escribe aquí...
Inicio Blog Página 747

The Divine Comedy anuncia su synth-popero nuevo disco y lanza la alegre ‘Queuejumper’

Por
Jordi Bardají
-
3

The Divine Comedy ha anunciado nuevo álbum. ‘Office Politics’, que sucede a ‘Foreverland‘, llega el 7 de junio y Neil Hannon -alma tras el proyecto- te explica su contenido en un curioso correo electrónico ficticio firmado por él como supuesto “jefe de comunicaciones” de una empresa desconocida, probablemente la retratada en la portada del álbum.

Las protagonistas principales de ‘Office Politics’ serán las máquinas. “Máquinas que hacen eso, máquinas que hacen lo otro, máquinas que te estrangulan mientras duermes”, escribe Hannon, aludiendo al “mundo loco” en el que vivimos, aunque lo que termina queriendo decir es que el disco será bastante electrónico, pues está inspirado en el “synth-pop y new-wave” que escuchaba el músico de joven. “Tiene sintetizadores y canciones sobre sintetizadores”, apunta, “pero no entréis en panico: también tiene guitarras, orquestas, acordeones y canciones sobre amor y avaricia”. En su comunicado, Hannon también concreta algunos de los personajes que encontramos en el álbum, entre ellos “Norman y Norma, dos recreadores históricos de Anglia Oriental”; Christine, “quien hace excelentes fotocopias, pero cuyo romance de oficina se ha ido al garete”, y “dos transportistas de muebles” llamados Philip y Steve que dedican parte de su tiempo a componer “música minimalista”, por lo que no pueden ser otros que Glass y Reich, ¿no?

El primer avance de ‘Office Politics’ se llama ‘Queuejumper’ y destaca por su pegadizo estribillo coreado “I jump the queue ‘cause I’m better than you”. El tema parece aludir a otro de los personajes descritos en la nota, el típico “oportunista que se salta todas las colas, molesta a los fiesteros y mataría por una promoción”. Sin embargo, la canción recuerda no a los 80 de la new wave sino que tiene más bien un punto al Paul Simon de ‘Graceland’ o a… ¿’Kokomo’ de The Beach Boys?


Hot Chip presentan el videoclip de ‘Hungry Child’, su nuevo rompepistas

Por
JNSP
-
13

Hot Chip daban rienda suelta a nuestra imaginación tras anunciar varias fechas de directo para esta temporada primavera-verano de 2019: ¿presentarían en esos conciertos nueva música? ¿Tal vez promocionando un nuevo álbum?

Con un teaser de algo menos de medio minuto, los británicos habían anunciado la llegada inminente de algo llamado ‘Hungry Child’, que por fin conocemos es el primer adelanto del nuevo álbum del grupo, ‘A Bath Full of Ecstasy’, que sale el 21 de junio. Estamos ante un rompepistas house bastante claro por parte de Hot Chip, más próximo de hecho a lo que podemos esperar de bandas como Hercules & Love Affair. En Spotify están disponibles la versión original de 6 minutos y la versión “radio edit”, acortada a la mitad. Bajo estas líneas encontraréis el tracklist de 9 pistas de ‘A Bath Full of Ecstasy.

En el adelanto del vídeo de ‘Hungry Child’ se llegaba a escuchar la voz de Alexis Taylor Joe Goddard cantar «Begging like a hungry child…» antes de que uno de los protagonistas del clip dijera «¿Esa canción? ¡Nos está persiguiendo!» Efectivamente, el vídeo narra la historia de una pareja atormentada por una canción que les persigue las 24 horas del día. Es surrealista y dramático a partes iguales.

Recordemos que el último trabajo de estudio del grupo británico fue ‘Why Make Sense?‘, editado en 2015. Desde entonces, sus miembros se han dedicado a sus respectivas carreras en solitario: Alexis Taylor componiendo canciones para ‘Witness‘ de Katy Perry y publicando discos de piano pop como ‘Beautiful Thing‘; y Joe Goddard publicando trabajos de electro-funk-house como ‘Electric Lines‘. Entre las fechas confirmadas por Hot Chip este año están la de Bilbao BBK Live 2019 –donde comparten cartel con The Strokes, Rosalía, Thom Yorke o Suede– y Vida Festival 2019 –junto a Beirut, Sharon Van Etten, Nacho Vegas o Superchunk–. Texto: Raúl Guillén, Jordi Bardají

‘A Bath Full of Ecstasy’:

01 Melody of Love
02 Spell
03 Bath Full of Ecstasy
04 Echo
05 Hungry Child
06 Positive
07 Why Does My Mind
08 Clear Blue Skies
09 No God

Por fin se estrena la película indie revelación de 2018: ‘Eighth Grade’

Por
Joric
-
3

Bo Burnham se hizo famoso como youtuber cuando aún no existían los youtubers. Fue en 2006, en la época en que empezaban a triunfar otros proto-youtubers como Brooke Brodack o Justin Bieber. Armado con una guitarra y un piano, el joven Burnham (empezó con dieciséis años) disparaba canciones humorísticas -«pubescent musical comedy»- cargadas de explosivos discursos satíricos. En poco tiempo dio el salto a los escenarios, grabó tres discos, y creó la serie ‘Zach Stone Is Gonna Be Famous’. En 2013 fichó por Netflix, donde ha estrenado dos de los mejores stand-up de la plataforma: ‘what.’ y ‘Make Happy’.

El año pasado debutó en el cine escribiendo y dirigiendo ‘Eighth Grade’ (disponible en Movistar+). Su presentación en Sundance dejó al público boquiabierto: ¿había rodado un primerizo cómico veinteañero uno de los más certeros retratos sobre la pubertad femenina? La película, que ha estado nominada en todos los premios del cine independiente y en los Globos de Oro (Elsie Fisher, como Mejor actriz), narra una historia aparentemente sencilla y tópica: el día a día de una adolescente acomplejada por su timidez. Parece la típica “coming of age” escrita con caligrafía indie y lista de reproducción ad hoc, pero hay detalles que delatan que detrás de esas imágenes no solo hay oficio, sino también mirada.

Primero, por la edad elegida para el personaje principal: trece años. ‘Eighth Grade’ no es una película de instituto, como suelen ser la mayoría de estos retratos adolescentes, sino de colegio. El horizonte académico y vital de la protagonista no es la universidad, es la high school. De esta manera, el director reivindica la importancia y trascendencia de ese último año escolar antes del paso al instituto, el “octavo grado” del título, frente al muchísimo más tratado del paso a la universidad (la reciente ‘Lady Bird’ sería el último ejemplo).

Segundo, por la capacidad de Burnham para alejarse de los lugares comunes y romper las expectativas del espectador. Una muestra: Kayla, la niña protagonista (fabulosa Elsie Fisher), tiene granos, algunos kilos de más y anda encorvada como si llevara un mochilón invisible en la espalda. Sin embargo, su mayor preocupación no es su cuerpo –que hubiera sido lo más fácil- sino su forma de ser, su inseguridad y timidez. No le angustia tanto estar gorda, como estar callada.

Y, tercero, por el punto de vista escogido. ‘Eighth Grade’ es un retrato adolescente tan sencillo y directo como los vídeos que cuelga la protagonista en Internet (donde, paradójicamente, da consejos sobre cómo manejarse socialmente). La intención del director no es provocar, sermonear, dramatizar o burlarse de las conductas y sentimientos de los adolescentes, sino reflejar sus dudas y temores de manera realista, cercana y compasiva. Tampoco cae en el cliché, muy común, de convertir al inadaptado en un héroe incomprendido, en alguien más inteligente, sensible o interesante que los demás.

‘Eighth Grade’ tiene humor (esos divertidos subrayados musicales cuando aparece el chico que le gusta), emotividad (la relación con su padre) y pinceladas sutiles de crítica social (el bullying, el fomento de la competitividad en la escuela, la obsesión por las redes sociales). Pero sobre todo tiene a un fabuloso personaje femenino, muy bien escrito e interpretado, con quien es imposible no empatizar. Hay dos secuencias paradigmáticas al respecto: la de la fiesta de cumpleaños y la del juego “verdad o reto” en el coche. Solo por el grado de incomodidad que consigue transmitir al espectador, merece la pena ver esta película. 8

Vampire Weekend estrenan ‘This Life’ y ‘Unbearably White’, 2 nuevos temas de su próximo disco

Por
Jordi Bardají
-
2

Vampire Weekend han ido presentando un par de temas nuevos cada mes de cara al lanzamiento de su próximo álbum, ‘Father of the Bride’, el próximo 3 de mayo. Los primeros habían sido ‘Harmony Hall’ y ‘2021’, seguidos más tarde por ‘Sunflower’ con Steve Lacy y ‘Big Blue’. Tres de estos cuatro avances habían generado cierta inquietud entre los fans de Vampire Weekend, pues por su breve duración parecían más bien interludios, sumando 5 minutos en total.

