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Las claves visuales de los vídeos de Soleá Morente, Taylor Swift, Hidrogenesse, Oneohtrix Point Never y Miley Cyrus

Por
Joric
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Soleá Morente como runner folclórica, Taylor Swift siguiendo el hilo suelto de su ‘Cardigan’, Hidrogenesse bailando en una acogedora casa de muñecas, el zapping a través del tiempo de Oneohtrix Point Never y los hermanos Safdie, y los muerdos sanguinolentos entre Miley y Dua Lipa. Desenvolvemos como un polvorón las imágenes de los videoclips más destacados de las últimas semanas, y dejamos al descubierto sus referentes estéticos y narrativos.

Lo que te falta (Soleá Morente)

En 2014, Xavier Dolan estrenó ‘Mommy’ en el festival de Cannes. El director quebequés (últimamente perdidísimo) sorprendió al público con la utilización de un recurso estilístico de gran eficacia narrativa y dramática: el protagonista, “encerrado” en un formato de imagen 1:1, abre los brazos al tiempo que la pantalla se expande en horizontal como si el aire entrara en sus pulmones. En ‘Lo que te falta’, Paco León utiliza un recurso similar. Comienza el vídeo en un formato 4:3 y, pasado un minuto, lo abre hasta 16:9 en sincronía con la imagen de Soleá Morente abriendo los brazos mientras corre hacia al espectador. Una metáfora visual sobre la libertad y la ampliación de horizontes –visuales, mentales, sociales- que apuntala un discurso sobre el empoderamiento femenino. El otro gran símbolo que utiliza el director es el traje de gitana. La bata de cola es (re)interpretada como una carga que “arrastran” las mujeres en un traje que impide la libertad de movimientos. Pero a la vez es un icono de la feminidad que, al vestirlo todo el reparto del vídeo, se transforma en una alegoría sobre la lucha por la igualdad.

Willow (Taylor Swift)

‘Willow’ comienza donde termina ‘Cardigan’: con Taylor Swift empapada y abrigada con la famosa rebequita tras regresar de su viaje interdimensional por lejanos-mundos-de-fantasía. En este nuevo videoclip, la cantante encuentra un hilo de oro como el del mito de Teseo y Ariadna. Y, de nuevo, vuelve a meterse por el piano para aparecer, como ‘Alicia en el país de las maravillas’, por el hueco del tronco de un árbol (un sauce, como el título de la canción). Taylor seguirá ese hilo que le lleva a su amado (¿referencia a la canción ‘Invisible String’?), pasando por diversos escenarios: un episodio de su infancia, una actuación en un cubículo vestida de novia como si fuera una atracción más de un freak show decimonónico (¿es la “chica serpiente” del cartel del fondo?), un ritual en un bosque nevado que recuerda a los aquelarres de los cuentos de brujas, y un encuentro final al calor de la chimenea cuya retórica visual parece inspirarse en los westerns crepusculares aunque se parece más a un anuncio navideño.

La casa exagerada (Hidrogenesse)

Seguimos con secuelas. ‘La casa exagerada’ es algo así como el spin off del videoclip de ‘La carta exagerada’. Hidrogenesse pasan de sirvientes a ser los señores de la casa en esta versión remezclada por Chico Blanco, al que previamente habían versionado. Dos señores en pijama entretenidos con sus cosas: organizando raves domésticas con pases de baile noventeros, cocinando chucrut, haciendo pausas para hidratarse, elaborando tocados porque “en casa se debe ir elegante”. Todo ello expuesto con ánimo pedagógico (a través de subtítulos informativos), preconizador (nos presentan al artista miniaturista David Macho) y fetichista (aparecen muchas celebridades “invitadas”). A medio camino entre el espíritu pretecnológico de Michel Gondry y la comicidad y economía expresiva de un Buster Keaton, ‘La casa exagerada’ funciona como encantadora miniatura costumbrista que utiliza la metáfora de la casa de muñecas como cimiento expresivo para construir un relato sobre la felicidad hogareña en tiempos de estrés post-confinamiento.

Lost But Never Alone (Oneohtrix Point Never)

En 2017 se produjo una de esas colaboraciones artísticas que llevan implícita la coletilla “estaban destinados a encontrarse”: los cineastas Benny y Josh Safdie, y el compositor Daniel Lopatin. El resultado fue la banda sonora de la fabulosa ‘Good Time’ (2017), que obtuvo el premio a la mejor música en el festival de Cannes. A partir de ahí, no han parado de trabajar juntos: Lopatin compuso la banda sonora de ‘Diamantes en bruto’ (2019) y los hermanos Safdie han dirigido el último videoclip de Oneohtrix Point Never. ‘Lost But Never Alone’ es una cacofonía de imágenes ochenteras y noventeras. Una serie de fragmentos de anuncios, noticiarios, documentales y ficciones que se suceden con la lógica de un zapping nostálgico o, como aparece al principio del vídeo, del dial de la radio de un coche. Esa radio sintoniza dos “emisoras” principalmente: una cinta de terror con patinadora asesina (¿para cuándo una de miedo de los Safdie?), y una especie de ‘La hora de Bill Cosby’ con guiño anacrónico y final apoteósico que parece salido de un videoclip de los 80.

Prisoner (Miley Cyrus, Dua Lipa)

El gusto de Oneohtrix Point Never por las texturas videográficas del pasado, por la iluminación y la gramática visual de los clips y grabaciones de las actuaciones musicales de los 80, se puede observar también en el último vídeo de Miley Cyrus. La intro de ‘Prisoner’ es toda una declaración de intenciones: una fusta, símbolo del sadomasoquismo, y un alambre de púas, distintivo del punk. Luego, tras un homenaje al ‘Science Fiction/Double Feature’ de ‘The Rocky Horror Picture Show’, comienza un viaje por carretera en un autobús que recuerda al del biopic ‘The Runaways’. A través de un montaje muy dinámico, con encuadres cerrados, diferentes estilos fotográficos y mucho primer plano de las cantantes en poses sexi-punkarras, explota la “cherry bomb” en un jueguecito lésbico que parece inspirado tanto en el arquetipo cinematográfico de la vampiresa bollo (de Jean Rollin a Jess Franco), como en el terror caníbal tipo ‘Crudo’ o ‘Trouble Every Day’. Al final, las dos “prisioneras” se liberan en un concierto rodado como si fuera de los 80. La última palabra la tiene Divine y su famosa frase de ‘Female Trouble’.

Taylor Swift / evermore

Por
Jordi Bardají
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Antes del lanzamiento de ‘evermore’, el segundo disco de Taylor Swift en apenas cinco meses, Zola Jesus apuntaba en Twitter que la artista se permite «disfrazarse de indie» mientras los «artistas independientes de verdad la pasan canutas para sobrevivir». El mensaje de la autora de ‘Okovi‘ hacía enrabiar a los fans de Taylor -sus «soldados digitales»- y la artista se veía obligada a aclarar que ella no tiene «ningún problema» con esta, sino con el hecho de que «los únicos artistas capaces de sobrevivir una pandemia sean los que ya tienen los bolsillos llenos».

Si Taylor hubiera respondido a Zola, la cantautora de Pensilvania le habría dirigido a algunas de las acciones que ha tomado, a lo largo de su carrera, para ayudar a quienes más lo necesitan, pero el mensaje de la segunda invitaba a una reflexión diferente: ¿es la etapa «folk» de Taylor una pose? Yo digo sí. Toda su discografía lleva a esta conclusión: la misma Taylor ha reconocido haber basado su carrera en buscar la aprobación de los demás, y si ‘1989‘ era su disco de pop porque era lo que tocaba en ese momento, ‘reputation‘ era su intento de sacar rédito a las controversias de la época por la misma razón, y ‘Lover‘ su posterior lavado de imagen porque ídem. Llegado el confinamiento, Taylor ha visto la oportunidad perfecta para abrir una nueva etapa en su carrera, la de artista seria que puede gustar a público y críticos por igual. Y nadie ha dejado esto más claro que ella misma con los títulos de sus discos, más obvios imposible. Ahora lo que toca pensar es que Taylor ha evolucionado porque graba música intimista, se codea con The National y Bon Iver, se viste con chaquetas de franela y, cual Justin Timberlake haciéndose el campesino, escribe canciones llamadas ‘cardigan’ o ‘the lakes’ que además titula en minúscula. Ahora tanto cifras como críticas le vuelven a ser favorables y la industria vuelve a estar de su lado.

La realidad de todo esto es que nada ha cambiado. Taylor, una persona tan americana que su cara podría aparecer en la bandera del país, es una empresaria nata que ha basado su carrera en el éxito comercial, de ahí que sus primeros discos de country fueran tan genéricos que podría haberlos firmado cualquiera con un mínimo de conocimiento sobre el género. Lo mismo podría decirse de sus incursiones en el pop en ‘Red‘ y ‘1989’, tan deudoras del sonido de Max Martin para artistas como Katy Perry, y del mensaje implícito -que no cierto- que dejaba la producción de ‘reputation: si haces un disco lleno de rabia tienes que pasarte al hip-hop y a la música electrónica porque son sonidos más «oscuros». Solo Taylor podría reclamar la palabra «folclor» para titular su disco «serio»: lo raro es que no nos hayamos enterado de que ha intentado comprar el término para registrarlo como marca. Pero lo más curioso de Taylor es su obsesión con escribir canciones basadas en una sola nota… y también en la «nota fundamental». Este tipo de canciones suele triunfar porque son simples, y el repertorio de Taylor está plagado de ellas, como ya han apuntado varios artículos. Y todas se parecen necesariamente. Si alguna vez criticaste a Lana Del Rey o a Beach House -dos artistas de los que Taylor es fan- porque todas sus canciones son «iguales», dime que ‘evermore’ no produce la misma sensación: ‘long story short’ es igual que ‘Dress’, ‘champagne problems’ es igual que ‘Cornelia Street’, ‘marjorie’ es igual que ‘august‘. Los ejemplos podrían seguir. No, no es un problema que los artistas escriban canciones que se parecen las unas de las otras, de hecho es imposible que esto no suceda y los debates sobre plagio no pueden dar más pereza, pero cuando eres una de las artistas que más discos vende en el mundo, molaría que tu obra no estuviera basada en el oportunismo ni se quedara tanto en la superficie de todo.

