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Miley Cyrus detalla su próximo disco, inspirado en ‘The Wall’ de Pink Floyd

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Miley Cyrus ha dado los primeros detalles de su próximo disco, el sucesor de ‘Endless Summer Vacation’, en una nueva entrevista con Harper’s Bazaar. La cantante ha adelantado que se titularía ‘Something Beautiful’, que es «igual de visual que musical» y que estaría inspirado en el clásico de Pink Floyd de 1979, ‘The Wall’, pero «con mejor vestuario».

La popstar de 31 años habría estado trabajando en ‘Something Beautiful’ junto a su pareja, el guitarrista Maxx Morando, y junto al director de cine italiano Panos Cosmatos, que se encargaría de la parte visual del LP. «Mi idea era hacer ‘The Wall’, pero con mejor vestuario, más glamuroso y lleno de cultura pop», detalla la cantante.

La referencia a Pink Floyd, asegura Cyrus, se gestó en su adolescencia, cuando vio la surrealista película de 1982 de Alan Parker basada en el álbum. Al igual que el disco escrito por Roger Waters, Cyrus asegura que ‘Something Beautiful’ es un disco «conceptual»: «Es un intento de tratar una cultura enferma a través de la música». Cosmatos ha descrito el disco como algo «más experimental que cualquier cosa que haya hecho, pero de una forma pop que me encanta».

Cyrus también ha aclarado algunos aspectos sobre el sonido del álbum: «El componente visual conduce el sonido. Para mí era importante que cada canción tuviese las propiedades de los sonidos curativos. Las canciones, tanto si van sobre destrucción, desamor o muerte, están presentadas de una forma hermosa, porque los momentos más desagradables de nuestra vida también tienen un punto de belleza».

FLO / Access All Areas

Cuando llegó ‘Cardboard Box’, el single de debut de FLO, en marzo de 2022, el R&B parecía salvado. La girl band de Londres debutaba con una canción perfecta, tan buena que parecía que una girl band (no surcoreana) podía de repente volver a ponerse de moda. Después, FLO siguió sacando más buenos singles, como ‘Immature’ o el baladón ‘Losing You’, pero las cosas no terminaban de arrancar comercialmente para ellas. No acababan de dar el salto, y eso que ganaban el BBC Sound of 2023. Claro, eso tampoco es garantía de nada…

Dos años y un segundo EP, ‘3 of Us’, lanzado en 2023, después, FLO publica su debut largo, ‘All Access Areas’. Y es un disco de composición y producción extremadamente cuidados, referencial y muy respetuoso de sus influencias, tanto que algunas de ellas, como Destiny’s Child, aparecen mencionadas en la primera pista, recitada por la actriz Cynthia Erivo. Pero ‘All Access Areas’ también es un álbum que pisa sobre seguro y poco arriesgado, aunque con instantes de brillantez que apuntan a un interesante futuro.

Las jóvenes Stella Quaresma, Jorja Douglas y Renée Downer, a las que Island Records junta en un trío en 2019, crecen escuchando R&B y se nota. Las armonías remiten a Brandy y aportan una profunda calidez a las canciones, mientras las producciones -de MNEK y compañía- saben actualizar el pasado. Un pasado que puede ir muy lejos, como en ‘AAA’, que evoca el “glamour de las divas Motown” y samplea ‘Portuguese Love’ (1981) de Teena Marie, o que mira al R&B de los 2000, como hace la estupenda ‘Caught Up’.

El empoderamiento es la marca de FLO y las canciones de ‘All Access Areas’ se entregan al amor y al sexo estableciendo límites. En ‘Soft’ las metáforas romántico-sexuales pecan de obvias y mojigatas (“te diré lo que hay para comer, estoy fluyendo como un río”) pero la mayoría de letras del disco devanean entre la sensualidad (las “visiones en la cama” de ‘AAA’) y la aserción de la dignidad propia: FLO no aguantan a chicos que las engañen o que no sepan lo que quieren y, en varias pistas, como ‘Shoulda Woulda Coulda’, simplemente abandonan una relación para no perder el tiempo: saben que merecen algo mejor.

En un álbum que cuida su elegante y cálida atmósfera desde el primer segundo al último sobresalen los pegadizos singles ‘Walk Like This’ e ‘In My Bag’ con Glorilla, colocados en la primera mitad del largo (el segundo llega lleno de referencias a diferentes marcas caras). Ninguno es ‘Say My Name’ o ‘No Scrubs’, aunque, para eso, como mínimo, tendrían que introducir algún tipo de novedad o revolución en su letra o sonido, lo cual no sucede en ningún momento de ‘All Access Areas’.

‘All Access Areas’ peca de exceso de minutaje y, tan pronto como en su tramo medio, termina empachado de su propia elegancia: pistas como ‘How Does it Feel?’, ‘Soft’ o ‘Bending My Rules’ ofrecen composiciones menos definidas que en absoluto desafían ninguna regla: Tinashe habría hecho algo mágico con ellas… porque ya las ha hecho antes, en un estilo muy parecido. FLO, por cierto, dice que ‘Soft’ es un «sueño R&B» y es cierto, porque la canción provoca eso mismo: sueño.

Sorprendentemente, ‘All Access Areas’ se pone interesante de verdad en su tramo final con una serie de producciones excelentes que se fijan sin disimulo en las épocas de gloria de Timbaland y Darkchild. La arábiga ‘Nocturnal’ remite al futurismo de Aaliyah y Missy Elliott, mientras ‘Shoulda Woulda Coulda’ y ‘Get It Till I’m Gone’ convencen con melodías clásicas y que son puro lujo. Sus gustosas producciones hacen sonar a sus referencias mejor de lo que las recuerdas.

‘All Access Areas’ es un álbum de R&B de gran nivel, aunque se echa de menos que dé un verdadero paso adelante creativo. Solo en sus últimos minutos se intuye un futuro de innovaciones al que, de momento, ‘All Access Areas’ no se atreve a “acceder”. Ahora que se han cumplido 30 años de ‘CrazySexyCool’ (1994), el histórico álbum de TLC, hay que recordar cuál es realmente el estándar, el baremo a igualar o superar. FLO están, por ahora, en el camino correcto.

10 joyas del futuro que descubrir en Alhambra Monkey Week 2024

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Alhambra Monkey Week ya está aquí: hoy empiezan los actos de celebración en Sevilla, y el grueso del festival será de jueves a sábado. Como siempre, hay artistas consagrados del tamaño de Triángulo de Amor Bizarro, pero también un buen surtido de artistas noveles o más desconocidos que harán honor al lema de esta Feria: «descubre hoy la música del futuro». En Alhambra Monkey Week actuarán artistas de los que os hemos hablado en multitud de ocasiones, como Ciutat, Júlia Colom, Kora, airu o Espineli, a quien seleccionamos entre los Mejores Discos de 2023; y también estos otros 10 artistas de que os hablamos hoy. Podéis comprar las entradas en la web de Monkey Week.

