Sade ha estrenado su primera canción en 6 años. ‘Young Lion’ forma parte del recopilatorio ‘Transa’, que la ONG Red Hot ha ideado con el objetivo de concienciar sobre de la identidad trans. Sade dedica ‘Young Lion’ a su hijo trans, Izaak. ‘Young Lion’ es una creación de Sade Adu, vocalista de Sade, al margen de su banda principal.
El repertorio de ‘Transa’ resaltará el trabajo de artistas trans y no binarios; Sam Smith es uno de los artistas que participan, así como Beverly Glenn-Copeland, quien ha inspirado el proyecto en parte. ‘Transa’ sale el 22 de noviembre.
También André 3000, que aporta una composición de 30 minutos, Moses Sumney, que versiona a SOPHIE, o Jeff Tweedy figuran en el cancionero de ‘Transa’, así como Fleet Foxes, Adrianne Lenker, Clairo, L’Rain, Perfume Genius, Yaeji, Devendra Banhart, Laura Jane Grace, Grouper, Helado Negro, Jlin, Cassandra Jenkins, Alan Sparhawk de Low, Kara Jackson o hasta Hunter Schafer. El disco contendrá 46 canciones aportadas por más de 100 artistas y se dividirá en ocho capítulos a raíz de que la bandera LGBTQ+ se compone de ocho franjas de colores.
‘Young Lion’ es el primer lanzamiento vinculado a Sade desde 2018; ese fue el año en que la banda autora de ‘Diamond Life’ (1984) publicó sendas canciones para dos bandas sonoras distintas, ‘Flower of the Universe’ para la película ‘Un pliegue en el tiempo’, y ‘The Big Unknown‘ para ‘Viudas’. El último álbum de estudio de Sade, ‘Soldier of Love‘, data de 2010.
El primer adelanto de ‘Transa’ fue una versión de ‘I Would Die 4 U’ de Prince interpretada por sus colaboradoras, Wendy & Lisa.
The Last Dinner Party comunican a través de redes sociales que no van a realizar algunas de sus fechas programadas en Europa. El grupo ha terminado sus conciertos en Reino Unido e Irlanda y sí va a actuar en algunos lugares de la Europa continental, pero no en todos.
Su texto dice: “Según hemos terminado la gira de Reino Unido e Irlanda, hemos dedicado un tiempo a hablar de cómo aproximarnos a nuestra gira europea. El desgaste que estamos experimentando en lo emocional, mental y físico es algo que nos tomamos muy en serio”.
Continúan: “Después de mucha consideración hemos tomado la difícil decisión de acabar la gira con el último concierto en Praga. Esto significa que vamos a cancelar las fechas de noviembre en Viena, Zurich, Parma, Luxemburgo y Tilburg. Hemos querido avisar con antelación. Nos disculpamos y estamos muy tristes de no poder veros”. Las ciudades en las que sí van a actuar según su calendario son París, Bruselas, Ámsterdam, Colonia, Utrechet, Lyon, Munich, Berlín, Gdansk y Praga.
Afirman que este año ha sido increíble para ellas, pero que también están exhaustas. “Esperamos que entendáis que cancelamos estos conciertos para proteger nuestro bienestar y para dar la mejor actuación que merecéis”.
The Last Dinner Party han sido este año número 1 en Reino Unido con su disco ‘Prelude to Ecstasy’, llegando al disco de plata por la venta de 60.000 unidades. También ha destacado su buen resultado en Suiza (top 10) o Alemania (top 15).
Detrás de La Texana está Josué Ramírez, un joven mexicano de 21 años que busca mezclar el post punk con el folklore de su ciudad natal, Tijuana. El primer y excitante adelanto de su LP debut ha sido producido por El Alcalde y Marcos Crespo (Depresión Sonora) y editado por Sonido Muchacho. ‘Terco’ es la Canción del Día.
El proyecto de La Texana nace a principios de 2021 en el cuarto de Josúe, cuando este solo tenía 18 años, un portátil y una guitarra. A base de cortes de rock industrial y lo-fi, La Texana se ha ido haciendo un nombre en el panorama mexicano. Después de tomarse un descanso de más de un año para centrarse en su primer proyecto largo, Josué ha regresado con ‘Terco’ y un nuevo contrato con Sonido Muchacho.
‘Terco’ narra la historia de una persona que se siente perseguida por alguien desconocido. Spoiler: resulta ser su propia sombra. «Me sigue la silueta de un extraño / ¿Será que vio bailando a mi cuerpo con el ritmo de un disparo?», canta el mexicano.
La canción comienza como un cañón, con un pegadizo riff acompañado de una caja de ritmos. Podría recordar al trabajo de Markusiano, acentuado por la grave voz de Josué, pero con un punto más inmediato y ardiente. El sello ha indicado que el disco, titulado ‘La casa que cae’ y con fecha de salida a principios de 2025, es «uno de los mejores que hemos editado nunca».
La Texana estará en la Sala Siroco de Madrid el próximo 29 de octubre y en el Heliogàbal de Barcelona el próximo 1 de noviembre. Entradas ya disponibles.
Kelly Lee Owens no se va por las ramas y, en su disco más accesible y pop, deja las cosas muy claras. ‘Dreamstate’, el título, es exactamente el lugar -el estado- de ensoñación y elevación al que llevan estas diez composiciones, y no hay ningún misterio en ‘Love You Got’ cuando Owens canta de manera repetida que se encuentra “deseando la pura euforia”. De euforia el álbum va sobrado; de misterio, no tanto.
‘Dreamstate’ es el cuarto álbum de Kelly Lee Owens. El anterior, ‘LP.8’, se adentraba en bosques más oscuros y distorsionados. En contraste, ‘Dreamstate’ ofrece una experiencia muy familiar, amena e inmediata de puro subidón, tirando de trance-pop y tecno blandito. Owens, que posee una agradable voz, canta en la mayoría de pistas, insuflándolas de humanidad.
La producción vuelve a ser exquisita, y ahí tampoco hay misterio: Kelly Lee Owens siempre ha tenido muy buen gusto, y aquí lo vuelve a demostrar valiéndose tanto de acid (‘Dreamstate’) como de chill out (‘Time Is’). El sonido es suave y envolvente y, sobre todo, homogéneo, tanto que nunca adivinarías en qué pistas participa Tom Rowlands de Chemical Brothers, en cuáles Bicep y en cuáles George Daniel. La visión etérea de Owens prevalece.
Aunque a veces se pasa de etérea. La búsqueda del trance en ‘Dreamstate’ es deliberada y muy eficaz en cortes de títulos tan gráficos como ‘Higher’ o la… atmosférica ’Air’. No cabe duda de que Owens aplica un tacto elegante a todo lo que hace, pero se echa de menos que vaya más allá, que las canciones vayan un paso por delante de lo que prometen ya títulos como ‘Sunshine’ o ‘Air’.
No cabe duda de que los fans de Owens hallarán un tesoro en producciones tan bien resueltas como ‘Air’, de cuidadísimo crescendo, o ‘Time Is’, un homenaje sofisticado al sonido Ibiza. Pero resulta que el título de ‘Dreamstate’ es prácticamente un spoiler de todo el disco. Y hablando de spoilers, ‘Dreamstate’ acaba con la balada flotante/balsámica de rigor. Se agradece, aunque ya la esperaras.
‘Monster: The Jeffrey Dahmer Story‘ aterrorizó/conquistó a medio mundo hace un par de años. Y, aunque personalmente encuentro que le faltó algo, sí que contenía un par de episodios estupendos (el primero y el sexto), momentos sobresalientes, llegaba a poner los vellos de punta, y contaba con una excelente interpretación de Evan Peters, elevándose, así, por encima de otras películas sobre el asesino en serie. Ryan Murphy no tiene un pelo de tonto, y vio que había filón para iniciar otra de sus sagas.
Pero, si tienes tantas franquicias, debes intentar diferenciarlas. Y ese es el principal problema de este ‘La historia de Lyle y Erik Menéndez’: no se sabe muy bien qué es. Le falta oscuridad para lo que en teoría iba a tener ‘Monstruos’ (desde luego no llega ni a la mitad de la de ‘Dahmer’), pareciéndose más a otra de sus franquicias, ‘American Crime Story’.
Ryan Murphy y Ian Brennan repiten como showrunners, y la dirección vuelven a dejársela a sus colaboradores: con la excepción de un episodio dirigido por Brennan, el resto se lo reparten entre Carl Franklin, Paris Barclay, Michael Uppendahl y Max Wrinkler. Aquí se toma el caso de los hermanos Menéndez, que asesinaron brutalmente a sus padres, argumentando luego en el juicio que fue debido a abusos sexuales a los que les sometían (principalmente el padre) desde pequeños. Como hay dudas sobre si esa es la verdad, o si eran dos psicópatas que les mataron para quedarse con el dinero (así habló el jurado que les condenó), se apuesta aquí por un enfoque de narrador-no fiable-pero-sí que resulta bastante caótico.
