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Billie Eilish, ¡’Happier than Ever’ no estaba tan mal!

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album del año

Billie Eilish ha cuestionado su segundo disco, ‘Happier than Ever‘, durante una entrevista con Zane Lowe en Apple Music. La artista se encuentra promocionando su nuevo álbum, ‘HIT ME HARD AND SOFT‘, nuestro Disco de la Semana. Por tanto, es lógico que, como todos los artistas, construya el relato de que en esta obra, ahora sí que sí, se ha encontrado a sí misma. Aunque eso se lleve por delante alguna obra anterior.

Ha dicho sobre ‘Happier than Ever’, hablando de cómo lo compuso junto a Finneas: «Éramos dos personas a las que les habían dicho las cosas más bonitas imaginables y nos sentamos a hacer estas canciones. Recuerdo que nos sentábamos y decíamos «somos tan buenos…» Estas canciones las trabajábamos durante un día y decíamos «ya está»».

Añade: «no pusimos demasiado en el disco. Por eso hay 16 canciones. Nadie necesita esa cantidad de canciones. Además de venir de ese lugar de «somos tan buenos, esto suena tan bien», al menos para mí, suponía no saber quién era realmente. Y ‘HIT ME HARD AND SOFT’ es casi el reverso de eso. Es más algo así como «no sé si lo que estamos haciendo es bueno en absoluto. Puede que sea terrible. Y ahora cuando lo pienso, me digo: «sí, me siento a gusto consigo misma»».

Por supuesto, ‘HIT ME HARD AND SOFT’ representa el descubrimiento sexual de Billie Eilish. ‘LUNCH’ es la primera canción que dedica a una chica, y que suena explícita. Pero también es cierto que la artista está siendo demasiado dura consigo misma. Quizá afectada, aunque sea inconscientemente, por que su debut ganó el Grammy a Álbum del Año, y ‘Happier than Ever’ perdió contra una cosa tan inocua como ‘We Are’ de Jon Batiste.

‘Happier than Ever’ se abría con una composición llamada ‘Getting Older’, publicada cuando la artista aún no había cumplido los 20 años. Era un disco variado, más allá de la gracieta de llamar un tema ‘Billie Bossa Nova’, y algo disperso. Jordi Bardají escribía en su crítica, puntuada con un 7,9 sobre 10, que en el largo «Billie intenta unificar unas canciones bastante distintas entre sí. A veces lo consigue y otras no». También, sobre lo de las 16 canciones, que con «sus aventuradas producciones queda claro que el segundo disco de Billie Eilish está hecho para callar bocas, pero sigue sin ser del todo redondo debido a que su secuencia es larga de más».

El nuevo álbum, por el contrario, tiene solo 10 cortes, claros, distinguibles, y concisos. Es evidente que el cambio le ha sentado muy bien y las cifras empiezan a acompañar. Según pasan los días, parece que a la buena recepción de ‘LUNCH’, hay que sumar la de ‘CHIHIRO’ y ‘BIRDS OF A FEATHER’. Pero además es que ‘BLUE’ y ‘L’AMOUR DE MA VIE’ están ganando cada vez más enteros. Así que sí, definitivamente este disco es mejor que el segundo.

Está bien tener criterio, avanzar y no reconocerte en errores del pasado, pero tampoco hay que quitar méritos a lo que se hizo mejor que OK en su momento. Especialmente el tramo final de ‘Happier than Ever’ era apabullante, desde el minimalismo de ‘Your Power’ hasta el subidón hacia la mitad de ‘Happier than Ever’ -que tanto debe de haber gustado a Olivia Rodrigo-, pasando por la electrónica de ‘NDA’ -muy importante para el desarrollo del nuevo álbum- o aquel ‘Therefore I Am’ de vídeo inenarrable.

Sería una pena que todas estas canciones desaparecieran de su setlist. En otoño, cuando comience su gira -que no llega a España hasta junio de 2025-, averiguaremos cuáles son las composiciones de ese segundo disco que Billie tiene en mejor estima.

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‘Segundo premio’ sí es una película (digna) sobre Los Planetas

“Esta no es una película sobre Los Planetas” asegura el tagline con el que se ha promocionado ‘Segundo Premio’, la última película de Isaki Lacuesta y Pol Rodríguez (‘Quatretondeta’) ganadora de la Biznaga de Oro a la Mejor Película en el Festival de Málaga. El motivo de la elección de esta frase puede ser justificar las licencias narrativas que se habrán tomado los cineastas al trasladar esta historia a la pantalla, pero lo cierto es que a efectos prácticos, estamos completamente ante una película sobre Los Planetas, la mítica banda española que surgió a mediados de los 90 con un sonido que reflejaba muy bien las tendencias internacionales del momento, pero que resultaba tremendamente novedoso en el panorama nacional.

Es bastante complicado catalogar el cine de Isaki Lacuesta, ya que en cada proyecto el cineasta parece desprenderse de todo lo empleado en el anterior y tiende a renovarse tanto en fondo como en forma. Poco tiene que ver el drama intimista ambientado en los pirineos de ‘La próxima piel’ con el retrato de las secuelas imborrables que trajo consigo el atentado terrorista en la sala parisina Bataclán que plasma ‘Un día, una noche’. ‘Segundo premio’ vuelve a distanciarse de sus predecesoras ofreciendo una suerte de biopic sobre los orígenes del grupo granadino, centrándose concretamente en el proceso creativo de su tercer álbum, ‘Una semana en el motor de un autobús’.

La película muestra un momento crítico para la banda, cuando la bajista decide dejar el grupo para centrarse en sus estudios y el guitarrista se encuentra envuelto en una espiral autodestructiva de drogas y alcohol de la que no puede salir. Lacuesta y Rodríguez ponen principalmente el foco en reflejar la amistad y el respeto que se tienen estas personas entre ellas, por mucho que haya decisiones o actitudes que el protagonista no pueda comprender o que den pie a acaloradas discusiones. En cierta manera, es una película sobre la comprensión y, sobre todo, sobre el poder del proceso creativo.

Daniel Ibañez y Cristalino otorgan a sus personajes veracidad, ofreciendo interpretaciones que elevan los momentos en los que la película decae, ya que pese a que está narrada con un ritmo ágil y una palpable pasión por lo que está contando, hay pasajes narrativos en los que se estanca. Un mayor atrevimiento le hubiera sentado bien a un filme que muy a menudo juega demasiado sobre seguro, siguiendo una estructura excesivamente convencional. Es cierto que durante gran parte del metraje funciona de forma efectiva, pero termina siendo un retrato tan entretenido como finalmente olvidable.

El desgaste narrativo es particularmente notorio en un tercer acto que no consigue terminar la odisea en un punto memorable. Aun así, ‘Segundo premio’ no es en absoluto desdeñable, pues cuenta con secuencias atractivas, una interesante historia detrás y, por supuesto, una gran banda sonora, pero sí hubiera necesitado algo más de esa rebeldía y arrebato que ha llevado a Los Planetas tan lejos.

María Peláe, Falete, Jedet… versionarán 100 años de música LGTBIQ+

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Alberto de Miss Caffeina, María Peláe, Jedet, Javiera Mena y Diana Navarro son los artistas protagonistas de ‘Lo que soy’, el concierto especial que ha organizado RTVE Play, en colaboración con la Orquesta y Coro de RTVE, el próximo 28 de junio por el Día Internacional del Orgullo. Las entradas del show ya están a la venta.

‘Lo que soy’ pretende conmemorar un siglo de música LGTBIQ+ con versiones de artistas tan diversos como Concha Piquer, OBK, Mecano o Rosalía. El concierto tendrá lugar el próximo viernes 28 de junio en el Teatro Monumental de Madrid a partir de las 19:30 horas. El 2 de julio estará disponible en RTVE Play.

Bajo la dirección musical de Federico Jusid, el evento estará dividido en tres actos, cada uno representando «momentos cruciales de la historia del colectivo»: la represión, la conquista del amor y la conquista del ser. Paco Tomás, Nerea Pérez de la Heras t Hugáceo Crujiente se encargarán de abrir cada parte con un monólogo a modo de contexto.

SAZZA deja atrás a una ex en ‘Copia de nosotras’

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Continúa el ciclo Escenarios Madrid de Vibra Mahou, por ejemplo, con el show de Chezz en Fulanita de Tal hoy jueves 23 de mayo, el de Tatiana Delalvz en Siroco el 28 de mayo, o el de Sazza en Vesta el próximo jueves 30 de mayo.

