En 2014, el guitarrista y productor de Death Cab for Cutie, Chris Walla, abandonó el grupo, no sin antes publicar junto a él, al año siguiente, un notable disco, ‘Kintsugi‘. Y tres años después, Death Cab for Cutie finalmente ha anunciado el que será su primer disco sin contribución alguna de Walla, un ‘Thank You for Today’ que sale el 17 de agosto.
El primer avance de ‘Thank You For Today’ es ‘Gold Rush’, y como varias canciones con el término “gold” en su título que han salido este año (‘Golden’ de Kylie, ‘Golden Hour’ de Kacey Musgraves, casi ‘Golden Trunks’ de Arctic Monkeys), presenta un sonido bastante luminoso, esta vez expresado a través de un estilo country-rock que Ben Gibbard emplea para contarnos una historia de nostalgia y melancolía ante una ciudad, Seattle, la suya, que ya no reconoce debido a los diversos cambios que ha experimentado en los últimos tiempos. “Me siento como un extraño aquí, buscando algo que ha desaparecido, excavando por oro en mi barrio, por lo que dicen es el bien común, pero lo único que veo es un gran adiós, el réquiem de un horizonte”.
El grupo ha estrenado también el vídeo de la canción, con ciertas reminiscencias de ‘Bittersweet Symphony’ de The Verve. En sintonía con la temática, en él vemos a Ben Gibbard caminando y chocando con alguna de la gente con la que se cruza… hasta que ya no puede avanzar más en un desenlace bastante distinto al que tuvo Richard Ashcroft.
01 I Dreamt We Spoke Again
02 Summer Years
03 Gold Rush
04 Your Hurricane
05 When We Drive
06 Autumn Love
07 Northern Lights
08 You Moved Away
09 Near/Far
10 60 & Punk
Amaia Montero entra directamente al número 1 de la lista de ventas española con su nuevo disco, ‘Nacidos para creer’. Es la tercera vez (de cuatro) que lo consigue en su carrera en solitario. Además, el disco es top 43 en la lista de streaming. La noticia pilla a la cantante en medio de una polémica por una errática actuación en Cantabria en la que se dirige en inglés a sus músicos y al público. La cantante se ha mostrado indignada por quienes dicen que estaba borracha, ha pedido disculpas y ha dicho que sufrió problemas de sonido.
El otro artista que produce una gran noticia en las listas de esta semana es Kanye West. Como es habitual, pues incluso pasa del soporte físico, su nuevo disco entra muy bajo en el top 100 de ventas. ‘ye’ es número 95… Sin embargo, ahora que hay lista de “streaming álbumes” podemos comprobar que el artista es bastante escuchado en nuestro país, pues en esa otra tabla ‘ye’ entra nada menos que al top 5.
Otra buena noticia la produce Father John Misty, que alcanza el top 26 en ventas con ‘God’s Favorite Customer’, y también el top 77 de la lista de streaming.
Por alguna razón -quizá alguna oferta en iTunes o similar- ‘Avida Dollars’ de C. Tangana entra ahora al número 34 de ventas (más alto de lo que nunca llegó ‘Ídolo’), tras haber sido hace siete semanas número 1 en streaming, donde aún permanece en el puesto 19.
Siguiendo con artistas presentes en ambas tablas, los metaleros Ghost entran al puesto 5 de ventas con ‘Prequelle’ y también al número 28 en streaming álbumes.
Ciñéndonos a discos que solo entran en la tabla de ventas, El Sebas de la Calle es número 12 con ‘Mi verdad’ y Luar Na Lubre al número 94 con ‘Riberia Sacra’.
En cuanto a artistas que solo entran en streaming, es decir también entre los artistas más escuchados del país, están los madrileños y emergentes (¿o ya consolidados?) Rufus T. Firefly con ‘Loto’, directo al puesto 74; y Ben Howard, número 80 con ‘Noonday Dream’.
Cepeda ha sorprendido logrando algo muy difícil en los tiempos del streaming, solo al alcance de grandes como Adele o Luis Fonsi: un número 1 directo en el top 100 oficial de singles en España. ‘Esta vez’ entra directamente en esta posición, con cierto aroma a Alejandro Sanz meets Coldplay. La canción no ha pasado del puesto 8 en Spotify España, por lo que su pelotazo ha de atribuirse a otras plataformas. En cualquier caso, es el segundo número 1 relacionado con Operación Triunfo 2017 en singles tras la buena aceptación de ‘Lo malo’ de Aitana War, que sigue en el top 6 y certificada como doble platino.
La subida más fuerte de esta semana es la de Rosalía con ‘Malamente’, pues su primera semana consistió solamente en los puntos de un par de días al no lanzarse en viernes. El primer adelanto de su disco co-producido por El Guincho pasa del puesto 74 al 4, por lo que ya podemos considerarlo todo un pelotazo. Por poner un ejemplo, ‘Mala mujer’ de C. Tangana nunca pasó del puesto 5. Eso sí, terminó como triple platino. ¿Igualará este hito Rosalía? A la espera de comprobarlo, C. Tangana, también acreditado como co-autor de ‘Malamente’, entra al puesto 61 con el reciente “featuring” junto a Cromo X, ’Traicionero’, y continúa en el número 25 con ‘Llorando en la limo’.
El resto de entradas de la semana se completa con ‘Girls Like You’ de Maroon 5, directa al puesto 53 gracias a su vídeo lleno de estrellas, y con 3 temas latinos, si bien distintos entre sí: ‘No me acuerdo’ de Thalía y Natti Natasha es número 83, ‘Dicen’ de Matt Hunter y Lele Pons, número 86 y ‘Touchdown’ de Kidd Keo y Alemán, número 93.
Algo se está cociendo en el panorama urban-trap-pop nacional. Todos nos sorprendimos –bueno, es un decir– al encontrar juntos a Yung Beef y C. Tangana –también les acompañaba Bad Gyal– en una rueda de prensa enmarcada en el Primavera Sound 2018, escenificando el apoyo del festival a esa nueva corriente de artistas que están revolucionando –gusten más o menos, esto es un hecho– el panorama musical español. En ella tuvo lugar la controvertida declaración de C. Tangana contra el rey Felipe VI y su madre, a la que invitaba a lamer sus genitales, a modo de protesta por el caso Valtonyc.
Sin embargo, quien viera íntegramente el vídeo de esa comparecencia notaría que el miembro de Pxxr Gvng y Los Santos y Puchito también elevaron el tono entre sí, con diferentes criterios un considerable pique a la hora de entender la forma de relacionarse con la industria musical: Tangana trataba de demostrar que una multinacional era la mejor manera de hacer dinero con la música y Fernando opinaba justo lo contrario, asegurando que ellos poco menos que se rieron de Sony al licenciarles ‘Los Pobres‘ y que él es «más feliz» haciendo las cosas de manera totalmente independiente.
El caso es que, días después de que C. Tangana lanzara ‘El Rey Soy Yo / I Feel Like Kanye’, matizando pero reiterando su rebeldía ante la figura del rey como algo inviolable y por encima del resto de ciudadanos, Yung Beef le ha respondido con una diss track –esto es, un tema contra él y su figura– que, para empezar, se mofa del título de su nueva canción titulándola ‘Yes Indeed / I Feel Like Kim’.
