Los días 10 y 11 de mayo volverá a celebrarse en el Teatre del CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona) una nueva edición, la 8ª, de Primera Persona, un festival que reúne a “creadores de varias disciplinas artísticas que basan su obra en su propia experiencia vital” y en la que pueden disfrutarse de lecturas, monólogos y conversaciones, además de actuaciones en directo.
El cartel de 2019 contará, como confirman varios medios, con la presencia de tres músicos destacados, el icono del brit pop Brett Anderson, de Suede, que será entrevistado por el periodista Xavi Sancho, entre otras cosas, sobre su reciente libro ‘Mañanas negras como el carbón’; Mala Rodríguez, que acaba de triunfar con ‘Usted’ con Juan Magán y charlará con la periodista especializada en flamenco Sílvia Cruz; y Julieta Venegas, autora de recomendables discos como el reciente ‘Algo sucede‘ y que actuará en directo.
También participarán en la próxima edición de Primera Persona el influyente escritor y crítico musical Nik Cohn, asociado a Bowie o a The Who y que ofrecerá una charla con el acompañamiento musical de DJ Kosmos, y la joven escritora irlandesa Sally Rooney, autora en 2017 de ‘Conversaciones entre amigos’ y que será entrevistada por la poeta Míriam Cano. Las entradas se pondrán próximamente a la venta.
Más de 10 años después de que Ruth Lorenzo triunfara en el ‘X Factor’ británico con su versión de ‘Purple Rain’ de Prince, inaugurando una carrera que le ha llevado a publicar varios discos y a representar a España en Eurovisión, otra vocalista española triunfa en un concurso de talentos anglosajón, en este caso el Got Talent americano, en su edición ‘The Champions’, que reúne a ganadores anteriores del concurso en Estados Unidos y de sus varias ediciones celebradas alrededor del mundo.
Aunque ya casi nadie se acuerde, la canaria Cristina Ramos ganó ‘Spain’s Got Talent’ en 2016, y la cantante de opera rock -que en 2018 ganó La Voz México- ha triunfado esta semana con su versión en este estilo de ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen frente a Simon Cowell, Mel B, Heidi Kum y el cómico canadiense Howie Mandel. Ramos provocó ovaciones y aplausos unánimes de jurado y público y logró la mayoría de votos en el episodio más reciente del programa, llevándola directamente a la final.
Ahora, Ramos aparece en un artículo de Billboard que repasa sus mejores actuaciones en Spain’s Got Talent y cabe preguntarse si no ha nacido una nueva Ruth Lorenzo y quizá una posible aspirante a representar a España en Eurovisión, con algo tan diferente como una pieza de ópera. Por cierto, no ha podido tener más sentido que Ramos versione a Queen, pues de todos es sabido que Freddy Mercury adoraba la ópera y llegó a publicar un disco junto a Montserrat Caballé.
Llega la III edición de WegowDay, el concierto anual que organiza Wegow. La nueva edición se celebra el 30 de marzo en la sala Ochoymedio de Madrid, a partir de las 19.00 y con un cartel que busca representar a “algunas de las bandas más frescas de la escena indie española”. El cartel está conformado por Los Punsetes, uno de los grupos más importantes del indie nacional gracias a canciones como ‘Opinión de mierda’ o ‘Tus amigos’; Soledad Vélez, nueva adalid del synth-pop y el italo ochentero en castellano con su recomendable álbum ‘Nuevas épocas‘; Brigitte Laverne, que en un estilo parecido a publicado singles tan certeros como ‘Tinder Love’, incluido en su EP ‘Wasted‘; y finalmente el DJ set de Hickeys, la formación de “glitter punk” de Marta Sánchez Viejo, Ana Erice, Maite Barrena y Martina Gil Compairé autora de ‘Diamond Munch’.
WeGowDay confirma además que su line-up de 2019 “pretende demostrar que es posible la paridad en los escenarios de la industria musical de nuestro país”. Continúa: “Por eso esta edición también ha querido apoyar a la Asociación MIM (Mujeres de la Industria de la Música), a la que serán donados los gastos de gestión de las entradas. MIM lucha por la igualdad de género en la industria generando visibilidad sobre este tema”.
Las entradas ya se pueden adquirir en www.wegow.com o a través de la app de Wegow. Las 100 primeras están disponibles con oferta de 17 euros, las anticipadas a 19 euros y en taquilla a 22 euros.
Wendy Sulca lleva ya muchos años esforzándose por borrar el estigma de la estrella infantil del folklore peruano que un día fue. Para ello, ha hecho de todo: perpetró versiones de Madonna, Lady Gaga, Bryan Adams o Miley Cyrus; colaboró con el chileno Gepe en ‘Hambre‘, un auténtico temazo que se coló con toda justicia en las Mejores Canciones de 2015 para nuestra redacción; y tanteó palos de lo más variopinto, del dancepop de ‘Canta conmigo‘ al metal-pop delirante de ‘Me pongo hardcore’, pasando, más recientemente, por el retorno al folclore andino por la vía del pop que muestra en ‘No quiero perderte’ y ‘Mi tierra’. Pero no hay modo de que desbanquen a ‘Cerveza’, ‘La tetita’ y ‘En tus tierras bailaré‘, su himno a Israel con Delfín Hasta el Fin y La Tigresa de Oriente como sus mayores hits.
Pero ella no desfallece, y ahora lo intenta muy fuerte con otro estilo: emulando a Aitana, Ana Guerra o Lele Pons, Wendy se lanza al barro del pop disfrutón, fuertemente basado en el reggaeton, con ‘Eso ya fue’, un single que han fabricado para ella su colaborador habitual Gonzalo Calmet, junto con dos de los autores de algunos de los mayores éxitos recientes del pop en español: Patrick Ingunza, peruano que, además de temas para Enrique Iglesias y Maluma, ha compuesto el monster-hit ‘Mayores‘ de Becky G. También participa Mario Cáceres, que compuso ‘Mi cama’ de Karol G y ‘No me acuerdo‘ de Thalía. Y lo cierto es que esta vez la cosa sí podría funcionar: en apenas una semana, su vídeo oficial acumula ya en Youtube más de 300.000 reproducciones, que invitan a pensar que su repercusión va más allá de la mera curiosidad de ver en qué anda la peruana ahora que es mayor de edad.
En 2012, aún con 16 años, tuvimos ocasión de entrevistar a Wendy Sulca aprovechando su paso por «el nuevo Woodstock», aquel bizarro YouFest que se celebró en Madrid. Por entonces, estaba en su primera etapa de evolución de niña (prodigio) a mujer, incluyendo en su repertorio su versión de ‘Like a Virgen‘ (sic), y seguía insistiendo cándidamente en que su meta era promover la música peruana por el mundo.
A finales de 2018, Cardi B retomaba su actividad artística tras pasar su baja por el nacimiento de su primera hija junto a Offset –del que se separaba poco después–, iniciando una gira de presentación del exitoso ‘Invasion of Privacy’ –uno de los Mejores Discos de 2018 para nuestra web– y lanzando un nuevo single inédito, ‘Money‘. También ha filmado un clip oficial para una colaboración que también vio la luz a finales de año: ‘Twerk’, incluido en el disco ‘Girl Code’ que City Girls publicaban el pasado noviembre.
El dúo de raperas de Miami, que saltaron a la fama por su contribución vocal al viral ‘In My Feelings’ de Drake, lanzaron por entonces un reto: encontrar a la mejor twerker –o sea, mujer que perrea– del mundo. Así, convocaron a numerosas jóvenes en su ciudad natal para filmar este clip en el que por supuesto ellas mismas se entregan al perreo –Cardi B con un atrevido bodypainting de tigresa–.
Pero Cardi B también es noticia en las últimas horas por cuestiones no musicales: en su perfil de Instagram, ha proferido un encendido discurso contra Donald Trump por el parón de las administraciones públicas norteamericanas que decretoó como medida de presión para que el Partido Demócrata le conceda la construcción de su tristemente famoso muro en la frontera de México. La rapera está indignada porque Trump está exigiendo a los trabajadores públicos, que llevan meses sin cobrar, que vuelvan a sus puestos, destacando que el «cierre de Gobierno» que está aplicando Presidente supera al que también aplicó Barack Obama, poniendo el acento en que en aquel caso se hizo para que se aprobara su Reforma Sanitaria, que pretendía mejorar las coberturas de la atención sanitaria pública: «se que a muchos no os importa, porque no trabajáis para el gobierno, pero esto es puto serio, tío. (…) Tenemos que pasar a la acción». Ya hay quien, en Twitter, propone a Cardi para las elecciones presidenciales de 2020.
Carmen Maura es la actual «reina del cine europeo». Así lo dijo nada menos que Wim Wenders cuando el pasado diciembre entregaba a la actriz un premio honorífico a su carrera, entregado por la Academia de Cine Europeo, donde dejó un cachondo, por confuso, discurso. Y la reina del cine europeo está esta semana de promoción en España presentando tanto una película –’Gente que viene y bah’ de Patricia Font, que se estrena este viernes– como una gira teatral, representando ‘La golondrina’ de Guillem Clua. Tras pasar días atrás por El Hormiguero, hoy El Mundo publica una entrevista con la ex-actriz-fetiche de Pedro Almodóvar que está dando mucho que hablar, convirtiéndola en trending topic.
En la entrevista de Luis Martínez, Maura cuenta que esta gira teatral está cambiando su visión de España, porque ha cambiado su preconcepción sobre muchas ciudades españolas –»Me he llevado una sorpresa muy agradable con muchas ciudades españolas. (…) En cuanto sales de Madrid te das cuenta de que todo es mejor. Hay mucha menos tensión»–. Por eso, dice, se enfada mucho cuando vuelve a su residencia de París y oye a sus amigos franceses hablar de España. Aunque lo que lleva peor es que lo hagan sus propios compatriotas: «me fastidia cuando oigo a los españoles hablar mal de España. No puedo soportarlo».
