Marc Seguí se dio a conocer hace unos años gracias a canciones de lo-fi hip-hop y bedroom-pop como ‘Si nos vamos’ o ‘Gameboi’ tipicas de los artistas de su generación. Después llegó ‘Tiroteo‘. El pegadizo tema de italo disco, compartido con Pol Granch, se ha convertido este año en un éxito global en las plataformas de streaming que, entre la versión original y la del remix con Rauw Alejandro, supera la friolera cifra de 214 millones de streamings en Spotify.
2021 ha sido un año agridulce para Marc Seguí. El mallorquín ha triunfado con ‘Tiroteo’ pero la polémica de sus viejos tuits gravemente machistas y homófobos, por los que pidió perdón en las redes sociales pero que siguen resonando en el ambiente, ha hecho a los seguidores del artista repensar su figura. Él ha seguido sacando música y, después de ‘Tiroteo’ y de la polémica de los tuits, ha sacado varios singles como ‘Mentiras’, ‘Malas Yerbas’ con Don Patricio, ‘Haciendo na’, ‘Me enamoré de una fan’ o ‘cara :)’.
A todos ellos se ha sumado este viernes un single nuevo que puedes escuchar en la playlist de novedades «Ready for the Weekend«. El sonido de ‘360’ continúa por la vía del italo disco de ‘Tiroteo’ pero utiliza una base rítmica más bailonga y noventera, casi tecno-pop. Sigue resultando refrescante escuchar este tipo de sonidos en el contexto del pop español, tan dominado por los ritmos del reggaetón, y la canción además es pegadiza.
Menos refrescante o interesante es la letra de ‘360’, llena de lugares comunes como «eres un soplo de aire fresco en plena primavera / y que no llegue el verano si ya no me esperas» o «solo te consiento que me mientas / cuando tu mirada me convenza / de que hay un hueco en tus mentiras para mí» que recuerdan a la poesía azucarada de Pablo Alborán. ‘360’ es el enésimo adelanto de ‘Pinta y colorea’, el álbum debut de Marc Seguí, que sale el 26 de noviembre.
Liz Harris lleva 15 años alimentando su propio universo de ambient-folk oscuro e intimista en discos tan queridos como ‘Dragging a Dead Deer Up a Hill’ (2008), ‘The Man Who Died in His Boat’ (2013) o ‘Ruins‘ (2014). En los últimos tiempos, sin embargo, su obra se ha dispersado un poco y no solo porque en 2019 publicara un trabajo sorpresa bajo el alias de Nihvek. El último disco de Grouper, ‘Grid of Points’, sonaba a esbozo y duraba 22 minutos: a duras penas se podía considerar un «álbum» propiamente dicho. La música era ideal pero dejaba con ganas de más.
‘Shade’, el nuevo álbum de Grouper, continúa por el mismo camino de las canciones-esbozo (y de las portadas blancas). Las canciones de Harris siguen tocando hondo por lo profundamente íntimas que suenan, por lo hermoso de sus melodías. Parecen secretos que no deberíamos escuchar, y a menudo ‘Shade’ deja la sensación de que todavía no deberíamos estar escuchándolo, que Liz Harris ha considerado una obra acabada lo que no es más que un primer borrador. En ‘Shade’ apuesta a todas luces por una naturalidad radical. En la preciosa ‘The way her hair falls’, Harris se detiene varias veces al tocarla, como si la estuviera ensayando y no la terminara de manejar del todo.
Es una de varias canciones en ‘Shade’ -la mayoría- que se componen de guitarra acústica, voz y reverb. El escalofriante ambient-noise de ‘Followed the ocean’, la pista inicial, llena de distorsión y voces sumergidas que parecen clamar que «el amor es todo lo que necesitas» como desde el más allá, deja paso a unas composiciones sencillas en las que Harris observa la vida íntima. ‘Unclean mind’ es básicamente una balada grunge, ‘Ode to the blue’ está más susurrada que cantada y ‘Pale interior’ es folk a la manera de una Sibylle Baier. En ellas, Harris disfruta los pequeños gestos, el paisaje natural, la intimidad, el «modo en que la luz se pierde en tu pelo».
Otras composiciones de ‘Shade’ conectan con la primera pista. En ‘Disordered minds’, Harris canta un mantra de letra ininteligible sobre una melodía de ambient distorsionado que suena distante y ‘Basement Mix’ es una de esas grabaciones de ambient-folk de Grouper que suenan como tocadas debajo del agua.
Todas las piezas de ‘Shade’, incluidas la tierna ‘Promise’ y la pista de cierre, una preciosidad llamada ‘Kelso (Blue sky)’, ambas folkis, funcionan por separado, pero en conjunto se echa de menos la unidad de un disco como ‘Dragging a Dead Deer Up a Hill’ y, sobre todo, una visión más completa y elaborada que no dependa solo de ofrecer un producto lo más natural posible, tan natural que pueda ser confundido con una simple maqueta.
Nacho Vegas ha presentado el primer single del que será su próximo disco el año que viene y se llamará ‘Mundos inmóviles derrumbándose’. ‘La flor de la manzana’ es una incursión latina influida por ‘Teatro’ de Willie Nelson, en concreto por ‘Darkness on the Face of the Earth’, como ha explicado Hans Laguna, productor del tema junto a Cristian Pallejà, Ferran Resines y el propio Vegas: «Su mezcla de ritmos latinos con la tradición anglosajona nos atrajo y fue la inspiración para añadir las percusiones afrocaribeñas». ‘La flor de la manzana’ es hoy nuestra «Canción del Día».
El autor de ‘El Ángel Simón’ construye un buen tema con un ritmo que no es reggaetón pero se le parece un poco, tras empezar casi a modo de samba, logrando que el boom de la música latina esté al servicio de una canción con mensaje, como demandan grupos colombianos como Bomba Estéreo. El estribillo es algo mejor de lo que parece en las primeras escuchas, en su fraseo, si bien la verdadera cumbre del tema es ese “middle eight” en el que la eléctrica de Joseba Irazoki, la trompeta de Alba Careta y los coros de Mancha ‘E Plátano exigen su momento de protagonismo al grito de «será nuestro el licor». Como el pueblo.
Y es que el tema no es ajeno a la última era de Nacho Vegas, más política: no hay más que ver esas fotos promocionales tipo politólogo de laSexta en las que solo le falta un último libro analítico escrito de su puño y letra, estratégicamente situado detrás. La letra es poética y menos explícita que en otras ocasiones, si bien su llamamiento «baja la cabeza y míranos» se dedica al gobierno o a un consejo de administración.
Su inspiración es el despido y posterior huelga de hambre de un grupo de trabajadores del puerto marítimo de Xixón, sucedido en la parte más dura de la pandemia. Oficialmente, «cada estrofa es una tragedia individual narrada en segunda persona del singular que, sumada a otras muchas, y ya en primera del plural, señala en el estribillo lo perverso de la realidad y exige ese «baja la cabeza y míranos»».
Estos días se ha anunciado una gira de presentación, que pasará el 28 de enero en Navia, el lugar donde se gestó el álbum y donde, el artista ha querido, por tanto, arrancar la gira en un acto simbólico. El tour continuará por Getxo (29 de enero), Girona (30 de enero), Granada (4 de febrero), Vigo (11 de febrero), A Coruña (12 de febrero), Valencia (17 de febrero), Murcia (18 de febrero), Terrasa (19 de febrero), Xixón (4 de marzo), Valladolid (5 de marzo), Vitoria-Gasteiz (27 de mayo) y Zaragoza (28 de mayo). Pronto se sumarán más fechas y las entradas podrán adquirirse próximamente en osopolita.com.
ABBA se mantienen como lo más votado de JENESAISPOP con ‘Don’t Shut Me Down’, mientras Adele asciende al número 2 con ‘Easy on Me’. La entrada más fuerte es la de Swedish House Mafia con The Weeknd seguida de una de las canciones de Michael Kiwanuka para un documental de Netflix. Coque Malla, Coeur de Pirate, Morreo y Purple Disco Machine completan la lista de entradas.