Ángeles Toledano

Toledano, que el año pasado ya visitó Alhambra Monkey Week con su proyecto Ángeles, Víctor, Gloria y Javier, este año vuelve por la puerta grande para presentar uno de los discos de los que más se está hablando estos días en la industria musical. Se trata de ‘SANGRE SUCIA’, del que recientemente seleccionamos como Canción del Día ‘MAMÁ, TENÍAS RAZÓN‘, con su estupendo videoclip sobre feminismo y empoderamiento. Sobre una caza de brujas con final feliz.

Mon Dvy

Mon Day («Monday») es el sobrenombre de Martín Muñoz. El joven músico, que ha trabajado con gente como Alba Reche, Samuraï o Carolina Durante, entre muchos otros, tiene un proyecto en solitario. Su disco de este año, ‘Mal nombre’, presenta piezas que pululan entre el soul y el indie, como ‘Dejarlo claro’; incluso la indietrónica, como ‘Como miles en París’; o hasta un cruce entre hip hop y jazz, como ‘El olor de los relámpagos’.

April Marmara

Entre los artistas de otros países que merece la pena destacar, hay que hablar de April Marmara, esto es, Beatriz Diniz, desde Lisboa. Tiene dos álbumes a sus espaldas, a menudo transitando territorios acústicos o empañados de instrumentos de cuerda y viento. Era el caso de ‘Finding My Ways’, un tema que ha publicado este mismo año.

Guedra Guedra

Uno de esos proyectos que puede que no escuches tanto en casa como disfrutas en directo es el de Guedra Guedra. La inspiración de este DJ y productor son los polirritmos tradicionales de Marruecos, lo que produce una explosión de color en unas canciones destinadas a la pista de baile. Especialmente desde su álbum editado en 2021, ‘Vexillology’, ha aparecido destacado de una forma u otra en Bandcamp, Resident Advisor, The Guardian o Pitchfork. Os dejamos con su directo para Boiler Room.

el diablo de shanghai

Otros de los que pueden ofrecer uno de los conciertos más divertidos de Alhambra Monkey Week son el diablo de shanghai. En principio se inspiraron en grupos como Shame, Fontaines DC, Black Midi o Idles, pero el humor en ellos es mucho más importante que en sus referentes anglosajones. No hay más que atender al costumbrismo de su disco ‘113 pasos adelante en el ensanche’, donde residía su pequeño hit ‘Patti Smith’ y también un tema llamado ‘Tabaco’. Ambos certifican que las armonías vocales, bastante 60’s, son otra de sus claves en la búsqueda de una identidad.

San Tosielo

Habituales en nuestras playlists, los canarios San Tosielo se mueven entre registros indies, surferos y baladescos, indistintamente. Pavlo y Blurred Mirror, afincados en Madrid, acaban de publicar un EP llamado ‘Vanpiro Esiten’, en el que han destacado singles como ‘Nunca más’ -que deriva en bossa nova- o ’Fake Glasses’. Este año además se agenciaron una colaboración con la superestrella Cruz Cafuné y con el grupo underground Toldos Verdes, prueba de que cualquier cosa podría pasar con su carrera.

Roy Borland

Uno de los artistas que más trayectoria tienen de esta lista es Roy Borland, pues cuenta ya con varios proyectos subidos a las plataformas de streaming. Estamos ante un músico que estudió 8 años de Conservatorio y en 2021 apostó por el castellano tras un inicio en inglés. Entre sus influencias cita lo mismo a Radiohead que a Pablo Milanés, algo que puedes percibir en su disco de este año, ‘Fotografías de España’. Lo cierra una canción de cortar el hipo, ‘El primer beso de verdad’. Por cierto, ha trabajado también con gente tan dispar como El Kanka, Teo Lucadamo, Bejo, Teo Planell, Belén Aguilera, Tristán!, Nusar3000 o Barry B.

Dalila

Entre los artistas locales, destaca el caso de Dalila, una sevillana que se inspira en la música electrónica de principios de los 90 en Reino Unido. Sobre todo en torno a la rave. ‘Cieguita’ es de momento su tema emblemático, además de absorbente en sus fantásticas ambientaciones, revisitado en varias remezclas, una a cargo de Gazzi, también presente en la Monkey Week.

Jordi Ganchitos

«Vídeo con 0 reproducciones», podía leerse en la descripción de Youtube de ‘Calvo con barba’. Pues bien, este reggaeton lo-fi, más próximo a la filosofía humorística de Ladilla Rusa u Ojete Calor, lleva 150.000 reproducciones ya, y otras tantas en Spotify. Curtido en el mundo urbano DIY, ha participado también en temas como ‘Hippies Acosadores’ con Mi Amargo, y recientemente ha estrenado el single ‘Chancla tanga’.

Julia de Arco

¿Cómo es posible que Monkey Week recomiende a un artista con 0 canciones subidas a plataformas de streaming con un total de 0 oyentes mensuales? Tali Carreto, codirector del festival, nos explicaba en el pertinente podcast que a Julia de Arco la conocen desde que la sevillana compartió sus primeras maquetas con poco más que 10 años, y que sus temas habían sido borrados de la faz de la tierra para ahora relanzar su carrera profesional. Hoy justo se sube su tema ‘SWAGGERBOYZZZ’, electrónica oscura de bases callejeras y un flow muy «primera M.I.A.», anticipo de lo que está por venir. En una faceta mucho más melódica, también podéis escucharla en el disco de Carlangas.

Podcast: así se organiza Monkey Week

Carlangas une Brasil y España en ‘Siempre vuelve’, su «canción favorita» de ‘Bailódromo’

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Carlangas ha publicado recientemente un disco de música de baile -la última es de bailar pegados pero también- llamada ‘Bailódromo Vol.1‘. En él nos ha cautivado especialmente ‘Siempre vuelve’ porque el ex Novedades Carminha cada vez lleva más allá la paleta de colores en cuanto a arreglos se refiere. El tema es nuestra Canción del Día y Carlangas nos ha respondido unas preguntas sobre su composición.

La gira de Carlangas con su banda Los Cubatas continúa este jueves 21 de noviembre en el Ochoymedio de Madrid, el viernes 22 en el Dabadaba de Donosti, el 23 de noviembre en Tribeca Live de Oviedo, el 2 de enero en Santas Pascuas de Pamplona, luego Murcia, Santiago… Más detalles, en carlangas.es.

Comenzamos preguntando cómo surgió esta canción: «La hice con Fer de Mundo Prestigio volviendo de los premios MIN en Zaragoza. Teníamos unas nominaciones por mi primer disco y lo único que enganchamos fue un fiestón. Como estábamos contentos a pesar de la derrota queríamos celebrar la vida y hacer un tema con dos acordes de base, por eso de que cuanto más te limitas más te liberas, que decía Stravinsky. Es verdad. A los dos nos gusta mucho la música brasileña de los 70 y yo nunca había hecho un tema con guitarra española, aunque realmente es la guitarra que todo a diario y me apetecía. A esa mezcla de batería y bajo funk, la guitarrita esa un poco lo-fi con el agogó y las percusiones, pensamos que podía pegarle una flauta como de la rumba de los 70 y apareció Paloma Cosano para dejarnos con la boca abierta con su solo de flauta. Es mi canción favorita del disco. También queríamos que de alguna manera sonara contemporánea, con grave y Luca Petricca (co-productor y mezclador) nos ayudó mucho con el acabado».

