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TT / Lovelaws

Por
Pablo Tocino
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No estoy seguro de que podamos calificar de acertada la decisión de ponerse “TT” como nombre artístico, al menos en lo que a lo 2.0 se refiere, teniendo en cuenta que prácticamente nunca vas a ser la primera opción que aparezca cuando te busquen. Es, eso sí, llamativa, pero tampoco es esa la razón por la que Theresa Wayman quiso usarlo, sino una anécdota familiar que cuenta en Vice, lo que se traslada también a lo que podemos ver ‘Lovelaws’: una colección de canciones que le ha apetecido hacer, sin búsqueda de éxito comercial y sin más motivo que la propia inspiración que le llevó a escribir cada una de ellas. No hay presiones al respecto, solo una muestra de lo que es capaz de hacer ella sola, y lo cierto es que sale bien parada. El disco supone el debut en solitario de la vocalista y guitarrista de Warpaint, que no es nueva en esto de hacer algo externo a su grupo: ya estuvo en la banda de Vicent Gallo o en BOSS (con Sarah de Hot Chip y Guro de All We Are). En cuanto a la banda de Los Ángeles, podéis estar tranquilos, no se han separado; de hecho, fueron las teloneras de Depeche Mode el año pasado, de Harry Styles este año, y actualmente están escribiendo su nuevo álbum.

De un carácter marcademente downtempo, ‘Lovelaws’ es mucho más intimista que las canciones del grupo junto a sus colegas Emily Kokal, Jenny Lee y Stella Mozgawa. La mezcla entre dream pop y rock experimental de Warpaint sigue aquí, pero tirando muchísimo más hacia lo primero, y añadiendo una generosa capa de trip-hop (una buena muestra de esto es ‘The Dream’), con algún toque industrial (‘Mykki’) y huellas de la influencia que, como ha dicho en más de una ocasión, para ella supone Björk (‘Dram’), además de curiosidades como el uso de elementos de ‘La Ventana Indiscreta’ en ‘Safe’ o el interludio acústico de Ludivine, la hija de Cedric LeMoyne (su manager), en ‘Sassafras’. Para armar todo esto, Theresa se ha rodeado en la producción de gente con talento pero no ceñidos a un único aspecto: Hal Ritson (MNEK, Jorja Smith, Clean Bandit, Charli XCX), Dan Carey (Sia, Bat for Lashes, Franz Ferdinand, La Roux o ¡Kylie!), Money Mark (Red Hot Chilli Peppers, Eagles of Death Metal, Beastie Boys) o hasta su hermano Ivan Wayman.

En una entrevista con Mondosonoro, la natural de Oregón comentaba su visión del amor (“soy una persona romántica en un mundo en que una relación es difícil, pero también necesito estar sola y no forzar el hecho de tener una relación”), ya que es un tema muy presente en el disco, pero no solo del amor romántico, sino también a amigos o familiares. Y es que, aunque en la composición musical del álbum lleva desde 2010, de las letras se ha ocupado durante los dos últimos años, donde las giras y su hijo no le han dejado mucho tiempo para citas y romances, y menos para la forma en que a ella le gustaría tenerlos. “Breathe for me, break down my wall? / If I feel in trouble and go dark / I want your open arms / Whatever I need, whatever I want / You’ll give it a try” canta en ‘The Dream’. Dice Theresa que este disco es ese tipo de música que puedes poner de fondo mientras haces otra cosa, pero que a la vez es ese tipo en el que, si te pones auriculares, te puedes adentrar totalmente. Lo cual no es necesariamente bueno, porque puede significar que esa música es genérica o intrascendente, y es cierto que en algunos momentos del disco se llega a rozar esto, pero, por fortuna, son mayoría los momentos en los que no, y pasajes tan conseguidos como el sensual “tell me you’re alive / make it feel right / make it feel right / you’ve got tonight” de ‘Mykki’ o “cause I feel like I’m falling / inside your eyes” de ‘Dram’ son lo contrario a intrascendente. ‘LoveLaws’, por tanto, aprueba con nota su misión como carta de presentación en solitario.

Nota: 7,3/10
Lo mejor: ‘Mykki’, ‘The Dream’, ‘Love Leaks’, ‘Dram’
Te gustará si te gusta: Warpaint, Banks, Portishead, Lana del Rey, Beach House, Let’s Eat Grandma,
Escúchalo: Spotify

La canción del día: Ciara busca sus orígenes en Nigeria en la vibrante ‘Freak Me’

Por
Jordi Bardají
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¿Qué está pasando en Estados Unidos? ¿Por qué de repente sus artistas buscan plasmar sus orígenes en su nueva música? ¿Tiene algo que ver Donald Trump? Miley Cyrus y Justin Timberlake, entre otros, han disfrazado de country sus últimos trabajos; Rihanna prepara ahora su disco reggae y Beyoncé ha conseguido las mejores críticas y ventas de su carrera bañándose en cultura africana en ‘Lemonade‘.

La influencia de Beyoncé se percibe en lo nuevo de Janet Jackson y también en el vibrante single que, hace unas semanas, publicaba Ciara. Si ya el desbocado ritmo “New Jersey” de ‘Level Up’ denotaba cierto punto “africanista”, ‘Freak Me’ es directamente una colaboración con el nigeriano Tekno, y un tema de clara inspiración africana en su acelerado ritmo y en su combinación de vientos metal, marimbas y los prominentes tambores que marcan el estribillo. JR Rotem se encuentra tras la producción, embadurnando la base con una pátina ultra digital que corta como un rayo láser.

Para completar esta reinvención, Ciara y sus bailarinas no se han ido a Nigeria pero sí a Sudáfrica (sí, sabemos que Solange lo hizo antes) para grabar un vídeo bailando esta canción en las calles de Soweto. El vídeo dura apenas 1 minuto y medio, pero sirve para convencernos de que la reivindicación de sus orígenes de Ciara va en serio. Como bonus, un vídeo de Ciara en el estudio, embarazada, bailando la maqueta de ‘Freak Me’.

¿Dónde narices van The 1975 con un single como ‘TOOTIMETOOTIMETOOTIME’?

Por
Raúl Guillén
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¿Sabes esa sensación cuando alguien te cuenta algo en serio y tú crees que te están tomando el pelo? A un servidor le ha pasado al escuchar ‘TOOTIMETOOTIMETOOTIME’ –así, en mayúscula, tres veces y juntito–, el nuevo single de los británicos The 1975. Una canción que nos remite a la reciente conversión al moderneo (o algo así) de ex-emopunks (whatever) como 5 Seconds of Summer o Tokio Hotel, con un ritmo post-dancehall (co-produce No Rome, un joven fichado por el sello Dirty Records a instancias de Matt Healy, precisamente) casi calcado a numerosas producciones de pop contemporáneo y cuya melodía resulta terriblemente simplona. Como toda buena canción absurdamente pegadiza necesita, claro.

Los fans de The 1975, famosos por defenderles a capa y espada sin importar qué hagan, están encantados. Quizá se identifican –cosa que lamentablemente no podemos hacer muchos– con la caterva de mozalbetes de todo tipo de morfología y etnia que acompañan a un Healy con el pelo oxigenado en el vídeo oficial de ‘TOOTIMETOOTIMETOOTIME’, únicamente disponible en Spotify. Y posiblemente ellos son el público al que va dirigida este tema y su letra sobre infidelidad en la era de la tecnología, que nos dirige directamente al título del álbum en el que se incluye, ‘A Brief Inquiry Into Online Relationships’.

Pero es evidente que este nuevo single del tercer disco del grupo de Manchester, convertidos ya en indiscutibles superestrellas internacionales del pop, es confuso, en cuanto a lo mucho que difiere de sus dos adelantos previos. ‘Love It If We Made It’ y su sorprendente reflexión sobre la modernidad tenían un aura de stadium pop épico, con cierta reminiscencia de Simple Minds, y ‘Give Yourself A Try’ sorprendía con su nervioso riff a lo Strokes. Pero ambas, a su manera, conectaban con el pop rock chulesco a lo INXS del exitoso ‘I Like it When You Sleep, for You Are so Beautiful Yet so Unaware of It’.

En cambio ‘TOOTIMETOOTIMETOOTIME’, aunque Healy advierte que es el momento más divertido del álbum que publican el próximo octubre, parece algo desconectado –en el plano artístico, no tanto en el lírico– de lo que ‘A Brief Inquiry Into Online Relationships’ prometía. Y, sobre todo, resulta pobre ante cualquiera de sus anteriores canciones, incluso aunque se trate de una burla –que no lo parece, ojo– de la modernidad. ¿Dónde narices quieren ir, exactamente, The 1975 con esta canción?