Lo que no le gusta nada de España son sus políticos –»unos me indignan a unos niveles indescriptibles y otros me dejan fría», dice, y ya había despotricado contra Podemos anteriormente– y echa de menos que surja uno que la enamore «como hizo Felipe González». Y de ahí salta a Pedro Sánchez («Los guapos no siempre son los que más nos atraen a las chicas. La belleza es otra cosa») y a su estrategia para Cataluña: «Cada vez que veo que para conquistar a los catalanes les están dando dinero, me pone negra. Porque precisamente no es la comunidad que más lo necesita. Si acaso es la comunidad que más gasta en tonterías. Vamos a un festival y ves una oficina española y otra catalana. Y lo de las embajadas. No, no es así. Vamos a solucionar que haya trabajo para todo el mundo, vamos a recibir a la gente de las pateras como dios manda… Me pone negra. Todo eso hace que los otros vayan con las banderitas».
Este discurso, su primera parte en concreto, está indignando a muchos usuarios de Twitter, que destacan «que vive en Francia» o la califican de «progre que huele a cerrao» y hasta de «facha», pero también complaciendo a otros. Pero la polémica no termina ahí, puesto que Maura dedica parte de la entrevista a cuestionar la actual ola de feminismo: «está muy descontrolado. Y, sinceramente, creo que ya es hora de que las mujeres empecemos a relajarnos. (…) Si seguimos con tanta reivindicación y tanta discriminación positiva vamos a empachar a todo el mundo. (…) A veces no nos damos cuenta de cómo han cambiado las cosas. Lo que hemos vivido antes sí que era angustioso, cuando teníamos que pedir permiso al marido para comprar una nevera. El adulterio, para el marido era una gracia y para la mujer era cárcel. Hay cosas que se han conseguido que demuestran que estamos en camino», dice. Y no se queda ahí. «todo el rollo ése de prohibir lo piropos… No sé, a mí me agota el tema. Además, vamos a acojonar de tal manera al género masculino que no va a haber forma de ligar».
Carmen Maura: "Me pone negra dar dinero a los catalanes, que son los que menos lo necesitan" https://t.co/W07qK7y5Mz
Lamento mucho que Carmen Maura tenga esa idea de la clase política del "todos son iguales", y que aborde la cuestión de la defensa de la mujer y sus derechos como "hay que relajarse un poco". La equidistancia anula el progreso. No me lo esperaba de ella, sinceramente.
Carmen Maura Ha dicho lo que que millones de españoles pensamos, por que se siguen dando millones de euros a los golpistas totalitarios catalanes? Porque los catalanes no se benefician de esos millones, ese dinero es para embajadas, chiringuitos, Puigdemont, ANC etc……..
— Resistencia al totalitarismo separatista (@MarcosHerrero15) January 17, 2019
No sé, pero esto me da bastante pena, por ser Carmen Maura (que siempre me ha flipado) y porque lo que le preocupe sea el tema LIGAR y no la igualdad a todos los niveles. pic.twitter.com/FMjIXoMKtN
Resulta un verdadero placer asistir al crecimiento de artistas como Pavvla, alter ego musical de la joven barcelonesa Paula Jornet. En 2016 irrumpió con ‘Creatures’, un disco debut en el que, partiendo de la intimidad de una guitarra, una voz y un dormitorio y expandiéndola con audaces arreglos de electrónica y rasgos jazzísticos. Con apenas 20 años mostraba una palpable madurez y, además, lograba proyectar sus canciones hacia un público internacional (aquel álbum la llevó a dar casi 100 conciertos por todo el mundo). Hasta el punto que casi ni nos sorprende que un programa de NPR, la radio público estadounidense, estrenara en exclusiva ‘Unbreakable’, uno de los adelantos de su nuevo trabajo, ‘Secretly Hoping You Catch Me Looking’.
Un disco en el que, conservando su esencia –los tintes añejos, lanadelreyescos, de sus melodías siguen presentes de forma palpable en ‘The World Stopped the Day You Were Born’ o ‘None of the Above’–, Pavvla parece adentrarse en nuevos caminos sonoros. Con las guitarras, salvo alguna excepción (‘Burnt to Ashes’) pasando a ser apenas testimoniales –a veces empleadas para dar un acento rockero–, estas nueve nuevas canciones de Jornet están construidas sobre todo con sintetizadores, cajas de ritmo y overdubs que resultan de lo más intrincadas, a veces. Con ello, su autora abre la puerta de su cubículo –pese a dejar pasar cierta luminosidad e incluso euforia, estas canciones siguen resultando íntimas, como interpretadas “tras un telón”, tal y como reza su nota de prensa– a ritmos trip hop (el corte que da título al álbum) hip hop (‘Dance Alone’) y hasta a cierta euforia dance, como muestran la citada ‘Unbreakable’ –sugerente, va de pequeño a lo maximalista– o el arrebatador single principal ‘Something New’.
Aún así, la melancolía no abandona del todo a Pavvla en sus nuevas canciones, afrontando el amor a veces de manera celebratoria y otras, incluso en los momentos menos felices, con una resignación casi impropia de alguien tan joven. Me refiero a la letra de ‘It Could Be’, que se detiene en pensar cómo podría haber sido envejecer al lado de una persona… aunque ya no vaya a ocurrir (“Podría haber sido maravilloso / pero no será, no” dice su estribillo). Precisamente esta canción, mi favorita personal del disco, contiene la esencia de lo que supone este álbum para Jornet: con cierta reminiscencia de la St Vincent pre-‘Masseduction’, Paula suena a la vez apacible y audaz, con efectos y giros de producción (de nuevo a cargo de Aleix Iglesias) que retuercen lo convencional sin que la melodía y la emoción pierdan peso. Es la mayor gema de un disco que, aunque cuesta que enganche, se escucha con interés (a ello contribuye su brevedad, 26 minutos) y deja fuera de dudas el gran talento de Jornet, a la vez que la muestra ampliando sus límites hacia terrenos inexplorados. Que se antojan fascinantes, por cierto.
Pavvla presentará ‘Secretly Hoping You Catch Me Looking’ el próximo 31 de enero en El Molino de Barcelona, dentro del Festival Mil·lenni; más tarde, el 14 de febrero, estará en la Sala 0 de Madrid.
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘It Could Be’, ‘Dance Alone’, ‘Something New’, ‘None of the Above’ Te gustará si te gustan: Núria Graham, St Vincent, Lana del Rey Escúchalo:Spotify
Según recogen mediosmusicales norteamericanos, Don Bolles, batería del grupo Germs, ha anunciado en su perfil de Facebook la muerte de Teresa Ryan, conocida públicamente como Lorna Doom. Doom fue desde sus orígenes la bajista de este crucial grupo fundado en Los Ángeles, en medio de la explosión punk que vivió aquella ciudad a mediados de los 70. Por el momento no se conocen las causas del fallecimiento de Ryan.
Teresa se unió a Germs en 1977, un grupo en el que militaron también Pat Smear (posteriormente guitarrista de Nirvana, y ahora miembro de Foo Fighters) y Dottie Danger como batería, un alias tras el que se escondía el nombre de Belinda Carlisle, que más tarde dejó el grupo para formar The Go-Go’s y, luego, inició una (exitosa) carrera en solitario. La sustituyó precisamente Don Bolles, que grabó con el grupo su primer y único disco de estudio, ‘(GI)’, un álbum producido por Joan Jett (!), con un pequeño intra-hit (‘Lexicon Devil’) y situando a Germs a la cabeza de la escena.
Lamentablemente, el vocalista y alma mater de Germs, Darby Crash (de nombre real Jan Paul Beahm), murió por una sobredosis de heroína en 1980, una pérdida de la que el grupo no pudo recuperarse entonces. Pero su nombre pasó al imaginario del underground yanqui hasta hoy, influenciando a numerosos artistas e inspirando documentales y hasta un biopic. De hecho, el actor Shawn West, que interpretara a Crash en la película ‘What We Do Is Secret’, dedicada a Germs, ejerció de vocalista de una nueva encarnación de la banda en la segunda mitad de la pasada década, con Bolles, Smear y Doom en la formación. Lorna dejó de actuar con ellos en 2009, pero sin duda su imagen es una de las más icónicas que el punk norteamericano diera en su plenitud.
Buenas noticias para Dani Mateo. La fiscalía ha pedido el archivo de la causa contra él. El presentador y cómico colaborador de El Intermedio estaba imputado por un delito de «ultraje a la bandera» tras sonarse los mocos con una durante un gag del mencionado programa de humor.
Ahora, como informan medios como El País, el Ministerio Público ha sostenido en un escrito enviado al Juzgado de Instrucción número 47 de Madrid, que este acto se enmarcaba en el ámbito de una puesta en escena «crítica», habitual últimamente en los medios de comunicación, pero que en ningún caso va más allá de una «cierta dosis» de provocación «permitida para la transmisión de un mensaje crítico desde la perspectiva de la libertad de expresión». Se añade que su gesto «no fue acompañado de conducta violenta alguna ni de otras expresiones o gestos vejatorios o insultantes ni de otros comentarios de exaltación, justificación o promoción del desprecio». De esta manera, pide el sobreseimiento de la denuncia de la organización Alternativa Sindical de Policía por una «ofensa a España, sus símbolos y, por ende, a toda la sociedad democrática».
Según el escrito del Ministerio Público, no hubo «propósito ofensivo o de menosprecio a la bandera que permita sostener que nos encontramos ante un delito de ultraje», «ni por el contexto, ni por el contenido, ni por las circunstancias, ni por los fines perseguidos». Recuerda expresamente que se trataba de un sketch «protagonizado por un humorista, dentro de un programa de televisión de humor satírico en torno a noticias de actualidad».
Actualización 17/1/2019: A última hora del miércoles 16 de enero, tras la petición del Ministerio Fiscal de archivar la causa contra Mateo, el juez correspondiente, Adolfo Carretero, ha emitido un auto en el que, de acuerdo con la petición de la Fiscalía, desestima la demanda y archiva la causa. En su escrito, el juez dice que «se trató de «una puesta en escena desafiante o crítica», que permite la libertad de expresión, aunque pueda ofender los sentimientos de muchos españoles». En el programa de La Sexta donde se emitió el polémico sketch, Mateo celebró con su colega y presentador, El Gran Wyoming, la decisión del juez, que supone que haya triunfado «el sentido común, la libertad de expresión y el anuncio de Campofrío».