Si en ‘Dahmer’ nos maravilló Evan Peters, aquí lo mejor es Javier Bardem, que se las apaña para sacar adelante un personaje que en realidad está bastante desdibujado. Tanto él como Chloë Sevigny hacen lo que pueden interpretando a los padres con ese guión como material de partida, y los hasta ahora desconocidos Cooper Koch y Nicholas Alexander Chavez están haciéndose un hueco (especialmente Koch) gracias a su rol de hermanos. Un rol con un tono sexual bastante incómodo si tenemos en cuenta que hablamos de una historia real en la que, o bien se trata de víctimas de abuso sexual infantil, o bien de psicópatas que tirotearon a sus padres. Ninguno de los dos casos es el último petardeo que se le ha ocurrido para ‘American Horror Story’ precisamente.
En cualquier caso, funcionan mejor los secundarios: Ari Graynor (‘Los Soprano’, ‘Fringe’) y el siempre estupendo Nathan Lane (¡esa escena con el criado!). Solo en un episodio (el quinto) la serie parece tomarse más en serio a sí misma y a sus personajes, aunque en los siguientes tira un poco por tierra lo conseguido, como comentan en Variety. Por lo general hay un tono a medio camino entre el punto más sobrio de ‘American Crime Story’ y lo camp de ‘American Horror Story’, sin ser muy seria, ni muy oscura ni muy pop (pese a las menciones a Milli Vanilli o Menudo). Supongo que es normal cuando tienes ochocientas franquicias funcionando a la vez. De hecho, puede que con ‘Grotesquerie’ se plantee el mismo problema: ¿qué tendrá esa serie para diferenciarse de ‘American Horror Story’? ¿O será otra huida hacia adelante de Ryan Murphy? Pronto lo sabremos.
El cambio de nombre ha sentado muy bien a The Blessed Madonna: sus pasos durante los últimos años nos han hecho olvidar por completo el día en que la conocimos como DJ pinchando en el Sónar bajo el alias The Black Madonna. Su excelente disco de remixes para Dua Lipa -aún de las pocas artistas que comprenden lo que es una remezcla– la puso en el mapa ya rebautizada, y luego vinieron otros éxitos, a destacar ‘Marea’ con Fred again.., uno de los hits más inesperados de los últimos años.
‘Godspeed’ se considera el disco de debut de la artista, un mamotreto de 24 pistas que incluye momentos techno, house, acid, disco, experimentales, incluso góspel e incluso pistas habladas. El padre de The Blessed Madonna ha fallecido sin poder escuchar esta obra, únicamente le dio tiempo a saber de su existencia, y eso ha influido a la productora, que ha querido incluir conversaciones en el estudio que devanean entre lo trascendente y lo cotidiano. Su objetivo era no hacer un disco dance al uso.
Oímos por ejemplo un diálogo que aboga por la autenticidad: «como decía Quincy Jones, si estás en una sesión y empiezas a pensar en el dinero, Dios abandonará la sala». También unas palabras de su padre sampleadas en ‘Somebody’s Daughter’, tipo «llena mi corazón de alegría». Aunque es dudable que la extraña estructura de esta canción, entre el techno, el spoken word y el sonido ambiente, esté ejecutada de manera óptima.
The Blessed Madonna no se ha dejado llevar por la pela en este disco, hasta el punto de olvidarse también de crear un mínimo de dinamismo, algo imprescindible en un disco y desde luego en una sesión. ‘Club Future Nostalgia‘ lo sabía muy bien. Aquí las canciones caen víctimas de su lugar en la secuencia, de su monotonía o de sus propios altibajos. ‘Carry Me Higher’ es un gran ejemplo: a lo largo de sus 5 minutos y 15 segundos, te da tiempo a adorar la voz de Danielle Ponder, y también a adormecerte. Como sucedía con aquellos CD’s de Felix Da Housecat que te comprabas a ciegas en los 90, muchas pistas las olvidas según pasan, pero otras son tan espectaculares que sí merecen tus euros.
‘Godspeed’ despierta cuando aparecen seguidas ‘Serotonin Moonbeams’ y ‘Edge of Saturday Night’ tras ese muermo llamado ‘Henny, Hold Up’ que en absoluto funciona como pista 4 de 24. La primera con su piano housero y su pseudo-silbidito; la segunda alternando también el piano de su estribillo con unas estrofas robóticas y aparentemente carentes de melodía. Es un puntazo ver cómo Kylie se desenvuelve sobre ese bombo tan simple y machacón antes del coro.
El disco alterna pistas que debieron ser interludios como ‘Back 2 Love’ con otras tan bien desarrolladas como ‘Count On My Love’ o ‘Brand New’, esta con todo el falsete de James Vincent McMorrow y un punto cósmico. Misteriosamente, ‘Godspeed’ ofrece hacia el final algunos de sus mejores recursos, muchos de los cuales beben de la música disco clásica de un Sylvester, como ’Secretariat’ o la estupenda ‘Mercy’ con Jacob Lusk. Te gustará si te gustan Jimmy Somerville y Hercules & Love Affair. ‘Happier’ con Clementine Douglas, el típico hit dance que pega en UK, llega asimismo demasiado tarde. Este disco habría sido estupendo orquestado prácticamente al revés.
En Barcelona, en el mes de octubre, en un mismo día te pueden coincidir varios conciertos que te interesen. Pero lo de este jueves, cuando se solaparon los Einstürzende Neubauten y Nick Cave and the Bad Seeds, entra en los anales de la mala leche conciertil. Ni el Primavera en sus peores momentos.
Por eso Blixa Bargeld no puede evitar darnos las gracias, con algo de sorna y sin mentar pieza, por haber venido a verlos a ellos y haber tomado “una difícil decisión”. Me sorprendo a mí misma gritando: “Not so difficult!”, aunque mi voz no le llega (spoiler: vale, confieso: tenía entradas y vuelo para ver a Nick en Lisboa).
La cuestión es que el Apolo registra una muy buena entrada para ver a los alemanes: gentes de negro, siniestros de vieja y nueva escuela… Delante de una tela amarillo chillón, como la portada de ‘Rampen apm (alien pop music)’, Blixa ejerce de gran mago, nos hechiza con su carisma desmedido que no necesita de especiales movimientos, solo de voz, gritos y presencia. De negro, elegantísimo, pelo largo y sombra de ojos reflectante que a cualquier otro mortal le quedaría fatal pero que en él luce espectacular. El resto de los Neubauten pasan más desapercibidos, pero tocan increíble. Desde mi posición no logro ver si esta vez llevan muchos cachivaches. Sólo atisbo un carro de la compra que Blixa informa que lleva acompañándolos desde 1996 y algunos tubos.
El concierto se basa principalmente en sus dos últimos discos, «Rampen» y ‘Alles in Allem’. Además, es inusualmente calmo, atmosférico y luminoso. No sólo en lo musical: las luces están especialmente brillantes esta noche. También las canciones son bastante fieles a las originales de los discos. Abren con ‘Pestalozzi’ y ‘Ist ist’. Hemos de esperar a la cuarta canción, ‘Grazer Damm’, para ver el lanzamiento de cuchillos de Blixa (hacia el suelo), que consiguen un sonido mágico (¡qué bien los tira!).
‘Sabrina’ es de las pocas concesiones al pasado. Blixa de vez en cuando nos explica historias, como cuando fueron a una feria mundial en Vancouver y algún organizador exigió su presencia. Tocaron entre indios del norte del Canadá y Yossou N’Dou. A Blixa le regalaron un trilobite. Esto para cantar, claro, ‘Trilobiten’, que queda genial con la armónica. Pero también sabe ponerse emotivo. Antes de tocar ‘Gesundbrunnen’ nos explica que “mi niñe cumplió 16 años hace dos semanas. Nació como hija. Ahora es mi hijo”.
Tras casi hora y media de concierto Einstürzende Neubauten salen del escenario para volver casi inmediatamente. Y regresan nada menos que con ‘Ten Grand Goldie’, que canto y bailo como si no hubiera un mañana y nos volvemos algo locos con ‘Besser isses’ y la calma pero sarcástica ‘Everything Will Be Fine’. Hay un último bis con ‘Susej’. Y se acaba. Han sido dos horas que han pasado en un suspiro, hechizados por el mago Blixa y sus secuaces. Un concierto especialmente terso e intenso. Para ser un grupo teóricamente oscuro, esta noche en el Apolo nos han llenado de júbilo y felicidad.
Como se había confirmado esta semana, Beyoncé ha aparecido en el mitin de Kamala Harris de este viernes en Houston, Texas. Junto a Beyoncé han estado en el evento su madre, Tina Knowles, y el músico de country Willie Nelson. Texas es un baluarte republicano y, con la aparición de Beyoncé, Kamala está llamando al voto joven.