Tras acumular cientos de miles de reproducciones con canciones románticas de pop urbano, R&B y pop a secas como ‘22:22’ o ‘Como te desconozco’, Sazza tiene nueva música. La artista valenciana publica esta noche su EP ‘Nómada’, presentado por singles tan solventes como el medio tiempo ‘En el cielo’ -que recuerda un amor que pasó, a través de un cigarro compartido o de un mensaje de voz- o la destacable ‘Copia de nosotras’.

En ’Copia de nosotras’, Sazza trata de convencer a una ex de que lo suyo ya quedó atrás, sobre una dulce guitarra que va tornando en beat electropop. El tema empieza en plan balada, pero termina en plan Robyn: “Es por tu bien / Que pena que no dejes de buscarme / Que pena que no supiste querer / Y sé que ahora no lo ves pero te digo / Que es por tu bien”.

El EP incluirá estos temas:
1.-En el cielo
2.-Copia de nosotras
3.-Bala perdida
4.-Tu perfume
5.-Casi te vas

Aparte de este show en Madrid, aguardan a Sazza el 8 de junio Razzmatazz 2 en Barcelona y el 14 de junio Volander, en Valencia.

Clairo anuncia su tercer disco con un «sexy» primer single

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Clairo ha anunciado que su tercer disco, ‘Charm’, estará disponible el próximo 12 de julio. Además, la cantautora estadounidense también ha lanzado el primer adelanto del disco, la sugerente ‘Sexy to Someone’.

Al igual que en ‘Sling’ e ‘Immunity’, Clairo también ha construido este LP con un único productor. En ‘Immunity’ fue Rostam Batmanglij, en ‘Sling’ el elegido fue Jack Antonoff y ‘Charm’, según ha anunciado la compositora en redes sociales, está producido por Leon Michels, de El Michels Affair.

«Sexy para alguien, es todo lo que quiero», canta Clairo en este nuevo adelanto. Junto a unos arreglos de piano y viento, y una percusión totalmente de pop, Claire Cottrill canta sobre el deseo de causar deseo en otra persona, o incluso en «algo».

Tracklist:
1. Nomad
2. Sexy to Someone
3. Second Nature
4. Slow Dance
5. Thank You
6. Terrapin
7. Juna
8. Add Up My Love
9. Echo
10. Glory of the Snow
11. Pier 4

Beyoncé, demandada por plagio en ‘Break My Soul’

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Beyoncé ha recibido una demanda de copyright por ‘Break My Soul’, aunque la infracción no proviene directamente del hit de ‘RENAISSANCE’. Ha sido una banda de Nueva Orleans llamada Da Showstoppaz los que han decidido presentar cargos sobre la cantante de ‘Cowboy Carter’, todo a raíz del sample que aparece en la canción.

El origen del problema está en el sample vocal de la canción ‘Explode'(2014), de Big Freedia, que aparece repetidamente en ‘Break My Soul’. Concretamente, la parte que dice «release ya wiggle». La banda demandante ha declarado que Big Freedia robó parte de la letra de su tema ‘Release A Wiggle’, lanzada en 2002. Aunque Beyoncé sampleó a Big Freedia de forma legal, esto le ha pillado por sorpresa.

Los miembros de Da Showstoppaz alegan que ‘Explode’ sacó las letras, melodías y arreglos de su propia canción, lo cual hace que su aparición en ‘Break My Soul’ también sea perjudicada. En el documento legal, además de Beyoncé y Big Freedia, Jay-Z y Sony Music también figuran como acusados. Da Showstoppaz piden aparecer en los créditos de la canción y una indemnización por ‘Break My Soul’ y ‘Explode’, además de regalías para futuras licencias de ambos temas.

«Los acusados utilizaron las palabras, melodía y arreglos musicales de los demandantes para crear un álbum a modo de homenaje al ‘tío Johnny’ que expuso la música y la cultura de la comunidad LGTBQ de Nueva Orleans, con la cual están fuertemente relacionados tres miembros del grupo, en todo su esplendor: el tono, las palabras, la melodía y los arreglos de la música bounce», se lee en la demanda recogida por Rolling Stone.

Villagers / That Golden Time

Villagers, el proyecto folkie del irlandés Conor O’Brien, tiene la peculiaridad de adornar su música con detalles de electrónica y texturas diferentes. Por mucho que Spotify abrazara su sesión acústica de ‘Nothing Arrived’, las bondades de su música hay que buscarlas en producciones más complejas como ‘A Trick of the Light‘.

‘That Golden Time’, su 6º disco, nos da más de esto último a través de temas tan intrigantes como ‘Truly Alone’, tan atmosféricos como ‘Keepsake’ o tan cambiantes como ‘Behind That Curtain’, que sorprende en su coda. El álbum contrapone -según las propias palabras del artista- romanticismo frente a realismo. Se pregunta el bueno de Conor «cómo puedes tener ideas ambiciosas sobre ti mismo y el mundo que te rodea, mientras te enfrentas a una realidad dura y fría».

De ahí que ‘Truly Alone’ conduzca el álbum hablando de «dar tu amor a cambio de nada». O que el single ‘You Lucky One’ sea un constante tira y afloja en una relación marcada por la incomunicación y la desconfianza. Dicotomía con que también juega el folk de ‘First Responder’, en la que no pasan desapercibidas las voces de fondo de Mali Llywelyn: «yo apunto mi pistola mientras tú apuntas a la brillantez. Aprendo sobre lesiones, mientras tú aprendes resiliencia».

Esta canción se eleva en su final marcado por las cuerdas, como también a continuación ‘I Want What I Don’t Need’. Sería reduccionista concluir que su título lo dice todo, porque lo mejor es la delicadeza con la que la voz de O’Brien danza con el violín, la viola y el violonchelo de Peter Broderick, Annemarie McGahon y Davide Forti. Igualmente los arreglos adornan un tema llamado ‘No Drama’, que sí incluye bien de drama en uno de sus tramos.

Esta vez Villagers no ha construido unos sencillos identificativos como los de sus primeros tres discos, que le valieron tres números 1 en Irlanda consecutivos en las listas de álbumes. Algo que suple con muy buena base, comenzando por la mencionada ‘You Lucky One’, terminando con la notable ‘Money on the Mind’, marcada por el violonchelo; y dejando en medio temas tan tarareables como ‘That Golden Time’, o canciones tan amables como ‘Brother Hen’. Un delicioso retrato de cotidianidad, quizá con cierto trasfondo ex religioso. Villagers actúa el sábado 25 de mayo en Tomavistas.

Oasis detallan la reedición 30º aniversario de ‘Definitely Maybe’

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A pocos días de que Liam Gallagher recorra arenas de Reino Unido e Irlanda repasando los temas de ‘Definitely Maybe’, se anuncia al fin la reedición del disco. No, no hay reunión de Oasis a la vista.

Como sabes si estás leyendo esto, se celebra el 30º aniversario del que fue el debut de Oasis. En él aparecían himnos imperecederos como ‘Supersonic’ y ‘Live Forever’, junto a joyas perdidas como ‘Slide Away’.

La reedición saldrá el 30 de agosto incluyendo la remasterización de las canciones de 2014, ahora junto a las sesiones de grabación descartadas de los Estudios Monnow Valley y otras de Sawmills Studios. Han sido mezcladas por primera vez por Noel Gallagher y Callum Marinho. También habrá notas adicionales en el libreto de Alan McGee de Creation Records y del periodista Hamish MacBain. Será un doble CD o un cuádruple LP, aunque habrá varias ediciones con matices para elegir.

Volume 1
1. ‘Rock ‘n’ Roll Star’ (Remastered)
2. ‘Shakermaker’ (Remastered)
3. ‘Live Forever’ (Remastered)
4. ‘Up In The Sky’ (Remastered)
5. ‘Columbia’ (Remastered)
6. ‘Supersonic’ (Remastered)
7. ‘Bring It On Down’ (Remastered)
8. ‘Cigarettes & Alcohol’ (Remastered)
9. ‘Digsy’s Dinner’ (Remastered)
10. ‘Slide Away’ (Remastered)
11. ‘Married With Children’ (Remastered)

Volume 2
1. ‘Rock ‘n’ Roll Star’ (Monnow Valley Version)
2. ‘Shakermaker’ (Monnow Valley Version)
3. ‘Live Forever’ (Monnow Valley Version)
4. ‘Up In The Sky’ (Monnow Valley Version)
5. ‘Columbia’ (Monnow Valley Version)
6. ‘Bring It On Down’ (Monnow Valley Version)
7. ‘Cigarettes & Alcohol’ (Monnow Valley Version)
8. ‘Digsy’s Dinner’ (Monnow Valley Version)
9. ‘Rock ‘n’ Roll Star’ (Sawmills Outtake)
10. ‘Up In The Sky’ (Sawmills Outtake)
11. ‘Columbia’ (Sawmills Outtake)
12. ‘Bring It On Down’ (Sawmills Outtake)
13. ‘Cigarettes & Alcohol’ (Sawmills Outtake)
14. ‘Digsy’s Dinner’ (Sawmills Outtake)
15. ‘Slide Away’ (Sawmills Outtake)
16. ‘Sad Song’ (Mauldeth Road West Demo, Nov’ 92)

Últimos abonos para el Tomavistas más internacional: 12 imprescindibles

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Tomavistas anunciaba a principios de semana en sus redes sociales que solo quedaban 300 abonos a la venta. Ya serán algunos menos. Es la edición más importante del festival madrileño, que da el salto a la Caja Mágica y presenta su cartel más internacional. Si otros años se apostó por el talento nacional -y con acierto, recordemos los shows multitudinarios de Rigoberta Bandini o Alizzz-, este año es el del reencuentro a lo grande con la música alternativa de otros países.