5 razones por las que ‘Heridas abiertas (Sharp Objects)’ está siendo la serie del verano

Por
Joric
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Tenía todas las papeletas para convertirse en la serie de este verano. Por el sugestivo material de partida (la primera novela de Gillian Flynn, autora de ‘Pérdida’), guión-producción (Marti Noxon, conocida por ‘Buffy, cazavampiros’, ‘Mad Men’ o ‘UnREAL’), dirección (el siempre eficaz Jean-Marc Vallée, director de ‘Dallas Buyers Club’, ‘Alma salvaje’ o ‘Big Little Lies’) y reparto (Amy Adams, Patricia Clarkson). Y así ha sido. Con Netflix medio de vacaciones, guardándose sus platos fuertes para septiembre (las esperadas ‘Maniac’ y ‘The Chilling Adventures of Sabrina’), HBO ha aprovechado para animar la época estival: ‘Succession’, ‘Heathers’, ‘Random Acts of Flyness’, la última de ‘Casual’ y, por encima de todas, ‘Heridas abiertas’, una de sus grandes apuestas de este año. A falta de ver cómo termina, estas son las razones por la que está siendo el mejor estreno del verano.

1. El enorme peso dramático de la banda sonora
Empezamos por el principio. La primera imagen de la serie, con la que comienzan todos los capítulos, es la de la aguja de un tocadiscos descendiendo sobre un vinilo. Lo que suena a continuación es ‘Dance and Angela’, el tema principal de ‘Un lugar en el sol’ (1951), compuesto por Franz Waxman. Cada episodio empiezan con la misma melodía pero interpretada de distinta manera: electrónica, hip hop, piano… Según sea ésta, así será el tono del episodio: inquietante, melancólico, trágico… Esta vinculación entre música y narración, que alcanza su cenit en el tercer episodio, es una constante en la serie. Las canciones de Vitalic, Agnes Obel, M. Ward, The Acid, las numerosas de Led Zeppelin o la fabulosa ‘Pa’lante’ de Hurray for the Riff Raff, todas ellas sonando de forma diegética, proporcionan claves dramáticas, modulan atmósferas y producen chispazos emocionales.

2. Duelo en la cumbre: Amy Adams vs Patricia Clarkson
La eterna nominada Adams promete arrasar en los próximos premios de televisión. Su interpretación de una periodista alcohólica que vuelve a su pueblo natal para cubrir unos asesinatos y se enfrenta a los fantasmas de su pasado, es extraordinaria, a la altura de sus mejores papeles en el cine. Adams mira, observa, y a través de su mirada -triste, vidriosa, llorosa- expresa todo el dolor que lleva marcado en la piel. La extraordinaria Patricia Clarkson, su madre (que parece venir directamente desde el pueblecito de ‘La librería’), es todo lo contrario. Habla más que mira; y lo que dice, las palabras de desprecio que escupe, cortan como una cuchilla de afeitar. Su combate dialéctico, pérfido y dañino, es como esgrima verbal, un duelo tan fino como mortal.

3. El pringoso aroma del gótico sureño
Se ha definido a ‘Heridas abiertas’ como un ‘True Detective’ femenino. Algo de eso hay. Aunque aquí la parte dramática tiene más peso que la policial, los ambientes que evocan sí están en sintonía (aunque no sean los mismos) con los de la fabulosa primera temporada de la serie de Nic Pizzolatto. ‘Heridas abiertas’ está ambientada en un pueblo de Misuri cuya principal actividad económica es la matanza de cerdos. Un lugar conservador y apegado a las tradiciones en el que todavía se respira su pasado esclavista. Pero, como siempre, tras la pulcra superficie provinciana, debajo de los vestidos de niña buena que viste la hermanastra adolescente de Adams (interpretada por la prometedora Eliza Scanlen, que ya ha sido “fichada” por Greta Gerwig para su siguiente película) se esconde una realidad mucho menos idílica. La serie explota estos tópicos de la mejor manera, manoseándolos con manos sudorosas y ensangrentadas, pero sin llegar a explotarlos hasta dejarlos en la mera caricatura.

4. Su estilo visual: entre lo emocional y lo alucinado
Rimas visuales, asociaciones de ideas, destellos de memoria… Es de sobra conocido el gusto de Jean-Marc Vallée por atravesar sus ficciones con insertos, flashes, flashbacks y demás recursos estilísticos -la mayoría de las veces sin sonido- como forma de representar la subjetividad, la manera en que experimentamos los recuerdos y los pensamientos. En ‘Heridas abiertas’, donde el pasado tiene tanto peso en el presente, este era un aspecto fundamental. El director lo ha solventado de una manera parecida a la de ‘Big Little Lies’: a través de un uso muy expresivo del montaje que funciona como cobertura sensorial y rompecabezas emocional, como “heridas abiertas” entre los planos por donde se cuelan los traumas de la protagonista (y las palabras, atención a los mensajes ocultos) sin cicatrizar.

5. No tendrá segunda temporada
Está confirmado: ‘Heridas abiertas’ no va a tener segunda temporada. Ni falta que hace. Por fin una serie de éxito que no se va a alargar inútilmente como las recientes ‘The Handmaid’s Tale’ o ‘Por trece razones’. ¿Una sabia decisión de HBO? No, parece que la “culpable” es Amy Adams, que no quiere seguir con el personaje. Al fin y al cabo, ¿no está rodando HBO la (innecesaria) segunda de ‘Big Little Lies’? 8.

Los fans de R.E.M. se hacen ilusiones con el regreso del grupo por culpa de Ariana Grande

Por
Jordi Bardají
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Hoy es el día de lanzamiento de ‘Sweetener’, el nuevo álbum de Ariana Grande, y algunas de sus canciones han sido de lo más comentado en Twitter esta mañana, entre ellas la pista 4, ‘R.E.M.’, una de las varias composiciones y producciones de Pharrell Williams que incluye el disco.

Por supuesto, el título de ‘R.E.M.’ se refiere a las siglas de “rapid eye movement”, la fase del sueño en la que suceden los sueños más intensos. Pero no a todo el mundo se le ha ocurrido que este TT tenía que ver con Ariana Grande, lo que incluye a varios fans de R.E.M., el grupo de Michael Stipe, que al ver el término entre lo más comentado en Twitter hoy, se han hecho ilusiones pensando que el grupo había vuelto o que traía novedades de algún tipo. “He visto que R.E.M. era trending topic hoy y me he hecho esperanzas por una reunión… pero no”, dice uno de los desencantados tuits.

R.E.M. se separaron en 2011, meses después del lanzamiento de su último álbum, ‘Collapse into Now’. Ese mismo año, solo unos meses antes de que el grupo anunciara su disolución, JENESAISPOP hacía un repaso de su discografía, destacando como su mejor disco ‘Automatic for the People’. Entonces quedaban dos años para que Ariana Grande lanzase su primer trabajo, ‘Yours Truly‘.

23 discos de Prince llegan por primera vez a las plataformas de streaming

Por
Jordi Bardají
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Poco a poco la discografía de Prince va llegando en las plataformas de streaming, esas que tanto odiaba el genio de Minneapolis, pero a las que su familia y equipo ha dado luz verde tras la muerte del artista en 2016. En febrero de 2017, varios álbumes de Prince, entre ellos ‘Purple Rain’, llegaron a Spotify y demás plataformas, lo que nos dio pie a armar una playlist con grandes temas no tan conocidos del músico.

Y ahora, como parte de un acuerdo entre la familia y equipo de Prince y Sony Music, otros 23 álbumes de Prince están finalmente disponibles en streaming. La cosa tiene trampa en cuanto al disco de 1995 ‘The Gold Experience’, que está disponible al completo menos uno de sus temas principales, el éxito ‘The Most Beautiful Girl in the World’. Por lo demás no deja de resultar un goce poder escuchar al fin en streaming discos como ‘Emancipation’, ‘3121’ y rarezas tipo ‘Crystall Ball’, ‘N.E.W.S’ o ‘Rave Un2 the Joy Fantastic’. ¿Para cuándo los vídeos de Prince oficialmente en Youtube?

Estos son los discos de Prince disponibles a partir de hoy en streaming. Os recordamos que un nuevo álbum de Prince sale el mes que viene, ‘Piano & A Microphone ’83’, que recopila grabaciones a piano que Prince realizó en privado poco antes de lanzar ‘Purple Rain’.

1. The Gold Experience (1995) (“The Most Beautiful Girl in the World” greyed out, partial album streaming only; album unavailable for download)
2. Chaos and Disorder (1996)
3. Emancipation (1996)
4. Crystal Ball (1998)
5. The Truth (1998)
6. Rave Un2 The Joy Fantastic (1999)
7. Rave In2 The Joy Fantastic (2001)
8. The Rainbow Children (2001)
9. One Nite Alone… (2002)
10. One Nite Alone…Live! (2002)
11. One Nite Alone…Live – The Aftershow: It Ain’t Over (Up Late with Prince & The NPG) (2002)
12. Xpectation (2003)
13. N.E.W.S. (2003)
14. C-Note (2004)
15. Musicology (2004)
16. The Chocolate Invasion (Trax from the NPG Music Club: Volume 1) (2004)
17. The Slaughterhouse (Trax from the NPG Music Club: Volume 2) (2004)
18. 3121 (2006)
19. Planet Earth (2007)
20. Indigo Nights (2008)
21. LOtUSFLOW3R (2009)
22. MPLSoUND (2009)
23. 20Ten (2010)

Amaia Romero, confirmada en la 5ª edición de Flamenco on Fire

Por
Jordi Bardají
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Del 21 al 26 de agosto se celebra el festival de flamenco de Pamplona, Flamenco on Fire, que este año llega a su quinta edición. Entre los artistas principales confirmados se encuentran Estrella Morente, Diego “El Cigala”, Eva Yerbabuena, Tomatito y la Orquesta Sinfónica de Navarra o Gema Moneo, entre muchos otros que puedes consultar en la web del festival.

