Oasis se reúnen en los escenarios este año en una gira que arranca el 4 de julio en Cardiff y que será internacional, pues, además de Reino Unido, pasará por Irlanda, Estados Unidos, Asia, América del Sur y Australia. Los hermanos Liam y Noel Gallagher no están concediendo entrevistas -supuestamente por miedo a separarse- pero sí se encuentran preparando una película de la gira.
No habrá, sin embargo, nueva música. Ni nuevo single, ni mucho menos nuevo disco. Al menos, según el mánager de Oasis, Alen McKinlay. En una entrevista con Music Week recogida por The Guardian, Alan asegura que «no hay planes de nueva música». McKinlay, que trabaja con Oasis desde 1993, además, asevera que esta gira de Oasis será «la última».
Sin embargo, Liam Gallagher ha cuestionado las palabras de su mánager en X. En palabras reproducidas por NME, el británico ha apuntado que solo él y su hermano Liam conocen el futuro de Oasis, y que Alan es solo su «contable», dando a entender que no tiene derecho a hablar en nombre del grupo.
Por otro lado, Andy Bell ha confirmado que formará parte de la banda de directo de Oasis en su gira. El bajista tocó con Oasis entre 1999 y 2009 y después había sido músico de Liam Gallagher en su proyecto en solitario, Beady Eye.
El pasado 26 de abril trascendió que Oasis se habían subido a un escenario por primera vez en 16 años. Sucedió durante el rodaje de un anuncio de la gira acontecido en una sala de conciertos de Newington Green, al norte de Londres. El reporte era de The Sun, pero The Guardian lo daba por válido, y aseguraba que los hermanos habían llegado por separado al local, y que habían permanecido dentro durante una hora.
Melody anunció, durante una rueda de prensa posterior a su victoria en Benidorm Fest, que implementaría cambios en la producción de ‘Esa diva’ para adaptarla al contexto de Eurovisión. Un mes después, Rayden, que había sido asesor de la cuarta edición del certamen, comentó la victoria de Melody en una entrevista con El País. El músico y escritor aseguró que le había parecido «raro que ganase alguien que prometía que iba a cambiarlo todo». Rayden probablemente conocía de antemano las intenciones de Melody antes que el público, debido a su papel de jurado en Benidorm Fest. Melody, sin embargo, ganó el concurso antes de revelar públicamente su intención de modificar la producción de ‘Esa diva’. Tras abandonar el jurado de Benidorm Fest debido a la toxicidad eurofan, Rayden reconocía, en la misma entrevista, haber apostado personalmente por las candidaturas de Kuve, Mel Ömana, J Kbello o Daniela Blasco.
Sita en Basilea, un día después de actuar en la primera semifinal de Eurovisión, Melody ha contestado a Rayden y ha señalado que sus declaraciones contradicen la normativa de Benidorm Fest, que permite modificar el arreglo de la canción ganadora si el artista lo desea. Melody puntualiza que ella «no ha cambiado la canción», sino que ha «pulido el sonido», y razona que «Rayden no está muy bien informado» porque «en las bases de Benidorm está permitido». La de Dos Hermanas argumenta que habría sido «injusto» presentar ‘El Apagón’ en lugar de ‘Esa Diva’, pero que eso no es lo que ha hecho. «Entonces no entiendo cómo él, como jurado, dice eso cuando va en contra de lo que está diciendo los contratos de Benidorm», opina la sevillana.
A Rayden le ha llegado el vídeo de la declaración de Melody y el artista ha contestado en sus stories etiquetando a la diva y deseándole «muchísima suerte». Rayden acusa a los medios de tergiversar sus palabras y matiza sus declaraciones previas: «En la entrevista dije una cosa que no se entendió y otros medios hicieron una copia torticera. Lo digo a viva voz: lo que dije es que me sorprendía que el público, que siempre había buscado el pack cerrado, que parece que lo llevan por bandera, esta vez se decantase por lo que prometía cambios. No me parece mal que Melody ganase Benidorm Fest, de hecho yo como jurado voté por ella para que participara en el certamen, y si voté es porque imaginaba que podía llegar a representar».
El fondo proisraelí Kohlberg Kravis Roberts (KKR) está detrás de muchos de los principales festivales de música de nuestro país, según indica un nuevo reportaje de El Salto. Entre estos, Arenal Sound, Sónar, Viña Rock o FIB.
Todo empezó en 2024, año en el que KKR adquirió Superstruct Entertainment, un grupo que se encuentra detrás de 80 festivales alrededor del mundo. En nuestro país, Sónar, Viña Rock, Resurrection Festo, Monegros Desert Festival, Arenal Sound y el FIB funcionan bajo su ala. Por lo tanto, desde el año pasado funcionan bajo el ala de KKR.
Además de su actividad en conglomerados mediáticos, KKR también hace negocio mediante la promoción inmobiliaria en territorios ocupados por Israel en Palestina. Esto se haría a través del grupo alemán Axel Springer, del cual KKR es principal inversor y que es dueño de medios tales como Bild, Die Welt o Business Insider.
Por otro lado, Henry Kravis y George Roberts son los que están detrás de KKR. El primero de estos, según indican en El Salto, aportó un millón de dólares a la primera toma de posesión de Donald Trump en 2016, además de ser conocido como un importante donante en diferentes iniciativas culturales promovidas por Israel.
Sónar ha publicado un comunicado oficial en respuesta a las críticas por su presunta asociación al fondo israelí. El mensaje, publicado en catalán, castellano e inglés, reza: «Sónar somos una plataforma que promueve la diversidad, la inclusión y respeta la libertad de expresión de sus artistas, participantes y colaboradores. El equipo de Sónar siempre hemos trabajado con la premisa de favorecer el respeto por los derechos humanos universales. El festival condena firmemente todo tipo de violencia. Desde su fundación hace más de 30 años, acogemos expresiones culturales locales y globales que tienen en Sónar su espacio natural para proyectar la voz de sus comunidades».
En pocos momentos históricos se han publicado tantas canciones sobre Madrid como en este. Solo esta semana se han lanzado al menos dos adaptaciones del chotis: ‘Madrileña’ de La La Love You y ‘Madrid, Madrid, Madrid’ de MARLENA. Estas han llegado con motivo de San Isidro, que en la ciudad celebramos hoy.
Hemos disfrutado ‘Madrid City‘ de Ana Mena, y por supuesto recordamos clásicos de Sabina, Loquillo o ‘Todos los paletos fuera de Madrid’ de Séptimo Sello. Pero la verdadera noticia trasciende los fastos locales, la nostalgia o el hedonismo para plantear una pregunta: ¿qué está pasando en esta ciudad?
En general, las últimas letras que nos hablan de Madrid nos hablan de gentrificación, de desencanto social, de precariedad, de la imposibilidad de acceder a una vivienda digna ante la inacción de ayuntamiento y comunidad, y finalmente de abandonar la ciudad de facto en busca de un destino mejor. En este artículo, repasamos algunos de los casos.
Yo solo quería escribir una canción de amor, Zahara
«Que se muera Madrid, que arda en el infierno» es una de las canciones más coreadas de los conciertos de Zahara, como sabéis todos los que hayáis pasado recientemente por alguno de sus conciertos. La cantante ha cambiado la ciudad por el campo, en parte porque no podía seguir costeándose su piso en la capital, y así lo ha expresado en esta entrega a la naturaleza.
Contaba en una entrevista reciente: «Cuando vivía en Granada o en Barcelona, parecía que todo pasaba en Madrid, que en Madrid iba a encontrar todo: el amor, mi trabajo, mi banda, mi profesión… Y es verdad que he encontrado todo eso, pero la ciudad me ha echado. Mi propia ciudad, donde he tenido a mi hijo, donde he montado mi empresa y donde he sido feliz, me está mandando a la mierda. No puedo pagar la casa en la que vivía. No poder pasear por tu ciudad me parece asfixiante, la contaminación es asquerosa, salir y no fijarte en nada, la prisa, no querer mirar nada porque todo es horrible…»
Esta ciudad, Javiera Mena
Exactamente en los mismos términos se expresaba Javiera Mena hablando de un tema de su último disco, ‘Inmersión’. Dice la letra: «Esta ciudad me mira llorar / Me ofrece un abrazo pero no es de amiga». Y al final: «En esta ciudad te sientes bien / Cuando tienes en el bolso un billete de 100».