El festival informa de que la línea 3 de Metro estará abierta tanto en la madrugada del viernes al sábado, como la del sábado al domingo, hasta las 3:30 horas. Conectará San Fermín-Orcasur con Sol. Estas son las recomendaciones imprescindibles de JENESAISPOP.

Belle and Sebastian: el indie puro
Uno de los reencuentros más felices que podremos vivir en Tomavistas será el de Belle and Sebastian con su audiencia. El grupo publicó el año pasado un nuevo disco llamado ‘Late Developers’ y también ha incorporado a su repertorio el single reciente ‘What Happened to You, Son?’. Un setlist que se sigue nutriendo de temas de discos como ‘The Life Pursuit’ y ‘Dear Catastrophe Waitress’, así como de alguna reliquia de los años 90.

Phoenix: hits indiemainstream
Antes de que el concierto gratuito en Barcelona de Phoenix, inaugurando el Primavera Sound, inunde tu muro la semana que viene, el grupo de Versalles actuará en Tomavistas. El grupo no visitaba Madrid desde hacía 6 años y de hecho en 25 años de carrera solo han estado en la ciudad en 4 ocasiones. ‘Alpha Zulu‘, uno de los discos más infravalorados de 2022, sigue siendo su última entrega, que presentan con «una espectacular producción», según la nota del festival. Será el sábado a la 1.15 de la madrugada, cerrando esta edición.

The Blaze: la electrónica
Un día antes, los encargados de cerrar la jornada de viernes serán The Blaze. Guillaume y Jonathan Alric visitan por primera vez Madrid, consolidados como uno de los nombres internacionales más importantes de la electrónica bailable a la par que meditativa. Éxitos como ‘TERRITORY’ y ‘EYES’ les avalan, así como otras canciones contenidas en su disco de 2023, ‘JUNGLE’. El dúo acaba de actuar, por cierto, en un escenario tan sublime como el del Royal Albert Hall de Londres.

Hurray for the Riff Raff: el country
El proyecto de Alynda Segarra saldará una cuenta pendiente con Tomavistas, pues hace unos años se anunció su nombre pero no pudo llegar a actuar. Su noveno álbum, ‘The Past Is Still Alive‘, será uno de los mejores discos de 2024, gracias a la inmediatez de canciones como ‘Alibi’ y ‘Hawkmoon’, así como a preciosidades como ‘Buffalo’ y ‘The World Is Dangerous’. Perfectas para la tarde del sábado, cuando toca, a las 19.25 horas. Es, por cierto, su único show en España.

The Jesus and Mary Chain: el noise
The Jesus and Mary Chain no solo nos visitan para realizar su habitual repaso de grandes éxitos -que también, imaginad un concierto suyo sin ‘Just Like Honey’ o ‘Happy When It Rains’-. Presentan un digno nuevo álbum, ‘Glasgow Eyes’, del cual hay dos temas que se han asentado en su repertorio reciente, ‘Jamcod’ y ‘Chemical Animal’.

Dinosaur Jr: 40º aniversario
J. Mascis es toda una institución en el underground anglosajón, lo mismo que Lou Barlow y Murph. Les acreditan décadas al frente de Dinosaur Jr: los tres cumplen 40 años en la formación este 2024. Por eso están realizando una gira mundial que en España solo recaerá en Tomavistas, con detenimiento especial en canciones de discos como ‘You Are Living in Over Me’ (1987) o ‘Where You Been’ (1993), pero también de otros.

Laetitia Sadier… ¿y Monade?
La encargada de abrir la jornada de sábado a las 17.25 será Laetitia Sadier con The Source Ensemble. La que fuera vocalista de Stereolab presenta por primera vez en Madrid su nuevo disco, ‘Rooting for Love’, en el que continúa explorando los caminos del kraut pop, la chanson, el jazz, Brasil, etcétera. Su repertorio no suele incluir temas de Stereolab, pero sí de su otro proyecto Monade.

Georgia: la fiesta del sábado
La niña de nuestros ojos es Georgia Barnes, capaz de componer y producir algunos pepinacos de electropop en la estela de Robyn, pero con personalidad propia. Si de alguna manera ‘Euphoric’ (2023) pudo decepcionarte tras la contundencia de ‘Seeking Thrills’ (2020), puedes dejarlo atrás. La reconciliación en el tema reciente ‘Too Much Too Little’ ha sido absoluta.

Joe Goddard: la fiesta del viernes
Su colega Joe Goddard de Hot Chip actuará un día antes que Georgia, el viernes. El DJ y productor presenta un nuevo álbum que se titulará ‘Harmonics’. El disco contará con colaboraciones como las de Ibibio Sound Machine, Tom Mcfarland de Jungle o el mismísimo Alexis Taylor. De momento se han revelado los singles ‘Moments Die’ y ‘New World (Flow)’.

Alizzz: el presente
Que Tomavistas nos traiga más de una decena de artistas internacionales de enorme interés no significa que se descuide el menú nacional. Están Standstill, Baiuca, Los Estanques, Adiós Amores, Cariño, Derby’s Motoreta’s Burrito Cachimba -que acaban de ser número 1 en España-, Pipiolas, Melenas, Hinds presentando su nuevo disco como dúo… Destacamos a Alizzz, que presenta por primera vez en Madrid su nuevo álbum ‘Conducción temeraria’. De nuevo será uno de los mejores del año, como ya logró su debut.

Alcalá Norte: el hype
Dry Cleaning han tenido que cancelar su actuación en el último momento por motivos de salud. Una pena porque venían a presentar la reedición de sus dos primeros EP’s. La organización ha estado rápida fichando al hype nacional del momento. Alcalá Norte tendrán la oportunidad de presentar su particular post-punk, marcado de matices y letras icónicas, ante un público masivo este viernes a las 21.30.

Los Planetas tocando ‘Súper 8’: la nostalgia
Aunque sin Eric y Banin, la gira de Los Planetas tocando su debut ‘Súper 8’ es uno de los grandes acontecimientos festivaleros del año. Es una oportunidad de reencontrarse con himnos como ‘De viaje’ o ‘Qué puedo hacer’. En Madrid J y Florent actuarán el viernes 24 y, si se repite lo visto en otros escenarios como Warm Up, lo que veremos será una presentación del disco al completo, junto con algún tema más de aquella época (‘Nuevas sensaciones’, ‘Hermana pequeña’) y algún avance del que fue su segundo álbum…

Muere Charlie Colin de Train al resbalar en la ducha

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Charlie Colin, bajista original de Train, ha muerto a los 58 años tras sufrir un accidente doméstico. Ha sucedido en Bruselas, donde estaba cuidando la casa de un amigo. Ha resbalado en la ducha y ha fallecido, como informa TMZ. Su cuerpo fue encontrado cuando su amigo volvió a casa la semana pasada, tras 5 días fuera, pero se desconoce cuándo ha tenido lugar el accidente exactamente.

La madre de Charlie Colin ha informado de que el artista se había mudado a Bruselas para dar una master class en un conservatorio de la ciudad, mientras trabajaba en una banda sonora.

Charlie Colin fue bajista de Train entre 1993 y 2003, lo que significa que participó en algunos de los pasos más exitosos de la banda estadounidense. Eso incluye su segundo disco ‘Drops of Jupiter’, que fue triple platino en Estados Unidos, animado por el éxito de su canción titular.

En 2003 fue expulsado de Train por sus problemas con las drogas, y ya no participó de su resurrección en 2009, ‘Save Me, San Francisco’, donde se encuentra el mayor éxito de la carrera de Train, ‘Hey, Soul Sister’.