Las últimas dos canciones de ‘Father of the Bride’ que presentan Vampire Weekend ya están disponibles en las plataformas de streaming y se aproximan mucho más al concepto de canción de ‘Harmony Hall’ que al de ‘Big Blue’. En concreto, ‘This Life’ dura 4 minutos y 20 segundos y ‘Unbearably White’ 4 minutos y 40 segundos, por lo que ninguna llega a ser tan larga como ‘Harmony Hall’, que superaba los 5 minutos. Os recordamos que ‘Father of the Bride’ se compondrá de 18 pistas, por lo que parece que su secuencia tendrá una variedad (bastante agradecida) de temas más cortos y más largos.

En cualquier caso, tanto ‘This Life’ como ‘Unbearably White’ presentan varias particularidades. La primera, una canción alegre con guitarras y palmas, incluye en sus créditos a Mark Ronson y al rapero iLoveMakkonen (la letra incluye una frase de su tema ‘Tonight’, informa Pitchfork). Y la segunda, con sus ritmos y cuerdas dramáticas, parece inspirada en el R&B clásico, aunque guarda cierto poso caribeño, por ejemplo en su inclusión de lo que suena como un guiro.


Sigrid / Sucker Punch

Por
Raúl Guillén
-
7

La joven noruega Sigrid estaba llamada por la BBC a ser el “sonido de 2018”. A pesar del EP ‘Raw’ publicado en verano de ese año –la total omisión en este álbum de sus canciones en favor de otras aún más antiguas como su hit ‘Don’t Kill My Vibe’ o la preciosa balada ‘Dynamite’ hacen pensar que se trataba una suerte de “aperitivo” a base de descartes, pese a ser notable–, la promesa pasó de largo. Finalmente ha sido en el tardo invierno de 2019 cuando al fin ‘Sucker Punch’, su álbum debut, ha visto la luz, como si quisiera lanzar un mensaje: la urgencia y la prisa de nuestros días no van con ella. Sigrid Solbakk puede ser muy joven, pero definitivamente no es esclava de su tiempo. Ni sus canciones tampoco.

Por ejemplo, resulta extraño que haya titulado su disco ‘Sucker Punch’: en argot pugilístico, es un golpe rápido que no ves venir. Dentro de la letra de la canción del mismo título que abre el disco tiene sentido, al emplearlo como metáfora de un enamoramiento irrefrenable que te llega cuando menos esperas y deseas, tiene sentido. Pero no como imagen de un gancho instantáneo en el plano musical: pese al palpable esfuerzo (quizá demasiado), la canción no terminaba de ser un primer single demoledor. Y, de forma análoga, el álbum tampoco noquea de primeras.

Esto, que podría parecer un pero, no lo es, puesto que en realidad indica que ‘Sucker Punch’ es un trabajo que va calando poco a poco, ajeno a sonidos de moda, esforzándose por crear una obra que perdure. Así, esta chica nacida en 1996 y de educación musical clásica, apuesta por un pop atemporal en canciones bien estructuradas, con sus intros, versos, pre-estribillos, estribillos y puentes, sin economizar. Así más que a una Julia Michaels, un Khalid o una Lorde (aunque ‘Basic’ y ‘Business Dinners’ sí son como una versión colorida y luminosa de la neozelandesa), más de las veces apunta como referentes no solo a Carly Rae Jepsen (‘Mine Right Now’, ‘Don’t Feel Like Crying’ –vibrante, con ese puente pseudo-rap–) o Robyn (la incombustible ‘Strangers’, ‘Never Mine’), sino también a Alanis Morissette (en el tema titular) o Garbage (que sobrevuelan en toda la producción pese al uso discreto de guitarras). Una búsqueda de la atemporalidad que termina de confirmarse en una balada tan “beatle-esca” como ‘Level Up’.

Sigrid peca en ocasiones de cierta candidez: particularmente en las letras, algo planas en su literalidad, con versos que llegan a ser sonrojantes en ‘Sight of You’, cantando sobre lo estimulante que resulta para ella el apoyo del público entre evidentes ecos de los Coldplay de ‘Viva la Vida’ (esas cuerdas). Aunque no llega a ser tan fallido como ‘In Vain’, el único momento en que se deja llevar por lo contemporáneo, con un final horrorosamente pirotécnico al más puro estilo The Chainsmokers. Y eso que el desgarro baladista de su primera parte apuntaba a momento culminante del disco. Lástima. ¿Para cuándo una de sus subyugantes versiones a piano?

Es el peor momento de un ‘Sucker Punch’ que, trufado de enormes melodías, no descuida la cohesión y no se deja llevar por la actual tendencia de los campamentos de composición (aunque autores del prestigio y éxito de Emily Warren, Joe Janiak o Patrik Berger asoman, Solbakk y su fiel colaborador Martin Sjølie están permanentemente a los mandos). Sigrid no sólo se reivindica en él como intérprete (su potencia vocal es arrolladora y distintiva) sino también como autora pop y, desde luego, tiene toda la intención de perdurar. No fue EL sonido de 2018, no, pero con algo de suerte seguirá con nosotros durante muchos, muchos años. Sigrid presentará ‘Sucker Punch’ en Primavera Sound 2019.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘Strangers’, ‘Don’t Feel Like Crying’, ‘Basic’, ‘Never Mine’, ‘Mine Right Now’, ‘Dynamite’
Te gustará si te gustan: más Carly Rae Jepsen y Robyn que Lorde.
Escúchala: Spotify

Paranormales te gustarán si te gustan… New Order, ‘Drive’, nudozurdo o Lemon Fly

Por
Sebas E. Alonso
-
0

Paranormales es una banda formada en Barcelona en 2016 con una base musical muy definida. Las bandas sonoras de John Carpenter y David Lynch y las referencias de gente como Depeche Mode o Ultravox han definido su sonido, acercándoles a los territorios de M83 o Nightcrawler con la peculiaridad de que sus temas están compuestos en castellano.

A la edición de ‘Belona’ en 2017, donde se contenían temas tan sólidos como ‘Días que acaban’, ‘Desertores’ o ‘Permanecer’, ha sucedido ahora una serie de remixes a cargo de Antoni Maiovvi, Maurizio Baggio AKA DJ Spada, NRZ & SIMØNE y los mexicanos Wolfside para un EP que sale mañana viernes 5 de abril. La idea vuelve a situar en el mapa a la formación, al igual que su selección para el tour Girando Por Salas, que les va a llevar de gira, desde esta misma semana, por Zaragoza, Huesca, Tenerife, Las Palmas, y ya en mayo, Madrid y Salamanca. Las entradas, a 5 euros, están disponibles en Ticketea.

Los fans de Dorian, La Dama se Esconde, la banda sonora de ‘Drive’ o el bajo de New Order han de dar una oportunidad a estas canciones bien construidas que habrían sonado estupendas en ‘La bola de cristal’ o ‘A tope’ pero que no por ello carecen de atemporalidad. De hecho, los punteos lo mismo apuntan hacia The Cure que a The xx o nudozurdo (‘No eras tú’), y los teclados hacia ese tipo de synth-pop que, contra trap y marea, siempre ha mantenido un gran número de fieles seguidores en países como el nuestro o Alemania. Estas son las fechas que les aguardan:

5 DE ABRIL- ZARAGOZA: LA LATA DE BOMBILLAS (Gira GPS)
6 DE ABRIL- HUESCA: EL VEINTIUNO (Gira GPS)
12 DE ABRIL – LA LAGUNA (TENERIFE): ESPACIO CULTURAL AGUERE (Gira GPS)
13 DE ABRIL- LAS PALMAS DE GRAN CANARIA: THE PAPER CLUB (Gira GPS)
16 DE MAYO – MADRID: COSTELLO CLUB (Gira GPS)
17 DE MAYO – SALAMANCA: POTEMKIM (Gira GPS)


Fémina presentan ‘Perlas & Conchas’, su gran salto al pop internacional

Por
Raúl Guillén
-
3

Seguro que muchos de los que os introdujisteis en el especial Sesión de Control del pasado 6 de marzo quedasteis subyugados por la fantástica fotografía interior que ilustraba el artículo. En ella, el trío argentino Fémina parecía emular, en una versión con un punto psicodélico, ‘El nacimiento de Venus’ de Botticelli, aludiendo a la feminidad de la que hace gala también su nombre. Era toda una declaración de intenciones sobre el poder de la femineidad que en cierto modo también contiene el título de su tercer álbum, ‘Perlas & Conchas’ (suponemos que no hace falta explicar el doble sentido que este último vocablo tiene en la lengua argentina). Hoy en JENESAISPOP tenemos la ocasión de estrenar en exclusiva para España este disco al completo, antes de su publicación oficial mañana, 5 de abril.