Javiera confirmaba que la ciudad de la que se ha ido es Madrid, aunque no se menciona en el tema: «Madrid de repente se transformó en Nueva York, en algo muy caro, y todos desesperados buscando los espacios. Yo creo que habla de eso, de buscar un espacio, buscar profundidad dentro de una gran ciudad como Madrid. Habla de sentirte desolado dentro».
‘¡Ay, Madrid!’, Vetusta Morla
El último disco de Vetusta Morla, ‘Figurantes‘, también tenía una canción sobre Madrid, en concreto, entre exclamaciones. El texto hace un juego de palabras con un eslogan del Metro («Me dejé las alas en el metro y no sé seguir»). Y es pesimista sobre el futuro: «Ni con un beso / Habrá un final feliz», hablando incluso de un «entierro». ¿A quién podrá referirse «la bestia de ojos muertos» que «pasará»?
Decían en entrevista: «Madrid, como la canción relata, es una ciudad excitante, pero también es un lugar que puede convertirse en algo muy hostil. A veces tienes la sensación de que te echa de sus fronteras, que te empuja fuera de sus límites. La canción no deja de ser una llamada a permanecer en ese lugar, a hacerlo habitable y humano, y a no escapar (…) Hay determinadas personas e intereses y hasta diría que empresas que, de manera premeditada y con la intención de sacar un beneficio económico, convierten Madrid en un lugar hostil. Eso es así».
‘Madrid’, Caliza
La situación que ha llevado a Madrid a ser un lugar hostil para sus propios habitantes no es nueva. Ya en 2015 Caliza incluía un tema llamado como la ciudad en su disco ‘Medianoche / Mediodía’. Este no necesita ninguna aclaración:
«Me pregunto por qué
te resistes a mí
Por qué no me pertenece
el lugar en que nací.
Madrid,
no me voy a marchar
Pero déjame ir
Líbrame de todo el peso
Que has cargado sobre mí».
‘Madrid nos pertenece’, Biznaga
Biznaga han hecho recientemente el álbum definitivo sobre la imposibilidad de costear una vivienda. Se llama ‘¡Ahora!‘ y apareció en todas las listas de mejores discos de 2024. Pero antes de canciones como ‘El Entusiasmo’ o ‘Espejos de caos’, esta última sobre esa pareja que no se soporta pero tiene que convivir para poder pagar el alquiler, tenían una canción incluso más explícita sobre Madrid. ‘Madrid nos pertenece’, además de contener un dardo a Carolina Durante para empujarles a la acción social, se sabía «harta», muy harta:
«Hartos de la mierda que ven
Así les luce el pelo a los chavales
De Hortaleza a Carabanchel
Algunos saben cómo organizarse».
‘Tempo 2’, Carolina Durante
Tras haber actuado frente a 60.000 personas en las Fiestas del 2 de Mayo, Carolina Durante no pueden faltar en este especial. Son los autores de ‘Cayetano’ y pocas canciones hablan más de Madrid que ‘Cayetano’. Su tercer disco -y otros momentos de su carrera- está plagado de referencias a la ciudad, como el bar ‘Tempo 2’ o ‘Normal’, donde suben la misma calle, «San Bernardo».
El tono festivo de todo esto es una fachada tras la que se esconde una clara angustia, a menudo camuflada de intoxicación etílica, como en esta canción o en títulos tan ilustrativos como ‘Joderse la vida’. Por si alguien no se dio cuenta, repito: la palabra «suicidio» aparece en ‘Elige tu propia aventura‘ tantas veces como en ‘Nevermind‘.
‘Bravo Murillo’, La Paloma
La Paloma, que acaban de anunciar su fichaje por Universal, publicarán nueva música a lo largo de este año. El single con el que los conocimos no puede faltar en el listado por lo que tiene de gráfico: «en una terraza de Bravo Murillo, espero la muerte». En este caso estamos ante una canción de amor, pero no es que la ciudad ofrezca ningún consuelo. «He perdido la paciencia / He perdido el interés / Se ha esfumado la esperanza / De que vuelvas», dice el estribillo, tan desencantado y asqueado de la vida como otro de sus hits, ‘La edad que tengo’.
‘Estrecho/Alvarado’, C. Tangana
‘Estrecho/Alvarado’ es una canción bastante vieja de C. Tangana que en 2023 se incluyó en una reedición de su mixtape ‘Avida Dollars’. Co-producida por pablopablo, recuerda sus inicios, y en concreto el barrio en el que vivió antes de hacerse famoso. Allí nos consta que viven muchos otros músicos, pasando dificultades, a pesar de no ser precisamente uno de los lugares más lujosos de la capital:
«Podría volver al punto cero
y escuchar a mi casero
pelear por su dinero
en la escalera.
Dentro de mi piso,
30 metros cuadra’os,
entre Estrecho y Alvara’o
escribiría otro poеma».
‘El techno cura’ (de Madrid), Delaporte
Delaporte suelen aparecer en este tipo de especiales con una versión de ‘Madrid’ tipo chotis, pero hay una historia más pertinente.
Hace un par de temporadas, Sandra Delaporte decidía abandonar la ciudad para cambiarla por la montaña. En su caso, para ella la ciudad representaba todas las presiones de la industria musical o de las redes sociales: «Necesitaba parar. Ahora estoy intentando hacer las paces con Madrid, porque me recuerda a algo traumático, a mi crisis de ansiedad. Coincidió con una crisis muy dura en la post-pandemia. Teníamos que hacer todos los festivales del mundo por los que habías firmado en 2019, por movidas de booking. Y llegó el punto de decir «no quiero dedicarme de la música, paso». Le dije a mi mánager: «Me voy de Madrid». A Sergio le dije: «No sé si me quiero dedicar a esto porque no estoy bien de la cabeza. Yo no quiero ser famosa, yo no quiero nada más que estar bien conmigo misma. Lo demás me la bufa. En ese momento decidí quitarme la culpabilidad del «tengo que», del wannabe. Yo tenía una pedrada fuerte, de compararme [con los demás] en redes sociales. Dije «me voy, no quiero redes sociales»». Después, encontró la paz en un pequeño pueblo y sin consumir alcohol ni drogas.
‘La calle Elfo’, Alcalá Norte
Terminamos, como no podía ser de otra manera, con Alcalá Norte, el grupo que recibe su nombre de un grisáceo centro comercial situado en un barrio obrero. La calle Elfo, cercana a este sitio, no tiene nada de especial; todo lo contrario que esta agridulce melodía, que puede resultar alegre, pero esconde también cierta frustración en su refugio en el alcohol, así como cierta intención social. O como poco, cierta ambigüedad:
«¿Cuánto cuesta un segundo de todo el mundo?
Quiero tres minutos y medio
Y estar ebrio para siempre
como premio por ser justo todo el tiempo
¿Qué dios ofrece eso?
Es la casa del pobre la más cara de limpiar
Es Stalin tu padre y el de todos los demás
Es el amor de madre una cuestión social
Son esos ojos negros los que aprendieron a odiar».
Bonus: ‘A Madrid’, Gata Cattana
Tres meses antes de morir, Gata Cattana escribió un poema llamado ‘A Madrid’ en el que hablaba sobre cómo se sentía una persona de fuera (un pueblo de Córdoba) en la ciudad. En él se enfrenta a la ciudad con el amor/odio que rezuman todas las canciones de este artículo, además de tocar tangencialmente temas como la contaminación. En un momento, impresionante en el recitado, se encara:
«Eres tan cínica,
eres tan jodidamente cínica,
hija de puta, que pareces el mismo Dios
te crees el mismo Dios, ¿verdad?
Pues he venido a darte de tu propia medicina.
Te crees que tú administras
y repartes, y partes la pana
pero se nota que no tenías ni idea
de quién era yo antes de traerme,
y eres tú la que se parece a mí,
la que ya quisieras parecerte
un poco a mí,
ya quisieras».
Aitana acaba de sorprender a sus seguidores, concretando el lanzamiento de su nuevo disco, que saldrá este mismo mes, el 30 de mayo. El proyecto se llama ‘Cuarto Azul’ y se anuncia como «su trabajo más internacional». También, sin miedo al cliché, dicen que es su «trabajo más personal», pues supondrá una «ventana a la intimidad de la artista, donde la oscuridad y la luminosidad juegan a entrelazarse, creando diferentes Aitanas que forjan su identidad como artista y como mujer».
El anuncio se produce poco después de haber dado a conocer el sencillo ‘6 de febrero’, que ha entrado directo al top 2 de Spotify España. También incluirá ‘Segundo intento’ y ‘Sentimiento natural’ con Myke Towers. Habrá hasta 19 pistas.
