Pharrell Williams llegó a asegurar en una entrevista que «pasa de la política» y que a veces se «irrita» con el respaldo de algunos artistas a líderes políticos. Estas declaraciones llegaron unos días después de que Taylor Swift apoyase públicamente a Kamala Harris. En una nueva entrevista con GQ, asegura que no tenía nada que ver con ella.
En la conversación, Williams clarifica que sus comentarios no tenían nada que ver con Taylor y que aquellos que aseguran que iban dirigidos a ella se tratan de «troles de derechas»: «Amo a Taylor. Ella lo sabe», ha declarado. Este también añade que en la entrevista original no menciona a Taylor en ningún momento y que, de hecho, tiene una camiseta de ‘1989’: «Amo a la gente, hermano», ha declarado.
El productor continuó dando su visión de la política, pese a haber declarado anteriormente que no tiene mucho interés en ella: «Escuché algo el otro día que tenía todo el sentido del mundo: de ala derecha o de ala izquierda, todo forma parte del mismo pájaro».
Escribir que Nacho Casado y Antonio Galvañ, Parade, estaban condenados a encontrarse es un tópico para poder abrir la crítica de su disco en común. Pero en este caso, un tópico muy cierto. Sus postulados musicales no distan demasiado. La bossa nova/jazz a lo Stan Getz con João Gilberto de Nacho Casado se entiende a las mil maravillas con el pop sofisticado de Parade. Y ambos tienen unas voces preciosas.
De su unión sale una obra sentimental al cuadrado: su primer disco en común es hermoso, atemporal, cálido y ligero, una declaración de amor a unas sonoridades, de Bacharach a Mancini, pasando por Jobim y todos los popes de la bossa, con bien de los primeros Everything But the Girl, pero manteniendo la personalidad de los autores.
Aparte del amor a un cierto tipo de música, hay también mucho amor en general en este disco. De hecho, todo él gira en torno a diferentes tipos de amor y de desamor. Nacho Casado ya deja puestas las bases del álbum en la inicial exaltación al enamoramiento que es ‘Siete noches a la semana’. El piano y el contrabajo, tan jazzies, nos remiten a los EBTG más orgánicos. Parade se encarga de la mejor versión del amor en ‘El lindo amor’, llamada a ser una de sus piezas mayores. Una loa al romance tranquilo, al no tóxico, a ritmo del piano de ‘Only Love Can Break Your Heart’ de Neil Young en versión Saint Etienne. Porque ‘El lindo amor’ es su reverso: del amor que te rompe el corazón al que te lo cura.
Casado hace toda una declaración de intenciones en ‘Nueva York, Tokio y Brasil’, de aires brasileños desatadísimos. Como fantasía brasileña, pero pasada por Henry Mancini, es ‘El primero’. Una lamentación de Parade sobre ser el primero… en todo lo malo, pero no en el amor, con una letra tan divertida como sentida. El desamor maduro, ese que desea lo mejor al otro, aparece en ‘Costeau’, con estupendos arreglos de cuerdas y referencias a Family. ‘Clon rezagado’ es el regreso a las historias de ciencia ficción de Galvañ. Muy McCartney. Muy Parade.
Las preciosidades sentimentales se suceden en la clásica ‘Mañana mismo’. O el baladón ‘Verano’ de Nacho, cuya base es un piano donde cabe todo el peso melancólico del otoño plomizo. Cierran con el Parade más Parade con ‘Perdonen pero tengo un trastorno’. Un trastorno que es cantar. Y, aunque el título suene a humorada, es un lamento sobre la incomprensión que sufren los que se alejan de lo “normal”. Pero el trastorno de Parade y Nacho Casado, ese que les empuja a cantar y componer bellas canciones lejos de modas y tendencias, ese no es un trastorno. Es una bendición para nuestros oídos.
Manic Street Preachers y The Flaming Lips tocando su mítico álbum de 2002, ‘Yoshimi Battles the Pink Robots’ encabezan el primer avance del cartel de la 23ª edición del Azkena Rock Festival, que se celebra los días 19, 20 y 21 de junio en Mendizabala, Vitoria-Gasteiz.
Entre las confirmaciones anunciadas figuran también Melissa Etheridge, los P.I.L. de Johnny Rotten, Reckless Kelly, Lucinda Williams, Richard Hawley, Buzzcocks, Quique González o Turbonegro.
The Hellacopters, Diamond Dogs & Chris Spedding, Kaotiko, Dead Kennedys, The Chesterfield Kings, Robert Jon & The Wreck, Masters of Reality, La estrella azul, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Psilicon Flesh, Ezezez y Libe completan la primera tanda de confirmaciones de Azkena Rock.
La venta general para las entradas de Azkena Rock 2025 comenzará el miércoles 20 de noviembre a partir de las 10 de la mañana en azkenarockfestival.com a un precio promocional. Los asistentes a ediciones anteriores podrán acceder a una preventa exclusiva desde este viernes a precio especial.
Además de los bonos para los 3 días de festival, también se podrá adquirir el Bono Gaztea (100€ + gastos) para menores de 23 años, y, como novedad este año, se activa el Bono Cuadrilla, un guiño a esos grupos de amigas y amigos habituales en ARF y por el que recibirán 6 bonos por la compra de 5.
Uno de los discos más comentados este otoño en la industria musical es el debut de la cantaora Ángeles Toledano, ‘Sangre sucia’. La artista de Villanueva de la Reina (Jaén) lleva años haciendo ruido en internet, logrando incluso millones de visualizaciones en Youtube con estas Bulerías.
Este año Universal ha decidido lanzarla a lo grande, con ‘ARAORA’ -prácticamente a capella- o las alegrías de ‘X LAS NIÑAS’. La historia de mujeres que veíamos en este vídeo continúa en el de ‘MAMÁ, TENÍAS RAZÓN’, que seleccionamos como Canción del Día hoy.
Si en el vídeo de ‘X LAS NIÑAS’ veíamos a las mujeres tomar las calles, someter a un agente de seguridad y a Ángeles Toledano portar un bate de béisbol muy Beyoncé, este presenta a la artista atada y a punto de ser quemada. Parece la precuela.
La caza de brujas, que a lo largo de la historia ha representado únicamente la peor de las misoginias, es la inspiración de este vídeo sencillo pero icónico y de excelente factura que ha sido dirigido por Ismael de la Trinidad y producido por Little Spain (C. Tangana).
Toledano se hace acompañar en esta canción de las voces de cinco mujeres jerezanas, en representación de la experiencia que se ha transmitido de abuela a madre, y de madre a hija. Como ha explicado la escritora Sara Torres en la nota de prensa, el lamento femenino inicial da pie a la afirmación política. El objetivo es «revisar el afecto amoroso inscrito en el orden patriarcal». El texto de la canción dice que «solo nos queda gritar donde hay una mente sorda, es mu difícil escuchar». Sin embargo, el vídeo, quizá animado por la producción rupturista de Harto Rodríguez, muy ‘El mal querer‘, contempla la victoria.
Un montaje de Jenna Ortega bailando ‘Bloody Mary‘ de Lady Gaga en ‘Miércoles’, la serie de Netflix, viralizó este deep cut de ‘Born this Way’ (2011) a lo grande hace un par de temporadas, llevando al tema a entrar en listas oficiales. En la escena real, Ortega -o Miércoles, su personaje- bailaba ‘Goo Goo Muck’ de los Cramps, pero el edit con ‘Bloody Mary’ funcionaba a las mil maravillas.
El éxito de ‘Bloody Mary’ ha terminado inspirando muy evidentemente el sonido del nuevo single de Lady Gaga, ‘Disease‘, publicado en Halloween.
Ahora, EW Entertainment confirma que Lady Gaga formará parte de la segunda temporada de ‘Miércoles’. Gaga se encuentra en Europa rodando en este momento, y esto es todo lo que se conoce de su participación en el spin-off de ‘La Familia Addams’ que ha catapultado la carrera de Ortega, últimamente involucrada en el videoclip gore de Sabrina Carpenter.