La fórmula funciona en varios puntos de ‘evermore’. ¿Cómo no iba a hacerlo? ‘willow’ es una estupenda canción de amor de tintes pop, folk y country que está basada en el mismo patrón rítmico que el reggaetón, como una lectora ha apuntado en la sección de comentarios de este mismo medio. Y ‘no body, no crime’ con Haim es muy divertida en su uso de la figura de Este (una de las hermanas, la misma a la que entrevistamos recientemente) como protagonista de una historia que involucra una supuesta infidelidad y un asesinato. Da igual que la canción sea genérica en su aproximación al country-pop de gente como Carrie Underwood, lo importante es que está bien escrita desde todos los puntos de vista, también el narrativo. Porque ‘evermore’ vuelve a ser un trabajo en el que Taylor da rienda suelta a su imaginación a la hora de contar historias inspiradas (o no) en su propia vida. ‘dorothea’ es ella misma, pues habla de una joven que viaja a Los Ángeles para perseguir sus «sueños de Hollywood», pero está interpretada desde el punto de vista del chico que se ha quedado en el pueblo y la echa de menos. Sin embargo, ‘champagne problems’, una de las varias baladas soporíferas de ‘evermore’ basadas en el sonido del piano, narra la historia de una mujer que rechaza una pedida de matrimonio y deja anonadados a familiares y amigos, quienes consideran que está «jodida de la cabeza» por esta decisión. Real o no, cuenta una historia de la que quieres conocer todos los detalles.

El de Dorothea es otro nombre en la constelación de personajes que está dejando la etapa reciente de Taylor, y en la que también encontramos a Betty, James, Inez o ‘marjorie’, quien no es otra que Marjorie Finlay, abuela materna de Taylor (como la de Núria Graham). Marjorie era cantante de ópera e inspiró a la artista a dedicarse a la música, de la misma manera que, en este largo, ha inspirado una de sus composiciones más emotivas, pues Taylor asegura que se le sigue apareciendo en sueños (como Taylor es fan de los «easter eggs» y de interrelacionar su obra a tope, Marjorie también era el nombre de una niña de 5 años que desapareció en el año 1939 en Pensilvania, ciudad en la que Taylor se crió; la hermana de la niña desaparecida se llamaba Dorothea). Sin embargo, Taylor no puede sino escribir canciones personales y es bastante explícita en ‘gold rush’, una popera canción, un poco Coldplay, marcada por la paranoia de posiblemente perder a la persona amada, y en la que deja frases tan buenas como: «At dinner parties I won’t call you out on your contrarian shit / And the coastal town we never found will never see a love as pure as it». Y si en ‘long story short’ insiste en recordar su «caída del pedestal» sin tener necesariamente cosas nuevas que decir al respecto, en ‘tolerate it’ se supera abriéndose en canal para mostrarse de lo más vulnerable e insegura, cantando que convertiría su relación en una «ruina» si pudiera.

Si de ‘evermore’ hay que destacar las letras es porque son buenas, pero también porque las canciones no comunican nada especialmente interesante. Taylor se atreve a experimentar con la electrónica en ‘closure’ dejando texturas muy parecidas a las del último álbum de Charli XCX (el productor BJ Burton aparece en ambos trabajos), pero no deja de presentar una colección cuyo sonido está basado prominentemente en el de The National, como ya sucedía en el anterior. Al final, la conclusión a la que invita la escucha de ‘folklore’ y ‘evermore’ es que la autora de ‘Delicate’ no ha evolucionado tantísimo. Ambos discos están compuestos por las mismas canciones que la artista lleva años escribiendo porque estas están basadas exactamente en la misma fórmula. Puede que antes estuvieran escondidas en los tramos medios de sus álbumes opacadas por los singles más poperos, pero ya no, porque ya no hay singles poperos a los que atenerse. Lo único que cambia en estos dos largos es el envoltorio: Max Martin ya no está por aquí para introducir bases machachonas en las composiciones de la artista, y Jack Antonoff apenas aparece en dos de ellas. Ahora es sobre todo Aaron Dessner quien, con su presencia, nos intenta convencer de que este cambio de registro es sincero, cuando lo cierto es que responde a otra estrategia comercial más.

Dos méritos hay que reconocerle a Taylor: como compositora y letrista es estupenda y además está consiguiendo vendernos la misma canción una y otra vez sin que se note dotándolas de mil variaciones melódicas, instrumentales y de producción. Ninguna canción es igual al fin y al cabo. Pero cuando las canciones más diferentes que ha escrito en tiempos recientes se parecen tanto a otras cosas, cuando ‘cardigan’ lleva tanto la firma de Lana Del Rey como ‘mirrorball’ la marca del shoegaze de los años 90, cuando toda la instrumentación de ‘folklore’ y ‘evermore’ bebe del trabajo de The National porque Taylor probablemente no posee una idea propia de lo que puede llegar a ser la música «folk» como pueden hacerlo Phil Elverum o Joanna Newsom, ¿cómo no sospechar de este giro alternativo? ¿Cómo no dar la razón a Zola Jesus con que todo esto no es más que un disfraz? Y lo cierto es que ‘evermore’ vuelve a ser un disco de Taylor Swift en todos los sentidos: accesible, formulaico a rabiar y hecho para gustar a todo el mundo. Una tercera cosa que reconocerle a la cantante: desde luego no intenta esconderlo.

Calificación: 7,3/10
Lo mejor: ‘willow’, ‘no body, no crime’, ‘tolerate it’, ‘marjorie’
Te gustará si te gusta: Carrie Underwood, Laura Veirs, Alela Diane
Youtube: vídeo de ‘willow’

Jesy Nelson abandona Little Mix, ahora un trío

Por
Jordi Bardají
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Little Mix, una de las bandas de pop más exitosas de Reino Unido, pasa a ser un trío después de que una de sus integrantes, Jesy Nelson, haya anunciado durante esta tarde que abandona la formación. En un comunicado, la cantante asegura que ha vivido sus «años más increíbles» en Little Mix, pero que está «preparada» para embarcarse en una nueva etapa de su vida.

La razón por la que Jesy Nelson abandona Little Mix es que la cantante buscará cuidar de su salud mental. Es la misma por la que dejaba la formación hace unos meses, si bien en aquel caso se comunicaba que lo hacía de manera temporal. Probablemente se allanaba el terreno para lo que estaba por venir. Jesy lleva años luchando contra sus demonios después de haber sido víctima del ciberacoso, como ella misma ha explicado en un documental, y en los últimos pasos promocionales de Little Mix ni siquiera había podido hacer acto de presencia: cuando el grupo presentaba la gala de los MTV Europe Music Awards el pasado mes de noviembre, lo hacía ya como trío.

En su comunicado, Jesy explica: «Recientemente, estar en Little Mix ha repercutido negativamente en mi salud mental. La presión de estar en un grupo de chichas y de satisfacer ciertas expectativas me resulta muy difícil de llevar. Necesito pasar tiempo con las personas a las que amo y haciendo las cosas que me hacen feliz». La artista agradece a sus seguidores por el apoyo recibido en 10 años de historia y también a sus compañeras de banda por «crear algunos de los recuerdos más increíbles, los cuales nunca olvidaré». En Twitter, las chicas han indicado que «apoyan totalmente» a Jesy pero que ellas aún «no están listas» para que Little Mix «termine».

Little Mix se transforman en trío en un estupendo momento comercial para ellas. Su nuevo trabajo ‘Confetti‘ ha vuelto a ser un éxito que se ha quedado a las puertas de ser número 1 en Reino Unido solo por culpa de Kylie Minogue, y el single ‘Sweet Melody’, probablemente el mejor de su carrera, ha arrasado.

Fallece a los 86 años Charley Pride, la primera estrella negra del country

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Jordi Bardají
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Charley Pride, conocido cantante y compositor estadounidense de música country, ha muerto a los 86 años debido a complicaciones derivadas de la covid. Pride fue popular en los 70 y 80 por canciones como ‘Kiss an Angel Good Mornin’ o ‘Just Between You and Me’ y por su registro vocal de barítono. El artista es considerado el primer artista negro en triunfar en el ámbito de la música country, pues, en algún momento de los años 70, fue el más vendedor del sello RCA desde Elvis Presley.

Nacido en el seno de una familia pobre que se dedicada a la aparecería, Pride dedicó sus primeros años de juventud a otra de sus pasiones, el béisbol, hasta que empezó a compaginar los partidos con sus primeros pinitos en la música -llegó a cobrar por actuar antes de cada partido- y también con trabajos en la construcción y en un hondo de fundición. El primer single de Pride, ‘The Snakes Crawl at Night’, fue enviado a radios sin imagen del artista para evitar posible discriminación por racismo, de modo que, cuando el artista empezó a triunfar con su tercer single, ‘Just Between Me and You’, una buena parte del público descubrió que era negro una vez acudió a uno de sus conciertos. Sin embargo, el éxito comercial de Pride pronto eclipsó cualquier dato irrelevante sobre su etnicidad o color de piel y el artista prosperó a lo largo de las décadas gracias a éxitos como ‘Is Anybody Goin To San Antone’.

El pasado mes de noviembre, Pride era reconocido con el premio honorífico de los Country Music Awards, gala a la que el artista acudió para actuar. Su muerte ha levantado sospechas de artistas country como Maren Morris de que el artista pudiera haber contraído coronavirus durante la ceremonia, la cual se celebró a puerta cerrada. La organización de los Country Music Awards se ha visto obligada a emitir un comunicado en el que informa de que Pride se sometió a numerosos tests antes y después de actuar en la gala y que su resultado fue negativo en todos ellos.


Animal Sound vuelve brevemente por Navidad con actuaciones de Morad, Recycled J, Glas…

Por
Jordi Bardají
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Animal Sound, otro de los numerosos festivales que este año han aplazado su edición por las razones que todos conocemos, anuncia una serie de eventos que tendrán lugar antes de que acabe el año. Son un total de siete conciertos que podrán verse del 18 al 27 de diciembre en tres emplazamientos de la ciudad de Murcia, estos son, la Plaza de Toros, la Terraza de los Molinos del Río y el Auditorio Víctor Villegas, todos ellos adaptados por supuesto a las nuevas circunstancias. Las entradas están disponibles en la web del festival.

El cartel es el siguiente: el próximo viernes 18 de diciembre abrirá el ciclo Glas; el 19 sábado será el turno de Walls y el sábado 19, de Don Flúor, Isaac Corrales e Irregular Live. El martes 22 acudirá al escenario Recycled J y el sábado 26 lo hará Morad. Finalmente, el domingo 27 será el turno de FMS Duplas (Sweetpain & Mr. Ego vs. Tirpa & Mnak/ Elekipo & Vivi vs. Hander & Jesús LC y Bekaesh como presentador) y del show de Mnak.

Como decimos, la edición «XS» de Animal Sound (así llamada) se celebrará con las garantías sanitarias que cabe esperar. Explica la nota de prensa: «Este ciclo de eventos se han programado cumpliendo a rajatabla con la normativa sanitaria vigente que, como sabemos todos, tienen como principal objetivo evitar la transmisión del covid-19 apostando por la #CulturaSegura. Para su implantación y control se ha conformado una comisión de trabajo que ha definido estrategias y toma de decisiones para la minimización de riesgos higiénico- sanitarios por covid-19, estableciendo los mecanismos de coordinación necesarios con los diferentes agentes implicados para la planificación de las medidas preventivas».