Fémina está compuesto por las hermanas Sofía y Clara Trucco y su amiga de la infancia Clara Miglioli, originarias de San Martín de los Andes y unidas por su amor al hip hop de los 90. Un eco que se presentaba una fusión con folclore andino en discos como su debut ‘Deshice de mí‘ (2011) y ‘Traspasa‘ (2014), que les valieron una considerable atención no sólo en su país sino también en Estados Unidos, México y Europa, donde han realizado diversas giras. Pero ahora se preparan para dar un gran salto a la esfera internacional del pop con este nuevo trabajo. En palabras del trío: «‘Perlas & Conchas’ es un disco muy importante para nosotras. En este disco nos propusimos unir nuestras mentes creativas al máximo en cada canción y también la unión de nuestras voces, armónica y espiritualmente hablando. Este disco refleja nuestra máxima unión como artistas, como humanas, como mujeres».

Producido por el británico Quantic (seudónimo de Will Holland, siempre interesado en la fusión del folclore latinoamericano con el funk, el soul y el hip hop) en el estudio que este regenta en Nueva York, ‘Perlas & Conchas’, que Fémina recuerdan como un proceso dinámico y cálido: «Recuerdo la última noche en el estudio, nos quedaban unas voces por grabar y también teníamos el último recital en Nueva York. Terminamos el show, volvimos todos al estudio. Mientras grabábamos los últimos coros de la canción ‘Plumas’ fueron llegando amigos: Nicola Cruz, Nicko Demus y más amigos nuestros de acá y de allá. Se llenó el ambiente de calidez y alegría, reflejo fiel del proceso de las dos semanas de grabación junto a Quantic y su equipo».

Así, ‘Perlas & Conchas’ pretende consolidar una propuesta que se mueve en una tesitura próxima a la de proyectos como Dirty Projectors o Ibeyi. Así lo mostraban sus singles previos ‘Brillando‘, la ultrafunky ‘Arriba‘ o ‘Resist’, con la llamativa colaboración de Iggy Pop en una parte vocal. Canciones hasta hoy inéditas que aquí podemos escuchar ya, como ‘Perlas’ o ‘Treparme’, muestran intenciones similares. Si bien ‘Agradezco’ o ‘Somos lo que somos’ acentúan la sensualidad y la parte folk de su propuesta.

Os dejamos con ‘Perlas & Conchas’, cuyo título referencia el proceso a través del cual se crea una perla: una mota de suciedad, atrapada en una concha, se transforma en un objeto maravilloso. Ellas pretenden conseguir lo mismo con su música: partir de situaciones difíciles y turbias para convertirlas en positividad.

La Canción del Día: «¿Por qué nadie se cree que soy activo?» es la pregunta con fondo de The Ballet

Por
Sebas E. Alonso
-
5

Hace un par de semanas se celebraba el Madrid Popfest, dejando un gran concierto, muy divertido, de The Pirouettes; otro muy bailado de Rusos Blancos que ellos mismos denominaron como «garrafonero» en un contexto tan selecto como este («somos los Crystal Fighters de aquí», bromeó Manu); y una rara avis, la presencia de The Ballet en España. Su concierto en formato dúo fue más minimalista, por algo se programó a las ocho de la tarde, pero tuvo el encanto de permitir seguir sus afiladas letras para aquel que quisiera prestarles atención, claro.

Quizá alguien recuerde que en 2013 nuestro colaborador Carlos Úbeda recomendó muy fervientemente el disco de The Ballet ‘I Blame Society‘, en aquel momento apelando a su relación con gente como The Magnetic Fields o The Hidden Cameras, y el proyecto de Greg Goldberg no ha cambiado nada en su nuevo disco. El dúo presentó canciones de ese álbum ya terminado, indicando que hablarán de cosas como Grindr, y por tanto reafirmando la orientación queer del proyecto.

El primer single, que puede oírse desde hace un par de semanas, se llama ‘But I’m a Top’, y es una nueva delicia muy vinculable a los momentos más lo-fi y afables de Stephin Merritt, mientras la letra, divertida pero con mensaje, habla sobre «dejarse barba», «ser indeciso», «parecer una chica por fuera» y «sentirse una chica por dentro». Su estribillo plantea entonces ácidamente: «¿por qué nadie me cree cuando digo que soy activo? Pues soy activo». Goldberg juega así con los roles sexuales, sociales y de género, con alusiones a la plumofobia, la pasivofobia y la transfobia, es decir, sin dar una puntada sin hilo en las cuatro frases que contiene la canción.

Oficialmente, «el narrador de la canción se siente frustrado por las normas y expresa su deseo de ser visto o vista como se ve a sí mismo o a sí misma, una fantasía tan atractiva como imposible». Musicalmente, mientras los teclados se inclinan hacia Magnetic Fields o Casiotone for the Painfully Alone, el punteo es puro indie pop hecho para el Popfest, por la vía de Johnny Marr.

Britney Spears ingresa en un centro de salud mental debido a la enfermedad de su padre

Por
Sebas E. Alonso
-
46

Britney Spears ha ingresado en un centro de salud mental, como ha informado TMZ en exclusiva y ha confirmado ella misma a su manera, dejando un mensaje constructivo en su Instagram en el que habla de la necesidad de dedicarnos tiempo a nosotros mismos y a nuestros problemas.

La cantante ha estado pasando muy malos momentos desde que se conociera la noticia de que su padre sufre una enfermedad en el intestino y en el colon, debido a la cual tuvo que ser ingresado y, según sus propias palabras, casi muere el año pasado. Jamie Spears ha sido operado dos veces, la segunda de las intervenciones es reciente y está sufriendo complicaciones. Britney decidió suspender temporalmente su nueva residencia en Las Vegas para cuidarle y estar con él, como anunciaba hace unos meses.

Ahora, según las fuentes que tiene TMZ, Britney ha decidido ingresar en un centro de salud mental, por su propio pie, hace una semana, y permanecerá allí durante 30 días. Recientemente ‘Baby… One More Time‘, el primer single y el primer disco de Britney cumplieron 20 años, mientras que su último álbum de estudio, ‘Glory‘, fue bien recibido por la crítica a su edición en verano de 2016.

Ver esta publicación en Instagram

We all need to take time for a little "me time." :)

Una publicación compartida de Britney Spears (@britneyspears) el

Miqui Puig & ACP / 15 canciones de amor, barro y motocicletas

Por
Sebas E. Alonso
-
3

Miqui Puig se encuentra lo suficientemente cómodo con la banda con la que firmó ‘Escuela de capataces‘ en 2017, la ACP (Associazione Ciclistica Popolare), como para volver a publicar otro disco con ellos, tan solo 2 años después. Quizá porque Marc Botey, José Robisco, Joan Vergés y Toni Mena le hacen sentir como en casa y puede seguir siendo él mismo como si fuera un solista. No sé si alguien lo notaría si ’15 canciones de amor, barro y motocicletas’ estuviera firmado solo por el autor del fantástico ‘Casualidades’, pero el nuevo álbum es mejor cuando, al margen de la producción vívida pero austera, en él hallamos a Miqui Puig siendo Miqui Puig. Algo que por suerte sucede muy a menudo.

El primer single, ‘Raros’, fue escrito hace una década pero después autocensurado, con un estribillo polémico que no por poco imaginativo es menos pegajoso: «Soy gay, soy nazi, bollera / Soy rojo y gordo, marica». No, no es la mejor canción del disco, ¿pero habría tenido sentido haberla mantenido en un cajón en los tiempos del «odio en las redes» y también de los «ofendiditos»? Puig vuelve a ser «raro» en ‘Karaoke’, uno de los temas en los que se acompaña de un «coro mediterráneo», cuando se sitúa en un karaoke con demasiados tíos («La escena 2 pasa en un karaoke, Beatles contra Stones / Todo ese rollo rock, tan de hombres, que siempre odié»). Y se muestra algo hastiado en la que parece otra de sus canciones confesionales, la playera ‘Chill Out’: «No te negaré que a veces pienso en dejarlo / No te engaño si digo que pienso en ello cada día / Tengo días mejores, tengo días peores / Solo siento que a ti te tocarán los dos».

Su «ganas de nada otra vez, ganas de nada ya ves» es uno de los mejores estribillos de ’15 canciones de amor, barro y motocicletas’, pero por supuesto no el único. Miqui Puig siempre ha sido muy seguidor del buen pop menos masivo de décadas pasadas, y referentes como Marine Girls, Le Mans, Saint Etienne, Jonathan Richman o Makin’ Time se plasman a través de guitarras y arreglos en canciones como la costumbrista ‘Montjuic’ («Hoy pasé por el taller / quería preguntarte / si aún te duele / O solo como a mí / Si bailo mucho o llueve / si nado en el mar»); o la nostálgica ‘Hunos’, que habla sobre el paso del tiempo («Ya no hay chicas en el bar / Ni peleas que contar / No suena el jukebox»).