Con una dicción prácticamente ininteligible, el autor de la serie ‘A.D.R.O.M.I.C.F.M.S.‘ se dedica a desmontar la imagen del madrileño como supuesto personaje o estrella del pop desde su inicio con ese «Pucho ere’ un machaca, dejaros de embustes / Tú eres un rapero y Alizzz hace dubstep» hasta ese «ahora respondes, lilón, y te gasta’ otro millón en promo / Ya están endeudaos hasta tus hijos / Loco, pero pa’ ti el trono», pasando por la alusión a la supuesta ruptura sentimental entre C. Tangana y Rosalía con ese «No querías que la Rosa jodiera con Beefie / está hecha una perra, está hecha una hater». Nunca la expresión «puñalada trapera» tuvo más sentido.
En todo caso, muchos internautas aluden a un montaje entre ambos, especulando con la posibilidad de que pronto lancen un tema conjunto. Lo cual no sería descabellado si recordamos aquella polémica entrevista en la Cadena Ser que luego desembocó en el lanzamiento del tema pro-LGTBI+ ‘Pop Ur Pussy‘. Los casi inmediatos tuits de Alizzz y Puchito sobre el tema y el hecho de que Fernandito, que le anima a responder, haya sido bastante más benevolente con su «rival» de lo que lo fue con él su amigo Kaydy Cain apuntalarían esa teoría.
Kanye West ha empezado fuerte este 13 de junio tuiteando a primera hora de la mañana, hora estadounidense, un montón de imágenes de la nueva colección de Yeezy, su marca de ropa. El artista ha alternado en esta colección de imágenes la estampa de alguien muy parecido a su esposa Kim Kardashian al desnudo con otras imágenes más familiares, grupos de adolescentes, niños y adultos. Las imágenes son de Eli Linnetz, quien ya se encargara de su vídeo para ‘Fade’.
El artista es noticia estos días por la edición de dos discos casi simultáneos, editados con una semana de diferencia. El primero era ‘Ye‘, un álbum de estudio inusitadamente corto, compuesto de 7 temas y 23 minutos de duración. El segundo es de un proyecto conjunto con Kid Cudi llamado Kids See Ghost.
De momento ‘ye’ se ha situado en el número 1 de Estados Unidos y el número 2 de Reino Unido, mientras en España se ha podido colar en el top 5 de la lista de «streaming álbumes». La canción más exitosa de momento ha sido la contagiosa ‘Yikes’, que de hecho le ha dado su primer top 10 en Estados Unidos en solitario en 10 años.
El director Tim Burton ha sido uno de los temas más comentados de la actualidad durante el día de hoy -no, no todo ha sido sobre Màxim Huerta– tras el estreno del tráiler de ‘Dumbo’, su nueva película, que llega a las pantallas de cine el 29 marzo de 2019 a través de Walt Disney Productions.
‘Dumbo’ es, como se sabía, una adaptación en acción real de la mítica película animada de Disney de 1941, a su vez basada en el cuento de Helen Aberson y Harold Pearl, sobre un adorable elefante con orejas grandes que vuela y su experiencia en un oscuro circo. Burton ha dirigido la cinta mientras Ehren Kruger se ha encargado del guion adaptado. Colin Farrell protagoniza la película junto a Eva Green, Michael Keaton, Danny DeVito y Alan Arkin. Completan el reparto principal Nico Parker, Finley Hobbins, DeObia Oparei y Joseph Gatt. El actor Edd Osmond doblará a Dumbo y sí, lo has adivinado, Danny Elfman compondrá la banda sonora.
El DJ y productor Avicii fue enterrado en privado la semana pasada en Estocolmo, ha confirmado su publicista, Ebba Lindqvist, a los medios y recoge The Guardian. Avicii fue enterrado en el cementerio de Skogskyrkogården y a su funeral únicamente acudieron familiares y allegados.
Avicii, de nombre real Tom Bergling, se suicidó el pasado 20 de abril en Muscat, Omán, donde se encontraba pasando unas vacaciones. Tras la muerte del DJ, su familia envió un comunicado en el que confirmaba el suicidio de Bergling, indicando que el músico “no pudo seguir adelante” y “quiso encontrar la paz”.
El pasado mes de mayo se descartó que fuera a publicarse un disco de material inédito de Avicii en el futuro, después que el publicista Neil Jacobsen revelara que el sueco había estado trabajando en “su mejor material en años” antes de morir. Representantes de Avicii desmentían que la discográfica del músico planeara lanzar un nuevo álbum con este material en el futuro.
El nuevo disco de Henry Saiz, uno de los valores destacados de la electrónica de nuestro país, como atestigua su presencia en los prestigiosos Paraíso Festival el finde pasado o esta semana en el Sónar, es un viaje por el mundo. Ha podido ser realizado debido a la generosa contribución de más de 800 fans a través de crowdfunding y su intención es captar la esencia de cada lugar visitado, a razón de tema por ciudad, a la caza de «entender quiénes somos». Así, más que unas vacaciones pagadas por sus devotos seguidores, ‘Human’ es una búsqueda de uno mismo a través de los misterios de la música y también en cierta forma una huida de un mundo en decadencia.
Así se aprecia en el tema de apertura, llamado ‘Downfall’, que asegura que «de alguna manera aprendimos que este no es el lugar al que pertenecemos» y advierte de que «cada alarma entona su canción triunfal / no hay manera de que distingamos el bien del mal / nos repetimos a nosotros mismos que nadie saldrá herido / pero el suelo sobre el que nos encontramos empieza a desmoronarse». Ese mensaje apocalíptico aparece repetidas veces a lo largo del álbum: ‘Ghosts’ asegura que «vivimos en un mundo moribundo», ‘The Golden Cage’ que «las explosiones pintan el amanecer con silencio» y ‘Cerulean’ que «somos testigos de cómo esta generación construye monumentos para la alienación».
Aquí acompañado de banda -en directo se le puede ver ahora mismo en formato trío-, Henry Saiz no es aquí un DJ y productor de techno, sino el capitán de una banda que pulula entre la new-age, el French Touch, la banda sonora épica, el synth-pop o incluso el disco-funky, muy presente en el bajo y esas guitarras tan Chic de ‘Ghosts’. La referencia obligada es por tanto Daft Punk, que ya tienen un disco llamado ‘Human After All’ (Nightcrawler, por cierto, tiene otro llamado ‘Beware of the Humans‘), si bien Henry Saiz logra diferenciarse por dos vías.
La primera es el uso de voces femeninas, el cual parece repeler al dúo francés asentado en Los Ángeles. Muy rara vez Daft Punk han colaborado con mujeres y la textura que en este álbum dan algunas cantantes femeninas es imprescindible. En el documental sobre el disco que Henry Saiz está subiendo a Youtube, a razón de episodio por canción, en el que vemos por ejemplo cómo se explora la sonoridad de las piedras en Lanzarote o cómo se graban las baterías en entornos naturales, se explica también el germen de la espléndida ‘Ghosts’. El tema inspirado en Australia pretende captar el contraste entre «lo salvaje y la civilización tan próspera» que conforma este país. Y para ello han introducido un instrumento aborigen llamado diyeridú, en contraste con la dulce voz de la vocalista Gemma Wood. Y más bella aún es ‘Dragon Hills’, la canción de Vietnam, gracias a la gran intervención de Jasmina Smajlovic, sumando a su inspiración oriental.