La artista ha declarado: «No estoy aquí como una celebridad, no estoy aquí como política. Estoy aquí como madre. Una madre que se preocupa profundamente del mundo que nuestros hijos van a habitar. Un mundo en el que tengamos libertad de controlar nuestros cuerpos. Un mundo en el que no estemos divididos. Nuestro pasado, nuestro presente, nuestro futuro, se unen aquí. Imaginad a nuestras hijas crecer viendo lo que es posible sin limitaciones. Imaginad lo que nuestras abuelas están sintiendo en estos momentos… sus sacrificios, para poder ver el liderazgo de una mujer”.
En otros puntos de su mitin ha recordado la importancia del voto de todos: “Texas tiene un papel muy importante en cambiar las cosas (…) Es hora de que América cante una nueva canción de dignidad y oportunidades”.
En 2016, Beyoncé interpretó ‘Formation’ en vivo en el mitin de Hillary Clinton. Kamala Harris ya contaba con el apoyo de Beyoncé en esta candidatura, pues ‘Freedom’ es la canción oficial de su campaña presidencial.
Por supuesto, Beyoncé es nacida en Texas y Willie Nelson participa en su último álbum, ‘Cowboy Carter‘: todo queda en casa.
Juanjo y Martin mantienen el número 1 de JENESAISPOP tras ser lo más votado tanto en web como en X, en este caso con un 87% de los votos. Zahara es la entrada más fuerte de la semana, seguida de bastante lejos por Biznaga.
Godspeed, Alondra Bentley, Álvaro Díaz con Nathy Peluso, Leo Rizzi y Panda Bear completan la lista de entradas en una semana en la que despedimos ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter.
‘Espresso’ fue número 1 durante 7 semanas en UK y ‘Please Please Please’ fue número 1 otras 5. Esto significa que en total Sabrina Carpenter ha copado el número 1 de las listas de este país durante 21 semanas de las 41 que llevamos de año: más de la mitad.
Tan solo 12 canciones han sido número 1 este año en Reino Unido. Algunos de los afortunados han sido Beyoncé, Charli xcx con Billie Eilish, Taylor Swift con Post Malone y Noah Kahan. Sabrina Carpenter es la única que ha repetido con canciones distintas, en su caso hasta 3 y todas varias semanas.
Menos suerte ha tenido la cantante en Estados Unidos, donde únicamente ‘Please Please Please’ ha liderado el Billboard Hot 100. ‘Espresso’ ha quedado en el número 3 y ‘Taste’ en el número 2. En cualquier caso, las tres han sido exitazos.
En España, Sabrina Carpenter no pasó del puesto 26 con ‘Espresso’, pero el tema sigue en el top 100 y es disco de platino. Después llegó al número 23 con ‘Please Please Please’, certificada como disco de oro. Y ‘Taste’ llegó al puesto 38 y aún no está certificada aunque continúa en el top 100. La cantante, que sí ha sido número 1 de álbumes por aquí, y aún ronda el top 10 dos meses después, ha sido confirmada esta semana en el Primavera Sound.
Lily Allen, autora de hitazos como ‘Smile’ o ‘Fuck You’, ha revelado en un tweet que gana más dinero vendiendo fotos de sus pies en OnlyFans que con los casi 8 millones de oyentes que acumula en Spotify. «No odies al jugador, odia el juego», ha declarado la cantante.
Las noticias del OnlyFans de pies de Allen surgieron este verano, con la cantante anunciándolo en su cuenta de Instagram y con muchos no tomándoselo en serio. Sin embargo, lo que ha revelado esta tarde ha dejado claro que está lejos de ser una broma.
Todo ha empezado con un usuario respondiendo a un tweet de Allen en el que mostraba algunas fotos nuevas de su colección: «Imagina ser una de las pop stars más grandes de Europa y luego ser reducida a esto», se puede leer. La cantante no ha dudado en responder con una afirmación que da muchas cosas que pensar: «Imagina ser una artista y tener casi 8 millones de oyentes en Spotify y ganar más dinero por tener 1000 personas suscritas a fotos de tus pies».
Siguiendo esta historia, Billboard ha publicado su estimación de lo que Lily Allen debe generar en total por los streams que genera al día, unos 850.000. Citando la calculadora Music Streaming Royalty, asegura que 4.077 dólares al día, lo cual no está nada mal. De ellos, 3.239 irían el dueño del copyright, 336 al editor que paga al autor y 503 a organizaciones tipo SGAE. Lily Allen ha negado las cifras: «Esto es increíblemente erróneo, pero no soy lo suficientemente lista para explicar cómo es que me llevo un porcentaje minúsculo de lo que se dice aquí. Simplemente tendréis que creerme cuando digo que al capitalismo neoliberal no le importa cómo se paga a los artistas por su trabajo».
Se sabía que Spotify pagaba poco a los artistas, pero nunca se había expresado de esta forma. Según The Guardian, Allen obtuvo la idea de crearse un OnlyFans de su estilista de uñas, quien le dijo a la cantante que sus dedos eran lo suficientemente bonitos como para hacer bastante dinero online.
imagine being and artist and having nearly 8 million monthly listeners on spotify but earning more money from having 1000 people subscribe to pictures of your feet. don’t hate the player, hate the game. https://t.co/Fx7JAhPhV5
this is incredibly misleading, but i’m not smart enough to explain how i make a tiny percentage of what is quoted here. you’ll just have to trust me that neoliberal capitalism doesn’t care about artists being paid for their work. https://t.co/g6uIDHPeG0
Como estos días La Casa Azul o el año que viene Hidrogenesse, L Kan también tienen aniversario que celebrar. En su caso, recordarán la edición de uno de sus álbumes principales, ‘Discazo’, que tuvo lugar hace 20 años. Será este mismo sábado 26 de octubre en la Sala Changó de Madrid.
‘Discazo’ incluía algunas de las canciones más emblemáticas de L Kan, y que han resultado un precedente de proyectos tan exitosos como Ojete Calor, Ladilla Rusa, Las Bistecs o Samantha Hudson. De hecho, esta última ha terminado versionando ‘Aburrida de estar salida’.
Otros hitos de aquel álbum fue la hedonista ‘Todo por placer’, ‘Yo ya no’ y su hilarante letra cambiante de concierto a concierto -que estamos seguros de que tendrá nueva versión 2024 tras su versión «covid»-, y temas más «maduros» como ‘La mancha de mora’ que abrirían la puerta a su siguiente entrega, ‘Somos otra cosa‘ (2007).
El repaso a ‘Discazo’ también podría incluir momentos rockeros en el concierto de mano de ‘Te prefiero sucio’, demostración políglota (‘Mi relación con Francia’) o vibes New Order y OMD (‘Cuentos chinos’).
El grupo anuncia que en el show no faltarán éxitos de otras épocas, por ejemplo sus dos mayores éxitos: la imprescindible ‘Todo lo que no’ y la divertida y viral ‘Ay Marie Kondo’. Las entradas para el concierto, que se celebra este sábado 26 de octubre desde las 20.30 horas, disponibles en esta web.
Tal y como consiguió con su predecesor, Kylie Minogue logra el número 1 de la lista de álbumes del Reino Unido con ‘Tension II’. Es ni más ni menos que su décimo número 1 en las listas del país británico.
‘Tension II’ había asegurado buenos datos al vender 28.000 copias durante su primer fin de semana, y finalmente ha superado las 35.000 unidades. De ellas, la mitad han sido CD’s (17.800), seguido de vinilos (8.900), descargas (4.100), puntos de streaming (2.300) y cintas (2.200).
Los dos primeros discos de la australiana, ‘Kylie’ (1988) y ‘Enjoy Yourself’ (1989), fueron los primeros números 1 de la artista. A estos le siguieron el ‘Greatest Hits’ de 1992, ‘Fever’ (2001), ‘Aphrodite’ (2010), ‘Golden’ (2018), ‘Step Back In Time – The Definitive’ (2019), ‘Disco’ (2020) y ‘Tension’ (2023). Ahora, la secuela de este último se suma a la lista.
El Tension Tour 2025, de momento, no pasará por España. Sin embargo, según confirma Rolling Stone UK, próximamente se anunciarán fechas en Europa y América del Norte y Sur.
El anterior álbum de Soccer Mommy, el misterioso y envolvente ‘Sometimes, Forever’, producido por Oneohtrix Point Never, parecía indicar que estábamos ante un cambio de dirección en la música de Sophie Allison. La cantautora, siempre con referencias noventeras en su cabeza, experimentaba con los sintetizadores y con un sonido oscuro que coqueteaba con el trip hop y se distanciaba del indie rock lo-fi que la había caracterizado hasta la fecha.