Universal asegura que «a nivel sonoro, Aitana ha buscado fusionar los sonidos de las últimas décadas que le han inspirado en el proceso, pero siempre dentro de un común denominador: el pop». El tracklist revela nuevas colaboraciones con Jay Wheeler, Ela Taubert, Danny Ocean, Kenia Os, y para cerrar el álbum, Alaska.
1. 6 DE FEBRERO
2. DUELE UN MONTÓN DESPEDIRME DE TI feat. @jaywheelerpr
3. SEGUNDO INTENTO
4. ¿PARA QUÉ VOLVER? feat. @elataubert
5. CUARTO AZUL
6. DESDE QUE YA NO HABLAMOS
7. DE 1 BESO A 2 BESOS
8. TRANKIS feat. @elbarryb
9. MÚSICA EN EL CIELO
10. CUANDO HABLES CON ÉL
11. LUZ DE LA MAÑANA (INTERLUDE)
12. EN EL CENTRO DE LA CAMA
13. SENTIMIENTO NATURAL feat. @myketowers
14. CONEXIÓN PSÍQUICA
15. SUPERESTRELLA
16. EX EX EX feat. @keniaos
17. HOY ES TU CUMPLEAÑOS feat. @dannocean
18. LIA
19. LA CHICA PERFECTA feat. @alaskaoficial
Rihanna lanzará una nueva canción este viernes, como parte de la banda sonora de la nueva película de ‘Los pitufos’. El single se titula ‘Friend Of Mine’ y se trata del primer lanzamiento de la cantante desde ‘Lift Me Up’ en 2022, también para una película.
La noticia ha llegado con el último tráiler de la película, que también incluye fragmentos de la canción. En un momento dado, todos los pitufos bailan al son de ‘Friends Of Mine’ antes de que el avance de la película arranque. Esta se trata de un melódico corte de afrobeat.
Rihanna también se encarga de poner voz a Pitufina, uniéndose a un elenco formado por John Goodman, James Corden, Nick Offerman y Sandra Oh. Por otro lado, en la versión en castellano, disponible el 18 de julio en cines, será Rigoberta Bandini la que ponga voz al personaje de Rihanna.
La presencia de Israel en Eurovisión sigue provocando polémicas, todavía más después de la intensificación del genocidio en Gaza. Ahora, 72 artistas y compositores con experiencia en el festival han firmado una carta abierta a la UER acusando a la delegación israelí de ser «cómplice del genocidio de Israel contra los palestinos».
Entre los exparticipantes que se han unido a la causa se encuentran Salvador Sobral, ganador de la edición de 2017, y Charlie McGettigan, ganador en 1994. Otros concursantes más recientes, como la británica Mae Muller o la francesa La Zarra, también han exigido directamente la expulsión de Israel de la edición de este año.
La lista de 72 exparticipantes crece hasta los 79, con Blanca Paloma siendo la primera firma española en pedir la expulsión de Israel del concurso. La representante de España en Liverpool 2023, que participó con la canción ‘EAEA’, es la única española que ha participado en la carta.
«Instamos a todos los miembros de la Unión Europea de Radiodifusión (UER) a exigir la exclusión de KAN, la radiodifusión pública israelí, del Festival de la Canción de Eurovisión. KAN es cómplice del genocidio israelí contra los palestinos de Gaza y del régimen de apartheid y ocupación militar que dura décadas contra todo el pueblo palestino», comienza la carta.
El comunicado llega después de la solicitud de RTVE a la UER para abrir un debate interno sobre la candidatura de Israel y de que la organización prohíba la utilización de banderas que no sean las del país de procedencia del artista, esencialmente impidiendo la exhibición de banderas del orgullo o de países como Ucrania o Palestina. A continuación, la carta al completo:
“Nosotros, los exparticipantes de Eurovisión abajo firmantes, instamos a todos los miembros de la Unión Europea de Radiodifusión (UER) a exigir la exclusión de KAN, la radiodifusión pública israelí, del Festival de la Canción de Eurovisión. KAN es cómplice del genocidio israelí contra los palestinos de Gaza y del régimen de apartheid y ocupación militar que dura décadas contra todo el pueblo palestino.
Creemos en el poder unificador de la música, por lo que nos negamos a permitir que se utilice como herramienta para encubrir crímenes contra la humanidad. El año pasado, nos consternó que la UER permitiera a Israel participar mientras continuaba su genocidio en Gaza, transmitido en directo para que todo el mundo lo viera. El resultado fue desastroso.
En lugar de reconocer las críticas generalizadas y reflexionar sobre sus propios fracasos, la UER respondió redoblando la apuesta: otorgó total impunidad a la delegación israelí mientras reprimió a otros artistas y delegaciones, convirtiendo la edición de 2024 en la más politizada, caótica y desagradable de la historia del concurso.
El silencio no es una opción. Ante el auge de los movimientos autoritarios y la extrema derecha en todo el mundo, nuestro deber de alzar la voz se ha vuelto aún más apremiante. Por lo tanto, nos unimos para declarar que la complicidad de la UER con el genocidio de Israel debe cesar.
Al seguir defendiendo la representación del Estado de Israel, la UER está normalizando y encubriendo sus crímenes. La UER ya ha demostrado su capacidad para tomar medidas, como en 2022 cuando expulsó a Rusia del concurso. No aceptamos esta doble moral con respecto a Israel.
Nos solidarizamos con los concursantes de este año y condenamos la reiterada negativa de la UER a asumir su responsabilidad. Como cantantes, compositores, músicos y otras personas que han tenido el privilegio de participar en Eurovisión, instamos a la UER y a todas sus emisoras miembros a actuar de inmediato y evitar un mayor descrédito y perturbaciones del festival: Israel debe ser excluido de Eurovisión“.
Después de que Bad Bunny rompiese todos los récords con sus 12 estadios y 600.000 entradas agotadas en España, la Organización de Consumidores y Usuarios (OCU) ha llamado a la puerta.
Este mismo lunes, la OCU había denunciado a Ticketmaster, empresa encargada de la venta del puertorriqueño, por el «cobro irregular y abusivo» de las entradas. Desde la OCU aclaran que la investigación es parte de un expediente informativo que mantienen abierto a varias empresas de venta de entradas.
Sobre todo, Consumo ha puesto el ojo en posibles recargos ilícitos durante el proceso de compra. Esto se refiere a conceptos que habrían sido aplicados sin la transparencia o justificación debidas. La organización adelanta que esto podría significar un incumplimiento de la normativa de protección de los consumidores.
La locura desatada por la venta de entradas de Bad Bunny es conocida, pero la OCU concretaba en su denuncia que muchos compradores se encontraron con gastos no esperados y que no eran reembolsables. Estos serían los gastos de gestión, donación y cargo VIP. Así, las entradas de 79,50 euros pasaban a tener un valor de 269,30 euros al sumar las tres tarifas: 3,30 en donaciones, 36,50 de gastos de gestión y 150 euros por cargo VIP.
El hecho de quelos gastos de gestión en el precio final sean repercutidos al usuario y no al vendedor también son motivos de denuncia por parte de la OCU. Estos gastos suelen estar ocultos hasta el momento de pago y no son reembolsables, por lo que si el comprador quiere solicitar un cambio o devolución perderá su importe.
En todos y cada uno de los discos de Bad Bunny hemos asistido a un debate sobre los que deberían ser los singles. Por poner un ejemplo rápido, ‘Safaera’, la canción que cambió las normas y las estructuras del mal llamado «reggaeton», no fue uno de los 9 singles oficiales de ‘YHLQMDLG‘.
Pronto otras canciones comenzaron a ganar terreno: ‘Debí tirar más fotos’ se viralizó en TikTok, entre millones de galerías compartidas, y en la web apostamos también por la sugerente producción de ‘NUEVAYOL’, que habla de «reggaeton y dembow», pero tiene de muchas otras cosas… como salsa.
Hablando de salsa, a la larga, la carrera de fondo la ha ganado ‘Baile inolvidable’ y por tanto es nuestra Canción del Día hoy. Pese a sus 6 minutos de duración, ‘Baile inolvidable’ está siendo la gran superviviente del álbum en el top 10 español oficial (donde ahora mismo sube al puesto 5 después de cuatro meses), o incluso en el Global de Spotify (donde ahora mismo sube al top 9).