Se habla de los errores de la Academia española a la hora de elegir la candidata que represente en nuestro país en los Oscar, pero nuestros vecinos no se quedan muy lejos. Este año, frente a apuestas a priori más seguras como ‘El acontecimiento’ (ganadora del León de Oro en Venecia) o la propia ‘Petite Maman’, han decidido mandar (la por otro lado excelente) ‘Titane‘, supongo que con la intención de marcarse un Thanos y disminuir el número de académicos vivos en Hollywood.
Y cuando nosotros mandamos ‘Dolor y Gloria‘, ellos mandaron ‘Los miserables’ en lugar de ‘Retrato de una mujer en llamas‘, la anterior cinta de Céline Sciamma. En cualquier caso, ninguna tenía nada que hacer contra el fenómeno ‘Parásitos’, pero desde luego ‘Retrato de una mujer en llamas’ es una de las mejores películas europeas de los últimos años, y la que hizo que definitivamente le prestásemos atención a Céline Sciamma. Menos de dos años después, la francesa está de vuelta y que no os confunda la duración (poco más de una hora): ‘Petite Maman’ no es una “película menor” dentro de la filmografía de su directora, sino una obra mágica (en todos los sentidos) y una prueba más del talento de Sciamma para narrar la intimidad.
Nelly es una niña cuya abuela materna acaba de fallecer, y que acude con sus padres a su casa. Mientras su madre sobrelleva la pérdida, ella decide pasear por el bosque y buscar la casita de madera donde jugaba su madre de pequeña. En su camino encuentra a una niña de su misma edad que está construyendo una casita, y que se llama Marion, como su madre… porque es que realmente es su madre, construyendo la casita que Nelly busca en el futuro. Lo que sucede a partir de aquí es una historia de cotidianeidad y emotividad que Sciamma construye de manera excelente, llegando a un pequeño (gran) clímax final en el que las gemelas Joséphine y Gabrielle Sanz, encargadas de dar vida a las crías, os tocarán el corazoncito a más de uno.
Viendo estas semanas las entrevistas que ha dado la realizadora sobre la película, es inevitable acordarse de la máxima “las mujeres y los niños primero” en sentido irónico, con su declaración “a las mujeres y a los niños no se nos respeta en el cine”. La infantilización que se le hace a la mujer es, cómo no, especialmente obvia cuando se trata de la historia de dos niñas. Pero, aunque ‘Petite Maman’ es ciertamente una película apta para todos los públicos, no es una película infantil, ni en contenido ni en intención. A partir de un elemento más de realismo mágico que de sci-fi (la propia directora explica que ha querido rendir un homenaje a pioneras como Alice Guy o Germaine Dulac), Sciamma vuelve a contarnos una historia donde el afecto y la intimidad son lo más importante (aunque ahora no tengan el carácter sexual de ‘Retrato de una mujer en llamas’) y donde se nota la importancia que le da a que las protagonistas sean dos niñas. Sciamma sabe perfectamente cómo conseguir ternura con las crías en su guión mostrándolas a la vez como dos personas creíbles, sin pasarse de frenada y tomarlas por tontas en un intento de explotar su monería, que es algo que ocurre mucho con los personajes de críos en el cine.
Como decimos, los momentos íntimos y de cotidianeidad, reforzados por la atención que le da a los pequeños detalles que acaban conformando una gran película (la secuencia de los riskettos al inicio es ya un aviso), son su punto fuerte, pero también hay espacio aquí para momentos más épicos, como el paseo en barca donde suena ‘La musique du futur’, excelente tema compuesto para la ocasión. Quizás influya la falta de prejuicios de Sciamma al respecto: la directora considera que hay intimidad también en las películas de ‘Star Wars’ o de Marvel, y comenta que “si el tamaño de la pantalla es lo que define al cine, mal vamos, en mi opinión. Tendríamos que pensar qué es lo que define al cine realmente… para mí, es la intimidad que se crea entre una imagen y una persona”. No hace falta que lo jures, Céline.
Ya está disponible el que es uno de los proyectos más esperados de la temporada en la ficción nacional. HBO MAX ha estrenado al fin ‘Todo lo otro’, la serie de Abril Zamora, a la que avala su papel como actriz en la ya histórica ‘Vis a Vis’ y también sus guiones para otra serie tan exitosa en el plano internacional como ‘Élite’. Ella se ha encargado de dirigirla, escribirla y protagonizarla, al modo de series generacionales como ‘Girls’ o en España ‘Vida perfecta’. Eso sí, no ha sido la principal intención, y de hecho su serie realmente referencial la considera ‘A dos metros bajo tierra’. «Nunca tuve la sensación de hacer una serie generacional, pero es inevitable porque estoy hablando de una generación concreta”, ha dicho en una entrevista de promo.
El personaje de Abril Zamora se llama Dafne, tiene un trabajo de mierda, es abandonada por su novio y además descubre que está enamorada de su mejor amigo, al que interpreta Juan Blanco. ‘Todo lo otro’ suma la historia de más treintañeros en crisis: los coprotagonistas, comenzando por el propio personaje de Juan Blanco, están igualmente desmotivados y atrapados en unas vidas que no eran las que soñaban, al tiempo que tratan de avanzar y encontrar su hueco en la ciudad de Madrid. Sus inseguridades y frustraciones ocuparán el centro de la trama, trazada por un cúmulo de trabajos basura, sexo fortuito y demasiado alcohol. En definitiva, esa segunda adolescencia de la que una generación y media -esa que cree que «casarse es vintage»- trata (tratamos) de escapar, en busca de lo que en algún momento del siglo pasado se conoció como «madurez».
«La vida no es una comedia romántica. La vida es una mierda» es el lema que ilustra esta serie que no obstante promete un tono «tristemente cómico y miserablemente ligero». El elenco principal está formado por David Matarín, Nuria Herrero, Andrea Guasch, María Maroto, Bea de la Cruz, Marta Belenguer, Pepe Lorente y Raúl Mérida, sumando también a Miguel Bernardeau y Alberto Casado. Oficialmente, el reparto se compone de amigos también en la vida real detrás de las cámaras, lo que se ha utilizado para potenciar la química entre todos ellos.
Si una máxima ha dominado la realización de ‘Todo lo otro’ es la huida de todo tipo de filtros y prejuicios, lo que afecta al sexo o al consumo de drogas, sin miedo a mostrar la fragilidad, la vulnerabilidad y la sensibilidad de los personajes. La protagonista se jacta de «ser feminista» y a la vez disfrutar de ser tratada como «una puta en la cama» y no esquivará la visibilidad trans sin que ese sea el centro de la serie. «Me gusta estar en los sitios como persona trans, pero sin hablar de la transexualidad. Creo que es interesante y es el siguiente paso dentro de la visibilidad y la integración», ha dicho recientemente Abril Zamora al ser entrevistada en El Hormiguero.
El componente pop también será importante en ‘Todo lo otro’ y de hecho La Bien Querida ha versionado el clásico ‘Estoy llorando por ti’ de KU Minerva explícitamente para la serie, apareciendo incluso en uno de los tráilers. Un emblema del eurodance que ahora presenta un poso melancólico en sintonía con ese carácter agridulce que promete el guión. ¿Quién habló de bailar con lágrimas en los ojos?
Miss Caffeina ha anunciado el lanzamiento de su nuevo disco ‘El año del tigre’ para el próximo 4 de febrero. Un disco grabado después de la pandemia que consistirá en 11 canciones de las cuales ya han visto la luz ‘Por si’, ‘Me voy’ y ‘Punto Muerto’, en la que colabora Ana Torroja y que fue la primera en escribirse.
A través de sus redes sociales lo definen como “un disco lleno de luz a pesar de un mundo enrarecido, consecuencia de no tomarse la vida demasiado en serio”. También lo perciben “mucho mas orgánico que el anterior, con menos momentos deep y con más luz, más guitarras, más bandas y más ironías en las letras”
Para ellos ha sido “una forma diferente de afrontar el disco” ya que empezaron a producirlo a distancia debido a las restricciones para luego terminarlo en Madrid y algunas canciones llevaban tiempo escritas y otras se hicieron en el último momento. Describen este nuevo trabajo bastante “up – tempo” aunque en algún momento un poco más relajado.