Mientras, el desempeño comercial de ‘Disease’ en listas está siendo muy modesto: el tema aparece ya fuera de los primeros 100 puestos de Spotify Global, en el 103. En los últimos días, Gaga ha dado algo de vidilla a ‘Disease’ lanzando una versión acústica de la canción que ha llamado ‘The Antidote’. Antes había subido un simpático TikTok en el que aparecía transformándose de «Lady» a «Gaga» al ritmo de la canción.
Gaga, eso sí, sigue pegada como una lapa al número 1 global de Spotify con ‘Die with a Smile‘, su romántico dúo con Bruno Mars, que acaba de dar a la pareja musical un par de nominaciones a los Grammy, en las categorías de Canción del año y Mejor dúo de pop vocal.
María Talaverano, Paola Rivero y Alicia Ros dejan de lado el tontipop de sus dos primeros y exitosos discos, ‘Movidas’ (2018) y ‘CARIÑO’ (2022), en su nuevo trabajo. Producido por El Malamía y Luis Lamadrid, ‘TANTO POR HACER’ es un disco puramente pop. A secas. Lejos de la divertida inmediatez de sus dos anteriores lanzamientos, Cariño por fin se atreven con las baladas en su disco más… no maduro. Honesto.
Me encuentro con las tres artistas a las 18 de la tarde, después de un intenso día de promoción que comienza a las 10 de la mañana. Una entrevista detrás de otra. Aun así, no dejan que se les note. Hablamos con Cariño sobre el lado malo de tener una banda de éxito, salir de su zona de confort y desquiciarse en el proceso, un nuevo sonido y lo difícil que es poner un buen título a un disco.
¿Qué tal estáis? Imagino que estáis supercansadas.
Alicia: Sí, pero bien. Cansadas pero bien.
Paola: Yo en este punto no estoy cansada, estoy loca. Es como que ahora vuelvo a tener energía. ¿Cómo os sentís los días antes de lanzar un disco?
A: Muy nerviosas.
P: Además, siempre solemos estar haciendo como muchas cosas. Es un poco como la sensación antes de salir a un concierto.
Además, lo primero que hemos visto del disco es ‘Nada Importa Tanto’. En el vídeo salís buscando sustitutas para la banda. ¿De dónde viene esta idea?
A: Lo estuvimos hablando con Celia Giraldo, que es la que ha hecho los tres videoclips. Para nosotras, tener un grupo tiene cosas buenas y tiene cosas muy malas y queríamos comunicar que no tenemos las expectativas en parecernos al artista ideal ni ser las mejores. Simplemente queremos hacer lo que nos gusta y ya. Que se pongan otras en vez de nosotras.
P: Como que se idealiza mucho al artista, ¿no? Era recordar que simplemente somos personas normales. Como todos los artistas, pero nosotras también.
¿Cuándo os disteis cuenta de que había cosas buenas y malas a partes iguales en la industria?
María: No muy tarde.
A: Muy al principio, sí. Ha sido un viaje muy intenso desde el principio. Siempre haciendo mucho. Y en ese mucho había de todo, bueno y malo.
P: En general, no se suele hablar en redes sociales de las cosas malas. Simplemente, se hace énfasis en lo bueno y lo otro se tapa. Como artistas, también tenemos la responsabilidad de hablar las cosas con claridad.
Siempre se dice que es el mejor trabajo del mundo.
A: Este año, yo estuve trabajando en nuestro sello, en la oficina, porque me apetecía tener un trabajo normal, pero sin cobrar ni nada. Me encantó, la verdad. Me ordenó mucho la cabeza. Tener una rutina me sentó genial. Y sí, que este trabajo está genial, pero también tiene sus cosas malas.
P: Es un trabajo muy divertido, pero también tiene la cosa de que estás 24/7 en esto. No es una cosa que tenga horarios, como puede ser una oficina.
M: Es autocontrol.
P: Sí, pero por mucho que tú quieras, tú no puedes controlar que cuando te estés durmiendo te venga una idea de una canción o que cuando te estés duchando estés pensando en un videoclip y salgas corriendo a apuntar cosas… Son cosas guays, pero es como un motor que nunca para. Tú eres tu jefa. Al final, somos privilegiadas por tener este trabajo y lo agradecemos todos los días, la verdad.
«Tener una banda te desliga mucho de tus círculos íntimos. Es bastante doloroso»
¿Qué es lo peor de tener una banda de éxito?
A: No tienes tiempo para dárselo a los demás. A tu familia, a tus amigos… Pierdes mucha relación con ellos, te pierdes un montón de planes que podrías estar compartiendo y te desligas mucho de tus círculos íntimos. Es bastante doloroso.
P: Eso es justo de lo que habla ‘Nada Importa Tanto’. Por eso fue el primer single de este álbum. Sentíamos que era muy importante empezar a hablar de este álbum desde ese punto, desde que lo importante para nosotras son las personas y no tanto los hitos o los éxitos. Por mucho dinero que tengas, si no tienes con quien compartirlo…
¿Y cómo mantenéis la cordura?
M: Yo siempre he estado loca.
A: Yo también he estado un poco loquilla. No sé, creo que es la edad. A mí me da un poco de tierra. Me siento más dueña de lo que hago.
P: Somos tres personas bastante loquitas. Yo creo que en el mundo creativo las cabezas funcionan a otro ritmo, a otra movida.
A: Lo bueno es que cada una es loquita con su cosa.
P: Pero con mucha terapia.
¿Cómo se os ocurrió lo de representar lo bueno y lo malo con el meme del autobús?
A: Pues se me ocurrió a mí. Era encontrar un sentido a esa dualidad. No sé, empecé a pensar en imágenes que pudiesen representar el equilibrio entre lo bueno y lo malo, y creo que el meme era muy divertido.
P: Es que esta chica tiene unas ideas…
A: Y le faltaba un poco de humor al disco. Siento que tiene un peso muy serio.
Sí que hay mucho desamor en las letras. ¿Tiene que ver también con hacerse mayor?
A: Son experiencias.
M: Cuanto mayor eres, más desamores acumulas. Y más amores, claro. Todo lo que duele, es porque lo amaste.
P: Nos preguntaban si habíamos pensado en hacer canciones reivindicativas, porque siempre tratamos el amor y tal. Y sentimos que este disco es una reivindicación al amor, pero no tanto como al amor romántico, sino al amor desde otros puntos. El amor adolescente e intenso, hacia los amigos o hacia uno mismo.
Leí que ibais a sacar este disco en enero de 2023.
P: Es que siempre nos pasa lo mismo. Habíamos empezado el disco y cuando nos juntamos con Lucas Malamía y Luis Lamadrid, los productores, de repente empezamos a hacer otro. Nos ayudaron a repensar un poco el concepto y empezamos a escribir canciones de cero otra vez. De ahí salieron ‘Nada Importa Tanto’ y otras que no entraron en el álbum.
A: Hay canciones que se han recuperado y que se pueden aún recuperar para el futuro.
‘Nada Importa Tanto’ también muestra un sonido más orgánico. ¿Esto es cosa de los productores?
A: Nos salía de forma natural que fuese así, porque ahora vamos con banda y sabíamos que podíamos abarcar muchos más sonidos orgánicos que antes, que íbamos solo las tres. Entonces, ya de primeras queríamos que sonase más orgánico. Además, ellos tenían la capacidad de traducir muchas ideas rápidamente en canciones.
M: Yo diría que la guitarra está muy baja. Cada vez me raya más.
A: Yo lo he dicho siempre.
P: Al margen de eso, ha sido muy bueno trabajar con ellos.
¿Diríais que habéis salido de vuestra zona de confort mientras grababais el disco?
P: Yo casi me arranco los pelos.
