No puede ser casualidad que el giro conservador global haya encontrado eco en tantos artistas pop recientemente, desde Lana Del Rey disfrazándose de tradwife hasta Sam Smith recuperando su estética de hace una década. No os preocupéis: nos queda Demi Lovato, pero a su amigo y antiguo colaborador Nick Jonas lo hemos perdido.
El título de ‘Sunday Best’ alude a las “mejores galas” que uno se pone los domingos para ir a misa. El problema es que, pese a su difusa inspiración cristiana -explícita en el góspel ‘Home’, dirigido a Dios-, el álbum tampoco cumple como producto pop para las masas.
Sorprende la falta de chispa hallada por Jonas junto a colaboradores como Ryan Daly o Joel Little, que no sacan más de él que composiciones extremadamente corrientes. Las metáforas vuelven a ser manidas (“somos como camisetas blancas para James Dean”, canta en ‘You Got Me’), pero, además, sus incursiones en el country, el folk o la música de raíz estadounidense no pueden sonar más asépticas.
Algunas melodías son bonitas, como la de ‘Sweet to Me’, pero Nick se equivoca si cree que convertir en estrofas las imágenes cotidianas más ordinarias que se le han podido ocurrir las transforma automáticamente en poesía. No hace falta ser un gran melómano para intuir que Kacey Musgraves, con el ligero country de ‘You Got Me’, habría hecho algo más que comparar a su pareja con “helado y café”.
No pueden sonar más masticadas y empaquetadas las aproximaciones a la orquesta en ‘I Need You’ o al sonido Motown en ‘Seeing Ghosts’, hasta el punto que cuesta no imaginar al mismo Nick Jonas dormido en el estudio, y ni los teclados de ‘Aphrodite’ ni la puntual colaboración de los Jonas Brothers en ‘The Greatest’ salvan el álbum del sopor absoluto. Es como si Nick Jonas supiera que el pop estadounidense está en coma creativo y hubiera decidido matarlo de una vez por todas.
Noches del Botánico cierra su cartel de 2026 con las confirmaciones finales, que incluyen a Garbage, John Legend, Orchestral Maneuvres in the Dark, The Kooks o TOMORA, el proyecto de electrónica que une a AURORA y Tom Rowlands de los Chemical Brothers.
Además, se unen a Noches del Botánico nombres que van desde María Becerra hasta Yerai Cortés homenajeando el ‘Omega’, pasando por el actor y músico Jeff Goldblum. Elvis Crespo, M-Clan, Veintiuno, Lasso, Pablo López, El Zar o Babasónicos figuran también entre las confirmaciones de un cartel que se amplía hasta los 54 conciertos.
El conocido ciclo de conciertos madrileño, que se celebrará 3 de junio al 31 de julio en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la Universidad Complutense de Madrid, contaba ya con la presencia de Rigoberta Bandini, Ethel Cain, Danny Elfman o Alabama Shakes en su regreso a los escenarios.
Las entradas para las nuevas fechas confirmadas estarán disponibles a partir del martes 17 de febrero, a las 12 horas del mediodía y se podrán adquirir exclusivamente a través de la web de Noches del Botánico y en los puntos de venta de El Corte Inglés. La venta física en El Corte Inglés estará disponible 24 horas después del lanzamiento online.
Sónar ha completado su cartel de 2026 con más de 60 nuevos nombres, encabezados por The Prodigy y el proyecto de improvisación en formato 360º STOOR, protagonizado por Speedy J con cuatro invitados cada día. Estos se suman a la lista anunciada, que incluye a Kelis, Skepta, Charlotte de Witte, Amelie Lens o Cabaret Voltaire. Además, se han revelado nuevos detalles del recinto del festival, que se celebrará durante los días 18, 19 y 20 de junio en Barcelona.
La 33ª edición de Sónar se celebrará íntegramente en Fira Gran Vía y cuenta con las incorporaciones, además de The Prodigy y Speedy J, de Dom Dolla, Reinier Zonneveld (un nuevo show junto a una IA entrenadas con su propia música), Two Shell, Goldie b2b Doc Scott junto a Medic MC, FJAAK x Kittin, Namasenda, Metrika, Miss Bashful, Cutemobb, Daniel Avery con Wata Igarashi, IceMorph y los sets de Sara Landry, Daria Kolosova, Ciara Cuvé, PETERBLUE, Kilopatrah Jones, LOVEFOXY, The Hacker, SALOME, Arthi, Addison Groove, GOTH-TRAD, Takuya Nakamura, Glitterbox y BULTO.
El programa musical de Sónar 2026 contará con cuatro escenarios el jueves 18 de junio y con seis el viernes 19 y el sábado 20 de junio, tres de ellos al aire libre y tres en espacios interiores. La 33ª edición del festival será la primera en unificar las programaciones de Día y de Noche en un único recinto. Una programación que comenzará desde las 17h y que terminará a las 3h el primer día y a las 7h el resto.
Los emblemáticos escenarios SonarClub, SonarLab y SonarCar mantendrán sus ubicaciones habituales, mientras que el recinto incorporará el SonarVillage by Estrella Damm y nuevos espacios, como un SonarPark «más grande y al aire libre» y un SonarHall «renovado y ampliado» que «permitirá más directos y DJ sets en cada una de las tres jornadas».
El nuevo SonarVillage by Estrella Damm, situado en lo que hasta ahora era SonarPub, será el único escenario en funcionamiento desde el momento en que se abran puertas hasta el momento en el que se cierren. También hay novedades con Sónar+D, que se reinicia en 2026 con una nueva sede: la Llotja de Mar. El encuentro se celebrará el jueves 18 y el viernes 19 de junio, con actividades en horario de mañana y de tarde.
Sónar Kids, el programa paralelo de Sónar pensado para disfrutar de la Música y la Creatividad en Familia, volverá el sábado 20 de junio en el Parc del Fòrum con actividades destinadas a despertar y estimular la creatividad de los y las más pequeñas de casa.
Shakira ha sido confirmada como la artista que dará un concierto gratuito en la playa de Copacabana, en Río de Janeiro (Brasil), el próximo 2 de mayo. Shakira era el nombre que sonaba más fuerte en las apuestas y el alcalde de Río, Eduardo Paes, ha confirmado este miércoles que será la colombiana la artista que siga los pasos de Madonna (2024) y Lady Gaga (2025), actuando para un público absolutamente multitudinario en el evento conocido como Todo Mundo no Rio.
Se espera que Shakira congregue a un público masivo, si bien puede que no tanto como el de Madonna -1,6 millones- y Lady Gaga -2,1 millones-, ya que Shakira, que es latinoamericana, actúa con frecuencia en Brasil y, de hecho, su actual gira la empezó en Río hace un año.