Y la segunda es el carácter espiritual de ‘Human’, un disco mucho más «humano» que «robótico» pese a su uso de distorsión vocal. Como tal, se aferra a la esperanza en medio del caos y hay momentos realmente zen en su desarrollo. ‘Me llama una voz’, desde los Andes argentinos, apela en castellano a «un rayo de luz» que «irrumpe en la noche y prende mi alma con su resplandor», pero ‘Dragon Hills‘ también hablaba de hallar «un modo de mantenerse fuerte» y ‘Time Machine’ de «volver a nacer» una vez nos hemos deshecho en «el centro del sol». El desenlace del álbum de ‘The Answer’ es pura aceptación del mal para centrarnos en el bien: «no necesito una respuesta / no hay nada más que saber / estoy sin defensas / como si no hubiera lugar al que ir / pero de alguna manera siento que es lo correcto».
Henry Saiz incluso se ha asomado al mundo del metal en ‘Darvulia’, merced a las cuerdas y de nuevo a esa voz femenina, nada menos que la de Anneke Van Giersbergen de los holandeses The Gathering, una referencia internacional en este género durante los 90. Es el tema que más pone sobre la mesa que la ambición de Saiz no ha conocido de géneros ni de fronteras.
Clasificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Dragon Hills’, ‘Ghosts’, ‘Cerulean’ Te gustará si te gusta: Daft Punk, John Carpenter, Ed Is Dead, Mike Oldfield, Jean-Michel Jarre, Moby Escúchalo:Spotify
BIME LIVE había prometido, para hoy 13 de junio, las primeras confirmaciones de su cartel de este año, las de una edición 2018 que, como siempre, tendrá lugar en el BEC de Bilbao los días 26 y 27 de octubre. Como estaba previsto, ya puede echarse un vistazo a los primeros nombres que conformarán esta nueva edición del festival, y no decepcionan lo más mínimo.
Son grandes nombres los que encabezan esta primera tanda de confirmaciones de BIME LIVE, entre los que destacan los de Aphex Twin, Slowdive -autores del 2º mejor disco de 2017 para JENESAISPOP-, MGMT, Editors y Jon Hopkins. También ionnalee -proyecto en solitario de la líder de iamamiwhoami- y Stephen Malkmus & the Jicks están entre los nombres confirmados de un festival que contará a su vez con la presencia de Belako, Kurt Vile & the Violators, Unknown Mortal Orchestra, Damien Jurado, Rolling Blackouts Coastal Fever, Vulk, The Magic Gang y Elena Setién.
Y en el espacio de música electrónica de BIME Live, el llamado Gaua, se confirma por ahora la presencia de Nina Kraviz, Daniel Avery, Mumdance, C.P.I. y Alain Elektronische, quien completa esta primera lista de confirmaciones. Por cierto, las entradas ya están a la venta con un precio oferta de 60 euros vigente hasta el 18 de julio incluido.
Sónar celebra una nueva edición desde este jueves en Barcelona, con una serie de artistas que no te puedes perder. Estas son nuestras primeras recomendaciones, que se verán sucedidas por otro especial de «joyas perdidas». También puedes escuchar nuestra playlist.
Thom Yorke
Junto a Nigel Godrich (productor de Radiohead y compañero de Thom Yorke en Atoms for Peace) y el compositor audiovisual Terik Barri, Yorke desgranará en el Sónar su repertorio al margen de Radiohead, que a través de los discos ‘The Eraser’ y ‘Tomorrow’s Modern Boxes’ ha creado un lenguaje propio en la música electrónica que puede considerase un precedente lógico de James Blake. Canciones tan inquietantes como emotivas y exquisitas, entre las que destacan ‘Black Swan’, ‘Nose Grows Some’ o ‘Cymbal Rush’, que Yorke recordará a la vez que presentará temas nuevos como ‘I Am a Very Rude Person’, que de momento se desconoce si formarán parte de un proyecto mayor. Sábado noche.
Gorillaz
El concierto de Gorillaz en el Sónar apunta a que será uno de los más asombrosos del festival por su puesta en escena y proyecciones, con las que España alucinó la primera vez que el grupo virtual -liderado por los humanos Damon Albarn y Jamie Hewlett- actuó en el país, en el FIB, hace 8 años. Además, el espectáculo es esperadísimo porque Gorillaz no presentan un disco nuevo sino dos, ‘Humanz’ y el próximo, ‘The Now Now’, que sale el 29 de junio. Viernes noche.
Rosalía
Rosalía no pierde el tren y, un año después de triunfar en España con el gran “sleeper” en la lista de ventas que fue su debut con Raúl Fernández “Refree”, ‘Los ángeles’, la cantaora catalana presenta sonido y espectáculo nuevos a través de un próximo trabajo, ‘El mal querer’, producido junto a El Guincho y que dará pie a un show lleno de coreografías de estilo urbano, al menos, a tenor de lo que puede apreciarse en el vídeo del primer single del álbum, ‘Malamente’, y de los adelantos del proyecto publicados en Youtube. Un concierto en el que Rosalía florecerá ante su público para convertirse, con toda probabilidad, en la artista que siempre ha sido. Viernes día.
LCD Soundsystem
LCD Soundsystem, concretamente su líder James Murphy, ha vivido el “sueño americano” después de ser número uno en Estados Unidos con su disco, ‘American Dream’, e incluso ganar un Grammy por su single ‘tonite’ el año pasado. Nada mal para un artista que anunció su retirada en 2011. Murphy está radiante y también lo está su música, y no hay más que escuchar temazos como ‘oh baby’ o el mencionado ‘tonite’ para comprobarlo. El grupo ofrecerá uno de sus reputadísimos directos el sábado, horario de noche.
Diplo (DJ + Live)
El famoso productor actuará en Sónar por partida doble. En primer lugar, ofrecerá un “showcase” el viernes de día en el que, Diplo en cuerpo presente, presentará algunos de sus artistas favoritos procedentes de África, estos son el nigeriano Mr. Eazi, los sudafricanos Distruction Boyz y la ugandesa Kampfire (la “Madonna bantú” según Sónar). Y por la noche, el líder de Major Lazer ofrecerá su típico espectáculo explosivo en el que desplegará su arsenal de beats vibrantes de funk brasileño, dancehall, dubstep y EDM. Viernes día / noche.
Laurel Halo
El anti-tecno de Laurel Halo ha producido a lo largo de los años discos tan fascinantes como ‘Quarantine‘ o el que la productora de Michigan afincada en Berlín presenta esta semana en el Sónar, ‘Dust’, en un concierto en vivo junto al batería y percusionista Eli Keszler. Atención a sus incursiones jazz (‘Who Won?’) o a esa versión mutante de la música de baile que es ‘Sun to Solar’. Actualización 13 de junio: Halo presentará, probablemente, el disco que ha anunciado el día de hoy, ‘Raw Silk Uncut Wood’, compuesto por seis pistas instrumentales junto al cellista Oliver Coates y el mencionado Keszler. Viernes día.