A: A veces era muy ‘challenging’. ¿Cómo se dice eso?
P: Era un reto. Además, ellos intentaban que fuésemos hasta los límites y que experimentásemos. Entonces, quieras o no, era siempre una experimentación en el estudio, probando cosas y eso. Cualquier disco que requiera una búsqueda creativa es eso. Es desquiciarte y es encontrar sitios en los que no, encontrar sitios en los que sí y ya está. Es nuestro ejercicio: el desquicio.
«Nosotras tres solo sabemos hacer música alegre. Las letras pueden ser tristes o no, pero música alegre es lo que sabemos hacer»
Para este disco habéis cambiado una de vuestras insignias, por así decirlo, que es hacer música alegre y letras tristes. Aquí habéis querido seguir el rumbo de la música, por así decirlo.
P: Ese fue uno de los primeros retos, ¿no?
A: Nosotras tres solo sabemos hacer música alegre. Las letras pueden ser tristes o no, pero música alegre es lo que sabemos hacer. El cuerpo nos pedía hacer alguna balada, y en los directos habíamos intentado convertir alguna canción en eso. Nos pedía el cuerpo intentar hacer música más calmada, a ver qué pasaba. Sobre todo, no nos veíamos con esa energía tan fugaz desde el principio.
Una de mis favoritas es ‘Hay magia’. Me parece que es justo de lo que estamos hablando. Me gusta que se muestre… es que no me gusta decir la palabra madurez.
A: Hay que buscar un sinónimo.
P: Sinónimo de madurez… (buscando en Google) Experiencia, sensatez, florecimiento.
Es vuestro disco con más sensatez.
M: Es nuestro disco con más años. Somos más jóvenes que muchos viejos.
«Nos gustaban los grupos de tontipop de Elefant. Es un halago que nos metieran ahí. Ahora estamos en otro momento vital»
¿A vosotras os gustaba el término tontipop o pasabais de ello?
A: No nos autoproclamábamos tontipop, pero sí. Es que nos gustaban un montón de grupos de tontipop de Elefant y por eso empezamos a hacer música.
M: Al final, también es un halago que nos lo dijera la gente, yo qué sé.
P: No renegamos de eso, simplemente estamos en otro momento musical y en otro momento vital. Y ahora mismo a lo mejor lo que estamos haciendo sentimos que es más pop, a secas, que ‘Movidas’, que sí es un disco de tontipop.
A: Es lo que hemos hecho, pero no hemos cerrado la puerta del tontipop.
Os habéis centrado en otro sonido, pero teníais que seguir sonando a Cariño. ¿Eso ha sido difícil?
P: Sí. Teníamos miedo de que sonase a una cosa como que no era nosotras. Esa siempre ha sido una de las cosas que nos rayaba muchísimo.
A: También hemos trabajado con dos personas extra a nivel de composición y eso nunca lo habíamos hecho. Y con mucha idea y mucho conocimiento de la música. Entonces, nos daba mucho miedo.
P: Siento también que cuando nos juntamos las tres en el estudio, inherentemente, incluso por las decisiones que tomamos, está ahí Cariño. Es raro. Es una especie de espiritualidad rara.
¿Por qué os parecía apropiado el título de ‘TANTO POR HACER’?
P: Lo vamos a cambiar.
¿El título del disco?
P: Es broma, no lo vamos a cambiar, pero nos hemos dado cuenta de que ‘Nada Importa Tanto’ nos parece un título mejor.
A: Más adecuado para lo que queríamos comunicar, pero bueno, ‘TANTO POR HACER’ también está muy bien. Habla de esa dualidad de las cosas buenas y malas, y de que siempre vas a tener camino por delante.
P: Habla también de los posibles. Cuando te enfrentas a una vida, a un disco, hay muchas posibilidades de afrontar las movidas, y en esa parte está lo bueno y lo malo.
M: Si no te queda nada por hacer, estás en el hoyo.
P: Se va a quedar así, ya está impreso.
Dijisteis en una entrevista, cuando hablabais de tocar en Coachella, que como compositoras os respetaban mucho más en México que aquí.
P: ¿Pero quién dijo eso?
A: Eso lo ha debido de decir María.
M: Es que es verdad. Allí es como: «Hostia, de Cariño, tal». Siento que hay más respeto en general. Aquí no sé, es diferente.
¿Os sentís menos respetadas aquí??
M: No es menos respetada pero, en general, con menos fuerza. No es que no nos respeten.
Le pasa a muchos artistas españoles.
A: Sí, mira La Quinta Estación. Creo que en México también se respeta más la música española. Eso también es verdad.
M: Simplemente es una crítica a las oportunidades de composición en España y fuera.
Lil Nas X no para de liarla. Ya tuvo que pedir disculpas por la promoción de ‘J CHRIST’, su single de regreso, aunque probablemente ni te acuerdes. El cantante de ‘MONTERO’ ha anunciado que este viernes saldrá un nuevo single titulado ‘Light Again’, que a su vez formará parte de un disco llamado ‘Dreamboy’. El problema viene con la portada del disco, claramente inspirado en Sega Bodega.
Las semejanzas con la portada del single ‘Angel On My Shoulder’, de 2021, son evidentes a primera vista. El propio cantante irlandés ha respondido al anuncio de Lil Nas X: «Ni siquiera intenta darle un giro», comenta Bodega, que ha colaborado anteriormente con artistas como Caroline Polachek, Björk y Rosalía. El single pertenece al álbum ‘Romeo’, lanzado hace tres años.
Hasta que no han empezado a lloverle comentarios señalando las similitudes, Lil Nas X no ha dicho nada sobre la inspiración de la portada. Su última Storie de Instagram se trata de la portada de Sega Bodega y una única palabra en grande: «Referencia». Claramente, no había consultado nada con el irlandés antes de hacer la portada.
Sobre el nuevo proyecto, Lil Nas X ha escrito que «no es solo un disco»: «Soy yo lidiando con la pérdida de lo que fue alguna vez y luchando por un nuevo mundo».
Ariana Grande y Cynthia Erivo están en plena promoción de la película de ‘Wicked’, el musical basado en El Mago de Oz. En una de las interacciones con la prensa en la alfombra roja, ambas estrellas no han dudado en responder que la persona con la que ambas colaborarían sería Rosalía.
La pregunta del periodista va dirigida tanto a Erivo como a Grande: «¿Qué cantante hispana elegiríais para colaborar las tres?». Cynthia toma la iniciativa y, aunque le sale «Rosalín» al principio, Ariana le entiende y no tarda de llenarse de emoción: «¡Iba a decir lo mismo! ¡Rosalía!», exclama la autora de ‘eternal sunshine’.
Además de Rosalía, Erivo y Grande también podrían haber pensado en Shakira, Karol G, Nathy Peluso… Por opciones no será. Mientras tanto, la cantante catalana ha firmado sus dos últimas colaboraciones con Ralphie Choo, en ‘Omega’, y Carolina Durante, en ‘NORMAL’. Con estos últimos, de forma totalmente inesperada.
El Wizink Center anunciaba hoy en su página web la cancelación del concierto de Ayax y Prok programado para el 28 de marzo de 2025. Las noticias llegan tras las numerosas denuncias contra los raperos, que han sido acusados de violación, agresión sexual, maltrato y acoso.
Según informa El Mundo, los gemelos de Granada tenían prevista una gira para el próximo año por la que iban a pasar por varias ciudades del país. Entre estas, Valencia, Bilbao o Barcelona. Tras la cancelación de su concierto en el Wizink, el resto de la gira quedaría en el aire. Antes de las acusaciones, solo se conocía esta fecha.
Poco después de ser publicadas las primeras denuncias, en la cuenta de Instagram «denunciasgranada», la oficina de management y booking de los raperos, Taste The Floor, había borrado la información de los artistas de su página web. El Mundo confirma que las relaciones entre ellos se han roto y que, además del Wizink, había otros diez conciertos cerrados o «con las negociaciones muy avanzadas».