Además de los conciertos principales, Flamenco on Fire programa otros más pequeños por la ciudad de Pamplona, entre los que destaca el ciclo gratuito de Flamenco en los Balcones, que busca “llegar al corazón de cada espectador mediante pequeños recitales de formato tradicional, que tendrán lugar en los balcones de tres puntos emblemáticos de la ciudad pamplonesa”. En este ciclo participará Amaia Romero, ganadora de Operación Triunfo 2017 y oriunda de Pamplona, que se suma al festival y realizará un concierto acompañada de la guitarra de Pepe Habichuela y Marta Roble. Amaia inaugurará el ciclo actuando el martes 21 a las 13:00h. en el balcón del Ayuntamiento de Pamplona.

Antes y después de participar en Operación Triunfo, Romero ha demostrado sus dotes para el flamenco, por ejemplo versionando a Las Migas (vídeo abajo) o a Rosalía. Además, en las entrevistas ha asegurado que muy probablemente hará flamenco en su carrera, apuntando que no se centrará únicamente en este género.

Christine and the Queens hace un homenaje al BDSM y al “amor que puedes comprar” en ‘5 Dollars’

Por
Jordi Bardají
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Christine and the Queens publica su nuevo disco, ‘Chris’, el 21 de septiembre. El sencillo principal ha sido ‘Girlfriend’ (‘Damn-dis mois’ en su versión en francés), para el que la artista presentaba, el pasado mes de mayo, un videoclip espectacular, y el segundo llegaba hace unas semanas con el título de ‘Doesn’t Matter’.

A poco más de un mes de que llegue a las tiendas ‘Chris’, la autora de ‘Tilted’ presenta el tercer avance del álbum, ‘5 Dollars’. Es otro dulce número de synth-pop ochentero que Christine describe así, revelando su significado: “la canción es tan tierna y desaliñada… Va sobre un tipo de amor, el que puedes comprar. Es una interpretación literal. Un billete por un polvo: ¡qué aliviador puede ser, sorprendentemente! La dinámica de poder está tan clara como el agua en tus manos. Se convierte en un puro gesto de amor, el del consentimiento definitivo”.

Christine dedica ‘5 Dollars’ por tanto a la prostitución, y en su videoclip interpreta a una persona -no se sabe si prostituta o cliente- aficionada al sexo BDSM. La vemos ducharse con rasguños en la espalda y más tarde atándose un arnés de cuero al pecho, antes de ponerse el traje de ejecutiva para salir a trabajar. ¿Oficinista de día, dominatrix de noche?

Paul McCartney se atreve menos que CeeLo Green y Lily Allen y estrena single titulado ‘Fuh You’

Por
Jordi Bardají
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Paul McCartney, uno de tantos artistas que han recordado a Aretha Franklin tras su fallecimiento durante el día de ayer, protagoniza una de las novedades destacadas de la semana en cuanto a lanzamientos con su nuevo single, que además lleva el descarado título de ‘Fuh You’ (se ha atrevido menos que CeeLo Green y Lily Allen).

Tras ‘Come On to Me’ y ‘I Don’t Know’, ‘Fuh You’ es el tercer avance de ‘Egypt Station‘, el nuevo álbum del ex Beatle, que sale el 7 de septiembre, y aparte de por su título, que dará lugar a malinterpretaciones (dice “I just want it for you”, pero se entiende otra cosa), destaca por tratarse de una composición de Ryan Tedder, líder de OneRepublic y co-autor de éxitos como ‘Rolling in the Deep’ de Adele, ‘Halo’ de Beyoncé o ‘Bleeding Love’ de Leona Lewis. Efectivamente estamos ante una canción bastante popera que hasta podría ser de Ed Sheeran (su tema ‘Happier’ también es co-autoría de Tedder).

El propio McCartney ha contado que con ‘Fuh You’ ha buscado hacer una “canción de amor obscena”, por lo que quizás las malinterpretaciones de su estribillo -que suena a “solo quiero follarte”- no sean tan erradas al fin y al cabo.

Ready for the Weekend: Animal Collective, Christine and the Queens, Suede, Ximena Sariñana, Ladytron…

Por
Raúl Guillén
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Junto con el lanzamiento de ‘Sweetener’, el nuevo disco de Ariana Grande, este viernes 17 de agosto también se publican álbumes como los de Animal Collective, Death Cab For Cutie, Mitski, Cullen Omori (ex-Smith Westerns), Thee Oh Sees, Young Thug –a esta hora, aún no está disponible en España–, Slaves, Still Corners y el EP de regreso de Papa M tras las dificultades personales de David Pajo. ¡No está nada mal, para ser pleno verano!

Del mismo modo, también hay un buen puñado de singles y jugosos adelantos de próximos álbumes, como son los de Cat Power & Lana Del Rey, Janet Jackson & Daddy Yankee, Iron & Wine, Alex Anwandter o Kiesza que hemos venido destacando a lo largo de los últimos 7 días. Y con ellos, novedades de Calvin Harris, Suede, The 1975, Ladytron, Paul McCartney, Christine and the Queens, Low, Jess Glynne, MNEK, Ximena Sariñana, Kurt Vile, Jain, Fucked Up, Stefflon Don & Future, Justice, Cloud Nothings, Uffie, Roosevelt & Washed Out o Brooke Candy (que ha pasado de colaborar con Sia a hacerlo ahora con Pussy Riot, Mykki Blanco y MNDR), entre otros muchos.

También queda espacio para recopilatorios como la antología de Prince que alterna temas de su discografía entre 1995 y 2010 –cuando empleó como sobrenombre El Símbolo– con inéditos de esa era, una cara B inédita en el nuevo single de Noel Gallagher’s High Flying Birds, un remix de Cedric Gervais (el que convirtiera ‘Summertime Sadness’ en un megaéxito bailable) para Superorganism o sendas versiones de St Vincent (por The Wombats), Gillian Welch (por Father John Misty) y Elyse Weinberg (por Courtney Barnett) para la serie de directos exclusivos de Spotify.

Nas / Nasir

Por
Raúl Guillén
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Para muchos, tras publicar una piedra angular del rap de los 90 como ‘Illmatic’, Nas fue incapaz de igualar esa cima de su debut. Eso no quita que su carrera desde entonces sea una de las más exitosas, comercialmente hablando, del hip hop, con unas ventas estimadas de 25 millones de álbumes que entran en disputa directa con las de su archienemigo Jay Z. No parece casual que, 6 años después del acomodaticio ‘Life Is Good’, Nas se asocie con uno de los últimos ex-amigos de Shawn Carter, Kanye West, para la producción de su nuevo álbum. Aunque, habida cuenta de que desde hace varios discos el de Queens parecía haber perdido el tren del hip hop contemporáneo con producciones tremendamente anacrónicas, bien podría ser, sencillamente, una decisión estratégica para recuperar su relevancia.

Así las cosas, parece una buena decisión haber recurrido a West en este ‘Nasir’ que, a decir verdad, bien podría ser un álbum firmado al 50% como el de Kids See Ghost. El peso de West en el resultado del disco es claramente crucial y las dos canciones en las que interviene vocalmente, ‘everything’ y ‘Cops Shot The Kid’, están claramente entre lo mejor del disco. La primera, con ese fantástico gancho cantado a media por Ye y The-Dream (reminiscente de ‘808s and Heartbreak’) que elogia la diferencia y la sencillez para cambiar el mundo, es una de las mejores canciones surgidas de esta hornada de producciones que West lanzara semanas atrás, mientras que la segunda acierta al aproximar su estilo al universo clásico de Nas, apuntando a la violencia policial contra los afroamericanos (parece que, tras años hablando de dinero, chicas y limos, Nasir ha decidido volver a hablar de la vida en la calle), sobre un desquiciado sample extraído de ‘Children’s Story’ de Slick Rick.

Resulta algo decepcionante que, ante tan buenos resultados de su encuentro, ‘Nasir’ resulte algo cojo por temas prometedores pero mal rematados como ‘Bonjour’ o ‘Simple Things’, el primero extendido de más, el segundo muy rácano, sacando los colores a la producción lo-fi que West ha empleado en esta batería de 5 obras. Con todo, el tono general del disco se aproxima más al acierto que a esos errores, como el certero gancho que 070 Shake sirve en ‘Not For Radio’ –con un Diddy prescindible–, la tan escueta como poderosa base de ‘White Label’, basada en una tan fantástica como rebuscada adaptación del iraní Shahram Shabpareh del ‘Prison Song’ de Crosby, Stills, Nash & Young. Y parece que a West le ha dado por juguetear con el rock persa, puesto que el otro gran punto álgido de ‘Nasir’, ‘Adam & Eve’, está inspirado en un fragmento de ‘Gole Yakh’, del también iraní Kourosh Yaghmaei, sobre el que The-Dream canta un gran estribillo que parece genuinamente extraído de un disco de pizarra.

