Bob Bryar, el músico que tocó la batería en My Chemical Romance desde 2004 hasta 2014, ha sido hallado muerto en su casa de Tennessee. Bryar llevaba desaparecido desde el pasado 4 de noviembre, último día en que se vio al artista con vida, informa TMZ. El servicio de control animal ha acudido al domicilio de Bryar para retirar dos perros que se encontraban en la vivienda. Bryar, que tenía 44 años, ha muerto de causas por ahora desconocidas.
Bryar, que nació el 31 de diciembre de 1979, se sumó a las filas de My Chemical Romance en 2004, poco después del lanzamiento del segundo disco de la banda, ‘Three Cheers for Sweet Revenge’, en remplazo del batería original, Matt Pelissier. Bryar formó por tanto parte del disco más exitoso de My Chemical Romance, el multiplatino ‘The Black Parade’ (2006).
Bryar tocó la batería en My Chemical Romance en el álbum final de la banda, ‘Danger Days: The True Lives of the Fabulous Killjoys’, y escribió varias de sus canciones, pero dejó la formación poco antes de su disolución oficial en 2013. En 2014, My Chemical Romance lanzó el recopilatorio de éxitos ‘May Death Never Stop You’.
En 2014, Bryar dejó la música para dedicarse a una nueva carrera, convirtiéndose en agente inmobiliario profesional a partir de ese año.
Hace poco reproducíamos las declaraciones de E. Kidd Bogart sobre la letra de ‘SOS’ de Rihanna, cuya segunda estrofa se compone de títulos de éxitos pop de los ochenta, tan bien hilvanados que nadie se ha dado cuenta de la idea en quince años.
El mismo recurso utiliza Cyn en ‘The Smiths’, el single que presenta la reedición de su disco, ‘Valley Girl’, publicado en fascículos. ‘The Smiths’, la Canción Del Día para hoy, es otro tema destacado de este álbum, como ‘I Don’t Care‘.
Cynthia Nabozny, artista amadrinada por Katy Perry en su sello discográfico, Unsub Records, lanza con ‘The Smiths’ un maravilloso homenaje al grupo de Morrissey, lleno de referencias a su música, y también un recordatorio de cuánto un mal recuerdo puede arruinar tu relación con un grupo musical.
«Cada vez que escucho a los Smiths pienso en ti / Dios santo / Solo el cielo sabe cuán miserable soy», canta Cyn en el estribillo. Por supuesto, Cyn utiliza el título de ‘Heaven Knows I’m Miserable Now’, el single de los Smiths de 1984, para, de manera muy hábil, expresar el estado de «agonía» en el que le ha dejado ese chico fan de los Smiths del que se había enamorado, pero que ya no está en su vida.
Cyn recurre a otros títulos de los Smiths en la canción, por ejemplo, para recordar con nostalgia a ese «Charming Man» que un día le conquistó.
Una canción llamada ‘The Smiths’ no podía sonar a otra cosa que al pop de los ochenta, en concreto a aquel que hacían las bandas de guitarras, no solo los Smiths, sino también los Pretenders o los Cure. El lyric video incluye imágenes de cintas de casete y vinilos.
El camino de Poppy en la industria del entretenimiento está lleno de giros impredecibles. En 2014 alcanzó cierta fama gracias a YouTube, donde hacía vídeos inquietantes hablando sobre la sociedad y el mundo digital. En 2017 lanzó su álbum debut, ‘Poppy.Computer’, un trabajo electropop que parecía indicar que la artista se convertiría en un nombre importante del pop alternativo. Una sensación que no se disipaba del todo en su segundo largo, ‘Am I A Girl’, que llegaba tan solo un año más tarde, aunque ya ahí había influencias metal más evidentes. Su viraje definitivo al género llegó con su siguiente obra ‘I Disagree’, donde la cantante de Boston dejó claro que no tenía intención alguna de hacer lo que la gente esperaba de ella, ya que después tampoco quiso continuar por esa senda, pues los siguientes en llegar fueron ‘Flux’ -una suerte de homenaje al rock de los 90- y el electrónico ‘Zig’.
En su sexto disco, ‘Negative Spaces’, Poppy recupera una estética similar a la de ‘I Disagree’, solo que aquí su acercamiento al metal es mayor, más agresivo y, en muchos casos, mejor, demostrando que es el género que mejor le sienta. El álbum, compuesto por 15 pistas, se abre con la potente ‘have you had enough’, que funciona como presentación del sonido dosmilero nu metal que reinará en la mayoría del proyecto. Canciones como ‘the cost of giving up’ o la sorprendente ‘they’re all around us’ muestran a Poppy entregándose a las voces guturales y a melodías pegadizas en una línea similar a los primeros Linkin Park. Ambas producciones proponen un sonido abrasivo, donde destacan unas percusiones que parecen metralletas, dotando a ambos temas de una rabia y urgencia muy necesarias.
Sin embargo, no todo el disco posee esa oscuridad. Las cosas se suavizan justo después con ‘yesterday’ y, especialmente, con el electropop de ‘crystallized’, que retrotrae a la Grimes de ‘Art Angels’. Es habitual que Poppy introduzca en sus trabajos estos contrastes tan bruscos. Es algo que lleva haciendo a lo largo de toda su trayectoria, pero en esta ocasión se sienten algo fuera de lugar, lastrando ligeramente la fluidez de la secuencia. Lo mismo puede decirse del pop punk a la Avril Lavigne de ‘vital’ o de los tintes electrónicos que ofrece ‘push go’. Poppy quiere seguir demostrando que es una artista versátil que se niega a ser encasillada en ningún género ni estilo en particular, pero en esta ocasión la insistencia no hace falta: ya lo sabemos. Esas canciones ya las ha hecho antes y de forma más atractiva.
‘Negative Spaces’ funciona muchísimo mejor cuando se olvida de todas esas Poppys del pasado y se centra en la que este disco necesita, que es su versión más metalera, cuando homenajea la música de los 2000 que triunfaba cuando era pequeña. Hay mucho de Evanescence, y en concreto, de ‘Everybody’s Fool’ en ‘nothing’, un tema que, pese a no tener la fuerza de las tres primeras canciones del disco, recupera su rumbo con un sonido amenazador y una buena interpretación vocal. A partir de ahí, el álbum vuelve a brillar en las producciones y a atrapar, como en ‘the center is falling out’, plenamente cantada -o gritada- con voz gutural. O en ‘surviving on defiance’, quizá la pista que mejor asimila varios de los géneros que baraja la artista en este proyecto, yendo desde el metal sinfónico, al pop punk o el rock. Una de las joyas de la corona llega casi al final con ‘new way out’, donde combina un gran estribillo pop con una instrumentación nu metal. El álbum, sin embargo, decide cerrar con ‘halo’, una balada correcta pero perfectamente prescindible.
En su sexto disco, Poppy consigue algunas de las mejores canciones de su carrera, pero se nos presentan mezcladas con otras muchas que no alcanzan esos niveles de inspiración. El resultado final es irregular: en sus mejores momentos resulta eléctrico, en otros simplemente funcional.
Hace un mes que la dana se llevó la vida de más de 200 personas, casi todas en la Comunidad Valenciana. Entre los músicos que se han volcado con la tragedia, hemos visto de voluntaria a Rosalía, y a Rozalén volver a su pueblo de Castilla La Mancha para contribuir con la reconstrucción. Cientos de artistas lograron recaudar casi medio millón de euros a través de la iniciativa Som Valéncia. C. Tangana es el nuevo en sumarse.
Carmen y Juan son un matrimonio de personas mayores que han visto su casa demolida. C. Tangana, a punto de estrenar su documental sobre la familia de Yerai Cortés, descubrió su historia en televisión, y les ha mandado ayuda. En concreto, operarios desde Barcelona para la reconstrucción de un muro en su casa y otras infraestructuras del pueblo de Catarroja.