‘Evergreen’, su nuevo proyecto, es un regreso a ese intimismo, donde las canciones se distancian muy poco de sus versiones demos, optando por un sonido orgánico y crudo con la guitarra y la voz al frente de las producciones. De hecho, Allison le dijo a su productor Ben H. Allen, conocido por sus trabajos con Belle & Sebastian o Deerhunter, que quería evitar los sintetizadores a toda costa.
‘Evergreen’ puede entenderse como un disco transitorio, no solo a nivel artístico, donde la artista no se sale tanto de su zona de confort como en su anterior proyecto, sino también a nivel temático. Soccer Mommy reflexiona sobre los cambios inesperados a los que nos enfrentamos, las situaciones dolorosas que no podemos evitar y las nuevas realidades a las que no queda otra que acostumbrarse. ‘Changes’ encapsula todo ello en una emocionante balada dream pop donde brilla la simpleza y potencia de las letras. “And I can feel the changes / and I don’t wanna face it / it’s harder not to know that / everything will fade to memory in time” (Puedo sentir los cambios / y no quiero afrontarlos / se hace más difícil no saber / que todo se desvanecerá en recuerdos con el tiempo”), canta con una melancolía y tristeza contagiosas.
El tiempo es uno de los grandes temas que aborda el proyecto, un concepto tan vasto, abstracto y a veces incomprensible, que nos va devorando a todos poco a poco. En la apertura del álbum, ‘Lost’, Allison habla de la muerte de su madre, en cómo tras esa tragedia, siente que está todo perdido, “perdido de una forma que no tiene sentido / perdido de una manera que nunca termina (“Lost in a way that don’t make sense / lost in a way that never ends”). Ese brutal abismo lo representa con simpleza, acompañado de dulces y apesadumbradas guitarras. Aunque pueda no deslumbrar a primera escucha, va paulatinamente encontrando su espacio en el álbum. Más compleja y mejor, es ‘M’, con sus riffs oníricos, sus metáforas dolorosas y sarcásticas marca de la casa (“I miss you / like a loyal dog / waiting by the door to hear the lock turn” – “Te echo de menos / como un perro fiel / esperando en la puerta a oír el cerrojo girar”) y sus sugerentes flautas finales.
‘Driver’ se mueve por territorios más grunge, pero en el fondo, no deja de ser otro caramelo dream pop de esos que Soccer Mommy sabe hacer tan bien. La mayoría del álbum es precisamente eso, un masaje al oído, una caricia en el pelo. ‘Evergreen’ está lleno de dolor pero está concebido para que su escucha sea enormemente placentera. Y lo consigue. Usando sus recursos habituales, Sophie Allison se refleja en los paisajes aterciopelados de bandas dream pop de los 90 como Broadcast o The Sundays, y entrega momentos realmente bellos. Pistas como ‘Some Sunny Day’, ‘Thinking of You’ o ‘Evergreen’ son buena muestra de ello.
Lo más diferente a nivel lírico lo encontramos en ‘Abigail’, una extraña y estimable oda indie-pop a uno de sus videojuegos favoritos, Stardew Valley; y a nivel sonoro, las agresivas percusiones de ‘Anchor’ nos despiertan del sonido jangly y meloso del resto del álbum. ‘Evergreen’, sin ser un proyecto particularmente ambicioso, resulta más que notable. Soccer Mommy vuelve a demostrar que es una cantautora con una sensibilidad especial para capturar emociones, y sobre todo, para crear atmósferas acogedoras, que te arropan y no te sueltan.
Manic Street Preachers tienen un nuevo disco preparado. ‘Critical Thinking’, que ya sería su 15º disco, estará disponible a partir del próximo 31 de enero de 2025. El anuncio del LP llega junto a ‘Hiding In Plain Sight’, el primer single de la banda cantado por el bajista y letrista Nicky Wire. El lead single del nuevo disco, por otro lado, fue la eufórica ‘Decline & Fall’.
Después de ‘The Ultra Vivid Lament’ en 2021, la banda británica ya tiene preparado su sucesor. El propio grupo lo ha descrito como «un disco de contrarios chocando, de dialécticos intentando encontrar el camino a la solución». La portada, que muestra una solitaria carretera en un paisaje desértico, es obra del fotógrafo David Hurn, «un coloso de la fotografía documental moderna».
Sobre ‘Hiding In Plain Sight’, la banda cuenta que está inspirada en el «rock clásico de los 70» y que bebe de una «terrible nostalgia de la mediana edad». «El hombre que solía ser, en una década en la que me sentía libre», canta Wire en el tema.
Nicky Wire hizo de cantante principal por primera vez en algunas canciones del disco ‘Know Your Enemy’, de 2001. Además, ha contribuido en muchas otras, como ‘Send Away The Tigers’ o la clásica ‘Your Love Alone Is Not Enough’.
Dorian publica hoy su nuevo disco, ‘Futuros imposibles’, un trabajo que ofrece el sonido clásico de Dorian sumando un nuevo puñado de temazos a su repertorio. El disco pudo no haber existido: Dorian estuvo a punto de separarse a raíz de la ruptura entre Marc Gili y Belly Hernández, dos de sus integrantes. Marc, vocalista y compositor de la banda, revela que la grabación y promoción de ‘Ritual‘ (2021) fue poco menos que un infierno aunque en ese momento nadie lo supiera. Hoy, con las aguas calmadas, Dorian entrega un álbum de sanación que gira en torno al concepto de «superación positiva del duelo». Nos reunimos con Marc en un bar de Barcelona para hablar de esta idea. Además, explica por qué no descarta hacer un ‘Ritual 2’ aunque considere este disco incomprendido por sus seguidores, y elabora sus declaraciones acerca de la obsesión de las discográficas con las cifras y de los posibles «Nirvanas del futuro» que el mundo se está perdiendo.
¿Qué proponéis en este álbum?
La propuesta de ‘Futuros imposibles’ es poner sobre la mesa la idea de la superación positiva del duelo. Reflexionando sobre la historia del pop me di cuenta de que existen toneladas de canciones de rupturas llenas de rencor, pero no tantas que sean positivas, que hablen de rupturas desde el agradecimiento por el camino hecho en común. Había un filón en el hecho de tratar la ruptura sentimental no como fuente de odio y reproche, sino de agradecimiento a lo compartido. Es un mensaje positivo que lanzar a los fans y en el debate público. ¿Qué canciones del disco giran en torno a este concepto?
‘Algo especial‘, que abre el álbum; ‘Por ti’ con Belly, que es una réplica a ‘Algo especial’; ‘Elegía’, una de las más importantes del álbum, y ‘Solo el cielo’, que cierra el álbum.
Quizá en la generación musical actual sí se explora esta idea más que antes; me ha
venido a la mente ‘thank you, next‘ de Ariana Grande.
Si el «thank you» no es irónico, entonces sí. Las canciones de ‘Futuros imposibles’ van en esa línea. Hay que pasar página en el pop de ese sentimiento romántico y agresivo de lo que es una ruptura.
El titulo en principio es negativo: ‘Futuros imposibles’. Me recuerda a la teoría de Mark Fisher de los futuros cancelados. Este concepto está muy presente ahora mismo en los discursos sobre precariedad laboral, vivienda… ¿El titulo es pesimista o al contrario?
Al contrario. La sociedad actual ha heredado una idea de la palabra «crisis» que no tiene nada que ver con la de los griegos. En griego «crisis» es una palabra que define la oportunidad de tomar nuevas decisiones y de discriminar aquello que ya no te hace bien. A lo largo de los siglos, la literatura y la dicha popular han dado a esta palabra una connotación negativa: se ha hablado de crisis económica y personal, de hundimiento del mercado y de depresión. El significado de la palabra «crisis» se ha deformado: para la gente significa atolladero, caída en desgracia, fin del camino. Para mí siempre ha tenido un significado positivo, de oportunidad, de moverte hacia un lugar que no te habrías planteado de otra manera. En abstracto, el título de ‘Futuros imposibles’ puede parecer negativo, pero si profundizas en el álbum te das cuenta de que el mensaje es el opuesto: por cada futuro imposible que se te cierra, la vida te abre otros muchos.
¿La dirección artística os la tomáis como un regreso a las raíces? ¿Dado que en el álbum anterior ya experimentasteis, era momento de relajaros?
Es tal cual como lo describes. Lo pasamos muy bien haciendo ‘Ritual’: metimos hip-hop, a Pimp Flaco, Ana Mena, Lida Pimiento, Alizzz… Era una batidora de talentos brutal que nos enseñaron a trabajar desde otros lugares. Además, exploramos otras rítmicas y otro tipo de producción de voces. No descartamos en un futuro hacer un ‘Ritual 2’. Sin embargo, en este álbum nos hemos relajado y, desde ese lugar, las canciones han surgido solas con el sonido de Dorian clásico. Lo teníamos casi armado hace ocho meses y por eso sale tan pronto. El disco ha brotado de lo que sabemos hacer.
¿Cuál es la cronología de creación del disco?