Pero que el artista se aferre al pasado no significa que no esté enterado del presente y quizá por eso ha dejado al vocoder de Sergio Pérez de Svper contaminar el single ‘Raros’ o embadurnar de Autotune o similar la simpática ‘Graduado’, que alterna las estrofas en castellano («Dicen que no te hago falta / Dicen que es tu propia marca / Dicen que no vas a volver más») con un gancho en inglés («sorry, baby / so so sorry»). Aunque aquí lo más moderno es que el álbum se ha concebido como «una mixtape» con algunas canciones unidas por locuciones (ha participado Carlotta Cossials, entre muchos otros), samples e incorporaciones como la de la canción popular vasca ‘Boga Boga’ en ‘Plum Cake’, un homenaje al padre de Miqui Puig.

Esa condición de «mixtape» perjudica una secuencia en la que encontramos varios baches desde el principio: “Como un robot, como Bruce Lee / él baila así, como un robot” no es el estribillo más carismático de Miqui y ‘Cómic’s’ se hace larguita como pista introductoria; de la misma manera que la parte central del álbum se hace un poco de bola y ‘Tinta’ aturde con un estribillo demasiado explícito («Quita tus manos fascistas de mi miedo»). Por suerte, el final remonta con la jocosa y soul ‘Casino Classic’ («Dadme caos, siempre me funciona bien / presupuesto, para una gran orquesta y coros», bromea); la uptempo y divertida ‘Regolarità’, sobre alguien que miente mal sobre novias suecas; y nada menos que la mejor canción del conjunto como colofón final. Por alucinante que parezca, ‘Doulton’ es una canción de amor tan perfecta, tan llena de melancolía y felicidad, que efectivamente desearás, a través de algún recuerdo aleatorio, que la vida sea siempre como aquel «lunes por la mañana».

Calificación: 6,9/10
Lo mejor: ‘Doulton’, ‘Montjuic’, ‘Hunos’, ‘Chill Out’, ‘Casino Classic’, ‘Raros’
Te gustará si te gusta: Saint Etienne, Le Mans, Marine Girls, el Popcasting de Jaime Cristóbal
Escúchala: Spotify

¿Hay esperanza para lo nuevo de Morissette? La prensa española opina

Por
Sebas E. Alonso
-
71

Alanis Morissette sorprendía hace unos días a sus seguidores publicando una foto que copaba titulares inmediatamente. La prensa destacaba que estaba embarazada de su tercer hijo, algo que confirmaba su representante, pero ahí la verdadera noticia era que la cantante aparecía grabando nueva música para el que ha de ser su primer disco en 7 años, pues ‘Havoc and Bright Lights’ data de un lejano 2012. Especialmente tras la buena aceptación de ‘Still on My Mind’ de Dido, que evidentemente no va a vender millones como sus dos primeros largos, pero ha obtenido un notable de la prensa global y se mantiene en torno al top 10 en Reino Unido casi un mes después de su edición; cabe preguntarse si el público y/o la crítica estarán ahí también para el regreso de Alanis Morissette.

¿Qué tendría que pasar para que así fuera? Hemos querido hablar de este tema con varios periodistas musicales españoles, preguntándoles también cuál fue la última vez que encontraron un tema o un disco realmente relevante en su carrera. Javier Herrero de EFE habla de cómo la llama se fue apagando: «Para todos aquellos a los que «Jagged Little Pill» nos pilló en plena adolescencia, Alanis Morissette se convirtió en un descubrimiento mayúsculo. Era la roquera de nuestro tiempo y su disco, que no tenía un solo relleno, podía casi recitarse del número de veces que lo hicimos sonar. Se convirtió en un símbolo… y a veces es difícil sobreponerse a ellos. El álbum que la descubrió y encumbró no era su debut, ese que te pasas una vida componiendo, sino el tercero. Sin embargo, todas las expectativas puestas en su talento como autora se diluyeron casi igual de rápido. Del siguiente álbum, ‘Supposed Former Infatuation Junkie’ (probablemente uno de los peores títulos de la historia de la música), solo recuerdo ‘Thank U’ como testimonio relevante y del siguiente, ‘Under Rug Swept’, el tema ‘Hands Clean’. Alanis se descafeinaba a medida que se peinaba. Ya no era la chica que «would go down on you in a theatre», hasta el punto que lo más destacable de esa conversión fue su colaboración para la película ‘El demonio viste de Prada’ (lo cual ya es un WTF), con una buena versión del ‘Crazy’ de Seal que, por otro lado, no nos hacía olvidar el original. Lo mejor de la Morissette de los últimos años fue la gira de aniversario de ‘Jagged Little Pill’, ocasión perdida de volver a ponerse en el mapa con material inédito relevante… ¡y el tour encima ni pasó por España!».

Agustín Gómez Cascales de Shangay también se muestra, en principio, pesimista: «A estas alturas, me temo que solo a los muy devotos les puede interesar ya de primeras algo nuevo de Alanis. A mí de primeras no me llama nada, aunque estoy abierto a sorpresas. Los millennials, desde luego, me temo que tendrán interés cero en ver qué puede proponer Morissette. Reconozco que me da algo de pena». En cuanto al último tema que rescata de su carrera, es remoto, con una excepción: «‘Thank U’ fue lo último suyo que escuché con interés… Y de eso hace 21 años, que se dice pronto. Pero también es cierto que en su día me tropecé, por casualidad, y porque el título me llamó la atención, con ‘Will You Be My Girlfriend’ (de ‘Havoc and Bright Lights’, 2012), y me sorprendió su delicadeza y atemporalidad, y pensé, «Mira, la Alanis»».

Toni Castarnado de Mondosonoro y autor del libro ‘Ellas cantan, Ellas hablan‘, comenta la llegada a ese último disco de Alanis: «El último disco con intención de Alanis fue ‘So-Called Chaos’ (2004). Tras navegar por las aguas de lo acústico, con el biográfico ‘Under Rug Swept’ (2002), volvía al buen cauce con una serie de canciones eficaces sin querer demostrar o aparentar nada que ya no era y, sin el vértigo del éxito. En ‘Flavors of Entanglement’ (2008), le pudo la ansiedad en un intento desesperado por recuperar el tiempo perdido. Por tanto ‘So-Called Chaos’ es su gran última pesquisa, si bien de eso hace la friolera de 15 años».

«Su caso y el de Sheryl Crow pertenecen a una época, a un momento. Cuesta separarlas de aquello, con lo cual este se presenta como el mayor reto de su carrera»

A su vez, a Castarnado le «cuesta imaginar a la Alanis de 2019»: «No lo tiene fácil, los millones de copias de ‘Jagged Little Pill’ la avalan, todavía la queda crédito. Quizás ha tardado tanto en publicar por el miedo a no dar con la tecla, a sonar desfasada. Pero si vuelve y más aún tras tanto tiempo, es porque la carta que ella esconde es ganadora. Otra cosa es que nos seduzca y también saber a qué sector de público puede llegar o dirigirse. Su caso y el de Sheryl Crow pertenecen a una época, a un momento. Cuesta separarlas de aquello, con lo cual este se presenta como el mayor reto de su carrera. Si sale victoriosa, entonces nos creeremos que sí representa al Gran Poder, como en la película ‘Dogma’ de Kevin Smith». Cascales también decide darle un voto de confianza: «Al final, le tengo cierto cariño, porque admiro a esos artistas que se sobreponen al éxito global sin darle mayor importancia y siguen a lo suyo, sin molestarse por mantenerse en lo alto a toda costa. Y, lógicamente, la admiro por haber parido un primer disco tan deslumbrante como ‘Jagged Little Pill’, cuya grandeza, para mí, no ha hecho sino crecer. Ahora, al reflexionar sobre ella, he pensado que igual sí me interesa ver con qué regresa. ¡Pues mira, igual no soy el único!».

Finalmente, nuestro comité de expertos también ha querido incluir a alguno de los usuarios que han participado a pesar de los años de sequía y de que realmente no había mucho que comentar, en nuestro foro de Alanis. El usuario acrOlyu afirma que ‘Flavors of Entanglement’ le «encanta entero» y es uno de sus «discos favoritos de ella», destacando el tema ‘Not As We’. Continúa: «Su último álbum me pareció bastante flojo, salvo ‘Guardian’, que me encanta, es un temazo. Pero espero que vaya por la línea experimental, electrónica y armoniosa de ‘Flavors of Entanglement’.




«El físico importa» también a los millennials: así ha cuidado Billie Eilish la caja de su debut

Por
Sebas E. Alonso
-
25

Ayer se publicó el informe anual de la música española correspondiente a 2018 dejando como conclusiones que cada vez se compran menos CD’s y cada vez se consume más la música a través del streaming. Un usuario nos comentaba rápidamente en Facebook: «La gente joven pasa de comprar nada físico y casi nada digital. Las ventas se sustentan a base de viejas glorias que aún compramos físico de nuestros artistas de antaño».