El paso de Shakira por Copacabana se integra lógicamente dentro de la gira de ‘Las mujeres ya no lloran’, por lo que es de esperar que el show siga su mismo diseño, aunque seguro incluirá guiños específicos a Brasil y quién sabe si alguna colaboración destacada. Actualmente, Shakira se encuentra realizando fechas de la gira en América Latina y, a continuación, viajará a Asia Occidental para ofrecer conciertos programados en Jordania, Qatar y Abu Dabi, todos ellos previos a Copacabana.
Después, Shakira debería poder actuar en Europa, incluyendo unas fechas en España que no terminan de anunciarse, quizá debido a los bookings ya confirmados para 2026. Ciñéndonos a Madrid y Barcelona, Bad Bunny ha acaparado mayo y junio con una decena de fechas en el Metropolitano, mientras las giras de Rosalía, El Último de la Fila y Bruno Mars se extienden entre finales de marzo, abril y julio.
Según Los 40 Principales, se estudia la posibilidad de que la llegada de la gira de Shakira a España se retrase hasta 2027, pero por el momento no hay nada confirmado.
James Van der Beek, protagonista de la serie ‘Dawson crece’, ha fallecido a los 48 años por cáncer. Así lo ha informado su familia en redes sociales, donde ha publicado un comunicado oficial: «Llegó a sus días finales con valor, fe y serenidad. Hay mucho que compartir sobre sus deseos, su amor por la humanidad y la sacralidad del tiempo. Ese momento llegará. Por ahora, pedimos privacidad».
Hace dos años, el actor había revelado en su cuenta de Instagram que padecía cáncer colorrectal y que había estado llevando la enfermedad en privado. Tras el anuncio de su muerte, múltiples personalidades de Hollywood han llorado la pérdida del actor, desde Lana del Rey hasta Jamie-Lynn Sigler: «Eras todo lo bueno en este mundo», ha escrito la actriz.
‘Dawson crece’ fue una de las series más icónicas de finales de los 90, relatando la vida de un grupo de adolescentes desde el instituto a la universidad. Van der Beek fue uno de los primeros en anunciar su presencia en el reencuentro de la serie, pero no pudo participar debido al empeoramiento de su enfermedad.
Rebe, singular figura del pop underground nacional, es autora de joyas del bedroom pop etéreo como ‘Wapa wapa wapa wapa wapa wapa’, ‘Tócame el culo’ o ‘Jamón’, aunque esa etiqueta se queda corta para transmitir todas sus influencias, que abarcan especialmente la canción romántica española, el flamenco o la música latina, todas englobadas en una estética entre naíf y turbia incomparable.
Rebequita la Bonita, como se la conoce también, publica nuevo disco esta primavera, el tercero de larga duración, y el primer adelanto es otra maravilla que contar en su repertorio, si bien esta vez logra ser también una de sus composiciones más accesibles e inmediatas.
Puede que haya tenido que ver con eso AMORE, que canta ‘Sobre tu ventana’ a dueto con Rebe y además co-produce la canción junto a la susodicha, Otro y Dinamarca. Ella, habiendo colaborado con artistas como Amaia Romero, es uno de los secretos mejor guardados de la industria española.
‘Sobre tu ventana’ es un caramelo envenenado de Rebe y AMORE, un «himno celestial» sobre una mujer que, fumando, espera a su amante, fantaseando con una aventura amorosa vecinal. Mientras Rebe y AMORE sueñan con la «boca» de esa persona, los arreglos de ‘Sobre tu ventana’ nos mecen con elegantes cuerdas orquestales, ritmo de rumbita suave, armonías angelicales y vibras propias de las folclóricas de antaño. Rimas como la de «Cómo serán tus ojos color caramelo, solo pienso en ti, solo conozco tu pelo» suenan inspiradas en la obra de Papá Levante, que no paran de ser reivindicadas y, por cierto, sacaron single hace poco.
El veneno de ‘Sobre tu ventana’ viene de su trasfondo, ya que, como explica Rebe en palabras recogidas por MondoSonoro, ‘Sobre tu ventana’ «retrata con minuciosidad la recreación fantasiosa de un romance platónico narrado mediante viñetas vecinales en las que se idealiza más en virtud de la propia fantasía amorosa que por el atractivo del objeto de deseo». «Wapo wapo wapo», o todo lo contrario, nunca una frase imperativa como «Insolente, escúchame» sonó tan romántica.
Spotify ha clasificado los mejores discos de la era del streaming según su criterio, seleccionados por su equipo en función del “impacto cultural” y el «staying power» (un concepto difuso que alude a las veces que volvemos a escuchar un disco). Conviene señalar que la lista se centra específicamente en álbumes de música pop publicados entre 2015 y la actualidad, por lo que incluye discos que presentan una accesibilidad pop a pesar de pertenecer a otros géneros.
De la lista, 22 títulos están firmados por mujeres y solo 6 por hombres. Ordenada alfabéticamente, el disco más antiguo es ‘Ten Love Songs‘ de Susanne Sundfør, editado en febrero de 2015, y el más reciente, ‘brat‘ de Charli XCX, lanzado en junio de 2024.
La lista alterna discos tan reproducidos y exitosos como ‘SOUR’ (2021), de Olivia Rodrigo, pero también busca credibilidad editorial reivindicando títulos que no obtuvieron grandes ventas, aunque fueron adorados por la crítica, como ‘What’s Your Pleasure?‘ (2020), de Jessie Ware. Billie Eilish y Taylor Swift son las únicas que repiten con dos discos.
Spotify trata de evitar las críticas por su anglocentrismo incluyendo la obra de una artista noruega, el mencionado ‘Ten Love Songs’. Sin embargo, el inglés es el idioma predominante en todos y cada uno de los títulos elegidos, incluido el de Sundfør, así que no esperes ver en la lista trabajos de Rosalía, Christine and the Queens… o Bad Bunny, a pesar de su éxito.
De hecho, si se trata de unificar en una lista discos que fueron comercialmente exitosos y, a la vez, alabados por la prensa, sorprende la ausencia de al menos uno de los dos álbumes publicados por SZA, como ‘Ctrl‘ (2017), clásico moderno donde los haya. En cuanto a obras hechas por hombres, no esperábamos ver a Drake con alguno de sus interminables discos, pero sí a Kendrick Lamar con alguno de los suyos. Cualquiera habría valido, aunque ‘DAMN.‘ (2017) estaba a huevo: es uno de los más reproducidos de la historia y ganó el Pulitzer.
Por seguir sacando punta a una lista que, al fin y al cabo, es subjetiva y no puede incluirlo todo, no diríamos que ‘Lover‘ (2019) sea uno de los dos discos de Taylor Swift que merece estar aquí, aunque hay que reconocer que tiene sus defensores; y la ausencia de Frank Ocean implica ya una reescritura de la historia. Así queda la lista completa, en orden alfabético, vía PopBase:
• Adele — 25
• Ariana Grande — thank u, next
• Beyoncé — Lemonade
• Billie Eilish — HIT ME HARD AND SOFT
• Billie Eilish — WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?