‘El año del tigre’ tiene una temática china debido a que “el 2022 es un año importante en cuanto a numerología. A esto se le añade la importancia y fuerza de un animal como el tigre”. “Siempre nos gusta mirar fuera de aquí para buscar inspiración, es cuando empezamos a aterrizar e este mundo”, confiesan
Tienen previsto que la gira en salas comience en marzo de 2022. Os dejamos el tracklist de “El año del tigre”:
1. Fuerte el aplauso
2. Por si
3. Las Vegas
4. Me voy
5. Punto muerto, con Ana Torroja
6. Los replicantes
7. Memoria química
8. Marzo
9. Auto ayuda
10. Nadie bebe por el sabor
11. No entiendo nada
Carolina Durante estrena su último single ‘La planta que muere en la esquina’ y su vídeo en el que colabora el humorista de Cruz y Raya, Juan Muñoz. Este es el nuevo adelanto de su segundo disco que tienen previsto sacar a principios de 2022.
Al ritmo acelerado que les caracteriza, le acompaña una letra simple pero que transmite totalmente la cotidianidad de una relación que, al igual que “la planta de la esquina”, se va pudriendo con el paso del tiempo y que ninguno de los implicados es capaz de ponerle fin. Algo que sí que pone esta canción en el disco, ya que es la última del tracklist del que, por ahora, sólo conocemos ‘Famoso en tres calles’, ‘Moreno de contrabando’ y el homenaje a Messi tras su salida del Barça , ’10’.
El grupo tenía previsto actuar en el Wizink Center de Madrid el 20 de diciembre de este año (la fecha inicial era 28 de diciembre de 2020). Sin embargo, a principios de verano, este concierto se canceló y desde Sonido Muchacho daban las siguientes explicaciones: “el motivo de dicha cancelación es que (el concierto) no podrá celebrarse en las características y montaje con que fue previsto inicialmente, y tanto el grupo como el organizador han decidido cancelarlo a la espera de una mayor certidumbre a la hora de organizar eventos musicales”.
Con la vuelta a la normalidad, los conciertos por fin se harán sin restricciones de aforo y sin distancia. Algo esencial para poder disfrutar de los directos de Carolina Durante en condiciones.
Anoche se celebraron los premios ELLE Style Awards 2021 en Sevilla, donde se reunieron numerosas personalidades del mundo de la moda, entretenimiento, sociedad, arte… como Aitana, Rita Ora, Ana Mena, Ester Expósito, Bárbara Palvin o Carmen Lomana.
Una de las invitadas a la ceremonia fue la actriz Sharon Stone, galardonada con el premio Icono ELLE, que no perdió la oportunidad de compartir durante estos días la belleza de la capital andaluza a través de sus redes sociales.
Esta mañana la estrella de Hollywood ha sido trending topic en Twitter gracias a su vídeo en el que describe la representativa Plaza de España de Sevilla con ‘La revolución sexual’ de La Casa Azul de fondo. Ha mostrado desde los adoquines del suelo hasta los detalles que decoran la plaza. Una Sharon aventurera y muy natural cuenta que “no le gusta ir las after parties” y que “prefiere dar una vuelta por los alrededores de donde se encuentra”.
Por supuesto no podía dejar a sus más de 221.000 seguidores en Twitter y 2,8 millones en Instagram sin conocer el encanto de Sevilla. Días anteriores ya había compartido imágenes del centro y monumentos icónicos como la Giralda.
Por otro lado, durante la gala de los premios estuvo compartiendo momentos como la actuación de Pastora Soler interpretando ‘Sevilla’. Aunque la confunde con Pasión Vega (que no estaba en el evento), hace un mix y le da créditos bajo el nombre de “Pastora Vega”. Algo que la cantante se ha tomado con humor respondiendo al vídeo con el tweet “Si ella se equivoca de apellido se le perdona y punto!!! Gracias @sharonstone”.
De esta forma tan divertida y espontánea Sharon Stone se ha convertido en la mejor embajadora de la ciudad.
Aitana es una de las protagonistas del viernes tras el lanzamiento de ‘Coldplay’, su nuevo single con Cali y El Dandee, que se titula con el nombre de la banda de Chris Martin porque la letra habla sobre una chica que asiste a un concierto de Coldplay con otro chico que no es su ex. «No todos somos Camilo y Evaluna» es uno de los mensajes que deja la canción.
En Twitter, el periodista musical Arturo Paniagua ha aprovechado el lanzamiento de ‘Coldplay’ para compartir la siguiente reflexión: «Hablemos de la necesidad imperiosa e irreversible de que Aitana deje de hacer un featuring a la semana», a la que ha añadido el hashtag #FreeAitana. El mensaje podría haber quedado en el olvido si no hubiera sido porque Paniagua ha tenido el detalle de etiquetar a Aitana en el tuit, y la susodicha ha contestado. «Cuando los cantantes de reggaeton (hombres) sacan featuring cada semana, cosa que admiro y respeto, no os veo diciendo nada», ha declarado Aitana, a lo que después ha agregado: «Sólo me gustaría decir una cosa, por favor, no divulguemos información errónea. Sacar 7 canciones en un año de las cuales 4 son colaboraciones, a día de hoy y dentro del género que yo canto, no son muchas canciones».
La «polémica» ha provocado un debate en Twitter sobre la carrera de Aitana, compuesta por dos álbumes de estudio pero plagada, a su vez, de colaboraciones con otros artistas. Sin ir más lejos, el remix de ‘Mon Amour’ de zzoilo con Aitana ha sido número 1 en España durante varias semanas. Después vio la luz ‘Llueve sobre mojado’ con Pablo Alborán y Álvaro de Luna. El 80% de las canciones que conforman el top 10 de canciones más escuchadas de Aitana en Spotify son colaboraciones, solo dos son canciones propias (‘Berlín’ y ‘+ (MÁS)’) y una de ellas es una colaboración precisamente con Cali y El Dandee.
Por un lado, Aitana puede tener razón cuando apunta que se cuestiona más a las mujeres que a los hombres en relación a su carrera musical. J Balvin, Bad Bunny o C. Tangana publican colaboraciones constantemente… aunque la visión artística de todos ellos sí ha sido cuestionada en algún momento (también la de Pucho previamente a ‘El Madrileño’). Por el otro, Arturo reconoce a Aitana como una artista de pop, no asociada necesariamente al reggaetón como Jhay Cortez o Rauw Alejandro, y por lo tanto percibe en el suyo un producto disperso, sin dirección. Ante la información de que Aitana saca una colaboración con Melendi la semana que viene, el periodista de hecho ha contestado: «¿De verdad sale otra la semana que viene? Yo creo que hay que cuidarla más. Y entiendo las colaboraciones dada su popularidad, pero hay que construir desde otro enfoque».
Ni Duran Duran pueden creerse ser alguien todavía. Seguir por aquí. No lo digo yo, lo dicen ellos mismos en las entrevistas: «nunca habíamos tocado en un festival», «¡ahora la crítica no nos pega palos!» y la mejor: «si nos hubieras dicho cuando teníamos 19 años que íbamos a estar aquí en 2021, habría pensado que estabas loco o drogado».
El sueño de cualquier banda es irse regenerando y mantenerse a medida que pasan no ya los años sino las décadas, y eso es algo que nadie apostó que sucedería con el grupo de Simon LeBon en los años de ‘Rio’ y ‘Wild Boys’, cuando el éxito de Duran Duran parecía tan flor de un día -o dos- como el de los Communards o Sabrina Salerno. El grupo sobrevivió a los 90 publicando uno de sus mayores hitos, ‘Ordinary Boy’, y la pregunta es cuánto les está funcionando realmente esta nueva etapa de renovación que emprendieron en su disco de 2010 trabajando con Mark Ronson, añadiendo a Janelle Monáe y Nile Rodgers en su disco de 2015, y en este lo mismo a Giorgio Moroder, que a Tove Lo, Erol Alkan, CHAI y Graham Coxon.