La gira, llamada ‘Los Gemelos Tour’, pretendía celebrar un nuevo disco cuya salida está ahora «en suspenso». Durante los últimos días, se podían leer multitud de comentarios pidiendo al Wizink que cancelasen el evento, además de muchas otras personas revendiendo las entradas del concierto.
Primavera Sound 2025 remata los últimos detalles de su próxima edición, que se celebrará en Barcelona los días 5, 6 y 7 de junio. Tres de las más grandes divas del pop actual, como son Sabrina Carpenter, Chappell Roan y Charli xcx, encabezan un cartel repleto de nombres de alto nivel. Ya conocemos quién actuará cada día. JENESAISPOP es medio colaborador oficial.
El miércoles 4 de junio se celebrará la Jornada Inaugural gratuita del festival con las actuaciones de Caribou, La Casa Azul, Hinds y Llum. El 5 de junio, Charli xcx, FKA Twigs, Jamie xx, Idles y beabadoobee serán los cabezas de cartel. Sabrina Carpenter, por otro lado, es el gran nombre del 6 de junio, junto a Clairo, Beach House, Haim, Amelie Lens y ANOTR. El evento se despedirá el 7 de junio con Chappell Roan, Central Cee, LCD Soundsystem, Fontaines D.C. y Turnstile.
El cierre se dará con la fiesta Primavera Bits x Nitsa y los sets de Michael Bibi, Paul Kalkbrenner, Carlita, BUNT y Ona el domingo 8 de junio. El 18 de noviembre a las 11h empezará la Fan Sale de entradas de día, accesible mediante registro. La venta general de entradas de día empezará el 19 de noviembre a la misma hora.
Este viernes 15 de noviembre llega al fin el segundo volumen de ‘PO2054AZ Vol. II’, el mastodóntico trabajo que Sen Senra ha estado preparando durante el último par de años. De las 24 canciones de que consta y como puedes observar en Spotify, Apple Music o tu plataforma de streaming favorita, ya puedes escuchar 8 de ellas. Un tercio del álbum.
‘PO2054AZ Vol. II’ va a ser nuestro Disco de la Semana dada su solidez en cuanto a composición. Pese a que ninguno de los adelantos ha logrado acercarse a la popularidad del clásico ‘Ya no te hago falta’ y pese al gran número de interludios/mensajes de audio que se asoman por el tracklist, estamos ante un nuevo gran trabajo de Sen Senra, con sus sorpresas y su buen nivel a lo largo de tantísima pista.
En esa secuencia de 24 canciones se crecen todos los adelantos conocidos del disco -sí, incluido el fallido y ya medio olvidado dúo con Aitana-, especialmente ‘No se preocupe’ como penúltimo tema antes de la catarsis final; la disfrutona ‘Llorando x 1’ o ‘Ataúd’, aquel reggaeton oscuro que se dio a conocer este verano y que hablaba de llegar «sonriendo al Ataúd, Ataúd, Ataúd». Os lo detallaremos este mismo viernes.
La misión de Pauline en la playa ha sido siempre hacer el disco más bonito que es capaz de hacer. En ‘Los días largos’, el dúo de Gijón compuesto por las hermanas Mar y Alicia Alvárez vuelve a sacarse de la manga un repertorio de canciones preciosas y reconfortantes dedicadas a la vida tranquila. El amor y la vida cotidiana como refugio, sobre todo frente al temporal del exterior, marcan muchas de las pistas contenidas en este octavo trabajo.
El mal tiempo está muy presente en ‘Los días largos’. “Que se abra al cielo y llueva tanto que no haya dónde meterse” es una de las frases contenidas en la tarareada y alegre ‘Que te parta un rayo’ (aunque no llega en el momento más oportuno). En ‘Tú y yo y la tormenta’, entre Mar, Alicia, sus respectivas personas amadas y el tiempo se cruza el deseo de “un beso o dos”. A veces los títulos son tan explícitos que aluden al ‘Invierno’ o directamente a ‘La lluvia’.
El fondo de las canciones de ‘Un día largo’ es americano; a lo largo de 40 minutos, Pauline en la playa amasa, sin prisa pero sin pausa, un sonido de country-pop suave, apacible y luminoso como el día. Para ello, el dúo se vale de guitarras acústicas, eléctricas, pianos, vientos metal, teclados y baterías. En ocasiones, Pauline en la playa arma un muro de sonido (‘Abismo’ es puro chamber pop) pero en ‘Un día largo’ reina la sencillez, como -quizá- no podría ser de otra manera.
‘Yo podría ser John Wayne’ expone la influencia norteamericana de ‘Los días largos’ de manera explícita, en otro de esos singles incontestables de Pauline en la playa. Mar y Alicia, tumbadas en la hierba, reafirman que “todo está bien”. En la alegre ‘En esta casa’ las hermanas están en la misma posición, es decir, tumbadas, pero ahora en el sofá de su casa, inamovibles. Ahí se quedan, también, en ‘Mis sitios’: esos sitios son “entre la hierba y tus brazos”.
En ocasiones, Pauline en la playa soluciona su fijación con la tranquilidad y la paz con temáticas algo más inusuales. En ‘La más guapa de la fiesta’, un título muy La Oreja de Van Gogh, la narradora liga consigo misma. Y en la preciosa ‘Si me dejas de querer’, decorada con unos coros angelicales que parecen venidos del cielo, la “amenaza” es blandita como el algodón: “si me dejas de querer caerá un meteorito” o “explotará el horno”, cantan Mar y Alicia, como conectadas a su niña interior.
Otras veces, esa fijación deja canciones más desdibujadas, como ‘Tú y yo y la tormenta’ o ‘La lluvia’, porque quedarse sentado durante mucho rato en el mismo sitio, al final, incomoda. Al final terminan sobresaliendo las composiciones que añaden diferentes sabores a la paleta de Pauline en la playa, como la pista titular, tan sombría y melancólica, o la mencionada ‘Abismo’: ¿para cuándo un disco Motown / Gainsbourg / Françoise Hardy / Lesley Gore / Phil Spector de Pauline en la playa?
Oracle Sisters es un trío francés que ha publicado ya un álbum titulado ‘Hydranism’ y un par de EP’s titulados en honor a París. Lejos quizá de lo que estés imaginando, en el pasado le han pegado a la bossa nova (‘Ruby on the Sun’) y al pop de cámara onírico (‘Tramp Like You’). Seguidores de Foxygen y The Lemon Twigs pueden asomarse sin duda por esta última o su gran hit ‘Asc. Scorpio’, incluido en ‘Paris I’.
La historia de Oracle Sisters es curiosa: Lewis Lazar y Christopher Willatt, amigos de la infancia, crecieron en Bruselas hasta que sus caminos se separaron: uno, pintor, se marchó a Nueva York y el otro, matemático, a Edimburgo. Reunidos en París, conocieron a la finlandesa Johansen, echando a andar como banda en 2017.
Actualmente están introduciéndonos a un segundo disco del que ‘Alouette’ es el primer adelanto y nuestra Canción del Día hoy. El tema se presenta con un vídeo dirigido por Jim Longden protagonizado por Charlie Rowe, y en el que este, en plano secuencia, tiene tiempo de hablar por teléfono, pintar o tocar la guitarra. ¿Acaso una parodia del propio grupo?
El vídeo trata de retratar el ritmo vertiginoso de la composición, y también un estribillo cantarín, en el que los piratas, los búhos y los artistas “cantan por igual”. De corte más indie que otras de sus canciones, cerca de los Vampire Weekend o los Phoenix más accesibles, ‘Alouette’ puede ser un punto de inflexión para las ambiciones de Oracle Sisters. Ellos mismos la definen como «coger un tren de alta velocidad en un paisaje pintado por Salvador Dalí».