El proceso total desde que lo empezamos hasta que se publica el 25 de octubre es un año y medio. El álbum con las canciones definitivas está listo, con grabaciones avanzadas, desde el pasado mes de marzo o abril.
‘Ritual’ era un disco muy político. ¿Era el momento de hacer un disco dedicado a las emociones?
En la época de ‘Ritual’ estábamos en plena post-pandemia, el mundo se había ido el garete y abundaban los problemas sociales: era el momento de hacer un álbum que hablara de corrupción política, gentrificación, bisexualidad, feminismo… Teníamos el concepto colectivo, de ayuda mutua, muy presente. Desde entonces, a mí personalmente, me han ocurrido cosas en la vida fuertes a nivel personal, me la he pegado con varias personas. Además de la ruptura con Belly, las canciones de ‘Futuros imposibles’ cuentan otras experiencias sentimentales que he pasado, y otras como ‘Lo que recuerdo de ti’ hablan de amigos fallecidos. Para nosotros la época de los 2000 fue oscura porque perdimos a varios amigos por culpa de las drogas. ‘Futuros imposibles’ es un disco que llega cuando el covid ya queda atrás. Me apetecía, en este nuevo trabajo, hacer catarsis personal y sacar a la palestra la parte mas íntima de Dorian, sin metáforas ni tapujos.
Tu ruptura con Belly casi se lleva a Dorian por delante. Para llegar a un punto en que decidís continuar con la banda han tenido que haber muchas conversaciones de por medio.
Pasamos un año muy malo. Mientras grabábamos ‘Ritual’ salíamos del estudio llorando cada uno por su lado, teníamos que interrumpir las sesiones de grabación porque no se podía aguantar el dolor que había en el estudio. De eso no podíamos hablar en las entrevistas porque era demasiado reciente y habría sido insoportable. Atravesamos ese fuego los cuatro juntos y, una vez pasados los peores meses, empezó a surgir el amor fraternal entre Belly y yo y también entre Bart, el bajista, y Lisandro, el batería. Primero Belly y yo, y después los cuatro, tuvimos muchas conversaciones, hicimos terapia reflexiva, y nos dimos cuenta, con el corazón frio y la cabeza templada, de que la mejor decisión era continuar porque Dorian es más importante que nuestra ruptura. La situación se superó por el lado del amor y el diálogo. ‘Futuros imposibles’ es un álbum de resurrección.
¿Estabais de acuerdo los cuatro con mantener el grupo?
Queríamos salvar el grupo porque nos hace felices y cuando hacemos música los cuatro sigue habiendo magia entre nosotros.
«La mejor decisión era continuar porque Dorian es más importante que nuestra ruptura. La situación se superó por el lado del amor y el diálogo»
¿Se escribe mejor después de haber sanado que durante el proceso de duelo?
Las canciones se han escrito en procesos de luto. ‘Elegía’ es una de las canciones más profundas que he escrito y es, junto a ‘En cualquier otra parte’, la única que he compuesto llorando a borbotones, a lágrima viva. Se la dedico a una persona que también fue especial en mi vida, que no es Belly, con la que también mantuve una relación muy turbulenta. Ahora mismo me encuentro en un gran momento personal, pero hace un año mientras componía las canciones, era al contrario.
¿Cómo llevas tener que hablar de estas canciones ahora?
El otro día en Radio3 nos echamos a llorar Belly, yo y Virginia Díaz. Fue uno de los momentos más especiales que he vivido en la radio. A veces en promoción la emoción te sobrapasa, porque, además, las canciones de ‘Futuros imposibles’ cuentan nuestra historia tal y como la hemos vivido, sin personajes ni metáforas. Está siendo una gira de medios bonita, pero también estamos viviendo momentos a flor de piel. Está todo superado, pero de vez en cuando viene la emoción.
‘El sur‘ con Santiago Motorizado es la pista 2. ¿Tan pronto necesita el disco una voz externa? ¿Es porque es single?
La decisión de colocar ‘El sur’ en segundo lugar no responde a ningún motivo comercial. El disco sigue una línea de temas animados y relajados, y esa línea ha hecho que el orden de las canciones sea el que es. Lo importante es que las canciones funcionan juntas; si ‘El sur’ hubiera tenido que ser la octava pista, como lo fue ‘Dual‘ en el álbum anterior, lo habría sido. Me gusta sobre todo cómo dialogan entre ellas ‘Algo especial’, ‘El sur’ y ‘Lo que recuerdo de ti’, que son los tres trallazos de inicio del álbum.
¿Cómo llega Daniella Spalla al disco? No es una artista emergente, tiene una carrera importante.
A Daniella la teníamos en el disparadero desde hace tiempo, es una artista que toca desde los 8 años. Para ‘A cámara lenta’, que es una canción de amor, necesitábamos una interpretación sensual, no queríamos una voz de talent show (NdE: en la conversación se cuela sonando desde la radio el estribillo de ‘I Will Always Love You’ de Whitney Houston), y Daniella Spalla era ideal para la canción. En ‘A cámara lenta’ buscábamos la atmósfera de los duetos hombre-mujer de los discos de Serge Gainsbourg o Jane Birkin, o de aquellos discos maravillosos de duetos de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood.
«Me pregunto cuántos Nirvanas, Planetas o Cupidos nos estaremos perdiendo porque no saben comunicar en redes, no son graciosos o no tienen engagement»
‘Materia oscura‘ es un single bastante evidente.
Es el focus track en el día de lanzamiento del disco. Y me encanta que un single de Dorian incluya un pequeño homenaje a Parálisis Permanente. ‘Materia oscura’ hace referencia a un concepto astrofísico según el cual el 80-85% de la materia en el universo no es visible, pero se sabe que está ahí por el movimiento gravitacional de los planetas. Esta materia no la vemos porque no emite un gas electromagnético. De igual manera, la personalidad de un ser humano está llena de materia oscura, de partes que se esconden a los demás. ‘Materia oscura’ habla de una persona que, mientras hace el amor, ruega a la otra a que le explique sus fantasías sexuales sin tapujos. Es una invitación a abrir el corazón a una persona de confianza, siempre y cuando haya un contrato especial entre las dos partes.
¿Creéis que ‘Ritual’ es un disco incomprendido?
Ha sido un disco incomprendido por la base de fans pero que ha dejado tres canciones de Dorian imprescindibles: ‘Dual’ con Pimp Flaco, que se ha convertido en un himno para la banda y tiene un lugar fijo en nuestro repertorio; ‘Energía rara’ con Alizzz y ‘Techos de cristal’. No es poca cosa. Pero insisto: lo pasamos bomba haciendo ese disco y si hay que hacer un ‘Ritual 2’, se hará.
Hace un año denunciabas en redes la obsesión de las discográficas con las cifras. Te preguntabas si nos estamos perdiendo a los «Nirvana del futuro». ¿Esos Nirvana no pueden salir de tiktok?
Hoy en día un sello como Geffen jamás se habría fijado en esos melenudos de Seattle para ficharlos. En esa época alguien tuvo el ojo para ver, cuando Nirvana tocaba en salas para 300 personas, que ese grupo tenía algo. Me pregunto cuántos Nirvanas, Planetas o Cupidos nos estaremos perdiendo porque no saben comunicar en redes, no son graciosos o no tienen engagement, a pesar de que posen lo más importante: el talento. Creo que vivimos un momento dramático en la industria musical porque todo es cuantificable en reproducciones y seguidores, y los sellos son muy perezosos y van a lo que creen que les vas a funcionar. Se pierde mucho talento por el camino y me parece un drama. ¿Dónde está la figura del A&R que va por la calle y por garitos buscando talento?
Bueno, The Last Dinner Party fueron descubiertos tocando en bares. La idea de que nos estamos perdiendo música me choca un poco atendiendo a la enorme cantidad de oferta que sale hoy en día.
Ese es el segundo problema, sale una cantidad inconmensurable de música nueva cada semana, alguna muy interesante, y nadie tiene tiempo de escucharla toda. Yo pienso mucho en vosotros, en los periodistas musicales y en la tralla que lleváis; debéis llegar realmente al 30% o como mucho al 40% de la música que se edita cada semana. No sabes si estás siendo injusto o si estás llegando tarde a algo… A mí me provocaría ansiedad, pero supongo que vosotros estáis acostumbrados.
Es reafirmante cuando destacas el disco de Chappell Roan entre los mejores del año y al año siguiente lo peta.
La función del periodismo musical es filtrar o, como dice Santi Carrillo de Rockdelux, poner «semáforos en la jungla». Ahora bien, ante la tremenda marabunta de novedades que salen cada semana, es difícil saber dónde ir a pescar.
La visita de Bad Gyal a La Revuelta no ha sido suficiente para frenar la victoria de El Hormiguero sobre el programa de Broncano en la noche del jueves. Es la primera vez en dos semanas que El Hormiguero suma más espectadores que La Revuelta y, esta vez, lo ha logrado con otro músico invitado, David Bustamante, un clásico del programa.