Cierto, y ahí está el caso de C. Tangana, que aún no ha editado ni va a editar ‘Ídolo’ en formato físico. Pero hay excepciones y una de ellas se está viviendo a lo grande a través de la cantante Billie Eilish, de 17 años de edad. Ha publicado ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?‘ esta semana y, aunque su fuerte se supone el streaming, y de hecho su nuevo single ‘Bad Guy’ es top 1 en el global de Spotify desde que salió, Eilish ha cuidado al máximo la caja física del álbum.

Existe una caja especial del álbum que además del CD incluye postales, un póster y tatuajes, disponible por unos 28 euros; y después hay una caja más deluxe todavía que además de todo lo anterior incluye un gorro verde, unos cordones del mismo color y unas hojas para escribir. Esta otra caja tiene un precio aproximado de 61 euros. El digipack que va dentro además incluye las letras del álbum. En su consecuencia, ‘WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?’ va a ser número 1 directo en Reino Unido y Estados Unidos de manera muy holgada. Y no va a serlo solo por los puntos de streaming. Según Hits Daily Double, de las 275.000 copias vendidas previstas para la primera semana en Estados Unidos, la mayoría (150.000) proviene en este caso de la venta real de copias, no de puntos de streaming o descargas. Una proporción totalmente inusual incluso superior al 50%, como prueba un vistazo al que va a ser el top 2. Esta semana ‘thank u, next’ de Ariana Grande venderá lo equivalente a 55.000 unidades pero solo 5.000 de ellas (un 10%), serán ventas reales. Parece que los millennials sí compran discos: tan solo has de poner algo dentro que les interese…

Que se aparten McCartney, Peter Hook, Flea y Sting: llega Pablo Casado al bajo

Por
Sebas E. Alonso
-
33

Pablo Casado fue anoche el invitado de El Hormiguero de Antena 3, donde habló, con lo que en El Mundo han denominado como una perpetua «sonrisa Profident», sobre cuestiones como Cataluña, el aborto, sus estudios o VOX, de quienes dijo indirectamente que hacían «política de barra de bar», como en otras ocasiones.

Mientras era noticia la playlist oficial de campaña del PSOE, con estratégicos temas sobre la derecha de Zahara, Carolina Durante o Novedades Carminha, la entrevista de Pablo Motos al secretario general del Partido Popular también tuvo su momento musical. Sucedió cuando salió en la conversación que Pablo Casado estuvo 8 años estudiando en el Conservatorio, guitarra española por supuesto, y que a veces toca en eventos familiares porque su hermano toca en un grupo (¿link?). Ahí el programa le tenía una sorpresa preparada: Pablo 1 le sacó un bajo a Pablo 2 para tocar algo que el presentador rebautizó como «Uptown Down» y que no era otra cosa que ‘Uptown Funk’, el macrohit de Mark Ronson junto a Bruno Mars, la canción más exitosa del globo hace unos años y que, lo habéis adivinado, es muy «funk» y nunca un «down».

Sin vocalista presente en la banda del programa, Casado no titubeó e hizo alarde de sus cualidades de liderazgo al situarse en el centro del escenario, si bien pronto le poseyó bailando todo el carisma de un pato mareao, quizá a sabiendas de que, por muy ensayado que lo tuviera, la cosa no iba hacia ningún lado con ese repicar de las mismas notas en bucle. A medida que la canción buscaba su cénit, su participación se ahogaba y James Jamerson se revolvía en su tumba. A su favor, reconoció la marca del instrumento, identificándolo como «un Fender», dejando raudo estas declaraciones para la posteridad: «Esto toca solo. Joder, macho, qué bueno, tío».

Niño de Elche presenta ‘El muermo’, el primer adelanto de su nuevo disco ‘Colombiana’

Por
Jordi Bardají
-
3

Niño de Elche ha presentado este mediodía en el programa de Siglo 21 de Radio 3 el primer adelanto de su nuevo disco producido por Eblis Alvárez de Meridian Brothers, ‘Colombiana’. Puedes escuchar el tema en el podcast de Siglo 21, a partir del minuto 30.35.

‘El muermo’ se basa en un texto del fallecido poeta catalán Jordi Pope que Francisco Contreras Molina, ha explicado en Instagram, aprendió hace tiempo gracias a su amigo, el también poeta David Castillo. “El muermo” dice, es “el sídrome de abstinencia” presente en un disco que “trata sobre las drogas, las especias, la esclavitud o la economía de mercado”. Estamos en cualquier caso ante un tema crudo, con palmas y percusiones selváticas, que promete fascinar y asustar a partes iguales.

Sobre ‘Colombiana’, cuya fecha de lanzamiento se desconoce por el momento, el experto en flamenco Pedro G. Romero, que ya trabajó con Niño de Elche ‘Antología del cante flamenco heterodoxo‘, ha declarado: “Todo el flamenco es un cante de ida y vuelta. No solo guajiras o milongas, también la soleá y la seguiriya. Romances, cabales, peteneras y pregones en el ancho Caribe afro-andaluz. Y el fandango, por supuesto. Este viaje es el mismo que hicieron el azúcar, el café, el cacao, el ron de caña y también la cocaína, la ayahuasca o el LSD. Este viaje se fue interrumpiendo, entre 1810 y 1898 fue desacelerándose esa relación y salió el flamenco, tal y como lo conocemos hoy día. En COLOMBIANA lo que hace NIÑO DE ELCHE es intentar dar continuidad a esa relación tan fluida, tan fructífera, tan floreciente. No se trata de arqueología esta vez, es más bien un disco de anticipación. Se atisba aquí el flamenco que viene”.

10 regresos milagrosos que ha dejado 2019 (por ahora)

Por
Jordi Bardají
-
8

2019 solo acaba de empezar pero el año ya nos ha regalado varios regresos musicales que solo podemos considerar milagrosos, habidas las noticias que nos han dejado la mayoría de estos artistas en los últimos años. Estos son 10 de ellos.

La Casa Azul

“La gran espera” ha sido tal suplicio que merece una cronología. Y es que parece mentira pero pasaron dos años casi completos desde el lanzamiento de ‘Podría ser peor’ en noviembre de 2016 hasta el lanzamiento de ‘Nunca nadie pudo volar’ en septiembre de 2018 (antes llegaron ‘El momento’ y ‘A T A R A X I A’, en enero y junio, respectivamente). En todo este tiempo, Guille Milkyway siguió trabajando en un disco que llegó a desechar varias veces y fue profesor de Operación Triunfo (en todo 2017 no hubo música nueva de La Casa Azul, aunque sí se presentaron varios temas nuevos en directo). El 29 de enero llegó el milagro y Milkyway anunció la llegada de ‘La gran esfera’ para el 22 de marzo. El álbum no ha decepcionado, pero se ha hecho esperar lo que no está escrito.

Dido

Dido suele tardar bastante en sacar disco, un lustro de media. Sin embargo, su regreso en 2019 con ‘Still on My Mind‘ ha sorprendido por varias razones. En primer lugar, la británica viene de enlazar dos fracasos comerciales como fueron ‘Girl Who Got Away’ en 2013 y ‘Safe Trip Home’ en 2008, que en ambos casos se quedaron a años luz de lograr las cifras multimillonarias de ‘Life for Rent’ (2003) y ‘No Angel’ (1999). Por otro lado, Dido ha querido volver a lo grande y no solo lo ha hecho con un disco que está muy bien, y que, por cierto, se mantiene aún próximo al top 10 de álbumes más vendidos en UK, sino que además ha anunciado su primera gira en 15 años para presentarlo. No pasará por España pero la noticia ya es chocante de por sí.

The Rapture y Gossip vuelven para tocar

The Rapture anunciaron su separación en 2014 y Gossip -o más bien Beth Ditto- en 2016. Es habitual en el pop que una banda se separe y después se reúna y en este caso ambas formaciones no regresan a la industria musical con nuevo material sino para realizar una serie de conciertos, en el primer caso por Estados Unidos y en el segundo sobre todo por Europa. La propia Beth Ditto sacó disco sola en 2017, por lo que ausente de nuestras vidas no ha estado.

Russian Red

Se sabía que Lourdes Hernández, ya afincada en Los Ángeles, seguía componiendo, pero con motivo de los 10 años de ‘I Love Your Glasses’, la cantautora declaraba que lo hacía a su ritmo y sin presiones, por lo que la idea de un álbum concreto no podía parecer más lejana hasta que, hace unas semanas, Hernández confirmaba que sí, que se encontraba trabajando en el sucesor de ‘Agent Cooper’. Incluso detallaba parte de su concepto: “Mi intención es que el álbum capture la nostalgia infinita de la que he sido incapaz de escapar desde que nací”.