Y continúa: «Al efecto, se tomará la temperatura a todos los participantes, se exigirá distanciamiento de seguridad interpersonal, el uso obligatorio de mascarilla y el lavado de manos como principal medida de higiene. Y todo ello cumpliendo con los aforos reducidos exigidos y la limpieza exhaustiva de todos los espacios. Existirá un número máximo de entradas pre-asignadas por tramos horarios. Se colocarán en el suelo marcas para asegurar la distancia de seguridad interpersonal en zonas de acceso, plantas, zonas, sectores pre-asignados y espera. Se fomentará el pago con tarjeta u otros medios que no supongan contacto físico entre dispositivos, evitando, en la medida de lo posible, el uso de dinero en efectivo. Estas y muchas más adaptaciones a la actual coyuntura harán posible, al fin, el regreso por Navidad de tan esperado festival».

Disco de la Semana: la espera por Avalanches vuelve a merecer la pena

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Sebas E. Alonso
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The Avalanches han publicado esta semana su esperado nuevo disco, el 3º en casi 20 años de historia, pero de nuevo ha merecido la pena este récord de paciencia, como también merece la pena retrasar las listas de lo mejor del año un par de días para asimilar un pelín mejor el alcance de esta obra de 25 pistas que supera la hora de duración. ‘We Will Always Love You’ será nuestro «Disco de la Semana» y el miércoles o el jueves revelaremos qué lugar ocupa entre lo mejor de 2020, donde ya es evidente que no puede faltar.

Varias pistas de este álbum han sido avanzadas como single, como ha sido el caso de ‘Interstellar Love’ con Leon Bridges, en este momento favorita de la audiencia. Muchos de esos avances pasaron por nuestra sección «Canción del Día», como fue el caso de la escalofriante ‘Running Red Lights’ con Rivers Cuomo y Pink Siifu, el estupendo ‘Wherever You Go‘ o la disco ‘Music Makes Me High’. La cuarta grabación del álbum que pasa por esta misma sección es una de las que aún no conocíamos, ‘We Go On’, y podría haber una 5ª «Canción del Día» perfectamente, que sería esa maravilla en la que han juntado a MGMT con Johnny Marr y Burt Bacharach, ‘The Perfect Chord’.

Avalanches han sido una de las bandas clave del siglo XXI por su arte para el sampleo y en esta ‘We Go On’ han escogido el ‘Hurting Each Other’ de los Carpenters para elaborar un contagioso estribillo adulterado marca de la casa al que se añaden las voces de Cola Boyy y nada menos que Mick Jones de The Clash. Este, siempre feliz sobre todo lo que tenga que ver con Jamaica, es apelado desde el principio por Cola Boyy, que comienza diciendo «Soy Cola Boyy, estoy aquí con Mick Jones, te mandamos nuestro amor, Karen», en referencia a la desaparecida cantante de los Carpenters.

‘We Will Always Love You’ es un álbum sobre el más allá del amor, pues como informa Universal España, se centra en la «historia de amor entre Ann Druyan y Carl Sagan, comunicadores de ciencia cuyos escritos y programas de televisión trajeron los misterios cada vez más profundos de la astronomía y la astrofísica a la audiencia masiva. Robbie Chater se conmovió profundamente por el hecho de que el romance de la pareja fuera capturado y llevado al espacio, gracias al Voyager Interstellar Message Project» en el que participaron. Ann Druyan iba a colaborar en el disco, al final no fue posible, pero sí consintió aparecer en la portada del álbum.

Robbie Chater ha explicado en Apple Music que considera ‘We Go On’ una de las canciones menos Avalanches del álbum, y aunque no se sabe muy bien lo que ha querido decir, pues la loca amalgama que encontramos en esta producción solo la podrían haber hecho ellos (o quizá Gorillaz), le entendemos mejor cuando dice que la voz de Karen es tan hermosa y su historia es tan triste que con ella se dota a la grabación de un enorme significado. Dice además que la frase «seguimos haciéndonos daño» retrata especialmente al mundo de hoy. «Esa línea me entristece», indica, si bien Cola Boyy logra sonar divertido, como a modo de bálsamo, con frases como «Dancehall’s rockin’ for the people ‘cause we say so»».

Lo mejor del mes:

King Gizzard & The Lizard Wizard / K.G.

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Mireia Pería
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Los australianos King Gizzard & the Lizard Wizard sólo han sacado un disco este año (aparte de un montón de directos en streaming). Lejos parece 2017, el año del desbordamiento, en que llegaron a lanzar… ¡cinco LP’s! . Aunque ya llevan una temporada moderándose; el año pasado también publicaron una única referencia, ‘Infest the Rat’s Nest’, un sabrosón ejercicio de heavy/trash metal.

En este ‘K.G.’ los Gizzards han retornado a 2017 (y a 1968, de rebote) si no en prolificidad, sí en sonoridad, ya que recuperan las esencias psicodélicas de ‘Flying Microtonal Banana’. No en vano el disco se subtitula ‘Explorations into Microtonal Tuning, Volume 2’ y se presenta como una secuela. El título mismo también funciona como un autohomenaje, y da una pista de lo que vamos a encontrar: un compendio de lo mejor de los King Gizzard & the Lizard Wizard de 2017.

La flauta arabizante y el sitar que abren ‘KLGW’ es una toda una declaración de intenciones; una breve pieza instrumental de intensa y clásica psicodelia que, para más inri, lleva como título las siglas del grupo. Esta enlaza con ‘Automation’, otro ejercicio de sonido añejo, con guitarras distorsionadas, panderetas, voces dobladas… De hecho, las notas arábigas (representadas especialmente en la percusión) llenan todo el disco y son una de sus señas de identidad; casi puedes ver a Brian Jones flipando con los músicos de Joujoukan en Marruecos o a George Harrison dándole al sitar en cada corte.

Poco se salen del canon: ‘Minimum Brain Size’ está salpicada por un delicioso deje de pop californiano, algo más folk y western es ‘Straws in the Wind’, que crea una atmósfera onírica la mar de atractiva. Tampoco se olvidan del baile, porque hay piezas tan saltarinas, efectivas y desvergonzadas como ‘Ontology’ o nos arrastran a la música disco del próximo Oriente en ‘Intrasport’, o se aproximan a Los Beatles en ‘Honey’. Y se dejan lo más pesado (‘The Hungry Wolf Of Fate’) para el final.

Se agradece la corta duración de ‘K.G.’, unos canónicos diez temas en 40 minutos; también que los Gizzard se mantengan en su línea de parir canciones psicodélicas con bien de sus aciertos (sonoridades sugestivas, melodías y riffs infecciosos) y poco de los errores (suites inacabables, densidad empalagosa) que suelen tener los ejercicios de nostalgia progresiva. Este disco es todo un compendio de sonidos vintage que hará las delicias no sólo de los fans de la banda, sino de los más sesenteros.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘Automation’, ‘Minimum Brain Size’, ‘Straws in the Wind’, ‘Ontology’, ‘Intrasport’
Te gustará si te gustan: los discos de 2017 de King Gizzard & The Lizard Wizard, la psicodelia más arábiga.
Escúchalo: Youtube.

‘Un million’ termina de sugerir que este puede ser el mejor disco de Yelle

Por
Sebas E. Alonso
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Si no es el más revolucionario o impactante ni el más popular de sus 4 discos, ‘L’Ère du Verseau‘ sí es el más completo de los álbumes de Yelle. A singles tan potentes como ‘Karaté’ y como ‘Je veux un chien’ hay que sumar otros que crecen tanto con las escuchas como la balada ‘Je t’aime encore’, y luego además otros temas tan interesantes como ‘Vue d’en face’ o ‘Peine de mort’. Hoy seleccionamos como «Canción del Día» el corte que cierra el álbum, ‘Un million’.

A esa altura del disco ‘Un million’ sugiere que este puede ser el mejor disco de Yelle, pues además de la diversión habitual, el grupo de Julie Budet esta vez ha querido dejarnos un importante mensaje, reflexivo. Esta semana nos contaba durante una entrevista que «‘Un million’ habla del miedo, de cómo nos estancamos en esos hábitos que nos reconfortan porque tenemos miedo de la gente o de cometer errores. A veces quieres hacer algo pero piensas que, si te sale mal, te va a costar afrontar las consecuencias, así que decides esconderte bajo una manta y no hacer nada».

Continuaba: «Personalmente, yo no soy la persona que más confianza tiene en sí misma aunque pueda dar otra imagen encima del escenario, pero a veces intentar hacer las cosas de manera diferente, poco a poco, puede ser liberador. Curiosamente recibo muchos mensajes del público sobre esta canción porque se ve reflejado en la letra. Ahí te das cuenta de que no estás sola, de que estos pensamientos los tiene todo el mundo».

Mientras la letra apela a “un millón de miedos sin razón” y a “un millón de vidas escondidas en un punto ciego”, finalmente “encontrando un alma debajo de una manta”, la producción apunta a los Röyksopp más cinéticos y ambientales, con una referencia voluntaria o involuntaria a ‘The Art of Noise’. El tema ha sido también el escogido para cerrar el concierto de ARTE en el que los franceses han presentado, sin público, las canciones del disco, y que tanto se ha comentado en nuestro foro de Yelle.

‘My Mexican Bretzel’ es un apasionante experimento entre el documental y la ficción

Por
Fernando García
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El recorrido comercial que ha tenido ‘My Mexican Bretzel’ es cuanto menos curioso. Comenzó viéndose en el Festival de Gijón en 2019 y continuó su camino en el prestigioso festival de cine de autor de Rotterdam. Sin embargo, cuando realmente la película cobró una nueva vida fue gracias a su exhibición en Filmin en la programación del D’A (festival de Barcelona que tuvo que celebrarse online por el Covid-19), donde tuvo un sorprendente éxito que terminó alzándola con el premio del público. Meses más tarde llega a varias salas de cine una película tan pequeña, personal y única que parece un milagro que haya llegado tan lejos. Y, claro, no queda otra que celebrarlo.

La directora Nuria Giménez Lorang, después del fallecimiento de su abuelo, viajó a Suiza con su madre para recoger las cosas de su casa y allí encontró alrededor de 50 bobinas de 16mm y 8mm en el sótano que contenían 29 horas de grabaciones cotidianas entre los años 40 y 60. Se las llevó a su casa en Barcelona y comenzó a digitalizarlas, en un principio sin saber qué iba a hacer con ellas. Años después de trabajar con ello, el material filmado llega en forma de largometraje, titulado ‘My Mexican Bretzel’ y propone un experimento fascinante. A través de las bellísimas imágenes restauradas, Lorang compone la historia de Vivian Barrett, una mujer de clase alta, apoyándose en los textos de su diario personal. No hay voz en off, de hecho, no hay voces en absoluto a lo largo del metraje, pero el espectacular diseño de sonido consigue crear una inmersión completa en el universo de su protagonista.