Carmen le agradece su ayuda a través de un vídeo rodado por RTVE que se está viralizando, y en el que invita a Puchito a su casa en cuanto termine de arreglarla: “Mándame tu teléfono, por favor, en cuanto tenga esto arreglado, tú a mi casa, porque nos has ayudado mucho a todo Catarroja. Por favor, ven, que la juventud te quiere conocer en persona”.
Carmen agradece a C. Tangana (@c_tangana) su ayuda.
"En cuanto tenga esto arreglado, ven a mi casa" ❤️#LaHora29N
Hay que ver lo poco que se prodiga en el cine Andrea Arnold -solo cinco largometrajes de ficción en 25 años de carrera- y lo buenas que son sus películas. Y hay que ver lo bien que utiliza las canciones en su cine: con fines dramáticos y narrativos, poéticos, la mayoría de las veces de forma diegética, no como simplonas listas de reproducción de éxitos para epatar al espectador.
Desde los tiempos de ‘Red Road’ (2006), con ‘Morning Glory’ (Oasis) y ‘Love Will Tear Us Apart’ (Joy División), hasta la apoteosis musical que fue ‘American Honey’ (2016), con momentos impagables al son de ‘We Found Love’ (Rihanna), ‘Dream Baby Dream’ (Bruce Springsteen) o ‘American Honey’ (Lady Antebellum), la directora siempre ha utilizado las canciones y los bailes como un recurso estilístico fundamental en su cine. De hecho, ha contado alguna vez que lleva siempre un altavoz a los rodajes para poner música y que prepara listas de reproducción para cada actor como herramienta para prepararse su personaje.
En ‘Bird’, las canciones dicen tanto de los personajes y del contexto social en el que se mueven como cualquier diálogo, detalle de ambientación o escena puramente visual. La música de Burial y temas como ‘The Universal’ (Blur), ‘Lucky Man’ (The Verve) o el ‘Yellow’ de Coldplay (en uno de los momentazos cinematográficos del año), proporcionan a la película una profundidad dramática y psicológica extraordinaria. Mención aparte merecen las canciones de Fontaines DC, cuyo guitarrista Carlos O’Connell hace un cameo. En particular, temas como ‘Too Real’ o ‘A Hero’s Death’ están tan bien integrados en la narrativa que parecen escritos ex profeso para la película.
La protagonista de ‘Bird’ es la típica heroína del cine de Arnold: una chica de 12 años que intenta sobrevivir en un entorno hostil, en un barrio de Kent, al sudeste de Londres, marcado por la pobreza, la violencia y la desestructuración familiar. Pero, lejos de regodearse en la miseria o hacer una denuncia facilona de la alarmante desigualdad que existe en el país, la directora apuesta por un coming of age durísimo pero lleno de calidez humana, atravesado por un elemento fantástico que sirve como hermoso contrapunto lírico y llamada a la esperanza.
Con un trío de actores superlativo -Barry Keoghan (‘Saltburn’, ‘Almas en pena de Inisherin’), Franz Rogowski (‘Disco Boy’, ‘Passages’) y la debutante Nykiya Adams- ‘Bird’ se presenta como un ejemplo de cine temática y estilísticamente anclado en la más cruda realidad (la película sigue las coordenadas visuales del cine naturalista con mucha cámara en mano y montaje nervioso), pero que no teme alzar el vuelo hacia territorios narrativos tan sorprendentes como arriesgados. Arnold coloca su película en el alambre y la mantiene en equilibrio como un pájaro posado en un cable de alta tensión.
rusowsky y Bb trickz es una de las colaboraciones más inesperadas del año. El visionario integrante de Rusia IDK tiene su primer proyecto largo en camino y no sería una locura pensar que este nuevo single forma parte de él. ‘uwu^^’ es una gran mezcla de dos estilos que no podrían ser más diferentes y nuestra Canción del Día.
‘uwu^^’ es otra obra mutante de rusowsky en la que no se sabe qué es estribillo, qué es puente y qué es verso, pero poco importa si las melodías son tan buenas como estas. «El beso de tu amor un puñal / Y el alma llena de espinas», canta ruso marcando el tono del tema, sobre una base compuesta por unas tímidas guitarras eléctricas y los toques glitch acordes al colectivo.
Bb trickz no tarda en aparecer con característico estilo que, sorprendentemente, no le sienta nada mal a una canción tan melancólica como esta. «Con tu polla me basta / Eres mi side ho, AKA mi amor», suelta. Solo ella sabe mantener tan bien el equilibrio entre obsceno y cute. Más adelante, se pone seria: «No me hables de amor, tengo el cora frío, frío / Quiero enamorarme, pero nunca lo consigo».
En el videoclip, tan abstracto como magnético, Bb trickz consigue comprar una garrafa de leche fresca con sus preciados ‘racks’ para que rusowsky se limpie las manos con ella. La imagen es extrañamente hipnotizante.
Sonorama Ribera ha revelado el cartel de su próxima edición, la número 28, que se celebrará entre el 6 y el 10 de agosto en Aranda del Duero. Franz Ferdinand lidera las confirmaciones aunque no es el único nombre internacional anunciado: también está la banda británica Ash, autora de ‘Girl from Mars’.
Manda la música nacional en un cartel que confirma a Viva Suecia, Arde Bogotá, Duncan Dhu, Barry B, La Raíz, Ginebras, FERNANDOCOSTA, Nena Daconte, Rufus T. Firefly, Judeline, Don Patricio, Chambao, Besmaya, Gara Durán, Carlos Ares, Los Punsetes, Íñigo Quintero, Delgao, pablopablo o Soge Culebra.
Como de costumbre, Sonorama Ribera combinará la programación nocturna con una matutina que tendrá lugar en la Plaza del Trigo y que será de acceso gratuito. La programación de mañana de Sonorama se conocerá próximamente.
Los bonos generales y VIP de Sonorama estarán disponibles el domingo 1 de diciembre a las 13 horas y saldrán en tres tramos, 20.000 bonos y 1.000 bonos VIP. Los 2.000 primeros bonos generales saldrán a 75 euros + gastos, los 2.000 bonos siguientes a 80 euros + gastos y, por ahora, el siguiente tramo a 85 euros + gastos.
Los bonos VIP saldrán los 200 primeros a 125 euros + gastos, los 200 siguientes a 140 euros + gastos y, por ahora, el siguiente tramo a 160 euros + gastos. Mientras que el día 10 de agosto, las actividades serán gratuitas y se celebrarán en el pueblo.
Este viernes de novedades ha visto la luz una grabación de uno de los últimos conciertos de Camarón de la Isla: ocurrió el 13 de septiembre de 1991 en la Plaza de Toros de Buenavista (Oviedo) con motivo de las fiestas de San Mateo, acompañado por Tomatito a la guitarra.
«Bueno señores, buenas noches. Voy a empezar cantando un poquito por alegrías y luego me pedís lo que queráis, gracias», fueron las primeras palabras de José Monje Cruz en la velada. El inédito concierto quedó grabado en una cinta digital, de las primeras de la época, y ha permanecido más de 30 años guardada en los archivos del técnico de sonido contratado para la ocasión.
‘Oviedo, San Mateo 1991’ incluye un libreto dirigido por Nacho Serrano que cuenta con los testimonios de una larga lista de artistas contemporáneos sobre cómo les ha influido la leyenda de Camarón. Jes, de Sidonie, asegura que «debe ser el artista más influyente de la Tierra». Rosalía cuenta que descubrirle «fue una de las grandes epifanías de mi vida»: «Ha sido y siempre será el cantaor más emblemático que existe en este género», cuenta.
