Pau Donés denuncia la “corrupción” de la SGAE, que niega haber demandado a varios de sus socios por fraude

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18 enero, 2019

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Con su profusa actividad del pasado año aún reciente, sabemos bien que Kanye West no puede parar de crear. Pero ahora parece que tampoco puede parar de (y perdón por el mal chiste) procrear. Y es que esta semana él y su mujer, la celebrity Kim Kardashian, han confirmado que “muy pronto” van a ser padres de una cuarta criatura. De nuevo, como ocurriera justo hace un año con su hija Chicago, nacerá por gestación subrogada y será un chico –algo que KimKar asegura que ya circulaba por ahí porque, dice, se emborrachó en Navidad y se lo contó a norecuerdaquién–.

De manera casual –o quizá no, porque a más churumbeles, más facturas que pagar–, un par de días después West retoma la frenética actividad musical que desarrolló a lo largo de todo 2018, que no sólo abarcó aquellos 5 álbumes cortos que produjo e interpretó, sino también en numerosas colaboraciones para XXXTentacion, 6ix9ine o Lil Pump. Hoy, nos le encontramos en ‘We All Shine’, el álbum que el rapero de Florida YNW Melly ha lanzado al mercado. Concretamente en un tema bastante atractivo –tiene hechuras de hit, al menos para USA– titulado ‘Mixed Personalities’, que es lanzado como single con un vídeo co-protagonizado por el autor de ‘Yeezus’, junto a una serie de robots humanoides y el propio Melly.

Por otra parte, tras meses de demora y sin una explicación clara de ese retraso, seguimos sin noticias de ‘Yandhi’, el álbum en solitario que Kanye llegó a anunciarse hasta en dos fechas distintas. Y nada. Lo único seguro es que, se publique antes o no, el festival Coachella NO será una de las plazas donde lo presente.

Ezra Koenig de Vampire Weekend da detalles de su nuevo disco y anuncia inminente single doble

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18 enero, 2019

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Ocupadisimo siendo padre, escribiendo y produciendo su serie de anime ‘Neo Yokio‘ (disponible en Netflix) y, sobre todo, ultimando lo nuevo de su grupo Vampire Weekend, Ezra Koenig ha acudido a su red social favorita, Instagram, para detallar por fin el esperadísimo álbum que dará continuidad a ‘Modern Vampires of the City‘, publicado en un ya lejano 2013.

Bajo una imagen de la carpeta de su sistema operativo que contiene todo lo relativo a este nuevo trabajo –que no llevará finalmente por título ‘Mitsubishi Macchiatto‘, como dijo tiempo atrás, sino algo bajo las siglas ‘FOTB’–Koenig ha escrito un largo texto explicando que, para él, este plazo de 5-6 años entre su tercer y cuarto álbum ha sido necesario, y que los 3-4 años entre ‘Contra‘ y ‘MVOTC’ se hicieron para él mucho más largos que este periodo previo. Confirma que tendrá 18 canciones y, aunque será doble en su edición de vinilo, dura 59 minutos, por lo que no lo será necesariamente en su edición CD. Asegura que, para él, no sobra ni uno de esos 18 cortes, y que, de hecho, en algún momento ‘FOTB’ fue un doble álbum con 23 canciones cada volumen (!).

Tras anunciar su acuerdo con Sony el pasado verano, asegurando que habría nueva música pronto, parece que ahora sí es cierto que el primer avance de este disco es inminente: Koenig asegura que la próxima semana lanzarán un doble adelanto, y que habrá otros dos adelantos dobles –uno por mes– antes de la salida del álbum. Lo cual nos lleva al mes de abril. Por tanto, para cuando actúen en la próxima edición de Mad Cool –junto a The Cure, The 1975, Smashing Pumpkins…–, ‘FOTB’ habrá sonado sobradamente en nuestros reproductores. Confiamos en saber más, dentro de apenas unos días.

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To the fans:⁣ I know that 5-6 years is considered a long time between records. Personally, I think it’s a dignified pace befitting a band that’s already placed three albums in stores but everyone has their own sense of time. (I swear the time between 3 & 4 felt shorter to me than 2 & 3. I may be in the minority on this one.) ⁣ ⁣ This album didn’t really take any longer to write/record than MVOTC. We just took more time on the front end to chill. I’ll admit I may have stretched out the mixing/mastering process (aka THE END) a little bit cuz spending half the day with my family & half the day at Ariel’s is my ideal life-rhythm & it’s painful to say goodbye to that rhythm.⁣ ⁣ Many of you have been hungry for information and we’ve given you very little. I don’t like talking abt a project while in the middle of making it. I usually regret everything I say cuz it turns out to be wrong (so disregard anything I may have said in the past 5 years.) I thought abt making a recording diary to tide over the people leaving intense comments but…to me, the album IS the recording diary…man.⁣ ⁣ It’s called “FOTB” (well those are the initials – that’s a VW tradition) and it’s 18 songs. Picked the name a few years ago. At some point early on, the album drifted from the Mitsubishi Macchiato aesthetic. It was a helpful guiding principle tho. Working titles are important too.⁣ ⁣ It’s a lot of songs but they all belong there. (If you disagree, you can always say it was 6 songs too long & make a lil 12-song playlist version of it.) At first, I wanted to make two 23-song albums on some human chromosome shit but then 23&me started doing Spotify playlists and I don’t know…felt we’d been scooped.⁣ ⁣ Is it a double album? The vinyl will be double so…yes? It’s about 59 minutes long. We can talk more abt that later – if u care. To me, it’s just FOTB.⁣ ⁣ Anyway, we’re gonna start releasing music next week. After all that waiting, you should have the general schedule:⁣ ⁣ -There will be three 2-song drops every month until the record is out. 1. hh/2021 2. s/bb 3. tl/uw. (plans can change that’s the plan)⁣ ⁣ Thank you for ur patience,⁣ Ezra

Una publicación compartida de Ezra Koenig (@arze) el 17 Ene, 2019 a las 1:05 PST

Ariana Grande pervierte y se folla ‘My Favorite Things’ en ‘7 Rings’

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18 enero, 2019

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Desde que en 1959 se estrenará en Broadway el musical ‘The Sound of Music’, escrito por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, ‘My Favorite Things’ se ha convertido en un clásico de la música. La versión de Julie Andrews en la adaptación fílmica del musical, que aquí conocemos como ‘Sonrisas y lágrimas’, la hizo universal, pero también las versiones del tema que han hecho a lo largo de las décadas eminencias como John Coltrane, David Brubeck, Barbara Streisand o Tony Bennett, además de The Supremes, Rod Stewart, Laibach o Kelly Clarkson. Y ahora se les ha unido Ariana Grande… más o menos.

El anunciado nuevo single de la estrella del pop, ‘7 Rings‘, está profundamente inspirado en aquella canción que este 2019 cumplirá 60 años, nada menos. Y su grandeza está, precisamente, en lo absolutamente irresistible que continúa resultando como gancho. Así, Grande no se anda con rodeos y se apropia de la melodía principal de la canción de Rodgers y Hammerstein II –por supuesto, están acreditados como autores– a la primera de cambio… pero sólo de ese gancho. Porque la letra de ‘7 Rings’, aunque mantiene la esencia de la original –olvidar las penas pensando en las pequeñas cosas que a una le gustan–, es mucho más perversa que aquellas «gotas en las rosas y los bigotes de los gatos». Ariana ideó esta canción tras un día en Nueva York. Para quitarle las penas, sus amigas la llevaron a Tiffany’s, la popular joyería de la 5ª Avenida, y ella decidió comprar un anillo para cada una de ellas, siete en total, para luego correrse una farra. Enseguida decidió que eso debía ser una canción, y… ¡bingo!

Así, ‘7 Rings’ desgrana las cosas favoritas de la cantante, que incluyen joyas, coches, casas, champán carísimo y toda una cohorte de fruslerías con las que dejar atrás la mala racha personal que se le ha ido acumulando. Curiosamente, las amigas de los 7 anillos –en realidad, no todas, sólo 4 de ellas más Ariana– aportaron su granito de arena a los versos y aparecen acreditadas como autoras: Victoria Monét, Tayla Parx, Njomza y Kaydence Krysiuk –las otras dos son Courtney Chipolone y Alexa Luria–. Esos créditos sí que son un auténtico regalo, si esto se convierte en un hit, como podría ocurrir.

Y es que, producida por TBHits y Social House –el mismo tándem que hizo ‘thank u, next‘, el mayor éxito de su carrrera–, ‘7 Rings’ resulta ser toda una chuchería irresistible, por boba que parezca la idea. Con una base de trap apesadumbrado –pero no sucio–, Grande acaba por pervertir la melancólica melodía original y, con mucho sentido del humor, follársela con su adicción a las compras y mucho sentido del humor. Como el que le lleva a bromear con las extensiones de pelo de su famosa cola de caballo: «¿Te gusta mi pelo? Pues gracias, acabo de comprarlo», canta en su cortante estribillo antes de esa sucesión de «lo quiero, lo tengo» con la que es imposible no bailar.