Sky Ferreira

El regreso de Sky Ferreira a la actualidad musical da sentido a este artículo. El debut de Ferreira, ‘Night Time, My Time‘, que ya se hizo de rogar en su momento, salió en 2013, pero los años posteriores a este han sido un infierno mayor si cabe para sus fans, con promesas de nueva música que jamás se han cumplido desperdigadas a lo largo de varios años. ‘Masochism’ se esperaba en principio para verano de 2016, pero Ferreira seguía insistiendo en que este álbum “saldría pronto” en invierno de 2017. A principios de 2018 hubo falsa alarma: Ferreira anunció un EP que jamás vio la luz, y otro año pasó sin noticias de este disco. Ya en 2019, Ferreira ha lanzado su primer single oficial en mucho tiempo, un ‘Downhill Lullaby’ que ha dividido a la redacción, pero que muestra a una artista en control total de su arte. Eso sí, el disco sigue sin estar terminado.

Azealia Banks

La inclusión de Azealia Banks en el artículo tiene un poco de trampa, pues la rapera ha solido publicar nuevo material con frecuencia en los años posteriores al lanzamiento de su debut, ‘Broke with Expensive Taste‘, a finales de 2014. Un álbum que también se hizo esperar lo suyo, pues conocíamos ‘212’ desde 2011. Por ejemplo, en 2015 sacó un tema, en 2016 un EP y entre 2017 y 2018 varios singles, entre ellos ‘Anna Wintour’. Hubo un momento en que pareció que ‘Fantasea Two: The Second Wave’ iba a materializarse por fin aquel año, pero por lo que puede leerse en foros, parece que Banks se centra ahora en su segundo álbum oficial, ‘Business and Pleasure’. Así que en otro pequeño milagro en su carrera, Banks vuelve… otra vez y lanza nuevo single el 19 de abril, un ‘Playhouse’ que tiene a sus fans en vilo precisamente desde 2016, cuando Banks la mostró en vivo durante una transmisión por Periscope.

Ver esta publicación en Instagram

PLAYHOUSE – 4.19.19 (OFFICIAL SINGLE COVER)

Una publicación compartida de CHEAPYXO LLC (@cheapyxousa) el

Ladytron

Como La Casa Azul y Robyn (que no está en este artículo porque su disco salió el año pasado), el nuevo álbum de Ladytron ha llegado 8 añazos después del anterior, ‘Gravity the Seducer‘ (o si somos más justos, 6 o 7, pues nadie espera que un artista saque disco justo cuando acaba de publicar uno… a menos que esa artista sea Ariana Grande). En este caso, ‘Ladytron’ ha sido posible gracias al crowd-funding de los fans de la banda y ha dejado temas certeros como ‘Until the Fire’ o ‘The Island’. Ya sin clásicos entre manos como ‘Seventeen’ o ‘Playgirl’, el “comeback” de Ladytron ha pasado totalmente desapercibido y el álbum puede considerarse un regalo para fans, pero que uno de los grupos alternativos más influyentes de la pasada década (cabe recordar que llegaron a trabajar con Christina Aguilera) vuelva con nuevo álbum siempre es una buena noticia.

Los Nikis

Con el éxito actual de Carolina Durante, que publican su esperadísimo debut a finales de este mes, Los Nikis -una de las grandes influencias de Diego Ibáñez y compañía- han visto el momento perfecto para volver aunque sea con un EP de 4 canciones llamado ‘Menos de lo mismo‘. En su caso, hacía 20 años desde que lanzaran su anterior trabajo, el autogestionado y precisamente titulado ‘Más de lo mismo’.

Beth Gibbons

Otro nombre con trampa, pues el milagro es que volviera Portishead, aunque su regreso no está descartado. De momento, la vuelta de Gibbons en solitario también es una sorpresa, pues la británica no publica material sola desde 2002, aunque en este caso el proyecto en cuestión sea un directo orquestal grabado… en 2014.

María Villar, entre el jurado del nuevo concurso cazatalentos de El Bloque

Por
Jordi Bardají
-
0

Después de las semifinales de Bala Perduda, el concurso cazatalentos de la Sala Apolo de Barcelona, que celebra su final definitiva el próximo jueves 25 de abril, llega un concurso hermano llamado VXLX P€RDVDX El Bloque, como el programa de entrevistas de música urbana de la sala 3 de Apolo, en el que participarán artistas y bandas seleccionadas por el equipo de este mismo espacio.

Como en su concurso hermano, el sistema de VXLX P€RDVDX El Bloque se basará en los votos de un jurado y del público para determinar el artista o grupo ganador, que se hará con la oportunidad de actuar en Primavera Sound, en la Sala Apolo y en el Music Box de Lisboa y ganará un contrato de distribución + grabación de un single con La Cúpula. Además, el artista o grupo ganador será entrevistado en El Bloque y en el programa Feeel de BTV.

Entre las personas del jurado se encuentra María Villar, concursante de Operación Triunfo 2018, así como Fabiani de Agorazein, Genis Pena de Primavera y Bolsillos Llenos Booking y Aïda Camprubí de Apolo y de Feeel. El evento, al que podrás acceder por un precio de 3 euros la entrada, tendrá lugar el 4 de abril a las 21.00 horas en el espacio de Abaixadors10 en el Born, y avisamos que el aforo será reducido, de unas 150 personas. Más información, en el evento de Facebook.

Los artistas confirmados en VXLX P€RDVDX El Bloque son Pablo Plata (foto), Angelica Faith, Lucky Boy, Kristy V, Abhir Hauthi, Indie Assault, Ninhomalo, Blkswwn, Sosa Monfrère, Jess C y Kenya Racaile.










Apparat / LP5

Por
Sebas E. Alonso
-
5

Hay artistas que no han surgido porque necesiten el reconocimiento del público, para darse baños de masas, para hacerse cuanto más millonarios mejor. En el último lustro hemos visto a Moderat, el conjunto formado por Apparat y Modeselektor, dar un enorme salto de popularidad gracias a la edición de ‘III‘ y a su gira de presentación, en la que actuaron frente a cientos de miles de personas. Y sin embargo, el grupo anunciaba su separación indefinida justo cuando estaba a punto de convertirse en una banda digna de encabezar macrofestivales. En su regreso a su proyecto personal, el hombre detrás de Apparat, Sascha Ring, ha decidido actuar en contraste, aliviado por la falta de obligación de «tener que escribir grandes himnos de pop» en este proyecto. En su lugar, ha preferido sumergirse «en los detalles y en las estructuras».

No hay por tanto especial influencia tampoco del pelotazo dado por Apparat al colocar la preciosa y accesible ‘Goodbye’ como sintonía de la excelente serie alemana ‘Dark’, uno de los descubrimientos de Netflix de los últimos años. En su nuevo disco, titulado secamente ‘LP5’, el sucesor de ‘The Devil’s Walk’ (2011) y la adaptación de la banda sonora de ‘Guerra y paz’ que hizo en 2013, deja por supuesto momentos hermosos perfectos para la introversión y la reflexión, pero no ha buscado tanto lo inmediato como en otras ocasiones.

Lo abstracto de sus nuevas intenciones se evidencia en el desenlace de este álbum. Tras una especie de interludio a piano que luego se pasa al ambient, ‘EQ_BREAK’, aparece la penúltima canción del disco. ‘OUTLIER’ se abre como una balada también a piano que parece que va a ser un instrumental tipo banda sonora, pero después evoluciona hacia otra cosa con la incorporación de un sintetizador (si no un órgano de iglesia), la toma vocal y finalmente el regreso a la paz con la tímida incorporación de una guitarra. Y la variedad es aún más radical en la pista final del álbum. ‘IN GRAVITAS’, que comienza también «en pequeño», introduce por sorpresa beats completamente bailables 2 minutos después, pero al final culmina con un «spoken word» robótico y repetitivo de corte sociopolítico, con frases como «estatuas se erigen dedicadas a nadie que haya sido elegido» o «el proceso revela todo su falso sentido».

Inmediatamente antes de estas tres canciones, en cambio, encontramos al Apparat más llano. Más incluso que en el single ‘DAWAN’, que con su puntito de drum&bass noventero incluso es algo que podría haber cantado Dido en sus inicios; la canción llamada ‘CARONTE’ es la típica grabación de Sascha Ring que piensas que podría haber pertenecido al repertorio reciente de Radiohead (pienso en concreto en ‘Burn the Witch’). Guiada por el chelo de Philip Thimm, elaborando el leit motiv de la composición à la Owen Pallett, incorpora luego un delicado trabajo de sintetizadores, cuerdas y guitarras, sonando definitivamente pastoral.