Son nombres de hoy y también de ayer, en consonancia con el concepto del álbum de «traer el sonido del pasado al futuro». El germen de ‘Future Past’ es un homenaje a David Bowie en el que tuvieron que versionar ‘Five Years’ y es de ahí que viene su idea, no tan diferente de la que ha predominado en los dos álbumes inmediatamente anteriores. De todos los nombres contactados, el principal es Erol Alkan, pues ha producido la mayoría de los temas y además les ha presentado a Graham Coxon, más que nada porque era vecino suyo. Junto a él, han dado un sonido retro bastante disfrutable hoy en día a singles como ‘Anniversary’ -sobre sus 40 años en la música- o ‘Invisible‘, de muy cuidada mezcla, con referencias a Kraftwerk, OMD, la Human League y el mencionado Bowie. De hecho, el álbum ha decidido terminarse con una balada a piano cuyo verdadero protagonista es Mike Garson, que fue músico del Duque Blanco a lo largo de varias décadas.
En este grupo de temas producidos por Erol Alkan, es necesario hablar de la canción más avanzada, la construida junto a la siempre electrizante Tove Lo, ‘Give It All Up’, con cierto regusto melódico a ‘On the Radio’ de Jay-Jay Johanson. Resulta mucho más sugerente que el trabajo de Giorgio Moroder, responsable de dos temas en el centro del álbum, ‘Beautiful Lies’ y el cuarto single ‘Tonight United’, que se ha llevado demasiado a su terreno y aquí resulta algo artificioso. El homenaje a la música disco de ‘All of You’ -ese bajo, ese piano- está mucho mejor integrado en este contexto.
La segunda parte del álbum adolece ya de cierto regusto segundón. Su concepto de cara B parece algo viejuno: los temas son más apañados o pasables que notables o sobresalientes. La joven rapera Ivorian Doll está bien integrada en ‘Hammerhead’, con su punto funky y R&B, y ‘WING’ es un medio tiempo que está OK con guitarras eléctricas de indie pop y más querencia por los teclados ochenteros. Pero es ahí cuando te vas dando cuenta de que este proyecto no es tan diferenciable de lo que Duran Duran ya hicieron durante la década pasada. El futuro no puede ser llamar a CHAI para que griten «MORE JOY!».
Ed Sheeran publica hoy su nuevo disco, ‘=’ o «equal». Es uno de los grandes lanzamientos internacionales de todo el año, probablemente el mayor antes de que el huracán Adele lo arrase todo en unas semanas, y aunque en los foros de música pop no se suele palpar demasiada emoción ante nada que tenga que ver con Ed Sheeran, toca salir de la burbuja y asumir que ‘=’ será uno de los discos más vendidos del año.
De momento, ‘=’ ya contiene dos macrohits como han sido ‘Bad Habits‘ y ‘Shivers’, que en España no han sonado tanto como ‘Shape of You’, pero se mantienen en la lista de singles, en los números 37 y 59, respectivamente. ¿Qué ofrece el resto de ‘=’? Pues + de lo mismo.
Como ‘÷‘, el disco se presenta con un single megapop pensado para playlists y emisoras de radio (‘Bad Habits’); se abre con un tema rockero llenaestadios, ‘Tide’, y continúa por la vía de la canción acústica (‘First Times’), el pastiche de 80s rock (‘Overpass Graffiti’), el pop de radiofórmula (‘Leave Your Life’) o la balada intimista (‘The Joker and the Queen’), con la adición de un breakbeat que no es el tema llamado ‘2step’, sino ‘Collide’.
‘=’ es otro disco de Ed Sheeran que gustará a sus fans y dará más razones a sus «haters» para seguir valorando su música de manera poco positiva. El británico sigue entregando melodías pegadizas que pueden gustar a todo el mundo (‘Shivers’) o resultar genéricas, baladones que pueden tocar la patata (‘Visiting Hours’) o darte un subidón de azúcar (‘First Times’) y producciones solventes y efectivas aptas para públicos de 0 a 80 años; y en las letras sigue planteando un escenario de normalidad ante el éxito, ahora con el añadido de que está casado y es padre. La relación de Ed con su mujer es el tema central de ‘=’ aunque también hay espacio para tocar temas como la muerte (‘Visiting Hours’) o los problemas legales (‘Stop the Rain’).
En los foros de música pop, la reacción ante ‘=’ es tan predecible como lo que acontece en el disco. A los internautas que disfrutan de él les parece un buen trabajo de pop sin más pretensiones que el de dejarse escuchar; para quien Ed no es santo de su devoción, el álbum solo vale para tirarlo a la basura. En ocasiones asoma una voz moderada: «Nunca entenderé el odio que recibe, es un disco de pop disfrutable», opina un usuario. «Tiene alguna frase que da vergüenza ajena, ¿a quién le importa?» Quizá lo mejor que se puede decir de ‘=’ es que, por lo menos, no incluye una atrocidad como ‘Barcelona’.
‘Nominao‘ era una de las canciones más interesantes de ‘El Madrileño‘, una colaboración con Jorge Drexler por la que C. Tangana apostó hasta el punto de presentarla también en forma de single y videoclip. Ahora es Pucho quien ejerce de artista invitado en el nuevo single de Drexler. Se podría decir que es un dueto, pero la parte de C. Tangana dura menos que una canción de PinkPantheress.
Sin embargo, ‘Tocarte’ es una canción 100% C. Tangana, tanto que, entre sus creadores, se encuentra el colaborador habitual de Antón, Víctor Martínez, así como el productor pablopablo. La base de funk carioca de la canción, que a su vez integra el sonido de una guitarra acústica, recuerda a los experimentos de ‘El Madrileño’ con la música tradicional latinoamericana, pero es que además parece el final de ‘Nunca estoy’ extendido a los 2 minutos y medio. Compuesta por «Antón Alvarez Alfaro, Jorge Drexler, Pablo Drexler y Víctor Martínez», ‘Tocarte’ incorpora además la «risa de Meritxell Neddermann».
Sin que quede muy claro quién ha escrito qué en ‘Tocarte’, la letra de la canción está repleta de imágenes y rimas bastante propias de C. Tangana. Hay referencias al sexo («quiero lamer la sal que traes de la playa / pedir asilo debajo de tu toalla»), el amor tóxico («quiero idolatrarte hasta que te harte»), a un tormento personal («jugarme la vida, buscarme la ruina») o posiblemente al consumo de drogas («picar medicina, chupar golosina») dentro de una canción que parece simplemente una oda a la sensualidad.
El vídeo de ‘Tocarte’ une los mundos de Jorge Drexler y C. Tangana: el uruguayo vuelve de la tintorería con su uniforme médico en la mano (sí, Drexler es médico, además de cantautor) y Pucho sirve copas en uno de esos bares «madrileños» que ha homenajeado en su última etapa. El eje del vídeo, sin embargo, es una protagonista que corre veloz hacia una estación de tren, en busca de una persona.
Dentro de la avalancha habitual de lanzamientos, hoy salen los nuevos discos de Ed Sheeran, Nicki Nicole, Izal, The War on Drugs, Tori Amos, a la que acabamos de entrevistar; Mon Laferte, Alfred García, María Rodés y La Estrella de David, The Parrots, Guaynaa, Ximena Sariñana, Namasenda o Algora.
También hay novedades interesantes en el ámbito de los singles. Jorge Drexler y C. Tangana vuelven a unir fuerzas en un tema conjunto, Rigoberta Bandini publica un emocionante homenaje a Julio Iglesias y a la vida en general, Kylie Minogue y Jessie Ware comparten su esperada colaboración, Alicia Keys lanza el primer adelanto de su disco «en dos versiones» y Azealia Banks estrena single de sonido industrial.
A lo largo de la semana, varios artistas han anunciado sus respectivos nuevos álbumes, como Metronomy, Spoon o Midlake, y otros han publicado temas sueltos que probablemente avanzan proyectos mayores, como Carolina Durante o Miss Caffeina. Han publicado single también BENEE, Shygirl o Yaeji y Katy Perry ha versionado a los Beatles.
En la playlist encontrarás también interesantes novedades de Planningtorock, Jimena Amarillo, Peach Tree Rascals, Orslok con Rojuu, Marc Seguí, Aiko el grupo o Nueve Desconocidos, además de un reggaetón llamado ‘Coldplay’ perpetrado por Cali y El Dandee y Aitana.