SOPHIE
La productora escocesa afincada en Los Ángeles presenta en el Sónar su nuevo disco de rebuscado título, ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides’, su debut oficial tras el recopilatorio de singles de 2015, ‘Product’. Actúa el 15 de junio, el mismo día que sale su álbum. El pop ultra-vitaminado e híper-artificial de esta productora asociada a PC Music es básicamente el futuro de la música comercial (o ya su presente, ahí está Charli XCX) y singles como el brutalista ‘Faceshopping’ o el más emotivo ‘It’s Okay to Cry’ prometen un directo apabullante, de esos que te dejan sin pestañas. Viernes día.
Modeselektor
El dúo berlinés formado por Gernot Bronsert y Sebastian Szary (también en Moderat junto a Apparat, aunque este grupo se ha tomado un descanso) ofrece un show de electrónica de baile que es toda una garantía de diversión. Asombra la relevancia que mantiene a día de hoy su hit con Fettes Brot de 2008, ‘Bettina zieh dir bitte etwas’, que podrían haber sacado Die Antwoord ayer, y sobre todo la variedad de perspectivas, de sonidos y texturas, con la que abordan los ritmos del house y el tecno, sin ir más lejos, en su reciente ‘Modeselektor Vol. 04’. Viernes noche.
Richie Hawtin CLOSE
El autor de ‘From My Mind to Yours’ presenta en Sónar nuevo espectáculo, CLOSE, con el que mostrará al público su trabajo en los platos desde “cerca”, a través de unas cámaras colocadas “estratégicamente” en el escenario, y con las que el DJ canadiense pretende alumbrar al público su humana relación con las máquinas y los programas informáticos. Será, en palabras del Sónar, un “montaje que desafía esa fina distinción entre la sesión convencional de DJ y el directo con máquinas y software”. Sábado noche.
Alva Noto & Ryuchi Sakamoto
Alva Noto y Ryuchi Sakamoto realizarán el concierto oficial de clausura del 25 aniversario del Sónar. Su espectáculo, para el que hay que comprar entrada aparte, será en Teatre Grec. Ambos son habituales del festival, han trabajado juntos durante años, publicando discos tan queridos como ‘Summvs’, y este año han publicado un trabajo en directo conjunto, ‘Glass’, que de nuevo les encuentra fusionando, con la elegancia suprema que les caracteriza, electrónica (Alva Noto) y piano (Sakamoto). Pero lo que traerán al Sónar es un show totalmente nuevo llamado ‘Two’, que combinará sus nuevas creaciones conjuntas con improvisación. Sábado noche.
Emil Ferris / Lo que más me gusta son los monstruos
Las primeras palabras de Guillermo del Toro tras recibir el Premio Málaga-Sur en el reciente certamen malagueño de manos de Ron Perlman y Marisa Paredes, fueron: “Lo que nos enseñan los monstruos es que ser falible e imperfecto es lo más bello que puede ocurrirnos a los seres humanos”. Esta afirmación nos viene que ni pintada para describir la primera novela gráfica de la norteamericana Emil Ferris, cuyos dibujos e hilo argumental dicen tanto como las palabras del director mexicano.
Karen Reyes, la protagonista de ‘Lo que más me gusta son los monstruos’, es una niña-lobo lesbiana que vive en Chicago en los años del despertar del cine de terror, la arquitectura pop, las revistas de monstruos, los tatuajes y los fenómenos paranormales. Mediante un cuaderno-diario gráfico y haciendo uso de sus dotes como detective y gran observadora, Karen va dando detalles de la investigación secreta del asesinato de su vecina del piso de arriba, todo ello en un ambiente de padres divorciados, con un hermano mayor como figura a idolatrar y sin amistades que terminen de cuajar como definitivas.
Este debut de Ferris con 55 años (antes fue diseñadora de las figuras de los Happy Meal de McDonald’s o ilustradora médica), es visualmente abrumador. Destacan sus dibujos realizados con bolígrafo, otorgando una radiografía precisa, detallada y cercana al estilo Robinson; o la maestría con la coloración a rotulador junto a la técnica “cross-hatching” de fondos entrelazados, punteados y rayados, muy en desuso en el cómic, que dota de cierto carácter retro y que otra autora como Nina Bunjevac desempolvó hace unos años con destreza.
No hay técnica que, de un modo u otro, no sobrevuele sus más de cuatrocientas páginas. Y ojo, ni se hacen largas ni tampoco lo contrario. Si eres capaz de engullir con rapidez, puedes hacerlo sin miedo a acabar enseguida. Y si eres de los que se recrean, con ‘Lo que más me gusta son los monstruos’ vas a estar acompañado una larga temporada de una amistad entrañable, que por fortuna va a tener segunda parte. 10. Disponible en Amazon.
Gipi / La tierra de los hijos
¿Se puede reflexionar sobre el futuro de la sociedad, en un entorno postapocalíptico, a través de los recuerdos? El italiano Gipi crea una atmósfera de rememoración situando a un padre con sus dos hijos en un terreno hostil, violento, no apto para todos los estómagos, sin concesiones a la ternura, y donde la acción es interminable.
‘La tierra de los hijos’ tiene la intención de plantear cuál podría ser la realidad que nos espera a la vuelta de la esquina, donde la supervivencia se pone a prueba a cada minuto, pues su autor reconoce estar inspirado lejanamente en la actual situación política italiana y en la religión.
En primer lugar, el trazo de los dibujos en ‘La tierra de los hijos’, para generar más angustia en el lector, es tembloroso, crudo y sin nada de color, solo en blanco y negro. Y en segundo, la presencia de textos en buena parte de las páginas no existe, lo cual genera narrativamente mayor tensión. Estos dos torrentes, distanciándose y mucho de sus obras anteriores, son las mejores armas que Gipi ofrece esta vez, llevándonos a descartar cualquier signo de vitalidad o positivismo. Al final queda la sensación de asistir a una clase insólita de reflexiones, un desasosiego ligeramente ensombrecido por el ejercicio de la reiteración, pero con un empaque que no contempla el uso de edulcorantes ni esteroides. 8,2. Disponible en Amazon.
Emmanuel Guibert / Martha y Alan
Emmanuel Guibert, uno de los grandes referentes de la corriente Nouvelle BD o nuevo cómic francés, surgida en los años 90 para hacer frente a la industria convencional desde pequeñas editoriales, vuelve a la actualidad para continuar con la serie dedicada a Alan Ingram Cope. Guibert se hizo amigo con apenas 30 años de Alan Ingram, un soldado americano destinado a Europa en la Segunda Guerra Mundial, cuando este tenía 70 años. Esas interminables charlas, durante cinco años antes de su fallecimiento, han dado lugar a ‘La guerra de Alan’ y ‘La infancia de Alan’. Con esta nueva entrega, Guibert rinde un formidable tributo a la memoria, no solo de un amigo, sino a una generación que combatió en la guerra lejos de su país.