Aun así, sus compañeros de Train han compartido un sentido homenaje en las redes sociales, recordando cómo se enamoraron de él en cuanto lo vieron. “Era LA persona más dulce y un tipo tan guapo que montar una banda parecía lo único razonable que podíamos hacer. Su manera única de tocar el bajo y bonito trabajo a la guitarra nos ayudó a darnos a conocer en San Francisco y más allá. Siempre ocupará un lugar cálido en nuestro corazón”.



Nelly Furtado se lo monta con Tove Lo y SG Lewis… y le sale bien

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Nelly Furtado llevaba tiempo -demasiado, quizás- avanzando que, para su regreso, quería sumergirse en la pista de baile. Y es que le ha reconfortado comprobar cómo los DJ’s seguían pinchando su música (‘Promiscous’ ha sido un viral), que continuara haciendo a las masas sentirse mejor.

‘Love Bites’ ha llegado al fin, sin decepcionar en absoluto. No sabemos cómo la tratará la dictadura de las playlists, pero de haber sido el primer single post-‘Loose’ habría sido un hit. En ella se ha hecho acompañar de las personas adecuadas, Tove Lo y SG Lewis, para una producción de EDM elegante, con un fuerte contenido sexual. El amor no sólo «muerde» sino que la letra nos habla de alguien que es «muy bueno con la boca».

Esa sensualidad se ve reforzada por un potente estribillo («Go ahead, go ahead now») y los significativos beats de SG Lewis. Tanto este como Tove Lo parecen comerse por momentos a Nelly Furtado, pero al menos esta vez podemos decir que la compañía era la adecuada.

SG Lewis es autor de discos como ‘AudioLust & HigherLove‘ (2022), y Tove Lo de maravillas como ‘Queen of the Clouds‘.

Por su parte, Furtado llevaba tiempo preparando su comeback y, en los últimos meses, ha dado salida a varios y diversos lanzamientos musicales pensados para tocar la fibra nostálgica del público. De una colaboración house con Dom Dolla llamada ‘Eat Your Man’, Furtado pasaba a aliarse de nuevo con Justin Timberlake y Timbaland en ‘Keep Going Up’. Su estreno más reciente era un nuevo dueto con Juanes, ‘Gala y Dalí’. De su disco se sabe que contendrá otras colaboraciones como las de Bomba Estéreo y Charlotte Day Wilson, entre otros.

No, no podemos explicar el beef entre Kendrick y Drake

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Tom Hanks le ha hecho a su hijo Chet la pregunta que más han tenido que responder los fans del hip hop durante las últimas semanas. El beef -o la batalla, o la pelea, como quieras- entre Drake y Kendrick Lamar ha trascendido totalmente el ámbito del rap y se ha convertido en material de debates éticos, memes y euforia social. «¿Me puedes explicar el embrollo?», pregunta el laureado actor.

La respuesta de su hijo lo resume tan bien que queda todavía más claro lo absurdo que ha sido todo. La reacción del padre ignorando el ladrillo de texto de su hijo es la más normal: «¿Hay bandos? ¿Quién gana?». Como no tiene mucho sentido explicarlo todo, nos centramos en lo importante. Estos son los momentos más surrealistas del beef de rap más importante desde Tupac y The Notorious B.I.G.

No queda vivo ni el apuntador
El mal rollo entre Drake y Kendrick empezó en 2013. Desde entonces, el canadiense le ha dedicado al californiano mil mensajes subliminales en sus canciones. Kendrick le odia de corazón. Por eso se unió a Metro Boomin y Future para prender la llama de la pelea en ‘Like That’. Esto de que sus amigos se junten para hundirle, a Drake no le ha sentado bien, y a lo largo de toda la contienda también ha dedicado líneas a estos dos, pero también a The Weeknd, Rick Ross y ASAP Rocky. «¿Qué coño es esto? ¿Un 20 contra 1?», cantaba Drake en ‘Push Ups’, su primer dardo.

Sin duda, la más icónica línea de estas es la que le dedica al aclamado productor: «Metro, shut yo’ hoe ass up and make some drums». Claro y conciso. Y eso es justamente lo que hizo el de St. Louis, creando el primer diss beat de la historia, dedicado al culo de Drake. Algunos también han señalado su visionaria incorporación de la IA en el tema.

«Tupac» y Snoop Dogg se unen al beef
Después del primer lanzamiento de Drake, no había ninguna noticia de Kendrick. Esto duró algunos días, así que Drake se aburrió y pensó en sacar un tema con el único objetivo de provocar la reacción de Lamar. ‘Taylor Made Freestyle’ empieza con un verso del mismísimo Tupac (versión IA) pidiéndole a Kendrick que rompa su silencio: «Kendrick, te necesitamos, el salvador de la costa oeste».

Con un característico flow de Drake, Snoop Dogg se une a la fiesta en el segundo verso: «Tienes que enseñarle a este puto búho quién es el jefe en el oeste». La reacción de este en Instagram no tiene desperdicio («They did what?»). En la última parte, Drake manda un saludo a la persona que da título a la canción: «Un saludo a Taylor Swift, la gangster más grande de la música».

El ODIO de Kendrick a Drake
En ‘Push Ups’ y ‘Taylor Made Freestyle’, por parte de Drake, y en ‘euphoria’ y ‘6:16 in LA’, por parte de Kendrick, los insultos fluyeron de forma constante, pero competitiva. Drake le llamó enano a Kendrick y este se rio de su acento canadiense. De eso, pasamos a acusaciones de violencia de género, pedofilia e hijas desatendidas. Kendrick ya dejó claro en ‘euphoria’ que era el mayor hater de Drake del mundo: «Odio cómo andas, cómo hablas y odio cómo te vistes». Esta parece la única razón por la que un artista de su talla se ha rebajado al nivel de Drake: lo muchísimo que le odia.

En ‘meet the grahams’, lleva esto a un punto no conocido hasta ahora: «Tu hijo es un hombre enfermo con pensamientos enfermos, creo que los negros como él deberían morir / Él y Weinstein deberían pudrirse en una celda durante el resto de sus vidas», rapea Kendrick dirigiéndose directamente a la madre de Drake, Sandra. Este también explica por qué el beef envejeció tan mal, tan rápido: «Se suponía que iba a ser una buena exhibición del juego, pero la cagaste cuando nombraste a mi familia».

‘Not Like Us’, hit del verano
«Psst, veo gente muerta». ¿Cómo puede ser que una canción basada en acusaciones de pedofilia se convierta en un hit mundial? Es lo que ha conseguido Kendrick Lamar con su último lanzamiento, y escuchándolo no hay dudas de por qué. El tema está petándolo en discotecas y pool parties alrededor del mundo y frases como «Certified lover boy, certified pedophiles» son las más cantadas por los asistentes. Más alucinante todavía es lo de que Kendrick haya salido del beef como el contendiente más exitoso comercialmente.

La vergonzosa despedida de Drake
Drake tenía la complicada tarea de responder a la vez a ‘meet the grahams’ y ‘Not Like Us’ entre acusaciones de ser un depredador sexual y de esconder una hija de 11 años, lo cual ya le ocurrió con Adonis. Aquella vez, Pusha T fue el que descubrió el hijo oculto de Drake. El canadiense tituló la pieza ‘The Heart Part 6’, referenciando la conocida serie de temas de Lamar, y fue el único movimiento inteligente de la canción.

En la última entrega del beef, Drake cuenta que él mismo le coló información falsa a Kendrick (sí, seguro), se ríe de él por sufrir abusos de pequeño (lo cual no ocurrió, pero Drake no leyó bien la letra de ‘Mother I Sober’) y suelta la excusa más patética para desmentir las acusaciones de pedofilia: «Si me estuviese follando a niñas, habría sido arrestado / Soy demasiado famoso para esta mierda que has sacado». Claro, como ser famoso no te da ningún tipo de protección o trato especial… Es el equivalente de decir: ¿Cómo voy a cometer un delito, si es ilegal?. No cuela, Drake.

Kendrick optó por dejar que su contrincante se hiriese a sí mismo y guardó silencio. Así como así, todo terminó. Drake humillado, Kendrick con un número, pero ambos con una absurda mancha en su legado. «Good times. Summer vibes up next», se leía en una de las últimas Stories de Drake.