RTVE ha confirmado este miércoles 16 de enero el regreso de Operación Triunfo para la temporada 2019-2020. Realmente es un misterio que la cadena considere un año sin OT suficiente para que el público vuelva a enfrentarse al programa con ganas cuando la edición de 2018 ha sido tan poco interesante comparada con la inmediatamente anterior, que no hace falta recordar (o quizá sí) fue un absoluto fenómeno comparable sin duda a la primera edición de 2001. ¿Dónde están los Amaia, Aitana, Alfred, Ana Guerra, Miriam o Cepeda de esta última edición?
De momento sí se sabe quién es el nuevo Amaia y ese es Famous, ganador de OT2018 por delante de Alba Reche, que se consideraba la favorita por su personal voz rasposa y su perfil similar al de la autora de ‘Un nuevo lugar’, un pelín alternativo (Reche llegó a cantar ‘Creep’ de Radiohead en una de las galas). El cantante sevillano se impuso también a Natalia para sorpresa de todo el mundo, pero varias semanas después de hacerse con el premio, la pregunta parece clara: ¿y ahora qué?
Famous, cuyo nombre significa “famoso” aunque de tanto repetirlo se nos haya olvidado, gustó en el concurso con sus actuaciones de ‘And I Am Telling You I’m Not Going’ o ‘Uptown Funk’ y fue desde el principio uno de los alumnos de la Academia que mejor cayeron a sus compañeros y que más tablas demostraron encima del escenario. Incluso fue favorito alguna vez. Pero mientras España espera impaciente el disco debut de Amaia, llora mares con ‘Vas a quedarte’ de Aitana o se rompe el cuello en la discoteca con Lola Indigo, cabe preguntarse qué puede tramar Universal con Famous una vez se confirme que va o no va a Eurovisión con ‘No puedo más’.
En el concurso, Famous ha demostrado ser un vocalista versátil, capaz de interpretar con competencia pero no con demasiada personalidad canciones tan diferentes como ‘Problem’ de Ariana Grande o ‘Faith’ de George Michael, además de las mencionadas. ¿Pero cuántas posibilidades tiene Famous de fidelizar a un público que compre sus discos? Además, parece que su voz brilla más en el R&B y el soul, pero estos géneros no es que interesen demasiado en España al margen de festivales especializados y no es que tuvieran demasiado recorrido en los trabajos de Toni Santos y Sergio Rivero. Así que quizá Famous tenga más posibilidades en el campo de los musicales, pues su robusta y melódica voz así como su elegante presencia escénica son ideales para este género. No es la deriva esperada por todo el mundo que un ganador de OT termine dedicándose a los musicales, pero Amaia tampoco ha sido la ganadora “típica” y por lo menos a Gisela no le ha ido nada mal en todos estos años. Todo el mundo sabe que Famous tiene demasiado talento como para terminar siendo un “supersingle”.
De momento la duda es si Famous representará a España en Eurovisión o no. Aunque es el que más interés ha mostrado por ir a Israel, no es el que más posibilidades tiene de hacerlo ya que las canciones de María y Natalia han gustado muchísimo más. Aunque cabe mencionar que ‘No puedo más’ no era la peor de las propuestas de OT para Eurovisión a tenor de los adelantos, de hecho era bastante diferente al resto, una característica que suele valorarse en las apuestas del festival. La pregunta es si realmente es una buena canción…
El sello Mute ha cumplido 40 años y en 2019 lo celebrará publicando una caja especial con la que homenajeará una de las composiciones más importantes de la música de vanguardia, 4′33″ de John Cage, que en palabras del sello “cambió el modo de pensar en torno al silencio, el sonido y la escucha”. El compositor californiano la ideó de manera que el músico que se enfrentara a ella NO hubiese de tocar una sola nota de la partitura, dando protagonismo a los sonidos y ruidos del ambiente que llenaban esos cuatro minutos y 33 segundos de supuesto “silencio” que en realidad no era tal.
4′33″ ha sido una pieza enormemente influyente en el desarrollo del noise, el ambient o la música electro-acústica, por lo que no sorprende que los artistas más importantes de Mute hayan querido participar en el experimento. En ‘STUMM433’ encontrarás versiones de ‘4’33’ de Depeche Mode, New Order, Erasure, Laibach, Wire, Afghan Whigs, Moby, Goldfrapp, Liars, Lee Ranaldo, Richard Hawley, Lost Under Heaven, Carter Tutti Void, ADULT., Cabaret Voltaire, Nitzer Ebb, Mick Harvey o A Certain Ratio, entre otros.
Todas las versiones de 4′33″ incluidas en ‘STUMM433’ vendrán con su propio videoclip y la primera disponible en Youtube es la de los eslovenos Laibach, que hace varios años eran noticia por conseguir dar un concierto en Corea del Norte. En el vídeo que se ha realizado para el tema, los integrantes de Laibach aparecen sentados frente a una tabla de ajedrez, en un aparente homenaje a una obra de Duchamp y a las “composiciones para ajedrez” del propio Cage, como apunta Brooklyn Vegan.
Deerhunter publican nuevo disco, ‘Why Hasn’t Everything Already Disappeared’ este viernes 18 de enero, y en promoción de este trabajo, el líder de la banda Bradford Cox se ha animado a participar en una sección de Noisey en la que se pide a los artistas ordenar sus discos de peor a mejor y razonar su decisión. Cox considera que el mejor disco de Deerhunter es ‘Monomania‘ y el peor ‘Cryptograms’, aunque apunta que no considera su debut de 2005 un “álbum” sino una especie de “película de estudiante”.
Si te sorprende que Cox considere ‘Monomania’ el mejor disco de Deerhunter cuando ‘Microcastle‘ y ‘Halcyon Digest‘ existen (supuestamente los discos mejor valorados del grupo por sus fans), el músico explica que ‘Monomania’ es la obra de arte a la que más se ha dedicado en su vida, y lamenta que sus fans no la entendieran, llegando a decir que estaban “completamente equivocados”: “’Monomania’ es el mejor disco que hemos hecho y quien no lo aprecia no tiene ni idea de quién soy ni de lo que estoy haciendo. Solo son fans ávidos de lo que se llama indie rock y piensan que somos una banda de indie rock notable. Odio el indie rock y nunca me ha gustado el término. No me considero un partícipe del indie rock, creo que es un guetto”. Cox incluso considera ‘Monomania’ el “último disco de rock ‘n roll que se ha hecho” y recuerda la actuación que el grupo realizó para promocionarlo en Jimmy Fallon. “Tosí sangre de verdad en la batería porque tenía bronquitis. Fue un momento fantástico en la historia del rock moderno y a nadie le importó una mierda”. El vídeo no está disponible en Youtube, pero sí en Vimeo.
Cox tiene palabras duras también para los fans que no valoraron ‘Fading Frontier‘, el anterior álbum del grupo, y que él considera un disco “perfecto”: “He pensado en hacer este disco número uno. Es nuestro disco menos apreciado. La gente tiene que superarlo ya. La gente que se llama a sí misma fan de nosotros y odia este álbum… Yo puedo nombrarte todos los defectos de nuestros otros discos, pero no hay defecto alguno en ‘Fading Frontier’. No hay una sola toma vocal que regrabaría, un solo efecto que haría otra vez. La gente que odia este disco no tiene la capacidad para ir más allá de su puta infancia y su pequeño y cerrado concepto de lo que yo debería estar haciendo. Es un disco perfecto y debió haber sido más acogido. Debió habernos sumado fans. Me resulta extraño que a Kings of Leon le gustara y a los chavales no. Parece que tengo que hacer las cosas binarias para que la gente las entienda: experimental, pop, experimental, pop. Este álbum es el que mejor fusiona ambas cosas de los que hemos hecho. No hay una sola mala canción en él”.
Hozier, autor de la gran ‘Take Me to Church’, publicó en septiembre un EP de cuatro canciones como antesala de su próximo álbum, presentado por ‘Nina Cried Power’ junto a Mavis Staples. Y precisamente esta será la canción que abra el segundo disco del músico, que acaba de anunciarse y llega el 1 de marzo. El álbum llevará por título ‘Wasteland, Baby!’ y en su tracklist se incluyen otros temas ya conocidos como ‘Movement’ y ‘Shrike’, aunque no ‘Moment’s Silence (Common Tongue)’ ni ‘NFWMB’.
Con la noticia del disco ha llegado a las plataformas de streaming un nuevo single de Hozier titulado ‘Almost (Sweet Music)’, sí, “casi” como aquel tema de Kylie… aunque por estilo está mucho más cerca del folk-pop de Ed Sheeran, James Bay, Vance Joy o el último Justin Timberlake.
Hozier puede haber estado en mente de todos en los últimos tiempos, por otro lado, debido a las últimas noticias sobre el bailarín ucraniano Sergei Polunin, quien protagonizó el videoclip de ‘Take Me to Church’, maravillando al mundo. Polunin ha realizado en este tiempo varias declaraciones homófobas y machistas que han provocado que la Ópera de París le retire su invitación de actuar en ‘El lago de los cisnes’. En algunos de sus posts en Instagram, Polunin criticaba que hubiera hombres afeminados en ballet pues en escena “ya hay una bailarina, no se necesitan dos”, e instaba a los hombres a comportarse como tal, a ser masculinos, “líderes” y “leones” y a no dejar que las mujeres ocupen el lugar de poder supuestamente reservado para ellos. También tenía palabras en contra de las personas con sobrepeso, afirmando que merecen ser “abofeteadas” por su “vagancia”.
Este próximo 30 de enero se entrega el Premio Ruido a mejor disco nacional del año, concedido por la prensa, en el Teatro Barceló de Madrid. Previamente se había anunciado que actuarían 4 de los 12 nominados, en concreto Morgan, La Plata, Rufus T. Firefly y Putochinomaricón. Hoy se suman otros 3 de los nominados: Zahara, Belako y La Habitación Roja. Cada uno de estos siete artistas interpretará tres temas del álbum por el que están nominados. Las entradas para asistir a este evento están a la venta en StubHub.