• Bruno Mars — 24K Magic
• Calvin Harris — Funk Wav Bounces Vol. 1
• Carly Rae Jepsen — E•MO•TION
• Charli XCX — BRAT
• Chappell Roan — The Rise and Fall of a Midwest Princess
• Doja Cat — Planet Her
• Dua Lipa — Future Nostalgia
• Ed Sheeran — ÷
• Harry Styles — Harry’s House
• Jessie Ware — What’s Your Pleasure?
• Justin Bieber — Purpose
• Kacey Musgraves — Golden Hour
• Lana Del Rey — Norman F***ing Rockwell!
• Lorde — Melodrama
• MUNA — About U
• Olivia Rodrigo — SOUR
• Rihanna — ANTI
• Rina Sawayama — SAWAYAMA
• Sabrina Carpenter — Short n’ Sweet
• Selena Gomez — Revival
• SOPHIE — OIL OF EVERY PEARL’S UN-INSIDES
• Susanne Sundfør — Ten Love Songs
• Taylor Swift — Lover
• Taylor Swift — reputation
• The Weeknd — Starboy
No, este no es otro podcast dedicado a Madonna. El periodista y escritor Paco Tomás, muy conocido últimamente por su programa Wisteria Lane, con más 1.000 episodios a sus espaldas, visita REVELACIÓN O TIMO para hablar del edadismo en el mundo del pop. No esquivamos el caso de Madonna, a la que se dedicó este titular que veis aquí («cálmese, abuela») cuando tenía 35 años, pero es solo la punta del iceberg. Sophie Ellis-Bextor ha sido otra de las artistas que se han quejado de edadismo, una de las temáticas que encontramos en la película ‘Maspalomas’, nominada a varios Goya.
Paco Tomás reflexiona sobre el caso de Madonna: «Hay gente que cree que lo que tiene que hacer es cantar boleros, como María Dolores Pradera, y dejar la sexualización del cuerpo para la gente joven». Mencionamos también los casos de Cher, Barbra Streisand o Cyndi Lauper.
Tomás añade en otro momento: «Resulta como ridículo que tú intentes hipersexualizarte a partir de los 40 años. Te miran como el viejo verde o la vieja decrépita. «¿Por qué se pone esa ropa?». Hay muy pocos cantantes masculinos que se hipersexualicen a partir de los 40 años. Las cantantes sí tienen que seguir haciéndolo, bien porque les da la gana, bien porque si no, no encuentran su espacio. Es lo que pasa en el cine: una actriz a partir de los 40 años… O eres una niña jovencita, tía buena, y el cartel de la película… o la abuela. Pero entre medias, que son décadas, no han encontrado papeles donde encajar. Puedes ser la madre, pero la madre ya no es protagonista. En la música sucede igual. Tiene que ver mucho con la hipersexualización que hay ahora mismo. En los 70 no era así. Pero ahora sí».
En el podcast recordamos que el «edadismo» fue un concepto acuñado por el gerontólogo Robert Butler en 1968, mencionamos el libro coetáneo de Simone de Beauvoir ‘La vejez’, pero situamos el debate sobre esta cuestión social en la última década o en el último lustro. En 2022 la RAE reconocó el término «edadismo». Y también hablamos de las diferencias que hay entre pop y rock, pues no sufren el mismo edadismo Iggy Pop, Bruce Springsteen y los Rolling Stones que Robbie Williams; o entre otras disciplinas culturales. En la literatura o en la dirección de cine, envejecer es un valor. En la música, rara vez.
Paco Tomás reflexiona también sobre la policía de la edad y de la moral cuando se ha crecido sin referentes desde una sexualidad disidente, y se pregunta cómo será la tercera edad de artistas LGTBIQ+ como Samantha Hudson. «Los artistas no escriben canciones sobre la vejez, sino sobre el paso del tiempo (…) No hay tantas canciones sobre el paso a la vejez, y las que hay son medio de coña, como ‘When I’m 64′» de los Beatles.
A lo largo de la conversación, analizamos -entre otras cuestiones- qué cantantes mayores de 40 años encontramos en las listas de éxitos, hallando tan solo excepciones como David Guetta (58 años), Daddy Yankee (50 años) o Shakira (47 años). La inmensa mayoría ronda los 25 o 30 años.
María Escarmiento ha apostado por el hyperpop para consolidar su identidad artística, al margen de las modas, tras unos titubeantes inicios en el neo-perreo que casi no recordamos. El éxito de su versión de La Oreja de Van Gogh ha podido inspirar a María Villar a escribir melodías más precisas y redondeadas, y eso es exactamente lo que ofrece la artista madrileña en su nuevo disco.
Eso, y humor cotidiano salpicado de emoción. ‘Forever’ es una carta de amor al pop electrónico de los 2000 y se cierra con un tema llamado ‘Parques, flores y gente’, en el que Escarmiento reconoce sentirse cómoda en su propia vida. Ya no «envidia» ni se siente inferior a nadie, y el mensaje cala porque suena sincero… y llega inmediatamente después de ‘Espiral despiadada’, pareciendo un final extendido.
Escarmiento destaca en la zona gris que separa el humor cotidiano de la inteligencia emocional, y en ese punto medio se encuentran ‘Son de amores’, botando a ritmo de eurodance y happy hardcore, y ‘Una nueva canción’, una composición meta sobre escribir un temazo después de atravesar un bloqueo creativo. Si esta mezcla guitarras y electrónica a lo 100 gecs, ‘Siempre juntas’ tira de energía j-pop para ofrecer una oda a la amistad que provoca una sonrisa sin tomarse demasiado en serio.
El mayor mérito de ‘Forever’ reside en ofrecer un repertorio de canciones enfocadas y diferenciadas, que no se confunden entre sí. Aunque recaliente los nachos de la Grimes acústica (‘Lo siento (una pena)’) o de Kim Petras (‘Tuya primero’), Escarmiento imprime cierta personalidad a las letras gracias a su sentido del humor, razón por la cual el freestyle ‘A la mierda el namasté’ funciona al reflexionar, con ironía, sobre lo bola que se puede hacer la vida cuando eres artista independiente.
Las canciones resultan algo toscas en sus aproximaciones más directas al club, como en ‘Iconic’, en la que Samantha Hudson deja unas rimas forzadas («Real bad bitch, aunque vaya muy basic / White tee, hoy estaba muy lazy»); o en la energía algo improvisada de algunos pasajes, como ese de ‘Dope Forever’ que hace referencia a ‘Tik Tok’ de Kesha, demasiado pronto, ya que es la canción inicial. Quizá avisa de que ‘Forever’ será más divertido cuanto más entiendas sus referencias.
Por si no había suficientes noticias de Bad Bunny, de nuevo top 1 Global en Spotify con ‘Debí tirar más fotos’ y en Spotify España con ‘Baile inolvidable‘ tras su exitazo en la Super Bowl, un vídeo sobre él se ha viralizado en redes en las últimas horas.