En concreto, El Hormiguero ha logrado reunir este jueves a 2.014.000 espectadores de media y el 15,5% de cuota de pantalla, frente a los 1.927.000 espectadores y el 14,5% de cuota de La Revuelta.
Mientras, en El Hormiguero, Bustamante presentaba su nuevo disco, ‘Inédito’, y Motos le proclamaba «pionero de la deconstrucción masculina», en referencia a las declaraciones recientes del cantante, Alba Farelo presentaba la película de ‘La Joia‘, que narra la grabación y la gira de uno de los álbumes destacados del año.
En la entrevista, Bad Gyal hablaba por ejemplo de la fama y de su posición en la industria. Farelo dejaba claro que las cosas no son lo que parecen, asegurando que «desde fuera» parece que gana mucho dinero, pero que no es así. De hecho, no se considera millonaria.
Además, Bad Gyal -o Lil Papaya, como se la bautizó en La Resistencia- lanzaba una observación sobre los fans que le piden fotos a horas intempestivas: «La línea del respeto se ha fundido. Después de las tres de la mañana, ¿tú sabes con quién estás? Puedo ser yo o Leticia Sabater», declaraba.
Sobre todo, Bad Gyal sorprendía a la audiencia revelando la cantidad de veces que ha practicado sexo al día: unas 3 o 4 veces. Según Broncano, es récord histórico. Bad Gyal explicaba que esta actividad sexual se debe a la cercanía de la persona que le gusta, pero es una situación excepcional: «Cuando sabes que solo tienes esa semana, aprovechas. Luego, sequía».
Hoy 25 se octubre se lanzan nuevos álbumes de Halsey, Dorian, Soccer Mommy, Judeline, Pixies, Vega, Amyl and the Sniffers, Laura Marling, caracazador, Elias Rønnenfelt, Underworld, Las Dianas o Katie Gavin (integrante de MUNA). Además, se edita el disco en directo de Tears for Fears: hablamos con ellos en portada.
La jornada va sobrada de lanzamientos de singles, y no solo el de Lady Gaga merece tu atención: Addison Rae suma un nuevo acierto, Carolina Durante sorprenden colaborando con Rosalía, Damiano David entrega su propio ‘As it Was’ y Sade lanza su primer single en 6 años.
Entre los artistas que están de estreno se encuentran Tyler, the Creator, que presenta su oscuro nuevo personaje; Sharon van Etten o Alessia Cara. Y siguen avanzando sus próximos álbumes Amaral, Michael Kiwanuka, shego (posicionadas en Spotify UK), Linkin Park o Pauline en la playa.
El día de lanzamientos deja algunas colaboraciones destacadas. Además de la ya mencionada de los durantes y Rosalía hay que comentar las uniones de Romy y Sampha, dinamarca e Irenegarry o Dani Fernández y Valeria Castro. Aunque ojo porque el dueto que promete sonar es el de Belinda y Kenia OS.
Tampoco os podéis perder las nuevas propuestas de Parcels, Janire, Pinpilinpussies, Elmiene, Anna Ferrer, Amber Mark, vangoura, Megan Thee Stallion, Vera Fauna, Carlos Ares, Joaquina, Gigi Perez, DARKSIDE, Barry B, Parquesvr, Biig Piig…
Lady Gaga ha lanzado ‘Disease’, el primer single de su séptimo álbum de estudio. Los rumores eran ciertos y Gaga echa mano en ‘Disease’ de un sonido synth-pop e industrial similar al de su segundo trabajo, ‘Born this Way‘ (2011), sobre todo la de su parte más electrónica. En ‘Disease’, la producción suena ligeramente refinada en comparación con la de aquel álbum, pero aún suficientemente sucia como para parecer diseñada en su imagen y semejanza. En paralelo, Gaga no se corta vocalmente en ‘Disease’ tirando de un registro cazallero y bruto que recuerda que ella es la «Madre Monster».
La propuesta de ‘Disease’ es deliberadamente grotesca desde su mismo título, y la letra incluye referencias a gritos, veneno y enfermedades. Gaga ofrece el «antídoto» a los males de su amante, el cual no puede ser otro que su prometido, Michael Polansky, quien, por cierto, figura en los créditos de composición. Junto a él aparecen Andrew Watt, Cirkut y la propia Gaga.
La propuesta de ‘Disease’ llega justo a tiempo para Halloween, y no es descabellado pensar que su sonido responde al inesperado éxito viral de ‘Bloody Mary‘ de hace un par de años. Tanto es así, que si algo negativo puede decirse de ‘Disease’ es que ofrece precisamente lo que sus fans esperaban, sin espacio para la sorpresa o el desconcierto.
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Gaga había avanzado el título de ‘Disease’ a través de Spotify, modificando los títulos de 7 canciones de 7 álbumes de la artista. Estos aparecían escritos con la primera letra escrita en minúscula y el resto escrito en mayúscula. Las canciones elegidas eran ‘i LIKE IT ROUGH’, ‘dANCER IN THE DARK’, ‘eLECTRIC CHAPEL’, ‘aRTPOP’, ‘sINNER’S PRAYER’, ‘eNIGMA’ y ‘sMILE’. Juntas, las primeras letras en minúscula de todo deletreaban solo una única palabra real, «Disease», enfermedad.
Gaga se mantiene en el puesto 2 global de Spotify con ‘Die with a Smile’, su single con Bruno Mars, tras sumar 55 días consecutivos en el número 1: el más longevo de 2024. En un lado menos positivo, la película ‘Joker: Folie à deux‘ se ha desplomado en taquilla.
Carolina Durante publican hoy su tercer disco, ‘Elige tu propia aventura’. El grupo quiso presentarlo con el tema titular, por sus arreglos muy alejado del punk pop de sus inicios, y después ha presentado otros singles más cercanos a su sonido clásico, como ‘Joderse la vida’, ‘Misil’ y esta semana ’Hamburguesas’. El álbum alterna ambas cosas: la tradición punk y los arreglos. Pero hay sorpresa.
Un tema que se ha ocultado incluso a la prensa de cara a las entrevistas promocionales de las últimas semanas, incluye la colaboración de Rosalía en la segunda estrofa, un puente y el estribillo. Es decir, puede terminar siendo el tema más popular de Carolina Durante por encima de ‘Cayetano’ o ‘Perdona (ahora sí que sí)’.
‘Normal’, que ocupa el segundo lugar en la secuencia, habla sobre una ruptura y un tipo odioso que no puede evitar hacer el mal: “Me crucé con tus amigas, no me soportan / Normal: yo también me odié”.
Y ahí Rosalía tiene mucho que decir, con una aportación que es puro humor: “Te echaste una novia que es un poco rara / Es un poco cuadro que se parezca a mí”. Sin duda su voz tiene la gracia de añadir la visión femenina, aunque el tema ya era uno de sus mejores tiros de por sí.
La extraña relación entre la catalana y los madrileños se retrotrae al día en que a Rosalía se le ocurrió recomendar un concierto de Carolina Durante en las redes sociales. Según Vanity Fair, el cantante de estos Diego Ibáñez es o ha sido pareja de Pilar Vila, hermana de Rosalía y también parte de su equipo profesional.
Os dejamos con las fechas de presentación de la gira de Carolina Durante:
16.01.25 PALAU ALAMEDA, VALENCIA
17.01.25 PALAU ALAMEDA, VALENCIA
24.01.25 TEATRO DE LAS ESQUINAS, ZARAGOZA
25.01.25 SANT JORDI CLUB, BARCELONA
30.01.25 INDUSTRIAL COPERA, GRANADA
31.01.25 PARÍS 15, MÁLAGA
01.02.25 PANDORA, SEVILLA
07.02.25 PELÍCANO, CORUÑA
08.02.25 TBA, GIJÓN
20.02.25 ZENTRAL, PAMPLONA
21.02.25 SANTANA 27, BILBAO
28.02.25 WIZINK CENTER, MADRID
Stevie Nicks, que acaba de lanzar el single ‘The Lighthouse’, ha concedido una entrevista a Rolling Stone y algunas de sus declaraciones -que solo se pueden leer previo pago- están circulando en redes por lo que tienen de llamativas y deslenguadas.
Nicks es muy clara hablando de Fleetwood Mac y niega categóricamente que una gira de despedida vaya a producirse. En sus palabras, «Fleetwood Mac murió cuando Chrstine McVie murió». Nicks asegura que McVie nunca «podrá ser reemplazada».
Sobre Lindsay Buckingham, su compañero de banda y ex-pareja, Nicks comparte palabras menos halagüeñas. Nicks explica que solo ha hablado con Buckingham «tres minutos» durante los últimos tiempos y por casualidad: «Lidié con Lindsey todo lo que pude, no se puede decir que no le diera 300 millones de oportunidades». Cuando Nicks señala que Lindsey es un «icono», Rolling Stone responde que ella lo es más, y Nicks contesta: «Ese fue uno de los problemas, ¿no es así?»
