina, que se pasa la vida declarando su admiración a Etta James, Aretha, Billie Holiday y compañía, por fin se convierte en la diva que siempre había deseado ser, hasta el punto de que la portada de ‘Back to Basics’ incluye un aviso de «grabación en alta fidelidad» que pide a gritos una edición en vinilo (que más tarde recibe). ‘Back to Basics’ es el ejemplo de una artista en la cima, en la mejor forma de su vida.
Por supuesto, Christina Aguilera no es la primera artista que reviste la música pop de épocas pasadas con una pátina contemporánea. Sin ir más lejos, el debut de las Pipettes sale unas semanas antes que ‘Back to Basics’. Pero pocos lo hacen de una manera tan ambiciosa y sofisticada. El disco es doble pero vale la pena en su totalidad: el primer CD se centra en un sonido hip-hopero y el segundo más jazz y todas las canciones están mimadas. En el primero producen DJ Premier (su single ‘Jazz Thing‘ inspira todo el proyecto), Rich Harrison, Kwamé o el mencionado Mark Ronson, mientras del segundo se encarga al 100& Linda Perry, su mano amiga en ‘Beautiful’. En ambos discos se respeta una conseguida sonoridad vintage gracias a los micrófonos usados y a la producción. ‘Back to Basics’ no presenta un concepto mucho más refinado que el de ser un homenaje a la música con la que Christina ha crecido, pero poco más se le puede pedir a una vocalista de talento sobrenatural capaz de unificar todas estas canciones solo con su voz, y que nunca sonará mejor. En ‘Back to Basics’ está simplemente esplendorosa y su voz deja un momento icónico en los 20 segundos de nota sostenida de ‘Candyman’.
Cuenta Christina en la época que ‘Back to Basics’ busca volver a la época en que la «música tenía alma» porque la tecnología del momento «permite ser cantante a todo el mundo», una afirmación conservadora con la que hoy no estarían de acuerdo artistas como Charli XCX capaces de hallar el alma dentro del autotune. Pero es 2006, la nueva moda retro abanderada por Amy Winehouse, Duffy y Adele está aún por venir y Christina se come entera el pastel de la estética «old-timey» entregando toda su alma a estas grabaciones. ‘Ain’t No Other Man’, el primer single, es en realidad de los temas más esqueléticos del disco, un tema de funk puro y duro con ecos a James Brown, a quien Christina homenajea más adelante tras su muerte dejando una de sus actuaciones históricas. ‘Ain’t No Other Man’ no tiene tantas capas como el góspel de ‘Makes Me Wanna Pray’, el R&B-collage de ‘Back in the Day’ o las texturas más atmosféricas, nostálgicas y neo-R&B de la escalofriante ‘Understand’ o la bonita ‘Without You’. ‘Oh Mother’, el último single del álbum, es el baladón del primer CD y la pícara ‘Still Dirrty’, con ese tímido saxofón que asoma entre tonos telefónicos y su base de old-school hip-hop, una de las joyas desconocidas.
Sin ser, en mi opinión, el mejor de los dos discos, el segundo CD de ‘Back to Basics’ dejará los otros dos mayores éxitos de esta era, por un lado, el baladón ‘Hurt’, que pone los pelos de punta como el primer día, apoyado en un videoclip circense de lo más dramático que has visto en tu vida, y ‘Candyman’, un divertidísimo homenaje a la era swing que samplea, al mismo tiempo, a las Andrew Sisters y al Cuerpo de Marines de los Estados Unidos. El CD2, más retro incluso que el primero, incluye un épico tema de soft-rock llamado ‘Welcome’ que extrañamente no es usado para abrir la gira; un sexy tema de blues primigenio titulado ‘I Got Trouble’ que es comparado con la obra de Bessie Smith, pues incluso la grabación vocal reproduce la fidelidad de un vinilo de la época, al contrario que la instrumentación (?); y la heroica ‘Mercy on Me’, que presenta probablemente la actuación vocal más impactante que ha dejado Christina hasta la fecha, capaz de dejarte petrificado en el asiento. En este caso es difícil llegar hasta el tema de cierre, ‘The Right Man’, ya menos inspirado, cuando en el primer CD hasta temas menores como ‘On Our Way’ o ‘Here to Stay’ molan, pero cualquier fan de las voces grandes y potentes no debería perderse ni un segundo de este disco (ni su tema más contenido en este aspecto, ‘Save Me From Myself’).
Aunque fue uno de los 20 discos más vendidos de 2006, el impacto de ‘Back to Basics’ parece haberse diluido con el tiempo. El lanzamiento de ‘Back to Basics’ se produce entre los de ‘Stripped’ y ‘Bionic’, dos álbumes polémicos por cuenta propia, de los que se suele hablar más y más a menudo. Hace poco, Juan Sanguino repasó el impacto de ‘Dirrty‘ para estas páginas, e inolvidables son los días en que se debatía si ‘Bionic’ era un disco bueno o malo, si su secuencia era estupenda o un desastre, si era un disco adelantado a su tiempo o nada más lejos de la realidad. Curiosamente, a mí siempre me ha parecido que ‘Back to Basics’ estaba más adelantado, empezando por su conexión con la obra maestra de Amy Winehouse. Da la sensación de que ‘Back to Basics’ no provoca tanto furor en redes a día de hoy, pero a su 15 aniversario merece toda la atención del mundo.