Estamos ante la gran canción de salsa de Bad Bunny. En este disco el artista realiza varios homenajes a géneros que han surgido de o triunfado en Puerto Rico, y la salsa siempre ha sido uno de sus favoritos. Este «baile inolvidable» es, en cambio, muy triste. Como en otros puntos de este álbum, Benito, que como es habitual ha escrito el tema completamente en solitario, habla de un amor que no ha podido olvidar ni superar. «Pensaba que contigo iba a envejecer / En otra vida, en otro mundo podrá ser», comienza diciendo, antes de que el coro de voces masculinas subraye, amargo: «no te puedo olvidar / no te puedo borrar / tú me enseñaste a querer», constituyendo un clásico instantáneo que bailar en bodas, bautizos y comuniones.
Dados los instrumentos de viento y el solo de piano aportados por la Escuela Libre de Música Ernesto Ramos Antonini de San Juan, es imposible imaginarse una interpretación de este temazo de manera enlatada en la gira que vendrá a España en 2026 y está a punto de comenzar en Puerto Rico. Serán hasta 10 fechas en el estadio más grande de Madrid y 2 en el estadio más grande de Barcelona. Necesitamos ver una «big band» al frente de ella, como las que conocimos a Juan Luis Guerra. Hay que escuchar la sabiduría de nuestros mayores y dar amor también al público. El cineasta Jacobo Morales, que protagonizó el corto en promoción del álbum, contra la gentrificación, lo dice en esta canción bien clarito: «Mientras uno está vivo / Uno debe amar lo más que pueda».
Dice PinkPantheress que el formato mixtape le permite crear más libremente que el formato álbum, siempre supeditado a decisiones ajenas. ‘Heaven Knows‘ (2023), su debut oficial, no igualaba la frescura del primer mixtape, pero ‘Fancy That!’ sí y lo hace evolucionando el sonido de la artista y productora británica. En 8 canciones que suman 20 minutos de música, PinkPantheress entrega un pequeño pero divertido homenaje a los ritmos de su país que le inspiran.
‘Fancy That!’ es evidentemente un homenaje a la cultura británica, desde su -fea- portada hasta su título, una expresión típicamente British que en español se podría traducir con un «¡no me digas!». El toque de ironía y humor de Victoria Beverly Walker vuelve a estar presente en las letras -aunque hablen de conflictos emocionales o secretos- o incluso en ciertos samples seleccionados, corroborando que el ánimo del disco sigue siendo ligero y despreocupado.
‘Fancy That!’ refleja la madurez artística de PinkPantheress por su carácter extrovertido. ‘Tonight‘, el primer single, se construye sobre una seductora base de house clásico. Su invitación «¿quieres sexo conmigo?» es directa y clara. ‘Girl Like Me’ puede ser la producción más contundente que ha firmado porque samplea a fondo ‘Romeo’ de Basement Jaxx. ‘Romeo’, la pista final de ‘Fancy That!’, también samplea a Basement Jaxx, pero no ‘Romeo’, sino ‘Good Luck’, sonando además surfera.
Los ritmos garage (‘Illegal‘), breakbeat (‘Noises’) o 2step (‘Nice to Know You’) siguen sirviendo a PinkPantheress para escribir canciones que, en su brevedad, llegan trufadas de ganchos melódicos. Sus melodías propias son tan adictivas como las de ‘Illegal’, ‘Stateside‘ o ‘Stars’, que, entre las tres, suman samples y/o interpolaciones de Underworld, Just Jack, Sugababes y Jessica Simpson. De esto último -una guitarra de ‘Irresistible’- se ha enterado PinkPantheress a la vez que sus fans: cosas de colaborar con otros productores (en este caso, Oscar Scheller).
20 minutos dan para poco, pero PinkPantheress los aprovecha dando cuerpo a sus composiciones gracias también al uso de cuerdas (las de ‘Tonight’ sampleadas de un tema desconocido de Panic! at the Disco); y, sobre todo, tomando decisiones arriesgadas que a nadie más se le habrían ocurrido: el estribillo de ‘Nice to Know You’ es sampleado directamente de ‘Spiral’, una canción olvidada de William Orbit, Sugababes y Kenna de 2006 que ni siquiera está disponible en plataformas.
En un mixtape producido por PinkPantheress junto a sus colaboradores aksel arvid, Count Baldor, phil, Oscar Scheller y The Dare, la autora de ‘Just for Me’ solo falla entregando un trabajo demasiado corto, en el que la inclusión de una «intermisión» de 24 segundos se antoja innecesaria. Los mixtapes pueden ser mejores y más influyentes que muchos discos, precisamente por la libertad creativa que exhiben. Y si un mixtape de PinkPantheress funciona tan bien, ¿cuándo escucharemos uno que dure el doble -o el triple- que este?
El próximo 26 de mayo se entregan los AMA’s, que reconocen la música estadounidense. El más nominado es Kendrick Lamar y presentará el evento Jennifer Lopez.
Acaba de anunciarse que Janet Jackson recibirá el ICON Award, un galardón que solo se ha entregado dos veces antes: a Rihanna tan pronto como en 2013, y a Lionel Richie, tan tarde como en 2022.
El premio a Janet Jackson viene cuando ha viralizado una canción antigua, ‘Someone to Call My Lover‘, en redes sociales. De la nada ha pasado a sumar 44 millones de streams y podría terminar siendo su tema más popular.
La artista también va a realizar su residencia en Las Vegas entre los días 21 y 31 de mayo. Justo el día 26 actúa, pero la actuación será a las 16.30 en lugar de a las 20.30, según su propia página web.
Por otro lado, también Billboard informa de que Taylor Swift podría aprovechar la ceremonia para dejar caer alguna novedad sobre sus próximos planes discográficos tras el apoteósico ‘The Eras Tour’. Tocaría la «Taylor version» de ‘Reputation’.
Las pistas vienen de que un menú inferior de su tienda online ha pasado a formar las palabras AMAs (Apparel, Music, Accessories, Sale) y que 12 productos tienen un 26% de descuento. La ceremonia es el día 26 y este sería el 12º disco de Taylor Swift. Swifties acostumbrados a «eastern eggs», superándose.
La Furia es el proyecto de Nerea Lorón Díaz y lleva varios discos a sus espaldas desde 2013, en una mezcla de rap, cyberpunk, electroclash, spoken word y drag que en su caso no es «queerbaiting». La nota de prensa la define como bisexual y transfeminista, además de reivindicar que a sus 40 años y siendo madre (así se especifica en su bio, insisto), pueda seguir haciendo música pop.
El disco que está presentando estos días en vivo salió a finales de 2024, recibe el nombre de ‘Ultra’ y contiene varios temas llamativos. ‘Ziertzoa’ es un corte reivindicativo en euskera (ella es navarra), están sonando mucho colaboraciones como ‘erro’ -con ØDEI- y ‘Gasolina’ -un reggaeton con Rebeca Lane-, y hasta hay una balada acústica, ‘Pobre cancioncita mía’.
Recientemente ha presentado un vídeo para ‘Animales’ y también destacamos la existencia de una pista llamada ‘Han matado el arte’ que intenta separar el mercado de la dirección artística. Un mercado sometido a «la puta demanda» y en el que tú eres «el maniquí». «El money hace la ley», asegura.
Quizá el que mejor defina La Furia sea ‘Me sobran 3 dedos’, en el que, con buen flow (en contra de lo que dice la letra), asegura: «yo solo vengo a llorar lo mío» y «yo no compito, no me busques el hueco».
La Furia es este año una de las artistas seleccionadas por Girando Por Salas. Tras pasar en semanas pasadas por escenarios ajenos a Euskadi como Zamora, Alicante, Sevilla, Málaga y Granada, la espera Madrid este viernes 16 de mayo. Estará en la Sala Vesta. El IruñaRock el 31 de mayo será su siguiente cita.
La persona que ha logrado desbancar ‘Die With a Smile’ de Lady Gaga y Bruno Mars, después de 200 días en el número 1 global de Spotify es Alex Warren, una de esas «copias de Ed Sheeran que este año están triunfando más que Ed Sheeran». El nuevo tema número 1 a nivel mundial es la balada ‘Ordinary’.
El éxito ha llegado a España, y además a lo grande, porque lo que encontramos ahora mismo en el top 100 de nuestro país ni siquiera es ‘Ordinary’ (que pasó por el top nacional hace unas semanas), sino el álbum entero al que pertenece.
‘You’ll be Alright, Kid (Chapter 1)’, editado en 2024, e incluyendo otros temas millonarios de country llenaestadios como ‘Carry You Home’ o ‘Before You Leave Me’, llega al fin esta semana al puesto 88 de las listas españolas, pese a datar del año pasado. Te gustará si te gustan… Mumford & Sons.