Christian Löffler es un productor, compositor y DJ alemán, representante de la nueva electrónica emocional. Su música se define como “una mezcla de euforia y melancolía, así como también de cierto halo inhóspito que le sirve para conectar con el Mar Báltico y la geografía del nordeste alemán donde creció”.
Löffler ha cofundado su propio sello discográfico, Ki Records, con el que publicó su primer EP, ‘Heights’. Desde entonces ha ido publicando hasta doce EP´s hasta lanzar su álbum debut ‘A Forest’ en 2012, que es “una exhibición de techno ambiental, con el que traspasó fronteras”. En 2016 repitió éxito con ‘Mare’, en el que “adoptó un enfoque más orgánico (grabaciones de campo incluidas)”.
El alemán tiene cuatro fechas en España dentro de su gira continental. Estas serán el 24 de noviembre en Gijón (en el Teatro de la Laboral y dentro del Gijón Sound Festival, en el que comparte cartel con artistas como Depedro, James Rhodes y Sílvia Pérez Cruz), el 25 en Vigo (en Mondo Club y formando parte del Ciclo Xacobeo Importa), el 26 en Barcelona (Razzmatazz) y el 27 en Madrid (Sala Mon Live). Las entradas están disponibles aquí.
En esta gira presentará sus dos últimos trabajos: ‘Lys’ (2020) y ‘Parallels’ (2021). ‘Lys’ es “una oda a la tierra que le vio nacer y cómo esta va cambiando ante nuestros ojos, en función del momento en el que se observan (hora del día, estación…) cuyo tema principal es la luz (‘lys’ en danés), que percibe de manera diferente en el norte de Alemania”.
Por su parte, ‘Parallels’, es «un homenaje electrónico experimental a Beethoven, y surge de un experimento con el Proyecto Shellac de Deutsche Grammophon – una colección de material digitalizado restaurado en una iniciativa en colaboración con Google Arts & Culture”. En este disco reelabora algunas de las obras orquestales del legendario compositor.
Con este álbum, Löffler quiere “devolverle” a la música de Beethoven “los sentimientos más básicos”, dado que considera que “con el paso del tiempo se ha vuelto una tanto sobrenatural pero que en realidad era muy humana y accesible”
La Maravillosa Orquesta del Alcohol ha compartido esta semana ‘Miraflores’, el primer adelanto de lo que será su quinto álbum de estudio, ‘Nuevo Cancionero Burgalés’. Un disco inspirado en las canciones populares de su ciudad natal, Burgos. Este es un homenaje a su tierra tras descubrir dos cancioneros del siglo XX, escritos por Federico Olmeda (1903) y Antonio José (1932), lo que les ha servido de base para su nuevo trabajo.
Durante este año, han estado trabajando con los textos, las letras y la música, influenciados por el folklore burgalés y creando ocho nuevas canciones que transmitiesen a su vez la identidad del grupo, conscientes de la importancia que tiene la tradición para su gente. ‘Miraflores’ es el primer tema del álbum en ver la luz pero no será el único, ya que la banda ha anunciado más adelantos para el mes de noviembre y una nueva gira en 2022.
‘Nuevo Cancionero Burgalés’ ha sido grabado este verano (mientras estaban de gira por todo el país) en los estudios franceses Black Box. Este nuevo álbum está producido por Gorka Urzbizu, vocalista de Berri Txarrak, grabado y mezclado por Jordi Mora y masterizado por Víctor García. Verá la luz el 17 de diciembre casi un año después del lanzamiento y presentación de su último trabajo ‘Ninguna Ola’.
Spoon ha anunciado el lanzamiento de ‘Lucifer On The Sofa’, su décimo álbum, que estará disponible el 11 de febrero de 2022 y que contará con diez temas nuevos. Este disco es el primero de la banda en cuatro años, desde que ‘Hot Thoughts’ saliera en 2017.
‘Lucifer On The Sofa’ es “el disco de rock ‘n roll más puro de la banda hasta la fecha”, además de ser intenso e intimista. Está co-producido por Spoon y Mark Rankin, que ha trabajado con Adele o Queens of the Stone Age, y cuenta con la colaboración de Dave Fridmann y Justin Raisen.
Junto a este anuncio han estrenado el primer single y vídeo del disco, ‘The Hardest Cut’, que destaca por un fuerte guitarreo y que fue la primera que Britt Daniel escribió para el disco en colaboración con Alex Fischel en la melodía.
‘The Hardest Cut’, otras canciones inéditas del disco y los clásicos de Spoon se podrán escuchar esta noche y mañana de forma exclusiva sintonizando BACK TO THE LIFE //LIVE FROM LOS ANGELES a través de Moment House.
Os dejamos el tracklist de ‘Lucifer On The Sofa’ y el vídeo de ‘The Hardest Cut’:
1. ‘Held’
2. The Hardest Cut’
3. ‘The Devil & Mister Jones’
4. ‘Wild’
5. ‘My Babe’
6. ‘Feels Alright’
7. ‘On The Radio’
8. ‘Astral Jacket’
9. ‘Satellite’
10. ‘Lucifer On The Sofa’
Coldplay ha actuado en el Live Lounge de la BBC Radio 1, interpretando sus últimos hits ‘My Universe’ (en el que colaboran BTS) y ‘Human Heart’, que forman parte de su último disco ‘Music of the Sheres’. También ha interpretado la mítica ‘The Scientist’ y ha versionado la canción ‘Just For Me’ de PinkPantheress.
En esta ocasión, el grupo la interpretado en acústico contando únicamente con la presencia de dos pianos, una guitarra y un bajo, algo que contrasta con la versión original. Cantándola en un ritmo mucho más lento que PinkPantheress, Coldplay alarga la canción de menos de dos minutos hasta llegar casi a los cuatro, ya que le añade un final instrumental repitiendo el verso del coro «Do you wipe them just for me?».
“He estado aprendiendo sobre PinkPantheress, ella es genial, talentosa y maravillosa”, así habla Chris Martin para la BBC radio de la artista británica. “Es una canción brillante. Es emocionante ver lo que hace”, añade.
“Just For Me” se publicaba en agosto de este año y pronto arrasaba en TikTok, donde ya la han usado para más de dos millones de vídeos.
PinkPantheress, de tan sólo 20 años, ha estrenado su álbum debut ‘to hell with it’ hace apenas dos semanas. Diez canciones en las que se incluyen sus hits ‘…Pain’, ‘Just For Me’, ‘Passion’ y ‘Break it off’ en forma de bonus track.
Måneskin ha actuado por primera vez en el popular late show estadounidense ‘The Tonight Show’, presentado por Jimmy Fallon. Los italianos cantaron dos de sus éxitos: su peculiar versión de ‘Beggin’’ que ha entrado en el Top 10 en 63 países (ahora mismo es número 15 en Estados Unidos) y su nuevo single ‘MAMMAMIA’, que estrenaron a principios del mes de octubre y que ya acumula más de 20 millones de reproducciones en Spotify.
De esta forma, los ganadores de la última edición del festival de Eurovisión han debutado en la televisión de Estados Unidos. Esta visita al programa es una de sus paradas en el país, que incluye un concierto en el Bowery Ballroom en Nueva York, el 27 de octubre y en el Roxy Theatre en West Hollywood, California, el 1 de noviembre.
Esto le sirve a Måneskin para calentar de cara a su actuación en los MTV EMAS 2021 el próximo 14 de noviembre. En esta edición están nominados en la categoría de Mejor Artista de Rock y Mejor Grupo.
El éxito de la banda no para de crecer y por primera vez actuarán en estadios dentro de su gira por Italia. Esta gira consistirá en 13 fechas repartidas entre el invierno de este año y la primavera del siguiente. Además de su tour italiano, el grupo tiene previsto visitar Europa (sin pasar por España) con su gira ‘Loud Kids’ durante los meses de febrero y marzo de 2022 y para la que han colgado el cartel de soldout.