De manera inesperada aparece en la historia de Fleetwood Mac la figura de Harry Styles. Nicks cuenta que Buckingham no fue nada simpático con Styles durante un evento, y que para ella este suceso fue la gota que colmó el vaso de su relación con el músico: «En esa época (Lindsey) no trataba bien a nadie, no trató muy bien a Harry Styles. Podía escuchar a mi madre decir «¿de verdad vas a pasar los próximos 15 años de tu vida con este hombre?» Podía escuchar a mi padre decir «es momento de que os divorciéis»». Me dije: esto se ha acabado».
La entrevista deja otras declaraciones de Nicks relacionadas con otra pop star de nuestra era: Katy Perry. Cuando Rolling Stone pregunta a Nicks si utiliza internet en su móvil, ella responde que no y, a continuación, recuerda su extraño encuentro con la autora de ‘Roar’ de hace una década: «Hace 10 años, Katy Perry me hablaba de los ejércitos de fans de las divas del pop, me contaba lo rancios y crueles que son. Me preguntó «¿cuáles son tus rivales?» y le miré con mala cara. Contesté: «Katy, yo no tengo rivales, tengo amigas. Todas las cantantes mujeres que conozco son amigas. Nadie está compitiendo. Deja de usar internet y tú tampoco tendrás rivales».
Por otro lado, Nicks habla del coronavirus y, en especial, critica a las personas que le señalan por llevar mascarilla. Dice que se cuida del covid todo lo que puede: «Yo puto odio las mascarillas pero, como cantante con asma, tengo que llevarlas. La gente me mira mal, pero yo les digo: ¿sabes qué? Soy Stevie Nicks. Si me pongo enferma, cuarenta familias se quedan sin trabajo, así que por eso llevo mascarilla, gilipollas».
En relación al covid, Nicks alude a su propia mortalidad: «Yo ya no puedo pillar el covid. Soy mayor, me quedan más o menos 15 años para vivir, pero vosotros jóvenes tenéis 30 o 40 años todavía por delante, así que deberíais considerar llevar mascarilla».
EFE EME acaba de poner a la venta en su página web, antes de que llegue a tiendas físicas, ‘Un soplo en el corazón. El misterio de Family‘, el libro que narra la historia de uno de los discos indispensables del pop en castellano, creado por Javier Aramburu e Iñaki Gametxogoikoetxea.
Su autor, César Prieto Álvarez, reconstruye a través de entrevistas a amigos del dúo, músicos, periodistas, gerentes de salas, fanzines o al productor del disco, Rodrigo Silva Ramos, la gestación del único álbum de Family, publicado en 1993. Un trabajo que, por su atemporal sonido y por la sinceridad de sus letras, marcó a toda una generación de oyentes.
Echando mano del material recabado, el autor «desarrolla un relato que arranca en los primeros años ochenta, registra un plano secuencia sobre las nuevas formaciones que estaban surgiendo, principalmente en San Sebastián, y explica cómo consiguieron asomar la cabeza, desembarcar en Madrid a comienzos de los noventa y conformar un estilo que erróneamente fue llamado Donosti Sound».
‘Un soplo en el corazón’ se ha reeditado a cada nueva década, en 2003, 2013 y 2023. En 2014, además, se lanzó un álbum homenaje con colaboraciones de La Casa Azul o La Monja Enana.
Sharon van Etten ha anunciado nuevo disco, un trabajo que se publicará de manera homónima en compañía de su nueva banda, The Attachment Theory. El álbum se pondrá a la venta el próximo 7 de febrero a través de Jagjaguwar.
Sharon van Etten & The Attachment Theory ha grabado su álbum -que se considera debut- partiendo de la improvisación. A la autora de ‘We’ve Been Going About This All Wrong‘ se han unido Jorge Balbi a la percusión, Devra Hoff al bajo y Teeny Lieberson en diversos instrumentos. Marta Salogni, conocida por su trabajo con Depeche Mode, Björk o Bon Iver, ha producido el largo.
‘Afterlife’, el primer adelanto, hace uso de beats electrónicos, pero también de instrumentos más típicos de banda de pop-rock como guitarras y baterías para armar un denso muro de sonido. Es una de las novedades que puedes escuchar ya en la playlist «Ready for the Weekend«.
El disco de Sharon Van Etten & the Attachment se presentará en Europa, aunque de momento no hay fechas anunciadas en España. La telonera será Nabihah Iqbal, a la que probablemente conozcas por su single de 2023 ‘The World Couldn’t See Us’:
Mi encuentro en el éter virtual de Zoom con Curt Smith y Roland Orzabal tiene lugar una plácida tarde de octubre en la que suenan frescos, afables, con ganas de hablar y como casi siempre expresando sus ideas con precisión y detalle. Su nuevo disco en directo y película (estreno mundial este viernes 24 de octubre) sirven de punto de partida, pero en nuestra conversación hay tiempo para hablar de Inteligencia Artificial, de su pasado nuevaolero, de la rehabilitación artística pendiente de Phil Collins, y hasta de su inesperada mirada positiva al futuro del mundo.
Quería felicitaros por las dos nuevas canciones que he escuchado, son preciosas.
Tears for Fears: ¡Gracias!
En cuanto al concierto, tiene un gran aspecto y suena especialmente bien, estoy deseando verlo en pantalla grande. La cuestión es ¿por qué lanzar un álbum en vivo, el primero de vuestra carrera, justo ahora? ¿Es solo por la película o hay más razones?
Curt: Creo que es principalmente por la película, tenía sentido para nosotros después de hacerla. Pero hay más razones detrás: quiero decir, inicialmente, la película fue una sugerencia de nuestros managers porque el show en directo sonaba muy bien, y la banda también. Al incluir material de ‘The Tipping Point’, nuestro directo cogió una amplitud musical que probablemente no tenía antes, y para nosotros fue mucho más refrescante y lo disfrutamos más. Además, teníamos este elemento visual que antes no había y que le daba una dimensión singular, visual, que merecía la pena capturar. El caso es que una vez hecho nos dimos cuenta de que la grabación en vivo sonaba realmente bien… para sorpresa nuestra.
Roland: Sí, realmente sonaba bien.
Curt: Así que una vez que mezclamos el material en vivo, tenía sentido editarlo también en disco. Pero no queríamos simplemente lanzar un álbum en directo y luego tener que estar hablando de material antiguo en cada entrevista que hiciéramos. De modo que decidimos ponernos a componer música nueva, que era lo que quería la compañía discográfica de todos modos. En realidad, solo querían uno o dos temas nuevos, pero terminamos haciendo cuatro temas, y nos gustaron tanto que nos pareció que parecían más un EP que simples «bonus tracks». Para evitar que se desperdiciaran o quedasen reducidos a pistas extra acabaron siendo las cuatro primeras canciones que se escuchan en el álbum. Material nuevo que de alguna manera actualiza Tears for Fears donde estamos ahora. Y luego a eso se suman las 18 pistas de material en vivo de nuestro concierto.
Roland dijo en algunas entrevistas que ahora se pueden hacer cosas en vivo con las canciones que no se podían hacer a nivel tecnológico en los años 80 o incluso hace 20 años. ¿Qué se puede hacer ahora que no era posible antes?
Roland: Bueno, prácticamente todo. Quiero decir, diría que hasta principios de los 2000, los directos eran un poco impredecibles. Hacíamos grandes shows, pero para ser honesto, no oía a Curt. No oía muchas otras cosas. Hoy en día, a veces hacemos armonías bastante complejas y no son fáciles. Tienes que concentrarte mucho en canciones como ‘Break the Man’, o ‘Rivers of Mercy’. Pero como ahora tocamos con esos maravillosos monitores directos al oído podemos lograr que suene casi como si estuviéramos en un estudio de grabación. Así que la noción general de lo que es una actuación no es la misma que antes, con todos aquellos monitores en el suelo y ese tipo de cosas, en los que oías una atmósfera general sin gran detalle, y se oía al público. Hoy en día no se puede escuchar al público, pero sí se puede escuchar a los demás músicos. Así, durante la preparación de este directo todas las noches iba allí e intentaba grabar un disco. De forma que cuando llegó el momento de grabar el concierto en directo, no fue tan difícil.
Quería preguntaros por la canción nueva ‘The Girl That I Call Home’. En un momento dado de la canción hay un redoble de batería que obviamente hace referencia al legendario redoble de ‘In the Air Tonight’ de Phil Collins, incluido el sonido. ¿De quién fue la idea?