Camila Cabello y Lil Nas X se pelean por un chico en ‘He Knows’

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Camila Cabello estrena el vídeo de su último single. Se trata de ‘He Knows’, una colaboración con Lil Nas X que podría servir de primer single oficial de ‘C,XOXO‘, el nuevo disco de Camila Cabello. ‘I Luv It‘, realmente el primer adelanto, se ha promocionado en Coachella y también con un videoclip de alto presupuesto, pero nunca se ha enviado a radios, por lo que parece haber servido, más bien, de «buzz single».

El vídeo de ‘He Knows’ presenta a Camila Cabello y Lil Nas X peleando por un hombre que no es lo que parece. Al final del vídeo, prometen que no volverán a disgustarse por un chico… pero por supuesto hay plot twist.

La canción sigue la estética de ‘I Luv It’ mezclando varios elementos interesantes. Por un lado, la producción electrónica y sucia evoca las noches de verano de Miami, ciudad a la que Camila dedica su disco, sampleando el mareante coro de ‘Give It Up 2 Me’ de Ojerime. Por otro, la base es similar a la del amapiano sudafricano. Camila la pasa por el filtro hyperpop y llama a Lil Nas X para añadir un juguetón verso que incluye una cita a Ashanti.

Con ‘He Knows’, Cabello de momento no está corrigiendo su paso en falso con ‘I Luv It’, una colaboración con Playboi Carti que, pese al cambio radical de sonido que ha supuesto para Cabello, y pese al curioso apoyo a la canción por parte de Lana Del Rey, ha pasado desapercibida en listas.

La portada de ‘He Knows’ es una imagen evidentemente tomada en la MET Gala, donde Cabello y Montero han coincidido. El pacto con Lil Nas X, de hecho, parece una decisión de última hora, pues los rumores -surgidos del portal HITS Daily Double- apuntaban a que Camila preparaba en realidad lanzar un dueto con Drake. Sin embargo, el acalorado «beef» protagonizado por Drake y Kendrick Lamar en los últimos días parece haber llevado a Camila y a su equipo a cambiar de planes. Se desconoce si se ha retirado a Drake de ‘He Knows’ para poner a Lil Nas o, por el contrario, Drake aparece en un tema diferente aún inédito. El disco de Camila Cabello sale el 28 de junio.

Arab Strap / I’m totally fine with it 👍 don’t give a fuck anymore 👍

En 2021 Arab Strap volvieron tras 16 años de hiato. ‘As Days Get Dark’ era más que un regreso, también era en muchos aspectos una reinvención. El dúo escocés presentaba un sonido renovado dentro de su muy identificable estilo, dando quizá más protagonismo a la electrónica, y con unas letras donde Aidan Moffat plasmaba las ansiedades sociales que la pandemia trajo consigo. Tras ella, el mundo no ha vuelto a ser el mismo exactamente, y Arab Strap tampoco.

En su segundo disco tras su vuelta y el octavo de su carrera, irónicamente titulado ‘I’m totally fine with it 👍don’t give a fuck anymore 👍’, la banda continúa reflexionando sobre el mundo moderno y el impacto de la tecnología en nuestra manera de relacionarnos. El pesimismo habitual y el sentimiento de derrota que Moffat y Malcolm Middleton han plasmado a lo largo de su carrera está inequívocamente presente, así como un halo nihilista que impregna las 12 pistas que lo componen.

La primera canción, ‘Allatonceness’ se encarga de asentar el tono hablando sobre la sobreestimulación a la que estamos sometidos con internet y las redes sociales, captando nuestra atención con cosas absurdas mientras nos perdemos el mundo real. El narrador es plenamente consciente de ello, pero la sensación de impotencia ante algo que no está bajo su control le devora: “¿Creías que me rebelaría? / ¿Creías que lloraría? / En vez de eso estoy aquí sentado sin poder sentir nada”.

Su oscura instrumentación post-punk es sustituida en la siguiente pista por los sintetizadores en la excelente ‘Bliss’, lo más cerca que Arab Strap ha estado del synthpop, pero aunque su beat pueda confundir, la cadencia vocal de Moffat hace que trasmita el mismo vacío existencialista: el mayor estado de felicidad viene de la máxima desconexión con el mundo, cuando no hay nadie por las calles y la música a todo volumen de los auriculares anula cualquier pensamiento.

‘I’m totally fine with it’ insiste constantemente en ese anhelo por un mundo más humano en el que conectar los unos con los otros y con el entorno que nos rodea, pero las letras de Moffat no tiran balones fuera: él también es parte del problema, y no tiene la energía para intentar cambiarlo. Sorprendentemente en ese agujero negro en el que Arab Strap nos mete, también hay espacio para melodías pegadizas e incluso casi bailables, como en el estribillo de ‘Hide Your Fires’ o, sobre todo, en la vivaz producción de ‘Strawberry Moon’.

Las composiciones son ricas -llenas de divertidos detalles como llamadas de teléfono, clics de ratón de ordenador, etc.- y atmosféricas. En sus mejores momentos logran ser realmente envolventes, aunque a medida que el proyecto avanza acusa inevitablemente cierto desgaste de ideas, una excesiva reiteración de la fórmula que ya plantearon en ‘As Days Get Dark’. No obstante, el cierre, ‘Turn Off The Lights’ no se parece a nada de lo anteriormente escuchado: una balada rock bastante clásica que va del minimalismo a la explosión instrumental en su clímax. De manera aislada no es lo más inspirado que escuchamos aquí, pero sí le sienta bien a la experiencia completa aportar texturas y colores diferentes.

A pesar de cierta irregularidad, ‘I’m totally fine with it 👍 don’t give a fuck anymore 👍’ es una experiencia sombría y generalmente satisfactoria que nos muestra a una banda que, tras tres décadas, aún sigue teniendo mucho que decir y ofrecer.

La lista de Apple Music en 5 despropósitos

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Apple Music se ha anotado un tanto publicando una lista con los Mejores Discos de la Historia. Durante los últimos días, la plataforma ha sabido captar la atención de un público diverso y últimamente un poco disperso, unos atrapados ya para siempre en la nostalgia, y otros en una vorágine de estrenos constantes cada vez más absurda.

El problema de elaborar una lista de este tipo es que te caen palos por todas partes. Nadie te da las gracias. Sólo recibes críticas. Y lo peor es que aunque siempre parezca que has improvisado todo, seguramente haya un currazo detrás inconmensurable.

Dice Apple Music que ha confeccionado este top 100 sumando los puntos aportados por «artistas, compositores, productores y expertos». Seguramente hubiera obtenido mejores resultados confeccionando la tabla de otra manera, por ejemplo a través de su propio staff de editores y programadores de playlists, debatiendo y argumentando. O sacando bolas del bombo de un bingo.

De la suma de estos puntos no ha resultado nada coherente en ningún sentido. Uno mira el orden definitivo y algunos discos que han cambiado el mundo parecen tirados en la lista al azar. O directamente no están. Se desconoce si se han seguido criterios como la innovación, la influencia en otros artistas o el valor sociocultural al margen de la música. Desde luego no lo parece. Hay que adivinar qué pinta cada álbum en cada puesto. Y en algunas ocasiones es bastante difícil.

Lo primero que hay que aclarar es que la lista se centra en artistas anglosajones. Me parece lo de menos, porque no se le pueden pedir peras al olmo. Nadie esperaba en una lista de estas características a Enrique Morente ni a Juan Luis Guerra. Ni a Gainsbourg ni a Neu! Como mucho a Rosalía (y no). Al menos sí hay que señalar la presencia de Bad Bunny como un acierto. Incluso llevándose por delante a otros artistas contemporáneos como The Weeknd. ¿Quizá los votantes de Apple Music consideran un imitador de Michael Jackson o Drake al 2º artista más oído del mundo?

Pero incluso dentro del mundo anglosajón, sorprenden muchísimo algunas decisiones. En este artículo repasamos los fallos más flagrantes de este top.

Las ausencias imperdonables
Los artistas seleccionados proceden, en general, de Estados Unidos, el principal mercado de Apple Music. Eso explicaría la ausencia de algunos artistas británicos, como PJ Harvey, My Bloody Valentine, Sex Pistols, Joy Division, Depeche Mode, Pet Shop Boys o incluso Queen. Primal Scream ya acababan de ser eliminados de la historia de Rolling Stone, así que por aquí no los esperábamos. Ni al australiano Nick Cave. Bien pensado, hay que dar las gracias por Björk y los Smiths.

Pero también sorprende la ausencia de discos norteamericanos. La selección de álbumes de hoy no es el problema: Beyoncé, Billie Eilish, Lana del Rey… ya está muy claro que tienen que estar. El problema es el pasado: ‘Automatic for the People’ de R.E.M. o ‘I’m Your Man’ de Leonard Cohen. ¿De verdad no ha marcado Cohen el camino de innumerables autores de hoy? ¿De la misma Lana, quizá?