La lista de 12 nominados se completa con Rosalía, Nacho Vegas, Christina Rosenvinge, Niño de Elche y Toundra. Hoy publicamos nuestra entrevista con Morgan y precisamente les preguntábamos por su nominación, como antes hacíamos con Belako. Nina y Paco de Morgan decían: » Ya con estar nominados nosotros hemos ganado. Eso es ya un triunfo. Tenemos ganas de ir ahí (…) a echar la tarde (…) Ver a los compañeros y disfrutar de la noche». Como discos favoritos situaban los de Rufus T. Firefly, Belako y Rosalía. ‘El mal querer’ era destacado especialmente por Nina: «Decirlo, ya no sé… porque todo el mundo ya habla tanto de ella… Pero estoy enamorada totalmente de ese disco. Es que me parece una genialidad».
Aún podéis votar en nuestra encuesta sobre cuál es vuestro disco favorito para ganar este premio, si bien os recordamos que son los Periodistas Asociados por la Música (PAM) quienes deciden el galardón.
No hay entradas significativas en la lista de álbumes de la semana, lógicamente, puesto que corresponde con la semana del 4 al 10 de enero, y nadie edita un disco un día antes de Reyes o en la semana de Año Nuevo. Los escasos movimientos se producen en streaming, donde Bad Bunny sigue top 1 con ‘X 100PRE’ y Ozuna y Rosalía completan el top 3. La subida más fuerte es la BSO de ‘Ha nacido una estrella’ coincidiendo con el Globo de Oro recibido por Lady Gaga por el tema ‘Shallow’. Aunque se le escapó el premio a la mejor actriz, el disco sube en streaming en España del puesto 27 al puesto 18.
También es noticia la reentrada de Billie Eilish con su disco de 28 minutos ‘Don’t Smile at Me’. Como prueba de que este va a ser sin duda el año de su consagración definitiva, tras la edición de su alucinante single inspirado libremente en la película ‘Roma’, una de las mejores canciones del momento; el viejo álbum vuelve a las listas de streaming en el número 27. Es casi lo más alto que ha llegado, pues en su momento fue número 26 en nuestro país. En cualquier caso, le queda un largo recorrido por delante en el top 100. Puedes recordar nuestra entrevista con Billie Eilish aquí.
Igualmente parece que ahora hay más tiempo para escuchar discos que en Navidad no hubo ocasión y Zayn reentra en el 50 con ‘Icarus Falls’, Depedro al número 95 con ‘Todo va a salir bien’ o Khalid con ‘Suncity’ al puesto 97. Taylor Swift parece beneficiarse de la subida de su concierto de ‘reputation’ a Netflix y ‘reputation’ vuelve al puesto 85 de estas listas de streaming en España.
El vídeo que más está circulando esta semana es lo nuevo de Karol G y Anuel AA, dos pesos pesados de la música latina. ‘Secreto’ es número 1 en Youtube España y en otros puntos del planeta, acumulando 13 millones de visualizaciones en poco más de un día. Ya sabíamos que la música latina es consumida de manera masiva muy especialmente en el visor de Google, donde el vídeo más visto de la historia es ‘Despacito’ de Luis Fonsi y Daddy Yankee (versión sin Justin Bieber), y este es un nuevo ejemplo. Cualquier artista internacional mataría por estos datos.
La letra de ‘Secreto’ dice que «Nadie nunca lo va saber, que tú eres mi mujer» o «me vengo contigo cuando tú te vienes», jugando con su relación personal como han hecho en Instagram o incluso mediante visibles tatuajes. El vídeo, acompañando, es digno de los comentarios que está recibiendo en Youtube. Un usuario ha escrito «¡Ahora ya dejó de ser un secreto!» y otro «Si fuera un secreto, no subirían fotos después de coshar«.
Y es que aquí Karol G y Anuel AA, que ya colaboraron en el hit ‘Culpables’, editado el año pasado, se dedican a retozar, darse lengüetazos y pegarse con almohadas. Se confirman así como los Drake y Rihanna del mundo latino (tórridas fueron sus colaboraciones en ‘What’s My Name?’ o ‘Work’). ¿O esos fueron Shakira y Maluma en ‘Chantaje’ y sobre todo la letra de ‘Clandestino’? Os recordamos que podéis leer nuestra entrevista con Karol G, aquí.
Este martes decenas de miles de personas en España se han manifestado en contra de la opinión sobre la ley de violencia de género de VOX, coincidiendo con su entrada en el Parlamento de Andalucía. Asistir a manifestaciones como estas en pleno 2019, con mujeres teniendo que portar el largo listado de mujeres asesinadas en nuestro país solo en los últimos años es deprimente, pero así están las cosas en la era Trump y con el rebrote de la ultraderecha en toda Europa, de modo que el regreso de Bikini Kill por primera vez en 20 años, anunciado prácticamente a la misma hora en que tenían lugar estas concentraciones, tenía desgraciadamente todo el sentido. Aunque probablemente ellas no lo supieran, su anuncio parecía una respuesta a todo lo que está sucediendo.
Bikini Kill fueron uno de los grupos más importantes del movimiento riot-grrrl durante los 90. Aunque sus canciones no calaron tanto en la imaginería popular como las de Hole u otras artistas que han terminado representando un género en sí mismas como, a este lado del Atlántico, PJ Harvey, da miedo comprobar hasta qué punto los textos de sus canciones continúan siendo actuales. El grupo llegó a publicar 3 discos entre 1991 y 1996, además del split ‘Yeah Yeah Yeah Yeah’ junto a Huggy Bear, este conteniendo su mayor éxito, el ilustrativo ‘Rebel Girl’ que después grabarían con la mismísima Joan Jett. Inspirada por la artista Juliana Luecking, es todo un canto a la sororidad mucho antes de que se empezase a hablar mayoritariamente de esta, con frases como «dicen que es una puta, pero yo sé que es mi mejor amiga» o «cuando habla, oigo la revolución / hay revolución en sus caderas».
Aparte de la «revolución», las Bikini Kill de la icónica Kathleen Hanna también nos hablaron por ejemplo de las diversas facetas femeninas. ‘Alien She’ es una reflexión sobre la liberación de una mujer atrapada entre la esclavitud de la feminidad y el derecho a ser masculina siendo chica. El tema comienza diciendo «Ella es yo y yo soy yo / somos siamesas conectadas por el coño». Tras plantear arquetipos como «feminista», «bollera» y «puta», se concluye «quería saber quién era yo y quién es ella / supongo que nunca lo sabré».
Su compromiso contra la violencia de género fue siempre claro. Una de las canciones perdidas de su autoeditado debut ‘Revolution Girl Style Now’, recuperadas en la reedición de este de 2015, era la explícita ‘Ocean Song’, inspirada en el trabajo de Hanna en SafePlace, un refugio para supervivientes de violencia de género y abusos sexuales en Washington. «Nunca quieres oírme gritar», dice al final, tras haber pronunciado la gráfica frase: «si estuviera muerta, me querrías más / todas mis palabras valdrían oro». El testimonio de mujeres que habían pasado por SafePlace era el protagonista de aquella letra. En 2016 en The Guardian, la artista contó: «Una vez golpeé a un tipo que estaba acosando a mujeres en nuestro concierto. Llamó a la policía y el promotor me escondió, pero mientras lo hacía, me manoseó. Quiero ver a los hombres reunirse y decir: «Nosotros tampoco vamos a defender esto»». También con sus proyectos posteriores Le Tigre y Julie Ruin ha cantado, especialmente en ‘Hit Reset’, sobre cómo fue crecer con un padre alcohólico y violento y en un entorno familiar que en Rolling Stone definió como «aterrador».
Los temas contra el patriarcado fueron abundantes en el repertorio de Bikini Kill, como ‘Double Dare Ya’, en el que se decía con sorna «nunca hables fuera de turno / y escucha lo que el hombre tiene que decirte», en lo que era una referencia anticipada al mansplaining. Pero es la vigencia de ‘White Boy’ (1994), sobre abusos sexuales, la que aterra, arrancando con una entrevista en la que el entrevistador le espeta a Kathleen: «no creo que sea un problema porque la mayoría de las chicas lo piden». Responde ella: «¿cómo es que lo piden?». Y él dice: «por cómo actúan, por cómo se visten, es una decisión personal (…) lo piden aunque lo nieguen». «Chico blanco, no te rías, no llores, simplemente muérete» es el estribillo de la canción.
Bikini Kill, con la formación de Kathleen Hanna, Tobi Vail y Kathi Wilcox más la artista Erica Dawn Lyle, han anunciado 3 conciertos sueltos en abril, mayo y junio en California y Nueva York. De momento no hay noticias sobre nuevo disco, aunque como veis no va a ser porque se hayan quedado sin nada que reivindicar.
La primera lista española de singles de 2019 sigue capitaneada por ‘Adán y Eva’ de Paulo Londra, seguida de ‘Mala’ de 6ix9ine y Anuel AA. Pero la noticia es la subida más fuerte en puntos de la semana, que corresponde a ‘Calma’ del portorriqueño Pedro Capó y Farruko, que pasa del puesto 13 al puesto 3. El tema, que fue lanzado hace unos meses, lleva 6 semanas en la lista española y está claro que va a ser uno de los hits del año en nuestro país. Farruko se sumaba a principios de octubre al remix de la canción original de Pedro Capó, añadiendo por ejemplo una referencia a ‘Despacito’ de Luis Fonsi y otra a Bob Marley. El vídeo suma ya en Youtube más de 300 millones de visualizaciones.
En cuanto a entradas de la semana, Ozuna llega al puesto 68 con ‘Baila baila baila’, mientras Ava Max, inamovible del top 1 británico durante las últimas semanas, entra al fin en España en el puesto número 80 con su gran hit ‘Sweet But Psycho’. Las novedades en singles se completan con ‘Te vi’ de Piso 21 y Micro TDH en el número 86 y con Kenny Man con ‘Ni Gucci ni Prada’ en el número 91.