C. Tangana recuerda una entrevista post ‘La Leyenda del Tiempo’ que le sirvió para su propia carrera: «Para mí siempre ha sido impactante pensar que el músico más unánimemente respetado y admirado de toda la historia reciente de España, un día tuvo que lidiar con el desprecio». Por otro lado, Estopa recuerdan cómo iban «a trabajar a la fábrica de Seat» con Camarón sonando a todo volumen: «Nuestra canción ‘Como Camarón’ ha sido un icono para nosotros, y quizás sin Camarón, no hubiéramos ni existido».
Otros nombres que también aparecen en el libreto son Antonio Arias, Antonio Carmona, Jaime Urrutia, Bunbury, Anni B Sweet, Rufus T. Firefly, La Zowi, Carlangas o Manolo García.
Tracklist:
1. ALEGRIAS Soy Aquel Contrabandista
2. TARANTOS / MINERAS Una Mina De Asturias
3. BULERIAS Bebiendo Vino
4. TANGOS Me Saben A Caramelo
5. FANDANGOS Tus Besos Son Míos
El viaje al Auditori para asistir al concierto de Tarta Relena parece un peregrinaje. El público acude en grupos, y la calle Lepanto se eleva ligeramente a metros de alcanzar la entrada del recinto, como si fuera una iglesia. Tan poco acostumbrado estoy a ir al Auditori que cualquier cosa que se salga de la Sala Apolo me parece la más seria del mundo. Y, sin embargo, tomarse la música de Tarta Relena -y cualquier música, realmente, o cualquier cosa- demasiado en serio solo puede ser un error. Porque la propuesta de Helena Ros y Marta Torrellas no es obtusa. Puede que canten en latín, ladino o griego, puede que sus canciones se basen en melodías mediterráneas antiquísimas, puede que sus composiciones surjan de la Academia, con la A en mayúscula, pero siguen despertando emociones en los oyentes, los mismos que abarrotan el Auditori una noche de jueves cualquiera.
El concierto de ‘És pregunta’, tercer disco de Tarta Relena, tiene algo de solemne y épico, casi sacro, porque sus armonías vocales también tienen mucho de eso. Y, sin embargo, Ros y Torrellas saben aliviar la tensión del ambiente de varias maneras a lo largo del recital, quizá haciéndose un favor a sí mismas, también, pues en el Auditori el silencio es sepulcral hasta que el público rompe en aplausos.
Como riéndose de que algunas de sus letras no se entienden porque están escritas en idiomas muertos, Tarta Relena cantan una misma canción en ‘És pregunta’ del derecho y del revés. En una de sus varias charlas al público, Tarta Relena celebran que con ‘Tamarindo’ y ‘Odniramat’ les salieron “dos canciones por el precio de una”. Para presentarlas, se graban a sí mismas en el momento recitando una frase del revés y reproduciéndola después del derecho. Parece Anderson de ‘Twin Peaks’ resucitado. El efecto es incómodo -los acentos no corresponden, por ejemplo- pero divertido a su vez.
Otras letras de Tarta Relena de hecho son graciosas, como la de ‘Mano décima’, sobre un personaje llamado “Juan el Romano” que “perdió la mano” y que “no estaba muy sano”. Pero la música de Tarta Relena se crece, sobre todo, en su unión de tradición y modernidad, de cancionero medieval y electrónica. Sus armonías -una es soprano, otra contralto- conviven con samples de instrumentos reales -guitarras, percusiones- y sonidos del agua del mar, y sus beats juguetones y contundentes gustarían a Björk, cuya canción ‘Lionsong’ (2015) el dúo de Barcelona ha adaptado a su repertorio, en la canción ‘Figues‘.
Tarta Relena juegan con las diferentes facetas de su propuesta desde el principio. Aparecen en el Auditori no desde el escenario, sino atravesando el paso de butacas, en fila, una detrás de la otra, una tocando una campanilla, la otra sujetando un espejo. Una vestida de rojo, otra de azul eléctrico, ambas parecen venir del futuro para contarnos historias del pasado. Una desde la izquierda, la otra desde la derecha, suben a la tarima y empiezan a tejer armonías mientras tocan un arpegio de sintetizador de sonido cósmico. Queda claro que la música de Tarta Relena atraviesa el tiempo.
A lo largo del concierto, Helena y Marta tocan instrumentos sampleados, como -aparentemente- una guitarra acústica, reproducen sonidos del mar o samplean sus propios loops vocales. Utilizan teclados y baterías electrónicas diseñadas con formas irregulares: parecen rocas o minerales. La segunda canción del setlist abre con sonidos de lluvia y truenos y el repertorio alterna melodías solemnes y otras alegres y vivaces, como la ‘Si veriash a la rana’, el single de presentación de ‘És pregunta’. El dinámico juego de voces, luces y contundentes percusiones electrónicas crea un pequeño espectáculo audiovisual que hace olvidar de repente la preciosa arquitectura del recinto en el que el público se encuentra.
Es este juego de voces y luces que produce el mejor momento del concierto: Tarta Relena cantan ‘Crit premonitori’ y ponen a todo el Auditori en un estado de hipnosis repitiendo sus frases sin parar durante minutos, a modo de mantra. Mientras, la luz roja de los focos se intensifica y el escenario se va progresivamente llenando de humo. La combinación de voces, luces y humo crea un paisaje de ensueño: cuando la canción acaba de manera abrupta, el público despierta del letargo casi sin esperarlo.
May Zirkus
Una brutal descarga eléctrica va interrumpiendo, en diversos puntos, la calma de la canción final, ‘Las Alamedas’, una adaptación de Federico García Lorca que, además, incorpora percusiones de inspiración flamenca, como flamencas son muchas de las interpretaciones vocales de las catalanas. Tarta Relena juega con la sonoridad de un sintagma como “las alamedas” -que sonaría bien al oído aunque no significara nada- y crea un momento de poesía solo para romperlo con una dosis de épica. Este dinamismo se encuentra en el ADN de la música de Tarta Relena, siempre dispuesta a la mutación.
Tarta Relena explica que ‘És pregunta’ tiene que ver con la incertidumbre ante el futuro. Una incertidumbre que compartimos todos, de ahí que un espejo situado en el escenario se coloque de cara al público para reflejarlo. «Os tenemos muy presentes» es una frase que sale de la boca del dúo, que acaba el recital haciendo desfilar a todo su equipo en el escenario. El público vuelve a romper en aplausos… antes de encontrarse con el silencio de nuevo, a la salida del recinto.
Guitarricadelafuente está en medio de un cambio de imagen. Ha anunciado que en 2025 lanzará un nuevo disco, del que no se sabe nada, y llevará a cabo una nueva gira por España. De esta sí se conocen las fechas, culminando el próximo 17 de octubre en el Wizink Center de Madrid.
El autor de ‘La Cantera’, su único disco hasta la fecha, ha borrado todas las publicaciones de su Instagram para dar la noticia. Antes de pasar al slide de la información de la gira y el disco, lo que se ve es una fotografía del artista sin camiseta y con los pantalones bajados un pelín de más. Recientemente, el de Benicasim colaboró en el último disco de Troye Sivan, en la canción ‘In My Room’.
La gira de Guitarricadelafuente de 2025 empezará el próximo 18 de mayo en Bilbao y terminará el 17 de octubre en el Wizink Center. Entremedias, estará en A Coruña (24 de mayo), Sevilla (29 de mayo), Valencia (1 de junio), Zaragoza (6 de junio), Granada (27 de junio) y Barcelona (2 y 3 de julio en el Festival ALMA). Las entradas saldrán a la venta a partir del 2 de diciembre, a las 10 horas.
Río Babel anuncia el primer nombre de su edición de 2025, que tendrá lugar los días 4 y 5 de julio en Madrid. Kase.O encabezará la jornada del viernes 4 repasando sus treinta años de trayectoria. La cita de Kase.O en Madrid será la única del año que el rapero haga en la capital.