El grupo ha anunciado una gira que les llevará a lugares como la sala Koko de Londres en abril. Han sido generosos con nuestro país, pues anuncian hasta 4 fechas por aquí, en parte auspiciadas por la promotora del Primavera Sound.
15 de marzo: El Pumarejo, Barcelona, ES
24 de marzo: El Sol, Madrid, ES
26 de marzo: Riquela, Santiago, ES
27 de marzo: Bilborock, Bilbao, ES
Ya queda menos para que se celebre la Alhambra Monkey Week, una de esas ferias de música que reúne a artistas e industria musical. Será en Sevilla entre los días 21 y 23 de noviembre. La organización comunica hoy una mala noticia: el Ayuntamiento de Sevilla les comunicó el jueves pasado (día 7 de noviembre) que les recortan dos horas de licencia en los escenarios principales con respecto al horario que tenían acordado desde febrero -reconfirmado posteriormente en mayo y septiembre- para la realización del festival. Por eso se ha demorado la publicación de horarios, ya disponible, y habrá más solapes que otros años.
La organización insiste en que el quid de la cuestión es «descubrir hoy la música del mañana», lo cual no quiere decir que no se cuide a talentos ya consolidados de la escena de medio mundo, o muy conocidos por estos lares. Estos son los 10 artistas imprescindibles que -más o menos, porque a gustos, colores- encabezan su cartel.
Triángulo de Amor Bizarro
Tras la marcha de Zippo, el grupo gallego es al fin un trío. Isa, Rodrigo y Rafa están recorriendo el país con una gira de XX aniversario en la que cada concierto es una aventura diferente. Unas cartas de tarot diseñadas por Wences Lamas deciden qué 2 discos interpretan cada noche, al completo y en orden. Para finalizar, un bis con «grandes éxitos». Nos acaban de dar todos los detalles en un podcast imperdible en el que repasamos toda su carrera.
Yerai Cortés
El nombre en todas las quinielas para montar la mayor fiesta de toda la Monkey Week es el de Yerai Cortés. Él es el protagonista del documental que, dirigido por C. Tangana, se presentó con enorme éxito en el Festival de Cine de San Sebastián. Al margen de su curiosa historia familiar, llena de secretos y disputas, ‘La guitarra flamenca de Yerai Cortés’ lleva hasta una gran audiencia el talento de un artista que ha renovado el flamenco en solitario y junto a nombres tan dispares como Judeline, Ralphie Choo y Lola Índigo. Os dejamos con su sesión para Colors.
Alcalá Norte
Como ya es un cliché aseverar que Alcalá Norte son la revelación del año o la banda de moda, vamos con los datos. El grupo madrileño lleva 23 semanas en la lista de los vinilos más vendidos del país, pese a las dificultades de distribución de un sello tan pequeño como Balaunka, y a que muchas de las tiendas en donde se ha distribuido no computan en Promusicae. ‘La calle Elfo’, la adaptación de La Paloma ‘El rey de los judíos’ y por supuesto ‘La vida cañón’ volverán a ser los mejores momentos de ese show que ya han paseado por media España.
Ganges
Ganges ha ganado muchos puntos con la edición de su nuevo disco ‘SORA’. Su carrera ya había dejado pequeños hits como ‘Pensar en ti’ con Natalia Lacunza, la hipnótica ‘Solo me gustas cuando yo te gusto a ti’ o ‘6º’. Pero su última obra es la que mejor equilibra electrónica y letras confesionales, desde la contención y admiración de ‘Mirarte’ a la explosión de ‘FOTOLOG NOSTALGIA’.
Baiuca
Asentado desde hace un lustro como uno de los pioneros de nuestro país que han alternado folclore y electrónica, Baiuca presenta este otoño su nuevo disco ‘Barullo’. En él vuelven a encontrarse los samples y los beats bailables con las voces de la tradición gallega, como es muy visible en pistas como ‘Navajitas’. Antía Ameixeiras y el ex Novedades Carminha CARLANGAS están entre las voces invitadas de este nuevo disco de estudio, a falta de comprobar cómo será la presentación en vivo de esta gira.
Barry B
Cuando comience Alhambra Monkey Week la semana que viene, todo el mundo podrá estar ya disfrutando del esperado disco de debut de Barry B, ‘Chato’. Este verano ha arrasado su colaboración con Carolina Durante, ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’, y también se han presentado otras canciones tan efectivas como ‘El efímero arte de perdonar’ o ‘Joga bonito’. En ellas se combina el sonido Madchester con la electrónica, el indie lo-fi y la balada.
Derby Motoreta’s Burrito Kachimba
Ver a Derby Motoreta’s Burrito Kachimba en esta edición de Alhambra Monkey Week no solo es verlos totalmente en su salsa, pues la banda sevillana es favorita y amiga de la organización. También será verlos después de que su álbum de este año, ‘Bolsa amarilla y piedra potente’, alcanzara el número 1 de ventas de nuestro país, sustituyendo a la mismísima Beyoncé con ‘Cowboy Carter’. El grupo que alterna flamenco con rock psicodélico y progresivo ha sumado a su repertorio hits como ‘La fuente’ o ‘El chinche’.
Pony Bravo
Otro grupo indisociable de la historia de Sevilla es Pony Bravo, en su caso más marcado por esa mezcla de tradición y underground que percibimos de Triana a Smash. Eso sí, con un toque de humor que consagró temas tan divertidos como ’Noche de setas’ o ‘Mi DNI’. Este año han publicado su álbum ‘Trópico’, que incluye temas como ‘C’est Chic – C’est Bon’ y ‘Linda’, marcados aún por la psicodelia y el prog-rock, aunque ciñéndose a los metrajes que marca el pop.
Queralt Lahoz
En 2021 llegaba el disco ‘Pureza’ de Queralt Lahoz. Ahora la cantante ultima ya un nuevo trabajo largo programado para 2025. Su reciente colaboración con Toni Anzis o ‘Pedí perdón’, el single en solitario que lanzaba la pasada primavera, parecían presagiar que la cantante seguirá inmersa en los ritmos sensuales del R&B americano sin dejar de acariciar guitarras españolas, pianos y melodías mediterráneas.
Meridian Brothers
Alhambra Monkey Week ya no quiere ser un gran reclamo en cuanto a artistas internacionales anglosajones, pero sí suele contar con varios latinoamericanos. Los colombianos Meridian Brothers llegan a Sevilla para reivindicar su carácter pionero. En activo desde finales de los 90, el proyecto de Eblis Álvarez ha llevado la salsa, la cumbia y el vallenato hacia la electrónica o las músicas de otros lugares del mundo. Un buen ejemplo es su último álbum, ‘Mi Latinoamérica Sufre’, publicado este año como homenaje a la rumba congoleña de los años 70, el highlife ghanés y el afrobeat nigeriano, sin dejar de lado la cumbia, la champeta o los ritmos brasileños. Ahí va su Tiny Desk.
En plena explosión del gore en las pantallas (y en la taquilla), con éxitos como ‘La sustancia’, ‘Terrifier 3’ o ‘Smile 2’, el lanzamiento de ‘Taste’ hace un par de meses casi se puede ver como un adelanto de lo que estaba por llegar, la cuchilla que abrió la herida. No es casualidad que detrás de este videoclip esté un fan del género de terror como Dave Meyers, quien en 2007 dirigió el remake de ‘Carretera al infierno’ (1986).
El vídeo de Sabrina Carpenter es un borboteo de referencias a clásicos del cine sanguinolento. Rodado en clave de humor, ‘Taste’ tiene como principal fuente de inspiración la comedia ‘La muerte os sienta tan bien’, un hit de videoclub en los 90, poco valorada en su época más allá de los efectos especiales (la rodó Robert Zemeckis entre la saga ‘Regreso al futuro’ y ‘Forrest Gump’), pero convertida en película de culto gracias a su reivindicación por la comunidad LGTB+ estadounidense.