Entre las canciones que alcanzan un nuevo máximo esta semana están ‘Ni bien ni mal’ de Bad Bunny en el puesto 5, ‘Amanece’ de Anuel AA y Haze en el puesto 7, o ‘Antes de morirme’ de C. Tangana y Rosalía (sí, 2 años y medio después de su edición) en el número 27.
The Drums, desde hace unos años el proyecto único de Jonny Pierce, ha anunciado un nuevo álbum para el 5 de abril. ‘Brutalism’ llega dos años después del notable ‘Abysmal Thoughts‘ y cuando se cumplen 10 años del EP de debut de The Drums, ‘Summertime‘, que dio a conocer el mayor éxito comercial de su carrera, ‘Let’s Go Surfing’.
El primer avance es un single nuevamente luminoso y guitarrero, ‘Body Chemistry’, que sin embargo trata en su letra la depresión que Pierce padeció en los meses previos a la compleción del álbum, tras su divorcio y una época de agotamiento. En el tema, el artista se pregunta si su “química no le está perdonando” y afirma “quizá estoy deprimido, o quizá sé demasiado del mundo y de mí mismo”; aunque su gran frase ha de ser la declaración de lo que parece el estribillo: “sé que un poco de suerte y un buen polvo, una copa de vino y un rato de calidad te harán mío”.
La nota de prensa en Bandcamp explica que, en su periodo de depresión, cuando se encontraba en una “espiral sin salida”, Pierce recurrió a las fiestas para “huir del dolor” hasta que comprendió que necesitaba terapia. Entonces ‘Brutalism’ “se convirtió en una extensión” de su búsqueda por mejorar su salud mental y salir del bache en el que se encontraba hace unos meses.
21 Savage ha conseguido ser el número 1 de álbumes en Estados Unidos durante la Navidad gracias el disco que editaba en la segunda quincena de diciembre, ‘i am > i was’. El rapero de Atlanta ya era conocido tanto por su disco de debut ‘Issa Album’, que contenía el hit ‘Bank Account’, como por su disco colaborativo ‘Without Warning’, que compartió con Offset de Migos y Metro Boomin. Y luego por supuesto están sus «featurings», entre los que destacan por su enorme popularidad ‘rockstar’ con Post Malone -ahí es nada, es una de las canciones más exitosas de la década- y ‘Bartier Cardi’ con Cardi B, otro single multiplatino en Estados Unidos.
Este álbum supone por tanto un paso considerable en todos los sentidos. Para empezar, se ha presentado con un single llamado ‘a lot’, en el que a través de un sample de una grabación de principios de los 70, en concreto la romanticona ‘I Love You’ de East of Underground se ha construido una nueva canción maravillosa. 21 Savage habla sobre el «montón» de disparos que ha recibido (su hermano murió en un tiroteo), mientras el fondo «I love you for so many reasons» no puede ser más evocador… sumándose luego un frenético rapeo de J. Cole que eleva la canción a otro nivel aunque hable indistintamente de streamings falsos y muertes. El productor DJ Dahi, quien ha trabajado con Travis Scott, Vince Staples o Kendrick Lamar, pero también con artistas de pop como Lily Allen (‘Sheezus’) o Madonna (‘Iconic’), está detrás de ‘a lot’; y no en vano también de la otra gran canción accesible del disco, ‘monster’. Se llega a echar de menos a Dahi en otras composiciones que resultan más indistinguibles en su producción trap.
Gran parte de ‘i am > i was’ cae en los lugares comunes del género, como es el caso de las aburridas ‘gun smoke’ y ‘good day’, que no aportan nada en una secuencia de hasta 15 canciones, 16 en la versión deluxe. El tema principal es el uso de armas, pero no tanto para criticarlas como para exhibirlas y el modo en que 21 Savage se jacta de ser un gran tirador en ‘gun smoke’, en cuyo texto caben las armas junto al riesgo de cáncer que da el fumar, no es lo más imaginativo que ha hecho. Como tampoco lo es la exhibición de «culos y tetas» a medias con la rapera Yung Miami de City Girls, literalmente llamada «culos y tetitas», no apta para adultos en lugar de al revés por lo que tiene de boba.
Por esa parte del álbum, la más voluminosa, se agradece tanto un tema como ‘monster’, en el que en compañía del gran Childish Gambino se afirma una y otra vez que «el dinero y la fama construyen monstruos» sobre una bonita de base de piano y una serie de voces infantiles o tratadas. También se agradece la melodía de teclado que emerge en ‘break da law’; el estupendo sample de ‘Samba pa ti’ de Santana en la muy blues ‘out for the night’, de la que se presenta una segunda parte en la edición deluxe; el estribillo susurrado de ‘ASMR’ en honor a su nombre o el mantra R&B de ‘ball w/o you’. Es en esos momentos diferentes donde el álbum termina de encontrar su «flow», más incluso que en las entretenidillas aportaciones de Offset en ‘1.5’ y Post Malone en ‘all my friends’, devolviendo el favor de ‘rockstar’.
También suman puntos esos momentos en los que 21 Savage se abre en canal para, aunque sea inconscientemente, intentar explicar cómo ha llegado a ser lo que es. El título del álbum es claro en su intento de convertirse en mejor persona y, a la reflexión de ‘monster’, hay que sumar el texto dedicado a su madre que supone ‘letter 2 my momma’, en la que culpa expresamente al abandono de su padre por haber empezado a jugar con armas y haber abandonado el colegio. Para ella en cambio solo hay palabras de agradecimiento: «nunca me has dicho «sé un hombre / crío a mis hijos para nada como mi padre / soy un padre mejor / y tú eres la mejor madre que pude tener». Mucho mejor en esos momentos confesionales que en los autocomplacientes.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: ‘a lot’, ‘monster’, ‘ball w/o you’, ‘out for the night’ Te gustará si te gustan: Future, Kanye West, Migos Escúchalo:Spotify
El triunfo de Morgan es el clásico cuento de triunfo rockero que parece pertenecer a épocas pretéritas. El de bregarse en salas hasta hacerse un nombre, crear las expectativas suficientes como para que tu disco de debut sea un éxito (‘North’, 2016), te nutras de fans a base de tocar incansablemente por todo el país y, en mitad de la gira, prepares un segundo disco (‘Air’, 2018) que aún supere a su antecesor. El secreto de su triunfo lo podemos buscar en sus canciones recias y orgánicas, de fuerte componente norteamericano, coronadas por la fantástica voz de Caroline (Nina) de Juan. Un relato de ganadores que, a pesar de no creérselo demasiado, les ha llevado a ser sold out en la sala Apolo y agotar dos noches en el Circo Price. Así que hablamos con Nina –además de cantante, pianista y compositora principal- y Paco López –guitarra- en el camerino de la Sala Apolo, a pocas horas de su concierto. Foto: Carlos Rosillo.
¿Cuáles creéis que son las diferencias entre ‘North’ y ‘Air’?
Paco: En el segundo disco ya estábamos toda la banda completa. En el primer disco estábamos Ekain [Elorza, batería], Nina y yo. Y Toni Sotos, que era el primer bajista. Le dimos muchas vueltas entre los tres. Tras la llegada de Ove [Alejandro Ovejero] y de Chuches [David Schulthess , teclados], en la grabación del primer disco, ya se nota mucho la influencia de ellos, ya es una banda más completa. Estilísticamente son muy parecidos, así que la mayor diferencia es esa.
Nina: Sí, sobre todo porque estábamos montando los temas cuando vinieron ellos. Para el segundo ya estábamos asentados como banda. Al crear los temas de cero con ellos ya cuentas con sus influencias, sus ideas, todo su criterio. Es como una evolución de todo lo que pasaba en el primero, pero contando con ellos.
Lo que sí veo diferencia es en la duración. ‘North’ tenía trece temas y duraba 55 minutos. ‘Air’ tiene nueve canciones y dura 41 minutos. He leído que lo grabasteis en mitad de la extensa gira de ‘North’. Esta reducción de duración, ¿se debe a un proceso de depuración? ¿O es porque ibais más por faena?
Nina: No, lo teníamos bastante claro. Es verdad que en las pruebas de sonido siempre tocábamos las canciones nuevas, ya iba bastante trillado todo lo nuevo. De hecho, quisimos hacerlo tan rápido porque ya nos lo pedía el cuerpo. Teníamos muchas ganas de dejar grabadas las canciones nuevas para tocarlas en los directos; queríamos continuar con la dinámica que llevábamos, sin casi parar, para poder continuar, pero añadiéndole temas nuevos. Y para eso necesitábamos un disco nuevo.
Paco: Sí, nos tomamos igual de en serio el segundo disco que el primero. Decidimos que tuviera nueve temas y fuera más corto por un concepto de disco, no porque nos faltasen canciones ni nada. De hecho, hay como cuatro o cinco canciones que hemos grabado, a las que hemos dedicado mucho tiempo que se han quedado fuera. Están perfectas, pero consideramos que, en la escucha del disco, no eran necesarias, que el viaje era de cuarenta y tantos minutos y tal. No es un problema de falta de interés, de trabajo o de nada. Simplemente, que consideramos que el disco estaba bien así.
Hay canciones de ‘Air’ que llevabais ya muy trabajadas en los directos, como ‘Sargento de Hierro’ o ‘Marry Me’. ¿Estáis ahora tocando canciones nuevas en los conciertos?
Nina: No… No somos muy de planear nada. La verdad es que no somos muy estrategas. Cuando estábamos terminando la gira de ‘North’, teníamos todos el gusanillo de que queríamos ya grabar temas nuevos porque ya los teníamos trillados. Sin embargo, con esta [gira] todavía no nos ha tocado la campanita. Seguimos muy muy inmersos en presentar este disco, que puede parecer que lleva mucho tiempo… pero es que lleva desde marzo del año pasado. Y, al fin y al cabo, no ha pasado tanto tiempo. Todavía hay muchas ciudades a las que tenemos que ir, ciudades a las que queremos volver, para despedirnos. No tenemos nada planeado.