Explica la nota de prensa que «al asistir al concierto del 30 aniversario de SFDK, a Javier Ibarra le despertó una poderosa inspiración: celebrar sus más de tres décadas en la música junto a sus fieles seguidores. Este deseo no solo marca la oportunidad de recorrer los hitos de su carrera antes de sumergirse en la creación de un nuevo proyecto, sino también de cerrar un capítulo para abrir otro lleno de nuevos desafíos».
El rapero de Zaragoza, conocido por haber formado parte de Violadores del Verso, ha desarrollado una interesante carrera en solitario que le ha llevado a ser nominado a premios como el Grammy Latino. ‘El Círculo‘, su disco de 2015, se cuenta entre sus lanzamientos destacados. Últimamente, Kase.O ha triunfado con ‘Ringui Dingui’ junto a SFDK.
Las entradas para el viernes 4 de julio y los abonos para los días 4 y 5 de julio ya están a la venta. Próximamente se anunciarán más nombres.
En la semana de Acción de Gracias en Estados Unidos, Kendrick Lamar ha dado un golpe en la mesa lanzando disco sorpresa. Sin embargo, son pocos los discos internacionales que se publican hoy. Acaso, un disco póstumo de Juice WLRD. Sobre todo la cosecha de hoy es nacional y destaca por los nuevos lanzamientos de Ibon Errazkin, Dani Martín, Paul Thin, SOMADAMANTINA, LaBlackie, Al·lèrgiques al pol·len o el álbum de versiones de Los Punsetes lleno de artistas invitados.
A pesar de que Dani Martín tiene programados unos 800 conciertos entre 2025 y 2026, al artista aún le queda energía para echar pestes contra el reguetón y contra la música actual -la cual ya no entiende- en un tema llamado, tal cual, ‘Novedades viernes’.
No es la mejor novedad del viernes, pues ese título va para Zahara sampleando maullidos de gato en ‘Tus michis’ o para el nuevo single de EZEZEZ, cuyo vídeo hemos estrenado en JENESAISPOP. Aunque la palma se la lleva Cyn invocando a ‘The Smiths’ en su nuevo single.
También hay que comentar, entre las novedades de hoy, la balada de Kesha, la de La Bien Querida -que presenta nuevo disco-, la cancioncilla de Russian Red dedicada a su ‘Chico del montón’, el dueto Disclosure y Pa Salieu, o la sorprendente unión de Sleaford Mods y Hot Chip en ‘Nom Nom Nom’.
Más singles recién salidos del horno son ‘El hombre del tiempo’ de La La Love You y Álvaro de Luna, ‘PA K’ de Marc Seguí y Alvaro Diaz o los regresos de C Duncan, Maren, Valeria Castro o Princess Nokia. Entre las que apuntan alto comercialmente, la unión de Lola Indigo y Paulo Londra.
Ca7riel y Paco Amoroso han visitado La Revuelta y han confirmado que son el fenómeno musical hispanohablante del año. El dúo argentino ha anunciado que volverán a España en mayo de 2025 con dos conciertos: el 27 de mayo en el Sant Jordi Club de Barcelona y el 28 de mayo en el Wizink Center de Madrid.
Tras la salida de su primer álbum como dúo, ‘BAÑO MARÍA’, y sobre todo del espectacular Tiny Desk que llevaron a cabo, Ca7riel y Paco Amoroso no han hecho más que crecer a un ritmo vertiginoso. Su interesante mezcla de géneros y carisma natural les ha llevado a agotar las 4 fechas que anunciaron este año en salas de Madrid y Barcelona. En nada de tiempo, ya están preparados para ir a por recintos más grandes.
Ya triunfaron hace tiempo en Argentina gracias a sus éxitos de trap experimental, pero 2024 ha sido el año en el que han empezado a ser conocidos a nivel mundial. Las entradas ya están a la venta para sus conciertos de 2025 en Live Nation y Ticketmaster, desde los 40 euros.
WARM UP continúa con las confirmaciones del cartel de su edición de 2025, que se volverá a celebrar en La Fica durante los días 2 y 3 de mayo. De esta forma, Mando Diao, Claptone, Amaia y Dorian lideran la nueva tanda de confirmaciones. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial.
Junto a estos nombres, se ha revelado que Fat dog, Niña Polaca, Alcalá Norte, Merca Bae y Hofe x 440 también formarán parte del cartel de este año. Estos 9 artistas se sumarán a los ya confirmados en el primer avance: Franz Ferdinand y Polo&Pan Fangoria, Carolina Durante, Zahara, Siloé, Rufus T Firefly, Ralphie Choo, Julieta, Shego, Nusar3000 y Tristán!.
Los abonos generales, a un precio alrededor de los 82 euros, y las últimas entradas VIP, a 159,99 euros, ya están a la venta. Disponibles en la web oficial del evento.
El efecto mariposa del verso de Kendrick Lamar en ‘Like That’ ha sido inmenso: el beef más grande desde Tupac y Biggie, ‘Not Like Us’ siendo una de las canciones más escuchadas del año, Kendrick siendo el artista elegido para la Super Bowl 2025… y el lanzamiento de un nuevo disco, totalmente por sorpresa. ‘GNX’ es el trabajo más corto y accesible de la carrera del rapero californiano.
‘GNX’ se parece más a un disco «normal», en el que hay un poco de todo: es un homenaje a Los Ángeles, tanto en los beats como en las colaboraciones (la mayoría son artistas locales de la ciudad); una reflexión sobre su relación con el rap y una reprimenda a quien haya dudado de él. Sin embargo, todo esto se podría resumir en que lo que hace Kendrick en este LP es echar la vista atrás y, sobre todo, divertirse en el proceso.
El propio título se refiere al modelo de coche (Grand National Experimental) que tenía su padre cuando él solo era un bebé, y que siempre ha querido tener. De hecho, lo consiguió este mismo año. «Todo lo que he querido siempre es un Grand National negro / A la mierda ser racional, dales lo que quieren», canta en ‘tv off’.
En ‘wacced out murals’, formada por unos dramáticos sintes, mata dos pájaros de un tiro, haciendo una instantánea de su momento vital y marcando el tono de todo el disco. «A la mierda los juegos de palabras, quiero que sintáis esta mierda», dice. Y así lo cumple. La mayoría de temas van al cuello, con Kendrick manteniendo una actitud constante de «que os jodan a todos». De hecho, lo dice literalmente en varias ocasiones, llamando la atención a figuras como Lil Wayne («Creo que mi trabajo duro hizo que Lil Wayne se decepcionase») o Snoop Dogg («Posteó ‘Taylor Made’, recé por que fueran los comestibles»).
Pese a la volatilidad de Kendrick, ningún diss se ha colado en el tracklist y apenas hay referencias a Drake. Sin embargo, sí que hay elementos de todos esos temas repartidos por el álbum. El final de la sombría ‘man at the garden’ recuerda a ‘meet the grahams’, mientras que ‘squabble up’, el potente lead single del LP, recrea los coros de ‘Not Like Us’.
Es más, ‘tv off’ es la respuesta directa a todas las personas que argumentaban que ‘Not Like Us’ solo fue un hit porque iba dirigida a Drake. Aquella fue un éxito porque era divertida, pegadiza y estaba plagada de momentos icónicos. Lo mismo se puede decir de ‘tv off’, con ese «MUSTAAAAAAAARD» que ya ha recorrido todo Internet.
Si hasta ahora los discos del rapero te habían parecido demasiado pesados, ‘GNX’ es para ti. Canciones como ‘dodger blue’, el tema más light que ha hecho Kendrick en toda su carrera; ‘luther’, un romántico dueto con SZA; o ‘heart pt.6’, en el que Kendrick recuerda sus humildes inicios, están preparadas para ser fáciles de escuchar. Esta última tiene una relevancia especial, siendo este el primer disco de Lamar fuera de Top Dawg Entertainment. Kendrick aprovecha para enseñarnos «cómo gestionar las diferencias con una conversación saludable».