Por supuesto, todo esto se reviste de aún más humor y perversión ultracapitalista en un magnético vídeo, no tan delirante como el de ‘God Is a Woman‘, pero casi. Dirigido por Hanna Lux Davis (autora del clip de ‘thank u, next’ que batió records), Ariana se envuelve en colores rosa chicle, acabados metalizados, diamantes y humo en una mansión (aunque el exterior aparenta ser humilde) en la que monta un pari con sus amigas. De todos sus planos, sin duda el de la autora de ‘Sweetener’ rompiendo los muros de papel de una reproducción a pequeña escala de la mansión, con su cara apareciendo detrás, es el más icónico.

Madonna empieza a seguir en Instagram a Rosalía, Canada, Halsey… ¿pero significa algo?

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18 enero, 2019

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Los foros de Madonna están revolucionados porque la artista ha empezado a seguir esta semana en Instagram a Halsey, recientemente número 1 en Estados Unidos con ‘Without Me’, y ahora a Rae Sremmurd y a Rosalía, autora de ‘El mal querer’, y a la productora catalana Canada, que tanto ha trabajado recientemente con la propia Rosalía, antes con su productor El Guincho o artistas internacionales como Beck o Tame Impala. «¿Y qué?», se preguntará el mundo con mucha razón.

Madonna tan sólo sigue a 200 personas en su Instagram, y cada vez que empieza a seguir a un artista, sus seguidores deducen que se avecina una colaboración. Así reveló al mundo que Mirwais era co-productor de su último disco meses antes de que se decidiera a posar con él. Así se supone que ha revelado que su próximo videoclip lo ha dirigido Emmanuel Adjei, o que se avecinan colaboraciones con Maluma y Mykki Ekko, si bien todo esto no ha sido confirmado. ¿Podemos dar por hecho que habrá colaboración entre Madonna y Rosalía y/o videoclip producido por Canada? No necesariamente.

Es verdad que Madonna sigue mayoritariamente a gente con la que ha colaborado. Entre las escasas personas que sigue está sobre todo gente con la que ha colaborado de una manera o de otra: Björk, Britney Spears, Taylor Swift, Chance the Rapper, Alicia Keys, Katy Perry, Miley Cyrus, Ariana Grande, Diplo, Lenny Kravitz, Rita Ora, Sean Penn, Nicki Minaj (que ha dejado de seguirla tras colaborar con Cardi B)… Su escasa lista de seguidos (por poner un ejemplo Katy sigue al doble de personas, Miley a más del triple, y Rosalía casi al quíntuple) es una compilación clara de su vida pasada. Una especie de diario: una se pasó a tocar el piano, otra se grabó haciendo cucamonas para un vídeo, con otro montó un matrimonio y una película, otra le tocó una guitarra en directo, otro le dejó un rap, para otra grabó un «speech» feminista…

Sin embargo, también hay excepciones. Madonna no ha trabajado con Patti Smith ni parece que vaya a hacerlo a estas alturas, porque las dos están en galaxias distintas artísticamente; y también sigue a celebridades como Obama o Cristiano Ronaldo. Por otro lado, si tenemos que deducir que está trabajando con todo el mundo que está siguiendo últimamente, lo cierto es que no cabe en un disco: Frank Ocean, Post Malone, Yves Tumour… ¿de verdad todo este montón de gente va a trabajar con ella en esta era además de Anitta, Nakhane, Starrah…? Es verdad que algunos artistas simplemente pueden haber sido sampleados como Madonna hizo con Abba o Public Enemy, nuestro forero Tuki cree que puede estar preparando una mixtape colaborativa además de un disco debido a una imagen que subió a su Stories… pero también puede que simplemente esté… ya sabéis… utilizando su Instagram a secas.

Monarchy: «El pop está evolucionando más rápido que cualquier otra cosa»

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18 enero, 2019

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Monarchy siempre han tenido una sólida base de fans en España, y siempre han sido muy voluntariosos para respondernos dudas y entrevistas. Pero es la primera vez que tengo ocasión de hablar a la vez con el vocalista y letrista Ra Black y el productor Andrew Armstrong, con quien sí charlé una vez en solitario. En las oficinas de Warner de Madrid me encuentro a Ra ya a cara descubierta tras haberse camuflado detrás de una máscara durante sus inicios, y a Andrew, que vive en la ciudad porque «hace buen tiempo». Ra habla bajísimo y como si la vieja máscara le impidiera articular más de tres frases consecutivas, pero no es parco en ironías ni titulares; mientras Andrew, pese a (o gracias a) no ser el vocalista, habla más alto, decidido y es más divertido. El grupo se embarca ahora en una gira europea sin paradas en nuestro país, pero no os preocupéis, que a menos que vuelvan a separarse de nuevo (por lo que les pregunto también), las habrá seguro. Este mismo viernes 18 de enero actúan a las 18.00 en Fnac Callao, donde firmarán discos.

¿Cómo definiríais este disco? ¿Es un EP largo o un disco corto? ¿Y cómo lo definiríais por sonido?
Andrew: «Un disco corto, definitivamente. Un EP para mí son 4 canciones. Este disco tiene un principio y un final, además de dos caras, como un viejo vinilo, con sus temas hacia la mitad como más lentos».
Ra: «Es más positivo, más luminoso, más divertido. Refleja en qué momento estamos».

El disco empieza con ‘Back to the Start’ (que en el momento de esta entrevista aún no se sabe que es el single). ¿Es un tema clave para vosotros? Y contadme si habéis contado con cuerdas reales.
A: «No, no son reales. Nada lo es. ¡Todo es una ilusión! (risas) En la música dance de los 90 nunca se usaban cuerdas reales, así que no procedería nada que nosotros utilizáramos cuerdas reales, como Eurythmics o algo así».
Ra: «Nunca he pensado si es un «tema clave» para nosotros».
A: «Para mí sí lo es».
Ra: «Sí que que captura ese carácter más positivo del disco».

¿Habéis usado diferentes sintetizadores esta vez?
A: «He usado mucho el Jupiter-6, un sintetizador viejo analógico de Roland que siempre he tenido, pero esta vez he vuelto a recuperarlo y le ha dado al disco un sonido más rico y orgánico, me ha gustado mucho meterlo».

¿Cuánto tiempo habéis trabajado en este disco?
(Ambos se ríen)
A: «Mucho».
Ra: «Desde el último. Sé que el disco es corto, pero hemos escrito muchos temas y trabajado mucho en él».

«Hacer un disco positivo fue un reto personal. Estaba cansado de escribir desde un punto de vista desesperado»

¿Por qué es tan positivo?
Ra: «Fue un reto personal. Estaba cansado de escribir desde un punto de vista desesperado. Quería hacer canciones que me pusieran de buen humor. No escribí los temas necesariamente desde un punto de vista positivo, sino que intenté escribir así para sentirme positivo. Era un intento de cambiar de humor. Algunas canciones las hicimos en España y España siempre tiene un efecto positivo en nosotros».
A: «Y siempre escribimos al volver de gira y, cuando vuelves de gira, piensas en canciones que vayan a funcionar bien en directo. Por ejemplo, ‘Back to the Start’ creo que funcionará muy bien en directo».

¿Cuán importantes son las letras para vosotros, dado el sonido tan claro que tenéis?
Ra: «A veces son importantes, a veces no. Lo más importante es que el sonido esté bien. Claro que son importantes, antes buscaba sobre todo lo poético, pero cada vez es más importante para mí escribir sobre cierta perspectiva de verdad en lugar de sobre algo adornado. Hay que buscar un equilibrio. Si algo es demasiado real, es demasiado duro. Hay que buscar un término medio».

¿Alguna letra favorita en este álbum?
Ra: «‘Deep Cut’. No es que sea muy profunda, pero tiene muchas frases que me gustan».
A: «‘Racie’s Cousin’. Tiene una perspectiva diferente, no es una canción sobre relaciones como las demás, tiene un punto de vista social, sobre provenir de un entorno de necesidad, es más interesante».

«Queríamos darle una sensación de orgía a ‘Deadset Lust’, pensamos que le iría bien»

¿Ha podido ser Gainsbourg una inspiración en ‘Deadset Lust’?
A: (risas) «No realmente».
Ra: «¡Un poco!».
A: «Queríamos darle a la canción una sensación de orgía, como hacer un ‘Kiss’ de Prince a la francesa. Al ir trabajando en ella pensamos que le iría bien el sonido de una orgía».

El sexo es el tema de esta canción y de otra pista…
A: (sonríe) «‘Cumming Coma'».

¿Cuál es el mensaje detrás de esto?
A: «El sexo es bueno» (risas).
Ra: «No creo que haya un mensaje. Solo es una expresión».

Lo digo porque desde que gobierna Donald Trump, han surgido muchas canciones con mensaje de libertad.
Ra: «Las canciones sexuales no están escritas a causa de Trump» (sonríe).

¿Cuál es el tema más reciente del disco?
A: «‘Back to the Start’. La hicimos en España, hace un par de meses».

Porque vives aquí, se te ve de vez en cuando por aquí y por allá… ¿qué te trae por aquí?
A: «Sí. Me gusta España, me gusta mucho Madrid. Quería dejar Londres, aunque voy mucho. En realidad vivo entre los dos sitios».

Andrew: «Siempre he estado integrado en la gentrificación siendo parte del problema. Pero me encanta Lavapiés».