En esa letra sobre esa persona que se va pero «siempre vuelve», es curiosa la imagen de alguien que «cierra los ojos cuando escucha un himno». ¿Quién inspiró el texto de ‘Siempre vuelve’?: «El año pasado fui a Barcelona a grabar una canción para la Gala de Fin de Año de TVE y quedé con una de mis mejores amigas que se llama Mariña. Siempre que nos juntamos aprovechamos para arreglar el mundo, y en este caso hablábamos de cómo amigos y amigas nuestras de la adolescencia se han convertido en señores y señoras de costumbres con 35 años. Los que eran los más cool antes, ahora pasean por centros comerciales los sábados, se emocionan con himnos y victorias de tenistas patrios, viajan compulsivamente sin que los sitios pasen por ellxs, y les preocupan cosas muy diferentes a las que me pueden preocupar a mí».

Algo que no tiene por qué ser malo: «Intento no juzgar si lo mío es lo bueno o lo suyo es lo malo, pero es un poco un retrato de cosas que han pasado en mi entorno. Como dice la canción lo importante es ser buena persona, y al final te das cuenta que aunque la vida cambie, los sentimientos permanecen y son más fuertes que nada, por eso la vida separa, pero si el vinculo es fuerte siempre volvemos».

«Amigos y amigas nuestras de la adolescencia se han convertido en señores y señoras de costumbres con 35 años»

En cuanto a los lustrosos arreglos de ‘Siempre vuelve’, la influencia brasileña ha sido muy comentada, pero también nos llevan a los años 70 más ostentosos del pop español: la Costa Fleming, Rafael Trabucchelli, Antón García Abril… Pero la inspiración de Carlangas no viene exactamente de ahí: «No controlo mucho de esto que hablas, pero me encantará investigar sobre ello. Sé que Costa Fleming era una zona de juerga en Madrid que conocí por algún libro de Iñaki Domínguez, pero no sé qué música sonaba. Y Trabucchelli arregló discos de Jeanette por lo que veo en la Wikipedia, así que pinta genial. Los discos de Jeanette me parecen una maravilla. Yo estaba obsesionado con la flauta de Jorge Pardo en la canción ‘Badajoz’ del disco ‘Rock Gitano’ de Pata Negra y también compartía obsesión con Fer por ‘Força Bruta’ de Jorge Ben Jor. Esas guitarras españolas tocadas en el porche de una casa viendo el mar una tarde de sol».

Añade, en general, sobre su último disco: «‘Bailódromo Vol.1’ nace de una necesidad que teníamos de encontrar un sonido definido para defender en directo todos los temas que voy haciendo. Es casi un banco de pruebas que derivó en un disco. Para ello escuchamos mucha música, hicimos muchas pruebas y fuimos encontrando una estética y una forma de hacer que hizo que llegasen estas canciones. Tim Maia, Novos Baianos, Jorge Ben Jor, por otro lado Pata Negra o Manzanita; y digamos que por traerlo a este siglo, me encanta cómo trata los instrumentos Steve Lacy o como integra las flautas Ralphie Choo, por ejemplo. Esto es una cara de muchas, por eso el disco es punk a veces, es luminoso como en ‘Siempre vuelve’, o nocturno otras veces. Me sirvió para encontrarme y digamos que marca el fin de la etapa inicial de CARLANGAS y me enchufó energía y confianza para seguir haciendo música y ponerme con un LP más ambicioso que tengo en la cabeza desde hace tiempo».

La mejor música del momento:

Alcalá Norte cancela 3 fechas agotadas por problemas de salud

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Alcalá Norte ha cancelado sus próximos tres conciertos en Barcelona, Sevilla y Granada, programados los días 20, 22 y 23 de noviembre, respectivamente, debido a que su cantante, Álvaro Rivas, ha sido operado de apendicitis y se encuentra en proceso de recuperación. O, en palabras de Alcalá Norte, «tiene que reposar y comer purés de esos sin sal».

Las tres fechas, pertenecientes a La Gira Cañón 2024, habían colgado el cartel de «todo agotado» con semanas de antelación. De momento, Alcalá Norte ha anunciado una nueva fecha para el concierto de Barcelona, el 14 de febrero en Razzmatazz, que servirá para cerrar la gira.

La Gira Cañón se reanudará, si todo va bien, el 30 de noviembre en San Sebastián y seguirá por León, Valencia, Zaragoza, Segovia, Valladolid o Vigo entre los meses de diciembre, enero y febrero.

Alcalá Norte sigue presentando por España uno de los discos destacados de 2024, un debut homónimo que ha dejado himnos como ‘La vida cañón’ o ‘420N’.

Recientemente, Alcalá Norte ha sido objeto de la sección «Meister of the Week» de JENESAISPOP, en la que Jaime Barbosa ha profundizado en su «enfermiza» obsesión por la serie ‘Cuéntame’, que tanto ha inspirado la carrera de la banda.

Vuelve Gran Bola de Neu, la fiesta navideña gratuita de Apolo

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El 21 de diciembre vuelve a la Sala Apolo de Barcelona una nueva edición de la fiesta navideña Gran Bola de Neu, que se celebrará en los espacios de La (2) y la Cinc con acceso gratuito. La DJ de Futuroa AL-V animará el evento.

El cartel musical se compone de tres artistas, las catalanas Dianka y Tetas Frías y la francesa JeanneTo. Dianka ha creado su propio universo inspirado en las ferias españolas de los 60 y 70, y su disco ‘TOMBOLERA!’ es un recomendable trabajo de pop electrónico que se aproxima al sonido Camela en su mejor canción, ‘Los choques chocones!’.

Tetas Frías, por su lado, practican la «punkitrónica», en sus palabras, aunque le dan lo mismo «al punk, al black metal y al midwest emo que «al tontipop y al teknaso». Su disco de 2023, ‘Otra camiseta’, incluye su canción más escuchada, ‘chicoZzZ del under’, que se dedica a un tipo que va «con pintas de indie encocado» pero que no es más que «un puto pringado».

Originaria de Francia, JeanneTo reviente el escenario con sus bases electrónicas que remiten a Brutalismos 3000 o COBRAH. JeanneTo da puro «rave pop» en su quinto EP, así titulado, y en rompepistas como ‘Réveillée’ o ‘Citron gingembre’, además, ofrece melodías emocionales y letras que hablan de «relaciones sociales y afectivas o sustancias psicoactivas».


Rigoberta Bandini se viste de ‘Pamela Anderson’ y de glam

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Mientras promociona ‘The Last Show Girl’, la película que protagoniza, dirigida por Gia Coppola y que se estrena en enero, Pamela Anderson es sujeto de diferentes homenajes. Beyoncé ha encarnado a la actriz en el vídeo corto de ‘Bodyguard‘, y ahora Rigoberta Bandini se convierte en ‘Pamela Anderson’ en el segundo single de su nuevo disco, ‘Jesucrista Superstar’.

‘Pamela Anderson’ es una nueva composición feminista de Rigoberta Bandini, que utiliza la figura de la actriz para señalar el machismo y la sexualización a la que se enfrentan las mujeres. «Todas somos Pamela» es su grito de guerra.