‘Taste’ se articula por medio de la pelea a cara de perra entre Sabrina y la actriz Jenna Ortega, convertida casi en icono del género tras las últimas de ‘Scream’, la serie ‘Miércoles’ o la reciente ‘Bitelchús Bitelchús’. Un enfrentamiento que remite a los personajes de Meryl Streep y Goldie Hawn en ‘La muerte os sienta tan bien’ y que incluye homenajes tan explícitos a la película como la del célebre agujero en el estómago o la del cuello en la guerra de vudú.
El resto de referencias van de lo topicazo –la escena de la ducha de ‘Psicosis’- y lo trillado –la Daryl Hannah tuerta de ‘Kill Bill’-, a lo friqui –el desfibrilador de ‘Scream 4’- y reivindicativo –la “muerte” por empalamiento en la valla de jardín de ‘Ginger Snaps’, joya de terror teen feminista con cada vez más adeptos.
Gracie Abrams es el flamante número 1 de singles en Reino Unido con ‘That’s So True’. Es la primera vez que la artista californiana consigue tal hazaña. El tema ha ascendido a la cima tras 3 semanas de recorrido, y además avanza en un mercado tan complicado como España, donde sube del puesto 95 al 85 esta semana. Se está anticipando el que puede ser un éxito aún mayor que ‘I miss you, I’m sorry’ y ‘I Live You, I’m Sorry’ para esta amiga de Taylor Swift.
‘That’s So True’ es el retrato de un triángulo amoroso en el que Gracie Abrams se ríe de su ex, en concreto de su imagen dirigiendo piropos pedantes desde un sofá, y advirtiendo: “eres un idiota, ahora ya lo sé, tengo que decírselo a ella”.
Con esta línea, la artista intenta trazar una línea de complicidad entre la nueva novia de su ex y ella misma, aunque en un momento se da cuenta de que tampoco hay que pasarse. “Creo que ella me gusta, es tan divertida / Espera, creo que la odio, no he madurado tanto”.
Sin duda alguna, ‘That’s So True’ es una de las canciones más pop de Gracie Abrams. Pese a los créditos de co-producción de Aaron Dessner de The National, emparenta con la Taylor Swift más accesible, la de ‘Red’. A Taylor remite también lo meta, esto es, las referencias a otras canciones del mismo disco.
‘That’s So True’ presenta la edición deluxe de ‘The Secrets of Us’, el álbum que la artista ha publicado este mismo año. Situada como track 15, sucede a ‘Cool’ en la secuencia, canción con la que está relacionada a través de la referencia a ese sofá, que en ‘Cool’ está acompañado de una copita de vino (“te vuelves a sentar en tu sofá con una copa de vino”).
Gracie Abrams construye así un microuniverso en el que tiene mucho que ver TikTok. El tema se ha viralizado en esta red social, especialmente como himno de supervivencia a través de ese puente en que ella decide “salir con vida” tras haberse “vuelto loca”: “dije que estaba bien, desde el mismísimo ataúd”, recuerda una vez superado el mal trago.
Triángulo de Amor Bizarro son los nuevos invitados de nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO. Aprovechando que están inmersos en una gira de XX Aniversario, hablamos con Isa, Rodrigo y Rafa sobre todos los álbumes de la banda y sobre ese tour en el que están repasando dos discos enteros por noche. Esta semana, en concreto los días 14, 15 y 16 noviembre actúan en la Sala Copérnico de Madrid (los beneficios del jueves irán para los damnificados por la dana), y el 13 de diciembre lo harán en el aniversario de Razzmatazz. Hay muchos más conciertos que podéis consultar en su página web.
En esta gira, Triángulo de Amor Bizarro se ponen en las manos de unas cartas de tarot diseñadas ad hoc por Wences Lamas. Son ellas las que deciden qué 2 discos suenan cada noche, completos y en orden. Después, también hay un bis con «greatest hits». El grupo nos habla con humor de qué álbumes son más difíciles de tocar al completo, a destacar casi todas las combinaciones que incluyen los tres últimos.
La banda nos habla de sus inicios con otra formación, recuerda la influencia de escuchar afrobeat en ‘Año santo‘, o lo inacabado del tercero, ‘Victoria mística‘. «Es un puzzle que no quedó resuelto, pero los discos siguientes no existirían sin él», explica Rodrigo. De alguna manera, cada álbum ha sido consecuencia de una pequeña crisis. «Cuando salen el disco y las giras, lo pasamos genial, y somos las personas más felices del mundo, pero para preparar el siguiente disco son momentos difíciles (…) Nos definimos en las crisis. Pueden ser crisis discográficas, crisis económicas, crisis de nazis… Al hacer un disco siempre nos pasa algo. Es nuestro funcionamiento». En cualquier caso, Rafa puntualiza en un momento: «Grabar un disco no es un proceso de diversión».
‘Salve discordia‘ y el llamado «álbum negro» parecen dos de los discos con que quedaron más satisfechos, y este, el quinto, pese a su asociación a la pandemia, es el trabajo del que la gente pide más canciones en directo. En el último hasta ahora, ‘SED‘, reconocen que «cada canción es de su padre y su madre pero tenía una unión», que es la temática en torno a la obsesión con la fama, la decadencia, las redes sociales, etcétera. Actualmente, están ideando ya su próximo sonido al tiempo que definen ‘SED’ como el «capítulo final de una época determinada del grupo». No hay que olvidar la marcha de Zippo, el teclista.
Los 75 minutos de conversación permiten también que hablemos de la deriva de la política actual. Dice Rodrigo: «Hace 8 años Trump ganó por manipulación. Pasaron gobiernos y no hicieron nada [contra eso]. Son oportunidades perdidas. Esto iba a pasar, es como lo de los bárbaros a las puertas: si no entran de una forma, entrarán de otra, pero algo tendrás que hacer. Si en esos 8 años no haces nada, todo está mucho peor. Todo está lleno de adolescentes nazis que no saben ni realmente el significado de ese término. Estás en una época oscura. ¿Nosotros qué podemos hacer como artistas? Discos cagándonos en Dios y en su puta madre».
También hablamos de Galicia, de las orquestas gallegas y de la música gallega. «El folk nunca fue una influencia. Nuestro folk era el rock and roll, que lleva en España mucho tiempo. El folk es un constructo: se le añaden cosas, ¿y cuándo deja de ser folk?», reflexiona Rodrigo. Isa carga contra las orquestas gallegas por su falta de paridad y por su carácter de «karaoke», y se considera más gallega que otros artistas que son acogidos en eventos gallegos: «Somos gallegos, llevamos toda la carrera en Galicia y tú estás tocando la gaita en la calle Pez», desafía. El grupo carga contra «la política de funcionariado», y contra la contratación de orquestas gallegas en lugar de apostar por otro tipo de bandas.
Lo que debería haber sido un himno del reggaetón colombiano junto a sus grandes exponentes (Feid, Maluma, J Balvin, Blessd, Ryan Castro, DFZM y Ovy On The Drums) se convirtió rápidamente en una polémica en torno a su peliagudo contenido. Así lo contaba Rolling Stone en Español en su reseña viral: «Es gravísimo que, a estas alturas de la conversación sobre la narcocultura y la cultura de la violación, se sigan tocando libremente temas como la sexualización a menores en las canciones».
El comentario se refiere a una parte de la letra en la que Feid y Maluma cantan sobre una chica que es «mamacita desde los fourteen». Esa es realmente la única referencia al tema tocado por Rolling Stone. Tal y como menciona el artículo, en Medellín existe un problema creciente con el tráfico de menores. Normal que esa frase no sea bienvenida. Sin embargo, no sé quien se esperaba un cambio con ‘+57’.