¿Y cuándo acabáis la gira?
Paco: ¡Cuando acabe! (risas)
Nina: Cuando nos lo vaya pidiendo. El disco creo que ya te va avisando un poco cuando está ya a su fin de vida pero… no sabemos. Ya te digo que no planeamos.
En ‘Planet Earth’ se escucha un pitido de teléfono con la batería agotada… esto ya os lo habrán comentado, ¿no?
Nina: Sí.
«Es verdad que hay que gente que piensa que se le está acabando la batería cuando escucha ‘Planet Earth'»
¿Se coló o es algún simbolismo?
Paco: Lo metimos a propósito.
Nina: De todas formas sí que fue en el estudio, porque Ove tenía su móvil quedándose sin batería en el control, estábamos escuchando el tema que estábamos grabando y vimos que estaban en el mismo tono. Y entonces, cuando lo escuchábamos, nos vino la idea de que nos molaría meterlo. Pero sí que es verdad que hay que gente nos escribe, que piensan que se les está acabando la batería cuando escuchan ese tema.
‘Sargento de Hierro’ fue escogida una de las mejores canciones del año en nuestra web. A mí se me ha metido en la cabeza que es una canción apocalíptica… ¿cuán equivocada estoy?
Nina: (risas) Bueno… En principio, el concepto de la canción va sobre el tiempo. Como que el tiempo es el “sargento de hierro”, que va a pasar aunque tú no estés preparado. Pero, a la vez, también cura las cosas. Es un poco una reflexión sobre el tiempo; sobre lo jodido que puede ser y cómo, a la vez, puedes intentar utilizarlo para ayudarte. No es apocalíptica pero… podría serlo. A mí no me gusta mucho…
Paco: …explicarlo.
Nina: Sí. Yo prefiero que una persona lo escuche y se haga su idea, que se lo lleve a su momento. Y, si piensa que es sobre un desamor, lo puede ser. Y, si piensa que es sobre la pérdida, también puede ser. Yo prefiero que cada persona lo haga suyo. Que una cosa es por qué lo escribiste y, luego, esa canción vive tantas cosas, que dices: “oye, puede hablar de cualquier cosa que te haga a ti sentir algo”.
¿Y el proceso de escribirla? Leí que tu técnica para componer es sentarte al piano, tocar unos acordes y, después, todo dependía de la primera frase que venía a la cabeza. ¿Este tema tuvo un proceso similar?
Nina: Pasa con todas. Estoy trasteando con los acordes y, de repente, viene una frase. La mayoría de veces viene la frase en inglés y tiro de ese hilo. En este caso, vino en castellano y me dije “pues tiro de ese hilo también”. Igual que con ‘Volver’. Salió directamente así.
¿Y por qué ese título de película de Clint Eastwood?
Nina: Es por la figura del “sargento de hierro” de Clint Eastwood, que define muy bien cómo yo estaba reflexionando sobre el tiempo. Es como que es muy duro, pero en el fondo también tiene su parte más…
Paco: Tierna…
Nina: … Adorable. Para mí definía muy bien lo que tenía en la cabeza, el barullo. Y me dije, “sargento de hierro. Esto es”.
Volviendo a las letras, imagino que ya estaréis hartos de que la gente os pida más canciones en castellano, ¿no?
Nina: Bueno… A ver, ¡hartos no! Nosotros estamos muy agradecidos que la gente tenga interés en lo que hacemos y…
Paco: Tampoco quiere todo el mundo.
Nina: Es verdad que cada vez menos.
Paco: Algunos lo piden, pero…
Nina: Y por razones muy variopintas. No todo el mundo lo pide por lo mismo. Al fin y al cabo, nosotros hemos empezado haciendo lo que queríamos y, si podemos, vamos a seguir haciéndolo. Que gracias a que el público nos trató tan bien, nos permite seguir haciendo las cosas como queremos y, si nos salen…
«Si no sale un tema en castellano para el siguiente disco, pues no vamos a decir “nos esperamos hasta que haya un tema en castellano, porque si no…”. No. Y, si de repente salen seis, pues los trabajaremos igual»
¿La posibilidad existe o tampoco os lo habéis planteado?
Nina: ¡Hombre! No deja de existir tampoco. Es que no vetamos nada ni forzamos nada, tampoco. Si no sale un tema en castellano para el siguiente disco, pues no vamos a decir “nos esperamos hasta que haya un tema en castellano, porque si no…”. No. Y, si de repente salen seis, pues los trabajaremos igual. No hay ningún planteamiento de nada. Por eso no podemos descartarlo, porque no sabemos qué va salir. Igual que, si para el siguiente disco, sale una canción solo instrumental. No lo sé. Que no vetamos nada, pero tampoco forzamos nada porque sí. Si nos sale natural…
Escuchándoos, se os nota mucho la querencia por el rock americano. No sé hasta qué punto eso, inconscientemente, puede influir en la elección del inglés en el momento de escribir las canciones.
Nina: A ver… Las cosas caen por el lado en que se inclinan (risas). Nosotros sí que es verdad que todas nuestras influencias, las de los cinco, exceptuando algunas cosas, en su mayoría es música de fuera. Música americana, anglosajona. Si lo que nos ha gustado siempre son los Eagles pues es muy difícil que nos vayamos a poner ahora a hacer, no sé, una canción más de corte de aquí. No sabemos. Como no tenemos tampoco prejuicio sobre nada, pues yo que sé. De repente, igual que con este disco hemos hecho unas canciones más “funkies”, que ya ves tú, nosotros no somos una banda de funky…
Paco: Nos ha salido así.
Nina: No nos importa tocar todos los palos –siempre con respeto y con cariño- . Cuando estás en el proceso, creándolo, no nos planteamos qué está vendiendo o qué pasará en el futuro, sino que estamos trabajando una canción y, lo que nos pide la canción, se lo intentamos dar.
«Si lo que nos ha gustado siempre son los Eagles pues es muy difícil que nos vayamos a poner ahora a hacer, no sé, una canción más de corte de aquí. Pero tampoco tenemos prejuicio sobre nada»
Hicisteis una versión de ‘So payaso’ de Extremoduro en las sesiones Movistar. Aparte de esta influencia anglosajona tan acusada, ¿hay alguna banda o grupo español que consideréis una influencia? No vale Quique González.
Nina: ¡Siii! A mí, personalmente, Extremoduro y Violadores del Verso. ¿Qué más? Marea, Fito… A ver… me quedo en blanco cuando me hacen estas preguntas…
¿Y el rock urbano español? Porque tu padre (Tony de Juan), había tocado en Coz. ¿Hasta qué punto es una influencia?
Nina: Hombre, es que yo, para Coz, ya llegué tarde (risas). Entonces no es que me marcase la adolescencia ni nada de eso. Al revés. El rap me marcó mucho. El rock de aquí también. La Fuga… no lo sé. Como he pasado por tantas etapas de géneros… Pero bueno, ¡que también hay cosas de aquí! Lo que pasa que sí que es cierto que, al igual que escuchaba a Extremo[duro], también me ponía un disco de los Gun’s [n’Roses]. Sobre todo, mi hermana mayor me ponía mucha música de fuera. Y, al fin y al cabo, a la hora de crear las canciones, todo eso se refleja.
Tus dos padres son músicos, ¿eran de aquellos que te perseguían para que escucharas lo que a ellos les gustaba?
Nina: ¡Noo!
¿O la música era algo que se mamaba en casa?
Nina: Sí. Siempre ha sido una cosa muy natural. De hecho, yo no creo que tenga mucho que ver. Sí que es cierto que la música tiene una importancia básica. Mis padres siempre han fomentado lo importante que es para muchas cosas, no sólo para escuchar o para sentir, sino que, para todo en la vida, la música es maravillosa. También es cierto que sus padres [señala a Paco] no son músicos y también tienen la cosa dentro. Pero sí que te lo pone más fácil. Yo a mi madre le dije “quiero cantar” y me contestó: “vale. Sé por lo que estás pasando”. Yo creo que todos los padres ponían música a los niños, aunque no fuesen músicos.
La pregunta tópica. Cuando formasteis la banda, ¿creísteis que ibais a llegar tan lejos?
Paco: No. De hecho, tenemos otros proyectos que no llegan lejos y nos da igual. Los tratamos con el mismo cariño, porque al final es música. Y si le pones pasión, disfrutas de las canciones, de tocarlas, pues aprendes con el tiempo que tener expectativas es un error si quieres dedicarte a esto. Tienes que hacerlo porque amas lo que haces.
Nina: (Asiente) Claro.
Paco: Tampoco tenemos ninguna expectativa de que esto vaya a seguir funcionando como lo está haciendo dentro de seis meses o un año. No tenemos ninguna expectativa de nada. Y eso hace que sea todo muy divertido y disfrutable.
¿Y qué trayectorias llevabais hasta que formasteis Morgan? Porque la banda arrancó en 2012, ¿no?
Paco: En 2012, sí; lo montamos para empezar a darle vueltas a temas. Estuvimos tres años así…
Nina: …en el local.
Paco: …pero con mucha calma. Un día a la semana, luego tres días a la semana…
Nina: No dábamos conciertos.
Paco: Ekain tenía su banda, Dinero. Él sí que estaba girando, le sigue yendo muy bien. Y yo tenía con Nina una banda de rock sureño, con la que tocábamos cerca de Madrid (Ávila, Salamanca, Valladolid). No te puedes ir muy lejos porque al final tocas en bares pequeños. Pero sí, ese tipo de bandas. Ove estaba en Logic, una banda que también lleva girando mucho tiempo, Chuches tocaba con todo el mundo… Sí, esa es un poco la trayectoria.
Ya ibais bien rodados, pues.
Paco: De una manera o de otra sí. Cada uno a su manera, pero sí.
«Las letras son una manera de intentar solucionar problemas que no se solucionan de otra manera»
Y volviendo a las letras, ¿son autobiográficas o simplemente las ves como un vehículo expresivo más?