Rigoberta entrega, por otro lado, otra de esas locas composiciones por las que es conocida. En ‘Pamela Anderson’ conviven sonidos que remiten al pop de los 60, al glam de los 70 y al new wave de los 80… y todos desembocan en un final coral que lleva el tema al puro delirio.

El videoclip de ‘Pamela Anderson’ se ha estrenado a las 12.00 y, en él, Bandini se transforma en diferentes versiones de la actriz de ‘Los vigilantes de la playa’.

‘Jesucrista Superstar’, el segundo disco de Bandini, se pone a la venta en 2025. El primer single, ‘Si muriera mañana‘, también se dedicaba a las «mujeres fuertes como el viento». Su videoclip ha llegado lleno de referencias a diferentes autores.

Madrid Popfest confirma a Helen Love, Perdón, Amor Líquido…

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Madrid Popfest celebrará su 13ª edición durante los días 21 y 22 de marzo en la Sala Galileo Galilei de la capital. El festival seguirá celebrando su esencia DIY y su compromiso con la música independiente, sin patrocinadores y sin ánimo de lucro.

Al igual que en ediciones anteriores, el cartel cuenta tanto con nombres nacionales como con apuestas internacionales. Una de estas artistas se trata de Helen Love, la icónica banda de punk-pop galesa. Además, el indiepop de los estadounidenses Chime School y el punk a lo Ramones de las escocesas The Cords también estarán presentes para dar guerra.

En la parte hispanohablante, pero desde el otro lado del charco, llegan los argentinos Ceretti, que presentará su disco debut, y Matt Montero, uno de los rostros destacados de la escena bonaerense. Amor Líquido, banda líder del art-punk en español, y Perdón, con su encantadora propuesta de «electropop tristón», son las confirmaciones nacionales del cartel.

Los abonos para Madrid Popfest ya están disponibles y la organización recomienda adquirirlos con antelación, «dada la popularidad del festival», ya que la Sala Galileo Galilei tiene un aforo limitado.

Baiuca, Hinds, Biznaga… primeros confirmados de Prestoso Fest

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Prestoso Fest ha anunciado los primeros seis artistas de su octava edición, que se celebrará del 7 al 9 de agosto de 2025 en Asturias.

De esta forma, Baiuca, Biznaga, Hinds, HEAL, Pinpilinpussies y Gorka Urbizu forman el primer adelanto de Prestoso Fest, uno de los festivales nacionales más en sintonía con la naturaleza. La variedad está asegurada: desde la tradición y folclore gallego de Baiuca hasta el rock reivindicativo de Biznaga, pasando por el sonido internacional de Hinds.

Ubicado en Las Barzaniellas, una pequeña aldea situada a apenas 2 kilómetros de Cangas del Narcea, el festival ha tardado solamente unos días en anunciar los primeros nombres tras revelar las fechas de celebración. Las abonos están ya disponibles a un precio de 70 euros, después de haberse agotado las primeras 150 entradas en promoción.

Linkin Park / From Zero

Linkin Park tiene en su haber, aún a día de hoy, el debut más vendido de todo (lo que llevamos de) siglo XXI, ‘Hybrid Theory’: sus ventas se estiman en 32 millones de copias. El single ‘In the End’, publicado en el año 2000, suma más de 2 mil millones de streamings en 2024. El segundo disco de Linkin Park, ‘Meteora’ (2003), es otro de los más vendidos del siglo actual, exactamente el 10º.

La fusión de nu-metal y rap de Linkin Park nunca ha sido la más exquisita e innovadora, pero comercialmente siempre ha sido la mejor: ‘Numb’, ‘Faint’ o ‘One Stop Closer’ no son solo hits colosales, también son temazos inalcanzables hasta por la propia banda. El nu-metal nunca ha estado bien visto por la crítica musical snob, pero quien niegue la calidad de estas canciones vive en un mundo aparte.

Chester Bennington, vocalista original de Linkin Park, fue el alma de la banda: sus letras sobre alienación, drogas, conflictos internos o injusticias marcaron a toda una generación de adolescentes incomprendidos, que, en algunos casos, habían sufrido los mismos abusos sobre los que Bennington cantaba en sus letras. Su voz fue un vehículo poderoso con que expresar una serie de emociones insoportables: ‘Numb’ es una de las canciones más importantes que se han escrito, en cualquier género. El suicidio de Bennington en 2017 ha sido difícil de asimilar, y ha dejado un vacío irremplazable.

Por eso, la entrada de Emily Armstrong a las filas de Linkin Park, como nueva vocalista, ha sido recibida con recelo en un primer momento. Armstrong, integrante de la banda Dead Sara, tiene el papel de dignificar el regreso de Linkin Park con un talento vocal que, como mínimo, debe equipararse al de Bennington sin caer en la copia o la imitación o, peor, en el homenaje barato.

Los números demuestran que Linkin Park ha hecho las cosas bien: ‘From Zero’, su nuevo disco, es número 1 en las “midweeks” y el sencillo principal del álbum, ‘The Emptiness Machine’, ha triunfado, alcanzando el número 1 en 8 países -incluido Alemania- e irrumpiendo dentro del top 5 de Reino Unido. A pesar de la controversia de Armstrong por su vinculación a la cienciología, el público ha recibido el regreso de Linkin Park, y su nueva formación, con los brazos abiertos.

A cambio, Linkin Park ofrece un más que correcto disco de regreso que sirve para presentar a la nueva formación y honrar su pasado. La propuesta musical de ‘From Zero’ es familiar y referencial: no se sale de los límites de lo esperado. Pero también es digna de su discografía anterior. Armstrong puede que nunca vaya a convertirse en el referente cultural que fue Bennington para tantos jóvenes, pero vocalmente le va a la zaga: el papel no le queda grande en absoluto.

El título de ‘From Zero’ no solo alude al nuevo inicio de Linkin Park junto a Armstrong, sino también a su inicio histórico a finales de los años 90, pues la banda llegó a llamarse “Xero” antes de elegir su nombre actual. Además, algunos cortes de ‘From Zero’ incorporan referencias nada veladas al catálogo de Linkin Park: por ejemplo, ‘Two Faced’, que empieza como ‘Faint’ y luego invoca la letra de ‘One Stop Closer’. La fórmula de guitarrazos, raps y gritos desgañitados es clásica, pero funciona porque las canciones se sostienen.

El homenaje de algunos cortes es tan evidente como el de ‘Cut the Bridge’, que usa el ritmo de ‘Bleed it Out’. Pero ‘Cut the Bridge’ no se queda en una mera reproducción del sonido de Linkin Park, sino que logra ser una canción buena de verdad. Esto sucede a lo largo de ‘From Zero’ más de lo esperado, tanto en los momentos más jevis (‘Casualty’) como en los más melódicos (el cierre con ‘Good Things Go’).

El resultado es que ‘The Emptiness Machine’ termina siendo uno de los momentos menos interesantes del álbum. Aunque comercialmente ha funcionado, está muy, muy lejos de ser una de las mejores canciones de Linkin Park. De hecho, como canción rock, no pasa de correcta. La supera, por mucho, el segundo adelanto, el épico ‘Heavy is the Crown’, que se “corona” con ese pedazo de scream de Armstrong gritando al micrófono durante 16 segundos.