¿Cuál es tu barrio favorito?
A: «Lavapiés. Me encanta, cada día hay un nuevo bar o lo que sea. Sé que es víctima de la gentrificación y yo soy parte de la gentrificación (risas) Pero en Londres, me pasó igual: vivía en East London, cuando el barrio pasó de ser almacenes sucios a un cúmulo de coctelerías. Siempre he estado integrado en la gentrificación siendo parte del problema. Pero me encanta Lavapiés».

Pues mira que hay cuestas.
A: «Pero eso es bueno para tu cuerpo».

«El synth-pop nunca se pasa de moda, pero tampoco pasa a la primera línea. Siempre está por ahí, influyendo»

¿Qué opináis de la supervivencia del synth-pop? Se habla de tantas tendencias… pero de repente sale un grupo como Monarchy y sigue teniendo su público.
A: «Creo que siempre ha estado ahí. Cada año alguien proclama que «ha vuelto la música disco» porque Nile Rodgers ha sacado un single o algo. Y con el synth-pop es igual. Nunca se va, pero tampoco pasa a la primera línea. Siempre está por ahí, influyendo diferentes cosas. Yo creo que es lo mismo que pasa con el punk, que «vuelve cada año». O el indie o lo que sea».

¿Escucháis diferentes cosas o estáis tan apegados a un estilo como parece?
Ra: «Yo oigo mucho jazz. Quiero decir, sobre todo escucho música pop, pero escucho jazz porque el pop está evolucionando más rápido que ninguna otra cosa, y eso es lo que amo y odio del jazz, que se mantiene, no progresa. Es como ponerte música clásica. Así que escuchando jazz me relajo».
A: «Yo escucho todo tipo de música. Mucha música francesa, como Yusek, French touch… Música para ir de fiesta, pop también. También pop alternativo como Parcels. Hay muchas bandas australianas en el underground que están muy bien».

«Colaborar con una orquesta es como el final para un músico, sobre todo si viene de la cultura de clubs. ¿Jeff Mills con orquesta? ¡Coge el 909, abajo la orquesta!»

Si hicierais algo que no fuera synth-pop, ¿lo firmaríais como Monarchy?
Ra: «Interesante pregunta. Monarchy es un sonido. Y el sonido de Monarchy es la suma de Andrew y yo. Así que si no estamos de acuerdo en cómo sonar, no sé qué pasaría».
A: «Por eso yo nunca haría una colaboración con una orquesta (risas) Es como el final para un músico. Sobre todo si eres un músico que viene de la cultura de clubs. ¿Jeff Mills con orquesta? ¡Coge el 909, abajo la orquesta!».

Pet Shop Boys siguen haciendo música de baile con Stuart Price a los 60 años, aunque les cuesta llegar a gente joven. ¿Cómo os veis vosotros a su edad?
A: «Seremos un combo de jazz y haremos bodas» (sonríe)
Ra: «Hay veces en que hacer lo mismo se convierte en aburrido. Rod Stewart dejó de hacer lo que quiera que hiciese y empezó a hacer lounge. Eso es regresivo. Nosotros preferimos ser más avant garde en el futuro que regresivos».

Algo como Grace Jones. Aunque es complicado cuando no saca disco hace 10 años.
A: «Depende del grupo. El último disco de Blondie fue un comeback total. De David Byrnes fue increíble el último. Por supuesto los últimos de Bowie. Si tienes algo relevante que decir…»
Ra: «Yo de Depeche Mode prefiero sus últimos álbumes».

¿En serio? ¿Por qué?
Ra: «Porque sus primeros discos me parecen demasiado simples. Son pegajosos pero no tienen un significado. En cambio los últimos tienen algo que decir. No es que los escuche mucho (Andrew se ríe), pero los prefiero».

¿Qué grupo de los 80 creéis que ha evolucionado mejor?
(piensan) A: «New Order, el último es muy bueno. Tienen una gran carrera. The Cure hacen grandes conciertos».

Sobre todo muy largos.
Ra: «Pero han escrito tantas buenas canciones que pueden hacerlo. A la gente le encanta».

¿A vosotros como «performers» os gusta hacer shows largos?
Ra: «No particularmente».
A: «El más largo fue aquí en Madrid, y duró como hora y media».

Vuestro disco es corto. Hay cierta tendencia a hacer disco corto, como ha hecho varias veces hace poco Kanye West…
Ra: «Mucha gente hace largos, con 15 pistas aunque solo 10 son canciones de verdad».
A: «Por Spotify, canciones de unos pocos segundos».
Ra: «No lo estoy criticando pero es lo que está pasando».

Vosotros sois de disco corto…
A: «Me gustan cortos».
Ra: «No me gustan los discos en absoluto» (risas)

¿Por qué?
Ra: «Ya no se oye música así. Yo nunca escucho un disco completo».

¿Ni siquiera de jazz?
Ra: «No».

Y no escuchas vinilo…
Ra: «No».

Pero tú sí editas tu disco pensado para vinilo…
Ra: «Sí».

«Si te gusta algo y quieres mantenerlo para siempre por razones sentimentales y quieres recordarlo, hazle una foto»

¿Y eso?
Ra: «No es por mí que lo vamos a sacar. Tengo vinilos, me gusta mirarlos, pero me gustan más como objetos».
A: «A mí me gustan los vinilos, puedo entender por qué la gente los compra, pero no soy muy sentimental en ningún sentido. Cuando era más joven tenía muchas rarezas que valían fortunas, el «vinilo transparente de Aphex Twin que salió el día de salida»… Después he pensado que si alguien puede quitármelo, ya no me interesa. No he coleccionado nada desde entonces. «¿Qué hago con este disco que no he usado últimamente?» «¡Pues dáselo a alguien!».
Ra: «Intento vivir de otra manera. Si te gusta algo y quieres mantenerlo para siempre por razones sentimentales y quieres recordarlo, hazle una foto. Puedes mantener una foto para siempre».

Esto es porque os habéis mudado mucho, ¿verdad?
Ra: «Empezó así porque ahora vivo en Australia».

Lejos…
Ra: «Está muy lejos, aunque pasamos mucho tiempo en Europa».

Este disco entonces lo habéis trabajado por e-mail.
Ra: «Paso mucho tiempo en España también».
Andrew: «Y también lo hemos trabajado en Londres».

Esta asociación a España es por la base de fans que tenéis aquí…
A: «Sí, es un poco de todo. Para mí fue una decisión improvisada. El tiempo es bueno, y todo se inclinaba hacia Madrid».

¿Dónde hay que ir en Madrid o en Londres si quieres escuchar música de Monarchy?
A: «Me ha pasado estar en un bar y que pongan Monarchy. Recuerdo que pasó en el Café Berlín, en algunos bares. A veces me cuesta darme cuenta de lo que es. Es divertido. Me da vergüenza si conozco al DJ».

«Estar en un grupo es como un matrimonio, un acuerdo. Hay altibajos y siempre ha habido, ha habido otros menos públicos que el que tuvimos (…) Ahora estamos en terapia matrimonial»

¿Cómo habéis trabajado las fotos de este disco? Porque la imagen ha sido un tema importante en vuestro recorrido…
A: «Es una continuación de ideas del mundo que quisimos crear, jugar con la imagen y con el anonimato. No tanto como al principio obviamente, pero metiendo emoción y algo de historia en las fotos, que es importante».
Ra: «Nos hemos mudado del anonimato al personaje. El problema del anonimato es que su naturaleza está desprovista de carácter, así que es una lucha. Nosotros dos en concreto no tenemos mucha imagen, así que…»
A: «Quedaríamos como dos tíos contra un muro».

Por cierto, ¿qué pasó con aquello de que os separasteis por un momento? (NdE: una responsable de Warner abre la puerta en este momento para indicar que se acaba el tiempo de la entrevista y ambos se parten de risa)
A: «¡¡¡Salvados por la campana!!!».

No, en serio, vais a contestar a esto…
A: «Estar en un grupo, cuando está la creatividad de por medio… es como un matrimonio, un acuerdo. Hay altibajos y siempre ha habido, ha habido otros menos públicos».
Ra: «Es la dificultad de estar en un grupo: te presentas como banda, pero también tienes tu individualidad».
A: «Las personas cambian todo el tiempo y las relaciones también».

¿Cuán sólidos sois ahora como dúo?
Ra: «Estamos en terapia matrimonial. Eso es una buena «no respuesta», ¿verdad? ¡Tenemos que meternos en política!» (risas).

James Blake / Assume Form

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18 enero, 2019

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Nadie puede echar en cara a James Blake hacer álbumes continuistas cuando su sonido ha sido (y es) lo suficientemente original e influyente como para prácticamente constituir un genero en sí mismo. De hecho, si acaso a cada disco que publica el británico vuelve a resultar fascinante descubrir hacia qué direcciones nuevas ha decidido llevar su personal e intimista fusión de electrónica espectral con soul, pop clásico y otros sonidos como el hip-hop o el extrañamente llamado post-dubstep. Y si en su última obra hasta la fecha, ‘The Colour of Anything’, Blake decidía compartir labores de composición y producción con varios colaboradores por primera vez en su carrera, entre ellos Frank Ocean, Bon Iver y Rick Rubin, ‘Assume Form’ se ha revelado desde aquella filtración ¿accidental? de Amazon Francia como su disco con más colaboraciones tanto a nivel de “featuring” como de créditos. Están Travis Scott, André 3000 de Outkast, Moses Sumney, Metro Boomin y Rosalía, la mayoría de los cuales ya habían trabajado con Blake en el pasado.