Nina: Las que escribo yo, son totalmente autobiográficas. Es una manera también de intentar solucionar problemas que no se solucionan de ninguna otra manera, de sacar algo de dentro que no puedes sacar de otra manera. Para mí siempre ha sido bastante terapéutico. De hecho, yo lo hacía en casa antes de saber que iba a tocar en público. Me gustaba sentir mil cosas y hablar yo conmigo. Y luego, cuando ya cogí confianza, empecé a sacar toda la mierda que llevaba dentro guardada durante tiempo. Son autobiográficas, pero tampoco son problemas que no le hayan pasado a nadie, solo que expresado de esa manera porque no tengo otra manera de sacarlo (risas). Sí que es cierto que han ido cambiando porque, claro, no es lo mismo estar en tu casa sola, que estar girando. Y como estas canciones del segundo disco en su mayoría están compuestas durante la gira del primero, pues ya son un poquito más optimistas. Y aunque son autobiográficas, son sensaciones que puede tener cualquiera. Creo yo.
Vuestros dos discos han sido autoeditados. ¿Qué tal os funciona la experiencia?
Nina: Es un currazo y, al no tener una infraestructura muy grande, llegas hasta donde llegas. Y eso es chungo, porque no puedes abarcar. Hay muchas veces que te frustras porque no puedes llegar a los sitios a los que te gustaría, no todo lo controlas tú. Pero sí que es verdad que luego es muy reconfortante. Porque tienes unas libertades no sólo artísticas, sino de filosofía de banda, tienes mil cosas en que tú tomas la decisión y, si la has cagado, te la comes tú. Pero si va bien, te la comes tú también. A mí me parece bastante reconfortante, aunque conlleva un curro importante.
¿Os distribuye alguien o también lo hacéis vosotros?
Paco: Sí, claro, usamos distribuidoras. Contratas una editorial y contratas una distribuidora. Todo es encontrar la que a ti te convenga. Siempre hay ciertas cosas que necesitas contratar. Pero en vez de que te lo contrate una discográfica, eres tú el que se encarga de…
Nina: …contratar todos los circuitos.
Paco: Es como cualquier otra empresa.
Imagino que os habrán llegado muchas ofertas de discográficas, ¿no?
Paco: Sí, en su momento. Lo que pasa es que no llegamos a un acuerdo.
Nina: Estamos a gusto así. Cada cosa que nos han ofrecido la comparamos con cómo estamos nosotros. Si no mejora cómo estamos nosotros ahora… Aunque vayamos a currar el triple, preferimos currar el triple que empeorar nuestra situación porque sí.
Esta noche sois sold-out aquí en la sala Apolo. Y durante dos noches en el Circo Price. ¿Cómo sienta?
Nina: Tenemos muchísimas ganas de tocar. Yo tengo el estómago ya… Deseando que llegue esta noche, que lleguen las fechas de Madrid, porque es increíble. Y es lo que decía Paco antes. Nunca sabes si dentro de seis meses esto va a volver a ocurrir, si vas a poder cerrar otra fecha así y que el público responda de esa manera. ¡Buah! Estoy deseando a que llegue, que todo salga bien, de cantar, vaciarnos y pasarlo bien con todo el mundo. Porque es una pasada. Es un milagro.
«No somos de pensar en salas grandes porque nos frena más que echarnos p’alante»
¿Os veis en escenarios más grandes?
Nina: Ni idea.
Paco: No pensamos nada.
Nina: Nosotros disfrutamos de los escenarios en que tocamos, ya sean grandes o pequeños, al aire libre o aquí mismo. Como tocar nos pone tan contentos y nos da la vida, pues disfrutamos mucho de hacerlo y no pensamos en el futuro. De hecho, cada vez que hemos dado un paso y hemos venido a una sala grande, sin haber estado antes, lo que sentimos es acojone y luego ya lo vamos disfrutando. Pero no somos muy de pensar en salas grandes porque nos frena más que echarnos p’alante.
Estáis nominados al Premio Ruido al mejor disco español del año. ¿Os veis con posibilidades?
Nina: Ya con estar nominados nosotros hemos ganado. Eso es ya un triunfo. Tenemos ganas de ir ahí.
Paco: Sí, echar la tarde…
Nina: Ver a los compañeros y disfrutar de la noche.
¿Tenéis algún favorito?
Nina: ¡Casi todos! A mí me gusta el de Rosalía. Decirlo ya no sé, porque todo el mundo ya habla tanto de ella… Pero estoy enamorada totalmente de ese disco. Es que me parece una genialidad.
Paco: Rufus [T. Firefly]
Nina: Sí, Rufus también. ¿Quién más está? Belako también está…
Los traigo apuntados [empiezo a cantar la lista de nominados]
Nina: Pues yo diría esos tres. ‘Loto’ [de Rufus T. Firefly], Belako y Rosalía.
Una última pregunta. Yo uso más deezer que Spotify. Y así como en Spotify en cuanto os busco aparecéis bien y sin problema, en deezer es un follón, porque bajo vuestro nombre salen mil cosas distintas. Entonces, en esta época en que prima tanto el posicionamiento, aparecer inmediatamente en las búsquedas, ¿no es preocupa que con vuestro nombre no surjáis enseguida?
Nina: Buah. Hay un rapero que se llama Morgan, un grupo que se llama The Morgans.
Paco: Hay una marca de ropa, unos coches…
Nina: …una marca de amplis, Morgan Freeman…
Paco: Nos da un poco igual, la verdad.
Nina: Sí. Empezó siendo un nombre que elegimos porque teníamos que tocar esa noche y no teníamos nombre. Lo dejamos como algo temporal y se ha quedado. Y, hasta ahora, no hemos tenido problema.
Paco: Lo nuestro es hacer canciones. El posicionamiento y google, para otras cosas. Nosotros, lo importante es que hagamos nuestros temas, que suenen bien y ya está.
Nina: Y luego, el que se quiere enterar de qué estamos haciendo, pues al final, aunque le cueste un poco, se acaba enterando.
Rihanna ha denunciado a su padre después de que él junto a su socio, Moses Joktan Perkins, haya utilizado su nombre y su marca de cosmética, Fenty Beauty, sin permiso. La compañía de Rihanna creada en 2017 hace referencia a su verdadero nombre, Robyn Rihanna Fenty, y el mismo año su padre habría creado una empresa de nombre similar llamada Fenty Entertainment, intentando con ella crear una compañía de hoteles boutique. Además, también ambos habrían intentado vender un contrato para que Rihanna diera 15 conciertos en Latinoamérica por 15 millones de dólares sin que ella lo autorizase.
La denuncia realizada por Rihanna este martes 15 de enero y que ha sido sacada a la luz por TMZ y comprobada por otros medios internacionales indica que la cantante ha realizado varias advertencias legales (en inglés “cease & desist”) a su padre de que dejara de utilizar su nombre sin su permiso, antes de proceder a denunciar.
El mundo sigue, mientras tanto, esperando que Rihanna publique el sucesor del exitoso ‘ANTI’, que 3 años después de su edición continúa en el Billboard 200, exactamente en el número 119 en su 154ª semana en lista. Como indica NME, la cantante ha respondido en redes a un fan que el disco saldrá en 2019, si bien no se sabe si se refiere al álbum jamaicano que preparaba, a su álbum pop o si finalmente fusionará ambas ideas.
En la teletienda, cuando compras una milagrosa sartén antiadherente para hacer tortilla de patatas, te regalan cosas como un “práctico” pelador, un cuchillo “de chef” o el sacacorchos que usa Bertín Osborne. Hasta hace poco, Prime Vídeo era el “sacacorchos” de Amazon; un regalito para sus suscriptores, que estaban mucho más interesados en la rapidez y ahorro de los envíos que en ver las series de su plataforma. ‘Transparent’, ‘El hombre en el castillo’, ‘Mozart in the Jungle’, ‘Goliath’… Vale, están bien. Pero al lado de la oferta de Netflix o HBO, pocos iban a pagar por ellas. Sin embargo, en los últimos meses, eso está cambiando: el “práctico sacacorchos” viene acompañado de buen vino.
La superproducción ‘Jack Ryan’, la premiadísima ‘La maravillosa Sra. Maisel’ o la prestigiosa ‘The Looming Tower’ (sin contar con la esperada adaptación de ‘El señor de los anillos’), unido a la próxima emisión en directo de eventos deportivos (este año ya empiezan a emitir partidos de fútbol de la Premier), están convirtiendo a la plataforma de vídeo de Amazon en una especie de “Señor oscuro” para sus competidores. Aunque el diseño y la navegabilidad de su web todavía es muy mejorable, su catálogo es cada vez más atractivo.
Una de las últimas incorporaciones ha sido ‘Homecoming’, la nueva serie de Sam Esmail (‘Mr. Robot’) que ha visto recompensada su calidad siendo nominada a tres Globos de Oro: Mejor Drama, Actriz (Julia Roberts) y Actor (el prometedor Stephan James). Te damos cinco razones para ver sus diez episodios:
1. Un adictivo guión basado en un popular podcast
En España, los podcast narrativos son una rareza. Pero en el ámbito anglosajón, sobre todo desde la irrupción de la compañía Gimlet Media, son cada vez más populares (por no hablar de la BBC, claro, que lleva emitiendo radionovelas toda la vida). ‘Homecoming’ es la adaptación del audiodrama homónimo creado en 2016 por Micah Bloomberg y Eli Horowitz (guionistas también de la serie). Un estimulante relato de misterio, de corte conspiranoico y discurso antibelicista, articulado alrededor de temas como la reinserción en la vida civil de los soldados tras volver del frente, los peligros de la externalización de los servicios públicos o las nuevas formas de explotación laboral, donde el empleado está disponible a través del móvil las veinticuatro horas.