Curiosamente, la cuota sueca la cubre Robyn y no ABBA, y mira que ‘The Visitors‘ era una opción maravillosa.

El jazz, o algo así
Algunos votantes han tirado hacia el jazz, pero solo unos pocos, aparentemente. No parece haber guía al respecto, pero una cosa está clara: si vas a hablar de John Coltrane, no puede ser para ponerle por debajo de Guns ’N Roses. Si vas a hablar de Miles Davis, no puede ser para ponerle por debajo de ‘1989’ (Taylor Version). ‘Kind of Blue’ y ‘A Love Supreme’ son los dos ejemplos más claros de discos que parecen tirados sin ningún criterio en este malogrado top 100. Para presentarlos en cualquier lugar, mejor hubiera sido explicar que esto era una lista de música pop, y dejarlos fuera.

Apple ya no es indie
Presumíamos a Apple Music un perfil alternativo. Alguien que paga por la música. Con inquietudes. Pues no. La plataforma da por completo la espalda a toda una historia del underground y la contracultura de diferentes formas. La más acusada es que ‘The Velvet Underground & Nico’ -mejor disco del siglo XX para Rockdelux- aparece también «en cualquier lugar», por ejemplo en el puesto 60. En su consecuencia, los Pixies no pueden estar en el top 100. Todo el indie de los 90 aparece ninguneado (Magnetic Fields, por decir alguien) y todos los artistas de la generación Pitchfork han sido ignorados uno detrás de otro. No busques a Bon Iver, ni a Fiona Apple, ni a Grimes, ni a The National, ni a Arcade Fire, ni a The Knife. No ha habido piedad ni siquiera para alguien tan atemporal, tan sublime, tan poco indie, tan poco apegado a las modas y tan erudito como Sufjan Stevens.

Influido vs influencia
El desorden en la lista presentada era llamativo desde que empezaron a revelarse los primeros puestos. Pero ha sido mucho peor el final. Me costaría mucho creer que Frank Ocean se sepa él mismo, para la historia, más importante que Stevie Wonder. Me costaría mucho creer que Adele se sepa ella misma, para la historia, más importante que Carole King.

Ni una sola rareza
En la lista hay varias cosas que parecen una boutade o simplemente puro despiste. Dejando para otro día si ‘Abbey Road’ y no ‘Sgt Pepper’s’ es el mejor disco de los Beatles; o si ‘Like a Prayer’ y no ‘Ray of Light’ es el mejor disco de Madonna, ‘Pure Heroine’ no es el mejor disco de Lorde. ¿Qué pinta aquí ‘Untrue’ de Burial si no hay casi nada de electrónica, ni tampoco ambient? ¡Si no está Brian Eno! ¿Es de verdad ‘Golden Hour’ un disco tan importante en la historia del country? Y así podríamos seguir.

Con la salvedad del número 1, bastante discutible, pues ‘The Miseducation of Lauryn Hill’ no era precisamente un «hit after hit» y había de todo en sus 77 excesivos minutos de duración; la lista es un cúmulo de lugares comunes y discos híper conocidos, con ningún margen para la sorpresa o el descubrimiento para el melómano. Hace unos meses Rolling Stone al menos me hizo escuchar un disco de reggae que desconocía, ‘Red’ de Black Uhuru. En este caso, ni eso.

Billie Eilish contraataca a Taylor Swift con nuevas ediciones de su disco

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Petros Studio

Billie Eilish parecía haberse asegurado el número 1 directo en las listas con la edición de su excelente nuevo álbum, ‘HIT ME HARD AND SOFT’, nuestro Disco de la Semana.

Así parecía por ejemplo en Reino Unido, donde durante el fin de semana, Billie Eilish consiguió vender lo equilavente a 42.000 copias. 29.000 de ellas en físico. Zayn y Taylor habrían empatado en el puesto 2, con 12.000 unidades este fin de semana.

En Estados Unidos, la proyección de ‘HIT ME HARD AND SOFT’ de llegar a las 300.000 copias le habría valido el número 1 en el Billboard 200 casi cualquier semana. Por ejemplo la actual, cuando ‘The Tortured Poets Department’ ha despachado 260.000 unidades en su 4ª semana en lista.

Pero Taylor Swift ha contratacado por alguna razón, quizá simplemente su anhelo de ser número 1 por 5ª semana consecutiva, y ha sacado por sorpresa una edición más de su largo. En concreto una en CD que contenía como bonus track una versión acústica de ‘But Daddy I Love Him’. Esta edición no salía hasta el 31 de mayo, pero misteriosamente se ha adelantado. Alguien en Popjustice ha escrito: «algo ha pasado entre Billie y Taylor, por pequeño que sea».

Como resultado, según las previsiones de Hits Daily Double, ‘The Tortured Poets Department’ se adelanta con 350.000 copias. Mientras, ‘HIT ME HARD AND SOFT’ quedaría en 300.000.

Quizá reaccionando a esto, Billie Eilish ha publicado en la madrugada del miércoles al jueves, versiones aceleradas y ralentizadas de su disco ‘HIT ME HARD AND SOFT’. Solo pueden conseguirse por 6,99 dólares a través de su página web, por tiempo muy limitado. Solo durante este jueves, justo el día en que acaba la semana que trackea Billboard.

Os dejamos con las últimas novedades musicales de ambas: un remix de ‘Fortnight‘ -el single de Swift con Post Malone- para la pista de baile a cargo de BLOND:ISH, y una versión extendida de ‘L’amour de ma vie’.

PinkPantheress, Gambino, Tinashe… en lo nuevo de KAYTRANADA

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KAYTRANADA ha anunciado la inminente llegada de su tercer disco en solitario, que estará lleno de colaboraciones de alto nivel. ‘TIMELESS’ estará disponible el próximo viernes 7 de junio y entre sus filas están nombres como PinkPantheress, Childish Gambino, Thundercat, Anderson .Paak o Tinashe, entre otros.

El DJ y productor haitianocanadiense lo ha anunciado en su cuenta de Instagram a través de un link a su renovada página web. ‘Lover/Friend’, junto a Rochelle Jordan, y ‘Stuntin’, con Channel Tres, fueron los primeros adelantos del LP. Ambos repiten en el tracklist.

El resto de nombres que acompañarán a Kaytranada en este disco son, en orden de aparición, Lou Phelps, Durand bernarr, Don Toliver, Charlotte Day Wilson, Ravyn Lenae, Dawn Richard, Tinashe, Anderson .Paak, SiR, Childish Gambino, Thundercat, PinkPantheres y Mariah The Scientist.

Tracklist:
‘Pressure’
‘Spit It Out (ft. Rochelle Jordan)’
‘Call U Up (ft. Lou Phelps)’
‘Weird (ft. Durand Bernarr)’
‘Dance Dance Dance Dance’
‘Feel A Way (ft. Don Toliver)’
‘Still (ft. Charlotte Day Wilson)’
‘Video (ft. Ravyn Lenae)’
‘Seemingly’
‘Drip Sweat (ft. Channel Tres)’
‘Hold On (ft. Dawn Richard)’
‘Please Babe’
‘Stepped On’
‘More Than A Little Bit (ft. Tinashe)’
‘Do 2 Me (ft. Anderson .Paak & SiR)’
‘Witchy (ft. Childish Gambino)’
‘Lover/Friend’
‘Wasted Words (ft. Thundercat)’
‘Snap My Finger (ft. PinkPantheress)’
‘Stuntin’
‘Out Of Luck (ft. Mariah The Scientist)’

Calvin Harris desvela su primera colaboración con Miley Cyrus

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Calvin Harris ha revelado que tiene una colaboración con Miley Cyrus guardada en su disco duro. Lo ha hecho pinchando un buen trozo de la canción durante su último concierto en México. Sería la primera colaboración entre el dj y productor británico y la superestrella estadounidense.

«The fact that I still love you in the morning, tells me that your body might be home for me», canta Miley en los primeros versos, sobre una base acústica de guitarra. «We were dancing, we were wild in the ocean», suena justo cuando entra el beat, totalmente de club, pero alejado del reggaetón.

Tate McRae desata la locura en Vistalegre

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Beth Saravo

Todavía quedaban carteles en Vistalegre del evento de VOX con Milei el pasado fin de semana, ese que puede movilizar a lo grande a la izquierda en las Elecciones Europeas del 9-J, cuando los fans de Tate McRae -muchxs de ellxs LGTB+ y fluid- estuvieron cerca de llenar el mismo Palacio este martes. La cantante se ha anotado un par de hits masivos en los últimos meses, pero uno nunca sabe si los millones de streams, de seguidores y de oyentes se traducirán en un llenazo de un arena de 10.000 personas o son solo humo que prende y se desvanece en el mismo sitio: TikTok.