Armstrong se queda ella sola otra de las mejores composiciones de ‘From Zero’, ‘Over Each Other’, una de tantas que hablan de relaciones tóxicas, mentiras, batallas, traiciones por la espalda, “bocas llenas de sangre”, cosas así. Las letras de ‘From Zero’ se aferran a los clichés del rock, hasta el punto de que por supuesto el fin del mundo es un tema tratado en ‘Overflow’ (“el cielo se cae, oigo la llamada del futuro”). ‘Two Faced’ habla de la tradición de manera predecible, salvando una segunda mitad más floja gracias a un estribillo por el que muchas estrellas del rock, o Demi Lovato, matarían.

Efectivamente, Linkin Park no logra mantener la solidez de las cuatro primeras pistas de ‘From Zero’ a lo largo del repertorio: ‘Stained’ o ‘IGYEIH’ (siglas de «I gave you everything I have»), ambas dirigidas a una persona que no ha sabido cuidar una relación, ambas colocadas en la segunda mitad del álbum, aportan composiciones endebles en un trabajo que sabe a poco: apenas 11 pistas -una de ellas la intro de 22 segundos- y media hora de música ofrecen Shinoda y compañía en su álbum de comeback, ni más ni menos.

La mención a Lovato no es casual: Armstrong llegó a aparecer en ‘HOLY FVCK’, el octavo álbum de Lovato, como parte de Dead Sara. ‘From Zero’ no cae en la oscuridad de aquel álbum porque Linkin Park deja esa oscuridad atrás, después de un largo periodo de duelo, para empezar “de cero”. ‘From Zero’ no cuenta con los hits generacionales de ‘Hybrid Theory’ ni los de ‘Meteora’, ni mucho menos es la sucesión de canciones espectaculares que presentaba aquel segundo disco, pero sí representa un buen reinicio, edificante, de la carrera de Linkin Park, siete años después.

Historia de la música pija: de los yeyés a los Cayetanos

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Pablo Zamora

La periodista Raquel Peláez acaba de publicar en Blackie Books un libro estupendo llamado ‘Quiero y no puedo: una historia de los pijos en España’. En él, repasa la historia de los pijos de nuestro país, desde los antecedentes de Froilán en otros siglos hasta la llamada «Cayeborroka» que emergió en pandemia. Es un libro lleno de referencias pop, en el que no faltan declaraciones de artistas como Carolina Durante, un análisis de lo que supuso el uso de la palabra «pijo» en un hit de Hombres G, así como otros referentes vistos en la historia del cine desde los años 60 o en televisión. Peláez acude a nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO para explicarnos todo esto y cómo desarrolló este libro.

«Quiero y no puedo» se divide en tres partes. El «puedo» es un recuerdo a personajes de otros siglos, el «pelo de rico», Fernando VII, Alfonso XIII, Eugenia de Montijo como primera española que se compró un «Luisvi», y las modernas de la II República. El «quiero» nos habla de los polloperas y las chicas Topolino de la era de Franco, y también de la izquierda divina desarrollada en Barcelona, que defendió que su capital era cultural.

Finalmente la tercera parte es el «quiero y no puedo» que nos lleva a nuestros días: la Movida, ‘Historias del Kronen’, Tamara Falcó, los hipsters, el «fachaleque» y los Cayetanos.

Hablamos de la evolución de la palabra «pijo», que la autora ha decidido ir amoldando a lo que se consideraba un «pijo» en cada época, y reflexionamos sobre cómo de ser algo peyorativo ha pasado a ser algo autorreivindicado: «Los Cayetanos tienen algo de contracultural», nos explica Peláez en este episodio grabado durante la jornada en que conocimos la victoria de Trump en Estados Unidos. ¿Por qué se vota a un plutócrata? ¿Cuánto hay de autoodio en algo así?

El podcast versa también sobre cómo se repite la historia, del auge del nazismo cuando se va a cumplir un siglo del mismo, y de cómo para algunos ser de derechas ha terminado siendo «ir contra el sistema». «Si ser rico es cool y los ricos son de derechas, ser de derechas es ser cool», es una cita del libro, sobre lo que parece haberse asentado en algunas cabezas holgazanas.

Porque «todos somos el pijo de otro», tratamos de dilucidar cuán pijos somos nosotros mismos, y de tomarnos todo esto con sentido del humor. En reflexión sobre cómo las tribus urbanas han sido sistemas dentro de otro sistema para catalogar qué es un pijo, Peláez concluye que «no hay peor tribu que los mods; no hay tribu urbana que sea más pija».

‘Fiebre’ de Bad Gyal, cuádruple platino, llega al fin al top 100 en España

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La lista española de singles tiene un nuevo número 1: se trata de ‘IA’ de Clarent y Mora. Clarent ha sido una de las revelaciones de la música latina durante los últimos meses, y esta canción de despecho hacia una ex -a la que dice recordar solo por detrás- ha sido su espaldarazo definitivo en nuestro país.

La noticia más curiosa que deja la tabla es la llegada al top 100 de ‘Fiebre’ de Bad Gyal. Esta semana hace 8 años que la canción se subió a Youtube, pero nunca había sido tan popular en una sola semana concreta como en esta. El tema ha pasado 505 días, es decir, un año y medio, en el top 200 de Spotify España, pero como nunca ha llegado más alto del top 77 en esa lista, por lo que nunca había conseguido reunir los suficientes streams para llegar al top 100 de Promusicae. Suponemos que muchas semanas se ha quedado a punto pero esta es la definitiva. Su entrada en el top 96 revela que la canción autoeditada -previa al fichaje con Interscope- es cuádruple platino y por tanto obviamente uno de los mayores hits en España de Bad Gyal.

La artista ha sido número 1 en España con ‘Alocao’ junto a Omar Montes y número 2 con ‘Zorra’ o recientemente con ‘Duro de Verdad’ junto a Los Sufridos.

La entrada más fuerte es la de la colaborativa ‘+57’ de Karol G junto a Feid, DFZM, Ovy on the Drums, J Balvin… por la que la cantante tuvo que pedir disculpas por alusión a una menor. La canción entra en el puesto 4 en nuestro país, un puesto por debajo de ‘Si antes te hubiera conocido’. El tema es actualmente número 14 en Spotify, por lo que ese puesto 4 podría ser su máximo.

La subida más fuerte es ‘Se pone las Nike’ de Cano, que pasa del número 45 al número 10 en su segunda semana.

La lista de novedades se completa con ‘Imagínate’ de Danny Ocean y Kapo, directa al puesto 31, ‘Quickie’ de Dei V en el 60 y ‘The Door’ de Teddy Swims en el 92.





Judeline sube y logra un nuevo máximo en Discos España

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Duki mantiene el número 1 en España con ‘Ameri’ por segunda semana consecutiva y Myke Towers asciende al puesto 2 con ‘La pantera negra’. Pero quizá la noticia más sorprendente es la resistencia de Judeline con ‘Bodhiria’. Mientras varias canciones de Duki y Myke Towers están siendo apoyadas por la playlist de Spotify Éxitos España, ninguna del álbum de Judeline lo ha conseguido.