Se trata de dos chicas que se equivocan y compran entradas para ver a Bunbury en Madrid, en lugar de para ver a Bad Bunny. Las tiktokers aparecen en el vídeo muertas de risa y llorando de frustración -todo al mismo tiempo- cuando se dan cuenta de que han comprado entradas para Bunbury en el Movistar Arena, en lugar de para Bad Bunny.
Sobre estas líneas, el cartel por el que se generó la confusión y en el que lo cierto es que no se distingue tanto al artista: «Pensé que los rizos eran de él». Alguien se olvidó de comprobar fechas o de que el concierto de uno es el Metropolitano y el del otro en Movistar Arena.
«Voy a vomitar» es una de las pocas frases que pueden articular entre risas y llantos. «Ya decía yo que eran muy baratas» es otra, tras haber pagado 165 euros por 2 tickets. ¿Alguien da más? Sí, el vídeo mejora cuando deciden ponerse temas y colabos de Bunbury al azar, y les da todavía más la risa.
Esta noche ha tenido lugar la primera semifinal de Benidorm Fest 2026, con las eliminaciones de DORA & Marlon Collins, Greg Taro y Luna Ki. Esta última, pese a tener una de las mejores canciones de la edición. Su intervención también ha sido muy comentada después de que abandonase el plató antes de las votaciones tras sentirse «indispuesta».
El equipo de Luna Ki ha enviado un comunicado sobre lo que ocurrió: «Queremos aclarar que Luna tuvo que abandonar el recinto justo al finalizar su actuación, antes de que dieran comienzo las votaciones.
La artista sufrió un episodio de ansiedad que requirió atención inmediata y su retirada del foco público. Detrás de la artista que se sube al escenario hay una persona sensible: la salud y el bienestar de Luna están y estarán siempre por encima de cualquier compromiso profesional y espectáculo. Por ello pedimos a los medios de comunicación y a los usuarios en redes sociales responsabilidad, empatía y respeto».
La nota termina agradeciendo el «trato humano» a María Eizaguirre y César Vallejo de RTVE. Y concluyen: «Luna se encuentra ahora mismo descansando, contenida por su entorno y sus seres queridos. Gracias también a quienes envían mensajes de cariño sabiendo ver a la persona detrás del personaje».
Según informa Vertele, Luna Ki no cumplirá sus compromisos contractuales con Benidorm Fest y estará un tiempo retirada del ojo público.
La autora de ‘Bomba de amor’ se había retirado sin aviso previo tras no encontrarse del todo bien: «Ahora mismo no la encontramos en esta ‘green room’ porque se encuentra indispuesta, así que la deseamos una pronta recuperación», comentó Inés Hernand. Inmediatamente, el público empezó a preguntar por ella, por lo que Jesús Vázquez aclaró que Luna se había «ausentado del auditorio», pero que «está bien».
María Eizaguirre, directora de comunicación de RTVE, ha mostrado su apoyo a la cantante en la sala de prensa del recinto: «En nombre de RTVE quiero decir que Luna es una artista de los pies a la cabeza: es todo sensibilidad, corazón, es una persona hipersensible, auténtica, tan de verdad…», ha asegurado antes de pedir un «cariñosísimo aplauso».
Horas antes de la actuación, Luna Ki describía su intervención como «uno de los momentos más importantes de [su] carrera» y adelantaba que iba a anunciar «el álbum de [su] vida», al coincidir con la fecha de su 27º cumpleaños. También eran bastante reveladores los mensajes que ha retuiteado en su página de X:
«Todos y todas hemos sido Luna Ki alguna vez. No hemos podido, nos hemos sentido abrumados ante algo… Y aún así no nos hemos sentido apoyados», se lee en uno de ellos. «Las personas que hemos sufrido problemas de salud mental la comprendemos, estoy seguro», finaliza. El otro mensaje retuiteado por Luna es más directo: «No pasa nada porque no te hayas sentido cómoda esta noche, vales mucho y eso no lo cambia una mala pasada».
Según informa EL MUNDO, Luna Ki habría necesitado «asistencia» después de que «artistas y representantes» la viesen «estresada, profundamente alterada y visiblemente desbordada» en los pasillos.
Todos y todas hemos sido Luna Ki alguna vez. No hemos podido, nos hemos sentido abrumados ante algo… Y aún así no nos hemos sentido apoyados. Las personas que hemos sufrido problemas de salud mental la comprendemos estoy seguro. Todo mi cariño y apoyo @LunaKi
Luna Ki cariño no te metas en X. No pasa nada porque no te hayas sentido cómoda esta noche, vales mucho y eso no lo cambia una mala pasada 😘😘😘#BenidormFestSemi1
Jennifer Lopez hace tiempo que no coloca un éxito en las listas -el último probablemente fue ‘Ain’t Your Mama‘ hace 10 años, si recuerdas que existe todo un mundo más allá de Estados Unidos-, pero sí se ha anotado un hit en los últimos tiempos en forma de expresión popular. No tantos artistas logran transformar la manera en que hablamos o nos expresamos, pero la expresión «mi gente latino» se ha consolidado en el habla de las redes sociales, se viraliza constantemente y está siendo revivida estos días tras la espectacular actuación de Bad Bunny en la Super Bowl.
La frase «mi gente latino» se usa para expresar orgullo por el origen latino y, recientemente, figuras como Zara Larsson la han utilizado de manera irónica para sugerir que la actuación de Bad Bunny ha sido tan buena que las ha vuelto latinas de golpe.
«Mi gente latino» es tan popular que algunos usuarios de TikTok aseguran que ahora la expresión que sería gramaticalmente correcta, «mi gente latina» -ya que gente en español es de género femenino-, ya les suena mal. El núcleo del meme está precisamente en ese simpático error humano que Jennifer Lopez cometió al agradecer un premio hace mucho más tiempo del que probablemente imaginas.
La expresión «mi gente latino» se ha viralizado en el último lustro, sobre todo a partir de su difusión en TikTok en 2023, pero pertenece a un episodio de 2011 en el que Lopez recoge su premio a Mejor Artista Latino en los American Music Awards. Lopez, que es neoyorquina de origen puertorriqueño, ha grabado decenas de canciones en español y habla el idioma con cierta fluidez, pero en ese momento pudo más la emoción y protagonizó un momento de humor involuntario que delató su mejorable dominio del español mientras recogía un premio que implicaba su vínculo con el idioma. El momento se remató cuando la cámara enfocó a Taylor Swift expresando a Selena Gomez su sorpresa por descubrir que Lopez «habla español», a lo que Gomez respondió soltando una carcajada.
Si nos ponemos a localizar el origen del meme, vemos que existen tuits de 2020 que ya lo utilizaban de forma irónica o en tono de broma. Precisamente, ese fue el año en que Lopez actuó en la Super Bowl junto a Shakira, en un espectáculo que celebró la cultura latina por todo lo alto seis años antes que Bad Bunny. Un fragmento de una entrevista de la época también ha circulado en los últimos años porque muestra a Lopez hablando español con cierta dificultad, provocando la incómoda reacción de Shakira.