Así, entre tanta colaboración y visto que su particular sonido no se va a ir a ninguna parte al menos de momento, lo mejor que ha podido hacer James Blake esta vez es un disco más corto que el anterior, que aun conteniendo algunas de las mejores canciones de su carrera, también incluía otras insustanciales y no justificaba su larga duración. 49 minutos bastan ahora a Blake para contarnos todo lo que nos tiene que contar en un nuevo disco lleno de amor y de serenidad por el hallazgo de una vida plena al lado de su novia, la actriz británica Jameela Jamil, a quien has visto en ‘The Good Place’ y a quien gustará esa ‘Lullaby for My Insomniac’ de cierre -efectivamente una “nana” para dormir- mucho más que seguramente a los fans del músico de Enfield a quienes no va directamente dedicada.

Efectivamente, muchas de las letras de ’Assume Form’ hablan de amor y dejan momentos realmente románticos y pasionales como ‘Into the Red’, en la que Blake detalla cómo se deshace de muebles que no necesita en su casa para tener a su chica más “a la vista”, o la preciosa y tierna ‘Are You in Love?’, que Blake utiliza para expresar su vulnerabilidad ante un amor quizá demasiado ideal para creérselo. “¿Estás enamorada? Haz como que sí, yo lo hago por ti”, proclama Blake sin miedo alguno a mostrar sus inseguridades. En los últimos tiempos, Blake ha sido muy claro en su defensa de una masculinidad mas abierta a los sentimientos, declarando en un comunicado el año pasado que la vida de las giras y el bloqueo emocional lo sumieron en una depresión que conllevó mala salud y pensamientos suicidas; y la canción que titula el disco es muy clara al respecto. Acompañado de un típico loop de piano y al final de una emotiva melodía de voces apitufadas, Blake habla de entregarse sin límites al amor. “Seré tocable para ella, seré accesible” canta antes de concluir: “¿No se hace más claro, no parece que conectamos, no se parece esto a un comienzo, no te hace más feliz?”.

‘Assume Form’ no es un “comienzo” radical al menos a nivel sonoro para Blake, pero si en él desarrolla ideas que nos pueden resultar más o menos familiares en su repertorio, como sus coqueteos nada sutiles con el r&b, el hip-hop y el soul, hay que celebrar que esta vez lo haga de manera más profunda y dejando canciones muy especiales, aunque lejos de conformar nuevos clásicos en su discografía a la altura de ‘The Wilhelm Scream’, ‘Retrograde’ o ‘I Need a Forest Fire’. El hipnótico single de trap-de-las-5-am ‘Mile High’ con Travis Scott y Metro Boomin es más adictivo de lo que parece (por cierto, su título se refiere a la práctica de follar en un avión), mientras la honestamente titulada ‘Can’t Believe the Way We Flow’ directamente samplea -según The New York Times– los suculentos coros del grupo vocal de los 60 The Manhattans, dando lugar a una canción celestial en el sentido más literal del término; y el doo-wop fantasmagórico de ‘I’ll Come Too’ eleva el alma a los cielos mediante unas melodías orquestales preciosas que son puro pop de los años 50. En este tema, Blake vuelve a la importancia de expresar los sentimientos en una relación de pareja, ya sean buenos o malos, declarando “esta vez expresaré lo que necesito, aunque sea lo último que haga”.

Si parece que ‘Assume Form’ es el disco “singer-songwriter” de Blake, otros temas recorren senderos más inhóspitos en su catálogo. En la veraniega ‘Barefoot in the Park’, Blake eleva a Rosalía en una nube burbujeante de cazuelas y ritmillos orgánicos, mientras la autora de ‘El mal querer’ se dirige a Dios para mostrarle su gratitud por todo aquello que tiene en la vida (“ya tengo to’ lo que quiero, ya no puedo pedir más”). Algo más parecido a un ritmo de baile propone la delirada ‘Where’s the Catch?’ junto a André 3000. En ningún caso Blake da con esa gran canción que defina esta nueva etapa de su carrera y no, en todos los meses que lleva fuera ‘Don’t Miss It’ nos nos ha convencido de serlo, pese a sus reflexiones medio irónicas sobre la fama y las redes sociales en frases como “todo es sobre mí, yo soy lo más importante”. Era un single mono, pero modesto y aunque ‘Assume Form’ presenta momentos brillantes, algo de esa placidez hallada por Blake en su vida parece filtrarse en las canciones de su nuevo disco en forma de cierto… ¿conformismo es la palabra? ‘Assume Form’ vuelve a ser otro disco estupendo de James Blake, pero para bien y para mal suena al cierre de una etapa, y creo que cobrará mucho más sentido cuando salga el siguiente. No es sólo «un disco de transición», pero tampoco es otra obra definitiva de Blake.

Calificación: 7,9/10
Lo mejor: ‘Assume Form’, ‘Mile High’, ‘Into the Red’, ‘Can’t Believe the Way We Flow’, ‘I’ll Come Too’
Te gustará si te gusta: Sampha, The xx, Sufjan Stevens, Bon Iver
Escúchalo: Spotify

‘La favorita’: el primer peliculón que se estrena en 2019

Por

Joric

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17 enero, 2019

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La irrupción de ‘Canino’ en el festival de Cannes de 2009 y su posterior nominación al Oscar produjo una burbuja más grande que la de Pokémon GO. De la noche a la mañana, distribuidores y programadores de medio mundo se fueron a Grecia para pescar la última rareza del bautizado por la crítica anglosajona apresuradamente como “Greek Weird Wave”. Aunque se trajeron alguna que otra obra reseñable –‘Boy Eating the Bird’s Food’, ‘Attenberg’-, la mayoría no fueron más que títulos mediocres destinados a engordar la moda festivalera del momento. Al final, como ha ocurrido en otros casos (con Kiarostami y el cine iraní en los noventa, por ejemplo), más que una tendencia cinematográfica nacional lo que ha surgido en Grecia ha sido la figura de un director de enorme talento y personalidad.

Yorgos Lanthimos no tardó en rodar fuera de Grecia, en inglés y con estrellas de Hollywood (además de con su mujer, Ariane Labed, el otro talento surgido de este “movimiento”). A pesar de ello, el director ha mantenido su independencia creativa. ‘Langosta’ (2015) y ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ (2017) eran tan singulares como sus homólogas griegas, y siguieron acumulando premios en Cannes y nominaciones a los Oscar. Por eso, cuando se anunció que Lanthimos iba a rodar un drama de época, con guión ajeno y con una de las actrices mejor pagadas de Hollywood (Emma Stone), muchos nos echamos las manos a la cabeza como Marie Kondo entrando en la casa de alguien con “síndrome de Diógenes”.

‘La favorita’ es el filme más accesible de la filmografía de Lanthimos, pero ni mucho menos el más convencional o impersonal. Situada a principios del siglo XVIII en la corte de Ana Estuardo, la película es una divertida, grotesca y muy sórdida mezcla entre las intrigas palaciegas de ‘Las amistades peligrosas’ (1988), la rivalidad femenina de ‘Eva al desnudo’ (1950), el barroquismo del cine de Peter Greenaway y la exquisita reconstrucción histórica de ‘Barry Lyndon’ (1975). Con esta última, ‘La favorita’ comparte una fotografía (Robbie Ryan, el fotógrafo de los filmes de Andrea Arnold), diseño de producción (Fiona Crombie, conocida por su trabajo en ‘Macbeth’), vestuario (la gran Sandy Powell, que acumula Oscars, tres, y nominaciones, doce) y uso de la música (desde piezas del barroco a Luc Ferrari o el ‘Skyline Pigeon’ de Elton John) absolutamente excepcionales.

Entre la masturbación que abre la película y la que la cierra, Lanthimos narra la historia de un triángulo sentimental formado por dos consejeras reales, las “favoritas” de la reina (estupendas Rachel Weisz y Emma Stone), que se disputan con uñas y dientes el favor de la monarca británica (fabulosa Olivia Colman). El resultado de esta pelea es una irresistible tragicomedia sobre los rituales de sumisión y dominación, filmada por medio de recursos estilísticos sorprendentes -lentes deformadas, grandes angulares-, la inclusión de música y bailes anacrónicos, y la utilización de (viperinos) diálogos llenos de modismos actuales (“fuck, fuck, fuck”). A través de esta mirada contemporánea, el director retuerce los rígidos códigos genéricos del cine histórico para crear una obra que deforma el pasado para dialogar con el presente. Después de arrasar en las nominaciones a los Bafta, ¿reinará ‘La favorita’ en la corte de Hollywood? 9.

Escucha lo nuevo de James Blake ft Rosalía, Ariana Grande, Deerhunter, Sharon Van Etten, Miss Caffeina…

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17 enero, 2019

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Este viernes 18 de enero se publican los nuevos discos de James Blake (un ‘Assume Form‘ que incluye, entre otras de colaboraciones, una con Rosalía), Sharon Van Etten, Deerhunter, Maggie Rogers, Toro y Moi, Mabel (una mixtape de la hija de Neneh Cherry, en realidad), Steve Mason, Future, Monarchy, Rayden, The Twilight Sad, Mike Posner, The Delines (nuevo grupo de Willy Vlautin, de Richmond Fontaine), Joe Jackson, Pedro the Lion o las debutantes Alice Merton y Pi Ja Ma, entre otros.