El disco ha sido número 1 en Noruega, top 9 en Reino Unido y top 17 en Estados Unidos. Según las estimaciones de Mediatraffic, van unas 340.000 unidades vendidas a nivel mundial.
Estamos ante una de las pocas entradas de la semana en España, aunque sí encontramos varias re-entradas, como los últimos trabajos de Juanjo Bona (33), Dua Lipa (73), Travis Scott (78) o Kendrick Lamar (86).
Mientras Bad Bunny recupera el número 1 de álbumes con ‘Debí tirar más fotos‘, y ya van 15 de 18 semanas desde que se puso en circulación, la única otra entrada de toda la lista es ‘Live at Pompeii – MCMKXXII’ de Pink Floyd en el puesto 13.
Este martes 13 de mayo se ha celebrado la primera semifinal de Eurovisión, con 15 países semifinalistas. España, Italia y Suiza han intervenido en la gala como países invitados. Desgranamos la actuación de Melody, ya subida a los canales oficiales, y tras las filtraciones habituales de los últimos tiempos.
0.14 Suenan unas castañuelas. Si el vídeo de presentación dejaba alguna duda, toda Europa confirma que empieza la actuación de España. El sombrero cordobés y las uñas tipo Rosalía lo atestiguan. Melody empieza a cantar sobre divas que hacen el mal despreciando a otras divas. España sonríe al comprobar que está referenciando su macrohit ‘El baile del gorila’, con eso de «soy una rumbera».
0.30 En «Para mí era tan norma-a-al», casi un requiebro R&B en medio de una canción muy españoleta, Melody realiza una coreografía de manos similar a la de muchísimas divas, en particular Mariah Carey, porque las divas que no saben bailar pueden ser divas igual.
0.46 En uno de los momentos más chanantes de la actuación, los bailarines emergen de debajo del vestido de Melody. Sublime. ¿Aunque acaso podría apreciarse mejor? ¿El plano no tiene demasiado aire por encima? Parece haberse primado la composición (muy bonita) sobre el efecto (que no se ve tanto para el runrún que había generado).
1.09 Porque «una diva es valiente, poderosa», Melody pasa a otro estadio del escenario, atravesando una cortina, con la que parece que se va a enredar durante unos segundos. La referencia aquí es definitivamente un perfil simpático como el de Thalía, aunque la primera vez pensé que estaba presenciando directamente un error. Recuerda un poco a aquel gag de Lina Morgan en la obra ‘El último tranvía’ cuando le cerraban las cortinas antes de tiempo y ella echaba a correr y decía, sofocada: «¡arrrghh, que me dejan aquí dentro!».
1.28 Melody se postula como diva ella misma, avanzando por la pasarela con decisión…
1.38 … la cumbre de lo cual es el beso que lanza de perfil y fuera de eje, mientras el público observa iluminado de rojo. Un total de una persona -una señora- está de pie bailando, mientras el resto aguarda sentado alguna actuación mejor, pero no importa: alguien se ha encargado de que todo esto mejore y mucho desde Benidorm Fest. Ya somos 14º y no 31º en las casas de apuestas.
1.40 Un plano cenital busca un efecto hundimiento de Melody, pero ella saldrá triunfal del desafío si…
1.50 … «una diva no pisa a nadie para brillar». Esta frase de sororidad, lo mejor de toda la composición, se pronuncia mientras Melody baila únicamente acompañada de mujeres. Los bailarines masculinos están en ese momento fuera del foco, esperando su turno.
2.01 Melody coloca toda su melena ladeada hacia la derecha para aseverarnos, por si alguien lo dudaba: «estoy guapísima».
2.02 La cortina roja de antes torna morado republicano, para mayor crispación, en los únicos 30 segundos caóticos del montaje. Los planos de bailarines son generales, la coreografía no consigue lucir, y en lugar de un chanelazo presenciamos una mera transición hasta la llegada de la traca final, compuesta de dos partes:
2.36 1) El grito, mientras una suerte de cuerpos celestes parecen dar vueltas por el aire, acaso aturdidos porque el poderío vocal de Melody ha llegado más allá de lo imaginable.
3.00 y 2) Uno de los cinco bailarines abandona extrañamente el escenario. ¿Se irá al baño? ¡No! ¡Va a dar una voltereta mortal al cuerpo celeste de Melody!
3.06 Para lo cual, Melody lanza el micro a tomar por culo.
3.15 La voltereta de Melody ha sido un éxito. Pero al bailarín que la recoge, de brazos bien entrenados, le tiembla un ojo tanto que lo guiña sin querer. No hace falta saber leer lenguaje corporal para entender que ha visto a Melody escurrírsele entre los dedos. La audiencia, sin pestañear, también. Pero no ha sucedido. España lo ha hecho muy bien. ¿España puede ganar? ¿De verdad quedaremos peor que San Marino? Recordemos este histórico comentario que nos dejasteis en el post de Benidorm Fest 2025 para resituarnos. Su autor es Nono.
La primera semifinal de Eurovisión 2025 se celebraba en principio con poca emoción: solo 5 canciones de 15 iban a ser eliminadas, un tercio de las presentadas. Tenías que hacerlo muy mal para caer. O ser Bélgica. Hace un rato eran 5º en las apuestas para ganar Eurovisión 2025, y ahora están fuera.
El «síndrome Kate Ryan», actualmente conocido como «homofobia», ha vuelto a causar estragos dejando fuera el tema trance de Red Sebastian, interpretado sobre un fondo totalmente rojo ‘Padam Padam’. La puesta en escena ha podido pecar de plana, pero mejor que -pongamos- la presentación en vivo de San Marino, estaba.
La mayor emoción por estos lares era la de ver incorporada, durante la noche, la actuación de Melody, ya clasificada para la final del sábado como representante del Big Five. Melody ha pulido su show de Benidorm Fest, prescindiendo de sus elementos más kitsch, si bien dejando algo de confusión entre cortina y cortina. Algún plano parecía un fallo, pero no lo era. Su actuación vocal contará, al menos de cara al jurado, y tiene mérito que ‘Esa diva’ haya pasado en las últimas semanas, de no estar en el top 30 de las casas de apuestas, a bordear el top 15 antes de la emisión de esta semifinal.
Suecia tenía el pase asegurado, como siempre. ‘Bara bada bastu’ aka «Sauna» es una canción simpática y se pega más de lo que desearías, aunque no tan digna ganadora. Nada debería darse por sentado esta vez. No sé si el jurado la va a abrazar de manera tan masiva.
Otros que partían como favoritos y han logrado el pase a la final han sido Holanda, Albania y Estonia. Claude empieza muy bien, en primer plano, interpretando lo que parece una bonita balada… que pronto deviene en algo totalmente genérico. Albania acude con un medio tiempo de arreglos trip-hop, rap incluido, que ha pasado por solvencia y falta de competencia en ese estilo. Y ha divertido y mucho Estonia, con un tronchante Tommy Cash. En este show han destacado sus excelentes bailarines/guardaespaldas y ha colado totalmente el momento fan de una supuesta seguidora. En el punto justo entre «troll act» y entretenimiento puro.
Entre las sorpresas positivas clasificadas, y por las que no habríamos dado un euro, la bonita canción de Portugal, siempre atentos a una melodía sencilla pero bien hecha; e Islandia. ‘Róa’ ha abierto la noche con una llamativa puesta en escena, sobre todo en la coreografía del barquito en la segunda estrofa. La gente ve Eurovisión por números como este.
No tan positivas han sido las clasificaciones de Noruega, un cliché con patas del tipo boyband, drop con chanelazo incluido; o Polonia, muy bien realizada pero envuelta en gritos insufribles, y competencia directa para Melody por su escenografía.
Ucrania llega a la final por los pelos -aunque que su nombre se haya pronunciado el último no significa que haya estado a punto de quedar fuera, el orden es aleatorio-, y volveremos a ver, por tanto, su puesta en escena medio indie medio glam, en tonalidades azules y violetas. Quizá el más sorprendente de los eliminados haya sido Chipre, que acudía con escenógrafo español (Sergio Jaén), en este caso con un claro abuso de los efectos de luces.
En cuanto a clasificados para la final, sin competir esta noche, pero ya emitidos y en mejor horario que Melody, Suiza acude con una preciosa balada, ‘Voyage’, unida a un arpa invisible, que nos ha hecho pensar en Amaia. Por último, es curioso que uno de los años en que Italia presenta una de sus canciones más chulas, del muy glam Lucio Corsi, sea uno de los que peor prospectiva tienen.