La joven artista de Caños de Meca entró al puesto 4 hace un par de semanas por detrás de lo nuevo de Dani Fernández, Carolina Durante y Bustamante. En su segunda semana bajó al número 5, y en la tercera sube al puesto número 3, marcando un nuevo máximo. Es curioso que en la actualidad figure por delante de todos sus competidores de la primera semana. Traducimos: Judeline tiene menos fans fieles y devotos que Dani Fernández, Carolina Durante y Bustamante, pero está gustando más al público casual que el disco de todos ellos. Además, ‘zarcillos de plata’, que hace poco pasó por ‘La Revuelta’, reentra en el número 69 de Singles, un nuevo máximo. La cantante también triunfa con ‘Imperio’, su tema junto a Duki, que lleva dos semanas consecutivas en el top 20 de Singles España.

Volviendo a la lista de álbumes, Triana es la entrada más fuerte, directos al top 7 con ‘Eternos Triana’ en su edición 50º aniversario. Es, además, el vinilo más vendido del país.

Cariño logran llegar al puesto 22 con ‘Tanto por hacer’, una posición muy similar a la de su anterior entrega, homónima, que alcanzaba el número 18 hace un par de años. Su nuevo disco ha llegado al número 4 de la tabla de vinilos.

La lista de entradas de la semana se completa con el directo ‘Una noche en el Botánico’ de Rulo y la Contrabanda (número 18), ‘The Star Chapter: Sanctuary’ de Tomorrow x Together (número 56), ‘Trampa al tiempo’ de Ysy A (número 59) y ‘Bailando bajo la tormenta’ de Paula Mattheus (número 64).





Claudia Valentina da buen club pop en ‘Diamonds on My Teeth’

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Claudia Valentina es uno de esos secretos de la industria de la música que intentan dar el salto a la primera línea. Valentina es co-autora de un éxito del tamaño de ‘The Motto’ de Tiësto y Ava Max y, últimamente, ha participado en la composición de ‘Mantra‘ de JENNIE.

A lo largo de su carrera, Valentina -que es británica de Guernsey, Normandía- ha compartido estudio con nombres de la talla de Ian Kirkpatrick (Dua Lipa) o Cirkut (Kesha). Valentina empezó su carrera bailando a los 8 años y a los 10 ya estaba actuando en el teatro con ‘Billy Eliot’.

En solitario, Valentina -que ha llegado a aparecer en una edición del JNSP Song Contest– ha desarrollado una carrera de puro pop comercial, aunque nunca ha dado el salto definitivo. Entre sus primeros éxitos, publicados de la mano de EMI/Republic Records, se encuentran el R&B-pop de ‘Sweat’ o el synth-pop de ‘Extra Agenda’. ‘4:15’, uno de sus mejores singles, lo llegó a grabar Selena Gomez.

Hace un año, Valentina anunció que su contrato multinacional -que describió como una pesadilla- había terminado. De hecho, se llegó a anunciar el lanzamiento de un EP, pero este nunca salió. Ahora, Valentina publica música por su cuenta, como el reciente single ‘D&G’. Eso sí, con ayuda de la agencia Electric Feel, que lleva a artistas como Post Malone.

Aprovechando su conexión directa con el pop alemán, pues Valentina reside en Berlín y su mayor éxito, ‘HIGH’, es una colaboración con el rapero de Mutlangen CRO, el nuevo single de Valentina publicado estos días cuenta con producción germana, firmada por el berlinés JUMPO. Es la Canción Del Día.

En ‘Diamonds On My Teeth’, Valentina pone un pie en la pista de baile y entrega un tema de club pop muy apañado. La gracia de ‘Diamonds On My Teeth’ está en su base, pero también en su estribillo entrecortado y en que el tono nasal de Valentina -tan comercial- se sigue haciendo notar. Un bop, en definitiva, que debería sumar a Valentina nuevas alegrías.






M.I.A. se atribuye parte del éxito de Adele: «Siguió mi pauta»

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M.I.A. ha dicho que Adele siguió su «pauta» para triunfar en la industria de la música, allá por 2008, y «no la de Beyoncé», en un curioso mensaje publicado en X. Además, Maya ha señalado que, si Adele negara esta afirmación, sería «una racista y una mentirosa».

El mensaje de M.I.A. contesta a un vídeo conspiranoico sobre Beyoncé que señala a Knowles por presuntamente «cargarse» a varias rivales de la industria que no agradecieron sus triunfos a la intérprete de ‘Halo’, como Amy Winehouse o Aaliyah. Adele, que aparece en el mismo vídeo dando las gracias a Beyoncé mientras recoge su Grammy a Álbum del año, supuestamente se salva. Un vídeo absurdo que no merece más atención.

Sin embargo, M.I.A. ha aprovechado el viral del vídeo para afirmar que Adele no tiene nada que agradecer a Beyoncé, pero sí a ella.

La autora de ‘Kala‘ (2007) sube una captura de la bio de Adele en Wikipedia que explica cómo llega Adele a ser fichada por XL Recordings y a trabajar con su actual mánager, Jonathan Dickins, y aclara lo que, según ella, realmente ocurrió. «Adele firmó con mi agente en XL Recordings. Yo presenté a Jonathan (Dickins) al sello, y él se convirtió en el mánager de Adele gracias a M.I.A. Adele firmó con XL Recordings porque ellos me ficharon a mí primero».

M.I.A. continúa: «Entonces, Adele vino a trabajar a Estados Unidos porque XL Recordings se estaba haciendo un nombre gracias a mí. A todos los sellos en Estados Unidos les encantaba XL porque en 2008 M.I.A. era lo más y se hizo mainstream. Si Adele niega esto, entonces es una racista y una mentirosa. (Adele) debería dar las gracias a Dios, porque es gracias a Dios que yo tuve la capacidad de romper barreras en 2004. Porque (los sellos) eran racistas y manipuladores antes y lo siguen siendo ahora. Sí, Adele puede que quisiera ser Beyoncé, pero siguió mi pauta para triunfar en la industria, no la de Beyoncé. Esto es un hecho».

A continuación, M.I.A. comparte una última observación: «En la época, la mayoría de chicas o se acostaban con Diplo o encontraban a mi equipo». Y concluye: «Beyoncé no dejaba entrar a nadie».

Madonna considera convertir su biopic en una serie

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Madonna tiene una propuesta que hacerte sobre el biopic que lleva preparando años, ‘Who’s That Girl’: «¿Debería hacer una película o una serie?»

El biopic de Madonna, dirigido por Madonna, se canceló en 2023, pero Ciccone ha retomado su guion este año, al acabar la gira mundial ‘The Celebration Tour‘.

Ahora, Madonna ha compartido una breve actualización del proyecto, en concreto, que sigue encontrando trabas en el momento de desarrollarlo, por parte de ejecutivos de la industria: «Después de pasar unos días en Los Ángeles, escuchando a productores y agentes que me explicaban por qué no podía hacer mi película, me di cuenta de que me voy a seguir enfrentando a obstáculos en esta vida. Ningún camino es fácil para mí. Supongo que debería estar agradecida, porque esto me permite pensar de manera diferente. No tuve una vida normal, así que no puedo hacer esto de manera normal».