El contraste entre el dramatismo de sus palabras, su gesto de victoria cuando alza el premio en alto y baja la cabeza hacia el suelo, y su pronunciación incorrecta de la frase convirtió este episodio en uno de los momentos virales más memorables de la cultura pop. De hecho, no fue hasta el año pasado cuando un periodista preguntó a Jennifer Lopez por el meme y ella pidió que se lo explicara, porque no entendía por qué la gente lo encontraba tan gracioso. Lopez por fin lo entendió.
El momento también ha conectado por lo que tiene de «relatable», especialmente para todas aquellas personas bilingües que ocasionalmente mezclan idiomas de mala manera (no solo pasa con el inglés y el español, todos recordamos la polémica por el «cumpleanys» de Rosalía). No hay que olvidar que en Estados Unidos viven 60 millones de personas que hablan español y que el «spanglish» está a la orden del día. Puede que Donald Trump no lo entienda pero el meme tampoco es para él.
@visionshowok 📢 Jennifer López se ríe del famoso meme “Mi gente latino” Jennifer López finalmente se refirió al icónico momento del meme “Mi gente latino” que se volvió viral en Argentina y otras partes de Latinoamérica. Durante una entrevista con el periodista argentino @javiponzo la cantante y actriz habló con humor sobre el tema que lleva más de 14 años circulando. Entre risas, J-Lo confesó: “Lo gracioso es que estuve pensando si era ‘mi gente latino’ o ‘mi gente latina’ antes de decirlo”. Esta espontaneidad dejó claro que la artista se toma con simpatía el meme que la convirtió en protagonista de un chiste cultural que sigue vigente hasta el día de hoy. El momento demuestra que incluso las grandes estrellas pueden reírse de sí mismas y de las pequeñas confusiones que se vuelven inolvidables para sus fanáticos. ¡J-Lo no solo brilla en los escenarios, sino también en las redes! #migentelatino#jenniferlopez#visionshow♬ sonido original – Visionshow
Barry B pondrá el broche de oro a su meteórico ascenso en 2027. El autor de ‘CHATO’ ha anunciado sus primeros Movistar Arena y Sant Jordi Club, ambos teniendo lugar el año que viene. Barry debutará en el recinto madrileño el próximo 23 de enero de 2027, y un poco antes en el Sant Jordi Club, el 8 de enero.
El artista arandino llega de agotar tres Rivieras y actualmente se encuentra en su primera visita a México. Sin duda, está en el mejor momento de su carrera. En nuestro Anuario de 2025, hablamos justamente de esto y de su colaboración con Aitana, el éxito de ‘Infancia Mal Calibrada’…
La preventa para el Movistar Arena de Barry B ya está disponible hasta mañana a las 12h. Ese será el momento en el que pase a estar activa la venta general de entradas, mañana, jueves 12 de febrero a las 12h.
VIDA ha completado su cartel de 2026 con las incorporaciones de Lia Kali, La Lom, Cassius, Myd, Yung Prado, Mujeres, Modern Woman, Triquell, Svsto, Edna Bravo y Lecocq. El festival, que contará con artistas como Fatboy Slim, Ralphie Choo o Amaia, se celebrará del 2 al 4 de julio en Vilanova i la Geltrú.
El cartel de VIDA 2026 combina talento internacional, escena local y descubrimiento musical. Es por ello que la nueva tanda de artistas se suma a los nombres ya confirmados: Ralphie Choo, Guitarricadelafuente, Amaia, Fatboy Slim, Saint Étienne, Maria Arnal, Yerai Cortés, Charlotte Cardin y Nu Genea, entre otros. Todavía no se conoce quién protagonizará el concierto inaugural del evento.
Solo quedan menos de 1000 abonos a la venta. Los últimos están disponibles en la web del festival, en la que también se pueden adquirir las entradas de día.
El lema de este año en el VIDA se trata de IMAGINE, una «palabra universal que nos acompaña desde hace generaciones» y que no es solo «una canción icónica». En coherencia con ese espíritu, el festival adopta una imagen gráfica moderna, seria y elegante. Como el mítico White Album o la portada de Imagine, el blanco se convierte en el color central del VIDA 2026.
M.I.A. ha arremetido contra Rosalía por «imitar el estilo de vida cristiano» en su etapa actual, a raíz de la aparición de Vila Tobella en el editorial de primavera de Vogue. Rosalía es portada de la revista y aparece en las fotografías interiores posando con una túnica transparente, aunque Arulpragasam se debe estar refiriendo también a toda la estética de ‘Lux‘ sin mencionarla directamente.
Maya ha subido dos imágenes de ella vistiendo una túnica similar a la de Rosalía y ha criticado que Vogue contribuya a construir «falsos profetas para obtener beneficios», mientras que la rapera habría sido «cancelada» tras su conversión al catolicismo. «Algunos de nosotros vivimos esta vida», ha escrito la rapera británica. «No estoy diciendo que ella me esté robando a Dios, pero a mí me cancelan por ser cristiana, mientras ella imita mi vida y se beneficia dentro de la industria y de la Iglesia católica, por lo que tiene a todo el sistema ayudándola a robar mi trabajo».
M.I.A. ha apostillado su mensaje clamando: «LEVANTO MI VOZ CONTRA SATANÁS Y SU EQUIPO DE IMITADORES. En el nombre de Jesús».
Mathangi, quien creció en el hinduismo, se convirtió al cristianismo en 2017 tras experimentar una «visión de Jesucristo» que le «cambió la vida».
Esta no es la primera vez que M.I.A. denuncia un supuesto borrado de su influencia en la cultura popular: en 2024, la autora de ‘Paper Planes’ señaló a Adele por no haber reconocido una supuesta deuda hacia ella, mientras se deshacía en elogios hacia Beyoncé. M.I.A. sostenía que Adele firmó en XL Recordings porque M.I.A. le introdujo a su mánager.
Rosalía y M.I.A. coincidieron en el escenario del Motomami Tour en 2022, durante su paso por Los Ángeles, donde ambas se fundieron en un cálido abrazo. Rosalía siempre ha reconocido la influencia de M.I.A. y menciona el nombre de la rapera británica en su canción ‘Bulerías’.
@voguemagazine setting up false prophet's for profits . Listen some of us live this life. And I'm not saying she is stealing God from me but I'm canceled for being Christian yet she mimics my life and is profiting the industry and the Catholic church so she has the entire system… pic.twitter.com/CUjRGMWQe4
Fangoria han sido los encargados de inaugurar la primera semifinal de Benidorm Fest 2026 con un medley que ha rescatado dos de los mayores himnos del dúo: ‘Dramas y comedias’ y ‘Espectacular’. No solo eso. Justo antes del final de la actuación, el grupo de Alaska y Nacho Canut ha desvelado algunas líneas de lo que podría ser su nuevo single.