Lo que hace que la película sea tan impactante es la originalidad con la que Lorang pone a disposición del espectador el metraje encontrado, haciendo un misterioso uso de este, a medio camino entre la realidad y la ficción. El juego que plantea es tan estimulante y único que desconcierta, pero pese a lo radical de la propuesta formal, el alma de ‘My Mexican Bretzel’ reside en una narración clásica, que dialoga directamente con los melodramas de los 50 de Douglas Sirk. Casi sin querer, la película va presentando el conflicto de Vivan Barrett hasta convertirla en una protagonista digna del Hollywood clásico. En su diario se pueden leer frases como “Creo que filmar es una de las mejores formas de autoengañarse que existen. También es una lucha encarnizada contra la soledad. Y un bello modo de desaparecer”. Y es que otro elemento fundamental en el que la directora se apoya es en la mentira, y en cómo esta de alguna manera constituye ya no solo el arte de hacer cine sino también nuestras propias vidas, aunque sea de manera inconsciente.

La inteligencia y sensibilidad mostradas en este trabajo sitúan a Nuria Giménez Lorang como una cineasta audaz y valiosa. En su naturaleza experimental ‘My Mexican Bretzel’ rebosa pasión por hacer cine, por encontrar un medio para evocar el pasado, para crear nuevas vidas a través de las ya vividas. Es una obra poética, emocionante y evocadora, tan íntima como universal, y que además, guarda para el final una reflexión poderosa. 8,2.

AC/DC / Power Up

Por
Pablo Tocino
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‘Rock or Bust’ salió en 2014, y estuvo a punto de ser el último disco de AC/DC, porque la banda entró en una espiral de desgracias. Es bien conocido que la gira del álbum sufrió un duro golpe cuando los problemas de audición de Brian Johnson le obligaron a dejar de dar conciertos ante el riesgo de quedarse sordo, siendo sustituido por Axl Rose en una acertada/desacertada (depende de a quién preguntéis) decisión. Para colmo, el vocalista de Guns N’ Roses se fracturó un pie, así que se vio forzado a cantar sentado –oye, resolvieron la papeleta bastante bien, y además nos dieron unos cuantos memes-.

Pero eso no fue todo, ni mucho menos: Malcolm Young tuvo que retirarse debido a la demencia que padecía, Cliff Williams anunció que dejaría la formación tras la gira, Phil Rudd fue arrestado, y George, el mayor de los Young y quien había enseñado a tocar la guitarra a Angus y Malcolm, falleció… justo un mes antes del mayor de los golpes, no por esperado menos doloroso: Malcolm murió también. Ante ese panorama, no eran pocos los que pensaban que estábamos ante el fin de AC/DC. O incluso, como comentaba Michael Hann en The Guardian, que “debería” ser el fin.

Pero Angus y compañía se crecen ante la adversidad: no olvidemos que en un momento tan amargo para ellos como fue la muerte de Bon Scott, la banda sacó adelante ‘Back in Black’, todavía hoy el segundo disco más vendido de la historia (solo superado por ‘Thriller’ de Michael Jackson). Y justo en este 2020 en el que se cumplen 40 años de ‘Back in Black’, AC/DC nos dan el que quizás sea su mejor trabajo de los últimos 20. Angus, Brian, Cliff y Phil se reúnen de nuevo, sumando a Stevie en el lugar de su tío, y repitiendo con Brendan O’Brien en la producción, para un ‘Power Up’ que sirve como homenaje de la banda a su compañero perdido, y donde, por supuesto, los australianos vuelven a hacer aquello que encanta a sus seguidores y desespera a sus críticos: canciones de AC/DC. Tan reconocibles, sí, y tan efectivas.

En una entrevista reciente con Waleed Aly para The Project, el propio Angus explica que “ante las críticas de que sonamos igual en todos los discos, mi hermano siempre decía que claro, porque somos la misma banda… cuando empezamos no estábamos inventando la rueda, y hacemos lo que se nos da mejor: rock & roll”. Qué queréis que os diga: que a pesar de toda la tralla de los últimos años (y la acumulada), se las apañen para seguir haciendo “lo mismo de siempre” no estoy seguro de si es algo negativo… más bien es un meritazo. Sobre todo cuando se trata de un material tan bueno como el de este decimoséptimo -ahí es nada- álbum de estudio.

‘Realize’, con una melodía especialmente conseguida, es la encargada de abrir la puerta a 40 minutos de rock sin descanso, con momentos especialmente brillantes como ‘Witch’s Spell’, donde destaca el trabajo de Cliff y el estupendo outro, o ‘Systems Down’, con una explosiva colección de riffs que se beneficia también de la presencia vocal de Brian en el estribillo (esa es otra: uno acaba el disco buscando para el futuro el teléfono del otorrino de Brian). Destacan también la más bluesera ‘No Man’s Land’, con un terreno sureño al que los australianos no son ajenos (ahí están cortes como la magnífica ‘Badlands’, que aparecía en 1983 en ‘Flick of the Switch’), el optimista lead-single ‘Shot in the Dark’, la divertida ‘Demon Fire’, con Brian entregado a una interpretación más pasada de vueltas (para bien), o la que -para mí- es la joya de la corona: ‘Through the Mists of Time’. En un terreno mucho más melódico que puede recordarnos al ya explorado en ‘Moneytalks’, los australianos cantan abiertamente a la nostalgia, al paso del tiempo y, sí, a la edad: el propio Brian comenta que siente escalofríos con esta canción cuando llega eso de “see dark shadows on the wall / see the pictures / some hang, some fall”, al acordarse del fallecido Malcolm.

Malcolm tiene desde luego gran peso en este trabajo, y no solo metafórico: todos los temas aparecen acreditados a los dos hermanos, porque muchos riffs ideados por él han sido reciclados en este ‘Power Up’ que, además de ser un homenaje, tiene otro objetivo: “espero que este disco siga consiguiendo que los chavales salgan a comprarse una guitarra, se aprendan los riffs y descubran el resto de nuestro catálogo. Sería estupendo tener más bandas de rock jóvenes”, decía Brian hace poco a NME.

Podemos estar seguros de que ese objetivo lo van a conseguir, y además existe otro muy importante en este 2020: cuando todo lo que puede salir mal, sale mal, este álbum supone un destello, porque hace muy poco su propia existencia se daba por imposible. De hecho, comparte algo con (me voy preparando para los palos) ‘Future Nostalgia’ o ‘Chromatica’: al igual que los mencionados, este trabajo proporciona un muy necesario escapismo, y representa una realidad que en plena pandemia parece utópica, y que ansiamos tener de vuelta. En el caso que nos ocupa, la realidad de los conciertos de rock. Porque ni la alegría, ni el sentimiento de hermandad, ni la cercanía social que conllevan parecen tener cabida ahora, y lo cierto es que estos tres son aspectos que echamos cada vez en más en falta… y que cada vez nos hacen más falta. ‘Power Up’ nos los presta durante sus 40 minutos, con un consuelo extra por parte de Angus y compañía: parecen decirnos “no os quejéis tanto, que si nosotros hemos podido sacar esto, vosotros podéis aguantar el tirón un poco más”.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Through the Mists of Time’, ‘Witch’s Spell’, ‘Systems Down’, ‘Shot in the Dark’, ‘Realize’
Te gustará si te gustan: AC/DC. No necesitan mucha carta de presentación.
Escúchalo: Spotify

‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey logra el top 1 en UK 26 años después

Por
Sebas E. Alonso
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Si el año pasado celebrábamos que ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey llegaba al número 1 en Estados Unidos por primera vez, ahora es el turno de hacer lo propio en Reino Unido. 26 años después de su edición, cuando fue incluida en ‘Merry Christmas’, el álbum navideño de la artista, la canción supera al fin el top 2 logrado en las islas hasta el momento. Es la tercera canción de la historia que más ha tardado en llegar a la cima, después de ‘Reet Petite’ de Jackie Wilson, que tardó 29 años (de 1957 a 1986), y de ‘Is This The Way to Amarillo’ de Tony Christie, que tardó más de 33 años (de 1971 a 2005).

La OCC analiza el éxito progresivo de la canción, situando como hito haber aparecido en una actuación de la película ‘Love Actually’ en 2003, y habla de cómo la popularidad del tema ascendió en la era digital en 2007, alcanzando el top 20 todos los años menos uno entre 2008 y 2015. Su popularidad está en mejor forma que nunca, pues ya es top 1, y de hecho no hemos llegado a la Navidad, por lo que sus cifras van a subir.

En el puesto 2 queda ‘Last Christmas’ de Wham! y también hay algo poético en que Mariah haya destronado esta semana nada menos que a su discípula Ariana Grande, que estaba en el puesto 1 con ‘positions‘.

¿Qué pasa mientras en España? El tema tiene un éxito mucho más modesto y únicamente es top 72 en la última tabla publicada por Promusicae. Estos días subirá algo (ahora mismo es número 70 en Spotify España) y su reto es superar el top 4 logrado hasta el momento.

Tres cómics que descubren tres realidades sorprendentes

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Sr. John
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Un tributo a la tierra (Joe Sacco)

Joe Sacco, pionero en el periodismo de libros ilustrados, vuelve a la carga tras obras tan notables como ‘Notas al pie de Gaza’ y ‘Palestina’, entre otras. El artista dedica gran parte de su tiempo a la documentación de pueblos oprimidos, viajando a territorios en conflicto y entrando en el cuerpo a cuerpo en lugares tan dispares como Bosnia, Cisjordania o impensables por la ausencia de guerras como Canadá. El paraíso occidental de Norteamérica no ocupa tantos titulares en los medios de comunicación por el maltrato de la población indígena, como nos contaba recientemente Basia Bulat, pero sí es objeto de ‘Un tributo a la tierra’.

Sacco se reafirma en lo suyo: un dibujo impecable con una técnica “cross-hatching” de punteados y entrelazados que hemos celebrado con Emil Ferris y Nina Bunjevac por su laboriosidad y su escaso uso. Juega en su contra el haber dejado de sorprender esas consignas suyas que se llevan repitiendo por cualquier punto del globo demasiado tiempo. Pero poco más hay que objetar cuando se trata de sacar a la luz un sistema educativo de internados que duró 150 años, que separaba a los niños de sus padres indígenas; cuando se muestra cómo se han destruido ecosistemas para extraer petróleo, gas o diamantes, y cómo el gobierno canadiense a cuenta del progreso arrasó las culturas nativas. Una disyuntiva global que hoy parece haber pasado a segundo plano: economía o preservar la naturaleza. 8,2.

Las dos vidas de Penélope (Judith Vanistendael)

No estamos acostumbrados a mantener vidas paralelas, nos cautivan cuando las vemos en personas ajenas, y si no que se lo pregunten a la Pantoja y a los espectadores de Telecinco. Abandonar roles y explorar límites morales parece llamar nuestra atención y desarrollar la imaginación más holgazana. Si a un relato así le sumamos una buena ambientación a lo largo de los años, el resultado es tan fascinante como el de ‘Las dos vidas de Penélope’.