En lo gráfico, ‘Martha y Alan’ se distingue de sus antecesores. El uso de la doble página y amplios márgenes, como el marco de un cuadro, suponen al lector quedarse parado incluido en los recuerdos de Alan. La utilización del color hace recuperar una memoria ya difuminada en el tiempo: tonos cálidos para la infancia, grises para la edad adulta y neutros un tanto borrosos para la vejez. No falta la imagen real, a modo de fotografía, tan frecuente en los trabajos de Guibert, fijando momentos precisos que se graban a sangre y fuego en la mente. Eso, a la par que una narración impecable, es su distinción, y hacernos partícipes de una amistad tan valiosa, como lo fue la de sus protagonistas Martha y Alan desde que eran niños, no tiene precio. 8,8. Disponible en Amazon.
‘La Verdad’, el último thriller de Telecinco ideado por César Benítez y Aitor Gabilondo (‘El príncipe’), tenía que haber llegado a la parrilla en 2016, pero finalmente lo ha hecho este año, obteniendo un considerable éxito de audiencia en su primera emisión (más de un 17% de share) que se ha ido viendo reducido semana a semana. La razón es clara: la serie resulta anacrónica y desfasada para un espectador ya totalmente inmerso en el amplio abanico de series ofrecido por Netflix, Filmin o Movistar+. Pero es que además la serie ya habría resultado viejuna hace 2 años. Hace 2 años no conocíamos ‘La casa de papel’ pero sí desde luego ‘Vis a vis’ y ‘La verdad’ está más en la estela de productos tan olvidados como ‘Motivos personales’ o ‘El pantano’.
La inspiración más que de hace un par de años es noventera. El abuso de música tipo thriller malo es muy ‘Instinto básico’, la manera de los personajes de interrumpir escenas ajenas es totalmente culebronesca, el gran recurso de los guionistas parece poner a los personajes a oír conversaciones por detrás de las puertas en todo momento, y las escenas de acción (persecuciones, falsos atropellamientos) dan la impresión de haberse improvisado. La aparición de algunos personajes, como el supuesto secuestrador exageradamente caracterizado; o la abogada de gafas de pasta, es totalmente chanante; y, en sintonía, en ‘La verdad’ los periodistas recién salidos de la cárcel se van a un elegante piano-bar a escribir un artículo en su portátil con tipografía 24 para que todo el mundo lo vea, mientras se toman un cóctel más caro de lo que le van a pagar por dicho artículo.
Es una pena porque la idea de partida atrapa y la serie tiene buen ritmo. Una joven escapa de su cautiverio tras 9 años retenida, recordando en principio al caso Natasha Kampush, aunque luego la trama vaya por otros derroteros, mostrando que todos los personajes tienen secretos, empezando por la propia protagonista, que entre otras cosas esconde más ganas de acostarse con el policía guapo, interpretado por Jon Kortajarena, que los 2 millones de followers de Instagram de este, juntos. Mención especial para esa escena en que ella seduce a su propio «hermano» y vemos a este sostener su mano en el bolsillo durante interminables segundos. ¿En serio?
Rodada en escenarios naturales, interiores y exteriores de Cantabria, ‘La verdad’ habría sido una buena serie si sus creadores hubieran prestado más atención a la nueva televisión o si se hubieran inspirado un poquito más en la excelente ‘El impostor‘, una película realmente turbadora sobre una trama muy parecida, en la que la fascinante moraleja es cuánto seremos capaces de engañarnos a nosotros mismos para tratar de olvidar los errores del pasado o de ser felices. Ahí había un filón para el lucimiento de Lydia Bosch.
La actriz protagonista Elena Rivera ha anunciado varios giros en la trama que quizá sean capaces de mantenernos enganchados este verano a este «guilty pleasure» en la era en que ya no hay tiempo para «guilty pleasures». Pero da miedo pensar que no se rodaron 8 capítulos, ni 13, sino 16 y larguitos. De 2,9 millones de espectadores en su estreno pasaba a 2,5 en el segundo episodio y de ahí a 2,1 en el tercero. Con el cuarto, la serie pasa a los martes tras tres semanas de emisión en lunes. ¿Nos tendremos que terminar ‘La verdad’ en una plataforma paralela? 4.
Diplo, de 39 años, y Zedd, de 28, se dedicaron palabras de todo menos bonitas hace un par de años en Twitter con motivo de ‘The Candyman’, el single de Zedd con Aloe Blacc para M+M’s que, según Diplo, copiaba a Flume y que además hacía a Zedd parecer un “perdedor cutre” que solo buscaba ganar pasta con la música. Zedd respondía a la crítica de Diplo llamando al productor “zorra celosa” y Deadmau5, metiéndose donde nadie le había llamado, defendía a Zedd afirmando que si él era un vendido por colaborar con una marca de chocolate, Diplo también lo era por trabajar con Justin Bieber.
Ahora, Diplo y Zedd se las han vuelto a ver en Twitter después que El DJ Max Vangeli haya compartido en Twitter una mala experiencia que tuvo con Diplo en Hong Kong. “Diplo es el mayor imbécil de la industria. Vuelo a Hong Kong para apoyar tu mierda de concierto y hacerte de telonero y lo único que recibo por tu parte es un “oh, guay” y te das la vuelta para hablarle a otra zorra con tu polla infecta. Vete a la mierda, payaso. No me extraña que Skrillex te dejara”. Ni corto ni perezoso, Zedd ha suscrito este tuit, apuntando que lo que cuenta es “100% verdad”.
En su defensa, Diplo se ha disculpado con Vangelis asegurando que no sabía que era su telonero cuando lo conoció en Hong Kong y que pensó él era otro fan más. Después se ha dirigido a Zedd, quien le ha bloqueado en Twitter, como ha mostrado Diplo en una captura de pantalla, y a quien ha amenazado con hacerle un “Pusha T” si no borra su cuenta de Twitter “en 24 horas”. ¿Se avecina nueva humillación pública en el pop?
Btw the biggest pussy dick in the game is @diplo I fly out to Hong Kong to support your pussy ass show and open for you and all you give me is “oh cool” and turn around and talk to another hoe with your Herpy Dick. Fuk off you clown ass bitch. Skrill left your ass for a reason
. @maxvangeli sorry bro when you asked for my autograph in Hong Kong I honestly thought you were just a fan I didn't know you had also played the show really early, my bad . Good luck with everything ! 💓
The Cure se ha considerado siempre un grupo asociado a la cultura gótica, y de hecho tiene millones de fans góticos en todo el mundo, debido al aspecto siniestro de su vocalista y líder, Robert Smith, y al oscuro sonido de discos fundamentales de su discografía como ‘Faith’, ‘Pornography’, ‘Disintegration’, ‘Wish’ o ‘Bloodflowers’ (los cinco, por cierto, están catalogados como “rock gótico” en Wikipedia).
¿Pero es Robert Smith un gótico de verdad? Smith ha concedido una entrevista a TIME OUT donde ha reconocido que el estilo gótico que ha adoptado desde los inicios de su carrera ha sido postureo. Smith asegura que el término “gótico” no tiene nada que ver con él en realidad y añade: “Tocaba la guitarra con Siouxsie and the Banshees, así que tenía que hacer el papel. La moda gótica para mí fue una pantomima. Nunca me la tomé en serio realmente”.
Smith, quien a sus casi 60 años asegura que “un día se me caerá el pelo y ya no pareceré gótico nunca más”, apunta que todas las personas góticas a las que ha conocido a lo largo de su carrera han sido “maravillosas”, pero que nunca le ha gustado la música típicamente catalogada como “gótica” y que, si ha vestido de esta manera en los conciertos de The Cure, ha sido por “teatro” y sencillamente por “razones estéticas”, facilitadas, a su vez, por el hecho que él posee “rasgos enfermizos” y una “piel naturalmente pálida”.