Acompañados de su equipo de baile y antes de presentar a los aspirantes del festival, Fangoria han ocupado el escenario del Palau d’Esports l’Illa de Benidorm y no solo han interpretado dos de sus mayores éxitos. Los últimos 30 segundos del número estuvieron dedicados a una nueva canción de la que solo conocemos un par de líneas: «Tú te quedas, yo me voy / Se terminó / Tú te quedas, yo aquí estoy». Después, la actuación termina abruptamente.
Hay quien teoriza sobre que estas líneas puedan ser una referencia a la decisión de España de retirarse de Eurovisión por la continuidad de Israel en el certamen, pero no parece lo más probable. Desde luego, una frase como «tú te quedas, yo me voy» puede tener más de un significado.
La gala presentada por Jesús Vázquez, Javier Ambrossi e Inés Hernand terminó con los primeros seis clasificados de Benidorm Fest 2026: Tony Grox y LUCYCALIS, Izan Llunas, KITAI, Miquel Herzog Jr., Kenneth y el dúo formado por María León y Julia Medina. Dora & Marlon Collins, Greg Taro y Luna Ki, por otro lado, no se han clasificado.
Tony Grox y LUCYCALIS, Izan Llunas, KITAI, Miquel Herzog Jr., Kenneth y el dúo formado por María León y Julia Medina han sido los primeros seis clasificados de un Benidorm Fest 2026 que no ha dejado favoritos claros ni grandes sorpresas. La única escena más o menos memorable ha sido el momento en que DORA ha acercado el micrófono a Marlon mientras el cantante estaba agachado, simulando un pene. Y hasta esa idea parecía sacada de una actuación de Troye Sivan de hace dos años.
El voto popular ha eliminado la propuesta de DORA y Marlon Collins, que, apoyada solo por el jurado, sí podía presumir de ser la más arriesgada, con DORA y Marlon interpretando ‘Rakatá’ frente a lo que parecía un rosetón flotante y rebosando sexualidad. Le han puesto ganas y se notaba que confiaban en su propuesta a pesar de su extrañeza, pero el voto demoscópico los ha hundido.
Luna Ki, por su lado, llevaba la mejor canción de la edición, la divertida salsa de ‘Bomba de amor‘, pero Luna Górriz no ha transmitido su vibrante energía en una actuación dubitativa que ha empequeñecido la canción en lugar de engrandecerla, pese a algún momento de lucimiento vocal. Finalmente Luna Ki, que ha abandonado el plató antes de las votaciones por sentirse «indispuesta», según ha comunicado la co-presentadora Inés Hernand, no ha recibido puntos suficientes en ninguna categoría de votación. Como mínimo, la canción merecía mayor reconocimiento del que se le ha concedido. ¿Este no era un «festival de la canción»?
KITAI han entrado a la final con el rock de ‘El amor te da miedo’, ofreciendo una actuación clásica pero efectiva en su juego de cámaras, y después reivindicando el «amor libre» durante su entrevista posterior, realizando un alegato «contra los nostálgicos» del país, que parecía dirigirse a VOX.
KITAI, por cierto, parecían favoritos de Inés Hernand, que ya sabemos que es rockera aunque no haga ascos a otros estilos. Hernand, que presenta la quinta edición de Benidorm Fest -la primera sin billete a Eurovisión- junto a Jesús Vázquez y al debutante Javier Ambrossi -quien se ha coronado invocando el «AMOLAP» delante de Paloma San Basilio-, ha vuelto a ser lo mejor de la gala gracias a un repertorio de bromas que ha incluido pullas al PP y a la crisis de la vivienda, aunque también algún chiste cuñado forzado, como ese «siempre que lo ponemos, lo KITAI» que ha tenido delito, aunque no tanto como Ambrossi disfrazado de Vázquez durante su etapa musical. Ojo, porque el momento de ver a Jesús Vázquez interpretar ‘Y yo te besé’ en Benidorm Fest puede estar acercándose, como solicitamos en un podcast.
La mayor sorpresa es la clasificación a la final de Miquel Herzog Jr., ya que ‘Mi mitad’ es la canción menos escuchada de toda la edición. Su torrente de falsete e incursiones al piano han construido una actuación dramática y dinámica que ha ganado a la audiencia gracias a su calidad vocal, aunque la emoción parece haberle desbordado en algunos falsetes salidos de madre. De hecho, por momentos la primera semifinal de Benidorm Fest ha parecido Falsete Fest, más bien.
En esa dirección ha competido también Greg Taro, que no ha clasificado ‘Velita’, probablemente por depender demasiado de la canción, sin ofrecer un mínimo de puesta en escena. Todo lo contrario que Izan Llunas y el dúo de Tony Grox y LUCYCALIS, ambos clasificados.
Llunas ha presentado ‘¿Qué vas a hacer?’ frente a una torre de cortinas casi igual de grande que su micrófono, y de la cual han emergido sus bailarines. La propuesta de Llunas ha sido correcta, pero mejorable, ya que el artista ha ofrecido una actuación vocal irregular, marcada por la falta de aire en el primer estribillo.
Tony Grox y LUCYCALIS, en la foto que ilustra este post, han servido una puesta en escena etérea que simulaba una plaza de pueblo o una pila bautismal minimalista. Su ‘T AMARÉ’ ha ganado oyentes de forma notable y su propuesta musical de urban-flamenco-pop claramente responde a una sensibilidad muy actual, pero la actuación visualmente ha dejado poca huella.
Kenneth, que parte como favorito y principal rival de Miranda! y bailamamá, ha recurrido al falsete también en el clímax de ‘Los ojos no mienten’ y ha entrado a la final porque su canción suena a siglo XXI y ha servido voz, baile y energía a la altura. La decepción ha llegado en un «dance break» que ha aspirado a Chanelazo, pero ha sido todo un «coitus interruptus» porque en todo momento parecía el inicio de una coreografía que no se terminaba de desarrollar.
Favoritas del público, pero no del jurado, han sido María León y Julia Medina, finalmente aupadas por el voto demoscópico. Para ‘Las damas y el vagabundo’, su himno feminista heterobásico, León y Medina han apostado por una actuación tipo divas del pop que ha puesto el foco en ambas intérpretes, que se han vuelto locas y han tirado sus pies de micro de una patada. Si no hubiera sido porque ambas han tocado su propia guitarra durante un instante, casi habrían parecido Shakira y Jennifer Lopez en la Super Bowl. Una actuación tan anticuada como su canción, clara aspirante a ‘Nochentera’ de esta edición, pero representativa de una primera semifinal que ha carecido de la ambición de las anteriores. Ninguna propuesta se ha crecido realmente en esta primera gala, ni ha acabado de explotar su potencial. Acaso la de Herzog y porque iba el último de los últimos.
El programa, eso sí, ha resistido en audiencias, pese a no contar con el componente Eurovisión, como informa Vertele. Lidera la noche en empate con un 11,1% de la audiencia, y solo pierde 2 puntos respecto al año pasado, quedando por encima en «share» de las ediciones 2ª y 3ª. Una media de 850.000 espectadores vieron la primera semifinal de Benidorm Fest.