Canciones de todos ellos tienen cabida en Ready for the Weekend, y a ellas se suman flamantes nuevos singles como los de Ariana Grande, Sigrid, Miss Caffeina, Loyle Carner, Dawn Richard, Bejo, Ms Nina & Tomasa del Real, el regreso de Kanye West (en un single del rapero YNW Melly), Cristina Quesada (un EP producido por John Moore), Glen Hansard, Tyga, Maren Morris, Robbie Williams (por partida doble, puesto que también lanza un tema con Bob Sinclair), Bryan Adams, Ximena Sariñana o J Balvin con su fiel productor Sky. No faltan los lanzamientos sorprendentes y curiosos, como un remix del último single de Grimes a cargo de su amigo (y ahora productor estrella en el pop) BloddPop®, la versión en inglés del tema que la japonesa Hutada Hikaru & Skrillex prestaron a la BSO de un videojuego, o el nuevo álbum de los canarios Birkins, que es una reinterpretación de canciones de la era «Ziggy Stardust» de Bowie con colaboraciones estelares como las de Jonathan Donahue (Mercury Rev) o Mikel Erentxun, entre otros.

También hemos conocido en los últimos días los primeros singles de los nuevos discos de The Drums, El Grajo, The Cinematic Orchestra y Los Bonsáis, además de nuevos avances de álbumes ya anunciados de Panda Bear, Rustin Man, The Japanese House, Matmos o Hozier. Obviamente hay espacio para las sorpresas que The Killers, con su single político sorpresa ‘Land of the Free’, y The Cranberries, con ese ‘All Over Now‘ que incluirá el disco final de la banda irlandesa tras la muerte de Dolores O’Riordan. Novedades de Wild Nothing, Karen O y Danger Mouse, Townes van Zandt, Airbag, Sigrid, Pau Vallvé, Little Simz o The Dandy Warhols, completan nuestra playlist.

Sorpasso: ‘Booty’, con Becky G, ya es la canción más exitosa de C. Tangana

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17 enero, 2019

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Si alguna vez pensaste que ‘Mala mujer’, triple platino en España, sería para siempre la canción más famosa de C. Tangana te equivocabas. La jugada de colaborar con Becky G, que ya había sido número 1 en España con ‘Mayores’ y ‘Sin pijama’, y obviamente es una cantante de enorme éxito en Latinoamérica, parecía maestra y así ha sido.

Aunque el tema no era el mejor que ninguno de los dos editaba en 2018 el público ha respondido y C. Tangana ha celebrado en su Stories que el vídeo de ‘Booty’ con Becky G ha superado los 100 millones de visualizaciones a nivel mundial. En Spotify lleva unos 42 millones de escuchas, con Puchito ya con cientos de miles de oyentes en lugares como Santiago de Chile, México y Buenos Aires. Aunque el dato que él da sobre ser platino en Estados Unidos está maquillado (será platino a lo sumo en el mercado del Billboard latino, unas 10 veces menor que el general), no se puede negar que 2018 ha sido un suma y sigue para él.

Sumando reproducciones de Spotify y Youtube (los datos del resto de plataformas no son públicos), también estos días ‘Mala mujer’ rebasa los 100 millones de reproducciones a nivel global, pero además ‘Bien duro’, ‘Guerrera’ y ‘Llorando en la limo’ han llegado a los 50 millones. Mención especial merece el tema con Rosalía ‘Antes de morirme’ que, editado hace 2 años y medio, vive su momento mayor de popularidad ahora gracias al pelotazo de ‘El mal querer’, disco del que C. Tangana es co-autor de 8 temas (‘Malamente’, donde se le oye perfectamente sampleado, suma 110 millones de reproducciones en ambas plataformas a día de hoy). Así queda el top 10 de canciones más populares de C. Tangana, de momento.

1.-Booty, con Becky G 143 millones
2.-Mala mujer 100 millones
3.-Antes de morirme, con Rosalía 83 millones
4.-Bien duro 59 millones
5.-Guerrera, con Dellafuente 57 millones
6.-Llorando en la limo 56 millones
7.-Persiguiéndonos 22 millones
8.-Mala Mujer remix con French Montana y Farruko 21 millones
9.-De pie 21 millones
10.-Un veneno, con Niño de Elche 17 millones

Sharon Van Etten lanza en ‘Seventeen’ una potente advertencia a su «yo» adolescente

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17 enero, 2019

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Esta misma semana Sharon Van Etten publicará ‘Remind Me Tomorrow’, álbum que da continuidad al notable ‘Are We There’. Han pasado 5 años desde aquel trabajo y la vida de la artista de Nueva Jersey ha cambiado mucho, tanto en lo personal como en lo profesional: en el primer aspecto, fue madre de su primer hijo; en el segundo, su carrera como actriz vivió un espaldarazo al ser seleccionada en el casting de la serie de Netflix ‘The OA‘, además de ser seleccionada por David Lynch para aparecer en la música del regreso de ‘Twin Peaks‘.

Todo ello parece haber influido considerablemente en sus nuevas canciones, como explicó cuando lanzaba un par de meses atrás el primer adelanto de este trabajo, ‘Comeback Kid‘. Una vida tremendamente agitada por no querer renunciar a ninguna de las oportunidades profesionales que se le presentaban, la empujó a componer sus nuevas canciones con un teclado casero. De ahí que, aún producidas por John Congleton, se presenten con un aspecto mucho más sintético de lo que venía acostumbrando su rock de autor. Lo cual no relega la emoción ni la intensidad lo más mínimo, como demuestra el tercer adelanto del disco mostrado días atrás, ‘Seventeen‘.

La canción, que en su origen Van Etten confiesa que poseía una pátina cercana a la música de Lucinda Williams, adquiere cierto toque próximo al Bruce Springsteen más épico (de ahí la comparación con The War on Drugs que esbozaba mi compañero Jordi Bardají) merced a su contundente batería y al piano que marca los acordes. Lo cual es bastante atinado si consideramos que su letra parte como una oda de amor a la ciudad de Nueva York –que tanto ha inspirado también al Boss–, a los lugares que la enamoraron cuando llegó a ella 15 años atrás… y que ya no existen.

Así, enarbolando un discurso contra la gentrificación que termina con el alma de las ciudades, Sharon se conecta con aquella chica de 17 años que era cuando llegó a la Gran Manzana, y escuchaba a los mayores decir cuándo estaba cambiando para mal la ciudad. Ahora se dirige con ternura a aquella chica que se liberó al trasladarse a la urbe y que no quería escuchar aquel discurso que ella consideraba retrógrado, empatizando con sus emociones pero advirtiéndole de lo errada que estaba («Te veo tan incómodamente sola / Ojalá pudiera contarte cuánto has madurado», canta). De manera arrebatadora, en su tercer verso Van Etten abandona el tono cariñoso del resto de la canción para gritarle a aquel yo: «sé en lo que te vas a convertir / Te estás descomponiendo sólo para ver / Que vas a tener tanto miedo como yo». De manera muy potente, el clip filmado por Maureen Towey para la canción, presenta de hecho a la Sharon de entonces junto a la de ahora en sus rincones favoritos de Brooklyn. Muchos ya son solares vacíos.

Sharon Van Etten es uno de los nombres más atractivos presentados en el cartel de Vida Festival 2019, y por tanto actuará en Vilanova i la Geltrú (Tarragona), entre los días 4 y 6 de julio.

Matmos hacen pop literalmente de plástico: escucha ‘Silicone Gel Implant’

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17 enero, 2019

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Esta semana el sello Mute ha anunciado una caja especial con la que rendirá tributo a ‘4′33″’ de John Cage. Con su famosa composición “silenciosa”, Cafe defendía que cualquier sonido podía ser música y pocos grupos han adoptado de manera tan interesante esta premisa como Matmos, el dúo formado por M. C. Schmidt y Drew Daniel y cuyo último disco se componía de música generada exclusivamente a partir de los sonidos de una lavadora.

Matmos, que han sampleado de todo, desde utensilios del hogar hasta nieve (en su trabajo con Björk en su disco de 2001, ‘Vespertine’) pasando por máquinas de escribir, el sonido de intervenciones quirúrgicas como la cirugía plástica y las liposucciones u objetos tipo un cortador de huesos o la actividad nerviosa de un cangrejo de río (en serio), han anunciado ahora un álbum compuesto exclusivamente por el sonido de objetos de plástico, ‘Plastic Anniversary’, que llega el 15 de marzo.

En este caso, el nuevo experimento de Matmos se compone del sonido, entre otras cosas, de “enfriadores de espuma de poliestireno, contenedores de polietileno, tubos de policloruro de vinilo o burbujas de plástico explotada con alfileres”. El primer avance es ‘Silicone Gel Implant’ y sí, se compone del sonido principal de un implante mamario de gel de silicona.