De la misma manera que la letra de esta canción no es muy clara en su sentencia «el secreto es esconderse en silencio / el secreto es mi violencia interior»; tampoco lo es el destino de un álbum que no termina de decidirse en sus ambiciones. Es muy lícito que Apparat haya querido centrarse en detalles, pero tampoco aporta demasiado en cuanto a texturas ni termina de decirnos algo que no hubiera dicho antes. Es como si en su afán por componer liberado de la -minúscula- presión comercial de Moderat, se hubiera olvidado también de aportar algo nuevo a su discurso en su primer disco de estudio en 8 años. En ese sentido, el antitítulo dado al álbum no es buena señal porque ‘LP5’ no es indicativo de nada concreto ni específico de esta obra, salvo que estamos ante el 5º álbum de Apparat. Por suerte, eso sí, su excelente gusto para producir discos a medio camino entre lo orgánico y lo sintético, no se ha marchado a ningún lado.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘CARONTE’, ‘DAWAN’, ‘HEROIST’
Te gustará si te gusta: Radiohead, Aphex Twin, The Postal Service, James Blake
Escúchalo: Spotify

Sesión de Control: Evripidis, Hidrogenesse, Los Ganglios, McEnroe, Kuve, Kaydy Cain…

Por
Raúl Guillén
-
3

Nueva edición de nuestra Sesión de Control, sección dedicada a repasar las novedades más destacadas del panorama alternativo de nuestro país y Latinamérica. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Podéis encontrarla al final del artículo. [Foto interior: portada de ‘Mia Triti stin Cantina’ de Evripidis and his Tragedies; foto exterior: Hidrogenesse.]

En el último par de semanas parece haberse incrementado la ya de por sí agitada actividad de la escena independiente con un buen puñado de nuevos álbumes que detallamos. Tras el llamativo single ‘Raros‘ y una pequeña demora, por fin veía la luz en El Segell del Primavera ’15 canciones de amor, barro y motocicletas’, el segundo trabajo de Miqui Puig con su actual banda, ACP, dando continuidad a ‘Escuela de capataces’. También han lanzado álbum estos días Jose Domingo, figura del rock psicodélico con un punto de folclore que nos maravillara hace un lustro con ‘Almería’. En ‘Mientras Dios no mira’ cuenta con la colaboración de Maria Rodés.

Otros que incorporan un matiz de folclore patrio a su propuesta son Crudo Pimento: Raúl Frutos e Inma Gómez presentan una apuesta arriesgada en ‘Pantame’, disco grabado en Nueva York a las órdenes de Marco Bucelli, colaborador de Xénia Rubinos (que se deja caer por el álbum). Y, siguiendo en el punto más bizarro del pop español, Los Ganglios han lanzado ‘Leyenda negra’, un disco doble (aunque en realidad dura 34 minutos) que de nuevo ha sido financiado con crowdfunding. Como es habitual de ellos, no se casan con nadie, pasando del tecnopop freak de ‘Sailor Moon’ al tecnoska de ‘Passeig de Gràcia’, pasando por el punkcore de ‘Leyenda negra del deporte’. Y ya que hablamos de autogestión, Kaydy Cain (ex-Pxxr Gvng) parece haber abandonado la plataforma La Vendicion Records para autoeditar su nuevo disco, ‘Lo mejor de lo peor’, reforzándose como la voz más constante en el reggaeton español.

Y aún hay más. Los hermanos argentinos José y Juan López Portillo, establecidos en Barcelona, forman Deco Pilot, proyecto que acaba de publicar su segundo trabajo, ‘Fishing in Mirrors’, un disco de pop revestido de electrónica que no renuncia a las guitarras. Además, dos mujeres, Maryan Frutos (al frente de Kuve) y Mireia Vilar, lanzan respectivamente ‘Castillos de fuego’ –su tercer largo tras ‘Kuve 3.0’, con el que busca consolidarse comercialmente en sintonía con proyectos como Dorian y Zahara– y ‘La plaga’ –segundo trabajo de la valenciana, una audaz experimentadora con visión pop, que se sitúa a medio camino de Jessy Lanza y los primeros Mecano–. Por último, en el apartado de largos, destacamos que David Lopez, el A&R que apadrinó el fichaje de Los Planetas por RCA y que después fundó el sello indie Limbo Starr, ha regresado a la música como autor e intérprete: el ex-Kebrantas ha publicado ‘El espejo’, primer disco de su proyecto personal Da Loma, en el que ha contado con la colaboración de miembros de Ornamento y Delito y Purr.

Cerramos este Sesión de Control subrayando algunos singles muy destacables. Mientras Hidrogenesse presentaban días atrás ‘Brujerías jotas’, tercer adelanto de ‘Joterías bobas’ (álbum que llega el próximo mes de mayo), McEnroe lanzaban ‘Cerezas’, el primer single de ‘La distancia’. El 26 de abril ve la luz este sexto disco de estudio, como siempre en Subterfuge Records. Otro que adelanta nuevo trabajo es el griego afincado en Barcelona Evripidis Sabatis, con una relativa sorpresa: ‘Mia Triti stin Cantina’, a publicar el 22 de abril, será el primer disco de Evripidis and his Tragedies interpretado íntegramente en su lengua natal. Y, finalmente, dos debuts que se avecinan: el de los sevillanos Terry vs. Tori (‘Braille’, su primer avance, fue estrenado por la prestigiosa web indie Gorilla vs Bear) y el de ORTIGA, proyecto personal acometido por O Chicho Do Funk tras la disolución de Esteban & Manuel, producida tan a hurtadillas que bien podría haber cabido en este especial sobre bandas que se habían separado “a la francesa”. Este, por cierto, será telonero de Novedades Carminha este viernes, 5 de abril, en La Riviera de Madrid.

La Canción Del Día: ‘Paralysed’ de Nilüfer Yanya no se «paraliza» del todo por la ansiedad

Por
Jordi Bardají
-
6

Debe ser el tono de su guitarra, el modo en que sus canciones se fusionan con otros estilos como el jazz, o su carismática voz que a algunos recuerda a Sade y a otros a Astrud Gilberto, pero la británica Nilüfer Yanya se ha sacado de la manga un disco de rock realmente sólido y personal, en el que todas las cualidades que eran aparentes en singles previos, han terminado de redondearse en una serie de canciones estupendas, como ‘In Your Head’ o esta ‘Paralysed’ en la que nos detenemos.

‘Paralysed’ es una de las canciones de ‘Miss Universe’ que mejor representa la ajustada fusión de estilos que maneja Yanya, pues aunque no podría ser más guitarrera, también deja ecos easy-listening e incluso funky en sus melodías y ritmos. Es como una canción de smooth jazz traducida al lenguaje del rock de guitarras, elevada además con un muy buen estribillo que, en modo pregunta / respuesta o a la manera de un diálogo entre Yanya y su guitarra, no podría estar mejor construido desde la contención y también desde una despejada visión muy pop.

Producida por Will Archer, que ha trabajado con Jessie Ware (y no es difícil imaginar a la autora de ‘Devotion‘ interpretando esta canción en su estilo), ‘Paralysed’ también es reflejo de uno de los temas centrales de ‘Miss Universe’, la ansiedad. En ella, Yanya habla de “sueños extraños” que le han “enseñado una lección”, “gritos desgarrados desde el cielo que cantan “sálvame”” o “sombras que bloquean la luz”. La artista está “paralizada” por su ansiedad, pero ‘Paralysed’ suena relajada. Es ese contraste entre la tensión de la letra y la despreocupada música la que termina conformando uno de los momentos clave de ‘Miss Universe’.

El alcalde de Valladolid también desvela el caché de C. Tangana

Por
Jordi Bardají
-
23

Por si no fueran suficientemente incómodas las preguntas de David Broncano en La Resistencia sobre el dinero de sus invitados, el alcalde de Valladolid Oscar Puente está sacudiendo Twitter al revelar -cuando le preguntan- el caché de los artistas que han actuado o ha intentado que actúen en la ciudad sin ningún tapujo, amparándose en la “absoluta transparencia” que debería caracterizar a cualquier cargo político.

Después de revelar el supuesto caché de Rosalía, que esta ha negado rotundamente, Puente ha hecho público el caché solicitado por C. Tangana por su actuación el pasado 5 de septiembre en la Plaza Mayor durante las fiestas de la Virgen de San Lorenzo. De nuevo, ha sido un tuitero quien ha pedido al alcalde esta información y este se la ha facilitado sin miramientos: “25.000 euros más IVA”. C. Tangana, que se encuentra actualmente de gira por América Latina, no se ha pronunciado al respecto.

Este fin de semana, Puente copaba titulares al asegurar que Rosalía había exigido 500.000 euros para actuar en Valladolid. La autora de ‘El mal querer’ afirmaba en Twitter que la cifra “está lejos de ser verdad”, pero Puente insistía: “Su agente nos dijo, después de tenernos 2 meses esperando, que empezarían a hablar con nosotros a partir de 500.000 euros. No decimos que el cache de Rosalía sea alto o bajo, ni criticamos lo que pide. Simplemente decimos que no podemos pagarlo”.

Let’s Eat Grandma cancelan su gira americana al morir el novio de Jenny Hollingworth

Por
Sebas E. Alonso
-
1

Let’s Eat Grandma, autoras de uno de los mejores discos de 2018, ‘I’m All Ears‘, han decidido cancelar su gira americana al haber fallecido Billy, el novio de una de sus dos integrantes, en concreto, Jenny Hollingworth. Así se ha expresado ella en un comunicado emitido a través de las redes sociales: «Billy no solo era mi novio sino mi mejor amigo, quien inspiraba todo lo que hago, y estoy devastada por haberle perdido», ha dicho Hollingworth, co-autora junto a su compañera Rosa Walton de todo el repertorio de la banda.