Tras el revuelo, la propia Karol G ha pedido disculpas «de corazón» en sus Stories de Instagram. Ha empezado agradeciendo el apoyo a aquellos fans que «conocen mi proyecto, las intenciones de mi trabajo y las causas cercanas a mi corazón», para luego ir directa al grano: «Como artistas, estamos expuestos a la opinión pública, y a las interpretaciones individuales de personas que nos quieren y personas que difieren de lo que hacemos».
La colombiana asegura sentirse frustrada por la «desinformación» que ha traído la polémica y denuncia unos «post falsos que supuestamente he hecho y eliminado desde Twitter, cuenta que no uso desde hace más de 6 meses».
Respecto a la letra cantada por Feid y Maluma, la cantante asegura que, «desafortunadamente», se sacó de contexto: «Buscaba celebrar la unión entre los artistas y poner a bailar a mi gente», aclara. «Ninguna de las cosas dichas en la canción tienen la dirección que le han dado, ni se dijo desde esa perspectiva, pero escucho, me hago responsable y me doy cuenta que todavía tengo mucho por aprender», continúa.
Finalmente, y antes de volver a dar las gracias a sus fans «por su amor y apoyo incondicional», Karol se disculpa: «Me siento muy afectada y me disculpo de corazón».
La polémica línea, al igual que el resto de la letra, es un cliché absoluto del género. No sé si el fallo está más en la canción, siendo una oportunidad perdida para arrojar luz sobre la cultura colombiana y sus gentes, o en la libertad que ya de por sí tienen los artistas de reggaetón para soltar semejantes frases y que a nadie le importe.
‘+57’ no dice más barbaridades que la canción media del género, pero esta sí ha importado. Es como si los oyentes hubiesen despertado: ¿Esto es lo que he estado escuchando yo todo este tiempo? ¿Por qué Bad Bunny es el único capaz de hacer canciones de reggaetón decentes? A veces, ni eso.
Choca también que la iniciativa viniese de la propia Karol G, no ya por la sexualización de menores (tampoco puede controlar lo que escribe cada uno en su verso), sino por la mediocridad absoluta de la canción. Las notas de piano de Ovy On The Drums dan la sensación de haber sido recicladas 50 veces en 50 canciones diferentes y no hay ninguna línea melódica que consiga recordar mientras estoy escribiendo esto.
Si ‘+57’ ha servido para algo, es para evidenciar que hace falta una renovación dentro del reggaetón, que el público está cansado de que se digan frases sin sentido solo porque es lo que siempre se ha hecho y que, a veces, lo que hacen 7 artistas no dista mucho de lo que puede hacer solo uno.
El auge de la ultraderecha y la muerte del padre de Bobby Gillespie marcan el 12º disco de Primal Scream. Dos temas que lucen tan distantes convergen en una de estas 11 canciones, ‘False Flags’. Si el single principal ‘Love Insurrection‘ se cerraba con un discurso en italiano que gritaba el lema anti-fascista «viva el amor, no pasarán», esa otra composición de 8 minutos recuerda cómo nuestros ancestros se alistaron en el ejército siendo engañados: «Banderas falsas ondean, hombres jóvenes mueren por una causa que no significa nada, un engaño para nuestras almas».
La repetición de la historia interesa a Primal Scream en este primer trabajo en 8 años, los que han pasado desde ‘Chaosmosis‘. El viejo dicho «Aquellos que no entendieron la historia están condenados a repetirla» ha inspirado abiertamente letras como la de ‘Deep Dark Waters’. Otros textos nos hablan sobre «burgueses bastardos que roban» y sobre gente que no ha leído un libro en su vida (‘Innocent Money’).
‘Come Ahead’ supone además una reinvención más para el grupo de Manchester, que se sumergió en la cultura rave y en el góspel en ‘Screamadelica’ (1990), en el dub en ‘Vanishing Point’ (1997) y en la electrónica más espídica en ‘XTRMNTR‘ (2000). De manera totalmente improbable, un álbum con una temática tan truculenta como este, es también su entrega más funk y disco.
Construido a partir de bases rítmicas enviadas por el productor David Holmes, que recientemente también ha trabajado con Noel Gallagher, ‘Come Ahead’ deriva en ocasiones en el sonido Filadelfia, en el northern soul o incluso en la bola de espejos más kitsch. La idea les sienta bien en el sencillo principal ‘Love Insurrection’, con esas cuerdas que dotan a tan reivindicativa canción de cierto toque trascendente. Tampoco está mal ‘Innocent Money’, pues como tema anti-capitalista suena con estos arreglos como una parodia de las series de los 70 llenas de lujo. Léase ‘Hotel’ o ‘Vacaciones en el mar’.
En otras ocasiones el desconcierto es considerable, pues lo que nos cuentan no encaja tanto con cómo nos lo cuentan. El ejemplo más visible es ‘Ready to Go Home’, un góspel que deriva en funk y el tema más explícito sobre la muerte del padre de Bobby. «Cuando mi momento llegue, estaré preparado», dice la canción, festiva como una salida del armario, sin que adivines si nos está introduciendo en un álbum combativo y listo para tomar las calles, o uno que acepta su triste sino, 100% conformista.
Hay canciones problemáticas, y otras directamente insignificantes, como ‘Melancholy Man’ o ‘Circus of Life’. Tampoco embriagan los 9 minutos finales de ‘Settlers Blues’, con un Bobby Gillespie que quiere parecerse a Leonard Cohen y no llega a ser Richard Hawley. En verdad, donde más cómodos sentimos a Primal Scream es en el sonido mediterráneo de ‘Deep Dark Waters’, sobre la crisis de credibilidad de Europa desde la II Guerra Mundial; o en ‘False Flags’. No tan lejos de los primeros Primal Scream que un día conocimos. Será la fuerza de la costumbre.
RTVE ha anunciado los 16 artistas y grupos que participarán en la cuarta edición de Benidorm Fest, que se celebrará entre el 28 de enero y el 1 de febrero. El ganador representará a España en Eurovisión el 17 de mayo en Basilea, Suiza.
Carla Frigo, cantante y «creadora de contenido» de Barcelona, es la primera confirmada en Benidorm Fest 2025. Frigo participará con ‘Bésame’, una canción «fina, elegante y muy explosiva». La cantante hispano-holandesa Celine Van Heel, segunda confirmada, aparecerá en Benidorm Fest con la primera canción de su carrera, ‘La Casa’.
En tercer lugar se ha confirmado a Chica Sobresalto. Conocida por su paso por Operación Triunfo 2020, Maialen ha explicado el significado de su candidatura ‘Mala feminista’, una canción que habla de «la culpa»: «En esta industria, a las mujeres nos ponen palos en las ruedas y se nos exige que estemos empoderadas». A continuación se ha anunciado a Daniela Blasco, que traerá a Benidorm el «himno» ‘Uh na na’.
El primer participante masculino confirmado es el canario David Afonso. Su propuesta es ‘Amor barato’ y es «una canción que mezcla música latina con otros estilos». La cantante, compositora y productora madrileña DeTeresa, autora del chotis tecno ‘PIRULÍ‘, se subirá al escenario cantándole a ‘La Pena’ con una canción producida por ella misma, con la que reivindicará la labor de las mujeres productoras.
Henry Semler es otro de los confirmados. Nacido en Estados Unidos aunque criado en España, Semler presentará la canción ‘No lo ves’. El octavo artista confirmado es el cantante, bailarín y multiinstrumentista J KBello, que apuesta por una canción llamada ‘VIP’. El primer grupo confirmado es K!NGDOM; el trío de pop electrónico presenta ‘Me gustas tú’, tras haber intentado participar en las tres ediciones anteriores. El pop colorido de KUVE también se suma al certamen con ‘Loca por ti’, una canción que habla «del amor verdadero, del necesario».