Desde Pitchfork no han querido ni esperar a la mitad de año para revelar los proyectos que ya consideran que merecen estar entre lo mejor de 2025. La lista está formada a día de hoy por 39 discos, los cuales han separado por mes de lanzamiento. Durante el resto del año, la lista se irá actualizando progresivamente.
El mes de mayo solo contiene un disco, ‘Iris Silver Mist’ de Jenny Hval, el cual acabamos de reseñar hace unos días en este mismo medio. En abril, por otro lado, hay mucho de donde elegir. Entre algunas opciones menos comerciales encontramos los discos de Bon Iver (‘SABLE, fABLE’), DJ Koze (‘Music Can Hear Us’), Skrillex (‘F*CK U SKRILLEX YOU THINK UR ANDY WARHOL BUT UR NOT!!’) y Adrianne Lenker (‘Live at Revolution Hall’).
‘Glory’ de Perfume Genius y ‘MAYHEM’ de Lady Gaga entran en las elecciones de marzo. Junto con ‘Debí Tirar Más Fotos’ de Bad Bunny, Gaga es la artista más grande en entrar en la lista. De The Weeknd, ni rastro. Por otro lado, es una alegría encontrar a Panda Bear (‘Sinister Grift’) entre lo más destacado de febrero, junto a Ichiko Aoba, Kelela y Oklou. Para terminar, ‘EUSEXUA’ de FKA Twigs también entre lo mejor del año.
Primero, el merecido éxito de ‘Die With a Smile’ junto a Bruno Mars. Después, la buena acogida de ‘Abracadabra‘. Luego «Gagachella«. Y luego «Gagacabana«. Lady Gaga vive un enorme momento de popularidad, y su nuevo álbum ‘MAYHEM’ promete ser uno de los discos del año.
En nuestra redacción ha dividido algo más que ‘Chromatica‘, que alcanzó el top 10 entre los mejores discos de 2020 para JENESAISPOP. Jordi Bardají defendió ‘MAYHEM’ como Disco Recomendado y Disco de la Semana. Otros… no estamos sintiendo tanto una era que, en líneas generales, es más revisionista que revolucionaria. Pero para no repetir vicios ya expuestos (por ejemplo en el podcast sobre ‘Born This Way’), hemos dejado este nuevo capítulo de REVELACIÓN O TIMO en manos de dos invitados: Rafa y Daniela del podcast Las Auténticas Señoras de la Calle Lista, que de hecho ha dedicado varios episodios a Lady Gaga.
El podcast resultante dista del planeado, es muy poco apto para «little monsters»: los 5 primeros minutos van sobre Madonna, con quien la carrera de la artista ha sido altamente comparada, más desde lo estratégico (movimiento LGTBIQ+, Hollywood, Super Bowl, ahora Copacabana) que en lo musical (las grabaciones de ambas artistas se parecen como un huevo a una castaña). Aquí no hemos huido de eso: podéis asistir a una conversación de bar, sin autocensura, en mi humilde opinión divertida gracias a la espontaneidad de Rafa y Daniela, a quienes solo podemos agradecer que hayan evitado que nos limitemos a caer en la autoparodia repetir las mismas exposiciones de otros podcasts.
Claudio, nuestro podcaster, sorprende emergiendo como el mayor fan de ‘MAYHEM’ en contra de lo que contó hace un par de podcasts con Juan Sanguino, definitivamente seducido por el dinamismo del concierto gratuito en Brasil. Él es uno de los que está haciendo subir como la espuma los streams de ‘Vanish Into You’. Y es quien nos da el titular: ¿cómo es posible que un álbum llamado «CAOS» esté resultando en la era mejor organizada y menos caótica de Lady Gaga desde ‘The Fame Monster’? ¿Qué le falta para ser perfecta desde el punto de vista del márketing? ¿Un vídeo más a la altura? ¿Algún remix con persona famosa?
Tras hablar de Gagacabana y ‘Mayhem’ en este episodio grabado a principios de la semana pasada, cuando el concierto de Brasil acababa de suceder, procedemos a repasar la discografía de Lady Gaga, con una variedad de opiniones ya inherente a la carrera de la artista. Ningún disco logra unanimidad. La que defiende ‘Joanne’ no entiende tanto ‘Chromatica’. El que defiende ‘Chromatica’ no prestó atención a ‘ARTPOP’.
Finalmente, anunciamos que en 2026, coincidiendo con el 40º cumpleaños de Lady Gaga, elaboraremos un top 40 sobre sus mejores canciones. Una vieja propuesta de nuestro colaborador Pablo Tocino que desarrollaremos en próximos meses. Ahí mencionaremos una vez o ninguna a Madonna, lo prometo. Hoy… hay ronda de chupitos.
Después de 10 años celebrándose en Sevilla, el festival Monkey Week regresa en su 17ª edición al lugar que lo vio nacer: El Puerto de Santa María. Así, uno de los encuentros del indie más importantes del país se volverá a celebrar este año en Cádiz del 19 al 22 de noviembre.
El encuentro mantendrá un formato 100% urbano y se centrará en seguir siendo un escaparate para los nuevos talentos de la música independiente. Las primeras confirmaciones del festival llegarán después de la celebración del Monkey Weekend SON Estrella Galicia, el próximo martes 17 de junio.
Desde la organización nos explican las causas de marcharse de Sevilla, algo que describen como «una confluencia de factores»: «el sentirnos cada vez más lejos de la ciudad, cuando el Monkey es un festival 100% urbano. Por ejemplo, el año pasado no le dieron la Declaración de Interés Cultural al evento, algo que habíamos tenido en todas las ediciones anteriores y que garantizaba poder realizar el festival en espacios públicos y en salas en condiciones óptimas para ello». Suman también «los recortes inesperados de horarios el año pasado, cuando en realidad estaban consensuados con el Ayuntamiento desde meses antes, o que nos comuniquen que a partir de este año no podíamos utilizar el Espacio Santa Clara como sede de las jornadas profesionales».
El Monkey Weekend se celebrará del 13 al 15 de junio, también en El Puerto de Santa María, y cuenta con Amor Líquido, Carlangas, Metrika, Parquesvr, Roy Borland o Colectivo Da Silva en su cartel, entre muchos otros. Asimismo, Monkey Week también abre su ya tradicional convocatoria de showcases. Los interesados pueden inscribirse hasta el martes 1 de julio.
Después de 27 años separados, Manolo García y Quimi Portet regresan a los escenarios como El Último de la Fila. Estos han anunciado una gira de 9 conciertos a lo largo del país para 2026.
Se espera que la gira comience durante la primavera del año que viene y que pase por las ciudades de Fuengirola (25 abril), Barcelona (3 mayo), Roquetas de Mar (16 mayo), Madrid (23 mayo), Bilbao (30 mayo), A Coruña (13 junio), Avilés (20 junio), Sevilla (27 junio) y Valencia (4 julio).
Las entradas saldrán a la venta en Ticketmaster a partir del próximo jueves 29 de mayo a las 10h, excepto las del concierto de Madrid. Estas saldrán después, el próximo 16 de junio a las 10h.
El grupo lanzó el disco ‘Desbarajuste piramidal’ hace dos años, que consistía en 24 regrabaciones de sus canciones más queridas. Todavía no se sabe si en esta gira serán fieles al material original u optarán por llevar el material del disco al directo.
El regreso de El Último de la Fila es uno de los más esperados de la historia del pop español. Desde sus comienzos en 1985 con ‘Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana’ ya encandilaron al público, logrando un éxito comercial y de crítica absoluto con sus cinco discos siguientes. En 1998, tres años después de su último disco, García y Portet separaron sus caminos.
Lista completa de fechas de El Último de la Fila:
25 ABR | FUENGIROLA. Marenostrum Fuengirola: Escenario Unicaja
03 MAY | BARCELONA. Estadi Olímpic Lluís Companys
16 MAY | ROQUETAS DE MAR. Estadio Municipal Antonio Peroles
23 MAY | MADRID. Más información próximamente
30 MAY | BILBAO. Bizkaia Arena BEC!
13 JUN | A CORUÑA. Estadio Municipal de Riazor
20 JUN | AVILÉS. Exterior del Pabellón de la Magdalena
27 JUN | SEVILLA. Estadio La Cartuja
04 JUL | VALENCIA. Estadio Ciutat de València
Sufjan Stevens es uno de los artistas más queridos en JENESAISPOP. Un coloso que compone, escribe y se canta todo, y puede adentrarse tanto en el folk como en el pop, en la New Age o la electrónica.