Vistalegre lució petado, si bien con alguna parte de los graderíos cerrada. Tate McRae, que tiene 20 años, todavía no es capaz de congregar a enormes masas, pero la noticia que dejó su paso por Madrid es que podría conseguirlo muy pronto. Lo tiene todo: actitud, voz, músicos, bailarines, fans entregados… O casi: tan sólo le falta algún hit más.

La artista es una bomba desde que salta al escenario al ritmo de ‘think later‘, la canción que da título a toda la gira y a su segundo disco, un álbum que pasó un poco desapercibido por las listas, dada su edición un absurdo 8 de diciembre. Sin embargo, a pesar de las cifras, a su público le ha llegado, y la primera nota de cada tema es recibida cual segunda venida de Cristo. Influencers en las últimas filas se graban chillando por ejemplo ‘feel like shit’ para luego compartir su vídeo desgañitado en las redes sociales. El griterío de la chavalada ante cada cucamona de Tate McRae, incluso en forma de sombra chinesca, es tal, que si lo hubiera oído directamente en Youtube habría dicho que es pregrabado. Cortado y pegado a la perfección, extraído como de un concierto de k-pop.

Pero no. Aquí todo es auténtico. Para empezar el sonido del concierto. Desde el primer momento, a ambos lados del escenario aparecen dos cubos gigantes sobre los que se mueven cuatro bailarines -dos chicos y dos chicas-. Dentro de ellos se ocultan -después serán más visibles y tendrán sus momentos de protagonismo- un batería y un guitarrista. El primero aporta contundencia y ritmo a todo el Palacio Vistalegre. El segundo hará rugir la eléctrica en primer plano en los desenlaces de ‘uh oh’ o ‘cut my hair’. Ahí es cuando es inevitable pensar que la música de estudio de Tate McRae, por momentos demasiado monocorde, no ha recibido el acabado idóneo. Que suena mejor en directo, con su banda en vivo.

Beth Saravo

Esto supone toda una sorpresa, pues en principio su actitud sobre las tablas parece más vinculada al hip hop. A una Fergie desafiante, o en España a una Lola Indigo. Pero que ella sigue su propios instintos lo demuestra haciendo funcionar las baladas con una solvente voz. Interpreta ‘calgary’ y ‘stay done’ subida en el cubo izquierdo, la primera vinculada al vacío que siente cuando vuelve a casa en verano por su cumpleaños y, junto a su familia de nuevo, cree por un momento que vuelve a tener 15 años. «Odio esa sensación», confiesa. La artista también se abre en ‘grave’, revelando que el año pasado sufrió la ruptura de una relación que parecía no tener fin, la más larga que ha tenido. McRae conecta de esta manera con la audiencia.

Y luego están los hits, algunos de ellos representados en un ring de boxeo. ‘exes‘ es un numerazo coreografiado. ‘she’s all i wanna be’, de su debut ‘i used to think i could fly’, con su vena pop-rock, otro de los «highlights» del show. Y por supuesto se reserva para el bis ‘greedy‘, con todo el Palacio Vistalegre celebrando su inmediatez, su tino, su concisión. Tenía dudas sobre este tema porque recuerda demasiado a ‘Promiscous’. Pero Tate McRae es un toro capaz de lidiar con todo: el concierto no había arrancado hasta que no se había pinchado la susodicha canción de Nelly Furtado. 8.

Ca7riel y Paco Amoroso firman un ‘This Girl Is Mine’ moderno con ‘EL ÚNICO’

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Ca7riel (pronunciado Catriel) y Paco Amoroso han anunciado una serie de conciertos en nuestro país como parte de su primera gira mundial, en la que presentarán ‘BAÑO MARÍA’, su último disco colaborativo. Los conciertos se celebrarán en Madrid, Valencia, Bilbao, Sevilla y Granada. Las entradas estarán a la venta hoy, miércoles 22 de mayo, en la página oficial de los artistas a partir de las 12 horas del mediodía en Argentina, las 17 horas en España.

Aunque nunca habían lanzado un proyecto de larga duración firmado por los dos, los argentinos Ca7riel y Paco Amoroso siempre han ido de la mano, lanzando juntos una gran retahíla de singles experimentales. De forma individual, ambos han construido unas carreras basadas en la versatilidad y la experimentación, principalmente mezclando hip hop, trap, electrónica y pop. Es justo lo que han hecho en ‘EL ÚNICO’, nuestra Canción del Día.

Como si fueran Michael Jackson y Paul McCartney, Ca7riel y Paco Amoroso intercambian versos sobre la chica que están conociendo, dándose cuenta a mitad de canción de que ambos hablan de la misma persona de la forma más carismática. «Llamo a Ca7riel y le digo: «Esta loca me tiene jodido»/Y Cato me dice: «También tengo una jugando conmigo», cantan, justo antes de confirmar que ambos están saliendo con una chica con «tatuaje en el cuello», «pelo negro» y «de silicona».

Ambos protagonizaron una polémica actuación en el Lollapalooza de Argentina el pasado mes de marzo, cuando en vez de actuar, se limitaron a reproducir su nuevo disco mientras ellos se relajaban en un jacuzzi en el escenario delante de miles de personas.

Estas son las fechas en las que ambos tocarán, esperemos, en España:
29.11 Madrid, España – Changó
30.11 Valencia, España – Loco Club
05.12 Barcelona, España – Razzmatazz 2
06.12 Bilbao, España – Crystal
13.12 Sevilla, España – La 2

Los fans de Oasis siguen sin aceptar la separación de Liam y Noel

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Los hermanos Liam y Noel Gallagher no se hablan desde 2009 y un críptico vídeo en Instagram no va a poner fin a esto. Sin embargo, los fans del mítico grupo de los 90 siguen sin aceptarlo.

Todo ha empezado con un vídeo en Instagram desde la cuenta oficial de la banda en el que se muestra una idílica casa frente a un lago junto a un audio que parece sacado de una sesión de grabación. Pese a su brevedad y a la poca información que ofrece, sin ningún tipo de caption, el clip se ha movido rápidamente por X despertando las esperanzas de cientos de usuarios.

El vídeo muestra el estudio -Samwills Studio- de Cornwall en el que los hermanos Gallagher grabaron su primer álbum, ‘Definitely Maybe’ (1994), uno de los discos que definió la edad dorada del britpop. Tal y como han señalado algunos internautas, es probable que se trate de una estrategia para tentar una reedición del debut de Oasis por su 30 aniversario. Concretamente, se cumplirán 30 años desde su lanzamiento el próximo 29 de agosto.

Esto coincide con la siguiente tanda de conciertos de Liam Gallagher, en los que visitará el Reino Unido e Irlanda para presentar en directo las canciones de ‘Definitely Maybe’. «No hagáis esto. No me deis esperanzas», comentaba un usuario. Otros prefieren engañarse a sí mismos: «Por favor, que esté pasando».

Saiko / SAKURA

¿Es posible que los medios de comunicación dediquemos más atención a los artistas que son número 1 a la vez en singles y discos en los países anglosajones, que en nuestro propio país? Mientras la prensa generalista continúa preguntándose por el secreto del éxito de Taylor Swift, el granadino Saiko copa actualmente tanto la lista de sencillos como la de álbumes en España. Todo ello con un impacto mediático muy limitado, y sin ni un solo tema en la lista de Los 40 Principales.

Saiko lo logra, además, desde la independencia de su sello SAIKONETA. Una empresa que ya da de comer a 14 personas, padres de Saiko y hermano mayor incluidos, además de a otras 20 personas asociadas. A ver si alguna se decide a apuntarle a los Premios MIN de 2025.

Miguel Cantos Gómez, que decidió ponerse Saiko cuando, participando en las batallas de gallos, se dio cuenta de que nadie sabía pronunciar «Psycho», sí procede realmente de la pequeña localidad de Armilla, a diferencia de Rosa López, que se lo inventó para construir un relato vendible en Operación Triunfo. Allí, el joven que esta semana cumple 22 años, creció seducido por el talento de paisanos como Yung Beef o Dellafuente. La Vendición aparece mencionada en el tema que abre este primer disco, Dellafuente también, y además este es invitado en el segundo de la secuencia, ‘LUNA’.