El próximo mes de octubre se cumplirá una década desde el lanzamiento de ‘4:13 Dream’, el último álbum de material inédito de The Cure. La razón de esta entrevista de TIME OUT a Smith ha sido el festival Meltdown, que el propio Smith ha comisionado. Este año, The Cure cumple cuatro décadas de existencia y lo celebrará en julio con un macroconcierto en Londres.
Tres años después del notable ‘Ones and Sixes‘, Low, uno de los grupos más queridos surgidos del rock independiente de los 90 en Estados Unidos, gracias a discos tan aclamados como ‘I Could Live in Hope’ (1994) o ‘The Great Destroyer’ (2005), ha anunciado que su nuevo álbum, ‘Double Negative’, sale el 14 de septiembre.
Además, el trío de Minnesotta, capitán de ese indie-rock aletargado, depresivo y onírico que algunos han llamado “slowcore”, para disgusto del propio grupo, ha revelado más fechas de su gira europea, la cual incluye parada triple en España: el grupo actúa el 1 de octubre en Sala Capitol de Santiago de Compostela, el 2 de octubre en Sala BUT de Madrid y el 3 de octubre en Fabra i Coats de Barcelona.
Y triple es también el adelanto que comparte hoy Low de ‘Double Negative’, tres canciones nuevas que pueden escucharse por separado en Spotify o juntas mediante un “vídeo tríptico” disponible en Youtube. Son ‘Quorum’, ‘Fly’ y ‘Dancing and Blood’, de las cuales ‘Fly’ quizás es la más emotiva y accesible. Son tres temas de notable carácter electrónico, lo cual encaja con la descripción del grupo que ‘Double Negative’ será un álbum “abrasivo”.
‘Double Negative:
01 Quorum
02 Dancing and Blood
03 Fly
04 Tempest
05 Always Up
06 Always Trying to Work It Out
07 The Son, the Sun
08 Dancing and Fire
09 Poor Sucker
10 Rome (Always in the Dark)
11 Disarray
Weezer no son extraños al Billboard Hot 100, la lista de éxitos más importante de Estados Unidos. Varios de sus singles entraron en la tabla durante la pasada década, entre ellos ‘Beverly Hills’, que llegó a ser top 10. La última canción de Weezer en entrar en el Billboard fue ‘(If You’re Wondering If I Want You To) I Want You To’, en 2009 (81).
Hasta ahora. Weezer, que publicaron disco el año pasado, ‘Pacific Daydream‘, han vuelto a la tabla de éxitos estadounidense, al puesto 89, gracias a su versión de ‘Africa’ de Toto, que tras su lanzamiento en streaming el pasado 29 de mayo se ha hecho medio viral, amasando casi 3 millones de reproducciones en Spotify y cerca de 4.300.000 en Youtube, unas 7 millones en total.
La versión de ‘Africa’ de Weezer nació después que una cuenta de Twitter llamada WeezerAfrica iniciara, el año pasado, una campaña a través de esta red social para que Weezer hicieran una versión de este clásico de los 80. Según Billboard, el responsable de esta cuenta es un chaval de 14 años que se hizo fan de la canción después de ver ‘Stranger Things’.
Antes de lanzar su versión de ‘Africa’, Weezer publicaron un cover de otro éxito de Toto, ‘Rosanna’, para trolear al personal. Ojo hasta dónde ha llegado la tontería. El asunto ha ido tan lejos que, tras el éxito inesperado de la versión de ‘Africa’ por parte de Weezer, un miembro de Toto, Steve Lukather, se ha comprometido en Twitter a grabar una versión de Weezer en el futuro. Un WTF continuo que ha terminado en el mayor éxito comercial de Weezer en 9 años.
You are right..l but it takes time. We do LOTS of gigs besides Toto. We WILL do it I promise!
Amaia Montero se ha convertido en la cantante española –no surgida de Operación Triunfo– de la que más se ha hablado en las últimas horas. Y no por razones felices, como podría ser el más o menos digno álbum que ha lanzado al mercado, ‘Nacidos para creer‘, o el inicio de su gira de presentación. Aunque en realidad esto último sí ha tenido que ver: en su primer concierto celebrado en Renedo de Piélagos, Cantabria, algunos internautas subían vídeos a las redes denunciando que mostraba un comportamiento algo errático, cantaba fuera de tono y lanzando algún gallo que otro, salpicado de alguna frase en inglés a uno de sus músicos.
Esto ha desatado críticas generalizadas hacia ella, cuando no mofas y acusaciones directas de que no estaba en plenitud de sus capacidades físicas, comparándola con la británica Amy Winehouse en sus peores momentos. Lejos de evitarlo y pasar a otra cosa, la ex-vocalista de La Oreja de Van Gogh ha atendido a un reportero del programa ‘Cazamariposas‘ de Divinity –pese a que los miembros de su equipo aseguraban que no iba a hablar– y ha hecho frente a todos esos comentarios.
«Era evidente, evidentísimo, que tuve problemas de sonido», ha justificado, incidiendo en que es algo «habitual» cuando se trata de «un directo». Pero también ha querido mostrar su malestar por los comentarios derivados de esto que considera algo «atroz y una barbaridad» y pide a «sus haters» que se lo digan «todo de una (vez)». También pide que las críticas se las diga «alguien que estuvo (sic)» –los vídeos aparecidos a redes, evidentemente, fueron subidos por el público asistente–, y dice que no sabe cuántos conciertos ha hecho en su vida, pero que nunca se habló tanto de uno como de este y que «no hay derecho». «Esto que se está diciendo de abucheos, de Amy Winehouse, de borracha y todo esto… Abucheos yo no oí absolutamente ninguno. Es más te diré que a mí nunca me han abucheado», remata en el vídeo, antes de decir que a ella «le gusta dar la cara».
Actualización 13 de junio: Amaia Montero ha realizado una entrevista con La Vanguardia donde se ha disculpado por su polémica actuación del 10 de junio en Cantabria, y también se ha mostrado “dolida” por los comentarios hirientes que ha recibido por ella en los últimos días.
Como ya se sabía, Clap Your Hands Say Yeah visitará España el próximo mes de octubre para celebrar su aniversario y presentar su último disco, ‘The Tourist‘. Había dos fechas confirmadas hasta el momento, la primera en el Escenario Santander de la homónima ciudad norteña, el 12 de octubre, y la segunda en la Sala Albéniz de Gijón, el 13 de octubre.
A estas dos fechas se suma una nueva hoy que llega desde la sala Razzmatazz de Barcelona, donde Alec Ounsworth estará presentando ‘The Tourist’ el 27 de octubre. Las entradas ya están a la venta a un precio de 17 euros (anticipada) y 15 euros (early bird). Las puertas abren a las 20.30 horas. Además, según su web también visitarán el 11 de octubre el Festival de Arrecife.