2. El estilo visual: entre Hitchcock, el thriller setentero y Xavier Dolan
‘Homecoming’ esta dividida en dos líneas temporales: el presente, en 2018, y el futuro, en 2022. Cada una está rodada en un formato distinto: panorámico la primera, en 16:9, y cuadrado la segunda, en 1:1. Este último recurso estilístico, muy poco habitual fuera del cine de autor, es una forma muy eficaz de transmitir la sensación de claustrofobia, opresión y “estrechez” de memoria y conciencia que sufren los personajes. Cuando en el episodio ocho, Esmail (que ha dirigido los diez episodios) revela cierta información al espectador, el formato cuadrado se expande como en la célebre secuencia de ‘Mommy’. Este recurso, unido a las constantes y muy pertinentes referencias estéticas a Hitchcock –en especial a ‘Vértigo’- y el thriller conspiranoide de los setenta –fotografía de colores apagados, uso del zoom, predilección por la utilización del plano secuencia (atención a los inusuales créditos finales)- hacen de ‘Homecoming’ una de las series visualmente mejor diseñadas y atractivas del momento.
3. Su atractiva banda sonora, con partituras clásicas de los setenta
Las referencias al thriller del Hollywood de los setenta no son solo visuales, también musicales. La supervisora musical Maggie Phillips, que ya ha demostrado su talento en otras series como ‘El cuento de la criada’ y, sobre todo, ‘Fargo’, ha cosido una evocadora banda sonora a partir de retales de composiciones clásicas de otras películas afines al género: ‘La conversación’ (1974), ‘Todos los hombres del presidente’ (1976) o ‘Marathon Man’ (1976)… El resultado de esta combinación es tanto un homenaje cinéfilo como un afortunado recurso para crear atmósferas y modular los sentimientos de los personajes.
4. La protagonista es una cincuentona
No parece casualidad que la primera serie protagonizada por Julia Roberts esté producida también por ella. Los buenos papeles protagonistas para estrellas de más de cincuenta escasean, y aún más para las que han sido “novia de América”. No es de extrañar que la actriz, fan del podcast (su papel lo interpretó su amiga Catherine Keener), se metiera de cabeza en el proyecto en cuanto se enteró de su existencia. El resultado de este empeño es la creación de uno de los personajes femeninos más interesantes de la temporada y una de las mejores interpretaciones de la carrera de la actriz.
5. Los capítulos duran media hora.. y no hace falta más
Esmail ha conseguido algo que parecía imposible (o por lo menos que no se veía desde ‘En terapia’, con la que ‘Homecoming’ tiene más de un punto de contacto): unir la ligereza del formato de las series de media hora, muy habitual en el género de comedia, con el ritmo y la densidad narrativa de los relatos dramáticos. En una época en la que la mayoría de las series están hinchadas como un culturista en un gimnasio de barrio (la última de ‘Narcos’ es un buen ejemplo), ‘Homecoming’ es pura fibra: no le falta ni le sobra nada. Su narrativa es directa, contundente y muy, muy eficaz. Por cierto, en el capítulo final hay escena poscréditos. Y es que habrá segunda temporada. 8.
Ketama fueron una de las bandas más importantes de los 90 en España gracias a su fusión de flamenco y música latina, materializada con enorme éxito en su disco de 1995, ‘De aki a Ketama’. Ahora, el trío compuesto por los hermanos Antonio, Juan José y José Miguel Carmona se han reunido para reeditar aquel álbum con dos temas nuevos, ‘Lokos de amor’ y una versión de ‘Ángel caído’ de Antonio Vega, una reedición que presentarán durante los meses de febrero a mayo en una extensa gira por nuestro país.
Con motivo de su vuelta, Ketama han concedido una entrevista a El Confidencial -de titular un pelín libre, hay que aclarar- en la que se han enfrentado, como era de esperar, a una pregunta sobre Rosalía. En su diálogo, Juan José y Juan Miguel dicen respetar a Rosalía, pero apuntan que no la consideran una “cantaora de flamenco” ya que ella “no se ha criado en el ambiente del flamenco”, de la misma manera que José Miguel no se considera guitarrista de jazz aún habiendo tocado jazz. José Miguel opina en cualquier caso que Rosalía “va a ayudar a que se ponga el flamenco en el mapa” y apunta que su música le parece “muy interesante” y le gusta “mucho”, pero “está bien saber que no es la Niña de los Peines”, y José celebra que la fusión de Rosalía “abra puertas”.
De quien no son fans Ketama es de Niño de Elche. Sin ser preguntado, José Miguel apunta que otros flamencos “más transgresores” no le gustan y menciona específicamente al autor de ‘Antología del cante flamenco heterodoxo‘: “hay una foto de El Niño de Elche cantando en un váter que me parece innecesaria. Lo respeto pero no es algo que me emocione. No tengo nada en contra y el arte está para sentirlo cada uno como quiere”, indica, a lo que José responde que “cuando alguien es artista no hace falta que haga nada del otro mundo“, pues “Camarón fue Camarón porque fue Camarón, y Morente porque fue Morente”. José Miguel insiste en cualquier caso que “el arte es libertad y respeto”. “Es lo bonito de la música”, apunta. “Es una forma de ver el mundo diferente”.
En Instagram, Niño de Elche ha contestado a las declaraciones de Ketama, indicando a Carmona que en su concierto “no estoy haciendo como el que caga ni es un váter” y “a ver si nos vemos los espectáculos del genio de Israel Galván”. También les da las gracias “por la publicidad”.
Los días 10 y 11 de mayo volverá a celebrarse en el Teatre del CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona) una nueva edición, la 8ª, de Primera Persona, un festival que reúne a “creadores de varias disciplinas artísticas que basan su obra en su propia experiencia vital” y en la que pueden disfrutarse de lecturas, monólogos y conversaciones, además de actuaciones en directo.
Más de 10 años después de que Ruth Lorenzo triunfara en el ‘X Factor’ británico con su versión de ‘Purple Rain’ de Prince, inaugurando una carrera que le ha llevado a publicar 
Llega la III edición de WegowDay, el concierto anual que organiza Wegow. La nueva edición se celebra el 30 de marzo en la sala Ochoymedio de Madrid, a partir de las 19.00 y con un cartel que busca representar a “algunas de las bandas más frescas de la escena indie española”. El cartel está conformado por 
A finales de 2018, Cardi B retomaba su actividad artística tras pasar su baja por el nacimiento de su primera hija junto a Offset –del que 
Resulta un verdadero placer asistir al crecimiento de artistas como 
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Buenas noticias para Dani Mateo. La fiscalía ha pedido el archivo de la causa contra él. El presentador y cómico colaborador de El Intermedio estaba imputado por un delito de «ultraje a la bandera» tras sonarse los mocos con una durante un gag del mencionado programa de humor. 
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El sello Mute ha cumplido 40 años y en 2019 lo celebrará publicando una caja especial con la que homenajeará una de las composiciones más importantes de la música de vanguardia, 
Deerhunter publican nuevo disco, ‘Why Hasn’t Everything Already Disappeared’ este viernes 18 de enero, y en promoción de este trabajo, el líder de la banda Bradford Cox se ha animado a participar en una 
Hozier, autor de la gran ‘Take Me to Church’, 
Este próximo 30 de enero se entrega el Premio Ruido a mejor disco nacional del año, concedido por la prensa, en el Teatro Barceló de Madrid. Previamente se había anunciado que actuarían 4 de los 12 nominados, en concreto Morgan, La Plata, Rufus T. Firefly y Putochinomaricón. Hoy se suman otros 3 de los nominados: Zahara, Belako y La Habitación Roja. Cada uno de estos siete artistas interpretará tres temas del álbum por el que están nominados. Las entradas para asistir a este evento 
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Este martes decenas de miles de personas en España se han manifestado en contra de 
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The Drums, desde hace unos años el proyecto único de Jonny Pierce, ha anunciado un nuevo álbum para el 5 de abril. ‘Brutalism’ llega dos años después del notable ‘
21 Savage ha conseguido ser el número 1 de álbumes en Estados Unidos durante la Navidad gracias el disco que editaba en la segunda quincena de diciembre, ‘i am > i was’. El rapero de Atlanta ya era conocido tanto por su disco de debut ‘Issa Album’, que contenía el hit ‘Bank Account’, como por su disco colaborativo ‘Without Warning’, que compartió con Offset de Migos y Metro Boomin. Y luego por supuesto están sus «featurings», entre los que destacan por su enorme popularidad ‘rockstar’ con Post Malone -ahí es nada, es una de las canciones más exitosas de la década- y ‘Bartier Cardi’ con Cardi B, otro single multiplatino en Estados Unidos. 
El triunfo de Morgan es el clásico cuento de triunfo rockero que parece pertenecer a épocas pretéritas. El de bregarse en salas hasta hacerse un nombre, crear las expectativas suficientes como para que tu disco de debut sea un éxito (‘North’, 2016), te nutras de fans a base de tocar incansablemente por todo el país y, en mitad de la gira, prepares un segundo disco (‘Air’, 2018) que aún supere a su antecesor. El secreto de su triunfo lo podemos buscar en sus canciones recias y orgánicas, de fuerte componente norteamericano, coronadas por la fantástica voz de Caroline (Nina) de Juan. Un relato de ganadores que, a pesar de no creérselo demasiado, les ha llevado a ser sold out en la sala Apolo y agotar dos noches en el Circo Price. Así que hablamos con Nina –además de cantante, pianista y compositora principal- y Paco López –guitarra- en el camerino de la Sala Apolo, a pocas horas de su concierto. Foto: Carlos Rosillo.
Rihanna ha denunciado a su padre después de que él junto a su socio, Moses Joktan Perkins, haya utilizado su nombre y su marca de cosmética, Fenty Beauty, sin permiso. La compañía de Rihanna creada en 2017 hace referencia a su verdadero nombre, Robyn Rihanna Fenty, y el mismo año su padre habría creado una empresa de nombre similar llamada Fenty Entertainment, intentando con ella crear una compañía de hoteles boutique. Además, también ambos habrían intentado vender un contrato para que Rihanna diera 15 conciertos en Latinoamérica por 15 millones de dólares sin que ella lo autorizase. 
En la teletienda, cuando compras una milagrosa sartén antiadherente para hacer tortilla de patatas, te regalan cosas como un “práctico” pelador, un cuchillo “de chef” o el sacacorchos que usa 
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