La artista continúa: «Pasar tiempo con mis amigos creativos era la gasolina que necesitaba para seguir. Todos estamos de acuerdo en que tenemos que ser más valientes todavía, porque el arte es sinónimo de supervivencia. No nos podemos achantar. Si quieres algo en esta vida, el universo conspirará para ayudarte a conseguirlo».

A continuación, Madonna comparte su propuesta: ¿debería ser el film de Madonna un largometraje, o una serie? ¿Cabe la vida de Madonna en una película de 2 o 3 horas, o solo es posible explicarla en capítulos? En cualquier caso, parece que Madonna no va a abandonar el proyecto a la primera de cambio.

¿Debería ser el biopic de Madonna una película o una serie?

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Sabrina Carpenter invita a Chappell Roan a su especial navideño

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Sabrina Carpenter celebrará la Navidad con un especial que se podrá ver en Netflix a partir del 6 de diciembre, llamado ‘A Nonsense Christmas’.

Se había anunciado que el programa contaría con artistas invitados, y estos ya se han revelado: entre ellos se encuentra Chappell Roan, con la que Carpenter encabezará el Primavera Sound el año que viene. Carpenter y Roan cantarán juntas por primera vez después de haber protagonizado dos de las mayores escaladas comerciales del año.

Además, se sumarán a la fiesta Kali Uchis, la artista revelación Tyla y Shania Twain, y diferentes actores como, por ejemplo, Sean Astin haciendo de Santa Claus.

Por supuesto, ‘A Nonsense Christmas’ es también el título de la versión navideña de Carpenter de su éxito de 2022, ‘Nonsense’.

Carpenter sigue paseando la gira de ‘Short n’ Sweet’ por Estados Unidos. En su paso por Los Ángeles, Carpenter ha contado con una invitada especial, su amiga Christina Aguilera, con la que ha cantado ‘Ain’t No Other Men’ y ‘What a Girl Wants’.

¿Merece ‘APT’ de Rosé y Bruno Mars un éxito tan descomunal?

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Os ofrecemos una opinión a favor y otra en contra de ‘APT.’, el single de Rosé y Bruno Mars, que ha sido número 1 en el global en Spotify:

«‘APT.’ parte de un concepto muy original inspirado en un juego de beber coreano, el «apt», un juego que, además, es musical e involucra marcar un ritmo y cantar una melodía. La palabra viene del inglés «Apartment», de modo que la unión de Rosé y Bruno Mars tiene, sobre el papel, todo el sentido del mundo. Sin embargo, ‘APT.’ no me parece tan fresca como las influencias de las que -ejem- bebe, ya no solo de la época rosa de Avril Lavigne, sino del ‘SUCKER’ de Charli xcx y, por tanto, del ‘Mickey’ de Toni Basil.

Especialmente ‘SUCKER’, el disco más infravalorado de Charli xcx, con toda su garra y actitud, hace que ‘Apt.’ parezca un juego de niños. Los ganchos están ahí, introducidos quirúrgicamente, pero ni Rosé ni Bruno suenan creíbles en este contexto de punk-pop procesadito y chicle, y la canción, con las sucesivas escuchas, solo se vuelve peor y no mejor». Jordi Bardají

«Dicen que Youtube ya no es lo que era, que la gente se ha pasado a TikTok… no en el caso de los artistas surcoreanos. 400 millones de visualizaciones suma en tan solo un mes este ‘APT’ de Rosé y Bruno Mars, que certifica la buena racha de este. Además de haber publicado una de las mejores canciones de 2024 junto a Lady Gaga, el artista co-produce y co-escribe este divertimento que podrían haber entonado Shampoo.

La canción es una sucesión de ganchos que van más allá de la repetición desquiciada del concepto «APT». Ahí está el puente «I’m on my way» y sobre todo ese momento irresistible en el que ambos -por separado- quiebran la voz en el pre-estribillo («just meet me at the…»). El vídeo es directamente una sucesión de memes. Bruno como Cupido. Rosé tocando la batería… Una chuchería que Mars define muy bien en la frase «I’m talking drink, dance, smoke, freak, party all night». Sebas E. Alonso.

¿Qué te ha parecido APT de Rosé y Bruno Mars?

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Gwen Stefani / Bouquet

Gwen Stefani se casó con la estrella del country Blake Shelton en 2021, tras 6 años de relación. La boda tuvo lugar en la capilla del rancho que Shelton tiene en Oklahoma. La pareja tiene un casoplón en Encino, California, pero ha pasado largas temporadas en el rancho, por ejemplo la pandemia, lo que claramente ha influido la carrera artística de la líder de No Doubt.

El último disco de Gwen salió hace 7 años, fue navideño, y el nuevo suena más a la carrera de su marido que a sí misma. ‘Bouquet’ no se saca de encima el mismo carácter familiar de ‘You Make It Feel Like Christmas‘. De alguna manera, parece pensado para ese público estadounidense que últimamente está consumiendo masivamente discos de Morgan Wallen. Blake Shelton es el gran featuring de su nuevo álbum, y no solo cuando su voz de machote se pasa por la última pista.

Los tiempos en que Stefani era la más moderna del lugar, los días en que hizo algo que podríamos llamar proto-hyperpop (‘Bubble Pop Electric’ jamás sonará desfasada), quedaron atrás. Gwen es una mujer plenamente dedicada a su marido, en estas letras una devota. En ‘Bouquet’ se jacta de haber adoptado su apellido. En ‘Pretty’ asegura que no se siente «guapa» ni «afortunada» hasta que él no le hace caso. En ‘Empty Vase’ se siente como un ídem hasta que le regalan flores. En ‘Marigolds’ busca su aprobación vestida de chica country. En ‘Late to Bloom’ quiere olvidar la parte de su vida en que aún no le conocía. En ‘Reminders’ quiere quedarse a su sombra. En ‘All Your Fault’ se reconoce un desastre porque la vuelve «loca».

El productor Scott Hendricks no ha llevado todo esto estrictamente hacia el country. Hendricks, que ha trabajado con gente como Faith Hill, pero sobre todo con Blake Shelton, ha intentado seguir la idea de Gwen de recordar al rock que sonaba en las emisoras de radio en los años 70, aunque el resultado, más que yacht-rock, es un tanto AOR, sobre todo en sus singles principales. Una amalgama que solo puede sonarte bien si eres americano -perdón, quiero decir estadounidense, ya quisiera este disco sonar a Colombia, a Cuba o a Brasil-, sobre todo si vives en un estado donde ha arrasado Trump… como Oklahoma, donde por cierto Donald obtuvo hasta el 66% de los votos.

‘Somebody Else’s’ es una de las pocas composiciones con un poco de sal, sobre todo cuando Gwen se pregunta al fin qué hace con un tipo como ese (aunque parece que se refiere a su ex). También hay que reconocer que el dúo con Blake Shelton ‘Purple Irises’ tiene cierta gracia en sus rimas por años. Ella dice que «ya no es 1999, pero esta es aún mi cara». Y él dice que «ya no es 2014, pero aún te quedan bien los vaqueros». Ay, Gwen, si aún eres una «super hot female«… ¿por qué nos has abandonado?