Donde no termina de atinar Nas es en la coartada lírica de este comeback: teóricamente, cada una de las letras de sus 7 cortes da una visión sobre los 7 pecados capitales. Y aunque la cosa cuela cuando se refiere al orgullo (el de la etnia afroamericana, retratado en ‘Not For Radio’) y la ira (‘Cops Shot The Kid’), la cosa se va volviendo más y más inconsistente a medida que avanza el disco. No sólo es la dudosa necesidad de aludir a su ex, Kelis, que recientemente le acusaba de haberla agredido física y psicológicamente durante su embarazo (en ‘Simple Things’, una canción supuestamente sobre la envidia… donde se dedica a fardar de sus numerosas conquistas sexuales). Sino que ni el calzador del estribillo consigue que la descripción de su laxo estilo de vida sirva para acusar la pereza en ‘Adam & Eve’ (más bien resulta un “elogio de”), ni está el mundo para soportar que un rapero millonario venga a dar lecciones emocionales sobre lo malo que es vacunar a los niños, como sucede en el segundo de verso de ‘Everything’ (que, para mayor randomness, trata sobre la codicia).

En todo caso, olvidándonos por un momento de sus letras (lo cual fue, en su día, su gran virtud), Nas consigue en buena medida lo que, a todas luces, buscaba con ‘Nasir’: recuperar vigencia y aproximarse al rap contemporáneo sin traicionar su estilo (técnicamente, su flow sigue siendo venerable).

Calificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Everything’, ‘Cops Shot The Kid’, ‘Adam & Eve’
Te gustará si te gusta: ‘ye’ y ‘808s & Heartbreak’ de Kanye West, y añoras al Nas de ‘illmatic’ pero sabes que difícilmente volverá.
Escúchalo: Spotify

La canción del día: Mitski se corona como cronista de la vida adulta con ‘Two Slow Dancers’

Por
Raúl Guillén
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El quinto álbum de estudio de Mitski, proyecto musical de Mitski Miyawaki junto a su inseparable productor Patrick Hyland, está llamado a ser el de su gran eclosión. Tras la irrupción de ‘Puberty 2’ (2016), apoyado por el sello Dead Oceans tras tres discos autoeditados y, por tanto, de menor repercusión, ‘Be The Cowboy’ venía llamando a las puertas de este 2018 con canciones tan distintas como la angustiosa ‘Geyser’ o la luminosa ‘Nobody’.

Una variedad que se confirma hoy con las primeras escuchas del álbum, con momentos bailables, (en la manera en la que lo entendería St Vincent, una de las referencias más recurrentes al hablar de Mitski) como ‘Why Didn’t You Stop Me?’, coloridos como ‘Me and My Husband’, volcánicos como ‘A Pearl’ o ‘Remember My Name’ y reposados como ‘Two Slow Dancers’, el tema que cierra dramáticamente el disco.

Precisamente nos centramos hoy y destacamos como canción del día este tema, que fue presentado hace una semana como el último avance antes del lanzamiento. Una balada ensimismada que, además, contiene buena parte de la carga lírica de ‘Be The Cowboy’: Mitski, como explicaba en su extensa nota de prensa, recrea en él un personaje, una mujer madura que, tras años de “engaños”, decide romper con lo establecido.

Y este hermoso tema ambiental, con el único acompañamiento de un órgano, dibuja a una pareja adulta bailando una lenta en el gimnasio de su antiguo instituto. Un frustrado amor de juventud que se reúne años después a sabiendas de que lo suyo terminará de una vez para siempre tan pronto acabe la música: “sería cien veces más fácil / si fuéramos jóvenes otra vez / Pero, tal y como es / Como es / Sólo somos dos bailando lentamente, los únicos que quedan”. Con este precioso tema, que uno puede imaginar sonando en alguna escena de ‘Twin Peaks’, Mitski se corona como fabulosa cronista de la vida adulta y dota a ‘Be The Cowboy’ de ese aura de “álbum destacado de 2018” (las primeras críticas publicadas ya lo auguran).

Janet Jackson presenta ‘Made For Now’, un solvente reggaeton pop de la mano de Daddy Yankee

Por
Raúl Guillén
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Una de las noticias más sorprendentes de la semana era el anuncio de la inesperada colaboración entre Daddy Yankee en el single de regreso de Janet Jackson, ‘Made For Now’. Y esta madrugada ha sido lanzado, ultracolorido vídeo dirigido por el reputado Dave Meyers (Kendrick Lamar, Ariana Grande, Camila Cabello) mediante.

La canción está producida por un nombre de la vieja escuela del R&B como Harmony Samuels (Ciara, Keyshia Cole, Fifth Harmony) y escrita por una cohorte de compositores que, además de Janet y el rapero portorriqueño, incluye a Randy Jackson, hermano de la cantante. Y es un solvente acercamiento del R&B y el soul con ritmos no exactamente reggaetoneros, sino caribeños en el sentido más clásico, con una guitarra haciendo un marcado riff. Aunque Daddy aporta su correspondiente verso, algo anodino, lo que destaca de ‘Made For Now’ es, en realidad, una melodía que recuerda vivamente el célebre ‘All Night Long’ de Lionel Ritchie, especialmente cuando los coros repiten esos “right now”.

‘Made For Now’, como decíamos, marca el regreso a la industria musical de Janet que, tras publicar en 2015 ‘Unbreakable’, interrumpió inesperadamente su promoción y gira en 2016 para ser madre y crear una familia con el que finalmente ha terminado siendo su ex marido, el magnate catarí Wissan al Mana. Tras dar a luz a principios de 2017, este año ha retomado esa gira que abandonó a medias y, presumiblemente, continuará trabajando en su 12º álbum de estudio, aunque ya se sabe que la Jackson no es precisamente impaciente preparando sus discos.

Ariana Grande publica ‘Sweetener’: el tema llamado como su novio, ‘Pete Davidson’, y otros detalles del álbum

Por
Raúl Guillén
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Hoy viernes, 17 de agosto, se publica uno de los lanzamientos más esperados del pop mundial en 2018. Se trata de ‘Sweetener’, el cuarto álbum de estudio de Ariana Grande, el primero tras el terrible ataque terrorista que se vivió en 2017, en Manchester, a la salida de uno de sus conciertos. Sin duda parece que la intro, ‘Raindrops (An Angel Cried)’ –en realidad, una versión de The Four Tops– está dedicado a las víctimas de aquella tragedia, al igual que su exitoso single principal ‘No Tears Left To Cry’. Sin embargo, lo que más parece marcar el plano lírico del álbum es su nueva relación sentimental, tras la ruptura con el rapero Mac Miller, con el actor Pete Davidson, con el que dice que supo que se casaría nada más conocerle (!).

Hasta el punto que le dedica de manera explícita uno de los 15 cortes del álbum, el titulado ’Pete Davidson’. Es, en cualquier caso, un pequeño guiño, casi una broma, puesto que se trata de un interludio de poco más de un minuto, casi al final del álbum, en el que, eso sí, le dice claramente que “toda su vida me estuvo preparando para ti” y repite una y otra vez que va a “ser feliz” a su lado. Ese tono edulcorado (ya sabemos a cuento de qué venía el título del disco) es generalizado en buena parte del disco, abundante en medios tiempos de soul pop y R&B como ‘R.E.M.’, ‘Everytime’ o ‘Better Off’.

Pharrell Williams es, claramente, el productor y compositor principal del álbum, puesto que no sólo interviene en su featuring, ‘Blazed’, y el ya conocido ‘The Light Is Coming’ (junto a Nicki Minaj), sino que firma o colabora en hasta cinco temas más. La única colaboración estelar, más allá de Pharrell y Minaj, es la de Missy Elliott en ‘Borderline’, aunque en los créditos encontramos a mucho sueco conocido, como Ilya (co-autor de ‘Bad Blood’, ‘Love Me Like You Do’, que ya tendría un papel crucial en ‘Dangerous Woman’), artífice junto a Savan Kotecha del otro single, ‘God Is A Woman’, o Peter Svensson: el guitarrista de The Cardigans es el compositor del que quizá sea el más claro “banger” de ‘Sweetener’, ‘Breathin´’.

Casi en el mismo instante del lanzamiento del disco, la pasada madrugada, se emitía en EE UU una entrevista con Ariana Grande en el famoso ‘The Tonight Show with Jimmy Fallon’, en el que, además de ofrecer una entrevista, la artista rendía un precioso homenaje a Aretha Franklin, interpretando junto a The Roots el mítico ‘Natural Woman’, que ya puede verse en Youtube.