Lamar tampoco se olvida de las metáforas. En ‘reincarnated’, se mete en la piel de Tupac, tanto en su forma de rapear como en la base que elige, una reinterpretación de la canción ‘Made Niggaz’ de 1997. Desde esta premisa, el rapero habla desde el punto de vista de John Lee Hooker, Billie Holiday, él mismo y, hacia el final del tema, mantiene una conversación con Dios como si fuera Lucifer. Es una de esas pequeñas obras maestras en las que Kendrick se ha especializado durante su carrera.
Por otro lado, ‘gloria’ es a la vez una canción de amor y una reflexión sobre la relación de Kendrick con su arte. «Algunos te querían, pero no estaban comprometidos», cuenta Kendrick. Por eso mismo se llama ‘gloria’: en español es un nombre de mujer, mientras que en inglés es sinónimo de éxito, victoria… Por cierto, la cantante que aparece en esta canción, en ‘wacced out murals’ y en ‘reincarnated’ es mexicana y se llama Deyra Barrera.
Pese a que la mayoría de temas sean más atractivos para el público general, Kendrick no rebaja sus habilidades. Sigue siendo el mejor en lo suyo, y lo demuestra con creces. Sigue descubriendo nuevos flows, nuevas inflexiones vocales, nuevas formas de narrar… También se sigue rodeando del mejor equipo: Sounwave, Jack Antonoff (sí, así) y Mustard son los principales productores del álbum.
El hecho de que ‘GNX’ sea el disco más ligero de Kendrick ha hecho que muchos fans piensen que no es un disco de verdad, y que el peso pesado llegará próximamente. La verdad es que podrían estar en lo cierto. Minutos antes de la salida oficial del disco, Kendrick posteó un clip promocional titulado ‘GNX’. La cosa es que la canción que sonaba en el vídeo no está en el disco que ha salido. Quién sabe, puede que el hambre de Kendrick Lamar no tenga fin.
Low Festival revela las primeras confirmaciones de su edición de 2025, que se celebra en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor, en Benidorm, los días 25, 26 y 27 de julio.
Encabezan el cartel The Kooks y el dúo de raperos argentino Ca7riel & Paco Amoroso, en ascenso gracias a su fantástico debut de este año y a su memorable Tiny Desk.
Entre las confirmaciones de Low destacan también las de Siloé, Carolina Durante, Xoel López y la estrella revelación Judeline. JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador del evento, un año más.
Completan la tanda de confirmaciones de Low 2025 María Escarmiento, Camellos, Teo Lucadamo, Cool Nenas y Nusar 3000. En total se anunciarán a más de 65 artistas.
Los abonos de tres días generales, VIP y VIP POOL estarán disponibles hoy a partir de las 18 horas en la web del festival.
EZEZEZ, la banda de guitarras de Bilbao que, en los últimos años, ha hecho arder los escenarios de festivales españoles como Bilbao BBK Live o Monkey Week con su furiosa mezcla de punk, funk y distorsión garajera, plasmada en balazos como el homónimo ‘Ezezez’ o ‘Mutiko II’, publica nuevo disco en 2025, el tercero de su carrera. El primer adelanto se puede escuchar en primicia desde hoy en JENESAISPOP.
No hace muchos meses, EZEZEZ profundizó en su afición al funk de los 70 en una entrevista con este mismo medio, en la que citaba entre sus influencias a gente como James Brown. No extraña que la mezcla de punk y funk de ‘PUNTOFINAL’ vuelva a ser inflamable, y también muy divertida.
Escrita «casi por accidente», en base a una adictiva línea de bajo que encauzó la composición muy rápidamente, ‘PUNTOFINAL’ se vale de una energía furiosa para explorar el tema de la identidad y la aceptación, tanto propia como la del otro. En contraste con su instrumentación, la letra de ‘PUNTOFINAL’ llega cargada de ternura y humor en frases recitadas en euskañol que apelan al fenotipo vasco (“mi nariz es muy de vasco y te ha enamorau”) o al cine romántico de autor («Yo soy Nino tu Amélie / a nuestra soledad le pondremos punto final»). En el año de ‘Joker‘ también hay algo de «Folie à deux» en pasajes como «Con esta dislexia no puedo seguir adelante / Estoy loco, pero sé que tu también lo estás».
Explica la nota de prensa que ‘PUNTOFINAL’ «nació en el estudio de manera improvisada y espontánea». La canción está escrita «desde la perspectiva de quienes encuentran su lugar en el mundo a través del amor de otra persona», y explora temas como «la pertenencia y el sentimiento de identidad» sin perder la ironía que caracteriza a la banda compuesta por el cantante y letrista Unai Madariaga, el guitarrista y productor Eneko Ajangiz, el batería Álvaro Olaetxea y el bajista Mikel Irigoyen.
El videoclip de ‘PUNTOFINAL’ es campestre y está protagonizado por EZEZEZ y por el dantzari Jakes De Irala. Dirige Iyán Altube, habitual colaborador de la banda.
EZEZEZ sigue de gira desde inicios de 2025: el 10 de enero toca en el Sanagustin Kulturgunea de Azpeitia junto a Tatxers, el 17 de enero en el festival EUROSONIC de Groninguen, Países Bajos; el 25 de enero en el Dabadaba de San Sebastián junto a Parquesvr y el 20 de junio en el Azkena Rock Festival de Vitoria. Próximamente se anunciarán más fechas.
Taylor Swift fue nombrada la segunda mejor popstar del siglo para Billboard. En un vídeo que pretendía celebrar los mayores logros de la artista, el medio estadounidense incluyó imágenes de su figura de cera desnuda, usada por Kanye West en el infame vídeo de ‘Famous’. El vídeo ha sido eliminado desde entonces.
La respuesta de los fans de la cantante ha sido inmediata, con cientos de respuestas al vídeo colgado por Billboard. «Nos disculpamos profundamente con Taylor Swift y con todos nuestros lectores y espectadores después de haber incluido un clip que la representa falsamente en un vídeo celebrando sus logros. Hemos eliminado el clip del vídeo y nos arrepentimos sinceramente del daño que hemos causado con este error», ha publicado el medio.
Muchos fans de la cantante han argumentado que no fue un error, sino un ataque a propósito, asegurando que el vídeo habría tenido que recibir luz verde por parte de diferentes personas del equipo de Billboard. También califican el clip incluido de ‘revenge porn’, ya que la figura de cera de Taylor desnuda fue incluida en ‘Famous’ sin su consentimiento.
En el vídeo de ‘Famous’, lanzado en 2016, Kanye West y Kim Kardashian aparecen en una enorme cama, durmiendo junto a realistas figuras de cera de diferentes artistas y personalidades. Entre estos, Taylor Swift, Chris Brown, Donald Trump, Rihanna o Bill Cosby. En la letra del tema, la cosa iba más allá: «Creo que Taylor y yo todavía podríamos tener sexo / ¿Por qué? Hice famosa a esa zorra».
We are deeply sorry to Taylor Swift and all of our readers and viewers that in a video celebrating Swift’s achievements, we included a clip that falsely depicted her. We have removed the clip from our video and sincerely regret the harm we caused with this error.
The Weeknd ha confirmado la fecha de lanzamiento de su nuevo disco, ‘Hurry Up Tomorrow’. Será la última parte de la trilogía que empezó con ‘After Hours’ y continuó con ‘Dawn FM’. Este estará disponible a partir del 24 de enero de 2025, según ha indicado el propio artista en las Stories de Instagram.