‘The Pilot’, ‘Better Off’, ‘The Vanity of Trying’ o ‘Down’ son algunos de los temas destacados de ‘The Tourist’ que probablemente sonarán en el repertorio de Clap Your Hands Say Yeah en los tres conciertos confirmados en España, y en los que también repasará temas tan queridos por sus fans como ‘The Skin of My Yellow Country Teeth’, ‘Over and Over Again (Lost and Found)’, ‘Satan Said Dance’ o ‘Upon this Tidal Wave of Young Blood’ (grandes títulos, además) que tanto marcaron a una pequeña generación de aficionados al indie rock a finales de la década pasada.
Aun con sus flaquezas, ‘Magnolia’ fue un disco realmente importante en la carrera de los madrileños Rufus T. Firefly, una especie de reseteo que, sin necesidad de reinvenciones forzadas, lograba que todo fluyera y resultara coherente, dinámico y atractivo. Para nuestra sorpresa, era sólo la primera parte de un trabajo doble que completa este ‘Loto’. Sin embargo, este no es (o no lo parece) un apéndice o un epílogo, ni siquiera una versión extendida, sino una secuela que lleva lo logrado en aquel disco un paso más allá. Y es que parece que Víctor Cabezuelo, Julia Martín-Maestro y sus secuaces (a los que en esta ocasión se unen los ex Sunday Drivers Julián Maeso y Lyndon Parish, además de Brian Hunt) han encontrado al verdadero ente Rufus T. Firefly en ese “viaje interior” que proponían en esta obra.
No se puede decir que ‘Loto’ no acuse los mismos defectos que ‘Magnolia’ y, de nuevo, en muchas ocasiones sean reos de las referencias psicodélicas más evidentes (la de Tame Impala y proyectos satélites como Pond o Melody’s Echo Chamber es de nuevo recurrente; la inspiración confesa por The Beatles, se agranda por el camino de la versión). Sin embargo, algo ha cambiado con respecto a su disco del año pasado que les hace sonar más confiados y seguros de lo que hacen, transmitiendo un poder mayor, una fuerza inusitada. Se diría incluso que ‘Loto’ no sólo complementa a ‘Magnolia’ sino que lo mejora. ¿O será que somos nosotros los que hemos cambiado con la ingesta de esa flor exótica y bellísima?
‘Loto’ es un disco aún más breve que su primera parte, con 36 minutos en los que, incluso en sus momentos más previsibles, menos atractivos –el arranque hard-rockero de ‘Druyan & Sagan’, luego transformado en una outro sideral; el sitar-rock kulashakeresco de ‘Cristal Oscuro’; lo corta que se queda la melodía vocal en ‘Loto’ ante la fuerza de su riff– nunca deja de sonar fuerte y sólido. Con los sintes de Julia tomando un protagonismo imprescindible –como decía, en el tema que da nombre al disco, la “batalla” se inclina claramente hacia su lado–, crucial en la brillante ‘Demogorgon’, inspirada tanto por la BSO como por el argumento de ‘Stranger Things’, una ‘San Junipero’ cuya fase jam-session de jazz psicodélico es reconducida (por los pelos) del cliché de manera maravillosa –y al contrario que en ‘Loto’, su melodía vocal es tan fabulosa que brilla sobre todo–; o el enorme final de ‘Final Fantasy’, donde directamente el gran referente pasa a ser el M83 más ensoñador; la personalidad de Mr. Firefly se agiganta y se enriquece con nombres patrios hasta ahora aparentemente lejanos como los Smash de Gualberto o Módulos. Hasta el punto de que versionar ‘Lucy In The Sky With Diamonds’, que en sus primeros minutos apunta a un facilón ejercicio de autocomplacencia, termina siendo una reivindicación de su sonido propio, vampirizando el original y llevándoselo a hurtadillas a su guarida, en un sorprendente final.
En este paso decisivo hay que considerar el peso de unas letras que, de nuevo, juegan a dibujar su universo a través de guiños al mundo –al de ficción, al artístico o al real– que les rodea y les alimenta. En ese sentido, la fantástica ‘Un breve e insignificante momento en la breve e insignificante historia de la humanidad’ supone el mejor ejercicio: cómo canalizar su propio sentir a través de las inspiradoras obras de otros (Raymond Carver, Nirvana, Miguel Hernández, Cala Vento, ‘La historia interminable’, Gata Cattana). Es curioso cómo, proyectándose en series de televisión, videojuegos, libros y canciones ajenas, se exponen a sí mismos, se hacen tangibles y nos invitan a entrar en su perspectiva, esbozada en reflexiones en voz alta como “¿cómo pretendes salvar al mundo desde Aranjuez?”. En la misma medida que ‘Loto’ no oculta que aún hay espacio de crecimiento para Rufus T. Firefly, el “viaje”, como a ellos les gusta definirlo, vale la pena.
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘Un breve e insignificante momento en la breve e insignificante historia de la humanidad’, ‘Demogorgon’, ‘Final Fantasy’, ‘San Junipero’ Te gustará si te gustan: Tame Impala, M83, Pond o siempre has querido adentrarte en el prog rock español de los 70. Escúchalo: Spotify, Bandcamp
Aunque parece que ha rebajado un tanto su perfil, el Festival de Tendencias Urbanas organizado por MULA e IFEMA, Mulafest, celebra una nueva edición en Madrid. Este año, eso sí, redefine su propuesta musical, encargando la programación de cada uno de sus tres jornadas –las que van del 22 al 24 de junio– a tres influyentes entidades del mundo de la música. Los dos primeros son dos programas de radio de la emisora estatal Radio 3, y el tercero es el veterano e influyente sello madrileño Subterfuge.
La jornada del viernes 22 de junio vendrá de la mano del DJ y productor Jota Mayúscula, director y presentador del ya longevo programa El Rimadero, que reúne lo mejor de la música urbana nacional e internacional, el rap y el hip hop. El sábado 23 la propuesta musical corre a cargo de Ramiro McTersse (Ramiroquai), director del programa ‘Bandera Negra’, que aborda estilos como el hardcore, el punk rock y el post-hardcore. Por último, Subterfuge ha optado por dedicar el domingo 24 en exclusiva a mujeres, o proyectos musicales dirigidos por ellas, dando protagonismo a tres artistas del sello como MOW –cuyo ‘Grasiah‘ del pasado año alcanzó repercusión internacional–, Cintia Lund –que debutaba con el buen ‘New York Anthem‘ meses atrás– y Soledad Vélez –autora de uno de los mejores discos nacionales recientes, ‘Nuevas épocas‘.
Mulafest se celebra en IFEMA (Feria de Madrid) y se dispone el acceso mediante abonos (40 € en venta anticipada, 45 € en taquilla) o entradas de día (15 € en anticipada, 20 € en taquilla). Más info, aquí.
HORARIOS
VIERNES 22: HIP HOP DAY
22:00 – 02:00: Jota Mayúscula DJ session (con Xcese, Kasta & Jimboman, Coke Céspedes, Lion Sitté, Yeyo Pérez, Saiko flako, Rush Blacka, Comando 87, Tunin Slow & Alkatrah 3.16, Kris T, Betto Snay, Big Gold chain, Cinco Jota y DJ Malcri)
SÁBADO 23: BANDERA NEGRA DAY
19:00 – 19:45 – Le Mur
20:00 – 20:45 – Bones Of Minerva
21:00 – 21:45 – Trono De Sangre
22:00 – 23:00 – Minor Empires
23:30 – 00:45 – Revolta Permanent
00:55 – 02:00 – Bandera Negra DJ: Ramiroquai
No podemos confiarnos tras el primer e infructuoso intento de Chromatics por publicar un disco llamado ‘Dear Tommy’, pero por el momento la intención parece seguir adelante. Tras estrenar semanas atrás un nuevo single llamado ‘Black Walls’, en principio destinado a esa continuación de ‘Kill for Love’, el proyecto comandado por Ruth Radelet y Johnny Jewel da esperanzas de que esa nueva obra sea una realidad.