‘Pose’ puede parecer un cuento de hadas, pero uno que a ningún niño le contaron

Por
Pablo Tocino
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Una serie protagonizada por mujeres. Una serie protagonizada por mujeres negras y latinas. Una serie protagonizada por mujeres negras y latinas pobres. Una serie protagonizada por mujeres trans negras y latinas pobres. Una serie protagonizada por mujeres trans negras y latinas pobres donde son actrices trans, y no actores cis, quienes las interpretan. Pensemos en alguien que va a presentarle su proyecto de serie a unos productores: cualquiera de esas categorías hubiese hecho difícil que la respuesta fuese “ok”, y más a medida que la frase se hace mayor. Y directamente imposible con las dos últimas frases. Está claro que sin el éxito de ‘Glee’, ‘American Horror Story‘, ‘Feud‘, ‘Popular’, ‘Nip/Tuck’ o ‘American Crime Story‘, es decir, sin la figura de poder que supone Ryan Murphy, ‘Pose’ no podría existir. Pero tampoco sin el caldo de cultivo en el que muchísimas activistas han trabajado sin descanso, siendo Janet Mock una de ellas: no en vano, la articulista ha sido en esta ocasión la mano derecha de Murphy y de su inseparable Brad Falchuk. ‘Pose’ es, en muchísimos sentidos, una serie necesaria. Y ese adjetivo que tantas veces se usa de forma condescendiente con productos que destacan por su labor social, pero no tanto por su calidad, no tiene aquí en absoluto esa segunda lectura. ‘Pose’ es una serie necesaria… y es una gran serie.

‘Pose’ presenta la serie con más intérpretes trans de la historia, con Mock como la primera mujer negra trans en producir, escribir y dirigir una serie, y coincide en el tiempo con dos polémicas sobre personas cis interpretando a personajes trans: la de Scarlett Johansson con su papel en ‘Rub & Tug’ (que terminó abandonando) y, a nivel nacional, la de Paco León con ‘La casa de las flores’. Y el casting no es solo un acierto por el hecho de que sean mujeres trans: ES un buen casting. Por nombrar solo a las tres protagonistas, MJ Rodríguez hace un gran trabajo con Blanca componiendo uno de los personajes más intrínsicamente puros que se hayan visto en televisión, Indya Moore está también sensacional como Angel, y Dominique Jackson, aunque salga perdiendo en lo interpretativo en comparación con las anteriores, lo suple todo con la presencia absolutamente magnética de su Elektra, que consigue que cada vez que aparece en pantalla, no puedas quitar tus ojos de ella.

En la parte masculina, quien se come al resto es el Pray Tell de Billy Porter (cuya amistad y momentos de intimidad con Blanca son de lo mejor de la serie), aunque también Ryan Jamaal Swain hace un buen trabajo con la inocencia de Damon, y Angel Bismark con el equilibrio entre macarra y bonachón de Lil Papi. Aquí los secundarios son, al contrario que en la mayoría de lo audiovisual, los blancos heterosexuales, y para ellos Murphy y Mock también han dado en el clavo con valores seguros como Evan Peters, Kate Mara y Chris Meloni, y un sorprendente papel de James Van Der Beek (sí, el mítico Dawson de ‘Dawson crece’) que aporta un enfoque curioso a la historia: su personaje y el de Peters trabajan para Trump (!) en medio del capitalismo de finales de los ochenta a lo ‘Armas de Mujer’ o ‘El lobo de Wall Street‘. Al situarse en esa época, y gracias también al presupuesto que toda producción de Murphy tiene, la BSO está tan llena de temazos como se puede esperar: Diana Ross, Tina Turner, Grace Jones, Janet Jackson, Whitney, Kate Bush, Donna Summer, 10cc, Sade, Bryan Ferry o Whitesnake se pasean por el universo de Blanca, Elektra y compañía.

Es evidente que todo lo que rodea a las personas trans despierta aún mucha confusión en la sociedad, y que ésta tiene mucho desconocimiento al respecto, y precisamente por eso es tan interesante que la serie se adentre en territorios inexplorados en este aspecto (o explorados desde el morbo y la exotización) como el tópico de que todas las personas trans quieren someterse a la cirugía genital, o cómo conseguían el dinero si querían dicha cirugía y los implantes de silicona, o cuál era la opción barata (lo más cercano en nuestra televisión es la historia de Marisol, «La Falsa Cirujana») o, tema tabú donde los haya, la tan cuestionada sexualidad de los hombres hetero que buscan específicamente una mujer trans con pene: Janet Mock escogió personalmente a Chris Meloni para su papel precisamente por eso, quería un actor con una apariencia concreta, “a quien nadie le cuestionaría su sexualidad”, según sus propias palabras. Y esto de “Janet Mock escogió” es importante: tener a personas trans, y LGBT en general, que saben con exactitud qué les ha faltado a lo largo de su vida, contando su propia historia, tiene mucho que ver con la sensación de veracidad (otro ejemplo eficaz en este sentido es lo inaudita que puede resultar cierta charla madre-hijo sobre sexo) que arroja ‘Pose’.

Una veracidad que solo ha sido puesta en duda en un sentido: cuando, al hilo de Kiddy Smile, hablé del documental ‘Paris is Burning’ (recomendable verlo antes de ver la serie, por cierto), mencioné el momento en que se decía que podías confirmar que una concursante era una “femme realness queen” cuando podía salir de la ball y llegar a su casa sin sangre; es decir, cuando pasaba por cis y por tanto no era víctima de ataques tránsfobos callejeros. La historia de unos personajes trans en los EEUU de finales de los 80 bien podía ser una ‘American Horror Story’, y no es lo que Murphy y su equipo han hecho. Aunque no se llegan a romantizar la pobreza, la prostitución callejera, etcétera, tampoco se muestran de forma sórdida. Pero ‘Pose’ no es anacrónica ni irreal, simplemente elige qué mostrar y cómo: sí, no funciona como una ficción con intención documental que podía tener la reciente ‘120 pulsaciones por minuto‘, pero si la sensacional obra de Robin Campillo acertaba de pleno en su representación de los clubs como evasión de las mierdas que tenían que soportar sus personajes, ‘Pose’ va más allá y consigue transmitir a la perfección el escapismo, la alegría y la sensación de comunidad que se podía encontrar en las balls.

En muchas piezas sobre la serie se menciona que consigue hacer historia (por el tema del cast) sin llegar a ser original, y discrepo. Claro que es original, claro que innova. Lo tremendamente nuevo de ‘Pose’ es otorgar felicidad a unos personajes que sistemáticamente son maltratados en la ficción, es ofrecer un happy place audiovisual (¡ese episodio de Navidad!) a un grupo que no suele verse representado, y menos de forma optimista. MJ Rodríguez cuenta que, el último día de grabación, dijo al equipo que podían sentirse orgullosos porque “incluso si no tenemos segunda temporada, hemos podido mostrar que somos más que simplemente estigmas”. Finalmente van a tener esa segunda temporada (¿con aparición de Madonna incluida?), pero esa es la clave: sin ser una serie de misterio, ‘Pose’ posee un gran plot-twist. [¡ATENCIÓN, SPOILER!] Y el plot-twist es precisamente que Blanca decida ayudar a Elektra en su peor momento, en lugar de aprovechar para pisotearla; es esa cita de Pray Tell en la que todos pensamos que se va a llevar un palo… pero no; es que Blanca diga “quiero ser yo quien le de a Damon las buenas noticias” y que no ocurra una desgracia que lo impida (como seguro que todos pensamos que ocurriría, por lo que estamos acostumbrados a ver), como decía la propia Janet Mock en una entrevista sobre esto, en la que también ironizaba sobre que el gran día llegará cuando Indya Moore lleve a Zac Efron como acompañante en la alfombra roja.

“¿Que es demasiado cuento de hadas?”, se preguntaba Mock sobre las críticas por este aspecto a ‘Pose’. “Vale, dejadnos crearlo. Esto no es ‘The Wire’ ni pretende serlo. (…) Y, aunque la serie fracase, mi comunidad podrá decirme ‘esto me ha hecho sentir bien, me ha hecho sentir esperanza, me ha hecho sentir que quizás debería ir a una audición para algún papel, y que quizás debería volver a la escuela’”. 8.

Aretha Franklin en 10 actuaciones icónicas

Por
Raúl Guillén
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Por más que supiéramos que Aretha Franklin nos dejaría en cuestión de horas, días, tras conocerse su estado grave a principios de esta semana, no resulta menos doloroso. La llamada reina del soul –aunque en realidad la auténtica raíz de su milagrosa voz está en el blues y el gospel– ha marcado un antes y un después en la historia de la música popular.

La historia de Aretha alberga una difícilmente asumible trayectoria discográfica con más de 50 álbumes (casi uno al año desde que su carrera diera comienzo, allá por 1960), y su voz y su figura, imponentes, han maravillado década a década en igualmente incontables actuaciones en directo a la altura de este icono. Por eso repasamos su historia en 10 de esas actuaciones que, por su importancia y simbolismo incluso histórico, siempre unidas a una calidad interpretativa sobrenatural, merece la pena recordar.