De sus palabras se deduce que Billy estaba enfermo, pues indica que, aunque este «llevaba sufriendo semanas y meses», él quería que el grupo fuera y actuara en Coachella, pues le hacía mucha ilusión «ir a las inmediaciones de Los Ángeles para conocer gente con la que poder trabajar». Let’s Eat Grandma respetarán su voluntad y actuarán en abril en Coachella, pero cancelarán el resto de fechas en Nueva York, Chicago, Filadelfia, etcétera.

Aparentemente el grupo retomará su gira el próximo mes de junio en Europa, donde les esperan países como Portugal, Finlandia o Inglaterra según el calendario recopilado por Pitchfork.

El informe de la industria musical española de 2018 en 5 claves

Por
Sebas E. Alonso
-
18

Hoy Promusicae publica el informe anual sobre la industria musical española correspondiente al ejercicio 2018, dejando buenas y malas noticias para el sector. La buena es que el texto es optimista sobre la recuperación económica, dejando atrás los victimismos del pasado. La mala es que los datos no son nada impresionantes y España continúa lejos de ser uno de los 7 mercados clave para la industria global, como lo fue antes de la piratería y del streaming. Parece que seguiremos rondando el top 13 a la altura de un país mucho más pequeño como es Suecia. Pasamos a analizar los datos en 5 puntos.

La recaudación por música grabada sube… pero muy poco

La industria musical española ingresó 237,2 millones de euros en 2018. Se trata de una buena noticia, puesto que en 2017 se ingresaron 231,7 millones, y por tanto esto supone una subida de un 2,4%. Sin embargo, la gráfica realizada por Promusicae muestra muy claramente que la recuperación de la industria musical es muy tibia y paulatina. Los días de gloria de 2001, en torno a los 700 millones de euros de facturación anual, son simplemente imposibles de alcanzar si cada año simplemente recuperamos 6 millones en ingresos respecto al anterior. De hecho, el citado aumento del 2% está muy lejos del 10% de subida que se ha producido en 2018 a nivel mundial. De nuevo, España no está siendo precisamente pionera en pagar por el consumo de música, ni siquiera en Spotify o Apple Music.

El streaming de pago es lo que sigue salvando los muebles

De los 237 millones recaudados, 169 millones (71,2%) proviene del área digital, lo que constituye un récord. La industria musical española fue perdiendo fuelle, cuesta abajo y sin frenos, desde 2001 a 2014. Sólo a partir de este año hubo cierta recuperación por el asentamiento del streaming. En España hay ya 2,3 millones de suscriptores de pago a Amazon Music Unlimited, Apple Music, Deezer, Spotify, YouTube Music o Tidal, y eso genera 115,3 millones al sector. Sin embargo, el streaming «freemium», es decir, el sustentado en la publicidad, no genera más ingresos sino muchos menos (de 29,9 a 17 millones) y lo que genera el streaming de vídeo se estanca, lo que nos lleva al siguiente punto.

Youtube no aporta gran cosa, por más que lo uses

¿Cómo es posible que no suban los ingresos por Youtube si la plataforma es usada masivamente por los usuarios españoles dejando cifras de visionados cada vez más estratosféricas? En este caso estamos ante un problema no local, sino global, y votado recientemente en el Parlamento Europeo: Youtube es la plataforma que peor paga a los artistas por la reproducción de su música, ante lo que se han tomado cartas en el asunto con la aprobación de una ley de derechos de autor en la era digital. Aunque Podemos y otros partidos han votado en contra, puesto que interpretan que se recortarán libertades a su vez, Promusicae espera que «la nueva directiva aprobada recientemente en las instituciones europeas consiga corregir el grave desajuste que existe entre el tráfico que genera la música para estas páginas web y los ingresos que llegan a la industria por ese consumo».

Siguen bajando las descargas y la venta de CD’s

Como era de esperar, en la era streaming casi nadie descarga singles o discos de la red y la venta digital de canciones o álbumes completos también sufre un severo retroceso del 22,5%. Ha pasado de facturar 10,2 a 7,9 millones de euros. Igualmente, se vendieron 6,5 millones de CD’s, por valor de 54 millones de euros, y por muy bien que suene, esto supone otro descenso del 20% respecto a los 67 millones facturados el año anterior en este formato.

Sigue subiendo la venta de vinilos, pero es una anécdota

En el pie de página simpático que permite la lectura de este informe cada año, continúa subiendo una vez más la venta de vinilos, pero continúa siendo anecdótica. En una industria musical que aspira a superar los 250 millones de euros de facturación, los vinilos representan solo 11,7 millones de euros, si bien es verdad que la subida desde los 9,9 millones de 2017 es bastante firme: de casi un 19%. Casi 1 de cada 5 compras en soporte físico se realiza en vinilo en España.

El informe se completa con la relación de discos más vendidos en España en 2018 y canciones más populares en España en 2018, sobre la que ya os hablamos en días pasados.

‘Te robaré’ de Nicky Jam y Ozuna es el nuevo hit reggaetonero de la lista española

Por
Sebas E. Alonso
-
1

‘Contando lunares’ de Don Patricio y Cruz Cafuné continúa siendo número 1 en nuestro país, certificado como single de platino, al menos hasta la llegada de ‘Con altura’ a la lista oficial la semana que viene. De momento, ‘Te robaré’ de Nicky Jam y Ozuna es la entrada más fuerte, situándose en el puesto 11 y amenazando con llegar al top 10 en breve, pues en los últimos días ha continuado subiendo en streaming. ¿Estamos ante una de las canciones del verano?

También es noticia el gran resultado de Leiva, que sitúa hasta 10 canciones de ‘Nuclear’ en el top 100 español, encabezadas por el single ‘No te preocupes por mí’, que ya había sido número 17 y ahora sube del puesto 70 al 29, representando la subida más fuerte de la semana. Pero es que también entran ‘Superpoderes’ (51), ‘Como si fueras a morir mañana’ (64), ‘Nuclear’ (69), ‘Expertos’ (78), ‘Fingías’ (81), ‘Lobos’ (86), ‘Maniobras suicidas’ (87), ‘Godzilla’ (88), ‘En el espacio’ (94) y ‘Costa de Oaxaca’ (99), postulando a Leiva como todo un Drake o Ed Sheeran patrio. Por supuesto, el disco es top 1 en ventas y en streaming.

El resto de las entradas en single de la semana son ‘Cristina’ de Sebastián Yatra (nº35); ‘Fingías’ de Paloma Mami, quien recientemente pasaba por nuestra sección «Canción del Día» (81) y al fin meses después de su edición ‘High Hopes’ de Panic! at the Disco (95). Esta última canción ha sido top 40 en Reino Unido y top 13 en Estados Unidos, apuntando un gran tanto comercial para la banda.


Monkey Weekend 2019 revela su programación, con Flamin’ Groovies, Joe Crepúsculo, Kikí d’Akí, Los Hermanos Cubero, DMBK…

Por
JNSP
-
0

La banda norteamericana Flamin’ Groovies -con la reunión de sus miembros originales Cyril Jordan y Roy Loney, y revisionando para la ocasión clásicos de culto de su repertorio como ‘Teenage Head’, ‘Slow Death’ o ‘Shake Some Action’- encabeza el cartel de la tercera edición de Monkey Weekend, que se celebrará en El Puerto de Santa María los días 14, 15 y 16 de junio.

Integran el resto del cartel de esta nueva edición Joe Crepúsculo, La URSS, Vancouvers, Kikí d’Akí, Los Hermanos Cubero, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Los Estanques, Aries, Exnovios, Bronquio, Uniforms, Antifan, Amparito, Space Surimi, Jose Domingo, Riverboy, María Guadaña, All La Glory, Detergente Líquido, Candeleros, Rastrejo, Aaron Rux & The Crying Cowboys, El Grajo, María Yfeu, L’Exotighost, Lucro, Javier Díez-Ena, GOA, Los Rosarios, Alberto Acinas, y Álvaro Romero & Toni Martín.

La programación del festival incluye también un homenaje a ‘La leyenda del tiempo’ de Camarón de la Isla con un elenco de artistas andaluces -Rocío Márquez, Soleá Morente, Antonio Arias (Lagartija Nick), Lorena Álvarez, Napoleón Solo y Charly Riverboy, además de los citados DMBK, Álvaro Romero y Bronquio-, además de otras propuestas interesantes, como un nuevo concierto de versiones de clásicos de la música española por la Escuela Coral Jardín Menesteo, Los Jaguares de la Bahía y Nuria Capote (Furia Trinidad). Los abonos están disponibles en la web del festival.

1...746747748...2.946Página 747 de 2.946

Contacto: info@jenesaispop.com

Síguenos

© Copyright - jenesaispop.com