Judith Vanistendael, bajo un mantra de dibujos movidos y acuarelas de colores vivos, construye el laberinto de Penélope, una cirujana que durante años ejerce en países en guerra, se emplea a fondo en labores humanitarias y procura desconectar en los pocos días de descanso. Mientras, su familia en Bruselas, envuelta en problemas de primer mundo, la espera impaciente. Los reencuentros serán los que pongan en duda lo que siente Penélope. De un lado la maternidad, con la incertidumbre de no estar a la altura para una hija ya adolescente, y un marido que cuestiona los roles de pareja y los largos periodos de separación. Y de otro, un entorno social de energías distintas, donde las inquietudes son salvar vidas humanas. 8.

Corredores aéreos (Étienne Davodeau, Christopher Hermenier y Joub)

Más cercano a nuestro entorno que las dos historias anteriores, pero para tomar en pequeñas dosis si no se quiere caer golpeado al fango del hiperrealismo, es el torrente de preguntas de Yvan –su protagonista- en plena crisis de los 50. Los autores desgranan una amistad en la que, con 20 años y en pleno frenesí juvenil, se permitió la burla de un cincuentón en su fiesta de cumpleaños. Un gesto de soberbia que se clava como un estoque en la memoria: el tiempo se encargará de hurgar en esa herida pero también de establecer un punto de inflexión.

Davodeau consigue, sin recursos originales, salpicar de pensamientos al lector independientemente de cuál sea su edad: los problemas laborales que se tratan unen fuerzas con los sentimentales, y dejan sin aliento los personales. La importancia de los personajes secundarios, la intensidad de los paisajes nevados, en confrontación con los colores suaves empleados por Joub; y la inserción de fotografías de Hermenier, a modo de bodegones deconstruidos, enriquecen el discurso. 7,8.

Dorian y Pimp Flaco reivindican la bisexualidad en ‘Dual’

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Sebas E. Alonso
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Dorian y Pimp Flaco han sorprendido este viernes con una alianza que no habíamos imaginado ni cuando preguntamos a la banda por el antes llamado trap. Por si fuera poco enfrentarnos a una de las canciones más disco-house que han firmado tanto unos como otros, el tema habla de la bisexualidad, mientras su vídeo va más allá en su planteamiento de la diversidad. “No identificarme en ningún sexo” es la reivindicación de una de las personas protagonistas.

La canción se llama ‘Dual’, pues habla de una chica cuyo «horizonte es dual», que «sabe explorar, 360 para amar», y a la «le da igual» que «lo dulce acabe siendo sal». Detrás de un estribillo demasiado repetitivo y hasta un poco feísta en la incorporación de una palabra tan inelegante en la música pop como «ladrar» («le da igual lo que digan, le da igual lo que ladren»), se esconde otra de las canciones inmediatas y recordables de Dorian (y Pimp Flaco), en este caso más cerca por ejemplo de ‘Guerrera’ de Dellafuente con C. Tangana que de su propio repertorio.

Oficialmente, Marc Dorian explica que ‘Dual’ va sobre «el derecho a hacer lo que cada cual considere oportuno con su vida sexual y sentimental. En el siglo XXI nuestra sociedad no puede dar un solo paso atrás en esta materia. No obstante, por desgracia todavía queda mucho por hacer». La nota de prensa reivindica que «la existencia de personas bisexuales es cuestionada e incluso en ocasiones negada», por lo que la chica protagonista «reclama la necesidad de vivir libremente en todos los ámbitos de su vida, ajena a la mirada y las opiniones de los intolerantes».

Respecto a la colaboración con Pimp Flaco, Marc ni siquiera se ve en «escenas distintas». “Nos parece una tontería que a Dorian y a Pimp Flaco pudieran encasillarnos en escenas distintas. Nosotros escuchamos todo tipo de música a todas horas y trabajar con Dani en el estudio ha sido la cosa más natural del mundo”. Belly añade: «Admiramos mucho el trabajo que viene desarrollando Pimp Flaco desde hace años. Tiene una gran intuición y mucho olfato compositivo. Nos entendimos fácilmente porque trabajando es muy espontáneo, y la espontaneidad es una de las claves para que una canción sea especial”. Dorian están ya trabajando en un nuevo álbum que sucede a ‘Justicia universal‘ y que saldrá ya obviamente en 2021.

Finalmente, esto es lo que Marc nos contaba en 2018 sobre la música de Bad Gyal o C. Tangana: «La estructura de la canción pop está cambiando, se está deconstruyendo. Se están haciendo grandes éxitos dentro y fuera de España que se están quedando en la mente de la gente y que no responden a la estructura clásica de estrofa, estribillo, puente. La parte más reconocible es un riff de vocecillas o trompetillas, como en ‘Lean On’. Yo lo celebro, el pop tiene que ser algo que evoluciona, que muta, se están abriendo otras maneras de hacer canciones populares, claro que sí».

Lo mejor del mes:

FKA twigs denuncia a Shia LaBeouf por abusos; Sia le acusa de ser un «mentiroso patológico»

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Sebas E. Alonso
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FKA twigs ha compartido en Instagram un reportaje de The New York Times titulado “FKA twigs denuncia a Shia LaBeouf, refiriéndose a una incesante relación abusiva”. Ambos habían sido pareja entre 2018 y 2019. En el texto de este post, la cantante ha explicado que realizar la denuncia ha sido «un duro proceso».

La autora de ‘MAGDALENE’ espera que compartir su experiencia pueda servir a otras personas para mostrarles que no están solas. “Las estadísticas en abusos domésticos y relaciones con un compañero violento son impresionantes y durante la covid he sufrido muchísima ansiedad porque sé que las víctimas están atrapadas con sus abusadores sin alivio o manera de escapar. Mi segunda peor pesadilla es ser obligada a compartir con el mundo que soy una superviviente de violencia doméstica. Mi primera peor pesadilla es no decírselo a nadie y saber que podría haber ayudado tan solo a una persona al compartir mi historia”.

Según informa The New York Times y recoge TMZ, FKA twigs se refiere a numerosas veces en que sufrió abusos, incluyendo un incidente en 2019 en una gasolinera en California durante un viaje, en el que la habría lanzado contra un coche y agarrado por el cuello, y un momento en el que habría sacado una pistola indicando que había matado a unos perros callejeros porque quería saber cómo era quitar una vida. Además, indica que Shia LaBeouf le transmitió una enfermedad de transmisión sexual. La cantante ha relatado al periódico que con Shia ha tenido “la peor experiencia de toda su vida”.

Shia LaBeouf ha respondido a una pregunta de The New York Times vía mail, pero rechazando referirse a la cuestión legal que aguarda en los juzgados: “Aunque muchas de las acusaciones no son ciertas, no estoy en la posición de decirle a nadie cómo mi comportamiento les hace sentir. No tengo excusas para mi alcoholismo o agresión, solo racionalizaciones. He sido abusivo conmigo mismo y con todo el mundo que me rodea durante años. Tengo un historial de hacer daño a las personas más cercanas a mí. Estoy avergonzado de ese historial y pido perdón a aquellos a los que he herido. No hay nada más que realmente pueda decir”.

Como recoge Wikipedia, Shia LeBeouf ha tenido problemas legales por su alcoholismo en 2014 y 2017, enfrentándose a la justicia por alterar el orden público y obstrucción a la justicia. En segundo caso fue condenado a pagar una multa y a un año de libertad condicional.

Sia, que trabajó con Shia LaBeouf en el icónico vídeo de ‘Elastic Heart’, dirigido por la propia Sia y por Daniel Askill, ha apoyado a FKA twigs. En un mensaje dejado a través de Twitter ha dicho que «también ha sido herida emocionalmente por Shia». «Es un mentiroso patológico que me engañó para meterme en una relación adúltera asegurando ser soltero. Creo que está enfermo y siento compasión por él Y por sus víctimas. Si os queréis, manteneos lejos, a salvo».

Yelle: «En Francia a la gente le gusta encasillar a los grupos: nosotros estamos en medio de todo»

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Jordi Bardají
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Yelle han soprendido este año con un nuevo disco más maduro, oscuro y profundo, un ‘L’Ère du Verseau‘ que, pese a rehuir de los pepinazos despreocupados de antaño, maravilla por otras muchas cosas sin abandonar el baile del todo, postulándose como una de sus mejores obras. Hablamos sobre el «Disco de la Semana» con Julie Budet.

¿Qué significa para ti este disco?
Este disco representa un nuevo capítulo en nuestra carrera. Han pasado seis años desde que lanzamos un disco y estábamos preparados para sacar uno nuevo, pero era importante para nosotros también tomarnos nuestro tiempo con él para explorar nuevos lugares de nuestro sonido y de nosotros mismos, para así llegar a lugares más profundos. No es que no hiciéramos esto en nuestros trabajos anteriores, pero en este disco lo hemos hecho con más melancolía y con una nueva perspectiva ante la vida, ante nosotros mismos y ante la sociedad en general.

¿Cómo habéis llegado a su sonido?
Nos ha inspirado la música tradicional de Bretaña. De pequeña solía ir a festivales de música con mis padres en los que se escuchaba música tradicional, en concreto, un tipo de música muy hipnótica y repetitiva. En ‘Karaté’, la repetición de la frase «ton kimono est un pijama» está inspirada en un tipo de cante tradicional bretón que se llama «kan ha diskan«. Es un tipo de cante que se basa en repetir una frase, en el que normalmente cantan dos o tres personas, una que enuncia la frase y la otra que la repite una y otra vez, cambiando alguna palabra o melodía de vez en cuando. El resultado es hipnótico, te coloca en una especie de trance. Pasa lo mismo con el tecno o la música house, o con ciertas músicas africanas o mongolas. Cuando escuchas una canción que repite frases o patrones, esta te termina envolviendo y sumergiendo en tu propio mundo. Me encanta la capacidad que tiene la música de transportarte hacia tu interior. Muchas veces, la música ofrece una manera de viajar a otros lugares.

El título del álbum significa «la edad de Acuario». ¿Por qué este título astrológico / zodiacal? ¿Cómo se relaciona con las letras del disco?
El disco representa un renacimiento en varios sentidos. Por un lado, el musical: llevamos mucho tiempo sin sacar música, este álbum marca nuestro «comeback» y además presenta un sonido nuevo para nosotros. Y por el otro, el disco sale en una época en la que parece estar cociéndose un renacimiento de la humanidad. Los últimos años han estado llenos de guerra, violencia, de cambios muy importantes, todo lo cual nos ha permitido darnos cuenta de que puede haber otras maneras de hacer las cosas. El mensaje que expresa el título de ‘L’Ère du Verseau’ es que debemos permanecer siempre unidos ante la adversidad, en la Tierra, de una manera pacífica y a través de la igualdad, la fraternidad y la armonía entre las personas y la naturaleza. Con el título del disco queremos expresar que, quizá, un mundo mejor es posible y que puede que esté cerca. Puede que estemos en el principio de algo, y que ahora estemos viviendo lo malo que viene antes de lo bueno.