Abel Tesfaye ha lanzado, hasta el momento, tres sencillos del disco: ‘Dancing in the Flames’, ‘Timeless’ con Playboi Carti y ‘São Paulo’ con Anitta. La más exitosa de estas fue la que compartía con Carti, que llegó al número 3 del Billboard Hot 100. Cada una de estas tiene un estilo diferente, por lo que no sabemos muy bien que ofrecerá el cantante en el disco completo.
Como acompañamiento del disco, ‘Hurry Up Tomorrow’ también vendrá con un thriller psicológico con el mismo nombre protagonizado por Jenna Ortega, Barry Keoghan y el propio Abel. El cantante, junto a Oneohtrix Point Never, se encargarán de la banda sonora.
Biznaga protagonizaron anoche la actuación musical de La Revuelta. El grupo interpretó en la televisión pública ‘El futuro sobre plano’, una de las múltiples canciones de su último disco, ‘¡AHORA!’, que abordan el problema de la vivienda en España. La actuación puede verse en RTVE, a partir del minuto 6.
Broncano contó que la idea de traerlos al programa surgió de una conversación con miembros del equipo sobre justamente el problema de los alquileres. «Es el gran problema de nuestra generación y de la que viene también, que va a ser peor», cuenta uno de los integrantes del grupo. De hecho, Álvaro García, vocalista, aclara en ese momento que la banda está formada por tres generaciones distintas, de los 20 a los 40 años.
Tanto el presentador como la banda se tomaron un momento antes de la actuación para dar visibilidad a este gran problema en la televisión pública ya que, tal y como cuentan, es uno de los temas que sí o sí salen en cualquier conversación: «El resto de cosas que quieras en tu vida: aspiraciones, anhelos, alegrías… todo lo condiciona que no puedas tener una casa», denunció Broncano.
Ocurrió la magia de la televisión y Biznaga aparecieron en el escenario con los instrumentos puestos y unas letras dirigidas a provocar un necesario cambio: «El futuro sobre plano, el derecho a la ciudad / El futuro sobre plano, habitar con dignidad».
La Revuelta ha vuelto a ganar en audiencia a El Hormiguero, anotando un 16,8% de cuota y 2.269.000 espectadores. El programa de Pablo Motos, por otro lado, marcó un 16% de share y 2.094.000 televidentes. En estricta competencia, Broncano superó por 2.8 puntos al programa de Antena 3. Lo han conseguido con la entrevista a Hugo Silva y con la actuación de Biznaga. En El Hormiguero, David Bisbal fue la estrella invitada.
Prácticamente no hay fin de semana en que La Paloma no toquen en directo. Mientras algunos afirman que el rock ha muerto, hay bandas de este género que llenan las salas. El 21 de diciembre será su fin de gira en La Riviera de Madrid, aunque antes llegarán Barcelona (29 de noviembre), Zaragoza (30 de noviembre), Murcia (13 de diciembre) y Elche (14 de diciembre). Nico y Lucas visitan nuestro podcast REVELACIÓN O TIMO para hablarnos de su himno sobre desencanto generacional ‘La edad que tengo’, de la supervivencia de las bandas de rock, garage, punk, de guitarras en general o de aquel concierto en un mitin del PSOE del que nadie se acuerda ya (fue el año pasado).
La visita de La Paloma no es más que una excusa para debatir sobre el legado de artistas de guitarras como Nirvana, The Strokes, The Libertines o Arctic Monkeys. Hace tiempo que no emerge una banda de rock tan popular como estos últimos, que siguen gozando de unos streams monstruosos con ‘AM’. Nico ironiza: «Hace ya más tiempo que se dice que el rock ha muerto, que tiempo estuvo vivo. Llevamos desde los 90 con esto. Y últimamente hay un surgimiento de bandas. A la vez que se dice que ha muerto, se dice que va a volver». No obstante, el grupo admite el fin de bandas tan populares como las mencionadas: «El mainstream es el resumen del interés general, y el mainstream ha cambiado mucho. Se ha democratizado. Ningún proyecto tiene toda la atención como en los 90 Oasis».
Nico nos habla de sus influencias: «Yo he sido un nostálgico toda la vida, de cosas de antes de que yo naciera», indica refiriéndose por ejemplo a Fugazi, y elogiando la integridad de su escena. No obstante, se jacta de haber evolucionado: «Ahora abrazo cosas que antes me parecían lo peor, como decir que me fliparía sonar en Los 40 siempre que no traicione los valores de lo que queríamos hacer».
Hablamos sobre la deconstrucción masculina de los últimos años, la proliferación de bandas de mujeres como shego o Shanghai Baby, y el exceso de testosterona. «Nos gusta más que la gente cante a que haga pogo en nuestros conciertos. Date de hostias bien o deja que la gente vea el show», dicen en un momento. Además, Lucas declara haber sido muy fan de Avril Lavigne, desde mucho antes de que existiera Olivia Rodrigo y se pusiera de moda reivindicarla.
El podcast permite que debatamos también sobre la competitividad: «La hemos ido perdiendo, es una cosa horrible del mundo de la música (…) Tener beefs es algo forzadísimo». Sobre si Yung Beef y Bb trickz son el nuevo punk. O también sobre su segundo disco, que aún están creando y que será muy diferente al primero. ‘La edad que tengo’ no estará en él. Lo definen así: «No es La Paloma con el pelo teñido. Es La Paloma con esteroides. La Paloma ha ido al gym».
‘Nobody Loves You More’ es el disco de debut en solitario de Kim Deal. Se lo ha tomado con calma: algunas de estas canciones fueron ya publicadas en 2013 (‘Are You Mine?’) y 2014 (‘Wish I Was’). El plazo transcurrido no es por capricho. Kim se pasó estos años cuidando de su familia: sus padres y sus tíos, que fallecieron entre 2019 y 2020. De hecho, ‘Are You Mine?’ está dedicada a su madre, que sufrió Alzheimer durante 18 años. Pero aquí no hay pena. No esperéis un ‘Carrie and Lowell’ y sí un buen y muy vital disco de Kim Deal.
Todo este tiempo también ha servido para que Deal haya compuesto el suficiente número de grandes canciones. Todas las composiciones son suyas, y se ha rodeado de un buen puñado de colaboradores, entre otros, su hermana Kelley, antiguos compañeros en Breeders como Jim Macpherson, Fay Milton de Savages y… Steve Albini. La mayoría de los temas los grabó en su estudio, Electrical Audio en Chicago. Y aunque él no sea el productor (aquí la tarea también la lleva a cabo Kim), su sello a la hora de grabar se nota en el sonido: es naturalista, tan crudo como cálido, casi escuchas el crujir de las paredes de madera. Es un hermoso homenaje indirecto el que rinde Deal a su amigo a través del sonido del álbum.
‘Nobody Loves You More’ a ratos suena a disco perdido de los 90, más cerca paradójicamente de Pavement que de los Pixies, a ratos tiene una vocación de canción clásica americana, lo que choca (para bien) con el clásico cancionero de Deal. La maravillosa voz rasposa de duende de Kim domina todo. Eso y su capacidad de componer grandes canciones pop. La apertura es sorprendente: ‘Nobody Loves You More’, la canción, parece que se la haya robado a Angel Olsen, tan torch, tan llena de arreglos de cuerda y vientos, pacificados por la voz poco amiga de las alharacas de Deal. El puente a base de metales es puro gozo big-band. Y está fabricada con cola de impacto: una sola escucha y ya no te puedes sacar su estribillo de la cabeza. ‘Coast’ se arranca también con trompetas, tan pizpireta como una soleada mañana de sábado.
Como para recordarnos de dónde viene, Kim aparece con el sincopado y muy pegadizo ritmo marcial de ‘Crystal Breath’, uno de esos temas que cruzan el post punk y el pop alternativo, con unas líneas de bajo y batería machaconas y ultra-pegadizas: en 1997 hubiera sido un pepinazo en la sala grande del A Saco. ‘Are You Mine?’ es una hermosa balada tipo años 50 con toques hawaianos. Rompe el corazón con sus versos dedicados a su madre: “Are you mine? Are you my baby? I have no time for nothing but love” (“¿Eres mía? ¿Eres mi niña? No tengo tiempo para nada, excepto para el amor”).