Sus discos y canciones aparecen en lo más alto de nuestras listas anuales. Sus conciertos son de los mejores que hemos visto nunca. Sus canciones -basculando entre lo religioso, lo histórico y lo autobiográfico- nos emocionan, nos reconfortan o nos entristecen como las de pocos cantantes. Le hemos dedicado varios especiales y un podcast. Vamos, que somos muy fans.
El próximo 1 de julio Sufjan cumple 50 años y hemos decidido hacer un ránking con sus 50 mejores canciones, que repasaremos en plan «cuenta atrás», a razón de canción por día. Como toda lista, es subjetiva. Y os adelantamos: hay un montón de composiciones fabulosas que se han quedado fuera. Lo que da medida de la calidad superlativa de uno de los artistas fundamentales del s. XXI.
En ‘All Delighted People’ Sufjan se alimenta de toda la tradición de la música popular norteamericana: del soul exuberante al folk intimista, de todo el rock y el pop, pasando por el musical de Broadway, para crear una canción desmesurada, barroca, desbordante y delirante sobre el Apocalipsis (y cómo salir de él). Los arreglos orquestales suntuosos y los coros en cascadas se desparraman y burbujean a través de este tema de once minutos, una canción que es un homenaje a ‘The Sound of Silence’, pero que recuerda muchísimo al ‘A Day in the Life’ de los Beatles.
Si Sufjan no parece caer en la en la grandilocuencia o la melagomanía es por ese extraño sentido del humor que recorre toda su obra, esa sensación de que, en el fondo, no se toma a sí mismo demasiado en serio. Y, gracias también, a la emoción que logra desentrañar en cada recoveco, en esas canciones que dan vueltas sobre sí mismas y que en cada nuevo giro cambian y te ofrecen nuevos destellos.
‘Carrie & Lowell’ trata de la relación de Sufjan con su disfuncional madre Carrie. El abandono, el breve reencuentro en Oregón gracias a su padrastro Lowell Brams. De cómo afectó a Sufjan la muerte de Carrie en 2012. Abrir el disco con una canción titulada “Muerte con dignidad” puede parecer un puñetazo al estómago a simple vista. Pero Sufjan se las arregla, una vez más, para dar a la muerte y el sufrimiento un tratamiento que es tan sereno como emocionante.
‘I forgive you, mother, I can hear you/And I long to be near you/But every road leads to an end’. “Te perdono, madre. Te puedo oír. Y anhelo estar cerca de ti/pero cada camino lleva a un final”. Son los versos más sencillos y demoledores sobre la aceptación de la pérdida de un ser querido que se pueden cantar.
‘All Delighted People’, el EP en general, y la canción homónima en particular, es excesivo, un ejemplo del gusto que a veces tiene Sufjan por el “más es más”. Pero como buen rey del (también) “a veces menos es más”, una pieza tan pequeña, aparentemente, como ‘Heirloom’, es también la más difícil de olvidar, gracias a una simple guitarra, algún efecto de eco, unos pocos coros y… ese talento mayúsculo para la melodía y la emoción.
Si ‘Concernig the UFO’ es la canción que te invita a entrar a ‘Illinois’, ‘Come on, Feel the Illinois!’ es la que te anima a quedarte para siempre. No recuerdo dónde leí a alguien que decía que su hija llamaba a esta canción “la de la fuente de colores”. Pero es que es así como suena. La primera mitad (‘The World’s Columbian Exposition’) es animada y festiva, todo un despliegue instrumental y de coros. Pero es cuando irrumpe la segunda parte tras un breve desvarío progresivo (‘Carl Sandburg Visits Me in a Dream’) que Sufjan hace uno de esos quiebros tan suyos, en que consigue que una canción que ya era estupenda se haga completamente maravillosa. Are you writing from the heart?
La canción que abre la puerta al mundo mágico de ‘Illinois’. Una melodía lejana. Un crujido de madera que da pie a que irrumpa un piano que dibuja una hermosa melodía. Flautas etéreas y la voz más bonita que hayas escuchado nunca. Si te quedas atrapade aquí, ya has caído víctima del hechizo de Sufjan y de ‘Illinois’.
Más tarde te enterarás de que esta canción trata de unos avistamientos de OVNIS en la ciudad de Highland en enero de 2000. De que el disco está dedicado al estado de (claro) Illinois. De que Sufjan estuvo estudiando muchísimo sobre él y lo volcó todo, incluyendo personajes inquietantes, efemérides semi desconocidas y folklore muy local. Que era su segundo disco sobre un estado tras su ‘Michigan’ natal. Del “50 states Project” que, lamentablemente, nunca se llevó a cabo, porque el propio Sufjan no tardó en aclarar que era una broma… Pero todo eso da igual. Lo importante aquí para quedarte hechizade para siempre es la música.
La canción casi homónima de ‘The Age of ADZ’ no es tanto un fresco sobre Royal Robertson, artista plástico que lo inspira, como prácticamente un resumen de todos los Sufjan posibles. Porque todo está aquí, en sus 8 minutos: la electrónica cacharrera de ‘The Age of ADZ’, la épica, la sobredosis de arreglos, la fanfarria, los coros desatados de ‘Illinois’ o ‘Michigan’, el Apocalipsis… Pero también el Sufjan acústico, tierno y desnudo de ‘Seven Swans’. Un viaje alucinante y alucinado. ¡Gloria! ¡Victoria!
‘All of me Wants All of You’ es una canción desesperada. Una vez más, nos sabes si se la dedica a su madre que está muriendo o a un amante que se está distanciando. Los versos “You checked your texts while I masturbated’ son crudos y, a la vez, reflejan una relación de familiaridad camino de la destrucción. Sea quien sea el objeto de la canción, Sufjan se siente abandonado, quiere retener a toda costa a esa persona. Pero el propio tono de la misma ya nos informa de que no lo logrará: el ambiente opresivo y la guitarra amenazante, por más acústica que sea…
‘Romulus’ es ‘Carrie & Lowell’ doce años antes de que existiera ‘Carrie & Lowell’. Sufjan publicó ‘Michigan’ sobre su estado natal y nos coló una canción tremendamente autobiográfica y desgarradora. Frente a toda la fanfarria que adorna el álbum, ‘Romulus’ es reconcentrada, acústica. Sufjan narra el abandono de su madre desde la casa del abuelo en la pequeña localidad de Romulus, el anhelo por poder verla, pero también la vergüenza que ella le provoca.
‘Romulus’ es una de sus cimas líricas, una canción que muestra que no es sólo un músico excelente, sino un letrista excepcional. Pocas líneas reflejan el desamparo pero también la resilencia de una manera tan escueta y certera como “She moved away quite far / Our grandpa bought us a new VCR / We watched it all night / We grew up in spite of it (“Ella se fue a vivir bastante lejos. Nuestro abuelo nos compró un nuevo vídeo / nos hicimos mayores a pesar de todo esto”). Y los “I was ashamed of her” susurrados al final de la canción se clavan en el alma.
‘Call Me By Your Name’, la película de Luca Guadagnino cuenta en su banda sonora con tres canciones de Sufjan Stevens, realzando su popularidad y constituyendo los mayores éxitos comerciales de su carrera. ‘Mystery of Love’ es la mejor de ellas, una canción romántica, compuesta sobre todo de los punteos de su guitarra y de unas ambientaciones de tonos místicos. Su letra nos habla del primer contacto con un amor, de la emoción del primer beso, por el que Stevens se siente “bendecido”.
‘Genuflecting Ghost’ tiene, aparentemente, bastante de canción de campamento cristiana: los coros comunales, la entonación de predicador calmo de Sufjan, la dulzura de la melodía… Pero este candor contrasta con una letra angustiosa. Sufjan implora al ser amado que no le abandone. De primeras, puede parecer que Sufjan se humilla ante un amante esquivo y voluble. Pero después de conocer la muerte de su novio, Evans Richardson IV, la canción alcanza otra dimensión: la de túmulo a la memoria del ser amado.
«Soy un desastre en mi alcoba / un desastre en el coche / un desastre mental / un desastre en el amor». Este es el leit motiv de ‘Stuck In My Head’ la canción de cierre del nuevo álbum de Arcade Fire, el primero que publican tras varias acusaciones de abusos a su líder, Win Butler, que argumentó que tales relaciones fueron consentidas y en una etapa turbia de consumo que dejó atrás en pandemia. ¿Lo queréis más claro? En un momento dado de la canción, grita: «¡Dejo este trabajo! Dejo este trabajo!».