Audiencias de la primera semifinal del Benidorm Fest:
Primera edición: (26/1/2022): 11.8% y 1.534.000 (de 22:44h a 0:05h)
Segunda edición (31/1/2023): 10% y 1.044.000 (de 22:50h a 0:42h)
Tercera edición (30/1/2024): 10.8% y 1.005.000 (de 22:55h a 0:44h)
Cuarta edición (29/1/2025): 13.1% y 1.215.000 (de 22:56h a 0:46h)
Quinta edición (10/2/2026): 11.1% y 850.000 (de 22:59 a 1:01h)
VOTACIONES DEL JURADO
1.- Dora y Marlon Collins
2.- Miquel Herzog Jr.
3.- Kitai
4.- Tony Grox y LUCYCALIS
5.- Izan Llunas
6.- Kenneth
VOTACIONES DEL PÚBLICO
1.- Izan Llunas
2.- Kenneth
3.- María León y Julia Medina
4.- Miquel Herzog Jr.
5.- Kitai
6.- Tony Grox y LUCYCALIS
FINALISTAS
1.- Tony Grox y LUCYCALIS
2.- Izan Llunas
3.- Kitai
4.- Miquel Herzog Jr.
5.- Kenneth
6.- María León y Julia Medina
Como si se hubiera leído nuestro artículo preguntando dónde estaba el nuevo vídeo o el nuevo single de ‘LUX‘ (LOL), Rosalía mueve ficha. Ya hay nuevo vídeo para un tema algo inesperado, ‘Sauvignon Blanc’.
Barajado como sencillo de presentación del álbum en algún momento ya olvidado del «rollout», terminó sepultado por la espontaneidad de ‘La perla’; por ‘Reliquia’ al ser escogida para la gala de Los 40 Principales; y por ‘Dios es un stalker’, que fue elegida por la emisora para ser incluso número 1 directo de su lista semanal.
‘Sauvignon Blanc’ es una de las 4 canciones menos escuchadas de ‘LUX’ (también es verdad que es el track 12 de los 15 que hay subidos a plataformas), pero tratará de remontar con un vídeo desértico, en el que vemos a Rosalía sola hasta que aparece una fuerza mágica.
En sintonía con el componente místico de ‘LUX’, el vídeo dirigido una vez más por Noah Dillon juega con la simbología (la explosión, el fuego) y las interpretaciones. ¿Qué o quién es esa fuerza invisible que nos hará dejar atrás el desamor?
Al mismo tiempo, se publica un single en plataformas con las versiones a capella e instrumental de la canción.
Britney Spears ha vendido su catálogo musical por una gran suma de dinero, según confirma TMZ. Aunque la cifra exacta no se ha hecho pública, se estima que ronda los 200 millones de dólares, una cantidad similar a la del acuerdo que firmó Justin Bieber y que habría cerrado un “trato histórico”.
Spears firmó la venta de su participación editorial el pasado 30 de diciembre a la editorial musical Primary Wave, informa el portal estadounidense, que ha tenido acceso a documentos relacionados con el acuerdo. Esta es la misma compañía que en 2020 adquirió el 80% del catálogo editorial de Stevie Nicks por 100 millones de dólares.
El catálogo musical de Spears incluye clásicos del pop como ‘Toxic’, ‘…Baby One More Time’, ‘Oops!… I Did It Again’, ‘Womanizer’ o ‘I’m a Slave 4 U’. Según TMZ, Spears está “contenta con la decisión” y la está “celebrando pasando tiempo con sus hijos”.
Spears no ha sido la compositora principal de la mayoría de sus canciones, pero sí es co-autora de alrededor de 40 de ellas, incluidos éxitos como ‘Everytime’. Variety señala que es poco probable que la cifra que menciona TMZ incluya la venta de los derechos de nombre e imagen de Spears, a menos que la cifra sea «significativamente mayor» a la rumoreada.
Spears es solo uno de los muchos artistas que han vendido su catálogo a una editorial en los últimos años, una lista que incluye a Bruce Springsteen, Pink Floyd, Bob Dylan, Paul Simon, Queen, Neil Young, Shakira, KISS, Sting y Phil Collins.
“¿Qué hace falta para que te abras?” se cuestiona Julia Steiner en ‘Open Up’, la primera canción de ‘Singin’ to an Empy Chair’, el sexto álbum de Ratboys. Una pregunta que levita sobre las once pistas que conforman un proyecto que busca indagar en la naturaleza de las relaciones humanas, que quiere ahondar en las complejidades que requiere una conexión profunda con alguien. A nivel sonoro, también pinta un paisaje en el que la banda se moverá durante todo el disco, inyectando desde el principio una dosis mayor de country a la que acostumbraban, que se incorpora cómodamente a un sonido cada vez más denso.
En esta apertura, las delicadas cuerdas y la dulce voz de la cantante abren paso a varias capas de guitarras eléctricas y batería, pero la intención no es llegar a un clímax frenético, sino ir paulatinamente estableciendo una atmósfera reflexiva. En ‘Know You Then’ esa acumulación instrumental se materializa, ofreciendo un evocador número power pop en el que la narradora recuerda los años de instituto de un ser querido al que en ese momento aún no conocía. Es una pieza sencilla, efectiva e inmediata que precede a ‘Light Night Mountains All That’, probablemente la canción más ambiciosa del álbum y que más se distancia del resto. En ella, Ratboys proponen un viaje misterioso que transita tanto por zonas bucólicas como oníricas, donde las percusiones marcan un ritmo enérgico y las guitarras se distorsionan creando sonidos estridentes.
En contraste, el álbum decide echar ligeramente el freno en las experimentaciones y volver a un lugar más seguro pero no por ello menos satisfactorio, pues no es fácil resistirse a los encantos de una composición indie rock tan sólida como ‘Anywhere’, en la que retrata la obsesión a querer a estar con alguien hasta el punto de sufrir por separarse. Lo más divertido es que cuando Steiner la escribió, lo hizo pensando en el perro de la madre Dave Sagan, guitarrista de la banda, con quien tiene una fijación especial. Otra producción aparentemente sencilla pero muy efectiva es ‘Penny in the Lake’, donde Ratboys abrazan completamente el country alternativo en la línea de la última Waxahatchee.
En el disco conviven la inmediatez de temas como estos o ‘The World, So Madly’, una gran oda a vivir loca e intensamente tras saber “que nada va a durar”, con producciones que buscan lo contrario: construir un extenso universo sonoro e indagar en todos sus matices. Es el caso de la excelente ‘What’s Right’, que comienza como una canción indie rock al uso, con uno de los estribillos más memorables del proyecto, y en torno a la mitad, muta en algo completamente diferente, creando una tensión que nunca llega a resolverse. Así como tampoco llega a hacerlo la historia detrás de ‘Just Want You To Know The Truth’, donde Steiner narra de manera muy directa los detalles de una relación que se ha roto durante 8 minutos de balada a fuego lento que cierra con un emocionante pasaje instrumental. La casi post-punk ‘Burn It Down’ se extiende hasta los 7 minutos, donde destacan dos catárticos solos de guitarra.