‘Won’t Be Long’, 1964

El primer single de los 76 que colocó en Billboard Hot 100 –un record sólo desbancado recientemente por Nicki Minaj– fue este de su disco de 1961 ‘ Aretha: With The Ray Bryant Combo’, uno de los primeros de su carrera, en una de sus primeras apariciones televisivas.

‘Chain of Fools’, 1968

Pese a estar educada en el gospel, la moda de la época casi empujaba a Aretha a convertirse en estrella del soul, en este caso perfectamente ataviada (extrañamente, sin la banda y los coros a la vista) con el estilo go-go tan 60s en esta colorida escenificación del enorme ‘Chain of Fools’.

‘Respect’, 1970

La irrupción de Aretha se hizo también meteórica en Europa, donde pronto comenzó a realizar giras por Francia y Países Bajos, sobre todo en festivales de jazz. En este caso, vemos una agitadísima interpretación del mítico ‘Respect’ en Antibes, Francia.

‘I Say A Little Prayer For You’, 1970

Una de las controversias más famosas del soul fue la enemistad entre Dionne Warwick y Aretha –se dice, incluso, que ese enfrentamiento podría ser retratado en la segunda temporada de ‘Feud’–, y muy posiblemente se debiera al hecho de que Aretha acabó apropiándose de este single que Burt Bacharach y Hal David escribieran para Warwick. Viendo esta interpretación, en un especial televisivo británico de Tom Jones, ¿quién osaría pedirle que se abstuviera de cantarla?

‘Bridge Over Troubled Waters’, 1971

Como decíamos antes, el circuito del jazz fue recurrente en las giras de Aretha quien, aunque es más reconocida como cantante, destacó también como pianista y organista. Esta sentida interpretación del clásico de Simon & Garfunkel en el festival de Montreal da buena cuenta de ello.

‘Dr. Feelgood’, 1971

El disco en directo en el Fillmore West de 1971 es uno de los mejores álbumes en vivo de la historia de la música, y un zenit en la discografía de Franklin. Su gran estado de forma, quizá en su máximo esplendor, y la comunión con el público son palpables en esta interpretación de uno de sus grandes clásicos más blues, ‘Dr. Feelgood’.

‘Mary Don’t You Weep’, 1979

No deja de ser una curiosidad, puesto que es simplemente una breve intervención de 2 minutos, pero esta aparición con una gran melena suelta en un especial navideño de Soul Train da cuenta de cómo, tan sólo con un par de versos, podía embelesar la voz y la presencia de Aretha.

‘Precious Lord’, 1984

Uno de los momentos cumbre en la historia de la cantante fue cuando cantó ‘Precious Lord’ en el históricamente crucial funeral del Reverendo Martin Luther King. Curiosamente, su padre también fue reverendo y esa misma canción fue cantada por Franklin en honor de ambos en 1984, en el funeral de su progenitor.

‘I Dreamed a Dream’, 1994

La figura de la reina del soul es tan descomunal que terminó inevitablemente ligada a la historia de su país, apareciendo en diversos momentos históricos como la conocida actuación en la primera toma de posesión de Barack Obama. Pero quizá no suele recordarse tanto que también dio la bienvenida a otro presidente demócrata, Bill Clinton. Además, lo hizo interpretando un número extraño, ‘I Dreamed A Dream’ (el baladón de ‘Los Miserables’) con una escenografía excesiva, marca de los 90. Sin embargo, aunque al principio parezca que eso hace aguas, Aretha encauza el libreto con un final E-S-P-E-C-T-A-C-U-L-A-R.

‘(You Make Me Feel Like) A Natural Woman’, 2015

Por supuesto, no podía faltar una de sus últimas actuaciones más notorias antes del anuncio de su retirada el año pasado. En una entrega de premios presidida por los Obama y acompañada de Carole King, autora de una de sus canciones más icónicas, ‘(You Make Me Feel Like) A Natural Woman’, Aretha arrancaba lágrimas (incluidas las del ex-presidente de EE UU) y demostraba que, a sus más de 70 años, aún tenía lo necesario para seguir siendo, por siempre, la reina del soul.

Aretha Franklin, recordada por artistas de todas las generaciones

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Jordi Bardají
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Aretha Franklin ha fallecido este jueves en Detroit. Tenía 76 años. Con ella se ha ido la Reina del Soul y una de las voces más importantes de la historia de la música negra y de la música popular. Para siempre quedarán canciones como ‘Say a Little Prayer’, ‘Respect’ o ‘(You Make Me Feel Like) A Natural Woman’ que siguen siendo escuchadas y versionadas a día de hoy.

La diversidad de los artistas a los que Franklin ha influido, o que simplemente la reconocen como una de las cantantes más importantes de la historia, se percibe en la diversidad de artistas que hoy la están recordando en las redes sociales. Paul McCartney, Diana Ross, su colaborador Clive Davis, Justin Timberlake, Christina Aguilera, Ariana Grande (que comparte una imagen de ella con Franklin), Chance the Rapper, Azealia Banks, Jake Shears, Florence + the Machine, Will Butler de Arcade Fire, Britney Spears y Liam Gallagher son algunos de los artistas procedentes de varias generaciones que han lamentado la pérdida de Franklin.

Por supuesto, los mensajes también están siendo diversos. Especialmente bonito ha sido el de Mariah Carey, quien ha escrito que el “poder de la voz de Franklin en la música y los derechos civiles abrió una puerta para mí y muchos otros”. Carey apunta: “Fuiste mi mayor inspiración, mi mentora y mi amiga. Me enseñaste que podía cantar las canciones que quería cantar y traer a Dios conmigo. Atesoro todos los momentos que pasé en tu presencia”. Por su parte, Brian Wilson se ha mostrado “apenado” por la marcha de Franklin y ha recordado que en los 60 solía escuchar a la cantante, una de las “más grandes y emotivas vocalistas”. Missy Elliott ha querido celebrar a Franklin compartiendo un vídeo de una actuación de la artista en ‘Soul Train’, escribiendo que se la imagina todavía “moviendo almas” en el cielo.

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Aretha Franklin. The Queen of Soul. The Icon. The ultimate singers' singer. The greatest singer and musician of my lifetime. The power of your voice in music and in civil rights blew open the door for me and so many others. You were my inspiration, my mentor and my friend. You showed me I could sing the songs I wanted to sing and bring God with me. You've inspired millions everywhere yet never left home, never left church. Today the entire world mourns your home-going and celebrates all the brilliance you left behind. I will forever cherish the moments I spent in your presence. Your indelible impact was earned not only by your incomparable voice but by your bigger than life personality, wit and humor. I say a BIG prayer for you. You will forever have all our RESPECT. Love, Mariah ♥️

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🌹

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A Natural Woman.

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Thank you, Aretha Franklin.

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Muere Aretha Franklin

Por
Jordi Bardají
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Tras transcender esta semana en los medios que se encontraba en un “grave” estado de salud, ingresada en un hospital de Detroit y rodeada de su familia y amigos, finalmente ha muerto Aretha Franklin, ha confirmado su representante a The Associated Press. La reina del soul, que en los últimos años de su vida había padecido un cáncer, ha fallecido a los 76 años.

Dotada de una voz prodigiosa, que ha influido a decenas de cantantes posteriores, entre ellas Whitney Houston y Beyoncé, Franklin popularizó, y de hecho convirtió en canciones insignia, indisociables de ella, composiciones ajenas como ‘I Say a Little Prayer’ de Burt Bacharach y Hal David, ‘Respect’ de Otis Redding o ‘(You Make Me Feel Like) A Natural Woman’ de Carole King, imprimiéndolas, gracias a su portentosa voz, para siempre en la memoria popular. En algunos casos, Franklin fue autora de sus propios éxitos, como de una pionera ‘Think’ que puso banda sonora al movimiento feminista de finales de los 60, y que se considera un emblema de la época. ‘Chain of Fools’, ‘Spanish Harlem’, ‘You Send Me’ y ‘Son of a Preacher Man’ son otros de sus mayores éxitos.

Como era habitual en los primeros años de la música pop, Franklin publicó disco por año (a menudo incluso dos) a partir del lanzamiento de su primer LP, ‘Songs of Faith’, en 1956, cuando tan solo contaba 14 años. En sus primeros trabajos, la cantante nacida en Memphis sobre todo interpretó canciones tradicionales, por ejemplo de George Gershwin, cuyo ‘Swanee’ adaptó magistralmente, y no fue hasta la llegada de su undécimo álbum, ‘I Never Loved a Man the Way I Love You’, en 1967, cuando logró verdadero éxito comercial, auspiciada en este caso por el éxito de ‘Respect’. Sin embargo, se suele considerar su disco más emblemático ‘Lady Soul’, el decimocuarto, que es mencionado con frecuencia entre los discos más importantes de todos los tiempos.