¿Qué signo eres?
Soy capricornio, aunque soy un poco acuario.

«En Francia a la gente le gusta encasillar a los grupos: tú haces pop, tú haces rock, tu haces folk… Nosotros estamos en medio de todo»

‘Je t’aime encore’ es una balada muy interesante. Es emotiva, pero la producción apunta a lo futurista sin nunca ir demasiado lejos. ¿Cómo se gestó?
Hace un par de años le pedimos a Vaughn Oliver que nos mandara alguna idea y nos envió unos acordes de piano, un par de notas. Eran las primeras notas de la canción. Nos encantaron y decidimos desarrollarlas en lo que hoy es ‘Je t’aime encore’. Rápidamente nos llegó la idea de la letra, que habla sobre nuestra complicada relación con Francia, que es una relación también muy simple, parecida a la de una pareja que lleva años junta. A veces no entendemos nuestra relación con nuestro propio país y creíamos que era un buen momento de por fin hablar de ella en una canción.

Entiendo que esta «complicada relación» nace de que os sentís un poco incomprendidos en vuestro propio país.
Sí creo que en Francia hay gente que no entiende muy bien lo que hacemos incluso a pesar de que decidimos cantar en francés, cuando en el momento en que salimos a la palestra, esto no era tan habitual. Nosotros siempre hemos hecho las cosas a nuestra manera: en nuestros primeros años, lo mismo sacábamos un single con un rapero que aparecíamos en un disco de Kitsuné. Desde siempre hemos estado en medio del mainstream y el indie y puede que la gente se perdiera un poco con nosotros. Yo siempre he escuchado música de todo tipo, de electrónica a música clásica, y para mí esta mezcla es de lo más normal. Sin embargo, en Francia a la gente le gusta encasillar a los grupos: tú haces pop, tú haces rock, tu haces folk… Nosotros estamos en medio de todo.

¿Hasta que punto crees que estabais adelantados a vuestro tiempo?
Me he dado cuenta hace poco de que ahora hay muchas bandas de pop en Francia que cantan en francés en lugar de en inglés, y cuyas canciones tienen una producción muy electrónica. Este no era el caso hace años. En ese sentido es posible que estuviéramos adelantados a nuestro tiempo, pero tampoco estoy segura.

¿Te viene a la mente algún artista en concreto?
Se me ocurre una banda llamada The Pirouettes. También una cantante solista llamada Vendredi sur Mer aunque ella sí ha dicho abiertamente que escuchaba nuestra música hace años.

¿’Emancipense’ y ‘Un million’ están relacionadas? Ambas parecen hablar de un mal hábito de pensarse demasiado las cosas…
‘Emancipense’ habla de cuando no puedes expresarte con palabras pero sí puedes hacerlo a través del baile. La canción explora esas cosas que quieres esconder cuando no sientes confianza en ti misma. ‘Un million’ efectivamente habla del miedo, de cómo nos estancamos en esos hábitos que nos reconfortan porque tenemos miedo de la gente o de cometer errores. A veces quieres hacer algo pero piensas que, si te sale mal, te va a costar afrontar las consecuencias, así que decides esconderte bajo una manta y no hacer nada. Personalmente, yo no soy la persona que más confianza tiene en sí misma aunque pueda dar otra imagen encima del escenario, pero a veces intentar hacer las cosas de manera diferente, poco a poco, puede ser liberador. Curiosamente recibo muchos mensajes del público sobre esta canción porque se ve reflejado en la letra. Ahí te das cuenta de que no estás sola, de que estos pensamientos los tiene todo el mundo.

«Como mujer, expresar que quieres ser dominada en la cama, que es decisión propia, es provocador, pero eso no significa que te dejes dominar en otras áreas de la vida»

A lo mejor tenías que haber llamado tu disco «la edad de la Ansiedad».
(Suelta una carcajada) ¡Sí, totalmente!

¿’Karaté’ narra la lucha entre dos personas o contra una misma?
Es fácil opinar detrás de una pantalla y emitir opiniones violentas sin que pase nada. Pero cuando contestas a una persona que está siendo agresiva con un mensaje amable, su actitud cambia, de repente ya no te odia tanto. La bondad puede cambiar las cosas. Y estoy segura de que, si pudieras hablar con esa persona cara a cara, su actitud sería muy diferente. El problema no es que la gente tenga opiniones diferentes, sino la manera en que decide expresarlas. De eso habla la frase «tu kimono es un pijama»: te pones un traje de lucha para atacar a una persona, pero en realidad estás solo en tu habitación, escribiendo en un ordenador con el pijama puesto. ‘Karaté’ no habla de nosotros sino de esa persona que está detrás de una pantalla opinando sobre nosotros. La canción se pregunta qué pasaría si nos reuniéramos con esa persona cara a cara.

Internet nos separa de nuestra propia humanidad, es solo un compuesto de palabras, códigos, píxeles…
También es una herramienta que nos une, que nos puede ayudar a luchar contra el fascismo, por ejemplo, como se ha demostrado este año. No estoy diciendo que nadie pueda decir nada en internet, sino que dos personas pueden intercambiar opiniones, tener opiniones diferentes, sin que haya violencia de por medio. Muchas veces no entiendo por qué la gente no decide ser un poco más amable y aprovechar su tiempo en cosas más importantes que atacar a una persona desconocida en internet simplemente porque puede hacerlo.

¿Tienes alguna idea de cómo puede ser el internet del futuro? ¿Crees que será regulado de alguna manera?
No lo sé pero creo que internet debe ser siempre un campo infinito de posibilidades. Es importante dejar que la gente se exprese. Hay países hoy en día, no tan lejos de los nuestros, donde no puedes hacer tal cosa, donde no puedes opinar sobre tu gobierno o expresarte libremente como mujer. Muchos de nosotros somos afortunados de poder hacerlo.

Me hace gracia que una canción tan sexual y divertida como ‘J’veux un chien’ sea a su vez tan dramática, tan bonita… ¿Qué me puedes contar de ella?
La canción, originalmente, iba sobre el concepto de tener un perro de mascota (ríe). Nosotros cuidábamos de un bulldog francés que falleció. Estábamos muy unidos a él y cuando nos sentimos preparados para adoptar otro perro, empezamos a escribir esta canción. A medida que la escribíamos nos dábamos cuenta de que trataba otros temas. La canción habla de una relación de pareja que es muy sólida y también muy sexual. Establece un paralelismo entre la relación de lealtad que puedes tener con tu pareja, y aquella que un perro puede tener con la persona que cuida de él. Pero también es una canción feminista, que habla de la libertad sexual, y de que, como mujer, expresar que quieres ser dominada por alguien no significa que quieras serlo en otras áreas de la vida. Creo que es provocador expresar que quiero ser dominada en la cama y que esa es una decisión que yo he tomado. En la vida puedes tener una personalidad fuerte y no dejarte dominar o pisar por otras personas, al margen de lo que busques en el sexo. El mensaje último de ‘J’veux un chien’ es que el ser humano está hecho de dualidades y que eso está bien.

‘Peine de mort’ toca el tema de la muerte desde el punto de vista de quien marcha, y ‘Noir’ desde el punto de vista de quien sufre esa pérdida. Entiendo que para ti es importante que siempre haya un mensaje de esperanza en tus canciones, aunque traten temas un poco más duros.
Es importante mantener la esperanza. Que aunque estés pasando por algo malo, siempre haya algo de luz al final del túnel. ‘Peine de mort’ habla sobre cuando pierdes a alguien y piensas: ¿adónde va? ¿Me estará observando? ¿Estará viviendo otra vida? Cuando pierdes a alguien, al fin y al cabo, eres tú quien sigue viviendo. Perdí a mi padre hace dos años y aunque aún es difícil de llevar, sé que a él le gustaría verme vivir, seguir haciendo música, divirtiéndome con mis amigos. Por otro lado, ‘Noir’ narra ese momento en el que sufres un «breakdown» emocional. Una persona puede estar pasando por algo malo aunque, desde fuera, siempre se la vea sonriente y feliz. La canción básicamente habla sobre ese momento en que petas (ríe).

¿Cómo lleváis no poder salir de gira?
Recientemente tuvimos la oportunidad de tocar en el ARTE Concert Festival de París. Fue una experiencia muy estresante para nosotros porque hacía un año y medio que no tocábamos, y el «show» que hicimos es el mismo que íbamos a presentar en directo al público antes de que se decretase en Francia el segundo confinamiento. Nos sentíamos emocionados por volver a tocar pero también asustados porque es una experienica nueva para nosotros actuar solo delante de cámaras, sin público. Además presentamos canciones nuevas, algunas de las cuales son muy personales, y yo no sabia cómo iba a reaccionar al cantarlas delante de la poca gente que había delante de nosotros. Al final nos salió bien y estamos muy orgullosos del resultado.

Entiendo que es el mismo directo que la audiencia verá cuando podáis tocar en directo.
Sí, exacto.

Shawn Mendes / Wonder

Por
Jordi Bardají
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En esta vida me ha tocado reseñar los discos de Shawn Mendes y solo puedo dar gracias por que cada uno de ellos haya sido un poco mejor que el anterior. Lejos quedan los días en que, de vuelta a casa después de una noche de fiesta, afectado por una resaca horrible, en un taxi salió ‘Treat You Better’ y casi acaba conmigo. El artista canadiense ha sabido madurar con el paso del tiempo y lo mejor de todo es que solo tiene 22 años.

‘Wonder’ es un nuevo paso adelante hacia la madurez musical de Shawn al contar con la producción de, entre otros, Kid Harpoon, quien, antes de triunfar gracias a su trabajo en ‘Fine Line‘ de Harry Styles, había colaborado en álbumes de Florence + the Machine o Portugal. The Man. Por momentos, el sonido ensuciado de guitarras y baterías de ‘Wonder’ recuerda a los segundos, como en el góspel-pop eléctrico de ‘Higher’, pero las referencias pueden ir de las armonías del pop de los 60 a los ritmos de Tame Impala incluso dentro de una misma canción, como sucede en la fantasía de ‘Dreams’.

El primer single de ‘Wonder’ ha sido el tema titular, en el que Shawn se pregunta si «está siendo auténtico» debido a que se siente «condicionado» por su fama («me pregunto si mis amigos se olvidarán de mí») y por la percepción que el público tiene de él. Es un tema intenso, dramático, que parece tomar ideas de Coldplay y Arcade Fire para terminar armando una composición bastante propia del canadiense. De hecho, si hay que buscar una personalidad en estas canciones es posible encontrarla en el gusto de Shawn por el drama, pero también por las melodías ñoñas y relamidas, que ya venían de serie, no son culpa de Camila Cabello. Así, ’24 Hours’ vuelve a ser una tierna balada sobre echar de menos a la persona amada, no apta para alérgicos al exceso de azúcar.