La Kim más familiar asoma definitivamente a partir de ‘Disobedience’, la quinta canción, un gran tema de rock alternativo, oscilando entre la furia y la tersura, con los estupendos coros de Kelley. Y como para dejar bien claro que Kim es una de las madres del invento, en ‘Big Ben Beat’ levanta una buena tormenta sónica, bien distorsionada, con una batería absolutamente descollante y unas guitarras con bien de saturación.
La placidez pop se recupera en la muy Bacharach ‘Summerland’, una preciosidad que lleva a Deal a los terrenos del musical, aunque el cierre nos devuelve a los 90 con ‘A Good Time Pushed’, el equilibrio perfecto entre la Kim que pega y acaricia, sus melodías agridulces, las subidas, las bajadas, la intensidad, la contradicción entre la melancolía que marca la línea de bajo y la fuerza que muestran las baterías y las guitarras. Todas esas cosas que amamos en Kim Deal y que se le siguen dando tan bien, no como a otros. Sí, te estoy mirando a ti, Frank Black.
C Duncan, el músico y compositor escocés autor de maravillas de pop pastoral como ‘Say’ u ‘Other Side’, ha dado los detalles de su quinto trabajo discográfico, ‘It’s Only a Love Song’, que sale a la venta el 24 de enero. El álbum se pone a la venta a través de Bella Union, sello asociado a artistas como Beach House, Father John Misty o Susanne Sundfør.
La mención a Father John Misty es oportuna, pues Josh Tillman acaba de lanzar un gran álbum en Bella Union, ‘Mahashmashana‘, y el disco de C Duncan seguirá un estilo similar. Duncan, que recibió una nominación al Mercury Prize por su debut de 2015, ‘Architect’, sabe lo que hace.
Duncan ha llenado ‘It’s Only a Love Song’ de arreglos de cuerda, de sus habituales armonías vocales y de «imágenes embelesadas», y el resultado es un disco, en sus palabras, «descaradamente romántico y un poco antiguo». ‘Delirium’, el segundo avance, es la Canción Del Día para hoy.
Escrita en un estilo americano, ‘Delirium’ es un nuevo banquete de armonías vocales cantadas por los mismísimos ángeles que llevan a eso mismo, al delirio. Mientras «el mundo arde», Duncan se arropa de lujosos coros y violines para escapar -volar- hacia un lugar mejor, aunque no sea verdadero.
Así lo explica Duncan: «‘Delirium, como su nombre indica, trata sobre la confusión y el agotamiento. Habla de encontrar alivio en un estado de delirio. Hay cosas que no se pueden mover ni cambiar, así que por qué no rendirse a ellas, por precarias que sean».
Tras la marejada política del año pasado, con Vox queriendo instrumentalizar el Festival Internacional de Cine de Gijón/Xixón (FICX) para convertirlo en un certamen de “valores” para “todos los públicos”, las aguas de la edición de 2024 han estado en calma. Solo el pase del documental taurino ‘Tardes de soledad’ levantó alguna que otra ola de indignación extracinematográfica. La estabilidad ha sido tanta que hasta se ha reflejado en el palmarés: ha ganado el de casi siempre, Hong Sang-soo, con ‘By the Stream’. El tercer galardón en nueve años para el prolífico director coreano.
A continuación reseñamos 10 de las películas más destacadas del festival, a las que habría que añadir dos más: las extraordinarias ‘Bird’ y ‘Emilia Pérez’, que reseñaremos coincidiendo con su estreno en salas en las próximas semanas.
‘Tardes de soledad’: ¡ole tus huevos, maestro!
Fue uno de los momentos cumbre del festival. Un teatro Jovellanos a rebosar, antitaurinos recogiendo firmas a la entrada y una parte del público de la sala con pinta de haber ido más veces a Las Ventas que a un festival de cine. Y en medio, Albert Serra, presentando la película y toreando la polémica con bastante gracia. Vista la película, no creo que los taurinos se sientan muy satisfechos. ‘Tardes de soledad’ tiene algo de shockumentary a lo ‘La sangre de las bestias’ (1949). Una mirada frontal, en primer plano, a un espectáculo brutal y completamente anacrónico.
La primera hora es impresionante, tan espectacular como espeluznante. Serra nos coloca como espectadores dentro del ruedo, cara a cara con el toro y el torero (no aparece nadie del público en todo el filme). Es una experiencia inmersiva, visual y sonora, brutal, muy diferente a una retrasmisión televisiva, donde todo se dulcifica. Luego, entre corrida y corrida (que a la quinta ya se hace un poco pesada), vemos la intimidad del torero y su cuadrilla. Lejos de embellecerla, Serra la muestra también en toda su crudeza. Esto es: un grupo de señores diciendo una y otra vez “¡maestro!” y “¡ole tus huevos!” a otro señor vestido con un camisón de hospital tras haber estado a punto de morir. Un sinsentido todo, vamos. 7,5.
‘Mother Vera’: en busca de la redención
Ha sido uno de los grandes descubrimientos de esta edición del festival. ‘Mother Vera’ es un documental muy especial que nace de un libro de fotografías, ‘Ex-Voto’, con el que la británica Alys Tomlinson ganó el Sony World Photography Awards. Una de las fotos que componen el volumen es un bello retrato en blanco y negro de la madre Vera, una monja ortodoxa recluida en un convento de Bielorrusia. A partir de esta imagen, la cineasta Cécile Embleton contactó con Tomlinson para intentar rodar un cortometraje documental sobre esta mujer. La fascinación por la monja fue tal que el corto se transformó en un largometraje.
‘Mother Vera’ sigue el día a día de la monja en el convento y fuera de él, cuando decidió abandonarlo para dedicarse a su pasión: los caballos. Al mismo tiempo que observamos su vida cotidiana, filmada en un estilizado y riguroso blanco y negro que enfatiza la atmósfera y la sensación de espiritualidad que parece emanar del entorno, tanto de los interiores del monasterio iluminados con velas como del paisaje nevado exterior, escuchamos, a modo de confesión, el relato de su pasado, una existencia marcada por los desengaños amorosos, las adicciones, la enfermedad y la criminalidad. Una historia de redención bella y tremenda. 8.
‘Bodegón con fantasmas’: relatos de ultratumba y ganchillo
El costumbrismo manchego de Almodóvar, el surrealismo rural de José Luis Cuerda, la cotidianeidad paranormal de Chema García Ibarra, la caligrafía visual de Kaurismäki, el humor de Juan Cavestany (uno de los productores de la película)… El espíritu de estos cineastas sobrevuela las imágenes del debut en el largometraje de Enrique Buleo.
‘Bodegón con fantasmas’ es una tragicomedia con elementos fantásticos, dividida en cinco episodios independientes pero con elementos –escenarios, personajes- en común. Con un tono a medio camino entre el humor negro, la sátira esperpéntica y el costumbrismo más pintoresco y amable, la película es un divertido, tierno y punzante retrato de la España rural, donde los fantasmas que dan miedo no son los de ultratumba, sino los terrenales: la soledad, la precariedad, la vejez, el desarraigo y el más absoluto aburrimiento. 7,5.
‘When the Light Breaks’: bailar llorando para alejar el dolor
Rúnar Rúnarsson se dio a conocer internacionalmente con ‘Gorriones’ (2015), Concha de Oro en el festival de San Sebastián y cabeza visible de esa explosión del cine islandés que se produjo hace una década con películas como ‘Rams’, ‘De caballos y hombres’, ‘La mujer de la montaña’, ‘Un blanco, blanco día’… Tras haber dirigido el videoclip ‘Glóo’ de Sigur Ros, el director islandés regresa con una nueva película.