Y lo hacen de la mejor manera posible, publicando otro nuevo (y buen) single del mismo. En este caso, y quizá de manera casual, vuelve a relacionarse con un color, en este caso el azul. ‘Blue Girl’ es un tema marca de la casa, marcado por un riff de sintetizador, un ritmo reminiscente de los 80 y la voz etérea de Radelet entonando una melodía preciosa. Como en el caso de ‘Black Walls’, la canción es lanzada con una especie de “maxi” digital que recoge distintas mezclas de la canción –una sin baterías, otra con los coros aislados, otra enteramente instrumental…–.
Recordemos que un primer ‘Dear Tommy’ llegó a tener fecha de edición, varios singles publicados e incluso las copias físicas fabricadas, pero Johnny Jewel decidió destruir toda existencia de aquella obra tras tener una traumática experiencia, “cercana a la muerte”. Tras un tiempo aparentemente apartado del proyecto y dedicado a las BSOs (entre ella, la de la última temporada de ‘Twin Peaks’), ha retomado el proyecto.
Actualización: Una hora después de publicar esta noticia, el grupo ha subido a Youtube un clip oficial para esta canción, protagonizado por Ruth (aunque el resto del cuarteto, incluido Jewel con lentillas azules, también figura en él), en ambientes lúgubres, repletos de simetrías y tintes románticos (como unas rosas empleadas a modo de baquetas, por ejemplo).
El irlandés Conor O’Brien puede no ser un compositor demasiado popular, pese a que en su carrera bajo el nombre de Villagers ha ganado dos prestigiosos premios Ivor Novello y ha sido nominado en otras dos ocasiones al Mercury Music Prize (sin suerte, en este caso). Lo que sí ha construido es una carrera repleta de grandes canciones de exquisito pop-folk, repartidas en los tres álbumes de estudio que ha ido publicando a lo largo de esta década, el último de ellos, ‘Darling Arythmetic’, en 2015 –al que siguió una especie de álbum de autoversiones en vivo–.
Tras un 2017 de actividad limitada pero de relumbrón, como fueron sus aportaciones a la BSO de la serie ‘Big Little Lies’ y su colaboración con el reputado arreglista Nico Muhly (Sufjan Stevens, Joanna Newsom, Grizzly Bear), Villagers están de vuelta este año con un nuevo disco. Llevará por título ‘The Art Of Pretending To Swim’ y se pondrá a la venta, vía Domino, el 21 de septiembre. Su primer adelanto es una ‘A Trick Of The Light’ estrenada en las últimas horas que revela el lado más luminoso y dulce, casi bailable, de este proyecto.
‘A Trick Of The Light’ se ha presentado con un vídeo bastante desconcertante –dirigido por Bob Gallagher–, en el que, junto a un travestido O’Brien –que hace un doble papel–, está protagonizado por un “personaje chamánico y desarrapado que misteriosamente dispara un alterado estado de consciencia en los que se cruzan en su camino, o eso cree él”, en palabras del propio Conor.
Tracklist de ‘The Art Of Pretending To Swim’:
Again
A Trick Of The Light
Sweet Saviour
Long Time Waiting
Fool
Love Came With All That It Brings
Real Go-Getter
Hold Me Down
Ada
Si pensabas que ya te habías quedado sin la posibilidad de ver a Bruno Mars en el Estadio Wanda Metropolitano de Madrid, después de que se agotaran de forma casi instantánea todas sus entradas, estabas equivocado. Doctor Music, promotora de este concierto, informan que «los últimos reajustes de producción han permitido poner a la venta un número limitado de entradas, de inmejorable ubicación para este show» que se celebra el día 22 de junio –es decir, la próxima semana–.
Las nuevas entradas para Madrid ya están a la venta a través de doctormusic.com, livenation.es y Ticketmaster. Así mismo, las últimas entradas para el concierto del 20 de junio en el Estadi Olímpic de Barcelona se pueden adquirir también en los mismos puntos de venta.
Con estas dos fechas, Mars regresa a España tras triunfar en su gira del pasado año por recintos más modestos, apostando esta vez por grandes ubicaciones que, por lo visto, volverá a llenar. Tanto entonces como ahora el norteamericano presenta ‘24K Magic‘, un disco con el que arrasó en la pasada edición de los premios Grammys 2018, obteniendo los premios a Disco, Canción y Grabación del Año. En los próximos meses se prevé su colaboración en el esperado álbum de regreso de Chic.
A principios de año confiábamos en HMLTD como uno de los nombres a seguir en el pop de 2018. Este grupo británico, caracterizado por un empleo llamativo y provocador de su imagen, además de por un amplio abanico de estilos musicales alcanzados en sus canciones, publicará el próximo 6 de julio su EP de debut. Se titula ‘Hate Music Last Time Delete’ –a modo de acrónimo de su nombre, que en realidad era «Happy Meal Ltd.» y tuvo que ser abreviado por obvias causas legales– y se publicará el próximo día 6 de julio.
El disco ha sido producido por Justin Tranter, que tras no alcanzar demasiado éxito con su grupo Semi Precious Weapons –el más sonado fue telonear a Lady Gaga en su The Monster Ball Tour–, se ha labrado una carrera como compositor y productor para artistas pop comop Britney Spears, Selena Gomez, Justin Bieber o Julia Michaels, entre otros muchos. Lo cual no significa que este disco tenga un sonido dócil, a juzgar por un primer adelanto estrenado el pasado viernes, ‘Pictures Of You’. Esta canción, en la que, entre ritmos arrastrados post-trap, ambiente sórdido y guitarras enmascaradas, destaca la tesitura vocal de Duke, que por su similitud con Dave Gahan les aproxima a los Depeche Mode de ‘Songs of Faith and Devotion’.
Aunque este ‘Pictures Of You’ nos ha llamado también la atención por su perturbador videoclip oficial. Un vídeo con explícitas imágenes sexuales –bastante NSFW, aún siendo pixeladas– que representa el lado turbio de contemplar fotos de un ex, sobre todo por lo que ese ejercicio puede tener de narcisista. «‘Pictures Of You’ fue escrita como una canción sobre masturbarse con fotos enviadas por tu ex, que eres incapaz de borrar», cuenta el grupo. «El vídeo explora el narcisismo inherente a este acto: lo que realmente deseas no es a esa persona, sino la aprobación [hacia ti mismo] que proporcionaban. El autoamor de duplica a sí mismo». Para conseguirlo, el realizador Duncan Loudon ha empleado la tecnología Deep-Fake, situando las caras de los miembros del grupo en los cuerpos de sus partenaires mientras tienen, virtualmente, sexo. Una pieza realmente inquietante.