También son reveladoras las letras de ‘Wonder’ a pesar de que la emoción de todas sus canciones suene bastante calculada. La presión de la fama preocupa al canadiense y el álbum arranca con una «intro» en la que Mendes dice tener «un millón de caras» pero solo una conocida por el público. Esta balada al piano co-escrita por Tobias Jesso Jr es carcomida más tarde por un nubarrón de sintetizador que nos advierte de que ‘Wonder’ no va a ser otro disco mono de Shawn Mendes. En el aguado rock psicodélico de ‘Call My Friends’, de cautivador estribillo, Shawn expresa cuánto de menos echa a sus amigos de siempre, enterneciendo con frases como «no me quiero perder otro cumpleaños». En este sentido, el artista patina asociándose en ‘Monster’ con un Justin Bieber que lleva un año obsesionado con ir dando penita allá por donde va (y lo peor es que le está funcionando).

Quizá lo mejor de ‘Wonder’ es que claramente busca sorprender, aunque esa sorpresa también suene diseñada en un laboratorio. Algunas canciones empiezan pareciendo una cosa para después transformarse en otra: ‘Song for No One’, con Shawn cantando en una mañana de resaca (como la mía en aquel taxi), escala de la intimidad folki a la intensidad del blues-rock, y ‘Looking Up the Stars’ no se conforma con ser otra baladita al piano más y apuesta por terminar aporreándolo cual canción de Elton John. En general, le salen mejores canciones cuando se centra en un solo estilo: le sienta bien tanto el disco-soul de ‘Teach Me How to Love’ como el pop más clásico de ‘305’. Pero al menos hay que elogiarle por no querer estancarse en las moñerías de siempre. La balada navideña con Camila haremos como que no existe.

Calificación: 6,4/10
Lo mejor: ‘Higher’, ‘Teach Me How to Love’, ‘Call My Friends’, ‘305’
Te gustará si te gusta: de Ed Sheeran de Portugal .The Man
Youtube: ‘Teach Me How to Love‘.

NME se acuerda de Halsey, Tame Impala, The Strokes, Hayley Williams, Romy… en sus listas del año

Por
Jordi Bardají
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NME ha publicado hoy sus listas de los mejores discos del año y también de las mejores canciones, aportando un punto de vista más británico y diferente por la inclusión de varios trabajos de los que no se está acordando tanta gente. ¿Recordáis cuando Halsey editaba un disco en enero solo para que Eminem le quitara el protagonismo lanzando un disco sorpresa el mismo día? Sí, esto ha pasado este mismo año. Y aunque de Eminem no se ha acordado nadie, y mira que ‘Godzilla’ ha sido un hitazo, NME al menos ha tenido a bien de incluir ‘Manic‘ entre sus álbumes favoritos del año, en el puesto 40.

El mejor disco de 2020 para NME ha sido el de Run the Jewels probablemente por su componente de justicia social, seguido de los de Taylor Swift (el primero, no el que ha sacado hoy) y Dua Lipa. En el cuarto puesto aparece otra curiosidad, el disco de los Strokes, que tampoco ha sido demasiado reivindicado a pesar de que es notable, pero es que además el grupo de Julio Casablancas aparece también en la lista de canciones con ‘Bad Decisions’, nada menos que abriendo el top 10. Otros discos que, según NME, han marcado 2020 pero que no están apareciendo tanto por ahí, son los trabajos de Tame Impala (16), Hayley Williams (17), Blossoms (28), Empress Of (31), Princess Nokia (45) o Grimes (48). Otra curiosidad: The 1975 colocan ‘Notes On A Conditional Form’ en el número 43, cuando, con el anterior, fueron nada menos que número 1.

En cuanto a las canciones, NME está de acuerdo con Pitchfork y Rolling Stone en que la mejor es ‘WAP’, así que poco más que añadir en este caso. ‘Phsyical’ de Dua Lipa es top 2 muy merecidamente, y ‘Grounds’ de IDLES top 3 también con todos los honores. La firma NME viene con una serie de canciones que solo ellos habrían incluido en su lista: aparece el temazo que Romy ha sacado este año nada menos que en el puesto 5, Arlo Parks adelántandola en el 4 con ‘Black Dog’, e incluso hay cabida para aquel tema Kanye West y Travis Scott que tan desapercibido ha pasado mientras el rapero se enfrascaba en su proyecto político. Por supuesto, beadaboobee aparece con ‘Worth It en el top 19 pero ojo, su disco está ausente de la correspondiente lista. Por acordarse, NME se acuerdan hasta de Gorillaz y colocan ‘Aries’ con Georgia y Peter Hook en el número 28.

Taylor Swift vuelve «más fuerte que una moda de los 90» en la simpática ‘willow’

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Jordi Bardají
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Cuando aún no hemos terminado de digerir ‘folklore‘, cuando los fans de Taylor Swift aún están recibiendo las copias del vinilo que encargaron hace meses, la artista ha sorprendido con el lanzamiento de su obra hermana. ‘evermore’ es otro trabajo de folk-pop compuesto junto a Aaron Dressner de The National con las colaboraciones de Jack Antonoff y Justin Vernon, entre otros, y nuevamente centrado en la narrativa en cuanto a letras, y en los medios tiempos y las baladas en cuanto a composición musical. Puedes comentarlo en nuestros foros.

De primeras, se echa en falta en ‘evermore’ algo más de experimentación melódica, pero el primer single es de los clásicos y atrapa sin que puedas hacer nada por remediarlo. ‘willow’ es un encantador corte que, entre guitarras acústicas, violines y el sonido -menos perceptible- de la flauta y el glockenspiel, entre otros instrumentos, nos cuenta una simple historia de amor entre dos protagonistas que solo pueden ser Taylor y su pareja, el actor Joe Alwyn. Este vuelve a aparecer en los créditos de ‘evermore’ con el alias de William Bowery pero no en esta ‘willow’ que ha sido compuesta por Taylor junto a Aaron Dressner y producida por este último, y orquestada por Bryce Dressner. Es la «Canción Del Día».

‘willow’ es «sauce» en inglés, y la imagen de este árbol, históricamente asociado a los sentimientos de nostalgia y melancolía, sirve a Taylor para reflexionar sobre su propia vida, como tantos poetas han hecho antes que ella. En la vida de Taylor caben el amor y la fama: por un lado, la cantante se muestra ilusionada por un hombre al que admira hasta el punto de llegar a ciertos sentimientos de dependencia e incluso desesperación («cuantas más cosas dices, menos cosas sé, allá adonde vas, yo te sigo, te ruego que me cojas de la mano») y, por el otro, la artista se empodera a sí misma gracias al trabajo, dejándonos una frase tan simpática como: «me daban por acabada una y otra vez, pero yo vuelvo más fuerte que una moda de los 90».

La propia Taylor ha explicado que ‘willow’ es una canción que habla sobre la «intriga, el deseo y la complejidad» que nacen de haber conocido a alguien a quien «deseas» y ha indicado que la canción «suena como si lanzaras un hechizo a esa persona para que se enamore de ti».

Haciéndonos soñar en esa misma época, la de los videoclips multimillonarios que parecían películas «blockbuster», el vídeo de ‘willow’ vuelve a ser una señora superproducción al alcance de no tantos artistas. Una fantasía histórica ambientada en el Estados Unidos rural de finales del siglo XIX que empieza donde acababa la de ‘cardigan’ y en la que vemos a Taylor sumergirse literalmente en la historia de su propia vida, e incluso saliendo de su piano, para finalmente encontrar el amor en los brazos de un hombre interpretado por Taeok Leek, un antiguo bailarín de la gira de ‘Red‘.

Escucha lo nuevo de Bunbury, Dorian con Pimp Flaco, La La Love You, The Avalanches…

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Jordi Bardají
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Hoy viernes 11 de diciembre sale el nuevo disco sorpresa de Taylor Swift. ‘evermore’ es la continuación de ‘folklore’, un disco escrito en las mismas sesiones. Antes de que Taylor robara el protagonismo del viernes, ya sabíamos que hoy se editaba también el nuevo trabajo discográfico de The Avalanches, el tercero en 20 años, además de los nuevos largos de M. Ward, Kid Cudi, Osees, Guided By Voices o un directo de Belle and Sebastian, y el EP de versiones de James Blake con temas de Billie Eilish o Beyoncé.

En cuanto al plano nacional, ven la luz hoy los nuevos álbumes de Bunbury (el segundo en un mismo año, ‘Posible‘ llegaba el pasado verano; cómo se nota que no hay conciertos); Aitana, quien publica ’11 razones’ con la compañía de Natalia Lacunza o Beret, entre otros; y Pablo Alborán, cuyo ‘Vértigo’ ve por fin la luz del día después de que su lanzamiento fuera pospuesto por razones desconocidas.

Hoy salen varios temas sueltos destacados, como el que une a Britney Spears y Backstreet Boys en ‘Matches’ bajo la producción de Ian Kirkpatrick (‘Don’t Start Now’), lo nuevo de Dorian con Pimp Flaco o la fusión de pop-punk y doo-wop que han perpetrado La La Love You y Tennessee en ‘Ven junto a mí’. Del álbum de Taylor destacamos, por supuesto, el tema con Haim, y del de Avalanches, el que los junta con MGMT y Johnny Marr. Atentos también a las nuevas propuestas de Roosevelt, No sé a quién matar o The New Raemon.

A lo largo de la última semana hemos escuchado también el single sorpresa de Gwen Stefani, que vuelve al reggae-pop (tampoco es que nunca abandonara este sonido), el remix de ‘Easy’ de Troye Sivan con Kacey Musgraves y Mark Ronson, otro estupendo tema de Depresión Sonorac o el regreso indie-pop de Anne Lukin.

Taylor Swift publica nuevo disco, ‘evermore’

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Jordi Bardají
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Taylor Swift ha publicado su nuevo disco nacido de las mismas sesiones en las que se creó ‘folklore‘, su álbum publicado hace apenas unos meses. No, el de Avalanches ya no es el mayor lanzamiento internacional de este viernes: ‘evermore’ ha salido esta misma noche con colaboraciones de The National, Bon Iver y Haim. Contiene un total de 15 canciones -17 en la edición de lujo- y el vídeo del primer single, ‘willow’, se estrenará de manera simultánea al álbum.

La misma Taylor llama ‘evermore’ la obra «hermana» de ‘folklore’ y explica su razón de ser: «Desde que tenía 13 años me ha emocionado la idea de cumplir 31 porque es mi número de la suerte pero escrito del revés, y esta es la razón por la que quería sorprenderos con un nuevo disco. Siempre habéis sido muy cariñosos y atentos en cada uno de mis cumpleaños y esta vez pensé que quería daros algo de vuelta». La autora de ‘Lover‘ cumple 31 años el próximo 13 de diciembre.