Lachispa es la primera artista de flamenco confirmada en Benidorm Fest: la ex corista de Rosalía cantará ‘Hartita de llorar’. Conocido por su «vanguardismo electrónico», el ex jinete profesional Lucas Bun presenta ‘Te escribo en el cielo’, una canción dedicada a su madre, fallecida el año pasado. MAWOT, el proyecto de tecnopop de Roberto Comins, conocido por su trabajo en el ámbito de la producción, apuesta por ‘Raggio di sole’.
Se rumoreaba la participación de Melody en Benidorm Fest. Finalmente se confirma que la intérprete de ‘El baile del gorila’ vuelve a la primera plana musical sumándose al certamen. Participará con ‘Esa diva’, una canción que habla de que «todos somos divas». Otra Melodía, la que se esconde detrás del alias Mel Ömana, presentará ‘I’m a Queen’ con una composición de temática similar: «Todos tenemos una reina dentro», explica.
Otro grupo hito del pop español, Sonia y Selena, intérpretes del éxito del verano inmortal ‘Yo quiero bailar’, se suma a Benidorm Fest. ‘Reinas’ será la propuesta de Sonia y Selena, «una canción muy nuestra».
La rueda de prensa ha estado marcada por el recuerdo a la catástrofe en Valencia por la DANA; entre los artistas que han mandado apoyo a Valencia se encuentra la subcampeona de Eurovisión Junior Sandra Valero, que procede de Benetússer, una de las localidades afectadas.
Las 16 canciones de Benidorm Fest 2025
Carla Frigo – Bésame
Celine Van Heel – La Casa
Chica Sobresalto – Mala Feminista
Daniela Blasco – Uh Na Na
David Afonso – Amor barato
DeTeresa – La Pena
Henry Semler – No lo ves
J KBello – VIP
K!NGDOM – Me gustas tú
KUVE – Loca por ti
Lachispa – Hartita de llorar
Lucas Bun – Te escribo en el cielomawot –
MAWOT – Raggio di sole
Mel Ömana – I’m a Queen
Melody – Esa diva
Sonia y Selena – Reinas
Weezer ha pasado 2024 celebrando el 30 aniversario de su icónico álbum de 1994, el de la portada azul. En Estados Unidos, la gira The Voyage to the Blue Planet acaba esta semana en Phoenix.
Weezer empezará 2025 cruzando el océano para tocar una serie de conciertos en Reino Unido y Europa. En España la gira -sin aparente relación con el Blue Planet Tour- pasará por Barcelona, en concreto por la sala Razzmatazz, el 9 de julio. La banda telonera, Bad Nerves, procedente de Essex, te gustará mucho si te gusta el rock de garaje: atención a su single ‘Can’t Be Mine’.
Las entradas para el concierto de Weezer en Barcelona estarán disponibles a partir de este viernes 15 de noviembre a las 10 horas en Livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés. Habrá preventas desde Live Nation-S.SMusic a partir del miércoles 13 de noviembre a las 12 horas, y desde Live Nation a partir del jueves 14 de noviembre a las 10 horas, en Livenation.es. El precio es de 60 euros + gastos.
No sé cuántas bandas pueden llamarse Junior Varsity. Según Google, unas cuantas, entre ellas, una banda emo fundada en 2002. «Junior Varsity» es un término utilizado en el ámbito deportivo universitario, especialmente en Estados Unidos, por lo que tiene sentido que un grupo joven norteamericano lo utilice, aunque no sea especialmente original.
Es el caso de esta otra banda llamada Junior Varsity surgida hace pocos años. Junior Varsity, grupo fundado en 2019, lleva desde ese año dándose a conocer en las salas de conciertos de Estados Unidos. De hecho, el trío formado por Greg Varteresian, Zach Michel y la cantante Brooke Danaher fichó por Warner Music entonces sin haber publicado una sola canción. Entre sus seguidoras en Instagram se encuentra Chappell Roan.
También en 2019, Junior Varsity apareció en los medios generalistas por vandalizar el signo de Hollywood dibujando una vaca en la primera O de la palabra. El mismo día, el grupo publicó su primer single, ‘Cold Blood’. Las guitarras de ‘Cold Blood’ -de corte californiano- han terminado definiendo el sonido de Junior Varsity.
Las canciones de Junior Varsity desprenden esa frescura universitaria del emo, el college rock y el grunge de épocas pasadas. Su mezcla de guitarras y sintetizadores se hace notar en el single ‘Cross the Street’ -que contiene cantos de animadora- y el muro de sonido de ‘New York’. También es evidente en el single que se ha extraído del nuevo EP de Junior Varsity, publicado estos días.
No puede ser más emo ese estribillo «quiero entregarte mi corazón» de ‘Give My Heart’, y tampoco su mezcla de guitarras y sintetizadores. Esta vez, una base programada lo-fi forma la base de la canción, mientras los punteos de guitarra eléctrica se funden con ella. Digamos que ‘Give My Heart’ ya es más Postal Service que Death Cab for Cutie. Forma parte del nuevo EP de Junior Varsity, ‘My Star’, ¿adelanto de un próximo LP que pueda llegar en 2025?
Myke Towers y Benny Blanco siguen liderando la lista de Singles España con ‘DEGENERE. En segundo lugar, Quevedo, que se recupera de la entrada de ‘DURO’ en el puesto 18 la semana pasada. El resto de entradas, prácticamente, pertenecen a Duki, que acaba de lanzar su cuarto disco, ‘AMERI’.
La canción del argentino que mejor ha funcionado es su colaboración con Myke Towers, ‘Nueva Era’, directa al número 5. También han entrado ‘Imperio’ (#15) con Judeline, ‘Constelación’ (#21) con Lia Kali, ‘Buscarte Lejos’ (#24) con Bizarrap, ‘Vida de Rock’ (#32) con Milo J, ‘Trato de estar bien’ (#36) con Morad, ‘Brindis’ (#37) con Headie One, ‘Hardaway’ (#46) con YG y Eladio Carrión, ‘Cine (#56), ‘Ameri’ (#62), ‘No Drama’ (#75), ‘Wake Up & Bake Up’ (#86) con Arcángel y Wiz Khalifa, y ‘Un Día Más’ (#98) con YSY A.
Además, Cano entra en el número 45 gracias a ‘Se Pone Las Nike’, uno de los hits de su último disco, ‘TRIANA’. Por otro lado, el single con sabor a Brasil de The Weeknd y Anitta no ha funcionado demasiado bien. ‘São Paulo’ entra en el número 78 de la clasificación. Al límite de la lista, en el puesto 100, entran Feid y Joyce Santana con ‘Ferxxoko’.
Dos generaciones se enfrentan esta semana en Discos España. ‘La Jauría’ de Dani Fernández, que ocupaba el primer puesto la semana pasada, queda relegado al tercer puesto. Duki y The Cure ocupan ahora las dos mejores posiciones de la lista. El argentino, con ‘AMERI’, se queda con el número 1, mientras que ‘Songs Of A Lost World’ entra en segundo lugar.
Sin embargo, en la lista de vinilos los británicos se llevan el oro, mientras que Duki ni siquiera aparece en la tabla. Durante estos días, en JENESAISPOP hemos repasado algunos discos esenciales de la discografía de The Cure, al ser su último trabajo nuestro Disco de la Semana. Los elegidos han sido ‘Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me’, ‘The Head On The Door’ y ‘Pornography’.
Ilegales consiguen meter la reedición de ‘Agotados de esperar el fin’ en el número 9 de la lista. Originalmente, el segundo disco del grupo asturiano fue lanzado en 1984. Solo hay dos entradas más en el resto de la clasificación. Una es ‘Creer y Luchar’, el último disco de Sínkope, que entra en el número 24. La otra es el disco navideño de Niña Pastori, ‘¡Feliz Navidad¡’, en el puesto 38.
‘The Great Impersonator’ se ha recuperado ligeramente de una entrada a mitad de tabla la semana pasada, cuando se quedó con el número 39. Ahora, Halsey ha subido al puesto 23, consiguiendo el mayor incremento de ventas de la semana.