En ‘Singin’ to an Empty Chair’, Ratboys han encontrado algo especial, y aunque no siempre sea particularmente novedoso, contiene varias de las mejores canciones de su carrera. Hay madurez y verdad en once composiciones que, en sus puntos más álgidos, consiguen emocionar con los elementos más simples: una percusión acelerada, una melodía de bajo que se distorsiona.
MUNA ha hecho de rogar a sus seguidores con el sucesor de su tercer álbum homónimo, publicado en 2022 a través de Saddest Factory, el sello de Phoebe Bridgers. Han pasado ya cuatro años desde aquello, pero el trío estadounidense formado por Katie Gavin, Josette Maskin y Naomi McPherson, que tanto ha significado para la juventud queer durante la última década, tiene por fin nuevo disco entre manos.
‘Dancing on the Wall’ se publicará el 8 de mayo y se presenta como un álbum a la vez «íntimo y espectacular», que propone un «universo pop construido con ingenio» y funciona como «banda sonora para corazones que arden mientras observan el caos a su alrededor».
El disco, sigue la nota de prensa oficial, «canaliza la ansiedad de vivir en un Los Ángeles marcado por la tensión política, el deterioro ambiental y las presiones silenciosas de la precariedad millennial», y en lo musical combinará «paisajes sonoros eufóricos con una narrativa cercana y afilada».
Cumple esa descripción el sonido del primer adelanto de ‘Dancing on the Wall’, el corte titular, que brilla recreando la estética de la radiofórmula synth-pop ochentera. Derrochando melodía y elegancia sintética, la canción invita al baile mientras describe el enganche a una persona emocionalmente inaccesible a la que MUNA no consigue renunciar. «Sé cómo hacerme daño contigo», canta Gavin en la letra, atrapada en un bucle emocional tan perjudicial como adictivo.
Tracklist:
1. It Gets So Hot
2. Dancing On The Wall
3. Eastside Girls
4. Wannabeher
5. On Call
6. So What
7. Party’s Over
8. Big Stick
9. Mary Jane
10. Girl’s Girl
11. …Unless
12. Why Do I Get A Good Feeling
13. Buzzkiller
The Black Keys ha anunciado fecha única en España en 2026. El dúo de rock formado por Dan Auerbach y Patrick Carney actuará el 13 de septiembre de 2026 en el Movistar Arena de Madrid, donde presentará su nuevo álbum, ‘Peaches!‘, además de repasar los grandes éxitos de su carrera.
Las entradas saldrán a la venta el viernes 13 de febrero a las 10.00 horas a través de los puntos de venta habituales, con un precio de 65 euros más gastos de distribución. Habrá preventas disponibles desde el 12 de febrero a las 10.00 horas para usuarios de Live Nation y Live Nation–S.SMusic.
El telenero del concierto será Robert Finley, autor de discos producidos por Dan Auerbach, como el reciente ‘Hallelujah! Don’t Let The Devil Fool Ya’.
‘Peaches!’ será el decimocuarto álbum de The Black Keys y el sexto en siete años. EL primer adelanto ha sido ‘You Got to Love’, que ha recordado a muchos a los Black Keys de antaño. ‘Peaches!’ sale el 1 de mayo.
Jonny Greenwood ha emitido un comunicado denunciando el uso de su música en ‘Melania’, el documental sobre la Primera Dama de Estados Unidos. En un escrito suscrito también por el director Paul Thomas Anderson, el guitarrista de Radiohead asegura que Universal Pictures ha licenciado la música de ‘El hilo invisible‘ (2017) sin su permiso y solicita que sea retirada.
«Hemos sido informados de que se ha utilizado una pieza musical de ‘El hilo invisible’ en el documental ‘Melania'», señala el comunicado emitido por los representantes de Greenwood y recogido por Variety. «Aunque Jonny Greenwood no posee los derechos de autor de la banda sonora, Universal no lo consultó sobre este uso por terceros, lo cual constituye un incumplimiento de su acuerdo como compositor. Como resultado, Jonny y Paul Thomas Anderson han solicitado que se retire del documental».
La película sobre Melania Trump, dirigida por Brett Ratner en su primer proyecto tras las denuncias de acoso sexual que recibió, se ha hundido en la taquilla estadounidense en su segunda semana, probablemente debido a las nefastas críticas en la prensa especializada. ‘Melania’ pretende acercar al público a la figura de la Primera Dama, pero los críticos aseguran que no cuenta realmente nada y la califican de «lenta», «superficial» y «narcoléptica». Otros la consideran propaganda trumpista.
La música de ‘Melania’ ya había dado de qué hablar para mal, ya que una periodista criticó el uso de ‘Amazing Grace’ de Aretha Franklin en la película, tildándolo de «troleo», ya que la canción está históricamente asociada al Movimiento por los derechos civiles en Estados Unidos y a Barack Obama. Recientemente, Donald Trump ha difundido un montaje racista de Barack y Michelle Obama que después ha borrado.
‘Melania’ incluye también música licenciada de Michael Jackson, Elvis Presley, Giorgio Moroder, James Brown, The Rolling Stones, Tears for Fears o Village People, mientras que la banda sonora original ha sido compuesta por Tony Neiman.
Anna Calvi, la rockera inglesa nominada al Mercury Prize, ha anunciado el primero de una trilogía de tres EPs que publicará durante 2026, en los que explorará «la identidad como metamorfosis». Es su primer trabajo después de haber sido madre.
El primero de estos EPs verá la luz el 20 de marzo y destaca por su elenco de colaboradores, que incluye a los legendarios Iggy Pop y Laurie Anderson, así como a dos estrellas modernas de la música alternativa como son Perfume Genius y Matt Berninger de The National. Por lo visto, Anna Calvi solo se rodea de lo mejor.
El EP de cuatro cortes se titula ‘Is This All There Is?‘ y ya se conoce la mitad de su contenido. El single principal es ‘God’s Lonely Man’, que trota rítmicamente en compañía de Iggy Pop, mientras que Perfume Genius participa en la pantanosa versión de ‘I See a Darkness’ (1999) de Bonnie «Prince» Billy. Ambos cortes representan las dos caras de una misma moneda.
En cuanto al resto de los temas, parece que Laurie Anderson colabora en una versión de ‘Computer Love’ (1981) de Kraftwerk, mientras que el corte titular -con Berninger- podría ser una pieza original o un cover de un clásico de Peggy Lee de 1969 que se titula de forma casi idéntica.
Calvi no publica un disco propio desde 2018, cuando lanzó ‘Hunter‘, que en 2020 reeditó bajo el título de ‘Hunted’ con colaboraciones de Charlotte Gainsbourg, Courtney Barnett e IDLES. Sin embargo, la artista ha seguido al pie del cañón componiendo para proyectos ajenos: en 2024 firmó la banda sonora de ‘Peaky Blinders’, encargándose de las temporadas 5 y 6.