Aunque la influencia de Franklin, en concreto el de su trabajo en los 60, era alargada y llegaba hasta nuestros días (Rumer le dedicó una canción titulada con su nombre, Ariana Grande, Demi Lovato y Lianne La Havas la han versionado), no puede decirse que la cantante viviera anclada en el pasado. Franklin buscó mantenerse en el candelero colaborando con artistas contemporáneos como George Michael, con quien lanzó el single ‘I Knew You Were Waiting (For Me)’ en 1986, o Mariah Carey, con quien compartió escenario, y de hecho en 2014 sacó un disco de versiones donde cupieron canciones de Adele, Alicia Keys, Whitney Houston o Sinéad O’Connor. Además, Internet la inmortalizó en un GIF maravilloso… ¡Respect!

Madonna celebra su 60 cumpleaños publicando el vídeo oficial de su actuación en la gala MET

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Jordi Bardají
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El pasado mes de mayo, Madonna actuó en la MET Gala, donde realizó una teatral “performance” de 13 minutos en la que cupieron su clásico ‘Like a Prayer’, el fragmento de un tema nuevo, ‘Beautiful Game’, y una versión de ‘Hallelujah’ de Leonard Cohen. Entonces pudimos ver la actuación mediante vídeos de bastante mala calidad grabados por los asistentes, pero de la actuación se intuía una producción muy cuidada que esperábamos poder ver en condiciones algún día.

Con motivo de su 60 cumpleaños, que JENESAISPOP ha celebrado durante el verano repasando sus 60 mejores canciones en una cuenta atrás, Madonna ha publicado el vídeo oficial de su actuación en la MET Gala. Madonna empezó su performance cantando ‘Like a Prayer’ acompañada por coros monásticos, en una actuación que realzó el carácter espiritual de la canción. A a esta le siguió un trozo de la inédita ‘Beautiful Game’, una balada trap que al fin podemos oír en una calidad más o menos aceptable, y finalmente ‘Hallellujah’.

Nicki Minaj hace trampas en busca del número uno para ‘Queen’

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Jordi Bardají
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Si hay algo peor que, en la confusa era del streaming, artistas como Drake y Post Malone cuelen canciones realmente mediocres en los primeros puestos del Billboard Hot 100, e incluso logren números uno con algunas de ellas, es que estos mismos artistas se sirvan de trampas para conseguirlos. Que se lo digan a Rihanna o a Jay-Z.

Ahora es Nicki Minaj quien, en busca de que su nuevo disco, ‘Queen’, debute en el número uno de Estados Unidos, ha tomado una extraña decisión, que es incluir su éxito con 6ix9ine y Murda Beatz, ‘FEFE’, al final de la secuencia del álbum, casi una semana después de lanzarlo. Extraña decisión, decimos, porque después de haber hablado durante meses sobre lo importante que era este álbum para ella, sobre la gran “obra” que se avecinaba, parece que finalmente a Nicki no le importa tanto arruinar su secuencia con tal de arañar ese número uno, con una colaboración que, en primer lugar, por estilo no tiene nada que con el resto del disco, y en segundo, está siendo muy polémica, pues 6ix9ine es el nuevo amigo de los tribunales en Estados Unidos, y por temas especialmente delicados, ya que el rapero se ha declarado culpable de haber practicado sexo con una joven menor de edad en 2015. Una historia que no es ajena a Minaj, ya que su hermano está preso por violar a una niña de 11 años. ¿De verdad va a valer la pena manchar ‘Queen’ con esta polémica por un número uno?

Por supuesto, esta no es la primera vez que un artista edita su disco después de lanzarlo, como todo fan de Kanye West sabrá, ni la primera vez que un artista añade un hit más o menos antiguo a un disco posterior para sumar streamings (‘Hotline Bling’ no cerró ‘Views‘ por casualidad). El streaming permite estos cambios de último minuto sin que a nadie le sorprenda ya lo más mínimo. Pero la decisión de Nicki parece particularmente desesperada, ya que los verdaderos singles de ‘Queen’ la están pasando canutas para impactar realmente entre el público (el single principal del álbum, ‘Chun Li’, habiendo sido un éxito, todavía ha de alcanzar los 100 millones de reproducciones en Spotify y actualmente está fuera del Billboard Hot 100, ‘Bed’ con Ariana Grande apenas ha sido top 43). Entre esto y que muchos fans no han aprobado su colaboración con 6ix9ine, parece que Minaj busca un número uno a toda costa, aunque sea en detrimento de la línea artística de su disco y de su propia imagen. Sin un macrohit como ‘Anaconda’ al que agarrarse, parece que todo vale para conseguir un número uno en el mundo de Nicki Minaj. Veremos cómo le sabe…

Lily Allen anuncia su autobiografía, ‘My Thoughts Exactly’

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Jordi Bardají
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Lily Allen había revelado que publicaría su autobiografía en otoño, y este miércoles la ha anunciado al fin en las redes sociales. El primer libro de la cantante británica se titula ‘My Thoughts Exactly’ y sale el 20 de septiembre. Esta es su cubierta. En Twitter, Allen ha escrito que lleva “mucho tiempo” queriendo compartir los primeros detalles del libro con sus fans y apunta: “cuando las mujeres cuentan sus historias, en voz alta, de manera clara y desde la honestidad, las cosas empiezan a cambiar para mejor”.

El pasado mes de noviembre, Allen reveló que preparaba sus memorias y explicó que estas serían “chocantes” y “brutales”. En ellas hablará sobre la adicción al alcohol y a las drogas que ha sufrido en el pasado, sus desórdenes alimenticios, el aborto que sufrió en 2010 o su divorcio, además de los “altibajos” de la fama, que Allen experimentó a una edad muy joven (la cantante publicó su primer disco cuando tenía 21 años).

Las memorias de Allen llegan en un buen momento profesional para la cantante, después que su último disco, ‘No Shame‘, haya sido nominado a un Mercury Prize, uno de los premios musicales más prestigiosos que se entregan en Reino Unido. Sin embargo, el disco se ha quedado lejos de ser uno de los mejores valorados de su carrera.

Nicki Minaj / Queen

Por
Raúl Guillén
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Han pasado 4 años desde que Nicki Minaj publicara su penúltimo disco de estudio, ‘The Pinkprint’, y este ‘Queen’ pero no la hemos echado de menos. Entendedme bien: no la hemos echado de menos porque, quizá como táctica para no perder su estatus como la mejor rapera de la última década, ha optado por hacerse omnipresente. Ya fuera con singles propios (algunos tan brillantes como ‘No Frauds’) e incontables colaboraciones de todo pelaje (en hits de Katy Perry –’Swish Swish‘ es referenciado repetidamente–, Ariana Grande y Jason Derulo, en cortes de Future, Gucci Mane o Migos), parecía una simple cuestión de tiempo que el récord arrebatado nada menos que a Aretha Franklin como la artista afroamericana con más canciones en el Billbooard Hot 100 cayera simplemente por inercia. Esa hiperactividad la ha llevado al punto de quemarse y convertirse casi en una parodia y, lo que podría ser peor, ver tambalearse su reinado con la irrupción de, sobre todo, Cardi B que, aprovechando ese momento de flaqueza, ha hecho a Onika Maraj ver cómo a su trono se tambaleaba.

Así que este ‘Queen’ –ante tamaña autoconfianza, un batacazo podría ser mortal– llegaba con más responsabilidad de la que quizá haya tenido que asumir nunca, no sólo en un plano comercial, sino también en el artístico donde, por más que acuse a Cardi –a ella, más veladamente– o Remy Ma de imitadoras, estaba obligada a dar un golpe sobre la mesa. Y lo cierto es que, pese a la sombra de improvisación (¡asegura que lo terminó pocas horas antes del lanzamiento oficial!) que ha tenido el lanzamiento en las últimas semanas, su trabajo supera incluso las mejores expectativas y ‘Queen’ es un trabajo sólido del que sale muy reforzada.

Por supuesto, parece ya inevitable que un trabajo de 19 cortes –con la adición ¡a posteriori! de ‘FEFE‘, su éxito con 6ix9ine– contenga paja, pero en este caso ni es flagrante ni desluce tanto el resultado global del álbum. Es cierto que esos tropiezos resultan insospechados, ya que coinciden con colaboraciones de relumbrón como las de The Weekend, en una ‘Thought I Knew You’ tirando a anodina, Future, en una “bajonera” ‘Sir’, o la de Swae Lee (del dúo Rae Sremmurd) en una prometedora, pero exageradamente prolongada a la postre, ‘Chun Swae’. Pero, aunque resulten en cierto modo prescindibles, incluso esos cortes contienen el suficiente interés (ya sea la oscura producción de Metro Boomin en ‘Sir’, la outro de ‘Thought I Knew You, el gancho y el primer verso de Nicki en ‘Chun Swae’…) como para que no sea fácil clicar el botón de “skip”. Los 66 minutos de ‘Queen’ divierten y no dan tanta pereza como pudiera parecer.