En otro mensaje, Taylor recuerda las sesiones de composición de ‘folklore’ y señala: «(mis colaboradores) y yo no podíamos dejar de escribir canciones. Nos encontrábamos en una encrucijada: o bien volvíamos atrás o bien nos adentrábamos más en la profundidad del bosque, y escogimos lo segundo». La autora de ‘august’ indica que, normalmente, cada uno de sus trabajos ha representado una «etapa» diferente, separada la una de la otra, pero que con ‘folklore’ no ha sido así: «haciendo estos discos he sentido que regresaba a algún lugar, no que marchaba de él». En ‘evermore’ vuelven a estar presentes Aaron Dressner de The National, Jack Antonoff, Justin Vernon (Bon Iver) y «William Bowery», el alias de su pareja, el actor Joe Alwyn.

No está de más recordar que ‘evermore’ es el tercer disco de Taylor Swift en poco más de un año: antes de ‘folklore’, en 2019, llegó ‘Lover‘, un trabajo que recibió críticas encontradas pero que generó los éxitos ‘ME!’, ‘You Need to Calm Down’ y el tema titular y que su autora siguió promocionando hasta principios de 2020, cuando se transformaba en hombre en el vídeo de ‘The Man’ aunque ya casi nadie se acuerde.

Hace unos días, la artista estrenaba película con grabaciones en directo de ‘folklore’, cuyo audio también puede escucharse por separado. Como veis, al final aquel mensaje en el que Taylor comunicaba no encontrarse haciendo nada en ese momento, ha vuelto a dirigirnos a un nuevo álbum de estudio de la artista. ¿Se convertirá en tradición?

«El regalo de esta Navidad»: ¿cuál ha sido tu «viaje» favorito del libro de JNSP?

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Sebas E. Alonso
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Hace un par de semanas lanzábamos ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’, el primer libro editado desde JENESAISPOP, disponible en nuestra tienda online. La acogida ha sido estupenda, los cientos de pedidos nos abrumaron durante el Black Friday, y las reseñas que nos estáis dejando en redes nos están motivando sobremanera en un año hasta ahora nefasto para nuestro medio, como para cualquier medio musical, y muchos otros sectores. Algunas de vuestras reseñas en redes recopiladas en este post han dicho:

“Menuda joya imprescindible para entender qué ha pasado en la música en las dos últimas décadas”
“Una mirada actual mucho más presa del presente que del clasicismo del pasado”
“Qué gozada el juego de recomendaciones a pie de cada reseña”
“Fantasía de viaje por el pop del siglo XXI”
“Un pasatiempo de lo más entretenido: me habéis arreglado el puente”.

En celebración de todo esto, hoy inauguramos concurso para compradores, bajo el título “El regalo de esta Navidad”. El ganador se llevará uno de estos premios, a elegir:

1.-Una segunda copia del libro para regalar esta Navidad.
2.-Una camiseta de «La Jeni» blanca o rosa (talla S agotada).
3.-Dos totes de JNSP: uno con el logo y otro de “Revelación o Timo”.
4.-O un lote de CD’s/DVD’s/libros/camisetas sorpresa que tenemos duplicados en la redacción.

Para participar, tenéis que mandar un mail a jenesaispop@gmail.com indicando nombre y apellidos y contestar a la pregunta “cuál ha sido vuestro viaje favorito” de ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI’. Como sabéis, los pies de página de este libro llevan a 2 o 3 otros discos similares u opuestos. Si has huido del reggaetón de Bad Bunny para abrazar un gran clásico del rock de 2001; si has descubierto a qué disco influyó ‘Blackstar’ de David Bowie; si has flipado al pasar de Kendrick Lamar a Astrud; si desconocías la conexión entre Robyn y Britney; si has descubierto cuál es el único bucle del libro y no has querido salir de él… Cuéntanoslo y el mail más ocurrente y divertido se llevará el premio que elija. El último día para participar es el domingo 13 de diciembre.

Por otro lado, la promoción de la nota manuscrita respondiendo a por qué un artista falta o por qué sí está en el libro se extiende hasta el 6 de enero, debido a que… alguna gente continúa pidiéndola de todas formas aunque la promoción acabó. Esta nota se solicita al comprar el libro, en el “carrito de la compra”, pinchando en “Instrucciones para el vendedor” o en tienda@jenesaispop.com. Detalles de esta promo, aquí.

Miley Cyrus, Xoel López, Smashing Pumpkins y Selecta, en la lista de álbumes española

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Sebas E. Alonso
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Bad Bunny es número 1 en álbumes en España como ya hemos comentado en la lista de singles, donde ha colocado todo el disco ‘El último tour del mundo’ en el top 30. El artista además permanece en el puesto 19 con ‘YHLQMDLG’, certificado como disco de platino por sus streamings, y en el puesto 46 con ‘X 100PRE’, certificado como disco de oro. Son sus 3 discos de 2020, al menos por el momento.

Las siguientes entradas son las de Raphael con ‘6.0’ en el número 2 y Miley Cyrus con ‘Plastic Hearts’ en el número 4, nada mal teniendo en cuenta que el disco ha alcanzado el mismo puesto en Reino Unido, y las fechas tan competitivas en que nos hallamos. ‘Younger Now’ logró ser número 1 en España, pero desde luego no en Black Friday.

Mientras Isabel Pantoja es número 7 con ‘Canciones que me gustan’ y Los Zigarros número 8 con ‘Qué demonios hago’; Xoel López entra al puesto 15 con ’Si mi rayo te alcanzara’. Es más o menos el mismo puesto logrado por ‘Sueños y pan’, que fue top 13 en 2017, cuando no contaba el streaming. ‘Cyr’ de Smashing Pumpkins llega al puesto 69 en lo que parece una de las grandes decepciones del año: el álbum ha sido tan solo puesto 71 en Reino Unido y puesto 86 en Estados Unidos.

La lista de entradas se completa con Dream Theater y ‘Distant Memories – Live In London’ en el puesto 27, Subze con ‘Sadcore’ en el 56, Joan Garrido and The Global Band en el 60, ’The Collection 2020’ de Amy Winehouse en el puesto 65 y el 20º aniversario de ’El alma al aire’ de Alejandro Sanz en el 68. ‘El niño’ de Selecta, que acabamos de reseñar, entra al número 86.

Bad Bunny ocupa más de la mitad del top 20 de singles en España

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Sebas E. Alonso
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Bad Bunny es por supuesto número 1 en la lista de álbumes española con su nuevo disco, ‘El último tour del mundo’, pero la noticia es más bien que el álbum al completo aparece en la lista de singles oficial. Algo que no consienten las listas británicas, donde hay límite de 3 canciones, pero sí la española, que ve primero cómo ‘La noche de anoche’, el dúo con Rosalía, es entrada directa al número 1, mientras ‘Dakiti’ baja al puesto 2. Con la tontería, un nuevo top 1 en España para la autora de ‘Di mi nombre’, el 6º ya.

Pero es que después ‘Yo visto así’ de Bad Bunny entra al puesto 4, ‘Te mudaste’ al puesto 5, ‘Haciendo que me amas’ al número 7, ‘Te deseo lo mejor’ al número 9, ‘La droga’ al puesto 11, ‘Booker T’ al puesto 13, ‘Maldita pobreza’ al puesto 14, ‘Hoy cobré’ al puesto 15, ‘El mundo es mío’ al puesto 18 y ‘120’ al número 20… y así sucesivamente. Bad Bunny aparece hasta en 18 de las 100 canciones de todo el top 100 entre sus diferentes discos y featurings. Además, este es el primer disco en castellano número 1 en la historia de Estados Unidos, como se publicaba hace unos días.

Eso no impide que la subida más fuerte sea ajena y ‘Hecha pa’ mi’ de Boza asciende del número 34 al 19. O que haya algunas otras entradas en la lista (pocas). ‘La tirita’ de Belén Aguilera y Lola Indigo llega al puesto 45 (sería un top 30 de no ser por todo lo de Bad Bunny que tiene por encima), ‘Bebé’ de Camilo y El Alfa entran en el puesto 47, el viral de Nathy Peluso con Bizarrap en el puesto 48 y ‘Cantares de Navidad’ de Trío Vegabajeño en el puesto 56.

Mención especial para el regreso anual de ‘All I Want for Christmas Is You’ de Mariah Carey, que tras haber sido número 4 en nuestro país y doble platino, re-entra en el número 72 en España mientras amenaza ya con ser el próximo número 1 en Reino Unido este mismo viernes.

Xoel López / Si mi rayo te alcanzara

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Sebas E. Alonso
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Xoel López aparca la guitarra como instrumento principal en un nuevo álbum versátil que quiere suponer un nuevo comienzo tras su «trilogía latina», si bien aún se ve muy impregnado de ella. ‘Si mi rayo te alcanzara’ es un disco que no se entiende sin lo oído en ‘Atlántico‘, ‘Paramales‘ y ‘Sueños y pan‘. Ahí están ‘Tigre de Bengala’, una producción tropical influida por Juan Luis Guerra o esa ‘Dancehall’ que no es estrictamente un «dancehall» sino un canto a «reinas del desierto» y «unicornios» con un punto africanista.

Este «rayo» amenazante de Xoel López tiende una mano al amor y a la luz, no tiene nada que ver con el atormentado de una Christina Rosenvinge, pues en este mundo los errores son «un camino que abrazar», como sugiere la mencionada ‘Tigre de Bengala’. Hay temas de corte más triste, como ‘Joana’, sobre una persona a la que «se le apagó la luz de los pinceles»; o decepcionados por una traición, como la medio rapeada y uptempo canción titular; pero sin dejar excesivo paso a la melancolía. Incluso cuando parece que nos podrá la zozobra, como en la final ‘Pez globo’ junto a Alice Wonder, la música nos anima a salir adelante, espiritual. La mejor canción es la que abre, ‘El destello’, y entre tímidas influencias de Radiohead, el mensaje es claro y optimista: «No me mataste, de modo que me hiciste un hombre nuevo».

Xoel López tiene la modestia suficiente como para compartir la composición con otras personas y su colega y paisano David Quizán ha donado versos y melodías en una mitad del álbum. Un álbum producido además por alguien cercano a Jorge Drexler para muy bien, Carles Campi Campón. Pero ni esta falta de ego aleja ciertas canciones del desconcierto, como ese reiterado «Ábreme tu tesoro» que Xoel y la cantante novel Ede se empeñan en repetir más o menos mil veces sin que termines de adivinar si ‘Alma de oro’ es el single más atrevido y guarro del año, o simplemente el más despistado. También son algo inelegantes la rima entre «como un caballero griego trágico / no eres nada sin tu polvo mágico» de ‘Si mi rayo te alcanzara’ y la de «tú con tu puñal de plata / como una catarataaaaaaaa» de una canción llamada ‘Catarata’. Exabruptos capaces de echarte de composiciones que por melodía parecían medio bien determinadas.

Calificación: 5,5/10
Lo mejor: ‘El destello’, ‘Tigre de Bengala’
Te gustará si te gustan: Rosana, Vetusta Morla, Coldplay
Youtube: audio de ‘Poco a poco’

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