Hablar con Tori Amos es entrar en su mundo de fantasía. La artista habla de elixires, panaceas y alfombras mágicas con la misma naturalidad con la que usa palabras malsonantes. Cuando desea comunicar una transformación personal dirá que ha «mudado de piel». Su voz es cálida como el fuego de una chimenea. Es pensativa, meditabunda. Su nuevo disco, ‘Ocean to Ocean’, que sale el viernes 29 de octubre, conecta con la naturaleza en mitad de una pandemia global que Tori ha sufrido especialmente durante el tercer confinamiento decretado en Reino Unido, allá por enero de este año. La artista está triste, bloqueada y además ha de lidiar, encerrada, con la muerte de su madre. Su vía de escape es la música; su medio de transporte, la naturaleza, y ‘Ocean to Ocean’ es el resultado de ese intento por encontrar algo de luz en toda esa oscuridad.
‘Ocean to Ocean’ llega cinco años después de ‘Native Invader‘, un lustro en el que han pasado muchas otras cosas. La autora de ‘Crucify’ se encontraba grabando un álbum distinto antes de que llegara la pandemia que no publicará porque ya no le resulta relevante pero que, por lo que ha dado a entender en una entrevista, era político. En una charla telefónica con JENESAISPOP sí habla largo y tendido sobre la importancia de hablar sobre abusos sexuales en el mundo post-MeToo y, en cuanto al fenómeno «bedroom pop», aconseja a los artistas no dormirse en los laureles.
El disco habla sobre la pandemia, pero también sobre la pérdida. Sin embargo suena bastante claro y luminoso, como la portada. ¿Has evitado hacer un disco triste a toda costa?
Escribí canciones que me pudieran sacar del sentimiento en el que me encontraba en ese momento, que era de abatimiento. Las canciones se convirtieron en una especie de alfombra mágica con la que escapar de ese estado en el que me encontraba, sobre todo durante el tercer confinamiento, que fue muy duro. Muchas entonces llegamos a un punto de hartazgo.
¿Escribir este disco ha sido terapéutico para ti o lo que necesitas de verdad es tocar en directo?
Sin duda necesito tocar en directo porque la energía en los conciertos es especial, se crea un voltaje y una química especiales en los directos que amo con todas mis fuerzas. Sin embargo, mis nuevas canciones se han convertido en un campo de fuerza en el que puedo trasladar toda esta energía de manera más rápida de lo que lo hacía antes de que existieran.
Aparte de la pandemia y la pérdida, el disco está inspirado en los paisajes y la mitología de Cornwall. ¿En concreto qué paisajes y mitos te han inspirado?
En el disco aparece una fotografía de Nanjizal Beach, es una playa en el sudoeste de Cornwall donde hay pozas de marea y una cueva. Es muy difícil cruzar al otro lado de las pozas porque tienes que caminar encima de unas rocas muy resbaladizas que están debajo del agua, pero lo hice con la ayuda de una colega y ahí hicimos las fotos del disco. No había terminado de escribirlo cuando fui pero el paisaje, sin duda, ejerció una enorme influencia en canciones como ‘Addition to Light Divided’ o ‘Swim to New York State’.
¿Qué me puedes contar de los mitos?
Me inspiré en varias culturas. En Cornwall existe una gran cultura de sirenas, porque es una isla, y hay muchas historias acerca de los seres marinos. Cuando observas el paisaje desde un acantilado casi te parece estar escuchando a las sirenas llamándote desde siglos atrás.
Me gusta comer sushi con St. Vincent, sobre la influencia que he podido ejercer en ella o en otros artistas no pienso tanto
Algunos de tus discos son conceptuales. ¿No se te pasó por la cabeza que este lo fuera?
Como artista me llaman la atención muchos tipos de expresión. Hay diferentes maneras de contar una historia y lo que intento averiguar es cuál es la forma más efectiva de contar una historia determinada. A veces es necesario crear un concepto, dotarlo de personajes, pero otras solo es necesario documentar lo que está ocurriendo, y si tu trabajo, en un momento determinado, consiste en documentar la tristeza por la que está pasando la gente en un mundo que se ha vuelto loco, si quieres ayudar a la gente a lidiar con el dolor, lo que quieres es crear una panacea, un elixir sónico con el que poder hacer tal cosa. Eso he hecho en ‘Ocean to Ocean’ y ha sido una decisión consciente.
¿El disco que empezaste a escribir antes de la pandemia está totalmente descartado? ¿Era un disco político? ¿Saldrá en algún momento?
Ese disco no va a salir. En aquel momento, las canciones respondían a una energía que ya no me interesa explorar. Escribí mi libro, ‘Resistance’, para hablar sobre la importancia de resistir las fuerzas tiránicas, y creo que el libro ya hizo ese mismo trabajo. Con la pandemia el mundo necesitaba otro tipo de canciones, así que me mudé la piel de aquel disco y me sumergí en una frecuencia diferente.
Tu influencia se percibe hoy en día en el trabajo de St. Vincent, Perfume Genius o Bat for Lashes. ¿Percibes tu influencia en otros artistas? ¿Escuchas música actual?
Me gusta comer sushi con St. Vincent, tomarme un vino con ella y conversar un rato; sobre la influencia que he podido ejercer en ella o en otros artistas no pienso tanto. Los músicos que han mencionado están persiguiendo su propio camino y lo están haciendo maravillosamente. Yo me enfoco en el trabajo que me queda por hacer. No estoy retirada, aún recopilo historias, documento el tiempo, investigo, tomo notas… vivo una vida de artista aparte de ser ser esposa y madre. La familia es el epicentro de mi vida.
En la actualidad, artistas mainstream tan masivas como Billie Eilish cantan sobre slut-shaming, body-shaming, abusos sexuales… En los 90 hubiera sido impensable.
Las redes sociales han transformado la naturaleza de las conversaciones públicas. Los temas que mencionas ya están sobre la mesa, están en la cultura. En los 90 no se podía hablar de abuso sexual, era un tema tabú y tenías que pelear con el sello para que te dejara meter una canción en el disco que hablara de ello. Han pasado muchas cosas en los últimos 30 años, a la fuerza el público se ha terminado dado cuenta de que el acoso, los abusos sexuales, la violencia doméstica… son un problema endémico no solo en la industria de la música, sino también en la sociedad. Es muy importante que artistas con grandes plataformas hablen de estos temas porque influyen a mucha gente.
En los 90 era muy difícil hablar sobre abusos sexuales, solo podías hacerlo en los conciertos. Si lo hacías en una canción la radio te podía vetar
Una de las cosas que han cambiado es que las mujeres ya hablan abiertamente de ello, al contrario que antes, cuando por miedo a no ser creídas, muchas no compartían sus experiencias con nadie.
También hay que detenerse en las consecuencias que provoca este tipo de vivencias en las víctimas. A muchas personas por contar sus experiencias se les ha vetado de un sello o de un estudio de cine. ¿A cuántas de ellas les han arruinado la carrera? Las personas que han salido indemnes de contar una experiencia de abusos probablemente ya tenían acceso a un público. Cuando yo lo hice (en la canción ‘Me and a Gun’) no estaba nombrando a una persona específica. Hablaba de mi experiencia a través de una canción y además era portavoz de RAINN (Rape, Abuse & Incest National Network). Yo ya tenía un público que venía a mis conciertos. Tenía una red de apoyo a mi alrededor.
En los 90 era muy difícil hablar de ello, solo podías hacerlo en los conciertos. Si lo hacías en una canción la radio te podía vetar. No había otra plataforma que el escenario. Ibas de pueblo en pueblo y contabas tu historia durante un año entero. Ahora, con internet, en una hora puedes llegar a millones de personas. El paisaje ha cambiado mucho.
Internet ha democratizado la creación musical. Ahora cualquiera puede lanzar una canción en internet desde su habitación y petarlo. ¿Qué opinas sobre este fenómeno?
Es interesante que uses la palabra democratización. Es una manera de verlo. Otra manera de verlo es la siguiente: por mucho que tú mismo crees música desde tu habitación no puedes reemplazar el trabajo de un buen ingeniero o un buen mezclador. A mí nunca se me pasaría por la cabeza pensar que tengo el talento de Matt Chamberlain. Un diletante que hace música desde el puto garaje de su padre no puede reemplazar el trabajo de un grupo de músicos y profesionales que llevan toda la vida trabajando en su campo. El problema a día de hoy es que ya no hay dinero para invertir en desarrollar a los artistas noveles porque la gente se vuelve avariciosa de cojones y solo piensa en hacer puta pasta, lo que incluye a los sellos discográficos.