‘3 CAÍDAS’ nos habla sobre su ascenso al éxito «sin publicidad» y ha contado con la banda así llamada de Triana. Lo mismo este desfile de cornetas y tambores debería estar prohibido desde que C. Tangana utilizara la marcha ‘El amor‘ de Rosario de Cádiz para abrir ‘Demasiadas mujeres‘, pero al menos Saiko puede decir que es andaluz. Lo seguro es que en esos primeros instantes del álbum ha querido presentar sonidos más intensos y ambientales, alejados de las modas, para dar empaque a su trabajo. Y el mismo recurso se repite al final, cuando el disco se cierra con la ‘NANA DEL HILO ROJO’, su «Duérmete, niña» particular; y ‘ÁNGEL DE LA GUARDA’, casi una balada al piano.

En medio, encontramos la sucesión de hits, que sería reduccionista en 2024 enmarcar en un entorno de reggaeton y trap. El punto de inflexión en la carrera de Saiko fue publicar en 2023 un remix de ‘POLARIS‘, un tema que había sacado el año anterior, sumando a superestrellas como Feid, Quevedo y Mora. Aunque personalmente me quedo, por mucho, con el tema que sacó a continuación aplicando lo aprendido. ‘SUPERNOVA’, con su estribillazo «Y no lo entieeeeeeendo / fue tan efímero», usa una base de drum&bass similar a la del ‘POLARIS’ original para elevarse hasta el cielo. Sin duda, una de las mejores canciones de 2023, y sin «featuring». La prescindible colaboración de J Balvin en otro tema de este disco certifica que Saiko se vale muy bien solo.

El actual éxito de Saiko, ‘BADGYAL’, sí es con Dei V y JC Reyes, y no es tanto un tributo a Bad Gyal como un retrato divertido de alguien que se está arreglando para salir de fiesta, frente al espejo. Contiene guiño a ‘Anaconda’ de Nicki Minaj, y no es la única gracieta que encontramos en ‘SAKURA’. Entre rimas predecibles como la de ‘ESKELETO’ («Si quieres lo meto pero no te prometo / Tan dentro que siento hasta el esqueleto») o ‘NÚMERO TELEFÓNICO’ («Si quieres te lo pongo en la boca como un lollipop», «te doy el lollipop sin plástico»), tengo que reconocer que la de comer coño cuando su chica tiene la regla no me la esperaba: «Si está en sus días del mes, el bigote me lo deja como el pelo de Ed Sheeran / No dejes gota, vampira».

El desamor se cuela entre los textos sobre fama y sexo y así, ‘BOREAL’ lamenta que «por amor nadie se muere, pero yo me estoy muriendo, porque sé que tú ya no me quieres». ‘COMO SUENAN LAS ESTRELLAS’ tiene la tristeza de una melodía de Los Chunguitos. Incluso en ‘FINALES DE AGOSTO’ dice «sentirse ridículo cenando Ben & Jerry’s y viendo ‘Noah’s Book». Saiko le da de esta manera todo lo que quiere al público adolescente y post-adolescente, aunque también afina a veces en cuanto a producción.

‘La Rijana’ presenta buenas texturas electrónicas, y ‘YO LO SOÑÉ’ merece una mención especial, de calle. Saiko se acuerda de una canción que no recordaba nadie, la del Mariachi de Antonio Banderas, para hablar del combate de Ilia Topuria contra Volkanovski en la categoría Peso Pluma de la UFC. El tema incluye la frase «En serio, ¿no te sientes ridículo diciendo en pleno 2024 que no sería nadie sin el Auto-Tune, bro?». Y por si no es suficiente para que te des cabezazos contra la pared, ha llamado a Omar Montes para cantarlo. No te molestes en odiarlo. A Residente le encantaría.

flowerovlove incluye chiques en su particular «Boys, boys, boys»

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Entre las novedades de este viernes, ha destacado lo nuevo de flowerovlove. Conocimos a la jovencísima londinense Joyce Cisse por ser una de las apuestas de Primavera Sound el año pasado, y desde entonces ha seguido lanzando canciones. La fresquísima ‘a girl like me’, publicada en noviembre, ha terminado convirtiéndose en su canción más popular, y este verano será el momento de disfrutar de su nuevo single ‘BOYS’. Es la Canción del Día para este martes.

Como la canción homónima de Sabrina, o mejor, como la canción homónima de Charli XCX, más reciente y parecida, es una oda a los chicos en los que flowerovlove no puede dejar de pensar.

Así lo explica ella misma: «‘BOYS’ es sobre estar tan locamente enamorada de los chicos que no puedes comer, dormir, pensar o respirar. Son todo en lo que puedes pensar, corriendo por tus venas de la mejor manera posible, porque fantasear sobre un crush es el mejor sentimiento y el más mareante de la historia».

Con todo lo típico que pueda sonar, el tema es ágil, funcional y divertido. Además, en sus 2 minutos y medio escasos de duración, tiene tiempo de añadir un pequeño «plot twist». A arquetipos como «el supermodelo alto» y «la estrella de una novela», flowerovlove le suma un tipo de chico diferente, que también le gusta, y que hace muy difícil su decisión.

Sucede en la estrofa en que también elogia a los «chicos que usan su maquillaje» y los que «se ponen celosos de sus zapatos». Por último, añade una pequeña línea más cerca del empoderamiento que de la dependencia: «Si crees que mereces mi tiempo, ponte a la cola, porque hay tantos que simplemente no puedo elegir».

Eso sí, al realizar su videoclip, flowerovlove ha concentrado su fantasía en un solo chico, con el que realiza una simpática coreografía.

Lo mejor del mes:

5 hitos que construyeron a Blondie

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Si JENESAISPOP hubiera existido a finales de los 70 y principios de los 80, ¿cuántas veces Blondie habrían hecho la Canción del Año o casi? De esa premisa parte el nuevo episodio de REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP. Aprovechando su inminente actuación en Mallorca Live Festival, donde estarán en la jornada de jueves antes de Underworld y Michael Kiwanuka (viernes) y Pet Shop Boys y Aitana (sábado), repasamos la carrera de la banda liderada por Debbie Harry.

En esta aproximación a la carrera de Blondie, nos centramos en 5 puntos clave. En primer lugar, el lanzamiento de su primer single ‘X Offender‘ (y su cara B ‘In the Sun’, pinchada en la radio por accidente) es la excusa para que recordemos sus dos primeros discos. El momento en el que el grupo liderado por Debbie y su novio Chris Stein estaba buscando su sonido entre la new-wave neoyorquina, el punk más accesible y su pasión por el sonido girl-group. Blondie, que sacaron su debut el mismo año que los Ramones, y uno antes que los Sex Pistols, aspiraban en verdad a ser tan universales como los Beatles o Beach Boys.

El segundo hito es por supuesto la edición de su gran obra maestra, ‘Parallel Lines‘ (1978), bajo la producción de Mike Chapman. Un discazo en el que la revolución disco de ‘Heart of Glass’ no fue hasta el 4º single, y su hitazo ‘One Way or Another’, el 6º. No hace falta decir nada más.

A continuación, ‘Eat to the Beat‘ (1979) será el disco de consolidación pese al caos en la grabación y a los egos en la banda, gracias a temas como ‘Dreaming’ o ‘Atomic’. Además, en estos últimos instantes de los 70 y principios de los 80, les sorprenderá el pelotazo de ‘Call Me’ al incluirse en la banda sonora de ‘American Gigolo’.

El cuarto hito que seleccionamos es la renovación de sonido que supuso la versión reggae de ‘The Tide Is High’ y sobre todo el rap de Debbie Harry en ‘Rapture‘. Ambas fueron incluidas en el ya algo irregular ‘Autoamerican’ (1980). Pero el grupo sí sacará al fin todo el brillo posible a su relación con el underground de Nueva York. Será el primer rap que una mujer blanca llevará al número 1 del Billboard Hot 100.

Finalmente, el último hito en que nos centramos en esta hora de conversación es en el súper comeback que supuso ‘Maria‘ en 1999, después de 17 años de separación. ‘No Exit’ no será uno de sus mejores discos, pese a lo reivindicable de temas sueltos como ‘Nothing Is Real But the Girl’ o ‘Screaming Skin’, pero ‘Maria’ sí supondrá en enorme éxito y un número 1 en Reino Unido o España, cuando la banda ya sobrepasaba los 50 años. No es imaginable un concierto de Blondie en el que no suene este tema que lanzaron más de 20 años después de su debut.

A modo de bonus track recordamos el kitsch deliberado de su última obra hasta la fecha ‘Pollinator‘, en cuyos créditos asomaron Charli XCX, Dev Hynes, Sia, Joan Jett o Laurie Anderson.