Escucha ya las 10 canciones de Operación Triunfo para Eurovisión 2019

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17 enero, 2019

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RTVE ha publicado al fin en su página web las versiones completas y definitivas de las canciones que Operación Triunfo 2018 propone para Eurovisión. Los triunfitos defenderán sus canciones en la gala de selección final, que se celebra este domingo 20 de enero. El álbum oficial con los temas sale este viernes 18 de enero. Foto: RTVE

Las canciones que aspiran a representar a España en Tel Aviv el próximo 18 de mayo son ‘Se te nota’ de Carlos Right, ‘Nadie se salva’ de Natalia y Miki, ‘Hoy vuelvo a reír otra vez’ de Noelia, ‘Qué quieres que haga’ de Julia, ‘La venda’ de Miki, ‘Muérdeme’ de María, ‘La clave’ de Natalia, ‘No puedo más’ de Famous, ‘Hoy soñaré’ de Sabela y ‘Todo bien’ de Marilia. Las tres más votadas por el público fueron ‘Muérdeme’, ‘La clave’ y ‘Hoy vuelvo a reír otra vez’ (en este orden), mientras el resto han sido escogidas por un comité.

Entre los ilustres autores de estas canciones se encuentran Álex Ubago, Merche y Juan Suárez y David Feito de El Sueño de Morfeo, además de Morat, India Martínez o Ander Pérez, autor de ‘Dime’ de Beth.

¿Cuál de estas canciones “se salva”, de primeras? Buenas noticias para Famous, Miki y María (o en su caso malas). El resto: thank u, next.

Brett Anderson, Mala Rodríguez y Julieta Venegas, entre los primeros nombres de Primera Persona

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17 enero, 2019

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Los días 10 y 11 de mayo volverá a celebrarse en el Teatre del CCCB (Centre de Cultura Contemporània de Barcelona) una nueva edición, la 8ª, de Primera Persona, un festival que reúne a “creadores de varias disciplinas artísticas que basan su obra en su propia experiencia vital” y en la que pueden disfrutarse de lecturas, monólogos y conversaciones, además de actuaciones en directo.

El cartel de 2019 contará, como confirman varios medios, con la presencia de tres músicos destacados, el icono del brit pop Brett Anderson, de Suede, que será entrevistado por el periodista Xavi Sancho, entre otras cosas, sobre su reciente libro ‘Mañanas negras como el carbón’; Mala Rodríguez, que acaba de triunfar con ‘Usted’ con Juan Magán y charlará con la periodista especializada en flamenco Sílvia Cruz; y Julieta Venegas, autora de recomendables discos como el reciente ‘Algo sucede‘ y que actuará en directo.

También participarán en la próxima edición de Primera Persona el influyente escritor y crítico musical Nik Cohn, asociado a Bowie o a The Who y que ofrecerá una charla con el acompañamiento musical de DJ Kosmos, y la joven escritora irlandesa Sally Rooney, autora en 2017 de ‘Conversaciones entre amigos’ y que será entrevistada por la poeta Míriam Cano. Las entradas se pondrán próximamente a la venta.

Cristina Ramos, la nueva Ruth Lorenzo, triunfa en ‘America’s Got Talent’ con su versión de Queen

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17 enero, 2019

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Más de 10 años después de que Ruth Lorenzo triunfara en el ‘X Factor’ británico con su versión de ‘Purple Rain’ de Prince, inaugurando una carrera que le ha llevado a publicar varios discos y a representar a España en Eurovisión, otra vocalista española triunfa en un concurso de talentos anglosajón, en este caso el Got Talent americano, en su edición ‘The Champions’, que reúne a ganadores anteriores del concurso en Estados Unidos y de sus varias ediciones celebradas alrededor del mundo.

Aunque ya casi nadie se acuerde, la canaria Cristina Ramos ganó ‘Spain’s Got Talent’ en 2016, y la cantante de opera rock -que en 2018 ganó La Voz México- ha triunfado esta semana con su versión en este estilo de ‘Bohemian Rhapsody’ de Queen frente a Simon Cowell, Mel B, Heidi Kum y el cómico canadiense Howie Mandel. Ramos provocó ovaciones y aplausos unánimes de jurado y público y logró la mayoría de votos en el episodio más reciente del programa, llevándola directamente a la final.

Ahora, Ramos aparece en un artículo de Billboard que repasa sus mejores actuaciones en Spain’s Got Talent y cabe preguntarse si no ha nacido una nueva Ruth Lorenzo y quizá una posible aspirante a representar a España en Eurovisión, con algo tan diferente como una pieza de ópera. Por cierto, no ha podido tener más sentido que Ramos versione a Queen, pues de todos es sabido que Freddy Mercury adoraba la ópera y llegó a publicar un disco junto a Montserrat Caballé.

Los Punsetes, Soledad Vélez, Brigitte Laverne y Hickeys DJ Set, en WegowDay 2019

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JNSP

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17 enero, 2019

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Llega la III edición de WegowDay, el concierto anual que organiza Wegow. La nueva edición se celebra el 30 de marzo en la sala Ochoymedio de Madrid, a partir de las 19.00 y con un cartel que busca representar a “algunas de las bandas más frescas de la escena indie española”. El cartel está conformado por Los Punsetes, uno de los grupos más importantes del indie nacional gracias a canciones como ‘Opinión de mierda’ o ‘Tus amigos’; Soledad Vélez, nueva adalid del synth-pop y el italo ochentero en castellano con su recomendable álbum ‘Nuevas épocas‘; Brigitte Laverne, que en un estilo parecido a publicado singles tan certeros como ‘Tinder Love’, incluido en su EP ‘Wasted‘; y finalmente el DJ set de Hickeys, la formación de “glitter punk” de Marta Sánchez Viejo, Ana Erice, Maite Barrena y Martina Gil Compairé autora de ‘Diamond Munch’.

WeGowDay confirma además que su line-up de 2019 “pretende demostrar que es posible la paridad en los escenarios de la industria musical de nuestro país”. Continúa: “Por eso esta edición también ha querido apoyar a la Asociación MIM (Mujeres de la Industria de la Música), a la que serán donados los gastos de gestión de las entradas. MIM lucha por la igualdad de género en la industria generando visibilidad sobre este tema”.

Las entradas ya se pueden adquirir en www.wegow.com o a través de la app de Wegow. Las 100 primeras están disponibles con oferta de 17 euros, las anticipadas a 19 euros y en taquilla a 22 euros.

Wendy Sulca busca su camino en el pop «disfrutón» con ‘Eso ya fue’

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17 enero, 2019

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Wendy Sulca lleva ya muchos años esforzándose por borrar el estigma de la estrella infantil del folklore peruano que un día fue. Para ello, ha hecho de todo: perpetró versiones de Madonna, Lady Gaga, Bryan Adams o Miley Cyrus; colaboró con el chileno Gepe en ‘Hambre‘, un auténtico temazo que se coló con toda justicia en las Mejores Canciones de 2015 para nuestra redacción; y tanteó palos de lo más variopinto, del dancepop de ‘Canta conmigo‘ al metal-pop delirante de ‘Me pongo hardcore’, pasando, más recientemente, por el retorno al folclore andino por la vía del pop que muestra en ‘No quiero perderte’ y ‘Mi tierra’. Pero no hay modo de que desbanquen a ‘Cerveza’, ‘La tetita’ y ‘En tus tierras bailaré‘, su himno a Israel con Delfín Hasta el Fin y La Tigresa de Oriente como sus mayores hits.

Pero ella no desfallece, y ahora lo intenta muy fuerte con otro estilo: emulando a Aitana, Ana Guerra o Lele Pons, Wendy se lanza al barro del pop disfrutón, fuertemente basado en el reggaeton, con ‘Eso ya fue’, un single que han fabricado para ella su colaborador habitual Gonzalo Calmet, junto con dos de los autores de algunos de los mayores éxitos recientes del pop en español: Patrick Ingunza, peruano que, además de temas para Enrique Iglesias y Maluma, ha compuesto el monster-hit ‘Mayores‘ de Becky G. También participa Mario Cáceres, que compuso ‘Mi cama’ de Karol G y ‘No me acuerdo‘ de Thalía. Y lo cierto es que esta vez la cosa sí podría funcionar: en apenas una semana, su vídeo oficial acumula ya en Youtube más de 300.000 reproducciones, que invitan a pensar que su repercusión va más allá de la mera curiosidad de ver en qué anda la peruana ahora que es mayor de edad.

En 2012, aún con 16 años, tuvimos ocasión de entrevistar a Wendy Sulca aprovechando su paso por «el nuevo Woodstock», aquel bizarro YouFest que se celebró en Madrid. Por entonces, estaba en su primera etapa de evolución de niña (prodigio) a mujer, incluyendo en su repertorio su versión de ‘Like a Virgen‘ (sic), y seguía insistiendo cándidamente en que su meta era promover la música peruana por el mundo.

Cardi B perrea como una tigresa con City Girls y lanza un encendido discurso contra Trump

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17 enero, 2019

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A finales de 2018, Cardi B retomaba su actividad artística tras pasar su baja por el nacimiento de su primera hija junto a Offset –del que se separaba poco después–, iniciando una gira de presentación del exitoso ‘Invasion of Privacy’ –uno de los Mejores Discos de 2018 para nuestra web– y lanzando un nuevo single inédito, ‘Money‘. También ha filmado un clip oficial para una colaboración que también vio la luz a finales de año: ‘Twerk’, incluido en el disco ‘Girl Code’ que City Girls publicaban el pasado noviembre.