La industria ahora mismo no es tan sana como antes y no cuida a los artistas como solía a hacerlo
No me refería tanto a los ingenieros como a los artistas de «bedroom pop» que pueden colgar una canción sin mezclar siquiera y lo peta.
Me parece genial que los jóvenes hagan música desde sus habitaciones, pero todos podemos mejorar nuestras habilidades y aprender. Si eres un artista que tiene todas las habilidades que se requieren para hacer una canción y consigues un número 1, enhorabuena; si consigues un número 1 simplemente porque has sacado una canción en el momento adecuado pero no posees dichas habilidades, con el éxito te llega también la oportunidad de mejorar como artista. Lo que no me gusta es que la gente que tiene potencial sea holgazana. Yo no creo en la holgazanería, me pasé años tocando en bares para precisamente mejorar como músico, y yo animo a los jóvenes artistas a hacer lo mismo y así convertirse en artistas más completos. Y a hacer buenos discos porque a mí me gusta escuchar buenos discos que están bien producidos, que suenan bien.
El éxito, claro, también se mide en el tiempo en que consigues sostener una carrera. Muchos artistas surgidos de internet parecen durar dos días…
Por eso les animo a espabilarse y aprender de las personas que son buenas en lo que hacen. Lo que me entristece de esta industria es que ya no se desarrolla a los artistas. Antes los sellos tenían un departamento de desarrollo de artistas y ya no es así, y creo que esto es una gran pérdida para la industria. Si a mí no se me hubiera permitido fracasar con Y Kant Tori Read no habría sacado después 16 discos en solitario. La industria ahora mismo no es tan sana como antes y no cuida a los artistas nuevos como solía hacerlo.
¿Te parece que ‘Boys for Pele’ está infravalorado? Llegaste a a afirmar que los críticos vapulearon tu “disco de clavicordio punk”.
En su momento sí fue un disco infravalorado. En ‘Boys for Pele’ lo di todo de mí pero a veces los discos no son comprendidos en su época, y otros sí. En ocasiones los sellos, en cuanto obtienes un poco de éxito, quieren que empieces a trabajar con ciertas personas para aumentar ese éxito, y yo necesitaba hacer ese disco en aquel momento para encontrar mi propia libertad.
Hay quien espera una recuperación económica brutal de la industria musical en 2022, pero también hay voces que opinan que puede haber una burbuja: demasiado concierto acumulado, demasiada gira, demasiado disco guardado. ¿Cuál es tu visión? ¿Habrá espacio para tantísima oferta?
Es normal que haya habido retrasos y problemas después de que la música en vivo haya sido borrada del mapa literalmente durante 18 meses por culpa de la pandemia. La industria ha estado de rodillas. No hay que ser bueno en matemáticas, que no lo soy, para darse cuenta de que iba a sufrir las consecuencias. Lo único que espero es que a la gente le apetezca volver a vivir la experiencia de ver un concierto en directo, que seguramente sí. Al fin y al cabo también ha estado encerrada en sus casas.
Estoy un poco enfadado con Lana del Rey. ‘Chemtrails Over the Country Club‘ ha sido este año un disco enorme, uno de los pocos grandes de verdad que nos dejaba la música internacional en la primera mitad de año. Un candidato a ser nombrado incluso su mejor álbum… que quedaba inmediatamente eclipsado por el propio anuncio de la cantante de que otro álbum estaba listo para salir de forma inminente. En marzo teníamos un discazo de Lana del Rey; en abril, la confirmación del siguiente.
‘Blue Banisters’, quizá el proyecto en principio anunciado como ‘Rock Candy Sweet’ para el mes de junio, se proyectó luego en julio, pero se ha ido retrasando hasta la semana que nos ocupa, incluyendo los temas que se han venido adelantando hace meses junto a algunos descartes de otras eras y alguna que otra sorpresa ajena a la última Lana que hemos adorado: la de guitarra y piano. El álbum mantiene la magia y da más alas a la artista en la categoría de leyenda, ¿pero no habría sido mejor pasar 2021 debatiendo hasta qué punto era bueno «Chemtrails» que esperando otro disco que no terminaba de llegar y que nadie demandó tan pronto?
En su mejor faceta, ‘Blue Banisters’ es una nueva exposición del enorme talento de Lana del Rey, el que la ha convertido en una de las superestrellas más fascinantes del siglo, y asimismo una manera de conocerla mejor. La artista deja atrás su supuesto pasado conservador en la cabeza del álbum con ‘Text Book’ («allí estábamos gritando «Black Lives Matter» entre la multitud / con ‘Old Man River’ vi que viste quién soy de verdad») y el tema titular, un gran himno de sororidad en el que Lizzy Grant expresa que ya no necesita que ningún hombre vuelva cada primavera a pintarle su casa, pues pintará el jardín ella misma en compañía de sus amigas («la mayoría de los hombres no quieren una mujer con pasado, ya se sabe»). Una línea que continúan versos de ‘Violet for Roses’ («desde que me desenamoré de ti / he vuelto a enamorarme de mí») y ‘Thunder’ («Te comportas como el jodido Mr Brightside / pero sé cómo eres cuando la fiesta acaba»).
‘Arcadia‘ es una de las mayores preciosidades y mejores ocurrencias jamás escritas por la autora de ‘Born to Die‘: una analogía de su cuerpo y el mapa de Los Ángeles en la que su pecho es la Sierra Madre y sus caderas, «autopistas y desvíos» (atención a la construcción en inglés de «every high and byway»). Al final Lana del Rey nos va a convencer de que ella ES California, siendo neoyorquina. Y en cuanto a esa manera de comprenderla mejor como artista y persona, tenemos ‘Beautiful’, una respuesta a la crítica que había venido avanzando durante los últimos meses. «¿Le habría pedido alguien a Picasso que no fuera triste? / Entonces no habría sido el hombre que fue / no habría Etapa Azul / Dejadme ser libre como los lobos y hacer lo que quiera / Dejadme mostrar cómo la tristeza puede transformarse en alegría / Puedo convertir algo triste en algo hermoso», indica haciendo un juego de palabras entre la Etapa Azul del pintor y la equivalencia entre «azul» y «triste» en inglés («blue»), presente en el propio título del largo.
Lana del Rey se ha caracterizado, efectivamente, por hacer de lo triste, algo hermoso, y eso es algo que ha vuelto a conseguir en ‘Blue Banisters’ con muy poco y sin Jack Antonoff, al que no, no necesitaba para nada después de todo. ‘Text Book’ presenta ecos de góspel en su desenlace; en ‘Arcadia’ aparecen unos teclados que son puro dream pop desembocando en una pista «mariachi trap» que no habíamos visto venir en su repertorio actual pero que pone de manifiesto la cercanía entre California y México; ‘If You Lie Down With Me’ presenta sofisticados arreglos jazz en su último minuto que hacen suspirar por un disco en esa línea; ‘Thunder’ cuenta con las cuerdas de Owen Pallett, y la monotonía del disco está sorteada con varios temas que deciden cambiar su ritmo durante su curso, como ‘Text Book’ o ‘Black Bathing Suit’.
Sobre todo en la primera mitad del álbum. Sucede que en la segunda se empiezan a acumular los descartes y las canciones menores. ‘Dealer‘, sobre la persona que les pasa la droga, es un divertimento creado junto a Miles Kane, defendible como artefacto kitsch de trip-hop, pero sólo como eso. ‘Cherry Blossom’ y sobre todo ‘Nectar of the Gods’ fueron descartadas de ‘Ultraviolence‘, que era un álbum excelente, por un motivo, y uno no puede dejar de pensar que tanto no querrá a su colega Jane Powers si ha tardado hasta 8 años en encontrar hueco para publicar el tema que le escribió, ‘Living Legend’. Es habitual que los artistas tarden en hallar un contexto adecuado para una composición que les lleva tiempo rondando la cabeza, en lo que son unos expertos sus compañeros editoriales de Radiohead. Nada, en cambio, une algunas composiciones aquí reunidas, que terminan siendo una especie de poemario de nuevos y viejos pensamientos, cuando a la vista esté que la Lana del Rey de 2013 no es la misma que la Lana del Rey de 2021. ¿Qué cantautor/a podría serlo tras una vida como la suya sorteada de sinsabores y asedio?