Liam Gallagher prefiere a «dos zorros follando» que a The Cure

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Liam Gallagher está teniendo unos días productivos en X. El vocalista de Oasis ha dejado clara su postura respecto a la música de The Cure, a quien asegura que no escucha porque no está «deprimido». Además, se ha desmentido a sí mismo asegurando que «no hay ningún disco de Oasis en proceso».

Todo ha empezado cuando un usuario le ha dicho a cantante que escuchase a The Cure. Gallagher simplemente ha respondido: «No estoy deprimido». En ese momento, otro usuario no se podía creer que Liam estuviese mandando hate a la mítica banda británica, pero Liam lo ha confirmado de la manera que solo él sabe hacer: «No los odio, simplemente prefiero escuchar a dos zorros follando en los arbustos a las 5:30 de la mañana».

Este año, The Cure han estado en boca de todos tras el lanzamiento de su anticipadísimo ‘Songs Of A Lost World’, que ha acabado siendo también uno de los discos más aclamados de 2024.

En cuanto al posible nuevo trabajo de Oasis, el cual Liam aseguró en septiembre que ya estaba «terminado», este ha asegurado ahora que se trataba de «una broma»: «Todo el mundo está un poco tenso estos días, perdón si he molestado a alguien», ha publicado en X.

Jamiroquai comenzará su gira de 2025 en Barcelona

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Jamiroquai van a emprender una nueva gira europea, la primera en seis años, que dará comienzo en el Palau Sant Jordi de Barcelona el próximo 6 de noviembre de 2025. Esta será la única fecha de ‘The Heels of Steel Tour’ en España. Los de ‘Cosmic Girl’ visitaron nuestro país el año pasado gracias al festival Río Babel.

«La misión de un hombre, durante 30 años y contando, de ponerle ritmo a tu vida», ha escrito el vocalista Jason Kay en un nuevo comunicado para anunciar la gira. Esta también llevará a la mítica banda de funk a Francia, Suiza, Italia, Austria, Alemania, Países Bajos, Bruselas y Reino Unido. Todavía no se ha anunciado si el tour se extenderá por más partes del mundo.

La venta general empezará este viernes 22 de noviembre a las 10h en Ticketmaster, Live Nation y la página web del Palau Sant Jordi. La preventa, por otro lado, será el miércoles 20 a la misma hora.

OneRepublic anuncia fecha única en España

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OneRepublic ha anunciado que su gira ‘Escape to Europe’ 2025 pasará por España. La cita es dentro de un año, el 14 de noviembre de 2025, en el Palacio Vistalegre de Madrid.

Las entradas se ponen a la venta este próximo 22 de noviembre a partir de las 10 horas en LiveNation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés, a partir de 60 euros + gastos. Habrá una primera preventa el 20 de noviembre a través de Live Nation-S.SMusic a partir de las 10 horas, y una segunda preventa el 21 de noviembre a través de Live Nation a partir de las 10 horas.

La gira ‘Escape to Europe’ empezará en el 3Arena de Dublín el 18 de septiembre de 2025 y parará por 27 ciudades europeas, incluyendo Londres, París y Berlín, antes de acabar en Lisboa en noviembre de 2025. Ella Henderson ejercerá de telonera.

OneRepublic estará presentando, en esta gira, su nuevo disco, ‘Artificial Paradise’, publicado en verano. El disco incluye el macrohit ‘I Ain’t Worried’, que suma cerca de dos mil millones de reproducciones solo en Spotify, y el éxito ‘Runaway’.

Soleado publica uno de los debuts de la temporada

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Soleado es el dúo formado por Juanma Latorre y Ester Rodríguez que se suma a la recuperación de la tradición castellana. Su debut homónimo se ha lanzado este viernes a través de Esmerarte, sello que ha lanzado trabajos de Xoel López o Marilia Monzón.

Ningún integrante de Soleado es nuevo en la industria: Latorre es conocido por tocar la guitarra y el teclado en Vetusta Morla, y Rodríguez ha formado parte de Pájaro Sunrise y desarrollado una carrera en solitario que le ha llevado a publicar el álbum ‘Café de chinitas’ (2022), a componer la banda sonora de ‘Los miércoles no existen’ (2015) o a colaborar con artistas como Tulsa. Con Latorre ya colaboró firmando la banda sonora de la película ‘Teresa‘ (2023) de Paula Ortiz.

Juntos, Latorre y Rodríguez, bajo el nombre de Soleado, revisan el folclore español tirando de coplas, tangos, boleros y melodías populares. Su visión es probablemente la más pop de todas incluso cuando se inspiran en la jota, como en ‘Los amores perros’, o en la canción de verbena, como en ‘Tu sombra en mi reja’. La producción puede ser tan grandilocuente como en la gran ‘Vestida de domingo’, pero nunca se decanta ni por el pop, ni por el folk, ni por la electrónica, sino que busca un equilibrio entre todos los estilos, ofreciendo siempre un tipo de composición grande y luminosa, como su nombre.

El álbum debut de Soleado se ha presentado con los sencillos mencionados y, en el día de lanzamiento del disco, el tema potenciado ha sido ‘Añoranza’, la Canción Del Día de hoy.

‘Añoranza’ es el tipo de canción que define el estilo de Soleado, con su mezcla de guitarras, percusiones y sintetizadores. El tema «tiene instrumentos tradicionales como el pandero cuadrado o el guitarro, pero también mucha electrónica y sonidos muy procesados», describe Latorre. Rodríguez añade que ‘Añoranza’ “tiene lo que podríamos denominar el leitmotiv del álbum, tanto en las canciones como en el diseño: el abanico. Iván Mellén grabó golpes, aperturas y arrastres de distintos abanicos que parecen casi sonidos electrónicos». ‘Añoranza’ es, más allá de su rica instrumentación, una emocionante canción sobre la nostalgia que anhela el regreso de la «primavera».

Soleado presentará en directo las canciones del disco el próximo 12 de diciembre en la sala Galileo Galileo de Madrid.



Beyoncé anuncia el primer show de ‘Cowboy Carter’

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Beyoncé trabajará en Navidad: la artista ha anunciado que actuará en el intermedio del partido de Navidad del National Football League (NFL), que se celebrará el 25 de diciembre en el NRG Stadium de Houston, Texas. Como todo el mundo sabe, Beyoncé es de Houston, Texas.

El partido se disputará entre los Houston Texans y los Baltimore Ravens, y se retransmitirá el día de Navidad a través de Netflix. La nota de prensa promete que Knowles contará, en el directo, con «artistas invitados que aparecen en su disco ‘Cowboy Carter‘».

El show de Beyoncé en el NFL es el primero relacionado con ‘Cowboy Carter’, disco que, desde su estreno a finales de marzo, no ha conocido ni presentaciones en directo ni videoclips… salvo el vídeo promocional de ‘Bodyguard‘ lanzado por las elecciones. El disco acaba de recibir 11 nominaciones en los Grammy, entre ellas a Álbum del año.