Roland: Bueno, cuando hicimos ‘Woman in Chains’ Phil Collins tocó en ese disco, y durante las sesiones le pedimos que tocase un redoble de batería “a lo Phil Collins”. Y creo que estaba harto de eso, harto de que ser una especie de marca registrada, así que trató de escabullirse y no hacerlo. Y al final tuvimos que combinar diferentes elementos de sus pistas, editándolos para que sonaran como uno de sus redobles. ¡Esto se está volviendo un poco técnico!
Nos encanta, no pares.
Roland: El caso es que Hugh Padgham, el productor que grababa las baterías de Phil Collins, ha creado un preset de batería que se puede usar digitalmente y que genera sonidos como los de su batería. Así que pensamos: “muy bien… ¿por qué no usarlo?” Y se convirtió en una especie de broma, pero la mantuvimos, un poco por ver si nos cansábamos de la broma, cosa que al final no pasó, así que se quedó.
Curt: Nos resulta gracioso.
Creo que funciona muy bien. ¿Creéis que tal vez sea hora de reevaluar a Phil Collins? Es posiblemente la última reevaluación pendiente de todos los años 80. ¿Qué opinais?
Roland: Es muy triste lo que le ha pasado. Si lees su autobiografía, que recomiendo encarecidamente, verás que es un hermoso homenaje a Phil Collins. Es muy simple, muy, muy alegre. No parece que este tipo tenga ningún problema, y un día se despierta y está casi paralizado y con un dolor terrible en el cuello. Lo operan, toma analgésicos, se vuelve adicto a ellos y se vuelve alcohólico… su historia es realmente terrible. Es muy, muy triste. Y lo hizo por culpa de esos meses y meses y meses de tocar la batería con el cuello en una determinada posición. La tocaba con el cuello en una posición determinada, cantando con un micrófono que estaba más alto que su cabeza. Y sí, creo que lo habrá, habrá una rehabilitación de su música. No creo que falte mucho. Eso espero.
«La historia de Phil Collins es realmente terrible. Es muy, muy triste»
Las dos nuevas canciones adelanto del disco son principalmente canciones de Roland. ¿Hay alguna canción de Curt entre las otras dos?
Roland: Bueno, ‘Say Goodbye To Mom And Dad’ será el próximo sencillo de radio. Curt la canta, y suena a canción de Curt.
Me gustaría abordar el tema de la portada del disco, generada parcialmente por IA, y que produjo controversia. ¿Os parece bien hablar de eso?
Roland: Absolutamente.
Porque creo que la declaración que publicasteis al respecto dejaba muy clara vuestra postura. Pero entonces, si aceptamos la premisa de que tal vez esté bien y sea realmente interesante que un(a) artista de carne y hueso utilice la IA como una herramienta más, ¿considerarías vosotros hacer lo mismo con la música?
Curt: Bueno, hasta cierto punto, lo hacemos. Quiero decir, el artista que hizo la portada utilizó IA, pero la diseñó él mismo. No fue como si él se conectara y pidiera “ponme un astronauta en un campo de girasoles” y eso fuera todo. Tuvo que crearla. Usando IA, pero tuvo que crearla exactamente como él quería. Igual que nosotros podríamos pedirle que nos generase una secuencia por ejemplo en semicorcheas, con la duración que quisieras, pero luego resulta que no es exactamente lo que quieres, porque quieres que lleve un filtro, y luego quiero cambiar los acordes aquí… y así vas creando, tienes que jugar con eso. A fin de cuentas usamos ordenadores en todo lo que hacemos. Y me parece que la gente tenía la misma sensación con los sintetizadores cuando se inventaron. Ya sabes, “¿por qué no puedes usar un trompetista real en lugar de un sample de trompeta?” Porque el sample de trompeta suena bien y quizá me gusta más el sample que el trompetista.
Así que es solo otro medio más. Por qué la gente se está poniendo nerviosa ahora es algo que no entiendo, pero creo que todo son tácticas de miedo, porque la gente piensa que la IA va a dominar el mundo. Y no creo que eso sea cierto, creo que es solo otra herramienta. Hemos ido progresando gradualmente a lo largo de los años, usando diferentes herramientas. No lo veo de forma diferente a como vi la primera caja de ritmos.
Vuestra música sigue estando presente en la cultura contemporánea, sigue siendo relevante. Ha sido interpolada o versionada por gente como Kanye, Drake, Lorde, The Weeknd… Esa fascinación ¿funciona también en la dirección opuesta? ¿Qué nuevos artistas de pop contemporáneo os entusiasman?
Roland: Pues depende de a qué estés expuesto. Por ejemplo, gracias al gimnasio al que voy, estoy expuesto al Top 40. Así que rápidamente conocí a Lizzo, Harry Styles… incluso Ed Sheeran. O gente como Dua Lipa, me gusta lo que hizo con Elton John. Toda esta música es bonita y agradable de escuchar. Pero no tengo tan claro de todas formas que estén planteando algo tan diferente o rompedor, creo que no es así.
¿Y tú, Curt?
Curt: A mí me gustan cosas más underground, no escucho escucho cosas del Top 40. Me encantó Phoebe Bridges cuando salió, y también una chica llamada Dora Jar, que me gusta mucho. Y hay una banda joven estadounidense llamada Wallows, que me gusta. De Inglaterra no diría que son nuevos, pero creo que el último álbum de la Manchester Orchestra es fantástico. Hay muchos más, pero destacaría a estos especialmente en este momento.
Algunas de vuestras canciones más emblemáticas se han utilizado muchas veces en otros artrefactos culturales como películas, series de televisión, etc. ¿Cuál es vuestra favorita? La mía es el comienzo de ‘Peter’s Friends’, con ‘Everybody Wants to Rule the World’.
Roland: Bueno, supongo que deberíamos decir…
Curt: ‘…Donnie Darko’ (mientras lo dice, Roland le interrumpe diciendo “¡Gru 4, mi villano favorito!”
Roland: Al final de la peli somos dibujos animados.
Curt: Sí, el final es absolutamente eufórico.
Roland: Pero… sí, ‘Donnie Darko’, obviamente. ‘Mad World’, pero también el uso que hacen de ‘Head Over Heels’ es absolutamente extraordinario.
Actualmente vivimos en esta nueva realidad digital en la que es frecuente la resurrección de videos de hace décadas. Y no son sólo los fanáticos del convertidor digital de VHS, porque incluso los canales de televisión lo hacen. Y hay un clip que Televisión Española rescató del pasado en el que salís actuando como parte de vuestro primer grupo, Graduate, haciendo canciones de power pop y new wave realmente brillantes… ¿Qué sensación produce no ya oír esa música que hacíais sino ver vuestras pintas de entonces?
Roland: A ver, ¿cuánta gente de 60 años mira atrás y realmente les flipa el aspecto que tenían cuando tenían 18? En fin, la mayoría de las personas no tienen que soportar esa tortura, y quienes lo hacen la sufren en privado y se ríen. Para ser honesto contigo, cuando dejamos Graduate y nos convertimos en Tears for Fears, yo era muy consciente de esa banda y realmente, en muchos sentidos, quería que la enterraran. Pero ahora miro hacia atrás y pienso: «Oh, mira esos pómulos. ¡Guau!” Y pienso también: «Mira esos movimientos espasmódicos… ¡Dios mío!».
Curt: Es muy espasmódico, saltando arriba y abajo…
Roland: Pero pienso “al menos se movían”, ¿sabes? Así que ahora lo veo como algo muy divertido, y me veo a mí mismo y me siento bien. Y honestamente, me veo, me miro y pienso: “soy súper parecido a mis hijos”. Es ridículo.
Curt: A mis hijos les hace mucha gracia. Así que el hecho de que haga felices a mis hijos me hace feliz a mí, aunque a ellos les haga felices porque pueden burlarse de mí. Es gracioso.
«El mundo es más o menos igual que siempre en cuanto a pesimismo y desesperanza, pero ha cambiado la forma en la que nos lo cuentan»
Una última pregunta. No quiero acabar la entrevista de bajón, pero muchas de vuestras canciones han tratado temas como la destrucción, y la catástrofe mundial. ¿Qué pensáis del mundo en este momento? ¿Hay espacio para algo más que el pesimismo y la desesperanza?
Roland: El mundo es más o menos igual que siempre en cuanto a pesimismo y desesperanza, pero ha cambiado la forma en la que nos lo cuentan. Por eso, hoy en día, debido a las redes sociales y a ciertos canales de noticias, las noticias se han vuelto divisivas. Así que, mientras que antes veíamos las guerras y nos sentíamos como si estuviéramos en medio, hoy en día, cuando vemos una guerra, estamos de un lado o del otro. Así que no es que el mundo sea un lugar peor, creo que no lo es. De hecho, hay un argumento interesante en el libro ‘Apuntes sobre un planeta estresado’ de Matt Haig: según él las cosas nunca han estado mejor. Y el ejemplo que utiliza es la capacidad de mantener con vida a los niños. La tasa de mortalidad ha mejorado radicalmente desde los años 90. Es algo positivo a considerar.
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