¿Qué podían hacer Arcade Fire después de la polémica? ¿Un disco confesional? Difícil porque se terminarían victimizando. ¿Un álbum sobre salud mental? No cuando te estás excusando en el consumo de alcohol para justificar un comportamiento que probablemente tenga otra causa. ¿Algo político? No hay nada más político ahora mismo que la violencia de género. ‘Pink Elephant’ tiene algo de todo eso sin decantarse por una cosa sola. El disco empieza con una intro tipo John Carpenter, después pasa a sonar a los Pixies, más tarde a New Order, a continuación a Primal Scream y, tras varios volantazos, termina sonando a Arcade Fire en su cenit. Las letras del álbum, que están sufriendo un exhaustivo escrutinio en busca de una respuesta, dan idéntico número de giros.
‘Pink Elephant’ recibe su nombre de una cita de la novela de Curt Siodmak ‘City in the Sky’ (1974): «¡Dile a un hombre que no debe pensar en un elefante rosa y no podrá quitarse a esa bestia de la cabeza!». Lo que Arcade Fire han intentado quitarse de la cabeza pero no han podido tiene que ver con las relaciones personales y también con lo político, esto último presente en ‘Alien Nation’.
Imágenes sobre «amigos falsos» y «familias falsas» han inundado siempre sus letras, que a menudo han versado sobre la decadencia y la hipocresía de la sociedad. Aquí emergen varios matices. En el tema titular, Win pide a alguien que deje de pensar en él: «tenía la sensación de que mi vida por fin había encontrado un sentido / Yo no pienso en ti». Por su parte, las dos canciones más bailables y electrónicas incomodan en su retrato de escenas de seducción. ‘Circle of Trust’ pretende ser una danza a dúo, en un «entorno seguro», y tampoco parece el momento de disfrutar de un texto como el de ‘I Love Her Shadow’: «la conocí a la luz de la luna / agarrando la mano de alguien / y me di cuenta de que soy un hombre celoso». Arcade Fire no están concediendo entrevistas para promocionar o explicar el verdadero cometido de este álbum… ¿por qué será?
Con créditos únicos de Win Butler y Régine Chassagne, y la producción de Daniel Lanois, conocido sobre todo por su trabajo junto a U2 en sus mejores años, ‘Pink Elephant’ vuelve a probar que, musicalmente, lo que Arcade Fire hacen, siempre lo harán bien. De ‘Funeral’ a ‘Reflektor’, pasando por ‘Neon Bible’, el grupo canadiense ha hecho rock épico, música disco, pop de cámara, y aquí lo mismo bordan técnicamente un electropop como ‘Circle of Trust’, un tema que pide a gritos ser single, como una canción de hoguera como producida a finales de los años 60, ‘Ride or Die’.
La principal pega, ciñéndonos a lo musical, es la excesiva concisión. Un disco con una intro y dos interludios pedía un mayor desarrollo que un álbum de 10 pistas en total, casi cada una de un género musical distinto, de su padre y de su madre. Culminando con una producción de redención tan clara como ‘Stuck In My Head’, y promocionado con un single sobre el cambio, con una progresión tan Arcade Fire como es la del «grower» ‘Year of the Snake’, ‘Pink Elephant’ podría haber sido un gran disco doble, con 22 pistas, sobre cometer errores, pasar un calvario y pedir perdón. Lo que ha escogido ser, en cambio, es un álbum variado, discreto en cuanto a forma y dirección artística, que suena a proyecto de transición, hasta ver cómo están los ánimos sociales y políticos, dentro de tres o cuatro años.
Fiona Apple ha publicado estos días su primer single original en cinco años. ‘Pretrial (Let Her Go Home)’ es una canción protesta que denuncia las injusticias del sistema penitenciario estadounidense. En particular, la artista, inspirándose en su experiencia como observadora judicial, centra su crítica en el impacto devastador de la prisión preventiva sobre las mujeres, especialmente las mujeres negras que, al no poder pagar la fianza, son obligadas a permanecer encarceladas, lejos de sus familias. Según datos de The Bail Project, el 80% de las mujeres encarceladas en Estados Unidos son madres.
Sobre una base de enérgicas percusiones y loops vocales, Apple expone el drama que viven muchas mujeres encarceladas en Estados Unidos, muchas de las cuales no pueden hacer frente a una fianza por encontrarse en situación de pobreza. Versos como «Hizo turnos extra, pero aún así no pudo pagar la fianza / No era peligrosa, no había riesgo de fuga, pero igual permanecería en la cárcel / No había sido condenada por nada» acercan al mundo a esta dura realidad.
Fiona Apple ha explicado el sentimiento detrás de ‘Pretrial (Let Her Go Home)’ en un comunicado oficial. «Una y otra vez veía cómo se llevaban a personas y las metían en la cárcel, por una sola razón: no podían pagar para recuperar su libertad. Era especialmente duro escuchar cómo se llevaban a madres y cuidadoras, separándolas de las personas que dependen de ellas».
Aunque ‘Pretrial (Let Her Go Home)’ es el primer single original de Apple en un lustro, la artista no ha estado callada del todo estos últimos años: este mismo año ha lanzado una versión de ‘Heart of Gold’ de Neil Young y ha colaborado con los Waterboys. Su último trabajo de estudio, el excelente ‘Fetch the Bolt Cutters‘, se publicó en 2020.
Chanel ha acudido a La Revuelta para promocionar su nuevo single, ‘Antillas‘, que ha presentado -por primera vez en directo- sobre el escenario del programa acompañada de bailarines. En un programa en el que el abuso de bromas y chascarrillos prácticamente ha ensombrecido la presencia de la invitada, Chanel ha bailado merengue con David Broncano, le ha regalado una caja de puros, aunque ha reconocido haberse fumado algunos; y ha hablado de su apoyo a Melody, a la que conoció durante una rueda de prensa, aunque sin revelar lo que ella y la intérprete de ‘Esa diva‘ hablaron en privado.
En el momento más interesante de la entrevista, Chanel critica negativamente la industria musical. Sin revelar demasiada información, la barcelonesa acusa a la «industria» de obligarle a «hacer cosas que no quería hacer» durante 2023. Chanel se refiere a que Sony, concretamente, le forzó a grabar música que no le gustaba, y abiertamente reniega de su disco de debut, ‘¡Agua!‘, publicado a principios de 2024. Aunque el disco tiene «cosas que molan», reconoce no sentirse identificada con su material.
Chanel recuerda que en 2023 atravesó un momento especialmente difícil: «Le cogí miedo al estudio, lloraba porque no quería ir», asegura. «Tenía que hacer algo que la gente esperaba de mí, pero yo tampoco sabía lo que era. Yo siempre he interpretado personajes, nunca he creado por mí misma. No me sentía identificada con lo que estaba haciendo, me sentía perdida». Chanel señala que ha tenido «mala suerte» con su proyecto musical en el pasado, pero que, ahora que es artista independiente, se siente en un momento «muy dulce» y «muy contenta» con la música que va a presentar este año. Dice que la gira que se viene es «muy fuerte».
Entre las novedades del viernes se encuentra el nuevo single de Natalia Lacunza, ‘Un castigo’, el primer adelanto de su segundo disco, cuyo lanzamiento está previsto para finales de 2025. ‘Un castigo’ es una colaboración con el artista guatemalteco-mexicano Jesse Baez, referente del R&B latinoamericano, al que probablemente recuerdes por sus diferentes colaboraciones con C. Tangana.
‘Un castigo’ recupera la vena funky de Lacunza, por lo que recuerda a su single con Videoclub de 2020, ‘Enhance 80’. Pero también es continuista de ‘Tiene que haber para mí‘, el debut de Lacunza de 2022, hasta el punto de que Pau Riutort vuelve a estar involucrado en la producción, junto a Pau Paredes -que ha colaborado con Ganges o K!NGDOM- o la propia Ganges, que aporta arreglos.
«Mi amor, mi amor, mi amor es un castigo» es el nuevo gancho de Natalia Lacunza, que en ‘Un castigo’ habla del desamor y de la transformación que le sigue. Según la nota oficial, ‘Un castigo’ significa «el comienzo de una historia de pérdida, juventud y reconstrucción». Con ‘Un castigo’, Lacunza entrega una nueva joya de ese pop sosegado, pero lleno de melancolía, que tan bien se le da, y que nadie hace exactamente como ella.
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