‘When the Light Breaks’ es un emotivo drama sobre el duelo y el sufrimiento, sobre cómo se enfrenta un grupo de jóvenes a la inesperada muerte de un amigo y, en el caso de dos chicas, de su pareja y amante secreta. Rúnarsson saca mucho partido dramático de ese conflicto sentimental, ese triángulo amoroso cercenado, pero siguiendo caminos narrativos muy poco convencionales. A destacar la utilización del ‘Odi et Amo’ de Johann Johannsson y la secuencia del baile como forma de exorcizar el dolor con la eurovisiva ‘Hatrid mun sigra’ de Hatari. 7,9.
‘Cuando cae el otoño’: el venenoso talento de Ozon
François Ozon sigue con su ritmo de rodaje de una película al año. En esta ocasión presenta un encantador thriller rural protagonizado por una entrañable abuela septuagenaria (una magnífica Helene Vincent) de un pueblecito de Borgoña. Bajo su apariencia de agradable cozy crime, ‘Cuando cae el otoño’ resulta más retorcida y transgresora de lo que aparenta a simple vista.
Gracias a un guion tan sutil como la caída de una hoja, un brillante uso de la elipsis -con una gestión muy hábil de la información- y unos personajes muy bien dibujados, llenos de capas de ambigüedad, el director francés consigue armar una deliciosa intriga, rebosante de humor muy fino y perverso, que recuerda a los policiacos rurales de Claude Chabrol. Una muestra de la capacidad de Ozon para manejar las expectativas del espectador y llevarle por los caminos menos trillados y moralmente más inesperados. 8,2.
‘Good One’: una caminata incómoda
Una de las películas indies del año. Pero independiente de verdad, no como etiqueta comercial. ‘Good One’, debut en el largometraje de India Donaldson, es un filme minúsculo, modesto en presupuesto (está filmado en 12 días durante una caminata por el bosque con un equipo mínimo) pero gigante en resultados. No en vano se presentó en Sundance, fue seleccionada para Cannes y ha sido nominada en los premios Gotham como Mejor dirección novel y Mejor intérprete revelación.
Siguiendo los pasos de Kelly Reichardt, Donaldson narra una excursión por las montañas de Catskill, en Nueva York, protagonizada por una chica de 17 años, su padre y un amigo de este en plena crisis post divorcio. Narrada desde el punto de vista de ella, la película extrae toda su fuerza dramática de la tensión existente entre el deseo de pasar un buen fin de semana y la creciente incomodidad que surge por el comportamiento de los dos adultos. Un conflicto narrado con sutileza y discreción, en voz baja, pero que resuena tan fuerte como un roble cayendo en el bosque. 8.
‘La luz que imaginamos’: un debut deslumbrante
Fue la gran sorpresa del festival de Cannes de este año. Rodeada del brillo de los cineastas estrella del cine mundial -Coppola, Cronenberg, Lanthimos, Sorrentino– la tímida luz de la debutante (en el largometraje de ficción) Payal Kapadia terminó por deslumbrar a toda la Croisette y acabó llevándose el Gran Premio del Jurado, el segundo en importancia.
Producción mayoritariamente francesa (por eso no compite en los Oscar, ya que Francia ha elegido la extraordinaria ‘Emilia Perez’), pero completamente india desde un punto de vista creativo (esta película es impensable dentro de la industria del cine indio dada su rígida censura), ‘La luz que imaginamos’ es un filme de una delicadeza y una riqueza expresiva asombrosa. Kapadia mezcla el melancólico romanticismo y el poético esteticismo urbano de Wong Kar-wai (gran parte de la historia transcurre en Mumbai) con la crudeza y el verismo de la imagen documental. El resultado es una preciosa historia de amistad femenina, tan punzante en su dimensión sociopolítica como emotiva en la sentimental. Uno de los peliculones del año. 8,5.
‘Una ballena’: fallido noir fantástico a lo ‘Under the Skin’
Había bastante expectación para ver la nueva película en solitario de Pablo Hernando (fue uno de los tres directores de ‘Esa sensación’) tras las buenísimas sensaciones que había dejado, hace ya casi una década, la magnífica ‘Berserker’ (2015). Programada en “prime time” (el sábado en el Jovellanos a las diez), ‘Una ballena’ me dejó tan frío como el ambiente portuario norteño donde se sitúa la historia del filme.
La premisa prometía mucho: una trama criminal con referencias al cine de Jean-Pierre Melville, enmarcada en unas coordenadas estilísticas que remiten al ‘Under the Skin’ de Jonathan Glazer y con elementos fantásticos extraídos de las leyendas marinas. Pero el resultado es bastante irregular. Visualmente es muy atractiva. No hay duda de que Hernando es un cineasta con una mirada muy singular, capaz de componer imágenes muy poderosas desde un punto de vista estético. Sin embargo, dramáticamente no funciona tan bien. A la película le cuesta transmitir todo ese misterio, inquietud y horror cósmico que pretende, así como generar interés por un relato criminal, con contrabandistas (Ramón Barea) y asesinas a sueldo (Ingrid García Jonsson), con poca fuerza. Una pena. 6.
‘Vermiglio’: drama familiar con guerra al fondo
Fue la competidora más dura e inesperada de ‘La habitación de al lado’ en el último festival de Venecia. ‘Vermiglio’ ganó el Leon de Plata y ha sido seleccionada por Italia para los Oscar, por encima de la favorita, ‘Parthenope’, del oscarizado Paolo Sorrentino. Dirigida por la argentina afincada en Italia Maura Delpero, ‘Vermiglio’ parece una película de otro tiempo, una aproximación a la historia de Italia en la tradición de clásicos italianos de los setenta como ‘Novecento’ (1976), ‘Padre padrone’ (1977) y, particularmente, ‘El árbol de los zuecos’ (1978), la obra maestra de Ermanno Olmi.
La película funciona como recreación histórica y antropológica. Por un lado, narra la llegada de un desertor siciliano a una aldea de montaña del Trentino a finales de la Segunda Guerra Mundial y cómo su presencia alterará la existencia de una pequeña comunidad. Por otro, reconstruye la vida de esa comunidad campesina, poniendo el acento en la realidad social y cultural (el filme está hablado en dialecto trentino mezclando actores y lugareños) y adoptando un punto de vista femenino. El resultado es un hermoso y delicado retrato de familia que captura muy bien la intimidad de los personajes a través del uso de la elipsis y el fuera de campo. 8.
‘Generación Xixón Sound’: cuando Gijón era la Seattle española
Nacho Vegas, Pauline en la Playa, Petit Pop, Francisco Nixon, Nosoträsh, Elle Belga, Doctor Explosion, el productor Paco Loco… Cuando uno repasa la nómina de músicos en activo surgidos hace 30 años bajo la etiqueta Xixón Sound, de bandas como Manta Ray, Undershakers o Australian Blonde, es inevitable sorprenderse. ¿Cómo es posible que surgiera este movimiento en una ciudad con apenas un cuarto de millón de habitantes, en una época donde todavía humeaban las calles por los disturbios contra la reconversión industrial?
‘Generación Xixón Sound’ ofrece varias respuestas. Articulado por medio de entrevistas a los protagonistas del fenómeno, así como a periodistas, productores y discográficas que ayudaron a difundirlo y comercializarlo, el documental hace un repaso del movimiento desde diversos puntos de vista, proporcionando varias claves para interpretarlo, contextualizarlo y valorarlo. Aunque sus formas son más televisivas que cinematográficas (de hecho se va a emitir ampliado en forma de docuserie en la televisión del Principado) funciona bastante bien como divulgación histórico-musical y nostálgico retrato generacional. 7.