El dúo de raperas de Miami, que saltaron a la fama por su contribución vocal al viral ‘In My Feelings’ de Drake, lanzaron por entonces un reto: encontrar a la mejor twerker –o sea, mujer que perrea– del mundo. Así, convocaron a numerosas jóvenes en su ciudad natal para filmar este clip en el que por supuesto ellas mismas se entregan al perreo –Cardi B con un atrevido bodypainting de tigresa–.

Pero Cardi B también es noticia en las últimas horas por cuestiones no musicales: en su perfil de Instagram, ha proferido un encendido discurso contra Donald Trump por el parón de las administraciones públicas norteamericanas que decretoó como medida de presión para que el Partido Demócrata le conceda la construcción de su tristemente famoso muro en la frontera de México. La rapera está indignada porque Trump está exigiendo a los trabajadores públicos, que llevan meses sin cobrar, que vuelvan a sus puestos, destacando que el «cierre de Gobierno» que está aplicando Presidente supera al que también aplicó Barack Obama, poniendo el acento en que en aquel caso se hizo para que se aprobara su Reforma Sanitaria, que pretendía mejorar las coberturas de la atención sanitaria pública: «se que a muchos no os importa, porque no trabajáis para el gobierno, pero esto es puto serio, tío. (…) Tenemos que pasar a la acción». Ya hay quien, en Twitter, propone a Cardi para las elecciones presidenciales de 2020.

Cardi B just posted this on Instagram #CardiB2020 pic.twitter.com/zg4prRUfdG

— jordan (@JordanUhl) January 16, 2019

Carmen Maura, centro de críticas y elogios por sus opiniones sobre feminismo y Cataluña

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17 enero, 2019

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Carmen Maura es la actual «reina del cine europeo». Así lo dijo nada menos que Wim Wenders cuando el pasado diciembre entregaba a la actriz un premio honorífico a su carrera, entregado por la Academia de Cine Europeo, donde dejó un cachondo, por confuso, discurso. Y la reina del cine europeo está esta semana de promoción en España presentando tanto una película –’Gente que viene y bah’ de Patricia Font, que se estrena este viernes– como una gira teatral, representando ‘La golondrina’ de Guillem Clua. Tras pasar días atrás por El Hormiguero, hoy El Mundo publica una entrevista con la ex-actriz-fetiche de Pedro Almodóvar que está dando mucho que hablar, convirtiéndola en trending topic.

En la entrevista de Luis Martínez, Maura cuenta que esta gira teatral está cambiando su visión de España, porque ha cambiado su preconcepción sobre muchas ciudades españolas –»Me he llevado una sorpresa muy agradable con muchas ciudades españolas. (…) En cuanto sales de Madrid te das cuenta de que todo es mejor. Hay mucha menos tensión»–. Por eso, dice, se enfada mucho cuando vuelve a su residencia de París y oye a sus amigos franceses hablar de España. Aunque lo que lleva peor es que lo hagan sus propios compatriotas: «me fastidia cuando oigo a los españoles hablar mal de España. No puedo soportarlo».

Lo que no le gusta nada de España son sus políticos –»unos me indignan a unos niveles indescriptibles y otros me dejan fría», dice, y ya había despotricado contra Podemos anteriormente– y echa de menos que surja uno que la enamore «como hizo Felipe González». Y de ahí salta a Pedro Sánchez («Los guapos no siempre son los que más nos atraen a las chicas. La belleza es otra cosa») y a su estrategia para Cataluña: «Cada vez que veo que para conquistar a los catalanes les están dando dinero, me pone negra. Porque precisamente no es la comunidad que más lo necesita. Si acaso es la comunidad que más gasta en tonterías. Vamos a un festival y ves una oficina española y otra catalana. Y lo de las embajadas. No, no es así. Vamos a solucionar que haya trabajo para todo el mundo, vamos a recibir a la gente de las pateras como dios manda… Me pone negra. Todo eso hace que los otros vayan con las banderitas».

Este discurso, su primera parte en concreto, está indignando a muchos usuarios de Twitter, que destacan «que vive en Francia» o la califican de «progre que huele a cerrao» y hasta de «facha», pero también complaciendo a otros. Pero la polémica no termina ahí, puesto que Maura dedica parte de la entrevista a cuestionar la actual ola de feminismo: «está muy descontrolado. Y, sinceramente, creo que ya es hora de que las mujeres empecemos a relajarnos. (…) Si seguimos con tanta reivindicación y tanta discriminación positiva vamos a empachar a todo el mundo. (…) A veces no nos damos cuenta de cómo han cambiado las cosas. Lo que hemos vivido antes sí que era angustioso, cuando teníamos que pedir permiso al marido para comprar una nevera. El adulterio, para el marido era una gracia y para la mujer era cárcel. Hay cosas que se han conseguido que demuestran que estamos en camino», dice. Y no se queda ahí. «todo el rollo ése de prohibir lo piropos… No sé, a mí me agota el tema. Además, vamos a acojonar de tal manera al género masculino que no va a haber forma de ligar».

Carmen Maura: "Me pone negra dar dinero a los catalanes, que son los que menos lo necesitan" https://t.co/W07qK7y5Mz

— EL MUNDO (@elmundoes) January 17, 2019

Carmen Maura al hall of fame de 'Progres que huelen a cerrao'.

— Barqs (@barq_in) January 17, 2019

Lamento mucho que Carmen Maura tenga esa idea de la clase política del "todos son iguales", y que aborde la cuestión de la defensa de la mujer y sus derechos como "hay que relajarse un poco". La equidistancia anula el progreso. No me lo esperaba de ella, sinceramente.

— Albert #PaísValencià🔻 (@_Gafas_y_reloj_) January 17, 2019

Carmen Maura no soporta dar dinero a los catalanes.
Ella es muy española y mucho española.
Por eso vive en Francia.

— NataliaBCN (@primaderisc) January 17, 2019

Carmen Maura durante la entrevista. pic.twitter.com/quZPWVJHr5

— Un Vampiro Andalú (@UnVampiroAndalu) January 17, 2019

Carmen Maura
Ha dicho lo que que millones de españoles pensamos, por que se siguen dando millones de euros a los golpistas totalitarios catalanes?
Porque los catalanes no se benefician de esos millones, ese dinero es para embajadas, chiringuitos, Puigdemont, ANC etc……..

— Resistencia al totalitarismo separatista (@MarcosHerrero15) January 17, 2019

No sé, pero esto me da bastante pena, por ser Carmen Maura (que siempre me ha flipado) y porque lo que le preocupe sea el tema LIGAR y no la igualdad a todos los niveles. pic.twitter.com/FMjIXoMKtN

— 🔥Татьяна🧝🏻‍♀️ (@Eadeeva) January 17, 2019

Carmen Maura en la película "Mujeres que se quedaron estancadas en 1980". pic.twitter.com/3S7tKtDUHl

— Victør Hurtadø (@victor_hurtado) January 17, 2019

Pavvla / Secretly Hoping You Catch Me Looking

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17 enero, 2019

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Resulta un verdadero placer asistir al crecimiento de artistas como Pavvla, alter ego musical de la joven barcelonesa Paula Jornet. En 2016 irrumpió con ‘Creatures’, un disco debut en el que, partiendo de la intimidad de una guitarra, una voz y un dormitorio y expandiéndola con audaces arreglos de electrónica y rasgos jazzísticos. Con apenas 20 años mostraba una palpable madurez y, además, lograba proyectar sus canciones hacia un público internacional (aquel álbum la llevó a dar casi 100 conciertos por todo el mundo). Hasta el punto que casi ni nos sorprende que un programa de NPR, la radio público estadounidense, estrenara en exclusiva ‘Unbreakable’, uno de los adelantos de su nuevo trabajo, ‘Secretly Hoping You Catch Me Looking’.

Un disco en el que, conservando su esencia –los tintes añejos, lanadelreyescos, de sus melodías siguen presentes de forma palpable en ‘The World Stopped the Day You Were Born’ o ‘None of the Above’–, Pavvla parece adentrarse en nuevos caminos sonoros. Con las guitarras, salvo alguna excepción (‘Burnt to Ashes’) pasando a ser apenas testimoniales –a veces empleadas para dar un acento rockero–, estas nueve nuevas canciones de Jornet están construidas sobre todo con sintetizadores, cajas de ritmo y overdubs que resultan de lo más intrincadas, a veces. Con ello, su autora abre la puerta de su cubículo –pese a dejar pasar cierta luminosidad e incluso euforia, estas canciones siguen resultando íntimas, como interpretadas “tras un telón”, tal y como reza su nota de prensa– a ritmos trip hop (el corte que da título al álbum) hip hop (‘Dance Alone’) y hasta a cierta euforia dance, como muestran la citada ‘Unbreakable’ –sugerente, va de pequeño a lo maximalista– o el arrebatador single principal ‘Something New’.