‘Sweet California’, con créditos de su padre y hermana, dedicada al bebé de esta, con bromas sobre el iPhone 11, la criptomoneda y su cuñado, es la encargada de cerrar bien arriba una buena obra. Estoy deseando ir a un concierto suyo para cantar «fuck you, Kevin», bebida en mano. Sólo Lana del Rey podría cantar algo así en una encantadora balada a piano. Realmente, ‘Blue Banisters’ habría sido una sorpresa muy grata como disco sorpresa esta Navidad. Como disco hypeado durante meses hasta el punto de ensombrecer y anular por completo un álbum tan sublime y bien redondeado como «Chemtrails», la estrategia no se entiende tanto. Su línea artística es tan vacilante que hasta uno termina interpretando que su yerro es parte del encanto de Lana del Rey: un alma que vuela libre ajena a toda lógica de la industria musical.
Llevamos meses esperando que la anunciada gira de Metronomy pueda llegar finalmente a nuestro país. Como todos sus fans saben, será el próximo mes de marzo, y la noticia es que tendrán para entonces nuevo disco en la calle. El álbum llamado ‘Small World’ saldrá el 18 de febrero y viene presentado por un single llamado ‘It’s Good to Be Back’ que es nuestra «Canción del Día» para este jueves.
Metronomy, como bandas como Hot Chip, han jugado durante toda su carrera con lo analógico y lo digital con todo un arsenal de sintetizadores, y en esta canción entregan una de sus producciones más sofisticadas y próximas al sonido DFA, con el que en principio no los asociábamos tanto. Es también una de sus producciones más contagiosas e inmediatas, influida por la paternidad de Joseph Mount. Con ella ha querido volver a aquellos días en que era pequeño e iba sentado en el asiento de atrás del coche de sus padres mientras ellos ponían su música. Pensaba el pequeño Joseph: «esto es horrible». Cuenta que sí había una o dos canciones que excepcionalmente le solían gustar y que esta canción sería ese tema en el desarrollo del disco que se avecina: es la que puede gustar a los niños. Es decir, deducimos que el resto del disco será menos pop.
Hay más miga en su sencillo desarrollo lírico, pues después de la pandemia, Joseph Mount se estaba planteando «cuál sería el más aburrido de los tópicos con que la gente saldría después de los dos últimos años», pero que a su vez le excitaba «estar de vuelta». De ahí un título tan manido como irónico y finalmente simpático.
Y más madera: el vídeo enriquece profundamente el sentido último de ‘It’s Good to Be Back’ en tanto que la dirección de Dreamjob hace repetir a la banda la misma escena, topando una y otra vez con la muerte, a medio camino entre ‘El show de Truman’ y ‘Kokodi-Kokoda‘ solo que en clave de humor.
Según la nota de prensa de su sello en España, el nuevo álbum de Metronomy, ‘Small World’ «es un retorno a los placeres simples, la naturaleza… todo mientras se hacen preguntas existenciales más amplias: el aprecio en la naturaleza y nuestras raíces mientras revaloramos las cosas que valoramos a medida que envejecemos. Todas las cosas que son parte integral de la experiencia humana, aunque todo se ha sentido acelerado y enfatizado en el último año». Os dejamos con fechas de gira, tracklist y por supuesto con el vídeo.
04/03/2022 – La Riviera (Madrid)
05/03/2022 – Sala Moon (Valencia)
06/03/2022 – Razzmatazz 1 (Barcelona)
01 Life and Death
02 Things Will Be Fine
03 It’s Good to Be Back
04 Loneliness on the Run
05 Love Factory
06 I Lost My Mind
07 Right on Time
08 Hold Me Tonight
09 I Have Seen Enough
Viagra Boys informan de la muerte de su guitarrista y cofundador Benjamin Vallé (tercero en la foto por la izquierda) a los 47 años. El sexteto de Estocolmo forma parte de la última escena post-punk junto a nombres como Shame o Idles, habiendo destacado en 2018 la edición de su álbum ‘Street Worms’ tras varios EP’s. Foto: Fredrik Bengtsson.
Sus compañeros han compartido un texto en Instagram en el que indican: «Con enorme tristeza os contamos que nuestro querido amigo y miembro fundador de Viagra Boys, Benjamin, ha muerto. Benjamin era encantador y amable y los recuerdos dulces que tenemos juntos son incontables. No puedo dejar de llorar mientras miro fotos tuyas pero también me río porque fuiste una de las personas más divertidas y bobaliconas que jamás he conocido. Benjamin o «Benis» como le llamábamos, llevó la felicidad y las risas a dondequiera que fuéramos, siempre guardaré los recuerdos de viajar y girar juntos. Benjamin, te queremos con todos nuestros corazones y Viagra Boys no habrían sido nada sin ti. Este planeta ha perdido a uno de los buenos. Espero que estés en algún lugar del espacio contando chistes malos a algún alien. Buenas noches, siempre te querré. Haced un brindis por Benis. Es todo lo que habría querido».
Antes de la pandemia Viagra Boys visitaron España por ejemplo como parte del cartel de Bilbao BBK Live 2019, cuando os los recomendábamos, y han sido citados como influencia por gente como Wolf Alice. «Benis» no formó parte del último disco de Viagra Boys, ‘Welfare Jazz’, lanzado este año, y en las últimas fotos promocionales del grupo, la banda es ya un quinteto sin él. Los motivos de su muerte no han sido compartidos con la banda.
The Divine Comedy estará de gira por España en marzo del año que viene. Las actuaciones que tienen previstas pasarán el día 6 en San Sebastián (Kursaal), el 9 en Madrid (Nuevo Apolo) y el 10 en Barcelona (L’Auditori). La banda anunció este verano el lanzamiento de ‘Charmed Life – The Best Of The Divine Comedy’, una colección de sus mejores canciones, que verá la luz el 4 de febrero de 2022.
Esta colección incluye un total de 24 pistas que repasa los grandes éxitos de la banda y los temas favoritos de los fans, escogidos por el cabeza del grupo, Neil Hannon, y remasterizada en Abbey Road Studios. Grandes clásicos como ‘National Express’, ‘Something For The Weekend’, ‘Generation Sex’ y ‘Tonight We Fly’ estarán ahí junto a singles más recientes como ‘A Lady of a Certain Age’, ‘Norman and Norma’ y ‘At the Indie Disco’. También se incluye el nuevo tema ‘The Best Mistakes’. El disco extra incluye la canción ‘Te amo España‘, aquella entrada loca realizada para Eurovisión.
The Divine Comedy saldrá de gira a partir de marzo de 2022. “Tengo muchas ganas de volver a tocar en vivo. Los últimos años han sido un recordatorio de lo mucho que significa para mí personalmente. Realmente es mi cosa favorita. Y parece apropiado que volvamos con un set de grandes éxitos”, confesaba Neil al hablar del arranque de esta gira.
Doble CD
Charmed Life
National Express
Norman And Norma
Something For The Weekend
Songs Of Love
The Best Mistakes
At The Indie Disco
Bad Ambassador
A Lady Of A Certain Age
Becoming More Like Alfie
Come Home Billy Bird
Have You Ever Been In Love
Our Mutual Friend
Generation Sex
How Can You Leave Me On My Own
Perfect Lovesong
Your Daddy’s Car
You’ll Never Work In This Town Again
Absent Friends
Everybody Knows (Except You)
The Certainty Of Chance
Sunrise
To The Rescue
Tonight We Fly Bonus (Deluxe 3CD / Deluxe Digital)
I’ll Take What I Can Get
Don’t Make Me Go Outside
Who Do You Think You Are
The Adventurous Type
When When When
Home For The Holidays
Te Amo España
Perfect Lovesong 2021
Simple Pleasures
Those Pesky Kids
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