Esto lleva a otro hecho de ‘Queen’ que engrandece a su autora: no necesita de otros nombres de gran caché para deslumbrar. De hecho, no es baladí que los temas más brillantes de ‘Queen’ sean estrictamente los que afronta Minaj totalmente en solitario: tal es el caso del apabullante single ‘Chun Li’, con ese sorprendente espíritu old-skool («classic shit») que, aún más agudizado, se impone en la brillante ‘Barbie Dreams’ vía sample de ‘Just Playing (Dreams)’ de The Notorious B.I.G. Une tema donde se muestra intratable, incluida su divertida coda trap, con un flow de locura que extiende a las también excitantes ‘LLC’, ‘Good Form’, ‘Hard White’ (con una estupenda y tenebrosa base de Boy1da) y ‘Miami’. Como grandes excepciones a esta regla, destaca por supuesto ‘Coco Chanel’, ese despiporre neoperreo junto a Foxy Brown extendido a ‘Inspirations Outro’ (de manera tan incomprensible como imprescindible), y el gran gancho que Labrinth libera en ‘Majesty’, donde Eminem suelta el micro de manera absolutamente gloriosa con un verso de técnica alucinante (que Nicki ha etiquetado en su programa de radio como “el mejor verso rap de todos los tiempos”).

Aunque si algo caracteriza a ‘Queen’ es su buen equilibrio con temas más R&B y pop que, sin ser su gran baza, no desmerecen en casi ningún caso (‘Run & Hide’ termina siendo más un interludio que otra cosa, mientras que la melodía de ‘Come See About Me’ es bonita, pero su desarrollo parece algo perezoso). Nicki brilla en esa faceta en la sinuosa ‘Ganja Burns’ que, aunque al principio no parezca encajar del todo como apertura del disco, pronto se convierte en uno de los highlights del disco; pero también resulta eficaz como contrapunto ‘Nip Tuck’ y, sobre todo, ‘Bed’, el dueto con Ariana Grande, que crece en coherencia y poder de seducción en la secuencia.

‘Queen’ sin duda refuerza la faceta como MC de Nicki, recurriendo a su mejor flow en los cortes indicados dos párrafos atrás. Y también como letrista, dejando una buena colección de barras para el recuerdo. Sin duda se lleva la palma ‘Barbie Dreams’, que está dando muchísimo que hablar, y con toda la razón: en una retahíla totalmente hilarante, se dedica a descartar nombres del rap business como padres para sus hijos (si quisiera tenerlos), y se esmera en ridiculizar, con muchísima coña, la pericia sexual de buena parte de sus compañeros masculinos de negocio; de 50 Cent (“Intenté follar a 50 durante una hora / pero todo lo que ese negro quiere es hablar de ‘Power’ durante horas”) a Quavo (“quizá debería dejarle “autotunearme” el coño”) pasando por Young Thug (“Solía follar con Young Thug, pero no arreglo esta mierda / Le pillé en mi vestidor, robando ropa y tal”, aludiendo la llamativa portada de su disco ‘JEFFERY’), DJ Khaled (“Tuve que “cancelar” a DJ Khaled, ya no hablamos / ningún negro gordo va a decirme lo que no se come”) o, el mejor de todos, Drake (“Drake vale cien millones, siempre me está haciendo regalos / Pero no sé si el coño está mojado o si está llorando y tal”). De manera hilarante, termina encomendándose cómicamente al «lubricante».

Pero encontramos perlas similares, poco sorprendentemente dedicadas, en su mayoría, a explicar lo buena que es ella ante las demás, pero repletas de sentido del humor, sexo y de un chorro de referencias culturales dignas de estudiar. Desde ‘Ganja Burns’ (en ese primer verso donde desarma impostores con barras como “No puedes ponerte una peluca de Nicki y ser Nicki / Es como si un negro gordo se cree Biggie” o “¿Has hecho un ritmo guay y eres Kanye? / ¿Te has ligado a un Jay y ya eres ‘Yoncé?”) hasta la final ‘Coco Chanel’ (tirando con bala a Remy Ma en “Me llaman Ms. Puta, pero no fallo, zorra / (…) ¿Quién, yo? Físicamente estoy bien / ¿Quién, ella? Sabemos que se muere por dentro / Puta, no he mirado Billboard en 2017 / Tenía que dejar caer ‘Queen’ como una guillotina”). Y, pese a sus defectos, exactamente así, afilado e infalible, es como ha caído ‘Queen’, el disco más equilibrado –tanto en el sentido musical como en el lírico–, maduro y completo de Nicki Minaj. El mejor hasta el momento.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Chun-Li’, ‘Bed’, ‘Barbie Dreams’, ‘Ganja Burns’, ‘LLC’, ‘Majesty’
Te gustará si te gusta: Cardi B, Lil Wayne, cupcakKe
Escúchalo: Spotify

Ariana Grande niega rumores de embarazo y deja culos torcidos con su voz en un estupendo Carpool Karaoke

Por
Raúl Guillén
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Casualmente (#no) a unas horas antes de que se publique el esperadísimo ‘Sweetener’, cuarto trabajo discográfico de Ariana Grande, se ha emitido y subido a Youtube el Carpool Karaoke que la joven diva del pop grabó días atrás con el presentador televisivo y actor James Corden, con el que esta misma semana reinterpretó un ‘Titanic’ sui generis. Y, si bien el formato venía estando de cierta capa caída, el show de ambos es uno de los mejores de este espacio del late-night del británico, recordando por qué es tan popular y por qué Apple Music apostó por el formato para sus propios contenidos de televisión.

Grande se sube al recurrente gran utilitario blanco de Corden para pasear por Los Ángeles. Por supuesto cantan varias canciones de Ariana, incluidos hits pasados como ‘Dangerous Woman’, ‘Side to Side’ y los estupendos singles de su nuevo álbum ‘No Tears Left to Cry’ y ‘God is a Woman’. Incluso ahí, en un coche, Grande muestra hasta qué punto es una de las mejores cantantes de su generación, con unos gorgoritos verdaderamente alucinantes y con mucho sentido, dejando seguro a muchos con el culo torcido.

Entre lo más jugoso de su conversación, al margen de lo “rarita” que dice ser (pone como ejemplo que eligió la película ‘Tiburón’ como temática para su 2º cumpleaños), Grande se queja de lo pesado que le parecen los constantes rumores de embarazo que la persiguen. “La gente me quiere embarazada”, dice, pero niega que sea así o que esté entre sus planes de futuro. Precisamente, tras explicar que uno de esos rumores surgió cuando fue llevada «a caballito» por su manager a causa de sus tacones, lo mejor del gag es cuando ambos entran a una cafetería y Corden se ofrece a subirla a sus lomos hasta el local. “Hola, Soy Ariana Grande. Debo ser transportada”, dice de manera hilarante a los dependientes del establecimiento al entrar, antes de pedir un café tamaño “grande” (sic). Puedes verlo completo justo aquí.

La canción del día: Cat Power y Lana del Rey esgrimen la palabra como «arma de mujer» en ‘Woman’

Por
Raúl Guillén
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Nadie, ni los fans de Cat Power ni los de Lana del Rey, dirá que no tenía un punto de sorpresa que la primera ejerciera de telonera de la segunda en su reciente gira europea. Al fin y al cabo, no es tan frecuente ver a una artista de cierta veteranía como Chan Marshall –que aunque comenzara en el underground dio un notable salto de popularidad con la publicación de su último álbum ‘Sun’– teloneando a una artista más joven y más orientada al pop, aunque con sus rincones oscuros. Por no hablar de que sus estilos, aunque puedan tener algún punto de conexión puntual en el empleo del blues, disten considerablemente.

Pero el hecho es que así fue, como comprobamos en el Madrid y Barcelona el pasado mes de abril, y que su conexión es mayor que una mera relación circunstancial de esta gira, puesto que ‘Woman’, el single principal del nuevo disco de Marshall, incluye una colaboración de Lana. La canción se ha dado a conocer con un vídeo en el que no aparece la autora de ‘Born To Die’ pero en la que sí escuchamos su voz haciendo discretos (pero reconocibles) coros a Chan, en este medio tiempo que nos remite a la Cat Power más cantautora. Desde luego, está lejos de la “modernización” de singles recientes como ‘Manhattan’, ‘Sun’ o ‘Cherokee’.

Al contrario, Cat Power se sirve de una instrumentación clásica para cantar en su perfil más reconocible a su condición de mujer cuya mejor arma en un mundo de hombres en el que siempre deben estar alerta es la palabra. Así lo manifiesta en ese estribillo –la única parte de la estructura en la que la canción se agita y toma consistencia– en el que ambas artistas cantan al unísono: “soy una mujer de palabra, ¿no lo sabías? La palabra es lo único que siempre he necesitado / Lo único que de verdad necesito / Mujer, mujer, mujer…” En su clip no aparece Lana pero, como no podía ser de otra forma, Marshall interpreta el tema en distintos escenarios rodeada de un grupo integrado únicamente por mujeres.

‘Woman’ es el single principal de ‘Wanderer’, nuevo álbum que lanza el 5 de octubre, seis años después del citado ‘Sun’. Un periodo en el que, entre otras cosas, Chan ha sido madre de un niño. Cat Power presentará en España este disco los días 1 (sala Razzmatazz de Barcelona) y 2 de noviembre (Teatro Circo Price de Madrid).

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