Aún así, la melancolía no abandona del todo a Pavvla en sus nuevas canciones, afrontando el amor a veces de manera celebratoria y otras, incluso en los momentos menos felices, con una resignación casi impropia de alguien tan joven. Me refiero a la letra de ‘It Could Be’, que se detiene en pensar cómo podría haber sido envejecer al lado de una persona… aunque ya no vaya a ocurrir (“Podría haber sido maravilloso / pero no será, no” dice su estribillo). Precisamente esta canción, mi favorita personal del disco, contiene la esencia de lo que supone este álbum para Jornet: con cierta reminiscencia de la St Vincent pre-‘Masseduction’, Paula suena a la vez apacible y audaz, con efectos y giros de producción (de nuevo a cargo de Aleix Iglesias) que retuercen lo convencional sin que la melodía y la emoción pierdan peso. Es la mayor gema de un disco que, aunque cuesta que enganche, se escucha con interés (a ello contribuye su brevedad, 26 minutos) y deja fuera de dudas el gran talento de Jornet, a la vez que la muestra ampliando sus límites hacia terrenos inexplorados. Que se antojan fascinantes, por cierto.

Pavvla presentará ‘Secretly Hoping You Catch Me Looking’ el próximo 31 de enero en El Molino de Barcelona, dentro del Festival Mil·lenni; más tarde, el 14 de febrero, estará en la Sala 0 de Madrid.

Calificación: 7/10
Lo mejor: ‘It Could Be’, ‘Dance Alone’, ‘Something New’, ‘None of the Above’
Te gustará si te gustan: Núria Graham, St Vincent, Lana del Rey
Escúchalo: Spotify

Fallece Lorna Doom, bajista de Germs e icono del punk norteamericano

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17 enero, 2019

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Según recogen medios musicales norteamericanos, Don Bolles, batería del grupo Germs, ha anunciado en su perfil de Facebook la muerte de Teresa Ryan, conocida públicamente como Lorna Doom. Doom fue desde sus orígenes la bajista de este crucial grupo fundado en Los Ángeles, en medio de la explosión punk que vivió aquella ciudad a mediados de los 70. Por el momento no se conocen las causas del fallecimiento de Ryan.

Teresa se unió a Germs en 1977, un grupo en el que militaron también Pat Smear (posteriormente guitarrista de Nirvana, y ahora miembro de Foo Fighters) y Dottie Danger como batería, un alias tras el que se escondía el nombre de Belinda Carlisle, que más tarde dejó el grupo para formar The Go-Go’s y, luego, inició una (exitosa) carrera en solitario. La sustituyó precisamente Don Bolles, que grabó con el grupo su primer y único disco de estudio, ‘(GI)’, un álbum producido por Joan Jett (!), con un pequeño intra-hit (‘Lexicon Devil’) y situando a Germs a la cabeza de la escena.

Lamentablemente, el vocalista y alma mater de Germs, Darby Crash (de nombre real Jan Paul Beahm), murió por una sobredosis de heroína en 1980, una pérdida de la que el grupo no pudo recuperarse entonces. Pero su nombre pasó al imaginario del underground yanqui hasta hoy, influenciando a numerosos artistas e inspirando documentales y hasta un biopic. De hecho, el actor Shawn West, que interpretara a Crash en la película ‘What We Do Is Secret’, dedicada a Germs, ejerció de vocalista de una nueva encarnación de la banda en la segunda mitad de la pasada década, con Bolles, Smear y Doom en la formación. Lorna dejó de actuar con ellos en 2009, pero sin duda su imagen es una de las más icónicas que el punk norteamericano diera en su plenitud.

El juez archiva la causa contra Dani Mateo por el sketch de la bandera

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16 enero, 2019

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Buenas noticias para Dani Mateo. La fiscalía ha pedido el archivo de la causa contra él. El presentador y cómico colaborador de El Intermedio estaba imputado por un delito de «ultraje a la bandera» tras sonarse los mocos con una durante un gag del mencionado programa de humor.

Ahora, como informan medios como El País, el Ministerio Público ha sostenido en un escrito enviado al Juzgado de Instrucción número 47 de Madrid, que este acto se enmarcaba en el ámbito de una puesta en escena «crítica», habitual últimamente en los medios de comunicación, pero que en ningún caso va más allá de una «cierta dosis» de provocación «permitida para la transmisión de un mensaje crítico desde la perspectiva de la libertad de expresión». Se añade que su gesto «no fue acompañado de conducta violenta alguna ni de otras expresiones o gestos vejatorios o insultantes ni de otros comentarios de exaltación, justificación o promoción del desprecio». De esta manera, pide el sobreseimiento de la denuncia de la organización Alternativa Sindical de Policía por una «ofensa a España, sus símbolos y, por ende, a toda la sociedad democrática».

Según el escrito del Ministerio Público, no hubo «propósito ofensivo o de menosprecio a la bandera que permita sostener que nos encontramos ante un delito de ultraje», «ni por el contexto, ni por el contenido, ni por las circunstancias, ni por los fines perseguidos». Recuerda expresamente que se trataba de un sketch «protagonizado por un humorista, dentro de un programa de televisión de humor satírico en torno a noticias de actualidad».

Actualización 17/1/2019: A última hora del miércoles 16 de enero, tras la petición del Ministerio Fiscal de archivar la causa contra Mateo, el juez correspondiente, Adolfo Carretero, ha emitido un auto en el que, de acuerdo con la petición de la Fiscalía, desestima la demanda y archiva la causa. En su escrito, el juez dice que «se trató de «una puesta en escena desafiante o crítica», que permite la libertad de expresión, aunque pueda ofender los sentimientos de muchos españoles». En el programa de La Sexta donde se emitió el polémico sketch, Mateo celebró con su colega y presentador, El Gran Wyoming, la decisión del juez, que supone que haya triunfado «el sentido común, la libertad de expresión y el anuncio de Campofrío».

Ah, ¿pero Famous ha ganado Operación Triunfo?

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16 enero, 2019

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RTVE ha confirmado este miércoles 16 de enero el regreso de Operación Triunfo para la temporada 2019-2020. Realmente es un misterio que la cadena considere un año sin OT suficiente para que el público vuelva a enfrentarse al programa con ganas cuando la edición de 2018 ha sido tan poco interesante comparada con la inmediatamente anterior, que no hace falta recordar (o quizá sí) fue un absoluto fenómeno comparable sin duda a la primera edición de 2001. ¿Dónde están los Amaia, Aitana, Alfred, Ana Guerra, Miriam o Cepeda de esta última edición?

De momento sí se sabe quién es el nuevo Amaia y ese es Famous, ganador de OT2018 por delante de Alba Reche, que se consideraba la favorita por su personal voz rasposa y su perfil similar al de la autora de ‘Un nuevo lugar’, un pelín alternativo (Reche llegó a cantar ‘Creep’ de Radiohead en una de las galas). El cantante sevillano se impuso también a Natalia para sorpresa de todo el mundo, pero varias semanas después de hacerse con el premio, la pregunta parece clara: ¿y ahora qué?

Famous, cuyo nombre significa “famoso” aunque de tanto repetirlo se nos haya olvidado, gustó en el concurso con sus actuaciones de ‘And I Am Telling You I’m Not Going’ o ‘Uptown Funk’ y fue desde el principio uno de los alumnos de la Academia que mejor cayeron a sus compañeros y que más tablas demostraron encima del escenario. Incluso fue favorito alguna vez. Pero mientras España espera impaciente el disco debut de Amaia, llora mares con ‘Vas a quedarte’ de Aitana o se rompe el cuello en la discoteca con Lola Indigo, cabe preguntarse qué puede tramar Universal con Famous una vez se confirme que va o no va a Eurovisión con ‘No puedo más’.

En el concurso, Famous ha demostrado ser un vocalista versátil, capaz de interpretar con competencia pero no con demasiada personalidad canciones tan diferentes como ‘Problem’ de Ariana Grande o ‘Faith’ de George Michael, además de las mencionadas. ¿Pero cuántas posibilidades tiene Famous de fidelizar a un público que compre sus discos? Además, parece que su voz brilla más en el R&B y el soul, pero estos géneros no es que interesen demasiado en España al margen de festivales especializados y no es que tuvieran demasiado recorrido en los trabajos de Toni Santos y Sergio Rivero. Así que quizá Famous tenga más posibilidades en el campo de los musicales, pues su robusta y melódica voz así como su elegante presencia escénica son ideales para este género. No es la deriva esperada por todo el mundo que un ganador de OT termine dedicándose a los musicales, pero Amaia tampoco ha sido la ganadora “típica” y por lo menos a Gisela no le ha ido nada mal en todos estos años. Todo el mundo sabe que Famous tiene demasiado talento como para terminar siendo un “supersingle”.

De momento la duda es si Famous representará a España en Eurovisión o no. Aunque es el que más interés ha mostrado por ir a Israel, no es el que más posibilidades tiene de hacerlo ya que las canciones de María y Natalia han gustado muchísimo más. Aunque cabe mencionar que ‘No puedo más’ no era la peor de las propuestas de OT para Eurovisión a tenor de los adelantos, de hecho era bastante diferente al resto, una característica que suele valorarse en las apuestas del festival. La pregunta es si realmente es una buena canción…

Depeche Mode, New Order, Goldfrapp, Laibach, Afghan Wigs… versionan 4′33″ de John Cage: ¿revelación o timo?

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